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• Jose Meneses Lopez

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Consigna de Trabajo para Arte IV Ruhrberg, Karl Schneckenburger, Manfred Fricke, Christiane Honnef, Klaus, (2005), “Arte del siglo XX. Tomo I. Pintura.”, Barcelona, España, Editorial Taschen. 1-¿Por qué denomina que el Impresionismo es el rostro de Jano? El primero en aopoyar al impresionismo fue el fotografo Felix Nadar, en su estudio es donde se realiza la primera exposición de pinturas de los artistas impresionistas, en ellas, se resalta un nuevo enfoque de la realidad. Buscaron capturar, tanto desde la pintura como la fotografía, la emoción del momento único e irrepetible, es una nueva forma de contemplar la belleza de la imagen, que rompe con la tradición en las artes visuales.

Edouard Manet, Vista de la Exposición Universal de 1867, 1867. Óleo sobre tela, 108 x 196 cm. Oslo, Nasjonalgalleriet.

Los impresionistaspertenecían y representaban en sus obras a las clases burguesas, los principales representantes del movimiento pictórico fueron Paul Cézanne, Alfred Sisley, Auguste Renoir, Edgar Degas, Édouard Manet, Claude Monet, entre otros artistas. En sus inicios estos pintores buscaron comunicar un mensaje sencillo y comprendible, sobre el papel de las imágenes como transmisoras de sentimientos, con el fin de exaltar el papel social de la burguesía, pero su mensaje no fue bien interpretado y los críticos de arte se mofaron de sus obras, llamaron a estos de forma burlona como “Impresionistas”. Al igual que el papel de guardían de las puertas, de los comienzos y de los finales del dios romano Jano, que posee dos caras, la pintura impresionistas posee dos funciones, reflejar la superficie colorida de la vida y buscar reproducir la belleza de la superficie y del momento, a través del paso de los cambios de la iluminicidad. El impresionismo representa la culminación y punto final de la pintura ilusionista, refleja las

veleidades de la percepción humana y la relación de esta con la hora del día y los cambios en el lugar, lograron liberar el color hasta conducirlo a la autonomía, como sucedió con Paul Cézanne, que buscó la armonía del color y de la forma en un arte de la naturaleza.

Edouard Manet La merienda campestre, 1864. Óleo sobre tela, 208 x 264 cm. París, Musée d'Orsay.

Pierre-Auguste Renoir Le Moulin de la Galette, 1876. Óleo sobre tela, 131 x 175 cm. París, Musée d'Orsay.

Los impresionistas y sus sucesores, en la pintura hicieron volver a las fuentes originales, al color y forma puros, liberando de tda alegoría y referencia, otorgaron las bases del arte del siglo XX, este movimiento representó el nacimiento del arte subjetivo, la importancia radica en el cómo se plasma lo que daba su valor, resaltan la importancia de la personalidad y estilo, como dijo Manet “Yo pinto lo que veo...”. El arte impresionista es el reflejo de su época, trasmite la visión de la vida del momento, como también lo hacía la música, literatura y filosofía, este estilo artístico en la pintura es una creación de la experiencia espontánea.

Edgar Degas. Estudio de danza de la Ópera. Rue le Pelletier, 1872. Óleo sobre tela, 32 x 46 cm. París, Musée d'Orsay. Claude Monet. Impresión. Sol naciente, 1872. Óleo sobre tela, 48 x 63 cm. París, Musée Memottan.

2-¿Hay evolución después del Impresionismo? Luego del impresionismo nacieron el puntillismo, se caracteriza por la unión de puntos de color, aplicados de forma sucesiva, y el divisionismo, áreas separadas de color, ambos movimientos pictóricos desarrollados por George Seurat. Sus investigaciones y meditaciones llevaron a Seurat a alejarse del impresionismo, buscando detectar el canon formal, la geometría oculta, el marco intelectual de los cuadros de varios pintores de otras épocas como Rafael, pero también, fue capaz de analizar los contrastes complementarios de Delacroix. Este defendía la permanencia en el arte, para este el arte tiene una función, los espectadores

son los testigos de la maduración de un estilo hasta sus límites, caracterizado por la disolución gradual de los planos de color en partículas de color cada vez más minúsculos, se convierte en un método científico exacto.

Georges Seurat. Un domingo por la tarde en la Ile de la Grande Jatte, 1884-1886. Óleo sobre tela, 206'4 x 305'4 cm. Chicago (IL), The Art Institute of Chicago.

