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• David Valest

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Nº 22 - JULIO 2013

Nos ponemos nostálgicos

I LOVE 90´S

CINE, MÚSICA, SERIES, ANIMES, CÓMICS DE UNA DÉCADA QUE NOS MARCÓ

DIRECCIÓN Daniel Ferrer

SUBDIRECCIÓN Toni Camacho

MAQUETACIÓN, EDICIÓN & REDACCIÓN Toni Camacho Daniel Ferrer Maria Gracia Galán Molina

ENCARGADO DE RELATOS Toni Serrano Martínez

REDACCIÓN

Aída Albiar Andrey Alfonso Antonio Alcaide Asier Menéndez Marín Beatriz Pulido(Miki Weasley Croft) Cugar19 David Blázquez Pérez Elena Oteo Ella en la pecera Enrique Page Esther Esteban Emilio Sanchís Fernando López Javier Sánchez Roquero José Del Río Fortich Jesús Javier Cagigós Juan Dougnac Judith Hidalgo Pis Luis Jesús Zapico Quiñones Maica Herena (Neko Mai) Miguel de Andrés Bayon Miriam Grado María Gracia Galán Salvador Vargas

LA TETA ENROSCADA Luis Borja Fuentes Galán Marta Fuentes Galán Marina Rodriguez

Contacto:

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FRIKITORIAL Después de otros 11 números de Nosolofreak, nos vamos de vacaciones habiendo alcanzado la maravillosa cifra de 100000 lectores en nuestro anterior número, que nos hace ser lideres en nuestro sector actualmente. Gracias. Aunque en agosto no tendremos Nosolofreak, necesitamos el descanso, deciros que os dejamos con más de 300 página de recordatorio de otra de esas decadas que quedan para nuestro recuerdo: Los 90, en la que hemos intentado recopilar lo máximo, seguro que falta algo, de otra de las década prodigiosas junto a los 80. Por cierto, aunque nos vayamos de vacas, ya estamos preparando la nueva temporada, con cientos de nuevas sorpresas. Pasad un buen verano. Nosotros os echaremos de menos Daniel Ferrer león Director de Nosolofreak

NUEVOS REDACTORES Lily Isabel Ortiz Rosa Maria Cortés García Naeri Alba Pineda Jera Strucc

La senda de los justos (Relato Los Miserables) 7 El cine musical 15 Relato Salir del Armario 6 Grease 31 90 oculto 10 ElLos lado del Mago de Oz 35 La tele de los 90 24 West Side Story 41 Welcome to Twin Peaks 30 Sonrisas y Lágrimas 45 Expediente X 36 Sweeney 47 90 42 HistoriaTodd de los Moulin marvel Rouge en los 53 90 56 De Hair Spray a Hair Spray 61 TMNT 60 Singin’ in the 63 Entrevista JG Rain MIRANDA 64 Chicago Sandman:73 Infinito 76 Los musicales y su magia 80 Trazo de Tiza Disney 78 The Rocky Horror 105 Wonder Woman: The Picture New 52 Show 84 90 Pixel a Pixel ElLos otro musical 107 88 Los vida Juguetes 90 100 115 Una llenadedelos musicales Mi infancia en losOpera 90 108 117 Repo, The Genetic Relato La Bizarros Sombra del amor 112 Musicales 123 El cine la década de los 90 118de la historia del cine 125 Los diezde mejores compositores Saga Terminator Así nos fue en... La 180 muestra Syfy 133 Bocaditos de Realidad-Generación X 194 Vigilen los cielos: Starship Troopers 143 Jurassic Park 198 Summer Night’s (Relato Grease) 147 cine independiente de los 90 204 Glee 151 Localizaciones de cine...Hawaii 206 Smash 159 Nocturna Especial 216 ElEntrevista musical de Buffy 163Joe Dante y Luis M. Rosales 222 Mick Garris, Brainstorming Musical Vigilen los cielos 230 166 Seis décadasdede@doncriticon72 música 169 El twitter 234 Video kills Grunge 238the Radio Stars 183 OSpice lo amas, lo odias (Héroes del Silencio y Los Piratas) 186 Girls o 240 El animepara de los 242 Grupos el 90 recuerdo 206 Fushigi Yuugi 244 Tango 212 One Piece d’oro 248 214 La corda Yuyu 217 Hakusho 252 Nana KaroLied Kano Elfen 221 256 Miracle Giants Barcelona Dome-kun 262 Japan Weekend 227 Rock y arquitectura en los 90 264 Comiqueando en el viejo continente 233 Reseña El libro de las Sombras más entrevista autor 272 El androide de la mazmorra 237 Reseña Libro/Juego Los Caminantes 276 Daredevil de los Mark Internet en 90 Waid 280 240 La de las 286 palabras 248 La guardiana Teta Enroscada Reseña: La freak fortaleza Sirope de 292 250 Esther Esteban entrevista a... 252 296 Las recetas de Neko Mai: YAKISOBA La teta enroscada 270 Vampiros: Las Mascarada 298 Las de of Neko Mai 276 Rex:recetas Finaldays Empire 304 Fanhunter, juego de rol

