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Equipo: Daniela Muñoz y Luis Fernando Pech Cevallos Diseño Gráfico 2.B Historia del Arte Art Nouveau 23 de agosto del 2012 Lic. Reyna Piñón

ART NOUVEAU

Movimiento artístico desarrollado a finales del siglo XIX y principios del XX El estilo, toma su nombre del francés y literalmente significa “arte nuevo”. El art nouveau perduró aproximadamente por un periodo de 20 a 25 años que decayó con la primera guerra mundial (1914).

En distintos países recibió diversas denominaciones: Modernismo (en España e Hispanoamérica) Art Nouveau (en Bélgica y Francia) Modern Style (en los países anglosajones) Jugendstil (en Alemania y países nórdicos) Liberty o Floreale (en Italia) Todas estos nombres hacen referencia a la intención de crear un arte nuevo, joven, libre y moderno, que representara una ruptura con los estilos dominantes en la época, como el historicismo, el realismo o el impresionismo. La utilización habitual de los términos modernism (en inglés) o modernisme (en francés) no se refiere a este movimiento artístico, sino genéricamente a las vanguardias o al arte moderno, dentro de lo polisémico de ambos conceptos.

El Art Nouveau se desarolló durante la Belle Époque (del francés: «Época Bella», con un matiz, además de estético, de pujanza económica y satisfacción social) es una expresión nacida antes de la Primera Guerra Mundial para designar el periodo de la historia de Europa comprendido entre la última década del siglo XIX y el estallido de la Gran Guerra de 1914. Etapa caracterizada por la expansión del imperialismo, fomento del capitalismo, enorme fe en la ciencia y el progreso como benefactores de la humanidad; también describe una época en que las transformaciones económicas y culturales que generaba la tecnología influían en todas las capas de la población (desde la aristocracia hasta el proletariado).

Aspectos sociales y económicos de la época La tendencia general en la gente de esta época era optimista y ambiciosa respecto al porvenir, gracias a las innovaciones tecnológicas que se difundieron masivamente. El positivismo (el defensor de la fe en la ciencia) y el cientifismo (que proclama que la ciencia lo explica todo) hicieron su aparición y empezaron a ganar abiertamente adeptos entre los intelectuales. La Belle Époque se hizo notar sobre todo en la arquitectura de los boulevards de las capitales europeas, en los cafés y los cabarets, en los talleres y galerías de arte, en las salas de conciertos y en los salones frecuentados por una burguesía y unas clases medias que sacaban provecho del desarrollo económico. La antigua aristocracia europea aún conservó una gran influencia política; no obstante, con el auge del capitalismo a gran escala, los aristócratas debieron compartir por vez primera, diversos privilegios junto a una burguesía ambiciosa y mucho más adinerada que en el pasado, la cual exigía (y muchas veces obtenía) una participación importante en las decisiones políticas gracias a su poderío financiero. Los cambios tecnológicos y económicos de este periodo acentuaron las divisiones entre ciudades y campos, así como entre los más pobres y los más ricos; la migración de campesinos hacia las ciudades (ya sea dentro de su propio país o hacia el extranjero) se hizo necesaria a fin de cubrir la urgencia de mano de obra para las industrias, y este fenómeno puso a amplias masas humanas en contacto directo con los adelantos tecnológicos de las urbes, lo cual muy rara vez ocurría en el pasado. Todas las grandes ciudades del mundo, como Londres, París, San Petersburgo o Berlín experimentaron desde 1890 constantes aumentos de población. A pesar de que la brecha entre pobres y ricos se mantenía, se hacía sentir la necesidad de que el naciente proletariado urbano también participara de esas transformaciones: el auge tecnológico hizo necesario el fomento de la educación en todos sus niveles, mientras que las noticias del mundo exterior se difundían más fácilmente gracias al ferrocarril y al telégrafo. El progreso científico propició también nuevos oficios especializados para el proletariado urbano (desde electricistas y chóferes de tranvía hasta plomeros y obreros metalúrgicos), lo cual influyó para un mayor desarrollo de los movimientos sindicales en todo el mundo. Esta transformación significó un cambio muy importante pues las masas populares no estaban sólo ubicadas en las zonas rurales sino además en las grandes urbes.

