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• Diego Artucio

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A D ARTE DEL SIGLO XX Historia del Arte. Artuarte – [email protected]

El arte del siglo XX se caracteriza por configurarse de múltiples corrientes que se denominan ismos. No todas las tendencias se suceden linealmente en el tiempo, sino que muchas son coetáneas y tienen interrelaciones entre ellas. Las vanguardias no se pueden entender intentando establecer un orden cronológico. Es un tópico el considerar el arte del siglo XX como ruptura con respecto a lo anterior, pero esta ruptura no comienza a principios del siglo XX, sino a fines del XIX. El año 1863 se puede tomar como fecha de inicio de la pintura moderna. Es el año en que Manet pinta Almuerzo sobre la hierba, que se expuso en el Salón de los Rechazados. La obra poseía antecedentes del Renacimiento italiano en cuanto a temática, pero el modo de plantearlo causó escándalos. El Impresionismo y luego el Postimpresionismo constituyen el punto de partida para las corrientes del siglo XX.

NOVEDADES EN EL ARTE DEL SIGLO XX • Transformación radical del concepto de arte y de sus clasificaciones tradicionales. • Desarrolla conceptos mas subjetivos e individuales. • Cuestiona los ideales académicos y de la belleza clásica . • Cambio de la función del arte (fotografía y cine plasman la realidad). • El artista ya no intenta reflejar, sino su mundo interior, expresar sus sentimientos etc. • Los movimientos de vanguardia adquieren un papel protagónico .

Siglo XX

Durante el período que va desde comienzos del siglo XX hasta el inicio de la segunda guerra mundial

Desarrollan un nuevo sentido de las ideas y de la plástica..

No podemos olvidar que cualquier representación artística se ve influida directa o indirectamente por el contexto económico, político y social de una época.

Así encontramos los primeros movimientos innovadores de principio del siglo XX que darán paso a toda Valoran el mundo subjetivo, la renovación posterior. en relación con el objetual.

De esta manera, en los años que transcurren entre la primera (1914-1918) y la segunda guerra mundial (1939-1945), siguen surgiendo nuevos movimientos.

Las Vanguardias

se desarrollan en Europa varios movimientos artísticos conocidos Los artistas crean nuevos planteamientos, ya no utilizan como vanguardias, que tendrán técnicas académicas, sino que una gran importancia en la se enfocan en lo sensorial. evolución del arte.

EXPRESIONISMO ALEMÁN, DADAISMO, FAUVISMO, CUBISMO, SURREALISMO, FUTURISMO Y LA ABSTRACCIÓN

Por los antecedentes postimpresionistas se desarrollan movimientos pictóricos realmente creativos e imaginativos conocidos como las Vanguardias Artísticas que la mayoría proceden de Europa Una de las características visibles de las vanguardias fue la actitud provocadora. Se publicaron manifiestos en los que se atacaba todo lo producido anteriormente, que se desechaba por desfasado, al mismo tiempo que se reivindicaba lo original, lo lúdico, desafiando los modelos y valores existentes hasta el momento. Surgen diferentes ismos (futurismo, dadaísmo, cubismo, constructivismo, ultraísmo, surrealismo, etc.), diversas corrientes vanguardistas con diferentes fundamentos estéticos, aunque con denominadores comunes: la lucha contra las tradiciones, procurando el ejercicio de la libertad individual y la innovación; audacia y libertad de la forma. el carácter experimental y la rapidez con que se suceden las propuestas, unas tras otras. En la pintura ocurriría una huida del arte figurativo en favor del arte abstracto, suprimiendo la personificación. Se expresaría la agresividad y la violencia, violentando las formas y utilizando colores estridentes. Surgieron diseños geométricos y la visión simultánea de varias configuraciones de un objeto

LAS VANGUARDIAS

Las denominadas vanguardias históricas de la primera mitad del siglo XX tienen su fecha de nacimiento en la irrupción de los fauves en el Salón de Otoño parisino de 1905. La fuerte personalidad y voluntad de estilo de los artistas hace imposible clasificar a muchos de ellos en un sólo estilo o movimiento. A ello también contribuye lo efímero de algunos de estos, que agotan su capacidad de atracción o su impacto provocativo en pocos años. Por ejemplo, Picasso suele ser clasificado en fases o épocas (azul,

rosa, cubista, de los ballets rusos, surrealista, de la Suite Vollard, del Gernica, de Vallauris, etc.) que por su extraordinaria diversidad

y fecundidad parecerían obra de varios artistas diferentes. Además, como en el Renacimiento, muchos de estos artistas no se limitan a un arte, y son a la vez pintores, grabadores, escultores, fotógrafos, cineastas, etc. Especialmente en el caso de los arquitectos, cuya formación profesional (en diálogo y a veces debate con la de los ingenieros) les empuja a expresarse en todas las dimensiones del espacio (urbanismo, interiorismo, diseño industrial, etc.) y de las otras artes plásticas.

EL FENÓMENO DE LAS VANGUARDIAS EN LAS ARTES PLÁSTICAS:

INFLUENCIA DE LAS TRADICIONES NO OCCIDENTALES. PRECEDENTES Y CONTEXTO DE SU APARICIÓN. •

El término vanguardia procede del francés Avant-garde, término militar que designa a la parte más adelantada del ejército, la «primera línea» de avanzada en exploración y combate.

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Metafóricamente, en el terreno artístico la vanguardia es, pues, la «primera línea» de creación, la renovación radical en las formas y contenidos, para sustituir las tendencias anteriores y enfrentarse con lo establecido, al considerarlo obsoleto.

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La expansión colonial europea provocó el conocimiento de otras tendencias culturales ajenas a la tradición occidental. Esto coincidió con el deseo de los artistas de vanguardia de abandonar la estética académica establecida, desilusionados con su sociedad, por lo que inician la exploración del arte tribal africano y oceánico.

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Surge una tendencia “primitivista”, que influyó en casi todas las propuestas artísticas del siglo XX, y que se caracteriza por un intento de “regresar” a los orígenes, expresándose en una absoluta libertad en cuanto a la composición y el color.

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Esta situación de ruptura se manifiesta en la creación de nuevos estilos que experimentan a partir del post-impresionismo y el desarrollo de la técnica fotográfica y el cine: el “naif”, el secesionismo, el “nabis” y, por fin, los “ismos” (fauvismo, expresionismo, cubismo, futurismo, surrealismo) propios de la primera mitad del siglo XX, en los que el fenómeno de la abstracción juega un papel importante.

Desde el punto de vista histórico, el primer tercio del siglo XX se caracterizó por grandes tensiones y enfrentamientos entre las potencias europeas. Por su parte, la Primera Guerra Mundial (entre 1914 y 1918) y la Revolución Soviética (en octubre de 1917) fomentaron las esperanzas en un régimen económico diferente para el proletariado. Tras los años 1920, época de desarrollo y prosperidad económica conocida como los años locos, vendría el gran desastre de la bolsa de Wall Street (1929) y volvería una época de recesión y conflictos que, unidos a las difíciles condiciones impuestas a los vencidos de la Gran Guerra, provocarían la gestación de los sistemas totalitarios (fascismo y nazismo) que conducirán a la Segunda Guerra Mundial. Desde el punto de vista cultural, fue una época dominada por las transformaciones y el progreso científico y tecnológico (la aparición del automóvil y del avión, el cinematógrafo, el gramófono, etc.). El principal valor fue, pues, el de la modernidad (o sustitución de lo viejo y caduco por lo nuevo, original y mediado tecnológicamente). Por su parte, en el ámbito literario era precisa una profunda renovación. De esta voluntad de ruptura con lo anterior, de lucha contra el sentimentalismo, de la exaltación del inconsciente, de lo racional, de la libertad, de la pasión y del individualismo nacerían las vanguardias en las primeras décadas del siglo XX. Europa vivía, al momento de surgir las vanguardias artísticas, una profunda crisis. Crisis que desencadenó la Primera Guerra Mundial, y luego, en la evidencia de los límites del sistema capitalista. Resultado de esto fue la chatura intelectual, la pobreza y el encasillamiento artístico contra los que reaccionaron en 1905: Pablo Picasso y Georges Braque con sus exposiciones cubistas, y el futurismo que, en 1909, deslumbrado por los avances de la modernidad científica y tecnológica, lanzó su primer manifiesto de apuesta al futuro y rechazo a todo lo anterior. .

Así se dieron los primeros pasos de la vanguardia, aunque el momento de explosión definitiva coincidió, lógicamente, con la Primera Guerra Mundial, con la conciencia del absurdo sacrificio que ésta significaba, y con la promesa de una vida diferente alentada por el triunfo de la revolución socialista en Rusia. En 1916, en Zúrich (territorio neutral durante la guerra), Hugo Ball, poeta alemán, decidió fundar el Cabaret Voltaire. Esta acta de fundación del dadaísmo, explosión nihilista, proponía el rechazo total: Ese deseo de destrucción de todo lo establecido llevó a los dadaístas, para ser coherentes, a rechazarse a sí mismos: la propia destrucción La furia Dadá había sido el paso primero e indispensable, pero había llegado a sus límites. Breton y los surrealistas (es decir: superrealistas) unieron la sentencia de Arthur Rimbaud (que, junto con Charles Baudelaire, el Conde de Lautréamont, Alfred Jarry, Vincent van Gogh y otros artistas del siglo XIX, sería reconocido por los surrealistas como uno de sus «padres») Surgió así el surrealismo al servicio de la revolución que pretendía recuperar aquello del hombre que la sociedad, sus condicionamientos y represiones le habían hecho ocultar: su más pura esencia, su Yo básico y auténtico. A través de la recuperación del inconsciente, de los sueños (son los días de Sigmund Freud y los orígenes del psicoanálisis), de dejarle libre el paso a las pasiones y a los deseos, de la escritura automática (que más tarde cuestionaron como técnica), del humor negro, los surrealistas intentarían marchar hacia una sociedad nueva en donde el individuo pudiese vivir en plenitud (la utopía surrealista). En este pleno ejercicio de la libertad que significó la actitud surrealista, tres palabras se unieron en un sólo significado: amor, poesía y libertad.

A D ANTECEDENTES ARTÍSTICOS DE LAS VANGUARDIAS

Historia del Arte. Artuarte – [email protected]

NAIF Dentro de las tendencias primitivistas, se llamó “naif” al arte creado por pintores sin formación académica, con un estilo sencillo y sin complicaciones, pero inspirador de muchos autores de vanguardia. Casi todas las obras de Rousseau representan escenas selváticas y exóticas, sensuales y oníricas. Aunque planteadas con aparente ingenuidad, son muy elaboradas y detallistas. Los colores claros del primer plano ocultan la ausencia de perspectiva. Su técnica consistía en aplicar los colores por capas, sin mezclarlos.

Henri Rousseau, La encantadora de serpientes (1907)

SECESIONISMO Gustav Klimmt Huyendo del conservadurismo de sus academias, algunos artistas austriacos y alemanes crearon sus propias organizaciones llamadas “Secesiones”, cuyo objetivo era exponer sus obras libremente. La más influyente se formó en Viena en 1897. Gustav Klimmt fue su primer presidente y su pintor más importante. Vinculado al Art Nouveau, sus obras fueron muy provocativas, con una marcada sensualidad. El diseño de “El Beso” está dominado por motivos abstractos, creados a base de estampados geométricos y florales. El tema del abrazo humano es recurrente en su obra: está presente en su “Friso de Beethoven” (1902) y en su conjunto de murales “El Cumplimiento” (1904). El dorado del fondo y los ropajes de la pareja están inspirados en los mosaicos bizantinos de Rávena.

Gustav Klimmt, El Beso (1908) Tamaño engañoso: Hombre de pie parece de mayor tamaño y mujer arrodillada queda “encerrada” en él, Pero en realidad ella sería más alta si estuviese erguida.

Cabeza del hombre oculta. Énfasis en rostro de la mujer, con piel más pálida. Sensación de morbidez y sumisión.

Serpentinas doradas diseñadas como mechones de pelo. En el simbolismo las “femmes fatales” usaban el cabello para atrapar a sus víctimas. Aquí parecen atar los pies de la mujer.

Fuerte decorativismo: luz, papeles pintados, cortinas…

LOS NABIS Hacia 1902, en París, algunos artistas como Édouard Vuillard, Pierre Bonnard o Maurice Denis, asiduos a las tertulias organizadas en la casa de Paul Ranson, a la que llamaban “el Templo”, crearon el grupo de los Nabis, palabra hebrea que significa "profeta”, para indicar que eran adelantados a su tiempo, que tenían nuevas inquietudes y abrían nuevos caminos en el arte, que entendían como la manera subjetiva de expresar las emociones. Para entender a los nabis hay que tener en cuenta la importante relación que había en sus pinturas entre color y sentimiento: El color se convirtió en un elemento de transmisión de determinados estados de ánimo. Se interesarán mucho por lo exótico y lo oriental. Todo lo que tenga que ver con culturas alejadas y exóticas les servirá para inspirarse. Dentro de los temas, destaca el ámbito burgués y doméstico (donde se desarrolla su vida y la gente vive plácidamente). Deformarán la realidad de dos maneras: una objetiva (aquella deformación de la realidad que se ve) y una subjetiva (deformación gracias a la emoción). Utilizan colores planos y tonos que van de la gama de los pardos a los verdes, pasando por ocres, azulados, etc. Usarán a menudo el cartón y el papel (materiales que absorben más el color, por tanto, los colores se matizan, perdiendo así parte de su agresividad).

el espejo ayuda a reforzar la idea de profundidad

Punto de vista cenital, tomado desde arriba Tomada por sorpresa

Perspectiva forzada en el barreño

Pierre Bonnard, Desnudo a Contraluz (1908)

LAS VANGUARDIAS EN LAS ARTES PLÁSTICAS DEL SIGLO XX: Las vanguardias de la primera mitad del siglo •El Fauvismo •El Cubismo. •El expresionismo alemán . La nueva figuración . •El futurismo. •El Neoplasticismo. •El Constructivismo. •El Dadaísmo. •El surrealismo.

LAS VANGUARDIAS DEL SIGLO XX:

Las Vanguardias de la segunda mitad. •

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El Expresionismo Abstracto y el Informalismo. El Pop Art El minimalismo El Op Art El Arte Conceptual Body Art Land Art El hiperrealismo La nueva Objetividad

LAS CATEGORÍAS FORMALES EN EL ARTE DEL SIGLO XX ABSTRACCIÓN:Mondrian, Kandinsky, Delaunay, Pollock. NATURALISMO: Richard Estes,Maurizio Cattelán, Alonso REALISMO: Picasso, Kirchner, Bacon, Estes. IDEALISMO: Arte Oficial de los Estados Totalitarios. EXPRESIONISMO: Otto Dix, Soutine, Kirchner,Bacon. SURREALISMO: Dalí, Miró, De Chirico, Chagall. MINIMALISMO: Donald Judd, Sol Lewit , Mondrian

LA ABSTRACCIÓN :PRINCIPAL NOVEDAD EN EL ARTE DEL SIGLO XX La Abstracción es el cambio fundamental que se produce en el mundo del Arte durante el siglo XX. El objetivo de todos los artistas había sido hasta entonces la captación de la realidad exterior de una manera más o menos subjetiva pero con la Abstracción se dota a la obra de un lenguaje autónomo y el artista da a conocer su mundo interior a través de valores matéricos. No es un cambio que se produjera de manera espontánea. Corrientes como el Fauvismo o el Expresionismo habían iniciado ya la deformación de la realidad y la disolución de la figura en favor del color y la propia materia plástica. También el Impresionismo anunciaba en alguna medida ese radical cambio de concepto. Pero el verdadero padre de la Abstracción es Wassily Kandinsky. Desde el Expresionismo alemán del grupo ‘El Jinete Azul’ evolucionó a principios de siglo hacia un lenguaje en el que se sirvió del color y la geometría para expresar sucesivos estados de ánimo como en una composición musical. La Abstracción ha recorrido durante los últimos cien años itinerarios muy diversos, desde su variedad geométrica a la lírica. Todos aportan matices a una misma concepción del Arte, más interesado en el interior de la persona que en su entorno. También son numerosos los movimientos contemporáneos que ahondan su raíz en el concepto de lo abstracto. Desde el Neoplasticismo al Informalismo, pasando por todas las corrientes de las Segundas Vanguardias

LAS VARIANTES DE LA ABSTRACCIÓN EN EL SIGLO XX

NO FIGURATIVA

FIGURATIVA

GEOMÉTRICA

EXPRESIONISTA

GEOMÉTRICA

(Cubismo) Piccaso (Constructivismo) Torres García

(Fauvismo) H. Matisse (Nueva figuración) Francis Bacon

(Neoplasticismo) Mondrian (Minimalismo) Judd, Sol Lewit (Op art) Vassarely Vasarely

EXPRESIONISTA

(Pintura Abstracta) Kandinsky (Action Painting) J. Pollock

• Picasso, Fábrica de Tortosa, 1909. Cubismo

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Henri Matisse, La Danza , 1909- 10. Fauvismo.

• Sonia Delaunay - Terk, Prismas eléctricos, 1914. Orfismo.

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Georges Mathieu, Capetiens par tout , 1954. Informallismo, Tachismo o Abstracción Lírica.

SINTESIS HISTÓRICA DEL SIGLO XX En su obra “Historia del siglo XX”, el historiador Eric Hobsbawn, considera una unidad histórica significativa y coherente a solo una parte del siglo XX cronológico. Por eso lo denomina : “el Siglo XX corto” y lo ubica entre 1914 y 1991. La evolución histórica de este siglo de 77 años la subdivide en tres períodos que denomina: 1º LA EDAD DE LAS CATÁSTROFES ( 1914 – 1945 ). 2º LA EDAD DE ORO ( 1945 – 1973 ). 3º LA EDAD DE LA CRISIS ( 1973 – 1991 ).

2.LAS PRIMERAS VANGUARDIAS : EL FAUVISMO (1905 – 1907 ) PROFESOR DIEGO ARTUCIO

Fauvismo

FAUVISMO • Los fauvistas vivieron su período de mayor éxito entre el Salon d’Automne de 1905 y el Salon des Indépendants de 1906. La crítica les describió como fauves (“salvajes”) por sus agresivas pinceladas y el uso estridente y poco naturalista del color. • Es una evolución del postimpresionismo: desobedecen las normas de la pintura existente. - Sus pinceladas son abruptas y esquemáticas. - Usan el color de forma imaginativa para crear concordancias y disonancias. - Liberan al color de su papel descriptivo: Los colores son puros y poco naturales. - Rechazan pintar de forma realista y ponen énfasis en la superficie plana del lienzo. • El líder no oficial de este grupo fue Henri Matisse, experimentando por primera vez con el color y el espacio en su obra Lujo, calma y voluptuosidad (1904-1905). Junto a él colaboraron André Derain y Maurice de Vlaminck. Georges Rouault, Albert Marquet, Kees van Dongen y Raoul Dufy expusieron también como fauvistas, aunque pronto evolucionaron a otros estilos. • Su contexto histórico está marcado por grandes cambios sociales y tecnológicos: inventos como el coche a motor o la radio, y el acceso a la electricidad estaban transformando la vida cotidiana.

Se desarrolla en Francia durante los años 1903 a 1907. La primera exposición tiene lugar en París en el Salón de Otoño de 1905 y alcanza su climax en 1906 en el "Salon des Indépendants". La denominación deriva de la palabra "fauves" (fieras), término con el que el crítico Louis Vauxcelles denominó a un grupo de pintores, encabezado por Matisse, que practicaban un estilo vigoroso de pintura alejado de todo principio académico.

LA PRIMERA VANGUARDIA. FAUVES  Es la evolución natural de Impresionismo y Postimpresionismo.  Distanciamiento de la realidad: • Protagonismo del color • Autonomía de las formas

 Agresividad exagerada del color:

• Por ello su nombre “fauves” (fieras)

 Principales aportaciones:

• Utilización de colores primarios • Juego de complementarios • Tonalidades chillonas e irreales

 Origen en la I Exposición fauves de 1905  Principales autores: • H. Matisse • A. Derain • M. Vlaminck

CARACTERÍSTICAS •

Carácter lírico y expresivo potenciado mediante el color.

•

Plasmación de lo real de manera subjetiva: el artista trata de captar lo esencial interpretando la naturaleza y sometiéndola al espíritu del cuadro.

•

Énfasis cromático mediante colores puros, saturados, principalmente planos, realzados por la línea de los contornos y sin referencia al tema o a su figura.

•

Eliminación de la perspectiva espacial.

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Referencias formales de las culturas primitivas y exóticas (árabe y africana).

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Relaciones de colores arbitrarias establecidas de manera instintiva e intuitiva, con predominio de colores complementarios.

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Creación de espacios pictóricos de carácter ornamental basados en motivos decorativos tomados de papeles de pared o piezas de artesanía.

CARACTERÍSTICAS GENERALES Preponderancia del color. Independencia del color frente al objeto. Importancia de la línea. Desaparición de los focos de luz y la profundidad. Tendencia al plano único. Eliminación de la perspectiva espacial. Referencias formales de las culturas primitivas y exóticas (árabe y africana).

Principales Representantes

Henri Matisse 1869 - 1954

André Derain 1880 - 1954

Henri Matisse, Lujo, calma y voluptuosidad (1904)

Síntesis del postimpresionismo. Técnica puntillista y tema basado en las bañistas de Cezanne.

Titulo tomado del Poema de Baudelaire, Invitación al Viaje, de Las Flores del Mal.

Simplificación del dibujo y Uso subjetivo del color.

Matisse, La Habitación Roja (1909)

Descomposición de la perspectiva a partir del dominio y la luminosidad del color. Contraste entre ambiente plano del interior (izquierda) y profundidad de ventana y silla (derecha)

Henri Matisse. La raya verde, 1905, óleo sobre lienzo, 60 x 41 cm.

Henri Matisse, La Danza (1910)

Figuras distorsionadas en danza circular. Sensación de energía contenida.

Curvas rítmicas y tensión dinámica. Situados sobre el uniforme fondo azul, los brazos de los bailarines crean un ritmo ondulante en todo el lienzo.

Elementos cortados. En la parte superior derecha, la cabeza de una figura esta recortada por el borde del lienzo. Esto aumenta la sensación de movimiento. Todas las figuras sobresalen o rozan sus bordes.

La denominación deriva de la palabra "fauves" (fieras), término con el que el crítico Louis Vauxcelles denominó a un grupo de pintores, encabezado por Matisse, que practicaban un estilo vigoroso de pintura alejado de todo principio académico.

Fauvismo En 1904 Henri Matisse (Padre del Fauvismo) pintó Lujo, Calma y Voluptuosidad, considerada como la obra síntesis del postimpresionismo, manipulado en un ejercicio personal, y virtualmente un manifiesto de lo que sería el fauvismo poco después. La utilización subjetiva del color y la simplificación del dibujo sorprendieron a todos cuando fue expuesto en el Salón de los Independientes en 1905.

FAUVISMO Salón de otoño de 1905: 18 salas con 1625 obras.

Muestras en la Galería de Berthe Weill en 1904 y 1905

Grand Pallais, inaugurado en 1900.

Fauvismo

André Derain

Mme. Matisse

Derain se sintió inmediatamente influido y comenzó a pintar utilizando nada más que la línea y el color. Su desinterés por el acabado y sus colores chillones le granjearon el desprecio de la crítica cuando expuso sus paisajes, pintados en Colliure, en el Salón de Otoño de 1906. Allí también se expuso el Retrato de la Mme. Matisse de Matisse, que fue interpretado como una caricatura de la feminidad y como una excentricidad. La repulsa de la crítica convirtió a los fauvistas en el grupo más avanzado de París.

Henri Matisse

(1869-1954)

Lujo, calma y voluptuosidad (II)

Lujo, calma y voluptuosidad (I)

Retrato con raya verde

Lujo, Calma, voluptuosidad

Recibe su nombre en honor al poema de Charles Baudelaire titulado L'Invitation au voyage (Invitación al viaje) que aparece en su obra Las flores del mal:

Là, tout n'est qu'ordre et beauté, Luxe, calme et volupté. (Allá, todo es orden y belleza, Lujo, calma y voluptuosidad.)3

Henri Matisse Autorretrato, 1906,

Henri Matisse Autorretrato, 1906, óleo sobre lienzo, 55 x 46 cm, Statens Museum for Kunst, Copenhagen.

MATISSE Retrato de Derain 1905

MATISSE Vista de Collioure 1906

MATISSE Ventana abierta 1905

Matisse Habitación roja 1908

«Sueño con un arte de equilibrio, de tranquilidad, sin tema que inquiete o preocupe, algo así como un lenitivo, un calmante cerebral parecido a un buen sillón».

Henri Matisse (1869-1954)

La alegría de vivir

Henri Matisse (1869-1954)

La gitana

Arroyo con aloes

Henri Matisse (1869-1954)

La toilette

André Derain Retrato de Matisse c. 1905

Pablo Picasso Retrato de Ambroise Vollard 1910

Henri Matisse (1869 – 1954)

Retrato de Derain

1905

Maurice Vlaminck (1876- 1958)

André Derain

1906 Óleo sobre cartón, 27 x 22,2 cm.

André Derain (1880-1954)

El faro de Coiliure

DERAIN El puente de Charing Cross en Londres 1906

A. DERAIN: El recodo del camino, L'Estaque. 1906.

Derain. El puente de Waterloo. 1906

André Derain (1880 -1954)

El puente de Westminster

André Derain (1880 -1954)

Vista nocturna del parlamento 1906.

André Derain (1880 -1954)

Muchacha pelirroja con camisa o la bailarina 1906

Maurice Vlaminck (1876 - 1958)

Jardines en Chatou

Paisaje con árboles rojos

Maurice Vlaminck, Restaurante de la Machine a Bougival. (1905)

M. VLAMINCK:

Orillas del Sena en Carrières-sur-Seine

La casa azul. 1906.

Raoul Dufy (1877-

1953)

Carteles en Trouville

Georges Henri Rouault (1871 — 1958)

Florero

Los Poulot o La pareja, zona roja. 1905,

Paisaje con grandes árboles 1915

Three Clowns. 1917

Las mil y una noches 1942. Óleo sobre lienzo. 57 x 47, 3 cm. Musée des Beaux- Art. La Chaux-de- Fonds

Kees Van Dongen (1877-1968)

El payaso rojo

Albert Marquet (1875-1947)

Desnudo en el taller

Georges Braque (1881-1963)

El estanque

La evolución de H. Matisse

Ventana abierta. Collioure. 1905

La conversación. 1909.

MATISSE La danza 1910

MATISSE Mujer marroquí 1912

El vuelo de Ícaro. 1946.

Cortina egipcia. 1948.

La tristeza del rey. 1952.

Desnudo en azul. 1952.

H. MATISSE

El Cubismo

CUBISMO

• El cubismo se desarrolló en Paris durante las primeras décadas del siglo XX, iniciado por Pablo Picasso y Georges Braque, a partir de su impresión de la exposición de la obra de Cézanne en el Salon d’Automne de 1907. Esto, junto a la influencia del arte africano, produjo la primera obra considerada cubista: Las Señoritas de Avignon, de Picasso. • Entre 1907 y 1912 Picasso y Braque experimentaron en la primera fase del cubismo, llamado “analítico”: No sólo se trataba de entender cómo el ojo capturaba las imágenes, sino cómo las procesaba la mente. Se ofrecían vistas complejas de un objeto, reducido a planos superpuestos opacos y translúcidos. Las formas naturales se redujeron a formas geométricas (cilindros, esferas y conos), observadas desde puntos de vista cambiantes. Juan Gris y Fernand Léger siguieron este estilo. • Las variaciones cromáticas y el uso del collage iniciaron la segunda fase, “sintética”, entre 1912 y finales de los 20: se exploraron diferentes texturas y materiales, mezclando objetos de la vida cotidiana con otros pintados o dibujados, creando grandes diseños decorativos. Esta experimentación fue ampliamente seguida por artistas como Robert Delaunay, Francis Picabia, Jean Metzinger, Fernand Léger y Marcel Duchamp. • A través de la fragmentación de las imágenes, el cubismo dio pie al orfismo, el rayonismo y el futurismo. Prefiguró el suprematismo y el constructivismo; y, a través del uso del collage, se anticipó al dadaísmo y al surrealismo, además de marcar el camino al expresionismo abstracto, por medio del uso de los planos llanos.

PABLO PICASSO Las Señoritas de Avignon (1907) La modernidad de esta obra es el resultado de varias estrategias: •Los cuerpos y el fondo se reducen a formas geométricas, sobre todo en las dos figuras de la derecha, cuya anatomía está alterada. •La profundidad espacial es casi inexistente y obliga al espectador a explorar el lienzo en busca de sentido. •La influencia de las máscaras africanas se pone de relieve en tres caras. Las otras dos muestran el interés de Picasso por la escultura ibérica. •La paleta de colores es pobre y se usa el dibujo lineal para definir las formas en vez de manipular el color y la luz. •La obra tiene un trasfondo sexual, con enérgicas pinceladas.

Término creado por un crítico de arte (el crítico francés Louis Vauxcelles), que al ver las obras de este movimiento de principios del siglo XX, afirmó que "desprecian la forma y lo reducen todo, paisajes, figuras y casas, a esquemas geométricos, a cubos". El cubismo tiene sus bases en Cézanne. La pintura cubista quedó formalmente fundada en 1907 con la obra de Picasso, "Las Señoritas de Aviñón". Picasso y Braque, junto a Juan Gris, llevaron a cabo un análisis objetivo de la realidad de la pintura, que para ellos, necesariamente debía fundarse en la realidad bidimensional del lienzo. Por eso, junto con eliminar la perspectiva y la ilusión de profundidad, limitaron los colores a los tonos grises, verdes y marrones, para que el análisis temático de la estructura corpórea fijada en el espacio, se expresara con mayor énfasis. Con el collage, buscaron la liberación formal del color de su tradicional carácter descriptivo.

Las características de un nuevo lenguaje: En el Cubismo no hay nada de teórico, sino que todo son descubrimientos: 1. Independencia y autonomía de planos, estallido del volumen: Los planos son objeto de estudio en sí mismos, y no en visión global del volumen, de ahí que éste se disuelva. Los grandes volúmenes se rompen en otros más pequeños. Así, queda rota también la línea de contorno, se interrumpe el trazo lineal. Por eso se compara el resultado de este proceso con el reflejo en un espejo roto o con la visión a través de un caleidoscopio. 2. Perspectiva múltiple: Viene dada por el estudio de cada plano en su autonomía. Se rompe con la perspectiva monofocal albertiana. La pintura se ha liberado del yugo de la tradicional visión monocular. Se multiplican los ángulos de visión de un mismo objeto. Así se ofrece una visión compleja del mismo ente, que se puede presentar al mismo tiempo de cara, de perfil o desde cualquier otro ángulo significativo.

3. Desaparición de gradaciones de sombra y luz: Esto viene dado por la descomposición del volumen. 4. Color "Tono Local": El color no aporta indicaciones suplementarias. Por lo general se aplicaba por pequeños toques. Esto se ha dado en llamar Color Passepartout, apto para todos los objetos, pero que no consiste en el verdadero color de ninguno de ellos 5. Geometrismo: Los formas geométricas invaden las composiciones. Las formas observadas en la naturaleza, son traducidas en cilindros, conos, esferas y cubos. La retina capta las formas y la mente del pintor las simplifica. 6. Base filosófica: Las aportaciones filosóficas de Bergson son muy importantes para el Cubismo. Él afirma que el observador acumula en su memoria una gran información sobre un objeto del mundo visual externo. Los pintores cubistas vuelcan esta experiencia distorsionando y superponiendo paisajes. No se trata de reflejar la realidad misma, sino la idea de realidad que posee el artista.

Guillaume Apollinaire, fue el principal teórico del Cubismo, escribió Méditations esthétiques. Les peintres cubistes en 1913. En esta obra estableció las tipología y etapas del Cubismo: • Científico, • Órfico • Instintivo.

Otros especialistas se han referido a las etapas con otros nombres como fase analítica, fase hermética y fase sintética. Todas estas denominaciones responden a un deseo de taxonomizar la inevitable evolución del Cubismo.

1. Fase analítica En el primer momento, se partió de la observación de la realidad para proceder después a su "destrucción". Resultaba un conjunto de planos indescifrable, lo que es en definitiva es la obra cubista.

Pablo Picasso. Frutero y pan sobre una mesa (1909)

2. Fase hermética Para paliar la confusión y la difícil lectura de las obras analítica, Picasso y Braque, empiezan a dejar pistas en sus obras. Se empiezan a introducir detalles figurativos y esquematizados para estimular la comprensión. Por ejemplo, las cuerdas o clavijas ayudan a identificar la posible existencia de un instrumento musical, o un pomo la de una mesa. En esta etapa también se hizo habitual la imitación "realista" de caracteres de imprenta, letras o cifras, que lleva a la comprensión de que nos hallamos ante la presencia de un periódico, de una etiqueta de botella o de un sobre. Se empieza a imitar la madera o el mármol para sugerir por ejemplo un violín.

Pablo Picasso. Retrato de Ambroise Vollard. (1910)

3. Fase sintética, el collage como paso previo a la escultura: En esta fase se dio un nuevo paso. Ya no hay razón para imitar minuciosamente una etiqueta o un sobre, sino que se toma un ejemplar real y se pega, es la técnica del Papier collé, inventada por Picasso y por Braque . Se podían pegar papeles en otro tipo de material, como estera, hule... en el momento en que se incorporan materiales cotidianos se da un paso más, asistimos al nacimiento del Collage. El primero que lo practicó fue Braque. La idea es bastante audaz porque antes nunca se había incorporado al arte un fragmento de la vida. Así se consigue el objetivo tan ansiado en todo el mundo de la vanguardia, el unir arte y vida. El collage nos ayuda a recuperar el referente concreto. A partir de este momento ya no interesó el análisis minucioso, sino la imagen global. Sobre la superficie del soporte se pegan papeles, telas y objetos diversos, de ahí que comience a hablarse de la "introducción de intrusos".

Pablo Picasso. Guitarra. (1913)

Con el collage se inaugura una serie de técnicas que comportan una revisión total del acto pictórico en sí, y se ofrecen al artista infinitas posibilidades de variación. Con el collage la técnica cambia, no sólo se trata de pintar, sino también de añadir y construir. Esta técnica constructiva, hace que se camine lógicamente hacia la escultura y su tridimensionalidad. El pincel es sustituido por las tijeras y la cola, y después los clavos y la soldadura. Los fragmentos de imagen pasan a formar parte de un conjunto estético. Los materiales se descontextualizan, se hacen enigmáticos y adquieren características propias.

Pablo Picasso: Las Señoritas de Avignon, 1907 Óleo sobre lienzo, Metropolitan Museum of Art, New York City .

Pablo Picasso, Los Pájaros muertos, 1912, 46 x 65 cm., óleo soble lienzo, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía , Madrid.