306

indice

SALIR DEL ARMARIO: RELATO BASADO EN EL PRINCIPE DE BEL AIR

Will intentó hacer un esfuerzo para no entrar en pánico. Normalmente no era claustrofóbico, pero llevaba ya media hora encerrado en aquel diminuto armario empotrado, con la barriga del tío Phil aplastando su caja torácica y el olor a humanidad aumentando a cada instante. Por lo menos, su tío había dejado de apretarle el cuello, aunque no dejó de susurrarle que lo mataría cuando acabara aquella situación. Will no sabía que podía ser peor, el castigo del tío Phil, permanecer allí encerrado con él o salir fuera y dejar que lo mataran. Mientras se decidía, intentó escuchar lo que ocurría al otro lado de la puerta del armario, en el interior de la suite presidencial del “Caesars”, el más prestigioso casino de Las Vegas. ― ¡Vamos nena, donde esta el otro tío! ― dijo una voz viril. ― ¡Te repito que no hay nadie en la habitación! ―le contestó una voz femenina― Solo estamos tu y yo. El hombre pareció meditar unos instantes (aunque a Will, tanto por la falta de oxigeno como por los nervios de la situación le pareció una eternidad), aunque finalmente contestó: ― Entonces ¿Porque estabas desnuda en la cama? ― Ya sabes que duermo desnuda. Además, te estaba esperando a ti. ― ¿A mi? ¿Como sabías que iba a venir? > pensó Will, deseoso de que hubiera una respuesta aun mejor por la cuenta que les traía pues, aun dentro de aquel armario, había oído como aquel hombre amartillaba un arma de fuego, preparándola para un tiroteo inminente. ― Vamos nene, ¿Crees que eres invisible? La mejor manera de atraer y sorprender a un hombre es ponerlo celoso. ― ¿Sabias que te seguía?

― No solo lo sabía, lo pretendía. De nuevo un incomodo silencio, mucho mayor para los del interior del armario. ― ¿Has reservado una suite tan grande solo para nosotros dos? Will sintió que el corazón se le quedaba atravesado en mitad de la traquea pues la mujer perdía credibilidad. Aquella suite era demasiado grande, de hecho era gigantesca. El tío Phil la había elegido para que toda la familia pudiera alojarse allí y así poder tenerlos más controlados a todos. Si el hombre reparaba en el resto de habitaciones de la suite y a las distintas maletas que allí había, solo sería cuestión de tiempo que atara cabos, les buscara, les encontrara y... Will decidió no seguir pensando a partir de aquel punto. ― No he reparado en gastos, cariño. Tu solo te mereces lo mejor y pedí que me reservaran la suite más cara. No imagine que sería tan grande, y no me he enterado hasta ahora mismo, así que no me ha quedado más remedio que aprovecharla o estropearte la sorpresa. Esta vez Will no se quedó de brazos cruzados a esperar la reacción de aquel tipo. Había pensado una salida a todo aquello, muy rastrera, pero a buen seguro efectiva, y el miedo a morir sobrepasaba en mucho a su moral en aquellos instantes. Como pudo, empezó a palpar los bolsillos de la chaqueta de su tío. ― ¡¿Se puede saber que demonios haces, Will?! ―dijo el tío Phil aun más irritado. ― No se, tío Phil. Tu y yo, encerrados en un armario, a oscuras y tan pegados el uno al otro creo que me han puesto cariñosón. La temperatura dentro de aquel armario

subió rápida y exponencialmente, y Will supo que la causante era la ira emergente de su tío, por lo que se dio prisa y sacó el teléfono móvil de su tío y tecleó un mensaje de texto para su primo Carlton, esperando que no se diera cuenta que el remitente era su propio padre. Pulsó la tecla de enviar pero no pudo comprobar el éxito en el envío, pues el hombre volvió a hablar, esta vez muy cerca de la puerta del armario y, del susto, el móvil se le escurrió de las manos y cayó al suelo. Lo bueno fue que la moqueta de dentro del armario (algo que Will había considerado de lo más inútil hasta aquel momento) amortiguó el sonido del golpe. Lo malo, que el poco espacio del que disponían su tío y el le impedía agacharse, y la idea de restregarse con la parte baja de su tío le hizo desistir de intentarlo siquiera. ― Si esta suite es solo para nosotros, no te importará que eche un vistazo por aquí ¿No? ―dijo el hombre maliciosamente― Por ejemplo, dentro de este armario. ― Tu mismo ―dijo la mujer como si no supiera lo que contenía y las fatídicas consecuencias de que su marido abriera aquella puerta― pero estarías perdiendo un tiempo precioso fuera de las sabanas de esta cama. Un nuevo silencio mortal. ― ― ― te

Tío Phil ―dijo Will susurrando Cállate o nos van a descubrir. Es importante. Necesito que tires un pedo ya mismo.