Había una insistencia en la promoción del progreso y resaltar la fe en la ciencia y la tecnología, exaltando la capacidad del individuo para dominar y vencer los obstáculos que le planteaba la naturaleza. El apogeo de la tecnología implicaba también que las potencias de Europa difundieran sus conocimientos técnicos, junto con la cultura occidental, y sus ideas políticas, ya fuera mediante la influencia indirecta (respecto de los países económicamente más débiles de Asia o América) o por el simple uso de la fuerza (en su respectivo imperio colonial). La economía empezó a "globalizarse" durante este periodo en la medida que, gracias a la expansión europea, cada vez más áreas del planeta se hallaban en mutuo contacto y dependencia económica debido al auge de la industria pesada y el desarrollo del comercio internacional; esto causa que los mercados de consumidores se expandan a niveles mucho más vastos. La Revolución Industrial en Europa causó que desde fines del siglo XIX la producción masiva de materias primas quedase a cargo de las colonias o de los estados periféricos (América Latina o China), mientras que Europa y Estados Unidos se especializaron en la producción industrial, cuyos mercados se hallaban ahora en todo el mundo. Además los avances tecnológicos y las nuevas fuentes de energía (reemplazo del carbón y el vapor por la electricidad y el petróleo) permitieron que la producción industrial sea más barata y en cantidad mucho mayor que en épocas pasadas. La información, por vez primera, empezó a difundirse fácilmente a grandes distancias, y de una forma masiva y veloz que no existía hasta entonces gracias al telégrafo, el teléfono, los ferrocarriles y los buques de vapor. La tecnología hacía que los costos de transporte se redujeran drásticamente y que las mercancías de toda especie pudieran recorrer distancias larguísimas. Con ello los mercados internacionales abarcaron no sólo a los países industrializados sino también a las colonias y a los países periféricos. El período de "paz y progreso" llegó a su fin de modo repentino con el estallido de la Primera Guerra Mundial en julio de 1914. Los inventos maravillosos del desarrollo tecnológico, como el avión, perdieron su imagen mágica cuando fueron utilizados para matar. Algunos historiadores señalan como el final de la Belle Époque el naufragio del Titanic, en 1912, percibido como el comienzo de la desconfianza humana hacia la tecnología. Además, aparecieron las tres corrientes pictóricas que marcarían el siglo

XX: el expresionismo y el fauvismo y el modernismo. Aparecieron también, a principios del siglo XX, nuevas corrientes de expresión pictórica, basadas en la ruptura con los cánones previos y en la admiración hacia la tecnología como el futurismo. Nuevas costumbres ocuparon el interés de los ciudadanos, como los deportes; los ingleses jugaban al fútbol, al cricket, golf, y tenis, exportando estos pasatiempos a todo el mundo. Asimismo en Francia se popularizó el ciclismo y esgrima.

El art Nouveau como movimiento artístico Entre sus características podemos mencionar que es el primer movimiento cultural que se desprende por completo de la imitación de estilos anteriores, pues antes de esta corriente, el romanticismo, la ilustración, el rococó, el barroco, generalmente fueron corrientes no originales, pues fueron corrientes copistas. Hubo una gran influencia del arte oriental para la inspiración. Muchos motivos del arte japonés, chino y arabesco salieron a relucir. En la estética nueva que se trató de crear predominaba la inspiración en la naturaleza a la vez que se incorporaban novedades derivadas de la revolución industrial, como el hierro y el cristal, superando la pobre estética de la arquitectura del hierro de mediados del siglo XIX. La naturaleza era la fuente de inspiración, pero no se limitaban a reproducir fielmente los motivos, sino que pretendía expresar los vínculos internos del ser humano con los procesos naturales. Se apoya en el simbolismo de la naturaleza y el ornamento como símbolo estructural. El Art Nouveau nació como una reacción polémica contra el academicismo y no se enseño en las academias. Sin embargo se desarrolló en talleres artesanales cuya inquietud era crear objetos que ofrecieran una utilidad práctica y un estimulo estético a los sentidos. Los creadores del art Nouveau tomaron su inspiraciones en los motivos y colores de la naturaleza. El art nouveau determinó un nuevo principio en el diseño: la decoración, la estructura y la función propuesta debían estar unificadas.

