• Author / Uploaded
• juchama4256

• Categories
• Surrealismo
• Artes (general)

Citation preview

EL RENACIMIENTO Se conoce como Renacimiento al movimiento artístico que tomó lugar en Europa occidental principalmente durante los siglos XV y XVI. Su nombre proviene de la idea del renacer de elementos culturales que habían desaparecido durante la Edad Media tales como la preeminencia de la razón, de la proporción, del equilibrio, de la mesura, muchos de ellos presentes en las culturas antiguas de la Grecia y Roma clásicas. Si bien el Renacimiento es quizás mucho más reconocido que otras formas culturales, el mismo fue la representación a nivel artístico de todo el sistema de valores y pautas propuestas por el Humanismo como sistema filosófico de la época. El Renacimiento surgió en la ciudad de Florencia como consecuencia de la progresiva apertura de las ciudades al comercio, a la emergencia de nuevos grupos sociales conocidos como burgueses que invertían su capital en la compra de obras de arte, en el contacto con el mundo de Oriente, etc. Todos estos elementos permitieron al hombre de la época comenzar a dejar de lado el teocentrismo que lo ponía al completo e indiscutible servicio de Dios

para pasar a observar la naturaleza, todo lo que lo rodeaba y, especialmente, a sí mismo. El Renacimiento partió entonces de esta observación de la realidad para representar todo lo que en ella veía de modo más racional, proporcional y equilibrado. Algunos de los elementos característicos del Renacimiento en sus diferentes áreas (tanto la escultura, como la arquitectura y la pintura) fue la utilización de la perspectiva, de la proporción humana como base de todas las estructuras, del equilibrio de las formas, de la mesura de las expresiones. En este sentido, mientras que en la arquitectura se dejó de lado el estilo gótico y se volvió al arco de medio punto, a las cúpulas redondeadas, a las formas lineales y simples, en la pintura se retomaron personajes de las culturas grecorromanas (principalmente dioses y héroes), representándose a los mismos de manera proporcionada y escultural. Se puede dividir el Renacimiento en dos períodos mayores: el Quattrocento (referido al siglo XV), período en el cual el centro de producción cultural fue Florencia; y el Cinquecento (referido al siglo XVI), donde la sede de poder cultural se situó en Roma.

Mientras que en el primer período se observa en algunos casos ciertas reminiscencias del arte medieval, hacia el fin de la segunda etapa se pueden ver elementos de crisis que darían lugar al posterior estilo Manierista. Entre los artistas renacentistas debemos mencionar a los increíbles Leonardo Da Vinci, Rafael, Miguel Ángel, Brunelleschi, Giotto, Fra Ángelico, Botticelli, Donatello, Durero, entre muchos otros más.

LA GIOCONDA (LA JOCONDE EN FRANCÉS) La Mona Lisa Es una obra pictórica del pintor renacentista italiano Leonardo da Vinci. Fue adquirida por el rey Francisco I de Francia a principios del siglo XVI y desde entonces es propiedad del Estado Francés. Se exhibe en el Museo del Louvre de París. Su nombre, La Gioconda (la alegre, en castellano), deriva de la tesis más aceptada acerca de la identidad de la modelo: la esposa de Francesco Bartolomeo de Giocondo, que realmente se llamaba Lisa Gherardini, de donde viene su otro nombre: Mona (señora, del italiano antiguo) Lisa.

Es un óleo sobre tabla de álamo de 77 x 53 cm, pintado entre 1503 y 1519, y retocado varias veces por el autor. Se considera el ejemplo más logrado de sfumato, técnica muy característica de Leonardo, si bien actualmente su colorido original es menos perceptible por el oscurecimiento de los barnices. El cuadro está protegido por múltiples sistemas de seguridad y ambientado a temperatura estable para su preservación óptima. Es revisado constantemente para verificar y prevenir su deterioro. Por medio de estudios históricos se ha determinado que la modelo podría ser una vecina de Leonardo, que podrían conocerse sus descendientes y que la modelo podría haber estado embarazada. Pese a todas las suposiciones, las respuestas en firme a los varios interrogantes en torno a la obra de arte resultan francamente insuficientes, lo cual genera más curiosidad entre los admiradores del cuadro. La fama de esta pintura no se basa únicamente en la técnica empleada o en su belleza, sino también en los misterios que la rodean. Además, el robo que sufrió en 1911, las reproducciones realizadas, las múltiples obras de arte que se han inspirado en el cuadro y las parodias existentes contribuyen

a convertir a La Gioconda en el cuadro más famoso del mundo, visitado por millones de personas anualmente.

Descripción de la obra En este retrato la dama está sentada en un sillón y posa sus brazos en los brazos del asiento. En sus manos y sus ojos puede verse un ejemplo característico del esfumado y del juego que el pintor hace con la luz y la sombra para dar sensación de volumen. Aparece sentada en una galería, viéndose a los lados, cortadas, las bases de unas columnas.

Detalle del lado izquierdo del paisaje.

Detalle del lado derecho del paisaje. La galería se abre a un paisaje tal vez inspirado en las vistas que Leonardo pudo divisar en los Alpes, durante su viaje a Milán, aunque una última investigación reveló que el fondo es de la ciudad de Bobbio, en Italia. Anteriormente, se pensaba que el paisaje, que posee una atmósfera húmeda y que parece rodear a la modelo, estaba en Arno o en una porción del lago de Como, sin haber llegado a conclusiones definitivas. Se ha intentado muchas veces compaginar las dos mitades del paisaje que aparece tras la modelo, pero la discordancia entre ambos lados es tan grande que no permite diseñar una imagen continuada. El lado izquierdo parece estar más bajo

que el derecho, entrando en conflicto con la física, puesto que el agua no puede permanecer quieta si existe desnivel en el terreno. A este respecto el historiador de arte E.H. Gombrich escribe: En consecuencia, cuando centramos nuestras miradas sobre el lado izquierdo del cuadro, la mujer parece más alta o más erguida que si nos centramos en la derecha. Y su rostro, asimismo, parece modificarse con este cambio de posición, porque tampoco en este caso las dos partes se corresponden con exactitud E.H. Gombrich En medio del paisaje aparece un puente, conocido en Bobbio como Puente Gobbo o el Puente Vecchio, y que muestra un elemento de civilización que podría estar señalando la importancia de la ingeniería y la arquitectura. La ubicación geográfica del puente fue posible gracias a un códice que dejó Leonardo da Vinci, en el que se muestra la escena en la que se pintó. Una crecida, ocurrida años más tarde en el río Trebbia, destruyó el puente, que posteriormente fue reconstruido.

Detalle de la mirada de la modelo. La modelo carece de cejas y pestañas, posiblemente por una restauración demasiado agresiva en siglos pasados, en la cual se habrían eliminado las veladuras o leves trazos con que se pintaron. Vasari, en efecto, sí habla de cejas. «En las cejas se apreciaba el modo en que los pelos surgen de la carne, más o menos abundantes y girados según los poros de la piel; no podían ser más reales». Según otros expertos Leonardo evitó pintar las cejas y las pestañas para dejar su expresión más ambigua, o tal vez porque nunca llegó a terminar la obra. La dama dirige la mirada ligeramente a su izquierda y muestra una sonrisa considerada enigmática. Cuenta Vasari que: Mientras la retrataba, tenía gente cantando o tocando, y bufones que la hacían estar alegre, para tratar de evitar esa melancolía que se suele dar en la pintura de retratos. Sobre la cabeza lleva un velo, signo de castidad y atributo

frecuente en los retratos de esposas. El brazo izquierdo descansa sobre el de la butaca. La mano derecha se posa sobre la izquierda. Esta postura transmite una impresión de serenidad y de que el personaje retratado domina sus sentimientos. La técnica de Leonardo da Vinci se aprecia con más facilidad gracias a la "inmersión" de la modelo en la atmósfera y el paisaje que la rodean, potenciada además por el avance en la "perspectiva atmosférica" del fondo, que sería el logro final del Barroco, donde los colores tienden al azulado y la transparencia, aumentando la sensación de profundidad.

Estado de conservación

Detalle del rostro craquelado. La conservación de la obra es mediana, con

un craquelado bastante evidente en toda la superficie y una fisura bastante importante que, desde el borde superior, desciende en vertical sobre la cabeza del personaje. Esta grieta se mantiene estable y no es previsible que empeore, gracias a que la obra se conserva en un espacio climatizado. La deficiencia de conservación más criticada es la suciedad que enmascara los colores; la pintura está tapada por capas de barniz que han amarilleado con el tiempo, efecto habitual en las sustancias de origen natural.

