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INSTITUTO SANTA TERESITA HERMANITAS DE LA ANUNCIACIÓN ÁREA DE LENGUA CASTELLANA 2013

ASIGNATURA: LENGUA CASTELLANA Período: I ESTUDIANTE: ________________________________________________.

CURSO:

ONCE

EL TEATRO El teatro es una visión y representación muy amplia del mundo, este tiene una base literaria la cual es representada en un guion, escrito por un dramaturgo, quien es el que expresa su opinión, o su crítica a nuestra realidad, ese texto requiere no solo de su escritura si no también su puesta en escena, para la cual es necesaria la interacción de actores que desarrollen la trama, y además diferentes elementos de parafernalia como la escenografía, el vestuario, la iluminación , el maquillaje, etc. ; Aunque bien es cierto no todos los espectáculos necesitan un texto (pero si una idea central), como en el caso de la pantomima y la mímica, donde destaca la expresión gestual y por otro último, un elemento indispensable para que sea llamado teatro es la presencia de un público. EL TEATRO CONTEMPORÁNEO Abarca los siglos XIX y XX, este se alineó con los movimientos artísticos modernos (vanguardistas), orientándose hacia el simbolismo y la abstracción. Durante el siglo XIX el teatro romántico se destaca por el sentimentalismo, el dramatismo, la selección de temas oscuros y escabrosos, la exaltación de la naturaleza y del folklore popular, gracias a esto surgió un nuevo subgénero, llamado melodrama, el cual fue bastante recurrido, dentro de sus mayores exponentes podemos encontrar a Víctor Hugo, Antonio García Gutiérrez y José Echegaray. Durante este periodo el naturalismo jugó un papel importante, debido a que marcó distintas pautas para visualizar e interpretar las obras teatrales tal y como también lo hizo el simbolismo; La descripción detallada de la realidad, percibidos en la temática, el lenguaje, y los elementos de parafernalia, son claros en las obras naturalistas, se actuaba como en la vida real, como si no se estuviera en un teatro, como si no se representara nada, aquí por primera vez se iluminó sólo el escenario, dejando el público a oscuras, se destacan autores de la talla de Eugène Scribe, Victorien Sardou, August Strindberg y Anton Chejov. El simbolismo se destacó por un lenguaje de fuerte trasfondo metafísico, buscando la esencia humana a través de la intuición y la meditación, se ven una clara preferencia por los temas míticos y las leyendas, que sean más específicamente esotéricos y teosóficos, los autores destacados son Auguste Villiers de l’lsle-Adam, Paul Claudel, entre otros.

DOS.

Durante el siglo XX se diversifican los estilos, que van en evolución junto a las corrientes artísticas de vanguardia, se hace énfasis en la dirección artística y en la escenografía, en el carácter visual del teatro y no sólo el literario, existe una mayor profundización psicológica que modifica el gesto, la acción y el movimiento, se dejan de lado las tres unidades clásicas e inicia el teatro experimental, que apunta netamente hacia el espectáculo y las manifestaciones de culturas antiguas, el director teatral recobra el protagonismo y algunas veces es artífice de distintos puntos de viste en la puesta en escena. Surgen movimientos como el realismo poético, el teatro de la crueldad, el teatro épico, el teatro del absurdo el cual se encuentra ligado al existencialismo y los Angry young man (jóvenes iracundos) de simbología inconformista y anti burgués, dentro de estos movimientos encontramos a Luigi Pindarello, Tennessee Williams, Arthut Miller, John Boynton Priestley, Federico García Lorca, Antonio Buero Vallejo, entre otros. MOVIMIENTOS DENTRO DEL TEATRO CONTEMPORÁNEO  Teatro épico: Este tipo de teatro busca llegar un distanciamiento en lugar de una identificación emocional, este distanciamiento permite la racionalización y la reflexión, quien desarrolla este teatro es el pote dramaturgo y director alemán Bertolt Brecht, y la mayoría de temas a tratar son de corte social, Brecht incorpora diferentes recursos como la música, el verso en los parlamentos, el desdoblamiento del actor (un mismo actor representando diferentes personajes), personajes genérico (los personajes no tienen nombre propio, por esto se le llama como él, ella, uno o dos) y la incorporación del público, todo esto con el fin de lograr el distanciamiento de una manera adecuada.  Teatro de la crueldad: Se incorporan elementos surrealista y la danza oriental para crear de forma violenta y ritualista el teatro, quien desarrolla y fundamenta este movimiento es Antonin Artaud, un escritor, actor y director francés, quien se opone a las formas realistas y sostiene que el teatro y sus obras deben impactar al público sin importar si es necesaria la violencia verbal o física.  Teatro del absurdo: Los temas están relacionados son lo absurdo de existir, la enajenación e impotencia humana, el miedo a la muerte y la incapacidad del leguaje como un medio efectivo de la comunicación, el padre de este teatro es Eugène Ionesco, que rechaza el teatro de rasgos realistas y psicológicos, se puede manifestar como absurdo de situación y absurdo de leguaje, en el primero no se ajusta a las reacciones esperada y en el segundo las respuestas no corresponden a las preguntas.  Realismo poético: Es el tipo de teatro que es realista en el planteamiento de conflictos pero utiliza un lenguaje poético, su principal característica es el simbolismo en el nombre de personajes o uso de colores, y además añade elementos irreales, dos ejemplos claros de este movimiento son Tennessee Williams y Federico García Lorca.

