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De la Rosa Zamorano Dafne

La música y pensamiento arquitectónico Barroco "La arquitectura debe transmitir un mensaje, de lo contrario, no será buena arquitectura, y mientras la buena arquitectura habla, son sólo las grandes obras las que cantan..."

o Introducción De acuerdo con el principio general según el cuál una determinada orientación artística sucede sin aparente solución de continuidad a la tendencia que le es opuesta, el siglo XVII se caracterizó por la aparición del estilo barroco, encuadrado entre el renacimiento y el clasicismo, en el cuál la pureza clásica renacentista se vio desplazada por la complejidad, la tensión de las formas y el dinamismo de las composiciones. A la palabra barroco se le atribuyó un sentido peyorativo, procede de la voz portuguesa barrueco, que significa “perla irregular”; representa el mundo de manera artificiosa y se aleja de la imitación de la naturaleza y de los parámetros clásicos del renacimiento, pero el contenido da más prioridad a la manifestación de los sentimientos. A lo largo de mucho tiempo se le consideró un estilo deshonroso y una simple degeneración del renacimiento, pero actualmente es considerada una de las corrientes más bellas e importantes del arte que se extendió desde 1600 hasta aproximadamente 1750. Los neoclásicos de la segunda mitad del siglo XVIII consideran al barroco como una complicación excesiva de los principios del renacimiento, con el resultado de un estilo ostentoso, cargado, poco natural y desigual, y con una música armónicamente confusa y llena de disonancias. En cambio, ya entrado el siglo XIX, se revaloriza el barroco y sus compositores se veneran de nuevo. Ya no se contempla al barroco como una degeneración del renacimiento, sino como un período con un lenguaje propio, técnicamente complejo y lleno de simbologías. Esta dualidad valorativa sobre el barroco causa cierto conflicto hasta nuestros días, aún así, el barroco se presenta como uno de los momentos más interesantes de la historia de la arquitectura: tiene como significado recargo, excesivo o adornado, por lo que es común encontrar obras de arte en las que no queda ni un espacio que rellenar. A esto se le conoce con el nombre de "Horror Vacui" (miedo al vacío). Es una época de gran fecundidad para el mundo de la cultura, el arte y la ciencia. Se darán cita personajes importantes en el mundo de la literatura como

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Lope de Vega; en la pintura contaremos con artistas como Velázquez; además de destacar científicos como Galileo Galilei o Newton. Las monarquías absolutas dominan el panorama político de una Europa que está sumida en un continuo de luchas políticas y guerras. El poder sigue estando en manos de la aristocracia y de la iglesia, que quieren mostrar su autoridad organizando grandes espectáculos en los que la música siempre estará presente. Se convierten, para ello, en mecenas de los mejores artistas, los cuales trabajarán en sus grandes cortes y palacios. La sociedad barroca se debate entre dos extremos: por un lado, la suntuosidad, el lujo y los sueños de grandeza; por otro lado, el desaliento, la pobreza, las derrotas militares y la corrupción política. Ese contraste entre lo que se desea ser y lo que se es, que constituye uno de los rasgos más característicos de la época. Debido a la crisis sufrida durante este período, el hombre adopta una actitud escéptica, desconfiada y pesimista. Se tiene una visión muy negativa del mundo. El hombre ve al mundo como un lugar caótico y está obsesionado con la brevedad de la vida y con el paso del tiempo. Esto se debe al pesimismo y desengaño que sienten ante el mundo. El pensamiento barroco está dominado por la idea de que la realidad es difícil de entender y que al hombre solo le es posible conocer una parte de ella, pues esta cambia con facilidad. Surge así una sensación de inseguridad, y se llega a considerar a la vida como algo ficticio, como un sueño, o como si estuviera ocurriendo en un teatro. El hombre barroco no persigue la belleza, tal y como se había hecho en el renacimiento, sino que fundamenta su pensamiento en torno a dos aspectos opuestos: la razón y el sentimiento. La razón en cuanto que intentan buscar la lógica y el lado científico de todo y el sentimiento del ser humano que se hará evidente en todos los campos; en el musical sobretodo en la ópera. Se transforma la concepción del hombre renacentista, se duda que este sea bueno por naturaleza. Se analizan en forma acabada sus defectos e imperfecciones, destacándose lo feo, lo desagradable. Se impone entonces una concepción fatalista de la vida, según la cual el hombre está en el mundo para sufrir, siéndole difícil el logro de la felicidad, a la que sólo puede acceder por medio de sacrificios y luchas contra la tentación y el mal, momento en que conseguirá la salvación.