ENIGMAS Durante varios siglos las interrogantes sin respuesta acerca de la obra de Leonardo han ido creciendo, originando apasionadas polémicas en muchos autores e investigadores. Frente a la gran cantidad de preguntas, las respuestas no suelen ser demasiado convincentes, por lo que los debates siguen abiertos. Especialmente durante los siglos XIX y XX, las teorías acerca del origen de la modelo, la expresión de su rostro, la inspiración del autor y otras tantas, han tomado gran protagonismo y obligan a un análisis histórico y científico profundo.

La

sonrisa

XVI Leonardo

En el siglo da Vinci pintó

a Mona Lisa buscando el efecto de que la sonrisa desapareciera al mirarla directamente y reapareciera sólo cuando la vista se fija en otras partes del cuadro. El juego de sombras refuerza la sensación de desconcierto que produce la sonrisa. No se sabe si de veras sonríe o si muestra un gesto lleno de amargura. Sigmund Freud interpretó la sonrisa de la Gioconda como el recuerdo latente que había en Leonardo de la sonrisa de su madre.

Detalle de la sonrisa de Mona Lisa. Margaret Livingstone, experta en percepción visual, desveló en el Congreso Europeo de Percepción Visual que se celebró en 2005 en La Coruña, que la enigmática sonrisa es "una ilusión que aparece y desaparece debido a la peculiar manera en que el ojo humano procesa las imágenes". Livingstone recalca que los artistas llevan mucho más tiempo estudiando la percepción visual humana que

los mismos médicos especialistas en el tema. El ojo humano tiene una visión fotópica, retiniana o directa, y otra escotópica o periférica. La primera sirve cuando se trata de percibir detalles, pero no es apta para distinguir sombras, que es la especialidad de la segunda. Leonardo pintó la sonrisa de Mona Lisa usando unas sombras que se ven mejor con la visión periférica. Como ejemplo para ilustrar el efecto, uno puede concentrar la mirada en una sola letra sobre una página impresa y comprobar lo difícil que le resulta reconocer el resto de las letras. En otro orden de cosas muy diferente, y tratando de averiguar el estado de ánimo de la modelo durante el posado, se utilizó un software especializado en la "medición de emociones", el cual fue aplicado a la pintura para obtener datos relevantes acerca de su expresión. La conclusión alcanzada por el programa, es que Mona Lisa está un 83 % feliz, un 9 % disgustada, un 6% temerosa y un 2 % enfadada. El software trabaja sobre la base de analizar rasgos tales como la curvatura de los labios o las arrugas producidas alrededor de los ojos. Tras obtener las mediciones, las compara con una base de datos de expresiones faciales femeninas,

de la que obtiene una expresión promedio.

embarazo física

y

Supuesto condición

Detalle de las manos.

su estatura de 1,68 metros así como que llevaba el pelo recogido en un moño cubierto por un bonete detrás de la cabeza, y que no aparece ningún mensaje secreto en ninguna de las capas de la pintura, como se contaba en la novela El código Da Vinci. Por su parte, el doctor Julio Cruz Hermida, de la Universidad Complutense de Madrid, afirma que la modelo padecía bruxismo (rechinar de los dientes), alopecia (caída del cabello) y principios de la enfermedad de Parkinson.

Un grupo de investigadores del Consejo Nacional de Investigaciones de Canadá que examinó la obra en 2004 utilizó un escáner de infrarrojos en tres dimensiones, cuyos resultados, de escasa entidad, fueron publicados el 26 de septiembre de 2006. El uso de dicha técnica, que permite una resolución 10 veces más fina que el cabello humano, permitió a los investigadores apreciar detalles hasta ahora desconocidos. Han opinado que el velo de gasa fina y transparente, enganchado al cuello de la blusa, era una prenda que solían llevar las mujeres embarazadas o que habían parido recientemente. Entre sus peculiares conclusiones, el estudio consideró que el peso de la modelo era de 63 kilos y

Virgen con el Niño Dios, obra de Domenico Veneziano.

EL QUATTROCENTO En castellano significa cuatrocientos, por los años pertenecientes al siglo XV) es uno de los períodos más importantes del panorama artístico europeo. Se sitúa a lo largo de todo el siglo XV y es la

primera fase del movimiento conocido como renacimiento. El Quattrocento (1401-1500) se inició en Florencia impulsado por la familia Médici. En esta época aparece la figura del artista y creador en detrimento del anonimato. Surge el taller del maestro, que es quien recibe los encargos de los clientes. Este hecho podría sindicarse como el nacimiento de la categoría de autor. El hombre es la obra más perfecta de Dios. Se pinta la figura humana independientemente de lo que represente. En este arte evolucionan técnicas de pintura, consiguiendo la perspectiva; en escultura se vuelve a la imitación de la clásica griega y romana, y con respecto a la arquitectura hay un retorno a las líneas del arte griego y romano.

Los exponentes época son: 

máximos de esta

Escultura: los escultores se interesaron por representar el cuerpo, como Donatello (por ejemplo, en el David o Giberti (elSacrificio de Isaac en las puertas del batisterio de la catedral de Florencia).





Pintura: aplicaron en los cuadros la perspectiva, representando la profundidad, como Masaccio, Fra Angélico, Sandro Botticelli, Piero della Francesca, Paolo Uccello, Filippo Lippi y Andrea Mantegna.

Arquitectura: los arquitectos buscaron el dominio del espacio introduciendo elementos simples y proporcionados, como Filippo Brunelleschi y Leon Battista Alberti.

Quattrocento arquitectura, pintura.

italiano: escultura y

ARQUITECTURA Filippo Brunelleschi (1377-1446) marca la ruptura con el gótico: la cúpula de Santa María de las flores en Florencia será considerada el manifiesto del renacimiento. Distingue entre proyecto y realización material. Introduce un nuevo estilo: -

Crea iglesias de planta cuadrada como la capilla Pazzi

tradición medieval y Toscana como el bicromatismo de los edificios. Sus obras son más importantes son: - La cúpula Florencia

del

Duomo

de

- Utiliza por primera vez en el renacimiento el arco de medio punto. - Crea el modelo de Palacio renacentista con su palacio Pitti, con predominio de las líneas horizontales. - El Hospital de los inocentes, que es el primer hospital público dedicado a los niños abandonados, tiene un módulo cúbico, es un espacio con función pública porque intenta relacionar el entorno y el edificio.

Obras realizadas a partir de formas geométricas exactas. Es un gran investigador de las formas antiguas, aunque usa también elementos de la

-

La fachada de Santa María Novella, que usa el módulo cuadrado.

- La iglesia de San Lorenzo que destaca por su perspectiva y su proporcionalidad, regularidad y simetría. - La iglesia del Santo Espíritu, de la que sólo realizó los planos y que se terminó después de su muerte.

León Battista Alberti (1404-1433) escribió un tratado de arquitectura basado en la obra de Vitrubio ( De re aedificatoria). Es un erudito de la antigüedad, escribió un tratado de escultura y otro de pintura. Fue un gran teórico más proyectista que realizador, ve el valor de los órdenes clásicos como elementos de de la arquitectura, su obra es la expresión de de proporciones matemáticas, dignifica la figura del arquitecto y tiene ideas modernas de urbanismo. Sus obras más importantes son:

- El templo Malatestiano. - La iglesia de San Andrés de Mantua, que inspirará las iglesias jesuíticas, tiene planta de cruz latina y una sola nave cubierta con bóveda de medio cañón.

ESCULTURA Verroccio

Retrato ecuestre del condottieroColleoni, diseñado

por

Verrocchio

por Alessandro Leopardi.

y

fundido

Después de mediados de la década

Venecia. Fue el primer intento de

de los setenta, Verrocchio se dedicó

producir semejante grupo, con una

principalmente

al

de las patas del caballo en el aire.

cánones

La estatua destaca también por la

principio

a

la escultura,

siguiendo

estándar

los

florentinos.

