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• Paula Najmias

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ROMANTICISMO PINTURA La pintura romántica sucede a la pintura neoclásica de finales del XVIII, con unos nuevos gustos desarrollados por todas las facetas artísticas del Romanticismo como la literatura, la filosofía y la arquitectura. Está hermanada con los movimientos sociales y políticos, que ganaron cuerpo con la Revolución francesa. El término romántico, surgido en Francia en el siglo XVII para referirse a la novela, fue adaptado a principios del siglo XIX a las artes plásticas, en contraposición al neoclasicismo imperante. El romanticismo en la pintura se extiende desde 1770 hasta 1870, prácticamente cien años

Características de la pintura romántica   

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Los pintores del romanticismo rompieron con el viejo canon pictórico académico. Utiliza diferentes técnicas: el óleo, acuarelas, grabados y litografías. La textura comienza a ser valorada en sí misma y aparecen las superficies rugosas junto con las formas más sutiles. La pincelada es libre, viva y llena de expresividad. Se recupera la potencia sugestiva del color, liberándose las formas y los límites excesivamente definidos. Predomina el carácter de los colores frente a la línea. El color pasa a ser el agente emocional de primer orden. La luz es importantísima y se cuidan sus gradaciones dando un carácter efectista y teatral. Las composiciones tienden a ser dinámicas, marcadas por las líneas curvas y los gestos dramáticos. Algunos autores prefieren esquemas geométricos más reposados. En cuanto a los temas lo característico es la variedad, aunque existen características generales sobre el tratamiento de los temas: Surge el exotismo de la memoria de un misterioso y glorioso pasado que incluye desde la antigua Grecia hasta la edad Media, en especial la época gótica. El gótico es el estilo por excelencia. En la pintura se recogen arquitecturas góticas, leyendas, momentos históricos, etc. Muchos de los artistas de la época pintan fuera de sus talleres para tener contacto directo con la naturaleza.

Pintura por países, artistas más relevantes y sus obras más destacadas PINTURA Y ROMANTICISMO INGLÉS Los pintores y dibujantes ingleses de la primera época se caracterizaron por una búsqueda en lo inconsciente y lo irracional. Inglaterra aporta su contribución a la pintura del paisaje romántico, trabajan fuertemente de a partir de la importancia del contacto directo con la naturaleza, porque hasta entonces los paisajes eran reconstruidos en el taller del artista. Ahora los artistas salen y se ponen en

contacto con la naturaleza, pintan paisajes que traslucen los sentimientos que estos generan. Los verdaderos renovadores del paisajismo fueron William Turner y John Constable. Otro artista destacado es Johann Heinrich Füssli, que proviene del neoclasismo pero es influido por el romanticismo. Sus paisajes están llenos de manchas de colores y se preocupa sobre todo por captar los efectos de la luz y las cambiantes condiciones atmosféricas a través de una técnica rápida y precisa. Se preocupan por el color y la luz, que utilizan de manera revolucionaria al representar los medios por los que el color parece propagarse a través de la atmósfera: niebla, nubes, vapor y humo.

“Tormenta de nieve en el mar” - William Turner

“El carro del heno” - John Constable

PINTURA Y ROMANTICISMO FRANCÉS El neoclásico fue el arte oficial del imperio. Cuando cayó Napoleón el romanticismo logra imponerse. Después de la epopeya napoléonica se modifica la concepción de la historia. Ya no hay heroísmo ni triunfos en los cuadros, sino desesperación, muerte y desastre. La pintura romántica francesa es una alegoría sobre una Francia a la deriva tras la caída de Napoleón.

