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UNIVERSIDAD PRIVADA ANTENOR ORREGO

CURSO : HISTORIA DE LA ARQUITECTURA II

TEMA : ART DECO

DOCENTES : MARMANILLO CASAPINO ERNESTO DAVELOUIS CASANA PAULA

ALUMNA : CHERRES NUÑEZ FIORELLA

TRUJILLO-PERU 2016

INDICE

1. ANTECEDENTES

2. ASPECTOS 3. PINTURA 4. TIPOGRAFIA 5. ARQUITECTURA

6. DECADENCIA 7. CONCLUSIONES

ART DECO 1.ANTECEDENTES El art déco (también art decó o incluso art deco) fue un movimiento de diseño popular a partir de 1920 hasta 1939 (cuya influencia se extiende hasta la década de 1950 en algunos países) que influyó las artes decorativas tales como arquitectura, diseño interior, y diseño gráfico e industrial, también a las artes visuales tales como la moda, pintura, grabado, escultura y cinematografía.

Después de la Exposición Universal de 1900 de París, varios artistas franceses (Hector Guimard, Eugène Grasset, Raoul Lachenal, Paul Follot, Maurice Dufrene y Emile Decour) formaron un colectivo formal dedicado a las artes decorativas de vanguardia. En 1925 organizaron la Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes (Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas) en París, y se llamaron a sí mismos los modernos; en realidad, el término art déco se acuñó en la retrospectiva titulada «Les Années 25», llevada a cabo en París en el Musée des Arts Décoratifs (Museo de Artes Decorativas) del 3 de marzo al 16 de mayo de 1966;1 el término es por lo tanto un apócope de la palabra francesa décoratif. En inglés suele suprimirse la tilde y se escribe «deco». En español, la RAE lo ha normalizado como art déco, con la tilde en la Este movimiento es, en un sentido, una amalgama de muchos estilos y movimientos diversos de principios del siglo XX y, a diferencia del art nouveau, se inspira en las Primeras Vanguardias. Las influencias provienen del constructivismo, cubismo, futurismo, del propio art nouveau, del que evoluciona, y también del estilo racionalista de la escuela Bauhaus. Los progresivos descubrimientos arqueológicos en el Antiguo Egipto marcaron asimismo su impronta en ciertas líneas duras y la solidez de las formas del art déco, afín a la monumentalidad y elementos de fuerte presencia en sus composiciones.

Como estilo de la edad de la máquina, utilizó las innovaciones de los tiempos para sus formas: las líneas aerodinámicas, producto de la aviación moderna, iluminación eléctrica, la radio, el revestimiento marino y los rascacielos. Estas influencias del diseño se expresaron en formas fraccionadas, cristalinas, con presencia de bloques cubistas o rectángulos y el uso de la simetría. El color se

nutrió de las experiencias del fovismo; trapezoides, facetamientos, zigzags y una importante geometrización de las formas son comunes al art déco.

Correspondiendo a sus influencias maquinistas, el art déco se caracteriza también por los materiales que prefiere y utiliza, tales como aluminio, acero inoxidable, laca, madera embutida, piel de tiburón (shagreen) y piel de cebra. El uso de tipografía en negrilla, sans-serif o palo seco, el facetado y la línea recta o quebrada o greca (opuesto a las curvas sinuosas y naturalistas del art nouveau), los patrones del galón (chevrón) y el adorno en forma de sunburst son típicos del art déco. Ciertos patrones de ornamento se han visto en aplicaciones bien disímiles: desde el diseño de zapatos para señoras hasta las parrillas de radiadores, el diseño de interiores para teatros y rascacielos como el Edificio Chrysler.

El estilo art deco no estuvo limitado a la arquitectura; el transatlántico SS Normandie, cuyo viaje inaugural tuvo lugar en 1935, fue diseñado incorporando muchos diseños art deco, incluyendo un salón comedor cuyo techo y decoración estaba realizada con vidrio de Lalique. Otros buques con influencia art déco en su decoración fueron el Île de France, el Queen Mary y el Nieuw Amsterdam. El art déco alcanzó su apogeo en los años 1920. Aunque muchos movimientos del diseño tienen raíces o intenciones políticas o filosóficas, el art déco era casi puramente decorativo, por lo que se considera un estilo burgués. A pesar del eclecticismo de sus influencias formales y estilísticas, el art déco es sólido y posee una clara identidad propia. No se trata de un historicismo ni de un anacronismo; es fiel a su época y deja entrever la noción futurista de la Revolución industrial. Su significación gira en torno al progreso, el ordenamiento, la ciudad y lo urbano, la maquinaria. Elegante, funcional y modernista, el art déco fue un avance frente al art nouveau, esta vez exitoso en la generación de un nuevo repertorio de formas acordes con la problemática e imaginería de su tiempo.

