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ESCUELA NACIONAL SUPERIOR DE FOLKLORE JOSÉ MARÍA ARGUEDAS Programa Académico de Artista Profesional - Mención Música

Monografía PRODUCCIÓN MUSICAL Presentada por: MELCHOR ANTEZANA, Randù Jonatan para el curso: MÉTODO DEL TRABAJO UNIVERSITARIO Profesor: REYES ROMERO, Liz Roxana

Lima, FEBRERO de 2014

Jhonatan Melchor Antezana

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DEDICATORIA: Este trabajo va dedicado a todos mis seres queridos, padre, familiares y amigos, testigos de mi labor como músico.

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“Pienso que una vida dedicada a la música es una vida bellamente empleada, y es a eso a lo que he dedicado la mía.”

Luciano Pavarotti

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ÍNDICE Pág. INTRODUCCION CAPÍTULO I: PLANTEAMIENTO DE LA INVESTIGACIÓN 1.1. Fundamentación de la investigación 1.2. Objetivos de la investigación Objetivo general Objetivos específicos

7 9 9 10 10 10

CAPÍTULO II: MARCO TEÓRICO 2.1 Historia de la producción 2.1.1 Primeros productores 2.1.2 Nueva tecnología 2.1.2.1 CD´S 2.1.2.2 DVD´S 2.1.3 Los mejores productores 2.2. Producción musical 2.2.1. Concepto 2.2.2. La Producción musical como carrera 2.3 Fases de la producción musical 2.3.1 Composición 2.3.1.1 Selección de temas 2.3.2 Arreglos 2.3.3 Preproducción 2.3.4 Programación de instrumentos virtuales 2.3.5 Grabación 2.3.5.1 Grabación acústica y electrónica 2.3.5.2 Voces y coros 2.3.6 Post-producción de sonidos 2.4. Productor musical 2.4.1. Concepto 2.4.2. Conocimientos requeridos 2.4.2.1. Musicales A) Armonía B) Arreglos 2.4.2.2. Programación MIDI 2.4.2.3. Técnicos A) Acústica B) Microfonía C) Preamplificadores D) Digitalizadores E) Mezcla F) Masterización

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2.6

2.4.2.4. Psicología aplicada 2.4.2.5. Dotes de dirección y planificación 2.4.2.6. Contables Productor ejecutivo 2.5.1 Concepto 2.5.2 Deberes 2.5.2.1 Equipo humano 2.5.2.2 Financiación 2.5.2.3 Plan de trabajo 2.5.2.4 Presupuesto 2.5.2.5 Propuesta de ideas 2.5.2.6 Marketing Productor Discográfico

30 30 30 30 30 30 30 30 31 31 31 31 31

CAPÍTULO III: PROPUESTA DE LA INVESTIGACIÓN 3.1 Situación de la Investigación 3.1.1 Situación actual del tema investigado 3.2 Consideraciones de la propuesta 3.2.1 Globalización y el tema investigado 3.2.2 Ciencia y tecnología y el tema investigado

36 36 36 36 36 37

CONCLUSIONES

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BIBLIOGRAFÍA

38

LINKOGRAFÍA

39

ANEXO 1

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ANEXO 2

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INTRODUCCIÓN

L

a producción musical desempeña varios papeles como por ejemplo: Controlar las sesiones de grabación, instruir, guiar a los intérpretes, reunir ideas del proyecto, dirigir la creatividad y supervisar la grabación.

El propósito del siguiente trabajo es investigar a fondo todo lo relacionado con la producción ya que es un campo poco realizado en el país debido a la falta de estrategias de mercado por lo que proponemos innovar y romper los esquemas para fijar el éxito. Por ello detallaremos historia de la producción musical, producción musical, fases de la producción musical, productor musical, productor ejecutivo y productoras. En la primera mitad del siglo XX, el rol del productor musical era comparable al de un productor cinematográfico debido a que este organizaba y supervisaba las sesiones de grabación, pagaba a los técnicos, músicos y arreglistas pero en la segunda mitad del siglo XX los productores han tomado un mayor papel empresarial. La Producción musical es el proceso que se lleva a cabo después de grabar una canción para mejorarla, es decir es el conjunto de todos los elementos y procesos que determinaran la forma final de una pieza musical en el ámbito de la industria discográfica. El proceso de producción musical empieza en el momento en el que el productor recibe un demo de la obra musical, ya sea en formato de audio o en partitura. En ese momento comienza la fase de preproducción, para esto contaremos con las fases de: La composición, preproducción, arreglos, programación de instrumentos virtuales, programación de instrumentos acústicos y eléctricos, mezcla y Masterización. Durante la preproducción el productor debe estar en contacto directo con los músicos implicados, ya que esta fase tiene casi totalmente un carácter artístico.

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El Productor musical es uno de los más importantes en el panorama de la industria musical de los últimos 50 años; también es el responsable último de que el proyecto que se le ha encargado se haga realidad. Además el productor debe planificar todo el proceso de producción y lo que se va a tener que invertir para realizar la producción. Para ello deberá definir los calendarios, los costes de transporte, los costes de hospedaje, el material que se necesita alquilar y los sueldos que va a tener que pagar; el productor debe tener todo listo para entrar a grabar en el estudio o estudios elegidos. El Productor ejecutivo viene a ser algo un poco más sencillo dentro de la producción musical ya que este será el responsable del financiamiento del proyecto es decir se encargará de gestionar la publicidad, el patrocinio y otros aspectos publicitarios. Básicamente se trata de hacer toda la dirección de un proyecto a nivel de su ejecución, como su mismo nombre indica. Las Productoras nacionales entre ellas Rosita Producciones, el género que más difunde es el género tropical, cumbia y salsa; Dolly Jr. Producciones siendo su género la música andina, Peruana y Latinoamericana en discos y cassettes originales. William Luna, Grupo Yawar, Chopkjas, Grupo América, Trío Ayacucho, Trío Voces de Huamanga, Edwin Montoya, Trudy Palomino, Miguel Mansilla Guevara y muchos más. Siendo estas disqueras de mayor crecimiento las que apoyan indiscutiblemente el talento nacional.

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CAPÍTULO I PLANTEAMIENTO DE LA INVESTIGACIÓN 1.1

FUNDAMENTACIÓN DE LA INVESTIGACIÓN La Producción Musical es a grandes rasgos es el proceso que se lleva a

cabo después de gravar una canción para ¨mejorarla¨ normalmente, es decir. Es el conjunto de todos los elementos y procesos que determinan la forma final de una pieza musical en el ámbito de la industria discográfica. En la industria musical contamos con dos tipos de productores: El Productor Musical y El Productor Ejecutivo. En nuestro país encontramos una producción musical un poco ¨traída de los pelos¨ esto quiere decir que pocas son las productoras que realizan un buen trabajo. Nos formularemos una pregunta para poder tratar y resolver nuestro tema ¿Cómo se producirá música en el año 2020 y que haremos en función a esto? Pero primeramente buscaremos las causas que originan el bajo nivel de productoras en nuestro país.

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La tecnología obsoleta y la falta de profesionales nos lleva a la baja calidad de producción también encontramos el poco profesionalismo con que se produce, esto nos lleva a tener pocas productoras nacionales serias, luego tenemos un problema ya conocido el consumismo de exportación y consigo la hegemonía de las productoras internacionales por la cual muchos artistas prefieren esta opción y dejan de lado el surgimiento y apoyo a las productoras nacionales y dan preferencia a las productoras internacionales. Luego tenemos la falta de centros de formación profesional respecto a la producción musical ya que esto nos llevará a la poca creatividad y a la falta de estrategias de marketing y por último, tenemos a la piratería este problema que corrompe casi todo lo que toca y esto se debe a la informalidad y a la falta de control en la industria discográfica. La proyección de este trabajo es lograr el éxito a largo plazo para esto nos dedicaremos al estudio y al trabajo buscando innovar el mercado rompiendo los esquemas. 1.2

OBJETIVOS OBJETIVO GENERAL El objetivo general es dar a conocer

el tema propuesto a los demás

lectores, desde distintas perspectivas, que conozcan la manera en la que éste se ha ido desarrollando durante estos últimos años y que conozcan la importancia que tiene para nosotros lograr que funcione la propuesta mencionada. OBJETIVOS ESPECÍFICOS 1. Investigar y recoger la mayor información posible sobre el tema propuesto de varias fuentes de información que sean fidedignas. 2. Ordenar la información adquirida y sistematizar. 3. Tener y crear una visión distinta hacia el año 2020.

