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Posmodernidad norteamericana

PENSAMIENTO ARQUITECTONICO CONTEMPORANEO

 Charles Jencks y el Lenguaje de la arquitectura posmoderna

Charles Jencks (Baltimore, 1939) es un arquitecto paisajista, teórico e historiador de la arquitectura estadounidense. Sus libros sobre historia y crítica del Movimiento Moderno y Posmodernismo han sido ampliamente leídos en los círculos arquitectónicos y también fuera de ellos. Estudió literatura inglesa en la Universidad de Harvard, posteriormente obtuvo un MA en arquitectura en la Harvard Graduate School of Design en 1965. En 1970 obtiene un PhD en historia de la arquitectura del University College de Londres.

En su obra "Modern Movements in Architecture" del año 1972 emplea un modo de observación orientado por el estilo inglés de ensayo literario y por el tono provocador del pop art, cuyas observaciones y conclusiones pueden ser tan perspicaces como inconsistentes.

Si bien no creó el término "posmoderno", su libro de 1977 "El lenguaje de la arquitectura posmoderna" se considera a menudo como el que popularizó el término en relación con la arquitectura. Jencks fue uno de los primeros en transponer el concepto de la posmodernidad, procedente de la crítica literaria a la arquitectura. En el primer apartado de la obra, titulado "La muerte de la arquitectura moderna", Jencks asegura la muerte de la modernidad en la arquitectura en el año 1972, año en que se derribó el conjunto de viviendas Pruitt-Igoe de St. Louis (Missouri). Según Jencks se debió a la contradicción entre la arquitectura y los códigos arquitectónicos de los habitantes, pertenecientes a la capa baja de la sociedad. A Jecks le importan exclusivamente las cuestiones estéticas. Emplea el concepto semiológico de "códigos" para criticar la "univalencia" y el "reduccionalismo elitista" de la arquitectura moderna y para postular una "ampliación del lenguaje arquitectónico en diferentes direcciones: hacia lo castizo, lo tradicional y hacia lo comercial". Critica la "forma univalente" de los edificios de Mies van der Rohe, cuya "gramática universal" significa un "desprecio universal por el lugar y la función". Del mismo modo critica la estética mecanisista de la arquitectura de los años sesenta y la creencia en un espíritu de los tiempos definido por máquinas y tecnología. La arquitectura moderna se ocupó hasta la pasión de la sintaxis del lenguaje arquitectónico; es decir, con las reglas y los métodos de la forma integral. Por último, como semántica, Jencks entiende el estilo en el sentido en que se emplea ese concepto en la historia del arte. Un estilo nunca es algo eternamente vigente; por tanto, la pretensión de la arquitectura moderna: haber creado el estilo del siglo XX se ha convertido en un superficial producto de consumo. Jencks reivindica de los arquitectos que apliquen de nuevo un sistema de orden semántico y postula una mezcla de estilos.

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Robert Venturi y Complejidad y contradicción en arquitectura

Robert Venturi (* 25 de junio de 1925) es un arquitecto estadounidense. Ha realizado una parte importante de su obra conjuntamente con su esposa, Denise Scott Brown con quien trabaja desde 1969. Scott, sin embargo, fue excluida del premio Pritzker con el que fue galardonado en 1991. Quince años después, ambos de manera conjunta fueron distinguidos con la Medalla de Oro del AIA 2016, el premio de arquitectura más importante de EEUU.1 Alcanzó prestigio cuando en la década de 1960 inició la crítica a la ortodoxia del movimiento moderno, que desembocó en el postmodernismo de la década de 1970. Su causa defendía una arquitectura compleja y que aceptara sus contradicciones. Rechazó la austeridad del movimiento moderno y animó el retorno del historicismo, la decoración añadida y de un rotundo simbolismo en el diseño arquitectónico.

Obras representativas Los diseños de sus edificios urbanos tienen un aspecto característico, que recuerda a dibujos o pinturas, tanto por el empleo de colores, como por la ubicación de las ventanas y demás elementos en las fachadas. Venturi pretende con ello dar un aire alegre a los edificios situados en un medio urbano, por lo general monótono. En cambio, es muy respetuoso con el entorno cuando diseña edificios situados en la naturaleza, como las casas de vacaciones que ha realizado en diversos lugares de los Estados Unidos.

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Ventajas y desventajas del diseño posmoderno

El posmodernismo en el diseño se remonta a la década del '60, cuando emerge el Pop, el antidiseño y las críticas de las esferas intelectuales y artísticas a diversos aspectos de la Modernidad. Los primeros defensores del posmodernismo argumentaban que la adhesión del anterior movimiento moderno a la abstracción geométrica (que negaba el ornamento y el simbolismo) había deshumanizado al diseño, dado que en éste primaba entonces el funcionalismo y el racionalismo. En el área del diseño y la arquitectura, Robert Venturi, por ejemplo, sostenía que la arquitectura moderna carecía de sentido, ya que no poseía la complejidad e ironía que enriquecía a los edificios históricos. A partir de mediados del '70, arquitectos americanos como Michael Graves empezaron a introducir motivos decorativos en sus diseños, que a menudo hacían referencia a antiguos estilos y que solían ser irónicos en su contenido. El grupo Memphis, integrado por diseñadores italianos militantes del diseño radical, la vanguardia y de otros equipos de diseño como Studio Alchimia, produjeron monumentales y vistosos diseños "neopop" que causaron gran sensación a nivel mundial desde 1981. La obra de Memphis recibía una serie de influencias muy eclécticas, y con sus motivos atrevidos y formas estrafalarias, se burlaba de la noción de "buen gusto".

Memphis contribuyó durante los años ochenta a la comprensión del Posmodernismo como estilo internacional, puesto que los diseños posmodernos abrazaban el pluralismo cultural de la sociedad global contemporánea y utilizaban un lenguaje simbólico concebido para trascender fronteras. Entonces, el movimiento posmoderno puede resumirse como un híbrido del diseño, dado que en el proceso de creación las formas, extraídas de su contexto temporal y concreto, se combinan al azar y hacen del diseño decoración pura, convirtiéndolo en una verdadera enciclopedia de materiales. Tiempo después, la recesión económica de los años noventa motivó a los diseñadores a buscar enfoques menos expresivos y más racionales: de este modo, las atrevidas manifestaciones del antidiseño de los años ochenta fueron sustituidas por la silenciosa pureza del minimalismo de los noventa.