Apoyado en los elementos naturales, unían figuras para integrar conceptos abstractos como la sensualidad, erotismo, la miseria y la alegría. La naturaleza como fuente de inspiración no sólo abarcó plantas y animales, sino que se extendió hasta la naturaleza humana. Por lo general se detiene en la mujer joven a veces mostrando lánguidos y aun no florecidos cuerpos, gran belleza y largos cabellos. La mujer fue representada fuerte, sensual, semidesnuda y provocativamente triunfadora.

En gran medida estas aspiraciones se basaron en las ideas estéticas de John Ruskin y William Morris, que proponían democratizar la belleza o socializar el arte, en el sentido de que hasta los objetos más cotidianos tuvieran valor estético y fueran accesible a toda la población, aunque sin utilizar las nuevas técnicas de producción masiva que impedían el desarrollo del buen hacer artesanal. John Ruskin (Londres 1819 - 1900) fue un escritor, crítico de arte y sociólogo británico, uno de los grandes maestros de la prosa inglesa. Analizaba la importancia religiosa, moral, económica y política del arte. Se rebelaba contra el entumecimiento estético y los dañinos efectos sociales de la Revolución industrial. Su idea de belleza posee una doble naturaleza: la belleza abstracta de las cosas, sin ninguna consideración más que la forma; y la que se puede reconocer tras un proceso de elaboración y trabajo paciente del artista en la obra William Morris (Inglaterra 1834 - 1896) fue un artesano, impresor, poeta, escritor, activista político, pintor y diseñador británico, fundador del movimiento Arts and Crafts. Morris estuvo estrechamente vinculado a un movimiento que rechazaba la producción industrial en las artes decorativas y la arquitectura, y proponía un retorno a la artesanía medieval, considerando que los artesanos merecían el rango de artistas. El movimiento Arts and Crafts fue una escuela artística que surgió en Inglaterra a mediados del siglo XIX y se desarrolló en el Reino Unido y en los Estados Unidos durante los últimos años del siglo XIX y en los comienzos del siglo XX.

El movimiento revaloró, en plena época victoriana, los oficios medievales, con lo cual reivindicó la primacía del ser humano sobre la máquina, con la filosofía de utilizar la tecnología industrial al servicio del hombre: potenciando la creatividad y el arte frente a la producción en serie. Se caracteriza por el uso de líneas serpenteadas y asimétricas, y constituyó sobre todo un arte decorativo. Se trató de un movimiento estético que tuvo gran influencia sobre la arquitectura, las artes decorativas y las artesanías británicas y norteamericanas, e incluso en el diseño de jardines. Este estilo arquitectónico y decorativo que predominó entre los períodos del Art Nouveau (el modernismo) y el art decó (1920 a 1939, en algunos países hasta 1950), es decir, aproximadamente entre 1910 y 1925.

En México, gracias al afrancesamiento del presidente Porfirio Díaz (en especial por su admiración por Napoleón Bonaparte) la circunstancia social que vivió la ciudad de México durante la última década del siglo XIX estimuló el acercamiento de artistas e intelectuales a las novedades vigentes en Europa central. Así fue como ciertas modalidades del llamado Modernismo llegaron a la literatura, la arquitectura y las artes decorativas del cambio de siglo. Podría ser aventurado hablar de un movimiento Art Nouveau mexicano, sin embargo, se tiene la certeza de que en México se vendieron algunos objetos franceses pertenecientes a esta corriente.

