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El estilo en el siglo XVII Dart, T. (2002). El estilo en el siglo XVII. En La interpretación de la música. (pp. 163-208). Madrid, España: A. Machado Libros. En la interpretación de la música, las normas de estilo que fueron importantes para el músico del siglo XVII; algunas han sido relegadas por “demasiado fastidiosas”, pero otras no pueden ser obviadas en una interpretación moderna de la música del siglo XVII, que era llamado por falta de datos y su aura de misterio “periodo de transición”.

Italia Los compositores italianos y sus obras constituyeron la mayor influencia del siglo XVII. Además de la música para la danza existen dos estilos preponderantes hacia el año 1630. La monodia florentina, de una intensa expresividad, y la función de la música se limitaba a dar vida a cada matiz del texto cantado; fue así música íntima de cámara para conocedores y aficionados. Como también el estilo veneciano de los Gabrieli, donde el factor del espacio es una característica esencial y debe ser reproducido en la medida de lo posible. Las sonoridades deben adaptarse al número de músicos. Cada grupo de músicos debe tener su propio continuo adecuado. Un grupo extenso puede ser acompañado con mayor potencia y más ornamentación que uno reducido y en cualquier caso las voces agudas nunca se deben duplicar ni tapar. Los acordes reiterados durante un melisma vocal molestan al cantante. Los instrumentos polifónicos del continuo deben ser reforzados con instrumentos melódicos. Praetorius escribe una obra enciclopédica Syntagma Musicum (1615-1619), que aporta gran información de su época. Nos da una serie de indicaciones sobre la música italiana: 1. Tempo:  C es lento y C es rápido.  La música coral debe ser mucho más lenta que otras músicas.  Hacer un leve rallentando hacia el final de una pieza.  Negra = 80 es una buena velocidad media.  Piano puede significar tanto “lento” como “suave”.  Si se emplean trompetas en alguna obra el tempo debe disminuir ligeramente cuando intervienen, y ganar algo de velocidad cuando se callan. 2. Realización de bajo continuo:  Las escalas rápidas y las disminuciones son más adecuados en los registros afalutados.  Selecciónese adecuadamente el instrumento del continuo. 3. Conjuntos instrumentales:  Refuércese la parte de bajo con un contrabajo o con un contrafagot.  Las voces intermedias pueden ser duplicadas al unísono u octava superior.

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Experiméntese la ejecución de un madrigal ya con los cantantes, ya con los instrumentos y al final con todos combinados. En una obra coral debe haber un preludio y un postludio improvisados en el órgano y en ocasiones un interludio. Haced pruebas con los timbres en las obras que a primera vista parecen ser a capella.

Monteverdi Omito esta parte ya que hace referencia a dos obras famosas de este compositor y el texto ya viene de manera muy sintetizada como deben interpretarse. Y puede aplicar para la mayoría de las composiciones de este autor. Frescobaldi Compositor italiano para instrumentos de teclado más importante de la primera parte del siglo XVII. Sus observaciones de interpretación se adaptan muy bien a la mayoría de la música de su época: 1. En las partitas, ricercares y capriccios, comenzar lentamente. 2. En las cadencias y trinos ralentizar y hacer el trino también más lentamente. Reposar un instante sobre la última nota y caer enérgicamente en la siguiente sección de la obra. 3. Tocar secciones expresivas lentamente 4. Los melismas simultáneos con corcheas y semicorcheas se deben ejecutar con gallardía. 5. Los pasajes con corcheas en una mano y semicorcheas en la otra no deben ejecutarse demasiado rápido. 6. Las secciones sin pasajes brillantes de escalas no deben ser demasiado lentas. 7.

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= adagio; 2 = más rápido; 4 = aún más rápido; 4 = allegro. 1

La música italiana del resto del siglo XVII es mucho más manejable para el intérprete. La rica variedad de estilos se fundió en el unitario de bel canto y también se emplea esta denominación para la música instrumental. Todo ha de ser cantado.

