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• Emmanuel Gonzalez Cardenas

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CARRERA: ARQUITECTURA:     MATERIA: HISTORIA DE LA ARQUITECTURA                                                                                      CONTEMPORANEA   

ARQUITECTURA CONTEMPORANEA. INTRODUCCION. La historia de la arquitectura hasta el S. XIX está condicionada por los materiales y las técnicas que se utilizaban. Con la utilización sistemática del hierro, el cemento y el vidrio la construcción cambia radicalmente de aspecto, de tamaño y de funcionalidad. También se producen los conflictos entre la ingeniería y la arquitectura pues las obras públicas y los arquitectos utilizan las mismas técnicas y materiales. Los espacios y la concepción de la arquitectura varía ya que se producen superficies de gran amplitud (llegando a perderse la sensación de interior) y se diluye la separación del espacio interior y el exterior (al cerrarse frecuentemente las paredes de la construcción con vidrio). CARACTERISTICAS. La arquitectura del siglo XIX es una arquitectura urbana. En este siglo las ciudades crecen vertiginosamente. Además, nacen nuevos núcleos urbanos en lugares situados cerca de las fuentes de energía o de materias primas para la industria. La revolución industrial iniciada en el siglo XVIII en Inglaterra se difunde a Europa y a los Estados Unidos de América. La industrialización crea la necesidad de construir edificios de un nuevo tipo (fábricas, estaciones de ferrocarril, viviendas, etc.) y demanda que éstos sean baratos y de rápida construcción; al mismo tiempo aporta soluciones técnicas a las nuevas necesidades. Por esta razón, desde el siglo XIX, la arquitectura y el urbanismo van indisolublemente ligados a la industrialización. Sin embargo, no se puede hablar de uniformidad en los estilos y las soluciones arquitectónicas y urbanísticas, sólo de algunas constantes: tecnificación de las soluciones, empleo de nuevos materiales como el hierro colado, vidrio, cemento (a finales de siglo) y tendencia al funcionalismo. Al lado de estos datos que reflejan el empuje de la "modernidad", hay que recordar que la nueva realidad no es del gusto de todos y, frente al triunfo del maquinismo y de la técnica, se elevan las voces que reclaman un retorno al orden anterior. En arquitectura estas reivindicaciones se concretarán en los estilos REVIVAL. REVIVALS. Existe en el XIX un retorno a la estética del pasado; de hecho, el neoclasicismo del XVIII ya fue una primera manifestación de esta tendencia. Se habla de revival porque se construye a imitación de las antiguas arquitecturas egipcia, india, china, romántica o gótica. Pero no siempre de manera unitaria, sino que se toman elementos de una y otra añadiéndolos a edificios que poco tienen que ver con los modelos antiguos. Mientras que muchas de estas obras son deplorables, otras tienen un notable interés, como la decoración exterior neogótica del Parlamento de Londres. John Ruskin, teórico inglés, defiende una síntesis entre la belleza antigua, para él encarnada en el gótico, y al tecnología del momento: las estructuras deben ser modernas; la decoración, gótica.

ARQ. LAURA MORENO CHIMELY M.V.   

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El Parlamento de Londres En Francia Eugène Viollet-le-Duc restaura importantes monumentos góticos como NotreDame de París, las catedrales de Reims y Chartres o reconstruye ciudades enteras como Carcasona. Como fruto de su riguroso estudio de las estructuras góticas, propugna la aplicación de las soluciones que este arte aportó, pero a partir de los materiales y las técnicas que ofrece el siglo XIX.

Ciudad de Carcassone, Francia LA CIUDAD DECIMONONICA. La nueva ciudad se caracteriza por la separación entre barrios burgueses (céntricos, con grandes avenidas y núcleos comerciales elegantes) y barrios obreros (con viviendas miserables, a menudo no urbanizadas, insalubres), por la importancia creciente de las vías de comunicación interna y por la aparición de nuevos edificios “las fábricas” con sus sórdidos alrededores. La ciudad decimonónica, en definitiva, es un fiel reflejo de la nueva estructura social.

PARIS BARCELONA Aunque las ciudades se planifican (o se planifican sus ampliaciones y remodelaciones, cuando son antiguas) respetando estrictamente los privilegios de la burguesía, que es la ARQ. LAURA MORENO CHIMELY M.V.   

CARRERA: ARQUITECTURA:     MATERIA: HISTORIA DE LA ARQUITECTURA                                                                                      CONTEMPORANEA    clase dominante, las aspiraciones y demandas obreras también se reflejan en el urbanismo decimonónico. LA ARQUITECTURA DEL HIERRO Y NUEVOS MATERIALES A finales del siglo XVIII se utiliza en algunas construcciones el hierro colado, que se obtiene por fusión: el Puente Coalbrookdale, construido en 1777 por T,. F. Pritchard, o el Teatro Francés de París, de 1789, obra de V. Louis. El hierro sustenta grandes cargas. Al mismo tiempo, se desarrolla la producción de vidrio en cantidad y variedad. El hierro y el cristal se complementan puesto que permiten construir edificios que sean a la vez grandes y ligeros, transparentes.

PUENTE COALBROOKDALE. Es la primera gran obra de hierro, hecha entre 1775 y 1779.

El puente de Clifton, sobre el Avon, en Gran Bretaña.

Diseñado por Thomas Pritchard y construido por los fundidores John Wilkinson y Abraham Darby en los años 1777-1779 es un puente de hierro situado sobre el río Severn, en Coalbrookdale (condado de Shropshire) en el noroeste de Inglaterra. Siendo puente de hierro construido en la historia, y la primera estructura de hierro fundido de la era industrial, que culminó en el siglo XIX con la ambiciosa bóveda de la estación de ferrocarril de Paddington (Londres) y la construcción del Crystal Palace.. Su estructura esta conformada por un arco de medio punto con cinco costillares y salva una luz de 43 m. El propio puente, abierto sólo al paso peatonal, es un monumento nacional y ha sido declarado por la UNESCO Patrimonio de la Humanidad. Son respuestas a las nuevas necesidades: puentes de amplio tendido, edificios de varias plantas que necesiten estar despejadas, como las naves de las fábricas, mercados, estaciones de ferrocarril, etc. La máxima expresión de la arquitectura del hierro son las construcciones para las exposiciones universales. El Palacio de Cristal de Londres (obra de Joseph Paxton, de 1851) es una construcción-esqueleto a partir de elementos prefabricados en serie.

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El gran mercado central de las Halles de París, remonta al siglo XII, pero fue en la época de Napoleón III cuando se construyeron los magníficos pabellones de hierro, actualmente desaparecidos. Joseph Paxton, el creador del Palacio de Cristal, un ingeniero experto en jardinería y en la construcción de invernaderos, se basó precisamente en este tipo de instalaciones para proyectar aquel pabellón grandioso que habría de cubrir 8 hectáreas de superfície. Para su realización se centró básicamente en el uso del hierro, vidrio y elementos prefabricados construidos en serie.

PALACIO DE CRISTAL EN LONDRES Este tipo de construcciones "por piezas" se pueden montar y desmontar, trasladar e instalar en otra ubicación. El Palacio de Cristal se construyó en menos de seis meses con 70.000 m2 de superficie; lo sustentan 3.300 columnas de hierro, con 2.224 travesaños y 300.000 láminas de cristal. Esta construcción es un antecedente de lo que será la arquitectura del siglo XX. Se inicia la colaboración entre arquitectos e ingenieros, como en el Halle aux Blés, aunque la formación que se da a ambos tipos de profesionales es muy distinta; los primeros deben pensar en términos estéticos; los segundos, en términos técnicos. Con Henri Labrouste, que construye la Biblioteca de Sainte Genevieve de París, se concilian las dos orientaciones. Se trata del primer edificio público construido con hierro fundido y hierro forjado desde los cimientos hasta la cubierta.

Interior de la Biblioteca de Sainte-Geneviève ARQ. LAURA MORENO CHIMELY M.V.   

CARRERA: ARQUITECTURA:     MATERIA: HISTORIA DE LA ARQUITECTURA                                                                                      CONTEMPORANEA    Sin embargo, aún se "enmascara" el edificio con fachadas de estilos clásico; lo mismo sucede en su Biblioteca Nacional de París. El Palacio de la Industria, de París (1855), construido también para una exposición universal, supera con creces la obra de Paxton, pues tiene un cuerpo central de 48 metros de luz. En 1889 sorprende la Galería de las Máquinas, edificado así mismo para una construcción.

El compromiso arquitectónico entre arte e ingeniería comienza a ser resuelto de una manera efectiva en esta obra, donde un sentido ornamental sutil queda supeditado a las estructuras metálicas. La obra más conocida de la construcción mecánica fue la Torre Eiffel. Al contrario que otras torres, no fue desmontada y se ha convertido en un símbolo con sus trescientos metros de altura, toda ella hecha con piezas prefabricadas y con cálculos precisos relativos a la dilatación térmica y a la fuerza del viento

La Torre Eiffel es una representación magnífica de la arquitectura del hierro, absolutamente genuína, sin referencias al pasado. RACIONALISMO. Movimiento de la arquitectura contemporánea surgido a mediados del siglo XX, cuyo impulsor, Aldo Rossi patrocina la solución racional y viable de los problemas de diseño buscando apoyo en las tipologías arquitectónicas y en la ordenación lógica de las ciudades. Los cinco principios que caracterizan al Racionalismo son: 1ro. El urbanismo, la arquitectura y el diseño industrial han de verse como medios para promover el progreso social.