De esta forma, el barroco es una época en que lo religioso vuelve a ocupar un lugar de preponderancia en la vida personal y colectiva. Términos como 2

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esplendoroso, dinámico, grandioso y complejo, vienen a ser los más adecuados al momento de definir el arte barroco. Este modifica las formas del renacimiento para hacerlas más flexibles e imprimirles una movilidad y un sentimiento desbordante, hasta alejarlas del equilibrio y del clasicismo renacentista. Ciertamente, el barroco no fue un arte exclusivamente religioso, también tuvo enseguida una vertiente secular muy importante. En esta época, ocurrió un afianzamiento de las monarquías europeas, y donde se pusieron los cimientos del Estado moderno, burocrático y centralizado. El barroco convenía mejor que ningún otro estilo a estas necesidades de lujo y suntuosidad, y su difusión concordaba bien con los gustos de la opinión general de aquella época en la que entraban a la vez el gusto popular por el espectáculo, y la convicción de los teóricos políticos de que “el poder sólo se realza adecuadamente si se manifiesta a los ojos de todos por un brillo fastuoso”. Pero este período no se caracteriza por desarrollo de tratados o textos teóricos, relegándose a la publicación solo de libros sobre obras de algunos arquitectos. La escultura, arquitectura, pintura y literatura serán las manifestaciones más profusas. Podríamos decir que la arquitectura barroca es resumen y paradigma del espíritu de la "civilización del barroco". En ella se adoptan las líneas curvas frente a las rectas por generar aquéllas mayor dinamismo y expresividad. Las fachadas adquieren la máxima importancia pues en ella se suelen volcar los mayores empeños decorativos. Por el predominio de los elementos decorativos sobre los constructivos, se puede afirmar que el estilo barroco más que un estilo de arquitectura es una forma de decoración arquitectónica, pero para comprender este estilo es preciso ponerlo en relación con la sociedad y el ambiente espiritual de su época; la comprensión en toda su complejidad, sólo es posible desde una perspectiva que incorpore las condicionantes culturales y territoriales que subyacen en su arquitectura ya que no se puede entender plenamente este período histórico si no se conoce quienes lo produjeron y dentro de que contexto histórico y geográfico. Hablamos previamente sobre que se trata de una época de desordenes y de cambios; dificultades para las monarquías, malas cosechas que empobrecen al pueblo, ansias de poder de la nobleza, conflictos religiosos y hegemónicos que derivan en la Guerra de los Treinta Años, etc. A consecuencia de esto, el arte como parte de la vida, ha de reflejar estos desórdenes, pero el sentimiento y el deseo de expresión, posiblemente a causa de la abundancia de conflictos, está más presente que en ninguna otra época.

Su trascendencia está dada por su habilidad de reinterpretar lo local, de asumirlo, incorporarlo y expresarlo plenamente, no como una manifestación menor o subordinada a los modelos ya consagrados sino como una obra con identidad propia. Tiene la virtud de transformarse en expresiones que, aun 3

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reconociendo una filiación común, adquieren una personalidad particular que las distingue de acuerdo al contexto cultural en el que se desarrollan. Si abordamos el estudio para comprender la esencia del barroco a partir de la definición de los conceptos arquitectónicos esenciales: el espacio y sus límites, el color, la luz y la decoración pero entendidos como producto de una sociedad en un espacio y en un tiempo determinado, podremos establecer las variaciones que lo singularizan y le dan identidad. De este modo, el barroco se caracterizará no sólo desde el punto de vista formal, sino también incorporando al análisis metodológico el modo en que esta arquitectura da respuesta a los condicionantes espacio-temporales. Así es que estudiar el espacio y los elementos esenciales que definen a la arquitectura, el tratamiento de sus límites y la luz, es esencial para comprender el pensamiento barroco. Además el espacio se presenta como la expresión de fuerzas interactuantes internas y externas a la creación. Las primeras originadas por la personalidad del artista y las segundas por el contexto cultural que lo produce y por la estructura psicológica y cognitiva de quien lo percibe. Se plantea así la posibilidad de interpretación del barroco ya no como una visión deformada de la naturaleza en cuanto a las reglas clásicas consagradas en el renacimiento, sino como una forma diferente de expresión del mundo a partir de la percepción propia de cada sujeto. Ésta, además, será considerada de un modo más amplio donde el hombre no solo percibe pasivamente sino que es portador de un esquema cognitivo propio que decodifica los mensajes propuestos por la arquitectura como producto cultural. De este manera la arquitectura se define no solo por el contexto cultural y la personalidad de quien la produce sino también por quien la recibe, entendiendo al hombre como constructor de su propio espacio existencial. Este, va a ser el producto de la conjunción de la cultura donde se desarrolla la obra y de quien la decodifica. Si bien los elementos que plantea este enfoque no son nuevos, intenta una mejor comprensión de las manifestaciones estéticas producto de los procesos de aculturación, ya que en ellas coexisten sistemas de valores y cognitivos que se producen en distintos espacios y tiempos y que muchas veces coexisten. En la arquitectura es complejo, ya que la forma no sólo tiene la virtud de “ser” sino también de “contener”. Por lo tanto un análisis más amplio y comprensivo de ella nos llevaría a retomar el concepto de espacio, pero profundizando en su naturaleza y especialmente en su relación con el hombre. Ya no es el vacío que puede ser modelado de diferentes maneras como respuesta a determinados conceptos espaciales, sino el lugar que estimula las acciones del ser humano y la concreción de sus necesidades esenciales tanto psíquicas como físicas. 4

