• Author / Uploaded
• Etimi Rodrick

Citation preview

TEMA 2. LA MÚSICA EN EL RENACIMIENTO CONTEXTO HISTÓRICO, SOCIAL, CULTURAL Y ARTÍSTICO Con el Renacimiento da comienzo la Edad Moderna. Es un periodo que abarca los siglos XV y XVI y cronológicamente se sitúa entre la Edad Media y el Barroco. Se puede considerar una de las etapas más importantes dentro del mundo cultural y artístico, ya que se van a dar cita personajes de la talla de Miguel Ángel, Leonardo da Vinci, El Greco, Cervantes, Shakespeare, etc, que desarrollarán la cultura y el arte como nunca antes había ocurrido. Los hechos más relevantes que caracterizan este período son: 1. El poder político está en manos de las monarquías absolutas, que terminan con el feudalismo medieval, excepto en Italia, donde surgirán las ciudades-estado. 2. Nace una nueva clase social, la burguesía, sin linaje ni estirpe aristocrática, pero con gran poder económico lo que impulsa un desarrollo creciente del comercio (hacia Oriente: Marco Polo; hacia Occidente: Cristóbal Colón). También surge la figura del cortesano (hombre de ciudad, elegante y culto) y los mecenas, promotores del arte entre los que se encuentran familias italianas como los Medici o los Sforza y también algunos papas. 3. Grandes avances científicos entre los que cabe destacar las teorías de Leonardo da Vinci, Miguel Servet, Copérnico o Galileo Galilei. 4. En el ámbito religioso, la Reforma de Lutero y la Contrarreforma suponen dos hitos importantes, no sólo en la historia de Europa sino también en la evolución de la música. En lo referente a la cultura y al arte, los hechos más significativos son: • • •

• •

La doctrina del Humanismo, que considera al hombre como el centro de todas las cosas, dejando atrás las ideas teocentristas del Medievo. La progresiva laicización del arte: las obras de arte dejan de concebirse como alabanzas a Dios, y los artistas buscan como fin de sus obras la belleza y el placer de los sentidos. Gutenberg inventa la imprenta, lo que permitirá un mayor desarrollo de la cultura en todos sus ámbitos. Este hecho revoluciona la difusión de la música, ya que posteriormente, en 1501, Ottaviano Petrucci inventa la imprenta musical y se edita la primera música impresa. El concepto de autor. Se deja atrás al artesano anónimo de la Edad Media para pasar a un nuevo mundo de artistas que firman sus obras. Vuelta a los ideales clásicos. El periodo de la Edad Media es visto por el hombre del Renacimiento como una época oscura y sin interés artístico. Por lo tanto, van a despreciar el arte de ese periodo para tomar como referencia el arte clásico de Grecia y Roma.

CARACTERÍSTICAS La música del Renacimiento, al contrario de lo que ocurrió en las artes plásticas, no supuso una ruptura con la música polifónica medieval sino que fue más bien una evolución de ésta. Los elementos que definen la música de este período son: 1. Desarrollo de la técnica polifónica, que se concreta en el uso de grupos de voces con diferentes timbres y tesituras. Es en este periodo cuando se normaliza el uso de las cuatro voces que han llegado hasta nuestros días: soprano, contralto, tenor y bajo. Destacan dos texturas: el contrapunto (en la que las voces se mueven de manera independiente y todas con la misma importancia) y la homofonía (en la que las voces se mueven de manera homogénea, siguiendo un mismo ritmo). Es muy habitual en la música del Renacimiento el llamado contrapunto imitativo, que consiste en la presentación de un mismo tema o motivo por dos o más voces en entradas sucesivas. 2. La ordenación por acentos que implica la noción de compás, todavía no existe. El ritmo sigue las inflexiones del texto, sobre todo en la música religiosa. 3. El texto tiene mucha importancia y la música aspira a destacar su contenido, tanto en la música religiosa como en la profana. 4. Cambios en la armonía: los compositores van a empezar a introducir en sus obras voces a distancias de terceras superpuestas, que en la Edad Media no eran utilizadas salvo como notas de paso. Este uso de terceras será el antecedente de los acordes de nuestro sistema tonal actual. 5. Desarrollo de la música profana e instrumental, gracias a la influencia del Humanismo que promueve un tipo de música no religiosa. Es habitual además la indiferenciación entre música vocal e instrumental: esto significa que en una canción a cuatro voces, alguna de las melodías vocales podían ser sustituidas por instrumentos, según la disponibilidad del momento. PERÍODOS Y PRINCIPALES COMPOSITORES El Renacimiento hemos dicho que abarca los siglos XV y XVI. Dentro de este periodo podemos distinguir tres etapas: •

