• Author / Uploaded
• Paula fernandez

Citation preview

INSTITUCIÓN EDUCATIVA VILLA DEL SOCORRO GUÍA PEDAGÓGICA FILOSOFIA –GRADO 11 TEMA: Estética de la Filosofía Periodo tres

Docente: John J. Ochoa Ríos

FILOSOFIA DEL ARTE, el arte expresa el pensamiento filosófico imperante. El arte es una forma de El Renacimiento, fue un momento conocimiento que expresa cultural caracterizado por el emociones, sentimientos, estados antropomorfismo y por la vuelta al de ánimo, ideas y formas de espíritu de la antigüedad clásica, pensar según el momento histórico se caracteriza por su arte realista. en el que se vive. Cada etapa El Renacimiento italiano es el que histórica influye en la cosmovisión expresa en forma más completa del hombre y cada forma de ver el los ideales de esa sociedad mundo condiciona a la historia e durante esa época. influye en el arte. ALGUNAS CARACTERÍSTICAS El arte abarca distintos medios DE LA OBRA DE ARTE El filósofo como la pintura, la escultura, el alemán Theodor Adorno creía que grabado, el dibujo, las artes es imposible definir el arte, por ello decorativas, la arquitectura, la señala que "Ha llegado a ser música, la literatura. El arte puede evidente que nada en el arte es tener un carácter utilitario, estético evidente", y agrega: "Todas las o bien puramente expresivo. El obras de arte, y el arte mismo, son análisis de símbolos, motivos y enigmas". Encontrar una definición temas suele ser el aspecto de arte es difícil, porque existen abordado de mayor interés. diferentes visiones al respecto, algunas de las cuales son En el mundo antiguo, las pirámides opuestas. Sin embargo, podemos de Egipto represen- tan las reseñar algunas características de creencias de una cultura que la obra de arte que nos permitan parecía priorizar la vida más allá de diferenciar qué es y qué no es arte. la muerte. El arte griego y romano es una expresión del realismo La obra de arte es una expresión filosófico y se destacó por su estrictamente huma- na, las obras pintura y escultura relacionada con de arte son producciones pensadas. la mitología, los dioses y los Por ser producciones que parten del tienen valor gobernantes. La arquitectura greco pensamiento, romana expresaba la opulencia de intelectual. La obra de arte es una las clases privilegiadas que creación original, es única e simbolizaban el poder, como por irrepetible y por lo tanto la obra de ejemplo la tumba de Artemisa II, arte tiene perfección técnica en su hermana y esposa del rey Mausolo ejecución. de Caria. El arte tiene mucha relación con el Para los griegos el arte significaba saber hacer; Aristó- teles lo define como la capacidad para producir cualquier objeto, orientados por la razón, que hoy en día se denomina técnica. Kant distingue entre el arte mecánico y el estético; este último puede ser placentero, por puro placer y bello cuando procura placer intelectual. Durante la filosofía escolástica, en la Edad Media, el arte se cir- cunscribió a los temas religiosos ya que los sistemas filosóficos dominantes partían del dogma.

mundo de la imagen, que para muchos es un mundo irreal y de fantasía. Algunos consideran que la obra de arte, El Impresionismo que surge después del Renacimiento, fue un movimiento artístico de rebelión contra las leyes tradicionales del academicismo con respecto a los rigo- res que existían sobre el contorno definido, el conoci- miento de la anatomía, la perspectiva y la importancia del claroscuro. Frente a este intelectualismo realista, el sensualismo impresionista se basaba

1

2 en la intuición personal y en la expresión de las emociones, con exclusión de todo conocimiento teórico. Alrededor de 1900 casi toda la pintura occidental era impresionista, ese cambio de estilo no se limitó a la pintura, sino que se extendió a la escultura, la música y la literatura. La revolución plástica que representó el Impresionismo sentó las bases para el surgimiento de producciones artísticas posteriores más audaces. El cubismo a principios del siglo XX, fue la revolución estética más importante desde el Renacimiento. El Relativismo Cultural influye en el arte y surge Pablo Picasso como exponente máximo del cubismo, que desarrolla un sistema representativo basado en el hecho que la visión humana tiene distintos puntos de vista y se desarrolla en el tiempo. El cubismo presenta los objetos tal como son concebidos por la mente y como existen en sí, y no tal como son vistos. Salvador Dalí es otro extraordinario artista plástico que expresa con gran brillo y originalidad la relatividad del tiempo y las diferencias en la forma humana de ver el mundo.

1. ¿Por qué el arte expresa el pensamiento filosófico imperante? 2. ELABORA UN MINI COLASH juntando obras de las épocas: mundo antiguo, renacimiento. Y Modernidad. aunque parte de la realidad, está por encima de ella, y que aun las obras pictóricas más realistas son formas diferentes de la realidad. Es decir, la obra de arte tiene sus propios mundos, que en ocasiones son extraños al mundo de la "realidad" y por tal razón hay que comprender sus códigos para poder disfrutar de ella. Pero también, la obra de arte permite experimentar y percibir sensaciones; porque ella genera en las personas sentimientos, pensamientos o reflexiones cuando estamos frente a ella. Algunas de las sensaciones que experimentamos son propuestas por el autor de la obra, otras parten de nuestra relación con la obra y dependen de múltiples factores como, por ejemplo, el lugar de exposición o de cuánto sabe el espectador sobre el tema que trata la obra.

A partir del texto responder las siguientes preguntas, siempre buscando la mejor interpretación y la argumentación mejor elaborada.

Teniendo en cuenta esto, se puede decir que una de las características de la obra de arte es suscitar emociones de todo tipo. Esta acción de suscitar permite conectar al ser humano de hoy con el de hace 15 mil contempló las obras de Picasso a mediados del siglo años, con aquel que dibujó ciervos en la Cueva de pasado. Altamira durante el paleolítico superior, o con el que Para algunos de nosotros el arte es belleza, lo cual quiere decir que todo lo bello es arte. Sin embargo, en la historia de la humanidad podemos encontrar obras de arte que carecen de belleza. Por ejemplo. Saturno devorando a su hijo, de Francisco de Coya. Es por ello que se puede afirmar que algunas obras de arte tienen belleza, pero otras carecen de ella, aunque, de todos modos, suscitan otro tipo de impresiones y de sentimientos. La actitud estética permite que la sensibilidad juegue con la razón y con la voluntad, las cuales admiran lo que produce la imaginación. Esta admiración está por encima del interés, de la utilidad o del consumo. La actitud estética es desinteresada, o, en palabras de Aristóteles y Kant, "es un interés

3 desinteresado que hace posible la contemplación de la obra estética". Esta actitud no es pasiva sino activa porque, por medio de la sensibilidad, la razón y la voluntad se entregan al disfrute de la obra de arte abriendo nuevas vías de comunicación por medio de la imaginación. La actitud estética une de manera armoniosa la razón y la sensibilidad para que disfruten de manera libre, es decir, sin interés y fines preestablecidos, la obra artística. CARACTERÍSTICAS DE LA EXPERIENCIA ESTÉTICA La experiencia estética se caracteriza por ser: Profunda, que implica, que no se trata de cualquier sentir, sino de aquel que transforma nuestra visión de la realidad, de tal manera, que las cosas adquieren otro sentido después de vivir la experiencia estética. Ahistórica, es decir, no tiene tiempo porque, cuando vivimos una experiencia estética, el tiempo es lo de menos. Vivir la belleza significa encontrarse con la eternidad, pasar del ayer al hoy y de éste al mañana sin darnos cuenta. Intensa y breve, lo que explica que la disfrutemos sólo si tenemos desarrollada la facultad del gusto estético. Es un momento que nos puede cambiar la vida. Descentrada, es decir, nos saca del mundo ordinario. Cuando participamos de una experiencia estética estamos tan inspirados de ella que nos olvidamos del mundo y de nosotros mismos. El sentir estético abre la posibilidad de su experiencia y ésta permite desarrollar una actitud estética, que no es otra cosa que la relación que los seres humanos tenemos con los objetos estéticos. Esta relación se puede asumir de dos formas: como placer que disfrutan nuestros sentidos frente a un objeto bello, y como goce con algo bello. En la forma de placer, la experiencia estética es limitada y cae en lo que podemos” denominar satisfacción de los sentidos, que se manifiesta en el agrado que sentimos frente a algo. En la segunda forma, podemos hablar de una experiencia estética relacionada con la "elevación del espíritu” de la que habla Platón. En otras palabras, una experiencia que está más allá de la satisfacción de los sentidos, de lo físico, y que tiene que ver con la formación de nuestro ser. Esta forma es la que desarrolla actitud estética, que supone razón y sensibilidad.

4 Sueño de una tarde dominical en la Alameda Central, mural realizado por Diego Rivera en 1947 Describa lo observado en el mural

A las mujeres y campesinos maltratados y el sueño de la justicia que de manera en la cual se desarrolló la Revolución Mexicana

PRUEBA DIAGNÓSTICA: Defina que es belleza: R  se define como la característica de una cosa o persona que, a través de una experiencia sensorial, procura una sensación de placer o un sentimiento de satisfacción. Defina que es feo: R  El uso más extendido que asume la palabra feo es para designar a aquel o a aquello que no es bello, que presenta un aspecto exterior desagradable, ausente de belleza, antiestético, repugnante y repelente, según corresponda Autor: Fintan Magee. Bogotá. Colombia. 2013 Fuente: www.streetartnews.net

¿Qué es objetivo y subjetivo? R  subjetivo alude a lo que es propio del sujeto que observa, objetivo se refiere a aquello que le es propio al objeto, con independencia de la opinión de su observador. ¿Qué es abstracto? R 

Es lo que existe sólo en idea, en concepto, en la mente. Abstracto tiene como sinónimo indeterminado, indefinido, teórico, ideal, vago e impreciso. En la filosofía, abstracto es toda representación que no corresponde a ningún dato sensorial o concepto. Es lo que es de comprensión difícil.