Piet Mondrian mediante este método llega a la creación del movimiento pictórico abstaccionismo, ya no se pinta al aire libre, solo se toma notas del paisaje para luego ser pintado en el etudio, Seurat colocaba punto por punto, color por punto, en el lienzo, mediante un análisis científico de la luz, utilizaba la doctrina de los contrastes simultáneos. Este en su paleta colocaba a los colores en posición adyacente del espectro. Estos artistas pensaron que al dejar los colores en estado puro, lograrían generar la expresión de brillantez incorpórea del espectro lumínico, la mezcla se realizaba en la retina del espectador, debía de hacerlo mediante una distancia prolongada del lienzo.

Paul Signac. Pino en Saint-Tropez, 1909. Óleo sobre tela, 72 x 92 cm. Moscú, Museo Pushkin.

El neoimpresionismo pretendió establecer una doctrina rigurosa, una estética normativa. Otro ejemplo del neoimpresionismo o posimpresionismo fue el aventurero, especulador y profeta del arte, Paul Gauguin, buscó la forma lúcida en la pintura, este por el arte deja a su familia, esposa danesa adinera y cuatro hijos, para ir en busca del paisaje perfecto, el paraíso, llega a visitar varias ciudades como Tahití y las Islas Marquesas. Sus obras se estructuran de forma equilibrada de líneas horizontales y verticales, armonizados por los grupos de figuras, para Gauguin la importancia se enuentra en el plano y no en las perspectivas, buscaba una nueva disposición ornomental y bidimensional de las formas y de las figuras, otorgando un papel de importancia a los contornos.

Paul Gauguin. El nacimiento de Cristo (Te Tamari No Atua), 1896. Óleo sobre tela, 96 x 128 cm. Múnich, Bayerische Staatsgemäldesammlungen, Neue Pinakothek

Mediante sus pinturas llenas de contenido poético, se acerca al simbolismo que aboga por la representación de sensaciones y emociones, a través de líneas, de formas y de colores, mediante su arte busca realizar “música en colores”, proclama que “El arte es abstracción (...) El artista puede deformar si sus deformaciones son expresivas y bellas”.

Paul Gauguin. Leyenda exótica (Contes barbares), 1902. Óleo sobre tela, 131'5 x 90'5 cm. Essen, Museum Folkwang.

3- Búsquedas: razón, evasión, drama, pintor-constructor. Esta búsqueda nos lleva hasta las obras de Vincent Van Gogh, que logra la separación con el impresionismo y realiza un arte de protesta, atento a los males de la sociedad, que mediante sus pinturas representa a la gente humilde en sus paisajes en la ciudad, en ambientes pobres y desamparados, mediante la realización de sus acciones cotidianas como tomando su comida, visitando hospitales y manicomios, entre otras acciones de la vida, Su arte cuestiona a la cultura de la que surge, re preocupa por la verdad y no por la belleza, esta verdad se encuentra en las calles y en los rostros de las personas sencillas, representa al mundo sacudido desde sus raíces, a travś de sus obras nos muestra sus estados de ánimo y características personales, lleno de ansiedades y miedos, sobre la vida en sensación contanste de vacío y sin hogar. El arte de Vincent Van Gogh se caracteriza por el dinamismo, en perpetuo movimiento, el acto del pintor es dramático y es una conversación palabra a palabraque se suceden, pincelada a pincelada en la tela, siendo el testimonio del artista que se comunica con todos. Para este pintor la técnica y el oficio son medios para alcanzar la comunicación de la emoción del artista, mediante los objetos ignorados como temas y modelos para sus obras, muchos artistas consideran a este como el procursor de las vanguardias, dio las herramientas para continuar en el siglo XX con el desarrollo del arte pictórico.

Vincent van Gogh. Campo de trigo con cuervos,1889. Óleo sobre tela, 50'5 x 103 cm. Amsterdam, Rijksmuseum Vincent van Gogh, Fundanción Vincent van Gogh.

Vincent van Gogh. Noche estrellada, 1889. Óleo sobre tela, 73'7 x 92'1 cm. Nueva York, Museum of Modern Art, adquirido del Lilly P.Bliss Bequest.

¿Arte de Provincias?

Paul Cézanne el pintor del arte de las provincias, su vida gira en el paisaje de Francia, siempre lejos de la capital París, pintaba en la tranquilidad rural y sobre los paisajes a su alrededor, a campesinos, pequeños burgueses y naturaleza muerta. Es considerado el fundador del arte abstracto, sus obras se caracterizan por la realización de sus ideas de forma inspirada de la naturaleza, con el fin de lograr una armonía construida por la reconciliación de constrastes, mediante el uso adecuado de las gradaciones de colores.