Esto

es

expresión en el rostro de Colleoni,

evidente en la estatua de bronce

que obedece a una observación

del David,

encargo

cuidadosa, y que refleja un mando

de Lorenzo y Juliano

de

severo. De esta estatua sobresale

Médici hacia 1476 (actualmente

en

también la magnífica plasmación del

el Bargello). El David de Verrocchio

movimiento.

es menor de edad, y está vestido con modestia, en contraste con el provocativo David de Donatello, altivo en su victoria. La belleza algo gótica, idealista, de los rasgos está más

cercana

en

a Ghiberti que Donatello.

espíritu

al

Gracias

innovador a su

sublime

elegancia es una de sus esculturas más

valoradas,

junto

al

Retrato

ecuestre de Colleoni. Alrededor

de

un Querubín

Verrocchio envió a sus comitentes 1478

alado

acabó

con

delfín,

actualmente en el Palazzo Vecchio y que originariamente se pretendía para una fuente en la Villa Médici en

un modelo en cera en 1480, y en 1488

finalmente

se

trasladó

Venecia para asistir a la fundición del grupo. Sin embargo, murió ese mismo año, antes de que la obra

Careggi: esta obra está influida por

estuviera acabada.

el

Domenico Donatello (1382-1446)

naturalismo

dinámico

que

Verrocchio aprendió de Desiderio da Settignano. De la misma época es la Dama col mazzolino y el relieve para el monumento funerario de Francesca Tornabuoni para Santa Maria sopra Minerva en Roma (hoy en el Bargello). En 1478 Verrocchio comenzó la que sería su obra más famosa, una estatua

ecuestre

del condottiero Colleoni, quien había muerto tres años antes. La obra fue un

encargo

de

la República

de

a

se formó en el taller de Ghiberti. Era muy técnico, hábil e inteligente. Tiene algunos aspectos aún medievales como el expresionismo, pero es muy clásico en cuanto al culto al desnudo y a la elección de las estatuas ecuestres. Toma al hombre como razón de ser del universo. Sus obras más importantes son:

-

San jorge: realizada en mármol, es la personificación del héroe y del tema del caballero cristiano. Elegancia y perfección. Postura llena de vigor y fuerza que se refleja en las piernas abiertas y en la tensión de la capa anudada en los hombros. Hay que observar también el relieve esculpido en la base donde profundizando unos milímetros da la sensación de un espacio hondo gracias a la perspectiva.

S praxiteliana. Hay un gran contraste entre la serenidad del rostro de David y la expresividad de la cabeza de Goliat. Puede interpretarse como el triunfo de Cristo sobre el pecado y la muerte o como expresión de monumento cívico patriótico de Florencia ante Milán.

Lorenzo

-

David: está realizado en bronce, es el primer desnudo completo del renacimiento, de modelado suave y fluido. Joven adolescente, su postura recuerda a la

Ghiberti (1378-

1455) arquitecto, escultor, pintor, comentarista de arte… Personificación del nuevo artista. Escribió I comentarii, divididos en tres partes: breve historia de autores antiguos, autobiografía y teorías sobre el arte. Propugna la vuelta a la estatuaria grecorromana y en sus obras se inicia realmente el cambio, su técnica favorita es el trabajo en bronce, esculpe como si fuera un pintor, sobretodo el relieve, trata

magistralmente la profundidad, el paisaje y los detalles como reflejo de su pasado de orfebre en Roma. Sus obras más importantes son:

muy conseguida en los detalles que envuelven los recuadros y en la escala dada a las figuras.

- El sacrificio de Isaac: tema central de la decoración de una de las puertas del baptisterio de Florencia formada por 28 casetones en forma de trébol de cuatro hojas. El tronco de Isaac muestra la vinculación con el arte clásico. Es la primera figura desnuda que muestra el interés renacentista por el cuerpo humano.

PINTURA Fra

- Las puertas del paraíso: se las encargan después de las anteriores y son ya plenamente renacentistas. Historias del antiguo testamento realizadas en bronce dorado dispuestas en 10 recuadros de 79 x 79cm.Usa la perspectiva para la luz y la sombra, los primeros y los últimos planos. Técnica virtuosa

Angelico (1395-

1400/1455) fraile dominico que usó su arte como instrumento didáctico. Simplicidad e inmediatez y connotaciones místicas. Mantiene elementos del gótico internacional (figuras curvilíneas, armonía de tonos, empleo de los oros). Su conocimiento del espacio y la luz lo hacen plenamente renacentista. Interés por los volúmenes, proporción y gracia en las actitudes de los personajes. Amor por la naturaleza que se refleja en sus fondos de paisaje. Sus obras más destacadas son: -

Los frescos monasterio de Marcos de Florencia.

del San

-

La anunciación que se conserva en el Museo del Prado.

Masaccio (1401-1428) su gran descubrimiento fue el espacio vacío, lleno de profundidad en el que las figuras se mueven con naturalidad, como en sus obras: -Fresco de la Trinidad en Santa María Novella en Florencia: usa las reglas de la perspectiva al reproducir un espacio arquitectónico que podría ser de Brunelleschi. Importancia del volumen, efectos de luz, color y fuerza del retrato.

-

Frescos de la capilla Brancacci en la iglesia del Carmine en Florencia, donde narra varias escenas religiosas destacando El tributo de la moneda. En la que las figuras adquieren auténtico volumen ocupando el espacio vacío.

Piero Della Francesca (14201492) autor de un tratado de perspectiva “De prospectiva pingendi” donde desarrolla sus ideas neoplatónicas que le llevan a la búsqueda de la belleza en su estado más puro. Para ello simplifica y reduce las

formas y figuras a lo esencial, a lo geométrico (proceso antecesor de lo que siglos más tarde haría Cézanne). Busca la perfección matemática como en sus frescos de la iglesia de Santa María de Arezzo dedicados a la historia de la Veracruz.

En Urbino trabaja para Federico de Montefeltro, realizando el Retablo de la Madonna con el Niño y Federico de Montefeltro con perfecto orden compositivo; también en Urbino pinta La flagelación en el que el tema principal aparece en segundo plano y en primer plano hay un misterioso grupo de tres personajes. El matemático Lucca Pacioli se inspiró en su pintura para formular, en su obra: La divina proporción, el esquema compositivo de de la sección aúrea.

Sandro

Boticelli (1445-

1510) obra de exquisita sensibilidad y delicadeza. Influida por el idealismo neoplatónico. Prefiere la belleza ideal al fiel reflejo de la realidad. Sus obras son representativas del culto ambiente florentino. -

La primavera: es un encargo de un pariente de los Médici. Alegoría de la concordia y del amor intelectual. Predomina la parte intelectual del hombre frente a la pura pasión. Colores y luces transparentes. Líneas ondulantes. Cuerpos estilizados, más que moverse, danzan.

-

El nacimiento de Venus: representa un bautismo pagano.

En la última parte de su vida, influido por las predicciones apocalípticas del fraile Savonarola, Boticelli abandona la temática mitológica y realiza algunas obras religiosas, como: La piedad, que destaca por el dramatismo reflejo de finales del SXV; época de angustia después de décadas de optimismo, hechos como la muerte de Piero della Francesca y de Lorenzo el magnífico en 1492 marcan el final del Quattrocento.

MIGUEL Arquitecto

ÁNGEL

Fecha de nacimiento: 6 de marzo de 1475, Caprese Michelangelo, Italia Fecha de la muerte: 18 febrero de 1564, Roma, Italia

de

Serie: Bóveda de la Capilla Sixtina Colega: Leonardo da Vinci, Rafael Sanzio, Donato d'Angelo Bramante Estructuras: Basílica Pedro, Biblioteca Laurenciana, Más.

de

San

Michelangelo uonarroti (Caprese, 6 de marzo de 1475-Roma, 18 de febrero de 1564), conocido en español como Miguel Ángel, fue un arquitecto, escultor y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica.

Desarrolló su labor artística a lo largo de más de setenta años entre Florencia y Roma, que era donde vivían sus grandes mecenas, la familia Médici de Florencia y los diferentes papas romanos. Fue el primer artista occidental del que se publicaron dos biografías en vida: Le vite de' più eccellenti pittori, scultori e architettori, de Giorgio Vasari, publicada en 1550 en su primera edición, en la cual fue el único artista vivo incluido, y Vita de Michelangelo Buonarroti, escrita en 1553 por Ascanio Condivi, pintor y discípulo de Miguel Ángel, que recoge los datos facilitados por el mismo Buonarroti. Fue muy admirado por sus contemporáneos, que le llamaban el Divino. Benedetto Varchi, el 12 de febrero de 1560, le envió una carta en nombre de todos los florentinos diciéndole: ...toda esta ciudad desea sumisamente poderos ver y honraros tanto de cerca como de lejos... Vuestra Excelencia nos haría un gran favor si quisiera honrar con su presencia su patria. Tolnay (1978, p. 14) Triunfó en todas las artes en las que trabajó, caracterizándose por su perfeccionismo. La escultura, según había declarado, era su predilecta y la

primera a la que se dedicó; a continuación, la pintura, casi como una imposición por parte del papa Julio II, y que se concretó en una obra excepcional que magnifica la bóveda de la Capilla Sixtina; y ya en sus últimos años, realizó proyectos arquitectónicos.

