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Dibujo y diseño de modas Bill Thames Instructor Departamento de Diseño Fashion Institute of Design and Merchandising San Francisco, California

Traducción

Leonardo Soriano

Revisión Técnica Milagros Alfaro Verónica Núñez María Miagros Duran Alfaro Institute of Design

México • Buenos Aires • Caracas • Guatemala • Lisboa • Madrid • Nueva York • Panamá • San Juan • Bogotá • Santiago de Chile • Sao Paulo Auckland • Hamburgo • Londres • Milán • Montreal • Nueva Delhi • París • San Francisco • San Luis • Sidney • Singapur • Tokio • Toronto

Editor: Guillermo E. Nora G.

Dibujo y diseño de modas Prohibida la reproducción total o parcial de esta obra por cualquier medio, sin autorización escrita del editor. Derechos reservados © 2001 respecto a la primera edición por, McGRAW-HILL/INTERAMERICANA EDITORES, S. A. de C. V. A subsidiary of the McQraw-Hill Companies Cedro rio. 512, Col. Atlampa, Delegación Cuauhtémoc C. P. 06450 México, D. F. Miembro de la Cámara nacional de la Industria Editorial Mexicana, Reg. Núm. 736 ISBN 970-10-3041-9 Translated from the seventh English Edition of Drawing Fashion Copyright © MCMXCIX by Glencoe/McGraw-Hill All rights reserved ISBN 0-07-063722-9

Ilustración de Cubierta: Bill Thames El autor desea agradecer a las siguientes personas que generosamente prestaron sus diseños originales, y otorgaron permiso para reproducirlos: James Galance, p. viii Jeanne Marc, p. viii Bill Blass, p. ix. Diane Von Furstenberg, p. ix Liz Clairborne, p. ix Patti Baker, p. 116 Aubrey Wilson, p. 116 Phoebe Evans, p. 117 Mary Cheung, p. 117 Dorian Leong, p. 117 1234567890 Impreso en Colombia

09876543201 Printed in Colombia

Se imprimieron 3.500 ejemplares en el mes de noviembre de 2000 Impreso por Quebecor Inpreandes

Contenido 1. Dibujo de la figura

1

PREFACIO vi GALERÍA DE DIBUJOS DE DISEÑADORES DE MODAS viii CÓMO USAR ESTE LIBRO x MATERIALES BÁSICOS 2 LA BUENA POSTURA Y LA ORGANIZACIÓN EN LA MESA DE DIBUJO 3 FORMATO 4 DIBUJO DE LA FIGURA A ESCALA EN EL PAPEL 5 LA FIGURA EN FORMAS BÁSICAS 6 RELACIÓN DE LAS FORMAS BÁSICAS CON EL ESQUELETO Y EL CUERPO 7 DIBUJO DE LA FIGURA DE FRENTE 8 EXPRESE MOVIMIENTO POR MEDIO DE BALANCE DEL PESO 10 BALANCE DEL PESO 12 GIRO DE LA FIGURA A 3/4 14 POSE DE LA FIGURA CON MOVIMIENTO DE LA PELVIS HACIA ADELANTE 15 FIGURA DE ESPALDA 16 FIGURA DE PERFIL 17 CONTORNO 18 LA TÉCNICA DEL CALCADO 20 REFLEJE MOVIMIENTO A TRAVÉS DE BALANCE DEL PESO 22 LA FIGURA TERMINADA 24 FIGURA DE POSE CON PELVIS HACIA ADELANTE Y DE 3/4 FIGURA DE PERFIL Y DE ESPALDA 27 LA COMPARACIÓN DE POSTURAS 28 LA COMPARACIÓN DE MOVIMIENTO 29 EL DIBUJO DE LA FIGURA MASCULINA 30 EJEMPLOS DE POSTURAS MASCULINAS 32 Balance de Peso Figura de 3/4 Postura de piernas abiertas Figura de espaldas PROPORCIONES INFANTILES 36 Infantes Niños pequeños Niños grandes Adolescentes CABEZAS Y ROSTROS—Femeninos 44 CABEZAS Y ROSTROS—Masculinos 45 LOS ROSTROS EN LA MODA 47 FORMAS DE LA MANO—Femeninas 48 FORMAS DE LA MANO—Masculinas 49 PIES Y ZAPATOS—Femeninos 50 PIES Y ZAPATOS—Masculinos 51 EL CROQUIS DEL DISEÑADOR 52

Contenido

iii

2. El dibujo del atuendo

Contenido iv

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SILUETAS DEL SIGLO XX 56 GALERÍA DE MODA ARTÍSTICA 60 DIBUJO PLANO 62 EL CALCADO COMO UNA TÉCNICA 64 RECURSOS PARA PRACTICAR EN CASA 65 LA LUZ Y LA SOMBRA 66 SOMBRA Y ÉNFASIS 67 LAS PRENDAS DE VESTIR COMO FORMAS SENCILLAS 68 EL VESTIDO DICTA LA POSE 69 MÉTODO 71 ESCOTES 72 CUELLOS Y MANGAS 74 EL BLAZER DE LA MUJER 77 CHAQUETAS/TRAJES 78 FALDAS BÁSICAS 79 FALDAS DE VOLANTES 82 FALDAS PLISADAS 84 MÁS PLIEGUES 86 FALDAS CON MUCHO VELO 88 FALDAS DIVIDIDAS 90 PANTALONES 92 SOMBREADO Y ÉNFASIS 94 ROPA CASUAL DE HOMBRE 95 ROPA DEPORTIVA 96 ROPA FORMAL DE HOMBRE 97 EL BLAZER PARA HOMBRE 99 GALERÍA DE VESTIDOS 100 GALERÍA DE CONJUNTOS 102 GALERÍA DE ABRIGOS 103 GALERÍA DE PANTALONES Y BLUSAS 104 GALERÍA DE TRAJES DE HOMBRE 106 GALERÍA DE ROPA DEPORTIVA MASCULINA 107 GALERÍA DE ADOLESCENTES 108 GALERÍA DE JÓVENES 109 GALERÍA DE INFANTES Y NIÑOS PEQUEÑOS 110 ACCESORIOS 111 LA FOTOGRAFÍA DE MODAS COMO MODELO 112 LA ILUSTRACIÓN DE MODAS COMO MODELO DE PRÁCTICA 114 DIBUJO DE UN MODELO EN VIVO 116

3. La reproducción de estampados 119

ESTAMPADOS EN COLOR 121 ESTAMPADO FLOREADO 123 TELA A CUADROS 125 BROCADO 127 SATÍN 129 CHIFÓN 131 TAFETÁN 133 OTRAS TÉCNICAS Y MATERIALES 135 TÉCNICAS DE MARCADORES 136 CALIDAD DE LA LÍNEA 139 Ceñida con caída-Transparente-Con cuerpo 141 FUENTE DE LUZ Y SOMBRA 142 PLANIFICACIÓN DE ESTAMPADOS 144 DIBUJO DEL ESTAMPADO A ESCALA 146 INDICACIÓN DEL ESTAMPADO 147 LISTAS 149 Verticales 149 Horizontales 149 CUADROS Y CUADROS IRREGULARES 151 CRISTAL DE VENTANA Y RECUADROS 153 ESPINA DE PESCADO Y PATA DE GALLO 15 5 LISTAS DIAGONALES Y LUNARES 157 ESTAMPADOS FLOREADOS Y ESTAMPADOS GEOMÉTRICOS 159 LA PLANIFICACIÓN DE LA TEXTURA 161 Textura de edredón de túnel, diagonal y gola 163 SMOCKING 165 EL FRUNCIDO CON ELÁSTIOS 165 FILAMENTOS 167 RAYADILLO Y PANA ACANALADA 169 TELA BORDADA 171 ENCAJE 173 TERCIOPELO 175 PIELES 177 DESTREZAS DE PRESENTACIÓN 178 EL PORTAFOLIO 179 GLOSARIO 180 ÍNDICE 182

Contenido V

Prefacio

El método "Bill Thames"

Organización

Prefacio

vi

Dibujo y Diseño de Modas tiene como propósito ayudar al personal de la industria de la moda, a desarrollar un valioso instrumento de comunicación. Para los ilustradores de modas, el poder expresar imágenes en forma visual constituye una destreza profesional importante y necesaria. Para el diseñador de modas, un dibujo es la mejor manera de describir el concepto de un atuendo. Para otros empleados en las diversas ramas de esta industria, la utilidad del dibujo resulta menos visible, pero, no menos importante. La gente involucrada en la manufactura de textiles y atuendos, los comerciantes de tiendas al detal, los propietarios de pequeñas tiendas de modas, y aun los consumidores, pueden beneficiarse de aprender a leer, interpretar y utilizar el dibujo de modas. El dibujo de un atuendo se estiliza de tal manera, que resulta inmediatamente reconocido como un dibujo de moda y no meramente como un dibujo artístico. El énfasis está en el vestido mismo. Esto debe comunicar el encanto y emoción que el diseñador quiere evocar en el espectador. Las técnicas empleadas pueden variar, desde las más 'impresionistas' que destaquen la actitud en una ilustración tridimensional al concepto mecánico de dibujo técnico plano representado en dos dimensiones que destaquen con exactitud todos los detalles del atuendo. El propósito de este libro es ayudar tanto al estudiante como al diseñador profesional con experiencia, en su mesa de diseño, a desarrollar y mejorar su habilidad en el dibujo de modas. El método que se presenta en el libro puede también servir de estímulo a los jóvenes que están a punto de hacer una importante decisión en su carrera e igualmente puede usarse como simple entretenimiento por personas de todas las edades que disfrutan de la moda. Diseño y Dibujo de Modas es el resultado de mis años de experiencia como ilustrador por cuenta propia y como maestro. El procedimiento que se presenta aquí, paso a paso, yo mismo lo desarrollé, después de analizar mi propia aproximación al diseño de modas. Sus beneficios son por partida doble: ayuda a controlar las proporciones al dibujar figuras de muchos tamaños y provee una fórmula a los estudiantes, para planificar sus figuras, estimulando a aquellas personas que estaban convencidas de que no podían dibujar. Los despliegues a doble página contienen una secuencia de pasos numerados para que el estudiante los vaya siguiendo. Se ofrecen instrucciones que corresponden a cada número; y cada paso está codificado a color, a fin de mantener la secuencia a la vista. Cada despliegue es una lección completa que finaliza con un ejemplo terminado. Esto tiene como objetivo evitar confusión y el tener que estar pasando muchas veces las páginas. Para los profesores que quieran usar Dibujo y Diseño de Modas como libro de texto, hay un manual del maestro, disponible en inglés. El mismo ofrece algunas sugerencias sobre cómo presentar el concepto de secuencia y proceso dentro del marco de un salón de clases. El texto está organizado en tres partes, correspondientes a los tres componentes de un dibujo de modas: la figura, el atuendo y la tela. Cada parte aparece en un color particular para facilitar un acceso rápido. Para lograr mejores resultados, cada parte debe practicarse en secuencia. Este orden

de presentación recrea la forma en que se desarrolla un dibujo de modas: Primero se bosqueja la postura de la figura para entonces dibujar la ropa que va a llevar y finalmente, las cualidades y características de la tela. A medida que el estudiante aprende y practica sucesivamente cada parte, se desarrollarán sus destrezas, al punto de ser capaz de acercarse a los requisitos más difíciles de la siguiente parte. La Parte Uno —Dibujo de la Figura- ofrece mi fórmula muy sencilla para controlar las proporciones de la actual figura de modas. Esta fórmula, reproducida en la Página 8, funcionará sin importar el tamaño de dibujo requerido. La Parte Uno -Dibujo de la Figura- explica las proporciones de la figura de modas masculina y la femenina, y describe las proporciones cambiantes de los niños, desde los infantes hasta los adolescentes. Se introduce también al estudiante a las diferentes posturas, volúmenes, tipos de rostros, cabello, manos y pies. En la Parte Dos -El Dibujo del Atuendo- se describe la importancia de la silueta. Esta parte emplea técnicas de enseñanza paso por paso, para el dibujo de una selección de prendas básicas. Las destrezas adquiridas al efectuar estos ejercicios hasta obtener resultados satisfactorios, pueden entonces aplicarse a diseños más complejos. A fin de ampliar la perspectiva de los estudiantes de modas, esta parte concluye con una galería de clásicos del siglo XX (más algunas curiosidades). La Parte Tres -Reproducción de Estampados- comienza

con una sección en la cual cada despliegue a doble página a todo color muestra tres pasos por seguir. A continuación, la Parte Tres discurre sobre el peso y el volumen del material, y demuestra cómo controlar la escala de patrones y texturas. Se ofrecen instrucciones, paso por paso, para la reproducción de algunos géneros básicos. La Parte Tres concluye con una descripción de las habilidades necesarias para la presentación y preparación del portafolio.

Reconocimientos

Quiero agradecer a Frederick Bennet, del Institituto de Tecnología de la Moda, de Nueva York, por su exhaustiva revisión de los diferentes borradores de este trabajo, así como por sus muchas e interesantes sugerencias. Aprecio grandemente su gentileza al interrumpir sus vacaciones y venir a visitarme para tratar asuntos de trabajo. También tengo una deuda de gratitud con Dennis Brozynski y Sharon Moran, de la Academia Internacional de Mercadeo y Diseño, de Chicago. Ellos revisaron todo el libro y ofrecieron numerosos y valiosos señalamientos. También quiero reconocer la ayuda de los siguientes amigos y asociados, a lo largo de los años en que este libro ha estado en preparación: Betty Bachrach, Peter Barren, Eva Bortnick, Lee Brady, Sam Douglas, Mike Drum, Mark Hendricksen, Richard Ingersoll, Grace Ma, Ellen Murphy, Tim Sheehy, Susan Turbin y Tom Turbin. Y sobre todo, doy gracias a mis estudiantes —para quienes fue escrito este libro-. Bill Thames

Prefacio vii

Galería de dibujos de diseñadores de modas Los dibujos de diseños de modas van desde bosquejos de trabajo bien planos, hasta ilustraciones a todo color altamente detalladas, que a menudo se convierten en manifestaciones artísticas de gran valor. En el medio, se encuentran los dibujos que recorren la gama entre lo primitivo y lo muy sofisticado. El dominio de una pose o de un pequeño grupo de poses puede ser suficiente, en tanto puedan comunicar silueta, proporción e instrucciones a los asistentes y fabricantes de las muestras. Para beneficio del público y la prensa, se pueden obtener los servicios de un ilustrador profesional. Los diseños de vestuario para el teatro requieren la presentación más completa y detallada. Estos deben mostrar no sólo hasta la última lentejuela, brazalete o adorno, sino también deben sugerir y realzar los rasgos del artista para quien han sido creados. Aunque el dibujo es sólo una de las muchas habilidades comprendidas en el diseño de modas, la mayoría de los diseñadores que no dibujan, o no lo hacen tan bien como quisieran, casi inevitablemente lamentan esta falla, no importa cuan exitosos sean en otros aspectos. Los dibujos que se presentan aquí se han reproducido con la autorización de los siguientes talentosos diseñadores: p. viii (arriba) — James Galanos (abajo) — Marc Grant para Jean-Marc p. ix (izquierda) — Bill Blass — Bosquejos de diseños de Bill Blass (centro) — Diane Von Furstenberg (derecha) — Liz Clairborne

Galería de dibujos de diseñadores de modas viii

Galería de dibujos de diseñadores de modas ix

Cómo usar este libro Este libro contiene una guía exhaustiva para el dibujo de modas, tanto para el estudiante como para el diseñador profesional. También ofrece un fundamento sólido al novel ilustrador de modas. La capacidad para presentar los conceptos del diseño en una forma visual constituye una de las herramientas más importantes del diseñador. Describir verbalmente una prenda de vestir creará tantas imágenes como oyentes tenga el diseñador, mientras que un dibujo exacto comunicará una sola imagen a todo el mundo. Los dibujos de un diseñador pueden variar, desde bosquejos de trabajo bien planos hasta elaboradas presentaciones a todo color. Esta última técnica resulta especialmente necesaria para el diseño de ropa para el teatro. Las ilustraciones de moda son diferentes de los dibujos de diseñador. En la ilustración de modas, el atuendo de vestir existe no sólo como concepto, sino como producto. Este debe reproducirse en una forma actual y favorable, que destaque los rasgos de moda más importantes. Al dibujar, el estudiante se enfrenta con tres componentes comunes: el cuerpo humano, el atuendo y los materiales de que está hecho el mismo. La tarea del estudiante consiste en saber estilizar estos tres elementos en un solo dibujo de modas. Para el diseñador, se trata de uno de los primeros pasos en un proceso que habrá de resultar en un atuendo terminado. Para el ilustrador, sin embargo, el dibujo representa el producto terminado, por lo cual resulta altamente recomendable el adiestramiento en una escuela de arte. Debido a que tanto los diseñadores como los ilustradores de modas se encuentran constantemente asediados por irrevocables fechas de entrega, este libro se escribió con el factor tiempo en mente. De ahí la atención que se le ha dado a la práctica, como el único camino para desarrollar la habilidad necesaria para trabajar de prisa. Se emplea el método de secuencia y proceso, a fin de obtener los mejores resultados en un mínimo de tiempo. No existe ningún sustituto mágico para el trabajo arduo pero se han incluido un número de procedimientos para ahorrar tiempo y ayudar al estudiante a presentar conceptos en forma rápida y precisa, con el mejor gusto profesional

Cómo usar este libro X

posible. A través de todo el proceso, se estimula al estudiante a hacer un mayor uso de su propio juicio y a desarrollar un estilo personal. Los ejercicios en este libro se han organizado en forma de despliegues a doble página, de modo que cuando se usen permitan mantener todo el proceso a la vista. Se le ha dado atención primordial al método de "secuencia y proceso", codificado a color, como una forma de ayudar al dibujo y ahorrar tiempo. Cada ejercicio conducirá al estudiante paso por paso, visual y verbalmente, a la realización de numerosas figuras de modas bien proporcionadas, en las poses apropiadas. Practique cada ejercicio, hasta que pueda efectuarse el dibujo final con precisión y relativa soltura. Cuando usted se encuentre en la etapa de planificación de un dibujo, use siempre un lápiz de grafito. Más tarde, podrá cambiar a un bolígrafo o marcador. A medida que complete cada figura, pegue el dibujo en la pared o sostenga su tabla de dibujo en forma vertical y aléjese por lo menos cuatro pies. A esta nueva distancia, busque cualquier fallo o irregularidad. Usted ha hecho uso de las reglas, por lo que ahora puede confiar en sus ojos y desarrollar su propio juicio. No se desanime tan fácilmente. Los profesionales con frecuencia dibujan un gran número de bocetos, hasta lograr aquel que finalmente están dispuestos a aceptar. Muchos de sus primeros intentos saldrán mal. Cuando esto ocurra, estudie con cuidado las instrucciones y los diagramas hasta descubrir el origen del problema. Repita el ejercicio hasta que identifique y solucione la dificultad. Con la debida práctica y perseverancia, una variedad de figuras de moda estarán al alcance de sus manos. El proceso descrito en Dibujo y Diseño de Modas, el "Método Bill Thames", no es el único método de dibujar modas, pero se trata de un procedimiento sencillo, efectivo y funcional. Sea autodidacta. Adquiera algunos héroes entre los mejores diseñadores e ilustradores de modas del pasado y del presente. Coleccione y copie a sus favoritos, y permita que le sirvan de influencia. Pronto desarrollará su propio gusto y estilo personal. Sus dibujos serán ciertamente originales.

1 ______ Dibujo de la figura Las poses más básicas de la moda actual son las vías adecuadas para el diseñador. Los ilustradores adoptan a menudo una actitud más liberal hacia la postura y la pose, siempre teniendo en cuenta realzar el atuendo que están dibujando. Tanto los diseñadores como los ilustradores deberían escoger poses que resalten elementos importantes de diseño. El objetivo consiste en destacar con mayor atención la apariencia del atuendo, pero nunca oscurecer o distorsionar su diseño. La figura femenina actualmente más favorecida es esbelta, de largas piernas y gran elasticidad. La figura masculina es más musculosa que la femenina, con una apariencia atlética. Las manos y los pies, tanto de hombres como de mujeres, se dibujan a escala real —una mano abierta cubrirá todo el rostro—. La parte superior de la figura de modas consiste de la cabeza, el cuello y el torso. La mitad inferior corresponde a las piernas. Para el diseñador, los rostros, peinados y accesorios se usan solamente para expresar el concepto total. El ilustrador depende grandemente de éstos, a fin de impartir una imagen moderna de la moda. En las vitrinas de las mejores tiendas, usted encontrará ejemplos excelentes de una presentación de modas en conjunto. Los maniquíes, en estas muestras, los crean y visten expertos; con los accesorios, posturas y peinados apropiados. Ellos existen únicamente para exhibir ropas tan inteligentemente como sea posible, tal como hace la figura de modas dibujada. Para una mayor claridad, los dibujos de las figuras que presentamos a continuación se han trazado con gran sencillez. Al reproducirlos puede que usted sienta que sus primeros esfuerzos carecen de suficiente éxito. No se desmotive. Primero, domine las técnicas básicas que hemos presentado. Entonces, podrá usted proyectar su propia interpretación de la elegancia.

Materiales básicos Todo lo que usted necesita para empezar es una libreta de dibujo, algunos lápices afilados y una goma de borrar. He aquí una lista de suministros para el principiante: • Libreta de papel tipo Newsprint (papel barato, para los primeros ejercicios), de 11" X 18" ó 14" X 17". • Libreta de papel bond (Layout bond) para bocetos (papel blanco de mejor calidad, para un trabajo mejor terminado), de 11" X 18" ó 14" X 17". • Una docena de lápices de dibujo de punta suave (HB), tales como marca Eagle número 314 s. • Gomas de borrar plásticas. (Estas gomas no dejan migas ni rompen el papel; sin embargo, no pueden borrar líneas muy gruesas o elaboradas. • Mesa de dibujo con soporte de inclinación. (Este soporte puede consistir de cuatro ladrillos sosteniendo la tabla, o un mecanismo para mantenerla inclinada, o una mesa de dibujo profesional). • Marcador con punta de felpa, tanto finas como medianas. • Rollo de cinta adhesiva para cubrir (masking tape), tachuelas, sacapuntas, recipiente para lápices y bolígrafos, bandeja para organizar los materiales.

La buena postura y la organización en la mesa de dibujo La figura que aparece aquí dibujando se encuentra demasiado cerca del trabajo que está haciendo, de manera que no tiene la visión apropiada del progreso de su trabajo. El hecho de que sólo una pequeña porción de la figura sea visible a la vez se traduce en un pobre control de la proporción. Así mismo, ésta tiende a distorsionarse cuando se trabaja de plano sobre la mesa. Observe la mala postura, la mala iluminación y el hacinamiento de cosas encima. Todo esto tendrá como resultado un dibujo poco satisfactorio, mucho tiempo perdido y fatiga.

Aquí vemos a la figura sentada, con una visión total del dibujo, al igual que del material que le sirve de fuente de información (el libro abierto). Trabajar sobre una tabla de dibujo inclinada, bajo una buena luz que brilla directamente encima del papel, resultará en un mejor control del dibujo. Observe el práctico zafacón y los suministros bien organizados dentro de una bandeja de fácil acceso. Todos estos puntos favorables contribuyen a lograr resultados provechosos.

Dibujo de la figura

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Formato El tamaño (largo y ancho) que tenga su papel es lo que se conoce como el formato. Cualquiera que sea su formato, coloque la figura en la página de manera que el margen superior sea más pequeño que el inferior. 1. Figura demasiado grande que se sale de la página. 2. Figura demasiado pequeña comprimida en una esquina. 3. Figura dibujada muy abajo, que luce como recortada, en un esfuerzo por hacer que quepa en la página. 4. Figura colocada correctamente, que funciona bien dentro de su formato, usando márgenes convencionales.

Dibujo y diseño de modas

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Dibujo de la figura a escala en el papel No importa el tamaño del papel, la figura debe dibujarse a escala, de manera que quepa en el mismo. Planifique una figura que pueda llenar la página, como se muestra en la lámina. Las diferentes partes del cuerpo se dibujarán en proporción entre sí, de acuerdo con la escala que usted haya elegido. La proporción tiene que ver con la relación entre cada una de las partes de la figura y con la totalidad del conjunto. La escala tiene que ver con la proporción de ajuste seleccionado. En la página 8 aparece una fórmula que le permitirá controlar la escala de la figura con respecto a la página.

Dibujo de la figura

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La figura en formas básicas

1. CABEZA —en forma de huevo 2. CUELLO—cilindro 3. DECLIVE DE HOMBROS—en forma de cuña 4. CAJA TORÁCICA—caja córnea 5. CODO—esfera 6. BRAZO—cilindro 7. PELVIS—caja cónica 8. ANTEBRAZO —cilindro cónico 9. MUSLO—cilindro cónico 10. MANO —en forma de diamante 11. PANTORRILLA—cilindro cónico 12. PIE —en forma de cono.

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Relación de las formas básicas con el esqueleto y el cuerpo En la página anterior, mostramos la figura descompuesta en formas básicas, de manera que pueda compararse con las dos estructuras anatómicas en esta página: el esqueleto y el cuerpo con su masa muscular. Se trata, pues, de una versión simplificada de ambas estructuras anatómicas. Cuando planifique hacer un dibujo de modas, tenga presente la forma de cada parte del cuerpo y el hecho de que el cuerpo humano es tridimensional. Para ser dibujante de modas, usted necesita un buen sentido de la forma y de la estructura corporales. Observe las articulaciones en la figura, allí donde el cuerpo se dobla naturalmente (marcadas en rojo). Mientras vaya dibujando, utilice tales articulaciones como puntos de referencia hacia los cuales dibujar. El uso de estos puntos dará dominio a su línea.