PICASSO, Ma Jolie (1911-1912) El titulo de esta obra, que corresponde al estribillo de una canción popular francesa y, a su vez, al nombre afectivo de la amante de Picasso, Marcelle Humbert, está incluido en la composición. No sólo se trata de una dedicatoria, sino que sirve para humanizar la poco discernible imagen de una mujer tocando una guitarra. A través de una pintura tonal, usando el gris, el negro, el azul, el verde y el ocre, produjeron imágenes austeras en las que ofrecían diferentes vistas complejas de un objeto, dividiéndolo en planos y secciones. La estrecha colaboración entre Picasso y Braque llevó a éste último a comparar su relación con la de dos escaladores atados, ayudándose mutuamente a ascender. Ambos “derribaron” intelectualmente las estructuras con tal de analizarlas y recrearlas. El estallido de la Primera Guerra Mundial supuso el fin de su asociación.

Pablo Picasso . Ma Jolie (Woman with Guitar) (1911-12)

Pablo Picasso . El poeta (1910)

Pablo Picasso, Instrumentos de música sobre una mesa, 1925, 162 x 204,5 cm., óleo sobre lienzo, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía , Madrid.

GEORGES BRAQUE, Hombre con guitarra (1912) Esta obra es un ejemplo de cubismo analítico, en el que el aspecto de un hombre es representado a través de planos llanos interconectados, usando una paleta de colores apagados. Braque demostró cómo una imagen podía ser reducida a un objeto abstracto: •Sustituyó la perspectiva tradicional por perspectivas múltiples en un plano más llano, con formas bidimensionales y tridimensionales que coexisten de diversos modos. •Hay elementos que orientan la figura: el cuerpo y las cuerdas de la guitarra sobresalen del fondo, y una línea diagonal indica el brazo del hombre. En el centro se halla su pezón, cuyo volumen dirige la mirada del espectador. •Braque pinta por capas que abstraen progresivamente la imagen final. Unas líneas diagonales y paralelas ocultan aún más la cabeza del guitarrista. •Al pintar una borla y una chincheta a la izquierda del lienzo, se destruye intencionadamente cualquier efecto de profundidad.

PABLO PICASSO, Composición con frutas, violín y vaso (1912)

JUAN GRIS, Botella de anís del mono (1914)

Pablo Picasso, Guernica, 1937, 349 x 776 cm. óleo sobre lienzo, Museo Nacional Reina Sofía, Madrid.

PABLO PICASSO ( 1881 – 1973 )  Nacido en Málaga, se forma en Barcelona y París  Se inicia en el Expresionismo y con sus famosas series azul y rosa  Padre del Cubismo Analítico, del Cubismo Sintético y del Collage.  No dejará de evolucionar artísticamente toda su vida  Vivió comprometidamente una etapa histórica convulsa cuya máxima aportación sería el Guernica.

EVOLUCIÓN DE PICASSO

La primera comunión. 1896.

Obras de la Época de Formación (18811901).

Mujer Azul

La Familia Soler *****

Ciencia y Caridad.

Mujer con sombrero de plumas

Autorretrato

Le moulin de la Galette

Ciencia y caridad. 1897.

•Abandona su formación a los 18 años, considerando que los profesores limitaban sus capacidades. Comienza a frecuentar Els Quatre Gats, donde se relaciona con artistas y escritores fascinados con la vida cultural parisina. Conoce, entre otras personas, a Carlos Casagemas y Santiago Cardona. En este tiempo, abandona el apellido paterno y firma sus cuadros con el apellido de la madre “Picasso”. En esta época, las pinturas de Picasso conocerán la influencia del modernismo catalán o el pos impresionismo europeo. •Su obra Últimos momentos es selecciona para participar en la sección española de Exposición Universal de París. Esto conlleva que viaje por primera vez, junto con Casagemas, a la ciudad de la luz, dónde queda fascinado con los pintores pos impresionistas: Van Gogh, Henri de Toulouse-Lautrec o Paul Gauguin.

Le Moulin de la Galette. París, 1900.

Jardín de París. París, 1901

La espera (Margot). París, 1901

Mujer en azul. 1901.

Pablo Picasso. La mujer de la cofia. París, 1901

La bebedora de ajenjo. 1901.

Pablo Picasso (1881-1973)

El “primer” las “etapas” azul y rosa

Desamparados

Gertrude Stein

Guitarrista ciego

La familia de saltimbanquis

La vida

El ciego

La Época Azul-Biografía. •En el año 1901, su amigo Casagemas, se suicida por un desengaño amoroso. Esto afectará profundamente a Picasso, conduciéndolo a crear lo que será su primer estilo personal: La Época Azul.

La Época Azul-Biografía. •En el año 1901, su amigo Casagemas, se suicida por un desengaño amoroso. Esto afectará profundamente a Picasso, conduciéndolo a crear lo que será su primer estilo personal: La Época Azul. •El nombre de “Época Azul”, proviene del crítico Pierre Daix, quien dijo que Picasso comenzó a pintar en azul.

La Época Azul-Biografía. •En el año 1901, su amigo Casagemas, se suicida por un desengaño amoroso. Esto afectará profundamente a Picasso, conduciéndolo a crear lo que será su primer estilo personal: La Época Azul. •El nombre de “Época Azul”, proviene del crítico Pierre Daix, quien dijo que Picasso comenzó a pintar en azul. •Esta etapa está comprendida entre 1901 y 1905. La mayor parte de las obras serán pintadas en Barcelona, representando a la marginalidad (ciegos, niños pobres, prostitutas…) de los barrios más humildes de la Barcelona del momento. Comienza a apreciarse una cierta influencia del Greco (figuras alargadas, fondos desnudos…). En estas obras Picasso consigue retransmitir soledad y melancolía.

La Época Azul-Biografía. •En el año 1901, su amigo Casagemas se suicida por un desengaño amoroso. Esto afectará profundamente a Picasso, conduciéndolo a crear lo que será su primer estilo personal: La Época Azul. •El nombre de “Época Azul”, proviene del crítico Pierre Daix, quien dijo que Picasso comenzó a pintar en azul. •Esta etapa está comprendida entre 1901 y 1905. La mayor parte de las obras serán pintadas en Barcelona, representando a la marginalidad (ciegos, niños pobres, prostitutas…) de los barrios más humildes de la Barcelona del momento. Comienza a apreciarse una cierta influencia del Greco (figuras alargadas, fondos desnudos…). En estas obras Picasso consigue retransmitir soledad y melancolía. •Otras influencias de esta etapa fueron los simbolistas franceses (Verlaine, Baudelaire, Rimbaud…); el poeta Max Jacob, y el expresionismo alemán.

Casagemas en su ataúd. París, 1901

Influencia del Greco: división de lo terrenal y lo divino.

Evocación- Entierro de Casagemas (1901)

La serie azul: El Viejo guitarrista ciego. 1903.

La vida. 1903.

La vida (1903)

El asceta (1903)

La tragedia (1903)

Influencia del Greco.

Autorretrato (1901)

Retrato de Soler (1903)

Desnudo (1904)

Niño con perro (1905)

Influencia del gótico catalán (frescos del s.XIII) en la rigidez de los pliegos de la capa de la mujer de la izquierda.

Las dos hermanas (el encuentro) (1902)

Desayuno de un ciego. (1903)

Viejo ciego con niño (1903)

El guitarrista ciego (1903)

Época Rosa-Biografía

•En 1904 toma la decisión de instalarse definitivamente en Paris. Se instalará en Montmartre, en un edificio habitado, básicamente, por artistas. A este edificio se le conocería como “Bateau Lavoir” por su similitud con las embarcaciones que hacían de lavaderos en el Sena.

Época Rosa-Biografía

•En 1904 toma la decisión de instalarse definitivamente en Paris. Se instalará en Montmartre, en un edificio habitado, básicamente, por artistas. A este edificio se le conocería como “Bateau Lavoir” por su similitud con las embarcaciones que hacían de lavaderos en el Sena. •A este edificio acudía regularmente la vanguardia parisina: Van Dongen, André Salmon, Leo Stein, Derain, Juan Gris, Apollinaire…, se relacionará también con Max Jacob, o los marchantes Vollard y Kahnweiler.

Época Rosa-Biografía

•En 1904 toma la decisión de instalarse definitivamente en Paris. Se instalará en Montmartre, en un edificio habitado, básicamente, por artistas. A este edificio se le conocería como “Bateau Lavoir” por su similitud con las embarcaciones que hacían de lavaderos en el Sena. •A este edificio acudía regularmente la vanguardia parisina: Van Dongen, André Salmon, Leo Stein, Derain, Juan Gris, Apollinaire…, se relacionará también con Max Jacob, o los marchantes Vollard y Kahnweiler. •Conoce en 1904, también, a la que será su compañera Fernande Olivier, con la que estuvo hasta 1912.

Época Rosa-Biografía

•En 1904 toma la decisión de instalarse definitivamente en Paris. Se instalará en Montmartre, en un edificio habitado, básicamente, por artistas. A este edificio se le conocería como “Bateau Lavoir” por su similitud con las embarcaciones que hacían de lavaderos en el Sena. •A este edificio acudía regularmente la vanguardia parisina: Van Dongen, André Salmon, Leo Stein, Derain, Juan Gris, Apollinaire…, se relacionará también con Max Jacob, o los marchantes Vollard y Kahnweiler. •Conoce en 1904, también, a la que será su compañera Fernande Olivier, con la que estuvo hasta 1912. •Picasso comienza a interarse por el circo, dónde va varias veces por semana. Junto Apollinaire, Picasso se moverá en la compañía de actores y artistas ambulantes, pasando los saltimbanquis a ser la pieza central de sus composiciones. Reproducirá también la figura del arlequín en varias ocasiones, convirtiéndose el arlequín en el alter ego de Picasso. •El nombre de Época Rosa proviene del cambio radical de la paleta del pintor. De azules y negros, pasará a rosas y grises.

EVOLUCIÓN DE PICASSO EN PARÍS ENTRE 1904 Y 1907

Le “Bateau Lavoir”

Época Rosa (fin)-Biografía •Picasso realiza una breve visita a Holanda (1905)

Época Rosa (fin)-Biografía •Picasso realiza una breve visita a Holanda (1905) •Viaja a Gósol (1906), donde descubrirá imágenes románicas y el primitivismo de la estatuaria ibérica.

Época Rosa (fin)-Biografía •Picasso realiza una breve visita a Holanda (1905) •Viaja a Gósol (1906), donde descubrirá imágenes románicas y el primitivismo de la estatuaria ibérica. •Pinta desnudos y realiza esculturas por primera vez. Pinta el famoso retrato de Gertrude Stein.

Época Rosa (fin)-Biografía •Picasso realiza una breve visita a Holanda (1905) •Viaja a Gósol (1906), donde descubrirá imágenes románicas y el primitivismo de la estatuaria ibérica. •Pinta desnudos y realiza esculturas por primera vez. Pinta el famoso retrato de Gertrude Stein. •En 1907 se desarrolla la “Época Negra”, influenciado por una serie de manifestaciones culturales, hasta entonces desconocidas en Europa, del África Negra.

Acróbata y joven arlequín (1905)

Acróbata en una bola (1905)

El peinado (1906)

Arlequín sentado (1905)

En el "Lapin Agile" (Arlequín con copa) (1905)

El aseo (1906)

Muchachas y cabra (1906)

Los dos hermanos (1905)

La serie rosa. Mujer en camisa. 1905.

Según André Salmon, el arlequín volteado sería Picasso y Apollinaire el grueso personaje vestido de rojo.

Familia de saltimbanquis (1905)

Pablo Picasso. Retrato de la señora Canals. París, 1905

Pablo Picasso (1881-1973) El “segundo” la “etapa” negra; el proto-cubismo , cubismo “analítico”y cubismo “sintético”

Cabeza de mujer 1907

Las señoritas de Avignon 1907

Retrato de D. H. Kahnweiler

Fábrica de Tortosa 1909

Ma Jolie

Protocubismo-Biografía •Triple influencia: 1. Estatuaria románica e ibérica. 2. Estatuaria del África Negra. 3. Huella de Cèzanne =>Simplificación formal eliminando elementos accesorios.

Protocubismo-Biografía influencia: Estatuaria románica e ibérica. Estatuaria del África Negra. Huella de Cèzanne =>Simplificación formal eliminando elementos accesorios. • Inicia un proceso de geometrización y esquematización, así como el predominio de una paleta ocre-rojiza. • Este proceso culminará en “Las señoritas d’Avignon” (1907), punto de partida del cubismo (aunque es una obra protocubista) •Triple 1. 2. 3.

Protocubismo-Biografía •Triple influencia: 1. Estatuaria románica e ibérica. 2. Estatuaria del África Negra. 3. Huella de Cèzanne e Ingres =>Simplificación formal eliminando elementos accesorios. • Inicia un proceso de geometrización y esquematización, así como el predominio de una paleta ocre-rojiza. • Este proceso culminará en “Las señoritas d’Avignon” (1907), punto de partida del cubismo (aunque es una obra protocubista) • Picasso y Braques rompen con la perspectiva tradicional, la cual considera un único punto de vista y la visión de un solo ojo, incluyendo en el cuadro la visión binocular y los diferentes ángulos desde los que se puede ser contemplado el objeto a representar.

Características del Protocubismo. •Descomposición de los ángulos y los diferentes puntos de vista.

•Influencia del arte ibérica, románica, africana, y de los franceses Cèzanne e Ingres. •Paleta ocre-rojiza. •Predominan las líneas rectas pero se conservan las curvas.

Retrato de Gertrude Stein (1906)

Autorretrato (1907)

Pablo Picasso: Las Señoritas de Avignon, 1907 Óleo sobre lienzo, Metropolitan Museum of Art, New York City .

Las señoritas d’Avignon (1907)

Las señoritas d’Avignon (1907)

•Influencia del Arte Africano. •Representa un grupo de prostitutas. •Obra de investigación y experimentación. •Alternancia de rasgos cóncavos y espacios planos. •Elementos corporales manipulables a partir de la ruptura de la perspectiva. •Rechaza: Relieve y volumen. •División en superficies planas. •Fragmentación geométrica. •Eliminación de sombreados.

Las señoritas d’Avignon (1907) •Cesta de comida en el suelo, indica que van a comer. •El fondo sufre sucesivas modificaciones. •Rostros: egipcio, caucásicos y de influencia del arte africano e ibérico.

Boceto

Las señoritas d’Avignon (1907) Críticas: •Matisse la reprueba, considerándola un ultraje al movimiento moderno. •Apollinaire no comprende a su amigo. •Schukin: “Grave pérdida para el arte francés”. •Marchantes, lo consideran un paso en falso. •Leo Stein, estalla en un grosera carcajada al ver el cuadro.

En 1907, Derain vaticinó el suicidio artístico de Picasso, Matisse habló de la muerte de la pintura, mientras que Braque dijo: “Es como si bebieras petróleo mientras te arrimas un fósforo prendido a la boca”

INFLUENCIAS SOBRE LAS SEÑORITAS DE AVIGNON MASCARAS DE ZAIRE DOS MUJERES DESNUDAS – PICASSO 1906 VENUS DE INGRES

Estudios en papel para LAS SEÑORITAS DE AVIGNON Nótese la presencia de dos hombres (marineros) en los bocetos iniciales.

Naturaleza muerta con calavera (1907)

La dríada (1908)

Tres mujeres (1908)

Amiga (1908)

Cabeza de un hombre (1907)

Cabeza de una mujer (1907)

Dos figuras desnudas (1908)

Muchacha con abanico (1909)

Frutero y pan sobre una mesa (1909)

Decanter and Tureens (1908)

Frutero, fruta y vaso (1909)

Fábrica en la horta del Ebro (1909)

El Cubismo

Término creado por el crítico francés Louis Vauxcelles que, al ver las obras de este movimiento, afirmó que "desprecian la forma y lo reducen todo, paisajes, figuras y casas, a esquemas geométricos, a cubos". El cubismo tiene sus bases en Cézanne. La pintura cubista quedó formalmente fundada en 1907 con la obra de Picasso, "Las Señoritas de Aviñón". Picasso y Braque, junto a Juan Gris, llevaron a cabo un análisis objetivo de la realidad de la pintura, que para ellos, necesariamente debía fundarse en la realidad bidimensional del lienzo. Por eso, junto con eliminar la perspectiva y la ilusión de profundidad, limitaron los colores a los tonos grises, verdes y marrones, para que el análisis temático de la estructura corpórea fijada en el espacio, se expresara con mayor énfasis. Con el collage, buscaron la liberación formal del color de su tradicional carácter descriptivo.

Características generales del cubismo

•Descomposición de la realidad en la geometría más básica: El cubo; aunque se mantienen líneas curvas en algunas composiciones. •Destrucción de la perspectiva tradicional. •Combinación de planos. •Rostros desprovistos de naturaleza humana. •Reminiscencias de Cézanne. •Alteración de los colores tradicionales, con un predominio de los colores ocres. •Yuxtaposición de claros y oscuros. •Abundancia de naturalezas muertas y paisajes. •Recibe el nombre del crítico Louis Vauxcelles: "[...] réduit tout, sites figures maisons, à des schémas géométriques, à des cubes« . De ahi proviene el término cubismo.

Las características de un nuevo lenguaje: En el Cubismo no hay nada de teórico, sino que todo son descubrimientos: 1. Independencia y autonomía de planos, estallido del volumen: Los planos son objeto de estudio en sí mismos, y no en visión global del volumen, de ahí que éste se disuelva. Los grandes volúmenes se rompen en otros más pequeños. Así, queda rota también la línea de contorno, se interrumpe el trazo lineal. Por eso se compara el resultado de este proceso con el reflejo en un espejo roto o con la visión a través de un caleidoscopio. 2. Perspectiva múltiple: Viene dada por el estudio de cada plano en su autonomía. Se rompe con la perspectiva monofocal albertiana. La pintura se ha liberado del yugo de la tradicional visión monocular. Se multiplican los ángulos de visión de un mismo objeto. Así se ofrece una visión compleja del mismo ente, que se puede presentar al mismo tiempo de cara, de perfil o desde cualquier otro ángulo significativo.

1. Desaparición de gradaciones de sombra y luz: Esto viene dado por la descomposición del volumen. 2. Color "Tono Local": El color no aporta indicaciones suplementarias. Por lo general se aplicaba por pequeños toques. Esto se ha dado en llamar Color Passepartout, apto para todos los objetos, pero que no consiste en el verdadero color de ninguno de ellos 3. Geometrismo: Los formas geométricas invaden las composiciones. Las formas observadas en la naturaleza, son traducidas en cilindros, conos, esferas y cubos. La retina capta las formas y la mente del pintor las simplifica. 4. Base filosófica: Las aportaciones filosóficas de Bergson son muy importantes para el Cubismo. Él afirma que el observador acumula en su memoria una gran información sobre un objeto del mundo visual externo. Los pintores cubistas vuelcan esta experiencia distorsionando y superponiendo paisajes. No se trata de reflejar la realidad misma, sino la idea de realidad que posee el artista.

Guillaume Apollinaire, fue el principal teórico del Cubismo, escribió Méditations esthétiques y Les peintres cubistes en 1913. En esta obra estableció las tipología y etapas del Cubismo: • Científico, • Órfico • Instintivo.

Otros especialistas se han referido a las etapas con otros nombres como fase analítica, fase hermética y fase sintética. Todas estas denominaciones responden a un deseo de taxonomizar la inevitable evolución del Cubismo.

FORMACIÓN DEL CUBISMO Picasso y Braque, junto a Juan Gris, llevaron a cabo un análisis objetivo de la realidad de la pintura, que para ellos, necesariamente debía fundarse en la realidad bidimensional del lienzo. Por eso, junto con eliminar la perspectiva y la ilusión de profundidad, limitaron los colores a los tonos grises, verdes y marrones, para que el análisis temático de la estructura corpórea fijada en el espacio, se expresara con mayor énfasis. Con el collage, buscaron la liberación formal del color de su tradicional carácter descriptivo.

MANIFIESTO En los inicios de este movimiento tuvo gran importancia el marchante Daniel Kahnweiler, cuya galería se convirtió en el centro de difusión del cubismo. Por otra parte, la teoría acerca del movimiento cubista iba tomando forma en las reuniones en el edificio donde vivían Picasso, Juan Gris y el escritor francés Max Jacob. Asistentes asiduos a las reuniones del grupo eran también Henri Matisse y Diego Rivera, que sería uno de los principales pintores muralistas mexicanos, así como los escritores Jean Cocteau y Guillaume Apollinaire, fue precisamente ese último quien en mayor medida contribuyó, con textos como el de Les Peintres cubistes, publicado en1913, a elaborar la estética sustentadora del movimiento cubista.

Evolución del Cubismo Existen tres variantes en la evolución del cubismo entre 1919 y 1914: •Cubismo Analítico: Evoluciona hacia el cubismo “hermético” donde se alcanza una relativa abstracción. •Cubismo Sintético: Representa la simplificación del cubismo. Su máxima expresión serán los collages. En las siguientes láminas se profundizará en estos conceptos.

1. Fase analítica En el primer momento, se partió de la observación de la realidad para proceder después a su "destrucción". Resultaba un conjunto de planos indescifrable, lo que es en definitiva es la obra cubista.

Pablo Picasso. Frutero y pan sobre una mesa (1909)

Cubismo Analítico •Experimentará con la perspectiva y los planos, pretendiendo reflejar todos los posibles en el lienzo (cubismo hermético). •Rechazo absoluto del volumen o la línea curva. Las rectas serán las únicas líneas que se apreciarán en los cuadros. •Marginación absoluta de tonos que no sean oscuros, predominando los grises, ocres y negros. •Eliminación de la firma sobre el cuadro. •Aparición de letras sobre el cuadro el cuadro que harán diversas referencias, en especial “Ma jolie”, en referencia a su amante Fernande. •El cubismo analítico evolucionará hacia el Cubismo Hermético, que pretende plasmar todos los planos en el lienzo, desordenándolos y complicando una interpretación; será una abstracción inintencionada.

2. Fase hermética Para paliar la confusión y la difícil lectura de las obras analítica, Picasso y Braque, empiezan a dejar pistas en sus obras. Se empiezan a introducir detalles figurativos y esquematizados para estimular la comprensión. Por ejemplo, las cuerdas o clavijas ayudan a identificar la posible existencia de un instrumento musical, o un pomo la de una mesa. En esta etapa también se hizo habitual la imitación "realista" de caracteres de imprenta, letras o cifras, que lleva a la comprensión de que nos hallamos ante la presencia de un periódico, de una etiqueta de botella o de un sobre. Se empieza a imitar la madera o el mármol para sugerir por ejemplo un violín.

Pablo Picasso. Retrato de Ambroise Vollard. (1910)

Color y luz pierden importancia frente a la forma

Descomposición de imagen en múltiples planos para después reconstruir una nueva realidad

Abandono del color tendencia al monocromatismo (preferencia por grises, en menor medida ocres y verdes)

Estructura ordenada a partir de líneas verticales, horizontales y diagonales a las que se les van agregando planos Se introducen algunos elementos realistas en a laberíntica estructura de planos para facilitar identificación (botón)

Fusión de fondo y figura Representación de elementos simples (retrato, algún objeto cotidiano, etc.)

Construcciones racionalistas abandono de expresionismo de otros movimientos de vanguardia

El empleo de pinceladas pequeñas refuerza la planitud de la tela

Estatismo, ausencia de movimiento

Pablo Ruiz Picasso Retrato de Ambrose Vollard

Cubismo Analítico

Incidencia de luz varía en cada plano

Pablo Picasso . El poeta (1910)

Pablo Picasso . Ma Jolie (Woman with Guitar) (1911-12)

Retrato de Henry Kahnweyler (1910)

“Dos problemas se presentan a mi espíritu. Observo que la pintura tiene valor por sí misma, independientemente de la representación objetiva de las cosas. Me pregunto si no debemos pintar las cosas como las conocemos, más bien que como las vemos.”

“Un cuadro puede mostrar tanto la idea de las cosas como su apariencia exterior”

“Cuando ‘inventamos’ el cubismo, no teníamos la menor intención de inventarlo. Sólo queríamos expresar lo que había en nosotros. Ninguno de nosotros había trazado un plan especial de batalla, y nuestros amigos, los poetas, seguían nuestros esfuerzos con atención, pero sin formularnos prescripciones. “Se dice que me atraen las búsquedas. Yo no busco, encuentro.” “Todos sabemos que arte no es verdad. El arte es una mentira que nos enseña a comprender la verdad, al menos la verdad que –como hombres- somos capaces de comprender.”

Acordeonista (1911)

“Ma jolie” (1911)

Cubismo Sintético •Continúa experimentando con los planos. •Ahora, solo escogerá una serie de planos que considera adecuados, es decir, realiza una síntesis de los planos que le convienen. •Incorpora elementos plásticos (cuerda, hule, metales, telas…) para crear composiciones más complejas y novedosas, que recibirían el nombre de collages. •Esta nueva etapa tiene una función más estética, en confrontación a las otras etapas que eran más experimentales.

3. Fase sintética, el collage como paso previo a la escultura:

En esta fase se dio un nuevo paso. Ya no hay razón para imitar minuciosamente una etiqueta o un sobre, sino que se toma un ejemplar real y se pega, es la técnica del Papier collé, inventada por Picasso y por Braque . Se podían pegar papeles en otro tipo de material, como estera, hule... en el momento en que se incorporan materiales cotidianos se da un paso más, asistimos al nacimiento del Collage. El primero que lo practicó fue Braque. La idea es bastante audaz porque antes nunca se había incorporado al arte un fragmento de la vida. Así se consigue el objetivo tan ansiado en todo el mundo de la vanguardia, el unir arte y vida. El collage nos ayuda a recuperar el referente concreto. A partir de este momento ya no interesó el análisis minucioso, sino la imagen global. Sobre la superficie del soporte se pegan papeles, telas y objetos diversos, de ahí que comience a hablarse de la "introducción de intrusos".

Pablo Picasso. Guitarra. (1913)

Con el collage se inaugura una serie de técnicas que comportan una revisión total del acto pictórico en sí, y se ofrecen al artista infinitas posibilidades de variación. Con el collage la técnica cambia, no sólo se trata de pintar, sino también de añadir y construir. Esta técnica constructiva, hace que se camine lógicamente hacia la escultura y su tridimensionalidad. El pincel es sustituido por las tijeras y la cola, y después los clavos y la soldadura. Los fragmentos de imagen pasan a formar parte de un conjunto estético. Los materiales se descontextualizan, se hacen enigmáticos y adquieren características propias.

Pablo Picasso, Los Pájaros muertos, 1912, 46 x 65 cm., óleo soble lienzo, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía , Madrid.

Naturaleza muerta con silla de rejilla (1912)

Taberna (The Ham) (1912)

Hombre con sombrero (1912)

Botella de Pernod y vaso (1912)

Guitarra (1913)

Arlequín (1915)

Pablo Picasso, Instrumentos de música sobre una mesa, 1925, 162 x 204,5 cm., óleo sobre lienzo, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía , Madrid.

COLLAGE COLLER

desintegración fragmentación integración

papiers collés objets trouvés Pablo Picasso

Naturaleza muerta con silla de rejilla 1912 27 x 35 cm

assemblage

Pablo Picasso Guitarra 1913

Pablo Picasso

Vaso de absenta 1914

Apollinaire Caligrama

1913-1916

Georges Braque (1882-1963) El estanque: panorama desde el hotel Mistral

Guitarra y compotera

Violín y jarra

Georges Braque. Viaducto en L’estaque. 1908.

Georges Braque, Instrumentos musicales, 1908, óleo sobre lienzo, 50 x 61 cm, colección privada.

Georges Braque Casas en L´Estaque, 1908 óleo sobre lienzo, 73 x 60 cm, Kunstmuseum Bern.

JUAN GRIS Entre 1904 y 1906 estudia en la escuela de artes y oficios de Madrid Se mudó a París, donde conoce a Pablo Picasso y Georges Braque, quedo influido por Picasso. A partir de 1911 se interesó por el problema de la luz sobre los objetos, creando cuadros con iluminación naturalista. A este autor se le puede incluir en el siguiente grupo también, por las obras hechas a partir de 1911.

Guitarra y pipa

Retrato de Picasso 1912

Bodegón con persiana

Juan Gris Place Ravignan

¿Cómo

podemos definir el cubismo?

El cubismo es una titánica reflexión intelectual y visual sobre la forma; mediante un ejercicio intelectual el artista reduce las formas de la naturaleza a pura geometría, presentando simultáneamente al espectador el objeto bajo diversos puntos de vista. Pese al aspecto de algunos cuadros cubistas la forma siempre fue respetada, no cruzando nunca el umbral de lo abstracto. La simplificación de las formas iniciada por Cèzanne fue llevada hasta sus extremos. Retrato. Pablo Picasso

Literatura Apollinaire

Caligrama-1911

Arquitectura El arquitecto suizo Le Corbusier, además de arquitectura estudió grabado, en 1917 se trasladó a París y comenzó a pintar bodegones hasta que conoció al pintor cubista Amédée Ozenfant en 1918. Luego ambos redactan el manifiesto “Después del cubismo, el Pu rismo” en que proponen principios de la arquitectura como enfoque objetivo del arte.

FINAL DEL CUBISMO

1914 Se puede decir que, con la guerra de1914, el cubismo, que había tenido una vida intensa desde 1907, se desintegró como vanguardia artística, aunque su influencia fue enorme a lo largo del siglo XX. De hecho, la mayor parte de los pintores citados ejercieron un decisivo impulso en el desarrollo de la abstracción geométrica

4. EL ARTE ABSTRACTO EN PARIS ANTES DE LA GUERRA

PROFESOR DIEGO ARTUCIO

LA ABSTRACCIÓN COMO CONTINUACIÓN DEL CUBISMO. La tendencia hacia la abstracción inaugurada por el Cubismo habría de extenderse y agudizarse rápidamente en Europa como lo demuestra el surgimiento de tres movimientos más o menos contemporáneos, el Suprematismo, De Stijl y el Constructivismo, los cuales llevan a extremos no muy diferentes entre sí la reacción contra la pintura naturalista llevada a cabo por prácticamente todos los estilos modernos.

Hubo otra serie de artistas que realizaron un cubismo cercano al de Picasso o Braque, pero con toques personales, como Juan Gris y los pintores franceses Fernand Léger, Albert Gleizes y Jean Metzinger. Cuando esta estética se difundió por toda Europa aparecieron una serie de grupos o tendencias con sus propias características: el cubismo órfico, del francés Robert Delaunay, que daba una gran importancia al color y empleaba elementos compositivos inventados por el artista, el grupo de Puteaux, con el también francés Marcel Duchamp, que aportó un cubismo dinámico y muy intelectual, el neoplasticismo del holandés Piet Mondrian, el suprematismo ruso de Kazimir Maliévich, el constructivismo de su compatriota Vladimir Tatlin, y el purismo, estética racional y geométrica impulsada por los franceses Amadeé Ozenfant y Charles Édouard Jeanneret.

Georges Braque

Juan Gris

Fernand Lèger

Robert Delaunay

Wassili Kandinsky es el iniciador de la abstracción. La abstracción es un leguaje no figurativo. De la realidad se toma lo esencial y se abstrae lo secundario. La primera etapa de la abstracción (1900-1914) la representa Kandinsky. Su código es libre e intuitivo, trabaja con formas irregulares y con gran gama cromática. A Kandinsky le importa la mancha de color y la expresión. Malevich publica en 1915 Manifiesto del Suprematismo, con él, se inicia en Rusia la abstracción geométrica. Mihail Larionov y Natalia Gontcharova publican en 1909 el Manifiesto Rayonista. Con Malevich y el Suprematismo se va caminando hacia una plástica pura en las artes figurativas. El uso restringido del color y las formas simples, caracterizan el Suprematismo. Después Rodchenko siguió la misma línea.

Wassily Kandinsky (1866-1944)

Rojo pesado

Hornform

Wassily Kandinsky. Composición VII. Óleo sobre lienzo. 195 x 300 cm. Galería Estatal Tretjakov. Moscú.

Wassily Kandinsky. Upwards, 1929.

Kasimir Malevich Suprematism. 1915 Stedelijk Museum, Amsterdam

Kasimi Malevich: Suprematist Composition, White on White (1918)

ORFISMO

RAYONISMO

Desde 1911 a 1914

Desde 1912 a 1914

El término fue acuñado por Apollinaire.

Fue un movimiento ruso q sintetizó los hallazgos del cubismo, el futurismo y el orfismo en un solo lenguaje.

Define una forma cubismo más colorido, abstracto y relacionado con la música. Representantes: Robert Delaunay y Sonia Terk.

Representantes: Mijaíl Larionov y Natalia Goncharova.

Camino hacia la abstracción

Mijail LARIONOV. Retrato de Un Idiota, 1913.

Mijail LARIONOV. Rayonismo Rojo, 1913.

Fernand Léger

Figuras desnudas en un bosque

(1881 - 1955)

Soldados jugando a los naipes

Pintor francés adscrito al cubismo y al constructivismo, que destaca también por sus realizaciones de pósters o carteles comerciales y otros tipos de arte aplicado. Nació el 4 de febrero de 1881 en Argentan, Francia, estudió dos años de arquitectura en Caen, viajando después a París, donde es rechazado en la Escuela de Bellas Artes y se inscribe como alumno en el taller de León Gerôme y después en el de Gabriel Ferrier. Desde 1910 expone regularmente en el Salón de los Independientes. La mayoría de sus primeros cuadros tienen un carácter cubista, entre ellos Desnudos en el bosque (1909-1910, Museo Kröller-Müller, Otterlo). Junto con Georges Braque y Pablo Picasso, Léger representó un papel importante en la evolución y difusión del cubismo. La siguiente etapa de Léger estuvo influida por sus experiencias en la I Guerra Mundial. Comenzó su llamado periodo mecánico en el que utilizó muchos símbolos procedentes del mundo industrial. La Ciudad (1919, Museo de Arte de Filadelfia) es una de sus pinturas más notables. La obra de Léger ejerció una influencia importante en el constructivismo soviético. A su vez, destacó como realizador de vidrieras, mosaicos, así como ceramista, diseñador de escenografías teatrales o de tapicerías. Los modernos carteles comerciales y otros tipos de arte aplicado también se vieron influidos por sus diseños. En sus últimas obras llevó a cabo una separación entre el color y el dibujo de tal manera que sus figuras mantienen sus formas robóticas definidas por líneas negras. El color se reparte de forma audaz sobre las áreas del lienzo de modo que constituye una composición separada que unifica el cuadro. Una de sus últimas obras, El gran desfile (1954, Museo Guggenheim, Nueva York), es un ejemplo monumental de este estilo. Fuente: Epdlp.com

Robert Delaunay (1885 -1941)

Ventana

Robert DELAUNAY. La ciudad de P aris , 1910-12.

Fue en el año 1909 cuando Delaunay empieza a pintarla torre, dotándola de un gran dinamismo al superponer en la superficie plana del lienzo distintas vistas de un elemento que impone su actitud hierática sobre el horizonte de la ciudad. Delaunay capta perfectamente el espíritu dinámico que representa una torre ejemplo de las técnicas ingenieriles más punteras del momento. Con esta serie, el artista empieza a devolver el protagonismo al color.

DELAUNAY. La torre Eiffel,1911.

