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Tecnológico Nacional de México Instituto Tecnológico de Chetumal Ciencias de la Tierra Arquitectura Expresión Artística Como Reflejo Del Alma

Arq. Juan Antonio Cob

Martha Beatriz Martínez Loza

4° Semestre

Grupo AD

Chetumal, Q. Roo, a 24 de Abril del 2018

ARTE FIGURATIVO El arte figurativo apareció al comienzo de los años 1960 en Francia en oposición de la abstracción y del nuevo realismo.  ORIGENES:

Se hizo conocer con la exposición "Mitologías cotidianas", organizada por el crítico de arte Gerard Gassiot Talabot que reunió a treinta y cuatro artistas en el Museo de Arte Moderno de París en 1964. A partir de los sesenta, una gran cantidad de jóvenes artistas la cual se concretiza a través de grafismos deliberadamente escuetos e imágenes inspiradas en las historietas, los graffitis callejeros y la publicidad.  ¿Qué es el arte figurativo? Arte

figurativo,

figurativismo

o

arte

representacional es el arte que, al contrario que el arte abstracto, se define por la representación1 de figuras, entendiendo éstas como objetos identificables mediante imágenes

reconocibles;

procurando

la

verosimilitud

bien

sea

(realismo

artístico), bien sea distorsionándolas de alguna forma: idealizándolas (idealismo artístico), intensificando alguno de sus aspectos (caricatura, expresionismo), u optando por una u otra forma de representación (arcaísmo, simbolismo, esquematismo, colosalismo, hieratismo, detallismo, preciosismo, feísmo, etc.) En las obras de arte figurativo se reconoce por su apariencia externa el modelo representado. El artista puede tener el modelo delante, lo que le permite comprobar su aspecto a medida que va realizando su tarea, o bien lo tiene en su memoria. Puede realizar parte de su tarea frente al modelo (apunte “del natural”) y luego

terminarla en su taller (la mayor parte del trabajo de pintores y escultores); o realizarla toda en el entorno donde se encuentra su modelo (plen air, especialmente en la pintura del paisaje) o donde va a permanecer la obra sobre la que se trabaja (pintura mural, tallas in situ). En el caso de la fotografía, la correspondencia con el objeto representado es resultado de su propia técnica. Algo similar se obtiene con algunas técnicas escultóricas (moldes).  CARACTERISTICAS:



Se relaciona generalmente a la figuración

narrativa con la nueva figuración o con el pop art. 

Entre sus fuentes de inspiración se cuenta

la historieta, la fotografía y el conjunto de las imágenes de lo cotidiano. 

Los temas de las obras se relacionan

generalmente con las escenas de lo cotidiano y las reivindicaciones sociales o políticas. 

(pretende alterar el orden público o destruir

la estabilidad política o social de un país). 

La pintura es una novela negra.



Mitologías cotidianas.



Objetos e historietas.

 Artistas adscritos a la figuración narrativa: 

Valerio Adami



Gilles Aillaud



Eduardo Arroyo



Rafael Canogar



Leonardo Cremonini

ARTE ABSTRACTO  ORIGENES:

La

abstracción

no

es

un

invento

del arte

moderno occidental. Hay una infinidad de muestras de formas geométricas y estilizadas empleadas desde el origen del arte en la prehistoria y otras culturas llevan siglos practicando y admirando artes visuales abstractas como la caligrafía.  ¿Qué es el arte abstracto? Arte abstracto es un concepto general, opuesto al concepto de arte figurativo, que remite a lo más esencial del arte, reducido a sus aspectos cromáticos, formales y estructurales. La abstracción acentúa las formas, abstrayéndolas, alejándolas de la imitación o reproducción fiel o verosímil de lo natural (mimesis); rechaza cualquier forma de copia de cualquier modelo exterior a la conciencia del artista. El arte abstracto deja de considerar justificada la necesidad de la representación figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias significaciones (iconografía). El arte abstracto usa un lenguaje visual de forma, color y línea para crear una composición que puede existir con independencia de referencias visuales del mundo real.  En que se aplica: El concepto de arte abstracto se aplica a muchas y distintas artes visuales: pintura (pintura abstracta), escultura (escultura abstracta) y artes gráficas (artes gráficas abstractas). Su aplicación a otras artes plásticas, como la arquitectura (arquitectura abstracta) o a artes no plásticas (música abstracta, danza abstracta o literatura abstracta), es menos evidente, pero existe uso bibliográfico de tales expresiones.

Se entiende por arte abstracto el que prescinde de toda figuración (espacio real, objetos, paisajes, figuras, seres animados e incluso formas geométricas si se representan como objetos reales, con iluminación y perspectiva). Una obra abstracta, entendida de forma estricta, no puede hacer referencia a algo exterior a la obra en sí misma, sino que propone una nueva realidad distinta a la natural. El arte occidental había estado, desde el Renacimiento hasta mediados del siglo XIX, sometido a la lógica de la perspectiva y a un intento de reproducir una ilusión de realidad visible. El arte de culturas distintas a la europea se hizo accesibles y mostraban formas alternativas de describir experiencias visuales a los artistas. A finales del siglo XIX muchos artistas sintieron la necesidad de crear un nuevo tipo de arte que asumiría los cambios fundamentales que se estaban produciendo en tecnología, ciencias y filosofía. Las fuentes de las que los artistas individuales tomaban sus argumentos teóricos eran diversas, y reflejaban las preocupaciones intelectuales y sociales en todas las áreas de la cultura occidental de aquella época.  Vanguardia rusa: En la misma época, en Rusia, Mijaíl Lariónov y Natalia Goncharova llevaron hasta la abstracción pura su método de transcripción del fenómeno luminoso, al que denominaron rayonismo (Luchizm). Sus dibujos usaban líneas como rayos de luz para hacer una construcción. Muchos de los artistas abstractos en Rusia se convirtieron en constructivistas creyendo que el arte no era ya nunca más algo remoto, sino la vida misma. El artista debía convertirse en un técnico, aprendiendo a usar las herramientas y materiales de producción moderna. ¡El arte a la vida! era el eslógan de Vladímir Tatlin, y de todos los futuros constructivistas. Varvara Stepánova y Aleksandra Ekster y otros abandonaron la pintura de caballete y pusieron sus energías en el diseño para teatros y la obra gráfica.