 La Posmodernidad en México Se conoce como arquitectura Posmoderna a una tendencia arquitectónica que se inicia en los años 1950, y comienza a ser un movimiento a partir de los años 1970, continuando su influencia hasta nuestros días. El Posmodernismo se dice que está anunciado por el regreso de "el ingenio, el ornamento y la referencia" de la arquitectura, en respuesta al formalismo causado por el Estilo Internacional del movimiento moderno. Al igual que con muchos movimientos culturales, algunas de las ideas más pronunciadas y visibles del Posmodernismo se pueden ver en la arquitectura. Las formas y espacios funcionales y formalizados del estilo moderno se sustituyen por diversas estéticas: los estilos colisionan, la forma se adopta por sí misma y abundan las nuevas formas de ver estilos familiares y espacios. Quizás siendo lo más obvio, los arquitectos redescubrieron el valor expresivo y simbólico de los elementos arquitectónicos y las formas que se habían desarrollado través de siglos de construcción, que habían sido abandonados por el estilo moderno. En México surge en los años 50, como una oposición al movimiento moderno. Entre algunos de los valores que defiende se encuentra la ambigüedad, la ironía, la complejidad, la diversidad de estilos, la recuperación histórica, etc. Las características principales es que intentan recuperar la referencia, el ornamento, el ingenio, buscan eliminar las formas puras o limpias, se busca también la monumentalidad y la riqueza visual de formas. Algunos de los estilos o corrientes que se insertan dentro del Posmodernismo son: el Neo historicismo, el Neoclasicismo, el Neocolonial, el Tardo modernismo y el Brutalismo. Ejemplo de Neo historicismo es la Biblioteca central de la UNAM, que retoma características regionales y utiliza materiales del lugar en el que se está construyendo.

Surge en el ámbito internacional desde 1960 manejando un doble código, la mitad moderno y la otra mitad de índole diferente, casi siempre con carácter histórico tradicional. CARACTERÍSTICAS Importancia predominante en la composición de la fachada - Volúmenes compuestos con losas de una o más aguas a veces recubiertas con tejas Profusión de materiales y detalles arquitectónicos Equilibrio entre el vano y el macizo Uso de luz neón Uso de colores fuertes y contrastantes en los detalles Cornisas, molduras y crecerías Ojos de buey o perforaciones simbólicas

La Arquitectura posmodernista se proyecta desde una crítica razonable al Movimiento Moderno. Cuestiona desde sus resultados hasta algunas de las premisas en una relación ajustada de causa efecto. La crisis del Movimiento moderno se centraba en su propia impotencia para dar respuesta, en más de medio siglo de hegemonía arquitectónica, a los grandes problemas que habían conformando los objetivos centrales de su discurso: la vivienda popular, la ciudad, el equipamiento social. El posmodernismo expresaba, asi mismo, la necesidad de la recuperación de una valorización cultural de la arquitectura, el reconocimiento de otras premisas distintas de la sintaxis dogmática del Movimiento Moderno. Sin embargo, confluían es esta crítica razonable posturas muy dispares que pronto evidenciaron que no había un posmodernismo sino varios posmodernismos con posturas diversas y propuestas contradictorias. Si rescatamos como positivas la revalorización cultural de la arquitectura, la recuperación del sentido histórico, la preocupación contextualista y la participación de la comunidad en las decisiones de diseño, no podemos dejar de señalar lo negativo de la nueva carencia de valores, la frivolidad, la ausencia de compromiso social y el consumismo del derroche formal en que se embarca buena parte de producción posmodernista.

Los Arquitectos más sobre salientes de esta época son: Teodoro González de León Abram Zabludovsky Sordo Madaleno La reacción posmoderna en México La entrada a la era posmoderna El posmodernismo es, lo que la Escuela de Frankfurt denomina, la era de la deconstrucción. Los arquetipos clásicos y los discursos de la modernidad, comienzan a verse modificados por el boom mediático, la súper cultura generada por los pasos agigantados con los que camina la tecnología y el languidecer de los radicalismos. el entendimiento del mercado posmoderno debe basarse en el bombardeo de los medios de comunicación con fines publicitarios (industria cultural) y en la creación de necesidades innecesarias.

La reacción posmoderna en México MÉXICO….. Lo curioso y desconcertante es, que en México la cultura posmoderna se vuelve aún más difusa de lo que, teóricamente, ya es de por sí. Si el acerbo analítico del posmodernismo –con sede en Alemania- nos ha vaticinado que los valores culturales del mundo contemporáneo integrarán al fragmentarse, nuevas formas culturales ¿Qué se puede esperar del caso mexicano, que ya desde su fundación cultural, remite a la transubstanciación de varias civilizaciones en choque el entendimiento del mercado posmoderno debe basarse en el bombardeo de los medios de comunicación con fines publicitarios (industria cultural) y en la creación de necesidades innecesarias. La reacción posmoderna en México EL POSMEXICANO El posmexicanismo, que bien podríamos definir como una identidad mexicana de lo posmoderno, es solamente una de las facciones culturales (y de identidad) del país. La primera era del posmexicanismo la trajeron los primeros ecos de Estados Unidos en México durante los años sesenta y setenta. La clase alta comenzó a usar productos anglosajones para facilitar su vida cotidiana y fomentar una nueva estética: electrodomésticos, cortes de moda europea, automóviles extranjeros.

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Pensamiento y arquitectura de O’Gorman

Juan O’Gorman fue uno de los protagonistas que contribuyeron al desarrollo de la arquitectura mexicana contemporánea, tanto por su gran sentido de innovación y su capacidad de abstracción de las necesidades. Por lo anterior, la historia del arte mexicano le considera precursor de la arquitectura moderna, promotor de la corriente funcionalista y de la integración plástica de la arquitectura. Todas estas expresiones se basan en su gran sentido humano, considerar el confort del usuario en los espacios construidos, así como la integración de visuales manejando la percepción y sensibilidad en sus obras. Sus diseños dan origen a un paisaje cargado de variables con significados culturales, identificados con las culturas tanto prehispánicas como la actual. De acuerdo con su autobiografía escrita por Antonio Luna Arroyo (Juan O’Gorman:

antología juicios críticos y documentación exhaustiva sobre su obra 1973), Juan O’Gorman nace el 6 de julio de 1905, en Coyoacán, Ciudad de México, México, hijo de Cecil Crawford O’Gorman (ingeniero en minas de origen irlandés, quien llega a México a la edad de 24 años para trabajar en una mina de Pachuca, Estado de Hidalgo) y de Encarnación O’Gorman Moreno, proveniente de una familia que jugó un papel importante en el movimiento de la independencia mexicana. Juan O’Gorman, describe a su padre como una persona enérgica y poco tolerante pero con un gran sentido de responsabilidad, culto, y muy influenciado por la cultura de su país. De su madre dice lo siguiente: “Encarnación era una persona recta, bondadosa y excelente; cariñosa con sus hijos y con todas las personas a su alrededor y en muchos aspectos típicamente mexicana” (Luna Arroyo, 1973, p. 72). En el año de 1909, Cecil Crawford fue

contratado en la mina “El profeta” ubicada en la Ciudad de Guanajuato. Como resultado de la Revolución Mexicana, su padre se queda sin empleo y regresan a la ciudad de México en 1913; Juan O’Gorman en ese entonces tenía 8 17 años de edad, “habitaron una casa antigua en la calle del Santísimo número 6, en San Ángel”. (Museo Casa Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo, las casas de Juan O’Gorman para Diego y Frida 2001, p. 65 ). Su madre fue un gran apoyo y fuente de comprensión en esta época de crisis, así como también su abuela materna. Ambas se hallaban integradas a la cultura y tradición nacional, apasionadas por México. Figura 3. Ángela Moreno de O’Gorman. Abuela de Juan O’Gorman.