EL ROMANTICISMO ALEMÁN: LOS NAZARENOS, OTTO RUNGE Y CASPAR DAVID FRIEDRICH. En Alemania, donde la pintura estaba dominada por los principios neoclásicos, surgió un grupo que creó una hermandad de carácter estético-religioso,  Los nazarenos. Estos artistas practicaban un arte espiritualista cristiano y vivían en comunidad con el fin de regenerarse artísticamente volviendo al estilo de los pintores italianos del Quattrocento. Entre los Nazarenos destacaron Friedrich Overbeck (1.789-1.869), Peter Von Cornelius (1.7831.867) y Julius Schnorr Carolsfeld (1.794-1.872). Esta obra se llama Germania e Italia, de Friedrich Ovenberck. Plasma la atracción del norte hacia el sur, y presenta este sentimiento como el hermanamiento artístico y cultural de los pueblos alemán (Germania) e Italiano (Italia).

 Caspar David Friedrich (1.774-1.840)  De personalidad extremadamente melancólica y sombría que influyó en el carácter romántico de sus paisajes. Sus cuadros reflejan la insignificancia e impotencia del ser humano, que siempre aparece de espaldas al espectador frente a la naturaleza. En 1808 pintó su primera gran pintura al óleo: La cruz en la montaña (El retablo de Tetschen). El cuadro era poco habitual y desató una fuerte polémica. No obstante, en este cuadro se basa gran parte de la fama de Friedrich y su éxito financiero, abriendo el camino a la pintura romántica en Alemania. Se trata de una de las primeras obras en las que imprime ya su concepción del «paisaje sublime», una nueva modalidad que será muy imitada.

Esta es La abadía en el robledal.   El  monje a la orilla del mar.

  Caminante ante un mar de niebla.

EL ROMANTICISMO REVOLUCIONARIO FRANCÉS

 

El neoclásico fue el arte oficial del imperio. Cuando cayó Napoleón el romanticismo logra imponerse. Después de la epopeya napoléonica se modifica la concepción de la historia. Ya no hay heroísmo ni triunfos en los cuadros, sino desesperación, muerte y desastre. La pintura romántica francesa es una alegoría sobre una Francia a la deriva tras la caída de Napoleón. Theodore Géricault (1.791-1.824) Se apartó del clasicismo oficial de David y se opone al ideal de belleza clásica, prefiriendo la belleza de lo expresivo.  Prototipo de artista romántico, tuvo una vida corta y atormentada que dio lugar a varios mitos sobre él. Conecta con la grandeza y las posturas y anatomías de los cuerpos de Miguel Ángel, con la plasticidad y el claroscuro de Caravaggio, con la desesperación de Goya y abre el camino del realismo. Sus temas preferidos son los caballos de carreras, las luchas violentas, los estudios de locos... El motivo dominante de su obra es la energía, el sentimiento apasionado, lo dramático, la muerte, la locura... Sus composiciones tienen un gran dinamismo. Se caracterizan por el manejo fácil del pincel y una paleta de tonos oscuros, en los que dominan los colores pardos. Las formas están hechas de masas de color. En "La balsa de la Medusa" narra la trágica odisea de los naúfragos de la fragata Medusa que en 1.816 naufragó en aguas de Senegal. La tripulación fue abandonada a la deriva durante trece días. De los cerca de ciento cincuenta tripulantes, quince sobrevivieron gracias al canibalismo.

Plasticamente, predominan los colores cálidos. La pincelada densa hace que el color destaque siempre sobre el dibujo. El lienzo tiene un foco de luz que ilumina el cuadro, lo que provoca un claroscuro contrastado, siguiendo como modelo a Caravaggio. En la composición se observan dos construcciones piramidales, de clara influencia barroca, que se entrecruzan. La primera la dibujan los vientos en la vela y la ola, y las segunda, conocida como pirámide de la esperanza, la forman los cuerpos de los marineros, que van desde los muertos abajo hasta el personaje de la cima, que agita una tela mientras mira hacia el barco que se aprecia al fondo. La balsa es bastante frágil y sus ocupantes se debaten entre la vida y la muerte, el pesimismo y la esperanza, encarnada en la nave del fondo. Este cuadro es una alegoría de la Francia a la deriva después de la caída de Napoleón. El realismo de los cuerpos no remite a Miguel Ángel, Rubens o Caravaggio; en cambio las grandes dimensiones y los sentimientos son clara influencia de David. Eugene Delacroix  (1.798-1.683)