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CARRERA: ARQUITECTURA:     MATERIA: HISTORIA DE LA ARQUITECTURA                                                                                      CONTEMPORANEA    2do. Los criterios de máxima economía han de imponerse en el uso del suelo y en la construcción (sin ornamento). 3ro. La referencia sistemática a las técnicas de la industria, de la estandarización y prefabricación en todo lo relativo al diseño del entorno, desde el urbanismo al diseño industrial. 4to. La primacía del urbanismo sobre la arquitectura construyéndose colonias residenciales. 5to. La racionalidad de la forma arquitectónica entendida como resultado al que se llega metodológicamente a partir de requisitos de naturaleza política, social, económica, funcional o constructiva (la faceta estética ocupa un segundo plano).

Fábrica de Turbinas AEG, Berlín Peter Behrens (1908-1909)

Muller House, Viena Adolf Loos (1910)

Nortre Dame du Raincy, Francia Auguste Perret (1922) ARQ. LAURA MORENO CHIMELY M.V.   

CARRERA: ARQUITECTURA:     MATERIA: HISTORIA DE LA ARQUITECTURA                                                                                      CONTEMPORANEA    EXPRESIONISMO. Históricamente el expresionismo arquitectónico se enmarca en el contexto de la revolución alemana de noviembre (1918) que da nacimiento a la República de Weimar, confluyendo en ella la vanguardia y la utopía, aunque puede hacerse referencia a un protoexpresionismo evidente en arquitectura industrial en relación con los proyectos y realizaciones de Behrens para la AEG de Berlín y los de Poelzig en Poznan. Hacia 1914, la arquitectura expresionista se desligo del racionalismo. Propugnada por arquitectos como Bruno Taut (1880-1938) o Eric Mendelsohn (1887-1953), abogó por construcciones antiutilitarias, de formas irracionales y fantásticas, donde sobresalía el cristal, generador de una luz metafísica. Este tipo de arquitectura se caracteriza por la espontaneidad de sus diseños.

Pabellón de Cristal en 1914 (Destruído) B.Taut

Kaeseglock 1926, B.Taut

Horseshoe Development 1925, Berlin B.Taut

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CARRERA: ARQUITECTURA:     MATERIA: HISTORIA DE LA ARQUITECTURA                                                                                      CONTEMPORANEA    FUNCIONALISMO. Principio arquitectónico según el cual la forma de un edificio procede de la función; se interpreta también como la faceta técnica y programática del Movimiento Moderno en arquitectura, que abraza en su planteamiento teórico más amplio cuestiones de carácter filosófico, político, social, económico, estilístico y simbólico. Es la esencia de lo moderno contrapuesto a lo tradicional. Su máximo exponente fue Le Corbusier que reduce las formas arquitectónicas a las esenciales: cubo, cuadrado, círculo y cilindro. Sus causas están pensadas para vivir en ellas y dar una respuesta generalizable a los problemas prácticos que plantea la vida cotidiana.

Edificio de la Bauhaus BRUTALISMO. Así se denomina a cierta forma de sentir muy extendida entre los arquitectos jóvenes del mundo occidental durante la década 1950-1960. La raíz de su aparición hay que buscarla en el estado de frustración, reinante después de la segunda guerra mundial, ante las dificultades que se daban para construir. Mostraba los aspectos constructivos, el material aparente e instalaciones visibles. Inicialmente se denominó brutalismo a la manera arquitectónica que comenzó a desarrollar Le Corbusier inmediatamente después de la segunda guerra mundial. A partir de ese momento abandona la retórica purista de los planos blancos que había caracterizado su obra anterior para adoptar una modalidad caracterizada por la introducción de texturas rugosas y fuertes que le confieren una fuerte materialidad a sus volúmenes. El hormigón "laissez brut" deviene en adelante el gran protagonista de su arquitectura, y a la vez le confiere su nombre a la tendencia. Posteriormente, Alison y Peter Smithson, en Inglaterra se convierten en los representantes de esta tendencia, si bien a partir de un proceso de resignificación de la misma. Sus características es que mostraba los aspectos constructivos, el material aparente e instalaciones visibles.

Escuela de Hunstanton, Norwich, GB (1954) ORGANICISMO. La arquitectura orgánica es una filosofía de la arquitectura que promueve la armonía entre el habitat humano y el mundo natural. Mediante el diseño busca comprender e ARQ. LAURA MORENO CHIMELY M.V.   

CARRERA: ARQUITECTURA:     MATERIA: HISTORIA DE LA ARQUITECTURA                                                                                      CONTEMPORANEA    integrarse con el sitio, los edificios, los mobiliarios, y los alrededores para que se conviertan en parte de una composición unificada, correlacionada. Los arquitectos Antoni Gaudí, Frank Lloyd Wright, Louis Sullivan, Tadao Ando, Oscar Niemeyer, son los mayores exponentes de la denominada arquitectura orgánica.

La catedral Metropolitana de Brasilia, capital de Brasil, es uno de los muchos edificios diseñados por el arquitecto brasileño Oscar Niemeyer en la década de 1960.

La Casa de la Cascada de Frank Loyd Wright

Oscar Niemeyer Cultura Center in Le Havre, Paris

FORMALISMO. El formalismo se basa en que la forma sigue a la función. El arquitecto mas relevante fue Philip Johnson. Tomó como influencia catedrales y grandes templos para desencadenar ARQ. LAURA MORENO CHIMELY M.V.   

CARRERA: ARQUITECTURA:     MATERIA: HISTORIA DE LA ARQUITECTURA                                                                                      CONTEMPORANEA    profundas emociones en el público. Un ejemplo es New Harmony (1960) y Kline Science Center de la Universidad de Yale.

New Harmony, Indiana ARQUITECTURA POP ART. En los años sesenta tuvo lugar una tendencia arquitectónica muy vinculada al arte pop. En Londres, la arquitectura del grupo Archigram derivaba directamente del mundo del cómic y del pop art. En Estados Unidos, arquitectos como Scott Brown o Robert Venturi se inspiraron en anuncios publicitarios de casas de revistas populares y en carteles luminosos para crear este tipo de arquitectura. Un ejemplo de esta tendencia es la ciudad de Las Vegas y Disneyworld.

Las Vegas, Nevada.

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PINTURA CONTEMPORANEA. FAUVISMO. El Salón de Otoño de 1905 que se celebró en París se vio sacudido por un terremoto de luz y color: una de sus salas se reservó para un grupo encabezado por Matisse, Derain y Vlaminck. Los lienzos que presentaron ostentaban, orgullosos, gamas cromáticas estridentes y agresivas, hasta tal punto que de allí salieron como el grupo de los Fauves. Nunca estuvieron muy cohesionados como grupo, puesto que jamás siguieron unos postulados determinados, ni realizaron un manifiestso programático. Las similitudes formales y la intención rompedora fue lo que les agrupó, efímeramente. Sus temas son inocuos, retratos, interiores, visiones idílicas del hombre en la naturaleza, paisajes hermosos. Su realización es muy colorida y atrevida: es una explosión de colores violentos y arbitrarios, en disonancia deliberadamente calculada. Tratan de transmitir una reacción emotiva del pintor ante el tema elegido. No buscan la representación naturalista, sino realzar el valor del color en sí mismo. Las figuras resultan planas, lineales, encerradas en gruesas lineas de contorno, lo que les aproxima a la estética del Art Nouveau. DEFINICION. Del francés fauves, fieras. Término creado con sentido peyorativo para designar a un movimiento de vanguardia que surge después de 1900, con motivo de una exposición retrospectiva de los maestros postimpresionistas, como Van Gogh o Cézzane. Afirmando que " el arte es dionisíaco, un himno a la alegría, una embriaguez del espíritu", los fauvistas se dedican a pintar utilizando el repertorio técnico del impresionismo, pero aplicado ahora a transformar, espontáneamente y sin ostentación, las pasiones y la vida bulliciosa del entorno en un lenguaje impulsivo de colores. Ocupando entonces los colores primarios (azul, rojo y amarillo), los fauvistas pretenden expresar una verdad humana y no artística, mediante la mano del pintor que trabaja según el instinto, sin método. El fauvismo es un movimiento contemporáneo al impresionismo (de 1910 a 1920). El color es el objeto principal del cuadro, utilizan también la pasta desde el tubo sin necesidad de paleta, se inclinan por los colores vivos en formas de manchas planas. El color se independiza del objeto.