JEAN PAUL SARTRE Fue un filósofo, escritor, novelista, dramaturgo, activista político, biógrafo y crítico literario francés, exponente del existencialismo y del marxismo humanista. En 1945 funda la revista Les Temps Modernes y se convierte en uno de los importantes teóricos de la izquierda, para la segunda época atribuyó al marxismo, en donde su pensamiento dio a conocer la crítica de la razón dialéctica, Sartre expresa que definitivamente para él los humanos estamos "condenados a ser libres", imagina la presencia humana como presencia consciente. Es decir el hombre como ser consiente distingue un ser de una cosa. La humanidad se vendría convirtiendo en alfo extraño, un fenómeno subjetivo debido a el sentido de conciencia del mundo y de sí mismo por ellos lo subjetivo. El humano para a ser el único que no sólo es tal como él se imagina, sino por el contrario tal como él se quiere, y como se idealiza después de la existencia , como se quiere después de este impulso hacia la vida; entonces este no sería más que su obra misma, lo que él quiso hacer de sí mismo, tomando esto como base o principio de lo que trata el existencialismo. Para Sartre el humano antepone de la esencia que por ejemplo: si un artesano quiere realizar una obra, primero «la» piensa, la construye en su cabeza: esa prefiguración será la esencia de lo que se construirá, que luego tendrá existencia. Los hombres, no son la consecuencia de un boceto, y tampoco llevamos con nosotros algo que nos indique hacia dónde mirar, si tenderemos al bien o tenderemos sencillamente al mal, siendo así afirmaremos que la esencia es lo que aremos nosotros que nos indicara lo que somos y quiénes somos, lo que nos distinguirá, ser es ser libres en situación, ser es ser-para, ser como "proyecto" EL EXISTENCIALISMO SARTRIANO Sobresalen algunas ideas tales como:  Conciencia pre-reflexiva y conciencia reflexiva: la conciencia pre-reflexiva esta empieza cuando el hombre nota algo específico y tener conciencia de ello, y la

En una primera etapa desarrolló una filosofía existencialista, a la que corresponden obras como El ser y la nada (1943) y El existencialismo es un humanismo (1946). En ella, Sartre idealiza a las personas como seres capaces de crear sus propias leyes al rebelarse contra todo tipo de estatutos, aceptando la responsabilidad, la ética y toda moral personal sin el apoyo de la sociedad, la ética o cualquier norma tradicional

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conciencia reflexiva la notamos cuando el hombre se da cuenta que se está percatando de algo El ser-en-sí: principalmente Sartre rechaza en absoluto el dualismo entre apariencia y realidad y sustenta que la cosa es la totalidad de sus apariencias, si quitamos lo que en la cosa es debido a la conciencia, que le confiere la esencia que la constituye en tal cosa y no en tal otra, en la cosa sólo queda el ser-en-sí. El ser-para-sí: Si toda conciencia es conciencia del ser tal como aparecer, la conciencia es distinta del ser (no ser o nada) y surge de una negación del ser-en-sí, por tanto, el para sí, separado del ser, es radicalmente libre, el hombre es el no-ya-hecho, el que se hace a sí mismo. El ser-para-otro: Sartre defiende que mi yo revela la indubitable presencia del otro en la relación en que el otro se me da no como objeto sino como un sujeto (ser-para-otro). Ateísmo y valores: Para el filósofo, la existencia de Dios es imposible, ya que el propio concepto de Dios es contradictorio, pues sería el en-sí-para-sí logrado. Por tanto, si Dios no existe, no ha creado al hombre según una idea que fije su esencia, por lo que el hombre se encuentra con su radical libertad, este ateísmo tiene una consecuencia ética: Sartre afirma que los valores dependen enteramente del hombre y son creación suya.