Si hubieran tenido algo de luz dentro del armario, Will habría visto sangre en la mirada de su tío, pero como no la veía, no se retractó lo más mínimo de su propuesta. ― No veo en que podría beneficiarnos eso ―contestó el tío Phil entre susurros. ― Es una manera más rápida de morir. Así, si abre, moriremos matando. El espacio dentro de aquel armario era reducido, extremadamente enjuto hasta el punto de a Will se le estaban durmiendo las extremidades. Por

eso no llegó a entender como un hombre con la corpulencia del tío Phil pudo apañárselas para darle aquella impetuosa colleja. El golpe de su tío y su posterior quejido habrían sido oídos de no ser porque alguien abrió la puerta de la suite llamando toda la atención de los allí presentes. Will cruzó los dedos deseando que aquello fuera la respuesta al mensaje que había intentado mandar, y no el servicio de habitaciones, trayendo algo que los embrollara aún más. ― ¡Uy, perdón! Me he equivocado ―dijo una voz extremadamente aguda de mujer, seguida de varias irritantes risitas. Will conocía demasiado bien aquella voz; era la voz de Hillary, su prima. Tras varias risitas más, Will oyó como se cerraba la puerta de nuevo. Supuso que su prima, confusa por lo que había visto, volvería a la recepción a preguntar por su número de habitación y volvería a intentar entrar cuando le dijeran que era el número correcto. Aquello, al igual que ahora, les haría ganar algo de tiempo por si su plan de huida tardaba un rato en funcionar. ― Deberíamos haber aprovechado que la

puerta de la suite estaba abierta y haber salido corriendo ―dijo el tío Phil. ― Nos habría cosido a balazos en mitad de la carrera. Así, con un poco de suerte, Hillary preguntará en recepción y denunciará que alguien se ha colado en su habitación. Tal vez vuelva incluso con la policía. ― O con tu tía Biv, en cuyo caso desearemos que nos hubieran pegado ese tiro. Will tragó saliva. Su tío tenía toda la razón del mundo, era mejor ser tiroteado. Aterrado, sin una solución plausible a la que aferrarse, le vino a la cabeza como su tío había entrado en la suite, pillándole a los pies de la cama principal, pasmado , mirando a aquella belleza desnuda. Solo le dio tiempo a una amenaza y dos collejas, antes de que el cornudo marido aporreara la puerta y que aquella pedazo de pibón en cueros los desterrara a empujones a aquel armario. Luego vino todo lo demás, más algún insulto extra del tío Phil. Volviendo a la realidad, la pareja continuaba con la discusión. Por lo visto, la entrada de Hillary había desconcertado al marido, que esperaba encontrar a otro hombre en la habitación, no a otra mujer entrando. La mujer, aprovechó la situación para intentar tomar las riendas por primera vez en la discusión y empezó a recriminarle al marido su falta de confianza, amenazando con vestirse, marcharse y dejarle con las ganas. Will deseó con todas sus fuerzas que así pasara y que ambos se marcharan de allí cagando leches, pues sus piernas empezaban a dormirse y el desodorante empezaba a abandonarlos a ambos. Sin embargo, la mujer consiguió amedrentar al desconfiado marido (con evidentes motivos para serlo) y ganarse un repertorio completo de disculpas que acabaron convirtiéndose en algo que Will conocía muy bien, pero que ahora le causaba pavor: charla pre-coital. La parejita empezó a ponerse cariñosa y el sonido de roces, besos y pequeños gemidos iniciales empezó a llenar la habitación. ― No,no,no,no,no.... ―se repetía Will desesperado. ― Te mataré, lo juro, te mataré.... ―le repetía el tío Phil furioso. Y entonces, cuando ya parecía inevitable que se prolongara su claustrofóbica estancia, la puerta de la suite volvió a abrirse.

― ¡Ya estoy aquí, bomboncito! ―dijo la inconfundible voz de su primo Carlton― ¡Tu macho ha venido a darte amor, nena! Tras su intervención se hizo el silencio y Will, a pesar de no ver nada en absoluto, se imaginó la escena: Su primo, tras haber subido a la habitación engañado por el mensaje que le había mandado Will, se había quedado paralizado al ver retozar en la cama a dos completos desconocidos. En el mensaje, se había hecho pasar por la amiga de Hillary que les había acompañado a Las Vegas, y por la que Carlton babeaba, quedando con él en la habitación para aliviar supuestas tensiones sexuales. Por su parte, también se imaginaba la cara del marido, encendiéndose poco a poco por la furia, pero no por ser interrumpido, sino por algo peor. ― Lo siento, me he.... ―Carlton titubeó en su respuesta, seguramente porque habría visto la pistola o porque aquel hombre tal vez era inmenso, Will no había tenido ocasión de verlo allí encerrado― Me he... Me he.. ― ¡¿Te has qué?! ―preguntó el hombre con un tono más que airado. ― Me he... equivocado de habitación. ― Pero no de llave. Tenías la que abre esta habitación ¿Por qué? Carlton se calló. Era un pardillo la mayoría del tiempo, pero hasta el más tonto habría adivinado que no había una respuesta a aquella pregunta que pudiera dejarlo bien parado. Por eso, su primo hizo lo único que podía hacer, lo único que Will, y seguro que el tío Phil, deseaban hacer desde hacía ya un

