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• JaRy A Corcho Cárdenas

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ASPECTOS

CONCEPTO

ORIGEN

CARACTERISTICAS

BARROCO

CLASICISMO

El Barroco fue un período de la historia en la cultura occidental originado por una nueva forma de concebir el arte y que, partiendo desde diferentes contextos histórico-culturales, produjo obras en numerosos campos artísticos: literatura, arquitectura, escultura, pintura, música, ópera, danza, teatro, etc. Se manifestó principalmente en la Europa occidental, aunque debido al colonialismo también se dio en numerosas colonias de las potencias europeas, principalmente en Latinoamérica. Cronológicamente, abarcó todo el siglo XVII y principios del XVIII y se suele situar entre el Manierismo y el Rococó. La música barroca o música del Barroco es el estilo musical europeo, relacionado con la época cultural homónima, que abarca aproximadamente desde el nacimiento de la ópera en torno a 1600 hasta la muerte de Johann Sebastian Bach, en 1750. Es uno de los estilos de la generalmente llamada música clásica o culta europea, antecedido por la música del Renacimiento y seguido por la música del Clasicismo. • Movimiento demandado y con tendencia al infinito, con un lado emocional sobre lo racional. Efectos visuales, decorativos en los escenarios. • Polarización de la textura hacia las voces extremas (aguda y grave). • La presencia obligatoria del bajo continuo: junto a la línea melódica más grave (el bajo) se escriben unas cifras que resumen la armonía de las voces superiores.

Clasicismo es la denominación historiográfica de un movimiento cultural, estético e intelectual, inspirado en los patrones estéticos y filosóficos de la Antigüedad clásica.

Se desarrolló de forma simultánea a los distintos estilos artísticos y movimientos literarios4 de la Edad Moderna. Aparece junto con el Manierismo, que a su vez dio paso al Barroco y este al Rococó. La utilización de los términos "clásico" y "clasicismo" para designar al ideal estético y a la época llegará en los siglos XVI, XVII y XVIII. Clasicismo es el estilo de la música culta europea desarrollado aproximadamente entre 1750 y 1820 por compositores como Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart y Ludwig van Beethoven. Se caracteriza por la claridad de las texturas, la simetría de las frases, la consolidación de la tonalidad plena y el establecimiento de las formas musicales clásicas (sinfonía, sonata, cuarteto...). • Movimiento inspirado en lo clásico de la antigüedad, un poco más racional sobre lo imaginario. Con tendencia al orden y el equilibrio, el ritmo y la simetría. • Uso de la textura de melodía acompañada, consistente en el predominio de la voz más aguda, que centra el interés en su melodía, mientras el resto de instrumentos la acompañan.

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EVOLUCIÓN

El desarrollo de la armonía tonal, en la que el movimiento melódico de las voces queda supeditado a la progresión de acordes funcionales. El ritmo del propio bajo establece un compás claro y sencillo (sea binario o ternario), muy uniforme, incluso mecánico. El desarrollo de un lenguaje instrumental propio diferenciado del vocal, con adaptación de la escritura musical a cada tipo de instrumento (escritura idiomática). La aparición de nuevas formas vocales e instrumentales: la ópera, el oratorio y la cantata entre las primeras, y el concierto, la sonata, la orquesta y la suite entre las segundas.

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Sólo en ocasiones se usa la homofonía o la polifonía imitativa. El acompañamiento es ya escrito explícita mente (desuso del bajo continuo). • Melodías de un mayor carácter cantábile y • simétricas, con frases estructuradas en antecedente y consecuente. • Armonías muy claras y funcionales, basadas en los • acordes de tónica, dominante y subdominante, que estructuran las frases y la forma musical con cadencias muy claras. • Se escribe mucha más música en modo mayor (más • alegre) que en modo menor. Se amplía el campo de las modulaciones y se usan tonalidades cada vez con más alteraciones. • Compás muy claro y regido también por la armonía. • Se usan formas estandarizadas (en particular la llamada forma sonata) pero con gran interés y variedad en la estructura interna de la música. Es en este periodo cuando se definen claramente las formas y estructuras en las que se basa la música culta occidental casi hasta nuestros días: la sonata, la sinfonía y el concierto clásico. • El Barroco temprano (1580-1630) • 1750 a 1775 Desde las últimas décadas del siglo XVI se inició la Para la década de 1750 las formas instrumentales como el disolución del antiguo estilo polifónico renacentista, concierto y la sinfonía (ésta originalmente la mera obertura caracterizado por una textura polifónica imitativa de las óperas) habían ganado la suficiente fuerza como para homogénea. Dos fueron las novedades principales: ser interpretadas independientemente de la música vocal, y La policoralidad, típica de la música religiosa de la escuela tenían gran aceptación en las cortes. veneciana (Giovanni Gabrieli), consistente en la alternancia entre diversos grupos vocales o El compositor del momento era Franz Joseph Haydn. instrumentales situados en diversas ubicaciones (cori Además de escribir sinfonías de estructura claramente