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CAPÍTULO II MARCO TEÓRICO 2.1

HISTORIA DE LA PRODUCCIÓN MUSICAL Desde las épocas pasadas, la música ha sido vista como parte de la

comunicación humana que a su vez sirvió como apoyo para otras formas de comunicación como: teatro, danza, ceremonias religiosas, etc. El grito, para muchos historiadores, fue la primera forma de publicidad mediante el cual el hombre primitivo reunía a los miembros disgregados de su comunidad y anunciaba lo que deseaba: una buena cosecha, una lluvia abundante, fortuna en la caza y en la guerra o ahuyentar a los espíritus malignos. El sistema musical más primitivo fue aparentemente estructurado tres mil años antes de Jesucristo en China. Este sistema constaba en la combinación de los armónicos naturales y de la longitud de las cuerdas correspondientes, logró fijar Jhonatan Melchor Antezana

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en base a mediciones acústicas, los intervalos más sencillos de octavas y quintas fundándose así la escala de cinco notas (pentatónica) por Ling – Luen, como llama la fábula al fundador del sistema, que consistió en una serie de tres tonos y dos terceras menores. En esta escala se basa aun hoy, gran parte de la música china, del canto popular de Escocia y de otros países. En la india la práctica musical también es antigua; se remonta por lo menos a tres milenios antes de Jesucristo. Según la fábula, el propio Brahma (Dios) confirió a los hindúes la Viña, un instrumento de cuerdas parecido al laúd, cuyo uso se ha conservado hasta los tiempos actuales. ¨Los primitivos habitantes de Mesopotamia conocieron, hacia finales de la edad de piedra, arpas de siete y más cuerdas, a ellos se atribuye la estrecha relación existente entre la teoría de los números astronómico-astrológica y la musical¨. Cit. (Pedro Reátegui, pp-14) Todas estas culturas se fundieron en Egipto, donde la música se hallaba al servicio del culto a los muertos y los dioses. Predomino la utilización de arpas y flautas traversas. Después de la conquista de Siria por los faraones de las dinastías XVII y XIX, aparecieron los laúdes, oboes y tambores. Es importante señalar que los máximos nombres en la historia de la música de la antigüedad pertenecen a escritores de Alejandría o de Egipto: Cesibio de Alejandría (246-221 A.C) supuesto inventor del ¨hydraulis¨; Claudio Tolomeo de Canopo (127-51 A.C) gran matemático y teórico musical, autor de la famosa Harmónica; Ero de Alejandría, Ateneo de Neucratis, etc. Esto nos indica la gran importancia del arte musical egipcio y su influencia sobre los griegos, quienes a su vez cimentaron todo nuestro sistema musical. La música griega fue ante todo una conjunción entre verso y canto hasta unírsele la danza a fines del siglo V A.C. ¨La escuela musical de Platón y Aristóteles subdividió los efectos sonoros de la música en siete modos (en relación con el timbre instrumental), que fueron diferenciados, ya cada uno de ellos desencadenaba efectos emocionales y socioculturales distintos¨. Op.cit (Pedro Reátegui, pp-16). Los griegos no solamente elaboraron su sistema musical en el terreno de la estética y de la ética, sino que también le dieron el necesario fundamento físicoJhonatan Melchor Antezana

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matemático. Pitágoras, el gran maestro del siglo VI A.C., uno de los grandes clásicos de la acústica musical, definió los intervalos decisivos del sistema musical griego. La escala pitagórica aparece, pues, como base para la elaboración orgánica de la escala de cinco sonidos hacia la de siete. ¨En Roma heredaron la música, como tantas otras artes de Grecia, pero la utilizaron en campañas militares, como instrumentos persuasivos para atemorizar a sus enemigos en las guerras y reforzar la admiración de los ciudadanos hacia el Imperio¨. Ibídem (Pedro Reátegui, pp-16). El canto greco-romano sirvió de base para la liturgia cristiana que fue incorporando la música al culto divino en tres focos principales: Roma, Milán, Constantinopla. Esta música exclusivamente vocal y monofónica 1 en forma de Salmo y de Cántico fue transformada por San Ambrosio (340–397 D.C.), en forma de himnos: melodías más libres y más ricas en movimiento y expresión. San Gregorio, ¨El Magno¨ (540-604 D.C.), logro la homogeneidad en todas las liturgias cristianas. Fundó la Schola Cantorum, encargada de velar por la pureza de las melodías del repertorio, desechando la excesiva ornamentación de la cual ha sido objeto, constituyendo luego lo que ahora conocemos como Canto Gregoriano. El canto gregoriano es la simiente de la futura música occidental. La conjunción de melodías del sistema griego con otra de herencia musical judía dio origen a este canto, considerando el sentir de lo inmensamente infinito de la divinidad. En esta época surgieron nuevas notaciones musicales, siendo preciso conservar las melodías en estado puro, cuya ejecución debía ser fiel a la original. Por esta razón, el canto gregoriano estuvo enmarcado dentro de rígido,

donde

no

había

cabida

para

nuevas

un sistema musical

composiciones,

ni

para

improvisaciones. Mientras este canto, como es natural, quedo reservado a la Iglesia, el pueblo no conoció diferencia entre lo profano y lo religioso. Pero del canto eclesiástico procede otra práctica de naturaleza mas nacional: la de los trovadores, los

1

En música, textura más sencilla que consiste en una sola línea melódica sin acompañamiento alguno.

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troveros y los minnesinger, pero con una desviación hacia lo profano que significo también un viraje hacia las esencias nacionales. Estos cantantes de índole caballeresca dedicaban canciones al amor y a la mujer, practicando una lírica cortesana y palaciega. Estos eran individuos de especial inventiva, rápidos en respuestas y en juego de palabras, y además hábiles improvisadores musicales. Las producciones trovadorescas comprendían diversos géneros que se resumían en canciones narrativas, dramáticas, de carácter pastoral, político, satírico y moral; este movimiento halló acogida en varios países, como Francia y España. Intuitivamente ellos prepararon en este tiempo, la tonalidad moderna, al aplicar de un modo instintivo las leyes de atracción musical. De ahí su importancia para el desarrollo posterior de la música. Pero fue en el siglo XVI donde se consolido el concepto de tonalidad que consistió en establecer un régimen jerárquico al interior de la escala. ¨La tonalidad denominada ¨mayor¨ o ¨menor¨, impone jerarquías o relaciones de preferencia entre la tónica, el quinto grado y el cuarto grado. Ej. Do = tónica, Sol = dominante, Fa = cuarta. La introducción de la categoría de tonalidad se produjo simultáneamente con el surgimiento del Renacimiento. En este periodo, la polifonía religiosa alcanzaría su plenitud y en la música pagana surgieron nuevas estructuras cada vez más innovadoras¨. Sic (Pedro Reátegui, pp-18). El siglo XVI es la cuna de la música moderna, ya que en ella se genero una multitud de formas y estilos musicales, a partir de la práctica musical polifónica. Lo profano y lo religioso llegaron a independizarse, separándose lo vocal y lo instrumental. La intención dramática incorporada a la melodía abrió el camino hacia una forma de producción vocal e instrumental compuesta para la escena: La Opera. Esta producción concedía al canto individual una supremacía sustancial, donde la música asumía un papel esencialmente expresivo, convirtiéndose en elemento activo de la dinámica teatral.