Retrato de Miguel Ángel, por Daniele da Volterra, donde se aprecia su nariz chata.

La Piedad de la basílica de San Pedro del Vaticano, de 1,74 m de altura x 1,95 m de longitud en la base (1496). Miguel Ángel, (1948).

El Esclavo moribundo del Museo del Louvre, de 229 cm de altura. El Esclavo rebelde del Museo del Louvre, de 215 cm de altura.

RAFAEL SANZIO

Miguel Angel, David (15011504) Galería de la Academia, Florencia.

Fecha de nacimiento: 1483, Urbino, Italia Fecha de la muerte: 6 de abril de 1520, Roma, Italia Influencias: Leonardo da Vinci, Alberto Durero, Pietro Perugino,Melozzo da Forlì

Raffaello Sanzio (Urbino, 6 de abril de 1483 – Roma, 7 de abril de 1520), también conocido como Rafael de Urbino o, simplemente, como Rafael fue un pintor y arquitecto italiano del Alto Renacimiento. Además de su labor pictórica, que sería admirada e imitada durante siglos, realizó importantes aportes en la arquitectura y, como inspector de antigüedades, se interesó en el estudio y conservación de los vestigios grecorromanos. Hijo de un pintor de modesta relevancia, fue considerado un niño prodigio por su precoz habilidad y al quedar huérfano se formó en los talleres de varios artistas de prestigio. A los 25 años obtuvo su primer encargo oficial, la decoración de las Estancias Vaticanas, donde pintó algunos frescos como La escuela de Atenas, considerado una de sus obras cumbre. Es célebre por la perfección y gracia de sus artes visuales, destacando en trabajos de pintura y dibujo artístico. Junto con Miguel Ángel y Leonardo da Vinci forma el trío de los grandes maestros del período.

Nació en Viernes Santo y falleció en esta misma festividad el día que cumplió 37 años. Fue un artista muy productivo, en parte gracias a que dirigió un taller conformado por numerosos colaboradores, y, a pesar de su muerte prematura, dejó una extensa obra que en gran parte aún se conserva. La mayor parte de su trabajo está alojado en los Museos Vaticanos, ya que decoró con frescos las habitaciones conocidas como las Estancias de Rafael, el principal encargo de su carrera, que quedó sin terminar a causa de su muerte y fue completado por ayudantes. Después de sus años de juventud en Roma, gran parte de su obra, a pesar de haber sido diseñada por él, fue ejecutada por su taller, con una considerable pérdida de calidad. Ejerció gran influencia en su época; aunque fuera de Roma su obra fue conocida sobre todo a través de la producción que hicieron los talleres de grabado que colaboraban con él. Después de su muerte, la influencia de su principal rival, Miguel Ángel, se intensificó hasta los siglos XVIII y XIX, cuando las cualidades más serenas y armoniosas de Rafael, fueron consideradas de nuevo como un modelo superior.

Su carrera se dividió de manera natural en tres fases y tres estilos, descritos así por Giorgio Vasari: sus primeros años en Umbría, el periodo posterior de cuatro años en Florencia (1504-508), donde absorbió las tradiciones artísticas de la ciudad, y finalmente su último y triunfal período de doce años en Roma, trabajando para los papas y su corte.

Posible autorretrato de Rafael durante su adolescencia.

Los desposorios de la Virgen de Rafael Sanzio. En esta obra, se puede apreciar la influencia de Perugino en la manera de pintar del joven. Rafael, La bella jardinera (1507). París Museo de Louvre.

particular en los ángeles del lado izquierdo.

Fecha de nacimiento: 15 de abril de 1452, Vinci, Italia. Fecha de la muerte: 2 de mayo de 1519, Amboise, Francia. Enterrado en: Capilla de SaintHubert, Amboise, Francia.

Estudio de un caballo de Leonardo. Los dibujos o bosquejos hechos por él resaltaban su magnífico arte. Éste es considerado un predecesor del dibujo del valle Arno.

Estructuras: Catedral de Milán Padres: Piero Fruosino di Antonio da Vinci, Caterina da Vinci

Anciano pensativo. Hay quien considera que este dibujo es el último autorretrato de Leonardo. Biblioteca Real, Windsor.

Estudio sobre la turbulencia

Bautismo de Jesús. Óleo sobre madera de Verrochio (1470–1480). Leonardo trabajó de manera

DIBUJOS

Estudio del embrión humano hecho entre 1510-1513. Dibujo preliminar de La Virgen, el Niño Jesús y santa Ana.

ESTUDIOS CIENTIFICOS

Hombre de Vitruvio, dibujado alrededor de 1490.

ANATOMIA Y MEDICINA

INGENIERÍA E INVENTOS El tornillo aéreo (arriba), 1486, considerado el antecesor del helicóptero. (abajo) Experimento sobre la fuerza de sustentación de un ala.

Planos para una máquina voladora, 1488, Institut de France, París.

CINQUECENTO italiano: arquitectura, escultura y pintura.

Máquina para pulir espejos.

En el SXVI Italia se convierte en el lugar en el que se enfrentan los intereses de las dos grandes potencias europeas: Francia y España (primero con los reyes católicos y después con Carlos V). Al mismo tiempo los estados italianos giran hacia formas de gobierno absolutista y aparece la corte del príncipe. Aquí los artistas se convierten en mercenarios. Gran fuerza política e ideológica del estado pontificio con enérgicos papas como Julio II y León X. Ciudades como Venecia son ahora muy destacadas, allí triunfan Tiziano, Veronés y Tintoretto y la arquitectura de Andrea Palladio.

ARQUITECTURA Bramante (1444-1514) llegó a Roma a los 55 años, antes había realizado obras importantes pero aquí creó sus mejores obras. -El Templete de San Pietro in Montorio: fue costeado por los Reyes Católicos para conmemorar el lugar donde se creía que había sido martirizado San Pedro. Se trata de un perfecto modelo de planta centralizada, rodeado de

órdenes clásicos, coronado por un tambor y una cúpula semiesférica. Manifestación del momento clásico de la arquitectura renacentista.

más puras manifestaciones del clasicismo romano. Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564) fue el encargado de continuar la obra de San Pedro. Entre uno y otro se había cambiado la planta por otra basilical, pero Miguel Ángel decidió volver al plan inicial de Bramante pero reforzándolo en su estructura. Diseñó una monumental cúpula de más de 100m de altura y 42 de díametro que finalmente fue construida mucho más apuntada. Su trayectoria fue dramáticamente expresiva.

-

El proyecto de San Pedro: fue el primer proyecto para la construcción de la nueva basílica de San Pedro por encargo del Papa Julio II, Basado en la planta centralizada. Estaba más preocupado por la belleza que por la utilidad, buscaba el equilibrio y la armonía. Su idea fue un edificio de planta cuadrada, con capillas simétricamente dispuestas alrededor de un enorme recinto central en forma de cruz griega. Este espacio debía ser coronado por una cúpula que debía apoyarse en arcos colosales. No llegó a construirse así. Pero el proyecto es una de las

- Biblioteca Florencia

Laurenciana

de

- Plaza del Capitolio en Roma, empleó el orden colosal que es el que abarca dos plantas de un edificio. Así la homogénea plenitud de los edificios del SXV fue sustituida por

fachadas en las que se subrayaba el relieve de los pilares verticales y los entablamentos horizontales.

Una de sus aportaciones más relevantes es el diseño de villas (residencias campestres)

Palladio (1508-1580) creó un estilo característico veneciano. En su ciudad natal, Vicenza creó la basílica y el teatro olímpico.

ESCULTURA

En Venecia su obra más destacada es la iglesia del Redentor en la que muestra su refinado estilo purista y su sentido luminoso.

Miguel Ángel en esta época se pone de moda la discusión de cuál arte es más difícil: si la pintura o la escultura (parangón) valoración de qué importancia tenían realidad e ilusión. Durante el SXVI cobra cada vez más importancia la parte subjetiva de la creación artística, lo que favorecía a la pintura. En este contexto Miguel Ángel repite que se considera escultor, lleva la escultura por una nueva senda, da un aire nuevo a un lenguaje que parecía haber tocado techo. Tomó como ejemplo a Donatello y quedó fascinado por las esculturas antiguas recién descubiertas en las excavaciones romanas. -David: serenidad y arrogancia, representó el símbolo político de Florencia.

inacabadas “non finito” con una voluntad estética. Piedad Rondanini: está inacabada, quedó con un matiz patético, gran tensión entre la materia bruta y la cincelada.