spezzati, típicos de la Basílica de San Marcos). Una evolución natural de la policoralidad fue el estilo concertante, en el que se contrastan instrumentos contra voces (como en los concerti ecclesiastici), o solistas contra el conjunto general. La monodía acompañada, en la que una sola voz aguda concentra todo el interés musical. Su acompañamiento instrumental se escribía de forma taquigráfica como bajo continuo. • El Barroco medio (1630-1680) El éxito internacional de la música italiana en general y de la ópera en particular expandió por toda Europa (Alemania, Austria, Inglaterra, España...) los recursos de la monodía y del estilo concertante. Mientras tanto, en Italia autores como Cesti, Francesco Cavalli y Luigi Rossi suavizaban la dureza del estilo monódico original para desarrollar la ópera belcantista, en la que se separaban ya claramente recitativos y arias. La nueva ópera pasó de ser un espectáculo aristocrático a entretenimiento de las capas altas de la clase media, gracias a la libre compra de entradas en los teatros napolitanos y venecianos. La ópera francesa (bajo diversos nombres) comenzó su despegue en la corte de Luis XIV, en el mismo tiempo y lugar en que la familia Hotteterre desarrollaba los nuevos instrumentos de madera barrocos (oboe, fagot, flautas traversas y de pico...) y en que se fijaba la suite instrumental francesa.

clásica, escribió sonatas para pianoforte, el nuevo instrumento de teclado en plena fase de perfeccionamiento y que permitía mayores capacidades expresivas. Fue considerado también el gran creador del cuarteto de cuerda, pues sus obras para esta formación, de gran refinamiento melódico y armónico, dieron una importancia similar a los cuatro instrumentos y fijaron la forma, lo que contribuyó a que el cuarteto quedase establecido hasta nuestros días. • 1775 a 1790 El centro de gravedad de la música europea se situó en Viena, donde un joven compositor comienza a revolucionar la ópera y el concierto: Wolfgang Amadeus Mozart. Aunque se basó en los aportes de Haydn, Mozart prefería melodías más cantables, al estilo italiano. Además, en sus obras se aprecian más cromatismos y otras modificaciones armónicas. En cuanto a la instrumentación, utiliza más variedad de instrumentos, en ricas combinaciones tímbricas. En la década de 1780 Muzio Clementi adquiere prestigio con sus sonatas y estudios para piano. Este compositor incentivó la extensión de la tesitura del instrumento, entre otras modificaciones que brindaron nuevas posibilidades. Similar papel jugó para el violonchelo Luigi Boccherini, italiano afincado en España.

ORQUESTA

• El Barroco tardío (1680-1730) El Barroco tardío se sitúa aproximadamente entre 1680 y 1730. Una vez más es Italia el país que marcó las tendencias innovadoras, entre cuyos rasgos más notables están: ➢ La plena adopción de las fórmulas tonales, a partir de la escuela boloñesa (Torelli) y más tarde Corelli: cadencias frecuentes y muy claras como marco formal, progresiones con movimiento de quintas, cadenas de retardos, acordes paralelos de sexta... ➢ La extensión del estilo de concierto, aplicado a la ópera y a la música instrumental: uso de ritornelos, contrastes entre tutti y solo, bajos de gran empuje rítmico, pasajes en unísono, homofonía gobernada por el bajo continuo... • La transición al Clasicismo (1730-1750) A finales del Barroco hay varias tendencias estéticas: el estilo galante francés desde 1730, el desarrollo en Italia de la ópera buffa, la sonata y la sinfonía, y el estilo sentimental (Empfindsamer Stil) alemán; ellos conforman una suerte de preclasicismo. Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788), uno de los hijos de Johann Sebastian, es considerado el padre de la sonata clásica. En los teatros de ópera aparece la orquesta, con predominio de instrumentos de cuerda frotada, base de la actual orquesta sinfónica. Precisamente, la orquesta nace en el Barroco, en gran parte gracias a la perfección técnica que alcanzan los instrumentos de cuerda frotada (violín, viola, violonchelo y contrabajo). Estaba constituida básicamente por esta sección y el bajo continuo, en el que destacaba el clave.