La energía llama a la intensidad y su expresión habla menos al intelecto que a nuestros nervios, a los que hace vibrar. El color y la luz no son más que su apariencia visible. La serie de las Ventanas que sucedió en 1912 acusa la obsesión que crecía en él: el espacio libre donde vibra la claridad y donde estallan los tonos. El impresionismo le había abierto el camino de este descubrimiento. Delaunay asocia entonces la luz-color al principio sicológico correspondiente, que es el lirismo, tan duramente reprimido por el cubismo y cuya renovación explica el apelativo de «cubismo órfico» hallado por Apollinaire. Es preciso que la energía tome forma; ya no será ésta la que se adapte a la estabilidad inmóvil, sino el torbellino irradiante de los círculos de 1913.

DELAUNAY. Contrastes simultáneos, 1913.

DELAUNAY. La gran portuguesa, 1916.

La alegría de vivir .DELAUNAY.

SONIA DELAUNAY 1885-1979 Nacida en Rusia. Su nombre verdadero era Sara ,pero adoptó su apodo familiar –Sonia. Sonia fue adoptada por su tío a los cinco años. Decidió estudiar Arte tempranamente. Contrajo matrimonio con el artista Robert Delaunay, tuvieron un hijo.

Su primera exposición personal tiene lugar en 1908. Sigue los caminos de la abstracción, y realiza un ciclo de lienzos y dibujos en los cuales los colores puros se vuelven planos que engendran formas para expresar el movimiento y la luz. Sonia aplicó esta misma plástica a la confecuna consumada especialista, hasta el punto de dedicarse con mayor interés al campo de la moda que al de la pintura durante sus años de casada. Especialmente cuando al comenzar la I Guerra Mundial, el matrimonio se queda a vivir en España, y Sonia aprovecha para confeccionar los trajes de los ballets de Diaghilev, e incluso para abrir una boutique en Madrid. Sus trabajos en este ámbito revolucionaron el diseño textil y de alguna forma le dieron la fama que no había alcanzado con la pintura. Desde 1913 hasta 1935, Sonia Delaunay, se dedica ción de telas y se convirtió en una consumada especialista

GEORGES BRAQUE Casas en L’Estaque (1908)

En verano de 1908, Braque viajó a L’Estaque, en el sur de Francia, donde pintó una serie de paisajes con edificios creados en el estilo cubista analítico. Aquí fue determinante la influencia de Cézanne, sobre todo en la búsqueda de una sobria simplificación de los colores y de los cuerpos geométricos. El marchante Daniel-Henri Kahnweiler, tras ver estos cuadros, hizo posible la primera exposición de una obra cubista ese año. Fue precisamente un crítico quien dio el nombre al estilo, al referirse a las pinturas de forma negativa.

Georges Braque Casas en L´Estaque, 1908 óleo sobre lienzo, 73 x 60 cm, Kunstmuseum Bern.

Georges Braque. Viaducto en L’estaque. 1908.

Georges Braque, Instrumentos musicales, 1908, óleo sobre lienzo, 50 x 61 cm, colección privada.

Georges Braque, Gillette: naturaleza muerta sobre una mesa (1914)

Construida a base de trozos de papel dibujado, pintado y pegado, es un ejemplo de collage del período “sintético” del cubismo: mezcla de objetos cotidianos para crear una imagen abstracta y estética.

JUAN GRIS, Retrato de Picasso (1912)

El nuevo y revolucionario estilo cubista fue adoptado por muchos artistas en París, entre los que se encuentra el español Juan Gris, cuyas primeras obras se expusieron en 1912. Este retrato de Picasso es menos artificial y más tradicional que sus experimentos analíticos. Gris quiso darle más calidez, y aplicó un proceso de disección menos “salvaje”, añadiendo más luz y más colores a su paleta. Los cubistas estaban aprendiendo a crear un producto que se adaptara mejor al público.

MARCEL DUCHAMP Desnudo bajando una escalera, nº 2 (1912) Había dos asuntos de importancia para Duchamp: La cuarta dimensión y el arte interpretado por la mente en lugar de por la retina. Fruto de estas nuevas ideas, en 1911 acometió la tarea de representar la actividad mental de una partida de ajedrez, esfuerzo que desembocó en Retrato de jugadores de ajedrez, a partir de la cual, empezó a interesarse por la plasmación pictórica de la idea del movimiento. Su primer intento fue Joven triste en un tren, obra notable por ser la primera vez en la que Duchamp jugó con las palabras en sus obras. Su siguiente obra continuó esta senda: Se trata de Desnudo bajando una escalera, del que pintó dos versiones. La obra sorprendió en primer lugar por su título, que pintó en el mismo lienzo. El desnudo era un tema artístico con unas reglas fijas ya establecidas, que desde luego no incluían figuras bajando por escaleras. Duchamp mostró la idea de movimiento mediante imágenes superpuestas sucesivas, similares a las de la fotografía estroboscópica de Étienne-Jules Marey, que trataba de capturar el movimiento mediante fotogramas repetidos. Tanto la sensación de movimiento como el desnudo no se encuentran en la retina del espectador, sino en su cerebro. De este modo unió elementos del cubismo y futurismo

FERNAND LÉGER La Sortie des Ballets Russes (1914) Fernand Léger pintó una serie de composiciones nítidamente delineadas con colores primarios luminosos, muy diferentes a las obras sombrías y más académicas de Picasso y Braque. Más como dibujos que como pinturas, fueron elaboradas con rapidez mediante pinceladas de un solo trazo que sustituían los planos de las pinturas cubistas anteriores. Léger introdujo una nueva estética muy rupturista que lanzó al cubismo hacia un mundo optimista, tecnológico y vanguardista. Esta es la primera obra de su “serie disco”, nombre que proviene del método de la geometría de disco con el que Léger experimentó cuando creaba las formas de los objetos y las figuras de sus pinturas. En esta serie usó una vibrante paleta a base de luminosos amarillos, rojos, azules y negros.

Expresionismo

El expresionismo surge en Alemania en la primera década del siglo XX, como oposición al positivismo materialista imperante en la época, en un intento de ofrecer una nueva visión de la sociedad basada en la filosofía nietzschena (llena de nihilismo) y la renovación del arte basada en la búsqueda subjetiva de lo esencial, atendiendo exclusivamente al sentimiento vital y sin someterse a ninguna regla. El expresionismo es un movimiento que no sólo atañe a las artes plásticas sino también a la música, el cine y las demás artes.

EXPRESIONISMO • El movimiento expresionista se originó en Alemania, asociado a dos grupos: uno en Dresde y otro en Múnich. Ambos criticaban la mentalidad burguesa, y pensaban que había que crear un “arte nuevo” para una nueva sociedad. • Se interesaron por las culturas “primitivas” africanas, y fueron influidos por la obra de Gauguin, sobre todo la que realizó en Tahití, de Van Gogh y Edvard Munch. • Buscaron inspiración en pintores renacentistas alemanes como Durero o Grünewald, estudiando el valor expresivo del blanco y el negro, que desarrollaron en grabados. • Sus obras representan el estado de ánimo del artista, distorsionando las líneas y cuestionándose el concepto de belleza. Simplifican los detalles y utilizan unos colores intensos. El resultado es un rechazo a la imitación realista de la naturaleza, abandonando la perspectiva. A partir de 1908 empezaron a diluir la pintura con gasolina y aplicarla en franjas monocromáticas largas y finas, lo que aceleraba el proceso de secado. • Ernst Ludwig Kirchner fue el primero en experimentar este estilo con el grupo “Die Brücke” (“El Puente”) en 1905, nombre tomado a partir de la idea de Nietzsche de que para la humanidad la vida no era un fin en sí mismo, sino un puente hacia un futuro mejor. Junto a él también trabajaron Erich Heckel y Emil Nolde. • En 1911 Wassily Kandinsky y Franz Marc crearon el segundo grupo expresionista: “Der Blaue Reiter” (“El Jinete Azul”), con el que el estilo alcanzó su plenitud. • Los nazis prohibieron el expresionismo en 1933 al considerarlo “arte degenerado”.

En la evolución de la pintura expresionista alemana existen tres momentos distintos. El primero se desarolla en Dresde, a raíz de la constitución en 1905 del grupo Die Brucke (El Puente), y dura hasta 1913; el segundo se desarrolla en Munich de 1910 a 1914 y está protagonizado por el grupo Der Blaue Reiter (El jinete azul), del que surgirá la primera pintura abstracta; el tercero se desarrolla en el período de entre guerras (desde comienzos de los años veinte hasta 1933, año en el que subió al poder el nazismo) y está unido al concepto de "Neue Sachlichkeit" (nueva objetividad), con un planteamiento muy distinto del expresionismo inicial desarrollado por los otros grupos citados. El expresionismo alemán se extendió a países como Holanda, Bélgica y Francia. El régimen nazi alemán definió al expresionismo como "arte degenerado", los artistas de esta tendencia fueron proscritos y muchas de sus obras destruidas.

CARACTERÍSTICAS •

La pintura es concebida como una manifestación directa, espontánea y libre de convenciones de la subjetividad del artista basada en una necesidad interior (carácter instintivo y exaltada en Die Brucke / carácter espiritual y sosegada en Der Blaue Reiter).

•

Liberación del contenido naturalista de la forma mediante la libre interpretación de la realidad (las imágenes son creadas, no copiadas), para así expresar el mundo interior, subjetivo, del artista.

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Utilización de diversos recursos en la interpretación subjetiva de la realidad: desproporción y distorsión de las formas según un impulso interior; esquematización o reducción de las formas a lo esencial atendiendo a un sentimiento vital de depuración de lo objetivo (por este camino Kandinsky llegará a la abstracción total).

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Utilización del color y el trazo para expresar simbólicamente estados de ánimo.

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Destrucción del espacio tridimensional. Aglomeración de formas y figuras.

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Ausencia de carácter decorativo.

PRECURSORES DEL EXPRESIONISMO EDVARD MUNCH (1863-1944) El noruego Edvard Munch está considerado el iniciador del expresionismo moderno. Se interesó por el psicoanálisis y proyectó en sus pinturas una sensibilidad atormentada y turbadora. Su obra “El Grito” tiene una enorme fuerza expresiva, y sólo podríamos encontrar conexiones con el estilo de Van Gogh o los simbolistas. Utiliza líneas continuas y ondulantes, que envuelven las cosas como un abrazo sofocante, del que no es posible escapar. La escena está ambientada en un puente, mientras un increíble ocaso enciende los colores, alterando los tonos naturales. Es una atmósfera dramática y angustiosa, provocada por el violento contraste de los colores. La figura del hombre que grita tapándose los oídos se reduce a una larva, a un esbozo simplificado de un cuerpo con rasgos humanos. Es una pintura tensa, que anticipa la sintética y áspera corriente del expresionismo alemán. Edvard Munch, El Grito (1893)

Edvard Munch, El grito, 1893, ceras, pastel y témpera sobre papel cartón, 83´5 x 66 cm, Munch Museet, Oslo.

Edvard Munch, Madonna, 1893-1894, óleo sobre lienzo, 90 x 68´5 cm, Munch Museet, Oslo.

El pintor belga James Ensor utilizó el tema del carnaval para expresar su pesimismo vital. Pinta con colores vivos, suaves veladuras y densos empastes que anticipan el expresionismo.

JAMES ENSOR, Esqueletos peleándose por un arenque (1891)

Van Gogh.

Principios del siglo XX

Alemania

Reacción al Impresionismo, frente al Naturalismo y el carácter Positivista

Movimiento heterogéneo

Primera Manifestación

El Expresionismo más que un estilo artístico fue un movimiento muy comprendido que se enfrento a una realidad con la cual no estaba de acuerdo. Gran número de campos

Artes Plásticas Literatura

Pintura

Música Cine y Teatro

*Expresionismo: Es una corriente artística que buscaba la expresión de los sentimientos y las emociones del autor más que la representación de la realidad objetiva.

Danza Fotografía, etc.

El término “expresionismo” fue utilizado por primera vez por el pintor francés Julien-Auguste Hervé, que utilizó la palabra “expressionisme” para designar una serie de cuadros presentados en el Salón de los Independientes de París en 1901, en contraposición al impresionismo En literatura, fue aplicado por primera vez en 1911 por el crítico Kurt Hiller. Posteriormente, el término expresionismo fue difundido por el escritor Herwarth Walden, editor de la revista Der Sturm (La tormenta), que se convirtió en el principal centro difusor del expresionismo alemán

♦ Manifestación directa, espontánea y libre ♦ Antinaturalista, libre interpretación de la realidad ♦ Colores y trazos expresan estados de ánimos ♦ Fuerza expresiva de imágenes ♦ Poco efecto de volumen ♦ Aglomeración de formas y figuras ♦ Temática de soledad y de miseria (en la mayoría) ♦ Defendía la libertad individual, la primacía de la expresión subjetiva, el irracionalismo, el apasionamiento y los temas prohibidos ♦ Carácter existencialista ♦ De anhelo metafísico y visión trágica del ser humano

Entendido como una genuina expresión del alma alemana, su carácter existencialista, su anhelo metafísico y la visión trágica del ser humano en el mundo le hicieron reflejo de una concepción existencial liberada al mundo del espíritu y a la preocupación por la vida y la muerte, concepción que se suele calificar de "nórdica" por asociarse al temperamento que tópicamente se identifica con el estereotipo de los países del norte de Europa. Fiel reflejo de las circunstancias históricas en que se desarrolló, el expresionismo reveló el lado pesimista de la vida, la angustia existencial del individuo, que en la sociedad moderna, industrializada, se ve alienado, aislado. Así, mediante la distorsión de la realidad pretendían impactar al espectador, llegar a su lado más emotivo e interior.

Arte expresionista El artista trata de representar la experiencia emocional en su forma más completa, sin preocuparse de la realidad externa sino de su naturaleza interna y de las emociones que despierta en el observador. Para lograrlo, los temas se exageran y se distorsionan con el fin de intensificar la comunicación del artista. El término “expresionismo” no se aplicó a la pintura hasta 1911, sus características se encuentran en el arte de casi todos los países y periodos. Los artistas de la Europa medieval exageraban sus figuras en las catedrales románticas y góticas para intensificar la expresividad espiritual. La intensidad expresiva creada mediante la distorsión aparece también en el siglo XVI en las obras de los artistas manieristas. Los auténticos precursores del expresionismo vanguardista aparecieron a finales del siglo XIX, en especial el pintor holandés Vicent Van Gogh, el francés Paul Gauguin y el noruego Eduard Munch, que utilizaron colores violentos y exageraron las líneas para conseguir una expresión más intensa

Literatura, cine y música Los objetivos del expresionismo en el campo de la literatura responden a las mismas características que las artes plásticas. Los personajes y la escenas se distorsionan intencionalmente para producir un fuerte impacto emocional. Se desarrolló en tres fases principales: de 1910 a 1914, de 1914 a 1918 –coincidiendo con la guerra– y de 1918 a 1925. Aparecen como temas destacados: la guerra, la urbe, el miedo, la locura, el amor, el delirio, la naturaleza, la pérdida de la identidad individual, etc. Los escritores expresionistas criticaron la sociedad burguesa de su época, el militarismo del gobierno del káiser, la alienación del individuo en la era industrial y la represión familiar, moral y religiosa, por lo que se sentían vacíos, solos, hastiados, en una profunda crisis existencial. El escritor presenta la realidad desde su punto de vista interior, expresando sentimientos y emociones más que impresiones sensitivas. Ya no se imita la realidad, no se analizan causas ni hechos, sino que el autor busca la esencia de las cosas, mostrando su particular visión. Así, no les importa deformar la realidad mostrando su aspecto más terrible y descarnado, adentrándose en temáticas hasta entonces prohibidas, como la sexualidad, la enfermedad y la muerte, o enfatizando aspectos como lo siniestro, lo macabro, lo grotesco. Formalmente, recurren a un tono épico, exaltado, patético, renunciando a la gramática y a las relaciones sintácticas lógicas, con un lenguaje preciso, crudo, concentrado. Buscan la significación interna del mundo, abstrayéndolo en una especie de romanticismo trágico que va desde el misticismo socializante de Werfel hasta el absurdo existencial de Kafka. El mundo visible es una prisión que impide alcanzar la esencia de las cosas; hay que superar las barreras del tiempo y del espacio, en busca de la realidad más “expresiva”.

La música expresionista alcanzó su apogeo en el periodo de entreguerras, buscó la expresión de las ansiedades, los terrores ocultos y el cinismo de la sociedad contemporánea. Para ello empleo composiciones cuidadosamente estructuradas y emocionalmente intensas, deformando las técnicas convencionales y reemplazando las armonías tradicionales por otras más complejas y disonantes. La música es a menudo atonal o producto de la distorsión, la polifonía (simultaneidad de líneas melódicas) es con frecuencia densa, y la melodía, prácticamente irreconocible Algunos interpretes son: Richard Wagner, Gustav Mahler y Arnold Schönberg La influencia de este movimiento expresionista llegó hasta el cine, como se aprecia en El Gabinete del doctor Caligari (1919) y en Nosferatu (1922), una sombría adaptación de la novela Drácula de Bram Stoker. El cine alemán adoptó muchos de los principios de este movimiento pictórico y literario. Esto se manifestó en el empleo expresionista de los decorados, las luces y la interpretación, así como en la recurrencia a historias fantásticas de locos, vampiros, asesinos, etc. Directores como Robert Wiene (El gabinete del doctor Caligari), Fritz Lang (M, el vampiro de Düsseldorf) o Friedrich W. Murnau (Nosferatu, el vampiro) son ejemplos de cineastas influidos por el expresionismo.

Manifestación del expresionismo en la literatura Los principales precursores de la literatura expresionista fueron:

Bertold Brecht (Alemania 1898–1956) Obras: Sus primeras obras muestran la influencia del expresionismo, el principal movimiento dramático de la época. En 1928, escribió un drama musical, “ La opera de los dos centavos” conocida en algunos países como tres peniques.

August Strindberg ( Suecia 1849 -1912 ) En 1897 escribe “Infierno” en el cual el autor describe el periodo de tiempo en que estuvo mentalmente incapacitado. Su trabajo a partir de este momento fue menos realista, influido por sus creencias religiosas y por movimientos literarios como el simbolismo y el expresionismo. Así su obra teatral “Brottochbrott” (1899) trata del conflicto entre ética y estética. Mas característico del expresionismo son sus dos trabajos de carácter simbólico: “El sueño” (1901) y “Espectros” (1908).

Franz Kafka (Praga, Chequia 1883-1924) Obras: El expresionismo también se puede encontrar en otras formas de arte, las novelas de Franz Kafka se describen generalmente como expresionistas. En 1913 escribe “La condena”, en 1915 escribe “La metamorfosis” La Primera Guerra Mundial supuso una fuerte conmoción para la literatura expresionista: mientras algunos autores consideraron la guerra como una fuerza arrasadora y renovadora que acabaría con la sociedad burguesa, para otros el conflicto cobró tintes negativos, plasmando en su obra los horrores de la guerra. En la posguerra, y en paralelo al movimiento de la Nueva Objetividad, la literatura adquirió mayor compromiso social y de denuncia de la sociedad burguesa y militarista que llevó a Alemania al desastre de la guerra

La Metamorfosis Franz Kafka

Cuando Gregorio Samsa se despertó una mañana después de un sueño intranquilo, se encontró sobre su cama convertido en un monstruoso insecto. Estaba tumbado sobre su espalda dura, y en forma de caparazón y, al levantar un poco la cabeza veía un vientre abombado, parduzco, dividido por partes duras en forma de arco, sobre cuya protuberancia apenas podía mantenerse el cobertor, a punto ya de resbalar al suelo. Sus muchas patas, ridículamente pequeñas en comparación con el resto de su tamaño, le vibraban desamparadas ante los ojos. «¿Qué me ha ocurrido?», pensó. No era un sueño. Su habitación, una auténtica habitación humana, si bien algo pequeña, permanecía tranquila entre las cuatro paredes harto conocidas. Por encima de la mesa, sobre la que se encontraba extendido un muestrario de paños desempaquetados -Samsa era viajante de comercio-, estaba colgado aquel cuadro que hacía poco había recortado de una revista y había colocado en un bonito marco dorado. Representaba a una dama ataviada con un sombrero y una boa de piel, que estaba allí, sentada muy erguida y levantaba hacia el observador un pesado manguito de piel, en el cual había desaparecido su antebrazo. La mirada de Gregorio se dirigió después hacia la ventana, y el tiempo lluvioso -se oían caer gotas de lluvia sobre la chapa del alféizar de la ventana- lo ponía muy melancólico. «¿Qué pasaría -pensó- si durmiese un poco más y olvidase todas las chifladuras?» Pero esto era algo absolutamente imposible, porque estaba acostumbrado a dormir del lado derecho, pero en su estado actual no podía ponerse de ese lado. Aunque se lanzase con mucha fuerza hacia el lado derecho, una y otra vez se volvía a balancear sobre la espalda. Lo intentó cien veces, cerraba los ojos para no tener que ver las patas que pataleaban, y sólo cejaba en su empeño cuando comenzaba a notar en el costado un dolor leve y sordo que antes nunca había sentido.

ANALISIS La Metamorfosis, de Franz Kafka, es una crítica dirigida a la burocracia, al judaísmo, al egoísmo que impregna a toda la humanidad, a la actitud de la gente ante la enfermedad. La transformación del protagonista muestra como la enfermedad afecta a una familia de clase media, pero representa, también, como se sentía él ante su padre. Es un relato que planea entre el expresionismo y el surrealismo.

Poesía de ritmo libre y de estrofas polimétrica Lenguaje Expresionista

Conciso, penetrante, desnudo, tono patético y desolado Sin reglas lingüísticas ni sintácticas Fuerza rítmica del lenguaje através de la deformación lingüística y verbos, adjetivos y la introducción de neologismo Mantiene la métrica y la rima tradicionales

Rainer Marie Rilke

Poetas expresionista: Franz Werfel, Georg Trakl, Gottfried Benn, Georg Heym, Johannes R. Becher, Else Lasker-Schüler, Ernst Stadler y August Stramm.

August Stramm (Münster, 1874- 1915) Fue un escritor, poeta y dramaturgo alemán. Sirvió en el ejército alemán y fue muerto en acción durante la Primera Guerra Mundial. Las imágenes enrarecidas de sus poemas han hecho de él un precursor del expresionismo. Trabajó en el Ministerio de Correos. En 1912-1913 escribió dos obras de teatro, Sancta Susanna (que posteriormente fue utilizado como libreto de una ópera de Paul Hindemith) y Die Haidebraut, la primera de las muchas obras que aparecieron antes de la guerra.

Recoge sus poemas escritos durante la guerra. Patrulla Las piedras, enemigas La ventana sonríe traición Las ramas estrangulan Las hojas de montañas de arbustos se sacuden con un susurro Retumbar Muerte.

ANALISIS Se centra específicamente en la guerra, reflejar el tipo de experiencia específica de la contienda bélica (enfrentamientos y guerras), en donde se aferra a modos y formas de la primera guerra mundial, cuando los hombres entraron al campo de batalla, la mayoría se encontraba con la muerte y algunos lograban evadirla.

MARCHA VESPERTINA Por la noche acariciante callan allá nuestros pasos las manos temen pálidas el terror convulso afilada la luz se clava en nuestras cabezas a la sombra ¡a la sombra en nosotros! Fulge en lo alto la estrella cuelga el álamo hacia arriba y alza consigo la tierra la tierra dormida abraza el cielo desnudo Tú miras y te estremeces tus labios vahean el cielo besa y ¡el beso nos da nacimiento!

Gottfried Benn (Brandeburgo, 1886-1956) Fue el poeta alemán más importante de la primera mitad del siglo XX. También fue unos de los escritores de mayor influencia. A partir de 1920 Benn alternará la escritura lírica con la especulativo-reflexiva a través de ensayos teóricos sobre el ejercicio lírico y la relación del escritor con el poder El pesimismo le daría influencias decisivas, que llevarían a apoyar al nuevo régimen nazi. Sin embargo, la estrecha visión de los guardianes del nuevo Estado lo llevó a verse cada vez más restringido en su actividad literaria, y a recibir constantes ataques de los voceros del régimen En 1937 fue expulsado de la Reichss chrifttumskammer (Cámara Nacional de Escritores). En 1938 recibió la prohibición de escribir (Schreibverbot). En 1939 aparecería su último libro bajo el régimen nazi, una recopilación de su obra en prosa, el cual sería acremente censurado y atacado. La actividad literaria dejaría de ser pública, y en un aislamiento total escribiría algunos de sus mejores poemas, en la que es considerada la más fructífera etapa de su trayectoria creativa. El fin de la guerra no haría que el pesimismo de Benn disminuyese y pesando sobre él además la prohibición del gobierno aliado en Berlín, todo parecía condenarlo al más atroz olvido. Pero muy pronto Benn se convertiría en el estandarte de su generación, o al menos de aquellos pocos que sobrevivieron a las dos guerras, y su fama en Alemania traspasaría el estrecho círculo vanguardista en que se había mantenido hasta antes de la conflagración. En 1948 publicaría, fuera de Alemania, en la editorial suiza Die Arche su primer libro original en más de una década, Statische Gedichte (Poemas estáticos). A partir de entonces, Benn fue reconocido como el poeta vivo más importante en lengua alemana, y el renovador de la poesía lírica de posguerra.

CIRCULACIÓN La solitaria muela de una puta una muerta sin nombre llevaba una corona de oro. Las demás se habían desprendido como por un secreto acuerdo. Ésta la extrajo el sepulturero para sí. Porque, decía, sólo la tierra debe volver a la tierra

HERMOSA JUVENTUD

La boca de una niña que había estado mucho tiempo entre los juncos parecía tan carcomida. Cuando le quebraron el pecho, el esófago estaba tan agujereado. Por fin, en una pérgola bajo el diafragma hallaron un nido de pequeñas ratas. Una hermanita yacía muerta. Las otras se alimentaban del hígado y del riñon, bebían la sangre fría y pasaron aquí una hermosa juventud. Y hermosa y rápida las sorprendió la muerte: a todas las lanzaron al agua. ¡Ay, cómo chillaban los pequeños hocicos!

Ernst Ludwing Kirchner (Aschaffenburg, 1880-1938) Kirchner fue el líder el grupo expresionista alemán El Puente (Die Brücke) El espíritu sensible de Kirchner reacción al contacto con el ambiente de la ciudad y la línea redondeada, procedente de su aprendizaje dentro del Art Nouveau, se convierte en un rayado nervioso, de ángulos agudos y los colores empiezan a superponerse. Hombres, calles y edificios se integran en un todo único, en un todo urbano irreal, en el que predomina un tono amenazador, cayendo de lleno en lo inhumano. También cambió el modelo de la figura humana, que si en su primera época eran suaves y redondeados, luego se convertirán en desnudos tectónicos y alargados Kirchner siguió viviendo en Dresde hasta 1911. Después se marchó a Berlín, donde supo reflejar la agitación y el movimiento de una gran ciudad moderna. En 1914 con el estallido de la Primera Guerra Mundial, fue movilizado, pero sufre una grave crisis nerviosa. A su vuelta de la guerra en 1915, su situación mental no mejoró y su salud se resintió más tras sufrir un atropello. Optó por la tranquilidad de Davos (Suiza), donde siguió pintando, en su mayor parte, paisajes más tranquilos, menos estimados por la crítica actual. En 1937, en plena ascensión del nazismo, su arte se calificó de arte degenerado y se destruyeron muchos de sus trabajos. Su precaria situación emocional empeoró a raíz de ello y se suicidó en Frauenkirch, cerca de Davos, en 1938

1904-1910 Corriente pictórica

Uso de colores intensamente vivos

Influenciada por Gauguin Emplea

Zonas de colores no naturales

Cromatismo

Art Nouveau y Los arabescos

Se caracterizo por recrear sensaciones Imagen

Estructuras poliédricas

Varios puntos de vistas

Influenciada por Cezanne Pablo Ruiz Picasso 1907-1914

Elimina colores típicos del fauvismo cubismo analítico cubismo sintético

Figura humana y el paisaje Objetos reconocibles a la pintura

1916-1922 Anti-arte

Encontra del arte

Marcel Duchamp

“rueda de bicicleta sobre taburete de cocina” Ready-make

1924 Estado puro Salvador Dalí

Sin trabas de la razón o la sociedad Paranoico-critico

“Retrato de Mae West”

obsesiones

Utiliza símbolos derivados de la psicología para mostrar su realidad

Segunda Guerra Mundial

Nueva York

Capital del arte

Action painting PINTORES

Paul Klee y Piet Mondrian

El color y la composición se convirtieron en los protagonistas, con el fin de crear sensaciones

Estilo

Objetos posiciones Colores muy brillantes

1909-1910

Destruir la obsesión con lo antiguo Umberto Boccioni

Representa movimiento

♦Die Brücke o “El puente” ha sido uno de los grupos pictóricos más consolidados de las vanguardias y uno de los representantes más llamativos del conocido movimiento Expresionista. ♦ El nombre fue ideado por Schmidt-Rottluff, simbolizando a través de un puente su pretensión de sentar las bases de un arte de futuro. ♦ Los artistas de Die Brücke estaban influidos por el movimiento Arts & Crafts, así como por el Jugendstil y los Nabis, y artistas como Van Gogh, Gauguin y Munch. También se inspiraron en el gótico alemán y el arte africano, sobre todo tras los estudios realizados por Kirchner de las xilografías de Durero y del arte africano del Museo Etnológico de Dresde ♦ Se realizaban reuniones semanales (en el taller de Kirchner), en donde se dibujaba y discutía sobre temas estéticos, sociales... ♦ Se estableció el objetivo común de conseguir una comunidad de artistas las obras que se exhibieran, debían estar aprobadas por todo el grupo se tenía que exponer en grupo (de hecho, Max Hermann Pechstein fue expulsado por exponer en solitario).

♦El puente se creó en 1905 en Dresde, por cuatro alumnos de arquitectura que encontraron una pasión común: Pintar. ♦Todos dejaron a un lado sus estudios y crearon una comunidad de artistas a la que pronto se unieron más integrantes.

Ernst Ludwig Kirchner , Erich Heckel, Karl Schmidt-Rottluff, Fritz Bleyl, Max Pechstein, Otto Müller Emil Nolde

La Primera Guerra Mundial destruye el grupo, pero el Expresionismo no se extingue, al contrario, los desastres y la crueldad de la guerra incita a otros artistas a traducir el dolor provocado

♦ El grupo El jinete azul o Der Blaue Reiter fue formado en Munich en 1911. Recibió una importante aportación internacional, sobre todo del cubismo y el futurismo.

♦ A diferencia de la ruda forma de pintar de los artistas de Die Brücke, el arte de Der Blaue Reiter es más exquisito, subjetivo y espiritual. Aunque la formulación artística de ambos grupos era muy diferente, los unía la convicción de mirar más allá de lo superficial

♦ El arte ya no debía "reproducir lo visible, sino hacer visible" tal y como lo expresó Paul Klee

♦ A los artistas de El Jinete Azul les importaba más el cómo de la representación que el qué. ♦ Concedían a sus cuadros ritmo y melodía mediante los tensos contrastes entre las líneas fuertes y suaves, formas abiertas y cerradas y colores metálicos y aterciopelados

Franz Marc Vasily Kandinsky Paul Klee Alexei Yavlensky Marianne Werefkin August Macke Gabriele Münter

EXPRESIONISMO FRANCÉS

GEORGES ROUAULT, Jeu de Massaccre (1905)

Influenciado por el fauvismo, Rouault dedicó su obra a la crítica social y moral. Su estilo es espontáneo e instintivo, con bruscos contrastes. Sus caracterizaciones grotescas remarcadas en exceso inspiraron a los pintores expresionistas.

EXPRESIONISMO AUSTRIACO

OSKAR KOKOSCHKA, La novia del viento (1914)

Oskar Kokoschka desarrolló una pintura con gruesos empastes rugosos y sinuosos, con texturas y contrastes luminosos e inquietantes Su estilo, expresado sobre todo en el retrato, produce personajes que, por debajo de su aspecto externo, muestran un mundo interior desgarrado (en realidad el mundo angustiado del pintor) que conecta con el psicoanálisis de Freud.

EGON SCHIELE, La Muerte y la Muchacha (1915)

La pintura de Schiele es la antítesis de la figuración cromática y la elegancia estética de la Secesión vienesa. Influido por Kokoschka, su obra tiene un dibujo tenso e incisivo. El amor y la muerte están presentes en toda su producción. En 1915 se casó con Edith Harms, antes de ser enrolado en el ejército. Ambos murieron en 1918, con pocos días de diferencia, durante la epidemia de gripe española.

Oskar Kokoschka. La Tempestad (1914). Óleo sobre lienzo. 181 x 220 cm. Öffentliche Kunstsammlung. Basilea

Emile Nolde. La última Cena (1909)

“DIE BRÜCKE” (EL PUENTE) El expresionismo nacido en Alemania mostró el estado de frustración y angustia del hombre moderno. El grupo “Die Brücke”, fundado por Ernst Ludwig Kirchner en Dresde, en 1905, decidió romper con el academicismo burgués, y deformar las figuras hasta alcanzar efectos caricaturescos, con líneas angulosas y atormentadas, y colores duros, que trataban de expresar las emociones del pintor. “Dos Mujeres en la Calle” (1914) forma parte de una serie de cuadros en los que Kirchner quiso reflejar la tensión de la vida en la gran ciudad. Aquí se centra en dos mujeres vestidas con pieles y sombreros de plumas, exhibiendo un aire de independencia y gélida sensualidad. La triangulación de la composición aporta movimiento a la escena. Las caras tipo máscara demuestran la influencia del arte primitivo. No hay horizonte y la perspectiva está muy limitada, por lo que el espectador se ve obligado a centrarse en los collares en forma de uve y las cabezas con sus exagerados tocados. Usa colores llamativos y poco naturalistas, con pinceladas breves y agresivas. Pone énfasis en los labios y las manos, lo que acentúa su carga sexual, y nos hace difícil distinguir si son mujeres de clase media o prostitutas de la ciudad.

ERNST LUDWIG KIRCHNER, Dos Mujeres en la calle, 1914

En este paisaje ERICH HECKEL de Erich Primavera en Flandes, 1916 Heckel se reconoce la influencia de Van Gogh, al que los expresionistas señalaban como su precursor fundamental.

El Expresionismo Alemán

“DER BLAUE REITER” (EL JINETE AZUL) El grupo El Jinete Azul, reunido en torno a la revista del mismo nombre, fue fundado por Kandinsky, junto con Franz Marc y August Macke, en 1911. Influenciados por el fauvismo, redujeron los detalles descriptivos a su mínima expresión, centrándose en la composición, la forma y el color. Kandinsky publicó De lo Espiritual en el Arte en 1912, donde critica a las instituciones académicas tradicionalistas y la idea de arte en general. Es el primer libro que describe la teoría del movimiento abstracto, y habla de una nueva época de gran espiritualidad y de la contribución de la pintura a ella: El arte nuevo debe basarse en un lenguaje de color y Kandinsky da las pautas sobre las propiedades emocionales de cada tono y de cada color. A diferencia de teorías sobre el color más antiguas, él no se interesa por el espectro sino sólo en la respuesta del alma. Ante la inminencia de la Primera Guerra Mundial, en la que Marc y Macke perdieron la vida, buscaban una vía de escape a la angustia vital de su tiempo: la naturaleza, el paisaje y los animales fueron su tema principal.

Portada del Anuario “El Jinete Azul” 1913

La muerte de Franz Marc en Verdún, y el regreso de Kandinsky a Rusia, marcaron el final del grupo en 1916.