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CARRERA: ARQUITECTURA:     MATERIA: HISTORIA DE LA ARQUITECTURA                                                                                      CONTEMPORANEA    EXPONENTES PRINCIPALES. HENRY MATISSE. Es la figura más importante del fauvismo. como obra suya tenenmos la "mujer con sombrero“. Henry Matisse crea un arte bastante inquieto. En la "mujer con sombrero" se muestra un retrato muy intenso; los ojos demuestran melancolía; retrato de frente inclinado en un hombro; franja verde en medio de la cara, sin esta franja destacarían los ojos y las cejas; une el cabello oscuro con el escote; conecta el rostro con el fondo, con pinceladas verdes y rojo vivo que están en el fondo y se repiten en el vestido; no permite profundidad alguna; tema pasivo.

MUJER CON GRAN ESTIRPE

RETRATO DE ANDRE DERAIN

(1905) (1905) ANDRE DERAIN. El estilo de Derain fue siempre de pinceladas o trazos, creando un paisaje con golpes independientes sin mezclarlos. Es imposible hacer el catálogo de sus obras: algunas son trabajos hechos en serie; otras, retratos independientes Derain estudió durante toda su vida la fórmula de la forma del color, y su obseción por el claroscuro. Posteriormente, abandona a los fauvistas y se hace cubista, aunque le dura poco ya que se siente atraido hacia la pintura de los primitivos italianos.

ON THE THAMES

LONDON BRIDGE

MAURICE DE VLAMINCK. Hijo de parisienses acomodados, pintó al principio a la manera de los impresionistas, con brillante color. Residió en la orilla del Sena y llamó su atención la pobreza del lugar. Fue por esto que pinto ese paisaje. ARQ. LAURA MORENO CHIMELY M.V.   

CARRERA: ARQUITECTURA:     MATERIA: HISTORIA DE LA ARQUITECTURA                                                                                      CONTEMPORANEA    El fue admirador de Van Gogh. Su estilo se baso en su origen natal, ya que pertenecia a un lugar nuboso y con mucho agua y siempre queria dar el toque de estos elementos en su pintura. El fue contrario al cubismo, ya que mencionaba que Pablo Picasso habia envilecido la pintura francesa del siglo.

RECOGIENDO LA MADERA

TIERRA CON 3 ARBOLES

GEORGE BRAQUE. Reaccionó contra el academicismo, interesándose por la pintura de Cezanne y convirtiéndose al fauvismo en 1905. Tras conocer a Picasso se inició la colaboración entre ambos, dando origen al Cubismo.Tras la primera guerra mundial, Braque no abandona la dirección estructural del cubismo aunque da más importancia a la figuración y a sus bodegones, partiendo de nueva mesura clásica que en ocasiones acusa decorativismo.

LA COSTA AMARILLA

EL PUERTO DE LA CIUDAD

KEES VAN DONGEN. Establecido en París, se vió influido por Vuillard y Gauguin, colaborando en la ilustración de revistas satíricas. En 1904 Vollard organizó su primera exposición individual y al año siguiente participó en la muestra que dio origen al grupo fauvista. Su obra se caracteriza por el experesionismo vitalista y agresivo. En sus trabajos desfila buena parte de los protagonistas de los felices años veinte mostrando ARQ. LAURA MORENO CHIMELY M.V.   

CARRERA: ARQUITECTURA:     MATERIA: HISTORIA DE LA ARQUITECTURA                                                                                      CONTEMPORANEA    tanto su gloria como su miseria. El mundo del cabaret, el circo, el baile, los desnudos femeninos o los retratos de las potentados económicos fue su temática favorita.

AUTORRETRATO (1906)

MUJER DE MONTMARTRE (1911)

PREGUNTAS. 1. DIGA LAS PRINCIPALES CARACTERISTICAS DEL FAUVISMO. 2. EXPLIQUE DESPUES DE QUE MOVIMIENTO SURGE Y SU DECADENCIA 3. MENCIONE SUS PRINCIPALES EXPONENTES 4. ¿CUAL DE SUS EXPONENTES LE PARECE EL MEJOR Y PORQUE? 5. EXPLIQUE UNA OBRA DE MATISSE DE ACUERDO A LAS CARACTERISTICAS DEL FAUVISMO 6. EXPLIQUE UNA OBRA DE BRAQUE DE ACUERDO ALAS CARACTERISTICAS DEL FAUVISMO.

CUBISMO. INTRODUCCION. En el primer decenio del siglo XX nació este movimiento artístico en París. El término lo empleó por primera vez Matisse cuando observaba un cuadro de Braque del que dijo que estaba formado a base de pequeños cubos. Este estilo aparece cuando su principal exponente Pablo Ruiz Picasso abandona los periodos en su pintura “rosa” y “azul”. DEFINICION. El CUBISMO es una titánica reflexión intelectual y visual sobre la forma. Pese al aspecto de algunos cuadros cubistas la forma siempre fue respetada, no cruzando nunca el umbral de lo abstracto. Los principales temas serán los retratos y las ARQ. LAURA MORENO CHIMELY M.V.   

CARRERA: ARQUITECTURA:     MATERIA: HISTORIA DE LA ARQUITECTURA                                                                                      CONTEMPORANEA    naturalezas muertas urbanas, los elementos que se disponen de modo caótico sobre la mesa de un café. Se pueden distinguir diversas fases en el desarrollo del Cubismo. TIPOS DE CUBISMO. PRIMER CUBISMO: De 1907 a 1910 Picasso y Braque van a trabajar mano a mano en la definición de una forma de pintar que exprese el cambio esencial de la concepción de la pintura. A las novedades que se encuentran en el Cubismo le anexan formas básicas de arte, que no estuvieran maleadas por la concepción renacentista de la tercera dimensión. Estas formas primitivas de arte fueron en su mayoría objetos procedentes de tribus africanas: máscaras, pequeñas esculturas de ídolos, escudos, etc. Es por esta influencia del arte tribal que al Primer Cubismo se le denomina FASE NEGRA. El PRIMER CUBISMO plantea una progresiva abstracción de la realidad, que hace que la imagen pintada equivalga en igualdad de condiciones a la realidad y no que la imagen sustituya falsamente a aquella. En la representación de un espacio absolutamente plano, libre de la tercera dimensión, se presentó el problema de la luz y la sombra en los diferentes planos de la figura. Este se rellenaba mediante rayitas o manchas de color, denominadas según sus formas: plumeado es la que imita un esquema de pluma de ave, facetado la que remite a las facetas de un diamante, respiraciones son los espacios en blanco que unen los planos, cubicado en forma de cuadraditos.

En esta pintura “LAS SEÑORITAS DE AVIGNON” (1907), aparecen en Picasso influencias de “artes clásicos y primitivos”, griegos, africanos que se plasman en una nueva concepción de la estructura pictórica que fue el llamado PRIMER CUBISMO.

CUBISMO ANALITICO. En el Primer Cubismo sus creadores se encuentran con los primeros problemas derivados de sus propias teorías. Estos eran el color, la luz y la dependencia del tema. Así, se acentúa durante los años 1910 a 1912 la tendencia ARQ. LAURA MORENO CHIMELY M.V.   

CARRERA: ARQUITECTURA:     MATERIA: HISTORIA DE LA ARQUITECTURA                                                                                      CONTEMPORANEA    llamada CUBISMO ANALITICO que los lleva a la monocromía, a la eliminación completa del color. Sus cuadros más típicos de esta época son grises, pardos, marrones.

FIGURA (1928)

LA NAGEUSE (1934)

CUBISMO SINTETICO. Esta fase final del cubismo tuvo lugar de 1912 a 1914 y se encargó de llevar a su máximo extremo los postulados que se habían ensayado durante el Primer Cubismo y el Cubismo Analítico. Es el período de los collages, una técnica absolutamente nueva inventada, parece ser, por Picasso, aunque dada la estrecha colaboración que mantenía con Braque durante estos años, hemos de estar precavidos ante cualquier novedad que aún no haya salido a la luz. El collage le sirve a Picasso para conseguir al fin que el cuadro sea realidad, en lugar de sustituir a la realidad. Lo que permite el collage es pegar literalmente trocitos de realidad sobre el lienzo. Además, los trozos pegados (madera, papel, cartulina, plástico, u otros materiales) no necesitan ser coloreados ni iluminados y tampoco proyectan sombra. De un plumazo se han resuelto los problemas tradicionales del cubismo. Respecto a la intención de ocultar al artista para que no oculte con su nombre a la propia obra, el collage también ofrece una solución: cualquiera puede pegar papeles sobre un lienzo, por lo que cualquiera puede ser artista. Tal vez fue esto lo que más ofendió al selecto público y a la crítica especializada, que habían aprendido bien la lección de que "genio no hay más que uno", para que Picasso les lanzara a la cara semejante desafío. El espectador ante el collage no puede limitarse a contemplarlo, sino que ha de reconstruirlo según las pistas o claves que ya se habían dado desde el período cubista analítico, que en el caso del Periódico sobre la Mesa, de Picasso, sería el trocito de periódico real que aparece allí adherido. El ensamblaje podría abrir la vía para una escultura cubista, aunque no llegó a ser así, puesto que por definición la escultura cubista es imposible: la escultura tiene tres ARQ. LAURA MORENO CHIMELY M.V.   