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Pensamiento y arquitectura de Felix candela

Nacido en España en el año 1.910 y exiliado en México en épocas de la guerra civil, Félix Candela Outeriño es uno de los miles de artistas extranjeros que enriquecieron y forjaron a fuego la cultura mexicana del siglo XX. Con su formación de arquitecto y una enorme habilidad e interés desde joven para las matemáticas y la geometría, Candela supo dominar y cumplir como pocos (o como casi nadie) y a la manera de los antiguos “maestros de obras”, el triple rol de diseñador (preparación universitaria), calculista (estudio y autodidacta) y constructor (por la misma dedicación profesional). Ésta misma capacidad y postura (crítica) hacia la profesión fue la misma que le valió demasiadas enemistades durante mucho tiempo. El mundo de la ingeniería lo tenía en la mira por considerarlo un calculista “a ojo” al no tener la formación académica de ingeniero. En tanto, el ambiente de la arquitectura hacía lo propio alegando que él nunca culminaba sus obras, que no ponía puertas ni ventanas y que solo se limitaba a darle forma a las estructuras. Luego de su llegada a México (1939) por el puerto de Veracruz junto a miles de exiliados, pasa los primeros años trabajando en algunos estudios como diseñador en varios estados del país participando en diferentes proyectos. Fue en Acapulco donde comenzaría verdaderamente su carrera de arquitecto construyendo algunas casas y hoteles. Uno de ellos, el ya desaparecido cabaret Jacarandá del hotel El presidente, con una implantación privilegiada frente al mar sería una de sus primeras incursiones en las estructuras laminares. Ya en 1950, al frente de su empresa constructora Cubiertas Ala y durante unos veinte años participó ya sea como calculista o consultor en unos 1400 proyectos de los cuales construyó cerca de 900 donde desarrolló y llevó hasta límites insospechados hasta ese momento tipos estructurales pocas veces (o nunca) practicados con la tecnología del hormigón armado y con espesores mínimos. Estas estructuras son las conocidas comúnmente como cascarones o mallas: Paraboloides hiperbólicos o hypars (parábolas de doble curvatura), hiperboloides, cilíndricas; en su mayoría estructuras que no superan los cuatro centímetros de espesor y que en algunos casos llegan a cubrir luces de unos treinta metros entre apoyos actuando en gran medida por su forma para lograr el equilibrio más que por la resistencia del material empleado. La geometría como principio estructural fundamental para, entre otras cosas, cubrir mayores superficies que los sistemas convencionales con menores cantidades de material.

Su huella en la arquitectura. Es en la ciudad de México donde mejor y en mayor medida puede apreciarse su obra. A esto dediqué buena parte de mi estadía en este lugar.

A finales de la década del treinta, con el gobierno de Lázaro Cárdenas y la expropiación petrolera sumado a la posición neutral y como proveedor de insumos a ambos bandos durante la primera guerra mundial le dieron a México un crecimiento económico exponencial. Algunos de los sectores más beneficiados fueron la industria y la construcción. El panorama se abría de par en par para el desarrollo de nuevas ideas. La industria comenzó a requerir espacios amplios y estructuras que ofrecieran cubiertas livianas, de bajo costo, rápida construcción y de poca pisada en la planta en relación a la superficie cubierta. Por otra parte y en otro ámbito, los cambios en la iglesia católica provenientes del Concilio Vaticano II permitían ahora la proyección de nuevos tipos arquitectónicos y estructurales para los edificios religiosos y con esto, por supuesto, la entrada de la arquitectura moderna al ámbito eclesiástico. Esto fue determinante para el desarrollo de los proyectos de Candela en este campo.

Así, la Iglesia Medalla Milagrosa es uno de los mejores ejemplos de este tipo. Estructuralmente a primera vista (al menos desde el interior) se entiende como una construcción de gran complejidad y adelantada a su tiempo, sin embargo la solución es más inteligente que complicada. El concepto básico es el “paraguas”, una idea que Candela retoma y reanaliza logrando abrir nuevos horizontes estéticos y técnico-constructivos para este tipo. Lo materializa con cuatro segmentos de paraboloides hiperbólicos que trabajan y compensan los esfuerzos uno junto a otro para descansar en un único apoyo central que a la vez sirve como escurrimiento de aguas. Si bien aparenta ser una estructura de borde completamente libre, no lo es, ya que aunque no se manifieste exteriormente, el borde recto y horizontal contiene un conjunto de barras que se encargan de contener los esfuerzos tangenciales en ese sector: la madurez de esta solución de borde libre llegaría más tarde. La Medalla milagrosa se trata entonces de seis de estos paraguas (de planta rectangular cada uno de ellos) con el apoyo ya no central si no hacia uno de sus lados (en el largo) e inclinados, tres a cada lado enfrentados formando las naves del templo junto a otros cuatro paraboloides que forman el sector del altar. La amplitud y la liviandad de la estructura apoyando en la planta le confieren al espacio interior una ambientación cuasiperfecta. Las entradas de luz por los vitrales junto a lo paradójico de las líneas rectas del hormigón a la vista formando las curvas de la estructura armonizan un espacio tan inusual como placentero. Algo parecido pero en escala más pequeña sucede con la Capilla El Altillo la cual fue declarada monumento artístico por el gobierno nacional.

En este caso la cubierta es una sola pieza de un paraboloide hiperbólico de no más de cinco centímetros de espesor apoyado en dos de sus lados (frente) en vigas de borde de espesor continuas que descargan en muros (parte baja) y sobre una única columna (parte alta) también de hormigón que es a la vez la cruz de la fachada principal de la iglesia. En los laterales posteriores del paraboloide (a los lados y detrás del altar) los bordes de la lámina son tomados por vigas de tipo ménsulas, es decir con el espesor reduciéndose hacia el extremo superior ya que una buena parte de estos laterales parecen volar sobre amplios vitrales que dan la sensación de flotabilidad y ascensión sobre el sector del altar. La tipología es inusual, con una única nave, el altar prácticamente en el centro de la planta y un acceso único conectado a dos edificios que encierran el atrio. El

conjunto total se encuentra cargado de sutilezas y detalles de buen gusto que escapan a cualquier época y tendencia estilística.

