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• Jose Alberto

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TEMA 7: LA MÚSICA EN S. XIV. EL ARS NOVA FRANCÉS Y EL TRECENTO ITALIANO. 1. La sociedad europea en el s. XIV. La economía y población sufrirían mucho en esta época. Las inundaciones en el noreste de Europa y la Peste Negra provocaron hambruna y numerosas muertes, además de la Guerra de los Cien Años entre Francia e Inglaterra. La Iglesia, por su parte, también entró en crisis, y fue altamente cuestionada. Guillaume de Machaut y Francesco Landini fueron los principales representantes de esta música, decantándose por la música profana; de hecho, incluso la corte papal de Avignon es hoy conocida precisamente por su interés en la música profana. Aún así, la música sacra siguió teniendo relevancia, siendo el Ordinario de la Misa de Machaut la obra más famosa del siglo. También importante el Roman de Fauvel, poema alegórico narrativo y sátira de la corrupción política de la Iglesia, contenía piezas musicales interpoladas, y en el que se encuentran los primeros ejemplos del nuevo estilo, conocido como Ars Nova. Los testimonios de dichas innovaciones quedarán recogidos en 2 tratados: Ars Nove Musice de Johannes de Muris y Ars Nova de Philippe de Vitry. El teórico Jacobo de Lieja defendió el Ars Antiqua. 2.. Philippe de Vitry. Este nuevo arte procede de 2 innovaciones en la notación del ritmo descritas Muris y Vitry. La primera permitía la división doble (inperfecta) de los valores de las notas, junto con la antigua división triple (perfecta). Ahora sería posible dividir semibreves, obteniendo mínimas, e incluso semimínimas. El nuevo sistema ofrecía nuevos tipos de compás, la sincopación...; una segunda innovación fueron los signos de mensuración, antecesores a nuestros símbolos de compás. Así, como en los modos rítmicos, modus se aplica a la relación entre longas y breves, con lo que el modo, tempus y prolación pueden ser perfectos/as o imperfectos/as (según si la longa se subdivide en 2 o 3 breves en el primer caso, la subdivisión de la breve en semibreves en el segundo, y a lo qu equivalga la semibreve en mínimas en el tercero). De aquí deriva la letra C (del compás 4x4) ya que es un compás binario (imperfecto, por lo que la C u O no tienen el punto en medio) y además de subdivisión binaria (por lo que no es O sino C) 3. Ars Nova.

a) El Roman de Fauvel. Corte de Avignon. Es la primera colección de música que refleja las innovaciones del nuevo estilo. Sus motetes suelen ser a 3 voces, predominando el texto latino tanto en motetes como en canciones monofónicas. Por otro lado, el Codex Ivrea se originó en el ambiente musical de la corte papal de Avignon, con un gran grupo de piezas con versiones del Ordinario de la Misa (entre otras) b) Isorritmia. Se da tanto en motetes de Vitry como en el Roman de Fauvel. Es un mecanismo según el cual el tenor está dispuesto en segmentos de idéntico ritmo. Así, se observaron 2 elementos recurrentes en los tenores de los motetes, el rítmico y el melódico. A la unidad rítmica reiterada la denominaron talea y al segmento recurrente de la melodía lo llamaron color. Pueden tener la misma longitud, siempre comenzando y acabando juntos, pero por general el color tiene una extensión de 2 o más taleas. Además, las voces superiores también pueden organizarse isorrítmicamente. Aparece aquí de nuevo la figura del hoquetus explicada en el tema anterior. c) Armonía. El nuevo estilo da importancia a las consonancias imperfectas, aunque los intervalos de tercera y sexta precisaban de su resolución. La mayoría de los motetes tenían 3 voces, tenor (presumiblemente instrumental), con duplum y triplum haciendo textos distintos. Cuando se añadía una cuarta voz ya no era un quadruplum, sino un contratenor. d) Guillaume de Machaut. Motetes. Fue el compositor y poeta por excelencia del periodo Ars Nova. La mayor parte de sus composiciones son sobre poemas propios, además de escribir muchos más por separado. Compuso casi todos los géneros entonces al uso. La mayoría de sus motetes datan de una época temprana en su vida artística, muchos de ellos isorrítmicos, basados en tenores de canto llano, aunque unos pocos utilizan canciones profanas como tenor. Son más extensos y rítmicamente más extensos, aparece el hoquetus en ellos, etc. e) Canciones. Las canciones monofónicas de Machaut siguen la tradición de los troveros y la mayoría tratan de un asunto amoroso. Uno de los géneros popular era el virelai, una de las 3 formas fixes (formas fijas), en las cuales texto y música exhiben esquemas particulares de repetición, incluido el estribillo. El