buen rato: Salir por patas de allí. ― ¡Mamaaaaaa! ―gritaba Carlton huyendo por el pasillo. ― ¡No huyas cobarde! ―dijo el hombre corriendo tras él. Will y el tío Phil no se lo pensaron dos veces y, tras oír como los insultos del hombre y los lloros de Carlton se alejaban pasillo abajo se abalanzaron sobre la puerta, tropezándose entre ellos y cayendo al suelo al otro lado de la puerta. Sus ojos tardaron unos instantes en habituarse a la luz del exterior pero, cuando lo hicieron, ambos retrocedieron hasta casi volver a entrar en el armario. Frente a ellos, había otra persona en la habitación aparte de la chica desnuda, y que les estaba fulminando a ambos con una mirada de fuego, la tía Biv. ― ¡¿Se puede saber que hacíais los dos en el armario y con esta... señorita en cueros en nuestra cama?! ¡¿Philip?! ¡¿Will?! Ambos tragaron saliva e intentaron excusarse, pero el tío Phil fue más rápido. ― Es una amiguita de Will. He entrado y los he pillado in fraganti, pero tras de mi ha aparecido el marido furioso y me he visto obligado a... ― ¡Ye, ye, ye! ¡Un momento tio Phil! Yo no conozco de nada a esta piva ―contestó Will indignado― Yo también he entrado, igual que tú, y me he encontrado el pastel ―se giró a la chica desnuda y añadió― Aunque lo que si te tengo que reconocer es que, de no haber entrado tú, me habría puesto morado a dulce.

Sus dos tíos le fulminaron con la mirada, pero parecieron creer su versión, pues la tía Biv se giró a la chica para interrogarla. ― Antes de que llame a seguridad o a la propia policía dime, ¿Quien narices eres y que haces aquí? La chica miró con preocupación a todos los presentes y se dispuso a contestar, pero una nueva figura hizo su aparición en la escena, evitándole el mal trago. ― ¡Pollita mía, ya esta aquí tu papi! ―dijo Jazz entrando por la puerta con una botella de champán en una mano y dos copas en la otra― Me he entretenido yendo a por combustible. La tía Biv se quedó sin palabras, pero no así el tío Phil. ― ¡Jazz! ¿Esta fulana es cosa tuya? ― Un respeto señor Banks ―contestó Jazz ofendido― Yo no me junto con fulanas. Esta me quiere por lo que soy, no por mi dinero y, si me lo permite, señor Banks, me la están intimidando un poco. ¿Que tal si se esperan fuera mientras yo me disculpo por ustedes y acabo la faena? Estoy seguro que les perdonará por las molestias que nos habéis causado. El tío Phil no le contestó ni una sola palabra. Ni pestañeó, ni gruñó, ni pegó golpe o grito alguno. Su mirada hizo todo eso por él y todos los presentes tragaron saliva al contemplarlo. Entonces avanzó hacia Jazz. En los años venideros, pese al cambio de dueño del Caesars y al de la mayoría del personal de servicio, se siguió comentando lo de aquella noche como si de una leyenda urbana se tratase. La historia de como un hombre negro había sido lanzado desde la ventana de la suite presidencial de la quinta planta, atravesando la zona ajardinada de sombrillas hasta caer en la piscina que se encontraba varios metro por delante. Algunos inquilinos aseguran que, aún hoy, se pueden escuchar los gritos del desgraciado mientras volaba por los aires.

POR TONI SERRANO MARTÍNEZ

LOS

90s Cuando miramos al pasado, recordamos todas aquellas cosas que nos hicieron sentir que se nos removía algo en nuestro interior. Cuando empezábamos a tener nuevas opciones de ocio, cine con efectos que hasta el momento habían sido impensables, incluso con los nuevos canales de televisión descubrimos series que nos dejaron con la boca abierta.

los magnificos efectos especiales y el realismo conseguido de estos seres, pero la adaptación de la novela, no fue aceptada por muchos otros.

Bailábamos en las discotecas y garitos las canciones dance mas punteras, de todas las baladas hacían sus versiones mix y nos identificábamos con nuestros personajes favoritos de la tele.