.

Seleccione la respuesta y argumente porque su respuesta: 1. Generalmente se dice que el concepto Verdad no se aplica a la creación artística pues el artista crea a partir de su subjetividad mientras que la verdad es un predicado que produce un conocimiento objetivo. Según

5 Gadamer esta posición está equivocada, pues para él, es posible hablar de una verdad en el arte porque al comprender el sentido o significado de la creación artística se produce un conocimiento y por lo tanto se puede hablar de una verdad en sentido artístico. Gadamer defiende lo que él llama el "derecho a la verdad en el arte", diciendo que, aunque la verdad en el arte no es universal, sí es comunitaria y en esto radica su carácter objetivo. Así, Gadamer defiende un concepto de verdad estética que A. critica el carácter subjetivo en la obra de arte mostrando que la verdad en el arte depende de su carácter universal B. da importancia a la universalidad de la creación artística, pues ésta es la que brinda conocimiento objetivo C. si bien no está restringida únicamente al mundo privado del artista, es relativa al contexto comunitario en el que la obra es interpretada D. niega el contexto en el que la obra debe ser interpretada pues el arte depende de un conocimiento objetivo y universal.

R// Por que defiende el "derecho a la verdad en el arte", diciendo que, aunque la verdad en el arte no es universal sí es comunitaria y en esto radica su carácter objetivo es decir la verdad en el arte depende en gran parte de la interpretación que la mayoría de los observadores hace de lo que el artista quiere mostrar.

2.Para Platón, mediante la creación artística se puede ver cómo se relacionan el mundo de las ideas y el mundo sensible. Según él, lo sensible siempre es generado como reflejo de lo inteligible. Por lo tanto, debe existir un alma que cumpla la función de diseñador, en este sentido el artista es un mediador entre la idea y el producto final. Así, de acuerdo con Platón A. la obra de arte adquiere sentido en la medida que el artista logra una representación adecuada de la idea B. la idea se refiere a la obra de arte gracias a la mediación del artista que es un almacreadora C. lo inteligible es generado por la idea y la función del artista es generar dicharelación D. la obra de arte como producto final no hace parte del mundosensible. R// Platón considera que la realidad se compone de arquetipos o formas que están más allá de los límites de la sensación humana y que son los modelos de todas las cosas que existen. Por lo que al artista le es imposible alcanzar las ideas en sí ya que son eternas, únicas e inmutables.

3. Para Kant, los juicios estéticos pretenden la universalidad. Según este filósofo, cuando los seres humanos discuten sobre estética, buscan una razón última que fundamente la verdad de sus juicios. Esta razón última es la que soporta la idea de objetividad y universalidad en la estética. De esta forma, el autor considera que la belleza no está presente en el objeto como una propiedad, tampoco considera que el juicio estético

6 dependa totalmente del observador. Por lo tanto, el acuerdo en los juicios estéticos es posible, porque A. la belleza es una propiedad de los objetos y cuando los observadores la descubren llegan a acuerdos sobre ella B. los juicios estéticos dependen de las propiedades de los objetos y esto es independiente de las discusiones sobre estética C. diferentes observadores pueden diferir en sus juicios sobre los objetos de creación artística D. existe una universalidad en dichos juicios que se evidencia en la búsqueda común de un acuerdo sobre lo bello R// Porque el acuerdo en los juicios estéticos es posible, porque existe una universalidad en dichos juicios que se evidencia en la búsqueda común de un acuerdo sobre lo bello. Las cosas pueden ser bellas sencillamente todo depende de quien las observe ya que todos no poseemos los mismos gustos.

Qué sentido le da a la ESTÉTICA el contexto de la imagen. _se relaciona con las sensaciones y las percepciones que desarrolla cada individuo y que emplea en determinadas situaciones, por ejemplo, cuando contempla la belleza natural de la mujer. _ En sus obras siempre estaba presente la figura femenina. Lo cual en esta ocasión también pero con un poco de la naturaleza

_ _

_

_ Tenemos sentido cuando somos capaces de apreciar lo bonito que es la estética y lo natural de la figura femenina

_

_ la conexión que hay entre mujer y naturaleza. Creo, sin embargo, que esa conexión existe y se manifiesta a través de los ciclos de la mujer y los de la naturaleza

_

_ la belleza de una mujer va en su naturalidad de actuar frente a los pensamientos que tenga de si mis lo cual la hace bella e inteligente.

_

_ la mujer es como el arte muy bella y naturalmente lo cual la hace un ser demasiado importante para el mundo.

_

_ _ _ _ Tiempo Otoñal Irazema Ríos – Rostro de Mujer – Flores y Mariposa

7 Espacio Conceptual: La estética es la rama de la filosofía que tiene por objeto el estudio la esencia y la percepción de la belleza. La estética estudia las razones y las emociones estéticas, así como las diferentes formas del arte. La Estética, así definida, es el dominio de la filosofía que estudia el arte y sus cualidades, tales como la belleza, lo eminente, lo feo o la disonancia. Baumgarten usara la palabra "estética" como "ciencia de lo bello, misma a la que se agrega un estudio de la esencia del arte, de las relaciones de ésta con la belleza y los demás valores. La estética es la ciencia que estudia e investiga el origen del sentimiento puro y su manifestación, que es el arte, según Kant en su "Crítica del juicio". Se puede decir que es la ciencia cuyo objeto primordial es la reflexión sobre los problemas del arte. Si la Estética es la reflexión filosófica sobre el arte, uno de sus problemas será el valor que contiene el arte; y aunque un variado número de ciencias puedan ocuparse de la obra de arte, sólo la Estética analiza filosóficamente los valores que en ella están contenidos. Según el análisis que hace la estética del arte, realizaremos un ejercicio de percepción sobre la pintura llamada “EL GRITO” del pintor Edward Munch. ,l

De

El simbolismo de la imagen se percibe en el rostro agitado del protagonista en primer plano que es casi una calavera que se aprieta el cráneo con las manos para que no le estalle. E empleo de los colores, violentos, arqueados en agresivas bandas de color, es puramente simbólico y trata de transmitir al espectador el agitado estado de ánimo del autor. Esta sensación se refuerza con la presencia de dos testigos mudos, lejanos, anónimos, dos figuras negras que se recortan al fondo de una violentísima perspectiva diagonal que agrede la visión de quien la contempla. Las formas se retuercen y los colores son completamente arbitrarios, tan sólo intentan expresar el sentimiento del autor y no una verdad racional. Este cuadro resalta el gesto más expresivo del arte contemporáneo para significar el gran desaliento que el hombre moderno sentía ante el fin de siglo XIX y la transición al siglo XX.

acuerdo al texto podemos concluir los siguientes pensamientos: La Estética es la rama de la filosofía que estudia la percepción de la belleza. La estética reflexiona filosóficamente sobre los problemas del arte como los valores. AHORA A ESCRIBIR: Escribo que significado percibo del cuadro.

Que la realidad de los colores buscan expresar un sentimiento de angustia y desesperación, más vivamente reflejada en la figura de la pintura, en la intensidad de su gesto de angustia y espanto.

8 Busco el original del Grito de Edward Munch y lo reproduzco ¿Qué relación tiene la imagen con lo expuesto al comienzo del texto frente a la Estética? Escribo mi respuesta. Que el arte es la esencia de nuestra capacidad para sentir emociones y sentimientos en el espectador. La función del arte es en este sentido la de expresar, comunicar y transmitir la naturaleza del alma humana. El valor de una obra de arte y su belleza consisten en las sensaciones, emociones y sentimientos que ésta despierta y transmite. Immanuel Kant: Crítica del juicio: "Para discernir si algo es bello o no, nos referimos a la representación, no por el entendimiento al objeto con vistas al conocimiento, sino por la imaginación (tal vez unida al entendimiento) al sujeto y al sentimiento de agrado o desagrado experimentado por éste". Lo estético: no se funda en conceptos, no se puede medir: "No puede haber ninguna regla de gusto objetiva que determine por conceptos lo que sea bello, puesto que todo juicio de esta fuente es estético, es decir, que su motivo determinante es el sentimiento del sujeto y no un concepto del objeto". No hay ciencia sino crítica de lo bello. La sensación sensorial es incomunicable. La comunicación viene de lo común (u ordinario) a todos.

Si según Kant no hay reglas para determinar la belleza. ¿Cómo es posible que hablemos de cosas que son bellas y otras que no lo son? ¿Por qué dice que no hay ciencia de lo bello? Un ejemplo de la influencia que ejercieron en el arte algunos filósofos alemanes como Kant y Marx, o el movimiento neo-medievalista literario, abanderado por el poeta Wordsworth, son los pilares culturales de la expresión artística. En todos ellos, el valor del individuo es el que prima. Esto conduce indirectamente a revalorizar todo el arte de los estilos

9 anteriores, puesto que ya no se depende de las normas establecidas para el período vigente -como ocurría en el Neoclasicismo- sino que lo importante es el efecto que una obra de arte ejerce sobre la sensibilidad del sujeto, que varía de uno a otro. El valor del pensamiento subjetivista responde también a la crisis de valores religiosos (cristianismo) y racional (Ilustración); en el arte, el peso de este posicionamiento es tremendo, puesto que cualquier objeto o tema es digno de reflexión artística, siempre que el sujeto o el pintor sientan aludida su sensibilidad. El mejor ejemplo está en los primeros cuadros románticos entre los que se destacan los paisajes. El paisaje puede ser ahora dramático, sereno, noble o sublime. Los elementos que protagonizan el paisaje ya no son mitologías, narraciones bíblicas o gestas heroicas, sino el propio paisaje: la luz y el color conforman la atmósfera, cuya presencia inunda los lienzos. La vaporosidad y la libertad de ejecución se ven reforzada gracias a la técnica de la acuarela, como fue el caso de Turner. Se pone más Naturaleza que referencias reales, lo que lleva en ocasiones a un simbolismo criptográfico, sólo descifrable por algunos conocedores.” (http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/cuadros/13975.htm)

El pensamiento relativista hizo revalorizar el arte que dependía de normas establecidas, causando que el efecto que este ejerce sobre la sensibilidad del sujeto se convierta en el elemento más importante. Las pinturas del artista Ingles Turner, es un ejemplo de los cambios que se dieron por la influencia de filósofos como Kant.