El modernismo no sólo se dio en las artes mayores (pintura, escultura y arquitectura), sino también las artes menores, aplicadas o decorativas, en las artes gráficas y en el diseño de mobiliario, rejería, joyería, cristalería, cerámica, lámparas y todo tipo de objetos útiles en la vida cotidiana, incluido el mobiliario urbano, que pasó a tener gran importancia (kioscos, estaciones de metro, farolas, bancos, papeleras, urinarios). Las características que en general permiten reconocer al modernismo son: ▪

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Inspiración en la naturaleza y el uso profuso de elementos de origen natural pero con preferencia en los vegetales y las formas redondeadas de tipo orgánico entrelazándose con el motivo central. Las formas son orgánicas, especialmente vegetales curvilíneos y espirales (flores, hojas, tallos retorcidos), que rellenan todo el espacio (horror vacui). Uso de la línea curva y la asimetría; tanto en las plantas y alzados de

los edificios como en la decoración. ▪ Tendencia a la estilización de los motivos, siendo menos frecuente su representación estrictamente realista. ▪ Uso de imágenes femeninas en actitudes delicadas y gráciles, con un aprovechamiento generoso de las ondas en los cabellos y los pliegues de las vestimentas. ▪ Actitud tendente a la sensualidad y a la complacencia de los sentidos, llegando hasta el erotismo en algunos casos. ▪ Libertad en el uso de motivos de tipo exótico, sean éstos de pura fantasía o con inspiración en distintas culturas. ▪ Aplicación envolvente del motivo tomando alguna de las características anteriormente mencionadas en contraposición con las características habituales del elemento a decorar. El elemento destacado de tipo orgánico envuelve o se une con el elemento que decora.

La derivación de estas características en la década de 1920 dio origen al denominado Art decó, con el que a veces se identifica, aunque tiene características marcadamente diferentes. El art decó es una mezcla variada de estilos. Una de sus características es que se inspira en la naturaleza, pero siempre basándose en figuras geométricas, es decir era la interpretación de figuras humanas, animales, elementos de la naturaleza pero transformados en un diseño lineal y dinámico. Art Nouveau en artes gráficas El modernismo se extendió en las artes gráficas, tanto en la ilustración de libros y revistas (incluyendo la encuadernación y las cubiertas) como en el cartelismo (carteles, pósters o affiches publicitarios) y todo tipo de soportes: postales, paneles decorativos, papel pintado, estampados textiles, etc. Representantes de pintura modernista El Art Nouveau apareció también en las pinturas, ilustraciones y anuncios de la época. Algunos de los representantes más conocidos de este estilo son Aubrey Beardsley, famoso porque ilustró a Salomé de Oscar Wilde; Alphonse Mucha, el pintor checo más conocido por sus diseños de carteles; Gustav Klimt, pintor y muralista de Viena se destaca por su uso intensivo del oro y sus diseños de mosaico; Henri de Toulouse-Lautrec y Edvard Munch,