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Dibujo de la figura de frente La fórmula que sigue le permitirá controlar la proporción y la escala. Haga una marca cerca del tope de la página —A. Provea espacio para el margen inferior y los pies y marque B. Trace ligeramente una línea vertical (línea balance) de la A a la B. Divida la línea vertical por el centro y marque C. Divida a la mitad la línea que va de A a C y marque 1. Haga lo mismo con la línea A-l y marque 2. Divida también la línea C-l, por la mitad, y marque 3; finalmente, haga otro tanto con la línea B-C y marque 4. Dibuje la forma de la cabeza de la A a la 2. Divida en dos el espacio de la línea 1-2, mediante una línea horizontal hasta el ápice de la caja torácica (clavícula). Allí donde la clavícula se cruza con la línea balance, se encuentra la base del cuello. A iguales distancias arriba y abajo de 3 (cintura), dibuje líneas horizontales. También trace una línea a través de C. Añada los lados de la caja torácica, disminuyendo gradualmente hacia la cintura, así como los lados de la pelvis desde el tope de la cadera. Asegúrese de que todas las formas sean iguales a ambos lados de la línea balance; agregue entonces la forma del puño en la cintura. Ahora haga una marca para cada articulación y dibuje en esa dirección. Primero, dibuje las coyunturas de la esfera del hombro para luego seguir con los declives de los hombros. (Los hombros deben tener un ancho de dos cabezas). Dibuje los cilindros de los brazos. Imagine que centra un compás en la base del cuello, dibuje un arco desde la cintura para indicar la colocación del codo. Dibuje las articulaciones de los codos, seguido de los cilindros del antebrazo. A continuación, dibuje la línea de la cintura, conectada a la caja torácica y la pelvis. Dibuje las coyunturas de las rodillas y los cilindros de los muslos. Dibuje entonces los cilindros de las pantorrillas y agregue los conos de los pies —aproximadamente del largo de la cabeza. —Fíjese que la muñeca del brazo extendido se encuentre justo debajo de C. La forma de la mano se extiende desde la muñeca. Ahora contemple su trabajo a distancia y haga los ajustes que crea conveniente.

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Dibujo de la figura

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Exprese movimiento por medio del balance del peso Formas/figuras Para crear la apariencia de un movimiento relajado en la figura de pie, dibuje el balance del peso del torso descansando sobre uno u otro pie. El pie que lleva todo el peso del cuerpo debe dibujarse al final de la línea del centro. El resultado será entonces una reacción en cadena: La cadera en el lado que lleva el peso del torso se eleva, inclinando la pelvis hacia el otro lado, que no carga ningún peso. Como reacción a esta inclinación pélvica, la línea balance del torso se dobla a la altura de la cintura, en tanto la caja torácica y los hombros se relajan hacia el lado portador del peso del cuerpo. El pie y la pierna que llevan este peso, así como la pelvis, la cintura y la caja torácica, deben colocarse cuidadosamente, para mantener el balance de la figura. Sin embargo, la cabeza, el cuello, los brazos y la pierna que no lleva peso alguno, se encuentran libres para crear una amplia variedad de poses relajadas. Esta fórmula para mostrar movimiento a través del balance del peso resulta una regla útil, aun cuando existen sus excepciones. Más tarde, usted aprenderá a trabajar con poses que rompen todas las reglas. Pero, por ahora, concéntrese en dominar esta técnica.

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Dibujo de la figura 11

Balance del peso Dibuje la línea central o línea balance, de la cabeza al tobillo, y marque A, B y C, así como 1, 2, 3 y 4. Dibuje la cabeza, el cilindro del cuello y el pie que lleva el peso del cuerpo. Seguidamente, dibuje la parte superior de la caja torácica (línea de la clavícula), con una ligera inclinación hacia el lado de la figura que lleva este peso. Para establecer una nueva y relajada línea central del torso, o línea T, trace una línea y forme un ángulo con la clavícula, desde la base del cuello hasta la cintura (3), retorne a la línea balance, en C. Allí, dibuje el fondo de la pelvis, forme un ángulo derecho con la porción inferior de la nueva y relajada línea central del torso. Encima de la cintura, indique el fondo de la caja torácica, al dibujar una línea paralela hasta el tope. Debajo de la cintura, indique el ápice de la pelvis, trazando una línea paralela a su fondo. Empareje las formas a cada lado de la línea central y complete las formas de la pelvis y la caja torácica. Incline la cintura en un mismo ángulo con la pelvis. Dibuje la esfera de la articulación de la rodilla, en 4, ligeramente a la derecha de la línea balance original. Dibuje el cilindro del muslo, desde la pelvis, disminuyendo el tamaño hasta la articulación de esfera de la rodilla. Luego dibuje el cilindro del muslo desde la pelvis, reduciendo su tamaño al llegar a la esfera de la rodilla. Luego dibuje un cilindro en forma de pantorrilla, desde la rodilla al tobillo. Dibuje los declives del hombro; coloque la forma del puño en la cadera. Dibuje las coyunturas de la esfera del hombro. Dibuje entonces un arco que cruce la cintura. Utilice la base del cuello como punto de oscilación y coloque en posición las articulaciones del círculo del codo. Dibuje los cilindros de los brazos. Entonces indique la muñeca del brazo extendido, justo debajo de C. Desde las coyunturas de la esfera del codo, dibuje los cilindros de los antebrazos hasta ambas muñecas. Agregue la forma de la mano. Dibuje una ligera línea de guía paralela al fondo de la pelvis, a través de la rodilla que lleva el peso del cuerpo, en 4; ponga la articulación de esfera de la rodilla que no lleva el peso. Trace otra línea guía inclinada, al nivel del tobillo, para mostrar la colocación del pie que no lleva el peso del cuerpo; coloque la forma del pie y la pierna.

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EL RESULTADO DEBE LUCIR ASI

Dibujo de la figura

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Giro de la figura a 3/4 Vista de 3/4 Girar la figura hace posible todo un nuevo grupo de posturas. Las variaciones sobre la Figura 3/4 son probablemente las más usadas de todas las poses. A medida que la figura gira, se pueden indicar más líneas claves del contorno. Una vuelta extrema puede revelar lo mismo detalles del frente que de la espalda. Para las proporciones de la figura de 3/4, así como para las otras figuras, empiece por dibujar y marcar la línea balance. Debido a que al girar las figuras, el cuello queda en un ángulo y la cabeza se mueve, dibuje la forma de la cabeza un poco hacia un lado de la línea central, ajuste el cilindro del cuello, de acuerdo con la posición de la cabeza, tal como se ve en el diagrama. Dibuje entonces la relajada línea central del torso, siga la secuencia explicada en la Página 12. Debido a que la figura vista de 3/4, al voltearse queda más lejos del observador, las formas de la caja torácica y de la pelvis se dibujan algo más estrechas que las de la figura frontal. Añada las porciones laterales sombreadas a las formas de la caja torácica y la pelvis, Estas se han sombreado para su conveniencia, de manera que usted pueda diferenciar el frente del costado. Deje una abertura a un lado de la caja torácica para adherirle el cilindro del brazo. Dibuje las formas del hombro e incline la cintura paralelamente a la pelvis, tal como muestra el diagrama. Dibuje entonces el pie y la pierna que sostienen el peso del cuerpo. Al terminar la figura, antes de dibujar los brazos recuerde dibujar las manos donde usted las prefiera. También, observe cómo los extremos curveados de los cilindros de los brazos doblados están al revés de su posición en la figura frontal. Observe igualmente, cómo la caja torácica recubre el brazo más distante, a la altura del hombro.

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Pose de la figura con movimiento de la pelvis hacia adelante (Pelvic-thrust stance) Esta pose rompe todas las reglas. Los hombros permanecen rectos, pero la pelvis aparece inclinada; así se logra una postura algo encorvada. Variaciones de ésta han sido la base del modelaje de modas durante años. Trace y marque la línea central vertical, para establecer las proporciones de la figura. Dibuje entonces la forma de la cabeza, un poco hacia un lado de la línea balance. (En esta figura, al igual que en la figura opuesta de 3/4, el cuello en ángulo mueve la cabeza). Ajuste el cilindro del cuello para colocar la cabeza. Trace una línea horizontal para la clavícula. Entonces, establezca una nueva línea central pélvica, desde la cintura (3) hasta la entrepierna, para inclinar la pelvis (c). (Observe que esta posición tiene una sola inclinación, contraria a las poses de dos inclinaciones con las que usted ha estado trabajando). Ahora agregue la estrecha caja torácica y las formas de la pelvis que muestren que la figura en la página no se encuentra mirando directamente al frente. Tal y como usted hizo para la figura opuesta de 3/4, añada la porción lateral sombreada a las formas de la caja torácica y la pelvis, deje una abertura en el lado de la caja torácica para adherir el cilindro del brazo. Dibuje entonces los declives del hombro e incline la cintura parcialmente sombreada, en forma paralela a la pelvis. Indique ligeramente la pierna y el pie sosteniendo el peso. De nuevo, coloque las manos y los pies donde usted quiera dibujarlos. Entonces, conéctelos con los brazos y las piernas. Observe el declive inverso de las rodillas, donde se sobreponen las piernas. Ver la Página 26, para versiones en detalle de estas posturas.

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Figura de espalda Cada nueva postura aumenta su conocimiento sobre el dibujo de figuras de modas. No se impaciente por avanzar demasiado de prisa. Siga cada grupo de secuencias, según vayan apareciendo, y trabaje cuidadosamente. Asimismo, observe que cada pose presenta diferencias sutiles con respecto de las otras, y deben practicarse. Por ejemplo, en la figura de espalda a la derecha, fíjese cuan diferente es la forma de la cabeza de la forma de la cabeza de frente —y de las figuras de 3/4 . El cilindro del cuello se eleva mucho más. Ello se debe a que usted ve más la parte del cuello, desde la espalda, puesto que no la oculta el mentón. Después de trazar y marcar la línea balance para la figura de espalda, dibuje la forma de la cabeza y el cilindro del cuello. Entonces relaje la línea central, como usted ha hecho desde la Página 12. Trabaje entonces en la siguiente secuencia: formas de la caja torácica y la pelvis, declives del hombro e inclinación de la cintura; pie y pierna que llevan el peso del cuerpo, forma de la mano puesta en la cintura. Mientras usted termina su dibujo, preste especial atención a los cilindros de las extremidades y los codos. Observe que están a la inversa de su posición en la figura frontal. Los codos se extienden desde la superficie de la página hacia el observador. Véase la Página 27 para una versión detallada de esta pose.

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Figura de perfil La figura de perfil -la postura menos usada de todas- presenta una perspectiva del cuerpo humano totalmente diferente de lo que se ve en las otras poses que usted ha estudiado. Usted ya no podrá depender de la línea central del torso, pues tendrá que trabajar desde una línea de costura lateral, que cumpla la misma función. Dibujar la cabeza, el cuello y el torso le brindará una mirada fresca a las formas y proporciones de las figuras. Trace y marque la línea balance para las proporciones verticales de la figura. En la figura de perfil la forma de la cabeza se asemeja a un huevo inclinado; el cilindro del cuello ajustado a éste, se adhiere al frente del cuerpo. La parte superior de la caja torácica se dibuja ahora con una línea sesgada desde la línea balance. Observe cómo la línea de costura lateral empieza a partir del tope de la caja torácica, cruza la línea balance a la altura de la cintura (3) y termina en C. Desde C, añada la línea inferior de la forma pélvica, tal como se muestra. El torso tiene la forma de dos Ts adheridas a sus bases, la del fondo boca abajo —una Tpara la caja torácica y otra para la pelvis-.

Ahora desarrolle la forma de la caja torácica con el hueco del brazo. Dibuje entonces la forma de la pelvis y la cintura inclinada. Dibuje la pierna y el pie portadores del peso, así como la forma de la mano en la cintura. (A medida que dibuje la pelvis, incline la línea que corresponda a los glúteos hacia adentro). Termine de dibujar la figura, tal como se muestra. Déle especial atención a los cilindros de las extremidades y al arco del codo. Una versión detallada aparece en la Página 27. Ahora usted ha practicado el dibujo de las formas básicas del cuerpo desde todos los ángulos más importantes. Ya puede notar que al mover la figura de modas, le añade drama, emoción y personalidad a su trabajo.

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Contorno Indicación del volumen a través de las líneas de contorno Para dibujar un diseño de modas exitoso, piense en términos de volumen. Las prendas de vestir rodean la figura. Las líneas de contorno sirven como un recordatorio de que sus formas son tridimensionales. Estas líneas comprenden la perspectiva, es decir, la representación de la relación espacio y forma, tal como aparecen ante nuestra vista. Las líneas del contorno aplican también al diseño de telas. La Figura 1 se presenta de frente, cubierta de líneas de contorno; algunas son más importantes que otras. Las líneas de contorno clave son las siguientes: • Alrededor de la base del cuello (para collares, escotes). • Alrededor del brazo (para mangas cortas). • Alrededor de las muñecas (para puños, terminales de mangas, brazaletes). • A través del ápice del busto • Alrededor de la cintura (para cinturones, bandas). • Alrededor del tope del muslo (para pantalones cortos). • Alrededor de la pantorrilla (para medias, ruedos o dobladillos, botas). Todas las cuatro figuras se dibujan con la línea del horizonte en la parte baja del torso, así se crea la ilusión de que se está viendo a la modelo desde abajo, como en un desfile de modas. Observe que en la línea horizontal, se invierte la dirección de las líneas de contorno. La Figura 2 muestra líneas de contorno verticales. Estas pueden sugerir costuras laterales, cierre del frente y tratamiento del busto. La Figura 3 -la vista posterior- muestra cómo las líneas de contorno horizontales revierten la dirección al doblar una pierna. La Figura 4 presenta el efecto de las líneas de contorno de una pierna relajada. Al dibujar la pierna hacia delante, las líneas de contorno quedan invertidas. Usted observará que en todas las figuras ilustradas, las líneas de contorno se ajustan a la postura.

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La técnica del calcado Hasta ahora, todas sus figuras han sido versiones de la "figura de formas básicas" presentada en la Página 6. En esta etapa, el calcado puede usarse como una técnica para que usted pueda ir de esa figura de formas a una figura ya físicamente detallada. Los pasos del calcado que siguen a continuación le mostrarán un camino para que no tenga que preocuparse por los problemas de postura, escala y proporciones, de manera que pueda concentrarse en las características físicas de la figura de modas y en la calidad de la línea del dibujo. A medida que vaya haciendo los trazos, trate de recordar que usted no está creando una copia descuidada. Vaya despacio. Deténgase y piense. Procure que cada línea que usted haga esté cuidadosamente calculada. Al efectuar sus trazos, tenga en mente los siguientes objetivos: 1. Perfeccionar la colocación de su figura en la página. 2. Preservar el resultado de su trabajo en cuanto a postura, escala y proporción. 3. Cuidar de tener limpio un croquis —o figura guía-, para trabajar. 4. Detallar bien su figura. Los cuatro pasos siguientes, ilustrados en esta página y en la próxima, le ayudarán a calcar con éxito. Pegue con cinta adhesiva, el dibujo de la figura de formas básicas, a su mesa de dibujo. En el ejemplo que se ilustra en la Figura 1, la postura, escala y proporciones han sido perfeccionadas, pero la colocación en la página necesita ajustes. Pegue con una cinta adhesiva una hoja encima del dibujo . En la Figura 2, la posición del papel limpio ha sido ajustada, para mejorar la colocación de la figura presentada en la Figura 1. limpia de papel de maquinilla (calcante)

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Use como guía la figura de formas básicas que se transparenta por debajo del papel, y dibuje la figura en detalle. Cuando vaya a darle consistencia corporal a la figura, asegúrese de mantener una visión general del dibujo, de manera que todas las partes de la figura se relacionen en forma y en escala. (En las seis páginas siguientes se ofrecerán técnicas precisas para detallar físicamente varias figuras de formas que usted ha dibujado). Verifique si sus primeros trazos requieren ajustes adicionales. Hágalos cuantas veces sea necesario y contémplelos a cierta distancia, hasta que su ojo esté satisfecho con los resultados. El boceto final deber ser un croquis de gran utilidad, sobre el cual pueda dibujar los atuendos. Eventualmente usted desarrollará un conjunto de croquis en diversas poses para mostrar una gran variedad de ropa.

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Refleje movimiento a través del balance del peso Figuras en detalle Las figuras en estas páginas se calcaron por encima de las figuras de formas básicas en las Páginas 10 y 11, usando la técnica explicada en la Página 24. Observe que los torsos y las piernas que llevan el peso de las Figuras 1, 2 y 5, se encuentran en las mismas posiciones que aquéllas sobre las cuales se calcaron. Las cabezas, brazos y piernas relajados le dan variación a las posturas. Muchas otras variaciones son posibles. Mientras usted practique el dibujar la figura en detalle, trate de desarrollar muchas poses diferentes. Puede que usted necesite ciertas posturas especificas, para mostrar ciertos atuendos de la mejor manera posible. La Figura 4 es un ejemplo de la inevitable excepción a la regla. Aunque el peso descansa sobre la pierna no doblada, los hombros se encuentran nivelados. Sólo las caderas están inclinadas, en una pose de pelvis hacia adelante. Otra "rompe-reglas" es la Figura 8. El torso se dibuja como si el peso descansara sobre el pie derecho, pero las piernas se mantienen abiertas, para darle a la figura una apariencia deportiva activa. Al igual que otras figuras presentadas en estas páginas, las excepciones a la regla se dibujaron por encima de las figuras de formas básicas, en las poses originales formuladas. Se hicieron ciertos ajustes para alterar las poses.

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La figura terminada El dibujo paso a paso Mientras usted dibuja la figura, trate de visualizarla sobre la página como un concepto de la cabeza a los pies. Mantenga una imagen mental de la apariencia que quiere lograr; cree una serie de puntos de referencia (puntos donde doblan las articulaciones), hacia los cuales llegar con su lápiz, y proceda a dibujarlos. Descanse entonces, planifique anticipadamente lo que va a hacer. Cuando usted conoce estos puntos se puede concentrar en la calidad de la línea, la cual define la forma que está dibujando. Los buenos puntos de referencia —paradas para descansar y planificar- se encuentran en todas las áreas de las articulaciones: codos, muñecas, cintura, rodillas y tobillos. La mayor ventaja de esta técnica de establecer puntos clave es el control de líneas y formas que usted puede obtener con la misma. Planifique ligeramente una figura sobre la página o calque alguna de sus figuras de formas básicas mejor logradas. Comience arriba y vaya trabajando hacia abajo, de izquierda a derecha, para evitar borrones. Si es zurdo, trabaje de derecha a izquierda. Marque cada punto de referencia (enumerado arriba) por adelantado y dibuje hasta ese punto. Descanse y planifique por anticipado. Concéntrese en reproducir las formas terminadas. Observe el arco de la cintura, inclinado con relación a la pelvis. Fíjese también en el triángulo púbico desde la línea inferior de la forma pélvica, extendiendo el torso inferior. Asegúrese de dejar algún espacio entre las piernas. Cuando usted haya detallado bien la figura, agregue las líneas de construcción de la indumentaria (líneas de contorno clave), tal como se muestra. Éstas le ayudarán a colocar las pinzas del busto y las principales líneas de costura. La línea central frontal le indicará dónde colocar los cierres, como las cremalleras y botones. Los cierres de botones sobrepasarán esta línea.

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Figura de pose con pelvis hacia adelante y de 3/4 Terminado

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Figura de perfil y de espalda Terminado

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La comparación de posturas • Masculina: hombros cuadrados; codos alejados del torso, muñecas y manos menos flexibles, mano más abajo de la cadera; dedos curvos bajo la mano relajada; inclinación de las caderas poco pronunciada; postura sólida.

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• Femenina: hombros relajados; codos próximos al torso, muñecas flexibles, muñeca de la mano relajada doblada, inclinación pronunciada de las caderas, postura ligera -la rodilla doblada a menudo apunta hacia dentro—.

La comparación de movimiento • Masculino: hombros rollizos; peso descansando sólidamente sobre los tobillos; las caderas se mueven muy poco; los brazos se balancean libremente; codos alejados del torso; manos casi rozando los muslos.

• Femenina: mueve las caderas más que los hombros; da pasos cortos; pierna doblada que se balancea desde la rodilla; grácil vaivén de los brazos; codos cerca del torso. Dibujo de la figura

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El dibujo de la figura masculina La figura de modas masculina debe ser esbelta, adética y musculosa, pero nada voluminosa. La fórmula que usted ha usado para planificar la figura de moda femenina funciona también para la masculina. Los ajustes siguientes cambiarán el género de la figura formulada originalmente, de femenino a masculino. • El pico de viuda y las entradas del cabello ligeramente hacia atrás (menos evidente en hombres menores de 30 años; más evidente en los mayores). • Cejas más espesas y mandíbula más cuadrada. • Cuello más grueso y hombros más amplios. • Torso disminuye gradualmente hasta acabar en caderas más estrechas. • Línea de la cintura curveada hacia abajo, en lugar de hacia arriba, pero todavía inclinada con relación a las caderas. • Forma protuberante en lugar de triángulo púbico. • Articulaciones de huesos largos y músculos bien definidos en brazos y piernas. • Manos y pies más toscos y gruesos. Proyecte la figura usando las formas, proporciones y secuencia utilizadas para la figura femenina. Haga ajustes para las áreas que cambien el género de la figura a masculino. Marque los puntos de destinación para detallar físicamente la figura. Puede que usted tenga que practicar ajustando muchas figuras, antes que esté listo para detallar físicamente la figura masculina (Paso 3). Extienda una hoja de papel en limpio por encima de la figura que ha estado marcando. Dibuje cuidadosamente y use la figura de abajo como guía para detallar la figura masculina, al conectar sus puntos de referencia con líneas fluidas, pero bien controladas. Recuerde que sus líneas están describiendo la piel, los músculos y los huesos. Practique esta pose, así como aquéllas en las Páginas 32 a 35, hasta que su confianza vaya a la par con su destreza.

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Ejemplos de posturas masculinas Balance del peso

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Figura 3/4

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Postura de piernas abiertas

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Figura de espaldas

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Proporciones infantiles Formas/figuras

ADOLESCENTES

NIÑOS GRANDES

Todas las figuras en ésta y en las próximas páginas tienen el mismo tamaño de cabeza. Se comprende que la cabeza de un infante sea más pequeña que la de un adolescente. Pero en atención a la simplicidad, esa variable ha sido eliminada de los dibujos que aparecen en estas páginas. Las líneas horizontales en las mismas se relacionan con el tamaño de la cabeza. Las fracciones indican la colocación de puntos claves del cuerpo que ocurren entre estas líneas. Observe la proporción del tamaño de la cabeza con el cuerpo de cada niño. Estudie estas figuras verticalmente, no horizontalmente, y usted llegará a tener una comprensión más clara de las proporciones cambiantes de los cuerpos infantiles.

NIÑOS PEQUEÑOS

INFANTES

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Proporciones infantiles Figuras terminadas Resulta fácil ver el aspecto proporcional de los cambios por los que atraviesan los niños si observamos una proporción —el tamaño de la cabeza con relación al tamaño del cuerpo-. (No planificamos la figura adulta como un múltiplo del tamaño de la cabeza porque pensamos que es más fácil dibujar a escala de acuerdo con el formato, o con el tamaño del papel y la forma). Si se observan los cuerpos infantiles en relación con sus cabezas, se hace más fácil dibujar con exactitud los diferentes grupos de edad. Los infantes tienen una altura equivalente a cuatro cabezas -rollizos y de piernas cortas—. Los niños pequeños tienen una altura de cinco cabezas —todavía gorditos, pero con piernas más largas-. Los niños grandes, de siete cabezas de altura, son bastante esbeltos y largos de piernas, en tanto las proporciones de los adolescentes -ocho cabezas de altura- anuncian ya la adultez.

ADOLESCENTES

NIÑOS GRANDES

NIÑOS PEQUEÑOS

INFANTES

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Infantes Tienen alrededor de 2 a 3 años de edad cuatro cabezas de altura-. Observe que sus rasgos faciales ocupan sólo el tercio inferior de sus caras. Los infantes se dibujan con una postura amplia, para mostrar cuan inestables son sobre sus piernas cortas y gorditas. Ellos deben lucir tan relucientes como acabaditos de hacer, y tan inquisitivos como gatitos, extendiendo sus brazos en alto, con manos torpes y rollizas. Como accesorios, podrían servir algunos objetos suaves y acariciables o de esos juguetes para halar.

Niños pequeños Tienen alrededor de 4 a 6 años de edad cinco cabezas de altura. Sus rasgos faciales todavía ocupan sólo el tercio inferior del rostro, pero las facciones son más pronunciadas que en los infantes. Los niños pequeños desarrollan piernas más largas, pero al igual que los infantes, se deben dibujar rollizos, con vientres redondeados y manos torpes y rechonchas. Sus posturas son muy activas corriendo, saltando y marchando-. Los accesorios pueden incluir pelotas, carritos y patinetas. Los huesos de un niño pequeño están recubiertos de grasa infantil. Los muchachos se pueden dibujar mejor cuando se combinan el gesto y la postura, presentando al chico en movimiento. Además, muestre la redondez de las cabezas infantiles y las pequeñas formas de sus rasgos en desarrollo.