•

•

Primer Renacimiento: comprende la primera mitad del siglo XV. Conocido también como el periodo franco-flamenco, ya que los duques de Borgoña (que poseían territorios en los Países Bajos, Bélgica, parte de Francia y Luxemburgo) actuaron como mecenas de un grupo de artistas que se convertirán en los más importantes de esta época. Entre los compositores más destacados se encuentran Dufay, Ockeghem y, especialmente, Josquin des Près. La mayor parte de la música de estos autores será religiosa (misas y motetes). Durante este Primer Renacimiento será muy frecuente la técnica compositiva denominada contrapunto imitativo, que se basa en la imitación de un tema o motivo repetidamente entre las distintas voces. Alto Renacimiento: comprende la segunda mitad del siglo XV y primera del XVI. Los músicos franco-flamencos se extienden por Europa, cada territorio acoge las novedades musicales y las adapta a su estilo compositivo. Se crean, por lo tanto, los denominados estilos nacionales. En Italia el género que más se cultivará será el madrigal; en Alemania se desarrollará el lied (canción); en Francia la chanson; y en España, el villancico Bajo Renacimiento: se desarrolla durante la segunda mitad del siglo XVI. Italia se convierte en el país más importante musicalmente hablando y las innovaciones más interesantes se darán dentro de la música profana. No obstante, las dos figuras más

destacadas en este período se dedicarán a la música religiosa, y son Giovanni Pierluigi Palestrina y el español Tomás Luis de Victoria. Los géneros más importantes siguen siendo el motete y la misa. En esta época también tenemos que destacar al italiano Claudio Monteverdi, compositor de transición entre el Renacimiento y el Barroco, que fue un maestro indiscutible del madrigal (del cual escribió ocho tratados) y figura decisiva en el nacimiento de la ópera, con su Orfeo de 1607.

MÚSICA VOCAL RELIGIOSA Durante el Renacimiento, la iglesia cristiana sufre luchas internas que acabarán con la unidad del catolicismo. En Alemania, Martín Lutero rompe con Roma tras la publicación de sus 95 tesis en 1917, en las que expone su desacuerdo con determinadas prácticas de la jerarquía eclesiástica (como por ejemplo, la venta de indulgencias). A este hecho se le conoce como la Reforma, ya que Lutero llevará a cabo una serie de cambios alguno de los cuales afectará a la música de la cual era un gran conocedor y estudioso. Entre los cambios musicales más importantes destacamos los siguientes: •

• •

Utilizar el alemán en las celebraciones religiosas, ya que para Lutero era muy importante que la gente comprendiese lo que se decía en la liturgia y que incluso pudiese participar cantando. Esto no era posible si las celebraciones se seguían realizando en latín, debido a que era una lengua que sólo era utilizada por la iglesia, no por el pueblo. Evitar la polifonía compleja mediante la utilización de texturas homofónicas, ya que el gran desarrollo al que había llegado la polifonía hacía que no se entendiese el texto. Lutero creará una nueva forma musical, el coral, que se convertirá en el tipo de música más importante de la iglesia protestante. Esta forma suele ser una composición sencilla, escrita normalmente a cuatro voces, con texto en alemán, textura homofónica, y que a menudo utiliza melodías populares.

En Inglaterra, en 1534, Enrique VIII rompe con Roma y surge la iglesia anglicana, de la cual se proclama máximo mandatario, acaparando así todo el poder político y religioso de su país. A partir de este momento, la iglesia anglicana desarrolló una nueva forma musical denominada anthem, que es un motete a cuatro voces, en inglés y que se cantaba durante las celebraciones litúrgicas. La Iglesia Católica, preocupada por estas luchas internas, decide reunirse para tratar de arreglar “los males” en los que se encuentra sumergida, y para ello convoca el Concilio de Trento que, en 25 sesiones desde 1545 hasta 1563, trata de establecer las directrices de de su funcionamiento. Algunas de las novedades afectarán al terreno musical, de las cuales destacamos las siguientes: • • • •

Las composiciones son a capella y en latín, manteniéndose el canto gregoriano como canto oficial de la Iglesia. Se evita la polifonía compleja a la que se había llegado, ya que no era posible entender los textos religiosos, y recordemos que la principal finalidad de la música religiosa era la de transmitir el mensaje cristiano. Se prohibe el uso de melodías profanas en la música religiosa. Se prohibe el uso de instrumentos en la polifonía religiosa (salvo el órgano).