-

Piedad: se exhibe en la basílica de San Pedro del Vaticano.

PINTURA

- Proyecto para la tumba de Julio II: quedó inacabado, salvándose el Moisés y los esclavos. - Tumbas de Lorenzo y Giuliano de Médicis: a los pies de estas figuras están la aurora y la noche, dos figuras alegóricas

Leonardo da Vinci (14521519) tiene una formación técnica en las más diversas artes y un gran amor por el conocimiento de la realidad, vocación experimental, ensayos químicos en la aplicación material de la pintura. Insaciable curiosidad. Sentido de la psicología, uso extraordinario del claroscuro y fantástica representación de la naturaleza. Dejó muchas obras inacabadas o deterioradas. Adoración de los Reyes Magos. -

La virgen de las Rocas.

El Mona Lisa.

-

La santa cena.

La virgen y el niño con Santa Ana.

retrato

de la

El Esfumado (del italiano sfumato) es una técnica pictórica que se obtiene por aumentar varias capas de pintura extremadamente delicadas, proporcionando a la composición unos contornos imprecisos, así como un aspecto de antigüedad y lejanía. Se utilizaba en los cuadros del Renacimiento para dar una impresión de profundidad. La invención de esta técnica, así como su nombre sfumato, se deben a Leonardo da Vinci, que la describía como "sin líneas o bordes, en forma de humo o más allá del plano de enfoque" Este efecto hace que los tonos se difuminen hasta valores más oscuros como en La Virgen de las Rocas (1483-1486), donde ya se considera totalmente logrado y sobre todo en Mona Lisa o el San Juan Bautista (cuadros conservados en el Louvre de París).

La Gioconda (1503-1506) de Leonardo ilustra la técnica del sfumato en el óleo, particularmente en el sombreado alrededor de los ojos.

San Juan Bautista (1513-1516) de Leonardo. Rafael Sanzio (1483-1520) personalidad más equilibrada que Leonardo. Temperamento sereno y refinado. Fijó el prototipo de idealidad artística. Frescos para la Stanza de la Signatura del Vaticano: Escuela de Atenas, el Parnaso y la disputa del Sacramento. Representa el mundo de la filosofía, la poesía y la religión. Fue un gran retratista como muestra en el retrato del cardenal que se conserva en el Museo del Prado.

Pintó sagradas conversaciones, refinadas y dulces, en el extremo opuesto del espíritu atormentado de Miguel Ángel.

Miguel Ángel vivió profundamente la crisis del humanismo renacentista. Se encontraba entre su amor por lo clásico y su honda religiosidad. La Capilla Sixtina: ejemplo sin parangón en la pintura decorativa, pintó durante 4 años en posturas forzadas, inventó un programa iconográfico y resolvió todos los problemas técnicos que se le presentaron.

Tiziano (1477-1576) máximo representante de esta escuela. Estilo refinado, sensual y brillante de su juventud que varía hasta su dramática manera última. Destacó en todos los géneros: mitológicos, históricos, religiosos, paisajísticos y retratos. Estrecha relación con Carlos V y Felipe II. Su trayectoria refleja la evolución de la pintura desde el clasicismo, manierismo y naturalismo y anuncia el Barroco. El juicio final: violencia expresionista que rompe con su anterior equilibrio y refleja el estado de inquietud en que vivió sus últimos años.

1ª etapa: Asunción, Ofrenda a Venus y Bacanal.

La escuela veneciana Sus aires orientales, hacían que al haber mantenido el gusto por los fondos dorados, los predispusiese a usar los colores brillantes. Gusto por el color en contraposición a la idea florentina de supremacía del dibujo. Sensibilidad por el paisaje. Sacan el mayor partido a la luz y convierte el color en atmósfera. Además hay un extraordinario desarrollo intelectual de los ideales del humanismo. La observación de la realidad se combinó con la fantasía y el sentido de lo exótico. El estilo veneciano influyó notablemente en la pintura barroca y en el arte posterior.

2ª etapa: Madonna Pesaro que tiene una composición oblicua con la que replantea totalmente el equilibrio tradicional. 3ª etapa: Presentación de la Virgen, es un cuadro de atmósfera densa con misteriosos reflejos negros y dorados, tiene un estilo más turbulento y sombrío que se mantiene hasta el final.

ambientaciones fantásticas con tonos y colores arbitrarios.

ARTE CONTEMPORANE O

Es un gran retratista como se aprecia en sus obras: Joven con guante; Federico Gonzaga, Duque de Mantua y Carlos V en la batalla de Mühlberg.

Manierismo: se caracteriza por un alargamiento del canon de proporción de las figuras. El gusto por las composiciones complicadas llenas de escorzos, los fondos irracionales, simbolismos muy rebuscados y

Se llama arte contemporáneo a aquellas expresiones artísticas originadas durante el decurso del siglo XX. Si bien el criterio de contemporaneidad es de uso dispar, las producciones del arte durante el siglo pasado tienen una serie de rasgos comunes que entran en franco contraste con aquellos provenientes de épocas precedentes. Así, es posible referirse al arte del siglo XX como a un bloque, soslayando las siempre presentes diferencias que existen en este. Las principales características que pueden señalarse con respecto al arte producido en ese siglo son aquellas que hacen a una innovación en las normas a seguir, como así también el uso de patrones antiguos que están utilizados con una significación distinta a la original. Cabe antes que nada dar un breve repaso de algunas concepciones vigentes al momento de finalizar el siglo XIX. Hasta ese momento, pese a las enormes diferencias que se habían gestado en lo que respecta a definir el valor y los alcances del arte, siempre

prevaleció una intención de lograr belleza a través de este. En este sentido, pude decirse que siempre subyació un elemento platónico en la mentalidad artística anterior al siglo XX, aspecto al que pudo haber contribuido el cristianismo. Basta con recordar que muchos expertos definen la existencia de períodos cíclicos en la historia del arte. Así, el Renacimiento exhibió un intenso aspecto platónico en el cual se rescataron variables típicas de la cultura grecorromana, con respeto por la simetría, los patrones clásicos de belleza y la figura humana. Estas características son llamadas apolíneas (en referencia al dios griego de la belleza, Apolo). El Renacimiento fue sucedido por el Barroco, un período breve, profundamente explosivo y plagado de creatividad, en el cual estos cánones se relativizaron para incluir también parámetros más aleatorios e incluso sombríos. Estas características suelen definir como dionisíacas (por el dios griego del vino, Dionisio). El neoclasicismo y el romanticismo representan dos etapas posteriores y homólogas del Renacimiento y el Barroco, en ese orden. De igual forma, con la consolidación de la Revolución Industrial primero, y luego de la

Primera Guerra Mundial, la postura apolínea fue abandonándose en pos de una más relativista, hasta el punto de llegar a negar a la belleza como finalidad del arte. Así, serán las vanguardias las que pretenderán “liberarse” de concepciones pasadas, bogando por estilos nuevos y experimentales. Más allá de que no lograron prosperar, dejaron su impronta en el decurso del siglo, relativizando la noción de belleza. En muchos sentidos contribuyeron a estas novedades en el arte moderno la posibilidad de la rápida incorporación de parámetros artísticos de otras regiones del mundo (en especial, el Asia y los pueblos originarios de América) y, en muchos casos, los fenómenos experimentales con alucinógenos utilizados en la década de 1960. Asimismo, vale recordar que el siglo XXI ha incorporado al arte moderno el concepto asociado de arte digital, en el cual muchos creadores aplican tecnologías informáticas para dar lugar o complementar otro tipo de obras, ya sea de índole gráfico o musical. Los recursos digitales han llegado para quedarse en forma definitiva en el mundo del arte actual, con un mayor o menor grado de influencia que depende de la disponibilidad y variables culturales propias del artista y

su

entorno

social.

Ciertamente, puede señalarse una cuota de subjetividad a la hora de evaluar una obra en particular. No obstante, el cuestionamiento extremo de pautas que eran respetadas hasta fines del siglo XIX conllevo a una banalización del arte. En efecto, si la belleza es relativa, entonces cualquier elemento es bello, y si el arte no tiene por qué atenerse a criterios estéticos, entonces cualquier expresión es artística. El tratamiento de estas cuestiones será capital para definir el futuro de la cultura. La viralización del arte ha convertido en realidad a cada usuario en una suerte de crítico de mayor o menor idoneidad, por lo cual los gustos y placeres asociados con el arte moderno pueden disfrutarse de un modo personalizado y con grandes posibilidad de elección por parte de cada individuo.