Campo Santo, Venecia Autor: Joseph M. William Turner Fecha: 1842 h. Muse o: Toledo Museu m of Art Caract erístic as: 62,2 x 92,7 cm.

10 Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Romanticismo Inglés En esta escena podemos observar el cementerio de la isla de San Michele, al norte de Venecia, con lo que posiblemente el maestro londinense pretendía simbolizar la decadencia de la ciudad desde la dominación francesa desde 1797. El colorido empleado por Turner es bastante brillante, destacando los tonos azules del mar y del cielo, combinando con las nubes blancas y los reflejos de las embarcaciones en el mar. Al fondo, muy difuminadas, podemos observar las siluetas de los edificios de la Ciudad de los Canales, cuyo romanticismo cautivó al maestro de las atmósferas. El crítico John Ruskin consideró este lienzo como "la más perfecta de las últimas obras de Venecia". Complete las frases, según lo leído: 1. Los pintores de finales del siglo XVIII y el siglo siguiente cambiaron el estilo en sus obras porque: R// Porque Los temas tradicionales ya no serán los preferidos; los artistas eligen como tema cualquier cosa que les pase por la imaginación o provoque su interés, desde escenas tomadas de la literatura hasta acontecimientos políticos de la historia reciente. Y por lo que la clientela, tanto privada como oficial, comenzó a dar señales de hastío de la exuberancia formal del Barroco y, especialmente, del Rococó. Un retorno a las formas del clasicismo renacentista se extendió por Europa 2. La relación que tiene el hecho que a Turner lo hayan llamado el maestro de la atmosfera (palabra subrayada) con los nuevos elementos protagonistas del paisaje de esta época, es porque estos reemplazaron: R// Porque Turner fue lento, pero imparablemente evolucionando hacia un estilo libre, atmosférico, en ocasiones esbozando incluso la abstracción, que fue incomprendido y rechazado por unos críticos que llevaban décadas admirándolo. El aparente caos que llenaba las últimas obras de Turner fue atacado por considerarse la obra de un demente. Se dice que la mismísima Reina Victoria se negó a concederle la orden de caballero -honor otorgado a muchos pintores de menor categoría- porque consideraba que Turner estaba sencillamente loco. 3. Busque las imágenes de los cuadros “el nacimiento de Venus” de Botticelli, recorto y pego; luego lo comparo con el paisaje de Turner y escribo tres diferencias en el estilo de la pintura y por qué se da esta diferencia. “el nacimiento de Venus” de Botticelli

paisaje de Turner

11

paisaje de Turner 1. Turner responde a una compleja evolución artística en la que el pintor se adelanta varias décadas a cualquier otro artista de su generación. Por tanto, la incomprensión a la que Turner se vio sometido no es sorprendente. 2.el estilo de Turner se fue haciendo cada vez más libre, con el uso de una paleta predominantemente clara. La culminación de todo este proceso es el sublime " Norham Castle: amanecer¨ 3. Audaz y técnicamente perfecto, el cuadro de Turner es una visión insólita de los protagonistas del mar: en vez de mostrar un glorioso navío en su máximo esplendor y plenitud (como haría, por ejemplo, el americano Fitz Hugh Lane) Turner rinde homenaje al valiente Temerarie narrando su último capítulo, su viaje previo al desguace. El sol poniente y la luna creciente son elementos claramente simbólicos, marcando el fin de una era “el nacimiento de Venus” de Botticelli 1.expresa sensibilidad propia del Renacimiento, tiempo en que se renovó la representación de los mitos de la Antigüedad Clásica, en los cuales los renacentistas encontraban verdades escondidas sobre la naturaleza humana. Esto significó una verdadera defensa del humanismo antropocéntrico frente al teocentrismo del pasado. 2. La larga y abundante melena flota en el aire. Su extensión le permite usarla para esconder delicadamente sus "vergüenzas", mientras una de sus manos se apoya en su pecho. 3. Los cuerpos se representan con algunas incorrecciones deliberadas, puesto que el propósito de Botticelli era construir una composición equilibrada y armoniosa.

_ Creatividad: Los mándalas son dibujos circulares compuestos por formas geométricas que se utilizan en el hindobudismo como soporte de la meditación. Un mándala, rueda o círculo en sánscrito, es una imagen con un centro y con una simetría organizada habitu almente en 4 ejes, los 4 puntos cardinales, aunque pue -

Aplique color al mándala de la muestra expresando su creatividad. Interprete el concepto de belleza en la filosofía de Platón y relaciónelo con el arte: __ psíqui-cos y sociales, caracteres y sistemas riales sino también elementos políticos, la virtud y la_ verdad. Entendía la belleza ampliamente: abarcaba _ con ella no solo los valores que solemos llamar estéticos sino también los _ morales y cognoscitivos. Este concepto de lo bello difería muy poco del concepto del bien. ESTÉTICA DE PLATÓN Concepto de La belleza como orden y medida: La concepción pitagórica de Platón, veía belleza la esencia de la belleza en el orden, en la medida, en la proporción, en el Las formas, los colores y las primero melodíascomo una propiedad acorde y en la armonía; concebía la belleza constituían (distribución, tan solo una parte de la de los elementos y, dependiente de la disposición armonía) pues matemática abarcaban que conpodía este expresarse por como una propiedadbelleza, cuantitativa, no solo los objetos mate numerosos (medida yconcepto, proporción). Platón explica que -son la medida y la proporción, quienes deciden sobre la belleza de las cosas y les proporcionan unidad. Según Platón la belleza abarcaba los valores estéticos, morales y cognoscitivos. _ __

12

13 Auguste Renoir, pintor de vida: Renoir, pintor impresionista, destaca, sobre todo por la representación de la vida y la búsqueda de la belleza interior que lleva a cabo en sus retratos. Normalmente en los rostros de mujeres o niñas donde consigue expresar la inocencia, la armonía del ser y una bondad expansiva. Aunque Platón no gustaba de la pintura por parecerle un engaño, se identifica con Renoir porque el también buscaba en su pintura relacionar el concepto de belleza con el bien. COMPLETO Según Platón lo bello no solo abarcaba: con ella no solo los valores que solemos llamar estéticos sino también los morales y cognoscitivos. Este concepto de lo bello difería muy poco del concepto del bien, sirviendo sobre todo para formular tesis generales, y era aplicable en la estética si no también: el concepto de lo bello de forma inductiva e intentaba aclarar las cualidades comunes para todo el concepto de belleza. Lo bello es lo conveniente (lo útil y lo que sirve pueden ser considerados como variantes de la conveniencia) y lo bello es un placer para la vista y los oídos. Platón tuvo en cuenta ambas definiciones, pero no las acepto. El concepto más cercano a belleza según Platón era: como "aquello que gusta, que atrae, que despierta admiración, agrado, fascinación". En este sentido la Belleza despierta en nosotros una fuerza, una intención una aspiración, un deseo de conseguirla. Ese deseo de alcanzar la belleza es entendidocomo amor, ‘El amor es la fuerza que nos lleva desde lo sensible hasta la Idea pasando por lo mental y lo espiritual. Según el texto valores estéticos se refiere a: morales y cognoscitivos. Y cuando nombra valores morales y cognoscitivos se refiere a: Las formas, los colores y las melodías constituían tan solo una parte de la belleza, pues abarcaban con este concepto, no solo los objetos materiales sino también elementos psíquicos y sociales, caracteres y sistemas políticos, la virtud y la verdad. Entendía la belleza ampliamente: abarcaba con ella no solo los valores que solemos llamar estéticos sino también los morales y cognoscitivos.

Analizar: escribo otras (2) semejanzas entre las teorías de Platón sobre la belleza y las representaciones de las pinturas de Renoir. R//  La belleza de esta composición es sin duda única, la claridad de los colores denota una dedicación y esfuerzo extremo. como se puede ver en su obra llamada "Almuerzo de remeros"  Para realizar esta obra llamada "Dos hermanas", el artista se inspira en las vistas de su nuevo estudio en Montmartre. En cuanto entró en la casa, el artista quedó encantado con este jardín que le pareció un hermoso parque abandonado. Lo que dejaba muy en claro que para la toda la realidad sin alterarse es también bella, que las imperfecciones hacen contraste con las perfecciones, y es en esa diferencia donde se encuentra la belleza. Escribo sinónimos de las palabras subrayadas en el primer párrafo del texto “Estética de platón”.

cognoscitivos difería

mental

intelectual

Explico el significado de “concepción pitagórica de Platón” que se encuentra en el segundo párrafo. Contextualizo.

cognoscitivo

14 R// La belleza como orden y medida la concepción pitagórica, asumida y desarrollada por Platón, veía la esencia de la belleza en el orden, en la medida, en la proporción, en el acorde y en la armonía; concebía la belleza primero como una propiedad dependiente de la disposición (distribución, armonía) de los elementos y, como una propiedad cuantitativa, matemática que podía expresarse por numerosos (medida y proporción). Platón estaba convencido que la medida y la proporción son las que deciden sobre la belleza de las cosas y les proporcionan unidad.