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Las primeras óperas auténticamente expresivas se deben a Claudio Monteverdi, figura genial de la música, quien con gran individualidad creadora perfecciono la ópera. En este mismo siglo XVII nacieron varios géneros instrumentales, destacando además los instrumentos de tecla y de cuerda punteada. Los países que más contribuyeron al desarrollo de estos instrumentos fueron Italia, Francia y Alemania, dando preferencia al violín y al clave. Con el tiempo la suite para orquesta empezó a desligarse de la danza y a desarrollarse como genero independiente, de puro carácter instrumental. Nació también otra forma de desarrollo: La Sonata2; la figura más importante de este género fue Archangelo Corelli (1653-1713). Pese a lo riguroso del esquema Corelli utilizó con gran inspiración artística los efectos sonoros, llenándolos de extraordinaria brillantez. Surgieron también las personalidades de Vivaldi, Bach y Haendel, quienes adquirieron gran significado en este periodo gracias a sus producciones y genialidad. A mediados del siglo XVIII apareció un estilo musical: El Clasicismo. La melodía de este nuevo estilo estuvo estructurada en el tiempo, en la formación de una sola voz homófona, sujeta a periodos simétricos. Se dio inicio también a las formas de la música de cámara, como la sonata a varias voces instrumentales, donde las voces se liberaron del acompañamiento del bajo continuo. La sinfonía de ópera conquisto también la sala de concierto, estableciéndose de modo tan firme como forma predilecta en los programas sinfónicos. Entre las figuras más sobresalientes de este periodo destacan los hijos de Juan Sebastián Bach, Haydn, Mozart y Beethoven en los primeros años de su producción musical. El músico clásico se caracterizó por la producción de un arte ¨social¨ dedicado a una corte, al culto de una comunidad religiosa, o a determinado público de ópera. 2

Sonata es el nombre dado a distintas formas musicales, empleadas desde el período barroco hasta las experiencias más rupturísticas de la música contemporánea.

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Pero, a principios del siglo XIX, surgió el Romanticismo, convirtiendo a la música en al expresión más profunda y completa de la personalidad humana, de sus emociones y sensaciones. A esta renovación espiritual contribuyeron: el francés Berlioz, el semita Mendelssohn, el germano Schumann, el polaco Chopin, el húngaro Liszt, el germano Wagner y el italiano Verdi, entre otros. Los

románticos

rompieron

ese

¨equilibrio¨

propio

del

clasicismo;

ellos

descubrieron que este equilibrio no podía prolongarse en un estamento indefinido y emprendieron una labor auténticamente revolucionaria, consistente en profundizar e intensificar cada uno de los aspectos y facetas del arte musical, aun a costa de romper la sublime regla de oro de los clásicos. El romanticismo descubrió la intimidad del artista, como fuente de sentimientos de emociones que pueden ser expresados musicalmente se expresa en formas pianísticas breves como: baladas, valses, bagatelas, caracterizadas por su intimidad y emotividad. La música ¨romántica¨ ayudó al progreso de la orquesta, a la técnica y a la teoría musical buscando su belleza externa. Este liberalismo artístico fue también producto de las secuelas que dejo la Revolución Francesa en el campo de lo social. Esto sería la causa inmediata del nacionalismo musical que, con gran aportación de elementos populares, músicos rusos, españoles e iberoamericanos encabezaron esta tendencia basada en la más típica concepción nacionalista. Las tendencias musicales modernas, de principios de siglo proceden de la posibilidad de relacionar la música con la naturaleza de los hombres, los sentimientos, la literatura, la poesía, la pintura, la filosofía y otros ámbitos de las humanidades. Después pasaríamos por el impresionismo, el expresionismo que resalta la exaltación del mundo interior del artista y se desarrolla en la segunda década de este siglo, ante la necesidad de crear una música más intelectual y pura.

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En los últimos años del siglo XIX, la energía eléctrica posibilitó el invento del fonógrafo, la cinematografía, la radiotelefonía y, posteriormente el de la televisión, que transformaron profundamente el mundo de la música. Antes de estos descubrimientos la música solo podía difundirse mediante la actuación personal del artista. El sistema del Fonógrafo 3 consistió en la transformación de las vibraciones sonoras en surco, grabados sobre un disco, o sobre un cilindro, como se hacía en los aparatos primitivos. Para su reproducción, al comienzo había que recoger nuevamente las alteraciones del surco mediante una aguja de acero, cuyas vibraciones eran amplificadas. Pero los discos han pasado por sucesivos perfeccionamientos. Desde los antiguos discos que tenían que ser tocados a una velocidad de giro de setenta y ocho revoluciones o vueltas por minuto, que reproducían solo una gama limitada de frecuencias con notables ruidos de superficie, hasta los actuales compact discs, sistema digital que permite la grabación, procesamiento y reproducción del sonido, utilizando rayos laser en todo el registro sonoro. Otro invento que posibilitó la utilización de la música fue la cinematografía que en los últimos años del cine mudo, las grandes salas de cine contaban con inmensas orquestas y buenos directores. Los compositores comenzaron a trabajar la música para el cine de acuerdo a los nuevos mercados que se abrían a principios del siglo XX. La función expresiva del cine fue rápidamente asimilada por la publicidad, que se interesó en estos modelos musicales fáciles de reconocer. Fue así que en los Estados Unidos, se produjo en 1904 el primer mensaje publicitario, utilizando una imagen cinematográfica dedicada a la marca de Bizcochos Huntley y Palmer. La radio fue otro invento que al principio fue rechazado por los melómanos, pero poco a poco se convirtió en un medio que permitiría audiciones con gran fidelidad de sonido y timbre, mediante el sistema de frecuencia modulada; la comercialización de la radio fue iniciada por la emisora KDKA, el 27 de octubre de 1920. Con el invento del bulbo primero, y del transistor después, la radio creció en 3

Fonógrafo fue el dispositivo más común para reproducir sonidos grabados desde la década de 1870 hasta la década de 1880. El fonógrafo fue inventado por Thomas Alva Edison.

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importancia, llegando a convertirse en el medio masivo de mayor cobertura en el mundo. Invento técnicamente hermanado a la radio; la televisión llega a cautivar el hogar, siendo el más amplio espectro de todos. La imagen y el sonido combinados así, en forma de espectáculo, emprenden un largo y profundo viaje al subconsciente humano, abriendo nuevas sendas a la receptividad emocional. En resumen, con la aparición de la radio, del cine, de la industria discográfica y la televisión, las grandes audiciones musicales de las salas de concierto llegan a independizarse del lugar de ejecución, convirtiéndose la música en mercancía. Las composiciones musicales comenzaron a utilizarse en el siglo XX para crear una conciencia colectiva, con fines persuasivos. Este concepto lo demuestra la utilización de la música de Wagner a principios de la Segunda Guerra Mundial por los nazis, para crear un fanatismo nacionalista bajo una demente ideología fascista. A principios de los sesenta apareció el rock and roll, que hizo florecer un estilo de vida en la juventud de todo el mundo, y que se filtró en un sinnúmero de ámbitos culturales, ideológicos y comerciales y con el surgió, el fenómeno social: los Beatles. Los Beatles ganaban cientos de millones convirtiendo al rock en un poder de influencia sobre las masas. Los publicistas vieron en el rock un fuerte instrumento persuasivo, donde el show bussines consumió gran cantidad de talentos, gracias a que se pudo identificar a los destinatarios con el emisor. De esta manera, la publicidad masiva entro en una etapa de gran auge. 2.1.1 PRIMEROS PRODUCTORES En la primera mitad del siglo XX, el rol del productor discográfico era comparable al de un productor cinematográfico, debido a que el productor discográfico organizaba y supervisaba las sesiones de grabación, pagaba a los técnicos, músicos y arreglistas y algunas veces escogía material para el artista. En los años 50s este papel fue interpretado por los directores A&R (artista y repertorio), entre los más destacados estaba el músico y compositor Mitch Miller en Columbia Records. Hasta los 60s varios productores y directores A&R eran Jhonatan Melchor Antezana