ES DADAÍSMO Es un movimiento cultural y artístico que surgió en 1916 en el Cabaret Voltaire en Zúrich (Suiza). Fue propuesto por Hugo Ball, escritor de los primeros textos dadaístas; posteriormente, se unió el rumano Tristan Tzara que llegaría a ser el emblema del Dadaísmo. Una característica fundamental del Dadaísmo es la oposición al concepto de razón instaurado por el Positivismo. El Dadaísmo se

caracterizó por rebelarse en contra de las convenciones literarias, y especialmente artísticas, por burlarse del artista burgués y de su arte.1 Su actividad se extiende a gran variedad de manifestaciones artísticas, desde la poesía a la escultura pasando por la pintura o la música.

Para los miembros del Dadaísmo, este era un modus vivendi que hacían presente al otro a través los gestos y actos dadaístas: acciones que pretendían provocar a través de la expresión de la negación dadaísta. Al cuestionar y retar el canon literario y artístico, el Dadaísmo crea una especie de antiarte moderno, es una provocación abierta al orden establecido. Origen del nombre «dadá» Aunque la discusión sobre el origen y el significado de la palabra dadá son amplios, no hay un conocimiento legítimo sobre lo que significa. Las explicaciones de los mismos dadaístas varían tanto que es imposible señalar una y llamarla correcta. Hans Arp, miembro del grupo en 1921, declara lo siguiente en una revista del movimiento: Declaro que Tristan Tzara encontró la palabra «dadá» el 8 de febrero de 1916 a las seis de la tarde. [...] Estoy convencido de que esta palabra no tiene ninguna importancia y

que solo los imbéciles pueden interesarse por los datos. Lo que a nosotros nos interesaba es el espíritu dadaísta, y todos nosotros éramos dadaístas antes de la existencia del Dadaísmo.

ALEJANDRO OBREGON (Barcelona 1920 - Cartagena 1992)

Hans Arp Se dice que Tristan Tzara tomó un diccionario, lo puso encima de su escritorio y queriendo buscar una palabra abrió el diccionario en una página y buscó la palabra más rara y desconocida, y encontró dadà, que significa ‘caballo de madera’ en francés.

PABLO PICASSO - (Malaga 1881 Mougins 1973)

El mismo Tzara ofreció diversas explicaciones sobre la palabra, todas apuntando al sinsentido de la misma y, no obstante, confusas. Entre éstas encontramos, en el Manifiesto dadaísta de 1918, lo siguiente: Dadá no significa nada. Si alguien lo considera inútil, si alguien no quiere perder su tiempo con una palabra que no significa nada [...] Por los periódicos sabemos que los negros kru llaman dadá al rabo de la vaca sagrada. El cubo y la madre en cierta comarca de Italia reciben el nombre de dadá. Un caballo de madera en francés, la nodriza, la doble afirmación en ruso y en rumano: dadá. Representantes contemporáneo

del

arte

SALVADOR DALI 1904 - Ibidem 1989)

(Figueras

Autor: Salvador Dalí Domènech Fecha: 1931 Museo: Museo de Arte Moderno de Nueva York. Características: 24 x 33 cm. Estilo: Material: Oleo sobre lienzo. WASSILY KANDINSKY - (Mosku 1866 - Neuilly 1944)

PIET MONDRIAN (Amersfoort 1872 - Nueva York 1944)

-

RENE MAGRITTE (Bélgica 1898 - Bruselas 1967)

ERWIN WURM - ( Bruck an der Mur 1954)

MARCEL DUCHAMP (Blainvilla 1887 - Neuilly 1968)

GABRIEL OROZCO (Xalapa, Veracruz 1962)

-

DAMIEN HIRST - (Bristol 1965) RUBÉN GRAU Aires Argentina 1959)

(Buenos

TRACEY EMIN - (Inglaterra 1963)

JULIAN SCHNABEL York 1951)

- (Nueva

EL SURREALISMO La actitud irracionalista del movimiento “Dadá” derivó hacia un intento de mayor

envergadura: El surrealismo. El surrealismo es un movimiento artístico y literario surgido en Francia a principios del siglo XX, es la última manifestación importante del arte moderno antes del inicio de la terrible segunda guerra mundial que cambió la concepción del Arte en Europa. Conocido como el movimiento de lo irracional y lo inconsciente en el arte de las vanguardias, surge en el ámbito literario pero pronto lo abarca todo, pensamiento, artes plásticas, cine y teatro.

un método de escritura simultánea con el que estaban experimentando: “... Puro automatismo psíquico, por medio del cual se intenta expresar, verbalmente o por escrito, o de cualquier otro modo, el proceso real del pensamiento. El dictado del pensamiento, libre de cualquier control de la razón, independiente de preocupaciones morales o estéticas...”

El portavoz del movimiento fue la revista Litterature dirigida por un grupo de poetas Bretón, Soupault, Aragón y Eluard, fundada en 1919. Galatea de las Esferas (1952) Salvador Dalí

La Última Cena (1955) The singing fish Miro Joan

Galatea de las Esferas (1952) Salvador Dalí

The singing fish Miro Joan

Estos poetas adoptaron la palabra surrealismo para definir

La producción surrealista se caracterizó por la exaltación de

los procesos oníricos, el humor corrosivo y el erotismo, concebido todo ello como armas de lucha contra la tradición, la moral y la cultura burguesa. Los planteamientos del movimiento surrealista contra la tradición y vida burguesa tenían una raíz política y un sector del surrealismo empezó a considerar insuficientes las manifestaciones culturales y se afilió al Partido Comunista Francés. Surgieron así las primeras discrepancias en el seno del movimiento a propósito de la relación entre arte y política. La primera exposición surrealista se celebró en París en 1925, y en ella además de Arp, De Chirico y Ernst, también colgaron sus obras Picasso, Tanguy, Miró y Klee, que más tarde se separarían del movimiento o mantendrían cierta vinculación con algunos de sus principios. Algunos años después se unieron al movimiento rtistas como Dalí y Buñuel, entre otros. Se sucedieron manifiestos contradictorios y el movimiento comenzó a disgregarse. A pesar de su deterioro, en 1938 se celebra en París la Exposición Surrealista Internacional, debido a que el movimiento se había extendido por muchos países.Poco después, la segunda guerra mundial

paraliza la actividad en Europa y dispersa a los artistas surrealistas, muchos de los cuales (entre ellos Breton) se exilian en Nueva York. Allí surge una asociación de pintores surrealistas alemanes y franceses en torno a la revista VVV. Finalizada la contienda mundial, en 1946, el surrealismo como movimiento unitario ya prácticamente había desaparecido.

El dominio (1949)

de

Arnheim

(Le domaine d´Arnheim) René François Magritte

Ghislain

En el campo de las artes plásticas, los pintores surrealistas se manifiestan de dos maneras diferentes, los surrealistas figurativos, interesados por la vía onírica (Magritte, Delvaux y Dalí, entre otros) y que se sirven del realismo y de las técnicas y recursos pictóricos tradicionales; y los surrealistas abstractos, que practican el automatismo psíquico puro (Masson, Miró) e inventan universos grafico-plásticos propios.

Conjunción de imágenes dispares (reales o irreales), tanto en el tiempo como en el espacio. Además de lo onírico, representación de toda clase de simbologías, especialmente eróticas y sexuales. Creación de imágenes equívocas de manera que una misma cosa puede ser interpretada de varias maneras (principio de la “discordancia”), por ejemplo, una nube puede parecer la cabeza de un animal o bien otra cosa. Da importancia a lo paradójico, lo absurdo, la caducidad, la destrucción y lo misterioso.

Características:

Los objetos y formas son despejados de su significación tradicional (principio de la “desorientación”), el observador queda desorientado, sin saber a qué atenerse.

Figuración con temática subjetiva de carácter onírico basada en las técnicas del inconsciente de Freud (el carácter figurativo desaparece en el llamado “surrealismo abstracto”). Interpretación de la realidad desde el sueño, inconsciente, magia e irracionalidad.