CARRERA: ARQUITECTURA:     MATERIA: HISTORIA DE LA ARQUITECTURA                                                                                      CONTEMPORANEA    dimensiones, y el cubismo es un método para trabajar en dos dimensiones solamente. Tras esta culminación, la investigación se volvía innecesaria, por lo cual Picasso abandonó el lenguaje que había creado para dedicarse a otros campos, aunque lo retomó ocasionalmente para obras muy puntuales, como el caso del Guernika.

GUERNIKA (1937). Más que un cuadro es un cartel en lienzo sin texto ya que no hacía falta, todo estaba escrito en esta impactante imagen.

EXPONENTES. PABLO RUIZ PICASSO. Es el gran genio de la pintura contemporánea. Creador del Cubismo junto a Brque, su capacidad de invención y de creación le sitúan en la cima de la pintura mundial. Inicia sus estudios artísticos dentro de un estilo totalmente académico. Pero rápidamente contacta con grupos modernistas que hacen cambiar su forma de expresión. Picasso es una esponja que todo lo absorbe por eso tiene algunas obras con influencias de todos los artistas que ha conocido. Entre 1901 y 1907 desarrolla la Etapa Azul y la Etapa Rosa caracterizadas por el uso de esos colores y por su temática con figuras sórdidas aisladas, con gestos de pena y sufrimiento. Con solo veinte años Picasso empieza a escapar de las tendencias academicistas, y mientras estudia en la Escuela de Bellas artes de Madrid. Tiene influencias de artes clásicos y primitivos griegos y africanos que se plasman en una nueva concepción de la estructura pictórica: el cubismo. Este es el primer ejemplo de ese estilo. La suavidad y delicadeza con que tradicionalmente se trataba el desnudo femenino se transforma bruscamente en planos y ángulos de una dureza no comprendida para los críticos de la época.

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NATURALEZA MUERTA (1912)

MENINA CON BANDOLIN

MUJER LLORANDO

GEORGE BRAQUE. Además de la pintura su actividad artística se ha desarrollado en la escuela, en el grabado y en la escenografía; está considerado como uno de los más grandes exponentes de la pintura francesa contemporánea. Conoce a Picasso y se hizo partidario del Cubismo. Para el la descomposición cubista fue un redescubrimiento del objeto en su articulación espacial, un medio para tocarlo más que para verlo. Después de la Segunda Guerra Mundial utiliza al cubismo en la figura humana e incluso en desnudos y bodegones. El Color tuvo para él una importancia vital y buscó darle apariencia táctil, paro lo cual mezclaba los colorantes con arena, limaduras de hierro o serrín, e incluso los papeles eran mezclados con colorantes , creando así la pintura del collage. El seguía como todos los cubistas lo siguiente: a) Reducción geométrica: síntesis de las formas en planos simples y elementales. b) Perspectiva octagonal, que deja ver el frente y el lado de las cosas. c) Descomposición de la figura y recomposición en un orden arbitrario.

PIANO Y MANDOLINA (1909) (1912)

VIOLIN Y PALETA (1909)

EL

CLARINETE

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CARRERA: ARQUITECTURA:     MATERIA: HISTORIA DE LA ARQUITECTURA                                                                                      CONTEMPORANEA    JUAN GRIS. Bajo el seudónimo de Juan Gris se esconde una de las figuras más relevantes de la historia del arte español, representa el maestro del cubismo sintético. A través de Picasso, quien por entonces se encontraba investigando sobre el cubismo, conoce a Georges Braque. En 1912 se incorpora al movimiento cubista. Utiliza en su obra se caracteriza por el uso el collage. Tras la Primera Guerra Mundial y un periodo de penurias económicas, su pintura evoluciona hacía el llamado "retorno al orden". Hasta el final de su vida, continúa ilustrando dibujos y grabados en publicaciones de vanguardia y exponiendo en las mejores galerías.

GUITARRA Y MAR

VIOLIN Y GUITARRA

EXPRESIONISMO. El EXPRESIONISMO es una manera de inclinar la balanza de un cuadro desde la forma hacia la expresión del contenido. Potenciar el impacto emocional del espectador a través del colorido, las formas retorcidas, la composición agresiva, etc., son algunos de los objetivos de los artistas que practican esta forma de pintar. Pinturas expresionistas las podemos hallar desde los inicios del arte, siempre que respondan a esta intención de moldear la realidad para volcarse sobre la emoción interior. Así, los rostros de la pintura románica son plenamente expresionistas o las esculturas medievales de monstruos del infierno. Algunos de los grandes maestros de la pintura se consideran expresionistas en este sentido como El Greco cuyas figuras son cualquier cosa menos realistas, Edvar Munch fue un gran cultivador del expresionismo en sus cuadros, así como Van Gogh, algunos cuadros de Gauguin, etc. Según entraba el siglo XX el expresionismo se definió más como corriente característica dentro de los "ismos" de la vanguardia, o mejor, en oposición a ellos, en especial a la mesura racionalista del cubismo. Estos movimientos estuvieron muy ligados a otras formas artísticas, como el teatro, la música y la literatura. El expresionismo estuvo muy ligado a Alemania en la primera mitad del siglo XX. Sin embargo, a partir de 1950, los ARQ. LAURA MORENO CHIMELY M.V.   

CARRERA: ARQUITECTURA:     MATERIA: HISTORIA DE LA ARQUITECTURA                                                                                      CONTEMPORANEA    norteamericanos se apropiaron del nombre en lo que se ha conocido como el Expresionismo Abstracto de los 50 y los 60. En el siglo XX, el término EXPRESIONISMO era utilizado para referirse indistintamente, a cualquier tendencia de vanguardia. Más tarde adquirió un sentido general que definía las obras con temas sobre estados mentales, representados con fuerza tal que se distorsiona la apariencia normal de las cosas y las personas. Las obras expresionistas muestran una inspiración violenta, espontánea, rebelde y apasionada. Finalmente se designó como Expresionismo, ya de un modo mas preciso, la corriente del arte contemporáneo que nació a fines del siglo XIX con Vicent Van Gogh, James Ensor y Edvard Munch, como una expresión de la interioridad de la conciencia, de estilo vehemente fundado en deformaciones voluntarias de la naturaleza, en el cual permanecen la angustia y el simbolismo. EDVARD MUNCH. Pintor noruego, fue la personalidad mas influyente en el inicio del movimiento expresionista alemán. Formado por el academicismo, se vio influenciado por la obra de Van Gogh y Gauguin. La pintura de Munch rechazo los temas neutrales del impresionismo para entregarse a la expresión de estados de ánimo subjetivos, con frecuencia morbosos, que tienen como finalidad explorar el mundo interior de la conciencia humana. Sus temas fueron casi siempre la enfermedad, el alcoholismo, la soledad de la adolescencia y de la vejez, la ansiedad, la decepción y la angustia temáticas que agrupó bajo el título de “El friso de la vida”. Las características de sus obras son: El uso de grandes masas, El predominio de la línea, El contraste violento de colores, La expresividad extrema de rostros y actitudes.

) EL GRITO (1893). Este cuadro resulta el gesto más expresivo del arte contemporáneo para significar el gran desaliento que el hombre moderno sentía ante el fin de siglo y la ARQ. LAURA MORENO CHIMELY M.V.   

CARRERA: ARQUITECTURA:     MATERIA: HISTORIA DE LA ARQUITECTURA                                                                                      CONTEMPORANEA    transición al siglo XX. Munch nos habla de sus sentimientos cuando pintó esta obra. El simbolismo de la imagen es patente en el rostro agitado del protagonista en primer plano, que es casi una calavera que se aprieta el cráneo con las manos para que no le estalle. El empleo de los colores, violentos, arqueados en agresivas bandas de color, es puramente simbólico y trata de transmitir al espectador el agitado estado de ánimo del autor.

MUERTE EN LA HABITACION

LA DANZA DE LA VIDA

VINCENT VAN GOGH. El tesón y las ganas de trabajar con sus más de 800 cuadros en nueve años como pintor definen su biografía. No existen muchos datos sobre su infancia, iniciando sus estudios en 1861. Su vocación comienza a apartir de los 30 años. Admiraba a Millet, a quien considera el padre de la nueva pintura francesa. Parece que sus crisis psíquica fue motivada por motivos amorosos en el transcurso de su vida y la muerte de su padre. El deterioro físico y psíquico de Vincent fue tal que se volcó en la religión tras sus fracasos amorosos, convirtiéndose en un hombre extraño. Se puede definir como una persona con excelentes dotes de pintor pero sus crisis psíquicas lo orillaron a su muerte.

COMEDORES DE PATATAS. Van Gogh presenta una pobre estancia, iluminada por una lámpara de petróleo, en donde los campesinos se sientan a la mesa dispuestos a cenar su ración de patatas. Una de las mujeres vierte el contenido de la tetera en unas tazas blancas. La luz mortecina, el oscuro colorido y la actitud de los personajes convierten la ARQ. LAURA MORENO CHIMELY M.V.   