típico virelai tiene 3 estrofas, con el estribillo al principio y después de cada estrofa, según el esquema A bba A bba A bba A, siendo A el estribillo, b la frase musical usada 2 voces al inicio de cada estrofa y a la última parte de dicha estrofa, que utiliza la música del estribillo pero con otras palabras. En cuanto a las canciones polifónicas, hay muchos más ejemplos, ya que se desarrollaron en este periodo. Se conocen también como chansons, en estilo de tiple dominante. Consiste en que la voz superior expone el texto y se denomina treble o cantus, siendo la voz principal apoyada por el tenor, mientras éste progresa más lentamente y sin texto. A este marco esencial, se le pueden añadir un contratenor, o un triplum de movimiento rápido y tesitura de tiple. Machaut compone estas canciones sobre sus propios poemas, la mayoría con forma de ballade o de rondeau, las otras 2 formas fixes junto con el virelai. Dichos géneros se diferenciaban tanto en el asunto como en la forma: los virelais en descripciones de la naturaleza o el amor. Las ballades más serias, para celebrar un acontecimiento... Formalmente consta de 3 estrofas, cada una cantada con la misma música y concluyendo con el mismo verso poético, que sirve de estribillo. Su forma es aab. Los rondeaux basados en temas amorosos, con una sola estrofa en lugar de 3, y el estribillo comprende 2 secciones e incluye toda la música. Su forma sería AbaAabAB, donde las mayúsculas son estribillo y las minúsculas texto nuevo. Otro género es el denominado chace, pieza canónica que que se da a conocer en el Codex Ivrea. f) Misa. La Messe de Nostre Dame (Machaut) fue probablemente la primera misa polifónica (del Ordinario de la misa) escrita por un solo compositor y concebida como unidad. A lo largo del s. XIII, era más frecuente la composición sobre cantos del Propio. En el s. XIV surgieron composiciones sobre textos del Ordinario. Dicha misa trata los 6 movimientos como una sola composición, y no como piezas separadas. Son para 4 voces, con duplum y triplum encima de tenor y contratenor. El movimiento de las voces en las misas se da de varios estilos: estilo motete. La moyoría de estos movimientos se diferencian del motete en que en sus voces superiores tienen el mismo texto, y mientras suena un tenor, las voces de arriba cantan dicho texto. Estilo canción, que consiste en un canto solo por encima de una parte de tenor sin palabras, que a veces está acompañado de contratenor. Reemplaza hacia la segunda mitad del x. XIV al estilo motete como más utilizado. Por último, el estilo simultáneo, donde todas las partes son vocales, y cantan el mismo texto. Aparecieron 4 misas relacionadas con el repertorio de la Corte de Avignon, conservado en los manuscritos de Ivrea y Apt. La Misa de Tournai, la más antigua de las misas polifónicas. Consta de 5 movimientos más un motete sobre Ite, missa est. Los primeros 3 movimientos reflejan la notación franconiana, ritmos modales... y los otros 3 los ritmos más libres. Aún así, es una