Las manchas de color fuertemente contrastadas son un paso previo hacia la abstracción.

“DER BLAUE REITER” (EL JINETE AZUL)

Vassili Kandinsky, El Ferrocarril cerca de Murnau (1909)

Un cuadro de Ernst Ludwig Kirchner ( 1880-1938 ), " Autorretrato como soldado " 1915 ( Selbstbildnis als soldat ).

El Autorretrato como soldado es la expresion de su sufrimiento psiquico y fisico, y de su incapacidad de seguir trabajandocomo artista en esas circunstancias (... ) El retrato muestra a Kirchner de uniforme de su regimiento de artilleria. Da la espalda al desnudo del fondo- que muestra uno de sus tipicos motivos ( de prostitutas desnudas )- y queda frente al observador, quien a pesar de ello no puede establecer contacto visual con el: sus ojos estan vacios, huecos, muertos. Para simbolizar la creatividad apagada, el artista mantiene levantado el muñon sangrante de su brazo, mientras que su mano izquierda se sostiene en el respaldo de una silla como buscando apoyo. Toda la obra esta determinada por un rojo brillante, cuya agresiva expresion se incrementa por el contraste con el uniforme oscuro " ( recogido de "Expresionismo", de Dietmar Elger)

Significado psicológico-espiritual del color, conectado con la música

Pinceladas diagonales. Influencia del fauvismo

División: Derecha: mundo espiritual Izquierda: mundo material

V. Kandinsky, Improvisación III (1909)

Paisaje imaginario, donde la expresividad del color deja el tema en un nivel secundario

V. Kandinsky, Cuadro con mancha roja (1914)

Kandinsty entró de lleno en la abstracción una vez disuelto el grupo “El Jinete Azul”. Sostenía que la forma puede existir en sí misma, mientras que para el color deben fijarse límites. Forma y color se complementan: “El valor de un determinado color es subrayado por una determinada forma y atenuado por otra. Las cualidades de los colores “agudos” resuenan mejor en una forma puntiaguda (el amarillo por ejemplo, en un triángulo) y los colores que pueden definirse como profundos se refuerzan, y su acción se intensifica con formas redondeadas. El azul, por ejemplo, es un círculo”. La relación con la música jugó un papel decisivo en el inicio de la abstracción en Kandinsky: el músico aprende a combinar sonidos, no representar algo. Su experiencia es una guía que el pintor debe seguir con los colores, las líneas y las figuras.

Azul: masculinidad, intelecto. Amarillo: feminidad, alegría. Rojo: mundo material, dominación

Equilibrio entre elementos figurativos y abstractos. Entre la vida y la destrucción

Franz Marc, El Destino de los Animales (1913)

Alegoría de la destrucción del mundo. Premonición de la 1ª Guerra Mundial.

El Expresionismo Alemán: La Nueva Objetividad

NEUE SACHLICHKEIT

(NUEVA OBJETIVIDAD) 1918-1933 El término Neue Sachlichkeit (“Nueva Objetividad”) representa el deseo de muchos artistas alemanes de mostrar la realidad de forma directa, en forma de denuncia social. Con la imagen aún cercana del desastre humano de la guerra, fueron despiadados al pintar pobres inválidos, repatriados y mutilados en las calles, en un ambiente de negociantes de mercado negro, prostitutas, gordos industriales enriquecidos y corruptos burócratas estatales. Pintores como Otto Dix, Georg Grosz o Max Beckman abandonaron las experimentaciones del expresionismo anterior a la guerra, y, aunque todos ellos mantuvieron muchos de sus resultados técnicos, fijaron sus modelos estéticos en autores renacentistas centroeuropeos como Durero o Grünewald. Grosz y Dix sobre todo, hicieron críticas viscerales en las que yuxtaponían los extremos sociales en un mismo marco. Obras como Los Pilares de la Sociedad (1926) de Grosz, o Tríptico de la ciudad (1928) de Dix, son un espejo de la sociedad de su época. Su principal motivación era mostrar su descontento con los extremos de la división social, y su desprecio por las profundidades a las que el ser humano podía caer. GEORG GROSZ, Jornada gris (1921)

Movimiento pictórico alemán de los primeros años de la década de 1920 que forma parte del realismo social satírico. A raíz de una exposición celebrada en 1925 con el título "Nueva Objetividad, pintura alemana desde el Expresionismo", el director de la Kunsthalle de Mannheim, G. F. Hartlaub, otorga este nombre al grupo. Las dos figuras sobresalientes del movimiento son Otto Dix y George Grosz, artistas que quieren provocar al público por medio de una figuración distante, fría y con imágenes chocantes. Para ello aprovechan los logros del fotomontaje dadaísta, utilizan algunos recursos del futurismo, como la combinación simultánea de varias visiones, y toman del cubismo la fragmentación de las formas. La preocupación por el mensaje que quieren transmitir prima sobre la forma. Otros artistas menores del movimiento fueron Heinrich Davringhausen, Georg Scholz y Alexander Kanoldt. La nueva objetividad se disipa en los años treinta

OTTO DIX

OTTO DIX, Tríptico de la ciudad / Metrópolis (1928)

Un ex soldado mendigo sin piernas observa furioso cómo una procesión de prostitutas desfila ante sus ojos.

Una banda de jazz americana toca ante la privilegiada y sofisticada clientela de un club nocturno de Berlín.

Otto Dix pintó esta obra con témpera (pigmento mezclado con yema de huevo), que después recubrió con capas de esmalte de almáciga semitransparente, para crear una textura reluciente y colores translúcidos, con una atmósfera inquietante y burlesca.

Dix es muy detallista en las texturas de las telas de los vestidos de las mujeres, o del abanico de plumas rosas, usado a modo de nimbo para la cabeza del travesti.

El tríptico presenta un aire teatral con una escenografía extravagante. Los contrastes aumentan la sensación de irrealidad: Metrópolis es a la vez una declaración política y un símbolo de la exclusiva búsqueda del placer por el placer.

Destacan los modernos zapatos de una prostituta que desfila por las calles de moda de Berlín. Estos zapatos son los mismos que lleva la mujer que baila en el panel central y desentonan con los muñones del lisiado de guerra.

GEORG GROSZ, Los pilares de la sociedad (1926) Los Pilares de la sociedad es una de las obras más persuasivas y políticas de Grosz. Inicialmente se había centrado en los especuladores de guerra y sus aliados políticos, y en los lisiados en combate. Aquí los “pilares de la sociedad” son los creadores de opinión alemanes, engañosos y corruptos, que condujeron el país hacia la guerra. Detrás de los “pilares” (un sacerdote con amplia y empalagosa sonrisa dando la bendición al desastre; un líder político socialdemócrata con cara de borracho y una mierda por cerebro; un ultranacionalista con monóculo, una esvástica en la corbata, un sable en una mano y una jarra de cerveza en la otra; y un periodista con una pluma ensangrentada, unos periódicos y un bolígrafo en la mano, y un orinal en la cabeza) hay un edificio en llamas, con unos trabajadores cargados de palas marchando hacia la izquierda política y con unos soldados nazis marchando hacia la derecha política. Grosz solía hacer esbozos rápidos de caras y gestos, que luego usaba para sus retratos satíricos. En la época en que fue producida esta pintura, Grosz había logrado un estilo gráfico que sobrepasaba la mera caricatura para convertirse en retrato satírico en la tradición de Hogarth y Goya.

EXPLOSIÓN 1914

Metrópolis

FUTURISMO • Fue el movimiento artístico más importante del arte italiano del siglo XX. Su fundador fue Umberto Boccioni (1882-1916) en colaboración con el escritor Filippo Marinetti. • Se caracteriza por un rechazo total del pasado, y atracción por todo lo que era movimiento, acción y dinamismo: - Boccioni buscaba una “visión simultánea” de las figuras y de los objetos. - Colores vivos y estridentes. - Pinceladas agitadas y expresivas. - Intención simbólica y demostrativa. - Temas basados en las nuevas tecnologías, el deporte y el progreso. • Junto a Boccioni, destacan los pintores Giacomo Balla, Gino Severini, Carlo Carrá y Fortunato Depero, que mantuvieron la idea utópica de una “reconstrucción futurista del universo”, con la tecnología como elemento fundamental del progreso de la humanidad. • El contexto histórico en el que se desarrolló el futurismo coincide con el crecimiento urbano e industrial de las grandes ciudades del norte de Italia, como Milán o Turín. Los primeros experimentos en cinematografía les animaron a descomponer dinámicamente las composiciones como si fueran secuencias de fotogramas.

UMBERTO BOCCIONI Visiones simultáneas (1911) Esta pintura resume las características del futurismo: •Atención por la ciudad. •Descomposición dinámica de los objetos. •Relación entre arquitecturas y figuras. La “simultaneidad” de la visión consiste en la presencia simultánea de objetos, figuras y fondos, todos puestos en movimiento con un sentido rotatorio de molino. El “Manifiesto Técnico de la Pintura Futurista” (1910)exponía el interés por captar el movimiento y la velocidad, introduciendo líneas de fuerza (rayas paralelas y entrecruzadas) que sugirieran la sensación de dinamismo.

UMBERTO BOCCIONI, Dinamismo de un ciclista (1913)

Relación con secuencias de fotogramas cinematográficos

CARLO CARRÁ, El Jinete Rojo (1913)

FUTURISMO RUSO: EL RAYONISMO

El ciclista (1913) NATALIA GONCHAROVA

NATALIA GONCHAROVA Rayonismo, bosque verde y azul (1913) En Rusia, el futurismo tuvo un gran impacto. Mijail Larionov y su esposa Natalia Goncharova lo combinaron con las formas cubistas y los colores del orfismo para crear el rayonismo. Entre 1911 y 1920 los dos trabajaron en un método para aplicar líneas diagonales cruzadas para representar los “rayos”, que creían que se producían cuando la luz se reflejaba sobre la superficie de un objeto o entre dos objetos. Usaban frecuentemente la espátula, y los resultados rozaban la abstracción total, como en el caso de esta obra. Al igual que los futuristas italianos, Goncharova sugería el movimiento a través de la repetición rítmica de formas y líneas (El ciclista,1913).

MIJAIL LARIONOV, Paisaje rayonista (1912)

Arte Abstracto

LOS INICIOS DE LA ABSTRACCIÓN • La tendencia hacia la abstracción es una constante en todos los movimientos vanguardistas, debido a su idea de representar la realidad, no basada en la experiencia visual, sino en un proceso de análisis científico y psicológico, que conduce a su descomposición. • El abandono de la pintura figurativa supone la idea de que la materia-textura, la forma y el color son valores estéticos en si mismos, por lo que los temas abstractos dejan de ser meramente decorativos, sin pretender reproducir la naturaleza. • El contexto de progreso científico-tecnológico, con los cambios producidos en la vida urbana y el trasfondo de la Primera Guerra Mundial y la Revolución Rusa, son determinantes en su desarrollo. • El paso definitivo hacia la representación abstracta fue realizado por los siguientes movimientos: - LAS VANGUARDIAS RUSAS: SUPREMATISMO Y CONSTRUCTIVISMO, con artistas como Malevich, Popova, Tatlin y Rodchenko. - LA BAUHAUS, escuela fundada en Weimar (Alemania) por Walter Gropius en 1919, en la que participaron Kandinsky y Paul Klee. - EL GRUPO “DE STIJL”, formado en Holanda en 1917, con Theo van Doesburg y Piet Mondrian.

Wassili Kandinsky es el iniciador de la abstracción. La abstracción es un leguaje no figurativo. De la realidad se toma lo esencial y se abstrae lo secundario. La primera etapa de la abstracción (1900-1914) la representa Kandinsky. Su código es libre e intuitivo, trabaja con formas irregulares y con gran gama cromática. A Kandinsky le importa la mancha de color y la expresión. Malevich publica en 1915 Manifiesto del Suprematismo, con él, se inicia en Rusia la abstracción geométrica. Mihail Larionov y Natalia Gontcharova publican en 1909 el Manifiesto Rayonista. Con Malevich y el Suprematismo se va caminando hacia una plástica pura en las artes figurativas. El uso restringido del color y las formas simples, caracterizan el Suprematismo. Después Rodchenko siguió la misma línea.

Wassily Kandinsky. Composición VII. Óleo sobre lienzo. 195 x 300 cm. Galería Estatal Tretjakov. Moscú.

Wassily Kandinsky. Upwards, 1929.

VLADIMIR TATLIN Monumento a la Tercera Internacional (1920)

PRINCIPIOS DEL SUPREMATISMO Y CONSTRUCTIVISMO Los bolcheviques llegaron al poder en Rusia en 1917 con la intención de cambiar para siempre la sociedad. Muchos artistas simpatizantes aprovecharon este tiempo para adaptar las tendencias culturales producidas en Francia o Alemania a ese cambio. Vieron la posibilidad de escapar del dominio de las fuerzas del mercado y darle al arte un papel social más concreto. Malevich estuvo influido por el futurismo antes de desarrollar un nuevo estilo abstracto que llamó “Suprematismo”: formas geométricas monocromáticas, dibujadas flotando sobre un fondo blanco. Artistas como Popova o Lissitzky siguieron este estilo y crearon carteles de propaganda revolucionarios, como “Golpead a los blancos con la cuña roja”, en el que Lissitzky combinó las formas suprematistas con una tipografía de influencia dadaísta, para transmitir su mensaje político. Pintura y arquitectura encontraron un lugar común al visitar Tatlin el estudio de Picasso en París en 1914: los planos cubistas podrían transformarse en “materiales reales en un espacio real”. Así realizó su maqueta “Monumento a la Tercera Internacional”. La pintura se expresaba en modelos arquitectónicos. Esta fue la base del Constructivismo.

SUPREMATISMO Y CONSTRUCTIVISMO

EL LISSITZKY Golpead a los blancos con la cuña roja (1919)

KASIMIR MALEVICH, Vuelo de avión (1915)

MALEVICH Y EL SUPREMATISMO El suprematismo niega cualquier referencia a la presencia física de los objetos del mundo material. Este un nuevo lenguaje pictórico se expuso por primera vez en la Exposición Futurista de San Petersburgo de 1915, en la que estaba este “Vuelo de Avión”: rectángulos y líneas en rojo, amarillo, negro y azul, dispuestos sobre un fondo blanco, como suspendidos en un espacio vacío. Malevich definió sus composiciones: “Mi nueva pintura no pertenece solamente a la tierra. La tierra ha sido abandonada como una casa, ha sido diezmada”. Era un desafío a la gravedad. El tema del vuelo era una referencia a su concepto de la abstracción, como un viaje en un avión que despega. De hecho, las geometrías flotando en el espacio eran la expresión de las posibilidades de una máquina dirigida por el hombre. Las formas no se disponen al azar sino que son ordenadas de acuerdo a su volumen y color, creando una sensación de movimiento que el espectador genera inconscientemente.

Kasimir Malevich Suprematism. 1915 Stedelijk Museum, Amsterdam

MALEVICH Cuadro Negro (1915) Pintada con un tono negro uniforme, esta obra revolucionó el arte, llevando la abstracción a su máxima simplificación geométrica y demostró que una pintura podía existir sin una referencia a una realidad externa específica. El denso color negro da a la pintura un aire casi místico. Cuando fue expuesta en la Exposición Futurista de 1915 la obra fue colocada en la esquina situada frente a la entrada. El propio autor eligió el lugar porque: “La esquina simboliza que no hay otro camino hacia la perfección excepto el camino hacia la esquina”. Malevich diseñó su propio ataúd. Un cubo de piedra con un cuadro negro marcaba el lugar donde se enterraron sus cenizas.

Kasimi Malevich: Suprematist Composition, White on White (1918)

BAUHAUS (1919-1933) La Bauhaus, fundada en Weimar en 1919, ofreció un espacio de colaboración e intercambio de experiencias entre los artistas de vanguardia, en busca de una síntesis entre arte y artesanía, para crear productos funcionales y al mismo tiempo de alto valor estético: fue una escuela que formaba en el diseño mediante el estudio del lenguaje visual, materiales y técnicas, sin distinción entre “artes mayores” y “artes aplicadas”. Kandinsky, Paul Klee y Theo van Doesburg llegaron a la escuela en 1921 para enseñar teoría del color y dibujo analítico, e introdujeron las teorías constructivistas en los planes de producción de diseños, insistiendo en la necesidad de equilibrar peso y espacio, color y textura. La primera exposición de la escuela tuvo como tema “Arte y tecnología: una nueva unidad”, con lo que se constataba la finalidad científica de los experimentos estéticos de vanguardia en todas sus tendencias, a la vez que expresaba la voluntad de aplicar sus resultados a las necesidades de la vida cotidiana en la nueva sociedad industrial.

JOOST SCHMIDT Cartel de una exposición Bauhaus (1923)

Los años de la Bauhaus significaron el momento de la máxima búsqueda geométrica en la abstracción pictórica. Klee, Kandinsky, Feininger y Jawlenski formaron el grupo de los Cuatro Azules, en el que se unían pintura y escritos teóricos.

KANDINSKY Composición VIII (1923) La experiencia docente le obligó a sistematizar y dar cuerpo doctrinal a su lenguaje pictórico, cosa que hizo, sobre todo, en el libro Punto y línea sobre el plano (1926). Las formas geométricas agudizan o retraen el carácter de cada color y señalan direcciones y puntos de tensión en la superficie del cuadro. El círculo aparece en esta época como símbolo de perfección y por sus connotaciones cósmicas.

PAUL KLEE, Separación de tarde (1929) Paul Klee se formó en Berna y Munich, y pasó los primeros años del siglo XX viajando, para conocer a los maestros antiguos y las tendencias contemporáneas, antes de entrar en contacto con el grupo “El Jinete Azul”, y entablar una amistad con Kandinsky, que le llevó a la Bauhaus en 1920, formando con él el grupo de los “Cuatro Azules” en 1924. En sus pinturas, de pequeñas dimensiones, el color se extiende de modo regular y geométrico, mientras que los signos gráficos evocan en parte objetos y figuras de la realidad. Klee exploró los efectos que podían conseguirse por medio del uso de diversas combinaciones de pigmentos, ceras y barnices aplicados sobre un compuesto a base de tiza, cera de abeja y yeso. Durante su etapa en la Bauhaus, escribió más de tres mil páginas con sus estudios experimentales. En esta obra, las dos flechas apuntándose mutuamente en medio de las franjas cromáticas paralelas y regulares, consiguen comunicar emoción, y dar, mágicamente, la sensación de una luz amortiguada y vespertina.

Pez Mágico forma parte de una serie de dibujos y acuarelas en las que Klee representó el mundo submarino. Ésta es una meditación sobre el tiempo: la esfera del reloj representa el tiempo humano, y el sol y la luna el tiempo celestial.

PAUL KLEE, Pez Mágico (1925)

Neoplasticismo

Surge en Holanda en 1917. El neoplasticismo o movimiento De Stijl (El Estilo) propugna una estética renovadora basada en la depuración formal. El planteamiento básico de este movimiento queda perfectamente claro en la frase programática de uno de sus creadores, Doesburg, que dijo: "Desnudemos a la naturaleza de todas sus formas y sólo quedará el estilo”. Sus planteamientos fueron expuestos en 1918 en el "Primer manifiesto" del movimiento. Piet Mondrian fue quien formuló las bases teóricas de la nueva estética y que posteriormente denominaría "Neoplasticismo".

CARACTERÍSTICAS •

Búsqueda de la renovación estética y de la configuración de un nuevo orden armónico de valor universal.

•

Depuración de las formas hasta llegar a sus componentes fundamentales: líneas, planos y cubos.

•

Planteamiento totalmente racionalista.

•

Estructuración a base de una armonía de líneas y masas coloreadas rectangulares de diversa proporción, siempre verticales, horizontales o formando ángulos rectos.

•

Creación de ritmos asimétricos, pero con gran sentido del equilibrio.

•

Colores planos, de carácter saturado (primarios: amarillo, azul, rojo) o tonal (blanco, negro y grises).

•

Empleo de fondos claros.

“DE STIJL” (EL ESTILO) El grupo “De Stijl” (“El Estilo”) se formó en Holanda en 1917 con la publicación la revista del mismo nombre, que expresaba las ideas de Theo van Doesburg, Piet Mondrian y Bart Van der Leck. Buscaron crear un foro para arquitectos, diseñadores y pintores con una estética abstracta común. El grupo formado creó el término “neoplasticismo” para definir su estilo, en el que la paleta quedaba limitada a los tres colores primarios más el blanco, el negro y el gris; y las composiciones quedaban restringidas a líneas horizontales y verticales, y a planos rectangulares. Además, el equilibrio y la armonía no debían recurrir a la simetría. Llegaron a su estilo abstracto simplificando las formas naturales hasta conseguir su total geometrización. Posteriormente abandonaron cualquier referencia al objeto, mostrando únicamente las líneas: Mondrian prefería verticales y horizontales, mientras Doesburg diseñaba diagonales. Mondrian siguió experimentando con este estilo incluso después de que el grupo se disolviera. La profundidad de su obra se consigue a través de una escasez engañosa: por medio del cruce de líneas verticales y horizontales y áreas de un solo color, se invita al observador a explorar.

PIET MONDRIAN, Cuadro 1 (1921)

Piet Mondrian, Composición en rojo, amarillo y azul, 1921, óleo sobre lienzo, 39 x 35 cm.

Piet Mondrian, Composición 10. 1940, óleo sobre lienzo, 80 x 73 cm.

PIET MONDRIAN,

Broadway Boogie-Woogie (1944) Mondrian huyó a Londres ante el avance nazi en 1939. Pero, a causa de los bombardeos, decidió ir a Nueva York, donde murió poco después. Estimulado por la vitalidad de la ciudad, sustituyó las líneas rectas negras por una secuencia de recuadros coloreados. Además incluyó numerosas teselas amarillas y algunos recuadros grises. En el titulo ofreció un homenaje a la verticalidad de los rascacielos de Manhattan y al ritmo de la música de George Gershwin. No obstante, sigue intacto el sentido de geometría y de construcción mental tradicional en toda su obra. Influyo mucho en las investigaciones científicas sobre el color de artistas americanos de origen europeo como Albers y Rothko.

Theo van Doesburg Arithmetic Composition (1930)

THEO VAN DOESBURG, Contraposición de disonancias XVI (1925)

Bordes recortados: las formas cuadradas y rectangulares aparecen cortadas por los límites del lienzo. El artista quiere que el observador resuelva la tensión creada por la anomalía visual. La mirada recorre el borde del lienzo para completar la imagen, ampliando el volumen espacial de la obra.

Usa gruesas líneas y planos de colores como si fuera una vidriera.

Usa la geometría para crear cohesión en la obra: una línea negra recorre el lienzo formando un eje diagonal y crear armonía. Doesburg pensaba que las líneas diagonales y las formas inclinadas creaban tensión dinámica.

Los artistas de De Stijl usaban los contrastes de color para crear equivalentes visuales de las notas musicales. Rechazaron el uso del simbolismo y la representación de formas orgánicas naturales.

Dadaísmo

Dadá • El Dadaísmo surge con la intención de destruir todos los códigos y sistemas establecidos en el mundo del arte. • Es un movimiento antiartístico, antiliterario y antipoético, ya que cuestiona la existencia del arte, la literatura y la poesía • El movimiento Dadá nació en un café cantante de Zurich en 1916, donde se recitaban poemas. Esta ciudad, se había convertido a partir del estallido de la Primera Guerra Mundial en un centro de refugio para emigrantes procedentes de toda Europa que querían escapar de la guerra.

Dadá - Marcel Duchamp

Dadá - Marcel Duchamp

El movimiento dada nace en Zurich en 1916 y dura hasta 1922. La denominación "dada" (caballito) corresponde al primer término que apareció en un diccionario de alemán-francés abierto al azar y fue adoptado por un movimiento literario y artístico que pretendía cambiar la sociedad, la cultura y el arte a través del desconcierto, el inconformismo, el nihilismo, la ironía, la negación de la racionalidad y de todos los valores establecidos hasta entonces. Sus fundadores fueron el pintor alsaciano Hans Arp y el poeta rumano Tristan Tzara. Este movimiento se extendió a Berlín, Colonia, París y Nueva York, donde se constituyó el núcleo más progresista en torno a Duchamp. La actividad de este artista se caracterizó por la atribución de un nuevo valor a objetos descontextualizados (los llamados readymades). A partir de 1920, muchos de los artistas plásticos de este movimiento evolucionaron hacia el surrealismo.

CARACTERÍSTICAS •

Expresión irónico-satírica de los valores artísticos establecidos por la tradición y también por la vanguardia fauve y expresionista (actitud anti-arte).

•

Integración de técnicas distintas con empleo de fragmentos de materiales (collage y décollage) y objetos de desecho cotidiano.

•

Niega el Arte, despreciando lo retórico y academicista y cualquier canon impuesto.

•

Protesta contra todo convencionalismo volviendo a lo instintivo e irracional (lo absurdo, el sinsentido y el azar establecen la identidad entre el arte y la vida). Feísmo.

•

Liberación del subconsciente (se produce una transición al surrealismo y al arte semi-abstracto).

•

Motivaciones de disociación.

•

Auge del disparate.

•

Expresión libre de la forma artística: todas las cosas de la realidad pueden ser objeto artístico (Marcel Duchamp crea sus readymades: Término utilizado por Marcel Duchamp para designar los objetos del entorno (un botellero metálico, un urinario, una rueda de bicicleta sobre un taburete de cocina, etc.), carentes de valor artístico en si mismos, pero que al ser presentados fuera de su contexto habitual adquieren un sentido distinto, cuestionando el concepto tradicional del arte y recabando para ellos el sentido de objetos artísticos

•

Temática en la que predominan los mecanismos absurdos ("antimecanismos" que desarrollan una visión irónica de la máquina, de las cualidades a ella asimiladas y de la creciente importancia de lo mecánico en la sociedad moderna de la época).

•

Utilización de nuevas técnicas: el fotomontaje, variante nueva del collage introducida por R. Hausmann, realizado a base de imágenes multiplicadas y superpuestas, tomadas de periódicos, revistas y anuncios; y el "merz" o collage dadaísta (desarrollado por K. Schwitters) a base de materiales de desecho de todo tipo y estado.

Marcel Duchamp, Rueda de Bicicleta, Objeto Pronto, 1913

DADAÍSMO •

Nació en 1916 en Zurich (Suiza), refugio de artistas e intelectuales durante la Primera Guerra Mundial: La primera actuación dadaísta se produjo en el Cabaret Voltaire, donde el escritor Hugo Ball dio nombre al movimiento: recitó su poema “Caravana de Elefantes”, compuesto por una cadena de sonidos recitados al ritmo de un tambor africano, defendiendo el sinsentido por encima del sentido. Su pretensión era acabar con la creencia de que la sociedad podía usar la lógica y la ciencia para resolver cualquier problema.

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Desafiaron las nociones que se tenían sobre el mérito artístico: Relativizaron el énfasis que se ponía en la estética de la obra de arte y promocionaron lo antiestético, lo contradictorio y lo desechable.

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Eran contrarios a la idea futurista sobre las ventajas que el progreso técnico traería a la humanidad, y a los postulados expresionistas sobre la necesidad de un “renacer” espiritual de la sociedad: los dadaístas creían que el arte había traicionado a la humanidad, por lo que proponían una contestación provocativa de todos los valores y todos los modelos, en nombre de una total libertad creativa.

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En 1917 se fundó en Berlín una rama del dadaísmo mucho más agresiva: el superdadaísmo, que fue pionero en el uso del fotomontaje, recortando fotografías de revistas y periódicos para crear collages absurdos y satíricos. También crearon assamblages a partir de objetos encontrados que se fijaban en tablas o en lienzos, y en ocasiones se pintaban.

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El dadaísmo llegó a Nueva York con Marcel Duchamp y Francis Picabia. Allí conocieron al fotógrafo Man Ray, con el que empezaron a crear obras que cuestionaban las actitudes respecto al proceso artístico. Duchamp llevó la idea hasta el extremo con sus ready-mades, objetos funcionales producidos industrialmente, que exponía en su estado original o ligeramente modificados. El más famoso es “La Fuente”, un urinario volcado sobre una peana y firmado como “R. Mutt”, una marca de sanitarios.

MARCEL DUCHAMP La Fuente (1917)

Tras llegar a Nueva York en 1915, Duchamp comenzó a descontextualizar objetos prefabricados dotándolos de una nueva significación. Ideó lo que él llamó los readymades o esculturas realizadas con objetos existentes y vulgares. Duchamp se había limitado a escoger un utensilio corriente que, al arrancarlo de su mundo cotidiano, de su ambiente de uso, se encontró en uno de inutilidad, privado por completo de todo valor funcional. Su atrevimiento más espectacular fue cuando presentó en la primera exposición pública de la Sociedad de Artistas Independientes, que se inauguró el 9 de abril de 1917, un urinario de porcelana blanca colocado al revés con el título de Fuente. Era el máximo ejemplo de aquello que deseaba Duchamp: la desacralización del arte. Incluso renunció a su nombre adoptando el seudónimo de R. Mutt. Los organizadores decidieron no exponer aquel objeto por considerarlo "indecente", lo cual provocó discusiones y la dimisión del mismo Marcel Duchamp como miembro del comité directivo. En su alegato de protesta, formuló su definición del ready-made: "Que el Sr. Mutt haya hecho con sus manos La fuente o no, carece de importancia. Él es quien la ha elegido. Ha tomado un artículo común de la vida de todos los días, lo ha colocado de modo que su significado útil desapareciera, ha creado un nuevo pensamiento para este objeto".

En 1917 Marcel Duchamp fue invitado por la galería Grand Central de Nueva York a formar parte del jurado de una exposición de artistas independientes. Sin informar a nadie, el propio Duchamp envió para exponer en esa exposición este urinario de porcelana blanca firmado con el seudónimo "R. Mutt". Cuando su Fuente fue rechazada para la exhibición, Duchamp renunció al jurado y el incidente causó un escándalo que sacudió al mundo del arte.

Francis Picabia Parada Amorosa, 1917, Acuarela

Kurt Schwitters Merz 199-2, 1921

Jean Arp, Overturned Blue Shoe with Two Heels Under a Black Vault, 1925, Madera Pintada

Hannah Hoch, Pretty Maiden, 1920

El movimiento Dadá nace en Zurich en 1916 y dura hasta 1923. La denominación "dada" (caballito) corresponde al primer término que apareció en un diccionario de alemán-francés abierto al azar y fue adoptado por un movimiento literario y artístico que pretendía cambiar la sociedad, la cultura y el arte a través del desconcierto, el inconformismo, el nihilismo, la ironía, la negación de la racionalidad y de todos los valores establecidos hasta entonces. Sus fundadores fueron el pintor alsaciano Hans Arp y el poeta rumano Tristan Tzara. Este movimiento se extendió a Berlín, Colonia, París y Nueva York, donde se constituyó el núcleo más progresista en torno a Duchamp. La actividad de este artista se caracterizó por la atribución de un nuevo valor a objetos descontextualizados (los llamados readymades). A partir de 1920, muchos de los artistas plásticos de este movimiento evolucionaron hacia el surrealismo.

CARACTERÍSTICAS •

Expresión irónico-satírica de los valores artísticos establecidos por la tradición y también por la vanguardia fauve y expresionista (actitud anti-arte).

•

Integración de técnicas distintas con empleo de fragmentos de materiales (collage y décollage) y objetos de desecho cotidiano.

•

Niega el Arte, despreciando lo retórico y academicista y cualquier canon impuesto.

•

Protesta contra todo convencionalismo volviendo a lo instintivo e irracional (lo absurdo, el sinsentido y el azar establecen la identidad entre el arte y la vida). Feísmo.

•

Liberación del subconsciente (se produce una transición al surrealismo y al arte semi-abstracto).

•

Motivaciones de disociación.

•

Auge del disparate.

•

Expresión libre de la forma artística: todas las cosas de la realidad pueden ser objeto artístico (Marcel Duchamp crea sus ready-mades: Término utilizado por Marcel Duchamp para designar los objetos del entorno (un botellero metálico, un urinario, una rueda de bicicleta sobre un taburete de cocina, etc.), carentes de valor artístico en si mismos, pero que al ser presentados fuera de su contexto habitual adquieren un sentido distinto, cuestionando el concepto tradicional del arte y recabando para ellos el sentido de objetos artísticos

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Temática en la que predominan los mecanismos absurdos ("antimecanismos" que desarrollan una visión irónica de la máquina, de las cualidades a ella asimiladas y de la creciente importancia de lo mecánico en la sociedad moderna de la época).

•

Utilización de nuevas técnicas: el fotomontaje, variante nueva del collage introducida por R. Hausmann, realizado a base de imágenes multiplicadas y superpuestas, tomadas de periódicos, revistas y anuncios; y el "merz" o collage dadaísta (desarrollado por K. Schwitters) a base de materiales de desecho de todo tipo y estado.

“¡Mírenme bien! Soy idiota, soy un farsante, soy un bromista. ¡Mírenme bien! Soy feo, mi cara carece de expresión, soy pequeño. ¡Soy como todos ustedes! Quería hacerme un poco de publicidad! MANIFIESTO DADÁ 1916 TRISTAN TZARA

RETRATO DE TZARA HANS ARP - 1916

En el Dadaísmo se advierte desde sus inicios una clara tendencia a valorar lo subversivo, a mostrar una preferencia por lo irracional y a mantener frente a cualquier hecho una postura profundamente nihilista.

RAOUL HAUSMANN El Crítico de Arte (1919) El dadaísmo en Berlín se identificaba con el movimiento obrero. El pintor Raoul Hausmann era conocido en los círculos dadaístas como “el dadásofo” por sus escritos teóricos. Empezó a crear fotomontajes satíricos en 1918 para protestar contra los valores de la sociedad burguesa, mediante recortes de periódico, fotografías y tipografías radicales que daban lugar a obras que desafiaban el estilo figurativo de los expresionistas. En esta obra, Hausmann satiriza a los periodistas, cuyas opiniones sobre el arte se podían pagar con dinero, como pone de manifiesto la posición de un fragmento de un billete de banco detrás del cuello del crítico. Al garabatear varias líneas negras sobre los ojos, cubriéndole simbólicamente la vista, también da a entender que el juicio del crítico de arte no es nunca imparcial. El fotomontaje de Hausmann es una devastadora crítica al establishment del arte, atacado por los dadaístas. A modo de firma, incluyó su tarjeta de visita, en la cual se puede leer “Presidente del Sol, la Luna y la pequeña Tierra”.

Jean Arp, Overturned Blue Shoe with Two Heels Under a Black Vault, 1925, Madera Pintada

CARACTERÍSTICAS: Los pintores reclaman la intuición irracional y la libertad crea artistas. • El arte se confunde con la vida y la vida se ha de convertir en constante manifestación artística. • Las características comunes de estos pintores: o Rebeldía. o Capacidad de negación. o Irracionalidad. o Inconformismo. o Subversión contra el orden preestablecido.

CARACTERÍSTICAS • Integración de técnicas distintas con empleo de fragmentos de materiales (collage y décollage) y objetos de desecho cotidiano. • Niega el Arte y cualquier canon impuesto. • Protesta contra todo convencionalismo volviendo a lo instintivo e irracional. • Liberación del subconsciente (se produce una transición al surrealismo y al arte abstracto). •

Motivaciones de disociación.