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pagados por parte de los grandes sellos discográficos, y varias grabaciones se hacían en estudios controlados y operados por los mismos, como los famosos estudios Abbey Road en Londres, controlados por EMI. En la mitad de la década de los 50 emergió una nueva categoría: la de los productores independientes. Entre los primeros productores independientes se encuentran Leiber & Stoller, el creador de Wall of Sound Phil Spector y el pionero de estudio británico Joe Meek. Este cambio fue facilitado por la introducción de la tecnología de grabación de cinta magnética de alta fidelidad, que alteró considerablemente los procesos y la economía de la grabación de música. La cinta magnética permitió el establecimiento de estudios de grabación independientes en grandes centros de grabación como Los Ángeles, Londres y Nueva York. A diferencia de los antiguos estudios, que eran parecidos a una "tienda cerrada", estos nuevos estudios podían ser usados por cualquier artista no asociado a las grandes casas discográficas. Los estudios más grandes eran típicamente establecidos y operados por los más importantes ingenieros de grabación. Estos se construían cuidadosamente para crear condiciones óptimas de grabación, y estaban equipados con lo último en equipamiento de grabación y micrófonos de alta calidad, así como amplificadores electrónicos e instrumentos musicales. Importantes estudios como los estudios Olympic en Londres o United Western Recorders en Los Ángeles se convirtieron rápidamente en los lugares de grabación más solicitados en el mundo. Estas "fábricas de éxito" producirían varias de las grabaciones de pop más exitosas del resto del siglo. 2.1.2 NUEVA TECNOLOGÍA Si analizamos la cadena de valor de la industria de la música en el entorno digital vemos que se están incorporando nuevos elementos con respecto a la cadena de valor tradicional, puesto que además de la creación y la producción musical, es necesario implementar nuevas infraestructuras tecnológicas de digitalización de la música, almacenamiento y distribución, conjuntamente a nuevos sistemas de comercialización, cobro y gestión de los derechos sobre los productos musicales. Así, la cadena de agentes que intervienen en el mercado Jhonatan Melchor Antezana

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digital de la música se alarga, dado que algunos sectores que tradicionalmente no intervenían directamente en este sector ahora entran a formar parte de su cadena de valor, como por ejemplo los nuevos intermediarios como las empresas de hardware y software que suministran las plataformas de distribución y comercialización de música, los sistemas de cobro y de gestión de derechos (DRM o Digital Right Management), los operadores de redes digitales (telecomunicaciones, proveedores de acceso a Internet, cadenas de radio y televisión digital), más los agentes tradicionales, como el sector de la electrónica, que adquieren cada vez más un peso mayor dentro de la industria de la música (Miguel, 2003; OECD, 2005). En el entorno digital, el rol de los artistas y creadores, de las compañías discográficas y de las casas editoras permanece igual, y se incorporan a la cadena de valor las plataformas de distribución comercial de música (denominadas también Terceras Partes o Third Partly On Line Music Stores), como por ejemplo la plataforma web de iTunes de la empresa Apple, o la plataforma web de Napster, las cuales mantienen acuerdos de distribución y comercialización

de

música

con

las

grandes

compañías

discográficas

multinacionales (Apple Inc., 2006; Napster Inc., 2006). Los nuevos modelos de distribución y comercialización que estas plataformas están desarrollando en el entorno digital se basan en los modelos históricos de financiación de los sectores de las I.C., esto es: la financiación directa a través del pago por producto y la financiación indirecta por medio de la publicidad. Estas dos formas básicas de financiación se complementan hoy con una nueva lógica comercial en ascenso, denominada “lógica de club o acceso”, basada en el acceso discriminado a la oferta musical a partir del pago de productos y servicios por parte de los usuarios. Esta nueva lógica se constituye hoy en la lógica predominante de acceso a la producción cultural en general y a los productos musicales en particular en el entorno digital (Bustamante y otros, 2003; Lacroix y Tremblay, 1997; Richeri, 1993). Concretamente, los nuevos modelos de negocio que las compañías discográficas están desarrollando se basan principalmente en la descarga o recepción de música en Internet previo pago a través de las plataformas comerciales, en los anuncios publicitarios presentes en las mismas, y también en la descarga o Jhonatan Melchor Antezana

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recepción de música en dispositivos móviles, como teléfonos, reproductores de MP3 e incluso agendas electrónicas (PDA). Ahora Juan C. CALVI126 Zer, 21, 2006, p. 121-137 bien, los dos modelos básicos de negocio que se están desarrollando a través de las plataformas comerciales de música en Internet son: Modelo de Pago por Descarga (Digital Down load o “A la carte”): que consiste en el pago directo por la descarga de todo o parte (micropago) del producto musical, ya sea un álbum musical completo o por canción. Modelo por Suscripción (Streaming Subscription Model): que consiste en el pago de una cuota mensual para acceder al servicio de recepción de música, sin derecho a la descarga. Otros modelos complementarios de financiación son los siguientes: Modelo Publicitario: consiste en la venta de espacio publicitario dentro de la plataforma comercial, en los que se anuncian sellos discográficos, se promocionan artistas y lanzamientos de nuevos discos; además de otros productos. Modelo Webcasting: es una variante del modelo por suscripción, y consiste en la recepción de música a través de estaciones de radio digital temáticas dedicadas a la música, algunas de las cuales vienen integradas en los reproductores de música en Internet (Jukebox) Marketing en Red o Network Marketing: consiste en el uso comercial de la información obtenida de los usuarios de las plataformas comerciales, tales como rutinas de navegación, hábitos de consumo musical y de compra de productos, a partir de lo cual se confeccionan bases de datos que luego se comercializan. Comercio Electrónico: es una variante del modelo general de pago, y consiste en el uso de la plataforma para la venta de discos en soporte físico, como la plataforma Amazon.com, a través de la cual se realiza la venta (por encargo y pago) de discos musicales (además de cualquier otro producto cultural), y donde la distribución física del disco (off line) se realiza por correo postal. Los precios de los productos musicales y de los servicios comerciales varían de acuerdo a la plataforma y al mercado nacional, y se sitúan entre 0.50 céntimos de

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dólar y 1.50 dólar por canción y entre 8 y 12 dólares por álbum completo, y entre 10 y 15 dólares por cuota mensual de suscripción. Asimismo, la distribución de los ingresos entre los agentes de la cadena de valor también varía, y se establece aproximadamente del siguiente modo: Tales como los reproductores en Internet de Apple (iTunes), de Microsoft (Windows Media Player) o el de la plataforma Napster, a través de los cuales se promocionan determinados sellos discográficos, artistas y lanzamientos de discos. La industria de la música, las nuevas tecnologías e Internet Zer, 21, 2006, p. 121137 127 compañía discográfica se lleva el 47%, el proveedor de la plataforma de distribución y comercialización el 17%, las regalías (royalties) por reproducción mecánica el 8%, el artista el 7%, mientras que el 21% restante se reparte entre los costes del sistema de pago bancario y los servicios de conexión de banda ancha (Apple Inc., 2006; Napster Inc., 2006; OECD, 2005). Como puede verse, la distribución de ingresos en la cadena de valor del mercado de la música on line es muy similar a la off line, con la particularidad de que los nuevos agentes, las plataformas de distribución y comercialización tienen una posición importante, mientras que la diferencia entre lo que ganan las compañías discográficas y lo que perciben los artistas aumenta. Muchos artistas noveles y pequeños sellos discográficos o alternativos han ensayado diversos modelos de distribución y comercialización directa pero éstos no han alcanzado el éxito esperado. Esto se debe a que la estructura de la industria de la música on line es la misma que la industria tradicional, puesto que la función de las grandes compañías discográficas como productores-editores-distribuidores permanece inalterable, y al igual que en el mercado off line, también en el mercado on line la distribución de productos musicales a grandes audiencias es económicamente inviable sin la mediación de éstas. Y en este sentido, Internet no cambia la estructura de la industria de la música, y la idea de que la Red permitirá que los artistas sean retribuidos directamente por su trabajo sin la mediación de las compañías discográficas que los produzcan, distribuyan y promocionen, es muy difícil de sostener.