Delacroix tiene un estilo de gran dinamismo y movimiento colorista. La acción se une al color como elemento expresivo. Muestra interés por temas literarios (La barca de Dante), históricos, contemporáneos, políticos de denuncia (La libertad guiando al pueblo) y exóticos u orientales a partir de un viaje que realizó a África en 1.832 (Mujeres en Argel). Su obra se caracteriza por la perfección de la línea y una composición evocadora de Miguel Ángel y Rubens. En ella busca la brillantez de ejecución, la transparencia y fluidez del colorido, el brío pictórico y pastosidad, el orientalismo exótico, la sensualidad y la violenta diagonal. Esta es la Matanza de Quíos. Y esta es La toma de Constantinopla.

Pero sin duda su obra más conocida es La libertad guiando al pueblo.

Entre los elementos plásticos hay que destacar que las pinceladas sueltas y onduladas. El rojo y el azul de la bandera, de la ropa del herido que intenta erguirse ante La Libertad (figura central femenina) y la polaina del muerto de la izquierda resaltan entre las tonalidades ocres y grises predominantes. Los tres elementos así destacados crean una línea recta que forma un eje central. La composición recuerda a la de la balsa de Medusa de Gericault porque las figuras se enmarcan dentro de una pirámide ascensional cuyo vértice es la bandera francesa. La obra hace referencia a las tres jornadas revolucionarias del 27, 28 y 29 de julio de 1.830 que tuvieron lugar en Paría y que provocaron la caída del último Borbón (Carlos X) y la llegada de Luis Felipe I de Orleans. El lienzo se expuso en el Salón de París de 1.831 y el rey Luis Felipe de Orleans lo compró por tres mil francos. Por lo incendiario del tema, decidió no mostrarlo al público. Delacroix sintió gran admiración por Miguel Ángel y la terribilitá de sus personajes. Se dejó influir por el tratamiento del color de la escuela veneciana (Tizziano) y, sobre todo, por la vitalidad desbordante y la profusión decorativa de Rubens. Tampoco fue ajeno a pintores más cercanos como Gericault, Gros y el español Goya.

El ROMANTICISMO ESPAÑOL: ESQUIVEL,  ROSALES Y GISBERT. Antonio María Esquivel (1.806-1.857). Se formó en su Sevilla natal. en Madrid se aproximó a Madrazo y a los pintores que monopolizaban los encargos reales. Esquives destacó, por encima  de todo como retratista. Su obra más relevante,  Lectura de Zorrilla en el estudio del pintor, en la que aparecen personalidades de la talla de Esprocceda, el Duque de Rivas y Hartzenbusch, ilustra el ambiente literario del Madrid romántico.

La estancia, repleta de lienzos, de gran tamaño, está iluminada por la luz que entra por la ventana de la izquierda y los asistentes conforman un friso ante la puerta entreabierta del

fondo.  Esta es su Venus anadiomene del Prado.

    Eduardo Rosales (1.836-1.873) se formó en la Academia de San Fernando. Se trasladó a Roma, donde entró en contacto con el grupo de los nazarenos. Con ellos perfeccionó su dibujo y optó por una paleta de tonos fríos y gamas pálidas.  Con el tiempo su obra evolucionó hacia un colorido enérgico en la línea del romanticismo y con influencias de la pintura de los grandes maestros del barroco español.  El testamento de Isabel la Católica, premiado en la exposición de Madrid de 1.864 y la de París de 1.867, es su obra más famosas y un buen ejemplo de este giro estilístico.

  Su composición equilibrada se desarrolla en planos paralelos y no en planos de profundidad. Esta es  La presentación de Juan de Austria a Carlos V en Yuste.

  y La muerte de Lucrecia. 