Se amplía la orquesta y su rango dinámico. Cada vez se escribe en detalle una mayor variedad de dinámicas y articulaciones, dejando menos espacio a la interpretación del ejecutante. Durante el Clasicismo la orquesta vivió su mayor evolución y desarrollo. Stamitz estableció la primera orquesta clásica como tal: la orquesta de Mannheim. Fue la primera orquesta que utilizó los matices piano, crescendo, forte.

Además, se incluían instrumentos de viento madera (flauta, oboe y fagot), viento metal (trompetas y trompas) y de percusión (timbales), en función de cada composición. Una formación media constaba de alrededor de veinticinco músicos. En el Barroco era el clavecinista quien dirigía desde su instrumento, que se colocaba en el centro del conjunto, de forma que podía ser oído por el resto de músicos.

OPERA

A principios del período clásico (s.XVIII), la orquesta estaba compuesta por dos oboes, dos trompas y el grupo de cuerdas. Poco a poco se fueron incorporando otros instrumentos de viento, como las flautas traveseras -por estas fechas la flauta y el oboe eran tocados por un mismo instrumentista- y las trompetas. Como elemento de precisión rítmica se hizo uso de los timbales. Los trombones, en cambio, no tuvieron lugar en la orquesta sinfónica; su utilización quedó relegada a ópera y a la música sacra. La forma de expresión musical nacida en Europa hacia la Alta Edad Media y desarrollada como parte de los ritos cristianos de la época, aunque por extensión también es aplicable a las diferentes manifestaciones músico-religiosas de otros pueblos, ya sean de origen hindú, budista, árabe, judío, etc. Es aquí donde doblaban las partes de contralto, tenor y bajo. Asimismo, se incorporaron poco a poco otros instrumentos como el clave y el clarinete. La ópera se impuso como el gran espectáculo de la época Ya desde inicios del siglo XVIII se había convertido en un en toda Europa: además de en toda Italia, se fastuoso espectáculo de corte, a través del cual los monarcas representaron regularmente en lugares como Viena, y aristócratas exhibían su esplendor. Los temas se referían a Londres, Hamburgo, Dresde, Hannover, Múnich y París. la mitología y representaban grandes tragedias líricoLos sucesivos experimentos en los que la música vocal se heroicas, montadas con gran aparato: era la llamada ópera combinaba con danzas y escenas teatrales habladas seria, cantada en italiano. forjaron finalmente un espectáculo musicalmente Las clases sociales menos favorecidas contaban con su continuado, en que estas escenas habladas eran propio teatro musical, la ópera buffa, pequeñas actuaciones sustituidas por recitativos: había nacido la ópera. satírico-burlescas. De breve duración y argumento simple, La evolución posterior y su fusión con otras formas recurren a la expresión directa en lenguaje coloquial y se músico-teatrales acabó convirtiendo a la ópera barroca sirven de dos o tres personajes solamente, reduciendo al en una representación teatral íntegramente musicada en máximo los elementos musicales, en los que desde luego la que se suceden números de cuatro tipos: están ausentes los coros y cobra la mayor importancia la • Recitativos, en los que los cantantes hacen melodía popular de fácil construcción. avanzar los diálogos de la obra dramática en un

FORMAS/GENEROS

canto silábico apenas acompañado por el bajo continuo. • Arias, verdadero núcleo musical de la ópera. Son números solísticos líricos y muy elaborados, a menudo virtuosos, al servicio del lucimiento del cantante y del puro deleite musical. • Hacia el final del periodo se impuso la forma A-BA, llamada aria da capo. • Números instrumentales ejecutados por la orquesta desde el foso, como la sinfonía inicial y, sobre todo, las danzas bailadas en escena. • Números instrumentales ejecutados por la orquesta desde el foso, como la sinfonía inicial y, sobre todo, las danzas bailadas en escena. • Coros, generalmente a cuatro voces, a imitación de los coros del teatro griego. • El oratorio Musicalmente casi idéntico a la ópera (aunque con más énfasis en los coros), solía tener una temática religiosa y no era escenificado (esto es, era ejecutado al modo de las actuales "versiones de concierto"). A diferencia de la ópera, casi siempre en italiano, los oratorios solían escribirse en lengua vernácula. Un caso particular de oratorio, representado en las iglesias protestantes de la época, era la Pasión, obra de larga duración que relataba, en recitativo, el texto evangélico de la Pasión de Jesucristo, con arias y corales insertados. La Pasión según San Mateo de Bach es su más ilustre ejemplo. •

La cantata

La ópera buffa ganó importancia y nivel artístico durante el Clasicismo, y aparecieron además versiones nacionales, escritas en la lengua local y con diálogos en lugar de recitativos, como el Singspiel en Alemania, la zarzuela en España y la opéra-comique en Francia. Un gran número de compositores siguió adscrito al servicio de la Iglesia, y continuaron escribiendo por tanto formas religiosas como la misa y el motete, en general para orquesta, coro y solistas, y en un estilo deliberadamente arcaico. Un ejemplo muy conocido de este género es el Réquiem de Mozart.