Pensamiento y arquitectura de Luis barragán El humanismo de Luis Barragán Su propuesta arquitectónica expresa el pensamiento de un hombre sereno, interesado en comprender y recuperar la tradición cultural mexicana sobre el espacio y la forma. Desde siempre este arquitecto reconoció que México es un país con una gran tradición de arquitectura, he ahí entonces que bajo esta premisa e inspirado en la historia y cultura de nuestro país, Barragán no se aleja del campo creativo de nuestros antepasados y busca en la tradición una concepción teñida de modernidad, así sustentó: Hay que recrear y renovar la nostalgia, volviéndola contemporánea, porque una vez que la arquitectura ha cumplido con las necesidades utilitarias y de funcionamiento, tienen todavía delante de sí otros logros que alcanzar: la belleza y el atractivo de sus soluciones, si quiere seguirse contando entre las bellas artes

Barragán logra una traducción fiel, de la inspiración prehispánica y vernácula; su sello de ahora en adelante es reconocido por el mito que se genera en el marco de la composición y juego de formas, en las cuales se añade el tema de jardines y agua, porque para nuestro artista estos elementos no están divorciados de la arquitectura, por el contrario, son estos factores verdaderos estimulantes de los sentidos y los que imprimen una arquitectura musical.

En 1980 la arquitectura mexicana contemporánea es reconocida en la persona de Luis Barragán quien recibe el premio Pritzker. Lo relevante de este acontecimiento estriba en destacar e insistir que aunque la formación de Barragán fue la ingeniería, su talento creativo lo condujo no sólo a la perfección en la estructura sino a revolucionar e innovar en el ámbito de la arquitectura.

El discurso ofrecido por Barragán para tan especial acontecimiento, evidencia los valores que soportan y fundamentan su quehacer en la arquitectura. Reconoce que a lo largo de su vida se nutrió de expresiones, reflexiones y conceptos o máximas que provenían de pensadores, filósofos, de gente común o de la tradición popular, de las cuales recogió e hizo suyos para fundirlos y moldearlos a lo que su pensamiento le dictaba: ... me he dedicado a la arquitectura “como un acto sublime de la imaginación poética”... En mi se premia... a todo aquél que persigue la poesía y la belleza. De la mayoría de las publicaciones de arquitectura y de la prensa diaria, han desaparecido las palabras belleza, poesía, embrujo, magia, sortilegio, encantamiento. Las palabras, serenidad, silencio, misterio asombro, hechizo. Todas ellas muy queridas para mí. Por eso pienso que en mí se premia a quienes aman y persiguen estas hermosas palabras y la realidad que ellas reflejan. No pretendo haberlo logrado pero ese ha sido el principal interés de mi vida [Barragán, 1985: 12]. El mensaje directo que podemos traducir alude a un verdadero enamorado del arte, la inspiración de Barragán surte efecto en la lectura de las formas, del color que imprime a cada detalle de su arquitectura. La observación de Barragán y la capacidad de análisis sin duda alguna juega un papel preponderante, la referencia hecha a la naturaleza cuando dice: “En el jardín el diseñador invita a la naturaleza a que colabore con él. Un jardín hermoso es la presencia permanente de la naturaleza, pero de una naturaleza reducida a la proporción humana y al servicio del hombre” [Barragán, 1985: 111]. Barragán fue arriesgado al criticar los postulados de destacados teóricos de la arquitectura, la idea de la máquina para vivir fue reputada por Barragán en los siguientes términos: No solamente es la disminución de la arquitectura, sino también la del ser humano. No le ayuda al hombre a aliviar su ansiedad –sobresaliente fenómeno de este siglo agitado – ni le desarrolla el uso placentero del pensamiento. La función de la arquitectura debe resolver el problema material, sin olvidarse de las necesidades espirituales del hombre.

Concepción donde se resume paradigmáticamente su humanismo. Sin lugar a dudas, Luis Barragán es el arquitecto que logró conciliar: Tiempo y Lugar, capturando así la esencia de un país con las ventajas de la tecnología y forma de vida en los nuevos tiempos en Arquitectura. Su pensamiento como se menciona antes esta plasmado en sus obras, sin embargo algunas de sus frases más importantes son:

Arquitectura Mi obra es autobiográfica, como tan certeramente lo señaló Emilio Ambas en el texto que publicó sobre mi arquitectura en el Museo de Arte Moderno en Nueva York. En mi trabajo subyacen los recuerdos del rancho de mi padre donde pasé años de niñez y adolescencia, y en mi obra siempre alienta el intento de trasponer al mundo contemporáneo la magia de esas lejanas añoranzas tan colmadas de nostalgia.”

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Pensamiento Postestructuralista

El término posestructuralismo describe una variedad de investigaciones, realizadas principalmente en Francia, que emergieron de mediados a finales de los años 1960 para poner en tela de juicio la primacía del estructuralismo en las ciencias humanas: antropología, historia, sociología, crítica literaria y filosofía, además del psicoanálisis. El término no es originario de las investigaciones mismas, sino de los angloparlantes que las estudiaron posteriormente. El término es problemático porque las relaciones entre los trabajos de los académicos generalmente catalogados como posestructuralistas (quienes casi por regla general no se identifican de esa manera) son debatidas, y no existe un grupo de trabajos al que todos se refieran como doctrina común (a diferencia del estructuralismo, en el que el trabajo de Claude Lévi-Strauss era una referencia común). El posestructuralismo quizá encuentre sustancia en el hecho de que muchos de sus trabajos prominentes fueron desarrollados por autores cercanos al estructuralismo, y más sustancia aún en el hecho de que muchos de estos trabajos son intentos de recrear posiciones estructuralistas cuyas limitaciones transformaron a tantos estructuralistas en críticos del estructuralismo. Tres de los más prominentes posestructuralistas eran también de la "pandilla de los tres" estructuralistas por excelencia: Jacques Lacan, Roland Barthes y Claude LéviStrauss.Jacques Derrida, Gilles Deleuze, y Julia Kristeva son también considerados como posestructuralistas prominentes. CRÍTICA INICIAL La referencia ocasional al posestructuralismo como un movimiento puede estar ligada al hecho de que cuando el estructuralismo se estaba volviendo un tema de interés en las universidades de Estados Unidos, ya había una cantidad visible de crítica al estructuralismo. El naciente interés estadounidense llevó a la organización de una conferencia en laUniversidad Johns Hopkins en 1966, a la cual fueron invitadas figuras consideradas como estructuralistas prominentes, incluyendo a Derrida, Barthes y Lacan. La presentación de Derrida en la conferencia: Structure, Sign and Play in the Human Sciences (Estructura, signo y juego en las ciencias humanas) aparece con frecuencia en las compilaciones como un manifiesto contra el estructuralismo. El ensayo de Derrida fue uno de los primeros en demarcar algunas limitaciones teóricas del estructuralismo y, dándole al mismo tiempo el crédito que se merecía, trataba de teorizar en términos que sin duda ya no eran estructuralistas. Aunque muchos se hubieran sentido empujados a ir más allá del estructuralismo, estaba claro que no había consenso sobre cómo hacerlo. Mucho del estudio del posestructuralismo está basado en las críticas comunes del estructuralismo.