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El análisis del espacio a la luz de las disciplinas del conocimiento humano, como la psicología, la sociología o la antropología, permiten interpretar la arquitectura como expresión de una sociedad, identificando más claramente las condicionantes de su propio tiempo y lugar. Entre las numerosas investigaciones realizadas sobre el espacio, es NorbergSchulz quien estudia el concepto de espacio como “una dimensión de la existencia humana”, diferenciando dos principios: el espacio existencial y el espacio arquitectónico. Según este autor: “El espacio arquitectónico puede definirse como una “concretización“ del espacio existencial. El “espacio existencial “es un concepto psicológico que denota los esquemas que el hombre desarrolla en su interacción con el entorno para progresar satisfactoriamente. El espacio existencial del hombre está, pues, determinado por la estructura del ambiente que lo rodea, pero sus necesidades y deseos crean una regeneración. (...) el “espacio existencial”, siendo una de las estructuras síquicas que conforman parte de la existencia del hombre en el mundo tiene como contrapartida física el espacio arquitectónico”. Al llegar a este punto es oportuno incluir un concepto que es fundamental en la consideración del espacio barroco: la percepción. Al destacar la importancia del espacio como dimensión de la existencia del hombre y los diferentes modos en que este se relaciona con su medio a través de las formas construidas no hacemos otra cosa que definir un esquema teórico en el que se inserta nuestro modelo de análisis aplicable al barroco. Las ideas esenciales del barroco italiano del siglo XVII, no surgen de una definición a priori o teórica sino de la experimentación espacial y formal de tres arquitectos: Francesco Borromini, Gianlorenzo Bernini y Guarino Guarini. Para Borromini y Guarini el espacio va a ser el elemento constitutivo de la arquitectura. El primero lo define a partir del uso de la pared ondulante y la continuidad de los límites del espacio y, el segundo por la interpenetración y yuxtaposición de células espaciales.

Bernini, en cambio, caracteriza el espacio a partir de la incidencia de la luz, de un modo escenográfico, y del tratamiento de los límites mediante la fusión de la pintura y la escultura con los elementos propiamente arquitectónicos del edificio. La obra de estos tres arquitectos va a ser fundamental para definir los rasgos esenciales del Barroco del siglo XVII. Pero, su mayor aporte es plantear como eje de la experimentación barroca al espacio arquitectónico y a los distintos aspectos que lo cualifican. A partir de este momento, en el análisis arquitectónico, temas 5