CARRERA: ARQUITECTURA:     MATERIA: HISTORIA DE LA ARQUITECTURA                                                                                      CONTEMPORANEA    escena en una imagen casi mística, reflejando el estado de ánimo del propio Van Gogh y su contacto con los campesinos.

MUCHACHA BAJO LOS ARBOLES. Este es uno de los primeros lienzos finalizados por Van Gogh. Los colores empleados por el joven artista son oscuros incorporando unas tonalidades vivas que son marca personal del maestro. La pincelada utilizada es muy empastada, llegando a ser en algunos lugares auténticas manchas. Van Gogh recurre a una perspectiva en la que encontramos una gran influencia de la fotografía, concretamente al cortar los planos como observamos en los árboles.

PAUL GAUGUIN. Paul Gauguin, pintor francés. Fue empleado de la bolsa buenos ingresos que le permiten coleccionar pinturas, empezar a pintar y contraer matrimonio. Su primer maestro artístico será Camile Pisarro de cuya mano entra en el grupo impresionista, participando con ellos en varias exposiciones. También le llamará la atención Edgar Degas. En 1882 numerosos agentes de Bolsa son despedidos, entre ellos Gauguin, que empieza a pensar en vivir de su pintura. Estando en la Bretaña francesa cambia su pintura radicalmente iniciando un camino más personal con un colorido más intenso y un mayor simbolismo. El primitivismo y el simbolismo marcan su pintura.

LA VISION TRAS EL SERMON. Se considera como una de las primeras del estilo simbolista en el que empieza a trabajar Gauguin. Fue pintado para una iglesia de la zona ARQ. LAURA MORENO CHIMELY M.V.   

CARRERA: ARQUITECTURA:     MATERIA: HISTORIA DE LA ARQUITECTURA                                                                                      CONTEMPORANEA    pero el párroco la rechazó; en primer plano vemos a una serie de figuras de mujeres bretonas con sus características cofias, en actitud de rezar, mientras al fondo coloca la supuesta visión que tienen las devotas bretonas tras el sermón, donde aparece Jacob luchando con el ángel, siendo esta escena la parte simbólica, aunque el artista represente ambas imágenes de manera simultánea.

EL CRISTO AMARILLO. Realizada durante el otoño de 1889, se inspiró en una talla policromada del siglo XVII, versionada por un escultor local, que encontró en la iglesia de Trémalo, cerca de Pont-Aven. El Cristo se convierte en el protagonista de la escena, con ese color amarillo y las líneas de los contornos muy marcadas, siguiendo la técnica del "cloisonné" inspirada en los esmaltes y vidrieras. Junto a Cristo aparecen tres mujeres bretonas, lo que sugiere que nos encontramos ante una nueva visión provocada por la intensa devoción de las mujeres.

LA BELLA ANGELICA. Excelente retrato de Marie-Angelique Satre realizado durante la segunda estancia en Bretaña (1889). La retratada aparece desplazada hacia un lateral, dentro de un óvalo, eliminando así la perspectiva por lo que recuerda a los grabados japoneses. El simbolismo que define la pintura de Gauguin se aprecia aquí en el fondo, donde observamos unas flores sobre azul lila que representan la inocencia de la retratada, junto a una cerámica que sería el recuerdo de lo primitivo. ARQ. LAURA MORENO CHIMELY M.V.   

CARRERA: ARQUITECTURA:     MATERIA: HISTORIA DE LA ARQUITECTURA                                                                                      CONTEMPORANEA    BASILIO KANDISKY. Nace en Moscú el 4 de diciembre 1866, estudia derecho y economía. En 1896 se traslada a Munich para estudiar arte en la Academia. Al estallar la Primera Guerra Mundial vuelve a Moscú donde se dedicó más a la teoría que a la práctica pictórica. Sin embargo, la obra de los constructivistas dejó huella en la obra posterior del pintor ruso. En 1921 abandona el país para aceptar, un año después, un puesto docente en la Bauhaus de Weimar. En esta época su obra es más disciplinada, alejándose de la anterior influencia de la vanguardia rusa. En 1933, cuando el gobierno nacional socialista cerró la Bauhaus, Kandinsky se instaló definitivamente en Francia, donde muere el 13 de diciembre de 1944 . Se le considera el padre del expresionismo abstracto, tanto teórico como artístico.

IMPROVISACION 7

STABLES

PAUL KLEE. Fue, además de pintor, grabador. Aunque nació en Suiza, estudió en Munich;viajó por Italia y Francia, pero desarrolló su actividad artística en aquella ciudad alemana. En 1913 se sintió atraido por el cubismo y al hacer un viaje por el norte de Africa comprendió la importancia del color en la pintura contemporánea, produciendo su obra Senecio, que es una pintura al óleo, de composición circular, donde a base de planos geométricos produce dos impresiones diferentes del mirar humano. Sus cuadros mágicos son composiciones de colores contrapuestos. De esta etapa de los años veintes son las pinturas La aventura de una joven, El teatro de las marionetas y Joven Obesa. En París participó en la primera exposición de los surrealistas y durante los años treinta fue profesor de arte. En la última etapa de su vida se siente atraido por la pintura de Kandisky y se observa un mayor hermetismo en su pintura. Desarrolló las pinturas de Madre e Hijo, Embriaguez y Naturaleza muerta.

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SENECIO

MUERTE Y FUEGOFRANZ MARC.

Nació en Munich y estudió en la Academia de esta ciudad alemana. Fue un gran viajero; estuvo en Francia, Italia y Grecia, y con Kandisky fundó el célebre grupo Der Blau Reiter (El caballero azul). En su pintura hay una gran riqueza de cromatismo, influido sin duda por la pintura órfica de los Delaunay. En sus telas como Torre de los caballos azules, El nacimiento de los caballos y Composición, se observa como en Marc existe verdadera obsesión por los temas relacionados con los animales.

          LA TORRE DE LOS CABALLOS AZULES   

 

                   MADERA 

DADAISMO.  Durante la Primera Guerra Mundial, en 1916, un grupo de escritores y artistas europeos, inconformes con la situación política y social de sus países que obstaculizaba su tarea artística, lanzaron agudas críticas contra la sociedad de su tiempo, que por haber sido capaz de producir aquella devastadora guerra era por tanto una sociedad malvada, cuya filosofía y cultura, en severa crisis, deberían destruirse totalmente. En base a estas ideas fue creado el DADAISMO, término derivado del vocablo “DADA” que aquellos intelectuales eligieron para autonombrarse y que se ha traducido generalmente como “caballito de cartón”. INTRODUCCION. El DADAISMO fue una actitud más que un estilo, un movimiento internacional literario y artístico desarrollado entre los años 1915 y 1922 y fundado por el pintor Hans Arp, el poeta Tristán Tzara y otros escritores. Simultáneamente en New York Marcel Duchamp y Francis Picabia fundaron un grupo similar y en 1918 se reunieron los ARQ. LAURA MORENO CHIMELY M.V.   

CARRERA: ARQUITECTURA:     MATERIA: HISTORIA DE LA ARQUITECTURA                                                                                      CONTEMPORANEA    dos grupos en Suiza y publicaron el “Manifiesto Dadaísta”, donde exponían su visión del mundo y las características de la nueva corriente. CARACTERISTICAS. Debía verse un acto de provocación en la actividad DADAISTA. Sus exponentes buscaban destruir el arte establecido, recurriendo a diversas estrategias. Se burlaban de los objetos artísticos que habían sido venerados durante siglos y tomaban objetos de uso cotidiano como botellas, ruedas de bicicleta, lavabos, etc. Presentándolos como objetos artísticos. DEFINICION. El DADAISMO tenía como objetivo un vacío del espíritu que persigue el derrumbamiento de lo existente; también pretende sembrar la confusión y dice que los llamados valores de la cultura occidental no tienen sentido empezando por el arte . PRINCIPALES EXPONENTES. TRISTAN TZARA. Escritor francés nacido en Rumania y conocido principalmente por haber sido el fundador del movimiento dadaísta. Primero en Zürich y más tarde en París, Tzara escribió los primeros manifiestos del movimiento, en los que proponía una nueva forma, juguetona e irónica de concebir el arte. Durante la segunda guerra mundial, combatió en la Resistencia francesa y, una vez terminada la guerra, desplazó su visión poética hacia los problemas más reales que amenazaban a la humanidad. Se integró con los artistas surrealistas a partir de 1930. Murió en 1963. JEAN ARP. Escultor, pintor y poeta francés. Nació en 1887 en Estrasburgo y en su juventud formó parte de varios movimientos de vanguardia del siglo XX. Estudió arte en Weimar y París entre 1905 y 1909, y después permaneció pintando en Suiza. En 1912 se integró al grupo expresionista de Munich “El jinete azul”. Durante 1915 y 1916 la obra de Arp estuvo dedicada a dibujos y tapices abstractos. En 1916 fue uno de los fundadores del movimiento dadaísta en Zurich. En 1917 transformó su estilo hacia una abstracción de formas curvilíneas que caracteriza su obra posterior, la más conocida actualmente.

