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ROCKAXIS - 76 Marzo 2009

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2009: Dos se–ales de una nueva era

La generaci—n indie es reconocida por la industria mainstream

¿Q

VÏTJHOJmDBFTUP 5FMPWPZBFYQMJDBSEFVOBNBOFSBCJFOHSÈmDB IBTUBIBDFVOUJFNQP ganar un Grammy era algo -por decir lo menos- insólito para un artista indie, en parte debido a la presión que establecían los grandes sellos y a que la mayoría de los grupos talentosos buscaban contratos con las multinacionales, llegando tarde o temprano a representar a una gran escudería al momento de la premiación del fonógrafo de oro. A mediados de los 90’s, con la generación del rock alternativo, se produjo un reconocimiento para con lo que hacía la gente en TFMMPTJOEFQFOEJFOUFT QFSPOPFSBTVmDJFOUFQBSBMPHSBSJNQPOFSTFFOMPTQSFNJPTEFMBHSBOJOEVTUSJB Este mes de febrero, los Grammys reconocieron como nunca a los sellos independientes y a sus artistas, dando por ganadores en 56 premios a artistas indie, versus 54 galardones a artistas de sellos grandes, que hoy día son sólo cuatro conglomerados. {1PSRVÏFTUP 4JNQMFNFOUFQPSRVFBSUJTUBTEFMBUBMMBEF3PCFSU1MBOU $IJDL$PSFB 3BEJPIFBEP#VSOJOH Spear hoy militan en sellos independientes. Esto abre una posibilidad ilimitada a lo que los pequeños conglomerados indie puedan hacer en el futuro, con muchas ganas de seguir conquistando un mercado y sobre todo con buenas ideas. LA GENERACIÓN YOU YUBE -TU PROPIA TV- EMPIEZA A ENFRENTAR PROBLEMAS

Oscar García V. Thiago Corrêa Sarkis Leonardo Valeria Marcerock

&MTVF×PRVFIBTJHOJmDBEPQBSBOPTPUSPT:PV5VCFBDDFEFSBUPEPTMPTWJEFPT FTQFDJBMNFOUF los musicales- está en riesgo. Como no se pudo llegar a un acuerdo sobre nuevas condiciones de MJDFODJBNJFOUP 8BSOFS.VTJD(SPVQQJEJØRVFNJMFTEFTVTWJEFPTGVFSBOSFUJSBEPTEF:PV5VCF RVFFT propiedad de Google.

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El tema de los videos musicales podría convertirse en un nuevo campo de batalla entre Google, que desea expandir su negocio de propagandas en videos, y las empresas de medios, que esperan ser bien recompensadas por sus contenidos online. La disputa no hace otra cosa que poner en relieve la gran QPQVMBSJEBEEFMPTWJEFPTNVTJDBMFTFO:PV5VCF4FJTEFMPTEJF[WJEFPTNÈTQPQVMBSFTEF:PV5VCF de todos los tiempos son musicales. Según la empresa de mediciones TubeMogul, los músicos y las EJTDPHSÈmDBTTPOSFTQPOTBCMFTEFQPSMPNFOPTPDIPNJMNJMMPOFTEFWJTJUBTBMTJUJP

[email protected] www.editorialaxis.cl Todas las opiniones vertidas en este medio son de exclusiva responsabilidad de quienes las emiten y no representan, necesariamente, el pensamiento de Rockaxis. Todos los derechos reservados. -EDICIÓN MENSUAL-

:PV5VCFMFEFCFCVFOBQBSUFEFTVQPQVMBSJEBEFJOHSFTPTBMIFDIPEFRVFVOVTVBSJPQVFEFFODPOUSBSBMMÓ DBTJDVBMRVJFSWJEFPNVTJDBMZMBNFOUBCMFNFOUFOPMFIBRVFEBEPPUSBRVFOPUJmDBSBTVTVTVBSJPTTPCSF la eliminación de los contenidos de Warner Music, pero también de aclarar que seguirán trabajando con MPTTFMMPTEJTDPHSÈmDPTZBSUJTUBTQBSBDPOTUSVJSiBDVFSEPTEFMJDFODJBRVFTFBOBNJHBCMFTQBSBFMVTVBSJPw La evidencia está en que tanto Universal Music, Sony BMG y EMI, llegaron hace más de dos años a BDVFSEPTEFMJDFODJBDPO:PV5VCF En el curso de este 2009 veremos cómo se desarrollan los eventos que pongan a Google en una posición NFOPTDPOGPSUBCMF:FTUPEFMPTOFHPDJPTSFMBDJPOBEPTB:PV5VCFOPFTNFOPS VOFTUVEJPDPNQSPCØ que las búsquedas realizadas desde esta web representan un 25,4 por ciento de todas las búsquedas de Google. Si esta corporación, que no ha dejado de ganar y de crecer año tras año, anulando prácticamente B:BIPPZ.JDSPTPGUOPFNQJF[BBJOWFSUJSTVTHBOBODJBTFO:PV5VCF FTUBNPTFOSJFTHP/PTPUSPTRVJFOFT con razón o no hemos encontrado en Internet un acceso ilimitado y gratuito para casi todo tipo de DPOUFOJEPT:QPSTVQVFTUPRVFRVFSFNPTRVFBTÓTJHBTJFOEP Alfredo Lewin

VOL: 16 1.- MECÁNICA POPULAR - Gira, gira, girasol Fatamorgana - 2003 Alerce Entrelazando el rock con los ritmos de raíz folclórica y la poesía, el grupo comandado por el cantautor Manuel García, tributa al gran maestro Víctor Jara con una interpretación magistral de ‘Gira, gira girasol’, tema que fuera inmortalizado en “Fatamorgana”, su elogiado lanzamiento de 2003. 8FCPmDJBMXXXNFDBOJDBQPQVMBSOFU .Z4QBDFXXXNZTQBDFDPNNFDBOJDBQPQVMBS 2.- BLACK STONE CHERRY - Please Come In 'PMLMPSF4VQFSTUJUJPO3PBESVOOFS8BSOFS Una agrupación que se ha hecho notar con un potente hard rock de texturas sureñas y certeros riffs. Con tan sólo dos lanzamientos en el cuerpo han sabido ganarse el respeto del público con canciones como ‘Please Come In’, extraída de su esperado segundo álbum “Folklore & Superstition” lanzado el 2008. 8FCPmDJBMXXXCMBDLTUPOFDIFSSZDPN .Z4QBDFXXXNZTQBDFDPNCMBDLTUPOFDIFSSZ )6*/$"3FWVFMUB 4JD4FNQFS5ZSBOOJT*OEFQFOEJFOUF El nuevo trabajo de esta banda nacional se viene más potente que nunca. Metal con sonoridades étnicas y letras reivindicatorias son las características principales de su identidad que muestra toda su fuerza en ‘Revuelta’, primer corte de “Sic Semper Tyrannis”, su más reciente placa. 8FCPmDJBMXXXIVJODBTDM .Z4QBDFXXXNZTQBDFDPNIVJODB $3*.*/"-#MBDL-JHIU 8IJUF)FMM5IF,OJGF3FDPSET -BCBOEBNÈTQSPMÓmDBEFMNFUBMOBDJPOBM pretende seguir por su sendero de éxito con un nuevo trabajo titulado “White Hell”, un disco que, como se puede apreciar en ‘Black Light’, trae sonidos más variados, pero mantiene la brutalidad a la que Anton Reisenegger y su pandilla nos tienen acostumbrados. 8FCPmDJBMXXXDSJNJOBMDPN .Z4QBDFXXXNZTQBDFDPNDSJNJNBM 8*5)*/5&.15"5*0/8IBU)BWF:PV%POF 5IF)FBSUPG&WFSZUIJOH3PBESVOOFS8BSOFS La de Sharon del Adel debe ser una de las voces más hipnotizantes de la escena rockera actual. Desde Holanda, todo el metal, el rock progresivo y una gama de tonalidades góticas se dan la mano en ‘What Have You Done’, canción incluida en su placa “The Heart of Everything”. 8FCPmDJBMXXXXJUIJOUFNQUBUJPODPN .Z4QBDFXXXNZTQBDFDPNXJUIJOUFNQUBUJPO $3*4"-*%".J-JCFSUBE 3BDP*OEFQFOEJFOUF Metal progresivo nacional de primer nivel, hecho por una agrupación de condiciones innegables. Una cantante poseedora de atributos vocales inéditos en la escena local, acompañada de músicos que derrochan calidad y talento son sus principales fortalezas, las que se pueden apreciar en ‘Mi Libertad’, tema de su tercer disco llamado “Raco”. 8FCPmDJBMXXXDSJTBMJEBDM .Z4QBDFXXXNZTQBDFDPNDSJTBMJEBNVTJD

3FTFSWBEPTMPTEFSFDIPTEFBVUPSFTEFMBTPCSBTSFHJTUSBEBTFOFTUFGPOPHSBNB 1  $ 30$,"9*4%*4$0130.0$*0/"-130)*#*%"467&/5")&$)0&/$)*-&

)6."/"4FOTF5IF5POF 7JFXT-B4PNCB3FDPSET Una propuesta innovadora para el medio nacional y de muy buen nivel, que con sus dos lanzamientos ha logrado conducir al post hardcore a un sitial impensado para la realidad local e incluso sudamericana. ‘Sense the Tone’ EFTVEJTDPi7JFXTwEF OPTNVFTUSBMB evolución hacia un sonido mucho más directo y compacto. .Z4QBDFXXXNZTQBDFDPNIVNBOBCBOE ,*--5&33:$MVCEFMBT;PSSBT %PDUPS3PDL3PMM*OEFQFOEJFOUF Formada por viejos perros del medio rockero, este grupo chileno posee un vasto rodaje en el ruedo. Rock directo al hueso, compuesto de energéticos riffs y melodías que resultan muy entretenidas de escuchar. Esto es lo que se puede apreciar en ‘Club de las Zorras’, canción de su disco “Doctor Rock and Roll”. .Z4QBDFXXXNZTQBDFDPNLJMMUFSSZ %*0/)JMPTEF4BOHSF 4JOHMF$'" El rock and roll puro y directo sigue siendo objeto de culto para muchas bandas nacionales y Dion es una prueba tangible de aquello. ‘Hilos de Sangre’ nos adelanta cómo se viene el esperado sucesor de “El Azar del Diablo”, disco con el que irrumpieron en la escena durante 2006. 8FCPmDJBMXXXEJPODM .Z4QBDFXXXNZTQBDFDPNEJPOSPDL 700%00;0.#*&$VBUSFSPTEF4BOUB$SV[ 7PPEPP;PNCJF*OEFQFOEJFOUF Con una impactante puesta en escena caracterizada por cicatrices, sangre y elementos de películas de terror, esta agrupación nacional la rompió en la Cumbre del rock Chileno II. Ahora están dispuestos a infectar todo a su paso con el tétrico psychobilly de su disco homónimo publicado en 2008. .Z4QBDFXXXNZTQBDFDPNWPPEPP[PNCJFT 0$50164;FJUHFJTU $PEB.ZMPEPO3FDPSET Banda de metal progresivo instrumental que desde su creación en 2001 se ha esmerado por generar una propuesta vanguardista, basada en la calidad de sus músicos quienes ejecutan un sonido complejo y brutal. ‘Zeitgeist’ es uno de los cuatro demoledores cortes incluidos en el EP “Coda”, editado en 2008. 8FCPmDJBMXXXPDUPQVTTDEDM .Z4QBDFXXXNZTQBDFDPNPDUPQVTCBOE %&-5"$SBTICSFBLFS $SBTICSFBLFS*OEFQFOEJFOUF Un grupo de metal neoclásico para tener muy en cuenta. Su sonido directo de aires vintage y progresivos se deja sentir cabalmente en i$SBTICSFBLFSw TVUFSDFSUSBCBKPEJTDPHSÈmDPEF donde se desprende la canción homónima. 8FCPmDJBMXXXEFMUBDIJMFDPN .Z4QBDFXXXNZTQBDFDPNEFMUBPGmDJBM

Buscando el paraíso

terrenal

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En

U2 ya pasaron los días de canciones pop rock, para ir en su reemplazo en busca de la capital terrenal del espíritu. Una tarea nada de sencilla, si es que consideramos que no sólo la banda se dedicó a la composición de estas nuevas canciones, sino también sus eternos y fieles colaboradores, Brian Eno y Daniel Lanois, los mismos que estuvieron tras icónicos discos como “The Joshua Tree” o “Achtung Baby”… los mismos álbumes que cambiaron la historia de los irlandeses. ¿Comienza una nueva etapa en el cuarteto?

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En palabras del propio Brian Eno, “creo que U2 cumple un propósito mucho más importante que el de llenar sus billeteras”. El músico y productor no está equivocado: ya sea como banda o cada uno de sus miembros por separado, su trabajo por el bienestar humano es más que conocido, y para algunos, un aspecto que desvía la atención de lo principal, la música. Sin embargo, en “No Line on the Horizon” aquellos mundos chocan y se fusionan. No planean entregar las regalías de este disco a fundaciones de caridad, sino alcanzar un estado de plenitud espiritual, tantas veces proclamado y manoseado tanto por los fanáticos como por los detractores de U2. Para descubrir su cometido no hay que escarbar muy profundo. Bono, quien casi siempre saca la voz por sus compañeros, ha utilizado recurrentemente en las entrevistas donde promociona esta producción, las palabras “peregrinaje”, “místico”, “Dios”, dando la idea que el mundo personal de canciones como ‘Sometimes You Can’t Make It On Your Own’ u ‘Original of the Species’ no podría ser reconocido en este trabajo. El objetivo apuntaba mucho más alto, en la SFDPOmHVSBDJØOEF6UBMDPNPFMRVFIB hecho historia. Y qué mejor que contar con las dos personas que han hecho que la carrera de los irlandeses se haya reescrito más de una vez, Brian Eno y Daniel Lanois, los “Batman y Robin” de U2. Sólo que esta vez no estarían solamente detrás de las perillas, sino también junto a ellos, componiendo codo a codo. Con más de dos años de trabajo, y probablemente, decenas de bosquejos eliminados, “No Line on the Horizon” llegó el 2 de marzo al mercado con enormes expectativas tras él. Periodistas especializados aseguraron que éste era el mejor álbum de U2 en años, y sus coterráneos centraron sus esperanzas de cambio en lo que ellos llaman su “Barack Obama”: sólo U2. “Bono creía que nuestro trabajo era crear música gospel contemporánea -señaló el productor Daniel Lanois-; quería que este disco fuera una Meca espiritual. Nuestra misión es que esencialmente somos músicos que buscamos aquel espíritu en todo lo que hacemos”. Un crítico de la revista musical Hot Press resume el sentir de la prensa frente a este Rockaxis

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duodécimo registro de la trayectoria de U2: ““No Line On The Horizon” es un gran disco, lleno de grandes canciones, riffs poderosos y una cohesión musical majestuosa. Musicalmente, es más diverso que cualquier otro álbum de U2 desde “Rattle and Hum”, mezclando hard rock, psicodelia, pop, electrónica, dance, folk, country, música espiritual y arreglos orquestales en lo que es una infusión embriagadora. Seguramente EFTBmBSÈBMPTGBOTEF6 QFSPTVQPOHPRVF  mOBMNFOUF TFTFOUJSÈOJOTQJSBEPT7BTFSVO disco masivo”.

progreso. Sin embargo, de aquellas sesiones sólo se rescató el tema ‘Window in the Skies’, RVFmHVSBFOFMDPNQJMBEPi64JOHMFTw Z su colaboración con Green Day en el corte ‘The Saints are Coming’, que también forma parte de aquel recopilatorio. Desde un inicio, Bono señaló que “nuestro grupo seguramente ha MMFHBEPBMmOBMEFMMVHBSEPOEFIFNPTFTUBEP en este último par de discos. Seguiremos siendo una banda, pero quizás el rock se tenga que ir, o quizás tenga que sonar más pesado. Pero, sea lo que sea, no se va a quedar donde está”.

Poco antes de la salida de esta placa, el ambiente se fue preparando para recibir a los hijos predilectos de Irlanda. Sin ninguna nominación, U2 se presentó exitosamente en la ceremonia de entrega de los premios Grammy, tocando su primer single ‘Get On Your Boots’. No por nada también son los favoritos de la academia, con 22 gramófonos dorados a su haber. Y no contentos con eso, también realizaron una residencia en el programa The David Letterman Show durante cinco días comenzando el 2 de marzo.

Para mediados de 2007, se reveló que Bono, The Edge, Larry Mullen Jr. y Adam Clayton se encontraban recluidos en Fez, Marruecos, con sus colaboradores de toda una vida, Eno y Lanois. Ellos ya habían conseguido cambiar el rostro de U2 en diversas oportunidades, y en esta ocasión, un pequeño detalle sería diferente: ellos también compondrían junto al grupo. Para eso, arrendaron una medina, llevaron todos sus equipos, y por dos semanas, grabaron los bosquejos de lo que se convertiría en “No Line on the Horizon”. Un sobreviviente directo de aquella sesión es el corte ‘Unknown Caller’.

Pero ni ellos se esperaban que la expectación alcanzaría tal nivel que su propia etiqueta, 6OJWFSTBM BUSBWÏTEFTVmMJBMBVTUSBMJBOB  mMUSØMBTDBODJPOFTEFFTUFUSBCBKPB*OUFSOFU el pasado 18 de febrero. En menos de un día, el trabajo de tres años de U2 ya había sido escuchado por el mundo entero. Los cabecillas detrás del grupo no deben haber estado muy contentos, sobre todo después de haber sostenido que el modelo de Radiohead con “In Rainbows” y el “paga lo que quieras” fue un “fracaso”, según señaló su manager Paul McGuinness: “De un 60 a un 70 por ciento de la gente que bajó el disco fue a través de un sistema ilegal, aún cuando estaba disponible en forma gratuita… en el caso de U2, la venta de copias físicas todavía es una parte importante del negocio y todavía vendemos muchos cedés”… Pero, como sabemos, el propósito de U2 va más allá de llenar sus propias billeteras, sino en alcanzar esa dicha espiritual… al menos eso es lo que dicen. DE AQUÍ PARA ALLÁ Mucho se habló sobre las sesiones de U2 con Rick Rubin, y que a partir de sus dotes como productor, podría llegar el tan anhelado

“El trabajo que hicimos en Fez fue la parte más liberadora y feliz que viví en todo el proceso del álbum. Fue lo que siempre imaginé sobre lo que sería estar en U2: solamente tocar música por el gusto de IBDFSMP TJOVOmOBMBMBWJTUB"WFDFTGVF DBØUJDP QFSPJODMVTPFMDBPTFSBDSFBUJWP" veces, puedes perder esa perspectiva con todas las otras cosas que acarrea el estar en U2”, dijo su baterista, Larry Mullen Jr, quien es el encargado silencioso de dar el visto bueno en el trabajo de la banda. El ambiente de Fez también sedujo al grupo en sus composiciones. Mientras de día trabajaban en estas sesiones, durante la noche salían casi de incógnito a ver músicos locales y también a presenciar un festival tradicional de la ciudad, aunque reconocen que su JOnVFODJBTØMPQVFEFTFSQFSDJCJEBWBHBNFOUF en aquel único tema rescatado de su estadía en África. Lo demás, se fue modelando con el tiempo: la búsqueda era incesante. “Nuestra visita al festival mundial de música sagrada puede que haya marcado el tono religioso de algunos tracks. Pero no queremos ser turistas

mundos en una colección coherente es el desafío. Pero este álbum tiene todo el potencial de convertirse en uno de nuestros mejores trabajos”&MMBEPMVNJOPTP FTUÈGPSNBEPQPSBRVFMMBT DBODJPOFTDPOBSSFHMPTF JOTUSVNFOUPTPSHÈOJDPT DPNP CJFOMPQVFEFOTFSA/P-JOF POUIF)PSJ[PO A.BHOJmDFOU ZA4UBOE6Q$PNFEZ RVF TFHÞO5IF&EHF TFWJP NBSDBEBQPSMBJOnVFODJB EF+JNNZ1BHFNJFOUSBT RVFMBTPTDVSBTPQPTU BUBSEFDFSTPOBRVFMMBTEPOEF QFSNJUJFSPORVFTFBTPNBSB TVJOUFSÏTQPSMBNÞTJDB FMFDUSØOJDB DPNPQPSCBOEBT DPNP$BO /FVþZ,SBGUXFSL "TÓFTDPNPTFEJMVDJEBFO FMUSBDLGBWPSJUPEF#POP  A.PNFOUPG4VSSFOEFS ZFO A'F[#FJOH#PSO RVFDVFOUB DPOVOBCSFWFFTDBMBEF TPOJEPPSJFOUBMFOFMDPSP

musicales”, subrayó The Edge. "mOFTEF UPEPFM FRVJQPTFDPODFOUSØFO FMTVSEF'SBODJB EPOEF JODMVTPTFSVNPSFØRVF#POP FTUVWPSFQSPEVDJFOEPMBT OVFWBTDBODJPOFTEF6FO VOFRVJQPBUPEPWPMVNFO  ZRVFGVFSPOHSBCBEBTQPS VOEFTDPOPDJEPQBSBMVFHP TVCJSMBTB*OUFSOFU1BSB FOUPODFT #POPDPNFOUBCB RVFMBMÓOFBDPOEVDUPSBEFM OVFWPÈMCVNTFSÓBMBNÞTJDB USBODF“Normalmente, cuando tocan una canción de U2, todos se salen de la pista de baile. Pero no se puede decir lo mismo del material que tenemos. )BZBMHVOBTJOnVFODJBTEFM trance, aunque también hay unas guitarras muy pesadas de The Edge. No suena como nada de lo que hemos hecho antes, ni lo que ninguna otra banda ha hecho”. .FTFTEFTQVÏT FMFTDFOBSJPTFUSBTMBEØB /VFWB:PSL ZEFBIÓB%VCMÓO“Vamos a tratar de romper nuevo material sonoro y crear una pieza maestraNBOJGFTUBCBFOUVTJBTUBNFOUF %BOJFM-BOPJTCuando juntas a los muchachos, a Eno y a mí en una sala, antes de almuerzo ya tenemos como ocho ideas”. "FTBTBMUVSBT FMQSPEVDUPS4UFWF-JMMZXIJUF UBNCJÏOIBCÓBIFDIPTVMMFHBEBBMFTUVEJP QBSBDPNFO[BSBEFMJNJUBSMBTDBODJPOFT RVFRVFEBSÓBOFOMBOVFWBQMBDBEF6:B FTUBCBDMBSPRVFFMSFDPSSJEPTFSÓB“un viaje fragmentado, un viaje físico desde París a Trípoli vía Cádiz, pero también uno emocional y psicológico” EFBDVFSEPBMPRVFTF×BMØ #POP 1BSBFOUPODFT BMHVOPTUSBDLTRVFmHVSBO FOMBMJTUBmOBMEFDBODJPOFTZBFTUBCBO UFSNJOBEPT UBMFTDPNPA.BHOJmDFOU RVF QSPNFUFTFSFMTFHVOEPTJOHMFEFMEJTDP  A$FEBSTPG-FCBOPOZA#SFBUIF EPOEF#POP NVFTUSBRVFZBOPTPOTVTQSPQJBTIJTUPSJBTB MBTRVFEBWJEBFOMBTMFUSBT TJOPMBTIJTUPSJBT EFVOQFSTPOBKFJOWFOUBEP“Me aburrí de

estar hablando en primera persona, así que inventé todos estos personajes, un policía de tránsito, un drogadicto y un soldado sirviendo en Afganistán” DPNFOUØ /PTJOVOEFKPEFEFTJMVTJØO MBCBOEBEFCJØ QPTQPOFSFMMBO[BNJFOUPEFi/P-JOFPOUIF )PSJ[POwEFTFQUJFNCSFEFQBSBNBS[P EF ZBRVF BÞMUJNBIPSB DPNFO[BSPO BEBSTFMBTTJUVBDJPOFTQBSBUFOFSFMÈMCVN RVFFMMPTCVTDBCBO PRVFBMNFOPT-BOPJT RVFSÓBFMEJTDPQFSGFDUP/PQPSOBEB FOTVT QSPQJBTQBMBCSBT UPEBTMBTQMBDBTEF6IBO TJEPEJGÓDJMFTEFIBDFS-BÞMUJNBTFNBOBEF HSBCBDJØODVMNJOØBQSJODJQJPTEFEJDJFNCSF FO-POESFT FOMPRVFFMWPDBMJTUBMMBNØBMHP BTÓDPNPiDBMJHSBGÓBDIJOBw“los monjes se tomaban meses en preparar la tinta y después, ¡bam! Todo pasa en segundos”. &MSFTVMUBEPDVCSFBRVFMMBWBSJFEBEEFTPOJEPT ZBRVFMBMFKBNJFOUPEFMBFTUSVDUVSBRVF TJHVJFSPOFOTVTEPTÞMUJNBTQMBDBTQPSMB RVFUBOUPIBCÓBOMVDIBEP5IF&EHFDPNFOUB RVFFMEJTDPi/P-JOFPO5IF)PSJ[POw FTUÈQSÈDUJDBNFOUFEJWJEJEPFOEPT FMMBEP MVNJOPTPZFMMBEPPTDVSP“Tratar de unir esos

:MPRVFDPNFO[ØTJFOEPTØMPVOWJBKFTJO EFTUJOP UFSNJOØDPNPVOBDPOGFTJØOBCJFSUB EF#POP NÈTBMMÈEFMOJWFMBNPSPTPPmMJBM “Estas son historias muy personales que terminaron siendo contadas a través de un personaje, y que, de alguna forma, no se alejan de mis propios pensamientos” FYQMJDB -PTTPOJEPTDVCSFOEFTEFFMSPDLEFUFNBT DPNPA4UBOE6Q$PNFEZZA(FUPO:PVS#PPUT BMBNCJDJPTPUSBDLA.PNFOUPG4VSSFOEFS  RVFTFFYUJFOEFQPSTJFUFNJOVUPTTPCSFVOB CBTFFMFDUSØOJDBZVOBMÓOFBEFCBKP BFTB DBMJEBEEFIJNOPRVFOPTFQPEÓBQFSEFSFO i/P-JOFPOUIF)PSJ[POwDPOA.BHOJmDFOU “Este tipo de cosas pasa muy de vez en cuandoTF×BMB#POP es una sensación muy extraña. Estábamos esperando que Dios entrara en la sala, y resulta que Dios es una mHVSBNVZQPDPDPOmBCMF"TÓRVFOPUJFOFTFM derecho de imaginar que puedes hacer un gran álbum. Pero lo que puedes hacer es crear las condiciones para que esto suceda”5BMQBSFDF RVFFOFMQBÓTEF6 UPEPQVFEFTVDFEFS

María de los Ángeles Cerda Rockaxis

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Me

nos urgencia guitarrera y más beats bailables. Ese es el lema de “Tonight: Franz Ferdinand”, el tercer hit consecutivo de la mina de oro del post punk de Glasgow, trabajo que conjuga las bondades del divertimento nocturno, acordes rompe pistas, una profunda devoción por la electrónica y el art pop como estructuras protagónicas. El combo escocés no para de gozar. Rockaxis

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Las suspicacias no se hicieron esperar. Dos largos años desmontando equipos productores y canciones al por mayor daban para pensar en un negativo desenlace. La parentela entre sus dos muestras antecesoras, alimentaban la teoría de una continuación poco riesgosa y conciliadora, pero la banda otorga un completo golpe de timón con “Tonight: Franz Ferdinand”, su nuevo testamento libertino. El brebaje de otrora era Wire, Gang of four o XTC, ahora las miradas por el espejo retrovisor apuntan a Kraftwerk y Roxy Music. Una revuelta manejada bajo el sensible instinto del pop, alimentado por un listón de improvisaciones en estudio. Paul Thompson (baterista), ferviente adicto a la electrónica y uno de los más entusiastas con este recambio estilístico que vivencia Franz Ferdinand, nos cuenta acerca de la difícil gestación del disco, la agenda de la banda y la participación de culto del cuarteto en el Festival de Viña. Para el período de grabación de “Tonight”, ustedes cambiaron productores varias veces. ¿Por qué sucedió eso? Paul Thompson: “Nunca dijimos que queríamos trabajar sólo con un productor. Probamos VOQBSEFQFSTPOBT BVORVFPmDJBMNFOUF era James Ford, porque tenía tiempo en ese momento. También tuvimos una sesión con Brian Higgins y Xenomanía, él, de hecho, grabó una canción para un compilado de Radio 1 (un cover de David Bowie). También trabajamos con Eron Alkan en un cover de LCD Soundsystem que saldrá como lado B, (‘All My Friends’) y luego nos encontramos con Dan Carey. Con Dan nos llevamos muy bien, le gustó mucho lo que teníamos, así que tuvimos una relación más estrecha y terminamos trabajando con él para el álbum”. ¿Hay alguna explicación para el nombre del disco, “Tonight: Franz Ferdinand”? ¿Es como decir, “esta noche, en vivo para ustedes…”? Esa es la idea que me da… Paul Thompson: “Vimos el nombre “Tonight” en un teatro… siempre nos hemos obsesionado con andar sacando fotos por ahí, e íbamos a usar algunas para el disco, pero eran muy obvias. Pero consideramos toda la anticipación que viene con esa palabra, además que todas las canciones son ideales para tocarlas en la noche… así que eventualmente siguió esa dinámica”.