Las formas musicales de la música religiosa católica son el motete y la misa.

1. Motete. El motete renacentista es una pieza a 4 voces (5 ó 6 a finales del siglo XVI), en latín y con texto religioso, en la que se abandona la mezcla con melodías populares y otras lenguas propias del motete medieval. Su forma se basa en la sucesión de frases musicales construidas en contrapunto imitativo y, habitualmente, con un nuevo motivo para cada frase del texto. Es también frecuente encontrar secciones centrales en textura homofónica. Ejemplos sobresalientes de motete renacentista son el Ave María de Josquin des Près o el Lamentabatur Jacob de Cristóbal de Morales. 2. Misa. Es una forma musical compleja resultado de la unión de todas las piezas de la liturgia. Estas piezas (Kyrie, Credo, Agnus Dei…) pueden estar compuestas en forma de motete o por distintas técnicas de imitación o variación.

MÚSICA VOCAL PROFANA A diferencia de la música vocal religiosa, que tiene un estilo internacional ya que en todos los territorios se escribe bajo las mismas pautas, la música vocal profana va a tener un estilo propio en cada país. Es lo que se denomina los "estilos nacionales", caracterizados por diferentes tipos de canciones escritas en las lenguas vernáculas (propias de cada territorio) y no en latín como sucedía en la música religiosa. Las formas vocales profanas más importantes son: 1. Madrigal. Se trata de una forma de polifonía compleja escrita para cuatro o cinco voces, con texto en italiano y cantada "a capella", aunque se le pueden añadir algunos instrumentos. Es música de carácter descriptivo que intenta ser fiel reflejo del texto utilizando elementos expresivos para reforzar su significado. Suele constar de cinco frases en las que se intercala un ritornello (breve estribillo). Entre los compositores más importantes destacan: Luca Marenzio, Carlo Gesualdo y Claudio Monteverdi. 2. Chanson. Es una forma polifónica a varias voces, con texto en francés y con acompañamiento instrumental. Al igual que el madrigal, también es descriptiva, y emplea con frecuencia onomatopeyas musicales de efectos naturales, cantos de pájaros, escenas de caza etc... El compositor más destacado es Clement Janequin. 3. Villancico. Es la composición vocal profana por excelencia del Renacimiento español. No es una canción de Navidad, significado que adoptará mucho más tarde. Se escribe habitualmente para cuatro voces, con acompañamiento instrumental, en textura homofónica y con forma ternaria ABA (estribillo-copla-estribillo). El compositor más representativo de este tipo de música es Juan del Enzina. Fue la forma vocal más popular durante la época de los Reyes Católicos de la que se conservan numerosas piezas recogidas en colecciones llamadas cancioneros. Uno de los más famosos es el Cancionero de Palacio. Junto con el villancico en España también habrá otras formas vocales importantes como el romance o la ensalada. El romance continúa la tradición de la Edad Media pero con una textura polifónica y una forma estrófica basada en estrofas de cuatro versos. La ensalada es una composición basada en un poema que mezcla estrofas de otros poemas o que contiene diversas métricas, a menudo en varios idiomas y generalmente, con una intención humorística. Los principales ejemplos de ensalada que se conservan pertenecen a Mateo Flecha el Viejo y a su sobrino homónimo.

MÚSICA INSTRUMENTAL Una de las características más importantes del Renacimiento fue el resurgir de la música instrumental que hasta entonces había estado marginada. Ahora poco a poco irá ganando prestigio y relevancia debido en gran medida a la secularización de la música promovida por el pensamiento humanista. Por primera vez en la historia se va a componer música instrumental pura, sin ningún otro fin que el deleite del oído. Este tipo de música evolucionará en los ambientes profanos ya que la Iglesia continúa con su prohibición del uso de instrumentos en los actos religiosos. Otro aspecto importante es que con la invención de la imprenta se van a difundir muchos libros con partituras y teoría musical, por lo que mucha gente va a poder acercarse al mundo de la música y aprender a tocar un instrumento. Dentro de la música instrumental, se distinguen cuatro tipos: •