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No obstante, es cierto que actualmente un artista puede producir y distribuir su obra musical sin la mediación de una discográfica y obtener directamente, sin la mediación de ningún agente, ciertas ganancias dados los bajos costes de producción. En la industria de la música hay varios ejemplos de auto-producción y auto-distribución, pero el problema de cómo alcanzar una gran audiencia y desarrollar economías de escala permanece, lo cual implica necesariamente la intervención de un intermediario que distribuya y promueva el producto, e indudablemente éste obtendrá ganancias por desarrollar estas funciones. Es probable que en el futuro la actual forma de producción y distribución de productos musicales, y por lo tanto, la actual forma de distribución de ganancias dentro de la cadena de valor de la industria musical se transforme. Pero esto no significa necesariamente que los artistas y creadores no tengan ganancias. Hay ejemplos de artistas que han logrado cierto éxito comercial con la distribución de sus productos a través de Internet, como los casos de David Bowie, Peter Gabriel o recientemente el grupo U2, pero estos artistas ya habían alcanzado el éxito comercial previamente en el mercado discográfico tradicional y son conocidos a nivel mundial. Juan C. CALVI 128 Zer, 21, 2006, p. 121-137musicales sean mejor retribuidos y que los consumidores obtengan mejores productos musicales, más variados y a precios más asequibles. En este sentido, según se desprende del análisis de la actual estructura del mercado de la música on line, al igual que en el mercado off line, la mayor parte del nuevo mercado de la música digital está controlado por las cuatro grandes compañías discográficas que dominan el mercado de la música mundial, esto es, las Majors, a través de dos grandes plataformas de distribución y comercialización de música en Internet: iTunes y Napster. 2.1.2.1 CD`S El disco compacto (conocido popularmente como CD por las siglas en inglés de Compact Disc) es un soporte digital óptico utilizado para almacenar cualquier tipo de información (audio, imágenes, vídeo, documentos y otros datos). El disco compacto fue creado por el holandés Kees Schouhamer Immink, de Philips, y el japonés Toshitada Doi, de Sony, en 1979. Al año siguiente, Sony y Philips, que habían desarrollado el sistema de audio digital: Compact Disc, Jhonatan Melchor Antezana

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comenzaron a distribuir discos compactos, pero las ventas no tuvieron éxito por la depresión económica de aquella época. Entonces decidieron abarcar el mercado de la música clásica, de mayor calidad. Comenzaba el lanzamiento del nuevo y revolucionario formato de grabación audio que posteriormente se extendería a otros sectores de la grabación de datos. El sistema óptico fue desarrollado por Philips mientras que la lectura y codificación digital corrió a cargo de Sony, fue presentado en junio de 1980 a la industria, y se adhirieron al nuevo producto 40 compañías de todo el mundo mediante la obtención de las licencias correspondientes para la producción de reproductores y discos. En 1981, el director de orquesta Herbert Von Karajan convencido del valor de los discos compactos, los promovió durante el Festival de Salzburgo, y desde ese momento empezó su éxito. Los primeros títulos grabados en discos compactos en Europa fueron la Sinfonía Alpina de Richard Strauss, los valses de Frédéric Chopin interpretados por el pianista chileno Claudio Arrau, y el álbum The Visitors de ABBA, en 1983 se produciría el primer disco compacto en los Estados Unidos por CBS (hoy Sony Music) siendo el primer título en el mercado un álbum de Billy Joel. La producción de discos compactos se centralizó por varios años en los Estados Unidos y Alemania, de donde eran distribuidos a todo el mundo. Sólo entrada la década de los noventas se instalaron fábricas en diversos países. En 1992 Sonopress produjo en México el primer CD de título "De Mil Colores" de Daniela Romo. Fue en octubre de 1982 cuando, Sony y Philips comenzaron a comercializar el CD. En el año 1984 salieron al mundo de la informática, permitiendo almacenar hasta 650 MB. El diámetro de la perforación central de los discos compactos fue determinado en 15 mm, cuando entre comidas, los creadores se inspiraron en el diámetro de la moneda de 10 centavos del florín de Holanda. En cambio, el diámetro de los discos compactos es de 12 cm, lo que corresponde a la anchura de los bolsillos superiores de las camisas para hombres, porque según la filosofía de Sony, todo debía caber allí.

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Los CD estándar tienen un diámetro de 12 centímetros y pueden almacenar hasta 80 minutos de audio (o 700 MB de datos). Los Mini CD tienen 8 cm y son usados para la distribución de sencillos y de controladores guardando hasta 24 minutos de audio o 214 MB de datos. Esta tecnología fue más tarde expandida y adaptada para el almacenamiento de datos (CD-ROM), de video (VCD y SVCD), la grabación doméstica (CD-R y CDRW) y el almacenamiento de datos mixtos (CD-i), Photo CD, y CD EXTRA. 2.1.2.2 DVD´S El DVD es un disco óptico de almacenamiento de datos cuyo estándar surgió en 1995. Sus siglas corresponden con Digital Versatile Disc1 en inglés (disco versátil digital traducido al español). En sus inicios, la v intermedia hacía referencia a video (digital videodisk), debido a su desarrollo como reemplazo del formato VHS para la distribución de vídeo a los hogares. Unidad de DVD: el nombre de este dispositivo hace referencia a la multitud de maneras en las que se almacenan los datos: DVD-ROM (dispositivo de lectura únicamente), DVD-R y DVD+R (solo pueden escribirse una vez), DVD-RW y DVD+RW (permiten grabar y borrar las veces que se quiera). También difieren en la capacidad de almacenamiento de cada uno de los tipos. A comienzo de los años 1990, dos estándares de almacenamiento óptico de alta densidad estaban desarrollándose: uno era el multimedia compact disc (MMCD), apoyado por Philips y Sony; el otro era el súper density disc (SD), apoyado por Toshiba, Time Warner, Matsushita Electric, Hitachi, Mitsubishi Electric, Pioneer, Thomson y JVC. Philips y Sony abandonaron su formato MMCD y acordaron con Toshiba adoptar el SD, pero con una modificación: la adopción del EFM Plus de Philips, creado por Kees Immink, que a pesar de ser un 6% menos eficiente que el sistema de codificación de Toshiba (de ahí que la capacidad sea de 4,7 GB en lugar de los 5 GB del SD original), cuenta con la gran ventaja de que EFM Plus posee gran resistencia a los daños físicos en el disco, como arañazos o huellas. El resultado fue la creación del Consorcio del DVD, fundada por las compañías anteriores, y la especificación de la versión 1.5 del DVD, anunciada en 1995 y finalizada en septiembre de 1996. En mayo de 1997, el consorcio DVD (DVD Jhonatan Melchor Antezana

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Consortium) fue reemplazado por el foro DVD (DVD Forum) con los siguientes miembros: 

Hitachi, Ltd.



Matsushita Electric Industrial Co. Ltd.



Mitsubishi Electric Corporation



Pioneer Electronic Corporation



Royal Philips Electronics N.V.



Sony Corporation



Thomson



Time Warner Inc.



Toshiba Corporation



Victor Company of Japan, Ltd. (JVC)

El DVD Forum creó los estándares oficiales DVD-ROM/R/RW/RAM, y Alliance creó los estándares DVD+R/RW para evitar pagar la licencia al DVD Forum. Dado que los discos DVD+R/RW no forman parte de los estándares oficiales, no muestran el logotipo «DVD». En lugar de ello, llevan el logotipo «RW» incluso aunque sean discos que solo puedan grabarse una vez, lo que ha suscitado cierta polémica en algunos sectores que lo consideran publicidad engañosa, además de confundir a los usuarios.