Paul Cézanne. Casa con tejado rojo. El edificio de Jas de Bouffan, hacia 1887. Óleo sobre tela, 73'5 x 92'5 cm. Alemania, colección privada.

Este artista buscaba la coherencia mediante la interpenetración de los tonos y las formas entrelazadas, la importancia del dibujo atado a la contribución a la pintura, su objetivo con su arte era transformar el mundo en una imagen, mediante el color, la naturaleza se encuentra en las profundidades. Los colores actúan en la pintura como una expresión de las profundidades en la superficie, surgen de las raíces del mundo, exclama Cézanne, para representar al mundo en la tela de un paisaje, este organiza primero los colores medainte leyes, la luz como reacciona y manifiesta en los colores de las cosas, para lograr capturar el momento y ser apreciado en permanencia. Sus pinceladas eran muy pensadas, realizaba sus obras desde una concentración, armonizaba los contrastes asta llegar a construir en la tela una textura densa y sin fisuras de colores, iba de los pequeños detalles hacia los grandes. Su arquitectura pictórica dió la base al arte abstracto, cada cuadro de Cézanne es un mndo en sí mismo, la pintura es la creación paralela de la naturaleza bajo con sus propias leyes, el espacio pictórico se define por las gradaciones de los colores, se utiliza la pintura para ser modelada por los

tonos.

Paul Cézanne. Mont Sainte-Victoire, vista desde Les Lauves, 1902-1904. Óleo sobre tela, 69'8 x 89'5 cm. Filadelfía (PA), Philadelphia Museum of Art, Colección George W. Elkins.

4- Analiza la propuesta del simbolismo y el poder de redención social del arte. El origen del simbolismo se remonta a la época romántica, una generación cansada de la ideología en el arte, en especial en Alemania, el simbolismo entro en una desconfianza, pero gracias a este movimiento el arte moderno es independiente, se remonta a dos discípulos de Gauguin, Paul Sérusier y Maurice Denis. Desde París y Francia este movimiento se extendió hacia el resto de Europo, en especial, a Suiza con Hodler y a Noruega con Munch, la pintura simbolista es una imagen visual independiente de la realidad, refleja las ideas subjetivas del creador, el color y las formas son usadas para traducir los pensamientos y sensaciones del artista, Denis en 1890 nos aclara “Hay que recordar que un cuadro (...) ante todo [es] una superficie plana cubierta de colores en cierto orden”. Este movimiento pictórico es una respuesta a la vida materialista y mecanizada de la época industrial, pero también como respuesta a l arte empírico y naturalista, que reflejaba en imágenes a la época de forma acrítica, el simbolismo es un arte caracterizado por la espiritualidad y la aceptación de los misterios de la existencia. Estos se llamaron a sí mismos como “nabís” (del hebreo “iluminado”), este movimiento artístico fue creado por Sérusier en 1888.

Maurice Denis. Las Musas, o En el parque, 1893. Óleo sobre tela, 171'5 x 137'5 cm. París, Musée d'Orsay.

Paul Sérusier. El río Aven en Bois d'Amour (El talismán), 1888. Óleo sobre tela, 27 x 21'5 cm. París, Musée d'Orsay.