En su último álbum, “You Could Have it So Much Better”, sentíamos que había una vibra guitarrera muy pesada, pero ahora hay muchos sintetizadores, muchos teclados… ¿querían salirse de ese sonido de las guitarras? Paul Thompson: “Creo que sí. Ahora EFmOJUJWBNFOUFTFIBDPOWFSUJEPFOVOB fórmula a la que las bandas guitarreras se pueden suscribir para aparecer en MTV o en la radio, pero no creo que estemos destinados a eso, porque no escuchamos música de ese tipo. Además, siempre hemos usado muchos sintetizadores; antes que la banda comenzara, Alex (Kapranos, voz) y yo hacíamos música electrónica, así que siempre va a ser algo a lo que vamos a volver”. :FTFnJSUFPDPOFMUSBODF {MPPDVQBOPMFTBDBO provecho en vivo? Paul Thompson: “En estos días muchas de

nuestras canciones tienen elementos de improvisación cuando estamos tocando en vivo. Cuando estábamos recién partiendo, éramos bien militantes de la idea de no hacer solos de guitarra alargados, ni rellenos atmosféricos y míranos 6 años después. Todo cambia”. Hay una creencia generalizada de que ustedes son muy metódicos y que tienen planeado hasta el mínimo detalle a juzgar por la complejidad de la estructura de sus canciones... ¿es tan así? Paul Thompson: “Eso es completamente errado, créeme. Sé que puede sonar como que es así por lo difícil que somos en personalidad, pero

de verdad que a veces no tenemos las cosas tan claras. Si fuera todo calculado, no sería tan divertido, porque sabríamos exactamente cómo sonarían los temas en el disco. Un buen ejemplo de cómo puede empezar y terminar una canción es ‘Lucid Dreams’ y las dos WFSTJPOFTRVFBMmOBMTFEJFSPOBDPOPDFSw ¿Y crees que este disco exhibe una progresión en sonido, sin alejar a los fans de sus otros dos álbumes? Porque de verdad puede pasar que te guste una versión de Franz Ferdinand más que la otra... Paul Thompsoni4VFOBEFmOJUJWBNFOUFDPNP un disco de Franz Ferdinand, pero hay cosas nuevas que se escuchan por aquí y por allá. Puede que sea bien diferente al “You Could Have It So Much Better”, que era un disco muy guitarrero, muy rock. Éste se mueve en las premisas de lo más dance, más swing. No

creo que confunda a nuestra base de fans por el solo hecho de que las guitarras están más CBKBTFOMBNF[DMB QPSRVFBMmOBMEFDVFOUBT  sí están ahí. En el futuro, podríamos insistir en esta dirección porque nos resultó interesante y entretenido, pero no te podría decir aún, hay que ver cómo recibe la gente a FF en esta gira”. Aunque es prematuro para concluir algo EFmOJUPSJP IBZRVFIBDFSOPUBSRVFMPTOVFWPT y terceros álbumes de Kaiser Chiefs, Keane y Razorlight no han vendido tan bien como se esperaba. ¿Tienen alguna inquietud acerca de cómo les irá con este “Tonight”? Rockaxis

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Paul Thompson: “Tal vez un poco, pero no como para estar muy preocupados. Estamos preparados para que éste no venda tan rápido como los anteriores. Esto de la industria musical siempre es como una cuestión de ciclos, así que podríamos decir que las bandas de guitarra no desaparecen, sino que pasan por debajo del radar, pero están ahí vendiendo, saludables fuera del hype. Creo más en el futuro que en cómo les vaya a los nombres consagrados; no soy un comentarista especializado o periodista, pero estoy seguro que por ahí, en algún garage, hay una banda joven llena de energía componiendo canciones

habíamos sido seguidos por un paparazzi. Fue muy entretenido, en realidad, porque no nos sentimos como rock stars. Eso fue un poco loco; cuando parábamos en los semáforos la gente se tiraba al parabrisas… fue como: ‘¿qué mierda está pasando?’. Pero tenía mucho interés por conocer Chile, porque tenemos amigos chilenos que tocan en la banda Pánico, esperamos volver para tocar con ellos”.

con sus guitarras y serán masivos en tres años más”.

corriente. No sabíamos que era un show de televisión, fue lo más bizarro que nos ha pasado. Pensamos que era hilarante, pero muy emocionante también. Tenían de todo, pirotecnia, el fuego que aparecía en frente del escenario, y tampoco nos dijeron nada de eso. De todas maneras fue una gran noche, fue muy entretenida (risas)”.

Acerca de la reputación de la música en Glasgow… ¿cómo están andando las cosas allá? He escuchado algunas bandas como Glasvegas o Sons and Daughters… cuéntame un poco de la escena en Glasgow, Escocia. Paul Thompson: “Todos son muy colaboradores y se apoyan entre sí. Tienen un espíritu muy libre, pero tampoco es que sigan una sola línea, todas las bandas son completamente distintas. No es como la escena de Manchester con la Factory, New Order y todo eso, o la de 4IFGmFMEDPO)VNBO-FBHVF QPSRVFFTPFO Glasgow no existe”. ¿Qué recuerdas de nuestra ciudad, Santiago, y Viña del Mar, ya que tocaron aquí un par de veces? Paul Thompson: “Fue de locos. Nunca Rockaxis

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{3FDVFSEBTFM'FTUJWBMEF7J×B RVFBMmOBMFT como un gran show de televisión? Paul Thompson: “Nadie nos dijo nada, pensamos que era un concierto común y

en el Reino Unido, en locales con capacidad para 150 personas, nos hicimos muy buenos amigos. Éramos fans de ellos antes de conocerlos, así que fue increíble poder tocar juntos. Esperamos poder hacer otros shows, pero no tenemos tiempo por el momento, además que están trabajando en un disco nuevo”. ¿Qué les gusta tanto de Pánico? Paul Thompson: “Tienen un sonido único, quizás puedes deducir cuáles son sus gustos PTVTJOnVFODJBT QFSPNFHVTUBNVDIPMB imaginería que tienen, magia negra, vudú,

cosas así, son tan excitantes y desconocidas para mí. Me abrieron la puerta a lo que pasa en Sudamérica, del folklore, a lo que escuchan, a la cumbia de Colombia, a la música de Perú y cosas así, además de un poco de literatura sudamericana”.

¿Cómo es la relación de ustedes ahora con U2? Se hicieron buenos amigos… Paul Thompson: “A nosotros nos gusta su música y a ellos les agrada la nuestra, es una gran banda. Fue fantástico poder ir con ellos B-BUJOPBNÏSJDBDPNPHSVQPEFBQPZP0KBMÈ podamos tocar de nuevo juntos en el futuro”.

Finalmente, ustedes harán una gira para promocionar este tercer disco, ¿pasarán por Latinoamérica? Paul Thompson: “Esperamos ir antes de mOEFB×P EFmOJUJWBNFOUF/PTFODBOUB -BUJOPBNÏSJDBZOPTIFNPTPCTFTJPOBEP con el lugar. Me encantaría tocar en Perú, Venezuela, Colombia y Santiago es una ciudad sorprendente, estoy ansioso por volver”.

Ustedes hicieron muy buena promoción para la banda franco-chilena Pánico. Escuché que ellos abrieron un par de sus shows… Paul Thompson: “Sí, hicimos una pequeña gira

Alfredo Lewin Agradecimientos Radio Rock & Pop Colaboración: Francisco Reinoso Baltar María de los Ángeles Cerda

difícil lograr ver su rostro descubierto. Con facha de legítimo rockstar deambula por la calle. Pero detrás de su imagen descubrimos a uno de los personajes más genuinos que suma la historia del rock chileno. Sam, la voz, guitarra y cerebro fundamental de los nacionales The Ganjas. Sam, la Gibson en llamas de los históricos Yajaira. Sam, el reposo y letargo en los sonidos de The Versions. Samuel no usa celular y sus vacaciones duran todo el año. Vive para tocar o hacer música. Así está tranquilo, y prolífero crea.

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Fotos y Texto por Ignacio Orrego G. // Producción & Imagen por Fotorock.

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Es pleno verano y los nuevos sonidos de The Ganjas ya fueron registrados (entre las bondades del campo y el cómodo bar Club Mist). Hoy encontramos a Sam en plena faena de post producción del nuevo disco en estudio de la banda. 4BOUJBHPFTFMNJTNPJOmFSOPDPOUSFJOUB ZUBOUPTHSBEPTRVFBNQMJmDBFMDFNFOUP Esperamos a Sam en la puerta de su casa y de lejos lo vemos volar en bicicleta. Viene llegando de escuchar y procesar los nuevos temas que trabajan y mezclan en la casa de Pablo Giadach, su compañero de banda. El calor azota y los vasos de agua con la llave

abierta chorreados van y vienen en manos de Sam. Segundo piso y en su habitación nos presenta a uno de sus mayores orgullos. Cientos y cientos de discos de vinilo traídos de todo el mundo. Regalados, encargados, comprados, truequeados, etc. El sonido de Sam se detiene en el tiempo y duerme entre la historia sonora que resguardan las 12 pulgadas de vinilo. Uno tras otro van pasando los discos y él muy cómodo no se cansa de enseñarnos cómo suenan. Melómano por excelencia. Hoy toca The Ganjas, pero para Sam no es cualquier tocata. Hoy toca en su bar favorito, el Club Mist. “Tiene una de las mejores barras de Santiago”, entusiasmado nos comenta. “Y suena de lujo. Por eso grabamos ahí el nuevo disco de The Ganjas. El Mist nos pasó unos días y la hicimos”. Atardece, suena The Doors y los instrumentos ya traspasan la puerta del Mist. Sam cruza la barra y se relaja mientras sus amigos de Tabernarios prueban primeros. Y es que gracias al destino, The Ganjas abre y tocan más temprano. Moneda al aire decidió el orden de salida. Nadie quería abrir. “Cierren ustedes que son de la casa. Queremos relajarnos después de tocar viendo a Ganjas”, entre risas Tabernarios los intenta persuadir. Da lo mismo… éste es el tiempo de Sam. MYSPACE www.myspace.com/theganjas www.myspace.com/yajaira666 www.myspace.com/theversions

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El laberinto vikingo de

SAXON Uno de los pioneros de la NWOBHM regresa con su álbum nº18

odos sabemos que el respeto no se compra. Que la permanencia, vigencia y lealtad se gana con los años; y eso se consigue escuchando y contentando a quienes hacen grande a una banda o la dejan en el PMWJEPMPTGBOT&TFFTFMQVOUPEFQBSUJEBPmOBMQBSB cualquier grupo de rock del mundo. Y los ingleses de Saxon saben aquello mejor que nadie. Nunca han tenido un éxito comercial masivo, pero sí han gozado desde hace 30 años, del respeto de los fans del metal en cada rincón del mundo.

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Desde que intentaron tener su “golpe de suerte” en Estados Unidos presionados en aquellos días por la multinacional EMI, editando discos derechamente más comerciales y melódicos como “Innocence Is No Excuse” (1985), y “Destiny” (1988), dos placas grandiosas de todas formas, el grupo dio un golpe de timón y decidió enfocarse para siempre en lo que mejor saben hacer: crear ese heavy metal QVSJTUB DPODMBTFZEFmOBDFQB que los sitúa en un lugar de honor junto a los grandes representantes del estilo, como lo son Iron Maiden, Judas Priest y Accept. “Con el correr de los años, los nuevos y antiguos fans han ido valorando cada vez más discos como “Innocence” y “Destiny”; entendieron que el hecho que esas placas suenen un poco más comerciales de cara a la radio, no desmerece la calidad del material que hay en ellos e incluso hace algunos años atrás, el propio Christopher Cross me mandó Rockaxis

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un e-mail felicitándonos por la fantástica versión que hicimos de A3JEFMJLFUIFXJOE FTPTJHOJmDB que algo hicimos bien”. 4JOEVEB #JGG#JGGPSETFSFmFSF al tremendo hit (Chile incluido), que consiguieron en 1988 con el cover que hicieron del destacado baladista norteamericano. Pero ese éxito fue sólo un pequeño espejismo en el desierto y durante la década de los 90’s, la banda debió batallar muy duro para sobrevivir al grunge, mantenerse vigentes y sacar los pasajes a la inmortalidad. Y hoy esa vigencia se hace más patente que nunca con “Into The Labyrinth”, un disco fascinante, lleno de temas de auténtico heavy metal de la vieja escuela. Aquí, fusionan con una pasmosa pericia la calidad de sus placas anteriores, “Lionheart” (2004) y “The Inner Sanctun” (2007), que fue producido por el ya habitual Charlie Bauerfeind en los estudios Twilight Hall, propiedad de Blind

Guardian en Krefeld, Alemania. El cedé está lleno de espectaculares canciones épicas como ‘Batallions of steel’ y ‘Valley of the kings’ que relatan importantes confrontaciones bélicas históricas. Así, desde su casa en Normandía el cantante y principal compositor Biff Bifford, fue ultimando los detalles de la placa antes de viajar a Alemania para su grabación. “Esta vez optamos por registrar todo análogo, como en los viejos buenos tiempos. Quisimos capturar el poder de la banda grabando todos juntos, para que los fans pudieran escuchar y sentir ese poder al oír el disco en vez de buscar la perfección absoluta pero estéril del Pro-Tool. ¿Te acuerdas de esa vieja historia

de los indígenas que decían RVFMBTDÈNBSBTGPUPHSÈmDBTTF robaban el alma de la personas? Pues es lo mismo que yo pienso del Pro-Tools, se roba el alma de los álbumes, haciéndolos sonar demasiado perfectos e irreales”, dice Biff. Y cuando uno escucha la inmensa vibración y espíritu de cortes como ‘Live to rock’ (primer single y video), y ‘Coming rock of ages (the circle is complete)’, no deja de encontrarle toda la razón al gran Biff. Sólo es de esperar que con un gran disco bajo el brazo DPNPÏTUF mOBMNFOUFFM%SBLLBS de este legendario guerrero vikingo se detenga en las costas de Chile. Cristián Pavez

the datsuns ŶƚƌĞĂŶĂŐƌĂŵĂƐĞŝŵƉƌŽǀŝƐŽƐ

a banda neozelandesa MBO[ØBmOFTEF 2008 su cuarta placa “Headstunts”, que con su título pretende hacer un juego de palabras con el nombre de The Datsuns. La improvisación fue tomada en cuenta en el disco, que tiene un sonido mucho más popero que sus predecesores.

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The Datsuns volvió a los estudios, siguiendo así con la tradición autoimpuesta de grabar discos cada un año y medio, o a veces un poco más. Esta vez el cuarteto se decidió por un sonido más contagioso que sus predecesores, pero que de todos modos mantiene la esencia desordenada de la banda, algo que The Datsuns sabe y de lo que esperan sacar provecho. Su vocalista, Dolf De Borst, señala que el disco fue hecho en un período en que la banda improvisaba mucho, por lo que simplemente surgió un álbum OPQMBOJmDBEP “Cuando comenzamos a hacer este álbum tocábamos mucho juntos, y lo hacíamos por mucho tiempo, sacábamos canciones, pero terminamos haciendo un disco pop. Es mucho más pop que todas las cosas que hemos hecho antes, pero aún así suena pesado. Empieza como una serie de serpenteos instrumentales, pero las canciones se acortan y

acortan. Quizás dejemos un álbum más fuerte para la próxima vez. Nos gusta perdernos en el estudio con tocatas largas e improvisadas, pero naturalmente el punk rock MMFHBBMmOBM{4PNPTVOBCBOEB de improvisación vestida de punk o viceversa? No lo tengo muy claro”. La placa, en 40 minutos, mantiene letras que abordan temáticas generales, alejadas de las visiones personales. Por otra parte, se aprecia una madurez en la banda, en la calidad vocal de De Borst como en la inclusión de más instrumentos. Para el vocalista, “Headstunts” es una placa que lo hace sentir conforme y que escucha sin temor a encontrarse con un material fallido. “Es el álbum que puedo escuchar TJOBCBUJNJFOUP4PZDPNPVOP de esos cineastas que hacen una película, pero después no quieren ir a la premiere. Esta vez estoy

más conforme con lo que somos y lo que yo soy como cantante, a pesar que decir eso me hace sentir incómodo, pensado en mí como músico o cantante. Pero he estado haciendo esto por una década -tres de nosotros llevamos 12 años juntos y seis años haciendo discos- así es que es obvio lo que hago”, comenta el vocalista. Aunque el punk permanece en la banda, hay una armonía nueva, que es atribuida al cambio de baterista. Matt Osment, el primer encargado de los tambores, fue reemplazado en 2006 por Ben Cole. El nuevo integrante permitió BQPSUBSOVFWBTJOnVFODJBTZ renovar la energía el grupo. Por otra parte, Cole es cercano a De Borst desde la infancia, ya que también es oriundo de Cambridge. Esto permitió que el proceso de BmBUBNJFOUPEFMHSVQPGVFTFNÈT fácil. “Tenemos a un nuevo miembro en la batería, Ben Cole, así es que era como estar haciendo nuestro primer disco de nuevo, con

OVFWBTJOnVFODJBTZIBCJMJEBEFT Con una persona nueva estábamos habilitados para tocar de diferente manera y también podíamos revivir algunas ideas viejas que no habíamos tomado antes. Tomando esas ideas y tirándolas por ahí, como haciendo un anagrama. 4VQPOHPRVFIBZVOUJQPEFUPSQF poesía ahí”, dice De Borst. “Headstunts” fue producido por la misma banda, lo cual les permitió mayor libertad creativa. Además, el hecho de ser dirigidos por sí mismos les sirvió para disminuir las presiones sobre lo que los demás esperarían del disco. De acuerdo a De Borst, la placa fue realizada con el pensamiento “esto es lo que soy y es la clase de música que hago”, causando un relajo en los integrantes de The Datsuns, y esperando que en esta oportunidad se aprecie el desarrollo natural y no programado del álbum. Para la banda, “Headstunts” es sólo una obra nacida del instinto.

Francisca González Rockaxis

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Earthless

Desde San Diego a tu psiquis

n sonido totalmente anacrónico. Fuzz a mil revoluciones y VOTPOJEPRVFSFTDBUBZBNQMJmDBUSBEJDJPOFTDPNPFMUSJQ sicodélico de Cream y Jimi Hendrix, junto al oscurantismo y la distorsión de Black Sabbath. Quizás sea esa la aproximación más lógica para sumergirse dentro del campo sonoro de Earthless, conjunto oriundo de San Diego, California, y compuesto por Tim Green, Mario Rubalcaba, Isaiah Mitchell y Mike Eginton. Todos nombres reconocidos de la escena stoner norteamericana, pero que en Earthless dejan en claro que no hay ideas preconcebidas al momento de acercarse al rock en su estado lisérgico.

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Formados hace poco más de 6 años, la banda debuta con el auspicioso ZEFTBmBOUFi4POJD1SBZFSw CBKPMBDBTBEJTDPHSÈmDB(SBWJUZ3FDPSET Compuesto sólo por dos extensos temas en clave de jamming, el elepé se convirtió en la piedra angular del estilo psicodélico que cultiva la banda. “La verdad, es que para componer sólo tocamos y no escribimos”, aclara el baterista de la banda, Mario Rubalcaba. &O CBKPFMBMFSPEF5FF1FF3FDPSET EPOEFUBNCJÏOFTUÈO agrupaciones como Brian Jonestown Massacre y los seminales Sleep), FEJUBSPOFMNVZCJFOSFDJCJEPi3ZUINTGSPNB$PTNJD4LZw FOFMRVF Earthless engrandeció su apuesta sonora con la suite en clave ácida ‘Godspeed’, como carta principal. No obstante, las buenas críticas OPUFSNJOBSPOBIÓ QPSRVFFMB×PQBTBEP ZUBNCJÏOQPS5FF1FF  FEJUBSPOFMEJTDPEPCMFi-JWFBU3PBECVSOw RVFIBMPHSBEPFYDFMFOUFT comentarios en la prensa rockera independiente gringa. Felipe Kraljevich M. www.myspace.com/earthless

Rose Hill Drive

Recogiendo experiencias on una banda de rock and roll y eso lo demuestran tanto en sus álbumes como en sus presentaciones en vivo, cargadas de adrenalina. Son Rose Hill Drive, trío formado en 2003 QPSMPTIFSNBOPT+BLFZ%BOJFM4QSPVM CBKPZWP[FMQSJNFSP y guitarra y voz el segundo) y el baterista Nathan Barnes y que a la fecha ha editado dos placas de estudio, su homónimo en 2006 y dos B×PTNÈTUBSEFi.PPOJTUIFOFXFBSUIwyUPEPFTUPNÈTVOBTFSJFEF epés y placas en vivo que son la prueba palpable de un rock directo, clásico y repleto de onda.

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"QFTBSEFTVKVWFOUVE BÞOTPOVOPTWFJOUFB×FSPT

FMUSÓPTVFOB tremendamente cohesionado y parecen unos verdaderos veteranos en las tablas. Claro, de mucho les ha servido el hecho de que a la fecha han girado con importantes y disímiles nombres como Van Halen, Sammy Hagar, Black Crowes, QOTSA o The Who. “Es la forma en que operan las bandas modernas. Hacen su dinero con las presentaciones en vivo, a menos que tengas un sencillo gigante y hagas mucho dinero con él. Nosotros queremos tocar nuestra música y que la gente la disfrute. En estos tiempos, tienes que estar en la ruta y si es con estas tremendas agrupaciones, qué mejor”, cuenta Jake. $POFTPTBOUFDFEFOUFT FMSFTVMUBEPPCUFOJEPFOi.PPOJTUIF OFXFBSUIwOPGVFVOBTPSQSFTBQBSBOBEJFZMMFOØQPSDPNQMFUPFM gusto del trío, sobre todo teniendo en cuenta que lo llevaron a cabo absolutamente solos: “Después de trabajar con un productor en nuestro primer disco, sentimos que éste era un proyecto que podíamos llevar a cabo por nosotros mismos. Lo conversamos y tomamos la decisión de hacerlo sin ninguna ayuda externa”, comenta el bajista +BLF4QSPVMyTBCJBEFDJTJØOyOBEBQVEPTFSNFKPS Rodrigo Carvajal U. www.myspace.com/rosehilldrive

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Silverjack

Buscando las alturas

l grupo conformado en la actualidad por Jaime Soto (bajo), Nicolás Espinoza (voz y guitarra), Jaime Dutrey (guitarra) y el nuevo batero José Manuel Gómez, va ya para los 8 años de recorrido, en los que han pisado desde tugurios de mala muerte hasta escenarios junto a actos consolidados como La Renga y Nashville Pussy. Así, han forjado la prestancia EFVODPOKVOUPRVFBmOFTEFOPT entregó su disco debut, “Explota el cemento”.

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Con trabajo en mano, Silverjack reanuda su periplo por los escenarios capitalinos más BMHVOPTFWFOUPTFOSFHJPOFT SFBmSNÈOEPTF como uno de los actos imprescindibles a la hora de hablar de este auge subterráneo del rock nacional. Para el bajista Jaime Soto, quien FTUÈmKPFOFMHSVQPEFTEF FMIFDIP de tantas tocatas responde únicamente a que “tocar en vivo es lo que más nos gusta hacer y, en ese sentido, la disposición siempre va a estar en tocar lo más posible. Para hacerlo hay que acomodarse a esta forma de vida: quizás implica dormir un poco menos, tener atados en la pega... pero ahí estamos todos”. Esa característica se nota en particular en el show en vivo, con resultados que fueron inesperados para la banda. “Es difícil hacerse expectativas del publico, por ejemplo en las Rockaxis

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tocatas cada vez nos pelaban más el cable con el ‘No está bien’, un tema que nos gusta harto, pero que cuando grabamos el disco nos imaginábamos que iba a ser de más bajo QFSmMw, nos cuenta Nicolás “Chino” Espinoza. ¿Cómo evaluarían al “Explota el cemento”, a casi un año de su salida? Chino: “Si hay que hacer un balance es positivo, sin duda. Nuestro primer disco es nuestra carta de presentación y lo tratamos de hacer lo mejor posible. A más de un año de haberlo grabado hemos crecido en varios aspectos, pero la esencia del “Explota” es lo que queremos que sea Silverjack: Rock & roll crudo, callejero, aperrado y para la gente”. Siempre se habla de la internacionalización como un paso a seguir por los grupos chilenos. ¿Qué pasa en ese aspecto con Silverjack? Jaime: “Queremos lograr primero las metas que nos propusimos acá en Chile; tocar en todo el país, que vaya más gente a nuestras tocatas locales y sacar el segundo disco. Lo

de la internacionalización está en nuestros planes. Hemos recibido algunos contactos desde Argentina y España por nuestra pagina web Silverjack.cl, pero queremos ir quemando etapas como corresponde”. ¿Cuáles son las próximas actividades de la banda? ¿Está dentro de sus planes editar un nuevo disco durante este año? Jaime: “Hemos estado trabajando de lleno en los temas del segundo álbum que QSPCBCMFNFOUFTBMESÈBmOEFB×P2VFSFNPT ir a la mayor cantidad de regiones del país y nos mantendremos rockeando todo el rato en MBDBQJUBM1PSMPQSPOUP WBNPTBUPDBSFM de marzo en el Mist con Devil Presley. Ahí presentaremos temas nuevos por primera vez desde el “Explota””. Felipe Kraljevich M. www.myspace.com/silverjack

Byron

Fuka

a historia de este trío se remonta a varios años atrás. De sus inicios como -PSE#ZSPOTØMPRVFEBMBmHVSBEFM bajista y vocalista Cristian ‘Chumale’ Bravo (miembro además de González y los Asistentes), quien hoy junto a Eduardo ‘Chunay’ Castro (batería) y Felipe Moreno HVJUBSSB

EBOWJEBBMPRVFFMMPTEFmOFO como “una banda totalmente distinta y con un sonido diferente”. Y para ello, lo primero que hicieron fue eliminar el ‘Lord’, dejando solamente a Byron como prueba palpable EFFTUFSFOBDFSRVFTFWFSFnFKBEPFOi/P Debes”, su más reciente placa de estudio.

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mplazados en un barrio histórico para el rock nacional (en las casonas que rodean a Avenida Matta), Fuka nos abre sus puertas para presentar su propuesta, esa que los encuentra en un híbrido entre el metal recalcitrante y el hard SPDLDPOHVJUBSSBTBDFJUBEBT“La banda comienza hace alrededor de dos años”, nos DPNFOUBFMHVJUBSSJTUB.JHVFM7FSHBSB$POVOB propuesta más orientada al nü metal, Fuka se completa con el bajista Héctor Bahamonde. /PPCTUBOUF FTMBMMFHBEBEF'FMJQF)FSSFSB  FOHVJUBSSBZWP[ MPRVFEFmOFFMTPOJEPEFMB BHSVQBDJØO

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De la historia para atrás no es mucho lo que quieren hablar. Se concentran en el presente y en un futuro que esperan se dé de la mejor manera… “La idea es tener un repertorio totalmente propio de los nuevos integrantes. Nos gustan cosas distintas a cómo era Lord Byron antes… y estamos buscando, en cierta forma seguimos explorando”, nos dice Felipe.

&MBSSJCPEF-VJTiPTPw0TTFTBMBCBUFSÓB también fue fundamental y así lo hacen notar TVTNJFNCSPT7FSHBSBFTFOGÈUJDPFOEFDJS que “con su llegada, Fuka se transformó en una banda compacta, con sus objetivos claros respecto a lo que se quería lograr”.

Partir de cero

Esta opinión es compartida por ‘Chumale’, quien recalca los nuevos aires al interior EFMHSVQP“Venimos de un lugar y sabemos cuál es, pero éste es un proyecto nuevo. O sea creo que el “No debes” también forma parte del pasado y de esa placa únicamente rescataremos un tema que no quiero que se pierda”. Hoy están partiendo de cero, pero con la idea de abarcar el circuito capitalino en toda su expresión. Así es como el 24 de este mes actuarán en la Sala SCD de Plaza 7FTQVDJPKVOUPB4ÈUJSP“Estamos buscando hacernos un nombre -dice Eduardo- y estamos trabajando para ello, para que nos pesquen y a la gente le guste lo que hacemos”. Rodrigo Carvajal U. www.myspace.com/bandabyron

Rock y coraje del barrio

'VLBDVFOUBDPOVOFQÏUJUVMBEPi$SVEPw  RVFSFHJTUSBSPOFMB×PQBTBEPBMNPNFOUP EFJOHSFTBS'FMJQF)FSSFSBBMHSVQP.ÈTRVF OBEB ZUBMDPNPSFDPOPDF7FSHBSB FMDFEÏ era para “registrar la etapa que se vivía en ese momento”4JOFNCBSHP MPRVFTFFTDVDIBFO FTFUSBCBKPOPFTOJQPSBTPNPMPRVFEFmOF BMDPOKVOUPiEstamos sonando mucho más pesado” BTFHVSB'FMJQF)FSSFSB "TÓ 'VLBEFNVFTUSBHSBOEFTQBTPTEF crecimiento en poco tiempo. “Sólo con pachorra” EFmOF'FMJQFFMUSBCBKPEFMB banda. De esta forma, y tras una exitosa presentación en Ancud junto a bandas como los locales Subalternos, Huinca, Weichafe y Alejandro Silva, Fuka ya tiene en carpeta varias cosas para el año que se viene, entre FMMBTFMi%F$PPMUP'FTUw VOBQPTJCMFHJSBQBSB el norte en septiembre y además, lo que será TVQSJNFSMBSHBEVSBDJØO Felipe Kraljevich M. www.myspace.com/bandafuka Rockaxis

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“Me

tamorphosis” es más que la nueva placa de Papa Roach, pues para los de California esta entrega es la oportunidad de redimirse y demostrar que no han perdido el fuego y la inspiración que los catapultó a la fama a principios del siglo XXI. Ellos están convencidos y tranquilos por el trabajo realizado. Se asumen cada vez más maduros y con la capacidad de tomar sus propias decisiones… ¿cuál es el resultado? No hay más que esperar, pues el 24 de este mes, la metamorfosis llega a su fin.

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Las cosas no anduvieron según lo planeado por Papa Roach en “The Paramour Sessions”, su placa editada en 2006. Las ventas no fueron de las mejores y para nada comparables a los oros y platinos ganados por el grupo con sus tres primeros discos de estudio para una disquera grande y por ello, el desafío FOTVRVJOUPFTGVFS[PEJTDPHSÈmDPUJUVMBEP “Metamorphosis” va muy ligado a recuperar terreno y volver al primer plano. Aunque miren de reojo las cifras y asuman una posición indiferente, ellos saben que con este “Metamorphosis” se juegan algo importante. Para el guitarrista Jerry Horton, esta placa es su disco de rock de la década: “Cubre el espectro con un montón de diferentes sabores. Hay muchos estilos en este registro y creo que eso es lo que lo separa de los álbumes anteriores, aquí las canciones encajan muy bien, lo que hace un disco súper cohesionado”. Una opinión similar es la que tiene el vocalista Jacoby Shaddix, quien destaca las virtudes de la placa: “Este álbum nos dio la oportunidad de decir: ‘¿sabes qué? es hora de comprometerse, es hora de hacer que suceda’. Por eso, el disco tiene una onda embalada, pero al mismo tiempo, está muy enfocado. Es difícil explicarlo, es un álbum muy diverso y enfocado”. Pero de todas formas, la banda quiere mantener su esencia y extrapolarla al 2009 con éxito: “Siempre hemos tenido toques punk y metal, con un tipo bien rockero y un swing hip hop. Esos riffs mortíferos son usuales y para nosotros es otra forma de ser quiénes somos. Es como: ‘todo es lo mismo, sólo un poco diferente’. Es lo mejor de lo mejor para nuestro álbum”, dijo Shaddix. Los chicos de Papa Roach están conscientes de que los tiempos son otros y la escena es muy diferente a la que recibió con los brazos abiertos a su placa “Infest” del año 2000 -que alcanzó el estatus de triple disco de platino-. Pero así como asumen los desafíos en pleno 2009, también lo hacen con el conocimiento de que, después de una década, siguen llamando la atención de los medios y sobre todo, de nuevos fans: “Creo que tiene que ver con el hecho de mantenerte haciendo buenas canciones -dice Horton-, pero aparte de lo obvio, hemos intentado no

estancarnos nosotros mismos como músicos. Hemos cambiado continuamente y tomado riesgos. Nunca ponemos limitaciones a nuestra música. Creo que eso tiene mucho que ver con cuán amplia es nuestra base de fans. Hay algo para todos en cualquiera de nuestros registros”. Casi como una costumbre, “Metamorphosis” fue escrito en la mansión Paramour y coproducido junto a Jay Baumgardener (311, Evanesence, Incubus), que ya había trabajado con el grupo en su exitoso “Infest”. Según Shaddix, el proceso fue muy similar y fue eso mismo lo que permitió que la labor de producción se desarrollara sin inconvenientes: “Todo fue muy parecido a lo que pasó en “Infest”, aunque hemos crecido y él ha hecho muchas cosas desde entonces. Fue más una co-producción donde hacíamos un montón de cosas nosotros solos y luego le consultábamos a él sus ideas. Fue una buena experiencia QBSBMBCBOEB QPSRVFmOBMNFOUFRVFSFNPT producir nuestro propio material. Esto nos lleva de a poco a ser capaces de hacer eso”. Con la los años, la ser capaz

experiencia que dan agrupación quiere de producir

autónomamente sus canciones. Por ello trabajaron con una persona de la casa como Jay, en lo que fue uno de los desafíos a vencer durante el registro. Pero según ha reconocido el grupo, otro de los retos para registrar esta placa fue el tiempo que tuvieron para hacerlo: “Tuvimos que terminarlo mientras estábamos en el Cruefest de gira -acota Horton-. No grabamos mucho durante el tour, pero hubo

algunas canciones que necesitaban un ajuste en las letras y las voces. Quedaron cosas pendientes y estábamos en una situación en la que teníamos que salir de gira. Decidimos terminar en la carretera y funcionó. Se hizo todo para Jacoby (Shaddix) especialmente, porque él tuvo la oportunidad de trabajar con James Michael de Sixx AM. James hizo la grabación en el camino y lo ayudó con algunas letras aquí y allá. Creo que salimos con algo realmente grande”. El entusiasmo se les sale por los poros a los miembros de Papa Roach. No importa que su ex baterista, Dave Buckner, los haya demandado por el vil dinero, pues el resultado los dejó muy prendidos de cara a lo que se viene de la mano del primer sencillo, ‘Lifeline’, DVZPWJEFPGVFmMNBEPEVSBOUFVOBBDUVBDJØO en el Cruefest: “Con este disco vivimos una especie de tiempo desesperado, porque no sabíamos lo que estaba pasando y la canción es sobre eso. Es sobre buscar una luz de esperanza y encontrarla. El tema nos la dio Z EFmOJUJWBNFOUF FTVOBQPEFSPTBZGVFSUF canción”, aclara Shaddix. Así las cosas, un periplo por Estados Unidos durante el mes de marzo, el salto a Europa a partir de abril y un montón de actividad es lo que asoma en el horizonte del grupo. Y, por supuesto, siempre la idea es visitar cuanto país se cruce por delante: “Haremos Estados Unidos, Canadá y Europa -comenta Horton-, pero estamos tratando de recautivar a nuestra audiencia fuera de Norteamérica e ir a nuevos lugares que no hemos visitado. Hemos estado, además, en Japón y Australia, pero hay tantos sitios a los que queremos ir. Nos están insistiendo de otros países para que los visitemos y creo RVF EFmOJUJWBNFOUF ÏTUFFTFMNPNFOUPEF hacerlo. Es tiempo de tomarse el mundo otra vez”. La banda tiene las pilas cargadas, ahora sólo hay que esperar que llegue el 24 de marzo, fecha estipulada para la edición de “Metamorphosis” para saber si todo este optimismo tiene un real asidero en lo que es más importante… buena música y canciones que pasen a la historia. Al menos por ganas no se quedan. Rodrigo Carvajal U. Rockaxis

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Las claves del

Bonoísmo

yendo el libro de Emiliano Aguayo, llamado “Maldito Sudaca” -un exhaustivo compilado de entrevistas al ex- Prisionero Jorge González- me asombré por lo que entendí como la devoción de nuestro compatriota hacia Bono, el vocalista de U2, pues citaba el cuarto mandamiento de un decálogo que yo desconocía.