EL ENTIERRO DEL PAJARO Y LA MARIPOSA BIRDS IN AQUARIUM HANNA HOECH. Artista alemana. Nació en Berlín en 1889. Única mujer que participó activamente en el movimiento dadaísta. Fue una de las precursoras del fotomontaje que, a través de su obra, ejerció una crítica a la sociedad alemana desde los años 20 hasta la época posterior a la segunda guerra mundial. Más tarde su obra profundizó más en la abstracción y, finalmente, retomó el tema de la mujer y durante sus últimos años realizó obras en las que sobresalen como tema mujeres en estado de miseria física o espiritual. Murió en 1978.

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LA COQUETA II

PRETTY MAIDEN

MARCEL DUCHAMP. Además de ser uno de los grandes exponentes del cubismo lo fue también del Dadaísmo; perteneció a una familia de artistas y se inició este pintor francés como caricaturista e impresionista. La obra que le dio celebridad fue Desnudo bajando una escalera de la tendencia Cubista. Fue el creador de los Ready Made, osea objetos vulgares que con el toque del artista adquieren un valor estético. Casi toda su producción y por deseo del pintor se encuentra en el Museo de Filadelfia.

BICYCLE WHEEL

FOUNTAIN

LHOOQ

FRANZ PICABIA. Artista y escritor que nació en París en 1879, de padre cubano y madre francesa. Su obra puede insertarse dentro de varios estilos: cubismo, fauvismo, dadaísmo, surrealismo y arte abstracto. También utilizó distintas técnicas: óleo, acrílico, dibujo y collage. Como escritor participó en diversas revistas de vanguardia. También colaboró con Eric Satie en el montaje de un ballet y con René Clair en la película Entreacto. Murió en 1953.

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PEQUEÑA SOLEDAD

MUJER CON CERILLOS

PORTRAIT OF CEZANNE

MAN RAY. Pintor y fotógrafo estadounidense. Nació en Filadelfia, estudió en la Academia Nacional de Diseño de Nueva York y expuso por primera vez en 1912. Junto a su amigo, el pintor francés Marcel Duchamp, participó en la creación del grupo Dadá de Nueva York, en 1917. Bajo la influencia de Duchamp, comenzó a trabajar con materiales y técnicas nuevas, como por ejemplo, pintar con aerógrafo sobre cristal y otras superficies. Promovió el arte realizado con piezas móviles. Viajó a París en 1921 y desarrolló los rayogramas, consistentes en imágenes abstractas realizadas mediante la colocación de objetos sobre superficies sensibles a la luz. Desarrolló, también, la técnica de solarización, que invierte los márgenes de luz y sombra de la fotografía. Pasó sus últimos años en Francia, donde experimentó con las nuevas técnicas de fotografía. Murió en 1976.

T SQUARE

THE GIFT

RAYOGRAMA

SURREALISMO. INTRODUCCION. Esta corriente deriva directamente del DADAISMO y se inició a partir de 1924 y continuó durante la década de 1930; pretende representar lo espontáneo y el inconsciente. Fue inicialmente una corriente intelectual derivada del psicoanálisis de Sigmund Freud. Andre Bretón escritor francés publica el primer manifiesto y lo definió como un automatismo psíquico puro al margen de todo control de la razón. El artista tiene ARQ. LAURA MORENO CHIMELY M.V.   

CARRERA: ARQUITECTURA:     MATERIA: HISTORIA DE LA ARQUITECTURA                                                                                      CONTEMPORANEA    libertad absoluta de expresión y elaboración y su fuente inspiradora tiene que buscarla en el sueño, el cual se encuentra fuera de todo orden moral, religioso o estético. Por ello la imaginación convierte en real la lógica del absurdo. La imaginación no tiene límite en el surrealismo, pero así como el Dadaísmo era negativo, el SURREALISMO en cambio busca una riqueza donde lo infranqueable es material para el artista. La mayoría de los pintores contemporáneos han sido surrealistas. El gran precursor de esta tendencia fue Jorge de Chirico cuando creó su pintura metafísica; también la pintura de Frottages de Max Ernst que procuraba obtener por esta técnica figuras inesperadas. La última expresión del Surrealismo es el Grupo Cobra, creado en 1949, aunque dentro de la corriente expresionista. DEFINICION. El concepto fundamental del SURREALISMO es el automatismo, basado en una especie de dictado mágico, proveniente del inconsciente, gracias al cual surgen poemas, ensayos y obras en prosa, dentro de la vertiente literaria y los pintores y escultores aplicaron el mismo método para realizar sus composiciones. PRINCIPALES EXPONENTES. JORGE DE CHIRICO. Nació en Grecia. Su formación se inicia en 1906 en la ciudad de Munich, donde conoce la cultura alemana. Estudia la filosofía de Nietzsche, y la pintura románica. Sus primeras composiciones parten de estos postulados y de una gran admiración por las construcciones clásicas de los que salen esas escenografías en sus cuadros. A pesar de sus conocimientos sobre las vanguardias parisinas, en concreto del cubismo, eso no le causó ningún interés y prefirió realizar una pintura más personal basada en visiones oníricas. En éstas existen grandes escenarios arquitectónicos que ofrecen un carácter mágico a la escena, repletos de elementos cotidianos, de personajes como los maniquíes, etc En 1916 conoce a Carlo Carrá y comienzan a formular la teoría metafísica. Así nacen obras como Interiores metafísicos, El gran metafísico o Héctor y Andrómaca. Más tarde, su introducción en el movimiento surrealista viene de la mano del propio grupo, que ve en sus obras algunos de los postulados que ellos mismos apuntaban. En 1925 participa en la primera exposición surrealista. Posteriormente, De Chirico rechaza sus propias investigaciones e incluso el arte contemporáneo comenzando así el llamado periodo neobarroco, compuesto sobre todo por elementos arqueológicos y caballos.

LAS MUSAS SORPRENDIDAS

CANCION DE AMOR

EL FILOSOFO

MAX ERNST. Artista alemán nacionalizado francés que fue una figura fundamental tanto en el movimiento DADA como en el SURREALISMO. Se caracterizó por la utilización de una extraordinaria diversidad de técnicas, estilos y materiales. Nacido en Brühl, en 1909 ingresó en la Universidad de Bonn donde estudió filosofía y psiquiatría. Se alistó en el ARQ. LAURA MORENO CHIMELY M.V.   

CARRERA: ARQUITECTURA:     MATERIA: HISTORIA DE LA ARQUITECTURA                                                                                      CONTEMPORANEA    ejército alemán durante la I Guerra Mundial. Cuando Ernst dejó el ejército ya había surgido en Suiza el movimiento dadá; atraído por la revolución dadaísta contra lo convencional, Ernst se instaló en Colonia y comenzó a trabajar en el collage. En 1922 se trasladó a vivir a París, donde comenzó a pintar obras surrealistas en las que figuras humanas de gran solemnidad y criaturas fantásticas habitan espacios renacentistas realizados con detallada precisión. En 1925 inventó el FROTTAGE (que transfiere al papel o al lienzo la superficie de un objeto con la ayuda de un sombreado a lápiz); más tarde experimentó con el GRATTAGE (técnica por la que se raspan o graban los pigmentos ya secos sobre un lienzo o tabla de madera). Ernst fue encarcelado tras la invasión de Francia por los alemanes durante la II Guerra Mundial; en la prisión trabajó en la DECALCOMANIA, técnica para transferir al cristal o al metal pinturas realizadas sobre un papel especialmente preparado. En 1941 emigró a Estados Unidos con la ayuda de Peggy Guggenheim, que se convertiría en su tercera esposa en 1942. En 1953 regresó a Francia y a partir de entonces sus obras gozaron de una notable revalorización. A lo largo de su variada carrera artística, Ernst se caracterizó por ser un experimentador infatigable. En todas sus obras buscaba los medios ideales para expresar, en dos o tres dimensiones, el mundo extradimensional de los sueños y la imaginación.

ELEFANTE

EL BESO

EL SOMBRERO HACE AL HOMBRE

RENE MAGRITTE. Nace en Bélgica en 1898. A los 14 años su madre se suicida y lo marca para siempre. En 1916 se inscribe en la Academia de Bellas artes de Bruselas. Se inclina hacia la tendencia cubista y futurista. Tiene una influencia marcada de Canción de Amor (pintura de Chirico). A partir de 1926 comienza a pintar de modo Surrealista. Mas adelante comienza a desarrollar lo que denominó su estilo “Solar”. En 1925 dirije la publicación sobre arte denominada la Carta después de la Naturaleza. En 1965 comienza a declinar su salud y muere en Italia. Mas que SURREALISMO, su trabajo es producto de un lenguaje particular que fue desarrollando y mejorando a través de los años. Su técnica meticulosa y sumamente habilidosa le permitió elaborar la yuxtaposición extraordinaria de objetos habituales en un contexto inusual, haciéndolos adquirir un sentido especial y particular. Se denomina a esta yuxtaposición REALISMO MAGICO. Desarrolla también un ingenio para crear versiones surrealistas de obras clásicas sumamente conocidas.