Los artistas simbolistas se apartan de la gratificación del público, buscaban retirarse de un mundo materialista, se caracterizaban por ser solitarios gracias a los sentimientos de insatisfacción, generado por el mundo consumista, que aliena al individuo frente a la sociedad. Esta concepción surge por la falta de eplicaciones a los enigmas del mundo, durante el fin del siglo XIX la ciencia no logra resolver los problemas sobre el funcionamiento del mundo, de la naturaleza y de la sociedad, solo el individuo en su taller podía encontrar alguna solución. De esta forma nace el caracter privado del arte y de la vida de los artistas en la época romántica, este se ve como una persona elegida, un profeta, entonces el arte se convierte en el sustituto de la religión. El nihilismo y la melancolía del artista moderno en Europa en el romanticismo es el procursor del simbolismo, en el aspecto sentimental, los fundadores de este nuevo arte con una raíz católica de un arte ecleciástico fueron Séresier y Denis; mientras que, Verkade el pintor belga del simbolismo, pintaba para los monasterios, pero Hodler, del simbolismo suizo, creía en el arte para llenar la existencia de belleza. Hodler buscaba mejorar la capacidad humana de vivir en paz, al representar en sus pinturas al ser humano en la sociedad y en la historia, la función del arte como lenguaje universal y capaz de unir a las naciones, considera al arte con un significado, función y papel social. Pero no todos sus compañeros compartían sus ideas, el marqués Henri Toulouse-Lautrec al explorar el mundo de los cabarets de Montmartre, caracteriza y representa ese bajo mundo en su arte, en el cual cada noche vivía rodeado de los personajes de ese mundo, llegando a superar en calidad e importancia a las obras espiritualistas de Denis y Sérusier. Este movimiento pictórico buscaba una actitud mental y espiritual, se inicia en 1891 con la primera exposición de pintura impresionista y simbolista en la galería Le Barc de Bouttiville, adaptaron el arte egipcio, de la antigua Grecia y del primer Renacimiento italiano a una forma arbitraria y adaptada a sus propias necesidades, representaron en la pintura una poesía musical con sus propias “notas y acordes”, como hicieron Paul Gauguin y Vasily Kandinsky. Estos establecieron que el arte podía ser ornamental, floreciendo gracias a los simbolistas las artes aplicadas y gráficas, los carteles, litografías, tapices y grabados en madera, tomaron gran importancia para los pintores de este movimiento, ya que, podían desarrollar su arte en estos, un

claro ejemplo fueron, Félix Vallotton y Toulouse-Lautrec. Desarrollaron también su arte en las paredes de los palacios, los frescos simbolistas de Vuillard y Denis se caracterizaron por la simplificación de la forma, planos expansivos, bidimensionales y sin profundidad, como en los grabados japoneses y egipcios, buscaron procurar la armonía estética con un orden abstracto dentro de la representación. Sérusier y Denis regresaron a las fuentes religiosas del arte, al misticismo, a las leyendas, a las alegorías y al sueño, acordaron con algunas sectas y grupos religiosos, volvieron a traer la sabiduría de Oriente al arte de Europa, resaltando la superioridad del aintuición sobre el intelecto.

Félix Vallotton. Baño en una noche de verano, 1892. Óleo sobre tela, 97 x 131 cm. Zúrich, Kunsthaus Zúrich.

Edouard Vuillard. Madre y niño, hacia 1899. Óleo sobre cartón, 50'8 x 58'5 cm. Glasgow, Galsgow Art Gallery and Museum,

De Micheli, M., (1966), “Las Vanguardias artísticas del siglo XX” Editorial Alianza. 1-Distingue las líneas de larga duración: ruptura de la unidad de progreso en el siglo XIX. ¿Por qué el autor analiza como contexto emergente el arte de vanguardias? El arte moderno nació de una ruptura con los valores del siglo XIX, que se encuentra en una serie de motivos históricos e ideológicos, pero sería la unidad espiritual y cultural del siglo la que se rompió. En el contexto en que se manifiesta esta ruptura, en el siglo XIX europeo se conoció una tendencia revolucionaria, en la que se organizaron el pensamiento filosófico, el político y el literario, la producción artística y el accionar de los intelectuales. Esto sucedió antes de 1848, año de las revoluciones, en esta época se genera la moderna concepción de pueblo, tomando nueva fuerza y concreción los conceptos de libertad y de progreso, el accionar por la libertad es un punto clave en la concepción revolucionaria del siglo XIX. Las ideas liberales, anarquistas y socialistas, explica el autor, impulsaban a los intelectuales a batirse, con sus obras pero también con las armas en la mano. Respondiendo a la pregunta entendemos que en el transcurso del movimiento revolucionario burgués, la presión de las fuerzas populares, sería, según expresa el autor, captada por los intelectuales como un hecho decisivo de la historia moderna. Jules Michelet insistía con que había una necesidad de que estuviera presente el pueblo en la cultura, establece que la literatura saldrá de las sombras de la fantasía, tomando cuerpo y realidad, y esto será una forma de la acción, que pasará de ser el juego de algunos individuos para ser “la voz del pueblo que habla al pueblo”1. Para Michelet, Daumier era el artista más significativo, dado que su arte se revelaba como una de las formas de acción, que el promovía.