• Concierto El concierto es una de las formas musicales del clasicismo más destacadas. Es una composición para varios instrumentos, pero con la idea de hacer relucir a un solista o solistas específicos. Los conciertos tienen partes en las que los instrumentos juegan dinámicamente pero también momentos en donde el instrumento principal tiene la oportunidad de mostrar su virtuosismo o color característico. En ocasiones, incluso se dejaba un espacio abierto a improvisación. • Sonata Otra de las formas musicales del clasicismo es la sonata que fue quizás la forma más difundida durante la época. Era destinada a ser interpretada por un solista o un dúo (instrumento melódico y piano) con una estructura determinada por cuatro movimientos basada en un tema

La asunción de la monodia, el recitativo y el estilo concertante por la música de iglesia dio lugar a una nueva forma musical, la cantata, obra de uso litúrgico que intercalaba sinfonías instrumentales, recitativos, arias y coros. La composición y ejecución de nuevas cantatas religiosas en lengua vernácula era parte de las obligaciones cotidianas de los músicos de los países luteranos, caso de Bach en Leipzig: allí compuso más de doscientas. Se escribieron también cantatas profanas, especie de minióperas de cámara habitualmente formadas por la secuencia Recitativo-Aria-Recitativo-Aria. Con frecuencia tienen un carácter vanguardista por estar dirigidas a una audiencia selecta y culta. Aunque Alessandro Scarlatti fue el más prolífico autor del género,2 son sin embargo más conocidas la Cantata del café de Bach o las compuestas por Händel, en italiano, durante su estancia en Roma. • El motete El motete es una forma musical ya marginal en el Barroco. La denominación se reserva para ciertas composiciones religiosas corales escritas a varias voces iguales, frecuentemente en un estilo obsoleto. En el siglo XVII mantuvo cierta vigencia en Alemania e Italia, y en el XVIII aún se usaba a veces la palabra para designar algunas cantatas de estilo concertante.

ELABORADO POR: JADITH A. CORCHO CÁRDENAS.

principal. Esta estructura consta de la presentación, exposición, desarrollo y recapitulación (a veces coda) de dicho tema • Serenata, divertimento Es una forma musical con el propósito original de amenización y entretenimiento en veladas y actos sociales, generalmente compuesta para ser interpretada al anochecer. Está compuesta para formaciones instrumentales reducidas, orquestas pequeñas de cuerdas, vientos, mixto o conjuntos de cámara. La cantidad de movimientos puede variar, por ejemplo, Mozart, compuso serenatas de hasta 13 movimientos. • Sinfonía Compuesta para interpretar con orquesta completa (orquesta sinfónica), es quizás una de las formas más grandiosas de la música clásica. Se compone de cuatro movimientos que buscan una curva dinámica en variedad y desarollo. Sus movimientos pueden varían levemente entre sinfonías, un ejemplo de esta estructura puede ser: sonata, movimiento lento o lírico (como el lied), scherzo o minueto y finalmente, rondó. La sinfonía busca la excelencia en exposición de melodía, texturas y dinámicas en la combinación de sus instrumentos. • Trío, cuarteto y quinteto Son obras concebidas para ser interpretadas por tres, cuatro o cinco músicos respectivamente, con diferentes instrumentos y partes. Algunas formaciones se establecieron por excelencia, como el cuarteto de cuerdas (violín, viola, violoncello y contrabajo) o el quinteto de vientos (flauta, oboe, clarinete, trompa y fagot).

FUENTES: file:///C:/Users/asus/Downloads/Historia%201%20V%20Casas%202008.pdf file:///C:/Users/asus/Downloads/Barroco%20PDF.pdf file:///C:/Users/asus/Downloads/BARROCO%20TARDIO.pdf https://es.wikipedia.org/wiki/M%C3%BAsica_del_Clasicismo#1750_a_1775 https://www.march.es/musica/jovenes/todos-tocan-juntos/barroca.asp http://grandesreferenciasmusicales.blogspot.com/2013/02/clasicismo-el-nacimiento-de-la-orquesta.html