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Niños grandes Tienen alrededor de 8 a 12 años de edad -siete cabezas de altura-. Sus brazos y piernas son más largos. Además, su grasa de bebé va desapareciendo, a fin de revelar los huesos de las rodillas y los codos, así como otras características de la figura adulta. Las posturas típicas de los muchachos de esa edad a menudo reflejan amaneramientos exagerados. Una cierta torpeza juguetona afecta el uso de sus manos y pies. Las niñas pueden comportarse como "damitas" o pueden actuar como marimachos bien activos. Los muchachos de esta edad a menudo copian conscientemente las posturas y actitudes masculinas de sus ídolos mayores. Para los chicos de ambos sexos, los deportes y su parafernalia correspondiente pueden sugerir poses y proveer accesorios. La escuela también juega un papel importante en la vida de los niños grandes. En el otoño, son tradicionales y apropiados los accesorios de regreso a la escuela, tales como libros, cuadernos y mochilas.

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Adolescentes Tienen de 13 a 17 años de edad -ocho cabezas de altura. Son esbeltos y de piernas largas- casi adultos en sus proporciones. Los huesos los tienen muy bien marcados. Los adolescentes están interesados en su apariencia y en acicalarse. Algunas modas momentáneas entre adolescentes puede que les hagan lucir descuidadas para los adultos, pero para el joven que lleva esas ropas constituyen lo último en elegancia entre sus compañeros. Los adolescentes a menudo exageran su propia feminidad o masculinidad. Las chicas pueden ser altaneras o coquetonas. Los muchachos frecuentemente se hacen los bravos, escondiéndose detrás de una fachada de machos. Cuando dibuje adolescentes, tome en consideración sus afectaciones y actitudes para que pueda seleccionar las poses más adecuadas. Además de los deportes, la escuela ocupa mucho tiempo en la vida de estos jóvenes. Son apropiados los accesorios deportivos y escolares. La música y el baile son también de suma importancia para los adolescentes. Por último, el teléfono desempeña un papel definitivamente importante a esa edad.

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Cabezas y rostros Femeninos El dibujo del rostro puede completar el mensaje total del diseño. Puede sugerir que el diseño del vestido está dirigido a un cliente determinado de acuerdo con la edad, tipo o figura en particular. El dibujo del rostro puede expresar satisfacción al usar este diseño específico del cliente. Presentamos aquí una serie de proporciones faciales típicas. Estudie el diagrama de la derecha; luego practique dibujando rostros paso a paso en las secuencias presentadas a continuación. Unas palabras de advertencia acerca de los ojos: demasiado grandes —de caricatura—; demasiado cercanos —una mirada de enojo—; demasiado separados —una mirada inexpresiva—; el blanco de los ojos encima o alrededor del iris —espanto—; demasiado blanco debajo del iris —soñolientos—. Dibuje la forma de la cabeza y las líneas guía, y coloque los ojos. En la figura de frente, deje la medida de un ojo entre cada ojo. (En la figura de 3/4, observe el tamaño disminuido del ojo más lejano, así como la ligera redondez del más cercano). Coloque el ojo bien hacia delante, en la figura perfil de la cabeza. Dibuje el nacimiento del cabello; coloque las cejas, la nariz, la boca, usando las proporciones indicadas arriba. Use su mejor criterio al colocar la boca en la forma más atractiva posible. La primera línea que se dibuje será la abertura de la boca, y debe ser la más pronunciada. Complete los rasgos faciales. Añada el perfil de la nariz en la figura de perfil y en la de 3/4. Añada los párpados, iris, orejas, labios superior e inferior y el cilindro del cuello. Observe la nariz y los labios en la figura de lado, dibujados fuera de la forma de la cabeza, el labio superior sobrepasa el inferior. También observe el ángulo del cilindro del cuello y la colocación de la oreja. Añada los detalles finales, tales como el cabello y las pupilas de los ojos. Agregue acentos de maquillaje a los ojos y los labios.

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Cabezas y rostros Masculinos El rostro masculino puede dibujarse con las mismas proporciones utilizadas para el femenino. La diferencia entre los sexos está marcada por los ojos más estrechos del hombre, y por las entradas del cabello hacia atrás desde el pico de viuda. El rostro masculino tiene cejas más gruesas, la mandíbula más cuadrada y la barbilla más definida que el rostro femenino. Además el cilindro del cuello sobre el que descansa la cabeza del hombre es más ancho. Se debe prestar más atención a la nariz del hombre y menos a la boca.

El diseñador dibuja los ojos del los hombres y los de las mujeres en forma diferente. A las mujeres se les aumentan los ojos con el maquillaje, mientras que a los de los hombres tiende a alargarlos para que parezcan más concentrados, con el ceño fruncido. Ya sea que usted esté dibujando un hombre o una mujer, recuerde: una nariz con líneas repasadas en el dibujo domina todo el rostro; cada nueva línea añade 10 años. Asegúrese de que sus bocetos de práctica sean del tamaño adecuado para figuras completas. La misma secuencia que para el rostro femenino. Observe las líneas guías trazadas para cada posición. La misma secuencia para la mujer. La misma secuencia que para la mujer, pero cuadre la quijada del hombre y la barbilla. Haga más gruesas las cejas. En la posición 3/4, la mitad más alejada de los labios debe ser más pequeña que la mitad más cercana. No trace el contorno de los labios masculinos. Ahora proceda a refinar los pómulos y la barbilla. En los rostros masculinos se permite dibujar líneas de expresión para lograr una apariencia más vigorosa y madura.

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Los rostros en la moda Hasta hace poco tiempo, la imagen del maniquí de moda era exclusivamente de raza blanca. Se destacaban las facciones europeas, nariz alargada y ojos claros. De unos años para acá, esta mentalidad tan estrecha ha sido felizmente cambiada. Las casas de modas, revistas, folletos y vitrinas contemporáneas están usando modelos de todo de tipo de razas con el fin de distinguir, mostrar, halagar y crear una mayor demanda por la ropa.

Dibujo del cabello No importa el tipo étnico que esté dibujando, usted debe darle atención al cabello, ya que este es un detalle muy importante del mensaje total del diseño de moda. Recuerde, ya sea el pelo largo, corto, lacio, ondulado o rizado, su lugar de origen será el nacimiento del cabello. Levemente trace la forma de la silueta del cabello, y vaya dibujando el estilo deseado. Indique la textura del cabello u otra característica. Ocasionalmente usted tratará de seguir algunas líneas individuales del cabello, desde el nacimiento del cabello hasta el final, tal como se ve en la ilustración. Indique cualquier línea ondulada o rizada que requiera el estilo del peinado. Sea mesurado para no terminar con el desorden y los garabatos de un aficionado. Para más detalle usted puede crear puntos de luz (highlights) (puntos brillantes que reflejan la luz) a base de color, así como áreas descubiertas (drop-outs) (lugares donde el color no ha sido aplicado). Para producir estos últimos, oscurezca sólo las áreas no expuestas a fuente de luz imaginaria, dejando sólo aquéllas expuestas a tal fuente de luz. Esta técnica crea la ilusión de un cabello lustroso y saludable.

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Formas de la mano Femeninas La mano femenina en el diseño es una versión delgada, elegante y grácilmente exagerada de la versión real de la mano. No haga una escala muy pequeña de la mano. La mano abierta debe cubrir casi toda la cara y la longitud del dedo índice se aproxima a la de la palma de la mano. A continuación, el proceso para dibujar las formas de la mano femenina. Piense en la mano como una caja rectangular poco profunda, con el dedo pulgar sobresaliendo del costado y los otros dedos del final. Invierta Dibuje ligeramente la forma básica de la pose que usted haya seleccionado. Añada los dedos de la mano más prominentemente expuestos (el pulgar y los dedos). Refine y dibuje los dedos menos prominentes. Complete, ¡pero no dibuje en exceso! La escala y las formas básicas son más apropiadas que detalles anatómicos exactos. entonces la caja.

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Formas de la mano Masculinas La mano masculina es más cuadrada que la femenina y tiene dedos más gruesos. Al igual que en la mano femenina, el dedo índice tiene casi la misma longitud que la palma de la mano. Cuando se coloca en la cadera, la mano masculina descansa sobre sus dedos y el pulgar. Cuando está relajada, los dedos se doblan hacia dentro. Como en el dibujo de la mano femenina, piense en una caja rectangular poco profunda, con el pulgar y los demás dedos. Dibuje ligeramente la forma básica de la pose que usted haya seleccionado. Añada los dedos más prominentemente expuestos (el pulgar y los otros dedos). Dibuje los dedos menos prominentes, y de ser visibles, los nudillos y las grandes conyunturas del hombre. Complete sin dibujar en exceso. Piense en la escala y en las formas básicas.

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Pies/zapatos Femeninos Al igual que las manos, los pies se dibujan en una escala cercana a la longitud de la cabeza. Mientras más alto el taco, más largas serán las posiciones de frente y de 3/4. Para zapatos planos, la posición frontal se hará más corta y más ancha, o la postura puede ser más abierta. Todas las posiciones de frente y de 3/4 requieren escorzo (contracción en la dirección de la profundidad, para sugerir proyección en el espacio). El pie femenino del diseño debe ser elegante, y de huesos delicados. Debajo pueden verse dibujos en proceso para la mayoría de los ejemplos a la derecha. Dibuje ligeramente la forma básica. Observe los tobillos delicados. Indique el arco si está a la vista, y entonces la forma de la punta del pie. Añada detalles del pie y/o la construcción del zapato, tales como las puntas, las correas y los tacones. No dibuje en exceso. ¡Piense en la escala y la forma!

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Pies/zapatos Masculinos El método para dibujar el pie masculino se parece mucho al del pie femenino, aunque el pie masculino tiene huesos más largos y tiene una postura más firme. Como ocurre con el pie femenino, las posiciones de frente y de 3/4 requieren de escorzo. A la izquierda, se observan algunos ejemplos de pies y zapatos de hombre, y abajo, el proceso para dibujarlos. Dibuje ligeramente la forma básica. Observe el tobillo grueso y la estructura ósea más grande. Indique el arco si está a la vista, seguido de la forma de la punta del pie. Para un zapato, dibuje la suela. También el tope y la lengüeta, si se ve. Agregue detalles específicos tales como las costuras y los cordones de los zapatos, pero no dibuje en exceso. La escala y las formas sencillas son más importantes que detalles más complicados.

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El croquis de diseñador El término croquis originalmente se refería a un boceto o borrador hecho con rapidez. Los diseñadores han adoptado la palabra, a fin de identificar una figura-guía sobre la cual van a dibujar. Para no perder un tiempo valioso planeando nuevas figuras, el diseñador o el ilustrador seleccionan, entre sus archivos, un croquis en una pose apropiada. Algunos diseñadores dibujan la misma pose una y otra vez. Sin embargo, con la debida práctica, y haciendo uso de las destrezas que está aprendiendo, usted podrá dibujar todas esas poses y muchas más.

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El dibujo del atuendo Después de practicar la figura y crear un grupo de croquis en diversas poses, podemos seguir adelante. El describir visualmente el atuendo con un lápiz o una pluma nos presenta un nuevo desafío. Usted necesita la misma disciplina, a base de práctica y perseverancia, que necesitó para dibujar figuras, si bien dibujar atuendos es mucho más divertido. La Parte Dos comienza con una discusión sobre la importancia de la silueta. Veremos que no sólo se describe toda una época, sino que también se pronostica la moda por venir. Luego pasaremos a discutir los detalles, que pueden añadirle impacto y autoridad a su trabajo. Tendremos más que decir acerca de calcar (en lugar de borrar). Hablaremos acerca de diferentes ayudas que podrá encontrar en su propia casa, a las que usted puede sacar partido. Fomentaremos el valor de una colección de diseños de modas. (Usted podrá mejorar su conocimiento acerca del diseño de modas y desarrollar más rápidamente su estilo personal si intenta "copiar" los trabajos de sus ilustradores de moda favoritos). También se incluyen algunas técnicas para convertir las fotografías de modas y modelos vivos en dibujos de modas. Al igual que en la Parte Uno, los ejercicios aparecen en despliegues a doble página para que se pueda apreciar fácilmente. Nuevamente, se puntualiza la secuencia y el método y proceso. (Usted debe usar un croquis para las técnicas presentadas en el proceso del dibujo). Se le muestra una selección básica de atuendos lo mismo en los ejemplos que en las explicaciones paso a paso. Practique estos ejemplos hasta que se sienta satisfecho con los resultados, antes de continuar con diseños más complicados. La Parte Dos también incluye una galería de modas de mujeres, hombres y niños, que ha alcanzado un estatus "clásico". Estos estilos siempre reaparecen con nuevas interpretaciones cada temporada.

Siluetas del siglo XX Los diseños de ropa cambian dramáticamente y con mucha frecuencia a través de los años. La persona informada es capaz de reconocer una determinada época, con sólo observar la silueta, es decir, la forma que adopta la moda. Examine las siluetas presentadas aquí. Fíjese cómo la línea de la cintura se va contrayendo, ensanchando, elevando y bajando, para luego repetirse el ciclo. Los hombros se agrandan, se estrechan y se inclinan, para verse nuevamente abultados y rellenos. Las faldas varían desde jmuy anchas hasta las más estrechas y pegadas al cuerpo, con ruedos que se mueven caprichosamente hacia arriba y hacia abajo.

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Puesto que la silueta por lo general cambia a mediados de cada década, la moda al final de una década casi siempre anuncia los cambios que van a venir en los primeros años de la siguiente. 1902: Las mujeres que se unen a la fuerza de trabajo de oficina requieren de un vestuario apropiado, consistente en conjuntos (faldas y chaquetas en combinación). Todavía es popular el bustier, de los años 1890 que levanta el busto y crea la apariencia de una sola pieza. 1907: Los corseletes se suavizan; las faldas empiezan a estrecharse; continúa el bustier. 1912: Se van aflojando los corseletes y las líneas del busto, pero las faldas

entalladas (apretadas, largas y difíciles para caminar) ahora dificultan el movimiento. 1917: Las mujeres ocupadas en la Primera Guerra Mundial requieren faldas más cortas y anchas. 1922: Las faldas se siguen acortando más; el énfasis en el diseño se desplaza del busto a la cintura y a la cadera. 1927: Para crear una apariencia varonil se destacó el cabello corto, talle largo y ruedo a las rodillas 1932: El corte sesgado; los ruedos se bajan. Las líneas de la cintura permanecen igual. 1937: Retorna la cintura natural; los ruedos se suben. Los hombros ahora son rellenos o abultados con hombreras.

El dibujo del atuendo

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1942: La Segunda Guerra Mundial apariencia militar de hombros cuadrados; las faldas cortas ahorran tela. 1947: El "new look" (La Nueva Imagen) de Dior — hombros abultados; cintura diminuta; caderas rellenas; faldas con mucho vuelo y largas. 1952: Chaquetas ajustadas a la cintura; faldas largas, estrechas, suavemente entallados hasta la pantorilla. 1957: Chaquetas más sueltas, línea de cintura más alta. Las faldas todavía estrechas, pero los ruedos suben. 1962: La influencia trapecio -entallada al frente y suelta atrás, cayendo plenamente desde los hombros. Los ruedos llegan a la rodilla.

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1967: Se establece la minifalda (a mitad del muslo). Una cintura elevada, un peinado exagerado, un sombrero grande y botas completan la imagen. 1972: Al empezar a ser aceptados los pantalones para uso en las oficinas, los diseñadores les prestan nueva atención. No todos los conjuntos de pantalón (trajes de chaqueta y pantalón) son tan masculinos como el que se muestra aquí. 1977: La imagen de Annie Hall (ecléctico, inspirado en el vestuario de Diane Keaton para un popular film de Woody Alien) -chaquetas poco estructuradas con hombreras rellenas y abultadas para lograr un efecto como de cajón-. Faldas más largas y anchas, usadas con botas.

1982: Entre otras imágenes, unas chaquetas cortas y ajustadas, con cintura natural y hombreras abultadas o rellenos, sobre una falda larga y con vuelo, a medida que las mujeres se hacen menos autoconscientes sobre la expresión de su feminidad. El eclecticismo lleva a una apariencia más conservadora. Ya a este nivel debe ser evidente para usted el gran valor de conocer la historia de la moda. Los primeros siglos de la historia de la moda, así como la del siglo XX, compensará plenamente su escrutinio. Usted puede aprender más acerca de la historia de la moda en los libros y en las colecciones de modas existentes en museos y bibliotecas.

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Galería de moda artística Con croquis

RICHARD HOLIMANN PARA NEIMAN MARCUS

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Detrás de los ejemplos de arte de modas ya publicados —que incluyen el trabajo de varios artistas— se encuentran los croquis de los cuales podrían haber sido dibujados. Observe cómo las formas que usted ha estado practicando se relacionan con las posturas exageradas usadas en diseños de alta costura más sofisticados.

RUTH LAUMOND PARA GRODINS MARILEE MEYER PARA I. MAGNIN

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Dibujo plano Entre los dibujos que debe suministrar un diseñador, se encuentran los bocetos de diseño planos, de manera que el personal de taller puedan interpretar la colección. Estos diseños planos vienen usualmente acompañados de muestras de telas y de notas completas sobre detalles especiales. Otro uso importante para estos bocetos planos ha surgido con el desarrollo de la producción de colecciones extranjeras. Esto requiere del envío de dibujos con especificaciones con las dimensiones reales —largo y anchode las diferentes piezas de ropa, tales como mangas, cuellos y puños, todas perfectamente anotadas. En el mundo de la moda internacional actual, resulta esencial tener dibujos tanto de frente como de espalda, con los detalles claramente indicados. A falta de éstos, se puede romper la comunicación. Las medidas exactas aseguran una fabricación correcta fuera del taller. Para practicar el dibujo plano, seleccione prendas de vestir de su propio guardarropa, y póngalas sobre el piso o sobre cualquier otra superficie horizontal plana que le resulte conveniente. Cópielas exactamente, detalle todas las costuras visibles, y sea especialmente cuidadoso con la proporción. Usted podrá dominar esta técnica de dibujar ropa con la debida observación y práctica. Para ello, necesitará practicarla tanto como las otras técnicas de vestir a una figura, tema que se tratará en la Parte Dos.

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El calcado como una técnica Versión revisada

Usted ha estado usando el método de calcar para trabajar las figuras útiles como croquis. Cuando dibuje atuendos puede usar la misma técnica de calcar. L. Escoja un croquis en la pose que usted prefiera. Coloque su página encima del mismo, y vaya trazando a grandes rasgos la silueta y las formas de la prenda de ropa. 2. Use su borrador como guía, a fin de dibujar el vestuario en mayor detalle. 3. Proceda a calcar cuantos bocetos sean necesarios para obtener un dibujo final limpio. Si cada cada vez que usted calca no lo hace mejor que la vez anterior, algo anda mal. Regrese a la mesa de dibujo. No calque y recalque en la vana esperanza de mejorar. En cambio, trate de visualizar las líneas en su mente y proyecte en la página en blanco antes de dibujarlas. Esto es especialmente importante para diseñadores que están trabajando a partir de conceptos, a diferencia de los ilustradores, que lo hacen a partir de una pieza ya terminada. La calidad de la línea de su boceto final debe sugerir un dibujo original. Nunca debe tener el aspecto de haber sido calcado. Este procedimiento no debe ser una muleta para facilitar el dibujo, sino una técnica para hacerlo más limpio y positivo.

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Recursos para practicar en la casa

Usted puede practicar técnicas de dibujo de modas en la casa, con las técnicas y materiales recomendados en la Página 2. Algunas ayudas prácticas que le pueden favorecer para desarrollar sus destrezas puede que ya estén a la mano. Otras pueden obtenerse a un costo mínimo con sólo saber comprar inteligentemente. Practique el dibujar la ropa de su propio clóset; usted puede ser su propio modelo, ante un espejo de cuerpo entero, o puede colocar la ropa en un maniquí de costura, de segunda mano (muy útil puesto que las prendas colgadas en los ganchos o percheros aparecen distorsionadas, especialmente en el área del escote). También usted puede practicar dibujando a las personas de su alrededor. Por ejemplo, pídale a un amigo o pariente que permanezca inmóvil, por cinco minutos, en una simple postura balanceada. El método mostrado en las Páginas 13 a 17 podría ayudarle a mejorar su habilidad. Una gran fuente de información para practicar diseño son los libros de patrones que pueden adquirirse en las tiendas de tejidos al final de cada temporada. Estos libros ofrecen diseños de modas con muestras de telas, así como fotos con las cuales usted puede trabajar. También existen dibujos planos en los que ilustran la construcción de la prenda de vestir. Un libro de patrones puede ofrecer una amplia variedad de posturas, cabezas, manos y pies (zapatos). También este tipo de libro es como una enciclopedia de detalles sobre ropa. Su colección de diseños y fotos de modas debe ampliarse constantemente. Las revistas en circulación lo mantendrán al tanto de lo que está pasando en el mundo de la moda y le ayudarán a pronosticar estilos, materiales y colores que pronto estarán de moda. Considere como su maestro todo el arte de modas publicado, ya sea pasado, presente o futuro. Recuerde que usted empezará a descubrir su propio estilo al copiar abiertamente dibujos de modas existentes que encuentre atractivos. (Los ejercicios en este libro en gran medida lo involucran a usted a copiar —algo crucial para los principiantes). No vacile en desarrollar sus propios ídolos entre los diferentes diseñadores e ilustradores cuyo trabajo admira. Vaya a través de los diversos períodos de la historia de la moda, tomando un poco de aquí y otro de allá. Eventualmente, podrá desarrollar su propio estilo. Pero no espere llegar allí de la noche a la mañana. La libertad que usted anhela alcanzar está basada en un trabajo meticuloso y detallado en la figura (Parte Uno de este libro), en el vestido (Parte Dos) y las telas (Parte Tres).

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La luz y la sombra

Las sombras oscuras y definidas se utilizan para resaltar los detalles en el atuendo. En aras de la simplicidad, imagine que la luz que desciende sobre el atuendo se origina de una sola fuente, como la luz de la lámpara alumbrando la esfera en la ilustración superior. Presuma que la luz está alumbrando sobre su figura de modas, desde la esquina superior de la página. Esta forma de iluminación resulta en sombras dentro de las líneas del cuello y de los puños, así como debajo de los cuellos y las solapas. Las sombras naturales ocurren debajo de los brazos doblados, debajo de los ruedos y a lo largo del lado no iluminado de la figura. La sombra aumenta inclusive el efecto de pliegues y dobleces. Finalmente, las sombras ocurren en todas las líneas que marcan los pliegues del atuendo. Observe que en los dibujos lineales no sombreados, que vemos a la derecha, sólo los contornos del vestuario y la figura indican la dimensión. En los dibujos que aparecen a la extrema derecha, las sombras añaden profundidad y realismo. Con la debida experiencia, usted podrá imaginar de dónde proviene la luz y sombrear mientras está dibujando.

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Sombra y énfasis Al calcar un diseño de ropa sobre un croquis, usted puede usar como puntos de referencia las sombras que fueron el resultado del juego de luz y sombra discutido anteriormente. Usted puede usar estos puntos, sombras que sirven de señal, no sólo para dibujar, sino también como paradas para descansar y planificar. Recuerde, el calcar sobre el croquis lo libera para que pueda concentrarse en las proporciones y detalles del atuendo. El dibujar de un punto de destino a otro también le permite concentrarse en la calidad expresiva de su línea. Dibuje de izquierda a derecha, de manera que no ensucie sus trabajos. Si fuera zurdo, dibuje de derecha a izquierda. A continuación una lista de los puntos de referencia o líneas de sombras clave que sirven para enfatizar los pliegues, bordes y puntos de tensión del suéter con cuello de tortuga y cinturón, y de los pantalones, ilustrados a la izquierda. 1. A cada lado del cuello tortuga y alrededor del mismo. 2. Marcas de tensión en las axilas; sugiere la línea del busto. 3. Pliegues al doblar el brazo; pliegues residuales del brazo relajado. 4. El cinturón y los pliegues que éste crea. 5. Los puños del atuendo alrededor de las muñecas. 6. El borde inferior del suéter. 7. Marcas de tensión en el muslo doblado y la entrepierna 8. Marcas de tensión desde arriba del muslo, y pliegues en la pierna que lleva el peso del cuerpo. 9. Pliegues de tensión que irradian la rodilla doblada. 10. Borde de los pantalones. Puede que usted tenga que hacer varios bocetos antes que el diseño salga como usted quiere. Mientras dibuja, perfeccione y corrija, siempre usando las sombras sobresalientes como punto final. Concéntrese en la línea, la cual debe ser espontánea y libre, si bien económica y expresiva. Al calcar, procure no levantar su lápiz de la página con demasiada frecuencia. Deténgase solamente en su objetivo y planifique de antemano. Las sombras sobresalientes varían de acuerdo con los diferentes cortes de ropa. Las siguientes ilustraciones muestran una gran variedad de atuendos.