El art déco era un estilo opulento, y su exageración se atribuye a una reacción contra la austeridad forzada producto de la Primera Guerra Mundial. De manera simultánea a una creciente depresión económica y al fantasma del acercamiento de la Segunda Guerra, había un deseo intenso por el escapismo. La gente gozó de los placeres de la vida y del art déco durante la era del jazz.

2.ASPECTOS  E el Art Déco se basa principalmente en la geometría imperante del cubo, la esfera y la línea recta, además de los imprescindibles zigzags.  Tratan de representar algunas abstracciones que muestran en la naturaleza, rayos luminosos radiantes, fluidos acuáticos, nubes ondulantes..

 Representación faunística haciendo referencia a ciertas cualidades como la velocidad y usan para ello gacelas, galgos, panteras palomas, garzas..  Representación de elementos fitomorfos se utilizan las flores, los cactus, las palmeras, representados por medio de delineaciones geométricas.

 Utiliza imágenes de fuentes congelas de formas ascendentes.  Utilización de nuevos materiales como la baquelita, el cromo y el plástico, maderas nobles el ébano y el palisandro, pieles naturales de zapa, de tiburón y el carey.

 Se utilizan motivos de las culturas prehispanas de las culturas azteca, maya o inca y motivos inspirados en los objetos de los descubrimientos arqueológicos de Egipto, mesopotamia, vikingo o de los pueblos africanos o indios.  En arquitectura, además de las formas geométricas, se recurre a remates terminados escalonadamente y con proas marítimas que sostienen mástiles que sirven como astas; arcos y puertas ochavadas y lujosos materiales como el mármol, el granito y el aluminio consuman el aparato decorativo.

 Se utiliza la figura humana de hombres gimnastas, obreros, habitantes de las urbes, luciendo el "look" de la época, junto a la de mujeres resueltas que participan en la producción económica, vistiendo una moda más atrevida, con el pelo corto a la "garzón" que fuman y participan en cócteles, denotando su liberación.

Diseño característico del art deco , líneas planos ,geometrías. Fuente: google

3.PINTURA

La pintura Art Decó fue una tendencia pictórica englobada dentro de un estilo que abarcó todos los campos del arte y el diseño durante los años 20 y 30 del siglo XX. Fue un estilo ecléctico de corte académico que aunó la tradición histórica y la modernidad propia de las vanguardas. A diferencia de todos los demás movimientos, no dictó normas ni publicó manifiestos y eso se refleja en la heterogeneidad de sus creaciones. Encuadrada dentro de la austeridad propia del periodo de entreguerras, la pintura Art Decó se reveló dando origen a un estilo lujoso y muy decorativo asumiendo lo dinámico del mundo de entonces y aspirando a eliminar la barrera que separaba las bellas artes de las decorativas y estimulando la creación de obras gratas, elegantes, finas, simples e idealizadas. Celebró la vida en el mundo moderno, difundiendo un estilo elegante y sofisticado para contrarrestar la guerra recientemente terminada. El estilo del Art Deco combinó la elegancia de la edad industrial con el lujo de materiales y la ebullición del espíritu creativo; quizás, nunca antes igualados por ningún otro estilo popular. Unió a su vez placer sensual con la inspiración en el diseño contemporáneo. La pintura del estilo Art Decó revela una mezcla variada de geometría, simplicidad y abstracción combinadas con colores vibrantes y simples, todo ello sin apartarse de la tradición pictórica, sino combinándose con ella. Las líneas del Art Deco son rectas y angulares, pero también curvadas, circulares y ovales, no con el sentido floreado del Art Nouveau, sino con figuras geométricas como el hexágono y el pentágono. Las siluetas humanas son finas y delgadas, ligeras y elásticas, con vestidos rectos o entubados de seda y brillantes, con corte entre la rodilla y el talón acompañados siempre del uso del sombrero. 1

Se hace difícil, si no imposible, definir en un contexto Art Déco la pintura de los años de entreguerras. Los artistas de la época recurrieron por lo general a una amplia variedad de técnicas de vanguardia para resolver los problemas tradicionales de diseño y composición. Casi todos los cultivadores del estilo moderno utilizaron la abstracción cubista y el alargamiento de las formas, o tomaron de los Fauvistas los colores brillantes. Algunas personalidades como Leger, Matisse, Vlaminck o Van Dongen, en ocasiones introdujeron motivos Art Déco en sus obras sobre tela o papel. Todos estos factores difuminan los límites entre los pintores que deben adscribirse al Art Déco y los que no. Sin embargo, existen dos criterios para decidir si un pintor en concreto pertenece al movimiento Art Déco. En primer lugar, la mayoría de artistas Art Déco no se identificaron con la vanguardia pictórica. En efecto, no eran innovadores, sino que recurrían a temas introducidos por otros artistas modernos de los primeros años del siglo. Segundo, sus obras sobre papel eran decorativas, y estaban diseñadas para complementar el mobiliario de la habitación en la cual habían de estar colgadas

Tamara Lempicka Pintora polaca que destacó por la belleza de sus retratos femeninos ydesnudos.