Por otra parte, el posestructuralismo comparte una preocupación general por identificar y cuestionar las jerarquías implícitas en la identificación de oposiciones binarias que caracterizan no solo al estructuralismo sino a la metafísica occidental en general. Si hay un punto en común entre las críticas posestructuralistas, es la revaluación de la interpretación estructuralista de Ferdinand de Saussure acerca de la distinción entre el estudio del lenguaje a través del tiempo versus el estudio del lenguaje en un momento determinado (diacrónico vs. sincrónico). Los estructuralistas afirman que el análisis estructural es generalmente sincrónico (en un momento determinado) y por tanto suprime el análisis diacrónico o histórico. También se dice que el posestructuralismo está preocupado en reafirmar la importancia de la historia y en desarrollar al mismo tiempo un nuevo entendimiento teórico del tema. De ahí se afirma también que el énfasis del posestructuralismo consiste en una reinterpretación de Sigmund Freud, Karl Marx, Friedrich Nietzsche y Martin Heidegger. Por ejemplo, la genealogía de Nietzsche sirve como punto de referencia teórico en el trabajo histórico de Michel Foucault de los años 1970, incluyendo sus críticas al estructuralismo. De forma grandilocuente se dice que este reduccionismo es violento, y que el posestructuralismo lo identifica con la civilización occidental y excesos objetables de colonialismo, racismo, misoginia, androcentrismo, homofobia y otros parecidos. El elemento de "juego" en el título del ensayo de Derrida es con frecuencia entendido equivocadamente como juego lingüístico, basado en una tendencia a los juegos de palabras y el humor, en tanto que el construccionismo social, como se desarrolló en el trabajo posterior de Michel Foucault, es considerado como la creación de una especie de órgano estratégico al poner al descubierto las palancas del cambio histórico. La importancia del trabajo de Foucault es para muchos su síntesis de este recuento histórico social de los mecanismos del poder. También se dice comúnmente que los posestructuralistas son más o menos conscientemente postmodernos, pero no pocos de ellos han mostrado preocupación por estos términos o incluso se han autodefinido como modernistas.

FRANCÉS JACKES DERRIDÁ- HEIDEGGER La deconstrucción es la generalización por parte del filósofo posestructuralista francés Jacques Derrida del método implícito en los análisis del pensador alemán Martin Heidegger, fundamentalmente en sus análisis etimológicos de la historia de la filosofía. Jacques Derrida, publica los libros que exponen sus ideas acerca del lenguaje y la escritura, De la Gramatología y La escritura y la diferencia, a finales de la década de los años sesenta. Ambos aparecen traducidos en los años 1976 y 1978, respectivamente, en Estados Unidos. Derrida comienza por desmontar o de construir el par binario tradicional de las teorías del lenguaje, de Platón a Saussure, en el que uno de sus elementos, el habla, se considera superior y más digno de atención que el otro, la escritura. Esta preeminencia del habla se funda en la noción dominante del pensamiento occidental que Derrida denomina la metafísica de la presencia. En cualquier enunciado hablado, las palabras están aún próximas al emisor, a la persona, a la voz, es decir, al centro que ancla, autentifica y garantiza su significado. Lo que se quiere decir se mantiene cerca de la intención, la mente, el sujeto, el logos, que lo formuló y que puede responder por él, verificándolo o corrigiéndolo en caso de disputa o conflicto. Este logo centrismo, que presupone una presencia tras el lenguaje, cumple la función fundamental de asegurarnos que el lenguaje será el vehículo fiable que precisamos para transmitir información o comunicar ideas y emociones. Consiste en mostrar cómo se ha construido un concepto cualquiera a partir de procesos históricos y acumulaciones metafóricas (de ahí el nombre de deconstrucción). El término desconstrucción es la traducción que propone Derrida del término alemán Destrucción, que Heidegger emplea en Ser y tiempo. En Heidegger la Destrucción conduce al concepto de tiempo; ella debe velar por algunas etapas sucesivas la experiencia del tiempo que ha sido recubierta por la metafísica haciendo olvidar el sentido originario del ser como ser temporal. Las tres etapas de esta deconstrucción se siguen en busca de la historia: « La doctrina kantiana del esquematismo y el tiempo como etapa prealable de una problemática de la temporalidad» « El fundamento ontológico del cogito sum de Descartes y la retoma de la ontología medieval dentro de la problemática de la res cogitans» « El tratado de Aristóteles sobre el tiempo como discrimen de la base fenoménica y de los límites de la ontología antigua».

Derrida logra entender la deconstrucción, y explica que la significación de un texto dado (ensayo, novela, artículo de periódico) es el resultado de la diferencia entre las palabras empleadas, ya que no la referencia a las cosas que ellas representan; se trata de una diferencia activa. Francés Jackes Derridá
se basa en la metafísica de la presencia (es una forma de entender (ver) “la presencia” con el pensamiento lógico) , en la teoría de la arquitectura. 
La arquitectura es un lenguaje capaz de comunicar el sentido que el arquitecto quiere dar y ser tratado por los métodos de la filosofía del lenguaje (estudio del origen lenguaje). 
Eisenman utiliza la dialéctica (que es un discurso en que se enfrenta una tesis (concepciones o teorías) contra sus problemas y contradicciones) y finalmente se hace una síntesis, una nueva solución al problema) , los conceptos del sólido y vacío, y presencia y ausencia, los enfrenta y los sintetiza. 
Jugar con la flexibilidad de las normas.
El lugar de la presencia es la arquitectura, y se encuentra la misma dialéctica de la presencia y la ausencia en la construcción y la deconstrucción.
Residencia de Frank Ghery, que comenzó con una casa ordinaria para después alterar su masa. De constructivismo-Modernismo y postmodernismo Se puede notar que los 3 movimientos iban en contra de las teorías y movimientos establecidos. Siempre teniendo en cuenta el funcionalismo aunque se desarrolla distinto en el postmodernismo que es por separado del ornamento y en el de constructivismo en el que se resuelven en conjunto.

Arquitectura inspirada en el Posestructuralismo
 Este movimiento en la arquitectura, se traduce en formas sin estructura definida, volúmenes ladeados disociados y yuxtapuestos como una reacción hacia los componentes formales y conceptuales del Movimiento Moderno, en el que la arquitectura es prisionera de valores dogmáticos y de referentes históricos, que impiden reflejar la situación actual del mundo, mundo de la información y de la comunicación. Nacimiento del de constructivismo
Oficialmente nació con la exposición de 1988 del Museo de Arte Moderno de Nueva York “Arquitectura Deconstructivista”, que fue organizada por Philip Johnson y Mark Wigley. Se exhibieron obras de Frank Gehry, Daniel Libeskind, Rem Koolhaas, CoopHimmelb(l)au, Peter Eisenman, ZahaHadid, y Bernard Tschumi.