Aumento mi vocabulario: El término arte puede tener numerosas interpretaciones acorde con la filosofía y perspectiva que cada individuo tenga. En siglo IV a.C. Mario Villorino clasificó a las artes en: Artes animi, o artes materiales: Poesía, música, astrología, gramática, retórica, jurisprudencia y filosofía. Artes corporis: Lanzamiento, salto, velocidad, levantamiento de pesas, etc. Quizá la máxima representación de artes corporis que podríamos tener hoy en día es el fisicoculturismo. Artes animi et corporis: Agricultura, gimnasia, arquitectura, escultura, etc. MOMENTOS DE DISTENSIÓN: Como se explicó anteriormente los mándalas no son solo un dibujo con fines estéticos y decorativos sino que por medio de ellos la cultura oriental busca la armonía interior. Pinte este mándala eligiendo el significado para cada color, elabore un cuadro de convenciones y de significado también a las formas, escriba el mensaje que quieres trasmitir. Color Significado

Naranjad o

Es el color de la diversión, de la alegría.

Mensaje

Tiene relación con la sociabilidad, la originalidad, la extraversión, la actividad o el entusiasmo y la cercanía. Por otro lado, algunas tonalidades del naranja representan lo

15

Azul

Es un color que da armonía y una sensación de eternidad

Negro

negro es elegancia, distinción, énfasis, sobriedad, necesidad de espacio y de concretar.

Rosa

Es un color romántico, delicado, suave

Amarillo

Verde

armonía, sabiduría, agilidad, brillante

naturaleza, crecimiento, fertilidad, dinero, aire libre.

excesivamente llamativo, una actitud frívola y convencional; y otras tonalidades representan también lo inadecuado y el peligro Se percibe como inteligencia con fuerza, pero sobre todo como LIDERAZGO. Por eso, es el mejor color para la entrevista de trabajo, ya que refleja seriedad, pero también frescura. Claro que no, porque es un color que calma, da objetividad y te hace tener mayor claridad de ideas No necesariamente representa la muerte, ni la soledad, pero sí el misterio. Es un color que sólo requiere un segundo para ser procesado. Hace contraste. Es un color que encoge; lo contrario del blanco que da amplitud. Pero también puede ser amor y respeto a uno mismo y a lo que se hace. Relajante que influye en los sentimientos invitándolos a ser amables, suaves y profundos, e induciéndonos de esta forma a sentir cariño, amor y protección. Las palabras claves que se asocian con el rosa son inocencia, amor, entrega y generosidad. Asociado al optimismo, a la diversión, al entendimiento, al oro y a todo lo que es bello pero también está asociado a los celos y a la traición y para muchos es un color más contradictorio de todos. Es un color relajante y refrescante que induce a quién lo contempla sensaciones de serenidad y armonía. Está íntimamente relacionado con todo lo natural, simbolizando también la vida, la fertilidad y la buena salud.

16 Hombre de Vitrubio - Leonardo da Vinci, 1487 Se trata de un estudio realizado por da Vinci de las proporciones del cuerpo humano, realizado a partir de los textos de arquitectura de Vitrubio, arquitecto de la antigua Roma, del cual el dibujo toma su nombre. También se conoce como el Canon de las proporciones humanas.

Complete la figura rellenado los espacios en blanco, completando el dibujo.

El concepto de arte según Platón: Su teoría del arte no está muy estrechamente unida con su teoría de lo bello. La mayor belleza la reconoce en el universo y no en el arte. Se sirve del concepto griego del arte, que comprendía tanto la pintura y la escultura como las artes útiles; era arte todo lo que el hombre produce con habilidad y para algún fin. Conforme a tal entendimiento del arte, incluía en él

también la técnica, pero no la poesía, ligada está a la inspiración. La parte idealista y la moralista de Platón, comprendía la poesía como un fenómeno psicológico excepcional. Introdujo el concepto de mímesis ya que para él las imágenes son imitaciones de objetos reales, aunque sin desempeñar la misma función que sus originales. Para Platón, todas las creaciones artísticas son conjeturas ya que su carácter imitativo las aleja de la realidad de las formas, y les confiere incluso un sentido peyorativo, por su apariencias engañosas, ya que los

artistas no representan las cosas como son, sino como parecen. El arte antiguo que comprende la pintura, la escultura y las artes útiles, producen objetos con habilidad para algún fin. Según el concepto griego asumido por Platón. Según Platón la belleza no se debe buscar en el arte porque: R// Porque la belleza no puede buscarse en el arte ya que la belleza es un concepto subjetivo y va a depender de cada persona, es decir, lo que alguien considere bello para nosotros no puede serlo y viceversa. Según el contexto mimesis significa: R// es un término que viene siendo utilizado desde la época de Aristóteles y Platón, que desde entonces se le denomina como la imitación de la naturaleza como finalidad esencial del arte. Siguiendo en el contexto filosófico, el griego Platón manifestaba que la mimesis era solo la apariencia sensorial de aquellas imágenes exteriores de las cosas, que suceden el mundo opuesto al de las ideas. Entonces cuando se habla de esta imitación de la realidad, solo es una copia del mundo de las ideas. Según el contexto La palabra conjetura quiere decir: R// se entiende el juicio que se forma (moral, ético o matemático) de las cosas o sucesos por indicios y observaciones. En matemáticas, el concepto de conjetura se refiere a una afirmación que se supone cierta, pero que no ha sido probada ni refutada hasta la fecha. Según el contexto el significado de peyorativo es: una palabra Que transmite una connotación negativa de

17 desprecio o poco respeto, por lo tanto, IBEROAMERICANO indica origen, inestable un estado anímico pero CORRUPTO ES PEYORATIVO, INSULTO muestra desprecio. y se refiere a: una connotación negativa de desprecio o poco respeto. según el concepto de Platón: El hombre posee un alma inmortal, llamada alma inteligible, que participa del carácter inmutable y eterno del mundo de las ideas que contempla, que se alberga en un cuerpo perecedero, que surge después del alma, pero que se destruye antes que ella, que dura para siempre. ANALICE: NOMBRE DE LA OBRA: "Obelisco roto", 1963-1967. Esta es una obra del artista norteamericano Bainett Newmann, como observa en ella, él no busca Imitar la realidad. A continuación, lee un escrito en que se hace un análisis del estilo de este artista. “Newmann siente aversión hacia lo ilusorio, lo ficticio, lo voluptuoso y hacia el virtuosismo habilidoso. En este aspecto, también Platón se mostraba receloso hacia el arte mimético, existen numerosas y fuertes concomitancias con la teoría de Platón. Ambos repudian un arte mimético, pues éste es incapaz de superar a la propia naturaleza, es más, nos hace caer en el engaño y en la ilusión, en definitiva nos impide la aspiración a la revelación de la verdad”. (SÁNCHEZ Pérez Rosana. Platón en el arte del siglo XX. Universidad de Grana& España) COMPLETO: Según el texto Newman siente aversión hacia lo ilusorio y lo ficticio porque para el esto significaba: La aversión a las pérdidas tiene muchas secuelas interesantes (cierto sentido intuitivo de la justicia, el sesgo del statu quo o la falacia de los costes irrecuperables), pero aquí me voy a centrar en sólo dos de ellas: el efecto dotación y el efecto marco. Newmann coincide con Platón en: es presentado como aquel que le dio a la dialéctica un giro hacia lo positivo, esto es, olvida tanto la negatividad del concepto como la negatividad del mundo, como queriendo establecer resultados provechosos y dar una visión positiva y edificante del universo, con los medios de la dialéctica. Adorno no dice mucho al respecto de por qué esto es así, pero esta afirmación, como veremos, tiene sus bemoles, pues el elemento negativo y crítico no está ausente en Platón, quien está muy lejos de reconciliarse con los asuntos políticos de su época. Según lo leído en el texto anterior escribo mi argumento en que explico que puede significar la escultura de la imagen (Obelisco roto). Esta obra es un claro ejemplo de ello: el autor presenta tres colores con los que trata de impactar al espectador. La proporción de los colores es diferente en función de la sensación que quiere expresar

18

En el cuadro vacío, realice una versión personal de la obra que aparece al lado, sin hacer mimesis, para esto uso el arte abstracto. convencido de que el arte aspira siempre a un fin, del mismo modo que El concepto de arte según lo hace, la naturaleza, siendo esta Aristóteles finalidad un elemento que los acerca. Según Aristóteles El arte es una La producción basada sobre el actividad humana, lo cual lo distingue instinto, sobre la experiencia o sobre de la naturaleza; los productos del la práctica, no es arte; solamente arte, son contingentes, mientras que quien conoce los medios y los fines los de la naturaleza son de de la producción está en la capacidad necesidad. de dominar el arte a fondo. La La contraposición entre arte y capacidad de producir es una naturaleza no estaba muy clara, ya habilidad. Al determinar el arte como que el filósofo estaba firmemente

19 habilidad, lo asemejo a la ciencia; la ciencia atañe a la existencia y el arte a la creación. El arte como habilidad borraba la frontera entre arte y ciencia. El arte puede hoy carecer de reglas con tal de que el producto sea satisfactorio.

teoría, y la base de su división artística. La imitación es para el hombre una actividad natural, basada en sus tendencias innatas y que le proporciona satisfacción. RESPONDO A LAS PREGUNTAS: El concepto de imitación en el arte no lo concebía como el mero hecho de copiar; el artista al imitar la realidad, la puede presentar no solo tal y como es sino que también puede embellecer o afear.