pintor noruego que produjo algunos de los más oscuros ejemplos del estilo. Alfons Mucha (24 de julio de 1860 - 14 de julio de 1939) fue un pintor y artista decorativo checo, ampliamente reconocido por ser uno de los máximos exponentes del Art Nouveau. Produjo al ilustraciones para revistas y publicidad. Pinto retratos e hizo pintura decorativa. Su salto a la fama lo logró con su primer cartel litográfico para la actriz Sarah Bernhardt y su Théâtre de la Renaissance, el cartel anunciaba la obra Gismonda de Victorien Sardou, apareció en los primeros días de enero de 1895 en los muros de París, y causó una auténtica sensación. Sarah Bernhardt ofreció inmediatamente a Mucha un contrato de exclusividad por seis años. Los carteles realizados para ella contribuyeron a difundir la fama de la actriz más allá de las fronteras de Francia. Hasta 1901, Mucha no solo fue responsable de los carteles publicitarios, sino también de las escenografías y los vestuarios del Théâtre de la Renaissance. Fue esta obra, con su estilo exuberante y estilizado, lo que le dio tanto fama como numerosas comisiones. Mucha produjo una gran cantidad de pinturas, pósteres, avisos e ilustraciones así como diseños para joyería, alfombras, empapelados y decorados teatrales (litografías) en lo que llegó a conocerse como el estilo Art Nouveau. Los trabajos de Mucha frecuentemente introducían mujeres jóvenes, hermosas y saludables, flotando, frecuentemente rodeadas de exuberantes flores las que a veces formaban halos detrás de sus cabezas. Declaró que pensaba que el arte existía para transmitir un mensaje espiritual y nada más; de allí su frustración por la fama que logró a través de un arte básicamente comercial. Cuando Checoslovaquia obtuvo la independencia, tras la Primera Guerra Mundial, Mucha diseñó sellos postales, billetes de banco y otros documentos gubernamentales para la nueva nación. Pasó muchos años trabajando en lo que consideró su obra maestra, La Épica Eslava (Slovanská epopej), una serie de enormes pinturas que describen la historia de los pueblos eslavos, que fueron donadas a la ciudad de Praga en 1928.

Gustav Klimt (Baumgarten, Viena, 14 de julio de 1862 – Alsergrund, Viena, 6 de febrero de 1918) fue un pintor simbolista austríaco, y uno de los más grandes representantes del movimiento modernista. Klimt pintó lienzos y murales con un estilo personal muy ornamentado, que también manifestó a través de objetos de artesanía. La obra de Klimt se ha identificado con la suntuosa decoración basada en dorados y elementos ornamentales de vivos colores. Aparecen elementos abstractos de un carácter sexual inconfundible en sus obras. Siendo la mujer uno de los temas más recurrentes de Klimt, resulta lógico que el artista representase muchas de las facetas del carácter femenino, aunque sentía especial predilección por un tipo de mujer agresiva y dominante que podría identificarse con el modelo icónico de la femme fatale. Su estética inconfundible, y cierto aroma decadentista con que se suele identificar su obra, lo han convertido en un referente ineludible de la moda y la estética contemporáneas.

Joyería, cristalería, cerámica, mobiliario y forja modernistas En los dos siglos previos, el énfasis en la joyería fina se había centrado en las gemas, particularmente en los diamantes por lo que la preocupación principal de joyero consistía en proveer un marco adecuado para su lucimiento. Con el modernismo surgió un nuevo tipo de joyería, motivada y encausada hacia el diseño artístico antes que en el mero despliegue de las gemas. Los joyeros de París y Bruselas fueron los que principalmente definieron el modernismo en la joyería y es en esas ciudades donde el estilo ganó el mejor renombre. Los críticos franceses contemporáneos eran unánimes al reconocer que la joyería estaba atravesando una transformación radical y que el diseñador, joyero y vidriero René Lalique estaba en su centro. Lalique glorificó a la naturaleza en la joyería, extendiendo su repertorio para incluir aspectos nuevos no tan convencionales –como libélulas y hierbasinspirados en sus encuentros con el arte japonés

Bibliografía http://www.arqred.mx/blog/2010/01/28/art-noveau-y-art-deco-en-mexico/ http://www.laberintos.com.mx/artdeco2.html http://www.difusioncultural.uam.mx/revista/nov2002/demattos.pdf http://artemonos.wordpress.com/2010/11/25/¿que-es-el-art-nouveau/ http://www.articulo.org/articulo/27704/el_art_nouveau.html http://todacultura.com/movimientosartisticos/artnouveau.htm http://www.puntoporpunto.com/opinion/cultura-y-otros-chuchos-el-ratonb/el_art_nouveau_arte_nuevo_no_e.php