Dejaron claro su punto de vista ante los paralelismos que se proponían entre la filosofía deconstructivistas y la arquitectura.
 Razones de la materialización de las formas caóticas: -Posiciones compartidas o críticas para con el Movimiento Moderno de los arquitectos. -Propuestas de insertar al contexto esta arquitectura de ruptura. -Ideas sobre el espacio intersticial y su materialización -Interpretaciones arquitectónicas de la teoría del caos -Beneficios de la geometría fractal y la informática. -Posturas ante el funcionalismo, el binomio forma-función y sus apologías para recuperar el protagonismo de la forma en la arquitectura. El constructivismo Ruso
 Establecieron influencias formales del constructivismo ruso en las obras deconstructivistas. Se planteó que el constructivismo ruso había servido de inspiración a los arquitectos deconstructivistas.

Las formas geométricas de obras de NaumGabo, Lissitzky, KasimirMalevich y Alexander Rodchenko influyeron en la arquitectura deconstructivista de Zaha Hadid y Coop Himmelbau.
Muestran una preocupación con arte de los ensamblajes abstractos.
 Consideraron la simpleza radical de las formas geométricas el motivo artístico primario.

Conclusión La deconstrucción trata, por un lado, de mostrar que estos pares, centros y sistemas son ordenamientos humanos y, por tanto, ni lógicos o naturales ni inmutables, y, por otro, busca desarmarlos mostrando sus contradicciones. El propósito no es invertir la situación jerárquica de los elementos de los pares, ni siquiera la de eliminarlos sino, más bien, la de poner en evidencia sus fricciones a fin de redefinir sus relaciones. La crítica general de las posiciones habituales de primacía y de inferioridad, de centralidad y marginalidad, es una piedra angular, como se verá, de los postulados de los movimientos teóricos citados antes. Hay que decir que, de hecho, algunas de construccionistas, rompiendo el aislamiento textual, ya incorporan estos aspectos que se abren a lo social y lo cultural.

 Pensamientos filosóficos de la segunda mitad del siglo xx En los primeros años del s. XX se produjo un fenómeno realmente original y rompedor en el mundo del arte, la aparición de las vanguardias, que tenían como objetivo común la ruptura y superación del arte tradicional, ya que el ser humano moderno necesitaba un lenguaje distinto para satisfacer necesidades diversas, nunca planteadas hasta esos momentos. Su trascendencia fue tal, que condicionaron el arte posterior. El triunfo de sus principios supuso, por ejemplo que se fuese institucionalizando un arte nuevo que logró que cayese en desuso el arte tradicional. Tal vez sea en la arquitectura donde esto tuvo una mayor relevancia, ya que el triunfo del racionalismo hizo que en las décadas centrales del siglo el estilo de mayor difusión fuese el denominado “Estilo Internacional” y habrá que esperar hasta el final de los años sesenta para que poco a poco reaparezcan el historicismo o regionalismo en la arquitectura, hasta lograr en los setenta la concentración de estilos conocida como al “Postmodernidad”. La arquitectura internacional en los años centrales del siglo estaba llena de tendencias y movimientos que se van a ir simplificando a partir de la década de los setenta en dos corrientes fundamentales, el “Posmoderno” y el “Tardo moderno”. No se trata de estilos o escuelas concretas, sino de dos maneras diversas de concebir la arquitectura. El “Posmoderno” se basa en negar la validez del “Movimiento Moderno”, considerándolo como una etapa ya superada, puesto que sus edificios eran fríos, monótonos y difíciles de entender por el público. Defendían una arquitectura variada, imaginativa, capaz de satisfacer a un público variopinto, divertido y un poco cínico, que ya no creía en las grandes ideologías de la primera mitad del siglo XX. Los teóricos posmodernos fueron Robert Ventura y Philip Johnson y, seguidores de esta tendencia como Charles Moore o Michael Graves, ofrecen en sus obras referencias históricas o cultas que interesan a un público especializado, aunque también colocan elementos fácilmente reconocibles y asimilables para un público sin formación arquitectónica. Los elementos más usados por ellos son la valoración del entorno, la recuperación de formas históricas, el gusto por la sorpresa, el humor, etc. El uso de los elementos históricos es muy libre y ecléctico y la preocupación por el entorno lleva a respetar las formas y materiales característicos del lugar. Uno de los asuntos que más preocupó a los posmodernos fue la tipología del rascacielos, que mantenía la establecida por Mies van del Rohe en el “Seagram Building” de 1956, es decir, un gran prisma cuadrado acristalado mediante un muro cortina.

En este sentido el edificio más destacado de los posmodernos fue el “Edificio Humana de Louisville” (198286) realizado por Michael Graves, compuesto con un esquema tripartito, que está lleno de referencias del mundo clásico, remitiéndonos al esquema de una columna canónica, cuya

base estaría formada por un esbelto vestíbulo, una especie de fuste estaría constituido por los pisos de oficinas y por último el recuerdo del capitel con otro esquema triple formado por un enorme mirador acristalado, un balcón convexo que alberga un jardín aéreo y una esbelta cornisa. Su acabado también es característico de la posmodernidad con gran variedad de formas, empleando simultáneamente piedras de distintos colores y cristal, con juegos de escalas y con formas caprichosas. Arquitectura moderna (no confundir con arquitectura modernista) es un término muy amplio que designa el conjunto de corrientes o estilos de arquitectura que se han desarrollado a lo largo del siglo XX en todo el mundo.1 Esta verdadera revolución en el campo de la arquitectura y el mundo del arte, tuvo su germen en la Escuela de la Bauhaus y su principal desarrollo en el Movimiento Moderno vinculado al Congreso Internacional de Arquitectura Moderna (19281959), no sin diferencias, marcadas por las dos principales tendencias: el funcionalismo racionalista y el organicista (racionalismo arquitectónico y organicismo arquitectónico). Ese concepto de arquitectura moderna o arquitectura contemporánea entendida como algo estilístico y no cronológico, se caracterizó por la simplificación de las formas, la ausencia de ornamento y la renuncia consciente a la composición académica clásica, que fue sustituida por una estética con referencias a las distintas tendencias del denominado arte moderno (cubismo, expresionismo, neoplasticismo, futurismo, etc.). Pero fue, sobre todo, el uso de los nuevos materiales como el acero y el hormigón armado, así como la aplicación de las tecnologías asociadas, el hecho determinante que cambió para siempre la manera de proyectar y construir los edificios o los espacios para la vida y la actividad humana.

En la segunda mitad del siglo XX se fueron produciendo tanto nuevos desarrollos del movimiento moderno en sus múltiples posibilidades, como alternativas críticas. En las últimas décadas del siglo se produjo incluso un radical cuestionamiento del concepto mismo de la modernidad a través de su desconstrucción, y que en arquitectura fue interpretado a través de los movimientos denominados des constructivismo y arquitectura posmoderna, que no son ni mucho menos las únicas posibilidades expresivas de un periodo, que llega hasta el siglo XXI, que se caracteriza por la abundancia y variedad de obras, estilos y creadores.