Honore Daumier“El vagón de tercera clase” Lla claridad, la evidencia, el compromiso eran la característica principal en la que el arte, debía inspirarse, pero para Hegel “El artista pertenece a su tiempo, vive de sus costumbres y sus hábitos, comparte sus concepciones y representaciones, (...) y el poeta crea para el público, y en primer lugar, para su pueblo y su época, los cuales tienen derecho a exigir que una obra de arte 1

De Micheli, M., (1966), “Las Vanguardias artísticas del siglo XX” Editorial Alianza. Pág. 13.

sea comprensible al pueblo y cercana a él”2. El idealismo objetivo de Hegel reintegraba a la actividad estética un específico contenido de carácter histórico, en un período de revolución, es natural que “la realidad fuese el problema central en la producción de estética, desde la poesía a las artes figurativas”, entonces el Realismo alcanza su mayor esplendor, producto de la realidad histórica que se vuelve contenido de la obra por medio de la fuerza creadora del artista, que ponía en evidencia sus valores. De Sanctis, refiriendose a la realidad que se expresa en el arte decía que “el arte no puede ser más que una representación objetiva de la realidad, una expresión no deformada de la misma”3. Para Courbet “lo bello, como la verdad, está ligado al tiempo en que se vive y al individuo que es capaz de percibirlo (...) y el arte consiste sólo en saber hallar la expresión más completa de la cosa existente”4. Según expresa De Micheli la doctrina del arte por el arte encontro en Francia las condiciones más favorables en el período de la Restauración, pero la revolución de 1830 supuso un duro golpe a la teoría. Las “tres gloriosas jornadas de julio” exaltaron a artistas y poetas. Es así que Daumier se descubrió como dibujante, y Delacroix pintó “La libertad en las barricadas”.

Ferdinand Victor Eugène Delacroix “La libertad de las barricadas” La conciencia de la relación entre arte y pueblo, entre arte y sociedad, era más viva que nunca, por esa razón Courbet expresaba que sin la revolución de febrero tal vez nunca se hubiera visto su pintura y creía que el realismo era la única forma de poner el arte al servicio del hombre, se justifica diciendo que “es por eso que ha luchado contra todas las formas de gobierno autoritario y de derecho divino, queriendo de que el hombre se gobierne a sí mismo, según sus necesidades, en su provecho directo y siguiendo sus propias concepciones”5. Los defensores del romanticismo y del clasicismo salían derrotados por la fuerza histórica de estas convicciones, el hombre situado al margen de las exaltaciones místicas y de las abstracciones académicas se convertía en el centro de la nueva estética. Se genera el nacimiento del “...socialismo científico, el espíritu de la ciencia se difundía por 2 3 4 5

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todas las disciplinas , los progresos de la técnica daban una nueva impronta a la vida y a la exigencia de una visión fuerte y veraz se imponía en todos los campos”6. Es en esta apretada confluencia de circunstancias históricas que el realismo tiene su origen, y para los realistas el hombre era el centro en torno al cual todas estas circunstancias se reagrupaban, la regla fundamental del realismo era “el vínculo directo con todos los aspectos de la vida, incluidos los aspectos más inmediatos y cotidianos (...)”7. Se mantuvieron fieles a estas propuestas, siguiendo cada uno sus propias inclinaciones e ideas, los artistas más representativos de la escuela realista fueron Courbet, Daumier y Millet.

Jean Francois Millet“El Ángelus”

Gustave Courbet “Los Picapedreros” 6 7

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En el siglo XIX París es por excelencia la capital de las artes y de las nuevas ideas políticas, confluían los artistas democráticos de todas partes que querían renovar y crear un arte nuevo, pero el proceso revolucionario también llegaba a aquellos países de Europa que aún no tenían una cultura nacional auténtica, como Hungría, Rumanía y Bulgaria. Posteriormente en estos países se desarrolla una conciencia renovadora , floreciendo los estudios sobre la historia patria y el arte presenta un alejamiento del bizantinismo para enfocarse en la observación de la realidad, desde Nápoles hasta Florencia, incluso Milán y Turín son los que más se vinculan con las vivencias y los sentimientos del resurgimiento y de esta forma es que “caen las fórmulas del neoclasicismo imperante en favor de un romanticismo de inspiración histórica(...)”8. Las escuelas regionales se van a ver animadas por este impulso renovador, y más que nada los Macchiaioli, en las reuniones que establecían éstos se advertía un carácter técnico y es de estas tertulias que se realizaban que va a surgir la teoría de la pintura a macchia (de mancha), el fondo de la cuestión no era técnico, o no solamente técnico. La teoría de la mancha , según Fattori, “no era más que una búsqueda de verismo, que se esta desarrollando y que capta la realidad de la verdadera impresión de lo verdadero”9. Se considera que palabras como verismo o realismo, eran muy frecuentes en estas reuniones o debates, ya que lo que pretendían los Macchiaioli era sinceridad de expresión, verdad y apego a las cosas, por estos motivos es que el movimiento artístico italiano se orientaba en la misma dirección en que se movía todo el arte europeo democrático, un arte vinculado en los problemas, en la vida y en las preocupaciones por la historia en marcha. Importa destacar es “esta unidad histórica, política,y cultural de las fuerzas burguesaspopulares en torno a 1848, ya que, es de la crisis de esta unidad y, por tanto, de la ruptura de esta unidad, que nace el arte vanguardista y gran parte del pensamiento contemporáneo”10.