La relación entre el arte y la materia de que se sirve, así como entre el arte y las que son sus condiciones: el arte necesita siempre de la materia, pero se sirve de diferentes formas; el arte cambia la forma de la materia. En La teoría aristotélica de la imitación se su división de las artes, pone como aparta también del naturalismo al punto de partida la relación entre arte exigir que el arte represente y naturaleza. El arte, imita o realiza lo únicamente las cosas y que la naturaleza es incapaz de hacer acontecimientos que tienen un por si sola. La imitación fue uno de significado general y que son típicos. los conceptos principales de su La diferencia que encuentra Aristóteles entre el arte y la naturaleza es: considerada filosóficamente hablando, es opuesta a la realidad artificial. Dado que, en las realidades artificiales el principio y causa del movimiento será externo a sí mismo, esto ocurre en todas las realidades hechas por el hombre. Sin embargo, en las realidades naturales el principio y causa del movimiento será intrínseco. y esto se debe a que él consideraba que estas dos son relaciones entre belleza natural y belleza artística (I), luego me ocuparé del concepto de mímesis en Platón, principalmente en los diálogos el Cratilo, el Timeo, el Sofista y la República. _ Las diferencias entre ciencia y arte son: la ciencia: La ciencia requiere réplica y verificación, la obra de arte sólo se contempla y se goza. Sin embargo, el científico también goza el placer estético ante un experimento o una elaboración teórica (como le sucedió a Dirac) bien diseñados, y el artista está consciente de que la reflexión y la contrastación no están excluidos de la obra artística. No obstante, tanto la ciencia como el arte buscan la exploración y la resolución de incógnitas. Mientras que el arte: La ciencia y el arte, y de que los productos teóricos y tecnológicos de la ciencia contengan elementos estéticos, armónicos y equilibrados que inspiren sensaciones bellas, no podemos soslayar sus grandes diferencias: el método científico exige procedimientos y protocolos que requieren verificación y repetitividad de los resultados. Según Aristóteles el arte el imitar no es solamente copiar, sino que el artista también puede: Aristóteles como el mero hecho de copiar fielmente. El artista, al imitar la realidad, la puede presentar como es, embellecida o afeada. Es posible para el arte mejorar o empeorar los objetos reales, lo que no significa copiar.

En el texto hay varias palabras subrayadas, estas palabras tienen un significado que está condicionado por el contexto, así tenemos que la primera palabra que encontramos subrayada es: contingente, en el diccionario puede tener muchos significados pero según el texto o contexto se refiere a cosas que no son necesarias, porque está diciendo que los productos del arte son contingentes al contrario de los de la naturaleza que

20 si son necesarios, por tanto nos está hablando en un contexto de lo que es necesario y lo que lo es. La segunda palabra es instinto, esta va acompañada de las palabras práctica, experiencia, por tanto, se refiere a: ___ _ Escribo a que se refieren las otras palabras subrayadas según el contexto. Tomando como muestra los tres moldes que aparecen en la parte superior descubra como formar las figuras que aparecen ya realizadas en las fotografías de la parte inferior. Debe recortar por las parte de las líneas continuas y doblar donde aparecen las discontinuas. Esta técnica pertenece al Kirigami.

Proponga hipótesis sobre planteamientos de Sócrates con apropiación de lo enseñado.

la

relación de los el arte demostrando

líneas

LA BELLEZA SEGÚN SOCRATES Al aprender a valorar la belleza en el alma, más que lo estético, (es decir, no quedarse en la belleza de un solo cuerpo), el hombre tiene que ser guiado a la belleza del conocimiento en todas sus formas, y de esta manera, ya no se va a seguir dedicando a un solo cuerpo o actividad, sino que, al contemplar la belleza en su totalidad, producirá pensamientos muy buenos en la abundancia de la filosofía. Por otra parte, y según Sócrates, todos estos son medios para llegar a contemplar la belleza en su plenitud, puesto que la belleza es eterna e inmutable y nunca es otra cosa que no sea belleza, en ningún aspecto, en ninguna parte y bajo ningún criterio; no es física, ni es razón o conocimiento, no está en ninguna parte, sino que es absoluta y única. Hay belleza estética que participan de ella, pero si mueren no le afectan para nada, porque la belleza plena es inmutable. Sócrates, pese a ser un adversario de los sofistas en cuanto al relativismo ético, tiene muchos puntos comunes a ellos en Estética. Para empezar,

21 Sócrates distingue la pintura y la escultura del resto de "technés" por su carácter representativo. Además, Sócrates es partidario de algo parecido a una estética "espiritual", pues, para él, el arte no sólo representa el cuerpo sino también el alma, así como defiende un "funcionalismo estético" según el cual la belleza reside en que se adapte a su fin, en su utilidad. En este sentido, Sócrates, como los sofistas, defiende una postura relativista, pero el relativismo socrático viene de lo funcional. Por último, Sócrates hace una distinción entre lo bello por sus proporciones (euritmia*3) y lo bello por su utilidad. COMPLETO: Sócrates relacionó la belleza en: entendió Sócrates que el arte no representa solo al cuerpo, también al alma. ... Su noción de belleza espiritual se alejaba de la pitagórica: para Sócrates, la belleza no depende solo de la proporción, también de la expresión del alma. La belleza socrática es más próxima al hombre; la pitagórica, al cosmos. La belleza le atribuye ser absoluta puesto que: “es el medio gracias al cual el hombre exterioriza lo que es”; es decir, la idea se plasma en la realidad, por ello el arte es la mejor forma de expresar lo que nuestras ideas tratan de atribuir a la realidad. Sócrates además sostiene que el arte no solo debe representar: no representa sólo el cuerpo, sino que representa también el carácter del alma, es decir, se refiere a lo no visible, las actitudes o disposiciones mentales, el sentimiento. ... Las teorías de Sócrates, por tanto, están presentes en el arte realizado en Grecia en esa época. Si no también el: encontraba la mayor belleza en el universo, no en el ARTE, y en muchas de las artes, en realidad, no veía vínculo alguno que las uniera con la belleza. Mantenía la definición griega de arte como todo lo que el hombre produce con habilidad y para algún fin: Es como como algo por lo que merece la pena vivir, pero entendiéndola en el sentido amplio en el que la concebían los griegos y no solo referida a objetos materiales, sino también a materias psíquicas y sociales, caracteres y sistemas políticos, la virtud y la verdad. respecto a la pintura y la escultura el: La característica esencial de las artes imitativas (pintura, escultura, música, poesía) es la creación de obras irreales. Una copia fiel no tiene valor artístico, pues solo es una copia del original, pero una imitación fiel es, aún más, una falsedad. Ya no es una imitación infiel sino una ilusión, un engaño

EL ARTE DE LA ANTIGUA GRECIA: Es el estilo elaborado por los antiguos artistas griegos, caracterizado por la búsqueda de la «belleza ideal», recreando el «mundo ideal» del modelo platónico, o mediante la «imitación de la naturaleza» en el sentido de la mímesis aristotélica. En el Arte Griego encontramos ya los conceptos estéticos que van a predominar en la cultura occidental. La belleza está en la armonía de las medidas y proporciones, en la simetría, siendo el cuerpo humano el fundamento esencial de toda belleza y toda proporción, antropocentrismo. Aunque es un Arte que se apoya en la naturaleza, la trasciende, tendiendo a la creación de un mundo idealizado. El arte necesariamente representa el alma y el cuerpo según Sócrates quien se mostraba partidario de una ética espiritual. Escriba en el cuaderno la

22 relación que encuentra entre las teorías de Sócrates vistas y el texto sobre las artes en la antigua Grecia. El arte es el punto culminante del sistema filosófico de Schilling. Para él, el arte es la manifestación más elevada y acabada de lo absoluto. Nuestro autor también compara y asemeja el producto estético con el natural porque dice que en ambos late una fuerza creadora que produce inconscientemente. El arte es naturaleza porque imita lo esencial de la misma, que es su principio activo capaz de engendrar vida. Y a su vez la naturaleza también es arte; Schilling la llama “la poesía originaria, aún no consciente del espíritu” Habíamos afirmado que el absoluto es la identidad de sujeto y objeto, del yo y el no-yo, por lo tanto debe de haber en la realidad un fenómeno semejante, que una en el hombre o yo empírico conciencia e inconsciencia, necesidad y libertad, y esta es la actividad estética. Esta actividad estética realiza la unidad que en la realidad empírica existe por separado: “la actividad inconsciente que ha creado la naturaleza y la conciencia que se manifiesta en el querer libre”. Esta realización de la unidad no es más que una vuelta al origen, a la unidad perdida, que es el absoluto. La actividad estética es el momento culminante, más pleno de la existencia humana, gracias a ella el universo, en cada una de sus obras, se reconcilia consigo mismo. Esta unificación sólo la logra el artista, el genio: porque su tarea consiste proyectar una idea sobre el material del que parte e ir modelándolo hasta impregnarlo de tal manera de su propia subjetividad que ese objeto que está frente a él deja de ser una cosa para adquirir intención y finalidad, características propias del sujeto. Schilling nos dice que entre la actitud artística y la filosófica yace un suelo común, que es la imaginación, que tanto el arte como la filosofía empiezan su actividad a partir de una tensión interior o angustia. 1. RESPONDO en el cuaderno: a. ¿A que llama Schilling “la poesía originaria, aún no consciente del espíritu”? b. ¿Por qué este filósofo considera el arte algo tan elevado? c. ¿Qué relación encuentra Schilling entre la naturaleza y el arte? d. ¿Para este qué es naturaleza? e. ¿Según lo que dice el autor en el escrito cual es la función del artista? f. Explique con sus palabras que quiere decir la frase del texto que dice: La tarea del artista consiste en anular la oposición entre sujeto y objeto proyectar una idea sobre el material. g. ¿Qué encuentra en común este autor entre la filosofía y el arte? Según Schilling, tanto la actividad artística como la actividad filosófica son alimentadas por la imaginación, empezando su actividad a partir de una tensión interior. El artista que proyecta una idea sobre la materia modelándola hasta impregnarla de su subjetividad, causando que el objeto adquiera intensión y finalidad al formarse, siendo características propias del sujeto según Schilling. 2. Según el texto explico que quieren decir las palabras subrayadas: Consideremos ahora cómo se construye el “arte” - lo que nos va a permitir pasar a una perspectiva más concreta. El “motor” del arte es la imaginación, sobre la cual Schilling resalta la palabra alemana, magníficamente evocadora, “Einbildungskraft” el excelente término alemán Einbildungskraft significa propiamente la potencia de esemplasía sobre la cual, de hecho, reposa toda creación. Esla fuerza por la cual un ideal es al mismo tiempo algo real, el alma al mismo tiempo un cuerpo – la fuerza de individuación