SARTRE Y EL TEATRO  El teatro requiere distancia: Cuando él piensa en el teatro, lo concibe como un mundo cerrado sobre sí mismo el cual es inaccesible, el espectador se encuentra absolutamente afuera y su rol se reduce exclusivamente a contemplar, es decir que el espectador no existe sino como visión pura y el placer que este experimenta se deriva del hecho de que su deseo de distancia se ve plenamente satisfecho.  Un teatro de situaciones: Para Sartre, el sustento central de la pieza, es la situación, propone reemplazar el teatro de caracteres por un teatro de situaciones, cuyo objetivo sea explorar aquellas situaciones que son más comunes a la experiencia humana, pero cuando Sartre habla de situaciones, no se refiere a cualquier tipo de circunstancia cotidiana, sino aquellas en las cuales la libertad se revela en su más alto grado, y la labor del autor de teatro consiste en escoger precisamente aquellas situaciones límite que mejor expresan sus propias preocupaciones y presentarlas al público.  La acción dramática es inexorable: De acuerdo con Sartre, la acción dramática es lo que se expone o dramatiza a un grupo de personas que está queriendo algo o trata de conseguirlo, para construirla es muy importante definir exactamente en qué posición puede estar cada personaje, en función de las causas y contradicciones anteriores que las han producido y cómo se vinculan con la acción principal, hay que dirigirse hacia un objetivo final y la acción no puede existir sin radicalizarse: si se detiene, desaparece, como conclusión jamás debe desviarse.

LUIGI PIRANDELLO Nació el 28 de junio de 1867 en Agrigento, Sicilia era hijo de Caterina Ricci-Gramitto y de Stefano Pirandello, comerciante de clase media, Tanto los Pirandello como los RicciGramitto participaban activamente en un movimiento destinado a la unificación democrática de Italia. A causa de la decepción que atravesó Pirandello a lo largo de su niñez se puede ver como extraería buena parte de la atmósfera emocional que caracterizaría sus escritos, especialmente la novela Los viejos y los jóvenes. Es también posible que la sensación de traición y resentimiento inculcara en el joven Luigi la desproporción entre ideales y realidad que subraya en su ensayo L'Umorismo ("El humorismo"). Como muchos niños acomodados de la época, Pirandello recibió su educación básica en su propio hogar. Quedó fascinado por las fábulas y leyendas de tono mágico que su tutora María Stella solía narrarle. A la prematura edad de doce años escribió su primera tragedia. A pesar del no acuerdo de su padre se inscribió en una escuela técnica, educación que complementó con el estudio de humanidades en el gimnasio, por las que sentía mucha mayor afinidad. Su infancia transcurrió entre Girgenti y Porto Empedocle a orillas del mar. Luego de ser víctimas de maniobras fraudulentas, la familia se trasladó a Palermo en 1880. Fue en Palermo donde terminó el liceo, se enfrascó en la lectura de poesía italiana del siglo XIX, especialmente de escritores como Giosuè Carducci y Graf, empezó a escribir sus primeros poemas y se enamoró de su prima Lina. Durante este período comienzan los primeros signos del serio contraste que lo separaría de su padre, El joven Pirandello empezó a acercarse emocionalmente a su madre, relación que se transformaría en una verdadera veneración, finalmente falleciendo Caterina, en las hondas páginas de la novela Colloqui con i personaggi de 1915.

Luigi Pirandello es considerado el primer autor del llamado antiteatro. Tratándose de un teatro en principio psicológico, o psico-filosófico, la psicología plasmada en sus obras es inquietante, al poner en duda la identidad del sujeto y hasta la misma idea de teatro. “No se puede más que soñar con un arte que sería un enmarañamiento profundo de los símbolos activos capaces de hablar al público un lenguaje donde nada se diría, pero todo se presentirá. Nada se puede esperar de un oficio que se ejerce con tan poca gravedad y recogimiento”.