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2- Analiza los mitos de evasión: ¿Fuga o idealismo? El arte oficial burgués nace y se consolida cuando la burguesía, una vez que tomo el poder, se prepara para su defensa, nace en el momento en que la burguesía se da cuenta “de que todas las armas forjadas por ella contra el feudalismo se volvían contra ella misma”, el arte oficial aún manteniendo una apariencia realista, no podía ser más que antirrealista o pseudorrealista, ya que su función ya no era la expresión de la verdad, sino el ocultamiento de la misma. Luego de 1870 que las obras de este arte oficial se difundían en el mercado de la cultura, pero el fenómeno adquirió consistencia a partir de 1848 y es esta manifestación de la cultura oficial a la que se oponen los artistas, en especial aquellos que había turbado las ideas revolucionarias. Genera un distanciamiento de los mejores intelectuales de las posiciones políticas y culturales de su propia clase, un distanciamiento que durante un largo tiempo los llevara a vivir una protesta hecha, sobre todo de evasión. Los primeros románticos ya habían llevado adelante la polémica contra el burgués, aunque se trataba más de una actitud que de una convicción radical, pero a partir de 1870 la situación se colorea en numerosos casos de razones específicas y sentidas, provoca el rechazo al mundo burgués y se vuelve un hecho “es el rechazo de una sociedad, de unas costumbres, de una moral y de un modo de vida”11. Con este panorama, se da la fuga de la civilización y es una fuga de carácter individual, una solución individual ya que no hay ideas generales. Por otra parte, el hacerse salvajes, es uno de los modos para evadirse de una sociedad que se ha vuelto insoportable, no era novedad en la cultura francesa, sobre todo en el siglo XVIII, en la ilustración el concepto de salvaje, era activo, dirigido contra las constricciones de la sociedad feudal, contra los prejuicios de la moral, contra todo lo que intentaba deformar la libre y natural espontaneidad del hombre. El mito de el buen salvaje deja de ser un argumento para modificar una sociedad y darle un fundamento libre y natural, “la sociedad parece perdida y el mito del buen salvaje es sólo un vehículo de evasión de aquella”12. Se pasará del mito convergente sobre la realidad social para modificarla, a un mito divergente de tal realidad para reencontrar, fuera de ella, fuera de su brutalidad, una felicidad no contaminada e inocente, este mito se resuelve sólo en un exotismo, en un estímulo literario, en un vago deseo, como en Mallarmé, para otros en una extrema y real tentativa de salvación, tal es el caso de Gauguin. Este intento de evasión en dos direcciones, hacia el mito de la espiritualidad popular en sus estancias, y en el mito del primitivo con la realización de dos viajes y en una de sus estancias en la cual termina falleciendo, Gauguin consideraba que lo primitivo estaba en los grandes crucifijos, toscos, místicos, esculpidos en la madera por artesanas y campesinas según antiguos esquemas hieráticos. Pretenden liberarse de la civilización de los prejuicios, de una moral de conveniencia, escapando, en el caso de Gauguin a Oceanía, donde lo penetra la naturaleza, para rescatar su existencia y purificarla, el medio para llegar a un contacto perfecto con el estado natural es el erotismo, que tiende a ser cósmico. El objetivo es defender a los salvajes de la civilización, pero, se afirma que no es posible la evasión, algunos artistas trataran de huir, alejándose de la civilización, pero otros, como Kirchner, Lehmbruck, eligieron el suicidio. No sólo son los artistas quienes huyen de la civilización, ya comprometida a sus ojos, también lo hacen escritores y poetas, ya que era necesario hallar en otro lado una condición que no había sido posible crear dentro de las fronteras de Europa. 1 1