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como la decoración y la luz no puede considerarse disociadamente, ya que contribuyen de un modo unitario a la percepción espacial barroca. Aún cuando la estructura formal del espacio puede ser diferente, en todo momento este es el protagonista de la composición en una estrecha relación con el hombre, que lo percibe y le aporta su propia dimensión existencial. La experimentación formal barroca de Borromini, Guarini y Bernini en la Italia del siglo XVII logra de un modo sintético reunir los conceptos de extensión, recorrido y centro, configurando el espacio centralizado, unitario y dinámico, característico del Barroco. En el tratamiento de los límites que definen este espacio se utilizan como principales recursos arquitectónicos el uso de la luz potenciando sus efectos teatrales y el realce la superficie con sus diferentes texturas y colores. Esta riqueza expresiva busca reforzar la idea de lograr una unidad compositiva pero con un gran dinamismo espacial. Si bien la arquitectura adquiere un gran riqueza expresiva, esta no alcanzan aun la sensualidad que tendrá en el siglo siguiente. Las manifestaciones arquitectónicas del siglo XVII responden a un fuerte carácter retórico y persuasivo. Como vemos, el barroco ha sido un tema permanente de reflexión y entendiendo ahora un poco más como funciona la estructura de este pensamiento, podríamos abordar el tema específico y el propósito de esta investigación: ¿Existe relación entre la música y la arquitectura? Y de ser así, ¿cuál sería esta relación?, ¿en que afecta al pensamiento y cuál sería su importancia dentro del ámbito de la arquitectura? La evolución artística va a estar directamente relacionada con los cambios en los estados emocionales y en la conciencia individual y social producto de distintas culturas. Hemos mencionado con anterioridad que los sentimientos del ser humano en este pensamiento, se harán evidentes especialmente en el ámbito de la música, sobretodo en la ópera, pero antes de entrar al desarrollo de este tema, hablaremos un poco sobre la relación de la música con las artes y ciencias. La música guarda una íntima relación con las artes, las letras y las ciencias. Si nos quedamos en el terreno de lo artístico, la música se ha desarrollado junto con las demás disciplinas. Ha sido barroca cuando el barroco imperaba en Versalles, clásica por primera vez cuando en nuestras ciudades se construían edificios basados en cánones de belleza griegos; medieval cuando intentaba salir de la oscuridad para crear un lenguaje sólido e internacional. Se hizo polifonía cuando las agujas del gótico se elevaban al cielo. 6

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No se puede ver ni palpar; sin embargo, se siente. La música es una de las manifestaciones artísticas más universales y, a la vez, uno de los rasgos más singulares junto con el habla, del ser humano. Pero el lenguaje musical tiene también mucho en común con otro lenguaje que la inteligencia ha inventado para describir la realidad: la ciencia. Ésta habla de espectros, frecuencias, resonancias, vibraciones y análisis armónico. No es una simple coincidencia, no hay música sin física, ni música sin números. La música apela directamente al sentimiento, a la expresión de situaciones abstractas a través del sonido, creando una belleza temporal que queda en nuestra memoria. Vemos que la relación de la música con las demás artes es indiscutible, muchos han llegado a decir que es de ésta de dónde parten todas las demás; pero no trataremos aquí́ este tema sino que nos centraremos en aspectos más particulares de esta relación, como sería por ejemplo: el estudio de las proporciones de la música(recordemos que se trataba de proporciones áureas) y su uso en dos artes concretas, la pintura y la arquitectura. “La arquitectura es la música del espacio físico”

o Desarrollo La relación entre música y arquitectura ha sido un tema recurrente, comparando la proporción visual con la armonía sonora, en el siglo XIX, el filósofo alemán Arthur Schopenhauer describió la arquitectura de la siguiente manera: "La arquitectura es música congelada." Vitruvio entendía que la música en su estructura comparte con la arquitectura muchos de los elementos que la hacen posible, para Vitruvio el

arquitecto "también debe conocer la música, con el fin de que se familiarice con la ciencia matemática de los sonidos.” La arquitectura es una experiencia que puede manifestarse en lugares edificados, con la puesta en práctica de un conocimiento propio, y a través del movimiento, percibiéndose esta desde el interior y permaneciendo en el tiempo. Igual que la música, la arquitectura es una manifestación construida con armonía. Los antiguos relacionaban esta experiencia con una divinidad, "Harmonía", palabra que en su significado griego relaciona "en conveniente proporción y correspondencia de unas cosas con otras en el conjunto que componen", y donde el conjunto es resonancia de otro tiempo. 7

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Parafraseando a Vitruvio podremos decir que la música se compone de instrumentos, conocimiento y movimiento. Los instrumentos musicales son necesarios para producir la música, al igual que sin edificaciones es imposible experimentar arquitectura, pero la sola construcción de unos u otros no garantiza la experiencia musical o arquitectónica. La composición musical establece, a través del lenguaje propio de la disciplina y del conocimiento técnico del autor, la transmisión de la emoción a quién la escuche. Igual el arquitecto, a través del lenguaje propio de la arquitectura, proyecta sobre el edificio el conocimiento técnico que aportará significación a la mera edificación. Son las partituras y los dibujos el soporte del saber específico que cada disciplina, pero ni la partitura ni el dibujo son suficientes para experimentar la música o la arquitectura. Solo la interpretación final de la composición musical permitirá a través de cada uno de los fragmentos de la pieza, y de acuerdo con el contraste de tiempo entre ellos, el movimiento, alcanzar la experiencia completa de la música. De igual forma el movimiento a través del espacio entre los edificios, o en el interior de estos, permite con el contraste de tiempo alcanzar la experiencia arquitectónica. Es nuestro cerebro, y la forma de procesar la información que recibimos, bien por el oído, bien por la vista, la que nos muestra la intima relación entre la música y la arquitectura.