• Auge del disparate.

Principales Representantes Antecedente:

MARCEL DUCHAMP (El “anartista”) 1887 - 1968

LOS READY - MADE

La idea de sacar un objeto de su contexto funcional y exponerlo en una galería para convertirlo en obra de arte, cambió definitivamente los paradigmas artísticos establecidos hasta su momento.

Marcel Duchamp, Rueda de Bicicleta, Objeto Pronto, 1913

En 1917 Marcel Duchamp fue invitado por la galería Grand Central de Nueva York a formar parte del jurado de una exposición de artistas independientes. Sin informar a nadie, el propio Duchamp envió para exponer en esa exposición este urinario de porcelana blanca firmado con el seudónimo "R. Mutt". Cuando su Fuente fue rechazada para la exhibición, Duchamp renunció al jurado y el incidente causó un escándalo que sacudió al mundo del arte.

OTRAS OBRAS de DUCHAMP

EL GRAN VIDRIO O LA NOVIA DESNUDADA POR LOS SOLTEROS 1915 - 1923

DESNUDO BAJANDO LA ESCALERA 1912

FRANCIS PICABIA 1879 - 1953

Francis Picabia Parada Amorosa, 1917, Acuarela

EL NIÑO CARBURADOR 1919

RETRATO DE MUJER CON FÓSFOROS 1923 - 1925

MAX ERNST 1891 - 1976

EL SOMBRERO HACE AL HOMBRE - 1920

EL ELEFANTE DE LAS CÉLEBES 1921

KURT SCHWITTER (1887 - 1948 )

EL PSIQUIATRA

1919

KURT SCHWITTERS Merzbild 1 A (El Psiquiatra), 1919 En Hannover el dadaísmo estuvo protagonizado por Kurt Schwitters, un artista inspirado por el ambiente revolucionario de la Alemania de la posguerra, y cercano a los valores de la abstracción. A través de sus collages y assemblages, generalmente titulados Merz, Schwitters quería lograr una síntesis artística a través de materiales de desecho, convencido de que «también se puede gritar con los residuos». El artista había inventado la palabra Merz a partir de una mutilación accidental de Kommerz, que le había fascinado por su sonoridad. La aparición de un rostro de perfil en la composición, unida al subtítulo Der Irrenarzt (El psiquiatra), hacen que esta obra pueda ser considerada un híbrido entre un retrato expresionista y un assemblage dadá. Seguramente se trata del retrato de un conocido suyo de Hannover, el Dr. Schenzinger. El artista colocó un posavasos en el carrillo del retrato, y recopiló distintos objetos de alrededor, como alambres, un recorte de periódico, un cigarrillo y varias piezas de metal, y los fue añadiendo a la composición, quizás para simbolizar las obsesiones de sus pacientes.

Kurt Schwitters Merz, 1921

PAJARO AZUL

1922

MERZ 460

1921

Hannah Hoch, Pretty Maiden, 1920

El grupo Dadá en Paris •Entre 1916 y 1925 •Marcel Duchamp, Tristan Tzara, Francis Picabia, Man Ray, André Breton, Paul Éluard, Louis Aragon, Philippe Soupault •Clara Tice, Beatrice Wood ,Valeska Gert; Renée Dunan, …

Collage de Man Ray - Centre Pompidou, Paris. En haut : Paul Chadourne, Tristan Tzara, Philippe Soupalt, Serge Charchoune En bas : Man Ray, Paul Éluard, Jacques Rigaut, Mme Soupault, Georges Ribemont-Dessaignes en 1922.

Max Ernst - Au rendez-vous des amis 1922 Assis de gauche à droite : René Crevel, Max Ernst, Dostoievsky, Théodore Fraenkel, Jean Paulhan, Benjamin Péret, Johannes Baargeld, Robert Desnos. Debout : Philippe Soupault, Jean Arp, Max Morise, Raphaël, Paul Éluard, Louis Aragon, André Breton, Giorgio de Chirico, Gala Éluard

Vernissage de l'exposition Max Ernst à la galerie Au Sans Pareil le 2 mai 1921. De gauche à droite : René Hilsum, Benjamin Péret, Serge Charchoune, Philippe Soupault sur un escabeau avec une bicylette sous le bras, Jacques Rigaut pendu à ce même escabeau la tête en bas, André Breton et Simone Kahn.

Soirée Dada, Salle Gaveau, Paris, 26 mai 1920.

6. PARIS EN LOS AÑOS 20 y 30: LA ESCUELA DE PARIS

PROFESOR DIEGO ARTUCIO

LA ESCUELA DE PARÍS • No es un estilo como tal. Se usa para agrupar a los artistas independientes instalados en París durante los primeros años del siglo XX, que aprovecharon el ambiente cultural y las oportunidades comerciales (marchantes, mecenas y coleccionistas) que ofrecía la ciudad. • Una gran parte de estos artistas eran judíos de Europa del Este, que huían de la represión y el temor a los pogromos, como fue el caso de los rusos Chaim Soutine y Marc Chagall, del rumano Constantin Brancusi, del polaco Moise Kisling, o del búlgaro Jules Pascin. También judío, aunque italiano, era Amedeo Modigliani, llegado en 1906. La Revolución Rusa de 1917 obligó también a Tamara de Lempicka, de clase acomodada, a refugiarse en París. Y desde Japón se trasladó el pintor Tsuguharu Foujita. • Todos estos artistas se vieron influidos por las tendencias y estilos que, como el fauvismo, el expresionismo o el cubismo, se estaban desarrollando en ese momento. La presencia de Picasso y Matisse en la ciudad, y la primera exposición fauvista en el Salon d’Automne de 1905, contribuyeron a crear un ambiente de gran colaboración e intercambio de ideas, que hizo posible el rápido crecimiento de nuevos movimientos artísticos.

MARC CHAGALL Chagall llegó a París en 1910, tras haber estudiado pintura en su ciudad natal, Vitebsk, y San Petersburgo. Su arte estaba influenciado por los planos quebrados del cubismo y por la coloración traslúcida de lo que el poeta Apollinaire definió como “orfismo”, estilo iniciado por Robert Delaunay, en el que se aplicaba la teoría de los contrastes simultáneos: los colores debían dar la sensación de separar y unir al mismo tiempo. La figura bifronte ante la ventana enfatiza la relación entre interior y exterior. Chagall se alojaba en el barrio de Montparnasse, en la llamada “colmena”, bullicioso centro de artistas de diversas nacionalidades.

MARC CHAGALL, París en la ventana (1913)

MARC CHAGALL, El violinista (1912) Chagall aportó el mundo mágico de su Rusia natal y los ritos judíos, al grupo de artistas de Montparnasse. En El Violinista, el pintor refleja su anterior vida en una comunidad judía cerca de Vitebsk. Es una referencia a los violinistas que tocaban en ceremonias y fiestas, lo que pone de manifiesto la nostalgia que sentía por sus raíces culturales y religiosas. La combinación formada por las casas flotantes, las referencias folklóricas bíblicas o judías, y una paleta de colores claros, se convirtió en el rasgo fundamental de su obra. Aunque reconocemos claras influencias de las vanguardias fauvistas y cubistas, el estilo de Chagall es inconfundiblemente personal. Al estallar la Revolución soviética, regresó a Rusia, donde permaneció hasta 1923, pintando grandes composiciones, como la decoración del Teatro Judío de Moscú.

CHAÏM SOUTINE, El Botones (1926)

CHAÏM SOUTINE La obra de Soutine es la mejor representación del espíritu independiente de los artistas de la Escuela de París, con su uso casi pasional del color y una temática inquietante que transmite su interés por la alienación. Pintó muchos retratos de trabajadores mal pagados: porteros de hotel, botones y camareras. Éste en concreto pone énfasis en los rasgos que comunican la dureza de su vida: una cara escuálida, que le hace parecer mayor de lo que es, con una expresión consumida por su posición de servidumbre; y la angulosidad de la figura, que da sensación de cansancio y hastío. El fondo negro y el tono escarlata del uniforme dominan la pintura, lo que sugiere una influencia fauvista. No obstante, la obra puede ser vista como precursora del expresionismo abstracto, por sus extrañas pinceladas, que dan al personaje un toque psicológico penetrante: el botones no mira directamente al observador; su mirada es indirecta, con los labios fruncidos en una expresión de insolencia. Las piernas abiertas y las manos apoyadas sobre las caderas muestran despreocupación. Observamos una figura afligida, pero imprudente, inmóvil en ese preciso momento, pero con una rutina diaria muy agitada. Soutine crea movimiento a través de pinceladas circulares hechas con el extremo superior del pincel, que le permiten transmitir el estado de ánimo del personaje y de sí mismo.-

AMEDEO MODIGLIANI, Desnudo recostado (1919)

La gran sensualidad de los desnudos de Modigliani provocó un gran escándalo cuando se expusieron por primera vez en 1910. Las posturas clásicas de las obras hacen referencia a los antiguos maestros, y desafían la noción futurista de que la era del desnudo había sido superada por la máquina. Modigliani fue un artista aislado, que se negó a unirse a los fauvistas o a los cubistas. Sólo trabajó desnudos y retratos, con gran influencia de Cézanne y la escultura africana.

TAMARA DE LEMPICKA, Andrómeda (1929)

Como Modigliani, la refugiada polaca Tamara de Lempicka hizo referencia a motivos renacentistas y sobre todo al neoclasicismo de Ingres. En esta pintura, Lempicka presenta a su modelo con una abrumadora sexualidad. Su obra es tremendamente estilizada, siguiendo la estética Art Decó, con influencias del cubismo. De origen social acomodado, suele captar en sus temas el estilo de vida de los círculos sociales más ricos y hedonistas.

•1925 Exposition des Arts Décoratifs et Industriels Modernes.

ART DECO 1920-1940

NUEVA ESTÉTICA ARQUITECTÓNICA URBANISMO Y DISEÑO

•Le Corbusier •Racionalismo . •Hacia 1929

•http://en.wikipedia.org/wiki/Villa_Savoye

Surrealismo

El movimiento surrealista nace en Francia finalizada la primera guerra mundial. Surge en el ámbito literario, pero pronto lo abarca todo, pensamiento, artes plásticas, cine y teatro. El término fue inventado por Apollinaire en 1917, y se popularizó en la revista Littérature, fundada en 1919 por André Breton, L. Aragon y Ph. Soupault. En esa revista publicaban sus planteamientos vanguardistas Breton, Paul Eluard, Francis Picabia y Man Ray, entre otros muchos autores. En 1924 se produce el primer manifiesto surrealista de Breton, que da cuerpo al movimiento. Su ideal era sobrepasar la realidad y llegar a una renovación de todos los valores culturales, morales y científicos por medio del automatismo psíquico. La producción surrealista se caracterizó por la exaltación de los procesos oníricos, el humor corrosivo y el erotismo, concebido todo ello como armas de lucha contra la tradición, la moral y la cultura burguesa.

“..Cuando el hombre quiso imitar la acción de andar, creó la rueda, que no se parece a una pierna. Del mismo modo ha creado, inconscientemente, el surrealismo... Después de todo, el escenario no se parece a la vida que representa más que una rueda a una pierna…” Apollinaire

Derrière : Man Ray, Jean Arp, Yves Tanguy et André Breton. Devant : Tristan Tzara, Salvador Dalí, Paul Éluard, Max Ernst et René Crevel. (Photo Man Ray 1930)

“El acto surrealista más simple consiste e salir a la calle con un revolver en cada mano y, a ciegas, disparar cuanto se pueda contra la multitud. Quien nunca en la vida halla sentido ganas de acabar de este modo con el principio de degradación y embrutecimiento existente hoy en día, pertenece claramente a esa multitud y tiene la panza a la altura del disparo.”

Los planteamientos del movimiento surrealista contra la tradición y vida burguesa tenían una raíz política y un sector del surrealismo empezó a considerar insuficientes las manifestaciones culturales y se afilió al Partido Comunista Francés. Surgieron así las primeras discrepancias en el seno del movimiento a propósito de la relación entre arte y política. Se sucedieron manifiestos contradictorios y el movimiento comenzó a disgregarse. A pesar de su deterioro, en 1938 se celebra en París la Exposición Surrealista Internacional, debido a que el movimiento se había extendido por muchos países. En el campo de las artes plásticas, los pintores surrealistas se manifiestan de dos maneras diferentes, los surrealistas figurativos, interesados por la vía onírica (Magritte, Delvaux y Dalí, entre otros) y que se sirven del realismo y de las técnicas y recursos pictóricos tradicionales; y los surrealistas abstractos, que practican el automatismo psíquico puro (Masson, Miró) e inventan universos grafico-plásticos propios.

CARACTERÍSTICAS •

Figuración con temática subjetiva de carácter onírico basada en las técnicas del inconsciente de Freud (el carácter figurativo desaparece en el llamado "surrealismo abstracto").

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Interpretación de la realidad desde el sueño, el inconsciente, la magia y la irracionalidad.

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Conjunción de imágenes dispares (reales o irreales), tanto en el tiempo como en el espacio.

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Los objetos y formas son despejados de su significación tradicional (principio de la "desorientación"), el observador queda desorientado, sin saber a qué atenerse.

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Creación de imágenes equívocas de manera que una misma cosa puede ser interpretada de varias maneras (principio de la "discordancia"), por ejemplo, una nube puede parecer la cabeza de un animal o bien otra cosa.

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Da importancia a lo paradójico, lo absurdo, la caducidad, la destrucción y lo misterioso.

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Además de lo onírico, representación de toda clase de simbologías, especialmente eróticas y sexuales.

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Toca todos los estilos: clásico, barroco, ingenuismo, futurismo, etc.

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Utilización espectacular de la perspectiva cónica, exagerando la sensación de profundidad (creación de grandes espacios y lejanías).

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Creación en el cuadro de juegos perceptivos e ilusionísticos.

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Ejecución pictórica minuciosa, con gran cuidado del dibujo y la figura (Dalí).

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Utilización del claroscuro y del color modelado.

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Invención de nuevos métodos y técnicas: pintura automática, frottage y grattage.

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Pintura automática. Pintura realizada mediante el método del automatismo psíquico. Los surrealistas utilizarán ese método con la intención de transformar directamente el estado psíquico del artista en una expresión pictórica, en la que el acto creador no sea influido estilísticamente por el pensamiento organizativo racional.

•

Frottage. Técnica inventada por Max Ernst en 1925. Consiste en transferir al papel o al lienzo mediante fricción o frotamiento, una superficie rugosa, por ejemplo, la de un trozo de madera. Las dibujos y texturas que resultan se utilizan como punto de partida de la pintura automática para la realización posterior de imágenes fantásticas.

•

Grattage. Técnica consistente en pintar colores repartiéndolos arbitrariamente sobre una tabla de madera. Una vez secos, son rascados o grabados con una cuchilla o un punzón afilado creando dibujos o graffitis sobre la superficie coloreada. Esta técnica también se utilizó como punto de partida de la pintura automática.

SURREALISMO • El movimiento surrealista se originó en París a principios de la década de 1920. Originalmente fue un estilo literario, y fueron los poetas Louis Aragon y André Breton quienes le dieron un significado teórico: creían que el propósito de la creatividad era dar rienda suelta al inconsciente. • El surrealismo parte de tendencias dadaístas: Max Ernst entendió que el dadaísmo mezclaba aspectos contradictorios de la realidad para lograr una “superrealidad”. Partió de los assemblages dadaístas para desarrollar nuevas técnicas como el frotagge (“frotar” un lápiz sobre una hoja colocada sobre un objeto para copiar su imagen) y el gratagge (raspar la pintura semiseca del lienzo para dejar al descubierto las marcas de los objetos situados debajo). • Se interesaron por el psicoanálisis y los estados alterados de conciencia, experimentando con la hipnosis, las drogas y el alcohol: André Masson empezó a dibujar de forma “automática”, y Joan Miró incorporó el azar en su obra, pintando alucinaciones y formas fantásticas. • El “surrealismo onírico” recuperó las técnicas tradicionales de pintura y dibujo. Salvador Dalí, René Magritte e Yves Tanguy, fueron influidos por la obra metafísica de Giorgio de Chirico, que introducía esculturas y arquitecturas al modo renacentista en sus pinturas, dando importancia al espacio vacío, con escasos objetos y estatuas inanimadas y sin cara. Todos ellos incidían en lo enigmático y los mensajes ocultos, alterando la realidad y mostrar libremente la irracionalidad del mundo cotidiano: sueños, fobias, deseos, perversiones y fantasías sexuales.

Salvador Dalí, El Gran Masturbador, 1929, 110 x 150 cm., óleo sobre lienzo, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.

Salvador Dalí, La Persistencia de la Memoria, 1931, 24 x 33 cm., óleo sobre lienzo, Museum of Modern Art. New York.

Celebes (1921) Óleo sobre lienzo, 125x108 cm Londres, Tate Modern

La pubertad cercana o Las pléyades (1921) Collage , partes de fotografías retocadas, aguada y óleo sobre papel sobre cartón, 24.5 x 16.5 cm París, propiedad privada

La mujer oscilante. 1923

Amor de larga vida. 1923.

La virgen María dando una paliza al niño Jesús

L´éavadé, historia Natural 1925 FROTTAGE Max Ernst

·Max Ernst- Angel de fuego.

Máquina de coser electrosexual.1934.

Edipo

El antipapa

Europa después de la lluvia

Toda la ciudad ., 1935, 36.

El tocado de la novia ,1940.

El rey jugando con la reina (1944) Escayola (versión original), 97.8 x 46.4 x52.3 cm Riehen/Basilea, Fondation Beyeler

Juego de desayuno de piel Taza, platillo y cuchara recubiertos de piel, altura 7cm Nueva York, The museum of Modern Art, Purchase, 130.1946.a-c.

MAX ERNST Nada de esto sabrán los hombres (1923) Max Ernst comenzó su carrera de pintor dentro del expresionismo, pero, desencantado de los valores burgueses que habían provocado la Primera Guerra Mundial, en 1918 se vinculó al grupo dadaísta de Berlín. Se trasladó a París en 1922, donde se relacionó con el grupo surrealista de André Breton y desarrolló una pintura derivada de técnicas semiautomáticas, como el frottage, que consistía en poner un trozo de papel sobre una superficie de textura especial y frotarlo con un lápiz, o la decalcomanía, técnica que le ayudó a crear juegos de texturas que convertían sus paisajes en parajes de apariencia devastada. El contenido de este lienzo muestra el interés de Max Ernst por el psicoanálisis, con un fuerte componente esotérico (influencia de su lectura de la obra del psicoanalista vienés Herbert Silberer): Su entorno paisajístico y bajo horizonte, la gradación en el cielo de la luz en la parte inferior a la oscuridad en la parte superior, y la inclusión del sol y de la luna. Ernst reemplazó al cubo de la Materia Primordial con una pila de entrañas. Ernst también empleó motivos alquímicos, como la conjunción sexual del Sol y la Luna.

RENÉ MAGRITTE, La traición de las imágenes (1929)

Influenciado por el filósofo Ludwig Wittgenstein, a Magritte le fascinaba la relación entre las cosas y las palabras que las designan. Aquí pinta una pipa y después escribe: “Esto no es una pipa”. De este modo, señala la existencia de un universo paralelo en el que nada es lo que parece.

PAUL DELVAUX, Mujer ante el espejo (1936)

Para Delvaux el espejo es fuente de conocimiento, el instrumento que nos descubre nuestra conciencia. El espejo es, por tanto, la forma de abrir la imaginación a un mundo más realista que la propia realidad. Aquí, la exagerada visión en perspectiva y la forma fálica que adopta el orificio de la cueva también han sido interpretadas en clave erótica.

SALVADOR DALÍ 1904 - 1989 Salvador Dalí fue un pintor de formación académica que utiliza una técnica depuradísima, en la que las formas reales aparecen fielmente reproducidas, pero sin el significado que normalmente tienen. Fue uno de los pintores mas famosos del siglo XX, conocido entre otras cosas por sus muchas y variadas excentricidades.

SALVADOR DALÍ Figura en una ventana (1925) Salvador Dalí fue una figura esencial del surrealismo. Su extravagante forma de ser y toda la imaginería fantástica que rodeó tanto su arte como su vida lo convirtieron en uno de los artistas más conocidos y polémicos del siglo XX. Comenzó su formación artística en Figueras de la mano del pintor impresionista Ramón Pichot, y en 1922 entró en la Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, donde estudió hasta su expulsión en 1926. En la Residencia de Estudiantes se hizo amigo de Luis Buñuel y Federico García Lorca, con los que colaboró en el diseño del escenario de Mariana Pineda, primera representación teatral de Lorca en 1927, o en la película Un Perro Andaluz de Buñuel en 1929. Ese año, a través de Joan Miró, se vinculó al grupo surrealista de París, del que sería expulsado en 1934 por su ideología política. En 1930 desarrolló su personal «método paranoico-crítico» que sería su principal aportación al movimiento surrealista. Según este método, basado en las teorías freudianas de la interpretación de los sueños, cada imagen o asociación de imágenes podía ser sometida a dobles lecturas. Dalí crearía todo un universo de símbolos y de obsesiones inspiradas en el psicoanálisis y realizadas cuidadosamente con un estilo realista. Entre 1923 y 1926 realizó al menos doce retratos de su hermana Ana María. Éste combina los espacios ocupados y los espacios vacíos, haciéndolos equivalentes en sus valores compositivos hasta el punto de que, habiendo eliminado hábilmente uno de los batientes de la ventana (el izquierdo), el espectador ni llega a advertir la anomalía que ello supone, y eso pese a que en ello reside precisamente buena parte de la enigmática belleza que emana de un lienzo de tan límpida serenidad como éste.

El enigma del deseo – Mi madre, Mi madre, Mi madre (1929)

Salvador Dalí, El Gran Masturbador, 1929, 110 x 150 cm., óleo sobre lienzo, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.

SALVADOR DALÍ, El gran masturbador (1929)

Salvador Dalí pinta este lienzo al final del verano de 1929. Es un cuadro eminentemente autobiográfico: la gran cabeza del masturbador es una de las personificaciones del propio artista, que aparece en la pintura protagonizando varias escenas simultáneas, como reflejo de la transformación anímica y erótica que Dalí acababa de experimentar a causa de la aparición de Gala en su vida. Por otra parte, en esta inquietante composición, las fantasías dalinianas alcanzan su cénit, en especial por lo que respecta al motivo del saltamontes que succiona el cuerpo de la gran figura metamorfoseada, ya que este insecto le aterrorizó siempre de forma especial, incluso ya desde los días de su infancia.

La imagen del diablo en una roca antropomórfica, de la que surge el árbol del pecado, a la derecha del panel izquierdo o del paraíso del Jardín de las delicias de El Bosco, fue utilizada por Dalí para crear la cabeza de bruces en el suelo de El gran masturbador.

La persistencia de la memoria ( también: los relojes blandos O el tiempo fugitivo) 1931

SALVADOR DALÍ, La persistencia de la memoria (1931) Paisaje de la costa escarpada de Port Lligat. Acantilados bajo una luz vespertina y melancólica.

Los relojes derritiéndose desafían la concepción racional del mundo físico y la naturaleza del tiempo. Influido por la teoría de la relatividad de Einstein que describe cómo el tiempo se dobla por el efecto de la gravedad.

Las hormigas y una mosca son los únicos seres vivos de la composición. Se mueven por la parte trasera del reloj, simbolizando la putrefacción.

Caricatura del propio Dalí, idéntica al de “El gran masturbador” con un enorme ojo cerrado, en estado de sueño o muerte. Referencia al tiempo limitado de la vida. Los relojes apuntan la hora de la muerte.

El método paranoico-crítico tiene como resultado la manipulación de las imágenes convencionales bien por medio de la descomposición o bien por el uso de la putrefacción, a lo que se unen las imágenes paranoicas o imágenes dobles que, según el propio Dalí, son «la representación de un objeto que, sin la menor modificación figurativa o anatómica, es al mismo tiempo la representación de otro sujeto absolutamente diferente».

SALVADOR DALÍ, Enigma sin fin (1938)

Salvador Dalí, Crucifixión o Corpus Hipercubicus, 1954, 194.5 x 124 cm., óleo sobre lienzo, Metropolitan Museum, New York.

VENTANA - 1925

JOVEN SODOMIZADA POR SU PROPIA CASTIDAD - 1954

NATURALEZA MUERTA A LA LUZ DE LA LUNA – 1926 Influencia de Picasso

“Los relojes blandos: no son nada más que camemberts paranoico-críticos, amables y extravagantes que se encuentran fuera del tiempo y el espacio” Salvador Dalí

Salvador Dalí. Ilusión Parcial, Seis apariciones de Lenin sobre un piano (1931) Óleo sobre tela 114 x 146 cm Musée National d´Art Moderne, Centre Georges Pompidou

Salvador Dalí. Cara de Mae West que puede utilizarse como apartamento surrealista (1934-1935) Guache sobre papel de periódico, 31 x 17 cm The Art Institute of Chicago

PREMONICIÓN SOBRE LA GUERRA CIVIL ESPAÑOLA 1936

Jirafa en llamas (1936) Oleo sobre madera 35x27 cm

Salvador Dalí, Aparición de una cara y un frutero sobre una playa (1938) Óleo sobre lienzo 114, 2 x 143, 7 cm Ateneo Watdsworth, Connnecticut

Salvador Dalí. Sueño Causado por el Vuelo de una Abeja en Torno a una Granada un Segundo antes de Despertar, 1931, 51 x 41 cm., óleo sobre lienzo, Foundación Thyssen-Bornemisza, Thyssen Museum, Madrid.

SALVADOR DALÍ

Sueño causado por el vuelo de una abeja en torno a una granada un segundo antes del despertar (1944) Gala, mujer y musa de Salvador Dalí, levita dormida sobre una roca en un paisaje marino en el que reina la calma. Bajo su cuerpo desnudo flotan también dos gotas de agua y una granada en torno a la que revolotea una abeja. El zumbido de la abeja provoca un sueño en Gala, que se materializa en la parte superior por la explosión de otra granada de la que sale un pez de cuya boca, a su vez, surgen dos enfurecidos tigres y una bayoneta. Es este arma el que, un segundo más tarde, despertará a Gala de su plácido descanso. Aunque en 1944 Dalí residía en Estados Unidos y apenas pintaba, en esta obra retoma su "método paranoico-crítico" que, siguiendo las teorías freudianas, defendía la multiplicidad de significados de las imágenes y que le convirtió en uno de los principales miembros del grupo surrealista. La obra de Dalí, llena de referencias literarias y de obsesivas referencias sexuales, quiso mostrar la irracionalidad intrínseca de la mente. Según decía él mismo: “Toda mi ambición en el plano pictórico consiste en materializar, con el ansia de precisión más imperialista, las imágenes de la irracionalidad concreta”. Constantemente difuminaba los límites entre la imaginación y la realidad, lo que le permitía crear imágenes abiertas a múltiples interpretaciones.

Salvador Dalí, Crucifixión o Corpus Hipercubicus, 1954, 194.5 x 124 cm., óleo sobre lienzo, Metropolitan Museum, New York.

1941 AUTORRETRATOS

1921 1972 1954

Nació en París, (Francia) y era hijo de un capitán de marina retirado. Sus padres eran ambos de origen bretón. A la muerte de su padre en 1908, su madre volvió a su pueblo natal Locronan, Finisterre, y Tanguy convivió la mayor parte de su juventud con otros familiares.

En 1918, Yves Tanguy se embarcó en un navío mercante antes de unirse al ejército, donde se hizo amigo de Jacques Prévert. Al acabar el servicio militar en 1922, volvió a París, donde trabajó en diversos oficios. Por casualidad vio un cuadro de Giorgio de Chirico y quedó tan impresionado que decidió convertirse en pintor aunque no tenía la más mínima educación formal para dedicarse a ello.

Tanguy tenía la costumbre de quedar totalmente absorbido por la obra en la que estuviese trabajando. Esta forma de crear una obra de arte puede obedecer a que su taller era muy pequeño y sólo podía albergar con comodidad únicamente una obra secándose. (1942) La divisibilidad indefinida

Gracias a su amistad con Jacques Prévert, Tanguy fue admitido alrededor de 1924 en el círculo de surrealistas de André Breton. Tanguy desarrolló con rapidez su propio estilo pictórico, celebrando su primera exposición individual en 1927 en París. Ese mismo año se casó por primera vez. Durante esta época tan ocupada de su vida, Breton celebró con Tanguy un contrato para pintar 12 cuadros al año. Con sus ingresos fijados, pintó menos y acabó haciendo sólo 8 obras de arte para Breton. La rapidez de sueño

1926

René Magritte (1898-1967)

EL HIJO DEL HOMBRE

1964

RENE MAGRITTE 1898 - 1967 Tras realizar sucesivas búsquedas abstractas, futuristas y cubistas, se orientó hacia el surrealismo bajo la influencia de Gorgio de Chirico, a cuyo movimiento se unió en París desde 1927 hasta 1931. En sus cuadros reproduce con técnica absolutamente académica objetos y personas convencionales agrupados de manera paradójica.

René Magritte El asesino amenazado (1926) Óleo sobre tela, 150, 4 x 195,2 cm MOMA

La llave de los sueños (1927) Óleo sobre lienzo, 38x53 cm, Munich, Pinakothek der Moderne

René Magritte , Intentando lo imposible (1928) Óleo sobre lienzo 105,6 x 81 cm Colección privada

LA CLAVE DE LOS SUEÑOS 1930

La llave del campo (1933) Óleo sobre lienzo, 80x60 cm, Madrid, Museo Thyssen-Bornemisza

La duración apuñalada (1938) Óleo sobre lienzo, 147x99 cm, Chicago, The Art Institute of Chicago, Joseph Winterotham Collection

René Magritte El dominio de Arnheim (1949)

René Magritte. El castillo de los Pirineos (1959)

René Magritte. La condición humana (1933) National Gallery of Art, Washington

René Magritte. El imperio de las luces (1954) Museo Peggy Guggenheim. Venecia.

René Magritte El dominio de Arnheim (1949)

YVES TANGUY Todavía y siempre (1942) Yves Tanguy fue uno de los artistas europeos que en 1939, con el comienzo de la guerra europea, emigraron a Estados Unidos, donde pintó el lienzo titulado Todavía y siempre en 1942. Como en casi todos sus paisajes fantásticos, que siguen invariablemente el mismo esquema, aparecen varias formas inidentificables y aisladas en medio de un paraje desierto, con un horizonte sin fin. En uno de sus escritos de 1941, André Breton hizo una serie de observaciones sobre la importancia del horizonte en la pintura de Yves Tanguy. En sus lejanas perspectivas Breton veía la representación de ese espacio situado más allá del horizonte, ese espacio reflejado en un espejo, en un «espejo sin alinde» —del que hablaban Breton y Philippe Soupault en Les Champs magnétiques de 1920—, un espejo que no refleja con fidelidad, pues, liberado de su barrera, abre el espacio hacia un mundo sin límites.

JOAN MIRÓ, La masía (1922)

Joan Miró llegó en 1919 a París, donde entró en contacto con el dadaísmo y, a partir de 1921, con los surrealistas. Hasta ese momento su obra es figurativa y “detallista”, como demuestra “La Masía”, que representa la granja de su familia en Montroig, con un grafismo de carácter ingenuo y realista. Estudia todos sus detalles al mínimo. Es lo que se llama la caligrafía mironiana, punto de partida para los siguientes años de su contacto con el surrealismo

JOAN MIRÓ, El carnaval de Arlequín (1925) En un fantástico juego, extraños personajes pueblan el espacio transfigurado del estudio del artista, dando vida a un ballet mecánico lleno de colores y alegría, al sonido de la guitarra sostenida por Arlequín, el muñeco con muelles que ocupa la parte central. Esta obra, plenamente surrealista, marca su transición entre la figuración y la abstracción.

JOAN MIRÓ Cabeza de campesino catalán con guitarra (1925) Campesino catalán con guitarra es el fruto del camino que inicia Miró tras su primera visita a París en 1920 y su consiguiente toma de contacto con los poetas y artistas dadaístas y surrealistas. A partir de entonces comenzó a simplificar sus composiciones en un proceso que le llevó a abandonar la realidad exterior para crear un personal lenguaje de signos. Miró sentía un fuerte arraigo con la Cataluña rural y en numerosas ocasiones convirtió a la figura del campesino catalán en protagonista de sus obras. En esta pintura, el esquematizado payés, de cuerpo entero y caracterizado por la barretina, se contrapone con sus perfiladas líneas a la improvisación del intenso fondo azul que domina la obra, en el que Miró consigue eliminar cualquier referencia espacial.

JOAN MIRÓ Pintura sobre fondo blanco (1927) La mayoría de las pinturas de Joan Miró fechadas entre 1925 y 1927 pierden el anterior papel descriptivo y se vuelven prácticamente monocromáticas. En unos amplios fondos de color azul, blanco, ocre o gris, sólo aparecen una serie de formas biomórficas ondulantes, creadas al dictado de sus sueños o impulsos espontáneos, que marcaban «la última fase de sus pinturas oníricas» y eran un ejemplo de su «pintura automática». Como en otros cuadros similares, esta pequeña pintura puede ser interpretada de muchas maneras, al igual que un poema admite infinitas lecturas. sus lienzos son transcripciones de dibujos o bocetos previos. Miró tenía un doble proceso de trabajo: primero esbozaba de forma automática la imagen en un dibujo y más tarde la transfería cuidadosamente al lienzo. En el caso de Pintura sobre fondo blanco el artista sigue de un modo casi literal un dibujo que guarda la Fundació Joan Miró de Barcelona.

JOAN MIRÓ

El bello pájaro revela lo desconocido a una pareja de enamorados (1941)

Las grandes tragedias de las guerras (la civil española, seguida de la Segunda Guerra Mundial) obligaron a Miró a frecuentes traslados y utilizar materiales diferentes (recortes, collages): su pintura atravesó una fase dramática, para después abrirse a la fascinante serie de Las Constelaciones, caracterizadas por una trama de signos y de imágenes sobre fondo claro. Un pasaje de puro lirismo, un conmovedor canto de amor a la belleza, que se opone a las atrocidades de la guerra.

Joan Miró - The Skiing Lesson - 1966

Joan Miró. Nocturno (1940).

DADAÍSMO •

Nació en 1916 en Zurich (Suiza), refugio de artistas e intelectuales durante la Primera Guerra Mundial: La primera actuación dadaísta se produjo en el Cabaret Voltaire, donde el escritor Hugo Ball dio nombre al movimiento: recitó su poema “Caravana de Elefantes”, compuesto por una cadena de sonidos recitados al ritmo de un tambor africano, defendiendo el sinsentido por encima del sentido. Su pretensión era acabar con la creencia de que la sociedad podía usar la lógica y la ciencia para resolver cualquier problema.

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Desafiaron las nociones que se tenían sobre el mérito artístico: Relativizaron el énfasis que se ponía en la estética de la obra de arte y promocionaron lo antiestético, lo contradictorio y lo desechable.

•

Eran contrarios a la idea futurista sobre las ventajas que el progreso técnico traería a la humanidad, y a los postulados expresionistas sobre la necesidad de un “renacer” espiritual de la sociedad: los dadaístas creían que el arte había traicionado a la humanidad, por lo que proponían una contestación provocativa de todos los valores y todos los modelos, en nombre de una total libertad creativa.