23 que es propiamente creadora. De este modo, la imaginación, en tanto fuerza creadora de la forma, es también fuerza de la naturaleza como fuerza del arte. Del anterior fragmento de texto extraigo el pensamiento más importante y que mejor interprete la idea y lo gráfico. ESTÉTICA DE HEGEL: Hegel estudia el arte como modo de aparecer de la idea en lo bello. En sus lecciones sobre estética define primero el campo en el que esta ciencia debe trabajar. Realiza para ello una distinción entre lo bello natural y lo bello artístico. Lo bello artístico es superior a lo bello natural porque en el primero está presente el espíritu, la libertad, que es lo único verdadero. Lo bello en el arte es belleza generada por el espíritu, por tanto partícipe de éste, a diferencia de lo bello natural que no será digno de una investigación estética, precisamente por no ser partícipe de ese espíritu que es el fin último de conocimiento. La verdadera tarea del arte es llevar a la conciencia los verdaderos intereses del espíritu y es por esto que, al ser pensado por la ciencia, el arte cumple su finalidad. Hegel distingue tres formas artísticas: la forma artística Simbólica, la forma artística Clásica y la forma artística Romántica. Estas marcan el camino de la idea en el arte, son diferentes relaciones entre el contenido y la forma.

contenido. Hegel relaciona esta forma artística con el arte de la arquitectura, ésta no muestra lo divino sino su exterior, su lugar de residencia. Se refiere a la arquitectura de culto, más específicamente a la egipcia, la india y la hebrea. La forma artística Clásica logra el equilibrio entre forma y contenido. La idea no solo es determinada sino que se agota en su manifestación. El arte griego, la escultura, es el arte de la forma artística clásica. Las esculturas griegas no eran, para los griegos, representaciones del dios sino que eran el dios mismo. El hombre griego fue capaz de expresar su espíritu absoluto, su religión, en el arte. A esto se refiere Hegel cuando habla del carácter pasado del arte. El arte, en su esencia, pertenece al pasado siempre, porque es en él en donde la cumple, es en el arte griego en donde el Arte logra su fin último, la representación total de la idea.

La forma artística Romántica. En esta hay una desigualdad entre forma y contenido, dejan de encastrar de manera perfecta, pero ahora es la forma la que no es capaz de representar el espíritu. El contenido rebasa la forma. La forma artística Simbólica es un mero buscar la forma Las artes de esta forma artística son la pintura, la música La forma clásica de este arte era: la forma y el contenido: Griega que no eran para ellos representaciones de los La forma clásica de este arte era griega que no eran para ellos representaciones de los dioses dioses, Sino que eran: el dios de Grecia no estaba en contradicción con su esencia divina. Los rasgos que el hombre confería a los dioses funcionaban como prototipo de la conducta humana y constituían los ideales que los mortales habían determinado para sí mismos. La semejanza física entre los dioses y los hombres obedecía a los mismos motivos. Según Hegel el arte cumple su último fin en: caso del fin del arte porque Hegel nunca emplea el termino de final para referirse al arte. Sin embargo, y a pesar de que Hegel sólo hablo en sus famosas lecciones de estética del carácter pretérito del arte.

para un contenido que aún es indeterminado. La figura y la poesía. La idea va de lo más material, la pintura, a lo es deficiente, no expresa la idea. El hombre parte del menos material, pasando por la música, que tiene como material sensible de la naturaleza y construye una forma materia el sonido, y llega a la poesía, que es el arte a la cual le adjudica un significado. Se da la utilización universal del espíritu ya que tiene

24 como material la bella del símbolo y éste, en su carácter de ambiguo, llenará de fantasía. La poesía atravesará todas las demás artes. misterio todo el arte simbólico. La forma es mayor que el COMPLETO: Según el planteamiento de Hegel, lo bello natural se diferencia de: lo bello artístico en que no será digno de una investigación estética, precisamente por no ser partícipe de ese espíritu que es el fin último de conocimiento. El arte cumple su finalidad cuando: es decir, el arte tiene como finalidad el causar un sentimiento de placer a través de las sensaciones), pero podemos observar, si nos fijamos en la importancia del arte a lo largo de la historia, que existen algunas funciones más que el arte desempeña Cuando el hombre le adjudica un: El arte al material al que le ha dado forma, Hegel lo denomina: el también ha servido desde siempre para idealismo alemán adquiere su máxima expresión y desarrollo y educar y formar a los seres humanos. A abre un horizonte de reflexión filosófica que, con su perspectiva y través de las obras de arte se pueden problemática, se arraigó profundamente en el pensamiento transmitir conocimientos y valores morales filosófico posthegeliano. Indudablemente. que contribuyen a la formación de la inteligencia y a la educación de la voluntad. Las obras de arte nos aportan visiones del mundo que contribuyen al desarrollo y crecimiento personal. arte simbólico y lo relaciona con: es un _ movimiento literario y de artes plásticas que se originó en Francia en la década de 1880, paralelo al post-impresionismo, y que surgió como reacción al enfoque realista implícito en el Impresionismo. Tanto el Impresionismo, como el idealismo y el naturalismo En este arte la forma: Forma artística es la forma en que se organizan los elementos que constituyen una obra de arte, las "cualidades formales" de esta. ... El establecimiento de una correspondencia (o en su caso un contraste u oposición) entre forma y fondo (o forma y contenido, o forma e idea) es un punto crucial en el análisis. En la forma artística clásica la forma y el contenido: Debido al interés de Hegel por la función histórica del arte como factor de cultura, su filosofía del arte es inseparable de su filosofía de la historia. _ Las formas artísticas románticas encierran las artes como: Las formas artísticas románticas encierran las artes como _ El arte lleva los intereses verdaderos del espíritu o la conciencia siendo esta la finalidad del arte y su verdadera tarea, según Hegel. Según el texto “estética de Hegel” explico qué quiere decir cada palabra que aparece en negrillas El arte lleva los intereses verdaderos del espíritu o la conciencia siendo esta la finalidad del arte y su verdadera tarea, según Hegel.

25 Aplico color y después analizo que quiere decir Picasso con esta obra. R/ azul y rosa Verde

Púrpura

Rojo Naranja

pintó obras monocromáticas, representando en ellas escenas sombrías y desalentadoras. es uno de los colores que percibimos en mayor cantidad de matices. La mayoría de las culturas ven el verde como señal de juventud y salud. Por lo mismo también se relaciona con la prosperidad y la vida El púrpura tiene una larga relación con la nobleza. Por siglos fue un color difícil de producir, por lo que históricamente sólo los ricos podían permitirse artículos de color morados. Un color rojo brillante y abrasivo puede expresar enojo y tumulto. Sin embargo, el rojo significa más que solo frustración o caos. Transmite pasión, incluido el amor. El naranja, como el rojo, es muy visible y usado a menudo en las marcas comerciales, especialmente de equipos deportivos. Los tonos naranjas brillantes son enérgicos y joviales, mientras que los tonos más claros se pueden percibir como relajantes y refrescantes, tal como las puestas de sol y el sorbete de naranja.

Esta imagen es un famoso cuadro del pintor Pablo Picasso. Frente a la pintura tradicional, Picasso rompe con la profundidad espacial y la forma de representación ideal del desnudo femenino, reestructurándolo por medio de líneas y planos cortantes y angulosos. PARA SCHOPENHAUER la música ocupa un lugar privilegiado entre las artes, separada de las demás. No pretende, como la arquitectura manifestar las ideas, demostrando como se muestran directamente en ciertos materiales naturales. Pero tampoco busca hacerlas aparecer por medio de la representación de cosas particulares en otro medio. Porque hablando con propiedad, no le interesa reproducir en absoluto las ideas. Parece que a Schopenhauer le ha impresionado el hecho de que en música la gran