-Otra película que nos marco fue Braveheart, que nos quería mostrar que hay que luchar por las libertad cueste lo que cueste y es inevitable hoy en día, que cuando llega el final de la película, se nos haga un nudito en la garganta, por la emoción que nos entra por la lucha del protagonista en el lecho de muerte.

Vamos a adentrarnos en los recuerdos de algunas de aquellas cosas que marcaron las vidas de muchos de nosotros, tanto, que hoy en día sentimos nostalgia de algunos momentos vividos entonces. La revolución en el cine llego de la mano de Steven Spielberg y los dinosaurios de Parque Jurásico, que nos hicieron sentir que estos seres se podían fabricar a la carta. Pasamos tensión y aventuras en una película que hoy en día está en boca de muchos y que fue un punto y aparte para la industria de los efectos especiales. -Jurassic Park (Parque Jurásico, en su traducción) es una película de ciencia ficción estadounidense, dirigida por Steven Spielberg, estrenada en 1993 y basada en la novela homónima de Michael Crichton. Obtuvo tres premios Óscar. El guion fue adaptado por Crichton, a partir de la obra literaria original, junto a David Koepp y Malia Scotch Marmo. El reparto estuvo integrado por Richard Attenborough, Sam Neill, Jeff Goldblum y Laura Dern; los efectos especiales fueron creados por Phil Tippett e Industrial Light & Magic. La crítica fue agridulce, porque por un lado alababan

Durante su proyección, obtuvo más de 914 millones USD y contó con numerosas adaptaciones a videojuegos, historietas y atracciones mecánicas en los parques temáticos de Universal Studios.

Braveheart es una película estadounidense de 1995 dirigida, producida y protagonizada por Mel Gibson. La cinta épica, basada en la vida de William Wallace, un héroe nacional escocés que participó en la Primera Guerra de Independencia de Escocia, fue ganadora de cinco Premios de la Academia, incluyendo el Oscar a la Mejor película. William Wallace (Mel Gibson) es un rebelde escocés, que lidera una revuelta popular contra el rey Eduardo I de Inglaterra apodado “Longshanks” (El Zanquilargo) (Patrick McGoohan), que quiere conseguir para él la corona de Escocia y quedarse el país, aprovechando que el último rey de Escocia (Alejandro III de Escocia) no tuvo herederos. No podemos olvidar, lo bien que le sentaban a Mel Gibson las faldas, porque tenía unas piernas para enseñar. La banda sonora de esta cinta, hace que el vello de los brazos se ponga de punta, recreando con unas notas, las escenas de la película. -En los 90 comenzamos a tener más de 3 canales de

continuamente a lo largo de toda la saga, tanto por héroes como por villanos, en sucesivas generaciones de rangers. Con la transformación adquiere un traje protector con un casco con visor oscuro que oculta por completo su rostro, y además de fuerza y resistencia sobrehumanas, adquiere acceso a diversas armas y al menos a un vehículo gigante de asalto denominado zord.

televisión, Ohhhhh!!! Todo un mundo nuevo por descubrir a nuestro alcance. Llegaron unos héroes humanos, que eran adolescentes y que gracias a unos artefactos, se transformaban en unos hombrecillos con traje de maya y casco de moto a juego, que eran capaces de detener a enormes monstruos de cartón piedra y salvar al mundo. Que grandes eran los Power Rangers, todos los niños querían el disfraz para carnaval y querían su reloj para transformarse en héroes en el recreo. Go Go Power Rangers!! En la serie, un Power Ranger es un superhéroe que se transforma utilizando un utensilio, ya sea mediante tecnología, magia, o ambas combinadas, que se conecta a una fuente de poder conocida como la Morphin Grid, la Red de Metamorfosis, una entidad de la que jamás se explicó su origen concreto o características, pero que fue mencionada

-Con Sensación de vivir llego la revolución. Una cuadrilla de guapísimos adolescentes, llenos de hormonas y problemas, que nos hacían sentarnos delante del televisor cada noche de los viernes. Las chicas queríamos ser como Brenda o Kelly y tener un novio como Dylan o Brandon, con tupe a los James Dean. Todos queríamos que nuestro instituto fuera igual, y tener la ropa súper-chachi que tenían ellos. Coleccionábamos las pegatinas de los protagonistas que salían en la Superpop y forrábamos las carpetas con sus posters. Incluso hay quien tenía la colonia de 90210 que era lo mas en aquel momento. Tanana- Tanana. Tas Tas!!