Francia En el siglo XVII la música y el gusto francés se diferenciaba notablemente de la música y el gusto de otros países. Sus contribuciones más importantes fueron la suite para laúd y el estilo operístico de Lully. En el siglo XVII el laúd fue ante todo un instrumento francés. Métodos como The Lute’s Apology o el Musick’s Monument, enseñan un estilo y técnica completamente afrancesados. Había un curioso empleo de las denominaciones de los modos griegos, y proceden de las adaptaciones francesas de teorías de los neoplatónicos. Que eran un tanto curiosas sobre los efectos propios de cada modo. Los títulos de los modos estaban asociados a determinadas tonalidades, y se suponía que las obras escritas en cierto modo expresarían su carácter y se interpretarían conforme a él.

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La música se debe ejecutar con suma sensibilidad y delicadeza de matices, sobre todo las piezas escritas al estilo laudístico. La importancia de las asociaciones literarias a ciertas tonalidades quizá se exagera a veces. Los tempi nunca deben ser excesivos. Las allemandes y pavanas son meditativas y hasta trágicas. Las courantes son tiernas y sutiles. Las sarabandes son majestuosas y equilibradas. Las gigas, las gallardas y canarios, deben tener no más que un toque picante de ligereza. Los arpegios deben ser lentos y con ritmo desigual.

Inglaterra La música del siglo XVII en Inglaterra constituye una mezcolanza de estilos y modas que sería absurdamente pretencioso intentar una distinción entre todos ellos. En primer lugar, el madrig al: quedó fuera de moda en 1625. Son música de cámara, pensados para dos cantantes por voz como máximo. Las canzonetas se deben cantar más vivamente y los balletti aún más. Los instrumentos se emplean para duplicar o reemplazar cualquiera de las voces. Las observaciones de Morley sobre los tempi correctos de la música de danza se pueden emplear para su aplicación a los compases de danza. Los motetes y la fantasía, como las pavanas, son lentos y graves. En las festividades se interpretaban con cornetos y trombones. De toda la música inglesa del siglo XVII, las obras de los virginalistas son las más conocidas. El término “virginalista” es una denominación inapropiada, los auténticos virginales tienen características tímbricas que no se pueden reproducir en otros instrumentos de cuerda punzada, pero el término se refiere a cualquier instrumento de la familia del clave. Quien toque este repertorio en el clave debe recordar que: I. II. III.

En el siglo XVII eran infrecuentes los plectros de cuero; eran más comunes los de cañón de pluma. Muchos instrumentos sólo poseen un registro y muy pocos tres. Todos los cambios de registro se hacen con la mano.

Playford confirma que las danzas se van haciendo lentas conforme envejecen, eran rápidas a principios de siglo y lentas a su final. Características de la notación del Fitzwilliam Virginal Book: 1. Francis Tregian usaba el signo :||: para dividir una pieza en dos secciones y podía indicar o no una repetición. 2. Un acorde al final de una :||: puede representarse para el músico actual como equivalente a “2ª vez”. 3. Adornos. El significado exacto de los dos signos de ornamentación (/ y //) que se encuentran en las fuentes inglesas de música sigue siendo inexacto. Es posible que /sea

un mordente rápido desde una tercera inferior, una appogiatura o springer, y // signifique un mordente superior, trino o acciacatura dependiendo el contexto musical. Purcell Su música es una mezcla extraordinaria de estilos, muchos extranjeros El editor y el interprete tienen que saber con quién se las están habiendo. Flute para Purcell y sus contemporáneos designa la “flauta de pico”. La flauta traversa que fue considerada como flute en el siglo XVIII era considerada un instrumento militar. El hoboy de Purcell era el nuevo oboe barroco. La taille era un oboe tenor. La tabla de tempi de Purcell, publicada en la edición que hizo su viuda de su música de tecla es bastante fiable. Temas diversos Instrumentación: Durante la mayor parte del siglo XVII se consideraban más o menos optativos los instrumentos de similar tesitura y agilidad. Modos y humores: Modo I II III VI IX X XI

Humor Pleno y sereno Melancolía y sinceridad Luctuoso y severo Devoto y dulce Amable Sombrío y triste Vivaz y complaciente

16’ 16’ y tremulant 16’ 16’ 16’ 16’ 16’

Registración del órgano 8’ 4’ 8’ 8’ 4’ 8’ 8’

2’

Instrumentos de bajo continuo: Se empleaban más en el siglo XVII que en el XVII. Omití resumir las últimas páginas ya que se trata de ejemplos y no son generalidades del estilo sino casos específicos. Y habla de España y Portugal y por el momento esa información no es relevante para el tema a tratar en elensayo.