2.1.3 LOS MEJORES PRODUCTORES El éxito parece seguir visitando los Studios del sello disquero Orfanato Music Group, y esta vez le ha tocado a 2 jóvenes productores que han sido una de las mejores estrategias presentadas al mundo por “El Rey” Don Omar en su pasado disco “Don Omar Presents: Meet The Orphans 2010”. El notable éxito de Don Omar en los hits “Danza Kuduro”, “Taboo”, y “Dutty Love”, han sido el resultado de la buena química en el Studio del dúo de productores A&X (Alcover & Xtassy), quienes el pasado jueves 26 de abril fueron elegidos por Billboard como “Los Mejores Productores Del Año” en base a sus grandes aportes a la música.

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2.2

PRODUCCIÓN MUSICAL 2.2.1 CONCEPTO ¨Teniendo en cuenta que, para una producción musical, uno de los

principales parámetros es la calidad óptima del registro y multiplicación de la matriz musical¨. Cit. (Cesar Bolaños, pp-80). Es el proceso que se lleva a cabo después de grabar una canción para mejorarla normalmente; es decir. Es el conjunto de todos los elementos y procesos que determinan la forma final de una pieza musical en el ámbito de la industria discográfica. Normalmente el que realiza esta función se llama productor. La producción musical abarca varias cosas como el montaje de las canciones, los efectos de sonido, las voces interpuestas, todo eso se hace en la producción musical. 2.2.2 LA PRODUCCIÓN MUSICAL COMO CARRERA La producción musical como carrera está orientada a formar un profesional que esté capacitado técnica y artísticamente para desempeñarse en todas las actividades comunicacionales en las que el tratamiento de la música es un elemento imprescindible. Posee conocimientos y habilidades en el manejo de instrumentos de última tecnología tales como sintetizadores, informática musical, elementos de estudio de grabación, etc. Está capacitado para crear y arreglar obras musicales atendiendo a las necesidades del mercado actual.

2.3

FASES DE LA PRODUCCIÓN MUSICAL 2.3.1 COMPOSICIÓN "Componer es pintar con el aire"

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La composición es el momento donde el cantante o autor, se inspiran para dar vida a sus poemas o a ponerle letra a su música. 2.3.1.1 SELECCIÓN DE TEMAS El compositor debe tener cuidado para poder elegir los temas para un álbum ya que de esto dependerá el éxito y la fuerza con la que se marque en el mercado. 2.3.2 ARREGLOS Un ingeniero de mezcla une las distintas grabaciones y agrega algunos efectos, conocidos como arreglos. 2.3.3 PREPRODUCCIÓN La preproducción es uno de los pasos más importantes de una producción, ya que, con esta tú puedes establecer, todos los parámetros que necesitas para una buena producción, debes ser muy organizado con este paso para que no tengas inconvenientes al momento de grabar. La preproducción se compone de los siguientes elementos: * Composición * Instrumentación * Cronograma de actividades * Plataformas de trabajo * Microfónica 2.3.4 PROGRAMACIÓN DE INSTRUMENTOS VIRTUALES En esta fase de la producción ya se empieza a calibrar y a probar los sistemas o software que se usaran para la producción.

2.3.5 GRABACIÓN La grabación es el proceso de capturar datos o convertir la información a un formato almacenado en un medio de almacenamiento. El resultado del proceso también se denomina grabación.

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2.3.5.1 GRABACIÓN ACÚSTICA Y ELÉCTRONICA Este tipo de grabación consta de una serie de técnicas para el registro del sonido de una familia de instrumentos denominada acústicos. Estos instrumentos acústicos se caracterizan por generar su sonido por medio de una serie de propiedades físicas. Este tipo de grabación musical está destinada a registrar el audio que genera un instrumento electrónico, como puede ser un teclado o una guitarra eléctrica. El sonido se genera por medio de circuitos integrados eléctricos; similares al de los ordenadores. 2.3.5.2 VOCES Y COROS Se preparan a las voces y se clasifican de acuerdo a la pieza musical; las voces pueden ser: Soprano: es la voz más aguda de la mujer o del niño. Su registro oscila entre Do4 y La5. Es la voz que habitualmente soporta la melodía principal. Mezzo-soprano: es una voz menos común (generalmente cantan en la fila de contraltos). Su registro se sitúa entre el de las sopranos y las contraltos. Contralto: es la voz grave de las mujeres (generalmente cantan mezzosopranos en esta fila debido a que las verdaderas contralto son poquísimas [cita requerida]) o los niños. Su registro oscila entre Fa3 y Re5. Contratenor o sopranita: Es la voz masculina que llega a registros desde mezzosoprano a Soprano, Re5 La5. Tenor: es la voz más aguda de los hombres; suele oscilar entre Si2 y Sol4. Barítono: es la voz con registro medio de los hombres; su registro oscila entre el de los bajos y los tenores, y se sitúa entre Sol2 y Mi4 Bajo: es la voz grave y poco común de los hombres; su registro se sitúa entre Mi2 y Do4. Los coros se componen habitualmente de cuatro cuerdas: sopranos, contraltos, tenores y bajos. Cada cuerda interpreta simultáneamente una melodía diferente, y es gracias a la formación de diferentes acordes que se consiguen los efectos deseados por el autor. Jhonatan Melchor Antezana

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2.3.6 POST-PRODUCCIÓN DE SONIDOS La función de la postproducción (o "sweetening") es organizar espaciotemporalmente y dar forma definitiva a los diversos materiales sonoros que se utilizan en una producción audiovisual. En la postproducción se combinan elementos musicales extraídos de colecciones especializadas, efectos de sonido grabados en sala, generados electrónicamente o extraídos de colecciones, locuciones y músicas grabadas expresamente -en estudio o "en locación"-, etc. El objetivo de esa combinación depende del tipo de producción audiovisual, de su soporte, de su género, del criterio estético del realizador, etc. En algunos casos la banda sonora será un complemento a la banda visual, en otros será la guía de los elementos visuales, en otros servirá de refuerzo de la banda visual, en otros duplicará la información que llega a través de la vista, etc. La postproducción es el último proceso en la creación de una banda sonora pero no por ello hay que dejar todas las decisiones para ese momento. La frase "...eso lo arreglarán en la postproducción" es tópica, típica, y desgraciadamente más habitual de lo que nos gustaría. Con una mejor pre-producción o con sesiones de grabación bien planificadas podrían evitarse muchos de los defectos que hay que subsanar en post-producción. 2.4

PRODUCTOR MUSICAL 2.4.1 CONCEPTO Es el responsable de lo esencial en la grabación; su trabajo consiste en la

organización de los detalles de la sesión, desde la selección de música a ser grabada, la supervisión de la mezcla, hasta la obtención de la cinta máster o final. El productor debe ser organizado y tratar bien a la gente, ser musical, llegando inclusive a tocar algún instrumento y ser muy eficiente en su labor, de tal manera que pueda crear un clima ideal de trabajo para que tanto músicos como técnicos desarrollen un exitoso trabajo. 2.4.2 CONOCIMIENTOS REQUERIDOS 2.4.2.1 MUSICALES A) ARMONÍA

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A veces lo que necesita un tema para funcionar es simplemente es cambiar un acorde o modular en una parte.