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3- Define la distinción entre vanguardia-decadentismo ¿Deracines-Flaneurs? Neurosis. La vanguardia surge “al abandonar el terreno de su clase y al no hallar otro al que trasplantar sus raíces, los artistas de la vanguardia se transforman en deracines”13, pero no se puede involucrar a estos artistas con el decadentismo, no pocas experiencias de vanguardismo coinciden seriamente con las del decadentismo y forman parte de él, pero existe un alma revolucionaria de la vanguardia que no se puede liquidar de modo expeditivo. Con “la existencia de esta alma revolucionaria se hará evidente cada vez que un artista de vanguardia encuentre con sus propias raíces un terreno histórico nuevamente propicio, es decir, capaz de devolver la confianza que, no en la evasión, sino en la presencia activa dentro de la realidad, es la única salvación”14. El decadentismo lleva a sus últimas consecuencias el anti ilustración de gran parte del romanticismo, es el mismo espíritu que ya había sido como la reacción al proceso revolucionario, es así que, se puede hallar en el decadentismo, elementos antiburgueses, que se remontan a la nostalgia de un estado prerrevolucionario, al gusto de una civilización desaparecida o que esta a punto de desaparecer, y al gozo macabro de la muerte. Si la oposición a las contradicciones de la sociedad burguesa por parte de un hombre de vanguardia se colorea, con frecuencia, de socialismo, no sucede así con el hombre decadente,“Y si, por casualidad, sale del estado de turbia degustación de la muerte, es casi siempre para dirigir su atención a los mitos más exasperados del nacionalismo”15.

Pintura característico del decadentismo La materia que Moreau trata en sus lienzos es parecida a la de Delacroix en varias de sus obras: exotismo, voluptuosidad y muerte, pero donde el romanticismo de Delacroix exaltaba tal materia, infundiéndole una pasión dramática, el decadentismo de Moreau la enfriaba, no sentía ninguna inclinación a romper los cánones formales de la tradición y los temas del romanticismo se agotaban así en sus cuadros en algo estático, que excluía cualquier aspecto de la vida natural. El libido de Moreau es fruto de hibridas conmixtiones, de gustos sacrílegos y de 1 1 1

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contaminaciones de misa negra. Pero el autor explica que, nada de la auténtica problemática derivada de la ruptura de la unidad del siglo XIX que roza a los artistas como Moreau. “ En ellos no hay más que un proceso de fosforescente descomposición de lo que, desde ya hacía tiempo, había dejado de vivir”16.

Gustave Moreau “La aparición” Otro de los artistas que se puede incluir en el decadentismo es Odilon Redon, ya que en una parte de su obra esta presente una agudeza que hace pensar en puntos de arranque interesantes, según Huysmans, “...los dibujos de Redon estaban al margen de todo; en su mayor parte saltaban más allá de los límites de la pintura, inauguraban una especialísima fantasía, una fantasía de enfermedad y de delirio...”17. Los elementos en que se basa la poética del decadentismo son el espiritualismo, misticismo erótico, simbolismo, crueldad y rechazo romántico de la “normalidad” burguesa, dominando los versos y los lienzos de los fieles oficiantes de la perdición decadentista.

Odilon Redon “Figure”

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Hobsbawm, Eric, (2013), “Un tiempo de rupturas. Sociedad y cultura en el soglo XX. Capítulo 20. Decadencia y fracaso de las vanguardias del siglo XX.”, Ciudad de México, México, Editorial Planeta. Contextualiza las siguientes frases en el análisis del autor:  “El cambio estaba en otra parte”  “Supuso un doble fracaso”  “¿ no tuvo sentido la ruptura con el arte anterior?”  “El arquitecto se ha convertido en el soberano de las bellas artes”  “Las artes visuales de la última década del siglo XX, están retrocediendo del arte a la idea: el arte ya no es lo que puede hacer y procurar de forma creativa, sino lo que estoy pensando” Todas estas frases se contextualizan en todo el texto. Las vanguardias del siglo XX partían del cambio de las relaciones entre el arte y la sociedad, pero en las artes visuales el proyecto de mirar al mundo y aprehenderlo no cambia, este comienza en 1905 y se frena en 1960. Durante la década de 1960 las artes se convierten en una herramienta del mercadotecnía, las artes visuales fracasan por dos elementos, uno fue por la modernidad, la constante búsqueda de superación del modelo artístico con el anterior, sumado y acompañado por los adelantos tecnológicos y científicos. Las distintas vanguardias pictóricas del siglo XX, no representan de igual forma e importancia a la relación del arte y la maquinaria, a causa de este acontecimiento, tan variados movimientos, escuelas y estilos lograron coexistir al mismo tiempo, “...la modernidad reside en los tiempos cambiantes y no en las arte que buscan expresarlo.”, nos dice Hobsbawm. El segundo problema para este historiador fue las limitaciones dtécnicas, “...la historia de las vanguardias pictóricas del siglo XX es la lucha contra la tecnología...”, no pudiendo competir contra el cine, el video, los conciertos de rock, estas vanguardias buscaron derribar el monopolio del color, sonido, forma y palabra (cine, conciertos, literatura), mediante la unificación de la pintura con estas formas de arte.