  Antonio Gisbert (1.834-1.902) continuó con el estilo del romanticismo histórico. Todas sus obras son una loa a las libertades románticas como en esta obra,  Los comuneros.

Esta es La presentación de María de Molina presentando a su hijo Fernando IV en la Cortes de Valladolid de 1.295. Este es El fusilamiento de Torrijos.

Este es Amadeo de Saboya ante el féretro del general Prim.

Los pintores románticos históricos suelen aprovechar sus pensamientos políticos sin tener en cuenta que muchas veces están desfigurando la propia realidad histórica. Estados Unidos[editar]

Thomas Cole, Acueducto junto a Roma, 1832.

En los Estados Unidos, la tradición romántica del arte de paisajes fue conocida con el nombre de Escuela del río Hudson (Hudson River School). Pintores importantes de esa escuela fueron:     

Thomas Cole Frederick Church Albert Bierstadt Thomas Moran John Frederick Kensett

Escultura: Características, Obras y Autores Indiferencia con respecto a otras corrientes La escultura del Romanticismo no se desarrolló a tal extremo, como sí ocurrió con la pintura de la época. Esto se debió principalmente a que el material más utilizado para las esculturas de la época era el mármol. Este material no se presta para la realización de expresiones, pues no es tan expansivo como otros materiales (como la arcilla, por ejemplo).

Sin embargo, las obras más importantes de la escultura romance surgieron a principios de los años 1830, unos 30 años después del surgimiento del Romanticismo como movimiento artístico.

Naturaleza y emoción Todas las esculturas del Romanticismo buscaban evocar la emoción humana, a través de gestos y expresiones que se representaban mediante el estilo de cada escultor. En muchos casos, las obras llegaron a combinar elementos de la naturaleza con elementos humanos para representar ideas de manera más concreta. Muchos de los artistas del Romanticismo basaron su arte puramente en ideas de la naturaleza. De hecho, los más importantes escultores de la época fueron llegados a conocer como animallier, lo que significa “escultor de animales”. Una gran cantidad de esculturas del Romanticismo son simplemente representaciones de animales. Si bien las obras del Romanticismo que más destacaron fueron las pinturas, la escultura se guió por los mismos principios naturalistas inspirados por la Revolución francesa.

Ideas puras La escultura de este período expresaba las ideas directas de cada escultor. Es decir, las creaciones de cada artista surgían puramente de su inspiración personal, sin interferencia externa de otros factores no naturales. La naturaleza que rodeaba a cada artista era uno de los factores que más influyó a los escultores de esta época. Esta idea no estaba directamente relacionada al surgimiento del Romanticismo, pero era muy común en la época y afectó al movimiento estrechamente. Se pensaba que utilizar modelos de otras obras influía de manera negativa en la imaginación de cada escultor. Esto hizo que la mayoría de los escultores del Romanticismo utilizaran puramente las ideas originales que les viniesen a la mente, excluyendo cualquier estímulo “artificial” externo. La escultura del Romanticismo, tal como solía hacer el arte, representaba lo que el artista quería decir, pero de manera visual. Es decir, cada obra era una manera en la que el artista expresaba su voz a través de sus obras. Los artistas del Romanticismo no confiaban en el mundo humano, por lo que pensaban que la conexión con la naturaleza era un aspecto fundamental de todas sus obras. Muchas de estas piezas representaban ángeles o formas humanas con “alas”, lo que hacía eco de la influencia natural en el mundo de los humanos que se buscó expresar en la época.