recoplicación de movimientos independientes del Ordinario, escritos a 3 voces, y menos el motete final, en estilo simultáneo. La Misa de Toulouse, dedicado a los textos y canto llano en la Misa, aunque más tarde se escribirían los movimientos polifónicos. Se parece a la anterior en que son recopilaciones de movimientos independientes, pero está más bien en estilo canción. La Misa de Barcelona, diferenciada de la anterior tanto en que su fuente no tiene conexión con el canto llano, está más relacionada con Avignon. Cada una de las 5 secciones de la Misa presenta un estilo. La Misa de Sorbona, atribuida a Johannes Lambuleti, cuyo Agnus Dei cita secciones del Kyrie y Sanctus, con varios estilos en sus formas. 4. Ars Subtilior. Este término surge por el refinado estilo a nivel de dificultad, posibilidades melódicas, rítmicas, armónicas, etc que alcanzan las obras de esta época. Ejemplos son los cultivados en la corte de Avignon, que cultivaba las formas fixes (ballades, rondeaux y virelais). Iba dirigida a intérpretes profesionales y oyentes cultivados, ya que era difícil captar su atractivo isorritmo interno entre otras cualidades. 5. Trecento italiano. a) Formas. Con ese nombre llaman los italianos al s. XIV. En cuanto a música popular, la única que ha llegado es el repertorio de lauda. La polifonía sacra solía improvisarse en estilo discanto sobre canto llano por un solista u organista, mientras alternaban frases del Ordinario de la misa con el coro (que cantaba canto gregoriano). Su sistema de notación era diferente, pudiendo dividir la breve en de 2 a 9 semibreves, aunque poco a poco fue sustituido por el francés. Es en el Codex Squarcialupi junto a otros manuscritos donde encontramos los 3 tipos de composición profana italiana: el madrigal,, en el que todas las voces cantan el mismo texto, compuesto por 2 o más estrofas de 3 versos, con la misma música, seguidos de un ritornello (estribillo) con música y compás diferente. La caccia, género análogo a la chace francesa, en la cual la melodía de estilo popular es elaborada en un canon estricto, con un tenor libre y sin texto, y 2 voces en canon al unísono. Muchas de ellas tienen ritornellos. La ballata, denotaba su origen como canción de acompañamiento para baile. Tenían la forma Abba, como una única estrofa del virelai francés.

b) Francesco Landini. Prominente compositor de ballate y destacado músico italiano del Trecento. Muchas de sus ballate a 3 voces están en estilo de tiple dominante y constan de una solista. 6. Interpretación de la música del s. XIV. a) Voces e instrumentos. A partir de las fuentes pictóricas se encuentran los instrumentos de la época, aunque la polifonía se interpretaba por instrumentos más voz. Basándose en su volumen sonoro relativo y no para el registro, empleaban haut (alto) y bas (bajo). Los instrumentos bajos eran las arpas, fídulas, laúdes, salterios, flautas... y los altos cornetas, trompetas, timbales... Poco a poco los instrumentos de teclado se fueron utilizando más. Se añadieron teclados con pedal a los órganos de las iglesias alemanas sobre el 1300 y un mecanismo de registros a comienzos del s. XV. Fidula

b) Música ficta. Se emplearon ciertas alteraciones cromáticas, a lo que se le llamó música ficta. El sistema de hexacordos permitía los semitonos entre mi-fa, si-do y la-si b. Éste era el ámbito de música recta, incluido en la mano guidoniana. Una nota fuera de esa escala (alterada) se consideraba falsa (ficta). Se solía emplear en cadencias, siendo característica la cadencia de doble sensible, además de la cadencia frigia. 7. Ars Nova en España. El Llibre Vermell de Monserrat.

El Llibre Vermell de Monserrat es un manuscrito conservado en el monasterio de Monserrat, cerca de Barcelona, copiado a finales del s. XIV, cuyo propósito era entretener con cánticos y danzas a los peregrinos que llegaban a dicho monasterio. Los cantos estaban en catalán, occitano y latín, todos de autor desconocido.

Cadencia de doble sensible