Los ritmos y tonos musicales, como “ciencia matemática de los sonidos” guarda una intima relación con la geometría del espacio, como “ciencia matemática de las figuras” y ambas son percibidas por la misma región de nuestro cerebro. “…la música es una ciencia que debe disponer de unas reglas bien establecidas; dichas reglas deben derivar de un principio evidente, principio que no puede revelarse sin ayuda de las matemáticas...” J. P. Rameau

Continuando con el pensamiento barroco, desde el punto de vista musical se desarrolla en el tiempo de una forma muy similar al llevado a cabo en otras artes como la arquitectura, la escultura, la pintura y a la vez con unas características comunes entre todas estas artes.

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La relación entre música y arquitectura del Barroco es el abandono de lo simple y la búsqueda de lo más complejo, más cargado; la puesta en juego de los contrastes. Entre las características generales del arte barroco musical están su sentido del movimiento, la energía y la tensión. El naturalismo es otra característica esencial; las figuras no se representan como algo sometido a un estereotipo o modelo sino de manera individualizada, con su personalidad propia. Los artistas buscaban la representación de los sentimientos interiores, las pasiones y los temperamentos, magníficamente reflejados en los rostros de sus personajes. La intensidad e inmediatez, el individualismo y el detalle del arte barroco hicieron de él uno de los estilos más arraigados, es uno de los periodos más ricos, fértiles, creativos y revolucionarios de la historia de la música. La arquitectura y la música son dos artes que caminan de la mano, las dos construyen y crean espacios, estructuras, geometría, texturas y colores. A lo largo de la historia esta relación ha ido evolucionando, avanzando y retrocediendo, mezclándose la una con la otra hasta llegar al punto en que una obra musical puede ser el inicio de la inspiración arquitectónica o un espacio la inspiración de la música. Por otro lado podemos encontrar una relación en la estructura como se establece en el barroco, cuyo máximo representante musical es J.S.Bach. Junto a los grandes maestros de la arquitectura barroca, como Borromini o Bernini, Bach caracteriza sus obras por los usos del bajo continuo que permanece durante la obra o con la reiteración variada de un segmento o sección, el uso de las curvas y la sensación pendular, la complejidad intelectual y conceptual de ambas artes, la construcción vertical, la técnica y el ritmo, trabajaban juntos en una nueva forma de producir la elevación sensorial y espiritual. La mejor forma de corroborar esta hipótesis, es sin duda escuchando a Bach y observando arquitectura de este período en forma simultanea. Como ejemplo de esta semejanza tenemos el preludio para cello No. 1 de J.S. Bach y la plaza de San Pedro del Vaticano de Bernini: Se asemeja el recorrido tonal y la vuelta al tono principal de la pieza con la forma circular de la planta de la plaza, comparando la característica rítmica del preludio con la gran columnata del "abrazo de San Pedro" que crean la misma sensación de hipnosis y te encaminan en un recorrido que acaba en la basílica o en el caso de Bach en el primer motivo del preludio. Ambas representaciones 9

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artísticas tienen origen en un patrón que se va desarrollando a lo largo de la pieza.

Bach es reconocido como el mayor contrapuntista de todos los tiempos. Supo crear un estilo propio compositivo asimilando las influencias italiana y francesa sin dejar de lado la tradición polifónica germana. Es importante la labor didáctica que la obra de J. S. Bach ha realizado a lo largo de siglos, imperecedera, que no obstante, tuvo su época de rechazo de 100 años en la que sus composiciones fueron catalogadas de obsoletas debido al estilo compositivo que utilizaba. No obstante, incluso en esa época, Bach era admirado y practicado en privado por los más grandes compositores posteriores. Bach realiza una búsqueda, un esfuerzo por encontrar el sistema temperado que permitiera poder modular a cualquier tonalidad sin limitación alguna. Lo que quiere es demostrar con el sistema de temperamento igual que esto es posible. En este aspecto se toma en cuenta lo que se conoce como Forma Musical. De esta manera se establecen parámetros que rigen a un género musical, así́ Bach compone una fuga por ejemplo, por medio de la repetición de líneas melódicas. 10