•

En 1917 se fundó en Berlín una rama del dadaísmo mucho más agresiva: el superdadaísmo, que fue pionero en el uso del fotomontaje, recortando fotografías de revistas y periódicos para crear collages absurdos y satíricos. También crearon assamblages a partir de objetos encontrados que se fijaban en tablas o en lienzos, y en ocasiones se pintaban.

•

El dadaísmo llegó a Nueva York con Marcel Duchamp y Francis Picabia. Allí conocieron al fotógrafo Man Ray, con el que empezaron a crear obras que cuestionaban las actitudes respecto al proceso artístico. Duchamp llevó la idea hasta el extremo con sus ready-mades, objetos funcionales producidos industrialmente, que exponía en su estado original o ligeramente modificados. El más famoso es “La Fuente”, un urinario volcado sobre una peana y firmado como “R. Mutt”, una marca de sanitarios.

MARCEL DUCHAMP La Fuente (1917)

Tras llegar a Nueva York en 1915, Duchamp comenzó a descontextualizar objetos prefabricados dotándolos de una nueva significación. Ideó lo que él llamó los readymades o esculturas realizadas con objetos existentes y vulgares. Duchamp se había limitado a escoger un utensilio corriente que, al arrancarlo de su mundo cotidiano, de su ambiente de uso, se encontró en uno de inutilidad, privado por completo de todo valor funcional. Su atrevimiento más espectacular fue cuando presentó en la primera exposición pública de la Sociedad de Artistas Independientes, que se inauguró el 9 de abril de 1917, un urinario de porcelana blanca colocado al revés con el título de Fuente. Era el máximo ejemplo de aquello que deseaba Duchamp: la desacralización del arte. Incluso renunció a su nombre adoptando el seudónimo de R. Mutt. Los organizadores decidieron no exponer aquel objeto por considerarlo "indecente", lo cual provocó discusiones y la dimisión del mismo Marcel Duchamp como miembro del comité directivo. En su alegato de protesta, formuló su definición del ready-made: "Que el Sr. Mutt haya hecho con sus manos La fuente o no, carece de importancia. Él es quien la ha elegido. Ha tomado un artículo común de la vida de todos los días, lo ha colocado de modo que su significado útil desapareciera, ha creado un nuevo pensamiento para este objeto".

RAOUL HAUSMANN El Crítico de Arte (1919) El dadaísmo en Berlín se identificaba con el movimiento obrero. El pintor Raoul Hausmann era conocido en los círculos dadaístas como “el dadásofo” por sus escritos teóricos. Empezó a crear fotomontajes satíricos en 1918 para protestar contra los valores de la sociedad burguesa, mediante recortes de periódico, fotografías y tipografías radicales que daban lugar a obras que desafiaban el estilo figurativo de los expresionistas. En esta obra, Hausmann satiriza a los periodistas, cuyas opiniones sobre el arte se podían pagar con dinero, como pone de manifiesto la posición de un fragmento de un billete de banco detrás del cuello del crítico. Al garabatear varias líneas negras sobre los ojos, cubriéndole simbólicamente la vista, también da a entender que el juicio del crítico de arte no es nunca imparcial. El fotomontaje de Hausmann es una devastadora crítica al establishment del arte, atacado por los dadaístas. A modo de firma, incluyó su tarjeta de visita, en la cual se puede leer “Presidente del Sol, la Luna y la pequeña Tierra”.

KURT SCHWITTERS Merzbild 1 A (El Psiquiatra), 1919 En Hannover el dadaísmo estuvo protagonizado por Kurt Schwitters, un artista inspirado por el ambiente revolucionario de la Alemania de la posguerra, y cercano a los valores de la abstracción. A través de sus collages y assemblages, generalmente titulados Merz, Schwitters quería lograr una síntesis artística a través de materiales de desecho, convencido de que «también se puede gritar con los residuos». El artista había inventado la palabra Merz a partir de una mutilación accidental de Kommerz, que le había fascinado por su sonoridad. La aparición de un rostro de perfil en la composición, unida al subtítulo Der Irrenarzt (El psiquiatra), hacen que esta obra pueda ser considerada un híbrido entre un retrato expresionista y un assemblage dadá. Seguramente se trata del retrato de un conocido suyo de Hannover, el Dr. Schenzinger. El artista colocó un posavasos en el carrillo del retrato, y recopiló distintos objetos de alrededor, como alambres, un recorte de periódico, un cigarrillo y varias piezas de metal, y los fue añadiendo a la composición, quizás para simbolizar las obsesiones de sus pacientes.

SURREALISMO • El movimiento surrealista se originó en París a principios de la década de 1920. Originalmente fue un estilo literario, y fueron los poetas Louis Aragon y André Breton quienes le dieron un significado teórico: creían que el propósito de la creatividad era dar rienda suelta al inconsciente. • El surrealismo parte de tendencias dadaístas: Max Ernst entendió que el dadaísmo mezclaba aspectos contradictorios de la realidad para lograr una “superrealidad”. Partió de los assemblages dadaístas para desarrollar nuevas técnicas como el frotagge (“frotar” un lápiz sobre una hoja colocada sobre un objeto para copiar su imagen) y el gratagge (raspar la pintura semiseca del lienzo para dejar al descubierto las marcas de los objetos situados debajo). • Se interesaron por el psicoanálisis y los estados alterados de conciencia, experimentando con la hipnosis, las drogas y el alcohol: André Masson empezó a dibujar de forma “automática”, y Joan Miró incorporó el azar en su obra, pintando alucinaciones y formas fantásticas. • El “surrealismo onírico” recuperó las técnicas tradicionales de pintura y dibujo. Salvador Dalí, René Magritte e Yves Tanguy, fueron influidos por la obra metafísica de Giorgio de Chirico, que introducía esculturas y arquitecturas al modo renacentista en sus pinturas, dando importancia al espacio vacío, con escasos objetos y estatuas inanimadas y sin cara. Todos ellos incidían en lo enigmático y los mensajes ocultos, alterando la realidad y mostrar libremente la irracionalidad del mundo cotidiano: sueños, fobias, deseos, perversiones y fantasías sexuales.

MAX ERNST Nada de esto sabrán los hombres (1923) Max Ernst comenzó su carrera de pintor dentro del expresionismo, pero, desencantado de los valores burgueses que habían provocado la Primera Guerra Mundial, en 1918 se vinculó al grupo dadaísta de Berlín. Se trasladó a París en 1922, donde se relacionó con el grupo surrealista de André Breton y desarrolló una pintura derivada de técnicas semiautomáticas, como el frottage, que consistía en poner un trozo de papel sobre una superficie de textura especial y frotarlo con un lápiz, o la decalcomanía, técnica que le ayudó a crear juegos de texturas que convertían sus paisajes en parajes de apariencia devastada. El contenido de este lienzo muestra el interés de Max Ernst por el psicoanálisis, con un fuerte componente esotérico (influencia de su lectura de la obra del psicoanalista vienés Herbert Silberer): Su entorno paisajístico y bajo horizonte, la gradación en el cielo de la luz en la parte inferior a la oscuridad en la parte superior, y la inclusión del sol y de la luna. Ernst reemplazó al cubo de la Materia Primordial con una pila de entrañas. Ernst también empleó motivos alquímicos, como la conjunción sexual del Sol y la Luna.

RENÉ MAGRITTE, La traición de las imágenes (1929)

Influenciado por el filósofo Ludwig Wittgenstein, a Magritte le fascinaba la relación entre las cosas y las palabras que las designan. Aquí pinta una pipa y después escribe: “Esto no es una pipa”. De este modo, señala la existencia de un universo paralelo en el que nada es lo que parece.

PAUL DELVAUX, Mujer ante el espejo (1936)

Para Delvaux el espejo es fuente de conocimiento, el instrumento que nos descubre nuestra conciencia. El espejo es, por tanto, la forma de abrir la imaginación a un mundo más realista que la propia realidad. Aquí, la exagerada visión en perspectiva y la forma fálica que adopta el orificio de la cueva también han sido interpretadas en clave erótica.

JOAN MIRÓ, La masía (1922)

Joan Miró llegó en 1919 a París, donde entró en contacto con el dadaísmo y, a partir de 1921, con los surrealistas. Hasta ese momento su obra es figurativa y “detallista”, como demuestra “La Masía”, que representa la granja de su familia en Montroig, con un grafismo de carácter ingenuo y realista. Estudia todos sus detalles al mínimo. Es lo que se llama la caligrafía mironiana, punto de partida para los siguientes años de su contacto con el surrealismo

JOAN MIRÓ, El carnaval de Arlequín (1925) En un fantástico juego, extraños personajes pueblan el espacio transfigurado del estudio del artista, dando vida a un ballet mecánico lleno de colores y alegría, al sonido de la guitarra sostenida por Arlequín, el muñeco con muelles que ocupa la parte central. Esta obra, plenamente surrealista, marca su transición entre la figuración y la abstracción.

JOAN MIRÓ Cabeza de campesino catalán con guitarra (1925) Campesino catalán con guitarra es el fruto del camino que inicia Miró tras su primera visita a París en 1920 y su consiguiente toma de contacto con los poetas y artistas dadaístas y surrealistas. A partir de entonces comenzó a simplificar sus composiciones en un proceso que le llevó a abandonar la realidad exterior para crear un personal lenguaje de signos. Miró sentía un fuerte arraigo con la Cataluña rural y en numerosas ocasiones convirtió a la figura del campesino catalán en protagonista de sus obras. En esta pintura, el esquematizado payés, de cuerpo entero y caracterizado por la barretina, se contrapone con sus perfiladas líneas a la improvisación del intenso fondo azul que domina la obra, en el que Miró consigue eliminar cualquier referencia espacial.

JOAN MIRÓ Pintura sobre fondo blanco (1927) La mayoría de las pinturas de Joan Miró fechadas entre 1925 y 1927 pierden el anterior papel descriptivo y se vuelven prácticamente monocromáticas. En unos amplios fondos de color azul, blanco, ocre o gris, sólo aparecen una serie de formas biomórficas ondulantes, creadas al dictado de sus sueños o impulsos espontáneos, que marcaban «la última fase de sus pinturas oníricas» y eran un ejemplo de su «pintura automática». Como en otros cuadros similares, esta pequeña pintura puede ser interpretada de muchas maneras, al igual que un poema admite infinitas lecturas. sus lienzos son transcripciones de dibujos o bocetos previos. Miró tenía un doble proceso de trabajo: primero esbozaba de forma automática la imagen en un dibujo y más tarde la transfería cuidadosamente al lienzo. En el caso de Pintura sobre fondo blanco el artista sigue de un modo casi literal un dibujo que guarda la Fundació Joan Miró de Barcelona.

JOAN MIRÓ

El bello pájaro revela lo desconocido a una pareja de enamorados (1941)

Las grandes tragedias de las guerras (la civil española, seguida de la Segunda Guerra Mundial) obligaron a Miró a frecuentes traslados y utilizar materiales diferentes (recortes, collages): su pintura atravesó una fase dramática, para después abrirse a la fascinante serie de Las Constelaciones, caracterizadas por una trama de signos y de imágenes sobre fondo claro. Un pasaje de puro lirismo, un conmovedor canto de amor a la belleza, que se opone a las atrocidades de la guerra.

SALVADOR DALÍ Figura en una ventana (1925) Salvador Dalí fue una figura esencial del surrealismo. Su extravagante forma de ser y toda la imaginería fantástica que rodeó tanto su arte como su vida lo convirtieron en uno de los artistas más conocidos y polémicos del siglo XX. Comenzó su formación artística en Figueras de la mano del pintor impresionista Ramón Pichot, y en 1922 entró en la Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, donde estudió hasta su expulsión en 1926. En la Residencia de Estudiantes se hizo amigo de Luis Buñuel y Federico García Lorca, con los que colaboró en el diseño del escenario de Mariana Pineda, primera representación teatral de Lorca en 1927, o en la película Un Perro Andaluz de Buñuel en 1929. Ese año, a través de Joan Miró, se vinculó al grupo surrealista de París, del que sería expulsado en 1934 por su ideología política. En 1930 desarrolló su personal «método paranoico-crítico» que sería su principal aportación al movimiento surrealista. Según este método, basado en las teorías freudianas de la interpretación de los sueños, cada imagen o asociación de imágenes podía ser sometida a dobles lecturas. Dalí crearía todo un universo de símbolos y de obsesiones inspiradas en el psicoanálisis y realizadas cuidadosamente con un estilo realista. Entre 1923 y 1926 realizó al menos doce retratos de su hermana Ana María. Éste combina los espacios ocupados y los espacios vacíos, haciéndolos equivalentes en sus valores compositivos hasta el punto de que, habiendo eliminado hábilmente uno de los batientes de la ventana (el izquierdo), el espectador ni llega a advertir la anomalía que ello supone, y eso pese a que en ello reside precisamente buena parte de la enigmática belleza que emana de un lienzo de tan límpida serenidad como éste.

SALVADOR DALÍ, El gran masturbador (1929)

Salvador Dalí pinta este lienzo al final del verano de 1929. Es un cuadro eminentemente autobiográfico: la gran cabeza del masturbador es una de las personificaciones del propio artista, que aparece en la pintura protagonizando varias escenas simultáneas, como reflejo de la transformación anímica y erótica que Dalí acababa de experimentar a causa de la aparición de Gala en su vida. Por otra parte, en esta inquietante composición, las fantasías dalinianas alcanzan su cénit, en especial por lo que respecta al motivo del saltamontes que succiona el cuerpo de la gran figura metamorfoseada, ya que este insecto le aterrorizó siempre de forma especial, incluso ya desde los días de su infancia.

La imagen del diablo en una roca antropomórfica, de la que surge el árbol del pecado, a la derecha del panel izquierdo o del paraíso del Jardín de las delicias de El Bosco, fue utilizada por Dalí para crear la cabeza de bruces en el suelo de El gran masturbador.

SALVADOR DALÍ, La persistencia de la memoria (1931) Paisaje de la costa escarpada de Port Lligat. Acantilados bajo una luz vespertina y melancólica.

Los relojes derritiéndose desafían la concepción racional del mundo físico y la naturaleza del tiempo. Influido por la teoría de la relatividad de Einstein que describe cómo el tiempo se dobla por el efecto de la gravedad.

Las hormigas y una mosca son los únicos seres vivos de la composición. Se mueven por la parte trasera del reloj, simbolizando la putrefacción.

Caricatura del propio Dalí, idéntica al de “El gran masturbador” con un enorme ojo cerrado, en estado de sueño o muerte. Referencia al tiempo limitado de la vida. Los relojes apuntan la hora de la muerte.

El método paranoico-crítico tiene como resultado la manipulación de las imágenes convencionales bien por medio de la descomposición o bien por el uso de la putrefacción, a lo que se unen las imágenes paranoicas o imágenes dobles que, según el propio Dalí, son «la representación de un objeto que, sin la menor modificación figurativa o anatómica, es al mismo tiempo la representación de otro sujeto absolutamente diferente».

SALVADOR DALÍ, Enigma sin fin (1938)

SALVADOR DALÍ

Sueño causado por el vuelo de una abeja en torno a una granada un segundo antes del despertar (1944) Gala, mujer y musa de Salvador Dalí, levita dormida sobre una roca en un paisaje marino en el que reina la calma. Bajo su cuerpo desnudo flotan también dos gotas de agua y una granada en torno a la que revolotea una abeja. El zumbido de la abeja provoca un sueño en Gala, que se materializa en la parte superior por la explosión de otra granada de la que sale un pez de cuya boca, a su vez, surgen dos enfurecidos tigres y una bayoneta. Es este arma el que, un segundo más tarde, despertará a Gala de su plácido descanso. Aunque en 1944 Dalí residía en Estados Unidos y apenas pintaba, en esta obra retoma su "método paranoico-crítico" que, siguiendo las teorías freudianas, defendía la multiplicidad de significados de las imágenes y que le convirtió en uno de los principales miembros del grupo surrealista. La obra de Dalí, llena de referencias literarias y de obsesivas referencias sexuales, quiso mostrar la irracionalidad intrínseca de la mente. Según decía él mismo: “Toda mi ambición en el plano pictórico consiste en materializar, con el ansia de precisión más imperialista, las imágenes de la irracionalidad concreta”. Constantemente difuminaba los límites entre la imaginación y la realidad, lo que le permitía crear imágenes abiertas a múltiples interpretaciones.

YVES TANGUY Todavía y siempre (1942) Yves Tanguy fue uno de los artistas europeos que en 1939, con el comienzo de la guerra europea, emigraron a Estados Unidos, donde pintó el lienzo titulado Todavía y siempre en 1942. Como en casi todos sus paisajes fantásticos, que siguen invariablemente el mismo esquema, aparecen varias formas inidentificables y aisladas en medio de un paraje desierto, con un horizonte sin fin. En uno de sus escritos de 1941, André Breton hizo una serie de observaciones sobre la importancia del horizonte en la pintura de Yves Tanguy. En sus lejanas perspectivas Breton veía la representación de ese espacio situado más allá del horizonte, ese espacio reflejado en un espejo, en un «espejo sin alinde» —del que hablaban Breton y Philippe Soupault en Les Champs magnétiques de 1920—, un espejo que no refleja con fidelidad, pues, liberado de su barrera, abre el espacio hacia un mundo sin límites.

PABLO PICASSO (1881-1973) • Picasso fue el iniciador de la imagen del artista moderno. Es la personalidad artística más relevante del siglo XX. • De 1895 a 1900 residió en Barcelona y se relacionó con el grupo Els Quatre Gats. Tras un primer viaje a París, se trasladó a Madrid para estudiar en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, y en 1904 se estableció definitivamente en París, donde conoció a Apollinaire, Max Jacob y André Salmon. Sus inicios figurativos de las épocas azul y rosa evolucionaron por influencia de la escultura ibérica y del arte africano. En 1907, su obra Las Señoritas de Aviñón abrió el camino a los movimientos de vanguardia. • De su estrecha colaboración con Braque surgió el cubismo, que acabó con el sistema tradicional de representación ilusionista del espacio. Ambos artistas inventaron un nuevo lenguaje basado en la fragmentación y simultaneidad de la representación de la forma, en la reinterpretación de los objetos, con una gran austeridad en el color (cubismo analítico) que fue haciéndose paulatinamente más abstracto (cubismo sintético). • En la posguerra, Picasso regresó a la figuración y desarrolló un tipo de pintura con figuras monumentales, que se denominó «clásico» y que se correspondía con una tendencia generalizada de vuelta al orden que se manifestó en Europa tras los años de ebullición vanguardista. En la segunda mitad de los años veinte, contagiado por el ambiente surrealista, los personajes de sus obras se distorsionan y sus temas se hacen más dramáticos. Tras el bombardeo de Guernica, realizó una gran pintura mural que presentó en el Pabellón de la República Española de la Exposición Internacional de París de 1937. • En los años cincuenta, comenzó a hacer recreaciones de cuadros de grandes maestros, como Courbet, Delacroix o Velázquez. En su periodo final trató temas referentes a la muerte, al sufrimiento y al amor, otorgando gran importancia a la subjetividad gestual y emotiva, con pinceladas muy sueltas y expresionistas • Picasso desarrolló también una importante labor como escultor, ceramista y grabador, demostrando en cada uno de estos campos la misma fuerza creadora que en su pintura.

PABLO PICASSO, Mujer en azul (1901) Pintado durante una de las dos breves temporadas en que el artista malagueño permaneció en Madrid, entre finales del siglo XIX y comienzos del XX, este lienzo posee una curiosa historia. Presentado por su autor a la Exposición Nacional de Bellas Artes de 1901 y tras haber obtenido como único galardón una mención honorífica, Pablo Picasso optó por no pasar a recogerlo una vez finalizado el certamen. Al cabo de varias décadas, la pintura fue localizada y rescatada de su olvido. Pío Baroja relata en sus memorias el ambiente y la época en que el pintor realizaba este tipo de retratos femeninos: «Pablo Picasso, cuando estuvo en Madrid, había tomado un estudio hacia la calle de Zurbano, y se dedicaba a pintar de memoria figuras de mujeres de aire parisiense, con la boca redonda y roja como una oblea. Picasso era tipo de mirada aguda, con una sonrisa irónica y burlona». Precisamente una de las más bellas de esas figuras es sin duda esta anónima Mujer en azul, de ampulosa vestimenta y enigmáticos ojos.

PABLO PICASSO, La vida (1903) Picasso practicó una permanente transformación estilística. En su “período azul” (1901-1904) plasmó símbolos del cariño humano, de la desgracia y de la miseria, del aislamiento y del sufrimiento existencial del hombre. A raíz del suicidio de su amigo Carlos Casagemas el 17 de febrero de 1901 Picasso empieza a crear un universo de triste seriedad con tonos azules. Los marginados por la sociedad, personajes habituales en las calles y las tabernas de las grandes ciudades como mendigos, ciegos, y mujeres solitarias sumidas en la miseria, pueblan ahora sus cuadros. Estas obras se caracterizan por una opresiva atmosfera de desesperanza. Los omnipresentes tonos azules confieren a los cuadros un carácter irreal. La Vida resume la mayor parte de los temas y la atmósfera de la época azul: el pesimismo nihilista desarrollado en su etapa de formación en Barcelona, recrudecido bajo las dificultades materiales que sufrió. «Cree que el arte es hijo de la tristeza y del dolor», decía su amigo Jaime Sabatés. La soledad de los niños, la miseria de pobres, mendigos y ciegos están descritos ampliamente en los cuadros de ese momento. El cuadro es de un simbolismo inusualmente oscuro, y está sujeto a múltiples interpretaciones. Picasso realizó cuatro bocetos preparatorios para el cuadro, variando la composición de las figuras al menos dos veces; cabe destacar que la figura masculina, que empezó siendo un autorretrato, acabó siendo la de su amigo Carlos Casagemas.

PABLO PICASSO, La comida frugal (1904) La comida frugal, aguafuerte hecho sobre una plancha de zinc, pertenece a la Suite des saltimbanques, una serie de quince aguafuertes y puntas secas, realizada entre 1904 y 1905. Es una de las primeras incursiones de Picasso en la técnica del grabado, por lo que sorprende la maestría técnica con la que trabajó en un medio prácticamente nuevo para él. Esta melancólica obra, que marca el final de su época azul, nos muestra posiblemente a dos saltimbanquis que se convertirían en el motivo principal de su periodo rosa. Al mismo tiempo, el hombre ciego, que nos muestra de perfil en contraste con la imagen frontal de la mujer, nos acerca al tema del retrato de la ceguera que ya había introducido en una de sus pinturas más conmovedoras del periodo azul, Ciego comiendo, realizada en Barcelona en 1903. Los cuerpos enflaquecidos y frágiles de la pareja, sus manos exageradamente alargadas y sus rostros angulosos, unidos a un lenguaje de ritmos manieristas, enfatizan su aspecto marginal. El grabado personifica «una intensa expresión de pobreza y alcoholismo» .

En 1904, Picasso se instaló en el BateauLavoir de París, amplió y reafirmó su círculo de amistades entre la bohemia artística de la ciudad, y conoció a la que sería su primera pareja, Fernande Olivier. Su interés por los pobres y los marginados se trasladó a la bohemia circense: arlequines y saltimbanquis llenaron sus cuadros en su “período rosa”. Empezó a pintar con colores más humanos y más vivos (rosado, anaranjado, rojo). Sus temas eran la alegría y la inquietud existencial, pero ahora dominada por el afecto, con muchas referencias al mundo del zoológico y del circo. En 1905 pintó este La familia de saltimbanquis, un paisaje desnudo y desdibujado, realizado en gouache y pastel, en el que se enmarcan aisladas las bien dibujadas y estilizadas figuras de los titiriteros.

PABLO PICASSO, Familia de saltimbanquis (1905)

PABLO PICASSO, La acróbata de la bola (1905) Esta obra es una de las mejores composiciones del período rosa de Picasso. Tras la intensa y melancólica expresividad de su época azul, en esta nueva etapa el artista indagó de un modo especial sobre los aspectos más plásticos de la pintura: el dibujo, conciso y enérgico; la forma, cerrada y perfecta; y el volumen, muy marcado. Su búsqueda se orientó así hacia un rumbo muy distinto al de los jóvenes artistas franceses, fascinados por el colorido violento del fauvismo. La composición de la obra, que estudió en varios dibujos preparatorios, revela un cuidado equilibrio entre la ligereza de la acróbata y el peso del atleta. La esfera y el cubo en los que, respectivamente, se apoyan, realzan aquellas cualidades y el consiguiente contraste entre ambas figuras. Por otra parte, son sólidos geométricos asociados desde antiguo, en la tradición platónica, a las características de perfección y estabilidad. Además, la muchacha aparece pintada casi en dos dimensiones, lo que resalta su ingravidez frente al volumen, modelado por las gradaciones de luz y sombra, del hombre. El color, con calidades de pintura mural en una gama restringida de rosas y ocres, y el depurado paisaje del fondo, que se ha relacionado con los de la infancia malagueña del artista, contribuyen de modo decisivo a la esencialidad de la obra.

PABLO PICASSO Estudio para la cabeza de “Desnudo con paños” (1907) Aunque en muchas ocasiones este pequeño gouache de Picasso ha sido considerado uno de los estudios de su obra más innovadora, Las Señoritas de Aviñón, en realidad se trata un trabajo preparatorio para Desnudo con paños , una tela pintada poco después. Lo más probable es que fuera realizado cuando el pintor se encontraba trabajando en el lienzo. Desnudo con paños es una representación aislada de la segunda figura femenina de Las Señoritas, en la que desarrolla el tema de la danza de los velos. En este Desnudo, el pintor «desafía» los ritmos del Desnudo azul de Matisse. La bailarina desnuda se mueve como una médium, embrujada por alguna misteriosa música, en un gesto entregado con los ojos cerrados. Por otra parte, su movimiento nos revela más de lo que el ojo puede ver y, Picasso logra crear «sólo con sus ritmos una verdadera profundidad» . Con estas obras el artista inicia de forma imparable el camino hacia el lenguaje cubista. En este Estudio la influencia de la escultura africana se hace patente en la abstracción radical de las formas y en la manera en que las facciones del rostro se geometrizan y alargan de forma similar a las máscaras primitivas. Los contornos están delimitados por una gruesa línea negra y el volumen está creado a base de rayas paralelas en diferentes direcciones.

PICASSO, Hombre con clarinete (1911) Típica descomposición formal del cubismo analítico.

PICASSO, Cabeza de hombre (1913) Aplicación de la técnica del papier collé en el cubismo sintético

PABLO PICASSO Arlequín con espejo (1923) Concebido inicialmente como un autorretrato, Arlequín con espejo combina varios personajes del mundo circense y de la Commedia dell´arte por los que Picasso se sentía fascinado e identificado a la vez: Arlequín, con su sombrero de dos picos, un acróbata por su vestimenta y Pierrot por su rostro que, convertido en una máscara, camufla la identidad del artista. En la monumental figura de Arlequín, que con su cuerpo cubre la mayor parte del lienzo, reconocemos el nuevo lenguaje artístico inspirado en las obras de los grandes maestros clásicos que Picasso había comenzado a utilizar tras su viaje a Italia en 1917. Aunque su experiencia italiana supuso una vuelta a los planteamientos clásicos, su interpretación no fue literal, sino que partió de la libertad que le otorgaba su anterior experiencia cubista.

PABLO PICASSO, Guernica (1937)

Reflejo fiel de una época y de unas dramáticas circunstancias, el lienzo Guernica nació para formar parte del Pabellón Español en la Exposición Internacional de París, de 1937. El motivo que impulsó a Picasso a realizar la escena fue la noticia de los bombardeos efectuados por la aviación alemana sobre la villa vasca que da nombre a la obra, que constituye un alegato genérico contra la barbarie y el terror de la guerra. Concebido como un gigantesco cartel, el gran lienzo es el testimonio del horror que supuso la Guerra Civil española, así como la premonición de lo que iba a suceder en la Segunda Guerra Mundial. La sobriedad cromática, la intensidad de todos y cada uno de los motivos, y la articulación de esos mismos motivos, determinan el extremado carácter trágico de la escena. Guernica ha suscitado numerosas interpretaciones, circunstancia a la que contribuye la eliminación de cualquier tonalidad ajena a la grisalla. Podemos dividir a los actores de esta composición piramidal en dos grupos: el primero está integrado por tres animales: el toro, el caballo herido y el pájaro alado que se aprecia tenuemente al fondo, a la izquierda. Los seres humanos componen un segundo grupo, en el que figuran un soldado muerto y varias mujeres: la situada en la zona superior derecha, que se asoma por una ventana y sostiene hacia fuera una lámpara; la madre que, a la izquierda del lienzo, grita llevando al hijo muerto; la que entra precipitadamente por la derecha; y finalmente, la que clama al cielo, con los brazos alzados, ante una casa en llamas. Tanto el propio Guernica como sus bocetos están considerados como unas de las obras de arte más representativas del siglo XX.

PABLO PICASSO, Las Meninas (1957) Reinterpretación de los clásicos.

Arte de la Alemania Nazi Escultura (Realismo Heroico ) •

el arte aprobado oficialmente y producido en la Alemania nazi entre 1933 y 1945, se caracterizó por un estilo de realismo romántico basado en modelos del arte clásico. Mientras se prohibían los estilos propios del arte moderno o arte contemporáneo, denigrados bajo la calificación de arte degenerado, los nazis promovían pintura y escultura que se ajustara estrictamente al gusto tradicional y que exaltaran los valores de sangre y suelo (pureza racial -mito ario-, militarismo y obediencia). Otros temas populares eran la representación de tipos populares (volk) trabajando en el campo, la vuelta a las virtudes simples del heimat (amor a la patria), las virtudes de la lucha nacional-socialista y la loa a las actividades consideradas propias de la mujer en los espacios a los que tradicionalmente se la restringía (Kinder, Küche, Kirche, ).

Beer Hall Putsch

Rommel

Las vanguardias de la segunda mitad del siglo siglo xx

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El Expresionismo Abstracto y el Informalismo. El Pop Art. El Minimalismo El Op Art, El Arte Conceptual. Body Art Land Art. El hiperrealismo. La nueva Objetividad.

Las artes en los años cincuenta y sesenta. El liderazgo de Nueva York • • • • • • • • • •

Tras la segunda guerra mundial la situación en Estados Unidos era muy diferente a la europea. Sus ciudades no habían quedado devastadas y la vida cultural no se había interrumpido. América empieza a recibir migración de intelectuales tras la guerra, trasladándose de París a Nueva York el liderazgo como capital artística. Movimientos artísticos de la post- guerra más destacados con representantes en Nueva York: EXPRESIONISMO ABSTRACTO ARTE POP ARTE CONCEPTUAL MINIMAL ART O MINIMALISMO HIPERREALISMO OP ART O ARTE OPTICO

Action - Painting

Término acuñado por el crítico norteamericano Harold Rosenberg, para designar una técnica pictórica gestual, que consiste en aplicar el color directamente sobre un lienzo extendido en el suelo, mediante el procedimiento conocido como dripping o "chorreo". El Action Painting significa en español “Pintura de Acción” y es una corriente pictórica abstracta de carácter gestual que adoptaron varios miembros de la escuela estadounidense del expresionismo abstracto. Desde el punto de vista técnico, consiste en salpicar con pintura la superficie de un lienzo de manera espontánea y enérgica, es decir, sin un esquema prefijado, de forma que éste se convierta en un “espacio de acción” y no en la mera reproducción de la realidad. El Action Painting tiene sus orígenes en las creaciones automáticas de los surrealistas; por ejemplo, los dibujos y pinturas de arena de André Masson.

Jackson Pollock. Número 8 (1949).

Jackson Pollock. Número 1 (1949)

Expresionismo Abstracto, Action Painting Jackson Pollock

EXPRESIONISMO ABSTRACTO, ACTION PAINTING COMPOSICIONES DE JACKSON POLLOCK

Expresionismo Abstracto Jackson Pollock

Jackson POLLOCK Number 1 (1949)

Jackson POLLOCK Lavander mist number 1 (1950)

Jackson POLLOCK Ritmo de otoño, número 30 (1950)

Jackson Pollock. Número 8 (1949).

Jackson Pollock. Número 1 (1949)

Expresionismo abstracto Mark Rothko

Mark ROTHKO Black over Reds (1957)

Mark ROTHKO Red, Brown and Black (1958)

•Willem de Kooning •1904 -1997 •Willem de Kooning; pintor neerlandés nacionalizado estadounidense. En los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial, de Kooning pintó dentro del movimiento del expresionismo abstracto

Woman IV, 195

Action Painting “painting is a way of living” -Willem de Kooning

Abstract Expressionism

Willem de Kooning

La pequeña excavación trata de re descubrir el arte del pasado paraencontrarle una nueva significación. (1947- MOMA presenta una exhibición sobre petroglifos y pintura rupestre) Excavation, 1950

Lienzo con arena pegada sobre la que se actúa abriendo grietas, rajaduras y pequñas excavaciones. La pintura deviene la cristalización de un evento.

Willem de Kooning Expresionismo Abstracto Action Painting de Kooning fué muy criticado por su forma de representar a la mujer en su trabajo. Pero el sostenía que los pintores de acción deberían liberarse de las imágenes preconcebidas. Su manera de pintar a la mujer es muy cruda, como reacción a la manera que manejan los mass Woman, 1944 media. (ex. Marilyn Monroe)

(detail) Woman, 1944

Willem de Kooning Conoció a Arshille Gorky quien lo introdujo en la técnica del automatismo de origen

Woman IV, 1952

Willem de Kooning Al final de su Carrera enfermó de Alzheimer,pero continuó pintando. Algunas personas comenzaron a cuestionarse si su arte era el product de un buen pintor o de una persona que estaba perdiendo el control de su arte. Pintó el tema d la mujer por más de veinte años.

Mujer sentada, 1952.

de Kooning en 1984.-

Willem de Kooning En 1983 una de sus pinturas titulada Two Women fue vendida al precio de 1,200,000.00. dólares. Fue el más alto precio, jamás pagado por la obra de un artista vivo. De Kooning debió esperar hasta los cincuenta años para poder vivir de su pintura.

Willem de Kooning Abstract Expressionism Action Painting “ La pintura es una manera de vivir” -Willem de Kooning

El lienzo es una arena sobre la que el artista actúa. Woman , 1954

Una pintua debe ser sentida, no comprendida. La pintura se convierte en el registro de un evento.

Woman , 1954

Gotham News , 1955

11. LAS SEGUNDAS VANGUARDIAS : EL INFORMALISMO (1945 – 1960 )

PROFESOR DIEGO ARTUCIO

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El informalismo es un movimiento artístico que aparece en Europa a finales de los años cuarenta en el que se utiliza un lenguaje abstracto, donde los materiales desempeñan un papel decisivo.

Mesalina, 1959, Antonio Saura

Qué es…

• El informalismo es un movimiento artístico que abarca todas las tendencias abstractas y gestuales que se desarrollaron en Francia y el resto de Europa después de la Segunda Guerra Mundial, en paralelo con el expresionismo abstracto estadounidense. Dentro de él se distinguen diferentes corrientes, como la abstracción lírica, la pintura matérica (Antoni Tàpies), la Nueva escuela de París, el tachismo, el espacialismo o el art brut. El crítico de arte francés Michel Tapié acuñó el término art autre (arte otro) en el libro homónimo, de 1952, sobre el arte abstracto no geométrico.

