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MINISTERIO DEL DEL PODER POPULAR PARA LA EDUCACIÓN SUPERIOR UNIVERSIDAD TECNOLÓGICA DEL CENTRO CONVENIO UNITEC IUTA SEDE TEQUENDAMA ESPECIALIDAD: INGENIERÍA EN INFORMACIÓN SECCIÓN: TP10 TURNO: SABATINO

ENSAYO TRIMESTRE SOCRÁTICO RENACIMIENTO Y ARTE: LA MÚSICA EN EL RENACIMIENTO

WISMAR J. PULIDO CORDERO C.I: 14.033.641 CARACAS, ABRIL 2018

Renacimiento, literalmente, significa renacimiento. Es una era que comenzó en 1300 y terminó entre los años 1600 y 1700. Su escuela de pensamiento cambió drásticamente de ideales religiosos y místicos a un enfoque de las interacciones humanas. Es digno e importante entender los cambios de la transición del período musical, porque marcan y dan forma a la industria de la música que se encuentra ahora. Por ejemplo, la ópera estaba en su infancia cuando Gigolo Canine (1551-1681) comenzó a escribir la primera ópera y ahora las óperas se pueden encontrar en todo el mundo y en diferentes culturas. Hay aspectos tremendos para hablar acerca de la transición del período Medieval al Renacimiento. Cuatro aspectos se centrarán principalmente en: cambio en el estilo de la composición vocal, razones de una mayor composición secular, invención de nuevos tipos de texto y cuál es la mayor motivación detrás de todos los cambios. Cambio en el estilo de la composición vocal, al hablar sobre la música litúrgica del período medieval, se puede asociar fácilmente al canto llano o al canto gregoriano más específico. El canto gregoriano generalmente se concibe como una única y estrecha gama de melodías sagradas y se percibe como la voz de la iglesia en ese período. Entonces, la polifonía se desarrolló alrededor del siglo XII. Órgano (polifonía más antigua) en virtud de agregar una melodía más rápida sobre un plainchant. Es bastante fácil identificar la música medieval de la música renacentista, ya que la música renacentista es relativamente más rica y completa. La textura es principalmente polifónica; sin embargo, también podría ser homofónica con las sucesiones de acordes, es decir, de una nota única se desprenden variaciones armónicas, tales como quintas, terceras mayores o menores, cuartas justas, etc. La música jugó un papel destacado en el ritual de la Iglesia. Hubo varios tipos de música de servicios de la iglesia además del Canto Gregoriano; estos incluyen escenarios polifónicos de la Misa, motetes e himnos. Estos se basaban normalmente en el contrapunto y, especialmente a principios del siglo XVI, en la música preexistente. La misa era el servicio central de la iglesia romana. De las Misas para servicios especiales, la más importante es la Misa por los muertos, el Réquiem. En el Réquiem se incluyen oraciones acordes con la solemnidad de la ocasión. La historia de la Misa como forma de arte se extiende durante más de ochocientos años desde entonces.