Le turban vert de Tamara de Lempicka

4.TIPOGRAFIA

El movimiento Art Déco se caracteriza por las líneas rígidas, formas geométricas así como la sencillez y el equilibrio. Tuvo influencia en las tipografías de la época como Broadway o Parisian, que se caracterizan por ser tipos con mucho contraste. Estas dos tipografías fueron diseñadas por Morris Fuller Benton, que, desde los 24 años, trabajó para la American Type Founders con su padre. Juntos, crearon más de 180 tipografías, algunas de las cuales representativas del Art Déco. Cabe destacar que Fuller es considerado uno de los personas más importantes en la historia de la tipografía, ya que además de crear fuentes que se utilizan actualmente , inventó la clasificación de los tipos en familias. Más adelante, surgieron otras tipografías como Bifur, Peignot o Art Déco Font. Todas las tipos que pertenecen a este estilo no son adecuadas para texto sino que deben ser aplicadas de forma esporádica y aislada. Es decir, a tamaños grandes como titulares, rótulos o en publicidad.

4.1 Tipografía Broadway

La tipografía Broadway fue creada por el diseñador Morris Fuller Benton en 1925 para la American Type Founder y Monotype. El diseño de este tipo, proveniente del Art Déco, es casi geométrico y de contrastes exagerados entre los palos gruesos y finos. Esta tipografía se empleó en rótulos de restaurantes y bares de la época convirtiéndose de esta forma en una pieza emblemática del movimiento Déco. Hoy en día, es habitual encontrarla en teatros, peluquerías o diseño de moda.

4.2 Tipografía Parisian

Esta tipografía, similar a la Broadway, también fue diseñada por Fuller para la American Type Founders, en 1928. Se caracteriza por el contraste tan marcado entre trazos gruesos y finos así como el reducido tamaño de las letras minúsculas y el alargamiento de los trazos verticales. Esta tipografía fue muy popular y se utilizó sobre todo en diversos aparatos de imprenta.

4.3 TIPOGRAFIA BIFUR

Esta tipofrafía fue diseñada por A.M Cassandre en 1929. Es una de las más características del Art Déco. Inicialmente, consistía en una tipografía en blanco y negro, pero a lo largo de los años como se puede apreciar en algunas de las imágenes, se ha empleado utilizando colores.

4.4 TIPOGRAFIA PEIGNOT Esta tipografía también fue diseñada por A.M Cassandre, en 1937. Es similar a la Bifur, también del mismo diseñador, pero sin el contraste entre los trazos. Esta tipografía se utilizó mayoritariamente para publicidad.

4.5 TIPOGRAFIA ART DECO FONT Esta tipografía fue diseñada en el 2004 por M. Schmidt para la Mecanorma Collection, una nueva colección de fuentes digital publicada por la International TypeFounders. Se trata de un ejemplo de una de las numerosas tipografías contemporánea que intentan sugerir una época y un movimiento estilístico

5.ARQUITECTURA

Francia

Pabellón Primavera de la Exposición Internacional de París de 1925. Construido por los arquitectos Henri Sauvage y Wybo.

En Francia, el gran estilo parisino “Art Déco”, que dominó los Salones anuales de las Artes Decorativas desde el fin de la primera guerra mundial hasta la Exposición Internacional de 1925, se aplicó muy poco a la construcción de edificios. La mejor arquitectura Art Déco francesa fue la que se creó para la Exposición Internacional de 1925, destinada a durar sólo seis meses. Como el recito iba a ser arrasado tras el certamen, se pudo experimentar con formas arquitectónicas revolucionarias y con materiales experimentales. La ornamentación arquitectónica Art Déco no se extendió mucho más allá de la capital francesa. A diferencia de Estados Unidos, que experimentó un boom de la construcción en los años veinte, Europa estaba en un período de recesión, tras la

devastación de la Gran Guerra. Además, su rica tradición arquitectónica tendía más a la renovación que a la innovación.

Gran Bretaña

Hall de entrada del 78 de la calle Derngate en Northampton por Charles Rennie Mackintosh

Gran Bretaña puede reclamar para sí la condición de pionera del Art Déco, gracias al estilo tardío de Charles Rennie Mackintosh. Sus diseños de 1916 para Derngate, una firma de Northampton, son una sólido combinación de motivos típicos Art Déco: líneas en zigzag, flechas, cuadrados superpuestos y formas geométricas planas. Durante los años veinte, en Gran Bretaña, como en otras partes, el nuevo estilo fue el preferido para los edificios que no tenían ninguna tradición: garajes, centrales, eléctricas, aeropuertos, cines y piscinas. Todos intentaron ser deliberadamente modernos; aunque en ellos no siempre es fácil separar los elementos provenientes del estilo internacional de los que responden al Art Déco en sentido estricto.