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• El informalismo , es un movimiento introspectivo, subjetivo, personal. Pero, al mismo tiempo, los artistas (Esta "Figura tumbada", porde Bacon, nos toman una nuevapintada idea la muestra el cuerpo femenino es una masa figura del hombre, recuperan informe de carne mal distribuida y de aspecto la figura, planteando una repugnante. Yace en postura estirada sobre un siendo la antítesis de nueva imagen deldiván hombre. la sensualidad.)

• Al artista informalista le interesa es explorar la expresividad de la materia. • Esta forma de hacer arte, en donde la forma casi desaparece, es lo que Tapié llamó arte informal o informalismo. En 1952 apareció el primer manifiestoálbum que expresaba algunos principios del movimiento.

EL INFORMALISMO :INCORPORACIÓN DE NUEVOS MATERIALES, HERRAMIENTAS Y TÉCNICAS A LA EXPRESIÓN ARTÍSTICA. Informalismo: conjunto de tendencias basadas en la expresividad del artista, renunciando

a cualquier aspecto racional del arte (estructura, composición, aplicación preconcebida del color). Como movimiento se desarrolló en Europa , después de la 2GM, en sincronía con el Expresionismo Abstracto Norteamericano. Incluye diversas corrientes como el tachismo, el art brut y la pintura matérica. Destacan, Jean Dubuffet, Antoni Tàpies, Lucio Fontana, Antonio Saura, Manolo Millares, etc. En Estados Unidos se desarrolló el expresionismo abstracto, caracterizado por la utilización de la técnica del dripping, el chorreado de pintura sobre la tela, sobre la que intervenía el artista con diversos utensilios o con su propio cuerpo. Entre sus miembros figuran Jackson Pollock, Mark Rothko, Franz Kline y Willem de Kooning. Aportaciones técnicas: Técnicas mixtas combinación diferente acrílicos industriales, cementos, silicatos, arpilleras, maderas,plásticos, cortes en el soporte, quemados… Investigaciones sobre las diferentes formas de aplicar pintura: estampados ,Dripping, gestualidad gruesa con nuevos instrumentos.

Corrientes del informalismo:  Informalismo gestual. Se centra más en la manera de pintar.  Informalismo matérico. Texturas, agujeros y otras hierbas. Ausencia de forma o perspectiva.  Art Brut. Algunos lo consideran un movimiento aparte. No hay apreciación de lo bonito, ya que se rechaza lo bello, el trazo es a lo rústico, tosco , se mezclan materiales con la pintura y a menudo se recurre al mundo interior del artista, las paranoias mentales, la locura…  Espacialismo. Agujeros y espacios abiertos en la tela mayormente. Lo que se pretende es “conectar” la tela y el espacio real. Que se mezclan mediante orificios abiertos.

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Características comunes  Rechazo de la abstracción pictórica geométrica. Es un tipo de abstracción amorfa, no se ve muchos cuadrados ni triángulos en las obras informalista, ni tampoco una voluntad de estructurar los elementos. Hacían sus bocetillos, pero no pensaban en: “haré esta marca aquí y un brochazo allá para equilibrar la composición…”, “haré esta maraca aquí y un brochazo allá porque se me ve mejor”, era improvisado, al azar.  Introducción del azar. El artista iba haciendo su obra y si la cargaba o saturaba, o ocurría algo inesperado pues daba igual. Improvisaba e intuía mientras iba creando.  Búsqueda de lo gestual y lo matérico. Esto quiere decir que de alguna manera buscaban la autenticidad de la pintura, del puro acto de pintar, el gesto del artista, la caligrafía, las formas, la mancha y las texturas, texturas que se conseguían si hacía falta adhiriendo un trozo de trapo guarro y chorreante a la tela, o mediante la introducción de otras técnicas: frottage (frotar superficies rugosas contra el lienzo), collage, grattage (rascar con algún elemento la pintura seca), chorretones, goteos, agujeros o cortes y lo que haga falta.

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JEAN DUBUFFET

“EL ARTE HABLA A LA MENTE, Y NO A LOS OJOS”

Pinturas

Autorretrato II

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Esculturas

HISTORIA DEL DISEÑO Oscar Cántaro

Carteles

Simulacres

20 "Psycho-sites"

Robert RAUSCHENBERG Canyon (1959)

ANTONI TAPIES (Barcelona, 13 de diciembre de 1923)

• Antoni Tàpies i Puig es un pintor, escultor y teórico del arte español. Uno de los principales exponentes a nivel mundial del informalismo, está considerado como uno de los más destacados artistas españoles del siglo XX. La obra del artista catalán goza de un centro de estudio y conservación en la Fundación Antoni Tàpies de Barcelona.

•

De formación autodidacta, Tàpies ha creado un estilo propio dentro del arte de vanguardia del siglo XX, en el que se combinan la tradición y la innovación dentro de un estilo abstracto pero lleno de simbolismo, dando gran relevancia al sustrato material de la obra Claro-oscuro, Antoni Tapies

Técnica: • En su obra más característica dentro del informalismo matérico, Tàpies emplea técnicas que mezclan los pigmentos tradicionales del arte con materiales como arena, ropa, paja, etc., con predominio del collage y el assemblage, y una textura cercana al bajorrelieve. Rectángulo negro y collage, A. Tapies

Técnica: • Tàpies define su técnica como “mixta”: pinta sobre tela, en formatos medios, en posición horizontal, disponiendo una capa homogénea de pintura monocromática, sobre la que aplica la “mixtura”, mezcla de polvo de mármol triturado, aglutinante, pigmento y óleo, aplicado con espátula o con sus propias manos.

Mirada y mano, A. Tapies

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Sense títol, 1973

A sobre vermell,1976

HISTORIA DEL DISEÑO Oscar Cántaro

Assemblatge amb grafitti, 1972

Blanc sobre cartró, 1979

Lletra A, 1976

Antoni TÁPIES Cruz (1947)

Antoni TÁPIES Puerta metálica y violín (1956)

Pop Art

Surge en EE.UU. e Inglaterra hacia 1955 y se convierte en el estilo característico de los años sesenta. El término de “Pop art" (abreviación de "popular art") fue utilizado por primera vez en 1954 por el crítico Lawrence Alloway para denominar al arte popular que estaba creando la publicidad, el diseño industrial, el cartelismo y las revistas ilustradas. La vanguardia artística de mediados de los años cincuenta se inspira en este arte popular de la sociedad de consumo para crear obras figurativas con una temática absolutamente directa que las haga accesibles al público en general. Surge como reacción contra el expresionismo abstracto tan alejado de la realidad y de la comprensión del público. En Europa, una tendencia relacionada con el pop norteamericano recibe el nombre de "nouveau realismo" (nuevo realismo).

CARACTERÍSTICAS •

Rechazo del expresionismo abstracto e intento de volver a poner el arte en contacto con el mundo y la realidad objetual.

•

Lenguaje figurativo y realista referido a las costumbres, ideas y apariencias del mundo contemporáneo.

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Temática extraída del medio ambiente urbano de las grandes ciudades, de sus aspectos sociales y culturales: comics, revistas, periódicos sensacionalistas, fotografías, anuncios publicitarios, cine, radio, televisión, música, espectáculos populares, elementos de la sociedad de consumo y del bienestar (alimentos enlatados, neveras, coches, autopistas, gasolineras, etc.).

•

Ausencia de planteamiento crítico: los temas son concebidos como simples "motivos" que justifican el hecho de la pintura.

•

Tratamiento pictórico de forma no tradicional: aunque el lenguaje es figurativo y representa objetos reales, no se concentra exclusivamente en sus cualidades formales, sino que combina éstas con sus cualidades abstractas intrínsecas gracias al empleo de imágenes familiares y fácilmente reconocibles.

•

Representación de carácter inexpresivo, preferentemente frontal o repetitiva.

•

Combinación de la pintura con objetos reales integrados en la composición de la obra (las combine paintings de Rauschemberg): flores de plástico, botellas, etc., en un nuevo planteamiento dadaísta acorde con los nuevos tiempos (neodadaísmo).

•

Preferencia por las referencias al "status" social, la fama, la violencia y los desastres (Warhol), la sexualidad y el erotismo (Wesselmann, Ramos), los signos de la tecnología industrial y la sociedad de consumo (Ruscha, Hamilton, etc.).

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Formas y figuras a escala natural y ampliada (los grandes formatos de las imágenes del comic de Lichtenstein).

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Colores puros, brillantes y fluorescentes, inspirados en los empleados en la industria y los objetos de consumo.

Andy Warhol, Lata de sopa Campbell.

Andy Warhol, Elvis, 1964.

Andy Warhol, Marilyn.

Robert Rauschenberg Rétroactive 2. 1964 Sérigraphie et peinture à l'huile Galerie LLena Sonabend, Paris

Jasper Johns. Flag (1954)

Roy Lichtenstein, El beso.

ROY LICHTENSTEIN • Roy Lichtenstein (1923-1996); apropiación del lenguaje de los cómics

R. Lichtenstein,Varoom, 1965 R. Lichtenstein, pincelada, 1964

Roy Lichtenstein, El beso.

Roy Lichtenstein Woman in Bath, 1963 Oil on canvas 171 x 171 cm Museo ThyssenBornemisza, Madrid

Tom WESSELMANN Collage en la bañera (1963)

Tom Wesselmann: Great American Nude No. 98, 1967

• Claes Oldenburg (1929); representa la desmesura y el sentido espectacular de la cultura americana.

C. Oldenburg, hamburguesa, 1962

C. Oldenburg, Pinza, 1976

Claes OLDENBURG Lipstick (ascending) on Cartepillar tracks (1969-1974)

Claes OLDENBURG Pinza (1976)

NEODADAISMO • • • •

Sucesores de los expresionistas abstractos Valoran los materiales asumiendo su forma, color, dureza … Estaban mucho más vinculados a la realidad inmediata. Con ellos surge la práctica del assemblage; presentan los objetos en sus obras como lo que son, fragmentos de la realidad escogidos por sus cualidades matéricas.

• basura y azar son los elementos fundamentales para restablecer un vínculo entre arte y sociedad.

R.Rauchemberg, Monogram, 1955-59

Robert Rauschenberg. Trophy II (for Teeny and Marcel Duchamp), 1960 oil, charcoal, paper, fabric, metal on canvas, drinking glass (not original), metal chain, spoon 90 x 118 in.

Las arquitectura en los años cincuenta y sesenta. El Estilo Internacional

En 1938 Mies van der Rohe emigra a EE UU huyendo de los nazis. Aquí realiza múltiples obras. Por fin en 1951 levanta su edificio soñado, un edificio de cristal que consta de una planta rectangular y un prisma, el edificio Seagram en Nueva York, que termina en 1958. El edificio Seagram se convertiría en el arquetipo del Estilo Internacional, que será denostado por sus críticos, tildándolo como "una arquitectura de cajas de acero y vidrio".

Instituto Tecnológico de Chicago. 1938.

Lake Shore Drive. Chicago. 1951.

Ludwig MIES VAN DER ROHE Edificio Seagram (1958)

Neue Nationalgalerie. Berlín. 1968.

Farnsworth House. Plano. Illinois. 1951.

La Casa Farnsworth, o casa de cristal, diseñada y construida entre 1946 y 1951, esta obra representa uno de los mejores ejemplos de la arquitectura de vivienda unifamiliar del siglo XX, y en general de la Arquitectura Internacional. La casa, construida en acero y vidrio, es una muestra más del amor de Mies va der Rohe por la sencillez arquitectónica y la perfección en los detalles constructivos. Esta obra constituye uno de los ejemplos pioneros y paradigmáticos del minimalismo: los únicos elementos que destacan en la construcción son los tres planos horizontales que forman la terraza y el suelo y techo de la vivienda, soportados perimetralmente por los pilares, que no llegan a perforar los planos.

El Ayuntam iento de Saynatsaelo o Säynätsalo

De las obras más importantes del arquitecto finlandés Alvar Aalto y fue construido entre 1950 y 1952. Una de sus características más importantes es el patio central, el cual está elevado la altura de un piso respecto al terreno exterior. La sala de consejos también destaca en este complejo al tener una estructura novedosa en aquellos tiempos.

Alvar Aalto, Auditorium de la Universidad Politécnica de Helsinki, Finlandia.

La Ópera de Sídney o Casa de la Ópera de Sídney, situada en la ciudad de Sídney, estado de Nueva Gales del Sur, Australia, es uno de los edificios más famosos y distintivos del siglo XX. Declarado en 2007 Patrimonio de la Humanidad, fue diseñado por el arquitecto danés Jørn Utzon en 1957 e inaugurado el 20 de octubre de 1973. Es una construcción expresionista con un diseño radicalmente innovador, conformado por una serie de grandes conchas prefabricadas, cada una tomada de la misma semiesfera, que forman las bóvedas de la estructura.

ARTE CONCEPTUAL

El arte conceptual se desarrolló a finales de la década de los sesenta e inicios de los ochenta del siglo XX. Los orígenes se encuentran en la obra de Marcel Duchamp.  La característica principal de esta corriente es el predominio de los elementos conceptuales sobre los puramente formales. Así pues, el arte conceptual es una forma de expresión que intenta evitar el estímulo óptico a favor de los procesos intelectuales que el público es invitado a compartir con el artista.  No obstante, por su carácter efímero, el arte conceptual dejó pocas obras en los museos. Sólo quedaron las fotografías y las declaraciones impresas (libros, catálogos y folletos) sobre los proyectos. 

“Una y tres sillas”, de Joseph Kosuth

ARTE CONCEPTUAL

ARTE CONCEPTUAL- LAND ART

Nicolás García Uriburu. Coloración del Gran Canal de Venecia (Colouring of the Grand canal in Venice) 1968

ARTE CONCEPTUAL- LAND ART

ARTE CONCEPTUAL – BODY ART

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Ms. Abramovic and the German artist Frank Uwe Laysiepen, known as Ulay, performing "Rest Energy."

ARTE CONCEPTUAL – «HAPPENINGS» 

Happening. Del inglés “suceso o acontecimiento”, designa una manifestación en la que el autor pretende implicar al espectador usando elementos que no le dejen indiferente.

VIDEOS 

Mariana Abramovic (body art) 

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Joseph Beuys (body art) 

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http://www.youtube.com/watch?v=nCqQu624x28

http://www.youtube.com/watch?v=e5UXAqpSJDk

Allan Kaprow (happenings) 

http://www.youtube.com/watch?v=LHiXLqsZCt4

REFERENCIAS            

http://www.arteespana.com/dadaismo.htm http://www.marcelduchamp.net/L.H.O.O.Q.php http://www.artknowledgenews.com/schirn-kunsthalle-themaking-of-art.html http://www.youtube.com/watch?v=Mm7zKd3uc6o&feature=rel ated http://www.artstudiomagazine.com/historiaarte/minimalismo.html http://alexandrakingsley.com/2011/09/spidermamas-judybudnitz-louise-bourgeois-and-kristevas-abject/ http://www.artelista.com/arte-conceptual.html http://www.nicolasuriburu.com.ar/es/ngu.htm http://queaprendemoshoy.com/%C2%BFque-es-el-arteconceptual/#.T45LjvVTAlQ http://www.youtube.com/watch?v=e5UXAqpSJDk http://www.youtube.com/watch?v=nCqQu624x28 http://www.youtube.com/watch?v=LHiXLqsZCt4

Arte conceptual

O idea art, es un movimiento artístico en el que las ideas dentro de una obra son un elemento más importante que el objeto o el sentido por el que la obra se creó. En muchos casos la idea es la obra en sí misma, quedando la resolución final de la obra como mero soporte.

Yoko Ono

Arte conceptual Movimiento artístico que surge a finales de los años 60 en Estados Unidos y que reivindica la importancia del proceso teórico-mental. La idea de la que parte el artista -el concepto- es toda la obra de Arte. Bocetos, apuntes, maquetas y conversaciones suelen formar parte de la exposición, aunque el Arte Conceptual no es un movimiento monolítico, por lo que sus manifestaciones son tan diferentes como lo son las obras de Walter de María, Richard Long, Gilbert y George, el grupo Art y Lenguage, Weiner, Joseph Kosuth y tantos otros. El Dadaísmo de los años 20 que tiende a desarticular la estructura clásica de la obra está en los antecedentes del Arte Conceptual que, dependiendo del concepto, evolucionaría en los años 80 por caminos

Arte conceptual : principales representantes Antoni Muntadas Artur Barrio Rogelio López Cuenca Cildo Meireles Doris Salcedo Christo Ai Weiwei Tracey Emin Carmen Calvo John Baldessari Sol LeWitt Santiago Sierra Nacho Criado Marcel Duchamp Weiwei Ai Daniel Buren Gabriel Orozco Frederic Amat

Las aportaciones del arte Conceptual son; • Tiene más interés en el proceso que en la obra acabada, valorando mucho más el proyecto artístico en sí. • Refuerza la importancia del lenguaje escrito en el arte ya que todo proyecto artístico necesita unas bases teóricas. • Valora la reflexión dentro de la práctica artística. • Enfatiza la eliminación del objeto artístico en sus modalidades tradicionales. • No le interesa la estética formal en el sentido tradicional de una pintura o escultura. • Exige nuevos métodos de elaboración.

Conceptual Art o Arte conceptual :1965 - …..

EL ARTE CONCEPTUAL

• El arte conceptual, surge de la reacción violenta contra el mercado del arte, la mitificación del artista, y la materialidad de la obra en sí. • Aspectos que ya abarcaban movimientos artísticos anteriores como el pop, el land art, el arte de acción, etc., pero que todavía tenían como referente el objeto como obra artística.

ARTE CONCEPTUAL • • • • • •

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La concepción del arte conceptual es casi pura filosofía. Las Neovanguardias habían distanciado la obra del espectador, valorando principalmente el resultado de la obra final. En contra de ello, el arte Conceptual, considera que lo más importante es la idea que dio origen a la obra, no la obra en sí. Luego en el arte Conceptual más que las obras de arte importarán las reflexiones sobre qué es el arte y la idea creadora. Ya no se trata de ver, sólo de pensar... Dentro de dicha tendencia cabe casi todo, todas las reflexiones sobre si esto es o no arte: – Land art/ - Action art (Body art, perfomances, happenings...)/ - arte povera, etc. Aunque la verdad es que esta misma reflexión ya se había planteado en la obra de M. Duchamp o más recientemente en R. Rauschenberg (Dadaístas y Neodadaístas). Entre sus autores más destacados: – J. Kosuth/ - Gilbert & George/ - D. Oppenheim/ - J. Beuys/ - Christo Javacheff (Land art)/ - Y. Klein, etc

Arte Conceptual. Lugares y Fechas:  USA y Europa.  1966 en adelante. Creadores: El término es acuñado por Sol Lewitt  Sol Lewitt.  Jenny Holzer.  Joseph Beuys: “A mi me gusta América y a América le gusto yo” (Acción del coyote) / Instalaciones con fieltro.  Christo y Jeanne Claude: Edificios envueltos. Disciplinas:  Carteles luminosos.  Instalaciones.  “Acciones”. Influencias: De Marcel Duchamp (1887-1968), cuyos ready-mades abrieron una nueva forma conceptual de arte. - De Ad Reinhardt (1913-1967) y su consideración de la obra de arte como un hecho tautológico, en el que la validez del arte depende sólo de él mismo. - De la filosofía analítica, según la cual el concepto es todo aquello sobre lo que puede formularse proposiciones (niveles del pensamiento que, al margen de cualquier dato captado perceptivamente, reduce todo conocimiento al lenguaje).

Características: Interés principal:  “Art as idea as idea” (El arte como idea como idea). Otras características:  La ejecución de la obra es mecánica.  Intenta cambiar la idea tradicional de arte.  Visión de la pintura como objeto de pensamiento.  Propósito puesto no en representar la realidad, sino en prescribir un conjunto de significados, conceptos o intenciones que sean reconocidos por el intelecto.  Búsqueda de la simplicidad.  Combinación de lenguajes: especialmente el lenguaje escrito mezclado con el lenguaje de la representación pictórica.  Iconografía consistente en preguntas, ecuaciones, declaraciones o instrucciones absurdas.  Explotación máxima del potencial pictórico como canal de información.  Mezcla de materiales y tecnicas (collage, plantillas y estarcidos).

Contexto cultural:  Guerra fría.  Post Vietnam.  Crecimiento de los medios de comunicación social.

Las aportaciones del arte Conceptual son:

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Dar más interés a la idea y al proceso que a la obra acabada, valorando mucho más el proyecto artístico en sí. Reforzar la importancia del lenguaje escrito en el arte ya que todo proyecto artístico necesita unas bases teóricas. Valorar la reflexión dentro de la práctica artística. Enfatizar la eliminación del objeto artístico en sus modalidades tradicionales. Desinteresarse de la estética formal en el sentido tradicional de una pintura o escultura. Experimentar nuevos métodos de creación artística.

Algunos artistas del arte conceptual • Joseph Kosuth (1945); fue el primero en construir un manual teórico para el arte conceptual “El arte después de la filosofía”, en este afirma que la idea del arte y el arte son una misma cosa. Esta obra consta de la reunión del objeto real con sus dos formas de representación; icónica y lingüística. Kosuth crea una comparación entre las tres realidades poniendo en tela de juicio cual de las tres opciones se acerca más a la realidad. Joseph Kosuth “Una y tres sillas” 1965

J. KOSUTH. Una y tres sillas. 1965.

Y. Klein: ceremonia de pintura. (Action art).

G & G: Thirty five locations. 2003

D. Oppenheim: Stutter Pen. 1994

P. Manzoni: Mierda de artista.(Arte povera). 1961.

Ch. Javacheff: Reichstag. Berlín. 1995. (Land art)

R. Smithson: Muelle en espiral 1970. (Land art)

• On Kawara (1933); La obra de Kawara es una documentación de su vida, un registro de algunas de sus actividades cotidianas. Una de sus obras más importantes fueron los cuadros de fechas que comenzó a pintar en 1966, se trata de pequeñas superficies monocromas sobre las que Kawara escribe la fecha en la que está realizada.

Arte conceptual (Joseph Kosuth: Silla / Jenny Holzer: Protect me from what I want)

Los Nuevos Realistas: Paris 1960.• Hacia 1960, superada la postguerra, en pleno auge de la sociedad de consumo, surge un nuevo grupo de artistas jóvenes. • Se reúnen alrededor de la figura de IVES KLEIN (vienen de Niza) y el crítico de arte Pierre Restany • Firman el Manifiesto de los NUEVOS REALISTAS

NUEVO REALISMO Europa (Francia). Años sesenta

NUEVO REALISMO Europa (Francia). Años sesenta

Yves Klein, Arman (Acumulaciones o Colecciones) César (Compresiones y Expansiones) Christo (Empaquetados),…

Le jeudi 27 octobre 1960. Les Nouveaux Réalistes ont pris conscience de leur singularité collective. Nouveau Réalisme = nouvelles approches perceptives du rèel. Yves le monochrome, Martial Raysse, Restany, Arman, Tinguely, SpoerriFeinstein, Villeglé, Hains, F. Dufrêne.

• Pretenden acabar con la separación arte – vida. • Trabajan con objetos cotidianos, reciclando su carácter práctico y liberándolos de su condición de meros objetos. • Ponen el acento en el artista y en la concepción de la idea más que en la realización técnica de la misma o en el resultado.

• IVES KLEIN: – Trabaja con distintos medios, comienza pintando con rodillos para alejar la pintura de la mano directa del artista. – Patenta un color, el IKB (international Klein Blue) – Realiza exposiciones dónde la sala está absolutamente vacía y pintada de blanco. – Para él cada color es un metáfora. – El azul signigica el cielo infinito, el espacio, la libertad, la vida

– 1960: Sinfonía Monocroma: Un grupo de músicos toca una sola nota durante 10 minutos. Luego durante el silencio, dos mujeres se pintan el cuerpo de azul y lo imprimen revolcándose sobre grandes papeles blancos extendidos en el piso. – El cuerpo humano del “otro” se convierte en el pincel, el artista se limita a conceptualizar la obra y darle un contexto (Performance, Happening) en el que incluye música, teatro, etc. – Klein abre el camino del Arte conceptual y el Body art

Yves Klein

Monócromo azul. 1960 1960. Resina sintética, esponja natural y piedras sobre tabla

A partir de 1957 solo utilizará el azul ultramar. Cromatismo plano y uniforme que busca eliminar la subjetividad y manifestar la pura sensibilidad, una abstracción ligada a valores espirituales. “El azul recuerda a lo sumo al mar y al cielo; después de todo, lo más abstracto de la naturaleza tangible y visible”

El grupo de música de cámara interpreta la Sinfonía MonótonaSilencio (una sola nota mantenida durante 20 minutos, seguidos de otros veinte de silencio. Klein dirige a sus “pinceles vivientes” que presionan sus cuerpos embadurnados con el azul IK contra los lienzos extendidos sobre el suelo y la pared Yves Klein. Arte de la acción (performance). Antropometrías. 1960

La obra resultante es el residuo o recuerdo de la acción

The new revelation: printing the feelings of flesh

The new position of the painter Klein directing his “full of life” brush

Hiroshima. 1961

Antropometrías

An absolute success

Yves Klein, ANTROPOMETRÌ A 54, 1960

Yves Klein, ANTROPOMET RÌA 74, 1960

Yves Klein, ANTROPOMET RÌA 92, ca. 1960

A new language : the gold

Yves Kein, Trilogy of the monocrome

Yves Klein, Monocrome 6, 1956

Yves Klein, IKB 191, 1962. Yves Klein, Monocrome 12, 1957

Yves Klein, LE VIDE

Yves Klein, LE VIDE1

Delacroix and the feeling of « indefinable »

Immaterial sessions on the Seine

The power of fire as an outward expression of void

Bachelard and the symbolic of fire

Yves Klein, Cosmogonias

Yves Klein, escultura 16, 1957

Yves Klein, ESCULTUR S33-S34-S35, 1960

Yves Klein, samothrace

Yves Kein, The moncrome sinphony

Retrato relieve de Arman.1962

Arman. Papelera de Jim Dine. 1961

Ironías relativas al capitalismo, consumismo, modos de vida, producción masiva y seriada de

El arte como reciclaje. Como recuerdo del pasado

El arte como investigación antropológica y socioló

Compresión. 1962

César.

Sin título. 1975

• PIERO MANZONI (1933): – Parte de la realización de cuadros blancos logrados sumergiéndolos en caolín, pretende evitar todo procedimiento técnico – Plantea el arte como acto de los artistas – Realiza rollos de papel de muchos metros con una sola línea ininterrumpida, Tarros con “merde d´Artista” – Se acerca tanto al arte conceptual, como al arte póvera, como al Pop

Piero Manzoni. Escultura viva 1961

Mierda de artista. 1961

Piero Manzoni, Piero Manzoni. Artist's Shit No. 014. May 1961

Piero Manzoni, Achrome

Piero Manzoni, Achrome, 1961-62

Piero Manzoni, Artist's Breath, 1960

Piero Manzoni, huella digital del artista

Piero Manzoni, Line 1000 Meters Long

Christo.

EL ARTE COMO VIVENCIA

• Las diversas tendencias que hemos ido estudiando pretenden en el fondo superar el arte tradicional declarando que la realidad es arte, los objetos de la realidad son arte, los ambientes de la realidad son arte, las acciones de la realidad también son arte. • Con esta imperante necesidad del arte surge el “happening”.

El Happening y la Performance;  Los happenings son acciones colectivas en las que artistas y público comparten protagonismo artístico, el happening quiere apropiarse directamente de la vida a través de una acción. • Su estructura es una forma abierta con un proyecto previo, un guión donde se formula la idea de la acción dejando los detalles al azar de la evolución del evento. • La materialidad podría ser cualquier cosa, objeto, fragmento o momento de la acción. • La composición se desarrolla como un collage de acontecimientos con ciertos tramos temporales y en ciertos espacios. • La performance, es similar por ser también arte de acción, pero se diferencia en la existencia de una distinción entre performer y espectador.

Algunos artistas del arte de acción

• Allan Kaprov (1927); Su primer happening fue en 1958 con el título de “el legado de Pollock” con él aseguraba el fin de la pintura y el nacimiento de un arte de participación en el que estarían involucrados todos los sentidos y en cuya formación intervendrían todo tipo de materiales.

¿quién fue Allan Kaprow? • Inventor del happening. • Se enfrentó a su público y lo abrumó con actos simultáneos. En un inicio no interactuaba con el público, pero con el tiempo ya los incluyó.

• Los happenings producían efectos y experiencias que perduraban en la conciencia de los participantes. • Hizo más de 200 happenings.

Allan Kaprow Yard 1961 Neumáticos de coche y otros materiales Colección Feelisch

• El artista acumuló una gran cantidad de llantas en un patio donde los asistentes podían jugar un papel interactivo o permanecer como espectadores.

Philip Corner Piano activity 1962 Acción

Nam June Paik Exposición de música 1963

Nam June Paik Zen for head 1962 Acción

El Movimiento FLUXUS , otra expresión del arte de acción  Surge a principios de los años 60 en Estados Unidos como una consecuencia de la Guerra de Vietnam. Los herederos del Dadaísmo y el Surrealismo reaccionan frente al Arte institucionalizado que consideran un impedimento para la libertad creativa. La nueva realidad política y social requería de nuevos lenguajes para interpretarla y así nació Fluxus. Fue el artista lituano Georges Maciunas quien empleó por primera vez ese término latino que significa fluir, dejar correr. Era el año 1962 y pretendía subrayar el aspecto efluente de unas obras que nacen y mueren prácticamente en el mismo lugar y momento en que se crean. El Arte Fluxus aúna todas las expresiones, desde la música a las artes plásticas, y aspira a hibridar lo culto y lo popular. El resultado es una actuación interactiva en la que la participación del espectador es fundamental y el valor mercantil de la obra es prácticamente inexistente. El movimiento Fluxus pretende desacralizar el objeto y hacer Arte con la propia vida. Panfletos, carteles, y otras herramientas del mundo publicitario son casi siempre parte del espectáculo.

• El movimiento Fluxus; Su nombre está asociado a la idea de cambio, de fluir constante, de oposición a cualquier tipo de norma. Pretendían la destrucción del arte como actividad profesional cuestionando los conceptos de belleza y bellas artes. Su precursor fue Duchamp.

Fluxus,musica goteando, 1963

Fluxus, pianomundo

• Tanto la Maleta de Duchamp como la caja de Fluxus, muestran una desvinculación del soporte tradicional.

Duchamp, maleta

Fluxus, Fluskit, 1964

Joseph Beuys (1921 – 1986 )  fue un artista alemán que trabajó con varios medios y técnicas como escultura, performance, happening, vídeo e instalacion. Es considerado uno de los artistas europeos más influyentes de la segunda mitad del siglo XX.  En 1962 comenzó sus actividades con el movimiento neodadá Fluxus, del que llegó a ser el miembro más significativo y famoso. Su mayor logro fue la socialización que consiguió hacer del arte, acercándolo a todos los tipos de público

• Joseph Beuys;

elaboró una teoría artística muy

personal. Su obra, su vida y su pensamiento era un todo indivisible, de esta manera proclamaba a gritos la fusión arte vida.

En Como explicar los cuadros a una liebre muerta 1965 se puso miel y pan de oro en la cabeza y le hablaba sobre su obra a una liebre muerta que tenía entre sus brazos. En esta obra vincula factores espaciales y escultóricos, lingüísticos y sonoros a la figura del artista, a su gestualidad corporal, a su conciencia de comunicador que tenía como receptor a un animal. Beuys asumía el papel de chamán con potestad de curar y salvar a una sociedad que él consideraba muerta.

J. Beuys, Cómo explicarles los cuadros a una liebre muerta, 1965

•

Una de sus mas recordadas performance fue la de coyote 1974, en la que convivió durante tres días con un coyote, animal sagrado para los indios. Con esta acción denunciaba la destrucción de la cultura india americana.

Joseph BEUYS Beuys en Achberg (1978)

Joseph BEUYS Folleto de la Universidad Internacional Libre en la Documenta 7 (1982)

Joseph BEUYS Weiner Fridericianum ( 7000 robles ) en la Documenta 7 (1982)

Manifestación artística frecuentemente multidisciplinaria, caracterizada por la participación de los espectadores. No se focaliza en objetos sino en el evento a organizar y la participación de los espectadores. Se busca una participación espontánea del espectador, siendo producidos en lugares públicos, como un gesto de sorpresa o irrupción en la cotidianeidad.

Wolf Vostell 1932 – 1998. Alemania Dé collage

• Las acciones de Wolf impedían la participación de los asistentes. • Sus acciones terminan destruidas, son violentas. • Desarrolló un concepto conocido como dé collage (desenganchar, despegar).

• Sus obras, él las deforma, la borra, la manipula, distorsiona.

Wolf Vostell Dé collage 1963 Happening en nueve puntos de la ciudad de Wuppertal

• La colisión ente un tren a 130 km por hora con un Mercedes estacionado sobre la vía.

Accionismo vienés 1960 - 1971

Gunter Brus • En 1965 fundó junto con Hermann Nitsch, Otto Muehl y Rudolf Schwarzkogler el Accionismo vienés. Sus acciones consistían en parte en exploraciones radicales de la propia corporeidad, en las que tanto su capacidad de intérprete como la capacidad de percepción de los espectadores eran sometidas a pruebas extremas.

• Por ejemplo, Zerreissprobe (Prueba de desgarro) representada en Munich en 1970 incluía automutilaciones. • La acción Kunst + Revolution (Arte + Revolución) le valió en 1968, tras un proceso de investigación, una condena de varios meses, de la que se evadió huyendo con su familia a Berlín.

• Desde 1969 hasta 1979 vivió en Berlín, y a partir de entonces en Graz. Desde la década de 1970, ha centrado principalmente su actividad en la pintura y el dibujo. • La obra de Günter Brus ha estado presente en numerosas exposiciones internacionales, como la Documenta V y VII de Kassel y las bienales de Venecia y Sidney

• A Gunter Brus se le considera el padre del body art. • Llegó a decir que la destrucción era un elemento fundamental de su arte.

• Este grupo de artistas hacían automutilaciones, usaban animales muertos, destruir superficies pictóricas, sacrificaban animales, hacían orgías, simulaban violaciones. • Sus trabajos se caracterizaron por la violencia, lo grotesco, lo radical, estaban en contra del arte tradicional.

Fueron perseguidos por la ley, asociaciones religiosas y ecologistas.

Gunter Brus Auto decoración 1964 Acción Viena

Hermann Nitsch Escena del Teatro de los misterios orgías Acción 1975 Austria

Rudolf Schwarzkogl er Wedding 1965 Acción Viena

Marta Minujin

Spencer Tunick

Performance

Muestra escénica, muchas veces con un importante factor de improvisación, en que la provocación o el asombro, así como el sentido de la estética, juegan un rol principal.

Body Art

Se trabaja con el cuerpo como material plástico, se pinta, se calca, se ensucia; el cuerpo es el lienzo o el molde del trabajo artístico. Está enmarcado en el arte conceptual.