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Esto puede relacionarse en arquitectura por medio de diversos recursos espaciales, relaciones espaciales en base al vacío, de repente desde un balcón interno o un descanso de una grada, observamos un espacio en común, desde una sala, vemos el paisaje enmarcado. Esta secuencia de espacios puede ordenarse en base a una secuencia musical, es decir utilizar el orden y la arquitectura de la música como forma de composición arquitectónica. Aquí́ existe un ejemplo, de una sonata, y la distribución de los espacios musicales en torno a un orden preestablecido. Hay ejemplos del uso intencionado de las matemáticas y la búsqueda de proporciones precisas en obras de J.Sebastian Bach. Es imposible enumerar la cantidad de música escrita en base al equilibrio que otorga el aspecto formal de una composición y que nos resultan agradables, apasionantes y perfectas aún desconociendo su trabajo interno. El análisis de muchas grandes obras en general nos hace llegar a la conclusión de que los compositores, en numerosas ocasiones, buscan una relación matemática y una proporción exacta para establecer un equilibrio en la estructura de sus obras. Así́, Bach llega a utilizar las numerosas variaciones que se pueden realizar sobre la melodía de una forma fugada, trasladando el tema en todas sus posibilidades. Nos da la opción de interpretar una fuga al derecho y al revés, como si de un ejercicio de geometría se tratara. Aunque no podemos decir que es pionero en este campo, pues fue desde la Grecia antigua cuando se trazaron las diferentes escalas armónicas basadas en las proporciones numéricas. En el S.XIX, Seurat(1859-1891) defiende la constitución musical de la realidad: "el arte es armonía, la armonía es analogía de los contrarios, la analogía de las semejanzas, del tono, del color, de la línea, considerados a través de la dominante y bajo la influencia de una iluminación en colores alegres, serenas o tristes”. Esta definición, dada bajo el titulo de Esthétique, hace pensar en una teoría musical y emplea su lenguaje (dominante). Construyendo un sistema de analogías, Seurat llega a una metodología de líneas y colores que es comparable a la “base cifrada” que conocemos como propia de la música de la gran época de la polifonía, y sus cuadros están compuestos con un rigor igual al de J. S. Bach. Para el Barroco la realidad es la representación de las pasiones, las fantasías y la teatralización. Es de estos sentimientos que nacen ciertas teorías, como por ejemplo, la Teoría de los Afectos. Según el filosofo y pensador Descartes existen cinco tipos de afectos básicos: admiración, odio, deseo, alegría y tristeza. 11

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En el Barroco, había una gran afición a este tipo de representaciones, por lo que se llegó a formular la llamada doctrina de los afectos, que ponía las bases para representar en música las pasiones y los sentimientos: para expresar alegría se usaba el modo mayor, la consonancia, el registro agudo y el tiempo rápido; para representar la tristeza, el modo menor, la disonancia, el registro grave y el tiempo lento. En cuanto a la interpretación, la tristeza se puede expresar con el legato, la alegría con el staccato. Esta abundancia de variaciones del tema, el arte barroco une el movimiento y el reposo simultáneo, cualidades que se encuentran en las catedrales barrocas, así́ como en una fuga de Bach. En el barroco todo es contraste, la calma y la agitación, el instante y el infinito. Estructura y forma, textura, tempo, articulación, ornamentación… son también algunas de las características que unen a la arquitectura barroca con la música. Si el arte barroco representa al hombre de su época, la música barroca representa sus afectos y sentimientos. El hombre era concebido aún como miembro de un todo, no como individuo con libertad personal. La representación de los sentimientos humanos en la música barroca será pues estilizada y no personal.

Dentro del lenguaje musical barroco se van a dar una serie de importantes novedades que darán a este periodo una sonoridad característica indiscutible. Vemos como el pensamiento barroco (razón-sentimiento) se va a hacer muy patente en el panorama musical. Así pues, en este período se busca una codificación de todos los parámetros musicales como forma de ordenar y racionalizar la música. Pero además, se van a crear nuevas técnicas para poder expresar de la mejor manera posible los sentimientos. Desde el punto de vista musical estas características que se utilizan para representar los sentimientos, aparecen tanto en las técnicas y cualidades de la música predominantes en este periodo como en las nuevas formas musicales: el cromatismo (relativo a los colores; en ambos casos tanto los colores como los sonidos tienen en su origen relación las ondas bien visuales o bien auditivas), la expresividad (suscitar emociones), la intensidad (referencia a fuerza y debilidad; contrastes), el bajo continuo (marcar un ritmo) y por ultimo el bajo cifrado (marcar ritmos improvisados). Analizando el párrafo anterior, podemos aclarar una vez más la gran e importante relación que existe entre la música y la arquitectura, ya que éstas cumplen las mismas características predominantes. 12