Le

El romper ese mandamiento fue motivo del quiebre de Los Prisioneros en 2003, porque en medio de las grabaciones de aquel disco de reunión, a Miguel Tapia y especialmente a Claudio Narea, se les ocurrió cambiarse de casa con todo el desgaste que una mudanza implica. Jorge González les dijo exaltado: “¿Es que acaso no han leído los 10 mandamientos de Bono?”. Obviamente Tapia y Narea nos los habían leído... ni yo tampoco. Nuestro Señor Bono Vox inspiró a su hijo predilecto, un irlandés conocido como Paul Hewson, hace 7 años, con este pedazo de sabiduría que funciona como una reactualización de la de Moisés -que ya está un tanto añeja-, un set de Tablas del Sinaí para las deidades de nuestros tiempos, los rockstars. LOS 10 MANDAMIENTOS DE ACUERDO A BONO “No dejes que la fama se te suba a la cabeza” “La fama es una obscenidad. Desde mi experiencia, las personas que hacen notar más Rockaxis

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la fama son las que piensan más sobre ella, la gente que cree en ella. Es absurdo, y lo sé cuando me miro en el espejo y veo lo loco que es esto”. “Respeta tus limitaciones” “Siempre tengo crisis con las canciones, donde me digo a mí mismo: ‘Si tan sólo fuera una persona diferente, podría escribir algo mejor en esta canción’. Sin embargo, las cosas que no puedes hacer son las que te hacen grande. “Ten cuidado con la televisión” i-BUFMFWJTJØOEFTNJUJmDBMPRVFIBDFT-BT personas pueden subir o bajar el volumen, pueden bajar el contraste. Te tienen, mientras que en concierto tu les tienes a ellos y es difícil renunciar a ese tipo de control”. “Sólo cámbiate de casa con el álbum en vivo” “Ellos hicieron tres grandes álbumes y luego, ¿qué ocurrió? Descubres que se mudaron de casa. De repente tienen estas paredes y quieren colgar arte en ellas. Por lo tanto, se convierten en expertos en arte, y de repente llegan a ser exigentes cuando llega la alfombra china. Por lo tanto, no a las alfombras chinas o la decoración del baño cuando estamos haciendo un álbum de U2”. “No dejes de hacer giras” “Si no haces giras, dejas de cumplir con el QÞCMJDP FNQJF[BTBEFTDPOmBSZFMMPTJHVBM Todavía podrías lanzar un gran disco y la gente podría comprarlo, pero no es el tema, la ola que te transporta es a lo que estamos

acostumbrados”. “No tengas un séquito” “Muerte a las estrellas del rock que se quejan por nada, sus miserables séquitos y sus 10 guardaespaldas”. “Ten miedo del dinero” “Las bandas que rompen por la secuencia de una canción, está bien, pero no por los royalties”. “No seas cabrón” “La forma en que lo podrido se cuela bajo tu puerta te está diciendo que la razón por la que has tenido toda esta buena fortuna se debe a que eres de alguna manera especial, en lugar de hacerte ver que tienes un don. Si eres capaz de cantar, o de describir las cosas a través de tu voz, sí, trabaja en ello y sí, el trabajador es digno de su salario, pero no tanto”. “No te acerques para que te aconseje” “No me mires a mí, mira a Michael Stipe o a Bob Geldof”. Para todos ustedes que en ocasiones se han preguntado ¿qué haría Bono en mi lugar?, aquí hay una reactualización de las tablas de los 10 mandamientos en oposición a lo que él mismo declaró que eran sus Top 10 -decirlo así suena como más moderno-. Los practicantes de la religión Bonoísta han preferido seguir estos mandamientos desde los imprecisos años DB (después de Bono), pero ahora parece que otras religiones están empezando a iluminarse

y a predicar la palabra de Bono. Los 10 mandamientos Apócrifos a los que Bono NO suscribe: “No adorarás a otros dioses antes que yo”. Primero y antes que cualquier otra cosa, Bono nos demanda toda nuestra atención para adherir a esta regla fundamental. “No cometerás adulterio”. Ésta ha sido la controversia de la última mitad de 2008, en que unas (poco incriminatorias) fotos de Bono con dos atractivas chicas en bikini por ahí en Niza o también de la mano con Penélope Cruz han empapelado los muros de Facebook, los diarios y la web. No obstante, es justo y necesario que se diga: Bono es un hombre comprometido con su familia. “Irás siempre hacia adelante y promoverás el nuevo evangelio de la riqueza”. Bajo esa desinteresada postura antipobreza yace una persona esclavizada a sus aspiraciones materiales, tanto de riqueza como de fama, demostrada claramente por su sustancial fortuna personal (estimada en más de 700 millones de dólares). “No serás hipócrita al evadir impuestos”. La hipocresía es al Bonoísmo lo que el arrepentimiento y el perdón es al Cristianismo. De esta manera cuando llegamos al ítem de obligaciones legales -como las de pagar impuestos-, Bono nos enseña a ser ambiguos al omitir información o re-direccionarla a otra parte para cortar colitas disfrazadas de caridad, mientras que como un santo nos ordena darle más dinero a quienes lo necesitan. “No matarás -las canciones clásicas-”. Habiendo bendecido

muchos clásicos con su sagrada banalidad y gratuidad, desde The Beatles a los Rolling Stones, de Bob Dylan a The Ramones, de Leonard Cohen a Frank Sinatra, podría parecer que Bono es procrimen. Su re-imaginación de ‘Satellite of Love’ es considerada como una particular negación entre los Bonoístas. “Serás caritativo (si es productivo y personalmente lucrativo)”. Como FMmMÈOUSPQPGBNPTPRVFFT #POP ha dedicado su vida a hacer campañas de caridad. Es como si mOBMNFOUF#POPIVCJFSBIFDIP verdaderos milagros uniendo FmDJFOUFNFOUFDBQJUBMJTNPZ altruismo. No es tan así en todo caso. El año pasado el Advertising Age reportó que los costos de publicidad de esta campaña eran muy superiores a los fondos recaudados.

Bush, son los verdaderos héroes de nuestro tiempo”. “Gastarás, gastarás y gastarás”. Un seguidor comprometido con el Bonoísmo también debe de ser un consumista comprometido. Parece que los iPods son objetos especialmente reverenciados por el Bonoísmo -aunque no queda del todo claro si es una cualidad innata o debido al feroz cheque que Bono recibe de Apple-. "NPEPEFSFnFYJØO MFTEFKPVO par de chistes populares en Tierra Santa: En Dublín, Irlanda hay un chiste Bonoísta que reza lo

siguiente: “La diferencia entre Jesús y Bono es que Jesús no cree que sea Bono”. Es tan conocido como el otro que cuenta la historia de un tipo que se muere y llega al cielo donde lo recibe San Pedro, quien al reconocerlo irlandés le dice que Bono anda por ahí. Y entonces el tipo dice: “¿Cómo? Bono no está muerto todavía. Y San Pedro le responde: “Bueno, es Jesús en realidad, lo que pasa es que cree que es Bono”. Hilarante, ¿eh? Alfredo Lewin (inspirado por la palabra de Bono Vox) Gracias a los inspiradores apócrifos de blog. knowyourmoney. co.uk

“Vivirás una vida de exceso”. Ya saben lo que la hipocresía TJHOJmDBFOFM Bonoísmo, por tanto las enseñanzas de Bono al respecto del exceso están demostradas en la Parábola del Sombrero Cowboy Volador. Una legendaria anécdota, avalada por miles, que dice que una vez Bono pagó un pasaje de avión para su sombrero vaquero, que viajó cómodamente sentado en Premium desde Londres a Italia para un concierto que iba a ofrecer en Roma, la capital de la otra santidad. “Te venderás a la gran política”. 6OBEFMBTNÈTJOnVZFOUFT enseñanzas de Bono es que de alguna extraña manera el gobierno británico de Tony Blair y Gordon Brown, más la administración americana de Rockaxis

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Pa

saron de ser los chicos de las canciones dulces sin guitarra, al trío innovador y entretenido pero igualmente melancólico en su tercer disco, “Perfect Symmetry”, que les sirvió como motivo para venir por segunda vez a Chile.

Derribando los límites Rockaxis

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El progreso que ha vivido Keane desde su debut, el exitoso “Hopes and Fears” a “Perfect Symmetry” ha eliminado las categorizaciones, a veces peyorativas, que el trío inglés experimentaba por la dulzura de sus melodías. Pero, junto con la salida de este tercer álbum, EPOEFOPTØMPDVFOUBODPOVOBJOnVFODJB directa del sonido de los ochenta y también de músicos como David Bowie, su propuesta se ha establecido con mayor solidez que nunca: el piano, como instrumento principal, lidera sus canciones transformándolas en un rito de diversión. Mucho se ha especulado además sobre la inclusión de las experiencias propias de Tom Chaplin, vocalista de la banda, a las canciones de este tercer registro, debido al duro proceso de rehabilitación al alcohol que tuvo que pasar BmOFTEF1FSPFOi1FSGFDU4ZNNFUSZw  los ingleses lograron superar la barrera del amor de leyendas para transformarse en algo tangible, en la experiencia del día a día. Quizás a eso le llaman madurez. El principal rostro de Keane, Tom Chaplin, conversó sobre los detalles y las implicancias de este nuevo paso en la carrera del grupo británico. He estado prestándole mucha atención al disco en estos días. ¿Qué crees que la gente comenta y qué esperan de ustedes cuando los escuchan? Tom Chaplin: “Creo que quieren grandes canciones. Espero que aprecien también nuestro sentido del riesgo en lo creativo y aventurado de nuestra música. Quiero que asocien a Keane con álbumes excitantes para melómanos. Y creo que “Perfect Symmetry” tiene momentos muy diferentes a nuestros dos trabajos previos siendo por esto, entre otras razones, muy superior a los anteriores: mejores letras y música, aparte de lo sónico, que es NÈTTPmTUJDBEPw Hablando de letras, es obvio que en “Perfect Symmetry” hay mucho más del tema de mejorar como persona, un positivismo bien especial... Tom Chaplin: “Es justo el tema que se hace evidente a lo largo de estas canciones, podríamos ser mucho mejores como seres humanos, estoy hablando de todo el planeta como raza. Y por nosotros mismos ahora quiero sentirme más optimista, porque siento más empatía por el prójimo, más esperanza y menos miedos. Es un sentimiento positivo que se trasmite a través de “Perfect Simmetry”, sabiendo, no obstante, que hay un gran trecho entre lo que pretendemos ser y lo que de verdad somos. Al menos queremos inspirar un

sueño de superación”. ¿Algo especial que haya provocado esta postura? Tom Chaplin: “No, sólo absorber lo que nos rodea. Mientras se habla de crisis y de un período hostil para el mundo en general, nosotros sentimos positivismo en la gente que nos rodea, creer en las personas básicamente. Una cosa importante fue haber grabado gran parte del disco en Berlín, una ciudad que ha sido tremendamente golpeada y dividida en este último siglo y, sin embargo, ahí está constantemente reconstruyéndose y sanando. Un lugar muy moderno que mira hacia adelante y que recibe bien a la gente creativa, una ciudad con esperanza, progresista. Fue un espíritu del que nos alimentamos al momento de grabar este álbum”. Pareciera que la elección de productores fuera una manera de forzar el cambio y la evolución... por ejemplo, la presencia de Jon Brian… Tom Chaplin: “De todas maneras. De hecho, a Jon lo citamos en un momento preliminar, porque no queríamos a alguien del rubro clásico del rock que no nos iba a aportar nada nuevo. Jon llegó con otra realidad, habiendo producido anteriormente a Kanye West, a Fiona Apple o bandas sonoras de películas, algunas de ellas grandiosas. Él fue quien queríamos que nos llevara más allá de las típicas restricciones del rock and roll blanco, no sabíamos qué era ni para dónde, pero él nos lo mostró, apuntando, sobre todo, a la DPOmBO[BQBSBQSPCBSOVFWBTDPTBT/PUFOFS miedo a cómo íbamos a ser percibidos. En otras palabras, le dio un sentido a nuestras ideas”. ¿Ustedes siguen cambiando porque le temen a quedarse encasillados o es cosa de reinventarse o morir? Tom Chaplin: “No podemos decir que nos reinventamos todo el tiempo, porque lo que pasa es que no queremos repetirnos. "ÞOFTUBNPTBUBEPTBOVFTUSBTJOnVFODJBT e instintos, y estamos restringidos por nuestras limitaciones como músicos, pero ha sido bueno sentir que no hay tantas reglas preconcebidas, ni que teníamos que quedarnos en la zona confortable de lo establecido. Abordamos “Perfect Simmetry” sin expectativas, aunque quizás teníamos algunas y la gente por su parte tenía otras, y terminó siendo diferente a todo lo que esperaban y esperábamos. Es bueno hacer música cuando se convierte en un reto para ti, de otra manera te acomodas a lo que todos

esperan de ti y terminas haciéndolo tal cual. Lo que nos da miedo es caer en lo predecible. Hay tantas bandas que prometen progresar y vemos que se quedan en lo mismo, como si tuvieran miedo. Para nosotros, el manejar ese miedo es lo más excitante”. Volviendo a la pregunta del principio, pero para decirlo de otra manera: con todo lo populares que son, a veces siento que no hay términos medios con ustedes, la gente o los ama o le resultan indiferentes. ¿Qué piensan de la crítica de la prensa versus la de la gente? Tom Chaplin: “De verdad creo que somos una banda de la gente. Lo experimento cada vez que tocamos en vivo. Hay una increíble diversidad de gente que nos escucha y que le gusta lo que hacemos. Tal vez, esa intensidad y esa pasión que ellos saben que tenemos, no es algo que algunas personas del mundo de la prensa sepa reconocer. La conexión con nuestro público es parte de lo que somos y nos mantiene motivados”. Pero a veces es la negatividad la que te hace más fuerte y resistente... te motiva de alguna forma, ¿no crees? Tom Chaplin: “No lo sé, pasé un período en que me ponía mal por cualquier cosa negativa que se escribiera de nosotros, me sentía inseguro y a veces hasta paranoico. No creo que lo negativo sea bueno ni siquiera como combustible para seguir. Todo lo que haces como músico se trata justamente de exponerte en la línea de fuego y aún creo que la mejor música viene de ahí, la más honesta, la de las cosas sentidas del alma, la que de verdad resuena. Así que te expones ahí y como resultado te entregas en bandeja para que la gente opine de ti y escriba lo que sea, que a veces te termina doliendo mucho. Y una de MBTHSBOEFTDPTBTRVFQBTBSPOFOFM GVFRVFSFEFTDVCSJNPTMBTDPTBTRVF son de verdad importantes a nuestro propio costo y no fue barato. El valor de ser nosotros, no importando lo que la gente diga, diciendo adiós a la presión externa. Por esto es que, ahora más que nunca, no me importa lo que piensen de nosotros, lo que es un poco irónico, ya que creo que “Perfect Simmetry” va a ser el disco más aclamado de Keane a la fecha. Pero eso no es lo que importa, lo de verdad es reconectarnos con las cosas vitales que nos hacen más potentes. Nos conocemos y DPOmBNPTFOOVFTUSBNÞTJDB FOOPTPUSPT mismos, nuestra familia y amigos; más allá de ese punto no vale la pena preocuparse por nada”. Rockaxis

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“Perfect Symmetry” es un disco que captura a la perfección la esencia de Keane en el 2008. ¿Cuánto han cambiado y crecido ustedes como banda? Tom Chaplin: “Claro que hemos crecido. Lo más importante como grupo es evolucionar constantemente, al menos para nosotros. Hay un montón de bandas que suenan igual y no rompen su molde por muchos discos, eso con Keane no va. En nuestras vidas personales y en el ámbito profesional, vivimos momentos muy complicados años atrás, pero i1FSGFDU4ZNNFUSZwFTVOÈMCVNEFSFnFYJØO ZBMBWF[  celebración para nosotros. Es una instancia de libertad y tranquilidad por la estabilidad que hemos obtenido en todos los frentes y que coincide con el período que une a este álbum”. A diferencia de la tensión que rodeó “Under The Iron Sea”, su sencillo ‘Spiralling’ es una completa toma de principios para esta nueva etapa. De hecho, es una canción muy divertida... Tom Chaplin: “¡Eso es lo curioso de esa canción! Suena muy alegre y divertida, pero en lo lírico, es bien depresiva. Es comprensible que muchos nos hayan encasillado como un grupo de humor sombrío y letras no muy luminosas. Nosotros no disfrutamos ser rotulados de esa forma todo el tiempo, también nos gusta reír en esta canción, lo que más disfrutamos, es que salió de manera muy espontánea. Valoramos el hecho de cambiar la mentalidad de mucha gente con tópicos acerca del mal estado del globo en muchos aspectos, pero no todo es negro y ‘Spiralling’ suena a otra faceta de nuestra música”. Actualmente, “The Lovers are Losing”, está rotando fuertemente en radios chilenas. ¿Podrías hablarme un poco acerca del concepto de esa canción? Tom Chaplin: “‘The Lovers are Losing’ está un poco emparentada con la idea general de “Perfect Symmetry”. Se SFmFSFBMBHFOUFRVFUJFOFVOBWJTJØOQBDÓmDBZEFTFBWJWJS en armonía en este planeta. Lees las noticias y lo único que WFTFTWJPMFODJB DPOnJDUPTCÏMJDPTZUFSSPSJTNP DVBOEPIBZ muchas personas que habitan en este mundo y son almas llenas de amor. Toca el concepto de la lucha entre la gente de bien que día a día debe confrontar escollos y seres que pregonan el odio y cuentan con mucho poder”. Remitiéndonos a tu primer álbum, los lectores de la revista Q eligieron el debut de Keane dentro de los veinte trabajos más relevantes de la historia, al lado de Radiohead y The Beatles. ¿Te sorprendió dicha nominación? Tom Chaplin: “Realmente no sé si estén en lo cierto (risas). Amo esos discos y valoramos en demasía que la gente nos quiera y aprecie de esa forma. Ahora, ¿están en lo correcto? No lo podría decir. Sólo puedo recalcar que nosotros nunca nos consideramos grandes por todo ese espaldarazo excesivo que da la prensa a ciertas tendencias o bandas en el Reino Unido, simplemente nuestro parámetro es la gente y si a ellos les parecemos un acto de ese linaje, es un completo honor para nosotros”. Alfredo Lewin Agradecimientos Radio Rock & Pop Rockaxis

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Por: Tatiana Guiloff Bravo

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n dos horas más parto a pasar un par de semanas en París. Me perderé el concierto de Iron Maiden, el de Radiohead y unos cuantos otros, pero me da lo mismo: nada más estimulante que caminar por las mismas calles donde vivieron su época dorada -lo de dorada no es muy exacto, porque en realidad era más bien pobre y alcohólica- muchos de mis artistas favoritos.

E

En algún momento de mi adolescencia me obsesioné con estudiar las vidas de los pintores de Montmartre: Berthe Morisot, Paul Cezanne, Claude Monet, Edouard Manet, Pissarro, Degas, Renoir y tantos otros, cuyos caminos aparecían entrecruzados y contados desde diferentes visiones en cada libro. Hay dos de esos relatos que marcaron mi relación con la historia del arte. El primero es el de Paul Gauguin. Él era un tipo de mediana edad que vivía en el seno de una familia tradicional y aburguesada y, de un día para otro, decidió dejarlo todo y dedicarse a pintar. La esposa no podía creer que a los cuarenta y tantos años estuviera decidido a ser pintor y a vivir en los barrios más pobres de París. Pero era cierto y el individuo, no conforme con eso, terminó radicándose para vivir en medio de la naturaleza, en la caribeña isla

de Martinica, donde se enamoró de una joven indígena a la que también termina abandonando, no sin antes pintarla innumerables veces. La segunda historia que llamó profundamente mi atención es la de Henri de Toulouse-Lautrec -el mismo que aparece en ese musical noventero de mal gusto llamado “Moulin Rouge”-, un noble nacido en el año 1864 con el título de conde, pero cuyo futuro aristocrático se vio truncado, pues enfermó de poliomielitis y se convirtió en una especie de engendro al que las mujeres de sociedad no miraban y, si lo hacían, era sólo para reírse. Luego de su primer fracaso amoroso, el joven Henri se da cuenta que las únicas que lo tratarían con cariño eran las prostitutas y, al ser ellas su ejemplo de amor y dulzura, comienza a pintarlas. La vida, el arte y el amor. Tres temas que no dejan de deslumbrar. ¿Qué buscaban ellos en las mujeres que dibujaban? O mejor dicho, ¿qué encontraban en ellas? ¿Qué destello en sus miradas logró marcar la historia del arte? &TFONFEJPEFFTUBTSFnFYJPOFT y recuerdos que espero que me vengan a buscar para tomar el avión y sumergirme en el invierno parisino, donde pretendo sentarme en el mismo bar donde ToulouseLautrec se tomó el último vaso de ajenjo. El mío, será a su salud.

DE REGRESO EN LOS EXTREMOS

De

saparecieron tres años de la escena local; algunos creyeron que la banda había dejado de existir, pero lo cierto es que estaban dejando muy en alto la bandera chilena en el extranjero, presentándose en siete ciudades de Polonia y en el Slot Art Festival. Hoy están de regreso con “Sic Semper Tyrannis”, su nuevo disco, que coquetea con lo más crudo del metal y se deja seducir por los extremos silenciosos. Aquí, las palabras de su líder de siempre, Mauricio Contreras.

Rockaxis

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¿Por qué se demoraron casi seis años en lanzar su segundo álbum? ¿Qué pasó? Mauricio Contreras: “El primer disco salió originalmente en 2003 y nos dedicamos a promocionarlo. Desde que empezamos como banda salimos de gira todos los años y nos costaba retomar el trabajo para volver a armar el siguiente álbum. Esa era una parte, lo artístico. En lo técnico, había que encontrar el momento adecuado para entrar a grabar, porque había material de sobra, pero nos tomó más tiempo decidir dónde, cuándo y cómo. Eso principalmente, no fue por plata o falta de canciones, sino que era saber el cómo y el cuándo”. Su segundo álbum se titula “Sic Semper Tyrannis” (Así siempre los UJSBOPT y{EFEØOEFTVSHFFMOPNCSFZBRVÏBQVOUBFTQFDÓmDBNFOUF M.C.: “Nuevamente la temática de los pueblos… lo que se está viendo en los últimos tiempos. Han retornado las tiranías de antaño, en el caso de Estados Unidos con Bush o el Medio Oriente o China con el Tíbet y así nos acordamos de los romanos; antes de matar a Julio César dijeron esa frase: ‘así siempre los tiranos’. Nos pareció interesante. A Lincoln también lo mataron diciéndole lo mismo años más tarde. Es un título con fuerza y en latín, encontramos interesante que fuera en esa lengua. Y el tema ‘Tirano’ (track 9 del disco) habla precisamente del tirano que tuvimos acá, nosotros también tenemos una historia. Ese corte podría haberse llamado ‘Así siempre los tiranos’, pero nos parecía un poco redundante”. ¿Cuáles son los principales cambios entre el primer y el segundo disco? M.C.: “Musicalmente, expandimos más la búsqueda, hay temas que son más folklóricos que en el primer álbum, pero también hay otros más metaleros, es decir, abrimos los horizontes, nos fuimos un poco a los polos. Hay otras temáticas. Además, tratamos de sonar muy acústicos, poco efecto y poco “súper-proceso” detrás. Bueno, y en las canciones tomamos nuevamente parte del centro, sur y norte de Chile y la Isla de Pascua para rehacer nuevos temas en base a esas estructuras musicales, una rebúsqueda, que es lo que nos atrae musicalmente”. ¿Cuáles son sus expectativas con esta nueva producción? ¿Dónde quieren llegar? M.C.: “La banda ya funciona, con trabajo hemos logramos hacernos un circuito interesante en hartos lugares. Hace como tres años que tenemos a Chile medio “stand by”, por diversos factores, pero principalmente porque estábamos proyectándonos hacia afuera y como estábamos saliendo todos los años, volvíamos acá más que nada a preproducir o si había alguna tocata era una cosa pequeña, esporádica. La idea es que este año nos enfoquemos un poco más en Chile hasta la próxima gira. Tenemos que volver a tocar acá harto, lo que más se pueda”. ¿Por qué eligieron el tema ‘Revuelta’ como su nuevo sencillo?, ¿qué procesos internos ocurrieron para que fuera ese tema y no otro? M.C.: “Para nosotros ese corte está como en la mitad de los extremos que tiene el disco, ese puede ser un parámetro de medición, es como el centro; hay unos temas más potentes y otros más tranquilos. Es directo, captas altiro de qué se trata la idea, tiene un formato canción, entonces, más que nada por eso lo elegimos”.