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Las prendas de vestir como formas sencillas Aprenda a ver cada prenda en términos de sus formas. Si usted está trabajando con un dibujo, una fotografía de modas, o una modelo en vivo, manténgalos lo suficientemente alejados, de manera que pueda observar la postura y la ropa en su totalidad. Entonces, mírela de reojo para ver la silueta y las formas dominantes. Después de indicar levemente la pose (o usar un croquis como guía), dibuje la silueta y las formas dominantes de cada prenda de vestir. Ponga el dibujo lejos de usted, sólo para verificar ajustes que aseguren la exactitud de la silueta y las proporciones de la ropa. Termine el dibujo con los detalles y sombras. Las siluetas que se ilustran son: 1. En forma de "V" 2. Capullo 3. Entallada o Reloj de Arena 4. Blusón de gran tamaño o "T" 3. Trapecio o "A"

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La vestimenta dicta la pose La pose debe resaltar el vestido al máximo, concentrándose en el detalle específico que lo hace diferente a los demás. En esta página, el croquis sombreado le muestra dónde cada vestido toca, recubre o se aleja del cuerpo que tiene debajo. Así podrá ver cómo diferentes poses son más apropiadas para diferentes tipos de ropa. La pose con la pierna levantada es adecuada para faldas-pantalón (culottes), gauchos y otras prendas similares. Si el detalle mayor en el diseño se encuentra en la espalda, una figura de espalda es conveniente, pero debe acompañarse por una viñeta de frente. (La viñeta también se usa cuando los detalles de la espalda acompañan a una figura de frente). La figura de 2/4 se usa comúnmente para mostrar detalles tanto de frente como de espalda. El brazo en alto y la figura de $¡4 enfatiza la manga dolmán completo o la manga de murciélago; el efecto de blusón arriba y la abertura de falda abierta en el costado, se destaca más con la rodilla doblada. Recuerde, usted no tiene que empezar la pose desde el principio, para cada vestido, sino que puede calcarla por encima de un croquis.

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Método Traje a la cintura La secuencia que usted usa al dibujar un vestido puede simplificar grandemente el proceso. A continuación presentamos una serie de cuatro pasos para dibujar un traje blusón básico a la cintura, tal como se muestra en el diseño terminado a la derecha. Esta secuencia puede usarse para dibujar la mayor parte de los vestidos con cierres frontales. Generalmente es mejor dibujar primero el escote, el cuello (si tiene) y el cierre frontal, a fin de fijar el dibujo. Esto le ayudará a juzgar mejor lo que hace, en tanto dibuja los lados, permitiéndole mantener la figura esbelta. Para el traje a la cintura, comience por dibujar el cuello del alrededor del cilindro del cuello de la figura, siga hacia abajo para trazar el cierre frontal, con la monta (cruzado al frente) hacia la izquierda, pues se trata de un traje de mujer; para los hombres, debe ser hacia la derecha. Dibuje la abertura del frente hacia el cinturón y luego éste mismo, alrededor de la cintura. Dibuje los botones en la línea central del torso. Dibuje de un punto a otro, usando las flechas como guía.

Trabaje de arriba hacia abajo (para que no ensucie su boceto con la mano); dibuje las costuras de las mangas. Luego dibuje la silueta del vestido, mostrando la ligera amplitud de la blusa, arriba y abajo del cinturón. Complete la abertura inferior y los botones, y añada los pliegues causados por el cinturón. Dibuje los pliegues creados por el codo doblado, así como los puños alrededor de las muñecas. Luego conecte las mangas desde las costuras del hombro hasta los pliegues del codo, y de éstos a los puños. Permita que los puntos de referencia lo liberen, para que pueda pensar acerca de la amplitud de la manga, a fin de que ésta quede ablusonada.

Complete todos los detalles requeridos para lograr un dibujo terminado. Aquí, termine con la forma del cabello, el rostro y las manos de la figura. Con su línea más fina, añada los detalles del vestido, tales como los pespuntes decorativos en la abertura del cuello y en los puños. Para un mayor impacto, añádale luz y sombra.

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Escotes Figuras de frente y 3/4 Aquí presentamos un muestrario de escotes básicos. También se ilustran y describen una gran variedad de estilos de mangas y corpiños. Los ejemplos aparecen en figuras de frente de 3/4, para mostrar los ajustes que deben hacerse en una figura volteada. La figura de frente se usa para ilustrar la forma con total precisión. La figura volteada está diseñada para mostrar los detalles de construcción, como, por ejemplo, la costura lateral y la sisa o hueco redondo, donde la manga se pega al corpiño del vestido. Escote básico, sin mangas (escote sencillo redondo en la base del cuello). Observe las pinzas del busto (alforzas en forma de cuña cosidas en la ropa, para formar el contorno del cuerpo). En la figura de 3/4, Se muestran las costuras del hombro y el costado. Escote en forma de "V", con mangas cortas y entalle suave sin pinzas. En la figura de ^¡4, la línea central se ha corrido y la forma del escote ha cambiado. Escote de "U" (redondo y corte bajo) con manga globo corta (explicada en la Página 73). Línea princesa (un estilo entallado conocido por costuras verticales colocadas de acuerdo con las líneas de construcción del vestido —se conoce comúnmente como "corte princesa-"). El movimiento en figura de 2/4 cambia el aspecto y la apariencia del vestido. Escote cuadrado, manga básica con fruncido y corte princesa. (El corte princesa se usa en lugar de las pinzas). De nuevo, observe cómo el movimiento de 3/4 altera la apariencia del vestido.

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Escote de corazón (alto atrás y bajo al frente, donde los festones del escote se asemejan a la parte superior de un corazón); mangas de volante (cortas, con volante fruncido en los hombros); corte princesa. Fíjese cómo la forma del escote cambia sutilmente en la figura de 3/4. Escote drapeado, con mangas Dolmán. El drapeado que cae desde los hombros se expresa en diferentes formas en la figura de 3/4. Escote de bote (un escote amplio que sigue la línea de la clavícula, alto al frente y atrás); una adaptación de las mangas de obispo (largas y anchas, con fruncido en el puño, adaptadas de la túnica de un obispo). Observe que el corte princesa comienza en la sisa, no en la costura del hombro. La figura de 3/4 muestra las costuras del costado y del hombro. Amplio de cuello "V" con mangas enterizas (mansas muy cortas); sin entallar, de manera que no necesitan pinza. Nuevamente note los cambios en la figura de 3/4 y la colocación de las costuras de construcción. Los escotes -al igual que los cuellos en las próximas dos páginas- van alrededor del cuello, que se representa como un cilindro con volumen. El estudio anterior de las líneas de contorno puede ayudarle, por tanto, a dibujar escotes y cuellos, sin olvidar las pinzas del corpiño. Al igual que los cuellos, las mangas y los brazos son también cilindros o tubos. De hecho, todas las ropas son como tubos. A menos que no las esté representando en dos dimensiones (para un dibujo plano), usted se verá involucrado en la perspectiva cilíndrica, la representación de una forma cilíndrica, para comunicar una impresión de espacio tridimensional. Un corte transversal de una forma cilíndrica da la impresión de un óvalo que fuera retrayéndose en profundidad. Por esa razón, la forma de un escote cambia sutilmente de la figura frontal a la figura de 3/4 .

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Cuellos y mangas Figuras de frente y 2/4 Los cuellos son más complicados que los escotes. Usted debe asegurarse de dibujarlos alrededor del cilindro del cuello y en la escala apropiada. Ello requiere mucha práctica. Aquí vemos ilustrado un grupo de cuellos básicos, presentados lo mismo en figuras de frente y en las de 3/4 , para demostrar el ajuste que debe hacerse a fin de observar la figura de lado. La escala del cuello disminuye en el lado más lejano de la figura, y parece mayor en el lado de mayor cercanía -efectos de la perspectiva cilíndrica—. A continuación se describen no sólo los cuellos sino también los estilos de mangas y corpiños. Cuello camisa de hombre; pinzas de busto; con puños; puños maneas integradas (mangas con puños que están cosidas dentro de la sisa cortada en la sección frontal y espalda de la blusa). El cuello que aparece aquí está cosido a una banda (conocida como el "soporte" del cuello), de manera que se levante erguido. En la figura de 3/4 , aparecen las costuras del costado y del hombro. Cuello deportivo partido y mangas cortas con puños; pinzas de la cintura. Aquí, el cuello sin banda está cosido directamente al cuerpo de la blusa, para que caiga plano cuando está abierto. De nuevo, en la figura de 3/4 se muestran las costuras del costado y los hombros. Cuello Peter Pan, pequeño y redondo con mangas globos y puños. Las pinzas se transforman en fruncido que sale del canesú dándole holgura al corpiño en el busto. (Un canesú es una división horizontal en la pieza del frente). Observe cómo una figura 3/4 cambia la silueta de la pieza. Cuello marinero y mangas cortas integradas, con puños; y pinzas en el busto. (El cuello marinero es amplio, con una solapa cuadrada a través de la espalda, que va disminuyendo gradualmente en tamaño hasta formar una "V" al frente. Se usa a menudo con una corbata "middy", que es una especie de blusa muy holgada). La figura 3/4 expone el dorso del del cuello de marinero.

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Cuello de mandarín o chino (banda levantada partida); mansas quimono (amplias y largas; las mangas quimono a menudo se cortan en una sola pieza con el corpiño, pero se integran con una línea de hombros caídos que se extiende más allá de la parte superior del brazo). En la figura de 3/4, se ven las costuras del costado y los hombros. Cuello de tortuga (cuello alto, muy ajustado doblado hacia abajo; mangas raglán (que salen del escote y tienen costuras sesgadas desde debajo del brazo hasta el cuello, al frente y atrás). La figura de 3/4 revela no sólo la costura del costado, sino la del hombro - la cual es continua desde el cuello—. Cuello de capucha (modelo que viene de la vestimenta encapuchada de los monjes), con mangas obispo integradas. La amplitud se logra con la transformación de las pinzas. Observe cuan diferentes lucen los pliegues y la altura del cuello en la figura de 3/4. Cuello "V" con volante de corte sesgado, es decir, corte al sesgo del hilo de la tela, para que caiga más elegantemente en pliegues. Puño con detalle sesgado; pinzas del busto. La forma del escote está ajustada a la figura de 2/4. Para hacer los cuellos curvados alrededor de cilindro del cuello, dibuje desde atrás de cada lado del cuello, siguiendo la curva de la base del cuello como un arco. Entonces dibuje la forma de la abertura en forma de cilindro. Como la mayoría de los cuellos son simétricos -iguales a ambos lados del vestido- su dibujo debe reflejar esto al darle a ambos lados igual cantidad de detalles. Cuando usted haya dominado el dibujo de cuellos simétricos, busque en sus archivos de modas los cuellos asimétricos, diferentes en cada lado de la pieza. Se prefiere la figura de frente para los diseños asimétricos. Recuerde, el cuello puede ser una parte muy importante en su diseño de moda. El tipo y tamaño se determinan por los ciclos de la moda. Por tanto, los cuellos se deben dibujar dando atención a la forma y a la escala.

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El blazer de la mujer El blazer ha sido un importante artículo en el vestuario de la mujer por muchas décadas. La silueta sufre alteraciones según los dictados de la moda, pero el concepto permanece esencialmente el mismo. El método usado para la blusa a la cintura aplica también al blazer, porque al igual que tantas otras vestimentas, tiene un cierre frontal al centro. Recuerde que las ropas describen una curva alrededor de la figura y deben dibujarse en la dirección de las flechas. Comience por fijar su dibujo con el cuello tortuga alrededor del cilindro del cuello; luego dibuje el borde del cierre frontal. Añada la solapa partida a un lado y emparéjela en el otro; dibuje entonces los hombros ligeramente extendidos, indicando las costuras a las cuales se coserán las mangas. Dibuje la sombra del pliegue del codo y la línea curva del puño del brazo doblado, como los puntos de referencia para dibujar la manga izquierda. Finalmente, dibuje el botón en la línea central, a la altura de la cintura. Dibuje el lado izquierdo del blazer, desde la costura de la manga hasta el ruedo. Observe cómo la línea cambia su dirección justo encima de la línea de la cintura. Termine la manga izquierda, dibujando hasta los pliegues del codo. (Un pliegue de la tela puede caer desde la dirección del hombro y unirse a los pliegues del codo). Para ayudarle a dibujar la manga derecha, dibuje la sombra en los pliegues del codo y luego dibuje la curva del puño. Dibuje el lado derecho del cuerpo de la prenda, separada de la figura, antes de dibujar la manga derecha. Una línea entrecortada en la manga suaviza el efecto. Añada entonces los ojales y los bolsillos. Observe cómo los bordes superiores de los bolsillos están en línea con el ojal de abajo.

Blazer más corto y ajustado, con mangas de corte cuadrado. Observe el corte de los bolsillos, el único botón, los pespuntes decorativos.

Termine con detalles tales como los bolsillos, botones de las mangas, pinzas verticales, ojales y los pespuntes decorativos (una línea fina de costura visible, que sigue paralelamente al contorno de las solapas, el frente y los bolsillos). Detalles de luz y sombra añadirán vitalidad al dibujo. El método del blazer clásico que vemos arriba le ayudará a dibujar no solo las variaciones a la derecha, sino las cuatro chaquetas ilustradas de la próxima página.

Blazer cruzado de corte angular (más suelto). Observe las líneas que marcan la abertura lateral.

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Chaquetas/trajes

Traje de Chanel - Un clásico intemporal, creado por primera vez por la diseñadora Coco Chanel, en 1927. Note el adorno de trencilla.

Chaqueta bolero — Corta y entallada (observe cómo la línea princesa es una costura que desciende de la axila). Algunos boleros llevan cuellos

Chaqueta Cardigan — Este estilo carece siempre de cuello. El ejemplo aquí no tiene solapas, pero tienen pinzas en las mangas.

Traje amarrado al frente — Ningún cierre frontal, fuera de un cinto para amarrar. Este ejemplo tiene cuello camisero y bolsillos superpuestos.

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Los estilos de las chaquetas que vemos a la izquierda aparecen una y otra vez en los ciclos de la moda. Aun cuando el verdadero conjunto Chanel lleva falda, todas estas chaquetas pueden combinarse, ya sea con faldas o pantalones, para formar un traje o una indumentaria separada. En las páginas siguientes, usted aprenderá a dibujar una variedad de faldas y pantalones. Por ahora, concéntrese en las chaquetas que le mostramos aquí y en las que guarda en sus archivos de modas. Los trajes y chaquetas a la izquierda están dibujados en una secuencia de pasos más o menos similares a los que usted aprendió para el blazer clásico. Siempre que vaya a dibujar una chaqueta, empiece trabajando alrededor del cuello y siga hacia abajo del cierre frontal. El entalle de las chaquetas fluctúa con la moda. De temporada en temporada, esté al tanto de las sutiles diferencias de la silueta. El tamaño de una solapa puede determinar la época de una chaqueta; asimismo, la forma de los hombros, el estilo de las mangas y los bolsillos. Se necesita de una atención muy cuidadosa para captar el carácter de moda de cada chaqueta. Para estudiar bien los detalles, cuelgue algunas chaquetas en ganchos o en un maniquí de costura. Pruébeselas y bosqueje su imagen tal y como se refleja en un espejo de cuerpo entero. También puede pedir a una amiga que modele para usted. Al principio, haga los detalles de la chaqueta en forma clara y realista. Más tarde, puede practicar exagerando los rasgos principales, para crear un efecto de moda. Si usted está bosquejando una chaqueta a partir de una modelo en vivo, asegúrese de editar las arrugas, pero detalle las marcas y pliegues que se producen en puntos estructurales significativos, tales como la curvatura del codo.

Faldas La falda es una prenda de vestir independiente. Cuando se usa con un corpino, constituye la porción inferior de un traje. Se trata de un tubo con una elipse arriba (cintura) y una debajo (ruedo). Cuando usted dibuje una falda, asegúrese de que estas dos elipses estén inclinadas con relación a las caderas, de manera que la misma cantidad de tela vaya de la cintura al ruedo, en ambos lados. La silueta de la falda cambia con los ciclos de la moda y está determinada por su construcción básica. A la derecha se muestran cuatro tipos de faldas: la línea A, la poco fruncida, de paños y la fruncida. Utilizaremos los cuatro tipos, para estudiar las técnicas básicas. Estudie la silueta de cada falda. Dentro de las faldas con más vuelo, las líneas de amplitud reflejan la forma de la silueta. La cantidad ác la amplitud está indicada por el número de líneas y la profundidad de los pliegues que aparecen en el ruedo. La caída de las líneas de amplitud se afecta con la postura de la figura, pero depende principalmente del corte de la ropa, lo que determina si las columnas caen desde la cintura, la cadera, el muslo o la rodilla. La falda de línea A es la más simple de las cuatro faldas clásicas. Su leve amplitud cae desde las caderas y es usualmente cogida con pinzas a la cintura, para asegurar un entalle suave. La falda de poco fruncido tiene una amplitud creada por los pliegues de la cintura. Esta varía en amplitud y se torna eventualmente en la falda fruncida. La falda de paños se cose a partir de formas acampanadas, para entallarse suavemente desde la cintura. Las líneas de amplitud caen desde las caderas. En cada secuencia en las páginas siguientes, una línea de puntos designa la elipse del ruedo; las flechas indican la dirección en que deben dibujarse las líneas de la silueta. La falda de poco fruncido y la línea A son siluetas sencillas y pueden dibujarse en sólo dos pasos. La falda de paños y la fruncida requieren tres pasos debido a que contienen formas dentro de las formas.

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Faldas básicas Línea A Encima de un croquis con las poses apropiadas, dibuje la silueta, incline las elipses de la cintura y del ruedo levemente trazada con relación a las caderas. Dibuje el ruedo más suelto, a fin de acomodar la pierna doblada y dar una idea de construcción de la pieza; termine entonces con las pinzas de cintura. Añada una costura lateral, si la pose lo amerita.

Falda de poco fruncido Cuando dibuje la silueta, observe la ligera protuberancia creada por los pliegues. Incline la elipse de la cintura y del ruedo, con relación a las caderas. Dibuje el ruedo, a fin de acomodar la pierna doblada y dar una idea de la construcción de la pieza. Termine con pliegues irregulares en longitud y dirección. Agregue una costura lateral, si la pose lo amerita.

Falda de paños Dibuje la silueta expandida desde las caderas. Incline la elipse de la cintura y la del ruedo en relación con las caderas. Dibuje el ruedo con líneas verticales de amplitud; luego dibuje el ruedo entre las líneas. Termine dibujando las costuras sesgadas. (Estas pueden perderse en los pliegues descendiendo hacia el ruedo).

Falda fruncida Como siempre, la elipse de la cintura y la del ruedo se encuentran inclinadas en relación con las caderas. Dibuje la silueta fruncida desde la cintura; luego dibuje las líneas de amplitud con anchuras irregulares. Dibuje primero el ruedo sobre las líneas de amplitud y luego trace el resto de líneas. Complete añadiendo pliegues irregulares desde la cintura.

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Faldas de volantes Volante Cada volante (capa) de la falda mostrada en la parte superior derecha de la ilustración se puede tratar como un corta falda fruncida. Los volantes se van añadiendo en capas, una sobre otra, a un forro en este caso, una saya sesgada. El proceso que se describe aquí es para bosquejar una falda de talle largo. Dibuje ligeramente la forma de la falda que sirve de forro. La cintura y la elipse del ruedo de cada volante se encuentran inclinadas con relación a las caderas. Comenzando por la parte de arriba, dibuje unas cortas líneas de amplitud, irregulares en ancho y posición, para crear una silueta superpuesta. Termine el ruedo de cada volante como para una falda fruncida individual. Complete las líneas de amplitud. Termine por borrar cuidadosamente las líneas de construcción y añadir los pliegues irregulares en la parte superior de los volantes.

Hileras La falda que aparece en la parte inferior de la ilustración está basada en la falda fruncida. En lugar de estar cosida a una falda que sirve de forro, cada capa o hilera se cose al borde inferior de la que está arriba, y tiene los efectos de líneas de amplitud que caen de la cintura al ruedo. Dibuje levemente la silueta y las líneas de amplitud igual que para una falda fruncida. Dibuje la cintura inclinada con relación a las caderas; indique ligeramente la elipse para el borde inferior de cada hilera y el ruedo. (Las costuras de la hilera son como un eco del ruedo). Altere la silueta y las líneas de amplitud, al dibujar formas de fruncidos a lo alto de cada hilera. Borre las líneas de construcción más obvias, y agregue pliegues irregulares desde el tope de cada hilera.

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Faldas plisadas Pliegues de cuchillo El ancho del pliegue de cuchillo puede variar de acuerdo con el diseño de la falda. Se dobla sobre sí mismo en una dirección. Como en otros pliegues, éstos se abren a medida que se acercan al ruedo, lo que resulta un poco enrevesado de dibujar: el ángulo de la elipse debe observarse siempre, mientras cada pliegue se dibuja individualmente. Dibuje la silueta, inclinando la cintura y la elipse del ruedo, en relación con las caderas. Establezca una línea central desde la cintura a las caderas, que sirva como una guía para dibujar los pliegues que salen de las caderas hacia el ruedo. Trabaje del centro hacia la izquierda y luego muévase del centro hacia la derecha. Proceda a espaciar los pliegues de igual manera desde la línea central y aún más cerca, al aproximarse a cada lado. El ancho puede variar en el ruedo, para acomodarse a la pose. Finalice inclinando el ángulo en el ruedo para sugerir profundidad Los resultados deben lucir así.

Pliegues de acordeón circular Menos profundos que los pliegues de cuchillo, los pliegues de acordeón circular están más cerca unos de otros -hay un número mayor de ellos y la falda resultante es más amplia—. Comience por dibujar ligeramente las líneas de amplitud y el ruedo de una falda de paños sesgada. Incline la cintura y el ruedo con relación a las caderas, mientras dibuja la silueta de la falda de paños. Dibuje una línea guía gruesa desde la cintura al ruedo. Comience con la línea central; dibuje líneas verticales desde la cintura al ruedo a cada lado. Se perderán algunas líneas en el traslape de los pliegues; otras empezarán al borde de éstos. Termine el ruedo con líneas oblicuas para cada pliegue. Comience con la línea central, dibuje el ruedo de cada pliegue, 'dobladille" las propias columnas, incline el ruedo hacia el centro, desde cualquier lado, para una apariencia de sesgada amplitud. Los resultados deben lucir así.

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Más pliegues Pliegues construidos Los pliegues construidos son tan variados como las invenciones de los diseñadores. La falda que aparece aquí no es exactamente una falda plisada, sino más bien una falda con pliegues construidos que han sido añadidos para dar detalle. El panel frontal de esta falda tiene pliegues de cuchillo a cada lado. Dibuje ligeramente una silueta en líneaA, inclinando la cintura y la elipse del ruedo en relación con las caderas. Alinee el panel central con la línea central de la figura; añada entonces líneas verticales para los pliegues, expandiéndose ligeramente de la cintura al ruedo. Termine el panel con una línea de ruedo bien marcada, doblando los pliegues en ángulo. El balance de la falda forma una curva alrededor de la figura. Los resultados deben lucir algo así.

Pliegues de caja Hechos al formar dos bordes doblados, uno que mira hacia la derecha y el otro hacia la izquierda; cada pliegue de caja tiene un pliegue invertido en su reverso. En este ejemplo, los pliegues se cosen hacia abajo y se sueltan desde las caderas. Dependiendo de la pose, pueden variar las hendiduras entre las cajas, aunque éstas permanezcan iguales. Dibuje una silueta en línea-A, la cintura, y la elipse del ruedo. Luego dibuje el área de la cadera, donde se sueltan los pliegues cosidos. De cada una de estas costuras, dibuje las líneas invertidas que han sido soltadas desde los pliegues, trabaje desde el centro de la falda. Comience dibujando las cajas en el ruedo y en sus hendiduras. Mantenga los bordes bien marcados. Termine dibujando las cajas y las hendiduras en los ruedos. Al caer los pliegues en su sitio, puede que se necesite una tercera línea vertical y un dobladillo adicional.

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Faldas con mucho velo Falda de paños y falda fruncida La combinación de falda de paños y falda fruncida produce una amplitud máxima. La falda de paños y fruncida se puede mostrar mejor añadiéndole movimiento. Dibuje la silueta e incline la cintura y la elipse del ruedo en relación con las caderas. Dibuje líneas de amplitud de ancho irregular desde la cintura hasta el ruedo. Empiece dibujando el ruedo con líneas de amplitud. (El ruedo en las líneas de amplitud en retroceso lucirá más corto). Dibuje las costuras de la falda de paño y las líneas de fruncidos a la falda fruncida. Las líneas usadas para paños pueden desaparecer dentro de las columnas. Pliegues sin planchar La falda de pliegues sin planchar se estructura desde la cintura, relajándose en un ruedo suelto. Aquí, los pliegues cosidos hacia abajo se sueltan desde las caderas. Dibuje la silueta e incline la cintura y la elipse del ruedo, con relación a las caderas. Proceda a espaciar los pliegues cosidos hacia abajo de manera uniforme sobre las caderas. Dibuje las líneas de amplitud con V's invertidas y desiguales. Deje que algunas líneas lleguen al ruedo. Comience el ruedo, siga la elipse general, pero deje que ondule lo suficiente como para sugerir la amplitud y construcción de la falda. Trate las líneas de amplitud individualmente. Complete el ruedo. Este debe caer en pliegues redondeados en lugar de otros más perfilados.