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Pero, ¿la música en relación al pensamiento arquitectónico barroco tiene alguna justificación actual? “La arquitectura, como la música, es un arte temporal” Rihm

El concepto de espacio en arquitectura en el mundo moderno tuvo gran influencia en la búsqueda del tiempo, al entender que el desarrollo de un espacio no se puede entender en un segundo, sino a través de una secuencia, así podemos observar ejemplos en Mies Van der Rohe y su desarrollo de un recorrido en el Pabellón Barcelona, o Le Corbusier y el desarrollo de la Promenade Architectural en villa La Roche.

Todos estos desarrollos “temporales” están ligados desde antes de la modernidad, podemos identificar, por ejemplo, la aparición del corredor en arquitectura en 1597, y cómo este modificó la percepción del tiempo y del espacio. No es coincidencia que a finales del siglo XVI se hayan dado estas reformas, en el mundo de la música en estas fechas se produce un cambio de estilos, el barroco aparece con una mirada distinta de los principios fundamentales de la música, fuertemente relacionados al tiempo y al espacio. Sin embargo, al parecer, debemos identificar que los principios de tiempo y espacio siempre han estado ligadas a la música, al parecer la arquitectura pudo haber echado una mirada en estos preceptos para su desarrollo, y ese es el ejemplo de varios arquitectos alrededor de la historia. “En arquitectura la luz construye el tiempo, y la gravedad el espacio” Campo

Esta frase permite entender la mirada subjetiva de varios autores, esta máxima sólo se logró mediante la abstracción de los elementos de la arquitectura. Campo Baeza abstrajo elementos con los cuales basa su arquitectura, la luz y la gravedad, elementos que pueden estar relacionados con otras disciplinas, y de esta manera generar una relación, por ejemplo, entre arquitectura y pintura. De esta manera se puede generar una comparación entre música y arquitectura, 13

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desde sus elementos intangibles, eliminar lo formal como objetivo, eliminar lo alegórico y concentrarnos en la esencia de estas dos disciplinas. Éstas pueden ser representadas en dos grandes grupos, el primero se refiere a la relación entre música y arquitectura como máximas expresiones del arte, en las cuales al abstraer sus principios se encuentran correspondencias históricas, las cuales pueden servir de guión para ubicar donde debería estar la arquitectura en el mundo contemporáneo, y que procedimientos compositivos se deben utilizar para generar una arquitectura que tenga correspondencia al desarrollo de la música. Tenemos que entender entonces que la arquitectura y la música son mundos diferentes, con necesidades y funciones diferentes, sin embargo comparten un denominador común, la composición. Como vimos anteriormente, con elementos básicos de la composición en música, se puede encontrar una correspondencia lógica entre estos elementos y la arquitectura, y se definen como verticalidad y horizontalidad. Al realizar un análisis de estos términos en música, podemos concluir que la música tiene

relación al desarrollo de la armonía y melodía – ritmo y melodía, como elementos de desarrollo en sus composiciones. Los músicos más importantes componían sus obras en el sitio donde serían exhibidas, el espacio arquitectónico en sí era el que definía la obra, la construcción brindaba limitantes sonoras, como la reverberación, el eco, elementos que fueron herramientas para los compositores. Con estos elementos podemos identificar varias herramientas con las cuales se pueden diseñar en arquitectura, basándonos en música, los conceptos han sufrido una abstracción que nos permite traducirlos en arquitectura. Pero, ¿cómo ubicar los conceptos de horizontal y vertical en arquitectura?, existen varias posibilidades, desde la forma como tal, es decir una barra horizontal o una vertical, que sería la relación más formal, o alegórica a seguir, por otro lado existe la relación con el exterior. Como Peter Zumthor explicó en Thinking Architecture, la arquitectura debería basarse, o buscar inspiración en el mundo de la música contemporánea y su desarrollo, sin embargo hay que tener cuidado con el grado de relación que se llega a obtener, puesto que pertenecen claramente a mundos separados. Él explica cómo en realidad hay una relación entre música y arquitectura postmodernista, los quiebres y fracturas de los edificios, las formas ambiguas, son una expresión de una época, perfectamente relacionados al serialismo o al 14