Desnudo en Paisaje (1923)

Dalí Toca todos los estilos: clásico, barroco, ingenuismo, futurismo, etc. Utilización espectacular de la perspectiva cónica exagerando la sensación de profundidad (creación de grandes espacios y lejanías). Creación en el cuadro de juegos perceptivos e ilusionísticos. Ejecución pictórica minuciosa con gran cuidado del dibujo y la figura (Dalí). Utilización del claroscuro y del color modelado. Invención de nuevos métodos y técnicas: pintura automática, frottage y grattage

Salvador Dalí junto a Man Ray.

SALVADOR DALÍ Salvador Felipe Jacinto Dalí i Domènech, marqués de Dalí de Púbol (Figueras, 11 de mayo de 1904-ibídem, 23 de enero de 1989), fue pintor, escultor, grabador, e scenógrafo y escritor español. Se le considera uno de los máximos representantes del surrealismo. Salvador Dalí es conocido por sus impactantes y oníricas imágenes surrealistas. Sus habilidades pictóricas se suelen atribuir a la influencia y admiración por el arte renacentista. También fue un experto dibujante. Los recursos plásticos dalinianos también abordaron el cine la escultura y la fotografía, lo cual le condujo a numerosas colaboraciones con otros artistas audiovisuales. Tuvo la capacidad de acrisolar un estilo genuinamente personal y palpable al primer contacto, que en realidad era

muy ecléctico y que «succionó» de innovaciones ajenas. Una de sus obras más célebres es La persistencia de la memoria, el famoso cuadro de los «relojes blandos», realizado en1931. Como artista extremadamente imaginativo, manifestó una notable tendencia al narcisismo y la megalomanía, cuyo objeto era atraer la atención pública. Esta conducta irritaba a quienes apreciaban su arte y justificaba a sus críticos, que rechazaban sus conductas excéntricas como un reclamo publicitario ocasionalmente más llamativo que su producción artística. Dalí atribuía su «amor por todo lo que es dorado y resulta excesivo, su pasión por el lujo y su amor por la moda oriental» a un autoproclamado «linaje arábigo»,que remontaba sus raíces a los tiempos de la dominación árabe de la península ibérica.

sus padres, su tía Catalina (segunda esposa de su padre), su hermana Ana María y su abuela Ana.

Representación de la firma de Dalí en la entrada del antiguo Museo Dalí en San Petersburgo (Florida),Estados Unidos.

FRIDA KAHLO

Fecha de nacimiento: 6 de julio de 1907, Coyoacán, México Fecha de la muerte: 13 de julio de 1954, Coyoacán, México Períodos: Realismo mágico, Surrealismo, Arte moderno Cónyuge: Diego Rivera (m. 1940– 1954), Diego Rivera (m. 1929– 1939) Hermanos: Cristina Kahlo

La familia Dalí en 1910: desde la izquierda, su tía María Teresa,

Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón, más conocida como Frida Kahlo (Coyoacán, 6

de julio de 1907-ibíd. 13 de julio de 1954), fue una pintora y poetisa mexicanade ascendencia judeohúngara, española e indígena. Casada con el célebre muralista mexicano Diego Rivera, su vida estuvo cruzada por el infortunio de una enfermedad infantil y por un grave accidente en su juventud que la mantuvo postrada en cama durante largos periodos, llegando a someterse hasta a 32 operaciones quirúrgicas. Llevó una vida poco convencional, fue bisexual y entre sus amantes se encontraba León Trotski. Su obra pictórica gira temáticamente en torno a su biografía y a su propio sufrimiento. Fue autora de unas 200 obras, principalmente autorretratos, en los que proyectó sus dificultades por sobrevivir. La obra de Kahlo está influenciada por su esposo el reconocido pintor Diego Rivera, con el que compartió su gusto por el arte popular mexicano de raíces indígenas, inspirando a otros pintores mexicanos del periodo posrevolucionario. En 1939 expuso sus pinturas en Francia acudiendo a una invitación de André Breton, quien intentó convencerla de que eran «surrealistas», aunque Kahlo decía que esta tendencia no correspondía con su arte ya

que ella no pintaba sueños sino su propia vida. Una de las obras de esta exposición (Autorretrato-El marco, que actualmente se encuentra en el Centro Pompidou se convirtió en el primer cuadro de un artista mexicano adquirido por el Museo del Louvre. Hasta entonces, Frida Kahlo había pintado solo privadamente y a ella misma le costó admitir que su obra pudiese tener un interés general. Aunque gozó de la admiración de destacados pintores e intelectuales de su época como Pablo Picasso, Vasili Kandinski, André Breton o Marcel Duchamp, su obra alcanzó fama y verdaderu reconocimiento internacional después de su muerte, a partir de la década de 1970.

Accidente e inicio de su pintura (1925-1928)

elementos del estilo del exvoto.

Frida Kahlo con Diego Rivera en1932, fotografiados por Carl van Vechten. Debido a un accidente que la dejó en cama tres meses, aprendió a pintar. Fueron sus autorretratos los que la hicieron famosa y la convirtieron en una figura destacada de la pintura mexicana del siglo XX. Para recordarla te traemos 5 de sus más grandes obras. El Accidente (1926) El 17 de septiembre de 1925, Frida sufre un accidente que le cambió la vida. Un año después, ella hizo el boceto El accidente en el estilo tradicional de las pinturas religiosas o ex-voto mexicanas. Tradicionalmente, esta pinturas son ejecutadas sobre láminas de hojalatas y retratan la escena en la que ocurre un hecho milagroso. El milagro ocurrido en este boceto es que Frida no murió. Una de las características de ex-voto es que la escena es descrita de manera doble, en dibujo y palabras. Muchas de las pinturas de Frida incorporarán

Autorretrato con Traje de Terciopelo (1926) Este es el primer autorretrato de Frida. Lo pintó como regalo para su compañero de estudios y novio, Alejandro Gómez Arias, quien había roto la relación. Se lo dio como prueba de amor con la cual esperaba el recuperar su afecto y que la tuviera en sus pensamientos. Su ruego de amor funcionó y poco tiempo después de que Alejandro recibiera el retrato, se reconciliaron.

Autorretrato en la frontera entre México y estados Unidos (1930) En 1930, Diego Rivera le comisionan varios murales en los Estados Unidos, así la pareja empaca sus pertenencias y se van al norte. Luego de cuatro años, Diego se encontraba contento en tierra norteamericana pero, Frida extrañaba su tierra y se sentía miserable. Esta experiencia fue motivo de inspiración para su pintura Autorretrato en la frontera entre México y Estados Unidos.

Las Dos Fridas (1939) Esta pieza fue realizada en 1939, el año en que ella se divorcia de Diego, se cree que Las dos Fridas es la expresión de los sentimientos de la artista en el momento. Este doble autorretrato fue el primer trabajo en gran escala realizado por Frida.

Diego y yo (1949) Ella era su "chicuita" y él su "príncipe sapo" sin embargo, el transcurrir de este amor no fue nunca fácil para Frida y Diego. Al poco tiempo de su matrimonio en 1929, empezaron los problemas. El año de 1949, la relación tocó el punto más bajo cuando corrió el rumor de que Diego intentaba casarse con la estrella de cine, María Félix, con quien mantenía un romance. A pesar de que nada de esto resultó y Diego permaneció al lado de Frida, ella terminó profundamente herida. El autorretrato Diego y yo proviene de esta experiencia vivida. The Wounded Deer

Hijos: Paloma Picasso, Claude Picasso, Paul Joseph Picasso, Maya Widmaier-Picasso

Pablo Ruiz Picasso (Málaga, 25 de octubre de 1881- Mougins, 8 de abril de 1973) fue un pintor y escultor español, creador, junto con Georges Braque y Juan Gris del cubismo

PABLO PICASSO Fecha de nacimiento: 25 de octubre de 1881, Málaga, España. Fecha de la muerte: 8 de abril de 1973, Mougins, Francia Influencias: Vincent van Gogh, Paul Cézanne, Paul Gauguin, Más Serie: Las Meninas, Músicos con máscaras, Sueño y mentira de Franco

Es considerado desde el génesis del siglo XX como uno de los mayores pintores que participaron en muchos movimientos artísticos que se propagaron por el mundo y ejercieron una gran influencia en otros grandes artistas de su tiempo. Laborioso y prolífico, pintó más de dos mil obras, presentes en museos y colecciones de toda Europa y del mundo. Además, abordó otros géneros como el dibujo, el grabado, la ilustración de libros, la escultura, la cerámica y el diseño de escenografía

y vestuario teatrales.

para

montajes

En lo político, Picasso se declaraba pacifista y comunista. Fue miembro del Partido Comunista de España y del Partido Comunista Francés hasta su muerte el 8 de abril de 1973 en su casa llamada «Notre-Dame-de-Vie» en Mougins (Francia) a los 91 años. Está enterrado en el parque del castillo de Vauvenargues (Bouches-duRhone).