Kazimir

Malévich completó

su

primera

obra

enteramente

abstracta,

la suprematista, Cuadrado negro en 1915. Otro miembro Popova,

del creó

grupo las

suprematista, liubov Construcciones

Arquitectónicas y Construcciones de Fuerza Espacial entre 1916 y 1921. Malévich, Anton Pevsner y Naum Gabo argumentaban que el arte era esencialmente una actividad espiritual; para crear el lugar del individuo en el mundo, no para organizar la vida en un sentido materialista y práctico. Muchos de aquellos que eran hostiles a la idea de producción materialista del arte abandonaron Rusia. Anton Pevsner fue a Francia, Gabo marchó primero a Berlín, luego a Inglaterra y al final a los Estados Unidos. Vasili Kandinski estudió en Moscú luego se marchó a la Bauhaus. A mediados de los años veinte el período revolucionario (de 1917 a 1921) cuando artistas habían sido libres de experimentar, estaba acabado; y para los años treinta sólo estaba permitido el arte del realismo social.  Música: Algunos

acercamientos

al

arte

abstracta

tenían

conexiones con la música. La música proporciona un ejemplo de una forma de arte que usa los elementos abstractos del sonido y las divisiones del tiempo. El mismo Vasili Kandinski, que también era músico, fue inspirado por la posibilidad de marcas y color asociativo resonando en el alma. La idea había sido propuesta por Charles Baudelaire, que todos nuestros sentidos responden a diversos estímulos pero los sentidos están conectados en un nivel estético más hondo. Íntimamente relacionado con esto, está la idea de que el arte tiene La dimensión espiritual y puede transcender la vida de cada día, alcanzando un plano espiritual. La Sociedad Teosófica popularizó la antigua sabiduría de los libros sagrados de la

India, China en los primeros años del siglo. Fue en este contexto que Piet Mondrian, Vasili Kandinski, Hilma af Klint y otros artistas trabajando hacia el «estado sin objeto» se vieron interesados en lo oculto como una manera de crear un objeto «interior». Las formas universales e intemporales que se encuentran en geometría: el círculo, el cuadrado y el triángulo se convirtieron en elementos espaciales en el arte abstracto; eran, como el color, sistemas fundamentales que estaban por debajo de la realidad visible.  Abstracción lírica: Cronológicamente,

el lituano Mikalojus

Konstantinas Čiurlionis está considerado, por sus composiciones no figurativas fechadas en 1904, como

el

primer

pintor

abstracto.

Pero

la

abstracción como un estilo moderno internacional, coherente, vio sus verdaderas bases establecidas por Vasili

Kandinski.

Su

obra

ilustra

la

llamada abstracción lírica. Llegó, entre 1910 y 1912,

a

una

abstracción

impregnada

de

sentimiento, idealmente representativa de las aspiraciones de los artistas del grupo expresionista de Múnich Der Blaue Reiter, del que él mismo formaba parte. A partir de 1912, casi todos los artistas europeos hicieron experimentos en esta línea. Para el año 1911 se habían creado muchas obras experimentales que buscaban el «arte puro». En Francia, Robert Delaunay elaboró, desde 1912, a partir de las teorías de Chevreul sobre el contraste simultáneo de los colores, sus Ventanas y sus

primeras Formas

circulares

cósmicas abstractas,

mientras

que Frank

Kupka exponía en el Salón de Otoño de 1912 Amorfa, fuga de dos colores y en 1913 Planos

verticales

azules

y

rojos.

En

1913

el

poeta Guillaume

Apollinaire llamó orfismo a la obra de Robert y Sonia Delaunay. Lo definió como el arte de pintar nuevas estructuras a partir de elementos que no han sido tomados prestados de la esfera visual, sino que habían sido creados totalmente por el artista... es arte puro.

 ARTE FIGURATIVO-ABSTRACTO Distinguir los dos estilos ha sido siempre una tarea fácil para los estudiantes de arte y museos. Cuando se confrontan ambos estilos, sin embargo, con una pintura predominantemente

abstracta

y

elementos

figurativos de sorpresa, ¿en qué categoría se encontrarían dichos cuadros? Esta pregunta está siendo cada vez más común entre los pintores contemporáneos que juegan con la idea de realidades composiciones representadas

fragmentadas, con por

llenando

figuras

perspectivas

sus

abstractas curiosas,

e

insertando objetos simbólicos en sus obras. El límite entre la abstracción y la figuración nunca ha sido muy sólido, con los cubistas como Picasso que de construían las imágenes hasta hacerlas casi irreconocibles. No obstante, la mayoría de los artistas se consideran a sí mismos que perteneces a una u otra escuela. Los artistas actuales están más abiertos a borrar los límites, experimentando con un poco de cada cosa.