Beverly Hills, 90210 fue una serie con formato de telenovela juvenil emitida desde el 4 de octubre de 1990 al 17 de mayo de 2000 en el horario de mayor audiencia de la cadena FOX de los Estados Unidos y posteriormente en varias cadenas alrededor del mundo. La serie trataba sobre la vida de un grupo de adolescentes que vivían en la lujosa y acomodada comunidad de Beverly Hills, California y asistían a la escuela ficticia de secundaria West Beverly Hills High School y luego a la también ficticia California University. El show fue creado por Darren Star y producido por Aaron Spelling. El “90210” en el título se refiere a uno de los códigos postales de la zona (o código ZIP). En un principio los protagonistas principales eran los

hermanos mellizos Walsh, Brandon (interpretado por Jason Priestley) y Brenda (interpretada por Shannen Doherty), que se mudaron con sus padres, Jim y Cindy, de Wayzata, Minnesota, un suburbio de Minneapolis, a Beverly Hills. De todos modos, al pasar el tiempo, esta se enfocó en otros aspectos de la actualidad juvenil californiana tales como violaciones durante citas amorosas, el alcoholismo, el abuso de drogas, el suicidio de adolescentes y el embarazo precoz, dejando de lado el formato inicial. Eso si, todo hay que decirlo, los protagonistas de la serie, aunque se hicieron muy famosos mundialmente, tras la serie hicieron pocos trabajos de importancia. Tuvieron su momento de fama y ahí quedo todo. -¿¿Y qué pasaba los viernes después de Sensación de Vivir?? Pues que empezaron a emitir, Melrose Place, una serie mas adulta y con problemas de personas más mayores. Un grupo de vecinos, que viven en unos apartamentos con piscina comunitaria y que cada vecino es más guapo que el del piso de al lado. Mujeres independientes y despampanantes, dispuestas a tener sexo con algún vecino atractivo y hombres sexys a la caza de la vecinita guapa. Líos amoroso, traición, divorcios, aventuras extra matrimoniales. La vida perfecta de cualquier recién emancipado. Con vecina maligna que hace la vida imposible al resto incluida. Melrose Place fue una de las series de televisión

más exitosas de la década de los 90 en Estados Unidos, creada por Darren Star en 1992 como una alternativa para jóvenes adultos a la serie Beverly Hills, 90210. Durante sus primeros tres episodios, algunos personajes de 90210 hicieron apariciones en Melrose Place para darle mayor impulso a la serie, que cuenta con 227 episodios en 7 temporadas, todas emitidas entre 1992 y 1999 por la cadena FOX. La trama de la primera temporada se centraba en las aventuras de un grupo de jóvenes que vivían en un complejo de apartamentos llamado “Melrose Place”. Así, se presentaron los 8 personajes principales: Alison, Jake, Billy, Jane, Michael, Sandy, Rhonda y Matt. Luego de 13 episodios, Sandy deja el complejo y en el episodio 15 se muda Jo. Durante la primera temporada los ratings no eran buenos, por eso Aaron Spelling decide llamar a una de sus actrices favoritas, Heather Locklear para interpretar el papel de Amanda y salvar el show. Si bien el contrato original era de tan solo cuatro episodios, Amanda se convertiría en la marca registrada de Melrose Place y estaría en pantalla como “Special Guest Star” (Estrella Especial Invitada) hasta el final (episodio 227). Amanda logró doblar la audiencia de la serie y convertirla en todo un fenómeno social. Durante la primera temporada también se introducen dos personajes claves: Sydney y Kimberly. -Will Smith, consiguió con la serie “El Príncipe de Bel Air”, que el Hip-Hop y el mundo fuera un poquito más conocido. Puso de moda las camisas flojas y llamativas, la chulería y algunos modos de

comportamiento que a todos nos sorprendían. Un joven que pasa de vivir precariamente a codearse con su familia pija que dispone de mayordomo. Todos canturreábamos la canción de la intro y bailábamos imitando los pasos del príncipe y de Cara-cartón, como Will llamaba a su primo. William “Will” Smith (Will Smith) es un chico de Filadelfia que se muda a vivir con sus tíos ricos al barrio de Bel-Air (Los Ángeles) para no ir por el lado malo de la vida y por los problemas que sufre con unos tipos del barrio en donde residía. Allí convivirá con su tío Philip Banks (James Avery), su tía Vivian (Janet Hubert-Whitten / Daphne Maxwell Reid), sus cuatro primos: Hillary (Karyn Parsons), Carlton (Alfonso Ribeiro), Ashley (Tatyana Ali) y Nicky (Ross Bagley), además del mayordomo Geoffrey (Joseph Marcell). Will Smith, Protagonista principal. Lo interpreta como un chico vivaracho y sencillo, a diferencia del resto de la familia. Es un muchacho despreocupado que disfruta siendo un payaso, como él mismo señala en el primer capítulo de la serie. Está metido en todos los líos de la casa y en la calle. Es fan de Malcolm X, al cual considera su ídolo. También es un ligón con las chicas, con las cuales tiene bastante éxito, por lo que Carlton en ocasiones le tiene envidia. Más de una vez se verá envuelto en embrollos gracias a su faceta más mujeriega. Will parece ser una representación de Malcolm X así por su comportamiento de resolver los problemas de una manera activa como él. -¿Quién mato a Laura Palmer? esta era la frase que repetíamos una y otra vez. Twin Peaks , Una serie de misterio e intriga, que nos tuvo sorbido el seso durante una temporada. Un asesinato y multitud de sospechosos, que hacían dudar de quien podría haber matado a Laura.