En ese momento, generó para sí una de las mejores canciones jamás escritas. El motete renacentista ahora se convirtió en una forma sagrada con un solo texto en latín, para usar en la misa y otros servicios religiosos. Estos trabajos fueron en tres de cuatro voces, a veces basadas en un canto u otro cantus firmus. Uno de los más grandes maestros del mestizaje renacentista fue el compositor franco-flamenco Josquin Desprez. Durante este tiempo, los músicos del siglo XVI fueron apoyados por muchas de las principales instituciones de su sociedad: la iglesia, la ciudad y el estado, así como las cortes reales y aristocráticas. A medida que la influencia del arte se extendió, las posibilidades profesionales se ampliaron. Hubo un crecimiento correspondiente en una serie de instituciones musicales básicas. También hubo mayores oportunidades para que aprendices estudien con maestros cantantes, ejecutantes y constructores de instrumentos. El ascenso de la clase mercantil trajo consigo un nuevo grupo de patrocinadores de la música. Cuando la imprenta se puso a disposición de la música a principios del siglo XVI, los libros de música impresos se hicieron disponibles y asequibles. Esto a su vez hizo posible el surgimiento de las grandes editoriales. Como resultado, hubo un aumento dramático de la alfabetización musical. La música secular del Renacimiento fue pensada tanto para el profesional como para el aficionado. Con el auge de la clase mercantil, la música en el hogar se hizo cada vez más popular. Las casas más prósperas tenían un laúd o un instrumento de teclado. El estudio de la música era importante para las niñas y, en menor grado, para los niños. Las mujeres comenzaron a desempeñar un papel destacado en la ejecución de la música tanto en el hogar como en la corte. La danza también era cada vez más popular. Los instrumentos que se usarán en estos arreglos de baile fueron determinados por una ocasión particular. Las representaciones al aire libre requerían instrumentos fuertes como el shawm y el sackbut (oboe medieval y trombón). Para ciertas ocasiones cívicas, se prefirieron los instrumentos suaves como la flauta dulce y las cuerdas inclinadas. Aunque las partes de percusión no se escribieron en la música renacentista, la evidencia sugiere que fueron improvisadas en la presentación. En los tribunales se tocaba música a menudo, es decir, música de mesa, la gente de la corte a menudo bailaba después de la cena. Hubo una serie de tipos de baile que fueron populares. La majestuosa danza de la

corte conocida como la Pavane solía ser el primer número de un conjunto, seguido de uno o más bailes más rápidos, como el Saltarell italiano y el Galliard francés. El Allemande, o baile alemán, fue popular durante el Barroco y, finalmente, el Ronde, o danza redonda, una danza animada asociada con el aire libre. En el siglo 1600, hacia el final del período renacentista. Esta vez surgieron discusiones acerca de la música nueva, "la nueva música", y lo que sus seguidores orgullosamente llamaron "el estilo expresivo"; pronto se dieron cuenta de que este estilo representativo podría aplicarse no solo a un poema sino a todo un drama. De esta manera, fueron llevados a lo que muchos consideran como el logro más importante de la música de finales del Renacimiento y la música barroca temprana: la invención de la Ópera Las formas vocales del Renacimiento estaban marcadas por melodías suavemente deslizantes concebidas para la voz. Este período de tiempo ha sido considerado como la edad de oro del estilo acappella, lo que significa una obra vocal sin acompañamiento instrumental. Su polifonía se basa en un principio llamado imitación continua, un estilo en el que los motivos se mueven de una línea a otra dentro de la textura, a menudo superpuestos entre sí. Como resultado, el mismo tema o motivo se escuchó ahora en el soprano o alto, y en el tenor o el bajo. Resultó un tejido musical muy unido capaz de los efectos más sutiles y variados. La mayoría de la música de la iglesia estaba escrita en un estilo de cappella. La música secular se dividió entre obras puramente vocales y aquellas en las que los firmantes eran apoyados por instrumentos. El período también vio el crecimiento de la música instrumental solo, especialmente para el laúd y los instrumentos de teclado. En armonía, el Renacimiento se inclinó hacia acordes más llenos. Se alejaban de las quintas y octavas paralelas preferidas por los compositores medievales a los agradables tercios y sextos; también se relacionó un mayor uso de la disonancia con el texto, aunque en la música sacra esta tendencia se controló cuidadosamente. El contrapunto de especies ahora se inventó para ayudar a los estudiantes a aprender contrapunto. El contrapunto es el estudio de establecer melodías independientes entre sí. La palabra contrapunto proviene de la palabra latina Contra - Punctum - que significa "Contra un punto" o en otras palabras, "punto contra punto" o "nota contra nota". Por lo tanto, el contrapunto es un medio horizontal y no es como la