 La Propuesta Deconstructiva El de constructivismo es un movimiento arquitectónico que nació a finales de la década de 1980. Se caracteriza por la fragmentación, el proceso de diseño no lineal, el interés por la manipulación de las ideas de la superficie de las estructuras y, en apariencia, de la geometría no euclidiana1 (por ejemplo, formas no rectilíneas) que se emplean para distorsionar y dislocar algunos de los principios elementales de la arquitectura, como la estructura y la envolvente del edificio. La apariencia visual final de los edificios de la escuela deconstructivista se caracteriza por una estimulante impredecibilidad y un caos controlado. Tiene su base en el movimiento teórico-literario también llamado deconstrucción. El nombre deriva asimismo del constructivismo ruso que existió durante la década de 1920, de donde retoma alguna de su inspiración formal. Vista del Centro Cívico del Bicentenario. Fue inaugurado en el año 2011 en la ciudad de Córdoba, Argentina. Algunos acontecimientos importantes en la historia del movimiento deconstructivista fueron el concurso internacional del parisino Parc de la Villette (especialmente la participación de Jacques Derrida y Peter Eisenman2 y el primer premio de Bernard Tschumi), la exposición de 1988 del Museo de Arte Moderno de Nueva York Deconstructivista Architecture, organizada por Philip Johnson y Mark Wigley, y la inauguración en 1989 del Wexner Center for the Artsen Columbus, diseñado por Peter Eisenman. En la exposición de Nueva York se exhibieron obras de Frank Gehry,Daniel Libeskind, Rem Koolhaas, Peter Eisenman, Zaha Hadid, Coop Himmelb(l)au y Bernard Tschumi. El Imperial War Museum North de Daniel Libeskind, en Mánchester consta de tres volúmenes curvos que aparentemente se intersecan.

Desde dicha exposición, muchos de los arquitectos asociados al de constructivismo se han distanciado del término. Sin embargo, esta denominación cuajó y su uso actual abarca una tendencia general de la arquitectura contemporánea. Originalmente, algunos de los arquitectos conocidos como deconstructivistas estaban influidos por las ideas del filósofo francés Jacques Derrida. Eisenman mantuvo una relación personal con Derrida, pero de todas formas desarrolló su aproximación al diseño arquitectónico mucho antes de hacerse deconstructivista. Según él, el de constructivismo debe considerarse una extensión de su interés por el formalismo radical. Algunos seguidores de la corriente deconstructivista estaban también influidos por la experimentación formal y los desequilibrios geométricos de los constructivistas rusos. Hay referencias adicionales en el de constructivismo a varios movimientos del siglo XX: la interacción modernismo/postmodernismo, expresionismo, cubismo y el arte contemporáneo. El intento del de constructivismo es liberar a la arquitectura de las reglas modernistas, que sus seguidores juzgan constrictivas, como «la forma sigue a la función» (“form follows function”), «la pureza de la forma» y la «verdad de los materiales» (“truth on materials”). El de constructivismo incluye ideas de fragmentación, procesos no lineales, procesos de diseño, geometría no euclidiana, negando polaridades como la estructura y el recubrimiento. La apariencia visual de los edificios de este estilo se caracteriza por un caos controlado. Muchos críticos del de constructivismo ven esto como un mero ejercicio formal con poco significado social.

4.1.3 LA TEORIA DEL CAOS Y EL RIZOMA El concepto de caos aplicado a la arquitectura Una serie de nuevos paradigmas del pensamiento post-estructuralista y de la nueva ciencia – como los fractales, los pliegues y los rizomas – permiten ver, interpretar y proyectar dentro de la complejidad del mundo contemporáneo, explorando otras lógicas que se aproximan a los fenómenos del caos y a los procesos de mutación. (…)

Ciertamente a las formas del caos – pliegues, fractales y rizomas – les es muy difícil expresar monumentalidad. Su lógica es anti representativa: se corresponden más con el desorden, imprevisión, individualidad, transitoriedad y fluidez de la vida cotidiana que con la voluntad de perfección, legislación, representación y control de la esfera pública. Sin embargo, siempre hay excepciones, como la monumentalidad alcanzada por UN Studio, encabezado por Ben van Berkel y Caroline Bos, con el Mercedes-Benz Museum en Sttutgart (2002-2006) o por Rem Koolhaas en la Casa da Música en Oporto (1999-2005). (…)

Mercedes Benz Museum – Ben Van Berkel y Caroline Bos

Casa da Musica – Rem Koolhaas

Fractales Los fractales constituyen una manera de geometrizar el caos de la naturaleza, de iluminar el desorden, midiéndolo, representándolo y domesticándolo. En el último cuarto del siglo XX se presentó la posibilidad de conciliar lo caótico y orgánico con lo ordenado y geométrico. Para configurar las geometrías fractales, el ingeniero y matemático Benoît Mandelbrot recuperó en su libro Los objetos Fractales1 teorías fragmentarias ya existentes – como las de George Cantor, Robert Brown, Helge von Koch, Giuseppe Peano, Lewis Fry Richardson y otros científicos que habían sido marginados por la ciencia dominante por el hecho de haber explorado los márgenes de la geometría y el azar -, recomponiendo piezas sueltas o de desguace en un nuevo paradigma científico. (…) Podemos considerar la propuesta de los clusters2, las formas arracimadas o ramificadas elaboradas por Alison y Peter Smithson, Candilis, Josic y Woods y otros autores en el contexto de los planteamientos del Team 10, como una anticipación del concepto de fractal propuesto por Benoît Mandelbrot. Muchas manifestaciones de las artes contemporáneas que se basan en flujos y movimientos tienen que ver con formas complejas y asimétricas, con la iteración de gestos. Por ejemplo, podemos relacionar el orden oculto del jazz, aparentemente desordenado y arrítmico, con la técnica de dripping de Jackson Pollock, asimétrico y gestual; de la misma manera que la gestualidad y la materia de los flujos conducen a arquitecturas de los Smithson o a las propuestas de Louis I. Kahn, como el ya citado proyecto urbano para remodelar el centro de Filadelfia, partiendo de las líneas de tráfico peatonal. Podemos encontrar leyes de homotecia interna, elemento geométrico común a las muy diversas formas fractales, en la naturaleza o en las obras que el ser humano ha creado inspirándose en ella, como los muros ciclópeos de piedra de la arquitectura inca en Sacsahuaman o en Machupichu, Perú, que presentan siempre la misma estructura de encaje de piedras y planos, tanto si lo observamos a gran escala, a la pequeña escala, en detalle o al microscopio. O también en ciertas obras de arte, por ejemplo en los garabatos de Jean Dubufett o los móviles de Alexander Calder, que expresan en sus formas una presencia implícita de lógicas fractales. Tal como explica Inés Moisset (1967), en los últimos años se han desarrollado dos sistemas para crear fractales: los Sistemas de Funciones Iteradas (IFS) que, por rotación, traslación y cambio de escala, generan formas naturales como helechos o espirales mediante el ordenador; y los Sistemas L creados a partir de la idea de Aristid Lyndenmayer de “autómatas celulares” (1968) en los que mediante el ordenador las formas se van subdividiendo y pueden crear árboles y otras formas de la naturaleza y de los seres vivos.3 Un proyecto como la residencia y centro de estudiantes Dipoli del Instituto de Tecnología en el conjunto universitario de Otaniemi, cerca de Helsinki (1961-1966), de Reima Pietilä (1923-1993) y Raili Pietilä (1926),

Los Pietilä quisieron responder con un uso de la naturaleza mucho más intenso al culto y refinado organicismo paisajista de Alvar Aalto. El resultado es una arquitectura dura y agresiva, sin ninguna frontalidad clásica, con múltiples entradas y espacios cavernosos, donde a las rocas naturales se añaden piedras como escenografía. Los Pietilä experimentaron a menudo con fractales, combinando todo tipo de formas, abstractas y orgánicas, como en el proyecto de la Biblioteca Central de Tampere (1978-1986), donde todo el edificio y cada una de las partes adopta la forma de espirales en torno a cúpulas.