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Faldas divididas Las faldas divididas en dos piernas de pantalón se conocen como faldas divididas. De éstas, existen dos clases principales: pantalones de gaucho y faldas-pantalón (culottes), con muchas posibles variaciones en cada una.

Pantalones de gaucho La falda dividida más sencilla es el pantalón de gaucho, a media pierna, usado originalmente por los vaqueros argentinos. Este ejemplo emplea pinzas desde la cintura, para entallar encima de la cadera. Otros estilos pueden usar pliegues o frunces. Dibuje la cintura e incline la elipse del ruedo ligeramente delineada, con relación a las caderas. Esta silueta es muy parecida a la de la falda de línea-A. Complete la silueta y dibuje la costura central desde la cintura hasta la entrepierna. Dibuje la marca diagonal de tensión, al final de la costura central, e indique la división de la falda en dos "piernas". Termine añadiendo los ruedos individuales, la costura lateral, la costura interior y las marcas de tensión, tal como se muestra aquí.

Faldas pantalón (Culottes) Esta falda dividida se caracteriza por los pliegues de amplitud o frunces usados para disimular la división entre las piernas y para sugerir una falda convencional. En las faldas pantalón que se ilustran aquí, la división en dos piernas se disimula con un falso pliegue desde la cintura hasta el ruedo. Dibuje la cintura e incline el ruedo ligeramente delineado con relación a las caderas. Dibuje la silueta en línea A y ponga el pliegue de caja en ángulo con las caderas. Dibuje los ruedos individuales a cada lado del pliegue de caja. Delinee la pierna del pantalón, tal como se ve a través del falso pliegue de caja. (Si la expansión de la postura fuera más ancha, se mostrarían ambas piernas del pantalón). Termine añadiendo los pequeños pliegues que salen desde la cintura y que proveen el entalle por encima de las caderas.

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Pantalones La moda actual incluye un a amplia variedad de siluetas de par talones. La secuencia de dibujos en es a página le muestra una forma muy básica de pantalones y un típico look de mahones de diseñador.

Pantalones con tachón (Slacks) Incline la cintura en relación con las caderas. Dibuje k silueta entallada en la cadera y cayendo hasta el ruedo sobre la pierna que sostiene todo el peso. Una ligera hendidura debajo de la rodilla permite relajar la línea. El pantalón descansa contra el frente de la pierna extendida, para ir cayendo por detrás. Incline la costura central con relación a las caderas y añada el filo diagonal en la entrepierna Dibuje los tachones cosidos hacia abajo y saliendo desde la cintura, y el filo del pantalón planchado, tal como se ilustra. Dibuje lo: ruedos sesgados hacia dichas rayas. Dibuje las costuras y los dobleces de tensión.

Mahones Siga las instrucciones descritas arriba, pero entalle el pantalón más pegado a la pierna. Hay una línea de interrupción detrás de a rodilla doblada, y los pliegues de tensión salen desde la rodilla. Añada las travillas del cinturón, los bolsillos y el cierre de bragueta al frente. Dibuje los pespuntes decorativos.

Variaciones Si usted sigue los pasos indicados para los pantalones clásicos mostrados a la izquierda, usted será capas de dibujar las variaciones que aparecen a la derecha, así como otras variaciones, tales como los pantalones cortos de diferentes longitudes. 1. Pantalones con bajos doblados encima de la rodilla bermudas 2. Pantalones capri ceñidos al cuerpo 3. Pantalones muy holgados 4. Bragas con pliegues al frente ('knickers') 5. Pantalones entallados en el ruedo 6. Gaucho

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Sombreado y énfasis Incluímos una lista de sugerencias p ara sombrear y destacar los pliegues, los bordes y los puntos de tensión de la ropa masculina. Aunque el ejemplo a la izquierda muestra la sombra en el caso de una camisa informal abierta en el cuello y de unos mahones, la manera en que se usó la sombra puede aplicarse igualmente a otras prendas de vestir masculinas. Recuerde que el dibujo de ropas en figuras masculinas expresa una actitud distinta al dibujo de figuras femeninas. Unos trazos gruesos y ennegrecidos le dan un tono varonil al diseño masculino. Aunque las modas de los hombres cambian con más lentitud y sutileza que las de las mujeres, los detalles y el entalle del atuendo masculino son muy importantes. Use la técnica de luz y sombra, explicada en la Página 67. Después que haya estudiado la forma en que se usó la sombra para dibujar las vestimentas en esta página, siga adelante y proceda a dibujar las prendas que aparecen en las próximas páginas usando un croquis sombreado. Observe cómo se revela el cuerpo debajo de la ropa en ese croquis en sombras; fíjese dónde descansan las ropas sobre el cuerpo y dónde se van cayendo al alejarse de éste.

Sombreado 1. A cada lado y debajo del cuello 2. En las axilas; bajo las solapas de los bolsillos; en el encuentro de la línea central del frente. 3. Pliegues al doblar el brazo 4. Cinturón; pliegues causados por el mismo 5. Puño de camisa curvado alrededor del brazo 6. Pliegues de tensión en la entrepierna y el muslo doblado 7. Pliegues residuales en la rodilla que lleva el peso del cuerpo 8. Marcas de tensión desde la rodilla doblada hasta la costura interior y los pliegues detrás de la rodilla 9. Final de pantalón sobre el zapato 10. Debajo del ruedo de los pantalones

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Ropa casual de hombre Con croquis sombreados Los croquis sombreados muestran la línea del cuerpo debajo de las ropas. Dondequiera que la vestimenta descanse sobre el cuerpo, se produce un grado de tensión en la tela. Aun cuando el cuerpo no se muestre en el dibujo final, su postura afecta la silueta.

Camisa de polo (suéter amarrado por encima de los hombros), pantalones de algodón plisados. Overol, jumpsuit con elástico añadido en la cintura, pantalones metidos dentro de las botas. Chaqueta corta, windbreaker, suéter de cuello de tortuga sobre pantalones informales.

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Ropa deportiva Con croquis sombreados Nuevamente, los croquis sombreados muestran los cuerpos bajo las vestimentas que ordinariamente habrían de oscurecerlos. Resulta importante, especialmente cuando dibuje ropas holgadas, tener en consideración la forma del cuerpo que tiene debajo.

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Top, pantalones cortos (shorts), banda de cabeza, medias atléticas y zapatos deportivos (balompié). Camisa suéter con cremallera y capucha, pantalones cortos y tenis. Gabán impermeable con capucha, pullover, pantalones enrollados de lona (navegación).

Ropa formal de hombre Con croquis sombreados Los croquis sombreados le muestran dónde los vestidos tocan las figuras y dónde se alejan de éstas. Traje sin hombrera: La falta de estructura revela unos hombros naturales ligeramente inclinados; saco un tanto angular

Traje de tres piezas: con hombreras y pinzas para entallar levemente la cintura. Chaqueta deportiva con suéter y pantalones. Observe los puntos de tensión donde las ropas tocan el cuerpo.

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El blazer para hombre El blazer es un elemento muy importante en cualquier guardarropa masculino. Pueden producirse ligeras variaciones en la sastrería de temporada en temporada, pero el atuendo básico sigue siendo el mismo. Lo que es realmente importante en la ropa de hombre es el entalle. La técnica usada para dibujar el blazer sirve igualmente a los trajes, sacos deportivos y otras prendas. La demostración a la izquierda es una chaqueta de dos botones, que lleva bolsillos incrustrados con solapas. A la derecha, dos variaciones sobre el tema del blazer básico. Para reproducir, tanto el blazer como las variaciones, dibuje de un punto a otro, siga las flechas y utilice los pliegues y las marcas de tensión como metas. Nuevamente, fije bien su dibujo, rodee la garganta con el cuello de la camisa. Luego dibuje el borde del cierre frontal en el lado izquierdo de la pieza. Comenzando por el escote, cruce la línea central en la cintura y trace una curva hasta llegar al ruedo. Al dibujar el borde del cierre frontal derecho, asegúrese de que se encuentre con el izquierdo en la línea central. Ahora añada el cuello y las solapas partidas. Dibuje los hombros ligeramente extendidos, deslizándose en declive hasta las costuras de la sisa; delinee entonces los puños curvados y los pliegues del codo como puntos de referencia para dibujar la manga izquierda. Dibuje la parte superior de la manga izquierda desde el hombro; la sisa, hasta los pliegues del codo. Añada el botón en la línea central y la corbata. Complete la chaqueta al dibujar desde la sisas hasta el ruedo, con un ligero entalle en la cintura, tal como se muestra. Note que la parte inferior de la manga descansa sobre el antebrazo.

Blazer cruzado con solapas en los bolsillos, silueta relajada y solapas de pico.

Complete la manga derecha, indique alguna amplitud en el codo; dibuje luego los bolsillos. Agregue los puños de la camisa. Dibuje cuidadosamente los detalles, con su mejor línea: pinza vertical, ojales, pespuntes decorativos y botones de la manga.

Saco de corte continental, presenta una línea de hombros puntiaguda, bien ajustada y encumbrada; sisas de corte alto; silueta entallada y expandida.

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Galería de vestidos La galería de vestidos y las galerías que siguen a continuación le muestran una amplia variedad de siluetas y lo relacionan con una gran cantidad de términos propios del oficio. Las galerías también le brindan algunas nociones de historia de la moda. Preste mucha atención a los ciclos de la moda que ocurren y se repiten. Algunos de los artículos que aparecen en cada galería son clásicos temporales; otros constituyen definitivamente piezas de época. Todas las modas presentadas son del Siglo XX. 1. Talle a la cintura, principios de los años 50. 2. Talle largo, principios de los años 20. 3. Talle corto, principios de los años 60. 4. Cintura entallada con pinzas, principios de los años 50. 5. 'Chemise', finales de los años 50. 6. Trapecio, finales de los años 50. 7. Saco, principios de los años 60. 8. Traje camisero, finales de los años 30. 9. Traje línea A, principios de los años 70. 10. Traje túnica, principios de los años 10. 11. Ruedo de pañuelo o pocos, finales de los años 20. 12. Imperio, finales de los años 50. 13. Sin tirantes y con peplo, finales de los años 40. 14. Corte sesgado, principios de los años 30. A medida que usted avance a través de estas galerías, estudie las manos, los pies y los accesorios, además de las ropas. Observe que los zapatos, guantes, bolsos de mano y joyería, complementan el vestuario y ayudan a crear una apariencia de moda total. Fíjese que cada figura no sólo presenta esta apariencia total sino que también relata una historia de la moda. Mientras dibuja, mantenga una imagen en mente. ¿Pregúntese, quién vestirá este atuendo?¿Cómo lo usará y con qué accesorios? ¿En qué lugar u ocasión lo usará? Imagínese una breve historia acerca de cada figura de moda, y usted podrá expresar más vida y emoción en su dibujo.

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Galería de conjuntos 1. Conjunto Chanel, versión de un diseño clásico de finales de los años 50. 2. Conjunto adornado con piel, finales de los años 10. 3. Conjunto de minifalda, principios de los años 70. 4. Conjunto sastre, principios de los años 40. 5. Conjunto de salir, principios de los años 80. 6. Conjunto cruzado, principios de los años 60. 7. Conjunto con cuello de chai (enterizo), finales de los años 20.

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Galería de abrigos 1. Abrigo impermeable, principios de los años 80. 2. Abrigo de bamboleo, finales de los años 30. 3. Maxiabrigo, finales de los años 60. 4. Abrigo Chesterfield, principios de los años 40. 5. Abrigo de polo cruzado con cinturón suelto, principios de los años 30. 6. Abrigo cruzado, principios de los años 60. 7. Gran abrigo, principios de los años 20. Los abrigos son ropas hechas a la medida, al igual que los trajes y los blazers, pero confeccionados con telas más pesadas. Detalles de estilo, tales como solapas, bolsillos y las pespuntes decorativas se pueden dibujar para que concuerde con el volumen del abrigo. Los accesorios ayudan a indicar la temporada en la cual se use la indumentaria.

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Galería de pantalones y blusas 1. Camisa Capri y pantalón, finales de los años 50. 2. Pijamas de playa, principios de los años 30. 3. Pantalones por debajo de la rodilla (pedal pushers), blusa entallada, principios de los años 50. 4. Pantaloncitos hot pants, camisa pirata, principios de los años 70. 5. Palazzo (fiares), suéter, años 70. 6. Bragas (knickers), chaqueta, principios de los años 80. 7. Conjuno pantalones de tachón (slacks), principios de los años 40. 8. Mahones de diseñador, camisa vaquera, finales de los años 70. 9. Falda pantalón larga, sostén, finales de los años 60. 10. Pantalones de campana (bell-bottoms), pullover, finales de los años 60. 11. Pantalones de bombacho (baggy pants), blusa con hombreras, finales de los años 70. 12. Pantalones estirados con estribos (stretch stirrup), blusón por encima, finales de los años 50. 13. Pantalones de montar (jodhpurs), finales de los años 20. 14. Pantalones a la cadera (hip-huggers), finales de los años 60. Observe cómo los peinados, sombreros y accesorios reflejan la imagen del período específico del cual han sido extraídos.

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Galería de trajes de hombre Al igual que sucede en la moda femenina, las galerías de modas masculinas contienen clásicos y piezas de época. Las modas de los hombres cambian más lenta y sutilmente que las de las mujeres. La apariencia de la moda se establece por el ancho exacto del hombro, la solapa o la corbata. Resultan cruciales la silueta y el entalle del traje en boga. 1. Traje de etiqueta (smoking), años 20. 2. Traje de chaqué clásico. 3. Atuendo formal clásico (sombrero de copa y frac de cola). 4. Traje de tres piezas, años 70. 5. Traje de moda, finales de los años 60. 6. Traje de corte continental, finales de los años 50. 7. Traje abuelito, principios de los años 40.

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Galería de ropa deportiva masculina Los siguientes ejemplos son todos contemporáneos, excepto el número. 7. 1. Ropa de vaquero. 2. Pullover y pantalones para correr (sudaderas). 3. Pantaloncitos cortos, tenis y suéter. 4. Traje de esquiar, gorra. 5. Vestimenta clásica para polo. 6. Pantaloncitos cortos para excursio nes, con botas y mochila. 7. Pantalones para golf, con suéter, gorra, cerca 1920. Una de las influencias más poderosas en la ropa deportiva masculina, en años recientes, ha sido el servicio militar. (La Segunda Guerra Mundial nos dio la camiseta "T-shirt", la chaqueta de bombardero y el overol, jumpsuit,). Otras influencias importantes han sido los deportes activos y por supuesto, la ropa de vaquero.

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Galería de adolescentes A diferencia de las galerías de adultos, las galerías de adolescentes y de niños más pequeños contienen únicamente prendas de vestir contemporáneas. Debido a las interminables variaciones en la ropa favorecida por estos grupos generacionales, los ejemplos ilustrados aquí son limitados. Sin embargo, éstos reflejan una amplia gama y diversidad de los estilos escolares y deportivos disponibles. Se han ignorado los furores del momento. 1. Chaqueta atlética, pantalones de caqui. 2. Suéter, pantalones con bragueta al frente. 3. Chaleco acolchonado, mahones. 4. Gorra tejida, suéter grueso, pantalones, calentadores de piernas. 5. Camisa de polo, pantaloncitos cortos 6. Camisa de vaquero, mahones. 7. Combinación de suéter, falda de tachones de corte angular, medias acanaladas.

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Galería de jóvenes Estos ejemplos contienen una mezcla de ropa de jugar, de vestir y de ir al colegio. 1. Vestido largo de volantes, detalle fruncido. 2. Blusa adornada con encajes, falda campesina. 3. Camiseta "T-shirt", pantalones para ejercicios. 4. Blusa adornada con volantes, faja ancha, falda fruncida. 5. Blusa middy de cuello marinero, falda de tabletas, medias de malla. 6. Suéter, pantalones sueltos. 7. Camisa de fútbol, mahones. Cuando dibuje niños puede que usted quiera crear una situación o una historia para cada figura de modas, tal como se le sugirió para dibujar adultos.

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Galería de infantes y niños pequeños Se trata mayormente de ropas para jugar y algunas prendas de vestir. 1. Cuello de tortuga debajo de un overol largo, con entrepierna abotonada. 2. Trajecito de canesú fruncido, pantaloncito en combinación. 3. Camiseta "T-shirt" debajo de unos overoles cortos con entrepierna abotonada. 4. Tope con capucha tejida, abrigo con cremallera frontal, pantalones tejidos. 5. Vestido adornado con volantes, con delantal por encima. 6. Gorra tejida, suéter con cuello de tortuga, falda de tabletas, pantimedia. 7. Blusa middy de cuello marinero, pantalo nes cortos, medias a la altura de la rodilla. 8. Camiseta "T-shirt" debajo de overol largo. 9. Camiseta "T-shirt", pantalones largos con tirantes. 10. Sombrero, abrigo con la espalda plisada, pantimedia.

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Accesorios Sombreros y Bufandas Las Partes Dos y Tres muestran muchos ejemplos de accesorios — sombreros, carteras, bufandas, cinturones y joyería. Ahora nos ocupamos nuevamente en detalles específicos. Los sombreros ajustados a la cabeza y las bufandas o pañuelos usados alrededor del cuello representan, sin lugar a dudas, dos de los retos más difíciles para la aplicación adecuada de accesorios. Suministramos aquí algunos ejemplos que le ayudarán a dibujar éstos y la mayoría de los demás estilos. De arriba a abajo tenemos un sombrero de ala, un sombrero de ala hacia arriba, una boina y un sombrero de vaquero de hombre. Los siguientes pasos habrán de servir para todos los ejemplos. Dibuje la cabeza e indique las facciones y el cabello. Trace la línea para la cinta del sombrero. Esboce las formas de la bufanda, asegurándose de que ésta rodee el cuello. Dibuje la copa y el ala del sombrero. (Tenga presente que la forma y la escala son importantes. Observe que algunos sombreros se ajustan estrechamente a la cabeza, mientras otros tienen copas más altas). Vea cómo a medida que se refina la línea, el contorno de la bufanda cambia, desde una forma básica hasta el mismo diseño de la tela. Complete el sombrero con todos sus adornos y borre cualquier línea-guía. La bufanda también se completará con sus pliegues y con nudos dibujados cuidadosamente (de ser apropiados). Asegúrese de indicar los pliegues en el lugar donde los extremos de la bufanda pasan a través de los nudos. Los sombreros son infinitos en su variedad, pero el método que he mostrado servirá de ayuda para la mayoría de los estilos. El método seguido para las bufandas le ayudará también a dibujar la mayor parte de éstas y sus diferentes variedades. De nuevo le sugiero que vuelva a sus archivos de recortes de modas cuando requiera un accesorio específico.

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La fotogarfía de modas como modelo

Este ejercicio se diseñó para transformar las proporciones de una fotografía de modas en un dibujo de modas. La fotografía añade peso al sujeto, de manera que hasta una modelo esbelta y de piernas largas luce más bajita y más gruesa de lo que sería el dibujo ideal de modas. El objetivo es, pues, poder estirar la figura hasta alcanzar ese ideal. En los pasos que se muestran aquí, el método que se utiliza consiste en una técnica directa de planificar a medida que se avanza. Si siente la necesidad, puede analizar la pose y dibujar un croquis sobre el cual trabajar; pero no es absolutamente necesario hacerlo a partir de un croquis cuando tenga como fuente una fotografía, una ilustración existente o una modelo en vivo. Planifique la figura sobre la página, usando la fórmula de balance de peso. Dibuje y marque la línea balance, para obtener las proporciones verticales. Delinee levemente la cabeza, el cuello y el pie que lleva el peso del cuerpo. Añada la parte superior de la caja torácica (clavícula), un tanto inclinada. Esboce ligeramente el talle inclinado y dibuje la línea central del torso relajado. Anticipe lo que va a hacer. Visualice la figura sobre la página.

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Estime y marque las metas o puntos de referencia del dibujo, tal como se ha indicado: la cabeza, el cuello, el escote, el ancho de los hombros y la cintura inclinada. Añada las manos y el pie que lleva el peso del cuerpo. Ahora empiece a dibujar las formas mayores, tales como el corpino y, en este caso, la estola de piel que lleva la modelo. Complete la estola y la falda. Dibuje el pie relajado. A partir de la línea de la rodilla inclinada, comience a delinear los pliegues de la faja de la cintura. Termine los fruncidos de la faja de la cintura en la falda, los del corpino y los que van desde los hombros. Añada los rasgos faciales, el pelo y los detalles de construcción, así como los pliegues y las marcas de tensión. De ser necesario, vuelva a trazar su dibujo inicial, en lugar de tratar de limpiarlo con borrones poco atractivos. El dibujo en esta página es el cuarto borrador de la fotografía, que fue suministrada por la Corporación Celanese. Observe cómo en el dibujo se cambió el peinado de la modelo.

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La ilustración de modas como modelo de práctica

El practicar con su ilustración de modas favorita le ofrece muchos beneficios. El ilustrador original ha convertido ya la figura en una imagen de modas. La postura ha sido exagerada y se han eliminado los pliegues innecesarios. La luz, sombra y pliegues importantes se han hecho fácilmente visibles. Ya se han seleccionado los detalles que se van a resaltar, y se ha establecido una verdadera apariencia de modas. Este dibujo lo hizo el famoso ilustrador Richard Holiman para Neiman-Marcus. Usando la fórmula de balance de peso, dibuje y marque la línea balance, para obtener las proporciones verticales. Delinee ligeramente la cabeza, el cuello y la inclinación de la clavícula. Ahora deténgase a pensar. Visualice la figura sobre la página. Marque los puntos de referencia del dibujo. Dibuje levemente el escote, el cierre frontal con botón, el corpiño y las formas de las mangas, así como el cinturón inclinado. Empiece a dibujar la falda con las líneas centrales de amplitud. Luego dibuje el pie que lleva el peso del cuerpo y la pierna que lo acompaña. Añada el pie y la

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pierna relajados. El codo y el brazalete son buenos puntos de referencia. Observe que la mano sobre la cintura fuerza una inclinación exagerada del hombro. Ahora dibuje los detalles del corpiño, las hombreras, los bolsillos y las costuras. Complete la falda con las líneas de amplitud y luego la silueta de la falda. Termine con las líneas que crean luz y sombra. Añada los rasgos faciales y los accesorios. Con su goma de borrar elimine cualquier línea de construcción que no fue absorbida por las líneas más fuertes, o proceda a calcar un nuevo borrador del dibujo. Recuerde que se trata de una simple copia para que usted aprenda y no para incluirse en su portafolio. Sus archivos de recortes deben contener dibujos de muchos ilustradores y diseñadores. Trabajar con sus ilustradores y diseñadores favoritos le ayudará a desarrollar su estilo personal. Trate de emular el estilo del artista, analizando la técnica usada para lograrlo. Sea como el aprendiz de un maestro en este arte trabajando a partir de su obra maestra.

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Dibujo de un modelo en vivo Practicar con un modelo vivo constituye un excelente ejercicio para desarrollar las destrezas requeridas para crear dibujos rápidos, detallados y precisos. Yo creo que una pose de cinco minutos ofrece suficiente tiempo para dibujar las principales formas de la postura, sin que resulte demasiado agobiante para el(la) modelo, aunque otros maestros sugieren poses más cortas para los estudiantes experimentados y más largas para los principiantes. Cualquiera puede modelar para la figura de modas. Comience este ejercicio con un lápiz; cambie a un buen marcador de punta fina cuando llegue al paso 2. Haga que el(la) modelo asuma una pose relajada y natural. Con el lápiz, dibuje ligeramente la línea balance, para las proporciones verticales. Establezca las formas básicas e indique las metas o puntos de referencia, como cuando dibuja de una foto o de otro dibujo. Ahora cambie a un marcador. Le ahorrará el tiempo de borrar y aumentará su concentración y capacidad de selección, según dibuja de un punto a otro y refina sus formas básicas. El truco consiste en retener las proporciones establecidas de la moda, en tanto dibuja las formas del cabello, la vestimenta y la postura del(la) modelo. Seleccione y añada loa pliegues y las marcas de tensión necesarios para el dibujo. (Archívelos en su mente como referencia para cuando dibuje sin modelo). Termine el dibujo con una cantidad apropiada de costuras de construcción y otros detalles. Estudie y si fuera necesario, memorice cualquier detalle mínimo que no se haya incluido en el lapso de trabajo de cinco minutos, para que pueda completarlo después que se retire el(la) modelo. El dibujo de cinco minutos de un(a) modelo en vivo lo obliga a observar y a tomar decisiones rápidas. Este ejercicio no es nada fácil, así que practíquelo una y otra vez. Los ejemplos que aparecen aquí los dibujaron mis estudiantes en cinco minutos usando a sus compañeros de clase como modelos. Busque los nombres de los estudiantes en la página ii.

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La reproducción de estampados La habilidad de reproducir el estampado de determinadas telas resulta útil para el diseñador y obligatorio para el ilustrador. Con el vestido terminado en mente, el diseñador ofrece indicaciones del tipo de tela que necesita, reforzando con notas y muestras de tejidos para presentar un concepto visual completo de la pieza. El ilustrador produce entonces dibujos de ropas existentes, que deben claramente expresar el corte, la silueta y los detalles del material a fin de atraer a los compradores. Para entregar un dibujo de modas terminado, se requiere el diseño, la textura y el tacto de la tela. Para esto, la calidad de la línea resulta de importancia primordial. Las líneas usadas para describir, por ejemplo, un suave suéter de jersey difieren considerablemente de aquellas utilizadas para describir una rizada tela de algodón. (Véase páginas 120-123). Después de la calidad de la línea, el próximo paso es la reproducción acertada del estampado para lograr sugerir una tela en específico. Bien sea que la tela consista de listas muy controladas, cuadros, irregulares formas geométricas, o de diseños florales o abstractos, siempre debe tenerse en cuenta la colocación, la escala y la tonalidad del color. Se debe dar importancia al trabajo a color. La Parte Tres se inicia con una introducción a todo color, sobre el uso de marcadores de colores para un número de telas y las instrucciones sobre como reproducirlas. Los ejercicios que siguen a esta introducción al color, le llevarán desde los diseños más básicos a retos cada vez más complejos, no sólo de diseño sino también de textura. Las destrezas mostradas en la Parte Tres lo prepararán para casi cualquier clase de telas.

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Estampado en color Aunque la mayor parte de las ilustraciones de modas con propósitos publicitarios o editoriales se hacen en blanco y negro y tonos intermedios, más y más ilustradores están trabajando a color como nunca antes. Con la introducción de los marcadores de colores, ellos cuentan ahora con un rápido instrumento para indicar sólidos, diseños y adornos. En el pasado se usaban pinturas solubles en agua para aplicar color. Todavía son favorecidas por ilustradores y diseñadores ya diestros en su uso, quienes se enorgullecen de utilizar tan elegante método. Aunque las acuarelas son ciertamente muy hermosas, requieren, sin embargo, de mucha experiencia, a la vez que consumen mucho tiempo en la mezcla de los colores. También éstas se secan lentamente. Sin embargo, cuando el tiempo apremia o se carece de pericia para pintar en acuarela, los marcadores de colores ofrecen una alternativa viable. Todos los ejercicios en la Parte Tres emplean las siguientes técnicas: • Cuando hay disponible un marcador, debe colorearse toda el área en la cual se va a aplicar. • Debe tenerse a la mano una hoja de pruebas, para practicar diseños y experimentar con sombreados. Hasta el día de hoy, yo no me pongo a trabajar sin tener una al lado. Cada nueva tela constituye un reto que requiere mucha práctica. Cualquier error de juicio no resulta problemático si tiene lugar en la hoja de pruebas, pero sí lo sería si se hace obligatorio repetir el dibujo. • El maquillaje debe mantenerse al mínimo: quizás un poco de sombra en los ojos y de rubor aplicado frugalmente. Sólo un toque con la esquina de su marcador de punta de cuña, antes de que se seque el tono de piel, permitirá que se mezcle el color. Nunca perfile el contorno de los labios. Los labios son de un tono; la abertura de la boca se acentúa con una línea muy fina. Yo uso un marcador sepia fino para el labio superior, y otro color del lápiz labial (rojo, naranja, rosado) para el labio inferior. Para una apariencia reluciente, trato de dejar un área del papel libre de color. Si eso no funciona, servirá un toque de lápiz blanco o de pintura opaca. • Si se emplean la fuente de luz y el sombrea do en la reproducción de un diseño, el pelo nunca se debe dejar de un solo color. Para sugerir brillo, a menudo se usa un segundo tono y el propio blanco del papel.

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Estampado floreado Este ejemplo emplea el procedimiento de "libro para colorear" (la figura y la ropa aparecen completamente dibujadas y se procede entonces a darles color). El dibujo se ha recreado plano, sin sombras ni puntos de luz (highlights). Esta técnica ofrece una apariencia limpia que funciona bien con telas no relucientes. El pequeño estampado floreado sobre un fondo negro parece más difícil de reproducir de lo que realmente es. Sin embargo, los pasos que se describen a continuación, sólo se pueden usar con éxito cuando el estampado se encuentra sobre un fondo muy oscuro (negro, azul marino o verde botella). Para empezar, coloque el borrador que sirve de guía debajo de la página donde quedará el trabajo terminado. Calque cuidadosamente la figura y el vestido con un marcador fino color negro. Antes de aplicar el diseño de la falda a su dibujo final, practíquelo en su hoja de pruebas. Para colorear: Aplique el tono de la piel. Antes de que el rostro se seque, añada el rubor (blush) a las mejillas para que se mezcle con el color anterior. Ahora coloree la blusa sin mangas y vaya aplicando sobre la falda el mismo color al azar. Termine de cubrir la falda con el segundo color, y entonces aplique el tercero al sombrero y a la falda. Con un marcador negro de punta mediana, encierre libremente los puntos salpicados de color, dentro de círculos irregulares, de modo que den la apariencia de pétalos. Sobre la marcha, rellene los espacios entre las flores. Cuando termine la base, añada una pequeña área de color en el centro de cada flor, para darle una apariencia floral. Un tono de color aplicado debajo del ala del sombrero le dará dimensión. Complete el trabajo dando la debida ondulación al sombrero, y termine el rostro.

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Tela a cuadros Para empezar, planifique cuidadosamente el diseño en su borrador de guía, primero a lápiz, luego pásele un marcador fino por encima para mayor visibilidad. Use como modelo una rejilla cuadrada, para crear una tela de cuadros grandes. Trabaje primero horizontalmente, luego verticalmente. Las partes superior e inferior de los brazos doblados se tratan como formas individuales, al igual que las líneas de amplitud de la falda. Las líneas horizontales de la falda deben concordar con el ruedo, de manera que empiece desde abajo y trabaje hacia arriba, haciendo ajustes, a medida que se acerque al borde de la chaqueta. Las líneas verticales de la falda se disminuyen gradualmente en tamaño hasta terminar en pliegues y frunces. Todos los cuadros de la rejilla en la falda y la chaqueta deben ajustarse a la misma escala. Cuando usted entienda que la figura, la ropa, el diseño y los accesorios están en debido orden en su borrador de guía, póngalo debajo de su página y cálquelo cuidadosamente con un marcador negro fino. Para relajar un poco la apariencia del trabajo, se ha indicado el color con algunos espacios descubiertos donde se muestra el blanco del papel. Esto es una opción, no una regla. Aquí se usa el método del libro para colorear, añadiéndole sombra. Esto requiere de mucha práctica y de realizar una gran cantidad de experimentos de color en su hoja de pruebas. Aplique el tono de base al vestido; haga entonces los accesorios. Mientras éstos secan, aplique el tono de la piel. Añada el rubor (blush) y la sombra de ojos, con sólo un toque de color antes que se seque el rostro para que se mezclen bien las distintas tonalidades. Una vez que se seque el tono de base de la ropa, proceda a sombrear con un tono más oscuro, que le haya dado buenos resultados en su hoja de pruebas. Cuando se haya secado la sombra, empiece a aplicar el color principal de los cuadros -primero las líneas horizontales, luego las verticales. Sí usted no se siente seguro de que las líneas horizontales están secas, sombree los accesorios, antes de empezar con las líneas verticales. Cuando todo esté seco, oscurezca los cuadros cruzados con un tono más oscuro o aplique algunas capas adicionales del color original. Para indicar una textura tejida, aplique líneas diagonales muy unidas al color de los cuadros, con su marcador negro más fino. Termine el tejido. Ahora complete la cara y sombréela. Se usan lápices de colores para los detalles lineales de los cuadros. (Se dibujó una línea blanca y luego se coloreó en rojo, para darle más brillo.)

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Brocado Esta tela de lujosa elaboración ha sido confeccionada a base de una amplia variedad de materiales —sedas, rayón, metales preciosos y otros metales—. Actualmente en los brocados, se usa ampliamente el milar por su peso ligero. Los brocados vienen en un gran número de diseños, tales como flores, paisley y rollos. La escala de estos diseños varía, pero por lo regular resulta bastante oscura. £1 ejemplo que se ilustra capta la acritud más que el diseño especifico, y pudiera descomponerse en numerosos modelos de colores combinados. Aunque lustroso, el lustre no deja de ser sutil. Coloque su borrador de guía debajo de la página donde irá el dibujo ya terminado. Con un marcador negro fino, dibuje cuidadosamente la figura y el vestido que lleva. Para colorean Aplique el tono de base a la ropa, dejando un punto de luz (hizhlight) de papel en blanco. Coloree el rostro con un tono de piel y añádale rubor (blush) y sombra de ojos. Complete el tono de piel. Cuando la ropa se seque, añádale la sombra. Deje que se seque, y comience entonces a dibujar el diseño con el segundo tono. Es necesario de todas maneras, practicar previamente en su hoja de pruebas. Termine d segundo tono. Aplique el color de base a los accesorios. Con un tono de piel más oscuro, sombree el rostro, el cuello y las piernas. Empiece a añadir el tercer tono a las áreas sombreadas solamente. Termine el tercer tono. Coloree un diseño con lápices de colores sobre el color de base, y un diseño con lápiz blanco en las áreas sombreadas. Para mayor contraste, puede usar pintura blanca opaca. Complete el rostro y los accesorios.

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Satín Aunque un suave crepé satinado (crepé back satín) es sugerido en la explicación de este conjunto de gala, el mismo enfoque podría servir para dibujar una seda lustrosa. La tela del corpino ha sido revestida con lentejuelas de gran tamaño (pailletes); la figura masculina, como usted puede ver, está ataviada convencíonalmente con un esmoquin negro de solapas de pico satinadas. Seguimos empleando la técnica del libro para colorear con sombras. Debido al extremo contraste de los puntos de luz (highlights) y las sombras oscuras, esta tela exige un gran control. Practique primero en su hoja de pruebas. Prepare un borrador de guía, póngalo debajo de la página y dibuje cuidadosamente las figuras con un marcador negro de punta fina. Observe que los ilustradores usan con frecuencia un tono de piel más oscuro para los hombres para comunicar una impresión más robusta. El maquillaje y la piel más fina se presume que aclaren el rostro de la mujer. (Femenino) Aplique el tono de piel para la cara y el cuello. Añada el rubor (blush) y la sombra de ojos antes que se seque la cara; trabaje luego la pierna. Coloree el primer tono de la vestimenta, dejando fuertes puntos de luz (highlights). (Masculino) Aplique un tono de piel más oscuro y un tono de base para el traje. Deje las solapas de satín para el Paso 3. (Femenino) Aplique la base de color al cabello. Con el color de piel más oscuro, sombree la cara, el cuello y la pierna. Aplique luz y sombras a la prenda de vestir, con el tono más tenue. (Masculino) Aplique la base de color al cabello. Sombree el rostro y la mano, con un tono de piel más oscuro. Con un marcador negro, muestre la luz y sombra del traje. (Femenino) Dibuje los lentejuelas (pailettes) con su marcador más fino. Si desea más destellos, use pintura blanca opaca para hacer resaltar un pequeño grupo de lentejuelas de áreas (pailettes) en los acentos más oscuras. (Masculino) Sombree moderadamente la camisa con un color gris claro. Coloree las solapas con un gris mediano; añada un marcador negro antes que se seque, permitiendo que el color se riegue irregularmente, cerca del fondo. Cuando se seque, déle luz a las solapas con una línea fina de lápiz blanco, pásele por los bordes y hacia abajo en la monta de la solapa. (Femenino, Masculino) Déle luz al cabello y complete los rostros y accesorios.

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Chifón Debido a que el color en las telas transparentes varía de acuerdo con el número de capas en las diferentes partes del vestido, se necesitan varios tonos, para indicar el efecto de oscurecimiento de las distintas capas. Las siguientes instrucciones sirven para la mayoría de las telas transparentes aunque pueden diferir en cuanto a la calidad de la línea y la silueta. (Por ejemplo, el chifón es suave, mientras que la organza y el tul son más rizados). Para este ejercicio, recomiendo una técnica diferente: color y sombra. El color se aplica primero, y las sombras de detalles lineales al final. ¡La práctica es vital aquí! Coloque el borrador de guía, debajo de la página, aplique el tono de piel, así como el rubor (bush) y la sombra de ojos antes que se seque la cara. Luego coloree el traje interior. En este ejemplo, varias áreas del papel no se colorean para sugerir una tela muy brillante. Proceda a colorear la piel. Cuando todos los colores se sequen añada la luz y la sombra en un tono más oscuro. El tono más pálido del vestido sobrepuesto de chifón se aplica después que todos los colores se hayan secado. Éste describe el tejido y la longitud de la manga, el escote y la siluate de la falda. Aplique el tono de la base del cabello mientras se seca el traje sobrepuesto. Cuando el tono más pálido haya secado, añada otra capa a las áreas donde la tela se haya doblado. En este caso, las áreas dobladas son: (A) donde el drapeado de las mangas cae debajo de los brazos, y (B) donde el dorso de la falda sobresale de atrás a partir del traje interior (desde la cintura al ruedo de la falda). Si se desea más contraste, deje que las áreas dobles se sequen y añada otra capa de color. El tono del vestido interior se usa ahora para indicar los pliegues de los vuelos en las mangas y el corpiño. Con el mismo tono, comience los dobleces de los pliegues. Termine los dobleces. El marcador que usa para sombrear el traje interior puede servirle ahora para acentuar los fruncidos y dobleces encima del mismo. Déle sombra al cabello con el segundo tono. Entonces, con un mínimo de líneas del marcador de punta fina, complete el rostro y el pelo, y aplique la sombra y detalles. El ruedo debe verse sutilmente entre los pliegues y alrededor de la parte trasera de la falda. No dibuje en exceso o se perderá el aire de soltura que confiere esta técnica.

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Tafetán El tafetán es una tela muy tostada y lustrosa que cruje con el movimiento. Sus fruncidos, dobleces y líneas de tensión son definidos y angulares. Existe un contraste fuerte entre los puntos de luz (highlights) y las áreas sombreadas. La técnica de reproducción interpretación usada en este ejemplo es la de color y sombra. El color se aplica primero; el sombreado y los detalles, al final. Con su borrador de guía en su lugar, indique el color de la piel y añada el rubor (bush) y la sombra de los ojos antes que se seque la cara. Coloree el traje con el tono de base, dejando algunos puntos de luz a un lado del volante. Aplique el tono de base del cabello y sombree la piel y los accesorios. Sombree el vestido con agudos pliegues y dobleces angulares. La postura de la pose y los cortes del vestido sugerirán dónde colocar los pliegues de tensión. Termine el rostro y el cabello. Agregue las sombras de color más oscuras a los pliegues y dobleces de tensión. Cuando todo esté totalmente seco, use el costado de una punta de lápiz blanco, para resaltar los puntos de luz; para lograr el máximo lustre de brillo, colóquelos en el borde de las áreas sombreadas. Si se necesita reforzar algunos puntos de luz, agregue alguna pintura blanca opaca. Complete el sombreado, usando un marcador negro de punta fina.

La reproducción de estampados

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Rosado fuerte

Blush

Lila

Violeta

Aguamarina

Azul cobalto

Azul manganeso

Azul pálido

Agua

Verde lima

Verde océano

Verde bosque

Verde amarillo

Amarillo fuerte

Amarillo acre

Naranja fuerte

Rojo fuerte Caoba

Dibujo y diseño de modas

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Otras técnicas y materiales Los marcadores de dibujo mostrados aquí se han convertido en un medio popular entre los diseñadores e ilustradores para presentar colores y diseños de una manera rápida y eficiente. Aunque no sean baratos, los marcadores de arte constituyen una técnica a la vez efectiva y versátil. Use los marcadores de punta ancha si quiere cubrir las áreas grandes; y los de punta fina para los detalles. En estas páginas encontrará la paleta de colores que se recomienda para comenzar. La acuarela, lo mismo transparente u opaca, constituye un medio elegante, pero muy exigente. Requiere un adiestramiento especializado. Si le interesa, le recomiendo que adquiera un buen libro sobre el tema o que se matricule en alguna clase de pintura de acuarela. Otros materiales que aparecen en estas páginas incluyen un fijador en aerosol, para evitar que con el tiempo se rieguen (pérdida de definición) o desaparezcan los trazos del marcador, así como un adhesivo en aerosol para el montaje de sus dibujos. Para hacer correcciones menores en papel blanco y para los detalles o puntos de luz, se aplica una pintura blanca soluble en agua, lo mismo de un frasco o de un tubo, con un pincel para acuarela mediano (#6) o fino (#3). Los lápices de carboncillo en blanco y negro, o de colores, también resultan útiles para sombrear detalles. Existen unas almohadillas fabricadas especialmente para reducir el "derrame" de los marcadores. La acuarela requiere un papel especial. Busque en las tiendas de arte locales, otros materiales que pudieran interesarle. Encontrará muchas opciones o medios artísticos tales como: tinta en colores, pasteles y papel coloreado con textura, entre otros.

SEPIA OSCURA

BRONCE

BEIGE

NÚMERO 3

NÚMERO 5

NÚMERO 7

La reproducción de estampados 135

I

Técnicas de marcadores Los marcadores de colores constituyen una herramienta moderna, rápida y limpia para reproducir colores y diseños, una vez que se comprendan sus limitaciones y se domine la técnica, mediante la práctica. Los marcadores tienen la tendencia a regarse después de aplicados, por lo que se recomienda practicar en una hoja de prueba, del mismo tipo de papel que habrá de utilizar para su dibujo terminado. (El color del marcador ) su tendencia a regarse pueden variar de acuerdo con los diferentes papeles que se usan). Esta hoja de prueba también se utiliza para experimentar con el diseño o la textura requerida, antes que usted pueda aplicar cualesquiera de éstas a su dibujo final. Su borrador de guía puede hacer las veces de una hoja de absorción para proteger la superficie de su trabajo, en caso de que el marcador también se riegue a través del papel en que usted está trabajando. Como práctica, dibuje algunas siluetas en su papel de prueba y coloréelas, para ver cuan cerca usted puede ] legar de la línea sin que se riegue por los lados. Los marcadores no son compatibles con las líneas de lápiz. Cuando los dos trazos se unen, los resultados son una línea manchada, un color turbio y un marcador sucio. Use un marcador de punta ancha para cubrir áreas grandes. Si usa os marcadores de punta para este propósito, causarán un rayado inconsistente, y se les deformará la punta. Guárdelos para detalles finales. Siempre coloree las formas completas dentro del dibujo. Use los c erres de frente, ruedos, costuras y pliegues como líneas de guía. Nunca permita que se seque una figura parcialmente coloreada antes de haberla terminado. Un color húmedo que se mezcle con uno seco creará una línea sobrepuesta antiestética. Puede aplicarse un tono más oscuro por encima de otro más claro, ya sea para sombrear o crear un diseño. Permita que el primer tono se seque para delinear la silueta. Si se requiere un borde difuminado (tal como el rubor en las mejillas), el tono de base debe estar todavía húmedo. Nunca aplique un color más claro sobre uno más oscuro, ya que el oscuro quedará diluido y desfigurado.

Dibujo y diseño de modas 136

Escoja los colores para usar en una figura específica, o inclusive en dos figuras (una se puede estar secando para el próximo tono, en tanto que la otra se está coloreando). Mantenga los otros marcadores fuera de su alcance mientras está trabajando, así evitará aplicar accidentalmente un color equivocado a un dibujo casi terminado y también se evitará frustración. Cuando los marcadores no estén en uso, manténgalos firmemente tapados para evitar que se sequen y tenga que reemplazarlos.

Dos opciones de marcadores Estas dos técnicas requieren que se complete un borrador guía del dibujo y se use debajo de la página de trabajo. En la página del frente: Arriba: Trace el vestido en la figura y complete todo el trabajo de líneas. Abajo: Color, luz y sombra. Añada la textura o el diseño de la tela. Esta técnica no es nada diferente a la usada en un libro de colorear. En esta página -para un efecto más suelto y ligero-. Arriba: Aplique el color, el sombreado y la textura o el diseño de la tela. Abajo: Las líneas de construcción y un mínimo de luces es todo lo que se necesita para completar la apariencia.

La reproducción de estampadas

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Rizado

Suave

Para una apariencia rizada, las líneas deben ser finas y dibujadas con rapidez. Los pliegues y dobleces son un tanto angulares. La silueta se ve gruesa, y los pliegues en el ruedo, bien definidos.

La apariencia suave tiene una silueta ejsbelta. Los fruncidos y dobleces forman un drapeado suavemente redondeado. La falda cae :n forma de esbeltas columnas estrechas, con lop bordes suavizados en el ruedo.

Dibujo y diseño de modas

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Calidad de la línea Una ojeada a cualquier libro de patrones de modas, nos mostrará qué materiales específicos se recomiendan para cada prenda de vestir. Por el tacto, grosor y el acabado de las diferentes telas, el diseñador puede señalar el tipo de construcción que pudiera intentarse. Por ejemplo, sería poco probable e inadecuado que en esta página se hiciera una tela de bayeta gruesa; el espesor sería incómodo e inapropiado. Las mismas consideraciones de tacto, espesor y acabado confrontan al ilustrador. Cada tela sugiere el tipo de línea requerido para dibujar la ilustración que pueda transmitir la apariencia del vestido lo más exacta posible. Desde las páginas 138 a la 141, encontrará seis ejemplos de distintas posibilidades de calidad de línea. Al pie de cada una de las figuras hay comentarios que explican la calidad de línea empleada al dibujar esos materiales. Sostenga su lápiz muy suavemente, de manera que usted pueda rotar fácilmente, para crear líneas de distinto espesor, como en el dibujo inferior. En la página 141, hay también una lista de tejidos apropiados para cada calidad de línea.

Abultado El espesor de la tela se nota en el escote y los puños. Las líneas son gruesas. La silueta se ve gruesa, y los fruncidos y dobleces redondeados. Los bordes de los pliegues en el ruedo se ven como embotados.

La reproducción de estampados

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Ceñido con caída

Transparente

El look ceñido es una versión más pronunciada del look suave. La silueta puede insinuar más los contornos del cuerpo. Un vestido ceñido forma drapeados muy cerrados.

Existe una gran variedad de apariencias transparentes, desde suaves a muy rizadas, dependiendo de la tela transparente que se esté ilustrando. La silueta puede variar de suave y esbelta a muy abultada. Al fruncirse, la tela interior se muestra a través de la tela exterior. La transparencia se hace evidente al duplicar el color de la tela en los pliegues y en el dobladillo que sigue en ambas piezas, la interior y la exterior.

Dibujo y diseño de modas 140

Calidad de línea Ceñido con caída - Transparente - Con cuerpo Cuando esté ilustrando cualquier vestimenta, tener una muestra de la tela en su mano libre constituye una ayuda valiosa. Existe una amplia variedad en espesor y en acabados en los textiles que provienen de las mismas fibras. Este conocimiento táctil del material influirá en la calidad de línea de su dibujo terminado.

Ejemplos de tipos de telas Los siguientes materiales son apropiados para las calidades de línea mostradas en las páginas 138-141. • Rizada: Algodón satinado pulido, Zaraza (Chintz), Lino, Tafetán, Organdí. • Suave: Chalis, Gasa, Crepé, Jersey, Bayeta de algodón. • Abultada: Tela de toalla, Cachemir, Tweed, Pana acanalada, (Corduroy), Vicuña. • Ceñida con caída: Tricota, Matte de Jersey, Crepé satinado (Cortado al sesgo), Seda (cortado al sesgo), Terciopelo. • Transparente: Chifón, Organza, Etamina, Tul, Encaje. • Con Cuerpo: Piqué, Popelina (Poplín), Peau de Soie, Brocado, Faya.

Con cuerpo Una tela con cuerpo esta relacionada con un material más grueso y de menor flexibilidad. En ocasiones se amontona, pero sin llegar a ser abultado. Cualquier amplitud se alejará de la silueta del cuerpo. Las líneas son gruesas y los plieguies ligeramente angulares.

La reproducción de estampados 141

Fuente de luz y sombra El sombreado puede ser bastante complejo. En los dibujos de retratos y naturalezas muertas, resulta bien efectivo el uso de numerosas fuentes de luz, así como el reflejo de una luz secundaria, pero éstas se convierten en sólo un estorbo, que le hace perder mucho tiempo, cuando dibuja la figura de moda. El sombreado recomendado que se describe aquí está basado en una sola fuente de luz para mantener la técnica lo más sencilla posible. Imagine sobre la figura una luz muy fuerte que brilla desde lo alto y de un lado a otro. El sombreado se producirá sobre la misma figura así como sobre la esfera, aquí ilustrada.

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Compare las dos figuras en esta página. Éstas ilustran el volumen y el movimiento adicional que provee el sombreado; por ejemplo, el doblado natural del brazo, a la altura del codo, se acentúa al sombrear el antebrazo. La pierna extendida capta más luz, en tanto que la pierna más retirada está sombreada. La figura en esta página está casi toda sombreada, con un mínimo de líneas. A través de toda la Parte Tres, se muestran ejemplos de luz y sombra. Preste especial atención a los pliegues, bordes y ruedos de los vestidos. (Tenga en mente que el sombreado es opcional; algunos dibujos de modas pueden ser atractivos e informativos si se dibujan planos, sin sombreado alguno).

La reproducciónde estampados

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Planificación de estampados

VERTICAL

HORIZONTAL

El estampado se crea por una repetición de líneas o formas. El aprender a manejar estos componentes requiere concentración y mucha práctica. No sólo la "repetición" del patrón que se escoja debe ser consistente, sino que debe considerarse también el contorno del cuerpo, al igual que los fruncidos, dobleces y el corte de la vestimenta. La primera destreza por desarrollar es la de dibujar listas. Verticalmente, forman un estampado. Las listas horizontales constituyen otro estampado. Combinados, ambos crean una malla o enrejado, sobre el cual se basa la mayoría de los demás estampados. Se usa como guía para el dibujo de cuadros, telas a cuadros irregulares y para la repetición de motivos o formas. El enrejado puede escalonarse, ya sea horizontalmente, hasta formar como una rejilla de ladrillos, o verticalmente, para dar lugar a una rejilla de medio punto. Ponga diagonalmente el enrejado, o colóquelo sesgado, y se formará otro estampado. Estire la rejilla sesgada y se transformarán los cuadrados en diamantes, y vea como surgen nuevas posibilidades. En estas páginas, hay ilustradas muestras de todos los enrejados descritos arriba, así como ejemplos de sus diferentes usos en el diseño de telas. Practique el dibujarlos una y otra vez en un papel de pruebas antes de aplicarlos a una prenda de vestir. Los ejercicios en dibujo de diseños, que comienzan en la página 148, han sido elaborados para practicarse encima de un croquis o un borrador del vestido. Puede que sea necesario dibujar el mismo patrón de diseño un sinnúmero de veces antes de obtener resultados satisfactorios. Si el dibujo terminado se encuentra en un papel o cartulina demasiado opaco para calcar, el diseño

ENREJADO DE CUADROS

DIAGONALES

ENREJADO DE GOLA DIAGONAL

ENREJADO DE LADRILLOS

ENREJADO DE MEDIO PUNTO

DIAGONAL

ENREJADO DE DIAMANTES

ENREJADO DE TRIÁNGULOS

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puede planificarse ligeramente. Cuando complete el dibujo, las líneas de guía que no se hayan usado pueden borrarse cuidadosamente. • Listas verticales: En este ejemplo, las líneas de guía se ensanchan para formar las listas. Los colores alternados añaden interés. • Listas horizontales: Estas listas se crean al colorear entre pares de líneas guía alternas. • Cuadros: Coloree ligeramente entre líneas de guía alternas, lo mismo vertical que horizontalmente. Los cruces o intersecciones se acentúan con toda la intensidad del color.

LISTAS VERTICALES

• Lunares: Estos deben organizarse en un enrejado diagonal. De no ser así, se convierten en un diseño diferente —como puntos al azar. • Gola: Este diseño se organiza también en un enrejado diagonal. Tenga cuidado de emparejar las formas curvadas, en forma de cebolla. • Estampado geométrico: En este diseño, organizado en un enrejado de ladrillos, cada ladrillo se encuentra dividido diagonalmente, con un círculo en el centro. • Estampado floreado: Organizado en un enrejado de medio punto, este motivo (elemento visual recurrente) alterna su dirección a medida que se repite verticalmente.

LISTAS HORIZONTALES

• Listas diagonales: Se trata de una repetición diagonal. • Rombos: Este diseño se organiza sobre un enrejado de diamantes, en tonos alternos. Una rejilla secundaria de puntos secciona el diseño diamantino. • Estampado triangular. El enrejado triangular se usa para el motivo alternado y escalonado. CUADROS

LUNARES

ESTAMPADO FLORAL

ESTAMPADO GEOMÉTRICO

GOLA

ESTAMPADO TRIANGULAR

ROMBOS

FRANJAS DIAGONALES

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Dibujo del estampado a escala Cuando trabaje con una muestra, será de excelente ayuda prenderla a cualquier pieza de ropa disponible. Coloque la pieza con la muestra adherida, de manera que toda la prenda quede a la vista. Entonces usted puede observar cómo el diseño en la muestra de tela se relaciona con el vestido donde está colocado, para así determinar la escala apropiada. Resulta tentador trabajar con el material justo debajo de sus narices. ¡No lo haga! La escala crecerá en exceso, se recargará de detalles, tomará más tiempo para dibujarla y no logrará comunicar el efecto del diseño deseado.

Cuando está dibujando un estampado o alguna textura con propósitos relacionados con la moda, usted está tratando de recrear el efecto general o la apariencia de la tela. No hay necesidad de reproducirla hasta el más mínimo detalle. Empiece por estudiar y tener una muestra a la mano, un retazo o el vestido mismo, hata que se familiarice con sus rasgos más pronunciados. Entonces aléjese de la tela. Obsérvala a la distancia en que usted estaría mirando una figura humana completa vestida con ésta (puede ser una distancia de 3 ó 4 pies). Sugiera la apariencia del material desde esta distancia normal de apreciación. Usted notará que son menos los detalles visibles de los que se pueden observar a una distancia menor.

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Indicación del estampado Los diseños se muestran en el dibujo de modas con el fin de comunicar al espectador dónde aparecerán en el vestido. Para simplificar las cosas, o aun para ahorrar tiempo, los diseñadores e ilustradores de modas a veces indican el diseño, la textura e inclusive el color, en lugar de completarlo en la pieza entera. Aunque esta técnica puede lucir de fácil aplicación, requiere práctica y habilidad. Demasiadas indicaciones pueden hacer que se pierda el efecto. Muy pocas, en cambio, no llegan a ofrecer suficiente información. Si las indicaciones son muy salteadas o vagas, pueden sugerir algo así como un motivo ocasional o la repetición de un diseño excesivamente espaciado, creando una total confusión en el espectador.

En el ejemplo presentado aquí, hay suficientes detalles como para que no quede duda acerca de su colocación. El diseño en el cuerpo del traje cubre suficiente área como para convencer al espectador de que se está enseñando todo el concepto. Las siguientes páginas (148-155) ofrecen instrucciones detalladas sobre cómo dibujar diversas clases de listas, cuadros y telas de cuadros irregulares.

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Dibujo y diseño de modas

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Listas Verticales Al hacer el croquis, dibuje la línea guía para la primera franja; baje por la línea central del torso en el vestido. Dibuje una línea guía que baje por el centro de la forma de la manga. Luego dibuje otras de estas líneas uniformemente espaciadas hacia la izquierda. Preste atención a las flechas. Asegúrese de mantener su espaciamiento de arriba a abajo. Realice ajustes para los contornos del cuerpo, así como para los pliegues y dobleces. Dibuje líneas guía a la derecha de la línea central del torso. Haga lo mismo para la manga restante. Use el mismo método descrito arriba para dibujar líneas guía en la falda. Después de que complete las líneas guía, ponga su croquis debajo del papel en el cual usted tiene intención de completar su dibujo. Aplique el sombreado y dibuje las listas de acuerdo con la tela que esté dibujando.

Horizontales Dibuje una línea guía describiendo el contorno del busto. Seguidamente dibuje otras líneas hacia arriba que se ajusten al contorno del cuerpo. Mantenga las líneas espaciadas uniformemente, de acuerdo con las listas que se van a trazar. Trabaje desde la línea guía del busto hacia abajo. Ajústese al contorno del cuerpo y termine emparejándose con el ruedo. Las líneas guía en las mangas deben trabajarse desde los hombros hacia abajo y deben concordar con las listas en el cuerpo de la vestimenta en el "ojo del brazo". Para el antebrazo, trabaje desde las muñecas hasta los pliegues del codo. Las listas deben curvarse según los contornos opuestos del brazo y el antebrazo. Los pliegues en la articulación del codo disimularán cualquier problema de espaciamiento. Si el brazo no está doblado, trabaje desde el hombro y planifique cuidadosamente. Con las líneas de guía completas pueden reproducirse correctamente las listas terminadas -anchas, estrechas o una combinación de ambas—.

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Cuadros y cuadros irregulares La técnica siguiente sirve para a cualquier diseño básico de cuadros, desde pequeños cuadros de guinga hasta cuadros más grandes, de tamaño novedoso por su magnitud. Las líneas de tejido diagonales, en el Paso 3, se dibujan únicamente si a una distancia conveniente son visibles en la muestra de tela. El tono más oscuro de las intersecciones establece el color de los cuadros. Combine las instrucciones para las franjas verticales y horizontales, y dibuje levemente un diseño enrejado en el vestido. Procure espaciar las líneas para formar cuadros, indicando la escala del diseño que está dibujando. Entre pares alternos de las líneas de guía del enrejado aplique un medio tono del color deseado para los cuadros terminados. Empiece por colorear los cuadros a todo color en las intersecciones de las franjas más anchas. Complete los cuadros con las intersecciones a todo color. Aplique el color de fondo y el sombreado si así lo desea.

Cuadros irregulares Establezca un enrejado de cuadros, tal como hizo arriba, cuidadosamente reducidos en escala, de acuerdo con el diseño que aparece en su muestra de tela. Mientras planifica el enrejado, haga ajustes para los contornos del cuerpo y los pliegues. En el ejemplo de vestido que aquí le mostramos, el enrejado en los bolsillos (y en ocasiones en la abertura del cierre frontal) aparece usualmente en forma sesgada (diagonal). Agregue las líneas secundarias en cualquier lado de las líneas del enrejado inicial. Sea consistente en el espaciamiento. Con la planificación ya completa, se aplican los colores o tonos finales. Termine con los botones, los detalles físicos y las sombras.

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Dibujo y diseño de modas

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Cristal de vetana Este diseño es a base de cuadros, pero ha sido más ampliamente espaciado con líneas más finas. Dibuje levemente el enrejado, a la escala apropiada; preste atención a los contornos del cuerpo y a los pliegues de la ropa. Con el enrejado como guía, aplique el color o tono más claro. Coloque un pequeño cuadrado del tono de color más oscuro en cada intersección. Complete el dibujo con los detalles de la ropa, los detalles físicos y las sombras.

Recuadros Este diseño es como un cristal de ventana doble en dos colores. Dibuje levemente el enrejado primario. Dibuje entonces el secundario. Termine cada enrejado con dos colores o dos tonos. Complete el dibujo con los detalles de la ropa, los detalles físicos y la sombra.

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Espina de pescado (Herringbone) El diseño de espina de pescado se deriva de la forma del entretejido de la tela. Puede variar desde pequeñas y finas líneas diagonales sobre un material liso, a líneas fuertes y atrevidas sobre una tela de textura voluminosa. Antes de añadir las líneas diagonales a su dibujo, establezca primero un ritmo en su hoja de pruebas para asegurar consistencia en el espaciamiento y en el espesor de la línea. Con un lápiz dibuje levemente las líneas guía verticales en el cuerpo y las mangas de la vestimenta. Con un marcador fino, dibuje finas líneas diagonales entre las líneas guía; haga una columna a la vez. Estas diagonales van alternando de dirección de una fila a otra. Los trazos no tienen que unirse en las líneas guía. Añada sombras oscuras a la indumentaria. Complete entonces las diagonales y elimine las líneas guía. Complete el dibujo con los rasgos y detalles accesorios.

Pata de gallo (Houndstooth) El diseño de pata de gallo se deriva del tejido diagonal del material. Aunque se trata, en efecto, de un tejido diagonal, da la impresión de un diseño a cuadros con "dientes" que conectan unos cuadros a otros. La escala puede variar desde un diminuto cuadrito conservador a un novedoso cuadro extragrande. Con un lápiz dibuje levemente un diseño de enrejado en la vestimenta. Aplique el sombreado. Con un marcador de punta fina, cubra cada intersección con una sólida caja cuadrada, cuidadosamente dibujada a escala. Conecte los cuadros en cada fila vertical, dibujando una fina línea desde la esquina inferior de uno hasta la esquina superior del más cercano. Para completar el diseño, dibuje una línea diagonal a través de cada caja, en el mismo ángulo de las líneas que unen las cajas. Cuando el dibujo se seque, borre las líneas de guía con una goma suave. Añada la sombra y complete los rasgos y accesorios.

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Dibujo y diseño de modas 156

Listas diagonales Establezca el ángulo requerido dibujan do levemente una línea guía diagonal a través de la vestimenta, en este caso, del hombro a la cadera. Luego trabaje hacia arriba y hacia la izquierda, trace líneas espaciadas uniformemente, ajustando su contorno al cuerpo. Trabaje hacia abajo y hacia la derecha, mantenga las líneas uniformemente espaciadas. Use la misma técnica descrita anteriormente para indicar las listas de la falda. Haga ajustes para cualesquiera pinzas, pliegues o dobleces que puedan encontrarse. Con las líneas guía en su lugar, se puede, completar el trabajo.

Lunares Con la misma técnica de "listas diagonales", dibuje levemente un diseño de enrejado en la prenda de vestir. Hágalo a escala con la tela y el vestido con las que está trabajando. Las líneas del enrejado deben estar en ángulo recto, para que formen cuadrados. De producirse formas diamantinas alargadas, el enrejado no servirá para los lunares. En cada punto donde se cruzan las líneas del enrejado, coloque un lunar cuidadosamente dibujado. Asegúrese de que todos tengan el mismo tamaño. Haga ajustes para cualesquiera pinzas o pliegues. Elimine las líneas del enrejado, y solamente los lunares constiturían el diseño.

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Dibujo y diseño de modas 158

Estampados floreados Un estampado floreado en gran escala, tal como el que aparece en el traje ilustrado aquí, exige menos que los diseños altamente controlados que se mostraron anteriormente. Aplique el sombreado. Use las intersecciones de un extenso enrejado diagonal, para indicar la localización del motivo más prominente. Cuando todos los motivos se encuentren en su lugar, empiece a colorearlos. Complete los motivos primarios y continúe con los secundarios. Entonces añada los tonos más oscuros a los centros de las flores y a las hojas. Termine agregando sombras, rasgos y accesorios.

Estampados geométricos Aplique el sombreado. Haga uso de las técnicas para planificar lo mismo listas horizontales que diagonales, a fin de crear un diseño de enrejado en el vestido. Trace primero las líneas horizontales; luego, las abruptas diagonales que cruzan las horizontales. Ahora puede colorear el diseño triangular que se creó. Comience a colorear los triángulos que apuntan hacia arriba. Cuando haya coloreado estos triángulos, comience a añadir el detalle del triángulo lineal a los triángulos que apuntan hacia abajo. Agregue un pequeño triángulo apuntando hacia arriba, dentro del que ya había coloreado. Termine de detallar el triángulo lineal. Complete el dibujo con rasgos, sombras y accesorios.

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Dibujo y diseño de modas 160

La planificación de la textura La textura se refiere a la apariencia y características visuales o táctiles de superficie, de una tela determinada. Todas las texturas proyectan una sombra ya sean grandes o pequeñas. La profundidad de ésta aumenta con la profundidad de la textura. Aprender a controlar la textura requiere de una cuidadosa aplicación de la escala y de una gran dosis de práctica. También tenga cuidado de no trabajar la textura en exceso, si no quiere que se confunda con el diseño. Comencemos con la muy popular textura que resulta al acolchar en forma de un edredón. La apariencia edredón o colcha se hace cosiendo firmemente dos capas de tela de algodón con un suave relleno entre ambas. La costura puede ser en forma de líneas rectas, en líneas que se entrecruzan o en diseños ornamentales. Aquí y en la página siguiente se muestran tres importantes clases de edredones: de túnel, diagonal y de gola. En los tres casos, la silueta es voluminosa y los bordes redondeados.

Textura de edredón de Túnel La textura tipo edredón de túnel, que lo mismo puede correr horizontal que verticalmente, se usa generalmente en el exterior. Se dibuja con una silueta abultada y bordes redondeados. Dibuje las costuras del edredón con su línea más fina. En este caso, las puntadas aparecen en columnas verticales uniformemente espaciadas. El cuello, los puños y el ruedo son los puntos donde más se afecta la silueta debido al protuberante relleno y a las líneas de costura del edredón. Observe la redondez del ruedo en la base de cada columna. Sombree ligeramente por un lado de cada columna. Añada sombras oscuras en el cuello, los puños y el cierre frontal, así como en el borde de la vestimenta, lejos de la fuente de luz. Comience por agregar fruncidos irregulares a lo largo de las costuras del edredón. Termine el dibujo añadiendo botones y accesorios.

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Textura de edredón diagonal La textura tipo edredón diagonal se usa a menudo para varias clases de chaquetas. Este vestido combina textura y un diseño complejo; ésta presenta un reto mayor que el edredón de túnel. Establezca ligeramente un diseño de enrejado diagonal, tenga en cuenta los contornos del cuerpo, la construcción de la pieza y los pliegues. Complete el enrejado. Con una fuente de luz específica en mente, comience a dibujar trazos crecientes en el relleno entre las puntadas. Estos trazos pueden dibujarse en toda el vestido, o para un efecto más tenue, pueden ocurrir sólo donde se añadirá el sombreado. Ajuste la silueta del vestido para sugerir la protuberancia del relleno. Añada un tono ligero para el sombreado, y algunas sombras oscuras. Dibuje detalles, rasgos y accesorios para completar el dibujo.

Textura de edredón de gola La textura del edredón de gola se usa a menudo para batas. Es el tipo de edredón más difícil de dibujar debido a las complejas sombras que esta textura proyecta. Dibuje levemente el diseño de enrejado diagonal. Usando el mismo como guía, dibuje líneas curvas, en forma de S, encontrándose en cada ápice. Termine el diseño de gola y comience a añadir el sombreado creciente. Resulta difícil mantener las formas entre las costuras de manera consistente, de modo que se requiere mucha práctica en una lámina de pruebas antes de intentar el dibujo final. Ajuste la silueta, tal como se indica arriba, y agregue sombras y detalles para terminar el dibujo.

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Smocking El smocking es el resultado de un proceso mediante el cual la tela se cose en pliegues o frunces protuberantes muy pequeños, que forman un diseño tridimensional parecido a un panal. Dibuje levemente un diseño de enrejado de diamantes en el corpiño; use la técnica de franjas diagonales. Añada el sombreado para sugerir dimensión. Comience a dibujar pares de sombras lineales ligeramente curvas, conectando las intersecciones, así se indica la amplitud de la tela fruncida. Termine las sombras y complete el dibujo con rasgos y accesorios.

El fruncido con elásticos Este tipo de frunces se construye a base de filas paralelas de frunces estrechamente espaciadas. El que presentamos en este ejemplo lleva elástico. Comience a dibujar levemente desde la cintura líneas horizontales estrechamente espaciadas alrededor del torso. Use una línea levemente dentada para sugerir las filas de puntadas. Aplique el sombreado y empiece a agregar trazos cortos e irregulares, para indicar los pliegues entre las costuras. Termine los pliegues y añada la sombra y rasgos.

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Filamentos El lino y la seda pura son excelentes ejemplos de telas con una textura filamentosa irregular. La silueta es usualmente bien definida. La textura es producto de irregularidades en el tejido del material, el cual causa sombras en los colores claros; y en los oscuros capta luz. La textura filamentosa puede darse en dirección horizontal, en vertical o en ambas. Al igual que cuando se dibujan otras texturas, usted debe dar una indicación de efecto disperso, para evitar la apariencia de diseño. En una tela de colores claros, empiece por añadir un sombreado. En una tela oscura, empiece por colorear con un medio tono. Empiece a dibujar la textura filamentosa en la tela clara con rápidos trazos irregulares y una línea muy fina. En la oscura, agregue el sombreado con un marcador del mismo tono. Termine los detalles y accesorios en ambas figuras. En la tela oscura, use un lápiz blanco para indicar el filamento.

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Sirsaca (Seersucker) La sirsaca clásica es un vivaz tejido veraniego de lino o algodón arrugado rayado en relieve. Use la técnica de listas verticales, planifique claramente algunas líneas de guía estrechamente espaciadas. Aplique el sombreado. Con su marcador de punta fina, aplique líneas levemente temblorosas para sugerir la textura fruncida. Termine el dibujo con los rasgos y accesorios.

Pana acanalada (Corduroy) La pana acanalada es una tela en algodón de pelillo corto con una textura lineal conocida como pana. El ancho de la pana varía desde la más suave pana infantil, de estrías estrechas, hasta una muy voluminosa, de estrías más anchas y otras novedades. Este ejemplo es de pana mediana, usado para ropa deportiva. En esta técnica, la textura se aplica solamente en la porción sombreada del vestido a fin de no dar la impresión de listas. Preste especial atención en dónde se aplica el tono más claro. Aplique el sombreado. Prepare el diseño de enrejado, a base de rombos, para el suéter; rellene con diamantes de un color más claro. Indique la textura de la pana con líneas bien finas estrechamente espaciadas, justo afuera de las áreas coloreadas. Aplique el tono más oscuro en los rombos alternos del suéter. Dibuje el tejido elástico del escote y la cintura del mismo. Dibuje la costura superior en la solapa, el cierre frontal y los bolsillos. Complete el dibujo agregando sombras, rasgos faciales, accesorios y el detalle de línea de puntos en el enrejado en forma de diamante.

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Dibujo y diseño de modas 170

Tela bordada La tela bordada con perforaciones es aplicada mecánicamente. Debido al proceso mediante el cual se suple la tela a la máquina, se usa generalmente un material firme, rizada y con cuerpo. Una característica de la mayoría de las telas bordadas es el rodapié con festones. Existen muchas variaciones tanto de motivos como de colocación. Los ejemplos mostrados aquí son típicos. Para planificar la distancia del diseño, dibuje levemente un diseño de enrejado a base de líneas diagonales uniformemente espaciadas en el vestido. Trabaje en una sección de la pieza a la vez. Empiece por dibujar el borde festoneado, con una doble línea para indicar el bordado al final. Termine el enrejado y los festones. Empiece a dibujar el motivo floral centralizado en cada festón. Dibuje las tres diminutas perforaciones en grupos en cada intersección del enrejado. Complete el dibujo con las sombras. Observe los espacios sin colorear, como una manera de indicar una tela en tono blanco o pastel.

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Dibujo y diseño de modas 172

Encaje El encaje es una delicada tela de calado que varía entre suave y rizado. La mayoría de los encajes presentan un motivo floreado o en forma de pergamino. Muchos tienen un borde festoneado con un fleco bien fino y un motivo floral en el centro de cada festón. El encaje se usa como adorno en variedad de formas; pero cuando se hace un vestido completo en encaje, éste viene usualmente forrado, ya que resulta en extremo transparente. Dibuje la silueta y los pliegues de ambos trajes con delicadas líneas dobles y bordes festoneados. Vestido oscuro: Coloree el forro con un marcador oscuro, asegurándose de reservar su tono más oscuro para el sombreado (en el Paso 2). Vestido claro: Añada el sombreado como un tono medio. Vestido oscuro: Añada el sombreado al forro con el tono más oscuro. Con un marcador oscuro de punta fina, dibuje los bordes festoneados. Añada motivos floreados y conéctelos con una red de finas líneas curvas. Vestido claro: Empiece por indicar motivos florales, entrecruzándolos con un tono blanco opaco en el sombreado. Ambos vestidos: Termine los detalles del encaje. Con un marcador oscuro de punta fina, agregue acentos a los motivos floreados, los fruncidos y el borde festoneado del ruedo. Termine con los rasgos faciales y accesorios.

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Dibujo y diseña de modas 174

Terciopelo El terciopelo es una tela suave con pelillos, sombras muy oscuras y un brillo mediano. Los bordes y las costuras del traje se destacan con puntos de luz (highlights). El terciopelo de algodón (pana) es menos brillante y posee más cuerpo. Este ejemplo tiene como accesorio un gran encaje en el cuello y en los puños. Dibuje el traje con una silueta suave y sólo un toque de volumen, indicado por bordes curvos. Déle color con un marcador de medio tono. Dibuje el entretejido del encaje con su marcador de punta más fina. Añada sombras profundas con un marcador oscuro. Dibuje el borde festoneado del encaje con el detalle de un fleco bien fino. Indique los pliegues y el motivo floreado dentro de cada festón. Use el lado más ancho de un lápiz blanco suave para sugerir el brillo del material. Utilice la punta del lápiz para resaltar los puntos de luz (highlights) a lo largo de las costuras y los bordes. Agregue los detalles finales y los acentos. Cuando dibuje telas con pelillo, tales como terciopelos y veludillos, otra opción consiste en usar el lado más amplio de un lápiz de punta suave para darle color y sombra al vestido. Inclínese hacia los puntos de luz, dejando ver parte del papel en blanco. Rocíe el trabajo con un fijador.

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Dibujo y diseño de modas 176

Pieles Lince Se requiere una silueta muy voluminosa, ya que el lince tiene una pelambre muy larga aunque suave y lanosa. El abrigo de piel de este animal es sutilmente marcado y un tanto moteado. Este ejemplo muestra tiras verticales de piel en el cuerpo del abrigo, y tiras horizontales en las mangas. En una silueta muy voluminosa, dibuje algunas líneas leves, para indicar dónde se cosen juntas las tiras. Sombree ligeramente los bordes de éstas. En los ejemplos mostrados en esta página, para sombrear se usa, el lado de un lápiz o un carboncillo suavemente. Con trazos finos y rápidos, indique el largo de la piel en la silueta del abrigo. Asimismo, indique las marcas del animal con manchas. Complete las marcas y termine el trabajo, tal como se ilustra; añádale rasgos faciales y accesorios. Esta técnica funciona igualmente para la piel de zorro, si se eliminan las manchas.

Marta Como el anterior, este ejemplo está construido con tiras verticales de piel en el cuerpo del abrigo y con tiras horizontales en las mangas. Si usa tiras más estrechas y ligeramente menos abultadas, ésta técnica también es efectiva para dibujar un abrigo de visón. Dibuje algunas líneas leves en la silueta abultada para indicar dónde se unen las tiras. Sombree ligeramente para alisar los bordes del cuello, los puños, el ruedo y las líneas de tiras. Con un tono más oscuro, empiece a mostrar las marcas suaves hacia abajo del centro de cada tira. Los espacios en blanco que quedan visibles en la página sirven en dondequiera que se necesiten puntos de luz. Añada las sombras a medida que progresa su trabajo. Con el costado de su lápiz, difumine los bordes de la silueta para evitar cualquier línea dura. Añada moderadamente algunas finas líneas de pelo a la silueta del abrigo. Complete el dibujo con los rasgos faciales.

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Destrezas de presentación Montaje El montaje refuerza el dibujo y evita que se manche con los dedos de algunos curiosos poco cuidadosos. Recorte la cartulina de montaje con una navaja afilada, jara acomodar el dibujo. Lo:; márgenes superiores y laterales deben ser del mismo tamaño; y el inferior puede ser un poco más ancho. Use su dibujo como guía y con una regla de borde de metal, marque las esquinas para montarlo. Ponga el dibujo boca abajo en una hoja grande y limpia de papel de imprenta. Aplique pega de goma, y empiece a esparcirla desde el centro hasta el papel de imprenta, para asegurarse que se c abren bien los bordes. Otro método alterno es aplicar una pega de montaje en aerosol, siguiendo un movimiento circular de arriba a abajo. Cuidadosamente, coloque el dibujo en las esquinas superiores y péguelo suavemente con un movimiento hacia abajo.

Enmarcado El marco ofrece una apariencia más terminada así come una mayor protección. Sin embargo, requiere de mucha práctica para lograr que el marco quede bien cortado. Se pueden comprar marcos ya precortados en cualquier tienda de efectos de arte. Recorte el molde del marco del mismo tamaño de su cartulina de montaje. Mida los márgenes, como se puede ver arriba, pero haga alrededor una "ventana" ¼ de pulgada más pequeña. Alinee el molde del marco boca abajo, con el borde superior del dibujo montado. Únalo con un gozne hecho a base de cinta adhesiva. Doble el marco hacia abajo por encima del dibujo montado. Para mayor protección, se puede pegar una lámina de papel de calcar a lo largo del borde superior del dorso de su dibujo enmarcado, doblándola por encima de éste para protegerlo. Se dobla hacia atrás para poder ver el dibujo

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El portafolio Para proteger sus dibujos todavía más, y para ayudar a hacer una presentación organizada de los mismos, se requiere del medio más adecuado. El menos costoso es el portafolio del estudiante de arte.

Viene en una carpeta con una cubierta de imitación de cuero y tres cintas para amarrar. El más costoso es el álbum de presentación. Este tiene cierre de cremallera y protectores de acetato para las hojas. Hay disponibles páginas adicionales de repuesto, para este modelo. Un tamaño manejable sería de 14" x 18" ó 17"x 22", dependiendo del tamaño de sus dibujos ya montados. Para evitar que su portafolio se vuelva excesivamente pesado, use una cartulina ligera para el montaje. Recuerde, el portafolio se duplicará en tamaño al abrirlo. Si resulta demasiado grande, su presentación será más difícil y agobiante para el espectador. Su portafolio debe contener dibujos de modas únicamente. Estos deben de estar relacionados con el tipo de vestuario producido por la firma en la cual usted solicita empleo. Por ejemplo, evite mostrar trajes de noche a una compañía especializada en ropa deportiva. Investigue sobre la empresa, verificando la mercancía que ésta ofrece a las tiendas por departamentos; y de acuerdo con sus hallazgos, ajuste los conceptos en su portafolio. Aproximadamente de doce a dieciséis ejemplos relevantes demostrarán su potencial. Incluya tanto dibujos de figuras completas como simples bosquejos de trabajo para demostrar su versatilidad. Una figura por página es lo mejor, a menos que quiera ilustrar diversas piezas coordinadas de la misma tela. Incluya, de ser posible, muestras de las telas de sus dibujos, si es posible. Finalmente, asegúrese de mantener su presentación bien organizada, nítida y limpia.

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Glosario Aberturas: Aberturas al pie de la costura, en las costuras laterales inferiores del blazer o alguna otra chaqueta. Aerosol adhesivo para montaje: Pegamento para montar dibujos. Aerosol fijador: Aerosol que reduce el derrame del marcador, así como su eventual desvanecimiento. Apariencia de Annie Hall: Estilo ecléctico de moda femenina, favorecido por el personaje de la actriz Diane Keaton, en el popular film de Woody Alien (data de alrededor de 1977). Bragas (Knickers): Pantalones ajustados mediante una estrecha banda debajo de la rodilla. Brocado: Género lujosamente ornamentado, con un diseño a relieve hecho de seda, rayón, metales preciosos y otras sustancias metálicas, y, en la actualidad, de milar. Bustier: Apariencia erguida que le da al busto un aspecto de gaveta abierta. Este estilo se puso de moda en los 1880s y continuó hasta después del fin de siglo. Calidad de línea: Línea de dibujo más apropiada para reproducir las diferentes texturas de las telas. Camisero (Chemise): Comenzó como una prenda interior; y al convertirse en vestido, cae recto desde los hombros hasta el ruedo, sin talle alguno. Canesú: Pieza horizontal en un vestido. Chifón: Tela transparente, hecha especialmente de seda. Conjuntos: Atuendos que combinan chaquetas con faldas o pantalones. Conjunto Chanel: Clásico intemporal, creado por primera vez por Coco Chanel en 1927. Identificado por la chaqueta angular a la altura de la cadera, con adornos trenzados y detalle de bolsillo. Costura superior: Fina línea de costura visible. Croquis: Figura guía para calcar. Originalmente significaba un bosquejo rápido y tosco. Cuadros: Bandas de color verticales y horizontales, dispuestas sobre un enrejado cuadrado. El color se intensifica en cada intersección. Cuadros irregulares: Variación en la tela de cuadros, introduciendo más colores y detalles lineales. Cuello asimétrico: Cuello que es diferente a cada lado del vestido. Cuello de capucha: Cuello drapeado, modelado a partir de un vestido con capuchón usado antiguamente por los monjes. Cuello de mandarín: Banda erguida con una hendidura. Cuello de marinero: Amplio, con una solapa cuadrada a través de la espalda, que se va reduciendo en tamaño hasta formar una "V", al frente. A menudo se combina con un corbatín, como en la camisola de chemise. (Ver Marinera). Cuello de tortuga: Cuello alto más o menos ajustado y doblado hacia abajo. Cuello Peter Pan: Pequeño y redondo. Cuello simétrico: El que es igual por ambos lados del vestido. Chaqueta bolero: Chaquetilla corta y entallada. Chaqueta de lana tejida (Cardigan): Chaqueta cerrada al frente, sin cuello, comúnmente conocida como cuello de "V". Cherrise: Blusón suelto con cuello de marinero (Véase también Cuello de marinero). Descubiertas (Dropouts): Áreas donde el color no ha sido aplicado. Despunte decorativo: Corte diagonal a través del hilo de la tela, de manera que cualquier amplitud pueda caer grácilmente. Glosario 180

Edredón o colcha: La firme unión de dos capas de tela cosidas entre sí, con un suave relleno entre ambas. Encaje: Delicada tela calada que presenta generalmente un motivo floreado, y tejida con una gran variedad de hilos de diferente peso. Constituye también un tipo de adorno muy popular. Enrejado: Red de líneas verticales y horizontales, o diagonales, sobre la cual se basan los diseños de la mayoría de las telas. Escala (v): Para regular o ajustar de acuerdo con una proporción designada; (n) la proporción de ajuste escogida; también, la relación de tamaño de una representación con el objeto real que se está dibujando. Poner a escala la figura en relación con la pose. Escoger un tamaño de figura que llene agradablemente la página. Escorzo (Reducción frontal): Contracción en la dirección de profundidad, a fin de sugerir una proyección en el espacio. Escote básico: Simple escote circular en la base de la garganta. Escote de bote: Escote amplio y ligeramente hundido, que sigue la línea de la clavícula; con frecuencia igual al frente y atrás. Escote de corazón: Alto por detrás, bajo al frente, donde adopta la forma de arriba de un corazón. Escote drapeado: Tela de corte sesgado manipulada para formar pliegues drapeados que van describiendo el escote. Escote de "U": Escote redondeado, de corte bajo. Espina de pescado (herringbone): Diseño derivado del tejido de textiles, formado por filas de líneas paralelas, que descienden en direcciones opuestas, en filas adyacentes. Estampado: Diseño creado por la repetición de líneas o formas. Falda de paños: Cortada y cosida a partir de formas acampanadas, para encajar suavemente desde la pretina, con las columnas de amplitud cayendo desde las caderas. Falda de paños fruncida: Grácil falda con sesgos lo mismo que pliegues de máxima amplitud. Falda en hileras (rio rita): Falda fruncida, formada de varias capas de hileras horizontales cosidas unas con otras. Falda de línea A: Falda ligeramente acampanada, cogida con pinzas desde la cintura, para un suave entalle por encima de la cadera. Falda de volantes: Capas de volantes superpuestos, adheridos a un forro bajo la falda. Falda dividida: Falda dividida en dos piernas de pantalón. (Véase pantalones de gaucho, falda pantalón). Falda entallada: Falda larga y estrecha, difícil para caminar, que fuera popular alrededor de 1912. Falda pantalón (culottes): Falda dividida, caracterizada por pliegues de amplitud o frunces que disimulan la d visión en dos piernas de pantalón, haciéndola parecer una falda convencional. Falda plisada: Falda completa plegada en la pretina. Filamentos: Textura irregular causada por irregularidades en el tejido del material. Formato: El tamaño y la forma de la hoja de papel en la cual usted está dibujando. Frunces con elástico: (Shirring) Construcción de filas paralelas de pliegues estrechamente espaciados. Gola: Patrón a base de formas curvas en forma de cebolla. Hilera: Cada capa de una falda fruncida, cosida a las que van arriba y abajo. Hombro caído: Adhiriendo la manga bien debajo del hombro. Independiente Trabajador por cuenta propia, emplee do por más de una firma en diversos proyectos independientes. Imagen (Look): Concepto total de modas, reflejado por el diseño, la manufactura y los accesorios. Imperio: La falda cae desde justo debajo del busto. Corte adoptado de los antiguos romanos por los franceses, en tiempos napoleónicos.

Influencia trapecio: Moda de 1962, entallada al frente y suelta atrás, para que caiga desde los hombros. Línea balance: Línea vertical para planificar la figura en la página. Línea central: Línea vertical (balance) que define el centro de la figura de modas. Línea Princesa: Costura vertical que se origina ya sea en el hombro o punto de clave de la sisa, a fin de acomodar el busto e indicar el talle, terminando en el ruedo. Líneas de construcción del vestido: Costuras, busto, pinzas, frunces, alforzas. Lunares: Serie de puntos idénticos dispuestos sobre un enrejado cuadrado diagonal. Manga de volante: Cortas, con vuelos y pliegues en los hombros. Manga quimono: Mangas amplias, largas y voluminosas, generalmente cortadas en una sola pieza con el corpiño, pero en ocasiones situadas en una línea de hombros descendente. (Véase hombro descendente). Manga obispo: Mangas largas y anchas, usualmente plegadas en el puño, y adoptadas de la túnica del obispo Mangas dolman: Mangas en forma de ala de murciélago. Mangas enterizas: Usualmente cortadas a la altura del hombro, como parte del corpiño que cubre solamente los hombros Mangas insertadas: Cosidas a la sisa del corpiño, en las secciones frontal y posterior de una vestimenta. Mangas raglán: Se extienden desde el escote, con costuras sesgadas desde las axilas hasta el cuello, por delante y por detrás. Mano: La suavidad o firmeza en la tela o material de un vestido. Cristal de ventana: Diseño basado en cuadros, pero con líneas más finas y ampliamente espaciadas. Meta o puntos de referencia: Punto en un vestido o una figura hacia el cual opta por dibujar el ilustrador. Minifalda: Falda a medio muslo, muy popular alrededor de 1967. Monta de la solapa: Forma de abertura del cuello. Motivo: Elemento visual recurrente, que resulta dominante. "New Look": Silueta creada por Dior, en 1947, a base de hombros caídos, cintura diminuta, caderas rellenas, falda larga completa. Overol (Jumpsuit): El tope y los pantalones vienen en una sola pieza. Diseñado a partir de la ropa protectora usada por mecánicos y pintores. El nombre de jumpsuit viene de la indumentaria que llevaban los paracaidistas durante la II Guerra Mundial. Pana Textura lineal del corduroy. Pana acanalada: Tela de lanilla, con una textura lineal conocida como pana. Pantalones entallados al ruedo: Pantalones que se van reduciendo piramidalmente en tamaño hasta acabar en un ruedo estrechamente ajustado. Pantalones Capri: Pantalones muy ajustados a las piernas, que terminan justo encima del tobillo. Es común el detalle de una pequeña hendidura en el ruedo. Conocidos también como pantalones de torero. Pantalones de gaucho: Simple falda dividida a mitad de pantorrilla, usada originalmente por los vaqueros (gauchos) argentinos. Pantalones de montar: Estrechamente ajustados a las piernas, desde justo encima de la rodilla hasta el tobillo. Traídos por los ingleses al Occidente, desde la India. Pata de gallo (Haundstooth): Pequeño diseño textil a base de cuadritos partidos, derivado de la urdimbre diagonal del tejido. Peplo: Volante que cae de la cintura a las caderas.

Perspectiva: El arte de representar las relaciones espaciales tal como aparecen ante la vista. Perspectiva cilíndrica: Representación de una forma cilíndrica, para comunicar una impresión de espacio tridimensional. Pinzas: Alforzas en forma de cuña que se hace a los vestidos, para ajustados más al cuerpo. Pliegues de acordeón circular: Tachones uniformes, en forma de abanico, que se repiten hasta formar una falda relativamente amplia. Proporción: La relación del tamaño de las partes entre sí y con el tamaño del conjunto. Punto de luz (Highlight): Punto brillante que refleja la luz. Rayadillo, Sirsaca (Seer sucker): Resistente tela veraniega, con una textura lineal a base de frunces. Recuadros: Diseño en forma de doble marco de ventanas en dos colores Saco: Versión más corta del traje camisero, más ajustado al cuerpo. Satín: Una tela en tejido satinado con un frente brilloso y un dorso opaco. Silueta: Forma de modas. Sisa: Hueco redondo donde la manga se une al cuerpo de la vestimenta. Smocking: Proceso por el cual la tela se cose en pequeños tachones o alforzas protuberantes, formando un patrón tridimensional de colmena. Sombreado: Sombras oscuras con mucho énfasis. Tachones angulares: Formados por dos bordes doblados, uno mirando a la derecha y el otro, a la izquierda. Cada tachón angular tiene un tachón invertido al reverso (Véase Tachones invertidos). Tachones construidos: Tachones añadidos, como detalle. Tachones de cuchillo: Tachones relativamente amplios, doblándose sobre sí mismos, en una dirección. Tachones invertidos: Tachones convexos, de cara al interior del vestido. Tachones sin planchar: Estructurados desde el talle hasta descansar en un ruedo suelto. Pliegues redondeados en vez de afilados. Tafetán: Tela muy lustrosa y resistente que susurra al moverse. Tela bordada: Bordado aplicado mecánicamente, con perforaciones. Terciopelo: Tela estrechamente entretejida con un acabado de pelusa por un lado. Brillante si se teje de seda o rayón. Textura: La apariencia y las características visuales o táctiles de la superficie de una tela. Tope: Palabra que usualmente describe un pullover, un cierre trasero o la parte superior de una vestimenta tipo túnica. Traje amarrado al frente: Chaqueta sin ningún otro cierre frontal, fuera del cinturón. Traje Camisero: Blusa o vestido hecho a la medida, con un corpiño tipo camisa. Traje de chaqueta y pantalón (Pantsuit): Estilo de traje femenino que se hizo popular alrededor de 1972. Traje poco fruncido: Falda recta con amplitud, creada por pliegues desde la pretina. Túnica Blusón hasta más o menos la altura de la rodilla, inspirado en la antigua Roma. Viñeta: Dibujo parcial Volante: Extensión plegada o sesgada de una vestimenta, adherida al ruedo.

Glosario 181

Índice Abrigo cruzado, 103 Abrigo Chesterfield, 103 Abrigo de bamboleo, 103 Abrigo de polo, 103 Abrigo impermeable, 102 Abrigos, galería de mujeres, 102-103 Accesorios, 111 Acentos, 66-67, 94 Acercamiento en color-y-acento, al patrón 131 Acercamiento de libro-para-col orear, en el dibujo de telas, 123 Acuarela, 121, 135 Aerosol adhesivo para montaje, 135 Adolescentes, 42-43, 108-109 Apariencia ceñida, 140 Apariencia de Annie Hall, 59 Apariencia firme, 138 Apariencia suave, 138 Apariencia voluminosa, 139 Atuendo de esquiar, 107 Atuendo de excursión, 107 Atuendo de tenis, 107 Atuendo para correr, 106 Balance a través del movimiento, 10-11, 22-23 Balance de peso, 12-13,32 Blazer, 76, 77, 98-99 Blazer cruzado, 99 Blusa, 105 Blusa de hombreras, 105 Blusas, 104-105 Blusas sin mangas, 73 Bragas (Knickers), 105, 107 Brocado, 126-127 Cabezas, 44-45 Cabello, 47 Calcar, 20-21, 64 Calidad de linea, 138-141 Calzones para golf, 107 Camisa de pirata, 105 Camisa vaquera, 104 Camisas y pantalones Capri, 104 Canesú, 74 Colocación del dibujo en la página, 4 Contorno, 18-19 Corduroy, 168-169 Corte sesgado, 75, 101 Costura superior, 77 Croquis, 29, 52-53, 60-61, 95-97 Cristal de ventana, 152-153 Cuadros, 145, 150-151 Cuello de camisa de hombre, 74 Cuello de mandarín, 75 Cuello de tortuga, 75 Cuello deportivo, 74 Cuello encapuchado, 75 Cuello Peter Pan, 74 Cuello plano, 72 Cuello V fruncido, 75 Cuellos, 74-75 Cuerpo, tela con, 141 Chaqué (Traje mañanero), 106 Chaqueta bolero, 78 Chaqueta Cardigan, 78 Chaqueta de corte continental, 99 Chaquetas, 78 {ver también Blazer) Chifón, 130-131 Descubiertas, áreas (Dropouts), 47

Índice 182

Dibujo plano, 62-63 Edredón, 160, 163 Edredón de gola, 162-163 Edredón de túnel, 160-161 Edredón diagonal, 162-163 Encaje, 172-173 Énfasis, 67 Enrejados, 144 Escala, dibujando a, 5 Escore de barco, 73 Escote de joya, 72 Escote de novia, 73 Escote drapeado, 73 Escotes, 72-73 Esqueleto, 7 Estampado en color, 120-121 Estampado floreado, 122-123, 145, 158-159 Estampado geométrico, 145, 158-159 Estampado triangular, 145 Etiqueta (tuxedo), 106 Falda fruncida, 79, 81 Falda Línea-A, 79-80 Falda sesgada, 79, 81 Falda tirolesa, 79, 80 Faldas ajustadas, 56, 57 Faldas de tachones angulares, 86-87 Faldas de volantes, $2, 83 Faldas divididas, 90-91 Faldas en hilera, 82, 83 Faldas pantalón (culottes), 90, 91 Faldas plisadas, 84-89 Faldas plisadas construidas, 86, 87 Faldas plisadas de acordeón, 84, 85 Faldas plisadas de cuchillo, 64, 65 Faldas plisadas sin planchar, 88, 89 Faldas sesgadas y fruncidas, 88, 89 "Faldones", 106 Figura como formas familiares, la, 6 Figuras físicamente detalladas, 24-27, 37 Figura masculina, planificando la, 30-31 Filamentos, 166-167 Formas, las vestimentas como simples, 68 Formato, 4 Fuente de luz, 66, 142-143 Galería de abrigos, 102-103 de adolescentes, 108-109 del arte de modas, 60-61 de infantes y niños pequeños, 1 10 de niños grandes, 108-109 de pantalones y topes femeninos 104-105 de ropa deportiva masculina, 106107

de trajes, 102-103 de trajes de hombre, 106-107 de vestidos, 100-101 Gola, 145 Gran abrigo, 103 Hendidura, 77 Herramientas de dibujo, 2, 20-21, 64. 65, 121, 134-137 Hilera, 82 Infantes, 38, 110 Lince, 176-177 Línea a plomo, 8. Línea de hombro descendente, 75 Líneas de construcción de vestimenta, 24 Línea mono-busto, 56, 57 Línea princesa, 72 Listas, 145, 148-149, 156-157 Listas diagonales, 145, 156-157 Listas horizontales, 145, 144-149 Listas verticales, 145, 148-149 Lunares, 145, 156-157

Mahones, 92, 104 Mahones de diseñador, 104 Mangas, 74-75 Mangas aladas, 73 Mangas de kimono, 75 Mangas Dolman, 69 Mangas integradas, 74 Mangas raglán, 75 Mano, de vestimenta, 119 Manos femeninas, 48 Manos, formas de, 48-49 Manos masculinas, 49 Marcadores, color, 121, 135-137 Marta, 176-177 Maxi abrigo, 102 Metas o puntos de destino, 7 Minifalda, 59, 102 Modelo ilustración de modas como práctica, 112-113 dibujando en vivo de un, 116-117 Motivo, 145 Movimiento, 29 Movimiento a través del balance de peso, 10-11,22-23 Movimiento femenino, 29 Movimiento masculino, 29 Niños Adolescentes, 42-43, 108-109 Infantes, 38, 110 Niños grandes, 40-41, 108-109 Niños pequeños, 38-39, 110 Proporciones de, 36-37 Nueva Apariencia (New Look), 58 Ojo del brazo, 72 Ojete, 170-171 Paleta (de pintura) para reproducir telas, 134

Pana, 169 Pantaloncillos (Hotpants), 105 Pantalones a la cadera (Hip huggers), 104 Pantalones de bombacho (Baggy pants), 104

Pantalones de campana (Bell-bottoms), 104 Pantalones de gaucho, 90, 91 Pantalones de mujeres, 90-93, 104-105 Pantalones de montar, 104 Pantalones de patio, 104 Pantalones de piernas anchas, 104 Pantalones estirados con estribos, 105 Pantalones por debajo de las rodillas (Pedal-pushers), 104 Pantalones sueltos (Slacks) de mujer, 92 Pata de gallo, 154-155 Patrón, 144-147 Perspectiva, 18 Perspectiva cilíndrica, 73 Piel, 176-177 Pies y zapatos, 50-51 Pies y zapatos femeninos, 50 Pies y zapatos masculinos, 51 Pijama de playa, 104 Pinzas, 72, 101 Postura, 28, 32-35 Planificando la figura en la página, 8-9 Pose dictada por la vestimenta, 69 Postura A horcajadas, 34 Postura de empuje pélvico, 1 5, 26 Postura femenina, 28 Postura masculina, 28, 32-35 Postura y organización de la tabla de dibujo, 3 Proporción, 5 Punta de espina, 154-155 Puntos de luz (Highlights), 47 Recuadros, 152-153 Reducción frontal, 50, 77

Rollo, 75 Rombos, 145 Ropa de hombre, 95-97, 106-107 Ropa de vaquero, 106 Ropa deportiva de hombre, 96, 106-107 Rostros, 44-47 Masculinos, 45 Rostros y cabezas femeninos, 44 Rostros y cabezas masculinos, 45 Satín, 128-129 Secuencia de dibujo, 70-71 Separados, 78 Shirring, 164-165 Silueta, 56-59 Sirsaca, 70-71 Smocking, 164-165 Sombreado, 142-143 Sombreros, 111 Sostén. 104 Tachón invertido, 86 Tafetán, 132-133 Tartán, 124-125, 150-151 Telas, recreación, 119-175 (ver también patrones específicos, por ejemplo:

Cuadros y telas específicos, por cumplo: Chifon) diferencias en telas, 120-133 fuente de luz y sombreado, 142-143 calidad de linea, 138,141 planeando, dibujando a escala e indicando el patrón, 144-147 herramientas y materiales, 134-137 Textura, 161 Traje amarrado al frente, 78 Traje camisero, 70-71 Traje de chuchero, 107 Traje con adorno de piel, 102 Traje con cuello de chai, 103 Traje con talle descended te, 100 Traje continental, 107 Traje de camisón, 100 Traje de carpa, 100 Traje de Chanel, 78, 102 Traje de hombros naturales, 97 Traje de noche, 103 Traje de saco, 100 Traje de pantalones sueltos fslacks), 104 Traje de talle descendente 100 Traje de tres piezas, 97, 107 Traje imperio, 100 Traje sastre, 102 Traje túnica, 100 Trajes para hombres, 97, 106-107 para mujeres, 78, 102, (03 Trajes de chaqueta y pantalón (Pantsuits), 59 Trajes, galería de, 100-101 Trapecio, influencia de, 58 Trapecio, vestido de, 101 Vaporosa, apariencia, 140 Vestido con ruedo de pañuelo, 101 Vestido de talle elevado, 100 Vestido de talle natural, 100 Vestido sin tirantes con peplo, 101 Vestimentas dibujando, 55-117 (ver también Dibujando las vestimentas) postura dictada por, 69 como simples formas, 6$ Viñeta, 69 Vista de tres cuartos de la figura, 26, 33 Vista lateral de la figura, 17, 27 Vista posterior de la figura, 1 5, 27, 35 Volteando la figura, 14 Volumen, indicando, 18-19 Zapatos, 50-51