¿Qué rol tiene el mapudungun en el nuevo álbum? M.C.: “Este disco tiene algunas palabras, pero lo que sí hay, son unas grabaciones de un machi tocando instrumentos y haciendo cánticos que están incorporados subliminalmente. Y es así por respeto, porque tampoco es bueno aprovecharse ni andar con la bandera de los pueblos si no nos consideramos representantes de nadie. Somos Huinca, somos todo lo contrario, somos lo opuesto”. ¿No es algo contradictorio cantar en inglés y también en lenguas indígenas? M.C.: “Y hablar en español también, porque somos latinoamericanos, los chilenos somos la mixtura de todo y de nada, somos bastardos por todos lados como pueblo. No nos respetamos ni nos reconocemos como iguales. El mapuche ve al chileno como un huinca, como un invasor en su espacio y el chileno a su vez tiene un desprecio casi irracional por el mapuche. Convivimos en el mismo territorio, sin embargo no tenemos ninguna real conexión. Por lo tanto, podríamos haberlo hecho en japonés incluso y también estaríamos dentro del esquema de ser bastardo, que es lo que somos. Por lo tanto, responde simplemente a una cuestión de espacio, el inglés es mi segunda lengua y nos ha abierto un montón de puertas. Creo que hemos tenido giras más largas afuera que aquí en Chile. No somos una banda patriotera ni nacionalista y hemos tenido problemas con eso, porque hay gente que se abandera con nosotros creyendo que somos una agrupación ultranacionalista. Pero, nada más lejos de la realidad, no entienden el concepto de la palabra huinca, porque ser uno, es precisamente ser un hijo de nadie”. ¿Tienen sello? M.C.: “Hay uno canadiense, llamado LHDDH, que edita físicamente nuestros discos; ellos sacaron la segunda tirada para Canadá y Estados Unidos de “Huinca”. Estamos estudiando lanzar el nuevo álbum en dos etapas, aunque aún nos falta decidir dónde vamos a editarlo, si lo hacemos en Chile o afuera o simplemente lo vendemos en formato digital. Quizás ahora en marzo el primer paso sea el digital, porque tenemos convenio con Itunes y Napster. No tenemos la decisión absoluta si lo lanzamos en Chile y lo enviamos afuera y lo movemos acá, no hay muchas tiendas en Santiago tampoco, pero el que quiere DPNQSBSVODFEÏTBCFFTQFDÓmDBNFOUFEØOEFCVTDBSMPw ¿Cuáles son sus planes para el futuro? M.C.: “Este año vamos a agendar más conciertos. Desaparecimos demasiado tiempo y en tres años hicimos dos recitales en Chile, ahora hay que retomar eso, volver a las tocatas, a los clubes, porque es algo que nos hace bien, que nos ayuda a mantener el “training” y a retomar el público, porque mucha gente pensaba que estábamos disueltos. Nuestra idea es quedarnos un año acá y tocar en todos los lugares posibles, incluso regiones. Si alguien pensó que Huinca se había dormido en los laureles, no, estamos de nuevo con ganas de seguir tocando… vamos a sacar el nuevo disco y saldremos de gira, así que para el futuro se ve lo mejor”. Rodrigo Díaz Fotos: Ignacio Orrego Rockaxis

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La nueva esperanza de The Boss

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narrador predilecto de New Jersey no escatima en asomos de hiperactividad y edita “Working on a Dream”, una banda sonora plagada de vibras positivas hacia Estados Unidos y el cambio político que conlleva la era Obama. 12 canciones encauzadas en el optimismo que irradia el alma de la icónica figura del rock norteamericano. Es el flamante manual de vida de “El Jefe”, que a sus 59 años aún tiene su pluma en flamas y muchas historias que contar. Rockaxis

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A Bruce no hay quien lo pare. A tan sólo quince meses de la realización de su último episodio en estudio, “Magic” (2007), “The Boss” sólo requirió de la escueta pausa que le otorgó la pasada gira mundial en promoción de su predecesor, para lanzar al mercado un nuevo álbum. Y de continuismos nada, “Working on a Dream”, pese a su potente lectura política, es el tratado más pop que Springsteen ha realizado en años. Brendan O’Brien, su colaborador por una década y contando se mantuvo en las consolas.

incluida en “Working on a Dream”. Supimos de primera fuente el sentir de “The Boss” en su nueva etapa, un periplo cargado de SFnFYJPOFT NJSBEBTBMQBTBEPZVOPQUJNJTNP elocuente. Bruce al habla…

“Working on a Dream” es una capa sónica que EJmFSFCBTUBOUFEFMPRVFSFBMJ[BTUFFOUVT ÞMUJNBTQSPEVDDJPOFT{$VÈMGVFFMÓNQFUVRVFUF MMFWØBBMDBO[BSMBMÓOFBEFFTUFEJTDP “No había escrito así en bastante tiempo y amo el estilo que he logrado en “Working on a Dream”. Siempre me han atraído las grandes producciones pop de los 60’s y The Righteous Soporte irrestricto de la campaña de Brothers, Walker Brother. Me encantan esos Obama en Estados Unidos, donde brindó portentosos discos románticos, como te decía, varias actuaciones a favor del demócrata, era un paso que sentía que debía realizar y Springsteen sumó hace muy poco un nuevo galardón a su carrera, un Globo de Oro gracias que no había plasmado. Yo me remonté a esa BTVDBODJØOQBSBFMmMNi5IF8SFTUMFSw QJF[B esencia, escribí a pulso y dije, ‘bueno, debo

focalizarme en estas melodías que suenan gigantes, agregar piezas orquestadas y tomar rumbo’. Es un cuadro divertido, con aires de todos mis álbumes pasados y acorde con los tiempos que estamos viviendo”. {)BZBMHÞOIJMPDPOEVDUPSPUØQJDPSFEVOEBOUFFO FTUFÈMCVN “Básicamente, al compenetrarte con el repertorio puedes ver cómo el amor y la mortalidad se repiten en varias letras. Hay FYUSBDUPTEFA5IJT-JGFPA,JOHEPNPG%BZT  RVFTFJOTQJSBOFOMBTCPOEBEFTZFYQFSJFODJBT tras un vínculo que el tiempo hace eterno (risas). Patti y yo estamos juntos desde hace 20 años, eso es mucho, y se siente como un inmenso pedazo de tu vida que has compartido con otra persona. El rock está enrielado en el presente eterno, la urgencia por comunicar y entregar vivencias, dicha inmediatez es parte fundamental en la música que me ha marcado, es la esencia del rock. Todos los grandes elepés me dan un dejo de profundo respiro, profundo respiro del presente, profundo respiro de vida; escucha un disco de buen pop o punk rock; indaga en The Beach Boys y sabrás a lo RVFNFSFmFSPw i8PSLJOHPOB%SFBNwUJFOFDPNPQVOUPEF QBSUJEBA0VUMBX1FUF VOBWJFKBGÈCVMBEF WBRVFSPT{%FEØOEFQSPWJOPUPEBFTBIJTUPSJB “Una de las primeras cosas que anhelé fue escribir una pequeña ópera, no había intentado nada parecido en bastante tiempo. Pensé en varias cosas como “Heroes and Villains” y llegué a la siguiente conclusión: mi madre solía contarme la historia de “Cowboy Bill”, como el más bravo de todos. Empecé a cranear algo en la línea de las películas de los hermanos Coen, partiendo por un pequeño cowboy que roba bancos y su principal propósito es que todos lo conozcan como Outlaw Pete, una motivación que está por sobre cualquier golpe delictivo que cometa. Habla del sentido de la identidad, algo muy propio de mi forma de ver las cosas”. #SFOEBO0#SJFOIBQSPEVDJEPUVTUSBCBKPTEFTEF i5IF3JTJOHwy{%JDIPBDPNQB×BNJFOUPFO DPOTPMBT DBNCJØFOBMHPFMEFTUJOPEFFTUBT OVFWBTDBODJPOFT “Todo tomó el rumbo esperable, tú sabes, un disco de rock en cierto punto y percibir a la &4USFFU#BOEBQMFOJUVE-PRVFSFBMNFOUF nos brindó Brendan O’Brien, fue la visión para Rockaxis

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exponernos una alternativa para ligar nuestro sonido a algo actual. En los 90’s, traté hasta el cansancio de hallar un propósito y una identidad sónica para la E Street Band, lo que KVTUJmDØQPSRVÏOPTPUSPTUPNBNPTFTFMBSHP EFTDBOTP%VSBOUFFMUPVSRVFSFUPNBNPT actividades en conjunto, escribí ‘Land of Hope BOE%SFBNTZA"NFSJDBO4LJO EPTUPNBT RVFQFSGFDUBNFOUFQPESÓBOIBCFSTFJODMVJEP FOi%BSLOFTTPOUIF&EHFPG5PXOwPFOi5IF 3JWFSwPDVBMRVJFSEJTDPDMÈTJDPEFMBCBOEB 'VFFOFTFJOTUBOUF DVBOEPNFEJDVFOUBRVF BÞOQPEÓBFTDSJCJSQBSBFMHSVQPw Me llamó mucho la atención el título para ‘Queen of the Supermarket’. ¿Qué hay detrás de él? “Es bastante estúpido para serte franco (risas). &MCBSSJPFORVF1BUUJZZPWJWJNPTUJFOFVO TVQFSNFSDBEPEPOEFTJFNQSFFODPOUSBNPT UPEPMPRVFOFDFTJUBNPTZMBBUFODJØOFT FYDFMFOUF&TDPNPGBOUBTJMBOEJBZFTDSJCÓ A2VFFOPGUIF4VQFSNBSLFU QPSRVFFOVO lugar tan productivo, donde vendan ese tipo de cosas, debe haber una reina a cargo (risas). Es una canción divertida acerca de estos objetos RVFUPEPTEFTFBOZRVFOPTIBDFOWJWJSw Rockaxis

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¿Qué te inspira cuando escribes canciones? “Martin Scorsese una vez dijo: ‘el trabajo EFMBSUJTUBFTIBDFSRVFMBHFOUFMFUPNF JNQPSUBODJBBUVTPCTFTJPOFT OBSSBSMBTZ IBDFSMPTWJWJSDPNPTJGVFSBOMBTEFFMMPT5Þ TJFNQSFUSBUBTEFIBDFSFTPZDVBOEPDBQUBT BUVBVEJFODJB FTVODPNQMFUPMPHSP.VDIPT NÞTJDPTTPOJHOPSBEPTQPSTVQÞCMJDPFO ciertos puntos de su carrera y eso habla de que OPWBTQPSVOCVFODBNJOP4JNVEPBi5IF (IPTUPG5PN+PBEwPi/FCSBTLBw TÏRVF ZBUFOHPVOOÞNFSPJNQPSUBOUFEFQFSTPOBT cautivas. Mi rol es buscar la belleza a los TVDFTPTEFMEÓBBEÓBw

VOBSFMBDJØOw ¿Es esta concepción de la muerte un terreno inspirador para componer? i%FIFDIP TJWVFMWFTBA8SFDLPOUIF )JHIXBZ EJTUJOHVFTNVDIPEFNJMFHBEP QBTBEPZVOBUFOEFODJBRVFWPMWÓBBUPNBS BTJEFSPFOi5IF3JWFSw-BEFTFTQFSBO[BEFM presente y los hechos que han azotado el orbe, OPTIBDFONFEJUBSDPOTUBOUFNFOUFBDFSDBEF la fragilidad de la vida. He oído tantas veces BMBNVFSUFFOFTPTWFSTPTEFMPTQSJNFSPT discos de Elvis Presley o la genialidad que JSSBEJBOMBTGBOUBTNBMFTPCSBTRVFDPNFO[BSPO BDJNFOUBSFMCMVFT RVFOPNFGVFEJGÓDJM JOGFSJSNJQSPQJPIBTUÓPDPONVDIBTDPTBT A5IVOEFS3PBEZBUPDBCBVOTFOUJEPEFM UJFNQPRVFFOSPTUSBRVFVOPOPFTKPWFOQPS TJFNQSF FTQPSFTUPRVFIFRVFSJEPCBTBSNF FOFMWJHPSFGFDUJTUBEFMQPQQBSBBMJWJBSNJ DBSHBNJFOUSBTNÈTWJFKPFSFT MBTDPTBTTF WBOUPSOBOEPTJNQMFT SJTBT w

¿Háblame de la canción ‘Kingdom of Days’? iA,JOHEPNPG%BZTFTBDFSDBEFMUJFNQP "IPSBFTUPZNÈTWJFKPZBVORVFFMUFNBOP FTNJQSJPSJEBEBDUVBM BÞOWBMFMBQFOB abordarlo (risas). En realidad lo toco por su USBTDFOEFODJBBMBIPSBEFQFSEVSBSFMBNPS IBDJBVOTFSRVFSJEP&MUJFNQPFTVOÓUFN FYDMVJEPQBSBNVDIBTQFSTPOBTQFSPFOMP El año pasado tu viejo amigo y compañero de BNPSPTP FMFOWFKFDJNJFOUPFTVOBMJNJUBOUF DPOMBRVFTFEFCFMJEJBSDPOTUBOUFNFOUF5PDB mil batallas, Danny Federici, falleció. ‘The Last Carnival’ es dedicada a él obviamente... FMQFTPEFMEFUFSJPSPGÓTJDPFOFMNBOFKPEF

“Fue un tributo al buen Danny. Es la otra cara de ‘Wild Billy’s Circus Story’. Él era un ser espontáneo per se, como persona y como músico: un verdadero ícono folk. Nadie interpretaba como Danny, incluso él mismo no podía volver a recrear sus improvisaciones en directo, además de casi tocar con una sola mano. La liviandad de ver las cosas y la pureza de su alma son detalles que siempre llevaré conmigo. Lo más IFSNPTPEFUPEP FTRVFFMQPEFSEFMBNÞTJDBFTJOmOJUPZOPTQFSNJUF salir de los más grandes y oscuros hoyos personales; y ésta no es la excepción”. Acabas de ganar un Globo de Oro por la pieza sonora titular de la película “The Wrestler”. ¿Cómo surgió esta participación? “Conocí a Mickey Rourke hace mucho tiempo atrás, creo que en los primeros 80’s o algo por el estilo. Él se acercó a unos shows, donde tuvimos chance de conocernos cuando me mudé por primera vez a Los Angeles. Soy fan de su trabajo y es un gran tipo, con un nivel de autenticidad fuera de la media, por lo que apenas me contactó para la colaboración acepté fácilmente. Me hizo llegar el libreto y escribí la canción en una tarde. Mi intención fue hacer una pieza inspirada en superar un daño y continuar adelante... estoy muy complacido en que haya funcionado de esa forma”. {$ØNPUFMBTBSSFHMBTQBSBFTDSJCJSBMHPFODBSÈDUFSEFmDDJØO BMHVJFO fuera de ti? “Todos sienten el dolor (risas). Es el viejo trabajo de ponerte en los zapatos de otros, donde pones uno de tus pies en tu zapato y otro en el de un extraño, así es como funciona (risas). Desarrollo la canción

en algo que experimenté y siento que vale la pena narrar. Es difícil encontrar una persona que, tarde o temprano, no experimente el dolor, MBTEJmDVMUBEFTEFFTUBCJMJ[BSUVWJEB BTJNJMBSQFSEJEBTPGSVTUSBDJPOFT Cuándo tienes 12 años eres vulnerable a todo. ¿Puedes lidiar con algo así en tu cuarto? La mayoría escapa, huye, aprisiona la evasión... yo soy un experto en correr”. ¿Todavía sientes a veces que tuvieras 12 años? “No existe ninguna parte de ti que abandones y dejes atrás, nunca acaba por completo. No puedes. Debes manejar las diferentes partes de tu existencia. En un mismo auto está el chico de 12 años, al igual que el de 22, 30, 40 y el de 50, todos con distintas perspectivas, intereses, metas, aciertos y errores. Todos se aceptan, nadie será tirado por la carretera y si hay un choque todos sufren el impacto. Es un viaje de por vida y todos están contigo. Sólo debes saber manejarlo”. Ya son 36 años desde que realizaste tu primer álbum y aún sigues siendo una estrella con una gran audiencia. ¿Por qué crees que aún puedes conectarte con esos fans? “A la gente le llaman la atención los artistas que tienen algo que se los esté comiendo. ¿Qué se devoraba a Elvis para hacerlo cantar o bailar de esa forma? ¿Qué aconteció con Jerry Lee Lewis o Hank Williams? Todos tienen algo que los carcome. Para mí, la música y mis discos es lo que me permite mantenerme a salvo de ser devorado (risas)”. Francisco Reinoso Baltar Agradecimientos a Sony/Bmg

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No

importa que su visita anterior haya sido hace casi exactamente un año. Maiden barrió con cualquier lógica y todo indica que esta vez presenciaremos el show más grande que hayan realizado en Chile. El Club Hípico es el escenario ideal y los miles de tickets que ya se han vendido así lo confirman… cada vez con más público… cada vez mejor… Maiden una vez más. Rockaxis

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Iron Maiden en Chile. Ésta es una frase que ha sonado un montón de veces en los últimos años, con la doncella visitando nuestro país con cada uno de sus lanzamientos y lo que es más destacable aún, cada vez con más éxito. Su anterior visita, del 9 de marzo de 2008 fue la chispa que encendió la mecha y el fervor causado por el “Somewhere back in time tour”, donde la banda repasaba los éxitos EFTVNFKPSÏQPDB TJHOJmDØRVFFMNVOEPTF diera cuenta que Maiden seguía más vivo que nunca. Las entradas para ese show se agotaron en muy poco tiempo y la imposibilidad de cambiar la presentación desde la Pista Atlética a la cancha central del Estadio Nacional, hicieron que las ganas de tocar frente a más público chileno aumentarán y la banda prometiera regresar y actuar delante de más de 50 mil personas. Las casi 30 mil que estuvieron con la doncella aquel 9 de marzo, aplaudieron ese deseo, pero nadie pensó que ese anhelo se convertiría en realidad. Un año después, nuevamente escuchábamos eso de Iron Maiden en Chile. Y frente al desahuciado Estadio Nacional, el Club Hípico se alzaba como el escenario ideal para reunir un público masivo y sediento por el grupo de Steve Harris y Bruce Dickinson. Se esperan 50 mil personas en un recital que promete ser histórico, pues esta vez el grupo traerá toda la pirotecnia y el aparataje técnico que tienen sus shows en Europa y con ello, más de una sorpresa puede caer. Y claro, mientras el guitarrista Janick Gers confesaba que Chile había sido clave en la decisión de volver, Bruce Dickinson se refería al hecho de regresar a nuestro país en un WJEFPPmDJBMEPOEFIBCMØEFDBEBVOBEFTVT paradas sudamericanas: “Bueno, ¿qué puedo decir de Chile que no hayamos dicho miles de veces antes? Es uno de nuestros destinos favoritos en todo el mundo. Sentimos una gran explosión cada vez que vamos a Chile. Y hablando de explosiones, tendremos muchas de ellas, porque llevaremos todo el espectáculo pirotécnico, uno incluso más grande que el que usamos la última vez. Además de eso, haremos el show europeo completo. Muy pocos lugares en Sudamérica lo tendrán, sólo los más grandes. Además

incluiremos algunas canciones extra que querían oír la vez pasada, así que será todo muy emocionante y espero que puedan ir a vernos. Lo siguiente que haremos después de esto será irnos a escribir un nuevo álbum de estudio. Esto será una especia de despedida, así que queremos asegurarnos de tocar ante el público más sorprendente del mundo, para que nos den el empujón para componer el nuevo disco… y ese público, amigos míos, son ustedes”. La última pata del “Somewhere back in time world tour’ partió en Serbia el 10 de febrero y luego de pasar por Dubai y la India, recaló en Latinoamérica, donde la banda se presentó primero en México, para luego bajar al resto de América. Aquí, además del show en Chile, destaca el debut del grupo en países como Ecuador y Perú, además de las ya clásicas paradas obligadas en Chile, Argentina y Brasil. Pues bien, dejemos atrás los preámbulos y vamos a las palabras que Bruce Dickinson nos entregó hace algunas semanas… las siguientes líneas se las toma la voz de Iron Maiden… ¿Cuáles crees que son las causas del importante revival que ha tenido el heavy metal alrededor el mundo? Bruce Dickinson: “Bueno, obviamente se está convirtiendo en algo muy popular, pero de todas maneras siempre ha estado muy arraigado en el público. En Chile, en los últimos años que hemos estado allá, hemos tocado para 20 ó 30 mil personas. Pero ahora haremos el show más grande de nuestra historia en Chile, y además llevaremos todo el equipamiento que hemos utilizado en Europa. Eso nos entusiasma mucho. Creo que es porque las bandas de metal siempre están regresando y siempre están entregando lo mejor de sí a la gente, ellos saben que presenciarán un gran espectáculo, además que tratamos de mantener bajos los precios de las entradas. Y bueno, el metal trae una gran historia detrás, para las buenas bandas esto no es sólo música pop, se trata de un estilo de vida, de grandes historias que contar… creo que el metal es más interesante que otros tipos de música”. ¿Cuánto tiempo crees que Maiden continuará tocando? Solamente les falta hacerlo en la luna…

Como si fuera ayer Las otras venidas de Iron Maiden junto a Bruce Dickinson 15 DE ENERO DE 2001 The Wicker Man / Ghost Of The Navigator / Brave New World / Wratchchild / 2 Minutes To Midnight / Blood Brothers / Sign Of The Cross / The Mercenary / The Trooper / Dream Of Mirrors / The Clansman / The Evil That Men Do / Fear Of The Dark / Iron Maiden / The Number Of The Beast / Hallowed Be Thy Name / Sanctuary / Run To The Hills. 13 DE ENERO DE 2004 Wildest Dreams / Wrathchild / Can I play With Madness / The Trooper / Dance Of Death / Rainmaker / Brave New World / Paschendale / Lord Of The Flies / No More Lies / Hallowed Be Thy Name / Fear Of The Dark / Iron Maiden / Journeyman / The Number Of The Beast / Run To The Hills. 9 DE MARZO DE 2008 Aces High / 2 Minutes To Midnight / Revelations / The Trooper / Wasted Years / The Number Of The Beast / Run To The Hills / Rime Of The Ancient Mariner / Powerslave / Heaven Can Wait / Can I Play With Madness? / Fear Of The Dark / Iron Maiden / Moonchild / The Clairvoyant / Hallowed Be Thy Name. Bruce Dickinson: “Creo que vamos a terminar esta gira, en marzo, y luego nos tomaremos un descanso y compondremos un nuevo álbum para el próximo año, y me imagino que iremos nuevamente a Sudamérica para promocionarlo y tocarlo. No estamos agotados con todo eso, seguramente esta situación será mucho más grande en los años que vienen, y por el momento, tenemos planes incluso hasta para 2013”. Me parece grandioso. ¿Crees que la respuesta que ha tenido Iron Maiden en esta gira se debe a Rockaxis

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que ustedes tocan material de la edad dorada de la banda o crees que hay otras razones? Bruce Dickinson: “Bueno, no en este año, sino el anterior, estuvimos tocando muchas canciones de nuestro último álbum, “A Matter of Life and Death”, y nos estaba yendo increíble. De hecho, cuando volvamos a Chile, vamos a estar tocando otros temas. Creo que una de las razones de por qué tenemos a tanta gente joven dentro de nuestro público es porque de hecho ellos crecieron escuchando el material nuevo. Ese es el motivo por el cual siempre hay personas jóvenes en la audiencia, ¡porque son fans nuevos!”. ¿Entonces crees que estarán tocando algunas canciones nuevas que no han interpretado aquí en Chile? ¿Puedes adelantarnos un poco de qué se tratará el show? Bruce Dickinson: “(Risas) ¡No puedo hacer eso! Será una sorpresa. Pero estamos cambiando dos o tres canciones del repertorio, que son casi todas canciones clásicas, y algunas que nunca hemos tocado en Chile. Además, haremos el show completo de la gira europea, muy pocos países en Latinoamérica tendrán la oportunidad de vivirlo”. Hablando de la edad de tus fans, ¿qué sensaciones te genera ver niños de 8 ó 10 años

VUELO 666

i a alguien no le queda claro lo espectacular de la gira “Somewhere back in time” realizado entre febrero y marzo de 2008 y que trajo a Iron Maiden a Chile el 9 de marzo de ese año, aquí hay una prueba irrefutable de cuán apoteósico fue ese tour. Sí, porque “Iron Maiden: Flight 666” es el nombre EFMmMNFRVFBQBSUJSEFM próximo 21 de abril estará disponible en cines y que repasa la primera etapa del RVFIBTJEPEFmOJEPDPNP uno de los más ambiciosos y aventureros tours en la historia del rock.

S

Y cómo no, si el plan de la

banda fue salir en su propio avión, con 12 toneladas de equipamientos y tocar en 23 estadios agotados, con shows de Asia, Australia y Norte, Centro y Sudamérica en sólo 45 días. Tocaron en 13 países. Viajaron 70 mil kilómetros y se presentaron frente a casi medio millón de fanáticos gracias el Ed Force One, piloteado por el propio Bruce Dickinson. Y todo esto está registrado FOBMUBEFmOJDJØO DPO sonido 5.1 y con el audio mezclado por el mismísimo Kevin Shirley. Y según WFSTBFMDPNVOJDBEPPmDJBM de la cinta, “Iron Maiden: Flight 666 trae a la pantalla

y hombres de 60? Bruce Dickinson: “Es lo mismo que pasaba cuando yo tenía unos 23 años, porque miraba hacia abajo y la gente tenía mi edad. Si viera a gente de 60 años, estaría un poco desilusionado, aunque seguramente deben ponerse en la parte de atrás del estadio (risas). Pero es muy importante para nosotros contar con esos energéticos y jóvenes fans adelante, porque eso nos motiva muchísimo”. &OVOBGSBTF #SVDF {RVÏTJHOJmDB*SPO Maiden para ti? Bruce Dickinson: “Maiden es todo mi universo musical. Maiden es único, hay un sólo Iron Maiden y no creo que haya otro”. {2VÏPQJOBTTPCSFFMSFHSFTPEJTDPHSÈmDP de grandes grupos clásicos como Metallica, AC/DC y Guns N’ Roses? Bruce Dickinson: “Hay que tomarlos caso por caso. Creo que AC/DC hizo un álbum fantástico, y todo el éxito que han tenido hasta ahora es increíble. Ni siquiera yo pude conseguirme entradas para ir a ver a AC/DC (risas), el momento que están viviendo es asombroso, y además soy un fan, así que me complace mucho; pienso que Metallica lo hizo muy bien en su nuevo

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todo el drama, entusiasmo e histeria que rodea a la banda en todo el mundo cuando llega el momento en que su Boeing 757, Ed Force One, toca tierra FOVOOVFWPQBÓT&MmMN documenta la intensidad de los pesados programas de los shows, la lucha con los cambios de hora, la presión de asegurarse que cada presentación calce con la energía de los cientos de estáticos y expectantes fanáticos, fans de tantos entornos culturales inusuales con diferentes ángulos para ver su espectacular show… y por supuesto toda la diversión que tuvieron en el camino”.

disco, regresaron a su forma; y Guns N’ Roses, creo que “Chinese Democracy” es una mierda, pero esa es sólo mi opinión”. ¿Tienes alguna historia o anécdota que recuerdes de tus visitas a Chile? ¿Como el aterrizaje en Pudahuel y todo eso? Bruce Dickinson: “Primero que todo, Chile debería llamarse Los Andes, porque la cordillera es impresionante (risas). Me encanta Chile, la gente de allá es muy amistosa, todo MPRVFTJHOJmRVFFTUBSFO4BOUJBHPNFUSBF buenos recuerdos. Lo del aeropuerto fue un poco loco, no nos esperábamos lo que pasó allá, habían muchos fans y temimos que nos hicieran daño, así que nos fuimos por un lugar donde nadie podía pasar”. Pasando a hablar de fútbol… ¿todavía tienen en mente la posibilidad de jugar un partido aquí en Chile? Bruce Dickinson: “No sé, todo lo que concierne a fútbol se lo dejo a Steve”. Ustedes van a tocar por primera vez en Perú. Escuché que estarían visitando Macchu Picchu, ¿cómo se sienten al respecto? Bruce Dickinson: “He escuchado de Macchu Picchu, pero en realidad no tengo idea si vamos a visitar ese lugar. Nuestro plan por el

momento es que nos quedemos más tiempo en Santiago. No estamos seguros”. ¿Cuando eras niño, soñabas con ser piloto, cantante, DJ de radio, o campeón de esgrima? Bruce Dickinson: “No, yo quería ser astronauta…”. De las bandas que tocas en tu programa en la BBC, ¿cuáles son tus favoritas? Bruce Dickinson: “Soy muy fan de Trivium, me encanta su último disco, Mastodon me gusta mucho… una muy buena banda que la gente debe buscar en My Space es un grupo inglés llamado Rise to Remain, tengo que declarar mi

interés personal ahí, todavía no han sacado su disco, pero tocaron con Trivium”. ¿Qué cuidados tomas para mantenerte en forma tanto física, como mental y vocalmente, sobre todo porque haces varios shows a la semana? Bruce Dickinson: “Bueno, físicamente, estoy haciendo esgrima de nuevo, tres o cuatro veces a la semana. Vocalmente, cuando no estoy de gira, trato de no cantar. Y ahora, que tenemos que volver al escenario, canto unas tres veces a la semana. No consumo drogas ni

fumo. Y lo mejor que puedes hacer por tu voz es tratar de dormir bien y tomar agua y estará bien. La parte mental, se cuida sola”. Escuchamos que tuviste la oportunidad de formar parte del equipo de esgrima en las Olimpiadas, pero que preferiste irte con Iron Maiden… Bruce Dickinson: “No, no es verdad. Fue una historia inventada. Estaba muy cerca de ser muy bueno en esgrima y supongo que pude haber intentado seguir por ese camino. Pero jamás fui seleccionado para formar parte del equipo”. Tú eres como un hombre del Renacimiento, como

un Da Vinci pero en esta época, ¿qué crees al respecto? Bruce Dickinson: “No me siento como Da Vinci, no puedo hablar italiano (risas), y soy muy mal pintor. Así que, en ese sentido, no me siento como un hombre del renacimiento. Hay mucha gente que piensa que por el hecho que yo sea el vocalista de Iron Maiden soy especial, pero no es así, hay muchas personas en el mundo que hacen un montón de cosas”. ¿The Beatles o The Rolling Stones?

Bruce Dickinson: “(Silencio)… tendrían que ser The Beatles. Hay un par de canciones de los Stones que me gustan mucho, pero me agrada más The Beatles, son más revolucionarios”. ¿Has estado en alguna situación de peligro piloteando un avión? Bruce Dickinson: “Han sido más situaciones en las que he tenido que ejercitar mi juicio, pero yo diría que jamás he experimentado alguna instancia peligrosa”. ¿Tienes algunas palabras para tus fans chilenos? Iron Maiden va a estar tocando en el Club Hípico, un recinto para 60 mil personas, y las entradas

se han vendido muy rápido… Bruce Dickinson: “Éste será el mejor show que hayamos hecho en Chile, seguramente no será FMmOBM QFSPTFSÈFMÞMUJNPFOBMHVOPTB×PT  así que nos queremos asegurar que la gente tenga el espectáculo más increíble que hayan visto… y esperamos verlos muy pronto”. Entrevista de Hernán Rojas, conductor La Ley del Rock Gentileza de Radio Futuro (88.9 FM) Fotos por: John McMurtrie Rockaxis

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Por qué hay que ir a ver a Iron Maiden otra vez ace 12 meses que Maiden estuvo en Chile, y con la misma gira. Desde el retorno de Bruce Dickinson en 1999, esta será la cuarta actuación de la banda en 8 años. Digan lo que digan, vienen a tocar los mismos temas de siempre. Y contrario a cualquier lógica, ésta promete ser la más inolvidable de sus visitas.

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Como gran atractivo para este nuevo retorno de la mano de su gira “Somewhere Back in 5JNFw MBQSPNFTBTF×BMBKVFHPTEFBSUJmDJP  la escenografía de su gira europea completa (por primera vez en Chile veremos a Maiden tal cual lo ven en su natal Inglaterra). Y otro set list. Aunque las canciones “nuevas” sean ‘Wrathchild’, ‘Children of the Damned’, ‘Phantom of the Opera’, ‘The Evil That Men Do’ y ‘Sanctuary’, 3 de las cuales ya hemos visto y oído por estos lados (en desmedro de ‘The Clairvoyant’, ‘Heaven Can Wait’, ‘Moonchild’, ‘Can I Play With Madness’ y ‘Revelations’). Al parecer, nos quedaremos con las ganas, otra vez, de ver ‘Flight Of Icarus’, ‘Caught Somewhere In Time’, ‘Killers’ y tantas otras. No parece una oportunidad tan imperdible ni única. ¿Cuál es entonces el motor detrás de esta auténtica Maidenmanía, que al cierre de esta edición lleva ya más de 40 mil tickets vendidos? Eso es lo maravilloso de lo que genera Iron Maiden en Chile. No existe ningún análisis que pueda explicar el fanatismo que generan. 4 visitas en 8 años, cada una con mayor convocatoria que la anterior. Si el 2001, el grueso de la concurrencia estaba entre los 25 y 40 años, esos límites hoy ya no existen. Repartidos uniformemente están los fans que

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van desde los 15 a los, no sé, 45 ó 50 años. “That fucking stadium” apuntó Dickinson el 9 de marzo de 2008, para protestar por la oportunidad negada a la organización de llevar a Maiden a un recinto con una convocatoria que parecía una locura, pero hoy es prácticamente una realidad: 50 mil personas. El Club Hípico será puesto a prueba, y espera albergar a tamaña familia metalera. 50 mil personas. ¿No será demasiado? Roger Waters lo hizo. U2 lo sobrepasó. Pearl Jam llenó dos San Carlos de Apoquindo, rondando dicha cifra. Radiohead va por la misma hazaña. En Chile, esos números son dignos de AC/DC, de los Rolling Stones, o algo por el estilo. ¿Podría hacerlo Metallica? Quién sabe. Pero todos los casos mencionados fueron hitos generacionales, o se les consideró una oportunidad única. Pero Maiden, lo repito, viene por cuarta vez en 8 años. Y sus singles siguen sin sonar en las radios, sus videos UBNQPDPSPUBOQPSFMQPDPDPOmBCMF.57 Duplican su convocatoria como si nada. Y ni siquiera quienes nos dedicamos a esto podemos explicarlo. Quizás sea porque tienen un cancionero a la altura de los mejores de todos los tiempos. O porque poseen al mejor frontman que el hard rock recuerde en al menos un cuarto de siglo, y eso siga atrayendo gente. O será simplemente que día tras días, año tras año, se corre la voz de que escuchar a Iron Maiden es una auténtica lata comparado con verlos en vivo. Bruce, el buen Bruce, repite todas las veces

que sea necesario que somos uno de sus públicos favoritos. Seguramente Mick Jagger el ‘95 debe haber dicho algo parecido, o el casi dueño de casa Ian Gillian también debe haber sacado aplausos con el mismo recurso. Y Axl, y el mismo Waters, y Mustaine, y Cornell, y quién sabe cuántos más nos aman. La diferencia es que con Maiden ni siquiera nos preguntamos si es verso o no. Estamos convencidos de que así es. Les creemos. Porque es el show en que mejor lo pasamos, venga quien venga, sea cual sea el año. Porque es el único recital en que nadie necesita andar comprándose “merchandising local” a la entrada del estadio: ya todos tenemos nuestras poleras, lienzos o cualquier otro artículo de merchandising en la casa. Porque aquí coreamos hasta ‘Doctor Doctor’ y ‘Transylvania’, los temas que suenan minutos antes de que la banda suba al escenario. Porque para ir a verlos otra vez no necesitamos explicaciones, ni canciones nuevas, ni GVFHPTBSUJmDJBMFT1PSRVFDVBOEP&EEJF nos convoca, no existe crisis económica, no FYJTUFDBMPSOJDBOTBODJPTVmDJFOUFDPNPQBSB amedrentarnos. Porque quizás sean la banda de rock que más convoca en nuestro país. Si te diste la molestia de leer esta mal llamada “columna” y todavía no tienes tu entrada, tira la revista sobre una mesa y anda a asegurarte de que el 22 de marzo no te quedes fuera… si es que ya no se agotaron. Y llama a tus amigos, para que hagan lo mismo. Porque hay que ir a ver a Iron Maiden otra vez. ¿Por qué? No sé, no me pregunten a mí. Juan Ignacio Cornejo K.