PRIMERAS PINTURAS

Ramón Casas: Pablo Picasso, 1900, Museo Nacional de Arte de Cataluña.

El entierro del conde de Orgaz (1586-1588, Santo Tomé, Toledo), obra más conocida del Greco. La división del espacio en dos zonas inspiró a Picasso en su cuadro El entierro de Casagemas.

Madame Cézanne en el invernadero (1891-92), de Paul Cézanne, un antecedente de la esquematización del rostro en la pintura de Picasso.

Obras de Etapa Azul

la

Las etapas del arte de Picasso son tantas y tan variadas que hacer una clasificación es algo totalmente arbitrario, pero tradicionalmente se distinguen tres épocas: la época azul, la rosa y el cubismo. La época azul dura unos cuatro años, de 1900 a 1904 y se desarrolla entre Barcelona y París. En esta época predomina el color azul en sus cuadros, casi monocolores. De este periodo son cuadros como Viejo con guitarra, Arlequín pensativo, Miserables ante el mar, Evocación: El entierro de Casagemas, Mujer acurrucada, Dos mujeres sentadas en un bar, La melancolía y Autorretrato.

Las dos hermanas de Pablo Picasso óleo sobre lienzo 152 x 100 cm Museo del Hemitage San Petesburgo

Esa es una época que ya marca su personalidad como pintor y es perfectamente identificable su estilo: realismo, intimismo y melancolía, que presiden sus cuadros. Sus motivos son gente pobre y marginal: ciegos, locos, prostitutas, etc. El brazo y La vida son sus dos obras más representativas de esta etapa. Es una época expresionista.

Picasso pintó temas melancólicos inicialmente en

tonos frescos y predominantemente azul. Alrededor de 1905 se pasó a uno más cálido y por lo general se levantó la paleta para representar músicos ambulantes y artistas de circo. El artista visitó regularmente el popular Circo Medrano con su novia Fernande Olivier y pintó varias versiones de un muchacho con un perro, en un estilo lineal, de estilo neoclásico, como los estudios para la Familia de saltimbanquis. Este cuadro “Muchacho con un perro” es del año 1905 y se expone en el Pictoright Amsterdam

"Viejo con Guitarra"

« Yo no evoluciono, yo soy. En el arte, no hay ni pasado, ni futuro. El arte que no está en el presente no será jamás. »

"La Vida"

Etapa Rosa En 1904 se instala definitivamente en París, en una casa vieja del barrio de

Montmartre, y adopta el nombre de Picasso (con dos eses). Conoce a algunos de los artistas de la vanguardia de París, como Max Jacob y Guillaume Apollinaire. La época rosa dura unos dos años, de 1904 a 1906. En este período predominan los colores rosa y azul. Los lienzos se hacen más cálidos y no están exentos de cierto sentimentalismo. Los temas son más alegres: saltimbanquis, payasos, acróbatas, arlequines y desnudos femeninos. Todo ello con un corte clásico. Es una época bastante alegre.

"El Abrazo"

Los cuadros más representativos de esta época son: El abrazo, Dos desnudos, La hija de Fredé, Adolescentes, Gran desnudo en pie, Arlequín, La familia de Arlequín, La familia del saltimbanqui, Muchacho desnudo, El aseo y La señora de Canals, pintado en 1906 con una innovación que le revela como genio de la pintura: pinta su primera máscara sobre el lienzo.

"Familia de Arlequín"

EL CUBISMO El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, nacido en Francia y encabezado

por Pablo Picasso, Georges Braque, Jean Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunay y Juan Gris. Es una tendencia esencial, pues da pie al resto de las vanguardias europeas del siglo XX. No se trata de un ismo más, sino de la ruptura definitiva con la pintura tradicional. El término cubismo fue acuñado por el crítico francés Louis Vauxcelles, el mismo que había bautizado a los fauvistas motejándolos de fauves (fieras); en el caso de Braque y sus pinturas de L'Estaque, Vauxcelles dijo, despectivamente, que era una pintura compuesta por «pequeños cubos». Sin embargo, el genio de Picasso comienza a buscar nuevas formas de expresión. Conoce a Georges Braque, André Derain y Juan Gris. Esta es la etapa más importante del arte de Picasso, y la más transcendente. Comienza en 1906 y termina oficialmente en 1921. En 1907 conoce a Henry Kahnweiler, un rico marchante. Los problemas económicos se terminarían para Picasso, que incluso se convertiría en un hombre rico. En 1906 pinta uno de los cuadros más transcendentes de la historia de la pintura:

Pablo Picasso, el iniciador del cubismo, retratado por Juan Gris, 1912, óleo sobre lienzo, 93,3 x 74,4 cm, Instituto de Arte de Chicago.

"Las Señoritas de Avignon"

elementos de las figuras se descomponen en formas geométricas cada vez más pequeñas. Aparecen figuras puras, cuadrados, triángulos, trapecios y trapezoides, y pequeños planos poligonales con algo de volumen, que se consigue gracias a las diferentes intensidades de luz. Los cuadros pierden color y se pinta en blanco, negro o ceniza.

"Mujer del Abanico"

En 1909 Picasso sorprende de nuevo. En "Cabeza de mujer" los planos se descomponen hasta el infinito y desde todos los puntos de vista. En un cuadro como La mujer en camisa se puede observar el grado de geometrización a que somete a las formas: el triángulo de la cara, las curvas ondulantes en el cuerpo y en el pelo, todo ello pura geometría.

"La fábrica de Horta de Ebro"

El Cubismo Analítico Picasso continúa investigando en las propiedades de las formas más elementales. Los

"Cabeza de Mujer"

Picasso pretende llevar esta estética a la escultura, intentando representar el tiempo. En 1909 esculpe en bronce Cabeza femenina, cuyo aspecto es muy similar al de sus cuadros. Comienza una obra escultórica que no abandonará nunca. El cubismo analítico alcanza su esplendor en una serie de retratos: Retratos de D. H. Kahnweiler, Wilhelm Uhde, Ambroise Vollard y Mujer con mandolina. Además de otras obras como La señora del sombrero.

"Retrato

de

D.

H.

Kahnweiler"

El Cubismo Sintético

Poco a poco los planos se hacen más grandes y aparecen referencias de la realidad, siempre geométricas: cuerdas de guitarra, letras... Los temas son alegres y lúdicos. En 1913 Picasso hace otro aporte genial a la pintura: el collage. Comienza a incluir en sus cuadros trozos de realidad, periódicos, revistas, maderas, tela, etc. Este será el camino que sigan muchos artistas posteriores. Con ello llegan a la misma conclusión que Duchamp en 1917 con sus ready-made: la obra de arte no tiene porque salir íntegramente de la mano del maestro. Hombre con sombrero, Naturaleza muerta con una silla de rejilla, Naturaleza muerta con violín y fruta, Guitarra, Naturaleza muerta en el que el colage alcanza la tercera dimensión, son algunas. En el cubismo sintético las formas son más reconocibles, pero se ha llegado a una absoluta objetividad de la obra de arte. Se pueden crear objetos artísticos salidos de la imaginación, sin interpretar la realidad, creados artificialmente. Mujer en la butaca, La muchacha de la pelliza, Viva Francia, Cabeza, Cabeza de muchacha, Arlequín, Danza, Hombre acodado en una mesa. Con esto prácticamente se llega a la abstracción pura, además se recupera el color.

De esta época son algunas de sus esculturas en chapa, como la serie de Guitarra, o Proyecto para el monumento a Apollinaire. Desde 1916 Picasso no para de trabajar, pero aunque no faltan obras cubistas comienza a recuperar la figuración en algunos cuadros. Reaparecen los temas de Pierrot y Arlequín y los detalles naturalistas. Paolo vestido de arlequín, Retrato de Ígor Stravinsky, Madre e hijo, Figuras ante un fondo negro, Una anatomía, Caballo destripado, Los tres músicos, La danza. En 1921 se da por concluido oficialmente el cubismo. También se acerca al surrealismo, Figuras a la orilla del mar.

"Naturaleza muerta una silla de rejilla"

con

"Los tres músicos"

« Todo lo que puede ser imaginado es real. »

Descripción: Óleo sobre lienzo. 50 x 46 cm. Localización: Narodni

Gallery. Praga Pablo Picasso

Autor: