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• Gabriella Moreira

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Definiciones modélicas * de belleza y arte Ya vimos que dos temas fundamentales en la historia de la estética han sido los de la Belleza y el arte. ¿Es posible llegar a definiciones “modélicas” de ellos? La definición es la operación conceptuadora que proporciona las características distintivas y esenciales * de un concepto. Así, por definición modélica entendemos aquella que se toma como perfecta e imitable, por ser, supuestamente, universal y necesaria. En realidad, la ‘definición modélica de belleza’ corresponde a la definición clásica de ella (la que se originó en la Grecia Antigua) y la ‘definición modélica de arte’ a la concepción moderna de éste (la que surgió a partir del Renacimiento europeo). Ambas definiciones han sido criticadas porque, aunque se presentan como universales y necesarias, en realidad tienen límites históricos y culturales, pues si se han vuelto hegemónicas *, ha sido debido a la colonización * europea que se llevó en contra de otros pueblos.  El término “Belleza” tiene su origen etimológico en la palabra griega kalos, que el pensamiento griego antiguo siempre asoció a lo Bueno moral: el ideal ético y espiritual de la kalokagathia, del hombre “bello y bueno”. De manera más directa, el término latino bellus, procede de benullus, diminutivo de benus bonus, que mantiene la relación entre bello y bueno.  A lo largo de la historia de la reflexión estética sobre la Belleza, esta categoría estuvo integrada a diversos sistemas de interpretación filosóficos (el platónico, el aristotélico, el teológico, y los sistemas modernos como el kantiano o el hegeliano), pero siempre conservando ciertos rasgos esenciales, que nos permiten establecer una definición modélica de ella. Sin embargo, cabe preguntarse, ¿sólo lo que tiene orden, simetría, proporción y armonía es bello? ¿Acaso no existen otros modelos de Belleza? Aunque la estética amplió su campo al del arte en la época moderna, la categoría de la Belleza siguió dominando en esta esfera ya que sólo eran consideradas artísticas aquellas obras que expresaban o representaban a la Belleza.  El término “arte” viene del latín ars, que refería a la habilidad y la técnica; ars traduce al griego tékhne, que remitía al “saber hacer algo con maestría”, siguiendo con las técnicas propias de una actividad productiva, como el saber técnico artesano. A la “técnica de producir algo” los griegos, en concreto Aristóteles, le denominaron tékhne poietiké y la aplicaron no sólo a las producciones artesanales, sino a toda clase de producciones culturales. El arte medieval remitía al saber producir adecuadamente artefactos, de modo que, originariamente, el término “arte” significó capacidad y manera de hacer voluntariamente y con cierta preparación técnica, con atención especial, calidad y destreza, de ahí que actualmente se puede hablar del “arte de cocinar” o del “arte de jugar fútbol”. La Belleza clásica o modélica refiere a esa experiencia estética que viene de la percepción o contemplación de seres u objetos que tienen orden y simetría, proporción y armonía, y provocan en el sujeto un placer equilibrado o goce armonioso. En la Edad Media se distinguió entre las “artes serviles”: que eran las manuales y propias de los siervos y las “artes liberales”: consideradas intelectuales y dignas, relacionadas con productos pulcros, bien hechos, íntegros, perfectos, proporcionados y claros. A partir de ese arte libre

medieval, que viene de la poiésis1 griega, se levantó a partir del Renacimiento hasta el siglo XIX el moderno significado del término “arte”, entendido como la producción especializada de productos estéticos con fines exclusivamente estéticos –es decir, sin servir a la magia, a concepciones míticoreligiosas * o a otros intereses sociales. En el transcurso de la historia, se han manejado diversas concepciones del arte; dentro de las más relevantes, destacaremos las siguientes:  

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Arte como mimesis: como imitación, reproducción o peculiar reflejo de la realidad, de modo que es una forma de conocimiento que revela los rasgos esenciales * del ser humano. Arte como expresión: afirmando que el rasgo principal del arte es el expresar emociones, sentimientos y pasiones. Pero no toda expresión sentimental es artística: el arte es expresión pero no directa sino simbólica, dando a las vivencias una forma * idónea de plasmación objetiva. Arte como juego: como creación libre y lúdica *, que se desarrolla en un ámbito imaginario y como algo disfrutable y alegre, libre de funciones utilitarias. Arte como símbolo *: lo distintivo del arte es su condición simbólica, con una obra que se construye como símbolo * perceptible; el arte simboliza de una manera peculiar: más amplia y opaca (ambigua) que la meramente referencial *, además de que puede generar conocimiento (aunque no siempre lo hace); esta simbolización construye lo que conoce, de modo que es una simbolización innovadora que revela o hace emerger significados inéditos; transforma lo representado, lo revela, lo destaca y hace acontecer su verdad. Por eso, la simbolización artística está destinada a ser interpretada.

Estética y otras disciplinas cuyo ámbito es el estudio del arte Dado que la Belleza, el arte y la sensibilidad poseen dimensiones psicológicas, sociales e históricas y no sólo filosóficas, la reflexión estética tiene relación con: a) La Sociología del arte, que se ocupa de estudiar las condiciones sociales de la producción, la distribución y el consumo de las obras de arte; esta ciencia se distingue de la estética por su enfoque parcial, ya que se limita a estudiar los aspectos sociológicos pero no los relativos a la naturaleza de la estética y del arte, a la problemática de los valores artísticos y la recepción de las obras de arte, etc. La sociología del arte apoya y enriquece a la reflexión estética, al contextualizar y determinar lo artístico dentro de la sociedad, pero también la estética sustenta a la sociología del Arte al fundamentar sus conceptos básicos; una reflexión estética puede desarrollarse sin necesidad de una sociología del arte, pero una sociología del arte no es posible sin una reflexión estética previa. b) La Psicología del Arte, que se dedica a investigar la percepción estética, la génesis de la creación artística así como la recepción de las obras de arte. Se distingue de la estética por su perspectiva particularizadora: únicamente investiga las cuestiones empíricas, dejando de lado los aspectos conceptuales de la estética y del arte; la psicología del arte apoya y 1

Poiesis es un término griego que significa ‘creación’ o ‘producción’, derivado de ποιέω, ‘hacer’ o ‘crear’. Platón define en El banquete el término poiesis como «la causa que convierte cualquier cosa que consideremos de no-ser a ser». Se entiende por poiesis todo proceso creativo. Es una forma de conocimiento y también una forma lúdica: la expresión no excluye el juego.

enriquece a la reflexión estética, al determinar con rigor los procesos psicológicos (la percepción, por ejemplo), pero, a su vez, la estética sustenta estos estudios porque todo estudio psicológico se apoya en supuestos filosóficos (por ejemplo, acerca de la realidad y el ser humano) c) La Historia del Arte, que se enfoca al estudio del desarrollo del arte en períodos históricos concretos; esta ciencia también tiene una visión particular, en contraste con la pretensión sistematizadora o totalizadora de la estética; la historia del arte apoya y enriquece a la estética al proporcionarle de manera ordenada el material para su reflexión, pero ésta ciencia requiere de la estética para delimitar sus objetos de estudio (por ejemplo, el propio arte). La estética, al formar parte de un sistema filosófico, también tiene una relación íntima con otras disciplinas filosóficas (la ontología, la axiología, la epistemología, la antropología e, incluso, la ética) y ha sido enriquecida por los aportes de nuevas ciencias como la lingüística y la teoría de la comunicación (con sus estudios sobre el signo, el símbolo *, los procesos de simbolización y de comunicación). SEGUNDA UNIDAD: El hombre ante las diferentes modalidades artísticas Aunque solemos hablar de “El Arte” en general, éste adopta distintas modalidades dependiendo de quién lo realiza y a quién se dirige, pero también de la función social que cumple. Por ello, además del arte propiamente dicho (estudiado en la Unidad anterior), es necesario considerar otras modalidades artísticas, como el arte popular (del pueblo), de las masas (o de la cultura de masas), artesanal (las artesanías) e industrial (el diseño industrial). Por otro lado, en el proceso de creación y apreciación del arte intervienen diversos sujetos: no sólo los artistas, sino también los intérpretes (o ejecutantes), críticos de arte, espectadores (el público), mecenas2, copistas,3 empresarios, coleccionistas y divulgadores. Precisamente, en esta unidad revisaremos la función que cumple cada uno de estos sujetos así como las relaciones que guardan entre sí, pero además también aprenderás las diferencias que existen entre las obras de arte cerradas, tradicionales o clásicas, y las obras de arte abiertas, modernas y contemporáneas. Los objetivos de esta unidad son que: a) amplíes tu visión sobre el objeto de estudio de la Estética; b) comprendas las diferencias que existen entre, por una parte, las artes o las manifestaciones artísticas y, por otra parte, las modalidades artísticas, dependiendo de quiénes las crean y a quiénes se dirigen; c) entiendas las características distintivas de cada una de las modalidades artísticas y seas capaz de identificar ejemplos de cada una de ellas; d) comprendas y valores la función que realizan los distintos sujetos que intervienen en la creación y apreciación del arte así como las relaciones que se establecen entre esos sujetos; y e) te des cuenta de las diferencias que hay entre las obras de arte tradicionales o cerradas y las abiertas o modernas. 2 3

com. Persona o institución que patrocina a los literatos o artistas:

Copista es la palabra que designa a quien reproduce libros a mano. De ahí su sinónimo, amanuense.

Pero también se busca que seas capaz de analizar los fenómenos estéticos y artísticos a partir de los sujetos que intervienen en ellos así como del tipo de obras que los caracterizan.

El arte y sus modalidades4 Las ‘modalidades artísticas’ son las formas * que adoptan los productos artísticos y las experiencias estéticas dependiendo de quiénes las crean o producen y a quiénes se dirigen. El término se refiere a las expresiones estéticas que no son propiamente artísticas de acuerdo con la ‘definición modélica, o moderna del arte *, pues sus obras o productos no son únicos, originales e irrepetibles ni están únicamente destinados a ser contemplados estéticamente, sino que tienen una función práctica-utilitaria o extra-estética * En concreto, son modalidades artísticas 1) el arte artesanal o las artesanías, 2) el arte popular o del pueblo, 3) el arte industrial o el diseño industrial así como 4) el arte de las masas o de la cultura de masas.

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a) Arte popular -¿Qué es el “arte popular”? ¿Qué es lo “popular”? Normalmente se entiende por ‘pueblo’ una comunidad con una cultura e identidad propias o diferentes de las de otras comunidades. Por ello, el arte popular o ‘arte del pueblo’ se refiere, en principio y de manera general, al que expresa, manifiesta o refleja las características de un pueblo particular. En ese sentido, el arte popular está directamente relacionado con lo ‘folclórico’ y ‘autóctono’, esto es, con el conjunto de tradiciones y costumbres de un pueblo o, también, de una región. Por eso, se habla del ‘arte mexicano’, ‘maya’ o ‘de la península de Yucatán’. Pero la palabra ‘pueblo’ también puede referirse a los campesinos y a la población rural así como a los trabajadores de las ciudades y a la mayor parte de los habitantes de ellas. Así, ‘arte popular’ remite, en segundo lugar y de forma más específica, a los productos estéticos de quienes no pertenecen a los grupos o a las clases dominantes. Las clases política y económicamente dominantes (nobleza, aristocracia o burguesía) tienden al ‘elitismo’ *, esto es, a seleccionar o escoger sus objetos artísticos y estéticos (supuestamente, los mejores) y a no compartirlos con el resto de la sociedad (el pueblo). Otra característica de las obras del arte popular es que son realizadas por individuos que no han recibido un entretenimiento o una educación especial o formal y, aunque no son necesariamente anónimas, sí tienen un carácter impersonal, en el sentido de que casi cualquier miembro de la comunidad podría realizarlas (por ejemplo, un compositor de música popular es un “portavoz” de la colectividad). Por otra parte, el arte popular usualmente se limita a reflejar la vida cotidiana y no tiene pretensiones de “universalidad” (esto es, de trascender el momento y el lugar en el que fue creado para ser apreciado por cualquier persona), ya que se integra a su modo de vida, con funciones extra-estéticas * (por ejemplo, religiosas y festivas). Ejemplos del arte popular mexicano son las leyendas, las festividades (como El día de muertos), los Ex votos *, los bailes típicos o folclóricos, los corridos, los bailes de salón

b) Arte de las masas -¿Qué se entiende por “arte de las masas”? El arte de las masas, que forma parte de la ‘cultura de masas’, se remonta a finales del siglo XVIII, ya que es el producto de los medios masivos de comunicación (mass-media): primero la imprenta, luego la radio, el cine, la televisión y, últimamente, la Internet. En efecto, estos medios permiten la transmisión masiva y a largas distancias (telecomunicación) de todo tipo de información y mensajes. Es decir, la cultura de masas supone el vertiginoso desarrollo moderno y contemporáneo de la ciencia y la tecnología. Expresiones de la cultura de masas son la opereta, las novelas por entregas *, los carteles publicitarios, las películas hollywoodenses *, los best-sellers *, la música pop, las historietas, las telenovelas, los “video-clips” o videos musicales, etc. Arte artesanal e industrial -¿Las artesanías son arte? ¿O en qué se distinguen de éste? Y los productos industriales que tienen rasgos estéticos, ¿pueden ser considerados arte? Reflexionemos un poco sobre estas preguntas. De acuerdo con las concepciones modernas * y modélica del arte, las obras artísticas son diferentes del resto de los objetos, sobre de todo, de los de uso cotidiano, pues, a diferencia de éstos, ellas no cumplen una función práctica o utilitaria sino que únicamente son creadas para ser “contempladas”: el único “consumo” que deben recibir es “estético”. Por otro lado, el arte no se reduce a la mera aplicación de técnicas o reglas establecidas, sino que tiene como fin crear objetos únicos, originales e irrepetibles, que incorporan valores artísticos (la belleza y afines), expresan la sensibilidad de sus autores y se dirigen a la de sus espectadores. Lo anterior distingue al arte propiamente dicho del llamado arte artesanal o de las artesanías, las cuales, precisamente, se realizan conforme a ciertas reglas y técnicas establecidas que son trasmitidas de generación en generación. Por ello, el objetivo de los artesanos no es elaborar algo nuevo, original e irrepetible, sino, más bien, seguir un modelo y no expresar su sensibilidad individual, sino continuar una tradición familiar, comunitaria o regional (por eso, se organizan en talleres o formando gremios). Ejemplos del arte artesanal son toda clase de cerámicas, utensilios, textiles, bordados, joyería, adornos, instrumentos musicales, muebles, etc., de un pueblo o una región. En el caso de México, la joyería de plata de Taxco, los juguetes de hojalata y madera o la cerámica de barro negro de Oaxaca. Las artesanías son objetos producidos manualmente y en eso se distinguen del arte popular el cual incluye expresiones musicales, dancísticas y teatrales. En la producción de las artesanías se pueden emplear todo tipo de instrumentos y máquinas, sin embargo, en ella se usa un tipo de tecnología que no permite la producción masiva o en serie de objetos iguales, ya que, si una artesanía es auténtica, siempre implica algún grado de trabajo manual, lo cual hace que contenga algunas imperfecciones y que ninguna sea idéntica a las otras. Con arte industrial (también llamado “diseño industrial”) nos referimos a los objetos estéticos que son producidos, de forma mecánica, masiva y en serie, pero que también incorporan algún tipo de diseño, el cual tiene como fin hacerlos más atractivos o funcionales. Esto es, por medio del diseño

*, además de volver más agradable y práctico el entorno cotidiano, se busca estimular la compra de determinados productos. Lo anterior porque en nuestra cultura ha habido una ampliación del ámbito de lo estético: no sólo se incorporan cualidades estéticas en los productos industriales (lo cual fue propuesto por diversas vanguardias * artísticas, como la escuela Bauhaus5 , sino, también, en el espacio urbano (urbanismo) y en cada uno de los aspectos de la vida diaria. Por eso, existen todo tipo de diseñadores: gráficos, de moda, muebles, jardines, etc. Incluso, se habla de “diseñadores de imagen” (de las personas.

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La Staatliche Bauhaus (Casa de la Construcción Estatal) o simplemente la Bauhaus, fue la escuela de artesanía, diseño, arte y arquitectura fundada en 1919 por Walter Gropius en Weimar (Alemania) y cerrada por las autoridades prusianas en manos del partido nazi.