El Tiempo Recobrado: Memorias del Rock Chileno Por: Cristián Jara Bizama

La invasión llega desde el Puerto

Hasta la Tumba Por: Cristián Jara Bizama

PAVEMENT “¡Lo Fi!”

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NOMBRE: Pavement ESTILO: Indie rock AÑOS DE ACTIVIDAD: 1989 - 1999 DISCO ESENCIAL: “Slanted & Enchanted” (1992, Matador)

Es así como, en esta primera instancia nos remitiremos a los orígenes del rock chileno para descifrar algunos elementos importantes que nos permitan vislumbrar la raíz del género en el país, más concretamente lo que dice relación con su llegada y entrada a Chile.

omienzo este 2009 destacando a Pavement, uno de esos grupitos noventeros ultra alternativos que se echan harto de menos. Esos de muy CBKPQFSmMQFSPQPTFFEPSFTEFVOTPOJEP imposible de pasar por alto.

unca pensé que el hecho de asistir al taller de Historia del Rock Chileno, impartido por las Escuelas de Rock en el Centro Cultural Balmaceda 1215, iba a despertar mis ganas de cranear un espacio para develar algunos aspectos muy poco difundidos acerca de la tortuosa historia de nuestro rock.

Es acá donde vale la pena apelar al conocimiento de uno de los más grandes comunicadores nacionales, Sergio ‘Pirincho’ Cárcamo, quien nos da algunas coordenadas de cómo este nuevo sonido comenzó a expandirse: “El rock comenzó a entrar en todas partes del mundo de forma muy similar: por los puertos; Ámsterdam en Holanda, Hamburgo en Alemania, Liverpool en Inglaterra. En Sudamérica llegó por Buenos Aires y Río de Janeiro y, en Chile, ingresó por Valparaíso”. Así es, no fue sino por causa de los marinos y sus desenfrenadas juergas que el rock comenzó a expandirse, ya que las interminables noches de alcohol no eran lo mismo si no eran amenizadas con los discos que los propios hombres de mar, provenientes de Europa y Estados Unidos traían consigo. “Existía un intenso contrabando de todo tipo de especies que se comercializaba en Valparaíso y San Antonio. Así, junto con la botellas de whisky también llegaban los jeans Levis y, lo más importante para mí, discos de diversos rocanroleros americanos”, explica Cárcamo. “En febrero de 1956, se presentaron en el puerto los dos primeros grupos de rock, que fueron ‘William Reb and his Rock Kings’ y ‘Harry Shaw and the Rock Time’. Eran bandas rivales, unos eran más ‘Presley’ y los otros más a lo Little Richard, pero ambos muy imitativos”. De esta manera el locutor, ligado a la radiodifusión desde 1969, sitúa el comienzo de la estrepitosa historia del rock en Chile. De la misma manera, el autor David Ponce, responsable del libro “Prueba de Sonido”, FEJUBEPBmOBMFTEF IBEFDMBSBEPRVF7BMQBSBÓTPDPSSFTQPOEFBBMHPBTÓDPNP “nuestro pequeño Liverpool”, que vio nacer a las primeras agrupaciones similares a las gringas como William Reb y Harry Shaw, y que cuenta entre sus hijos ilustres a Los Mac’s, uno de los principales gestores del etilo en nuestro país. Después de cinco décadas, el rock se ha posicionado como un elemento más de la cultura, adaptándose a los diferentes momentos históricos nacionales. Y desde los imitativos ritmos de Peter Rock, hasta los criollos acordes de Los Tres, pasando por el eclecticismo de Los Jaivas y la repulsa de Los Prisioneros, el rock chileno ha logrado mantenerse vigente y, en el transcurso de este dilatado período, bastantes son los acontecimientos que han incidido en su etapa actual y que vale la pena continuar develando.

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Yendo directo al grano, desde mi perspectiva su principal brillo fue hacerlas todas con un presupuesto muy bajo. Puesto de otra manera, muchos discos de excelente calidad, invirtiendo poco y en un tiempo muy corto -algo así como cinco álbumes en siete años- , dejando como legado muy buenas canciones (cómo me gusta ‘Spit on a Stranger’), caracterizadas por una exquisita textura Lo-Fi. Muy alejados de la parafernalia rockera y todos sus clichés de mierda, lo de Pavement es crear melodías simplemente hipnotizantes, llenas de matices sonoros y sensibilidades que estoy seguro que si la escuchas una vez ya no podrás dejarlas. Es que no por nada se transformaron en uno de los grupos más importantes de la escena Indie rock de los noventa. &TQFSPIBCFSEJDIPMPTVmDJFOUF QPSRVF en realidad tengo la impresión de no haber dicho nada. Es que esta banda es de aquellas donde cualquier descripción en palabras quedaría corta. Lo que te recomiendo ahora es que no esperes más tiempo, te consigas el “Slanted & Enchanted” y lo disfrutes hasta la tumba.

s o t n e m o m s o d n i l Caos, s o y nuevos proyect

Un

nuevo año comienza para los “papis” del punk rock nacional. A dos años del lanzamiento de su exitoso “Lindo momento frente al caos”, la banda pretende comenzar con todo este 2009, prometiendo un llamativo disco de covers, su primer DVD, renovados shows y la misma pachorra de siempre sobre el escenario, esa que sacaron a relucir notablemente en la segunda edición de la Cumbre del Rock Chileno. Rockaxis

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“Un, dos, tres, probando…”, es lo único que se puede reproducir de la -por decirlo de alguna forma- “picaresca” salida a escena que tuvieron los Fiskales en la Cumbre del Rock Chileno II, donde Álvaro España, desde el backstage, se mandó una “probada de micrófono” que de seguro ni Che Copete, ni la Paty Cofré juntos son capaces de reproducir, y que hizo reír a carcajadas a los espectadores que a esa hora ya los esperaban sudorosamente ansiosos. Aunque, obviamente, no fue lo único loable de su arrasadora presentación. Estas virulentas jugarretas y otros variados sarcasmos presentes durante todo el show, son una muestra ineludible de que la actitud punk es algo inalterable para esta emblemática agrupación. Y también que los productores del evento no se equivocaron para nada al darle uno de los espacios estelares, haciéndole un poco de justicia a su dilatada trayectoria. Después de un 2008 cargado de importantes presentaciones en vivo, donde todavía se siguieron cosechando los frutos de “Lindo

momento frente al caos”, editado un año antes y nominado al premio Altazor como mejor disco de rock, el período que recién comienza para la banda está marcado por dos importantes lanzamientos. Para comenzar a dilucidar todo aquello, en una calurosa tarde santiaguina, el punzante Álvaro España nos contó cómo se viene 2009; habló sobre su participación en la Cumbre y otras cosillas más, no sin antes remojar la garganta con un siempre bienvenido shop heladito. “LA CUMBRE DE LA CALLAMPA” No puedo comenzar la entrevista sin preguntarte por el jocoso episodio vivido durante la Cumbre del Rock, donde sacaste a relucir tus dotes de humorista “picaresque”… Álvaro España: “Todo se dio de manera muy espontánea. Estaba tras bambalinas y el micrófono estaba prendido. Como nos habíamos tomado varios copetes, no dudé en tomarlo y comenzar a probarlo a mi manera (risas). Nosotros siempre somos así, echamos la talla

todo el rato. Nos gusta pasarlo bien y si tenemos la oportunidad de agarrarnos para el ‘hueveo’, no titubeamos en hacerlo. Hasta un ‘cara pálida’ me mandé (risas)”. Hubo muchas cosas graciosas, como cuando el presentador les hizo la introducción diciendo algo así como: “con ustedes la banda más consecuente del punk rock nacional” y tú dijiste… A.E.: “Los Miserables…” ¿Y cuando diste las gracias a la gente por venir a verlos a la “cumbre de la callampa”? A.E.: “Sí, es para lesear un rato, fue con todo respeto. Como te digo, nosotros somos siempre así; si no fuera de esa forma, yo cacho que no podríamos tocar por tanto tiempo juntos. Nos gusta divertirnos y dejar todo en el escenario, de lo contrario no tendría sentido”. ¿O sea no fue una crítica al evento? A.E.: “Para nada, nos pareció excelente. Nos trataron increíble, lo pasamos muy bien tocando y sabemos

que nuestra presentación fue de las más sólidas. La verdad es que nos sentimos muy cómodos; sabemos también que a la gente le gustó mucho lo que mostramos. La idea es siempre pasar un rato agradable”. ¿Sientes que tocar en estos eventos es importante para la banda? A.E.: “Creo que sí, a pesar que la experiencia anterior en el Vive Latino no fue para nada buena. Nos programaron en un horario de mierda, como a las doce del día cuando no había tanta gente como queríamos. A raíz de la misma rabia, le pegamos a un hueón que nos quería echar del escenario, siendo que todavía nos quedaba tiempo. Lo asimilamos como una verdadera falta de respeto, nos sentimos muy pasados a llevar en aquella oportunidad”. Me acuerdo perfectamente de ese episodio, pero desconozco los motivos que gatillaron el escándalo, ¿qué pasó realmente? A.E. “Para hacerte el cuento corto, los hueones de La Oreja se picaron con nosotros porque no quisimos Rockaxis

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mSNBSQBSBFMMPTZQPSFTP DPNPFTUBCBO JOWPMVDSBEPTFOMBQSPEVDDJØO OPTUSBUBSPOEF IBDFSMBWJEBJNQPTJCMFZOPTCVTDBSPOIBTUB RVFOPTFODPOUSBSPO"VORVFOPMPDSFBT  FTBTDPTBTQBTBONÈTTFHVJEPEFMPRVFVOP QJFOTB FTVOBWFSEBEFSBGBMUBEFSFTQFUP QFSP DSFPRVFMFTRVFEØDMBSPRVFBOPTPUSPTOPOPT BNFESFOUBOw Por todo lo ocurrido la vez pasada, ¿su actuación fue una especie de revancha? A.E.:i4Ó NVDIBTWFDFTQPSUPDBSQVOLSPDL MPTQSPEVDUPSFTUFDBUBMPHBODPNPNÞTJDP EFTFHVOEBDBUFHPSÓB/PTPUSPTQPOFNPT MBTNJTNBTHBOBTFOVOBUPDBUBQBSBEJF[ QFSTPOBTRVFFOVOBQBSBEPTNJM MBJEFBFT RVFMBHFOUFWFBVOFYDFMFOUFTIPXEPOEF TFBRVFOPTWBZBBWFS&OFTUBPDBTJØOOPT TFOUJNPTNVZDØNPEPT QPSRVFEFTEFFM DPNJFO[P3PDLBYJTOPTNBOJGFTUØTVTEFTFPT EFRVFGPSNÈSBNPTQBSUFEFTVFTQBDJPFO MB$VNCSF ZOPTTPSQSFOEJØHSBUBNFOUFRVF OPTDPOTJEFSBSBOQBSBFMIPSBSJPFTUFMBSEFM FTDFOBSJPEPOEFSFBMNFOUFFTUVWPFMSPDLZ RVFUVWPNFKPSGVODJPOBNJFOUP4FOUJNPTRVF OPTGVFMBSBKBZMPTDPNFOUBSJPTEFMPTNFEJPT DPOTJHOBSPORVFKVOUPDPO-PT#VOLFST  GVJNPTMBTCBOEBTEFNFKPSEFTFNQF×Pw

«MWBSPEFmOFFM OVFWPMBO[BNJFOUP EJTDPHSÈmDPDPNP “una volá totalmente nuestra, como para darnos un gusto. Un disco con doce covers de bandas con las cuales nos educamos musicalmente, todas clásicas del punk rock”. "TÓ OPT FODPOUSBNPTDPOMBT WFSTJPOFTFOFTQB×PM EFSFDPOPDJEBTDBODJPOFTEFFNCMFNÈUJDPT HSVQPTDPNP5IF3BNPOFT 4FY1JTUPMT 5IF $MBTI 5IF%BNOFEZ%FWP FOUSFPUSPT “Lindo Momento Frente al Caos” dejó la vara muy alta, la idea de un disco de covers ¿fue darle más tiempo a la composición de temas nuevos? A.E.: i/P QBSBOBEB FTTPMBNFOUFQPSEBSOPT VOHVTUPQFSTPOBMRVFIBDFSBUPRVFSÓBNPTw

TJHVFOBUPEBTMBTUPDBUBTMPTRVFUSBCBKBO DPOOPTPUSPTZBMHVOBTQPMPMBT&TPKVOUPB VOBJNBHFOEFOPTPUSPTABSSJCBEFMBQFMPUBZ VOBMV[EFOFØORVFEJDF-BJEFBFTRVF QSPZFDUFEJWFSTJØO OBEBNÈTw

Suena bien la idea de los covers, tomando en cuenta que ustedes, más que eso, lo que hacen es realizar sus propias versiones de los temas. Se han caracterizados por aquello, lo que es un NÏSJUPy ¿Cuáles son sus expectativas tomando en cuenta A.E.: i4Ó DPODVFSEPDPOFTP4JOFNCBSHP  FOFTUBPQPSUVOJEBENBOUVWJNPTMBNJTNB los frutos que brindó el lanzamiento anterior? FTUSVDUVSBPSJHJOBM QFSPUPDBEBTBEPT A.E.: i&OSFBMJEBEOPTBCFNPTDVÈMTFSÈFM HVJUBSSBT QPSMPRVFBWFDFTQVFEFTPOBSVO FGFDUPFOMBHFOUF1BSBTFSUFGSBODP DVBOEP QPDPNÈTQFTBEPRVFMBTWFSTJPOFTPSJHJOBMFT IBDFNPTMPTEJTDPTOPQFOTBNPTNVDIP 1FSPEPOEFTÓDBNCJBIBSUPMBDPTBFTFO FOFMMPT/PTJOUFSFTBRVFQSJNFSPOPTEFKF ¿Crees que fue acertada la segmentación de los DVBOUPBMBTMFUSBT ZBRVFPCWJBNFOUFOPNF DPOGPSNFTBOPTPUSPT RVFOPTHVTUFZOPT escenarios? WPZBEBSMBQBKBEFUSBEVDJSMJUFSBMNFOUFMP MMFOF4JNÈTFODJNB EFSFCPUF MFHVTUBB A.E.: i$MBSPZOPTSFTVMUØNVZHSBUP RVFEJDFOMPTUFNBT TJOPRVFNÈTCJFOTBRVÏ MBHFOUF CBDÈO QPSRVFFTFMJEFBMEFUPEP FODPOUSBSOPTDPONVDIPTBNJHPT"QBSUF FT CVFOPRVJUBSMF VOQPDPEFQSPUBHPOJTNPBMPT NÞTJDP QFSPDVBOEPDPNQPOFNPTOPFTUBNPT MBTJEFBTQSJODJQBMFTZMBTBEBQUÏBOVFTUSP BQJUVUBEPT FTPTRVFUPDBOFOUPEBTMBTIVFÈT QFOTBOEPFOTFSDPNQMBDJFOUFTDPOFMQÞCMJDP JEJPNB$POFTP BERVJSJFSPOVOBQFSTPOBMJEBE NÈTQSPQJBEF'JTLBMFTyMBJEFBFTJOUFSQSFUBS RVFIBDFO MPTRVFUPDBOQBSBFMHPCJFSOP FUD 1FSPDSFPRVF FOFTUBPDBTJØO MPTNÈT DPOUFOUPTWBOBTFSMPTAQVOLSPDLFSTBOUJHVPT  MPRVFEJDFFMIVFØO QFSPDPOQBMBCSBT )BZVODJSDVJUPEFFTBFTQFDJFEFIVFPOFT QSPQJBT SJTBT w RVFBQBSFDFOTJFNQSFZFMSFTUPTPOJOWJUBEPT ZBRVFNFUJNPTBWBSJBTCBOEBTDMÈTJDBTRVF HVTUBONVDIP DPNP#V[[DPDLT .JTmUT %FBE EFQJFESByPOEB UPDBEPTUFNBTZÈOEBUF SÈQJEP MPRVFQBSFDFBCTVSEPQPSRVFFOFTBT ,FOOFEZT ZPUSBTVOQPDPNÈTCBJMBCMFTDPNP El nuevo lanzamiento es sólo una parte de un primer semestre muy agitado para la banda, %FWPZ#MPOEJFw DJSDVOTUBODJBTOPTFBMDBO[BBNPTUSBSOBEB ¿cuáles son las otras sorpresas que se vienen? &YJTUFVOBDBOUJEBEJNQSFTJPOBOUFEFCVFOBT A.E.: i&M%7% i'JTLBMFT"×PTw RVF O sea, bien cargado a los clásicos, pero CBOEBTRVFNFSFDFOTVPQPSUVOJEBEw también tomando en cuenta algunas bandas más EFCÓBIBCFSTBMJEPIBDFIBSUPSBUPZRVF QPSVONPUJWPVPUSPTFIBQPTUFSHBEP QFSP mFTUFSBTy EL 12 Y LOS 20 A.E.: i&TRVFOVFTUSBJEFBFTRVFTFBVOEJTDP QSFUFOEFNPTUFOFSMPBMBWFOUBBIPSBFONBS[P TÓPTÓ#VFOP MPNÈTJNQPSUBOUFFTEBSMFEVSP %PTHSBOEFTQSPZFDUPTTPOMPTRVFNBOUJFOFO mFTUFSP*ODMVTP TBDBNPTBMHVOPTUFNBTVO BMMBO[BNJFOUPEFiw5BNCJÏO ZBUFOFNPT QPDPNÈTIBSEDPSF QBSBRVFGVFSBVOÈMCVN BDUJWPTBMPT'JTLBMFTBDUVBMNFOUF&MQSJNFS WBSJBTQSFTFOUBDJPOFTDPOmSNBEBTIBTUBNBZP VOUBOUPNÈTNFMØEJDPQPSBTÓEFDJSMP &TUÈ %7%EFTVDBSSFSB UJUVMBEPi'JTLBMFT ZBDBCPEFDPNQSBSNFVOEFTPEPSBOUFEFFTPT DPODFCJEPQBSBRVFTFBFMBDPNQB×BNJFOUP "×PTw EPOEFTFSFWJTBOTVTEÏDBEBTEF DPOPMPSBDIPDPMBUFRVFTBMFOFOMBUFMFw IJTUPSJB QMBTNBEPTFOTVDPODVSSJEPTIPXEF JEFBMEFVODBSSFUF QSFDJTPQBSBFMIVFWFP 5BOUPFTBTÓRVFFOMBDBSÈUVMBBQBSFDFMB DFMFCSBDJØO SFBMJ[BEPFOPDUVCSFEF UÓQJDBGBDIBEBEF$#(# QFSPDPOGPUPT KVOUPB.JOVUPTZ-B'MPSJQPOEJPFOFM Cristián Jara Bizama SFDPSUBEBTEFUPEPTOVFTUSPTBNJHPTDPO &TUBEJP7ÓDUPS+BSBZ QBSBDPSPOBSiw FM Fotos: Claudio Campos M. MPTRVFADBSSFUFBNPTZMPTQBTUFMFTRVFOPT PDUBWPEJTDPEFTVDBSSFSB Rockaxis

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Ava l a nc h a de sho w s e n C hil e

AGENDA COPADA

Iron Maiden

Na

die se lo esperaba. Este mes se convirtió en la fecha esencial de 2009 para ver el regreso de bandas clásicas como Iron Maiden y Kiss, y también el debut de grupos históricos y alabados del mundo alternativo como Sonic Youth y Radiohead. Poco a poco, Santiago se ha ido convirtiendo en el epicentro rockero del fin del mundo. A juntar plata se ha dicho. Jueves 12 de marzo, 21:00 horas, Teatro Caupolicán: Agua de Annique

Domingo 22 de marzo, 20:00 horas, Club Hípico: Iron Maiden

La nueva banda de la ex vocalista de The Gathering, Anneke Van Giersbergen, vendrá a Chile por primera vez en promoción de su disco “Air”, editado el 2007. Este conjunto -el que la cantante declara que no es un proyecto solista ni una banda en sí, sino una “alianza musical”- está formado por Anneke en voz y piano, su esposo Rob Snijders en batería, Joris Dirks en guitarra y voz y Jacques de Haard en bajo, cuenta con un sonido más pop que The Gathering, más simple y sin los elementos progresivos y metaleros que se reconocían en su grupo anterior.

La “Doncella de Hierro” ha pisado suelo nacional ya en cinco oportunidades, la última el 9 de marzo de 2008. No necesitan grandes presentaciones, son una de las bandas favoritas del público chileno y una de las que genera más pasión en los seguidores del heavy metal. Su nueva visita se enmarca en el mismo tour que los trajo el año pasado, llamado “Somewhere Back in Time”. Lo más interesante de este recital es que sumado al set list original, el grupo interpretará “Phantom of the Opera” y “Sanctuary”. Además, se espera que agreguen otros temas clásicos que sus fanáticos no han podido escuchar en vivo en nuestro país.

Entradas: $17.000 (general), $30.000 (palco). A la venta a través del sistema Ticketmaster. Rockaxis

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Entradas: $23.000 (general). A la venta a través del sistema

Ticketmaster. Martes 24 de marzo, 21:00 horas, Movistar Arena: Peter Gabriel El legendario músico e histriónico ex vocalista de Genesis pisará el suelo nacional por tercera vez, tras sus visitas de 1990 y 1993, en el marco del Pepsi Fest, que se celebrará a lo largo de toda la semana en el Movistar Arena.

cinta infantil. Su gira latinoamericana arrancará seis días antes en Caracas, Venezuela y culminará el 31 de marzo en Monterrey, México. Miércoles 25 de marzo, 21:00 horas, Movistar Arena: Chris Cornell - Mike Patton Con su primer concierto en Chile aún en la retina de sus seguidores, Chris Cornell vuelve

su única parada en Sudamérica. Al cierre de FTUBFEJDJØO TFDPOmSNØMBQSFTFODJBEF.JLF Patton acompañando al ex Soundgarden. Jueves 26 de marzo/ viernes 27 de marzo, 21:00 horas, Estadio San Carlos de Apoquindo: Radiohead/ Kraftwerk

El británico vuelve a Chile con un espectáculo que mostrará alta tecnología en escena y que repasa sus mayores hits como solista. Además, su visita viene precedida de su premiación en los Grammy, donde recibió dos gramófonos dorados por su contribución a la película animada “Wall-E”, y de una nominación a los premios Oscar por sus arreglos en aquella

a menos de dos años de su presentación a mostrar su último disco, “Scream”, que ha causado polarizadas opiniones entre sus fans por su vinculación al sonido urban. Sin embargo, el mismo Cornell ha mencionado que retomó por primera vez desde Soundgarden la guitarra eléctrica para tocarla en vivo, y que está ansioso por volver a Chile. Esta será

Debido a la inusitada y exaltada venta de entradas para su debut en Santiago, la producción agregó un segundo show de los británicos, agendado para este jueves 26 de marzo, en el marco del cierre del festival Cristal en Vivo. Con un Grammy bajo el brazo por “Mejor Álbum Alternativo”, Thom Yorke y sus muchachos vienen de una gira en la que no han repetido un solo setlist, especial para fanáticos. Imperdible. Los ingleses vienen acompañados de los fundamentales Kraftwerk, quienes se presentaron anteriormente el 10 de noviembre de 2004 en el estadio Víctor Jara. Esta vez, vendrán sin uno de sus miembros fundadores, Florian Schneider, que se retiró de la banda a comienzos del mes de enero. Entradas: Desde $27.500 a $77.000. A la venta a través del sistema Puntoticket (sólo para el show del 26). Domingo 29 de marzo, 21:00 horas, Movistar Arena: Sonic Youth Los íconos del sonido post punk vanguardista de Nueva York, Sonic Youth, visitarán Chile por Rockaxis

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Sábado 4 de abril, 21:00 horas, Teatro Caupolicán: Opeth -PTGSVTUSBEPTGBOTRVFTF quedaron con las ganas EFWFSMPTFOBIPSB QPSmOQPESÈODVNQMJSFM TVF×PEFWFSBVOBEFMBT CBOEBTGVOEBNFOUBMFTEFM NFUBMEFMPTÞMUJNPTB×PT -PTTVFDPTMJEFSBEPTQPS .JLBFM"LFSGFMEUFTUBSÈO promocionando el aclamado “Watershed”, que ha sido DBMJmDBEPDPNPVOPEF los trabajos cruciales de 0QFUI KVOUPBi4UJMM-JGFw Zi#MBDLXBUFS1BSLw QPS su “belleza brutal”. Un concierto imperdible para los eclécticos seguidores de este conjunto, que vendrá en uno de los mejores momentos de su carrera.

primera vez en una gira que también pasará por Argentina y Brasil, todo esto como parte del Pepsi Fest. Próximamente, la banda estará lanzando su disco “The Eternal”, el primero a través del sello independiente Matador (que BMPKBBmHVSBTDPNP$BU1PXFS .PHXBJZ-PV Reed), por lo que se puede esperar que no sólo interpreten un repertorio de canciones clásicas sino también algo del nuevo material. Viernes 3 de abril, 21:00 horas, Movistar Arena: Kiss -PTNBRVJMMBEPTBNPTEFMBQJSPUFDOJBWJTJUBO $IJMFUSBTB×PTEFBVTFODJB EBOEPJOJDJPB la parte sudamericana del tour “Alive 35”, que pasará por Argentina y Brasil. Su gira no estará exenta de alguna polémica, pues, luego de que FMCBKJTUB(FOF4JNNPOTBmSNBSBRVF,JTT no volvería a grabar un disco, su contra parte, Paul Stanley, ha declarado que se encuentran de vuelta en el estudio trabajando en nuevas canciones, que por cierto, no escucharemos. &TUFSFHJTUSPTFCBTBSÓBFOFMTPOJEP,JTT de los 70, según comentó el guitarrista y vocalista. El evento cerrará la semana del Pepsi Fest. Rockaxis

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Entradas DBODIB y platea). A la venta a través del sistema Ticketmaster. Sábado 25 de abril, 16:00 horas, estadio Víctor Jara: Gorgoroth y Hate Eternal Por primera vez en su carrera, luego que a mOBMFTEFTFGSVTUSBSBOVOPTDPODSFUPT QMBOFTEFWJTJUBB$IJMF FMDPOKVOUPEF Erik Rutan, Hate Eternal, se presentará FO$IJMFFMEFBCSJMQSPNPDJPOBOEP su último álbum “Fury & Flames”. El HSVQPEF'MPSJEBTFSÈBDPNQB×BEPQPS Gorgoroth, en su encarnación con Gaahl Z,JOH0W)FMMFOFMMJOFVQ MVFHPEFMB EJTQVUBMFHBMDPOFMHVJUBSSJTUB*OGFSOVT Esto será en el marco del Shock Metal 'FTU RVFUJFOFDPOmSNBEPBEFNÈTB 1BO[FS *O[FOJUI $FCFSVT /VDMFBS  %PSTP -FUBM4PMBSJT -FGVUSBZZ4JY Magics. Entradas HFOFSBM "MBWFOUBB través del sistema Feriaticket. Sábado 25 de abril, 21:00 horas, Teatro Caupolicán: Europe

-BDMÈTJDBCBOEB&VSPQFWPMWFSÈB$IJMF EFTQVÏTEFB×PTEFTVQSFTFOUBDJØOFO FMGFTUJWBMEF7J×BEFM.BS UPDBOEPUPEPT TVTHSBOEFTÏYJUPT DPNPA$BSSJF A5IF 'JOBM$PVOUEPXOZA0QFO:PVS)FBSU-PT suecos comienzan hoy una gira nacional que UBNCJÏOMPTMMFWBSÈBSFHJPOFT$BEBVOPEF MPTSFDJUBMFTmOBMJ[BSÈDPOVOBHSBOmFTUB PDIFOUFSB%FmOJUJWBNFOUF VOSFFODVFOUSP con una de las más destacadas agrupaciones EFIBSESPDLEFMPTT Miércoles 29 de abril, 22:00 horas, pub Backstage: Ten Years After )BOQBTBEPB×PTEFTEFMBGPSNBDJØO PSJHJOBMEF5FO:FBST"GUFS MBSFDPOPDJEB banda inglesa de blues rock que se consagró FOFMGFTUJWBMEF8PPETUPDL EPOEFFKFDVUBSPO FMUFNBi*N(PJOH)PNFw RVFDPMPDØB "MWJO-FFFOUSFMPTMÓEFSFTEFMBHVJUBSSBEF TVUJFNQP"VORVFFOFTUBWFOJEBB$IJMF  -FFOPFTUBSÈEFOUSPEFTVGPSNBDJØO ZBRVF se encuentra actuando como solista desde  MBGFDIBFTDPHJEBTFSWJSÈQBSBDFMFCSBS MPTB×PTEFBRVFMMBBDUVBDJØONFNPSBCMF en Woodstock. El exclusivo concierto en #BDLTUBHFUFOESÈDBQBDJEBEQBSB personas y se realizará bajo una entretenida decoración que recordará la nostalgia de la ÏQPDBEFMBTnPSFT Entradas"MBWFOUBBUSBWÏT del sistema Ticketmaster y sin recargo en Backstage.

1974

Cambio de mando en el metal

De

cidir cuál es la banda más importante en la historia del heavy metal puede llevarnos a una discusión ardua y sin mayores conclusiones. Mejor es concentrarse en los episodios históricos del género y dejarse impresionar por el camino que éste ha seguido. Por eso, quienes gustan de los simbolismos, no pueden quedar indiferentes ante el año en que una nueva generación de metaleros (la primera post-Sabbath) tomó las banderas y, silenciosamente, fue cultivando un sonido que cambiaría el rumbo del rock para siempre. Rockaxis

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Si Black Sabbath no inventó el heavy metal, al menos apuntémoslos como los primeros que sonaron como tal. Agarrarse del legado de Led Zeppelin y Deep Purple sería el paso secundario; pero el correr cronológico es claro. Así también lo es con el punto en que la labor de Sabbath estaba concluida, y era hora de cosechar lo previamente sembrado. En diciembre de 1973,

Black Sabbath publicaba “Sabbath Bloody Sabbath” en Inglaterra (en Estados Unidos, la salida sería en enero del 74), quizás el último de sus trabajos perfectos (en efecto, sus primeras cinco publicaciones pueden DBMJmDBSTFEFUBMNPEP

Z llevando su visión del heavy metal lo más lejos que jamás podrían (en el disco participa Rick Wakeman, tecladista de Yes), dejando BCJFSUPVOJOmOJUPDBNQP

de movimiento. De ahí en más, su carrera comenzaría a decaer, su vigencia a discutirse y sus discos a empobrecerse (exceptuando el aún recomendable “Sabotage”). Visto hoy a la distancia, dentro del abanico de las capacidades de Black Sabbath, su parte de la revolución estaba concluida. Era la hora del relevo. Pensar que Sabbath se sepultó después “Sabbath

Bloody Sabbath” sería una exageración. Pero vayamos a la parte simbólica del asunto. El último verso de ‘Sabbath Bloody Sabbath’, la canción, dice: “living just for dying, dying just for you” (viviendo sólo para morir, muriendo sólo por ti). Qué maravilloso mensaje para traspasar el mando del metal a la próxima generación. 1974 respondió a la expectativa. 35 años han pasado, y todo lo que aconteció dicha temporada no es otra cosa que una serie de sucesos históricos, relevantes, mas (la mayoría) impopulares en su minuto. El heavy metal de raíz más “clásica” comenzaría a mutar a nuevas formas de rock pesado. El hard rock ya tomaba color propio y empezaba a marcar el destino de innumerables metaleros del futuro. Febrero nos daba una señal de cómo se vendría la mano durante el año. El día 8, Kiss lanzaba al mercado su homónimo debut EJTDPHSÈmDP JOJDJBOEPTVTJMFODJPTPDBNJOPBM éxito y cambiando para siempre la vida de los Dave Mustains, los Dimebag Darrells y otros. Más evidente era la importancia del LP editado una semana después de “Kiss”, el debut de David Coverdale en Deep Purple, mediante el sublime “Burn”. Más volcánicos que nunca, Purple marcaba distancia con lo que ofrecía Zeppelin, y -si con los años de Ian Gillian no GVFTVmDJFOUFDSFBCBTVQSPQJBFTDVFMB:TJ Black Sabbath fueron los reyes fundadores del heavy metal, la banda de Ritchie Blackmore merece al menos estar incluida en la mesa redonda. El resto del año seguiría dando golpe tras

golpe, pero sería un exceso comentarlos todos. Llegaría el primer álbum de Michael Schenker junto a UFO (“Phenomenon”, elevado a la categoría de clásico gracias a su single ‘Doctor Doctor’), en mayo. En abril, Van Halen realizó su primera presentación en vivo; y en los primeros días de julio Queen seleccionaba A,FFQ:PVSTFMG"MJWFDPNPFMQSJNFSTFODJMMP promocional de su carrera. METAL CITY OK, quizás todo esto sea una bien ordenada correlación de hitos y estilos. Podría ser. "MPNFKPS OJOHVOBEFMBTBHSVQBDJPOFT mencionadas haya estado en posición para llenar el sitial que Sabbath estaba ya por liberar. Pero en Birmingham, Inglaterra, la cuna de Black Sabbath (y de Robert Plant, Phil Lynott o John Bonham, entre otros), 5 jóvenes estaban por jugarse con una ambiciosa apuesta en la ruta del heavy metal. El 6 de septiembre de 1974, una novel agrupación llamada Judas Priest editaba su EFCVUEJTDPHSÈmDP i3PDLB3PMMBw$PODBTJ nula recepción mediática y del público, Judas Priest tenía toda la fe del mundo en que podrían hacerse un nombre en la escena. Su vocalista, Rob Halford, reconoce que “ver a Sabbath convertirse en una banda tan famosa, era muy emocionante para quienes veníamos de Birmingham. Nos motivó a seguir adelante a pesar de los malos momentos iniciales”. Claro, el camino de Judas no fue fácil y tardarían casi un lustro en probar el éxito masivo. Pero su propuesta, forjada en las mismas calles de Black Sabbath, iría evolucionando disco a disco, lo cual se mantiene hasta el día de hoy. Pero el lazo entre ambas bandas va más allá de estos detalles ya mencionados. Tony Iommi le contó a Guitar World una vieja historia, recordando un hecho ocurrido después de la publicación del primer álbum de Sabbath: “Junto a Ric Lee de Ten Years After, juntamos dinero y creamos una agencia para ayudar a bandas de Birmingham. Judas Priest fue una de ellas. Les di unos equipos y les conseguimos varias tocatas. Tuvimos que cerrar la agencia porque

ni Ric ni yo podíamos dedicarle tiempo, pero eventualmente uno de los agentes que contratamos para ayudar a los grupos se interesó en Judas y les siguió prestando ayuda”. Musicalmente, digamos que entre “Sabbath Bloody Sabbath” y “Rocka Rolla” hay bastante diferencia. Pero así como Sabbath mostraba el rostro más grandilocuente del heavy metal, Judas Priest introdujo las guitarras gemelas en la misma pasada. Los primeros vendieron más de un millón de copias con su LP; los segundos, un par de miles. La crítica también se rindió ante el quinto álbum de Black 4BCCBUI:NJSØBQFOBTEFSFPKPFMQSJNFSPEF Judas Priest. Para los más aclamados de todos, “Sabbath Bloody Sabbath” también merece la más BMUBEFMBTDBMJmDBDJPOFT&OWP[EF(FF[FS  “ese disco fue un nuevo nacimiento para mí. Y la canción es de las que yo primero recomendaría de nuestra historia. Estábamos medios perdidos creativamente y cuando Tony apareció con ese riff, nos devolvió el brillo. Su UFYUPUBNCJÏOFTTJHOJmDBUJWPFTVOBSFBDDJØO a la actitud que tuvo la prensa inglesa hacia nosotros. Los buenos tiempos y los no tanto, las veces que se aprovecharon de nosotros, el negocio que hicieron con la banda”. "VORVFOBEJFRVJTJFSBSFDPOPDFSMP FMNFUBM TJHVJØDSFDJFOEPFOJOnVFODJB FTQFDJBMNFOUF FOUSFMBTOVFWBTHFOFSBDJPOFT"MBTZB mencionadas bandas algunos párrafos atrás, hay que sumar algunos aventajados alumnos de la “generación de 1975”. Uno era Steve Harris, quien ofrecía su propia visión del metal junto a Iron Maiden, y otro era Lemmy Kilmister, quien una vez recibido el sobre azul FO)BXLXJOE UBNCJÏOEFmOJSÓBTVQSPQJP sendero, creando Motörhead. Con el paso de los meses, el heavy metal vivió tiempos difíciles. En Inglaterra, el punk se hizo predominante por un par de años, tiempo en que una nueva movida se fue cocinando, liderados precisamente por Judas Priest: la “New Wave Of British Heavy Metal”. La mesa FTUBCBTFSWJEB&MSFMFWPTFIBCÓBEFmOJEP-BT cosas estaban por cambiar drásticamente.

Juan Ignacio Cornejo K. Rockaxis

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A.K.A.C.O.D. Happiness

Bruce Springsteen

2008. Sonophone/BMI

n consuelo para los viudos de Morphine es este disco debut de la banda que formó su saxofonista Dana Colley. Manteniendo el formato sonoro de Morphine, A.K.A.C.O.D. se distingue, básicamente, por una voz exuberante y potente. Por su parte, el saxo distorsionado y lleno de onda de Colley, va creando las bases principales y los solos de los temas, que mantienen la premisa de la canción rock pero con ese sonido jazzy-blues callejero y erótico.

U

Las composiciones se suceden con rapidez y soltura, demostrando que la onda endemoniada de una de las bandas más originales de la década del ‘90, aún sigue en pie a través de este nuevo proyecto, que IBMPHSBEPUPOJmDBSZFOUSFHBSMFTVQSPQJB perspectiva a las directrices creativas de .PSQIJOF TPMJEJmDÈOEPTFDPNPVOEJHOPZ natural continuador. Héctor Aravena A.

Crisálida RACO

2008. Independiente an pasado dos años desde que Crisálida nos presentara su segundo disco “Alas”. Pocas bandas en Chile poseían la cantidad de condiciones humanas y rudimentos musicales como para llegar a hacerles mella. La tarea no era fácil, y hoy están de regreso con algunos cambios en su alineación.

H

En honor a la verdad, el nuevo ensamble además de sólido está consolidado y el nBNBOUFEJTDPSFQSFTFOUBVOBQSPQVFTUB generosa en arreglos pero con mayores texturas, ambientes, letras y diseño que el anterior. Un gran evolución y un gran paso en la carrera de la banda. “Disciplina” es la palabra justa con la que QPESÓBEFmOJSFTUFUSBCBKPM Cristián Céspedes M. Rockaxis

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Working on a Dream 2009. Sony/Bmg l pintor de realidades favorito de América pilla a contrapelo al medio lanzando “Working on a Dream”, una colección de canciones que abandona la prosa tormentosa de antaño a cambio de un listado de lumínicas (en perspectiva) tomas centradas en el pop rock de proximidad AOR.

E

7BSJPTBmSNBORVF4QSJOHTUFFOTFUPNØ las cosas demasiado rápido. Quizás fue la hiperventilación por los cambios políticos imperantes en Estados o la excesiva rapidez en que plasmó su última obra en los tiempos libres de la gira del bien recibido, “Magic” (2007)... teorías para KVTUJmDBSUBOCBKBFOUSFHBEF&M+FGF abundan de sobremanera. Tras entregar un inspirado tridente con “The Rising”, “Devils & Dust” y “Magic” TJOPCWJBSMPTNÏSJUPTFOi4FFHFS 4FTTJPOTw

i8PSLJOHPOB%SFBNwTF vislumbra como el hijo bastardo del set de producciones ofertadas por el icónico músico en lo que va de la década. La irregularidad del álbum es tan plausible, que una joya intimista y emotiva como ‘The Wrestler’ (con la que obtuvo un Globo de Oro), parece un perro verde dentro del dispar repertorio. El brillo inaugural de la fábula cowboy, ‘Outlaw Pete’, confunde de sobremanera por su línea e inventiva: el problema es que con el devenir del repertorio, el tema parece un completo premio de consuelo. 4QSJOHTUFFOTJFNQSFTFIBKBDUBEPEFTFS un docto en la creación de postales acerca de la realidad americana. En tiempos en que Estados Unidos se ve fulminada por una potente crisis económica, es difícil

tomarle el gusto a la lírica de ‘Queen PGUIF4VQFSNBSLFU RVFOBSSBDØNP una persona se enamora haciendo cola en un supermercado... un verdadero cuento americano digno de un grupillo de pop punk, pero ni cerca del nivel que acostumbra The Boss. El pálido folk de ‘Tomorrow Never Knows’ o la obviedad en el blues lúgubre en ‘Good eye’, no ayudan demasiado a cambiar el veredicto. Para peor, ni siquiera la otrora asertiva inclusión de Brendan O’Brien en las perillas parece dar en el clavo: el aporte de MBNBHOÈOJNB&4USFFU#BOEZBDF sumamente disminuido en las cuerdas. &OEFmOJUJWB i8PSLJOHPOB%SFBNwFT un sueño no muy atractivo de compartir, recomendado solamente para su armada acérrima de siervos, que indulta casi por EFQPSUF4FSÈIBTUBMBQSØYJNB KFGF Francisco Reinoso Baltar

Funeral for a Friend Memory and Humanity

Franz Ferdinand

Tonight: Franz Ferdinand 2009. Sony/BMG res aciertos al hilo, quién lo diría. El retorno de los monopolizadores del revisionismo post punk británico en su vertiente guitarrera, venía plagado de predicciones fatalistas. Las teorías alcanzaban todos los ángulos posibles, desde calzar este tercer trabajo de los de Glasgow a una segura continuación de los concisos estribillos de “You Could Have It So Much Better” (2005), hasta optar por la creencia obtusa de RVFFMSFTVMUBEPmOBMDPOTUBSÓBEFVOB insulsa constelación de fragmentos experimentales sin pies ni cabeza.

2008. Join Us.

uevos aires azotan a la institución EFMQPTUIBSEDPSFCSJUÈOJDP5SBTMB maratónica sesión de desencuentros con su DBTBEJTDPHSÈmDB TFSFTJTUFOBRVFEBSTFFO el tintero de los derroteros y siguen dando pelea con una placa que sopesa el mal sabor y desencanto generalizado entregado en el JSSFHVMBSi5BMFT%POU5FMM5IFNTFMWFTw

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Obteniendo un imaginario sonoro completamente lejano del buque JOTJHOJBEFHVJUBSSBTTVDJBTZBmMBEBT que delinearon sus dos millonarios NBOJmFTUPTBOUFDFTPSFT i5POJHIUw espeta otra asertiva jugada de precisión milimétrica, esta vez con el empuje del divertimento nocturno, la música electrónica y el art pop como musas inspiradoras. Las suspicacias se desbancan desde la partida con los afro beats de ‘Ulysses’, señal ineludible que, además, nos introduce con certeza a una tendencia, que a excepción de los íntimos arreglos EFMEVFUPmOBMEFA%SFBN"HBJO ‘Katherine Kiss Me’, destacan en toda la placa: el papel predominante de los sintetizadores.

En un contexto en que la vorágine populista de las nuevas camadas de actos se enreda entre ímpetus orquestados y afanes obsesos por transformarse en TVDFEÈOFPTmEFEJHOPTEFMSPDLEFSBÓ[  i5POJHIUwTFDFOUSBFOVOJOTUJOUPQPQ  forjado en inagotables improvisaciones en FTUVEJP5PEPQFOTBEPQBSBMBQJTUB Hay potenciales hits y psicodelia por EPRVJFSA4FOE)JN"XBZDBCFTFOUBEB QBSBHSBmDBSFTUFBMDBODFQBSSBOEFSPRVF "MFY,BQSBOPTZTVTGPSBKJEPTFYQPOFO con soltura. La canción se sumerge en VOQTZDIPGVOLDPOFTQÓSJUVEFKBNCBOE setentera, hecho para rituales corpóreos festivos, tanto como ‘No You Girls’, cuyo hedor a revival disco es total. Franz Ferdinand disfruta su imperecedera juventud. Podríamos apuntar al liderazgo en teclados de McCarthy, las absorbentes e hipnóticas notas de bajo o el acierto de B×BEJSFMFNFOUPTEFMEVCBMTFU FOmO  atractivos hay por montones. Sólo queda aplaudir este paso liberador que enuncia i5POJHIUw VOUPNPDBSHBEPEFJOHFOJP y personalidad, hecho para la matrícula de honor. Con este batatazo, la corona ha sido nuevamente revalidada. Francisco Reinoso Baltar

El degustar canciones como ‘Rules and Games’, ‘Kicking and Screaming’ o la SFQPTBEBA$IBSMJF%POU4VSG NVFTUSBOOP sólo a los Funeral for a Friend más inspirados desde su imprescindible disco de 2003. Más que eso, retoma la posibilidad de los británicos para volver a liderar una movida que encabezaron cuatro años atrás y que hasta ahora, miraban de abajo hacia arriba. Una recuperación válida y esperanzadora. Francisco Reinoso Baltar

John Frusciante The Empyrean 2009. Record Collection

Oi5IF&NQZSFBOw MBDPOTUBOUFEFMB introspección continúa, sin embargo, con una vibra mucho más oscura, casi tenebrosa. Es evidente que Frusciante ha ganado DPOmBO[BFOTÓNJTNPZRVFTVTIBCJMJEBEFT como compositor ahora se toman por sentado. Y no sólo eso, sino que también en la voz, pues sin ser un gran cantante, pasa por los más diversos estados.

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Precisamente esa era una de las premisas del HVJUBSSJTUBFOFTUFUSBCBKPi5IF&NQZSFBOw es aquel lugar más alto en el cielo, que, NFUBGØSJDBNFOUF TJHOJmDØQBSB'SVTDJBOUF la búsqueda, el alcance de un objetivo tan lejano, que su meta se vio cumplida. Puede que ésta sea la última pieza del puzzle de su redención, pero ante nuestros oídos, ya parece haberse ganado el paraíso. María de los Ángeles Cerda Rockaxis

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Neil Young Sugar Mountain:

Morrissey

Live at Canterbury House 1968 2008. Reprise a tercera parte de esta “Performance Series” vuelve a sorprender a sus fans tanto como “Live at the Fillmore East” o “Live BUUIF.BTTFZ)BMMw TØMPRVFBRVÓ FOFTUB época, 1968, Neil Young era un personaje SFDJÏOTBMJEPEF#VGGBMP4QSJOHmFME VOKPWFO que tímidamente emprendía una carrera solista.

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Es así como, sin contar con un abultado currículo, Neil saca un as bajo la manga: su carisma. Sus propias armas, las que no MMFWBOFMBQFMMJEPEF#VGGBMP4QSJOHmFME OP son muy numerosas, por lo que tuvo que escudarse en sí mismo. Con soltura y gracia, relata anécdotas notables, que le añaden riqueza a un disco en vivo, y que le da una espontaneidad a toda prueba. Totalmente recomendable. María de los Ángeles Cerda

Perrosky Doblando al español 2008. Algo Records

quí se recogen versiones en castellano de clásicos del ayer (Eddie Cochran, Sam Cooke, Willie Dixon, entre otros), el hoy (Hielo Negro) y el mañana (Philipina Bitch), en revisiones sumamente lúdicas y de buen tino en las que las capacidades musicales de 1FSSPTLZTØMPNVFTUSBOVODSFDJNJFOUPUSBTTV logrado elepé “El ritmo y la calle”.

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Así, la calidad de las revisiones, su distanciamiento de los originales y la forma de apropiarse de sonoridades, hacen que “Doblando al español” pase como un disco más del dúo de “folkroll”. Es cosa de dejarse seducir por la entrada ganadora de ‘Que todos se paren’ (original de Eddie Cochran) o la SFWJTJØOEFVOPEFMPTQSØDFSFTEFMTPVMZFM R&B, Sam Cooke, con ‘Ven a mi lado’, para rendirse ante esta placa. Un excelente trabajo, sin dudas. Felipe Kraljevich M. Rockaxis

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Years of Refusal 2009. Polydor/Universal Con qué podría aparecer Morrissey tras veintitantos años de carrera y decenas de memorables canciones? Para muchos, puede ser el mero hecho de mantenerse presente, algo más que no perder la costumbre de sacar discos o de seguir con vida. Pero el intento del ex Smiths apela a convertirse en un NBOJmFTUPEFDØNPTFHVJSBDUJWPTJO que los años, ni las expectativas o su reconocido estatus de héroe de la ironía romántica pesen sobre él. Su época de “regreso” ha terminado, y este tercer disco TPMJTUBFOMPTEPTNJMFTMPBmSNB

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“Years of Refusal” ha sido destacado DPNPVOUSBCBKPUBOTØMJEPDPNPFM infaltable “Your Arsenal” (1992). Pero aquellas palabras no son fruto del fanatismo desbocado de un crítico. Morrissey se desenvuelve provocativamente desde el rock and roll más tradicional a las melodías spaghetti western épicas a la Muse, todo eso imbuido de la jovial potencia punk que seguramente Jerry Finn, productor de bandas como Green Day, Rancid y The 0GGTQSJOH DPOTJHVJØTBDBSEFMBJONPSUBM voz del hombre de Manchester. Aquella energía más urgente y directa no hace que los elementos más distinguibles de sus canciones -los coros pegadizos o esa melancolía disfrazada de “ligereza” pop- se hayan disuelto. ‘Something is Squeezing My Soul’ es una prueba más que clara: bajo la aparente cortina de rock crudo y acelerado, yace la característica historia del amor y revancha de pareja, y la siempre elegante y satírica JOUFSQSFUBDJØOEF4UFWFO1BUSJDL.PSSJTTFZ Por eso, hablar de sobrevivencia sería VOBCVSMB.PSSJTTFZDBQUVSØVOBEF sus grandes cualidades como artista, su

QBTJØOZTVEFWPDJØOBMFTDFOBSJP QBSB entregarse por completo con esa potencia del show en vivo en el estudio. Cada uno de los tracks que componen este registro parece pertenecer desde ya al cancionero clásico del inglés, y es que, sin afán de USBFSEFWVFMUBWJFKPTUJFNQPT BDUVBMJ[Ø su sonido sin perder un gramo de su personalidad. ‘I’m Throwing My Arms Around Paris’ o ‘That’s How People Grow Up’ van directo a convertirse en favoritos de los fans. Citándolo, así es como la gente crece: sin caprichos absurdos y con una veracidad a toda prueba. María de los Ángeles Cerda

Rivers Cuomo Alone II: The Home Recordings of Rivers Cuomo 2008. Geffen Records

ivers Cuomo, el cantante y principal DPNQPTJUPSEF8FF[FS MBO[ØBmOFTEF 2007 una colección de grabaciones caseras. La placa “Alone: Home Recordings” tuvo tan buena recepción que Cuomo decidió lanzar una segunda entrega. Rivers Cuomo se queda solo en su casa-estudio para revisar pistas y demos que recorren una ruta de 15 años partiendo desde 1992.

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Son 19 canciones y casi 50 minutos, algunas de ellas muy cortas, pero que aún así alcanzan a entregar el gancho del coro, no obstante el EJTDPnVZFSÈQJEP&MCVFO3JWFSTFTVOPEF los rock stars originales de nuestra generación, una de un sonido que a partir de Nirvana y Pixies pronto va a ser considerado dentro del género rock clásico. Y de seguro habrá un lugar para Rivers Cuomo. Alfredo Lewin

Saxon Into the Labyrinth 2009. SPV

esde hace varios años, los legendarios Saxon se subieron a ese tren victorioso que disco tras disco nos muestra a una banda pletórica, disfrutando de una segunda juventud y sin indicios de bajar la guardia o lo que es más importante, disminuir el nivel cualitativo de sus placas.

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En palabras del propio líder, el incansable Biff Byford, este nuevo trabajo emerge justo en medio de “Lionheart” (2004) y “The Inner Sanctum” (2007), manteniendo el auténtico poder de fuego metalero del primero, mezclándolo con el gancho hard rockero del segundo. Sn escasos los puntos bajos que se pueden encontrar cuando los argumentos musicales son tan sólidos e inspirados como los exhibidos por Saxon en su nueva placa. Los muchachos de Biff lo hicieron de nuevo. Cristián Pavez Rockaxis

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Nickelback

Dark Horse 2008. Roadrunner os canadienses nos tenían acostumbrados a no variar ni un ápice entre un disco y otro. Sus 13 años de carrera y sus seis discos son un testimonio preciso del poco o nada de cambio de los norteamericanos. Lo que no tiene nada de malo, al contrario, en la actualidad es difícil mantener el sonido. “Dark Horse” es un ‘refresco’ en su ya más que conocida fórmula de su sonido hard rock que suena más soft que hard.

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Y para ello contrataron a Robert ‘Mutt’ Lange (AC/DC, Def Leppard). Lo que da mucho más sentido a este ‘refresco’, que se palpa desde el comienzo con ‘Something in your Mouth’ con un riff demasiado pegajoso. ‘Burn in to the ground’ es lejos el mejor riff del disco. Y, claro, Nickelback no es Nickelback sin los ‘lentos’ característicos, que ya son un sello del grupo, sin ellos el grupo no existe. ‘Gotta be sombody’ y ‘I’d come for you’, dos canciones que van seguro en las fogatas playeras que se pegan los gringos. Pero no todo es romanticismo, despecho y quiebres amorosos. ‘Next to the round’ viene a desordenar las tranquilas melodías con un riff apretado y furioso, otra excelente canción, seguida por ‘Just to get high’. Si las anteriores baladas eran playeras, ésta es lejos la que WBmKBA/FWFSHPOOBCFBMPOF FMGBOÈUJDP de Nickelback que no se sabe esta canción, simplemente no es tan fan como dice ser. El tema capta la esencia de los canadienses en un cien por ciento. La tónica del hard rock de coros pegajosos está

por todo el disco, mejor dicho, atraviesa toda la trayectoria de la banda y ‘Shakin Hands’ y ‘S.E.X’ son una muestra más en este catálogo de coros de Nickelback. El mensaje en ‘If today was your last day’ está claro, manoseado, pero no está de más. Así como las baladas son a Nickelback lo que la mantequilla es al pan, los mensajes llenos de esperanzas también lo son, está en la nomenclatura de los canadienses. Las risas de fondos y conversaciones acompañan los tres minutos y medios de ‘This Afternoon’, el cierre perfecto, demasiado optimista, mucha buena onda. El cambio siempre es bueno, dicen. Y en este disco el aire fresco, no tiene nada que ver con girar 180º, 90º o 45º, sino con qué disposición llega un grupo al estudio y cómo se plantea las cosas y en esto Nickelback lo hace muy bien, no muy seguido, pero son cambios que se notan si se escucha con atención. Óscar Vargas Medina

Scott Weiland Happy in Galoshes

U2

2008. Softdrive

No Line on the Horizon 2009. Universal odo buen disco no se digiere la primera vez que se escucha, o al menos eso es lo que nos dicen. Con “No Line on the Horizon” la situación es confusa, no se sabe si es el mejor álbum de U2 en años, o un modo forzado de ver a los irlandeses desde otra perspectiva o un tongo que Bono y sus secuaces (incluido Lanois) han sabido vender. La presentación de ‘Get on Your Boots’ como primer single tampoco esclarecía nada al respecto.

o es fácil de asimilar este “Happy in Galoshes”. Y es que el espíritu camaleónico de Weiland lo traiciona por momentos, presentándonos un buen álbum, pero con momentos donde es ese mismo espíritu exploratorio el que hace sacar cuentas negativas.

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-BTJOnVFODJBTFOi/P-JOFPOUIF Horizon” son múltiples. En el primer track, heavy metal, con Edge tocando a todo dar y Bono cantando con lo que da su voz, synth de los 80, gospel (cómo no), y una pomposidad poco vista en la banda, con canciones que superan la barrera de los seis minutos y con la utilización de bronces. A grandes rasgos, MPTUFNBTQBSFDJFSBOFOMBTVQFSmDJF gozar de una gran independencia, pero, en realidad, forman parte de una gran búsqueda espiritual. Un desafío con el cual plantearse a futuro. Pero, a estas alturas, todo aquello que involucre lo espiritual resulta empalagoso. El corte que da inicio al disco, ‘No Line on the Horizon’ es prometedor, tiene algunas referencias a la guitarra de ‘Mysterious Ways’, y además cuenta con una gran base de sonidos electrónicos cortesía de don

#SJBO&OP-VFHPMMFHBA.BHOJmDFOU con un engañador comienzo (parecía la ‘Seven Nation Army’ de U2, pero no lo es) que va directo a convertirse en himno de estadio. Pero junto con la insufrible ‘Moment of Surrender’ llega el reverendo Bono a predicarle al mundo, tomando precisamente el canto afroamericano como inspiración para aquel gospel que viene tratando de componer hace años, pero aquí cae en lo literal, y en una parsimonia que sólo desaparece tres canciones más tarde, en ‘Get on Your Boots’. Entre lo variable que suenan estas melodías, aún resaltan las técnicas de The Edge en la guitarra, que retoma elementos de “The Joshua Tree”, pero que también sabe jugar con sonidos más pesados y con nuevas tecnologías. Bono, por su parte, se mueve entre los gritos y los susurros, en una amplia gama que busca sacarlo de su acomodo, aunque no llega a ser el tipo de interpretación conmovedora o guerrera como en otros discos. “No Line on the Horizon” es un esfuerzo valorable y hasta entendible, pero que peca en no lograr empatía con el auditor.

Pero el propio Weiland ha reconocido que nada de esto le importa. Éste es un álbum hecho por y para él, que le ha servido para exorcizar nuevos y viejos demonios y sobrellevar momentos de real dureza como su separación o la muerte de su hermano. Aquí, el ex Velvet Revolver explora terrenos vírgenes en su carrera con disímiles resultados y hace un disco con la desfachatez propia de quien quiere hacer música que libere su alma, sin grandes pretensiones o proyectos. Buen disco. Rodrigo Carvajal U.

White Lies To Lose my Life 2009. Polydor

l agotamiento de la hibridación neo post punk es irremediable. Pese a esta bajada consumada, el carrusel de la industria británica no falla en su habilidad innata por imponer actos, situarlos en la cresta de la ola y dotarlos de una potente munición mediática. Disco debut, número uno en ventas en el 3FJOP6OJEPZVONBOJmFTUPDPOTDJFOUFEF NBSDBTVMUSBKBEBTIBTUBFMJOmOJUP{&T8IJUF Lies un total timo? Para nada, pero que la han tenido fácil es indudable.

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María de los Ángeles Cerda “To Lose My Life” es facilidad por antonomasia. El esquema aquí es una colección fría, calculadora, perfectamente armada y hecha para agitar talonarios corporativos. Un soldado más del montón para actualizar la pragmática vorágine del pop rock británico del siglo XXI. El elástico aún no se corta. Francisco Reinoso Baltar Rockaxis

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The Doors L.A. Woman

Foo Fighters

1971. Elektra

ste es el ultimo álbum registrado por 5IF%PPSTKVOUPB+JN.PSSJTPOZFOÏM  como nunca, se aprecia toda la cercanía que la banda tenía con el blues. Algo de eso se había deslizado en “Morrison Hotel”, su placa de 1970, pero es “L.A. Woman” el que los muestras más bluseros e incluso más SFQPTBEPTZNFKPSBÞO DPOFMNFKPSHSVQP de canciones desde su debut homónimo de 1967.

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%FKBOEPBUSÈTMBTEJWJTJPOFT MBCBOEB GVODJPOBCBDPNPVODPOKVOUPEFOVFWPZMB mayoría de canciones de Jim Morrison así lo demostraban. Todavía más, esta placa se anota con dos sucesos que pasarían a la historia del grupo, el tema título y ‘Riders on the storm’ y verdaderas gemas como ‘The Changeling’ y ‘Hyacinth house’. Un disco que auguraba un renacimiento y que a la postre fue un tremendo corolario. Rodrigo Carvajal U.

Pride & Glory Pride & Glory 1994. Geffen

akk Wylde de pronto decide que sus días con Ozzy estaban contados y que tocar música en el país de Ozz no era el solo propósito en su vida. Un maestro que ya hace 15 años era considerado un grande en la generación 90’s del heavy rock siente que es hora de mostrar un poco de su material de raíces, algo de blues, mucho de country y folk, con una afectación vocal única, llena de soul sureño.

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El que este sea un álbum debut y casi solista es lo que lo hace tan importante, no es por el hecho de que Zakk componga la música, sino porque escribe las letras. Este álbum huele al FTQÓSJUVTBMWBKFEFVOEFCVUBOUFZUBNCJÏOB lágrimas producto de penas y reivindicaciones. Intenso e irrepetible. Alfredo Lewin Rockaxis

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The Colour and The Shape 1997. EMI n instantes en que el establishment de aquellos días se rendía ante la “novedad” de las máquinas y los samplers, “The Colour and The Shape” logró dar el golpe a la cátedra en el momento preciso, cuando el patio del rock alternativo americano traslucía sólo nPSFTNBSDIJUBTZFMHÏOFSPQPSUBCBVOB decadencia difícil de zafar. Una pieza perfecta para endulzar una triste seguidilla de exponentes descafeinados.