Arquitectura Origen El origen de la arquitectura en el movimiento romántico se da en el Reino Unido, pero se consolidó en Francia y Alemania. Fue importante en zonas de Europa como España, Austria o

Italia, y en países hispanoamericanos. Se trató de una corriente cultural que surgió como una respuesta contra la Ilustración y el Neoclasicismo. Culturalmente, el Romanticismo tuvo más relevancia en el área de la literatura. En el caso de Hispanoamérica, su presencia fue tardía y no tuvo la misma relevancia como movimiento arquitectónico que la que tuvo en Europa. Con el fin del siglo XVIII se dio el inicio de la arquitectura romántica. En el siglo XIX tuvo su mayor apogeo, pero fue en el año 1830 cuando se logró poner fin a toda la influencia de las épocas Clásicas. Ya en el año 1880 se desvaneció un poco la importancia del Romanticismo debido a la entrada del Eclectictismo. La arquitectura durante el Romanticismo vive un gran momento gracias a la Revolución Industrial, que llegó a su fin entre los años 1820 y 1840. Se ve la influencia del movimiento romántico en los edificios públicos, en la construcción de fábricas e incluso en los palacios y las casas. Una de las construcciones más representativas es el castillo de Neuschwanstein, que se ubica en Alemania y que se completó en el año 1886. Durante este periodo la arquitectura no muestra elementos comunes y definidos. Se limita a volver a los estilos medievales, así como el Neoclasicismo volvió sobre Grecia y Roma, pero con mucha menor capacidad creativa que la que este último tuvo. La arquitectura de este periodo es una arquitectura de “Neos” medievales: Neo-gótico, Neorománico, Neo-bizantino, aunque el más empleado fue el primero. El Gótico, muy estudiado por el arquitecto Viollet-Le-Duc, quien restauró muchos monumentos de este estilo y puede considerarse el principal teórico del Neo-goticismo Romántico. Es el estilo que inspira a la mayoría de los arquitectos, que construyen sus edificios basados más en una rigurosa investigación histórica que en el esfuerzo creador que podría esperarse de la época. Viollet-Le-Duc, es el encargado de la restauración de la Catedral de Notre Dame en París. Entre las modificaciones que realizó se encuentran: La inserción de gabletes en las ventanas, el rosetón sur que es inventado por él, cambia la piedra de los arbotantes por piedra nueva, reconstruye todas las capillas interiores y altares, en la fachada coloca estatuas nuevas y algunas cabezas que faltan copiándolas de las que se encuentran en catedrales cercanas, además añade numerosas gárgolas que se ubican más a la vista del espectador pues las originales se encuentran en los puntos más altos donde el acceso visual es muy difícil. Además planeó un aislamiento de la catedral derribando todos los edificios de los alrededores. Se empiezan a usar las estructuras de hierro acristaladas, como en el Museo de Ciencias Naturales de Oxford o el Palacio de Cristal en Londres. Construcción erigida en 1851 para albergar la Gran Exposición.

En Inglaterra se reconstruye el Palacio de Westminster, conocido como el Parlamento, el más importante edificio del estilo Neo-gótico construido durante el Romanticismo después de un incendio en 1834 que destruyó la mayor parte del antiguo edificio. En Francia se exaltan los antiguos monumentos góticos, se restauran y se construyen iglesias y capillas en este estilo. Pero en general existe una falta de orientación que origina que los arquitectos busquen en su pasado nacional obteniendo como resultado una serie de edificios eclécticos de muy poca calidad e inspiración. Empiezan a surgir movimientos protovanguardistas, que reaccionan al exceso artesanal y toman la estética de la máquina como su estandarte. Hacia el final y gracias a los avances de la tecnología aparece un elemento fundamental en el paisaje urbano actual: el rascacielos. Palacio de Westminster

Las construcciones tuvieron un significado o un uso diferente en cada país. En el caso de Inglaterra destacó el estilo neogótico. Los representantes españoles buscaron una arquitectura que reflejara lo nacional. En el caso de Francia, fue un movimiento adoptado por los nuevos ricos. Materiales como los ladrillos de diferentes colores (en especial marrón, crema y rojo) fueron usados en las construcciones. También se empezaron a utilizar estructuras metálicas, lo que obligó a emplear nuevos procedimientos de construcción.