Se modifica alguna o varias de las propiedades de un espacio, que pasa a ser un espacio artístico por el simple hecho de que un artista decida desarrollar sobre él su actividad. Su condición de obra de arte no es evidente en un sentido material, puesto que la mayor parte de las veces estas intervenciones son por su propia naturaleza de arte efímero.

LAND ART • A lo largo de la historia del arte se ha representado el paisaje desde diferentes puntos de vista; • Con el arte clásico se buscaba un ideal poético de belleza. • Los impresionistas buscaban la representación de la luz de una manera más científica inaugurando así la exploración del paisaje en la pintura moderna. • Tras el desarrollo industrial, la máquina se vuelve protagonista y las vanguardias pierden interés por la naturaleza. • A finales de los años sesenta con el minimalismo y su concepción del espacio y la escultura se preparaba el camino del land art.

Vermeer de Delft, 1660-61

Robert Morris, Sin título (cubos de espejo), 1965

C, Monet, impresión atardecer, 187

R. Smithson, muelle en espiral, 197

Finalidad del Land art Su finalidad es producir emociones plásticas en el espectador que se enfrenta a un paisaje determinado. El principio fundamental del Land Art es alterar, con un sentido artístico, el paisaje, para producir el máximo de efectos y sensaciones al observador. Se pretende reflejar la relación entre el hombre y la tierra, el medio ambiente y el mundo, expresando al mismo tiempo el dolor, debido al deterioro ambiental del clima que existe hoy en día. Lo principal es la interacción del hombre-artista con el medio ambiente.

• El Land art hace que los espacios del paisaje se conviertan en obra de arte tras alguna intervención sobre su estado natural. • Las obras de land art son dadas a conocer al público a través de la fotografía, de films, videos y TV. Por tanto el documento que nos queda del momento efímero de la obra de arte pasaría a ser la obra en sí.

Algunos artistas del Land art • Robert Smithson (1938-1973); sus obras minimalistas basadas en apilamiento de objetos y repetición modular. Poco a poco los objetos que apilaba pasaron a tener relación con la naturaleza; piedras, conchas, arena…

R. Smithson, Un no lugar, R. Smithson, Yucatan New Jersey, 1968 desplazamiento de espejos, 1969

• Christo Javacheff (1935); su principal interés era crear focos de atención sobre fragmentos del paisaje natural.

Christo Javacheff, Bulgaria 1935

Christo Javacheff. “Isla rodeada” 19

• Richard Long (1945); Long adopta en sus obras el papel de profundo mediador entre el hombre y su entorno. Explora a pie parajes deshabitados y documenta los recorridos para dar fe de su existencia.

R. Long, campamento de piedras, R. Long, una línea en Irlanda, 1974Sierra Nevada, España, 1985

Artistas de Land art

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Richard Long Robert Morris Robert Smithson Christo y Jeanne Claude Michael Heizer Nicolás García Uriburu

Robert Smithson Robert Smithson (Nueva Jersey, 2 de enero de 1938 – 20 de julio de 1973) fue un artista contemporáneo del movimiento llamado Land Art. Estudió pintura y dibujo en la ciudad de Nueva York. Su tipo de pintura preferida es la pintura abstracta, tipo de pintura que dejó para consagrarse, a partir de 1962, a la escultura. Comenzó a trabajar en los lugares suburbanos, empleando para sus trabajos el término Earth Works (obras de tierra).

Espejo de Yucatán

Espiral Jetty

Circulo Roto

Rober SMITHSON Spiral Jetty (1970)

Robert SMITHSON Broken circle (1971)

• CHRISTO: (1935) – Comienza empaquetando pequeñas cosas, (revistas, fotografías) y acaba empaquetando islas y edificios. – Obras efímeras, grandiosas, anticonvencionales – Influyó mucho en el campo de la publicidad – Se lo reconoce como el representante del Land Art

Christo y Jeanne Claude Christo Javacheff (n. Gabrovo, Bulgaria, 13 de junio de 1935) y Jeanne-Claude (Casablanca, Marruecos, 13 de junio de 1935 Nueva York, Estados Unidos, 18 de noviembre de 2009)[1] conformaban un matrimonio de artistas que realizaban instalaciones artísticas ambientales, similares al Land Art. Se caracterizan, principalmente, por utilizar tela para envolver gigantescos edificios o cubrir extensas áreas públicas. Han realizado sus instalaciones en diferentes países: en el año 1995 forraron el edificio del Reichstag en Alemania y en 1985 cubrieron el Puente Nuevo en París. También construyeron una cortina de 39 kilómetros de largo, llamada "Running Fence", en la comuna francesa de Marin en 1973. Su trabajo más reciente fue "The Gates" (2005), el que consistió en instalar 7.503 marcos metálicos en el Central Park de Nueva York.

• Christo Javacheff (1935); su principal interés era crear focos de atención sobre fragmentos del paisaje natural.

Christo Javacheff, Curtain

Christo Javacheff. “Isla rodeada” 1980-83

1980-3

CHRISTO Umbrella project (1991)

1984-91

Christo and Jeanne-Claude wrapped coast, australia, 1968-69

Christo and Jeanne-Claude

Intervenciones (Christo y Jeanne Claude: Reichstag, Puertas en Central Park)

CHRISTO Reichstag (1995)

1995

Puertas. Central Park

Comienzos de el arte instalación • La instalación artística es un género de arte contemporáneo que comenzó a tomar un fuerte impulso a partir de la década de 1970 • Los artistas de instalaciones por lo general utilizan directamente el espacio de exposición • La mayoría de veces obra es transitable por el espectador y este puede interaccionar con ella. • Se han señalado como los orígenes de este movimiento

Instalación

El artista utiliza, como parte de la composición, el propio medio (como paredes, piso, luces e instalaciones) además de objetos diversos. En muchas ocasiones, los materiales escogidos, llenan el espacio y el espectador es invitado a moverse alrededor de la obra o interactuar con la pieza, en esos casos el espectador mismo deviene parte de esa obra en ese preciso momento.

David DiMichele

Artistas artistas como Marcel Duchamp y su uso de objetos cotidianos re significados como obra artística, Artistas tan diferentes como Helio Oiticica, Bruce Nauman, Joseph Beuys, Daniel Buren,Wolf Vostell, Nam June Paik, Marcel Broodthaers o Antoni Muntadas son artistas que han trabajado en uno u o otro sentido la instalación.

obras

Lugar:Oakville,Ontario,EE.UU Artista :Kristiina Lah Año:2011

• La instalación trata de crear no tanto objetos, sino ambientes, entornos de vivencia estética, emotivas, sensoriales, sensuales e intelectuales. • Se pretende excitar todos los sentidos, desde el oído al olfato (cualidades sensoriales o perceptivas), a las emociones instintivas, sorpresa y miedo al juego de las pasiones puramente intelectuales que pueda establecer cada espectador

Nele Azevedo

Op Art

Surge en EE.UU. hacia 1958. La primera exposición oficial tiene lugar en el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1965 y se tituló "The Responsive Eye" (El ojo sensible). Ese mismo año, Vasarely, cuyos experimentos ópticos se remontan al año 1932, recibió el primer premio de la Bienal de São Paulo. En Europa, el Op-art surgió a mediados de los años sesenta como un movimiento denominado nueva tendencia en el que se engloban varios grupos diferentes de artistas. El Op-art tuvo una gran aceptación popular, aunque muchos críticos lo calificaron como "poco inteligente". Muchos de los diseños de las obras "op" fueron explotados con fines comerciales por la industria de la moda, de los tejidos y de la publicidad. Esta saturación del diseño "op" contribuyó a la banalización y rápido envejecimiento de este estilo artístico.

Victor Vasarely Cheyt M.

Victor Vasarely K- Tridem

Victor Vasarely Vonal Ksz

CARACTERÍSTICAS •

Ausencia de figuración o de referencias subjetivas de carácter emocional.

•

Creación de efectos visuales (vibración, parpadeo, movimiento aparente, muaré) mediante tramados, líneas sinuosas paralelas, contrastes bi o policromáticos, cambios de tamaño, inversiones de figura y fondo, seriaciones, repetición y multiplicación de estructuras, combinaciones de formas y figuras ambiguas .

•

Composiciones estructuradas mediante espacios geométricamente ordenados de diferente tamaño o mediante módulos repetitivos y en variación.

•

Participación del observador: en muchos casos el observador necesita moverse delante de la obra para apreciar toda la gama de efectos ópticos.

•

Empleo frecuente de pintura acrílica para conseguir colores impecablemente lisos y uniformes.

•

Colores planos de contornos netos (hard edge).

En Europa, el op-art surgió a mediados de los años sesenta como un movimiento denominado nueva tendencia en el que se engloban varios grupos diferentes de artistas.

El op-art tuvo una gran aceptación popular, aunque muchos críticos lo calificaron como "poco inteligente". Muchos de los diseños de las obras "op" fueron explotados con fines comerciales por la industria de la moda, de los tejidos y de la publicidad. Esta saturación del diseño "op" contribuyó a la banalización y rápido envejecimiento de este estilo artístico.

ARTE CINÉTICO 

Arte cinético es arte que se mueve o aparenta moverse.

ARTE CINÉTICO – ALEXANDER CALDER

ARTE OPTICO Y CINÉTICO 1960 - 1965

• Pretende se símbolo de una época de grandes cambios e innovaciones tecnológicas • El artista deja de expresar su yo interior y se convierte en un investigador científico • Se concentra en la noción de movimiento real o sugerido y la forma de introducirlo en las pinturas.

• Utilización de recursos ópticos producto de los estudios y teorías de la forma y la percepción de la Psicología de la Gestalt • Utilización de formas geométricas que generan vibraciones en la retina generando sensaciones de movimiento • El arte Cinético (específicamente) tiene como antecedentes a Naum Gabo (Varilla Vibrante), Calder (móviles), Man Ray y Duchamp (fotorelieves), Moholy Nagy (experimento sobre geometría y percepción ambigüa

• El arte óptico y el cinético se valen de estas situaciones donde la percepción resulta ambigua. • El Op art tiene su propio centro de investigaciones en Paris donde trabajan artistas Europeos y Sudamericanos: • Victor Vassarelly (1908): Obsesionado con el movimiento publica en 1955 (en la documenta de Kassel) el manifiesto amarillo en el que sostiene: “el porvenir nos reserva felicidad y una nueva belleza plástica que se mueve y nos conmueve”

• Pretende que la pintura se mueva de manera que sólo se completa la obra cuando es observada por el público • Utiliza el blanco y el negro, formas geométrica y movimiento virtual • Otros artistas: – Jesús Rafael Soto (Venezuela, 1923): en París desde 1950, trabaja con Varillas y tramas lineales superpuestas que generan interesantes vibraciones – Bridget Louis Riley

• • • •

Julio Le Parc (Argentina, 1928) García Rossi (1928) Francisco Sobrino (España, 1932) Todos trabajan en el Centro de Investigaciones de Arte Visual (Fundado por Vassarelly) dónde realizan obras colectivas, instalaciones, objetos de utilidad práctica, etc., utilizando materiales industriales e incorporando nuevas tecnologías

• Continúan el sueño vanguardista de unir vida – arte – sociedad – ciencia – tecnología e industria. • Tres momentos en la obra del Op y Cinético (no son correlativos) – Obras bidimensionales con efectos visuales de movimiento virtual – Obras tridimensionales con efectos visuales de movimiento virtual – Obras bi o tridimensionales con movimiento real

• El arte Óptico tiene su centro en Paris, pero alcanza difusión en poco tiempo: – Grupo Zero en Alemania – Grupo Nul en Países Bajos – En 1968 está en todos los circuitos artísticos (galerías, salones, museos, crítica, etc.) – En 1970 pierde el protagonismo artístico y pasa a formar parte de una moda, ropa, discos, tapas de revistas, carteles, publicidades, etc., se apropian de su repertorio

CARACTERÍSTICAS

-Es una corriente artística abstracta -Engaña al ojo humano mediante ilusiones ópticas -Utiliza estructuras de repetición con un orden claro

-Creación de efectos visuales: -vibración, -parpadeo, -movimiento aparente, efecto muaré

Se forma cuando se superponen dos rejillas de líneas con un cierto ángulo

Crea efectos visuales mediante la utilización de:

-repetición y multiplicación de estructuras -contrastes cromáticos

Crea efectos visuales mediante la utilización de:

-repetición y multiplicación de estructuras -contrastes cromáticos

Crea efectos visuales mediante la utilización de:

-tramados

Crea efectos visuales mediante la utilización de:

- líneas paralelas sinuosas

- Participación del observador: en muchos casos el observador necesita moverse delante de la obra para apreciar toda la gama de efectos ópticos.

- Muchas veces utilizan colores planos, con empleo frecuente pintura acrílica para conseguir colores lisos y uniformes

Alexander Calder, Red Mobile, 1956

ANTECEDENTES • MOHOLY NAGI

Moholy Nagy,

Victor Vassarelly

Victor Vasarely, BoglarBleu

Victor Vasarely, Boo

Victor Vasarely, E.G.

Victor Vasarely, Serigraphie Originale. Avec une Etude de Imre Pan

Victor Vasarely, Taymir

Victor Vasarely, Tlinko 22

Victor Vasarely, Yapoura

Bridget Riley

Bridget Riley, Arcane

Bridget Riley, Corriente

Bridget Riley, Corriente1

Bridget Riley, Mosaic

Jesus Rafael Soto

Jesus Rafael Soto, Ambivalencia diagonal virtual, Venezuela

Julio Le Parc

Julio Le Parc, Desplazamientos

ARTISTAS

Victor Vasarely (Hungría; 1908), Berlewi, Jeffrey Steele, Julio Le Parc (Argentina, 1928),

Eusebio Sempere (España; 19231985), Josef Albers (Alemania, 1888-1976), Bridget Riley (Inglaterra, 1931), entre otros.

Bridget Riley: "Study for Chant I". "Corriente"; 1964.

Bridget Riley

Bridget Riley

Eusebio Sempere: "Collage"; 1964.

Eusebio Sempere (España, 1923-1985) La belleza de los espejismos ópticos y los mágicos efectos de los diseños geométricos son las características de su obra. Su obra está definida por la linealidad y por la repetición de sus figuras geométricas, buscando efectos ópticos en los que el color contribuye poderosamente a crear el volumen y efecto deseados.

Eusebio Sempere

Victor Vasarely

Victor Vasarely

Victor Vasarely

Victor Vasarely

Victor Vasarely

Victor Vasarely

Victor Vasarely

Victor Vasarely

Julio Le Parc, Esculturas contorsiones

Julio Le Parc, Juegos

Julio Le Parc, Juegos

Julio Le Parc, Relieves1

Julio Le Parc, Relieves2

Julio Le Parc, Sin título,

PAUL BURY

Pol Bury, 2000 Billes sur un Plateau, No. 5 of 8, 1971

ARTE CINÉTICO

alexander Calder, Aula Magna, Las Nubes 1953,

Alexander Calder

Jean Tinguely Es famoso por sus "máquinas escultura" o arte cinético, entroncado en la tradición Dada; conocido oficialmente como metamecánica. A través de su arte Tinguely satirizó la sobreproducción sin sentido de bienes materiales por parte de la sociedad industrial avanzada. Tinguely creció en Basilea, pero se mudó a Francia en su juventud para desarrollar su carrera artística. Perteneció al movimiento de avantgarde parisino de mediados del siglo XX y fue uno de los artistas que firmó el manifiesto Neorealista (Nouveau réalisme) en 1960

Tinguely, Baluba III

Tinguely, El Heureka, Zurich

Tinguely, Smaller Tinguely, behind glass; The Sorceress of 1961

Tinguely, ciclope cabeza 1970

OTRAS VERTIENTES FRÍAS • Como el Op y el Cinético, otras vertientes reaccionan contra el informalismo y el pop: – La Abstracción Fría o Hard Edge (ver Abstracción – El Minimal Art.

MINIMAL ART • Trabaja con la Literalidad del objeto, pretende huir de cualquier metáfora. El objeto por sí solo • Lo Menos e lo Más y Lo Más es lo Menos

MINIMALISMO El minimalismo es una corriente estética derivada de la reacción al pop art. Frente al colorismo, a la importancia de los medios de comunicación de masas, frente al fenómeno de lo comercial y de un arte que se basaba en la apariencia, el minimalismo barajó conceptos diametralmente opuestos.  El sentido de la individualidad de la obra de arte, la privacidad, una conversación conceptual entre el artista, el espacio circundante y el espectador. Así como la importancia del entorno como algo esencial para la comprensión y la vida de la obra. 

MINIMALISMO – DONALD JUDD

MINIMALISMO – DAN FLAVIN

Donald Judd

Donald Judd, Untitled,1985

Robert Morris (1931)

Robert Morris, 39 minutos 3879 trazos

Robert Morris, Untitled of 1967

Sol Lewitt

Sol LeWitt, Isometric Projection #13, ink and pencil drawing on paper 1981

Sol LeWitt, Tower,

Tony Smith

Tony Smith, Free Ride, 1962

Tony Smith, Light Up

Dan FLAVIN Sin título (1996)

Dan FLAVIN Sin título

Barnett NEWMAN Obelisco roto (1963)

Hiperrealismo (1965 a la actualidad )

Hiperrealismo USA. Finales de los sesenta como derivación del POP: Hiperrealismo USA. Finales de los sesenta como derivación del POP El hiperrealismo hace con la fotografía lo que antes hizo el pop con el cómic, las revistas y la publicidad: crea imágenes a partir de imágenes. Pretende la objetividad absoluta, como una mirada deshumanizada, desapasionada, mecánica, de trozos de la realidad cotidiana. Pero paradójicamente esto le convierte en pintura subjetiva, pues capta mucho más de lo que el ojo humano ve, con una nitidez y ampliación de detalle que sólo existe en la ficción cinematográfica Richard Estes. Hotel Holanda. 1984: Richard Estes. Hotel Holanda. 1984 PowerPoint Presentation: Estes, Richard .-Central , 1975 Estes, Richard .-Cafe Express. 1975 Cabinas telefónicas: Cabinas telefónicas PowerPoint Presentation: R. Goings. Paul's Corner PowerPoint Presentation: C. Close. Linda

SE NUTRE CON

TRAMPANTOJO FOTOGRAFIA PRECISIONISMO

Buscan una transcripción de la Conseguir el realidad mismo Las pinturas dan detallismo y la impresión de encuadre que ser fotos ofrece la gigantes fotografía Cuidan mucho las dominan a la proporciones, perfección técnicas las luces, los de perspectiva y reflejos y las puntos de fuga. sombras SE CARACTERIZA POR

Hiperrealismo USA. Finales de los sesenta como derivación del POP

El hiperrealismo hace con la fotografía lo que antes hizo el pop con el cómic, las revistas y la publicidad: crea imágenes a partir de imágenes. Pretende la objetividad absoluta, como una mirada deshumanizada, desapasionada, mecánica, de trozos de la realidad cotidiana. Pero paradójicamente esto le convierte en pintura subjetiva, pues capta mucho más de lo que el ojo humano ve, con una nitidez y ampliación de detalle que sólo existe en la ficción cinematográfica

Hiperrealismo Richard Estes

Richard Estes. Hotel Holanda. 1984

Estes, Richard .-Cafe Express. 1975

Estes, Richard .-Central , 1975

Cabinas telefónicas

R. Goings. Paul's Corner

C. Close. Linda

Chuck Close

Jonh Kacere

John de Andrea

DUANE HANSON

Duane Hanson

Antonio López. Lavabo y espejo. 1968

La nevera. 1968

María. 1972. Lápiz sobre papel

La Gran Vía. 1974-81

Figuración Europea

Lugares y Fechas:  1940 en adelante.  1970 se funda la “Escuela de Londres”.  Se expande la tendencia por toda Europa. Creadores:  Balthus: Crea una calma inquietante tratando las desgracias de forma oblicua. “Juego de cartas”.  Lucien Freud: Nieto de Sigmund Freud. Trabaja con la vulnerabilidad del ser humano. Cultiva la observación cruel. “Autorretrato con zapatillas”.  Francis Bacon: Expresa la violencia que según el es “Inherente al acto de pinatr”  Frank Auerbach: Disciplinas:  Pintura: Óleo sobre tela.

Características: Interés principal:  Recuperar la figuración en plena época de abstracción. Otras características:  Cultivaban cierta veta intimista.  Manifestaban cierta excentricidad.  Trabajaban en aislamiento.  Tenían interés por las composiciones clásicas.  Realizaban retratos, interiores y trípticos.  Buscaban representar actitudes corporales. Contexto cultural:  1968: Mayo Francés.  1970: Mueren Jimi Hendrix, janis Joplin y Mark Rothko.  1971: Led Zeppelin estrena “Stairway to Heaven”.  1972: USA se retira de Vietnam.  1975: Muere Franco en España.  1977: Premio Nobel de la paz a Amnesty International.

Figuración Europea Francis Bacon (Autorretrato)

Francis Bacon o la pintura que es carne... Los cuerpos que se vuelven como del revés, se retuercen, se estiran, se encogen... el rojo de la sangre... La pintura de Bacon nos devuelve a nosotros mismos, actua como un espejo deformador, violento, desesperado, y sin embargo todo está tranquilo... silencioso... Sus imágenes, a su vez, se reflejan, se multiplican a menudo en dípticos, en trípticos... que a su vez se multiplican en estudios, esbozos,... Sus autorretratos buscan al Bacon hombre con una insistencia inusitada... Bacon coge el exterior de sus modelos y nos devuelve el interior, sus paisajes son planos, a menudo un sólo color... persigue la figura, la forma... Una entrevista... en un francés dubitativo... la pintura como accidente, el arte abstracto como nada, las drogas, la creación, el subconsciente...

Figuración Europea (Lucien Freud: Mujer, Muchacha desnuda)

LA POSTMODERNIDAD.   

La Postmodernidad es un fenómeno social que tiene su reflejo en el arte. Coincide con la década de los años ochenta, en la que cierto conformismo libera al arte de la rebeldía que lo había caracterizado desde el S. XVIII. Se apuesta así por: – – – – –





Un arte que defiende el sentimiento sobre la razón. Que niega normas y reglas. Que confunde premeditadamente arte culto y arte popular. Que defiende la vuelta al arte tradicional y a los valores artísticos de otras épocas. Y sobre todo que exige primordialmente la plena libertad creadora del artista.

Un arte tolerante en el que todas las mezclas son posibles y en el que casi todo vale: del graffiti a la fotografía, del perfomance a la figuración y a la abstracción, lo “kitch” como forma artística. Con estos planteamientos es de imaginar que las propuestas postmodernas fueron numerosísimas. Si señalamos las principales y sus autores protagonistas, serían las siguientes: – Transvanguardia italiana (F. Clemente// S. Chia) – Bad painting en USA (E. Fischl//J. Schnabel// J. Koons) – Arte Urbano (J. M. Basquiat// K. Haring) – Neoexpresionismo alemán (A. Kieffer// G. Baselitz)

Transvanguardia italiana

F. Clemente: Autorretrato. 1982.

F. CLEMENTE. Sin título. 1984.

El rey araña oscureciendo el sol. 1990.

F. Clemente: Tierra. 2006.

S. Chía: Mater certa. 1990.

S. Chía: Rough times 2004.

E. TATAFIORE. Sin título. 1996.

Bad painting. USA.

E. Fischl: Chico malo. 1981.

J. SCHNABEL. Tipo étnico. 1984.

Ritu Quadrupedis. 1987.

D. SALLE.

Sestina. 2002. Dual aspect picture. 1986.

D. SALLE.

Banco. 2006.

J. Koons: Conejo. 1986.

Arte Urbano.

K. Haring: Sin título. 1982.

K. Haring: Sin título. 1984.

K. Haring: Sin título. 1982.

Arte Urbano.

K. Haring: Sin título. 1982.

K. Haring: Sin título. 1984.

K. Haring: Sin título. 1982.

J. M. Basquiat: Luna de Cadillac. 1981.

J. M. Basquiat: Sin título. 1984.

K. Scharf: Bench. 2006.

Neoexpresionismo alemán

G. Baselitz: Los hijos del olmo. 1981.

A. KIEFER. Al pintor desconocido. 1983.

Varus. 1976.

Nuremberg. 1982.

G. BASELITZ.

Motivschimmel-Zerbrochene Brucke. 1986.

Dama del sur. 1994. Mamá folklore. 1997.

Im Wald und auf der Heide (Der Auftritt). 2005.

A.R. PENK

Posición. 1971.

España postmoderna.

M. Barceló: Capilla de Sant Pere. Catedral. Mallorca. 2007.

MIQUEL BARCELÓ • •

•

•

Sin duda la figura más emblemática del panorama pictórico español es Miquel Barceló. Heredero de la postmodernidad con tintes neoexpresionistas le da a su pintura una fuerza y una alegría especiales. Su pintura como la de tantos grandes autores se aleja no obstante de las corrientes generales y varía su estilo con los años. Es el estandarte de una generación que vuelve a dar nombres importantes al panorama pictórico español: J.María Sicilia; J. Manuel Broto; Guillermo Pérez Villalta; Jorge Gay; Víctor Mira; Juan Uslé; Ferrán García Sevilla...

Le Louvre, grande galerie. 1985.

Pirogue bartolée. 1988

Femme portant une théière. 1988

Naranjas y tomates. 1987.

Ocho palos. 1987.

Taula amb pop i calamar. 1991.

6 1/2 Citrons. 2004.

Capilla de Sant Pere. Catedral. Mallorca. 2007.

J.Mª Sicilia: La luz que se apaga II. 2003.

J. M. Broto: Intervalo VI. 2003.

Jorge Gay: El viaje y la quietud 1999.

V. Mira: Homenaje a Bach.

J.Uslé: Bocanegra. 2001.

J.Uslé: Umbral. 2001.

G. PÉREZ VILLALTA.

Batalla. 2004.

ARTE DEL SIGLO XXI • • • • • •

El arte actual podemos definirlo como un torrente de creatividad. Nunca como ahora ha habido más variedad de soportes artísticos: los tradicionales y los nuevos (Infoarte, netart, video arte, instalaciones...) Y nunca como ahora ha habido más multitud de propuestas y estilos creativos, al no haber dogmas ni manifiestos, e imponerse una absoluta libertad. Nunca como ahora la masa social se ha involucrado tanto en el mundo artístico (turismo cultural, grandes exposiciones, ferias de arte, el diseño o la moda) Es tal la cantidad y variedad de obras y artistas que su sistematización y estudio es muy difícil hoy en día. Además también es cierto que mucho del arte actual es provocador y conceptual, y ello provoca una permisividad cercana al “todo vale”. Es probable por ello que mucho del arte actual, no pase la criba de la Historia.

Lo último en pintura. •

• • • •

En la pintura actual no hay principios ni tendencias: abstracción en múltiples formas; conceptual, realismo... Entre los pintores realistas destacan E. Peyton o J. Currin. Entre los abstractos: P. Halley, A. Oehlen En el arte conceptual las propuestas son numerosas pero se impone la obra de C. Wool También hay un “arte banal”, heredero del Pop, del arte urbano y del kitch, y reforzado con plásticas tan actuales y populares como la de los videojuegos, los dibujos animados o la estética manga: – Autores: M. Majerus, o Y. Nara J. Currin: The cripple. 1997.

JOHN CURRIN.

J. Currin: Ann-Charlotte. 1996.

ELIZABETH PEYTON.

Meg with a broken arm (Meg White),

Piotr. 1996

PETER HALLEY.

Plan B. 2001 Sin título, prisión roja, celda amarilla. 2003

Ancillary Control. 2001

SOL LEWITT.

Arcs and Bands in Color 2. 1999

A. OEHLEN

(durch die) rose Brille. 2006

C. WOOL.

Sin título. 1990

Las formas de la escultura.

L. Bourgeois: El nido.

MINIMALISMO – LOUISE BURGEOIS

L. Bourgeois: Arañas. Rockefeller Center. 2001.

J. Koons: Three Ball Total Equilibrium Tank (Two Dr J Silver Series, Spalding NBA TipOff). 1985.

J. Koons: Balloon dog. 2003.

Swetlana Heger: Playtime (SH vistiendo adidas). 2002.

J. Opie: Se cree que algunos dinosaurios son más rápidos que los guepardos. 1991.

M. NAVARRO.

Fluido en la urbe. 2004.

P. Piccianini: Prince. 2005.

P. Piccianini: Big Mother. 2005.

N. Ospina: Dignatario. 1999.

N. Ospina: Ídolo con muñeca. 2000.

Nuevas alternativas artísticas

B. Newman: The True Artist Helps…1967.

Instalaciones. • •

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Como evolución de la escultura minimalista y del arte conceptual aparece desde los años 60 la idea de Instalación. La Instalación o environnements es una actuación de la artista que incluye objetos, elementos de luz, proyecciones, etc Y tiene un carácter provisional Como en el action art, el espectador queda envuelto y rodeado por la obra artística y se convierte en parte de ella. La primera conversión de la escultura en Instalación serían las obras de Dan Flavin y B. Newman. Posteriormente se harían famosos Paul McCarthy o Diana Thater. Hoy, los artistas dedicados a este tipo de manifestación artística son legión.

Dan Flavin: Monument. 1967

Dan Flavin: Sin título. 1989

Dan Flavin:Puerto Rican light (to Jeanie Blake). 1965.

Tatham & O'Sullivan: Glamour. 2001.

Vídeo Instalaciones •

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El vídeo es uno de los medios de expresión más apreciados entre los creadores de la actualidad. El vídeo tiene una doble vertiente artística: la del propio contenido del vídeo y el de las vídeo instalaciones. Las vídeo instalaciones incluyen monitores en los que se proyectan imágenes, creadas para la ocasión o aleatorias, con el fin de generar espacios o ambientes determinados.

Vídeoarte • El vídeoarte es la gran aportación artística de finales del S. XX • No debe confundirse ni con videoclips, ni con spots publicitarios, ni con la televisión, aunque el soporte sea el mismo • El vídeo arte es un modo de creación artístico. • Su iniciador es el coreano Nam June Paik, aunque seguido hoy por innumerables artistas

Net Art • •

•

El Net Art se puede definir como el arte elaborado en y para internet. Existen diferentes tendencias y herramientas para su elaboración. Sin embargo, el Net Art tiene siempre un elemento común: la participación del espectador que, de esta manera se convierte en coautor efímero de la obra. No se trata, por lo tanto, de vídeos colgados en internet para ser vistos, sino de aplicaciones informáticas que permiten interactuar. Esta intervención puede ir desde la escritura de textos hasta la navegación personalizada por la aplicación.

Infoarte. Arte Tecnológico. Infografía •

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•

La infografía, también denominada Infoarte y más recientemente Arte Tecnológico consiste en la creación de imágenes a partir de las nuevas tecnologías, principalmente sobre un soporte informárico. Esta tendencia se mueve a medio camino entre la pintura, el cómic, los videojuegos, la televisión y los anuncios publicitarios. Su capacidad para la generación de imágenes de carácter artístico va en rápida progresión como consecuencia del desarrollo informático. Los medios de masas y el carácter comercial de buena parte de estas imágenes, está en el origen de la fuerza expresiva, la espectacularidad de los efectos y la economía en el lenguaje conceptual de la infografía

X. Lizana: Serie Máquinas 1/3. Arco 2007.

Fotografía • • • • •

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La fotografía ha sido desde sus inicios un soporte de expresión artística Y son innumerables los fotógrafos que con su obra han pasado a la Historia del arte. En la actualidad la fotografía analógica y la fotografía digital siguen siendo un medio de expresión artística Especialmente la fotografía digital enriquecida con los nuevos medios de tratamiento de imágenes por ordenador. También en este caso son innumerables los artistas que se dedican a este medio, y es infinidad la de ejemplos de gran valor artístico que podríamos utilizar aquí. No obstante algunos nombre propios son ya parte de la Historia del arte reciente, en parte por su originalidad o por sus nuevas aportaciones técnicas y expresivas: Cindy Sherman; Bárbara Kruger, o artistas españoles como Chema Madoz.

N. Koert: Tammy.

CINDY SHERMAN.

Sin título. 1980.

Sin título. 1978.

Sin título. 1978.

G. RICHTER.

Betty. 1977

Betty. 1988 Ema (Desnudo en una escalera). 1966

BÁRBARA KRUGER.

Sin título (Tu cuerpo es un campo de batalla). 1989.

Power pleasure desire disgust. 1997 Instalación. 1991.

S. Tunic

S. Tunic

CHEMA MADOZ.

S. Fernández. La conquista. Arco. 2007

D. Dolron: Xteriors XIII. Arco. 2007

Repaso 1. Relaciona cada concepto con los que le correspondan:

• • • • • • • •

Pop Art High-Tech Neodadaísmo Hiperrealismo Minimal art Postmoderno Informalismo Abstracción postpictórica

R. Estes L. Fontana R. Rauschenberg A. Saura M. Barceló D. Judd A. Warhol N. Foster

Solución:

• • • • • • • •

Pop Art High-Tech Neodadaísmo Hiperrealismo Minimal art Postmoderno Informalismo Abstracción postpictórica

A. WarholR. N. Foster R. Rauschenberg R. Estes D. Judd M. Barceló A. Saura L. Fontana

Repaso 2. Relaciona cada obra con su movimiento correspondiente y ordénalos cronológicamente

3

1

2

4

Solución. 1.- M. Rothko: Rojo, naranja, canela y morado.1949.- EXPRESIONISMO ABSTRACTO (1) 2.- R. Lichtenstein: M-Maybe. 1965.- POP ART (4). 3.- K. Haring: Sin título. 1982. POSTMODERNIDAD (2). 4.- R. Serra: Serpiente. 1997.- MINIMAL ART.(3).

Repaso 3. Compara estas dos obras.

Repaso 4. Señala autor y tendencia. Ordena cronológicamente

2

1

3

4

Solución. • 1.- R. VENTURI. Casa de su madre. Philadelphia. 1982. POPULISMO (2) • 2.- R. ROGERS & R. PIANO. Museo G. Pompidou. París. 1977. HIGH.TECH (1) • 3.- F. GHERY: Disney Concert Hall. Los Ángeles. 2003. DECONSTRUCCIÓN (3) • 4.- N. FOSTER: Swiss Re. 2004. ARQUITECTURA TECNOLÓGICA (4)

Repaso 5. ¿Qué tienen en común estas tres obras?

Solución. • LAS TRES OBRAS PERTENECEN AL MOVIMIENTO DENOMINADO ABSTRACCIÓN-POSTPICTÓRICA. • 1.- L. Fontana: Venecia era toda de oro. 1961. • 2.- B. Newman: Obelisco roto. MOMA. N.Y. 1965. • 3.- A. Reinhardt: Pintura abstracta. 1966.

Repaso 6. Compara estas obras.

Solución. • Hay una relación entre el Neodadaísmo y el arte conceptual que nos traslada al origen de todo ello: los ready made de Marcel Duchamp. • 1.- J. Koons: Three Ball Total Equilibrium Tank (Two Dr J Silver Series, Spalding NBA Tip-Off). 1985. • 2.- J. Kosuth: Una y tres sillas. 1965. • 3.- R. Rauschenberg: Pilgrim. 1960.

Repaso 7. Define lo siguientes términos. • • • • • • • • • •

Instalación Dripping Tendenza Net art Bad painting Infoarte Cita todas las Neovanguardias Kitch Fotografía digital Vídeoarte

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