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“The Colour and The Shape” es el disco que el rockero común, amante de las guitarras con sentimiento, anhelaba. Debutando con esa envolvente y desnuda partida con ‘Doll’, seguida de un sencillo redondo como ‘Monkey Wrench’, una construcción de pura adrenalina y estrofas que ingresan con una rotunda facilidad. Pese a que la cercanía con el big bang de Nirvana no se denota en demasía, como si aconteció en el disco homónimo, ‘Wind Up’ permite que el tacto rugoso de su ex banda sobreviva aún en sus composiciones y en excelente forma. La belleza de ‘February Stars’ es perturbadora, tanto como la sublime aportación de ‘My Hero’, VOSFnFKPEFSPDLSFUPSDJEPZFNPDJPOBMZ una de las interpretaciones obligadas en cualquier directo de la banda, hasta hoy. Flirteos como los de ‘Hey, Johnny Park!’, EFTUBDBOQPSTVFKFDVDJØOZUSBOTWFSTBM rumbo, el cual merodea sin restricciones por el pop y el hard rock. ‘Everlong’ llega directo al alma y evoca un mar de emociones. Cuando la belleza y aura de discos casi perfectos, como los que alguna vez brindaron estandartes absolutos de la escena alternativa norteamericana

como Nirvana, Sonic Youth, Pixies o (JSMT"HBJOTU#PZT ZBDÓBOMFKBOPTBOUF la pobre presencia de marcas que al menos se pudieran probar los zapatos de estos referentes con placas a la altura, Dave Grohl entregó su obra magna. Fue la punta de lanza para una carrera de inspiración sostenida y que aún tiene la llama encendida. Por mucha vigencia que intenten demostrar con vitrinas tan portentosas como su último testimonio audiovisual en Wembley, 1997 fue el año en que Foo Fighters cambió de folio, eludió el riesgo de ser unos viles one hit wonders y quedó para siempre en la historia del rock. Y Dave, por muchas batallas que haya ganado en los años venideros, lo tiene más que claro. Francisco Reinoso Baltar

Genesis When In Rome 2007 2008. Virgin

uando a Phil Collins le preguntan sobre la posibilidad que esta reunión se hubiese concretado con Peter Gabriel, el bateristaDBOUBOUFUJFOFUPEBMBSB[ØOBMBmSNBSRVF la historia de Genesis excede con creces a lo hecho con el carismático integrante original.

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El DVD está compuesto por tres discos. Los dos primeros registran el espectacular concierto que la banda ofreció en el Circo Massino de Roma el 14 de julio de 2007. Por su parte, el tercero incluye el documental “Come Rain Or Shine”, donde se narra, a través de sus protagonistas, desde que el grupo, tras 10 años de estar separados, se reúne a ensayar por primera vez. Una producción exorbitante y que recorre, sin sobresaltos ni interferencias, largos años de trayectoria. Héctor Aravena A.

Living Colour New Morning: The Paris Concert 2008. Inakustic Gmbh

na de las más gratas sorpresas de los últimos meses del año pasado, fue sin duda este impresionante DVD en vivo. Todos aquellos que han tenido la posibilidad de ver a los Colour en vivo saben que en el plano individual y colectivo, este combo de músicos FTJNQSFTJPOBOUF1PSFMMP FTUF%7%mMNBEP FOBMUBEFmOJDJØOFOKVMJPEF FOVO íntimo y pequeño club de París (el “The New Morning”), resulta apabullante desde todos los aspectos.

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Canciones y clásicos de sus cuatro discos de estudio se pasean magistralmente en el set, donde resulta imposible no alucinar con la performance en temas como ‘Type’ (ultra acelerada), ‘Middle Man’ o ‘Cult of Personality’, las que se mezclan con algunos soberbios covers como ‘Papa Was a Rolling 4UPOFZA$SPTTUPXO5SBGmD*NQFSEJCMF Cristián Pavez Rockaxis

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Rush

Snakes and Arrows Live 2008. Anthem tro DVD ¿en vivo de Rush? Sí.... Otro más... No satura que la delicada y selecta imagen que proyectan como uno de los padres del rock progresivo se muestre en repetidas oportunidades. En ese sentido, da la impresión de estar viendo una extensión lo que fue el “Rush 30” su anterior placa audiovisual, sin embargo, hay diferencias enormes, partiendo que la imagen se supera y las tomas son realmente increíbles.

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Es difícil esperar un DVD artesanal de Rush, ¿así a la rápida? ¡Ni en sueños! Y es que ya estamos mal acostumbrados. Cuentan con una imponente estampa de verdaderas estrellas de rock arriba de un escenario, tocando los temas de siempre a un ritmo remozado, pero han ganado ser uno de los grupos más profesionales en vivo. Recordemos que este DVD se grabó en Rotterdam, Holanda, y a decir verdad, el público se nota igual que el alemán en el “Rush 30”, apagado, pero a estadio lleno. En ese sentido, lo que fue el “Rush in Rio”, realmente no se puede comparar, la gente cumple un papel primordial en un show y los latinos llevamos la delantera. Otro aspecto a destacar y totalmente comparable es que “Snakes & Arrows Live” se centra en lo que fue su último disco, el énfasis de los cortes escogidos es mostrar la fuerza de aquellas composiciones en vivo. En la parte de los extras encontramos el cortometraje “What’s that Smell” protagonizado por Geddy Lee y Alex Lifeson, más algunas versiones alternativas de ‘Far Cry’ y ‘The Way the Wind Blows’, además de ‘Red Sector A’

tomado de “Rush 30”. Además están los clásicos de siempre, como ‘Limelight’, ‘Freewill’, ‘Circumstances’, ‘Natural Science’, ‘Distant Early Warning’, ‘Tom Sawyer’ (con South Park) y el himno instrumental ‘YYZ’ no podían quedar ausentes y retratan la gran esencia de 3VTI1FSPFMQVOUPNÈYJNPTFNBOJmFTUB con ‘Malignant Narcisism -De Slagwerker’ (solo de batería de Neil) donde verdaderamente se siente al público holandés ovacionar a Peart. Además, viene con un disco bonus: el bootleg “Oh, Atlanta!” donde aparecen cuatro temas. Aún cuando pueda sonar como un relleno, con nada nuevo bajo el sol, este DVD de Rush vale mucho la pena... esa es la magia del trío canadiense que goza de plena vigencia. Claudio Torres

Muddy Waters Jr.

¿El merecido tributo a Muddy Waters?

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or estos días, el blues está revolucionado por la imagen viviente de Muddy Waters. Y cómo no, si su primogénito y heredero de muchos de sus rasgos físicos y vocales ha irrumpido en el circuito internacional, como el tributo perfecto a uno de los más grandes personajes que ha dado el género. Muchos coinciden en esto, pero otros ven a Mud Morganfield (el hijo mayor de Muddy Waters) como un verdadero aprovechador de la imagen de su padre. Lo cierto es que Muddy Waters Jr. (como se hace llamar) ha lanzado su carrera y promete hacer recordar los años dorados de su padre.

Rockaxis

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Quizás como hijo mayor de una de las leyendas más importantes del blues, era obvio que en cualquier momento esta música tocara su vida, pero nunca se había pensado que el despertar EFMQFRVF×P.VE.PSHBOmFMETFSFBMJ[BSÓBB través de las canciones de su padre. Es más, cuando revisamos su biografía, se encuentran detalles que lo implican en sus comienzos con el pop… es que fue más bien fortuito su acercamiento a la música del alma. Muddy Waters es considerado el padre del Chicago blues. Nacido en Mississippi, tuvo una infancia dura donde tuvo trabajos en los campos de algodón, manejando camiones y tractores. Su primera grabación se realizó en las orillas del Delta gracias a la visión de Alan Lomax, quien andaba en busca de registros de músicos de folk country, para la biblioteca del congreso americano. Años más tarde, Mckinley .PSHBOmFME TVWFSEBEFSPOPNCSF TFNVEBSÓB a Chicago, en busca de nuevas oportunidades, donde hizo el cambio de tocar acústico a ser un guitarrista eléctrico. Esta forma lo hizo conocido en el mundo entero gracias al muy buen manejo del slide. Durante este período, Muddy no tuvo una relación muy estrecha con sus hijos, es más, las constantes giras no lo dejaban compartir con ellos, ni menos enseñarles la técnica del blues. Por ello, gran parte de la teoría musical EF.VEZ#JH#JMM TVIFSNBOPCBKJTUB GVF enseñada por miembros de la Muddy Waters Blues Band, en especial Bob Stroger, quien le enseñó a tocar el bajo a su hijo menor. Esto, más el completo desapego que Muddy tenía por su familia, lo hizo ser un padre ausente: “Eran los contra de tener un padre famoso”, dice Mud. Waters Jr. comenzó en la música como baterista. Pasó por el pop, pero fueron otras cosas las que lo llevaron al blues: “Por 4 años mi padre se me aparecía en sueños y lo tomé como una

señal”, agrega Mud. Muchos se preguntan si durante la época de pleno desconocimiento de este músico, donde trató de forjar una carrera DPNQMFUBNFOUFBMFKBEBEFMBmHVSBEF su padre, no fue el tiempo necesario que tuvo para construir su lugar y desde allí encontrar la fortaleza y la convicción que le animara a dar el gran paso para abrazar la obra de su progenitor. Porque en suma, cualquier otro artista sería un músico tocando un tributo a Muddy Waters… él es algo mucho más importante aún, es el hijo y tiene el derecho adquirido y ganado en buena ley para, con su propio sello, lograr que la gente escuche a Muddy Waters, pero a través de Mud .PSHBOmFME El gran lanzamiento de Mud Jr. fue en 2007, año en que se realizó el tercer Muddy Waters Blues Celebration en Illinois. Aquí, Larry “Mac” McIntire, un productor que andaba en la caza de los antiguos músicos originales de Waters, intentó reunir a la banda, a Mud y su hermano Big Bill, quienes se habían visto por última vez el día del funeral del padre, en 1983, junto a sobrevivientes de la Muddy Waters Blues Band como Bob Stroger, Willie “Big Eyes” Smith y Pinetop Perkins, entre otros. Luego de esta presentación, los shows no pararían y el tributo a su padre iba tomando fuerza. EL NO DE BOB MARGOLIN Steady Rollin Bob Margolin conoció muy bien a Muddy Waters. Fue parte de su banda por más de 7 años, lo que le hizo ganar 5 Grammys y tuvo la oportunidad de compartir escenario junto a los Rolling Stones, Stevie Ray Vaughan, Albert Collins y por supuesto GVFQBSUFEFMmMNi5IF-BTU8BMU[wEF.BSUJO Scorcese. Fueron muchas horas de conciertos y anécdotas que Margolin compartió con Rockaxis en una exclusiva de marzo de 2007. Y al momento de preguntarle por la incipiente mHVSBRVFDPNFO[BCBBTVSHJSFO$IJDBHP dijo: “He escrito mucho sobre Muddy Waters, pues fuimos muy amigos… nunca supe en todo este tiempo de las intenciones de su hijo mayor de realizar un tributo, ni menos que se haría llamar Muddy Waters Jr.”. Pero

su respuesta fue aún más clara cuando se le preguntó si participaría en una gira junto a él para recordar los años de la Muddy Waters Blues Band: “No, cada uno interpreta la música de Waters como desee, yo lo hago mucho en mis shows, pero de ahí a llamarte .VEEZ8BUFST+S FTVOTFSJPBGÈOEFmHVSBS gratuitamente”. EL ADN MUSICAL .VETBDØTVQSJNFSEJTDPBmOFTEF  con una clara intención de probar que no FTVOBDPQJBEFTVQBESFi5IF'BMMT8BUFST Falls” es el título del álbum, que incluye 9 canciones escritas por él bajo la estructura del Chicago blues, es decir, con la misma DPOmHVSBDJØOEFCBOEBRVFTVQBESF HVJUBSSB  QJBOP BSNØOJDB CBKPZCBUFSÓB 3FEJNF sus culpas como su imitador e intenta tomar camino propio, pero lo parecido de su voz y la imitación de sus “guiños”, son la marca indeleble de un sonido incombustible y que EFmOFVOPEFMPTFTUJMPTNVTJDBMFTNÈT populares en el blues: El sonido urbano. .VE.PSHBOmFMEOPUJFOFOJOHÞOQVEPSFO utilizar el nombre de su padre y hacer giras en su honor. Y lo cierto es que gracias a FTUFFTGVFS[P MBmHVSBEFMiSFJOWFOUPSEF la electricidad” está más viva que nunca y la llama que prendió los corazones de millones de personas en el mundo, vuelve a brillar gracias a, lo que dicen, es uno de los homenajes mejores caracterizados de Muddy Waters… aunque sólo sea una imagen, ya que FMHSBOEFUBMMFEF.VE.PSHBOmFMEFTRVF no sabe tocar guitarra. Un antecedente que nos hace dudar sobre las buenas intenciones del músico y más cuando su lanzamiento en sociedad se realiza justo cuando se da a conocer el anuncio sobre una de las películas más esperadas para los amantes del blues, i$BEJMMBD3FDPSETw DJOUBTPCSFFMTFMMP$IFTT 3FDPSET y{FTUSBUFHJBPFMNFSFDJEPUSJCVUP  el tiempo lo dirá. Claudio Ibarra Rockaxis

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pj harvey Personalidad múltiple menos de dos años del lanzamiento del estremecedor “White Chalk”, la inglesa se reúne con su compañero de siempre, John Parish, para editar “A Woman A Man Walked #Zw PUSBWF[ EFTBmBOEPMPTMÓNJUFTEFUPEBVOB trayectoria.

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Después de la salida de “White Chalk” (2007) -aquel trabajo donde PJ Harvey extralimitó sus propias barreras para alejarse de los sonidos contemporáneos de las guitarras eléctricas para acercarse a la atemporalidad del piano y las temáticas casi victorianasresultaba un poco inquietante preguntarse por el futuro musical de la británica. En su carrera había pasado por los más diversos estilos, por lo que ver otra vez a Polly Jean bajo otra piel era tanto ilusorio como exigente. Sin embargo, lo logró de nuevo. “White Chalk” marcó un punto diferenciador en su carrera, por lo que ahora vuelve a las guitarras y al sonido más “tradicional” que ha determinado su discografía. Claro que el adjetivo “tradicional” se queda corto cuando hablamos de ladridos (sí, literalmente), susurros y balbuceos infantiles. Ahora la chica lleva su voz hacia lugares desconocidos, contando con el apoyo de John Parish, el músico que le ayudó a aprender a tocar la guitarra y con el que publicaría “Dance Hall at Louse Point” en 2006. El ideal era el mismo que en todos sus Rockaxis

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álbumes: utilizar nuevas fórmulas, desechando lo realizado en alguna otra oportunidad. “Eso es muy importante en todo lo que hago, así como para John -menciona la inglesa-. Él compuso una música maravillosa que no usó porque me podría haber gustado, pero me recordaba de algo que yo ya había hecho. De ese modo, teníamos un par de letras en las que pensamos, ‘no, no hemos hecho eso antes’. Para mí, eso es lo más importante con cualquier cosa en la que esté trabajando. Se vuelve muy natural para mí componer un cierto tipo de canción. Fácilmente podría seguir la misma fórmula, y quizás a mucha gente le encantaría. Pero empezaría a morir por dentro. No puedo hacerlo”. Y es aquel vínculo estrecho que la une con Parish una de las bases con las que se construyó FTUBPCSB)BSWFZDPOmFTBRVF  a pesar que ésta es la segunda colaboración en sí, su amigo siempre ha estado presente a lo largo de su carrera: en el momento de terminar los demos y consultarle su opinión,

o para darle ideas frescas con las que pueda enfrentarse a las canciones. En “A Woman a Man Walked By”, cuyo trabajo comenzó antes de “White Chalk”, Parish llevó a Polly Jean a nuevos territorios de composición y de creación de letras. Según Harvey: “John a veces llegaba con un título listo, algo súper motivante. Tenía una pieza de música que se llamaba ‘16.15.14’, e inmediatamente, estaba pensando, ‘estás en el jardín, jugando a la escondida’. Mi mente volaba por ahí. Me encanta cuando eso pasa”. El ánimo del disco pasa por varios estados. El primer single tomado de este álbum, ‘Black Hearted Love’ es una canción grunge pop con la que comenzó la idea de componer este registro colaborativo. “Me encontré con una pieza de música que tenía guardada hace como cinco años -dice PJ-, con la que no habíamos hecho nada, y eso se convirtió en ‘Black Hearted Love’. Le escribí unas letras y nunca la grabamos.

Después me acordé, ‘ese tema es realmente fantástico’, y le dije a John ‘¿puedes escribir otras nueve canciones para hacer un álbum?’ y así básicamente fue como todo empezó”. Por otra parte, excavando en la profundidad de su voz, PJ indagó en territorios desconocidos incluso para ella misma. Desde las baladas funerarias, como ‘Leaving California’, al “aggro-folk”de ‘A Woman a Man Walked By’, a los ladridos en ‘Pig Will Not’, ella considera esta producción como “un disco de extremos”. “Algunos de los coros en ‘Cracks on the Canvas’ suenan como a niños de cinco años -comenta-, también en ‘April’ sueno como a una mujer de 100 años”. Viniendo de Harvey, se puede esperar todo.

María de los Ángeles Cerda

morrissey Rejuvenecido FTEFTVSFHSFTPEJTDPHSÈmDPFOFMB×P TF WJTMVNCSBCBRVF.PSSJTTFZWPMWFSÓBDPOFMQPEFSEF BOUB×P QFSPBDUVBMJ[BEPBTVNBOFSB/PFSBOPTUBMHJB  TJOPUPEBVOBGPSNBEFQMBOUFBSTFGSFOUFBMFTDFOBSJP4V FTGVFS[PTFDPODSFUØFOi:FBSTPG3FGVTBMw TVOVFWPEJTDPRVF  TFHÞOFMFYWPDBMJTUBEF5IF4NJUIT “es su mejor trabajo hasta la fecha”"VORVFQBSBMPHSBSMP UVWPRVFTVQFSBSNÈTEFBMHVOB EJmDVMUBE

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El concepto de “nostalgia” siempre ha rondado en torno a quienes critican a Morrissey. Que revisita aquellos territorios que lo catapultaron al estatus de ícono que mantiene en la actualidad. Que podría hacer giras durante años tocando sus mejores canciones sin tener que sacar un álbum, aprovechando el enorme desplante que vierte sobre el escenario. Sin embargo, el hombre de Manchester no cree que tenga que superar ni mejorar su trabajo previo, sino que debe trabajar con lo que cuenta ahora. i-BEJmDVMUBEFTRVFUFOHPRVF FWJUBSSFQFUJSNF1BSBNÓ IBDFS VOEJTDPOPFTVOEFTBGÓP FT GÈDJM-PDPNQMJDBEPFTUSBUBS EFMMFHBSDPOOVFWBTNFMPEÓBT WPDBMFT BMBTRVFDBTJOBEJFMFT UPNBJNQPSUBODJB BTÓRVFJOUFOUÏ

DBOUBSEFNVDIBTGPSNBT&TFFT NJQSJODJQBMQFOTBNJFOUPDVBOEP DPNQPOHPVOBDBODJØO$VBOEP NFIFEBEPDVFOUBRVFFTDSJCÓ BMHPRVFZBIBCÓBIFDIP NF EFTJMVTJPOPNVDIÓTJNPw, dice el cantante. Morrissey tenía claro que para este nuevo álbum debía llegar con una nueva actitud, sin rendirle culto al pasado. Y aunque mantiene algunas de sus inconfundibles características -los coros pegajosos, las letras de amor versus odio-, “Years of Refusal” es un registro que muestra un notable avance con respecto a sus antecesores (“You Are the Quarry” de 2004 y “Ringleader of the Tormentors” de 2006) mostrándolo directo, arriesgado y con su eterno encanto.

Uno de los principales responsables de este sonido fue el productor Jerry Finn, que previamente había trabajado con el cantante en “You Are the Quarry”, y que registró en vivo las 12 canciones de esta placa, dándole una energía punk y urgente. Pero, poco después de que las grabaciones terminaron, Finn falleció debido a una hemorragia cerebral, por lo que el lanzamiento del disco fue pospuesto de septiembre a febrero. i)BCÓBNPTFTUBEP FTDVDIBOEPMPTUFNBTFOTVDBTB  FTUÈCBNPTGFMJDFT%FTQVÏTEF VOBTTFNBOBT UVWPVOBUBRVF DBSEÓBDPZMVFHPVOBIFNPSSBHJB DFSFCSBMZDBZØFODPNB'VF DPNQMFUBNFOUFJOFTQFSBEPw, diría Morrisey. Además, y por enésima vez, se vio en la obligación de buscar un nuevo sello que lo representara en Estados Unidos tras el escaso apoyo entregado por Decca US con su colección “Greatest Hits”, editada el año recién pasado, alojándose en Lost Highway. i)F FTUBEPFOUBOUPT -comentó-, RVF NJTFOTBDJØOFTDPNPEFQBTBSEF VOQTJRVJBUSBBPUSP RVFOPTBCF

RVÏIBDFSDPONJHPw. Pese a todo, “Years of Refusal” fue acogido calurosamente dentro de la prensa especializada. Canciones como ‘All You Need is Me’ o ‘One Day Goodbye Will Be Farewell’, son algunas de las mejores muestras de que Morrissey se ha tomado algo así como el elíxir de la juventud. Siempre abierto a otros estilos, ‘One Day Goodbye…’ incluye los sonidos de las trompetas y de bajos galopantes, mientras que el track que abre esta producción, ‘Something is Squeezing My Soul’ muestra aquella ferocidad de las grabaciones en directo, DPOmSNBOEPMPRVFTF×BMØFOTVT propias palabras: iFTUFEJTDPFT GBOUÈTUJDBNFOUFTØMJEP&TNVZ DPOTJTUFOUFZFTJOUFSFTBOUFQBSB NÓEFTQVÏTEFUPEPTFTUPTB×PTw. En las puertas de su cumpleaños 50, y cuando sus canas ya aparecen sin vergüenza, las grandes melodías de Morrissey no se han visto afectadas en lo más mínimo por el inexorable paso del tiempo. María de los Ángeles Cerda Rockaxis

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En Chile no cojea

17 de enero - Velódromo Estadio Nacional ntecedidos por la creciente expectativa de su fanaticada, la banda de Mataderos volvió a actuar a cielo abierto en tierras santiaguinas. La presencia de tres bandas de apertura, lejos de atentar contra el espectáculo, lo engrandecía, haciendo de la cita una especie de festival de rock en miniatura. Los grupos elegidos estuvieron absolutamente a la altura.

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Así a las 19:00 horas, La Gorda rompía los fuegos con su propuesta que mezcla la acidez de la crítica con la pureza de una música muy bien ensamblada. Y, por supuesto que destacaron sus temas más conocidos: ‘Vakero’ y ‘Mal Papi’. Luego fue el turno de Priapo, que, desde una mirada más bien bluesera, fueron capaces de pararse con autoridad ante la masa y concitar toda la atención. Por otro lado, ¿qué se puede decir de El Cruce a estas alturas que no se haya dicho? Los socios de Felipe Toro saben encandilar con su blues chilenizado y potente, que incluye versiones de temas de Tito Fernández y una vitalidad a prueba de balas. Una música sin dobleces ni pillerías intelectuales, energía en estado puro que se desata sobre el escenario. Rockaxis

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Después, La Renga. Con un show de más de dos horas, Chizzo y los suyos se dedicaron a satisfacer a los fanáticos de más largo aliento con un set list que incluyó buena parte de los temas emblemáticos de la banda. ‘Almohada de piedra’ abrió la noche renguera. Arrancando como power trío, Chizzo, Tanque Z5FUÏJOnBNBSPOBMBBVEJFODJBDPOVOB seguidilla de temas que fueron en ascenso en cuanto a intensidad: ‘A Tu Lado’, ‘Tripa y corazón’ y ‘La montaña roja’, con el cual bajaron un poco las revoluciones. Con ‘En los brazos del sol’, el grupo sumó los saxos y con los primeros acordes de A&OFMCBMEÓP MBmFTUBTFWPMWJØBEFTBUBS La celebración siguió con ‘El terco’ y ‘Motoralmaisangre’. Quizás el momento de más fervor fue con otro clásico: ‘Bien alto’, coreado hasta por la policía y los encargados de seguridad. ‘Mujer de caleidoscopio’ permitió unos minutos de descanso y fue seguida por un tema ausente en las últimas presentaciones: ‘Balada del Diablo y la Muerte’, con actores callejeros en escena. Luego, el poder fue detonado con otro corte emblemático: ‘El hombre de la estrella’ y su ya habitual dosis de locura y rebeldía. Seguía una

aceleradísima versión de ‘En la boca del lobo’ y luego ‘Detonador de sueños’. Otra cumbre se alcanzó con ‘Al que he sangrado’, enlazado con ‘Cuándo vendrán’. ‘Ruta 40’ completó una lista implacable de un éxito tras otro, seguida por la ineludible ‘Panic Show’. Los síntomas de la demencia colectiva OPIBDÓBONÈTRVFJOUFOTJmDBSTFDPOA&MSFZ EFMBUSJTUFGFMJDJEBEZA&MmOBMFTFOEPOEF partí’, con su habitual despedida falsa. &MmOBMWJOPEFTQVÏTEFVOBTFHVJEJMMBEF temas con los cuales se agotaron las últimas energías del grupo. Y vaya qué canciones: ‘El Revelde’, ‘Arte infernal’, ‘Pscilocybe mexicana’, nunca antes tocada en Chile, y RVFEFTBUØVOBWFSEBEFSBmFTUBSBODIFSB Luego dos cortes para cerrar: ‘La razón que te demora’ y ‘Hablando de la libertad’. Con rituales como éste, el rock and roll no morirá jamás. Se trata ni más ni menos que del re encuentro de una amistad que se hace vieja entre la banda y su público, no es un mero recital, es la vida misma, en las mismas calles. Urbano Matus Foto: Pablo Vera L.

¡Una noche con Jack The Ripper y sus secuaces! 22 de enero - Rock & Guitarras a cita prometía un encuentro con los monstruos del rock y así fue. Bastaba mirar el vasto currículum de bandas gloriosas que hay detrás de las espaldas de estos músicos (Judas Priest, Sepultura, Megadeth, Iced Earth, Yngwie Malmsteen, Y&T, Alice Cooper, Suicidal Tendencies, Ministry y un largo etcétera), para darse cuenta que esa noche sería de esas mágicas e inolvidables.

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Con un recinto a reventar, donde hasta las paredes transpiraban, alucinaba pensando en que precisamente en lugares pequeños como éste en la Inglaterra de 1975 muchas bandas como Maiden, Saxon y tantas otras daban sus primeros pasos a punta de sudor, distorsión y huevos, sembrando la semilla de ese virus llamado heavy metal, que poco a poco iría conquistando al mundo en una epidemia que jamás podría ser detenida. Dentro del cuarteto

de Hail!, el único que nunca había estado en Chile era el portento vocal de Tim “Ripper” Owens. No es lo mismo verlo en algún video, que tenerlo enfrente de tu cara y sentir el poder de su voz. Esa noche demostró ser un tremendo cantante, sin imitar a los vocalistas originales de las bandas homenajeadas, sino que siempre fue “Ripper”, manteniendo la esencia, pero dándole su toque personal a cada clásico. El arranque con ‘Ace of spades’ de Motörhead fue con todo: Volumen a mil pero sonido impecable y una banda QFSGFDUBNFOUFFOHSBTBEBZBmMBEB El tremendo batero Jimmy DeGrasso mantenía la base original de los temas y le agregaba algún detalle de espectacularidad técnica. Dave Ellefson al bajo como siempre impecable, sólido y consistente; haciendo coros y luciendo la “Roja” y creo que la mayor sorpresa fue Andreas Kisser, muy prolijo en los solos, haciendo un gran trabajo sobre todo en los covers de bandas

como Judas (‘Grinder’, ‘Green manalishi’, ‘Metal gods’) y Maiden (‘Wrathchild’) donde fusionaba las dos guitarras en una sola. De “Ripper” ya está dicho, el tipo se lo canta todo incluso en facetas poco habituales, como cuando hacía voces más guturales en los temas de Sepultura (’Territory’, ‘Roots’) y Pantera (’Fucking hostile’, ‘Walk’), y quizás uno de los más grandes y eufóricos momentos de la noche fue cuando tocaron la inmensa ‘Balls to the wall’ de Accept. Otros grandes momentos fueron ‘Symphony of destruction’ y ‘Peace sells’ de Megadeth. Ésta fue mezclada con ‘Paranoid’, para luego volver a ‘Peace sells’ y rematar con todo. La falta de BJSFZFMBTmYJBOUFFODJFSSPEFMMPDBMIBDÓBRVF banda y público ya casi no pudieran sostenerse en pie y tras 90 minutos de descarga, la masacre había concluido. Hail! fue un torbellino que tomó por asalto a 500 metalheads que presenciaron cómo un cuarteto de leyendas se puede transformar en un súper grupo de metal… y Chile fue el único lugar del mundo en disfrutar de ese privilegio. Y como en pedir no hay engaño, ojalá que los muchachos se entusiasmen y graben un disco de material original, ya que nada malo puede salir de esta unión. Notable Hail! Cristián Pavez Fotos: Sebastián Jiménez Rockaxis

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Rock desprejuiciado y visceral 15 de febrero - Teatro Caupolicán OBWFSEBEFSBmFTUB IJTUØSJDBDPOFM DBSJTNÈUJDPDBOUBOUFEF #BVIBVT TFWJWJØFOFM 5FBUSP$BVQPMJDÈO RVF BQFTBSEFFTUBSBMB NJUBEEFTVDBQBDJEBE FTUBCBSFQMFUP EFGBOÈUJDPTBDÏSSJNPTEFMBJNQSPOUB NVTJDBMEFFTUFWFSEBEFSPWBNQJSP TFSQÏOUJDPZIFSNBGSPEJUBEFMBDVMUVSB SPDL"MBTEFMBOPDIFZDPO MBTMVDFTDPNQMFUBNFOUFFODFOEJEBT  BQBSFDJØ FOUSFMPTBMBSJEPTEFBMFHSÓB EFMQÞCMJDP MBmHVSBEFMHBEBZ B FTUBTBMUVSBT DBTJNÓUJDBEF1FUFS .VSQIZ QBSBDPNFO[BSFMTIPXDPOMB DSVEBWFSTJØOEFMDMÈTJDPEF#BVIBVT  A#VSOJOH'SPN5IF*OTJEF