Estados Unidos

Ayuntamiento de Buffalo en Nueva York

Durante los años 1923-1925, cuando comenzó realmente el boom del rascacielos en Estados Unidos, este país no tenía su propio estilo moderno. El único estilo decorativo decididamente moderno que un arquitecto norteamericano podía usar era el entonces floreciente en París. Po esta razón, en Estados Unidos hemos de buscar la ornamentación Art Déco en muchos edificios que se construyeron desde los primeros años veinte y, más en particular, en los rascacielos.

Ciertamente, los arquitectos podían haber seguido haciendo edificios a la manera gótica, como el edificio Woolwoeth, de Cass Gilbert, en Nueva Yorf, o la torre de Chivago Tribune, de Hood y Howels. Pero este historicismo dejó de parecer apropiado para las construcciones del siglo XX. Fue sustituido por diseños actualizados, geométricos, florales y llenos de color que provenían de París, adornados con espigas, arcos, rayos de sol, muchachas, ramilletes de flores, etc. Durante los años veinte, esa apropiación norteamericana del Art Déco había de convertirse en el idioma decorativo más identificable en los edificios en construcción. Se siguieron usando hasta mucho después de que en Francia el estilo se hubiese convertido en un cliché.

Al igual que sucedía con la arquitectura tradicional, la decoración moderna sirvió como dispositivo para llamar la atención sobre un cambio en el contorno de los edificios, la decoración vertical escalonada acentuaba la altura de un rascacielos, las tiras decorativas horizontales subrayaban el ascenso rítmico de sus escalonamientos. La ornamentación Art Déco se concentraba masivamente en la entrada del edificio: rejas exteriores, puertas, vestíbulo y ascensores. Una combinación suntuosa de piedra, ladrillo, terracota y metal trasformó lo que hubiera podido ser un edificio anodino en un símbolo de la ciudad

Pabellón Primavera de la Exposición Internacional de París de 1925. Construido por los arquitectos Henri Sauvage y Wybo

Hall de entrada del 78 de la calle Derngate en Northampton por Charles Rennie Mackintosh

Ayuntamiento de Buffalo en Nueva York

6.DECADENCIA

 El movimiento pierde patrocinio en las metrópolis europeas y americanas mucho después de haber alcanzado una introducción masiva; al punto de ser empleado para representar falsas pretensiones de lujo. Finalmente, el estilo cae en decadencia dadas las austeridades impuestas por la Segunda Guerra Mundial.

 En países coloniales o periféricos tales como India, Nueva Zelanda, Cuba, Colombia, Argentina, México, Ecuador y las Filipinas, se convirtió en una puerta de entrada al Modernismo y continuó siendo utilizado bien hasta los años 1950. En América Latina se pueden encontrar durante este periodo varios exponentes del art decó como José Fioravanti en Argentina.  Un resurgimiento del interés en el Decó vino desde exploraciones del diseño gráfico en los años 1980. Su asociación con el "film noir" en cinematografía y el encanto del glamur de los años 1930 propició su reempleo a finales de la década de 1980 en piezas publicitarias para joyería y el mundo de la moda y en la decoración de hoteles como el Hotel Fairmont de la Ciudad de México.

8.CONCLUSIONES 

En conclusion el Art Deco me gusta porque lo considero como el exacto opuesto al Art Nouveau, porque aquí acuden a a las formas rectas y no tanto orgánicas, mas sin embargo creo que tiene un estilo muy libre a la vez, el art deco para mi representa elegancia y aun podemos ver su influencia en la actualidad recientemente con la película Gatsby que utiliza decoración arte deco tanto para el diseño del escenario y la presentación en cartel de la película



Al realizar esta investigación hemos llegado a la conclusión de que la estética utilizada tanto en las tapas de libros, revistas y ex libris con el estilo Art Nouveau y Art Deco se destacan por la diversidad de materiales en cada tapa, ya que eran considerados objetos de lujo, importancia y prestigio. Observamos con atención cada detalle y llegamos a la conclusión que tanto el Art Nouveau como el Art Decó tenían grandes diferencias, como por ejemplo en las líneas y figuras geométricas utilizadas para cada tapa según fuese el tema indicado. Finalmente nuestra conclusión se basó en señalar la importancia que tuvieron ambos movimientos artísticos y su posible proyección en la actualidad mediante el trabajo de campo con especialistas y análisis de imágenes que influyeron sobre las tapas de libros, revistas y ex libris, distinguiéndose así cada una de la otra con características particulares.