B) ARREGLOS Un arreglo musical es escribir nota por nota lo que hace cada instrumento a lo largo de la canción en vez de esperar la propuesta interpretativa del músico. Ya sea para escribir él mismo los arreglos o transmitirle al arreglista lo que busca y hacer las correcciones pertinentes. 2.4.2.2 PROGRAMACIÓN MIDI ¨MIDI corresponde a las iniciales de Musical Instruments Digital Interface en castellano significa Interfaz Digital para Instrumentos Musicales¨. Cit. (Ruiz Antón, pp-22) Este protocolo nace en 1983 como acuerdo entre las compañías más importantes en el ámbito de la fabricación de instrumentos musicales electrónicos. 2.4.2.3 TÉCNICOS Es la persona que estará capacitada técnica y artísticamente en: A) ACÚSTICA La sala donde grabamos afecta a que y como se graba un instrumento. Saber si esta sala es la apropiada para grabar este instrumento y como poder modificar esa acústica si no es conveniente le será de gran ayuda. B) MICROFONÍA Conocer los diferentes tipos de micrófonos que existan y saber cuál elegir en cada situación para conseguir el sonido que se busca, pues ¨sonido¨ es el más conveniente para esta canción o lo que quiere transmitir con ella. C) PREAMPLIFICADORES También dejan su sello en la captación/creación de un sonido determinado. D) DIGITALIZADORES Lo que comúnmente se conoce como tarjeta de sonido. E) MEZCLA Jhonatan Melchor Antezana

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Saber que sonido se busca y como conseguirlo. Si él no es el responsable de mezclar la canción debe poder transmitir al mezclador lo que quiere. Debe saber cómo influyen en el sonido dispositivos como ecualizadores, compresores, reverberaciones, delays, … etc. F) MASTERIZACIÓN Masterización es un término que proviene de máster, en inglés, que hace referencia al producto final, del cual han de obtenerse las copias y puede interpretarse como "producir un máster". 2.4.2.4 PSICOLOGÍA APLICADA Crear un buen ambiente de trabajo y saber sacar de cada individuo lo mejor que pueda dar ese día en esas condiciones. 2.4.2.5 DOTES DE DIRECCIÓN Y PLANIFICACIÓN Debe tener en cuenta saber planificar un buen plan de trabajo para poder desarrollarlo de forma ordenada y precisa, además de saber dirección de música o tener los conocimientos básicos. 2.4.2.6 CONTABLES Cuánto vale una hora de estudio, un músico de sesión, el catering, una mezcla. Anticipar el coste total de la producción con todas sus fases y no tener nunca que emplear parte de sus honorarios para sufragar una mala previsión de esos costes. 2.5

PRODUCTOR EJECUTIVO 2.5.1 CONCEPTO El productor ejecutivo viene a ser el encargado del sector financiero de la

producción; es el que proveerá el financiamiento del proyecto a desarrollar encargándose de gestionar la publicidad, el patrocinio y otros aspectos publicitarios. 2.5.2 DEBERES 2.5.2.1 EQUIPO HUMANO

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Es la selección de trabajadores que elegirá el productor ejecutivo para tener a su cargo es decir este cumplirá con un desarrollo logístico en el trabajo de las sesiones de grabación. 2.5.2.2 FINANCIACIÓN En esta parte del deber del productor ejecutivo se verá como este es el responsable financiero del proyecto.

2.5.2.3 PLAN DE TRABAJO Aquí el productor ejecutivo se encarga de elaborar un minucioso plan de trabajo en el que involucra a todo el personal que estará a cargo de la producción del disco y el cumplirá el rol de supervisión a lo largo de la jornada laboral. 2.5.2.4 PROPUESTA DE IDEAS También cumple un papel importante en el hecho de proponer ideas para la facilidad de la realización del plan o proyecto a seguir. 2.5.2.5 MARKETING El poder del marketing es, cómo promocionar música, música como producto en un mercado, estrategias de promoción: colocar y vender música. 2.6

PRODUCTOR DISCOGRÁFICO Aprende a apreciar todos los estilos musicales. La música es música y en

todos los estilos hay retos interesantes y cosas que aprender. Eso es algo que aprendí de la publicidad: un día hacías un tango, otro una canción para Amena, el tercero orquestabas para 80 músicos y el cuarto un tema electro. Está bien especializarse, pero no olvides que hay muchas más cosas. Por ejemplo, aunque empecé profesionalmente grabando flamenco (sí, todos tenemos un pasado oscuro), mi especialidad es los sonidos más independientes y/o electrónicos y sin embargo, ahora estoy a punto de acabar una de las mejores producciones que he hecho en mi vida y es rollo pop latino, con influencias varias. Adecúa tu producción al estilo. Es bastante obvio, pero no tan respetado. Estudia con referencias el tipo de trabajo que vas a hacer. Si un disco de Metal, escucha

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Metal. Si es Pop, estudia Pop. Que tu sello sea un trabajo bien hecho, no 20 discos que suenan a Tequila. Innova. Éste puede ser el punto polémico de la lista. Si en España pecamos de algo es de una falta total de innovación. Aquí todo tiene un regusto rancio que da susto. Por favor, sean modernos, miren más allá de los Pirineos (y de todas nuestras fronteras naturales) e innoven. Dejemos de ser el país de la paella y los toros (sin acritud para el que le guste). Como siempre he dicho, si los de Daft Punk fueran de Alcobendas, estarían opositando para conserjes de la Complutense. Elige a los mejores músicos y arreglistas que puedas pagar. Tu amigo Pedro está bien para tocar en un bareto, pero en una producción no puedes permitirte que medio suene. Los mejores músicos se dedican a ello profesionalmente y tienen los mejores instrumentos. Se acabaron las baterías Thunder y los bajos Talmus con cuerdas de 10 años. A lo mejor el sonido que buscas es así, pero, seamos sinceros, ¿alguien ha grabado alguna batería Thunder a la que no le suene el muelle del bombo? Deja que los músicos toquen. Un buen músico tiene mucho que ofrecerte porque, como dije antes, es un profesional de su instrumento. Lo conoce, lo estudia y sabe cosas que tú no sabes. Yo siempre dejo a la gente tocar lo que ellos quieren y luego pido cosas concretas. Ten siempre un plan B, algo preparado, pero, si hay tiempo, deja que tus músicos aporten su granito de arena: puede ser como una montaña. Dimensiona la producción a tu proyecto. A la hora de buscar un estudio, músicos, etc, para tu proyecto, asegúrate que es adecuado para cada paso. No hace falta reservar una sala grande si sólo vas a grabar baterías tres días. Además, cuanta menos gente haya en el control, más fácil será manejar la situación. Además, hay mil detalles que puedes suprimir o que pueden ser cruciales en cada producción. Por ejemplo, grabar en cinta puede ser un lujo estúpido para un disco electro o algo fundamental para uno de rock clásico.

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Elige el mejor técnico/estudio que puedas pagar. Todos sabemos que fulanito graba discos a 150 euros por tema, pero ¿cómo suenan? Si tu disco no va a sonar bien, no te metas. Ojo, siempre hay que dimensionar la producción al proyecto. Si es una maqueta, hay mucha oferta de estudios y técnicos, pero si es un trabajo para una compañía, necesitarás a alguien con garantías de resultado. Cuida a tu artista. En el caso de que produzcas discos o canciones, el artista (grupo o solista) debe ser tu principal preocupación. Él está poniendo en tus manos su carrera profesional. De hecho, el 99% no llega a editar nada más, por lo que haz de su experiencia algo inolvidable. No le importa tus tiras y aflojas presupuestarios, tus problemas personales y si el guitarrista no puede grabar el jueves porque tiene diarrea. Tu labor es sacar lo mejor de él (o del grupo) y que todo llegue a buen puerto, no mantener a tu artista informado de cada incidencia. Respeta la opinión del artista. Casi siempre ellos han escuchado más que tú las canciones, las han tocado en directo, les han dado mil vueltas. Debes ser objetivo y sacar lo mejor de ellas, pero no te impongas a menos que sea un error evidente u ofrece la posibilidad de probar otra opción. El que paga manda. Esto tampoco es tan obvio. Aquí todos somos muy artistas, pero, atención, que el que paga espera algo de ti, y por lo tanto, su opinión es la que prima. Ellos esperan lo mejor que puedas ofrecer, pero debes dejarlos contentos (a veces va especificado en los contratos). Si crees que no puedes trabajar para otro, mejor no lo hagas. Y recuerda: cuando hay dinero de por medio, la música deja de ser arte y convertirse en industria. No firmes algo que no puedas defender. Esto se lee de dos formas: "no te metas en fregados que te superen" y "no firmes algo de lo que te avergüences". Sobran explicaciones. Atrévete. Posiblemente un disco de polkas no está en tu lista de retos o aficiones, pero siempre puedes buscar alguien que te ayude (co-productor, o productor asociado, que dicen otros). Al final, el camino se hace al andar.