Twin Peaks es una serie de televisión estadounidense creada por David Lynch y Mark Frost. Se emitió por primera vez en la cadena de televisión ABC network el 8 de abril de 1990, y finalizó en ese mismo canal el 10 de junio de 1991. Fue coproducida por Aaron Spelling y tuvo una duración de 29 episodios más el piloto, distribuidos en dos temporadas. La trama transcurre en una pequeña ciudad ficticia que da nombre a la serie, en el noreste del estado de Washington. Las escenas en exteriores fueron principalmente rodadas en Snoqualmie y North Bend, junto algunos planos en el sur de California. La mayoría de las escenas en interiores, fueron rodadas en un estudio de grabación, en Valle de San Fernando. De la primera temporada, sólo el piloto y el tercer episodio fueron dirigidos por Lynch, mientras que el resto fue dirigido por directores invitados. Los guiones fueron escritos por Mark Frost, Robert Engels, Harley Peyton y el propio Lynch. La mayoría de los episodios de la segunda temporada fueron dirigidos por directores invitados, salvo el 1, el 2, el 7 y el capítulo final, donde vuelve a dirigir Lynch.

Twin Peaks cuenta la historia del Agente Especial del FBI Dale Cooper (Kyle MacLachlan) y su investigación del asesinato de una chica local muy popular, Laura Palmer (Sheryl Lee). También muestra la vida social en un pueblo de los Estados Unidos. -No podían faltar, Los vigilantes de la playa, un equipo de socorristas sacados del Vogue. Mujeres exuberantes y hombres con pechos y brazos turgentes. Nos contaba el día a día de este equipo de socorristas, por el que cualquiera querría ahogarse para ser recatado. Los niños querían tener posters de Pamela Anderson e ir a las playas de Santa Mónica a ahogarse para ver esos duros pechos en directo y sentir los labios de esa rubia sobre los suyos cuando les hiciera el boca a boca. Baywatch, también conocida como Los Vigilantes de la Playa o Guardianes de la Bahía, fue una serie de televisión estadounidense sobre los socorristas que vigilan la playa de Santa Mónica, en la costa de Los Ángeles, California. La serie protagonizada principalmente por David Hasselhoff, famoso por la serie Knight Rider, encarna a Mitch Buchanan, quien permaneció en la serie durante diez de las once temporadas. Baywatch se centraba en el trabajo de equipo de los guardavidas y en sus relaciones interpersonales, con escenarios relacionados con la playa y otras actividades pertinentes al estilo de vida californiano (más tarde Hawaii). Se trataban todo tipo de situaciones: desde terremotos, pasando por ataques de tiburones, a asesinos en serie, y hasta bombas nucleares. Salvar a la gente de ahogarse era una de las situaciones más frecuentes en los capítulos. Los actores más conocidos, eran: Pamela Anderson, Yasmine Bleeth, Alexandra Paul, David Charvet y David Hasselhoff. -Expediente x, nos hizo volver a creer en los extraterrestres, en los misterios sin resolver. Cada episodio era una nueva y misteriosa aventura, llena de peligros, tensión y misterio. Un miedo psicológico a lo desconocido, que nos hizo seguir la serie durante muchas temporadas. David Duchovny y Gillian Anderson interpretan a los agentes del FBI Fox Mulder y Dana Scully, cuya tarea es la de investigar casos inexplicables, los llamados “Expedientes X”. Fox Mulder estudió