Obras representativas en México, España y Colombia En cada país la arquitectura romántica tuvo diferentes motivos, exponentes e inquietudes. En Hispanoamérica, por ejemplo, se empezó a trabajar mucho más tarde que en Europa. Debido a ello, las obras más representativas de cada país son bastante diferentes entre sí.

España A lo largo del Romanticismo el objetivo en España radicó en la necesidad de hallar una arquitectura nacional. El mudéjar (con una influencia de los cristianos y de los musulmanes,

con una mezcla entre los estilos románicos, góticos y renacentistas) es el estilo artístico que adoptan los españoles con mayor fuerza. En la Península Ibérica las construcciones se enfocaron más en los sitios religiosos o de ocio, como casinos y plazas de toros. Los arquitectos españoles usaron en sus obras el ladrillo sin recubrimiento, en combinación con la mampostería. Está muy presente el uso de los arcos, como el de herradura, el de medio punto, los lobulados o el apuntado. La Catedral de la Almudena, en Madrid, es una de las obras más representativas. Los arquitectos Francisco de Cubas y Enrique María Repullés estuvieron a cargo de la cripta, que cuenta con un estilo neorrománico. Fernando Chueca Goitia y Carlos Sidro hicieron la iglesia, que en su exterior cuenta con elementos neoclásicos y en el interior neogóticos.

Francisco de Cubas también fue el encargado de la construcción de la iglesia de Santa Cruz, en Madrid. Los estilos neogóticos y neomudéjar están presentes. El uso de ladrillo y piedra blanca o la presencia de arco son algunas de las características más visibles de este estilo. Además Lorenzo Álvarez Capra construye la iglesia de la Paloma, con estilo neomudéjar y neogótico. Y arquitectos como Aníbal Álvarez Bouquel, Narciso Pascual o Emilio Rodríguez Ayuso construyen plazas de toros con este estilo. Durante el siglo XIX más de 30 plazas de toros se erigieron en España.

México El estilo arquitectónico de México en el Romanticismo está influenciado por las expresiones artísticas extranjeras. A finales del siglo XIX y a comienzos del siglo XX se vivió un proceso importante en la construcción. El estilo romántico se reflejó en las viviendas de la burguesía de la capital y en muchos edificios de instituciones. El Palacio de Bellas Artes fue una obra del italiano Adamo Boari, donde se mezclaron diferentes estilos durante su construcción. La casa Boker fue un proyecto ideado por Roberto Boker y contó con dos arquitectos estadounidenses: De Lemos y Cordes. Fue la primera construcción que se hizo usando acero como soporte total de columnas y vigas. La Iglesia de San Felipe de Jesús también se construyó durante el Romanticismo. Emilio Dondé otorgó al exterior de su obra características de los estilos neorrománico y góticos. Obras como el edificio de Correos tienen detalles del neogótico, y la Secretaría de Comunicaciones y Obras Públicas muestra influencia neoclásica.

Colombia Los arquitectos extranjeros llevaron el peso de las construcciones durante el Romanticismo en Colombia, especialmente para educar a obreros y artistas. Se realizaron pocas obras durante este período, aunque hubo algunas de cierta importancia.

El danés Thomas Reed fue el arquitecto más influyente durante el siglo XIX en Colombia. Reed empezó la construcción del Capitolio Nacional, aunque tardó más de 80 años en completarse. El edificio presenta un estilo neoclásico. Mientras que el Museo Nacional, también de Reed, muestra características de las obras románticas españolas, con el uso de arcos y mampostería. La Catedral Primada en Bogotá es otro ejemplo de arquitectura romántica. El arquitecto español Domingo de Petrés le dio un estilo neoclásico. Por otro lado la Catedral Metropolitana de Medellín, del arquitecto francés Charles Émile Carré, muestra formas neorrománicas.