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CAPÍTULO III

PROPUESTA DE LA INVESTIGACIÓN

3.1.

SITUACIÓN DE LA INVESTIGACIÓN 3.1.1. SITUACIÓN ACTUAL DEL TEMA INVESTIGADO En la actualidad podemos ver a la producción musical como una industria

no muy promocionada en el Perú y de baja calidad debido al poco profesionalismo con el que se trabaja y al aumento de los piratas4 que no permite que surja esta industria. 3.2.

CONSIDERACIONES DE LA PROPUESTA 3.2.1. GLOBALIZACIÓN Y EL TEMA INVESTIGADO

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La globalización es un tema que en estos tiempos afecta a todo pero favorablemente ya que esto nos abre las puertas a toda la información creada en nuestro mundo y así poder actualizarnos y estar al tanto y a la par de la tecnología en las materias a tratar. 3.2.2. CIENCIA Y TECNOLOGÍA Y EL TEMA INVESTIGADO La ciencia es un factor determinante en nuestro tema de investigación ya que nosotros dependeremos de tal, buscando las innovaciones para poder liderar un cambio en la producción musical y así lograr nuestros objetivos.

CONCLUSIONES

1. La producción musical como carrera es muy escasa en su desempeño, por lo mismo que mercado actuales es muy propenso, lo mismo que bajo efecto en productores. 2. El Perú vivencia la problemática de la piratería en la producción discográfica, en base a las nuevas estrategias de mercado. 3. La producción en el Perú no es de alta calidad debido a la poca profesionalidad y a la escasa tecnología de innovación. 4. Es necesario estudios complementarios en el campo del sonido como por ejemplo en la ingeniería de sonido y así completar lo necesario para una buena producción musical.

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BIBLIOGRAFÍA

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La música en la publicidad. Cicosul 16 Lima, Facultad de comunicación. Universidad de Lima.

BOLAÑOS, Cesar 1995

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REATEGUI, Pedro 2003

Manual de creación sonora. Lima, Universidad de Lima.

RUIZ ANTÓN, Vicente. Convierte tu PC en un estudio de música. 2004 Lima, Anaya multimedia.

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OCÉANO GRUPO EDITORIAL

El mundo de la música. Grandes autores y grandes obras. Barcelona, Océano Grupo Editorial S.A

LINKS WIKIPEDIA 2012

¨Productor discográfico¨. En: Wikipedia http://es.wikipedia.org/wiki/Productor_discogr%C3%A1fico Lima, 20 de febrero 11:45 pm

HISPASONIC 2011

¨Doce consejos para ser un buen productor musical¨. En: Hispasonic http://www.hispasonic.com/blogs/doce-consejos-para-ser-buenproductor-musical-algunas-cosas-evitar/10 Lima, 19 de febrero 08:31 pm

APRENDE GRATIS ¨Producción musical¨. En: Aprende-gratis.com 2008 http://www.aprende-gratis.com/produccionmusical/curso.php?lec=grabacion-audio Lima, 21 de febrero10:21 pm UTEP – GALEON 2010

¨Preproducción¨. En: Utep-Galeon.com http://utep.galeon.com/aficiones1996721.html Lima, 10 de febrero 01:12 am

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ANEXO 01

ENTREVISTAS

1. ¿Qué motivo a laborar produccion MUSICAL? “MAS que todo, pues me sentia a gusto de lo que hacía, no solamente escucharlo si no tambien hacerle participe de uno mismo,por que muchas veces tenia la necesidad de que sea satisfactorio,pero no podia mostrarlo,es por eso mi elccion a esta carrera l cual me siento muy a gusto”. 2. ¿Cómo ve usted a la produccion musical dentro de 10 años? “he…. està avanzando, claro que aveces el nivil es un poco imitado a los verdaderos intrumentos acusticos.se prevee un trabajo mas coordinado,ahora se ve que hay sintetisadores que reflejan muy bien,pero no basta para el verdadero sonido real de los intrumentos”… en fin creo que el avanse tegnologico de alguna manera a los producctores y sacar resultados mas esperados y es ahí donde uno vè y se da cuenta al momento de grabar”. 3. ¿Qué opinas sobre la piratería? “es muy conplicado saber que existen ya que uno como productor trata de ganarse de uno u otra forma con sus produccion y pues la pirateria esta a nuestro alrederor, un breve descuido para perder posibles pertenecias,sobre todo el ingreso de virus, luego las grabaciones de alguna manera estan ahí ya en el mercado sin consentimiento de uno ,…” 4. para los artistas ¿es beneficioso o perjudicial? “… bueno, creo que todo artista quiere ser conocido,y la pirateria es un favor que tienen muchos artistas,en la mayor parte es muy beneficioso para todos los amimigos artistas asi recuperan lo invertido en ciertas grabaciones…” ¿es recomendable trabajar con instrumentos virtuales o MûSICOS? “.. creo que depense mas del gusto,yo prefiero trabajar con instrumentos asi obtener resultanos mas naturales y a su ver propio del musico , otros trabajan con instrumentos virtuales que son buenas, y pues muy comodos para ellos … a que resaltar de nunca o por lo menos hasta ahora, los instrumentos virtuales o electricos no soy iguales a los acusticos, siempre habra diferencia por mismo que es tegnologico… en toda grabacion casi no es exacto, debe contener toque humanopara saber que es un musico,.. Esa es la diferencia…” 5. ¿Qué opina sobre las disqueras en el Perù? “un buen porcentaje de las disqueras en el perù son muy buenas,como tambien existen pequeñas disqueras que son buenas, pero no tienen el equipo necesario para el manejo y obtener un resultado eficas… pero, ahora se vè que muchas Jhonatan Melchor Antezana

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disqueras pequeñas se unen para el desarroyo de una produccion colaborando con cada uno materiales de buena calidad que al finalisar tiene el mismo nivel de grabacion con las disqueras reconocidas”… en otra parte muchos artistan tienes sus productoras, manejados por productores anonimos muy buenos”… la mayoria de artistas conocidos viajan al extranjero para la grabacion de sus discos y lo traen al peru con mayor resultados, asi estar seguro de las ventas en camino…” 6. ¿Qué mensaje daría como persona y como profesional a las personas con mencion en mùsica? “¡pasiencia!...por que esto es un poco dificil en el sentido monetario,y uno no cuenta con el dinero,al comienso uno no recibe la paga moderada por lo mismo que somos principiantes,..es una inversion fuerte, pues muchas veces gastamos mas de lo devido por no saber,es como un musico quiere ser conocido, pues tiene que salir, tocar gratis, recibir poca paga, es parte de la inversion,y el resultado yo lo veo en el sentido que a mi me agrada…”al momento de estar ejerciendo pues uno ismo se siente motivado y se autoanima para seguir avansando, yo creo que si una profesion te gusta no hay gasto que te pueda derrumbar, siempre seguiras, pues ya es parte de tì,es ahí donde uno descubre su verdadera vocacion…”

SEGURA RAMIREZ ABRAHAN M. DNI:41171364

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ANEXO 02

EVIDENCIAS FOTOGRÁFICAS

.foto tomada el 26 de febrero de 2014. .Productor musical Segura ramires abrahan. .Estudiante del instituto ORSON WELLES(inguieneria de sonidos).

.Imagen tomada el 26 de febrero de 2014. .Gran amigo de profesion y colaborador en mi proyecto de investigacion.

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