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VOCES DEL ESPACIO

EL RECUERDO

EL ARTE DE VIVIR

SALVADOR DALI. Pintor surrealista español nacido en Figueras, Gerona, el 11 de mayo de 1904. En 1921 ingresó en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando (Madrid), de donde fue expulsado en 1926. En esa época vivió en la Residencia de Estudiantes de Madrid, donde se relacionó con Federico García Lorca, Luis Buñuel, Rafael Alberti, José Moreno Villa y otros artistas. En 1929, instalado en París, donde conoció a Pablo Picasso, se adhiere al SURREALISMO, aunque los miembros principales del movimiento expulsarían finalmente a Dalí por sus tendencias políticas derechistas. La producción de Dalí de este periodo se basa en su método "paranoico-crítico", inspirado en buena parte en las teorías de Freud: representación de imágenes oníricas y objetos cotidianos en formas compositivas insospechadas y sorprendentes. Dalí se trasladó a Estados Unidos en 1940, donde permaneció hasta 1948. Sus últimas obras, a menudo de contenido religioso, se realizan en un estilo más clásico, entre ellas cabe citar la Crucifixión y La Última Cena. La técnica pictórica de Dalí se caracteriza por un dibujo meticuloso, una minuciosidad casi fotográfica en el tratamiento de los detalles, con un colorido muy brillante y luminoso. Dalí realizó varias películas surrealistas en colaboración con Buñuel como El perro andaluz (1928) y La edad de oro (1930), libros ilustrados, diseños de joyería así como escenografías y vestuarios teatrales. También escribió libros autobiográficos como La vida secreta de Salvador Dalí (1942) y Diario de un genio (1965). Fue miembro de la Academia Francesa de Bellas Artes desde 1979. Murió el 23 de enero de 1989 en Figueras.

CANIBALISMO

CRUCIFIXION

LIGHTED GIRAFFES ARQ. LAURA MORENO CHIMELY M.V. 

 

CARRERA: ARQUITECTURA:     MATERIA: HISTORIA DE LA ARQUITECTURA                                                                                      CONTEMPORANEA   

JOAN MIRO. Genio y figura del movimiento surrealista, Joan Miró es uno de los artistas más destacados que ha producido España. Nació en 1893 en Barcelona. Aunque desde su más tierna infancia demostró una afición única por el arte, a los 14 años su progenitor lo inscribió en la Escuela de Comercio. A los 17 años nuevamente la familia lo fuerza a alejarse de su pasión y a emplearse en una droguería, lo que repercute en su ánimo y lo hace enfermar. Pero en cuanto se recupera, lo dejan cumplir su sueño y acude a la Escuela de Arte de Francesc Galí, quien de inmediato captó las habilidades del alumno, en especial en lo que a uso del color se refiere. Fue en 1918 cuando el joven creador monta su primera exposición individual, para un par de años después (1920) emprender viaje a París, donde se contactó con los surrealistas y, entre otros, conoce a Pablo Picasso. Ahí lleva una vida sencilla y austera y comienza a trabajar en un taller compartido, pero la clave está en que bajo la influencia de poetas y escritores de aquella corriente fue desarrollando y madurando su propio estilo, llamado también abstracción bifórmica. Su segunda muestra resultó un fracaso para el artista. A pesar de esto Miró sigue adelante y arrancando de la memoria, de la fantasía y de lo irracional, crea sus obras, que son transposiciones visuales de la poesía surrealista. Con sus criaturas imaginarias se hace de admiradores en la intelectualidad gala. Las visiones oníricas de Miró, propias del período surrealista, se distinguen en algunas de sus obras que a menudo comportan una visión fantástica, conteniendo imágenes distorsionadas de animales jugando, formas orgánicas sobre neutros fondos planos y están pintados con una gama de brillantes azules, rojos, amarillos, verdes y negros. En ellas, se organizan sin una lógica siluetas amorfas con líneas acentuadas, puntos o roscas. En una etapa posterior, ya más personal, produjo situaciones más etéreas en las que las formas y figuras orgánicas se reducen a puntos, líneas y explosiones de colores abstractos.

CARNAVAL DEL ARLEQUIN

CHIFRES CONSTELACIONES

EXPRESIONISMO ABSTRACTO. Este movimiento se da en los años 40. Nace en Nueva York y termina con el nombre de "Action Painting" debido al liderazgo de Jackson Pollock quien reduce su arte a la acción de pintar. Trata de expresar la angustia de la vida en la ciudad y de reorganizar el manejo del espacio, dando además una gran importancia a la espontaneidad del gesto del pintor. Pollock, en particular, inventa diferentes técnicas como el "dripping", o goteo, y llena sus obras de manera que la atención del espectador se pierda en la totalidad del cuadro, dando la impresión que el cuadro podría seguir más allá de sus propios limites. ARQ. LAURA MORENO CHIMELY M.V.   

CARRERA: ARQUITECTURA:     MATERIA: HISTORIA DE LA ARQUITECTURA                                                                                      CONTEMPORANEA    El desarrollo de esta corriente estaba muy lejos de ser estilísticamente uniforme, pues no constituyó un movimiento o escuela en sentido estricto, ya que cada uno de sus representantes adoptó características particulares; a pesar de ello, es posible distinguir cuatro direcciones o facetas dentro de esta tendencia: 1) La gestual o de acción de Pollock y de De Kooning. 2) La Sígnica o caligráfica de Kline. 3) La de los Logic Color Painters, es decir , la del espacialismo cromático de Rothko. 4) La Surrealista de De Kooning. PRINCIPALES EXPONENTES. JACKSON POLLOCK. Vivió en Arizona y California durante su infancia y adolescencia, interesándose por el trabajo de los indios navajos. Introduce el dripping en sus trabajos, técnica consistente en las salpicaduras y goteos de color sobre un lienzo tendido en el suelo, y se consolida como líder del action painting. Sus obras constituyen un significativo ejemplo de informalismo que influirá decisivamente en los pintores de la vanguardia de fin de siglo tanto en Europa como en América, al convertirse en una figura legendaria de la Escuela de Nueva York, dedicándole diversas exposiciones retrospectivas en los más importantes museos de arte moderno del mundo.

AUTUMN RHTYM NUMBER 30

EYES IN HEAT

WILLEM DE KOONING. Inició sus estudios artísticos en Holanda, primero como decorador y después en la Academia de Artes Plásticas en Bélgica, para trasladarse con 22 años a Estados Unidos y establecerse en Nueva York. Tras la Segunda Guerra Mundial se convertirá en uno de los máximos exponentes de la nueva "action painting" norteamericana, junto a Jackson Pollock. Sus trabajos se han encaminado a dos temáticas fundamentales: el paisaje, tanto urbano como rural, simplificado de tal manera que alcanza la abstracción, y la figura femenina, presentada de forma desgarrada y castigada con salvaje crueldad para convertirse en el elemento más original de su producción.

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CARRERA: ARQUITECTURA:     MATERIA: HISTORIA DE LA ARQUITECTURA                                                                                      CONTEMPORANEA   

COMPOSITION

EXCAVATION

WOMAN IV

FRANZ KLINE. Pintor americano, asociado al Expresionismo Abstracto, que nació en 1910 en Pennsylvania. Estudia pintura en la Universidad de Boston entre 1931 y 1935 y en 1937 viaja a París y a Londres. De vuelta a los Estados Unidos se establece en Nueva York, donde el ambiente urbano inspira sus primeros óleos y acuarelas, pintados en un estilo realista. En 1946 inicia su aproximación a la pintura abstracta, en una línea paralela a la de De Kooning donde la armazón casi académica de líneas y planos da paso a una estructura pictórica facetada como en The Dancer de 1946. Con el tiempo introduce marcas caligráficas. Su pasión por el dibujo aflora en los años cuarenta... Un día, en 1949, mirando algunos de sus dibujos ampliados por un proyector opaco se da cuenta de las posibilidades que estos tienen ampliándolos, como imágenes abstractas libres, de aquí surgen sus grandes lienzos característicos, en blanco y negro, pintados con brochas de pared. Estos trabajos se exponen por primera vez en la galería Egan en 1950, alcanzando con ellos una inmediata notoriedad. Estas obras de Kline representan una forma de expresión absolutamente individual y es una de las mayores contribuciones al desarrollo del expresionismo abstracto. Su obra tiene un gran impacto en los escultores constructivistas de los años sesenta, debido al sabio equilibrio logrado entre los blancos y negros, que estudiado en profundidad, deviene en una estructura compuesta por sólidos blancos en huecos negros. Muere en mayo de 1962.

NEW YORK

UNTITLED

PAINTING TWO

POP ART. ARQ. LAURA MORENO CHIMELY M.V.   