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El tsunami digital ha traído, entre muchas cosas, una agotadora pugna entre la copia dura y las descargas “ilícitas” en la red (según la ceguera ejecutiva), discusión que ya adquiere ribetes cansinos desde hace bastante tiempo. Siendo la merma en ventas de los discos en formato tradicional algo completamente asumido, Lamb of God apela al pragmatismo puro: romperse el culo en giras extenuantes y llevar su música extrema a la mayor cantidad de rincones del globo posibles. Dicha estrategia los mantuvo promocionando “Sacrament” por tres años. El álbum, lanzado en 2006, si bien prevaleció los niveles de popularidad del quinteto en Norteamérica,

valiéndoles innegables espaldarazos como una nominación en la categoría “Best metal performance” en la edición 2007 de los Grammy (que terminaría adjudicándose Slayer) y ventas cercanas a las trescientas mil unidades (sólo en los States), no fue vista por buenos ojos tanto por críticos como fans, FTQFDÓmDBNFOUFQPSMBTPCSFQSPEVDDJØOEFM trabajo. Generalmente, todos los artistas obsesodevotos por los directos portan una

animadversión total hacia los estudios, haciendo grandes esfuerzos porque su estancia en esos espacios sea lo más escueta posible. Lamb of God es una banda sobre la media: adoran y aprecian ambos frentes como infantes abriendo obsequios de Navidad. 4VHVJUBSSJTUB .BSL.PSUPO MPDPOmSNB “No somos unas ratas de estudio, valoramos por igual respirar aire fresco tanto como cuando nos enclaustramos en la etapa de composición o en el estudio realizando tomas. Personalmente, disfruto como adolescente pasar arduas horas probando efectos y fórmulas para las estructuras de las canciones. No es que odie la vida en la ruta, es más, me

mantiene vivo, pero encuentro que todo lo que conlleva la creación es por lejos lo más excitante de mi trabajo”. Conscientes de la dispar replica de “Sacrament”, Lamb of God postula a la crudeza y dirección de placas como “Ashes of the Wake” o “As The Palaces Burn”, trabajos mucho más al hueso sin dejos forzados de TPmTUJDBDJØOZFYDFTJWPHSPPWFi8SBUIw QPTFFVOBUÏDOJDBEFTCPSEBOUF mFMBTV coraza extrema, pero a la vez, plagada de

experimentaciones y arreglos que enuncian a la placa, como uno de las labores mejor logradas por los de Virginia en toda su carrera. EL EQUILIBRIO PERFECTO Los adeptos de Lamb of God celebran la brutal concreción de “Wrath”. Hay un aire de reivindicación con la esencia thrashera y actitud heavy del grupo, como bien plasma sin tapujos el primer sencillo y video, ‘Set to Fail’, pero también abunda una selección de elementos bastante peculiares. ‘Grace’ y ‘Reclamation’ son dos casos emblemáticos que enrostran la línea del

nuevo set de cortes en “Wrath”. La primera, pese a ser un completo trallazo, deslumbra DPOHVJUBSSBTBMFTUJMPnBNFODP NJFOUSBT ‘Reclamation’ alcanza los niveles épicos más explícitos de todo el catálogo del quinteto. “‘Reclamation’ fue escrita por Will (guitarrista), un hecho no menor, ya que él siempre ha estado a cargo del metal de tomo y lomo. Es completamente orgánica, sin efectos ni nada por el estilo”, dice Morton. Muchos no escatiman en alabanzas para Rockaxis

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evaluar la labor del productor Josh Wilbur, un responsable indudable en este retorno a la forma de Lamb of God, tras el atisbo más amigable y groove de “Sacrament”. “Lo escogimos porque nunca había tenido la chance de grabar un gran disco de metal, pese a tener un gran talento. Es joven, con hambre y su visión era la certera para nuestras expectativas. Se interesó por hacernos sonar brutales como en antaño y se metió de lleno a estudiar nuestros primeros trabajos... es un gran profesional”, señala el baterista Chris Adler. Pese a portar un tremendo orgullo por el recorrido y logros obtenidos, el mismo Adler reconoce algunas decisiones erróneas en “Sacrament”. “Para ese disco, experimentamos con la idea de ser más que una banda de metal, intentando cosas, a veces incómodas. Asumo que la producción de entonces fue un cómplice total para alcanzar tamañas ventas y popularidad en nuestro país, pero decidimos tirar todas esas expectativas por la ventana y dedicarnos a ignorar cualquier hambre comercial”.

distante, por lo menos al nivel de sus tierras. 4VSFDJFOUFmDIBKFQPS3PBESVOOFSMFTBCSF puertas indudables. No es menor que el grupo ya haya sido considerado lanzamiento prioritario en territorios como Gran Bretaña, Alemania o España, además de haber sido DPOmSNBEPTDPNPUFMPOFSPTEFMUPVSRVF .FUBMMJDBSFBMJ[BSÈQPSFM7JFKP$POUJOFOUF  dentro de poco. “Este contrato nos facilitará mucho las cosas”, agrega Adler. “Hay territorios como Sudamérica, donde el metal se vive a pulso, que nunca hemos visitado y debemos trabajar arduamente para alcanzar esos mercados. Nos han llegado muchos e-mails y posteos de lugares recónditos y esperamos este año concretar algunas paradas por esos rincones. Lo de Metallica nos tiene muy contentos; ya estuvimos con ellos, meses atrás, y la humildad de sus integrantes es increíble. Jamás pensé que nos recibirían de esa forma, conociendo todos esos rumores acerca de las grandes estrellas... ellos son una gran excepción a la regla”.

RVFMPTmSNBOUFTEFi8SBUIwUVWJFSPORVF lidiar en sus comienzos. “Cuando partimos no la tuvimos fácil. Grupos como Limp Bizkit vendían millones de copias y nosotros por logística, estábamos obsoletos. Ahora, la cosa es distinta, las bandas luchan por ser más extremas y los sonidos clásicos del metal rigen, tal como cuando me crié, cuando Megadeth y Testament lideraban todo junto a un puñado de headbangers que estaban en la cresta de la ola... fueron hermosos tiempos que parecen haber vuelto de nuevo”, relata Adler. El periplo promocional de “Sacrament” fue de más de tres años y los planes de “Wrath” no son menores. Lamb of God es una banda cimentada en sus conciertos (sus 3 DVD PmDJBMFTMPBUFTUJHVBO ZMBHJSBQBSBFTUF nuevo episodio augura un mínimo de dos años de duración. Una convivencia que ya BDVNVMBRVJODFB×PTEFBMUPTZCBKPT NBSDB no menor considerando el estado disfuncional que acompaña a la mayoría de agrupaciones nóveles. “Somos como una familia. Hemos discutido FOJOOVNFSBCMFTPQPSUVOJEBEFT QFSPBMmOBM del túnel nunca olvidamos que somos amigos después de todo. Con respecto a nuestros seres queridos, ya sean esposas, novias, hijos o padres, siempre es complicado estar la mayoría del año fuera de casa, pero incluso cuando pisamos fondo, nos ayudamos mucho. Al ver la crisis económica global imperante, apreciamos la suerte que tenemos por vivir de esto, la música que amamos y mostrarla a todo el mundo”, comenta Adler.

En Lamb of God son conscientes de que la realidad imperante en Estados Unidos, donde son un número de cabecera en la mayoría de los espacios para bandas de metal -inclusive las más mainstream-, se distancia bastante de la de fuera de Norteamérica. Aunque han recorrido gran parte del planeta, el éxito en territorios cruciales, como Europa, aún es Rockaxis

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La etiqueta puritana de carnicería metalera y acrobacia técnica de Lamb of God cae como anillo al dedo a los tiempos revisionistas que B[PUBOBMNFUBMFOFTUBEÏDBEB-FKPTEFM tornado nu-metal, en la alineación de Lamb of God tienen claro que lo suyo no fue regalado y que el saludable momento que el estilo vive en MBBDUVBMJEBE EJmFSFCBTUBOUFDPOMBTQFOVSJBT

Así es el universo de Lamb of God, un combo de metaleros chapados a la antigua, FEVDBEPTQPSMBWJFKBFTDVFMBZRVFIBDFO oídos sordos tanto a la preponderancia digital, DPOFEJDJPOFTEFMVKPQBSBTVTFMFQÏT DPNP BMBTVQFSmDJBMJEBEEFVODPOTJEFSBCMF segmento de los grupos de rock de corriente contemporánea. Han obtenido comodidades, QFSPKBNÈTIBOTJEPHMBNPSPTPTOJTFIBO metido en la deleznable farándula del FTQFDUÈDVMP6OFKFNQMPEJHOPEFMÓEFSFT generacionales.

Francisco Reinoso Baltar

o g e u f l e r e n A mante

“D

ark Horse” es el nombre de la nueva placa de estudio de Nickelback, un álbum donde intentaron imprimir un refresco a su gastada fórmula con el trabajo del productor Mutt Lange. Al menos las cifras, como ya es costumbre, los han acompañado y el disco se encaramó en los primeros lugares de las listas gringas… suficiente para conservar la flama viva de este cuarteto oriundo de Vancouver, Canadá. Rockaxis

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Hablar de Nickelback es de inmediato recordar ‘How you remind me’, aquel tema que sonó hasta el cansancio en todo el mundo en 2001 ZRVFTJHOJmDØMBFYQMPTJØOEFmOJUJWBEFMB CBOEBDBOBEJFOTF1PSFTPTEÓBT FMHSVQPEF Chad Kroeger consolidaba un camino recorrido y, entre otros logros, se metía de lleno en el QSJNFSMVHBSEFMBTMJTUBT#JMMCPBSE: QPS TVQVFTUP $IJMFUBNCJÏOTFSFOEÓBBOUFFM FODBOUPEFSJGGTSBEJBCMFTEFMBBHSVQBDJØO

en una habitación junto a él y ver la forma en que trabaja, fue una gran experiencia de aprendizaje” DPNQMFUBCB,SPFHFS 1FSP {DØNPNBOFKBSPOMBNFUPEPMPHÓBEF USBCBKPUFOJFOEPFODVFOUBRVFTJFNQSFTF IBIBCMBEPEFMDPOUSPMRVFFKFSDF$IBE ²M NJTNPSFTQPOEF“Creo que Mutt vino en una TJUVBDJØOFOMBRVFTBCÓBRVFMPTBmDJPOBEPT de Nickelback estaban contentos con todo lo que habíamos entregadoDPNQMFUBCB$IBE Él no quiso cambiar la banda, sino que ponerla FOVOBQFSTQFDUJWBFJOnVFODJBMJHFSBNFOUF EJTUJOUB%FmOJUJWBNFOUFUPEBWÓBTVFOBDPNP Nickelback, pero vas a escuchar un par de sabores diferentes. Cualquiera que se haya familiarizado con nosotros será capaz de decir: ‘Bueno, esto es, sin duda, Nickelback, y esto FTEFmOJUJWBNFOUF.VUUw.

EFDPQJBTWFOEJEBT VOBGØSNVMBFYQMPUBEB hasta el cansancio y un acuerdo millonario DPO-JWF/BUJPO /JDLFMCBDLTFTJFOUFNÈT TFHVSPRVFOVODBEFJSQPSMBTFOEBDPSSFDUB "QFTBSEFMBTEJTQBSFTFWBMVBDJPOFTRVFIB UFOJEPi%BSL)PSTFw"QFTBSEFTFSDSJUJDBEPT .ÈTBMMÈEFUPEPFTP MBCBOEBTJHVFEBOEP QBTPTBEFMBOUFZFMTVDFTPEFFTUBQMBDBBTÓMP DPOmSNB

:BDPOFMÏYJUPFONFOUF /JDLFMCBDLQMBOJmDØ TVHJSBQBSBUSFTNFTFTEFTQVÏTEFMBFEJDJØO EFMEJTDP$MBSP FMUPVSSFDJÏODPNFO[ØFO GFCSFSPQBTBEPZMPTMMFWBSÈBSFDPSSFS&TUBEPT 6OJEPTZ$BOBEÈIBTUBmOFTEFBCSJM1PSPUSP MBEP BMBGFDIB ZBIFNPTQPEJEPFTDVDIBS EJGFSFOUFTNVFTUSBTEFMÈMCVN A(PUUB#F 4PNFCPEZRVFGVFEFTDBSHBEPNÈTEF NFEJPNJMMØOEFWFDFTBOUFTEFMBFEJDJØOEFM EJTDPA4PNFUIJOHJO:PVS.PVUIEJTQPOJCMFB :FMSFTVMUBEPGVFi%BSL)PSTFw VOBQMBDBRVF USBWÏTEFJ5VOFTZA*E$PNFGPS:PV$POUSFT DBODJPOFTFOMBTDBMMFTQPSEJWFSTPTNFEJPT  MPTEFKØQMFOBNFOUFDPOGPSNFTZRVF TFHÞO :DPOi%BSL)PSTFw QMBDBFEJUBEBFO {QPSRVÏSFDJÏOTBMFOEFHJSB MBWP[EF/JDLFMCBDL NBOUJFOFFMGVFHPEFM OPWJFNCSFEFMB×PQBTBEPOPIBTJEPMB FYDFQDJØO{6OBNVFTUSB %FJONFEJBUPFTDBMØ HSVQP“Nosotros nunca nos vamos a sentir “Nos hemos visto afectados muchas veces por como que hemos hecho todo por probarnos a QPTJDJPOFTFOMPTSBOLJOHTOPSUFBNFSJDBOPT nosotros mismos y a la gente que nos escucha. salir demasiado pronto de tour. Yo siempre ZMB#JMMCPBSEMPEFTUBDØDPNPVOPEFMPT soy de la idea de asegurarse de que haya, Cuando caes en la autocomplacencia, se NFKPSFTMBO[BNJFOUPTEFMB×P/BEBEFNBM al menos, una canción de la banda en la SFnFKBFOMBNÞTJDB%FNBTJBEBTWFDFTIF QBSBMPTDBOBEJFOTFTRVF EJTDPBEJTDPZ radio, para dar una selección más amplia de escuchado registros de bandas que creen: QFTFBMBTDSÓUJDBTBTVNÞTJDBDBEBWF[NÈT ‘Bueno, lo haremos la mitad de bien de lo que música para que la gente escuche”, dijo Chad amigable, se siguen manteniendo en la cresta hicimos en nuestro último disco. Por lo menos ,SPFHFS"TÓ DPOWBSJBTDBODJPOFTNPWJÏOEPTF de la ola. QPSMBSFE ZBFSBFMNPNFOUPEFTBMJSEFHJSB QPEFNPTDPOUBSDPOFTP3FBMNFOUFUJFOFT “Creo que vamos a intentar algunas cosas que, que mantener el hambre inicial que hicieron -BQMBDBGVFFEJUBEBFOOPWJFNCSFEF  créanlo o no, nadie ha hecho antes en vivo”, tus primeras mejores canciones. Tienes que QFSPFMDPOKVOUPWFOÓBUSBCBKBOEPFOFMMB comentaría Chad. conservar el fuego en el vientre”. EFTEFQSJODJQJPTEFB×P“Me interesa que cada uno de nuestros sencillos sea increíble. :TFHÞO,SPFHFS FTUFi%BSL)PSTFwNBOUJFOF 4JWBOBTPSQSFOEFSDPODPTBTOVODBBOUFT Eso es lo que quiero escuchar y es lo que WJTUBT MBWFSEBEFTRVFFTUÈQPSWFSTF QPSRVF  MBnBNBEFMHSVQP NÈTBMMÈEFMBTQSFTJPOFT tenemos que tratar de dar a nuestros fans”, al menos musicalmente, Nickelback sigue RVFUFOÓBFMHSVQPQPSSFFEJUBSFMÏYJUPEF decía Chad Kroeger en los albores de su una senda establecida y una fórmula que i"MMUIF3JHIU3FBTPOTwy“para ese disco USBCBKPQBSBFTUFEJTDP:FTRVFDMBSP FM NBOFKBOBMBQFSGFDDJØO1FSPNJFOUSBTTJHBO teníamos una montaña detrás de nosotros, DBNJOPOPTFWFÓBOBEBGÈDJMQBSBFMHSVQP  BMDBO[BOEPMPTUPQEFMBTMJTUBT{QPSRVÏ había expectativas… no queremos dormirnos QVFTi"MM5IF3JHIU3FBTPOTw TVEJTDP DBNCJBS BOUFSJPS WFOEJØNÈTEFNJMMPOFTEFDPQJBT en los laureles; no queremos sólo sentarnos Rodrigo Carvajal U. y decir: ‘Ok, ahora podemos poner lo que ZFOUSFTVTSFDPSETJODMVZFVOBQFSNBOFODJB RVFSBNPT1FSPFT EFNÈTEFTFNBOBTFOMPTQSJNFSPT importante sentir esa MVHBSFTEFM#JMMCPBSE presión con cada uno de los álbumes que registras, :QBSBFTFEFTBGÓPFSBJNQSFTDJOEJCMFMB de lo contrario es como mHVSBEF.VUU-BOHFFOMBQSPEVDDJØO“Ese si no estuvieras en ti y tipo es mi héroe”, decía Chad Kroeger. “El trabajo con él fue genial. Siempre dijimos que el nivel de las canciones deben estar ahí”. la única manera de dejar que otra persona manejara el buque, era que fuera Mutt Lange, así que cuando expresó su interés en el disco, $POFTBDPOmBO[B MB FYQFSJFODJBEFMBTNJMMPOFT era un sueño hecho realidad. Poder entrar )PZ DVBUSPEJTDPTEFTQVÏTEFBRVFMi4JMWFS 4JEF6Qw /JDLFMCBDLTJHVFTJFOEPHSJUPZ QMBUBZMBTNÈTEFNJMMPOFTEFDPQJBT WFOEJEBTFOUPEPFMNVOEPBTÓMPDPOmSNBO "VORVFQPSFTUPTMBEPTIBEFDBÓEPCBTUBOUFFM JOUFSÏTQPSFMDVBSUFUPDBOBEJFOTF MPTNFEJPT FTQFDJBMJ[BEPTEFMIFNJTGFSJPOPSUFZTPCSF UPEPMPTHSJOHPT TFIBONBOUFOJEPmFMFTB DBEBVOPEFMPTMBO[BNJFOUPTEFMHSVQP

Rockaxis

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Mi vida como Prisionero Claudio Narea Editorial Norma

audio Narea fue la noticia de este verano 2009 con la publicación de “Mi Vida como Prisionero”, su muy anticipado libro, primero porque es el primer intento real de una autobiografía por parte de un ex Prisionero y segundo porque esta ópera prima se coló en los rankings de best sellers del mes de febrero. Eso es inédito en Chile, un libro RVFIBCMBEFMBIJTUPSJBEFVONÞTJDPFOFMHÏOFSPOPmDDJØODPMBEP con las obras de la vampiresca Stephanie Meyer y de la belleza del pensar de Cristian Warnken, impensable.

Cl

¿Cuál es el secreto? Simple, la historia del guitarra de los Prisioneros UJFOFMPRVFTFOFDFTJUB TVmDJFOUFDBSOFmMFUFBEBFODBQÓUVMPTRVF se suceden veloces en la tarea que Claudio Narea se propuso: un verdadero guión de teleserie se escribe al contar su versión de los hechos al respecto de su militancia inicial y luego su retiro y más tarde su integración y posterior despido de la banda de rock más popular de Chile en las últimas décadas. Y en segunda lectura, Narea se concentra en develar la personalidad de su ex amigo, un patológico Jorge González. Ciertamente un González que no queda muy bien parado. Hay que consignar aquí que la motivación para este “Mi Vida como Prisionero” llegó por la publicación anterior a través de Ril Editores de Rockaxis

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un libro llamado “Maldito Sudaca”, una compilación de entrevistas de un periodista autorizado por González en la que Claudio Narea queda DPNPVOnPKPTJOWFSHàFO[BOJNPSBM &MFY1SJTJPOFSPDPNPJOTJTUFFOTFSMMBNBEPEFDJEFEFKBSBUSÈTVOB historia bien tortuosa de 25 años de relación con su entorno de músico SPDL1BSBTFSmFMBMPTIFDIPTEFRVJFODVFOUBVOBIJTUPSJB /BSFBEJDF hablar con la más pura verdad para que ya no existan misterios, aunque en rigor algunos cabos sueltos quedan en torno a la supuesta obsesión enfermiza de Jorge González para con Narea, pero también con las dos NVKFSFTEFÏTUF-BWFSEBEFTCJFOSFMBUJWB BVORVFQPEBNPTEFDJSRVF este libro es como la vida misma; es cierto que está muy bien escrito nVZFOEPBQBTJPOBOUFQPSRVFTFTVQPOFRVFDVFOUBMBTDPTBTUBMZDPNP QBTBSPOZTFDPOWJFSUFFOVOFKFSDJDJPEFSFDPMFDDJØOEFFWFOUPT1FSP BMmOBMOPTBCFTTJBDFQUBSUPEBMBWFSTJØO/BSFB ZBRVFEFTFHVSPIBZ unos matices de grises en lo de la verdad de acuerdo a las versiones de los otros involucrados aquí, el manager Carlos Fonseca, Miguel Tapia ZFMNJTNP+PSHF RVJFOFMNFTQBTBEPEFDMBSØFOTV'PUPMPHPmDJBM RVFFMMJCSPNPTUSBCBMPBNBSHBEPRVFFTUBCBTVFYNFKPSBNJHPZRVF también contenía “cualquier grupo” -o sea mentiras-. Cuando más brilla este libro de 300 páginas es cuando Narea revela

la historia a ratos dulce, pero a otros muy amarga, de los primeros años de Los Prisioneros, esos que van desde el 84 al 89. Incluso hay un recuerdo diáfano de San Miguel, del liceo, la adolescencia, las primeras chicas y las encarnaciones previas a ser Prisioneros que está muy bien logrado y ciertamente alcanza excelencia en el HÏOFSPBVUPCJPHSÈmDPPEFNFNPSJBTMMBNB harto la atención que Claudio Narea no haya contado con nadie que lo ayudase en corregir PFEJUBS1FSP MVFHP MBNFOUBCMFNFOUF se tiende mucho a realzar la fuerte y cambiante personalidad de González, los engaños amorosos, sobre todo líos de platas y la constante obsesión del vocalista que termina con unos turbios capítulos de correos electrónicos donde la historia se desarma en desmedro del resto del libro, porque llega a ser irrelevante todo aquello y llegamos al terreno de las especulaciones. En todo lo demás, no obstante, Narea escribe con limpieza, las palabras justas, los adjetivos precisos y sobre todo la división de capítulos apropiada para hacer de la lectura algo aún más amable. Me recordó en cierta manera al libro de Ángel Parra acerca de su madre, que en el fondo es una autobiografía, llamada “Violeta que estás en los Cielos”. Para muchos de ustedes, leer este libro resultará apasionante porque no tienes que ser fan del grupo para disfrutarlo. Todos los capítulos acerca de Los Prisioneros son una historia fantástica, pero Narea aclara que no lo vive así, sino más bien como una pesadilla y escribir esta novela le sirvió de terapia para sacarse de encima todos esos recuerdos y así liberarse de una vez por todas de Los Prisioneros. Y de seguro mientras escribía los NPNFOUPTEFUSBJDJØOZEFSBCJBBTmYJBOUF FM IPNCSF DPNPBmSNBFOWBSJPTQBTBKFT UJFOF que haber llorado mucho. Claudio Narea declaró en La Feria Del Libro FO7JUBDVSBEPOEFFTUFMJCSPGVFMBO[BEPRVF TBCÓBRVFmOBMNFOUFJCBBUFOFSRVFDPOUBSMP todo. Como que hubiera sido el mismo Jorge González quien lo guiara en esto mandándole mensajes en clave a través de canciones, especialmente aquella que dice: “Trata de escribir/ la historia que está dentro de ti”. Bueno, lo hizo. Alfredo Lewin

Pinochet Boys Varios Autores Midia

ólo querían destruir el pop y en su escueta existencia, creyeron conseguirlo. En plena ebullición global del legado punk del Reino Unido y los escarceos del boom new wave, cuatro chicos en pleno azote dictatorial en Chile, haciendo oídos sordos a la represión imperante contra cualquier manifestación artística y sumidos en un entorno donde la precariedad era un estilo de vida, gestan, inconscientemente, uno de los referentes más sobresalientes que el rock subterráneo criollo haya sido testigo.

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testimonial, en conjunto con periodistas, colegas y amigos de la época, “Pinochet Boys” es una ventana invaluable para recuperar la memoria perdida de una generación cohibida y ocultada. Su recorrido fue breve, pero su herencia tremenda. La muestra expone y narra de primera fuente, 3 años de persecuciones, exilio (primero en Buenos Aires, luego Sao Paulo), logros, decepciones, estética y música trasgresora. Un documento de excepción, donde las imágenes, en varios instantes, logran decir más que las palabras... gran aporte y una guía de tremenda valía para contextualizar dentro del ala del arte, uno de los momentos más duros de nuestra historia.

"VOBOEPVOMMBNBUJWPEPTTJFSGPUPHSÈmDPZ

Francisco Reinoso Baltar

WALK HARD: THE DEWEY COX STORY Director: Jake Kasdan. Protagonista: John C. Reilly. Duración: 96 minutos. ese a ser una película muy fácil de digerir, no hay una sola mirada en torno a “Camina Duro”. Todo radica en el ánimo con el que te dispongas a ver la película y a tu humor. Así es que si eres de esas personas “graves”, mejor abstente. “Walking Hard” es la historia de un cantante de rock and roll que vive y pasa por todas MBTDJSDVOTUBODJBTRVFEFmOFOBVOSPDLTUBS (drogas, sexo, matrimonios múltiples y miles de mujeres) y que también experimenta momentos de caída y gloria y de admiración universal.

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La historia es simple, pero va aderezada con las vidas de otras estrellas, la más evidente, Johnny Cash, cuyo biopic, “Walk the Line” es la máxima inspiración de esta cinta. A eso también se suman momentos extraídos del anecdotario de otra biopic, “Ray”, así como de la vida de Stevie Wonder, Brian Wilson y Jim Morrison, entre otros, lo que a la larga, en las escenas mejor logradas, sueltan una buena risotada. Sin embargo, a medida que el relato avanza,

ZMBTSFGFSFODJBTBPUSPTNÞTJDPTBVNFOUBO DPNPFMSJEÓDVMPQFSÓPEP#PC%ZMBOMBHSBDJB con que se fue cimentando el argumento pronto se desvanece, y no sabes si esto es un frustrado homenaje o una parodia descarnada. Las vivencias se transforman en DMJDIÏT ZFMQSPHSFTPEFMNÞTJDPTJHOJmDB sólo hacer cualquier cosa que esté de moda. Por otra parte, si eres fan de los cameos y no quieres perderte a verdaderos músicos, el destacado David “Honeyboy” Edwards (quizás el último bluesman que haya conocido a Robert Johnson) aparece dándole una lección al pequeño Dewey sobre lo que es el verdadero blues. Entre tanto, el hombre de The White Stripes y The Raconteurs, Jack White, encarna a un bizarro Elvis karateca, Z mOBMNFOUF &EEJF7FEEFS DPMPDBB%FXFZ Cox casi al mismo nivel de Neil Young en un homenaje al cambiante y liviano protagonista. Light como una ensalada de lechuga, disponible en tu video club favorito.

María de los Ángeles Cerda Rockaxis

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AGUA DE ANNIQUE Teatro Caupolicán 12 de marzo - 21:00 horas Entradas: $17.000 (general); $30.000 (palco numerado). (Más recargo sistema Ticketmaster). CICLO CAPEL SILVERJACK - FUKA - BYRON Club Rock & Guitarras 19 de marzo - 22:00 horas Entradas: $2.000 c/cover. IRON MAIDEN Club Hípico de Santiago 22 de marzo - 20:00 horas Entradas: $20.000 (preventa general). (Más recargo sistema Ticketmaster). PEPSI FEST PETER GABRIEL Movistar Arena 24 de marzo - 21:00 horas Entradas: $28.000 (platea alta); $44.800 (platea baja); $89.600 (silver); $134.400 (golden); $145.600 (vip); $162.400 (platinum); $184.800 (diamante). (Sistema Puntoticket). RADIOHEAD Estadio San Carlos de Apoquindo 26 y 27 de marzo - 19:00 horas Entradas: Entre $27.500 y $77.000. (Sistema Puntoticket). PEPSI FEST RICK ASTLEY - A-HA - BLONDIE Movistar Arena 28 de marzo - 21:00 horas Entradas: $28.000 (platea alta); $31.300 (cancha general); $39.200 (platea baja central); $44.800 (platea baja lateral); $89.600 (cancha vip). (Sistema Puntoticket). PEPSI FEST SONIC YOUTH Movistar Arena 29 de marzo - 21:00 horas Entradas: $22.400 (platea alta); $24.600 (cancha general); $35.800 (platea baja);

Rockaxis

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$44.800 (platea baja lateral); $56.000 (cancha vip). (Sistema Puntoticket). OPETH Teatro Caupolicán 04 de abril - 21:00 horas Entradas: $20.000 (cancha y platea general); $30.000 (palcos). (Más recargo sistema Ticketmaster). THE CUREHEADS Teatro Caupolicán 25 de abril GORGOROTH - HATE ETERNAL Estadio Víctor Jara 25 de abril - 16:00 horas Entradas: $26.400 (general). (Sistema Feriaticket). TEN YEARS AFTER Backstage 29 de abril - 22:00 horas Entradas: $50.000 (hasta la entrada 200). (Más recargo sistema Ticketmaster). HEAVEN & HELL Movistar Arena 08 de mayo - 21:00 horas Entradas: $20.000 (general); $30.000 (cancha vip de pie). (Más recargo sistema Ticketmaster). DRAGONFORCE Teatro Caupolicán 16 de mayo - 20:00 horas Entradas: $15.000 (general). (Más recargo sistema Ticketmaster). l vocalista de Attaque 77, Ciro Pertusi, abandonó la banda por problemas con TVTDPNQB×FSPT&MDPOnJDUPIBCSÓB surgido tras la petición de Pertusi de un año sabático para descansar con la familia, tras lo cual el guitarrista Mariano Martínez le habría respondido de forma negativa, lo que desencadenó la salida del cantante y guitarrista del grupo punk.

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Su lugar sería ocupado por Adrián Chino

Vera en la segunda guitarra y por el mismo Martínez en la voz. Además, se rumorea que los miembros restantes del conjunto ya se encuentran grabando un nuevo disco en la ciudad de Córdoba, Argentina. l icónico bajista y vocalista de Kiss, Gene Simmons, ofreció una entrevista al periódico argentino Página 12, donde conversó sobre el proceso de creación del nuevo disco de Kiss.

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Según Simmons, “vamos a hacer un disco nuevo producido por Paul (Stanley), porque yo no tengo la paciencia para meterme en un estudio y quedarme a vivir ahí durante seis meses. ¿Quién mejor que Paul para eso? La idea es hacer el disco rápido, como en la época de “Destroyer”, “Rock And Roll Over” y “Love Gun”. Pero para eso tenemos que estar preparados, así que ahora estamos trabajando en las canciones cuando tenemos tiempo. Quizás en marzo nos metamos en un estudio y grabemos dos o tres temas. La idea es trabajar así, de a poco, porque no podemos estar mucho tiempo en el estudio, tiene que ser rápido”. l guitarrista de Alice in Chains, Jerry Cantrell, recientemente habló sobre la decisión de reunir a la banda tras la muerte de Layne Staley en 2002.

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“Es algo difícil de hacer -comentó Cantrell-, queríamos honrar a Layne y la música que hicimos juntos. La pérdida es una experiencia común que le pasa a todos -todos mueren en algún momento- pero tenemos que vivir y seguir adelante. Sean (Kinney) quería hacer algo sobre las víctimas del tsunami SFmSJÏOEPTFBMDPODJFSUPEFCFOFmDJPFO Seattle que se realizó en el 2005, que marcó el primer show de reunión de Alice in Chains). Fue una experiencia muy intensa, pero quizás era algo que necesitábamos hacer”.

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