•

•

•

PIEZAS ADAPTADAS DE OBRAS VOCALES: Son obras que primitivamente estaban escritas para varias voces y que serán adaptadas para poder interpretarlas con instrumentos polifónicos como el órgano y otros instrumentos de teclado. Destacan en este grupo formas como el ricercare o la canzona. PIEZAS BASADAS EN LA IMPROVISACIÓN: Estas piezas podían ser de dos tipos: o bien se improvisaba a partir de una melodía dada o se improvisaba sin ningún tipo de referencia, inventando todo sobre la marcha. A este tipo de música corresponden formas como la fantasía o la toccata. PIEZAS BASADAS EN LA VARIACIÓN: En estas piezas el intérprete parte de un tema sencillo que va repitiendo sucesivamente incorporando variaciones de todo tipo (rítmicas, melódicas…). En España a este tipo de piezas se las llamó diferencias, y su representante musical es el compositor Antonio de Cabezón. PIEZAS DE DANZA: Al desarrollo de este tipo de música en este periodo influyó mucho la evolución de la música instrumental, ya que buena parte de esa música era dedicada a este género. Otro de los factores decisivos que impulsaron las danzas fue la invención de la imprenta, ya que a partir de este momento se van a editar los primeros libros de coreografías. Era habitual interpretar y bailar sucesivamente dos piezas de carácter contrastante como por ejemplo la pavana y la gallarda. La pavana es una danza de tipo procesional, de carácter pausado y con ritmo binario que servía para abrir el baile de modo que todo el mundo pudiese admirar a los nobles que organizaban el evento. La gallarda es una de las principales danzas de la época. Tenía un ritmo ternario y un carácter alegre y festivo.

Algunos instrumentos de la época medieval siguieron utilizándose durante el Renacimiento, perfeccionándose y adaptándose a las nuevas exigencias de los compositores. Entre los instrumentos renacentistas más importantes destacan los siguientes: 1. CORDÓFONOS: • Vihuela: Es un instrumento de cuerda típico del Renacimiento español. Se encuentran tres variedades: la vihuela de arco, que es un instrumento de cuerda frotada; la de péñola, que se toca con un plectro (púa); y la de mano, que se pulsa con los dedos. Este último es un instrumento semejante a una guitarra, aunque algo más pequeño y con seis órdenes de cuerdas dobles al unísono. Su mástil es estrecho y está dividido por diez trastes de tripa.

•

Laúd: Es un instrumento de cuerda pulsada típico de la música europea en el Renacimiento. Tiene un cuerpo oblongo y redondeado, con una tabla armónica plana y un mástil corto, con trastes, y con un clavijero casi perpendicular al mástil. En el siglo XVII fue perdiendo su popularidad a favor de otros instrumentos como la tiorba, el violín o el clave. Sus instrumentos predecesores son la pandoura de las músicas griega y romana y el ‘ud de la música árabe.

•

Viola da gamba: Es un instrumento de cuerda frotada, con siete trastes de tripa (a diferencia del violín), seis cuerdas afinadas por cuartas (a excepción de las dos centrales que se afinan por terceras) y que se utilizó durante los siglos XVI y XVII. Se construía en varios tamaños que constituían toda una familia de instrumentos. Su característica principal es su colocación vertical, descansando sobre o entre las piernas (gamba significa pierna en italiano).

•

Clave: Es un instrumento de cuerda pulsada con teclado que se utilizó desde el Renacimiento hasta bien entrado el siglo XVIII. Tiene una forma similar al del piano de cola. Sus cuerdas son pulsadas por un plectro de pluma montado en un mecanismo de madera llamado martinete y que es accionado por una tecla. Es habitual que los claves tengan dos teclados, cada uno de los cuales controla diversos registros, que se pueden combinar como en el caso del órgano.

2. AERÓFONOS: • Flauta de pico o flauta dulce: hoy en día se usa con fines educativos; fue uno de los instrumentos más populares de la época. También existían las flautas traveseras de madera. • Cromorno: es un instrumento de madera, de lengüeta doble (como la dulzaina) que termina en forma de U. • Chirimía: instrumento formado por un tubo de madera y lengüeta doble (parecido a los oboes pero de mayor tamaño). • Trompeta: Eran fabricadas en metal y se usaban con fines militares y en desfiles. • Sacabuche: es el antecedente del trombón de varas actual. es fabricado en metal.