26 mayoría de las obras puramente instrumentales no tienen un tema específico: dicho de otra forma, no parece razonable o apropiado investigar de que o acerca de que tratan, del mismo modo que se puede decir de un cuadro con figuras o fruta, o de un drama o novela que tratan de cierta clase de situación o personaje. Como en cierto momento lo formula Schopenhauer: todo el que se entrega plenamente a la impresión de una sinfonía, parece ver que todos los acontecimientos posibles de la vida y del mundo se realizan en él; sin embargo, al reflexionar no puede encontrar parecido entre la música y las cosas que han pasado por su mente. Pero ¿no suscita esto un curioso problema?, porque ¿cómo puede decirse que una pieza de música, como una sonata, le parece al oyente que es profundamente expresiva o elocuente, y al mismo tiempo no le parece eso o que de algún modo describe algo al margen de ella misma? Schopenhauer concedía que la música es compuesta, con mucha frecuencia, con vistas a reproducir en el auditorio los fenómenos del mundo perceptible, como si pudiera fungir como una especie de cuadro con sonidos. Llamó a esta música imitativa y su ejemplificación la encontraba en obras tales como las Estaciones de Haydn; pero sostuvo que todas las composiciones de este tipo revelaban una mala interpretación de la naturaleza esencial de la música y que habían de ser rechazadas enteramente. Se puede aplicar la misma objeción cuando las palabras de una canción o del libreto de una ópera se convierten en lo principal, dándose a la música un papel subordinado o meramente expresivo: “si la música mantiene muy unida a las palabras y trata de formarse según los acontecimientos, está intentando hablar un lenguaje que no es el suyo”. COMPLETO Para Schopenhauer la más perfecta de las formas de arte era la música porque esta: naturaleza, de manera que los tonos bajos son la representación de las formas inferiores de vida y los tonos altos las formas más perfectas. De esta forma la música cobra un especial sentido para el reconocimiento mismo de la vida, porque la música instrumental es manifestación exacta de la voluntad de vivir Y en esta las obras más admiradas eran: A través de la historia, la música se ha considerado una de las artes más enigmáticas por el efecto que causa. La facilidad que tiene el arte de los sonidos para afectar a los oyentes, llevó a filósofos, melómanos y musicólogos a estudiar su forma y contenido. Tal estudio generó la cuestión sobre si la música podía considerase un lenguaje, por lo cual algunos negaron un significado ajeno a los sonidos y otros le proporcionaron un significado metafísico, emocional, matemático (etc.). Uno de ellos fue Schopenhauer, quien le otorgó un significado metafísico a la música, considerándola como un lenguaje que no podía comprenderse racionalmente. Por el hecho de que no se preocupa por trasmitir un tema en particular. Por lo tanto, para él la música que contiene letra como por ejemplo una canción va en contra de la naturaleza de esta porque este lenguaje: La música, en efecto, no puede ser medida con el mismo rasero que las demás artes, en la cuales, según veíamos, su mayor o menor excelencia se apreciaba según expresasen las Ideas, expresiones a su vez de la Voluntad, en sus grados más altos o más bajos. Porque la música, estrictamente, no es un medio de intuir Ideas, y, sin embargo, es el mejor modo de entrar en contacto La música instrumental que no trata temas específicos por tener un lenguaje distinto a las palabras se diferencia de la pintura en que esta suele tratar de clases de situaciones o personajes, Según afirma Schopenhauer.

27

Nombre de le obra: LA NOCHE ESTRELLADA Autor: Vincent Van Gogh Óleo sobre tela, MOMA, Museo de Arte Moderno de Nueva York. En Noche estrellada (1889) se puede apreciar el universo de Van Gogh, con estrellas que estallan y proporcionan una gran sensación de movimiento. Se aprecia aquí lo místico y lo sobrenatural que da cuenta de una experiencia más allá de los sentidos, en que el artista va poniendo en la tela la visión que tiene ante sus ojos, y lo ejecuta situando trabajadas y gruesas pinceladas. Noche estrellada es, al mismo tiempo, una visión íntima y un paisaje. Hay una quieta aldea en el valle en que destaca una iglesia, y en el cielo aparecen planetas y estrellas en unos estallidos apocalípticos próximos al Juicio Final. Van Gogh pintó este cuadro en el Sanatorio de Saint Rémy después de sufrir una crisis mental. Después de conocer el significado de esta obra y su autor, aplíquele los colores que crea más adecuados. ESTETICA SEGÚN MARCUSE: Desde que el Arte abandonó su fase mágica, desde que dejó de ser algo "práctico" para convertirse en una "técnica" entre otras; vale decir, desde que se volvió una rama de la división social del trabajo, el Arte adquirió una Forma completamente propia y común a todas las artes. Esta Forma correspondía a una nueva función del Arte en la sociedad: la de aportar el "descanso", la elevación, la pausa en la terrible rutina de la vida; la de presentar algo "más elevado", "más profundo", acaso "más verdadero" y mejor que satisficiera las necesidades insatisfechas en el trabajo y el entretenimiento cotidianos y, por consiguiente, algo placentero. (Me estoy refiriendo a la función social, histórica del Arte; no aludo a lo que el Arte significa

La armonización de lo bello y de lo verdadero. Eso que se creía plasmación de la unidad esencial de la obra de arte se tornó una identidad de los opuestos cada vez más imposible porque la verdad se ha revelado como algo cada vez más incompatible con la belleza. La vida, la condición humana han militado cada vez más en contra de la sublimación de la realidad bajo la Forma del Arte. El resultado es más evidente en aquellas obras que

28 para el artista, ni a las intenciones o metas de éste, que son de un orden bien distinto). Dicho en palabras más brutales: el Arte no es (o no se supone que sea) un valor de uso destinado al consumo en el curso de las ocupaciones cotidianas de los hombres; su utilidad es de una naturaleza trascendente, una utilidad para el alma o el espíritu que no se relaciona con el comportamiento normal de los hombres y que realmente no lo transforma excepto, precisamente, durante el recreo cultural, ese breve período de elevación: en la iglesia, el museo, la sala de conciertos, el teatro, ante los monumentos y las ruinas del grandioso pasado. Tras la pausa, la vida real continúa.

son una acusación intransigente, "directa", a la realidad. El artista condena--pero su veredicto anestesia el terror. Dicho en palabras más brutales, la precondición del Arte es una mirada radical a la realidad, y una mirada que se aparta de ella: una represión de su inmediatez y de la inmediata reacción ante ella. Es la œuvre misma lo que es y lo que impone dicha represión; y en tanto represión estética ella es "satisfactoria", disfrutable. En este sentido, el Arte es en sí mismo un "final feliz"; la desesperanza se vuelve sublime; el dolor, bello.

COMPLETO El arte se volvió una rama entre las muchas divisiones del trabajo cuando: de un modo más sorprendente en lo que se refiere a cómo eran estimados socialmente el poeta y el artista visual. Resulta un poco superfluo que en cuanto a esto hagamos referencia a la teoría que elaboraron los filósofos, ya que era una opinión que durante mucho tiempo fue aceptada normalmente de un modo universal. pero este adquiere una nueva: una apariencia y puede hacer que el espectador acepte esto como si (dAAó7pta zúeq) en la mente, produciendo un choque y se tratara de la realidad; produce en él los sentimientos que experi- un estado en el que la emoción y la imaginación superan a la razón. mentaría si obscrvase realmente los sufrimientos de Edipo o Electra En ciertas ocasiones otra idea, que tenía un alcance mucho más Se trata de una acción extraordinaria, parecida a la magia, basada en extenso, se emparejaba con esta común convicción; estas expediente poder seductivo que tiene la palabra hablada, por decirlo así, en un poderoso -especialmente las de miedo y piedad- provocan encantamiento del espectador. la de aportar a la vida del hombre: El arte desempeña un papel mediador y motor de la comunicación, ya que el artista a través de su creación transmite no solo emociones, sino también mensajes, y nos hace reflexionar sobre nuestra existencia, los problemas sociales o la vida en general. El arte es para una utilidad: entre otras acepciones, puede definirse como aquello que produce provecho o beneficio, tanto en un sentido material como inmaterial. El hecho de que la utilidad pueda ser contemplada desde un sentido tanto material como inmaterial, nos aboca a pensar si existe un arte que no sea útil. Desde esta indeterminación, resulta evidente que todo arte puede ser entendido como útil. Por lo que se hace necesario definir de una manera más exacta a qué nos referimos cuando nos referimos a arte útil en un contexto en el que hablamos de tentativas de emancipación. según Marcuse el artista anestesia el terror cuando: han pasado a la historia por representar una belleza no precisamente estética. En ellas, los artistas se han interesado por representar, más allá de la perfección, los miedos y las angustias más profundas del ser humano. Rompiendo así los esquemas de la pintura tradicional. también entendemos que nos dice que el arte ya no debe sublimar la realidad porque: es entendido generalmente como cualquier actividad o producto realizado con una finalidad estética y también comunicativa, mediante la cual se expresan

29 ideas, emociones y, en general, una visión del mundo, a través de diversos recursos, como los plásticos, lingüísticos, sonoros, corporales y mixtos. Según Marcuse, el arte en la sociedad aporta descanso elevación y pausa en la rutina de la vida, solucionando las necesidades insatisfechas en el trabajo y en el entretenimiento cotidiano: Para Marcuse, el arte se ha convertido en un gran negocio porque éste pasa a ser un valor de cambio, es decir, una mercancía, y al ser considerado así pierde todo su valor, deja de ser lo que es y se transforma en un objeto más, porque se pueden reproducir hasta en los más mínimos detalles. Obra: La mona lisa o La Gioconda Autor: Leonardo Da Vinci Técnica: Leonardo dibujó el esbozo del cuadro y después aplicó el óleo diluido en aceite esencial. La técnica se conoce como Sfumato, la cual consiste en prescindir de los contornos y envolverlo todo en una especie de niebla imprecisa que difumina los perfiles y produce una impresión de inmersión total en la atmósfera, lo cual da una sensación de tres dimensiones. Pinte o coloree el dibujo aplicando su propio estilo. Demostrando la relación del arte con la verdad según los planteamientos de Gadamer. GADAMER Y EL CONCEPTO DE VERDAD EN EL ARTE Gadamer Reivindica el valor de verdad inherente a la experiencia estética. En la obra de arte se nos da una suerte de verdad y existe una ganancia cognitiva evidente; la propia experiencia ya ha moldeado nuestro ser y hemos sumado aprendizajes que antes de la experiencia estética singular no estaban presentes. A su vez, la obra de arte y la experiencia que deviene de su disfrute también puede dar lugar a conocimientos de orden moral. En este sentido, Gadamer reivindica el valor artístico de la alegoría frente a la habitual reivindicación del valor simbólico del arte. La alegoría tiene, entre otras, una función moral: pretende indirectamente conducir a una determinada noción acerca de lo bueno. Gadamer, al igual que su mentor Heidegger, prioriza la capacidad que tiene la poesía como herramienta para "traer la verdad", para "desocultar", su innegable valor para recrear nuevos mundos y fabricar lenguaje. En este sentido considerará que la poesía, en el orden de las artes, juega un papel primordial. COMPLETO Según Gadamer por medio de la obra artística podemos: Es un lenguaje que comunica una idea. Qué es lo que comunica y si su contenido puede ser considerado como verdad o mentira, son dos preguntas distintas. Lo que comunica está estrechamente relacionado con la estructura misma del lenguaje, las reglas que lo hacen posible; en el caso de la obra de arte, las estructuras que lo sustentan y lo convierten en un referente de la sociedad y de la cultura. Este es un aspecto informativo de la obra, que por ser del plano semiótico no