CARRERA: ARQUITECTURA:     MATERIA: HISTORIA DE LA ARQUITECTURA                                                                                      CONTEMPORANEA    El POP ART es un movimiento artístico iniciado en Estados Unidos hacia el año 1960 en las ciudades de Nueva York y Los Angeles, a partir de temas abordados en los años 50s por algunos artistas ingleses, especialmente Richard Hamilton. Pop Art significa “Arte Popular” creado por la publicidad de masas. Sus temas fueron extraídos de la propaganda industrial, de la tecnología y de la ciencia ficción, se componía de autos cromados, aviones, anuncios fluorescentes de grandes comercios, tipografías chillonas, comics, etc. Las técnicas utilizadas fueron libres, desde el collage, el frottage, hasta las técnicas pictóricas y escultóricas convencionales. El Pop Art se arraigó en E.U.A., adquiriendo su desarrollo en la década de los 60s. El movimiento no fue bien acogido por la crítica norteamericana, pues daba la sensación de que los artistas Pop echaban por tierra los logros alcanzados en los 50s por los expresionistas abstractos. A pesar de la resistencia el Pop Art acabó por implantarse y consiguió llegar al públicos e interesar a los grandes coleccionistas y comerciantes de arte de New York. Se convirtió en uno de los elementos para hacer frente al entorno urbano norteamericano. PRINCIPALES EXPONENTES. ROBERT RAUSCHENBERG El arte de Robert Rauschenberg siempre ha sido una inclusión reflexiva. El haber trabajado con un amplio abanico de temas, estilos, materiales y técnicas, le ha hecho merecer el calificativo de precursor de prácticamente todos los movimientos de la posguerra desde el expresionismo abstracto americano. Y sin embargo, ha sabido mantenerse independiente de cualquier afiliación concreta. Al inicio de su carrera artística a finales de los 40, su creencia en que la pintura guarda relación tanto con el arte como con la vida planteó un desafío directo a la estética moderna dominante. Los famosos Combinados (Combines) iniciados a mediados de los 50 introdujeron imágenes y objetos del mundo real en el reino de la pintura abstracta e hicieron frente a divisiones aprobadas entre la pintura y la escultura. Estas obras establecieron el diálogo continuo del artista entre los medios, entre lo artesano y lo readymade (ya hecho), y entre la técnica gestual del pincel y la imagen mecánicamente reproducida. El compromiso de colaboración que desde siempre ha mantenido con actores, impresores, ingenieros, escritores, artistas y artesanos de todo el mundo es una manifestación más de su expansiva filosofía artística.

TRACER MIGRATION JASPER JOHNS. Poco se sabe de la vida de Jasper Johns, hombre reservado y celoso de su intimidad, antes de su consagración artística. Nació en 1930 en Augusta, Georgia, en el corazón del Deep South americano. Incorporado al ejército, se le destina al Japón, ARQ. LAURA MORENO CHIMELY M.V.   

CARRERA: ARQUITECTURA:     MATERIA: HISTORIA DE LA ARQUITECTURA                                                                                      CONTEMPORANEA    donde permanece hasta 1952. Aunque algún débil rastro de influencia japonesa pueda percibirse en algunas obras muy posteriores, es posible que se deba más a la que mantuvo con el músico John Cage, uno de los personajes centrales de la vanguardia americana cuyo interés por el budismo zen es bien conocido, que a su experiencia directa de la cultura nipona.

FALSE START

MAP

SUMMER

ROY LICHTENSTEIN. Pintor estadounidense del Pop Art, artista gráfico y escultor, conocido sobre todo por sus interpretaciones a gran escala del arte del cómic. Nació en Nueva York y obtuvo el doctorado en Bellas Artes por la Universidad estatal de Ohio en 1949. Sus primeras obras eran de estilo expresionista abstracto, pero después de 1957 comenzó a experimentar con imágenes tomadas de los cómics que había en los papeles de envolver chicles, libremente interpretadas y mezcladas con imágenes sacadas de los cuadros del Viejo Oeste de otro artista estadounidense, Frederick Remington.

DR. WALDMAN

JAR APPLES

ANDY WHAROL. Nació en 1928 en la ciudad de Pittsburg. Artista, dibujante, pintor, grafista, cineasta, fotógrafo, productor musical y empresario que encarna el espíritu del Pop Art. En 1960 empieza a pintar personajes de comic, al mismo tiempo que lo hace Lichtenstein. Se convierte en un personaje imprescindible de la escena artística y social neoyorquina. La obra de Warhol es fiel exponente del mundo moderno, en ella la reproducción, la pérdida de originalidad y la disponibilidad de imágenes son arte "el arte comercial es mucho mejor que el arte por el arte", convencido de ésto creo la Factory, un taller creativo ARQ. LAURA MORENO CHIMELY M.V.   

CARRERA: ARQUITECTURA:     MATERIA: HISTORIA DE LA ARQUITECTURA                                                                                      CONTEMPORANEA    donde concurrían artistas plásticos, actores, músicos y gente que, al igual que él, creían que el arte no es más que lo que los espectadores consumen. El análisis de su obra queda perfectamente descifrado en sus palabras: "todo el significado de mi obra está en la superficie, detrás no hay nada".

VEGETABLE SOUP

MARYLIN

RASCACIELOS. Un Rascacielos es un edificio particularmente alto y es continuamente habitable. A menudo también se les llama rascacielos a aquellos edificios que destacan por su altura sobre los de sus alrededores, esto último se fundamenta en la definición del Council on Tall Building and Urban Habitat (CTBUH). "La altura de los rascacielos es un término relativo, generalmente comparativo con el contexto. El primer edificio considerado como tal no tenía más que 5 alturas y ahora se han alcanzado casi los 500 m de altura. No existe una medida internacional, aunque si una definición dada por el Council on Tall Building and Urban Habitat (CTBUH) con base en Pennsylvania que dice que un rascacielos “es un edificio en el que lo vertical tiene una consideración superlativa sobre cualquier otro de sus parámetros y el contexto en que se implanta.” Hoy en día el significado es mezcla de lo anterior." También existe un criterio basado en altura bastante popular, situando el límite inferior en 152.5 m de altura. A partir de 305 m un edificio suele ser considerado rascacielos. La razón de su construcción es el máximo aprovechamiento económico del suelo. Por ello, suelen encontrarse múltiples rascacielos agrupados en las zonas comerciales o residenciales de grandes ciudades, donde el valor del suelo es elevado. Los inventos que permitieron la construcción de rascacielos fueron el acero, el concreto armado, el cristal, la bomba hidráulica y los ascensores. Antes del siglo XIX los edificios de más de seis plantas eran raros, ya que su excesiva altura los hacía poco prácticos. Además, los materiales y técnicas necesarios para construir un rascacielos son notablemente diferentes de los empleados en edificios normales. Los primeros rascacielos aparecieron a finales del siglo XIX en ciudades con altos índices de población como Nueva York, Londres o Chicago. Sin embargo, los constructores de ARQ. LAURA MORENO CHIMELY M.V.   

CARRERA: ARQUITECTURA:     MATERIA: HISTORIA DE LA ARQUITECTURA                                                                                      CONTEMPORANEA    Londres y Chicago se encontraron con normas que limitaban su altura, y en Europa continental hubo dudas acerca de su seguridad frente a incendios o estética, por lo que en los primeros años del siglo XX Nueva York fue la ciudad líder en este tipo de construcciones. El primer edificio que podría ser considerado rascacielos es el Home Insurance Building, diseñado por el estadounidense William Le Baron Jenney. Fue construido entre 1884 y 1885 y constaba de diez plantas. No obstante, hoy en día su altura no resulta impresionante y, de hecho, si fuera construido en la actualidad no sería considerado rascacielos. Otro posible candidato a primer rascacielos sería el New York World Building, de veinte plantas y construido en Nueva York en 1890.

Home Insurance Building, (destruido 1931) Sin embargo, para los estándares modernos, el primer rascacielos auténtico sería el Singer Building de Nueva York, construido en 1908. A partir de los años 30 comenzaron a aparecer rascacielos en ciudades de Iberoamérica (Ciudad de México, São Paulo, Buenos Aires, Caracas, Panama, Bogotá) también en Asia (Shanghai, Hong Kong).

Singer Building, NY, (demolido) Tras la Segunda Guerra Mundial la Unión Soviética planificó la construcción de ocho grandes torres (las Torres Stalin), siete de las cuales fueron llevadas a cabo. El resto de Europa comenzó también a construir grandes edificios, comenzando con Madrid en 1950. El Burj Dubai será la construcción más alta creada por el hombre cuando se concluya en 2009 de 808 metros de altura aproximadamente . ARQ. LAURA MORENO CHIMELY M.V.   

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UNIVERSIDAD ESTATAL DE MOSCU Debido a este auge en las dimensiones de los edificios, otros países se han dado a la tarea de construir edificios aun más altos, algunos de ellos, superando el kilómetro de altura. La propuesta más impresionante es otro edificio en Dubai llamado Al Burj el cual mediría, si se concreta su construcción, 1200 metros de altura.

BURJ DUBAI

TOWER SEARS

CTBA MADRID

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CARRERA: ARQUITECTURA:     MATERIA: HISTORIA DE LA ARQUITECTURA                                                                                      CONTEMPORANEA   

TORRE AGBAR

TURNING TORSO

BURJ AL ARAB, DUBAI

HOTEL BALI III, BARCELONA

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