Abstraccionismo No se realizaron grandes películas ganadores de premios de cine sobre pintores de vanguardias del siglo XX, un porcentaje mínimo de la población mundial visita a los museos de

forma habitual, pero si un gran número de la población del planeta está acostumbrada a leer libros y a escuchar música por semana. El mercado para las pinturas de los vanguardistas es privado y redusido, las artes visuales no lograron adecuarse a la época caracterizado por reproducidad técnica, entonces buscaron establecer un arte subjetivo que expresa los sentimentos de los artistas, ya que, la reproducción de la realidad estaba monopolizada por los adelantos tecnológicos, como las cámaras de video y fotografía. El arte esta atado al trabajo manual del sujeto, son obras únicas que no pueden ser reproducidas, sino se realizan el mismo uso de materiales, método y acciones del proceso de elaboración, genera un impedimento en la posibilidad de compra por las masas debido por su precio, solo as clases altas adquieren este arte, no logran la adaptación a la nueva era económica de satisfacción de las masas.

Cubismo En la pintura desaparece el arte de Salón del siglo XIX, este poseía la función de protección de las artes pictóricas, en este siglo XX el precio de las pinturas no lograr recuperarse luego de las guerras mundiales, esta técnica de vanguardia se convierte en el arte viviente en el siglo, pero no logra llegar a la mayoría de la población. Logran monopolizar el color, debido por la falta de colores en el cine y en la fotografía, lograron jugar con las distintas tonalidades de colores con la finalidad de expresar las ideas de los artistas, pero algunos de estos llenaron con demasiado colores llamativos y chillones, generando mayor rechazo en las masas. La mayor parte de la sociedad no logra contemplar y comprender la representación de los paisajes de los pintores de las vanguardias del siglo XX, la gente acepta la reproducción de lo visto como realizaron hasta el posimpresionismo, pero con el arte subjetivo en las vanguardias, el paisaje no se logra por las masas la contemplación, sucede con los paisajes de Braque por ejemplo. El pintor de las vanguardias no consigue comunicar sus ideas a la población mundial, cuando se aleja del arte tradicional abandona el lenguaje de comprensión genérica y se convierte en un ser incomprensible mediante su arte, algunos artistas buscaron expresar sus sentimientos de emancipación individual y social, por considerar al siglo XX como un tiempo sin precedente en la historia. Genera dificultades la comprención de un lenguaje poco usado por las masas, al no tener las herramientas para su entendimiento los residentes del mundo no podían comprender los mensajes de los artistas de las vanguardias, pero este siglo consiguió mejores herramientas para transmitir sus mensajes, estos nuevos emisores de ensajes fueron los medios de comunicación como la radio, el cine y los videos, usando un lenguaje entendido por todos.

Expresionismo La revolución en el siglo XX no se dio desde las vanguardias pictóricas, sino desde las nuevas tecnologías y el mercado de masas, la democratización del consumo estético con el cine y la fotografía, logrando transmitir de mejor forma el mensaje a todos, mediante anuncios y películas que empaparon la vida cotidiana y acostumbraron la percepción visual de las masas. El arte responde con la creación del Pop art, que no le preocupaba revolucionar al arte, sino reconocer la derrota de estos frente a la tecnología, se genera la vuelta al arte conceptual, aceptan al mundo consumista y les atrae la idea del lucro, en esta sociedad logran desarrollar un arte humorístico sin mensajes a comunicar, la finalidad del arte es recaudar dinero mediante la venta de sus obras. Los artistas a partir de 1960 realizaron obras mecanizadas y repetitivas, con el arte conceptual vuelven para ser usados para transmitir mensajes mediante la publicidad, siendo un arte fácil de comprender y reproducir, las técnicas de las vanguardias se asemejaron a las necesidades de la población y de las grandes empresas con la propaganda, su finalidad es provocar el llamado de atención a las masa, para que se dirijan a consumir los productos de las publicidades.

Fauvismo

Futurismo