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serialismo integral, sin embargo la relación es netamente superficial, formal, es una alegoría. Así como Zumthor recomienda tener cuidado en el acercamiento de las dos áreas, deberíamos utilizar al serialismo como mecanismo de liberación total de los elementos arquitectónicos en favor a las relaciones espaciales, no a una estructura formal. Podemos relacionar a la estructura de un edificio con los aspectos del serialismo en música, sin embargo lo que nos indica el serialismo integral es que existe mayor lugar para la exploración estructural, generar mediante estas nociones un “espíritu de la época”. “Arquitectura es cuestión de armonías, una pura creación del espíritu” Le Corbusier

o Conclusiones El Barroco, integró sus proporciones en conjuntos arquitectónicos dotados de una personalidad totalmente diferente y original. La arquitectura se convierte en un marco idóneo que acoge la plástica pictórica y escultórica, y las integra en un todo unitario. El dinamismo que contribuye a la configuración de un nuevo concepto del espacio, que es otro de los rasgos característicos del barroco: la interdependencia de las unidades del edificio en un todo coherente, dotado de unidad interior y exterior. La luz es un elemento importantísimo en la arquitectura barroca, al realzar la movilidad de los edificios y multiplicar los ángulos de perspectiva y el dinamismo de las formas; los arquitectos barrocos estudian cuidadosamente sus efectos en fachadas e interiores, y si complacen en crear efectos ópticos ilusionistas a base de luces indirectas que se proyectan en los interiores. Todo está envuelto por una aparatosa decoración, vivificada por efectos de luz que nunca como en esa época fue empleada como instrumento de eficacia arquitectónica. Resulta un poco difícil en un principio determinar cuál fue la mentalidad de los hombres del Barroco, porque fue un periodo rico en planteamientos culturales, en posturas religiosas y sobre todo en teorías filosóficas. La época fue vivida por la gran mayoría de la población desde una profunda e incluso mística religiosidad. El Barroco, es el arte de la retórica; la obra de arte es un medio de acción destinado a impresionar al hombre y estimular su actividad, es un arte creado 15

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para ejercer un importante efecto sobre los hombres, ilustrándolos, cautivándolos y convenciéndolos, busca llamar la atención con un sobrecargado universo de formas armónicas y bellas que tienen sentido y buscan transmitir algo. Es, pues, un arte efectista y teatral, que habla más que al entendimiento a la sensibilidad, y, por ello, a lo más íntimo humano, siendo a la vez popular y refinado, naturalista y subjetivo. Es la liberación espacial, mental, de las normas de los tratadistas, de las convenciones, de la geometría elemental y de todo lo estático, es también liberación de la simetría y de la antítesis entre espacio interno y espacio externo. A lo largo del desarrollo de esta investigación, podemos comprender que los elementos que comprenden la arquitectura y la música efectivamente se resumen y relacionan en los conceptos de tiempo y espacio. Es posible generar una arquitectura valiéndose del concepto de horizontal y vertical, así́ como de las diferentes soluciones estructurales basadas en los conceptos musicales. Todas estas relaciones están dirigidas expresamente al espacio en arquitectura, de la concepción de tiempo tanto en arquitectura como en música, buscando las correspondencias que permitan generar diferentes secuencias espaciales. Es posible buscar la integración del tiempo y el espacio, responder a la época en la que nos situamos y punto de partida del desarrollo de la arquitectura. La música ha sido, el mecanismo que ha generado las ideas expuesta, ha sido el guión que ha marcado los puntos de análisis y ha sido la forma de llegar a concebir una arquitectura de base intangible. Podemos comprobar que existe una correspondencia histórica en relación al desarrollo de la arquitectura y la música, llevando a cabo la abstracción de los elementos que forman parte de la composición de ambas ramas y mediante la analogía de diversas pautas. Elegir el barroco para la comprobación de la relación entre música y arquitectura representa un llamado de atención a otras artes en el sentido de la exploración de distintas posibilidades técnicas y compositivas. Podremos entonces, y gracias a la amplia divulgación de la música en la cultura, establecer una comparación y comprender la enorme dificultad para alcanzar la manifestación arquitectónica. Una abrumadora mayoría de los edificios hoy construidos no manifiestan un valor arquitectónico, como la gran mayoría de los sonidos que recibimos no son armónicos ni musicales. Pero si en algún momento, moviéndonos entre edificios, en el interior de alguno, o contemplando deslizarse la luz por sus muros, el hemisferio derecho de nuestro cerebro nos ha hecho sentir emociones análogas a las experimentadas al 16

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escuchar una música armoniosa, en ese momento hemos experimentado verdadera arquitectura. “La arquitectura es una música de piedras y la música, una arquitectura de sonidos” Ludwig Van Beethoven

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