Su amor por su prima, inicialmente visto con desagrado, fue de pronto tomado con gran seriedad por la familia de Lina, que demandó que Luigi abandonara sus estudios para dedicarse de lleno a la administración de las inversiones familiares en el negocio del azufre, a fin de que los jóvenes pudieran casarse prontamente. En 1886, durante unas vacaciones, Luigi visitó las minas de azufre de Porto Empedocle y comenzó a trabajar con su padre: esta TEATRO PRANDELLO (Silicia)

experiencia resultó esencial para su obra, y sus impresiones se reflejarían en algunos de sus relatos. Escritor y premio Nobel italiano, considerado como el más importante autor teatral de la Italia del periodo de entreguerras, estudió en las universidades de Roma y Bonn. Fue profesor de literatura italiana en la Escuela Normal Femenina de Roma, entre los años 1897 y 1921, cuando su creciente reputación como escritor le permitió dedicarse por completo a su carrera literaria. Se hizo mundialmente conocido en 1921, a raíz de la publicación de Seis personajes en busca de autor (1921). Las obras más sorprendentes de Pirandello, son las teatrales, cuyos protagonistas, profesores, propietarios de pensiones y curas, entre otros, suelen pertenecer a la clase mediabaja. En estas obras se reflejan las ideas filosóficas del autor, como la existencia de un arraigado conflicto entre los instintos y la razón, que empuja a las personas a una vida llena de grotescas incoherencias; igualmente considera que las acciones concretas no son ni buenas ni malas en sí mismas, sino que lo son según el modo en que se les mire; y, por último, cree que un individuo no posee una personalidad definida, sino muchas, dependiendo de cómo es juzgado por los que entran en contacto con él. Sin fe en ninguno de los sistemas morales, políticos o religiosos establecidos, los personajes de este autor encuentran la realidad sólo por sí mismos y, al hacerlo, descubren que ellos mismos son fenómenos inestables e inexplicables. Pirandello expresó su profundo pesimismo y su pesar por la condición confusa y sufriente de la humanidad a través del humor. Sin embargo, éste es singularmente macabro y desconcertante. La sonrisa que despierta procede más bien de lo embarazoso, y a veces amargo, que resulta reconocer los aspectos absurdos de la existencia. Fue un importante innovador de la técnica escénica, prefirió usar libremente la fantasía con el fin de crear el efecto que deseaba. Ejerció una gran influencia al liberar al teatro contemporáneo de las desgastadas convenciones que lo regían, y preparar el camino al pesimismo existencialista de Anouilh y Sartre. Entre las restantes obras de Pirandello destacan El placer de ser honrado (1917), Así es si así os parece (1917), Enrique IV (1922), y Esta noche se improvisa (1930). Paralelamente escribió narraciones breves que fueron reunidas bajo el título general Cuentos para un año (1933) y la novela La excluida (1901). Obtuvo el Premio Nobel de Literatura en 1934 y falleció dos años más tarde, el 10 de diciembre de 1936, en Roma.

BERTOLT BRECHT Nacido en Augusburgo el 10 de febrero de 1898 y fallecido en Berlín del este el 14 de agosto de 1956, fue un dramaturgo y poeta alemán, creador del teatro épico, también llamado teatro dialéctico. A sus 30 años publicó obra que alcanzó el mayor éxito teatral titula do La ópera de los 3 centavos, una obra en la que critica el orden burgués representándolo como una sociedad de delincuentes, prostitutas, vividores y mendigos. Tal fue su trascendencia que fue llevada al cine por Georg Wilhem Pabst en 1931. Todas sus obras están ligadas a razones políticas e históricas y tienen un sobresaliente desarrollo estético, desde sus comienzos se caracterizó por una oposición radical a la forma de vida y la visión del mundo de la burguesía y al teatro burgués, puesto que sólo estaba destinado a entretener al espectador sin ejercer sobre él la menor influencia, él desarrolló una nueva forma de teatro con la que buscó representar la realidad de los tiempos modernos y se encargó de llevar a escena todas las fuerzas que condicionan la vida humana. No solo logra conmover los sentimientos, si no que hace pensar al público; en sus representaciones teatrales nada se daba por entendido, tiene a dar las cosas confusas para que así , el espectador se sienta obligado a sacar sus propias conclusiones; Siempre afirmo que el teatro podía contribuir a cambiar el mundo, y para ello fue creando una nueva idea del arte como comprensión total que llamo el efecto de distanciamiento, la no contemplación lírica de las cosas y tampoco replegamiento sutil sobre la subjetividad, sino elecciones humanas y morales, verificación de los valores tradicionales y elaboración de una nueva presencia de la poesía en la sociedad, es un arma contra el sentimentalismo, la crítica social, la compasión con los seres humanos y el consiguiente cambio de la sociedad debían desempeñar el papel esencial. Su teatro épico, narrativo, apunta a provocar la conciencia crítica de espectadores y actores, “hay que desmenuzar el texto, no sentirlo, examinarlo desde lejos, tomar distancia del propio yo, nada de sentimentalismos que provoquen lágrimas en el escenario”, Brecht hizo gala de antisentimentalismo, así como de su condolencia para los pobres y su sufrimiento, al tiempo que atacaba la falsa respetabilidad de los burgueses. Sus actores son sus alumnos, los deja actuar en el escenario y de ese modo edifican la pieza, mientras que el director la destruye, la genialidad y la ingenuidad generan un equilibrio y esta perfecta combinación entre la construcción-destrucción, genialidad-ingenuidad son el gran secreto de su éxito.