30 será considerado en el presente trabajo pues requiere una investigación más profunda. llegar a la verdad porque: Gadamer advierte que para legitimar la experiencia de verdad en el arte es necesario apartarlo de la estética. La comprensión crítica de la estética que formula Gadamer sigue la que ya planteó Heidegger con la diferencia de que Gadamer usa el término ‘estética’ en un sentido más amplio porque considera que se puede entender el modo de ser de lo estético en clave ya hermenéutica y no estética, apartándose entonces de la condenable comprensión subjetivista dominante en la modernidad. También por medio de esta recibimos enseñanzas morales, por esto se dice que: Si la estética reduce el arte a experiencia sentimental subjetiva, a vivencia, niega su valor de conocimiento y lo aparta de la verdad. Kant expone esta carencia de relevancia cognoscitiva del arte: “El juicio de gusto (Geschmacksurteil) no es un juicio de conocimiento (Erkenntnisurteil), por tanto, no es lógico sino estética. Garden reivindica: Lo que llamamos obra de arte y vivimos estéticamente se basa en una producción de la abstracción. La obra se manifiesta como pura obra de arte al prescindir de todo aquello en lo que arraiga como su originario contexto vital de toda función religiosa o profana, de todo sobre lo que se erigió y tuvo significado

que se diferencia del simbolismo en que: símbolo, partiendo de las consideraciones de Gadamer. La inquietud es determinar si la abstracción le resta a la obra de arte su Se recogen en este estudio algunas observaciones relativas a la naturaleza referencial del arte como carácter mimético y, por tanto, su naturaleza simbólica; dado que el símbolo se ha asumido en ocasiones como un indicador del mundo conocido. Además, también nos dice que la poesía: Se hace evidente la relación entre el poetizar y el interpretar. La poesía es una forma de interpelar al mundo, abre preguntas, señala una dirección. A su vez, la interpretación, es pues una forma de lectura cuyas respuestas son nuevas preguntas. Nos abre un horizonte. "Todo interpretar de la palabra poética interpreta sólo lo que la poesía misma ya interpreta".5

31 'Tanto la labor del poeta como la del intérprete es una labor creadora, pareciera decirnos el autor. Lo que nos interesa resaltar es que encontramos, en la conferencia "Poetizar e interpretar", los fundamentos de una de las tesis más importantes del segundo Gadamer: la hermenéutica del autor concluye en una teoría de la lectura. El conocimiento de orden moral puede ser trasmitido por el valor alegórico de la obra de arte, a través de la experiencia que divide su disfrute, según Gadamer. AUMENTO SU VOCABULARIO: Hermenéutica: El hermeneuta es, por lo tanto, aquel que se dedica a interpretar y desvelar el sentido de los mensajes, haciendo que su comprensión sea posible y todo malentendido evitado, favoreciendo su adecuada función normativa. Alegoría: del griego allegorein «hablar figuradamente», es una figura literaria o tema artístico que pretende representar una idea valiéndose de formas humanas, animales o de objetos cotidianos. Dale color al cuadro de Dalí, descubre su interpretación. Salvador Dalí, ¿genio o loco? Esta pregunta se la hacen Otro de sus símbolos más utilizados fue el huevo, donde miles de personas, pero sólo los entendidos del arte Dalí lo presentaba simbolizando los conceptos de vida pueden confirmar que Dalí era un genio en un mundo de prenatal intrauterina, y también a veces interpretados locos. como símbolo de la esperanza y el amor. Sus elefantes de patas estrechas y extremadamente largas ocultaban El arte de Dalí escondía cuadros dentro de cuadros, pero significados, el obelisco que siempre portaban también escondía símbolos a los ojos de los demás, representaba al órgano masculino, sobre esto Dalí como por ejemplo los relojes que parecen derretirse, dijo..."con sus aguzadas patas contrastando la idea de que podrían interpretarse como un símbolo sobre la ingravidez, definida sin la menor preocupación estética, "Teoría de la relatividad" descubierta por Albert Einstein. estoy creando algo que me inspira una profunda emoción y con la que intento pintar honestamente". KIERKEGAARD: En Estética y ética en la formación de la personalidad destaca tres momentos esenciales en la vida de todo individuo: la estética, la ética y la religión, a partir de una elección de vida. Veamos: En muchas circunstancias, los individuos se encuentran abocados a tomar una decisión y elección que va a afectar su radical forma de vida; esta elección, en mayor o en menor grado, depende de lo que ella signifique. Una vida estética es para el momento, para lo que se es en dicho lapso. Su característica, como la ha entendido Baudelaire en su obra El pintor de la vida moderna por medio de la figura del dandy, es una subsistencia para el presente fugaz, del cual extrae su belleza, su encanto y eternidad. Kierkegaard la define de la siguiente forma, “La estética en un hombre es aquello por lo cual ese hombre es, inmediatamente, lo que es”. Nos encontramos ante un hombre cuya existencia es lo inmediato y de un saber

32 limitado, de lo pragmático, de lo que sirve y puede ser desechable; evitando una carga pesada para su vivir, no hay una constitución o construcción de sí mismo, como se presenta en la ética. Este tipo de vida estética procura lo suave, lo transitorio y la velocidad, características de las sociedades postmodernas; evita el menor sufrimiento posible, que está bien, pero que raya en la indiferencia o en la pasividad ante el otro, se refugia en el goce, evita la explicación, el concepto o la confrontación consigo mismo y desde luego con el otro. Su lema es, “Hay que gozar de la vida”. Que en su realización hay que buscarla no en el sujeto, sino en el mundo, en las cosas. Ontológicamente es determinado por lo inmediato, por un exagerado narcisismo, por una negación de la muerte, manifestado en una preocupación perversa por la salud y el cultivo de cuerpos bellos. Frente a esta posición estética de la vida, Kierkegaard en el siglo XIX, propone una actitud ética, la cual se define por su vitalidad, por ser de carne y hueso, por ser parte de la naturaleza humana. Una posición estética de la vida, según Kierkegaard, grados; para los más radicales sólo es verdadero fomenta exageradamente la transitoriedad, la aquello que conduce al éxito individual, mientras que velocidad de la vida, la comodidad la indiferencia con para otros, sólo es verdadero cuando se haya el otro, el cuidado del cuerpo, y un exagerado verificado con los hechos. narcisismo. Dandy: El dandismo constituye también una Definición: a continuación encontrará la definición de metafísica, una postura particular respecto a la algunas palabras que en la lectura están subrayadas cuestión del ser y del aparecer, así como a la El pragmatismo: Movimiento filosófico desarrollado modernidad. Baudelaire identifica el dandismo como especialmente en Estados Unidos e Inglaterra, pero la última hazaña posible, una búsqueda de distinción con repercusión y desarrollo parcial en otros países. y de nobleza, de una 'excelencia' de la apariencia. A menudo identificado, sin razón, como una simple El pragmatismo consiste en reducir "lo verdadero a lo útil" frivolidad. negando el conocimiento teórico en diversos La ontología es la parte de la metafísica que estudia el ser en general y sus propiedades trascendentales. Puede nombrarse como el estudio del ser en tanto lo qué es y cómo es. La ontología define al ser y establece las categorías fundamentales de las cosas a partir del estudio de sus propiedades, sistemas y estructuras.

1.Escriba que qué relación tienen las imágenes con las palabras subrayadas y los planteamientos de Kierkegaard. R/ Su vida estuvo dominada, según sus propias manifestaciones, por angustias casi obsesivas, relacionadas con alguna circunstancia familiar desconocida, a la que alude repetidamente. Fue también objeto de su angustiada preocupación el rompimiento, a causa de algún impedimento por su parte, del compromiso matrimonial con Regina Olsen. 2.ANALIZO: En esta imagen aparecen símbolos en el cuerpo del toro relacionados con la situación de una persona que está fumando. R/ Picasso comenzó el enorme cuadro, bautizado como la villa arrasada, dos días después (miércoles 28 de abril) cuando vio en el diario francés L’Humanité las imágenes sobrecogedoras de la plaza.

33 Así también encontró el tema para una obra que el gobierno de la República Española le había encargado, a finales de 1936, para presentar en la Exposición Internacional de 1937 en París. El propósito era generar solidaridad por la causa republicana en plena guerra civil. “Si tenemos a Picasso en cuerpo y alma, el impacto será mayor que una batalla ganada en el frente a los fascistas”, habría dicho Juan Negrín, el último presidente de la República. 3.Escribo por qué creo que a la persona que está fumando la dibujaron con una venda en los ojos. R/ porque es una forma de cegarse la vida. El cigarrillo es un arma muy peligrosa, no solo por el humo o por el cáncer que tiene implícito, sino porque va asociado a una colilla, a una manera de entender la vida que te nubla la vista y no deja mirar a tu alrededor. Una persona fumadora empedernida se siente cómoda con el pitillo, pero al necesitarlo lo que hace es invadir el terreno de los demás. 4. ¿Qué significado puede tener el toro que se dirige furioso hacia el hombre? R/Por ser un toro dominado y cegado a sentir ira por los seres humanos es algo que nosotros también creamos y los cegamos a seguir un instinto malo. 5. ¿Qué significa la marca que tiene dibujada el toro en su lomo? R/ Una forma de tratar de llegar al ser humano para que no sea cegado totalmente al consumo de cigarrillo 6.En general el mensaje que me trasmite esta imagen es… R/Es triste porque de una forma u otra podemos entender que el toro también sufre a estas prácticas del ser humano con ellos 7.Elabore en una hoja decorada, el mapa conceptual sobre las diferentes artes que existen en la actualidad.

34 R/