armonía, que se considera más un concepto vertical. El contrapunto renacentista fue el mejor ejemplo de escritura melódica clara, con un uso mínimo de consonancia - acordes uno, cinco y la octava y más uso de la disonancia - el sexto y el tercer acorde. Todas las melodías se construyeron por encima o por debajo del cantus firmus, una melodía fija. Ahora, al poder componer para otros propósitos en lugar de solo para la iglesia, los compositores se afirmaron a sí mismos como artistas creativos, no simplemente como funcionarios de la iglesia. La partichelas, que es la representación de forma ilustrada de tonos y del significado de palabras específicas a través del simbolismo musical es otro de los avances de las artes en el periodo renacentista, pues si bien, no fue creado en ese periodo, si se perfecciono en sobremanera, sin llegar a ser aun una partitura tal cual como la conocemos, pues estas no utilizaban barras de compases, y junto con nuevas técnicas de ejecución vocal y de la incorporación de instrumentos y sus rangos tonales. Por ejemplo, si hubiera una palabra "larga" en el texto, entonces el tono sería muy largo en esa palabra. Otro tipo de tipo de texto secular renacentista es el ballet. Ballet es una canción bailable para varias voces solistas; también siguiendo el ideal del ballet de la cámara era en su mayoría homofónica en la textura con la melodía en la voz más alta. Antes del renacimiento, la música instrumental era solo un acompañamiento de los sonidos vocales. Sin embargo, durante el siglo XVI, más música fue escrita específicamente para instrumentos. Además del órgano, clavicémbalo y clavicordio, todos evolucionaron en el siglo XV. También hubo una clasificación más organizada para el instrumento en términos de sus volúmenes. Eran dos grupos, de altar y bajo lo cual representaban los conjuntos fuertes y suaves. El grupo de altar eran los conjuntos de instrumentos cuyas frecuencias y tonalidades eran altas, como las flautas e incluso percusión que los ensambles de graves incluía arpa, laúd y otras cuerdas bajas. La fuerza motora tenía un nuevo ideal que impulsaba todos los cambios de la música medieval a la renacentista: el Humanismo. Sin embargo, los ideales renacentistas cambiaron de "centrados en Dios" a "centrados en el ser humano", se hizo más hincapié en la voluntad y las interacciones de los humanos. La pérdida de poder de la Iglesia Católica se originó en el cambio psicológico del hombre. Las voluntades de las personas no fueron controladas por la autoridad, sino que se atrevieron a

cuestionar la fidelidad de la doctrina. El auge de la música secular fue otro signo del nuevo ideal renacentista. La música secular trajo el entretenimiento a la era renacentista; la gente podía tocar música secular en bodas y en la calle, y no como en la Edad Media y Antigua, en la cual los “minnesanngers” se consideraban herejes por sus cantos “paganos”. La transición de la música en el período medieval al período renacentista fue de hecho muy espectacular. El significado literal de la palabra "renacimiento" ilustra mejor el estado de la música del período medieval: el renacimiento. El cambio en la composición vocal podría ser el cambio más obvio de todos. La expansión del alcance, el color de tono enriquecido y el uso de nuevas técnicas habían llevado la música a otro nivel; la música en el renacimiento fue más desafiante pero más interesante para tocar. Debido a la formación de nuevas iglesias y la invención de la imprenta, la cantidad de composición secular que se estaba produciendo también había aumentado en esta época. También se han explorado nuevos tipos de texto de música; el más importante de todos: el madrigal había promovido el crecimiento de la ópera en años posteriores, el ballet y también la música instrumental. Sin embargo, entre todos esos cambios en el estilo de la música, o los ajustes políticos, la fuerza motriz más poderosa detrás de los cambios fue la filosofía del humanismo que flotaba en el aire; los ideales de la misma le permitieron a la gente enfatizar más en aspectos "centrados en el ser humano" como el libre albedrío y los entretenimientos, llevando al arte musical renacentista a un nuevo estandarte de superación del hombre de las barreras sociales de la religión y elevando a la humanidad a un plano mas real, tangible y como centro de atención en ese periodo tan importante de la historia.

BIBLIOGRAFIA

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