Conjunto universitario de Otaniemi – Raili Reima Pietilä

Biblioteca de Tampere – Raili y Reima Pietilä

Otro proyecto contemporáneo que se plantea bajo la inspiración de las formas fractales es el parque de La Gavia en Vallecas, Madrid (2003), de Toyo Ito, donde se estructuran 39 hs de la periferia madrileña como un sistema fractal conformado por colinas y valles que se complementan y que se desarrolla según unos canales en espiral para la depuración natural del agua. La matriz geométrica o estructura interna que se repite por todo el proyecto es la forma arracimada que da tanto en las ramas y en las hojas de los árboles como en los cauces que forman los afluentes y ríos.4

La Gavia – Toyo Ito 1 Mandelbrot, Benoît, Los objetos fractales. Forma, azar y dimensión (1975), Tusquets, Barcelona, 2006. 2 Véase Smithson, Alison y Peter, Urban Structuring, Studio Vista, Londres, 1967. 3 Véase Moisset, Inés, Fractales y formas arquitectónicas, I+P división editorial, Córdoba (Argentina), 2003.

1. ES UN ARQUITECTO PAISAJISTA, TEORICO E HISTORIADOR DE LA ARQUITECTURA ESTADOUNIDNSE R= CHARLES JENCKS. 2. NOMBRE DEL LIBRO QUE ES CONSIDERADO COMO EL QUE POPULARIZO EL TERMINO DE LA ARQUITECTURA POSMODRENA. R= “EL LENGUAJE DE LA ARQUITECTURA POSMODERNA”. 3. ¿CÓMO SE CARACTERIZABAN LOS DISEÑOS DE ROBERT VENTURI? R= TIENEN UN ASPECTO CARACTERÍSTICO, QUE RECUERDA A DIBUJOS O PINTURAS, TANTO POR EL EMPLEO DE COLORES, COMO POR LA UBICACIÓN DE LAS VENTANAS Y DEMÁS ELEMENTOS EN LAS FACHADAS. 4. ¿CUÁNDO NACE EL DISEÑO POSMODERNO? R= SE REMONTA A LA DÉCADA DEL '60, CUANDO EMERGE EL POP. 5. ¿QUIÉNES INTEGRABAN EL GRUPO MEMPHIS? R= DISEÑADORES ITALIANOS MILITANTES DEL DISEÑO RADICAL. 6. ¿QUÉ ES LA ARQUITECTURA POSMODERNA? R= SE CONOCE COMO ARQUITECTURA POSMODERNA A UNA TENDENCIA ARQUITECTÓNICA QUE SE INICIA EN LOS AÑOS 1950, Y COMIENZA A SER UN MOVIMIENTO A PARTIR DE LOS AÑOS 1970. 7. VALORES QUE DEFIENDE EL MOVIMIENTO MODERNO EN MEXICO? R= LA AMBIGÜEDAD, LA IRONÍA, LA COMPLEJIDAD, LA DIVERSIDAD DE ESTILOS, LA RECUPERACIÓN HISTÓRICA, ETC. 8. CARACTERISTICAS PRINCIPALES DE LA POSMODERNIDAD EN MEXICO. R= INTENTAN RECUPERAR LA REFERENCIA, EL ORNAMENTO, EL INGENIO, BUSCAN ELIMINAR LAS FORMAS PURAS O LIMPIAS, SE BUSCA TAMBIÉN LA MONUMENTALIDAD Y LA RIQUEZA VISUAL DE FORMAS. 9. ESTILOS O CORRIENTES QUE SE INSERTAN DENTRO DEL POSMODERNISMO. R= NEO HISTORICISMO, EL NEOCLASICISMO, EL NEOCOLONIAL, EL TARDO MODERNISMO Y EL BRUTALISMO. 10. LO PODEMOS DEFINIR COMO UNA IDENTIFICACION MEXICANA DE LO POSMODERNO R=EL POSMEXICANISMO. 11. FUE UNO DE LOS PROTAGONISTAS QUE CONTRIBUYERON AL DESARROLLO DE LA ARQUITECTURA MEXICANA CONTEMPORÁNEA. R= JUAN O’GORMAN 12. ES UNO DE LOS MILES DE ARTISTAS EXTRANJEROS QUE ENRIQUECIERON Y FORJARON A FUEGO LA CULTURA MEXICANA DEL SIGLO XX. R= FÉLIX CANDELA 13. FUE UNO DE LOS PROYECTOS DE FELIX CANDELA EN ACAPULCO R= CABARET JACARANDÁ DEL HOTEL EL PRESIDENTE. 14. NOMBRE DE LA EMPRESA CONSTRUCTURA DE FELIX CANDELA R= CUBIERTAS ALA 15. FUE UNO DE LOS MEJORES PROYECTOS DE CANDELA R= LA IGLESIA “MEDALLA MILAGROSA”

16. ¿QUIÉN RECIBE EL PREMIO PRITZKER EN 1980 RECONOCIENDO LA ARQUITECTURA MEXICANA CONTEMPORÁNEA? R= LUIS BARRAGAN 17. MENSIONA TRES DE LOS MÁS PROMINENTES POSESTRUCTURALISTAS R= JACQUES LACAN, ROLAND BARTHES Y CLAUDE LÉVI-STRAUSS.JACQUES DERRIDA 18. SIRVE COMO PUNTO DE REFERENCIA TEÓRICO EN EL TRABAJO HISTÓRICO DE MICHEL FOUCAULT DE LOS AÑOS 1970. R= , LA GENEALOGÍA DE NIETZSCHE 19. SE BASA EN LA METAFÍSICA DE LA PRESENCIA EN LA TEORÍA DE LA ARQUITECTURA. R= JACKES DERRIDÁ 20. NACIÓ CON LA EXPOSICIÓN DE 1988 DEL MUSEO DE ARTE MODERNO DE NUEVA YORK “ARQUITECTURA DECONSTRUCTIVISTA” R= EL CONSTRUCTIVISMO