SU TEATRO ÉPICO Brecht usaba la comedia para distanciar a su público de los hechos emocionales o serios y se vio muy influenciado por los musicales y los intérpretes de feria, por lo que incorporaba música y canciones en sus obras.

“Hay hombres que luchan un día y son buenos. Hay otros que luchan un año y son mejores. Hay quienes luchan muchos años, y son muy buenos. Pero hay los que luchan toda la vida, esos son los imprescindibles”. B.B

La actuación necesita que los actores interpreten sus personajes de manera convincente , por el contrario, no convencer ni a la audiencia y ni a ellos mismos de que son en realidad los personajes que interpretan, los actores usualmente le explican al público de forma directa sin estar interpretando su personaje e interpretan múltiples papeles. Él decía que era importante que las los personajes fueran evidentes e intentó desarrollar un estilo de actuación en el cual era evidente que los personajes elegían una opción en lugar de otra,

Un término añadido por Brecht es el “gestus”, un gesto que representa la condición del personaje sin importar la parte textual de la obra, se basó en el teatro chino, descubrió que el interpreto una escena en la cual el personaje debería estar asustado, así que puso un mechón de su cabello en su boca, y todo el mundo en la audiencia supo que el personaje estaba asustado, pues claramente un “gestus” define la actitud del personaje, el actor se distancia de la obra y por lo tanto evita cualquier emocionalidad excesiva, y así logra de manera perfecto lo que se busca el efecto de distanciamiento.

SAMUEL BARCLAY BECKETT (TEATRO ABSURDO) En el siglo XX fue el máximo representante del teatro absurdo, este se caracteriza por tramas que parecen carecer de significado, diálogos repetitivos y falta de secuencia dramática que a menudo crean una atmósfera onírica (sueño). Sus obras principalmente fueron escritas en inglés y francés. Su obra más conocida es esperando a Godot (En attendant Godot), es una tragicomedia en dos actos escrita a finales de los años 40 por y publicada en 1952. Beckett escribió la obra originalmente en francés. La traducción al inglés fue realizada por el mismo Beckett y publicada en 1955.

Fue un novelista, crítico, dramaturgo y poeta irlandés. Fue uno de los principales representantes del teatro contemporáneo y el existencialismo, este último es un movimiento que se contrapone al clasicismo, obras como las suyas se oponían completamente a tendencias anteriores como las romanticistas.

El teatro del absurdo busca romper con los antiguos esquemas, por lo que uno de los cambios más importantes se presenta en la acción a través de cuatro elementos: la transformación repentina del personaje, la intensificación progresiva de la situación inicial, la inversión del principio de causalidad (las causas producen efectos contrarios) y el énfasis rítmico o emocional para crear una impresión de desenlace. Otra aportación innovadora del teatro del absurdo es la repetición como forma de progresión: su función cambia cada vez que una frase o un sonido se repite En cuanto a los personajes, estos pierden su individualidad y se presentan como un conjunto. El teatro del absurdo es antipsicologísta, por lo que no se mantiene la complejidad y riqueza psicológica del teatro anterior. Los personajes de este tipo de teatro no parecen tener una función aparente, aunque, al final, el lector puede observar una evolución del personaje.