Psicología en la Universidad de Oxford y su motivación principal es la resolución del caso de secuestro de su hermana Samantha que fue abducida por los extraterrestres cuando él era un niño. Su obsesión por estos casos le ha hecho merecedor del apodo de Siniestro entre sus compañeros del FBI. Interpreta el rol del “creyente” en la serie. Su colega, Dana Scully es la “escéptica”, doctora en medicina forense; asignada en principio por sus superiores para refutar el trabajo poco convencional de Mulder y encontrar una explicación científica a sus enigmas, aunque más tarde acabaría confirmando la validez del trabajo de Mulder. Conforme la serie avanza, Mulder y Scully se ven rodeados por una intrincada conspiración que involucra las más altas esferas. A pesar de sus diferencias, los dos agentes forman un gran equipo que pone en problemas a una organización secreta dentro del Gobierno de Estados Unidos, el Sindicato, que oculta una terrible verdad. El principal miembro de este Sindicato es el Fumador, que consigue en más de una ocasión cerrar los Expedientes X. Durante las últimas dos temporadas (2000 a 2002), Duchovny se alejó parcialmente de la serie, por lo que fueron añadidos dos nuevos personajes para sustituirle: los agentes John Doggett (Robert Patrick) y Mónica Reyes (Annabeth Gish). Dana Scully y el Director Adjunto Skinner fueron el enlace con el argumento previo de la serie. -Pero también tuvimos producto nacional juvenil, aquí tuvimos “Al salir de clase”. Una serie que quiso copiar la esencia de otras series extranjeras de institutos, forzando las situaciones y las expresiones juveniles al máximo. Muchos actores hoy conocidos, comenzaron sus andanzas en esta telenovela, en la que todos terminaban siendo novios de todos y que vivían cosas tremendamente extrañas. Relaciones con profesores, sectas, embarazos, homosexualidad...En aquella época, estos adolescentes que protagonizaban la serie tenían aun mucho que aprender. Es muy divertido, ver hoy en día algunos de estos capítulos y sus interpretaciones. Al salir de clase fue una serie de televisión juvenil de España emitida entre 1997 y 2002. Los dirigentes de Telecinco buscaban una serie que estuviera basada en las norteamericanas para

adolescentes del estilo 90210 Sensación de Vivir, Salvados Por La Campana, California Dreams, etc, pero que reflejara los problemas de los adolescentes españoles. La trama se situaba en el instituto 7 Robles (situado en algún lugar de Madrid), donde un grupo muy numeroso de adolescentes de todo tipo se relacionan, salen de juerga, se enamoran, etc. La serie no tenía ningún objetivo concreto ni se preveía ningún final concreto. El argumento dio mil vueltas de tuerca y tuvo cambios inesperados, con muertes inesperadas, algún encarcelamiento y mil vicisitudes más que eran simples excusas para que algún personaje saliera de la trama. La serie fue una gran plataforma de despegue para muchos de los jóvenes actores, que son muy reconocidos hoy en día: Hugo Silva, Félix Gómez, Pilar López de Ayala, Mariano Alameda, Fran Perea, Víctor Clavijo, Sandra Blázquez, Rubén Ochandiano, Carlos Castel, Alejo Sauras, Lucía Jiménez, Elsa Pataky, Javier Pereira, Iván Hermes, Miguel Ángel Muñoz, Leticia Dolera, Carmen Morales, Diana Palazón, Fernando Andina, Rodolfo Sancho, Marián Aguilera, Cristina Castaño, Sergio Peris Mencheta, Laura Manzanedo, Dani Martín... -Con los nuevos canales llego la revolución de los dibujos animados. Ya estábamos cansados de Tom y Jerry o de Piolín y su voz de pito. Queríamos emociones nuevas, dibujos que nos hicieran emocionarnos otra vez...y los tuvimos. De lunes a Viernes después de la telenovela “Topacio”(Esto provoco, que muchos nos aprendiésemos la canción de cierre de la telenovela), nos sentábamos a ver a los ases del balón “ Campeones, Oliver y Benji”. que regates, que acrobacias y que jugadores más atractivos. El Warner que saltaba en el palo de la portería y cazaba siempre el balón, los Gemelos Derrick con la “Catapulta Infernal”, sin olvidarnos del !Tiro del Águila” y el tiro del “Tigre”!. Los partidos eran largos y emocionantes(A veces) y mientras se preparaban para chutar, toda su vida pasaba por sus cabezas”. Jugadores con Problemas del corazón, entrenadores borrachos e hinchas fanáticos. Allá van con el balón en los pies.... La historia tiene como tema central el fútbol, narra las intrépidas aventuras de Tsubasa Ozora (Oliver Atom en el anime en español) y sus amigos desde

la infancia hasta que son profesionales y llegan a formar parte de la selección nacional de Japón. La Asociación de Fútbol de Japón apoyó el desarrollo de la serie, debido a su potencial para crear aficionados a este deporte. La trama se centra en la relación de Tsubasa con sus amigos, la rivalidad hacia sus oponentes, los entrenamientos, la competición y los acontecimientos en cada uno de los partidos que se juegan, es importante anexar que los mangas, películas y videojuegos complementan la historia u ofrecen una realidad alternativa de la serie. Estos partidos se caracterizan por las detalladas, espectaculares y, a menudo, imposibles jugadas que llevan a cabo los personajes. -Sailormoon nos hizo imaginar y soñar. Las niñas queríamos ser como guerrero luna. En los recreos del colegio nos volvíamos poderosas diciendo !Luna dame el poder! Y nos cambiaba la ropa, el peinado y teníamos barita con poderes. ¿Quién era el chico misterioso que siempre la echaba una mano?, todos lo sabíamos menos ella. Todo comienza con el clímax de un día dentro de la vida de la sentimental y perezosa chica de peinado al estilo “odango”: Usagi Tsukino. Tras establecer contacto con una gata parlante con una “marca” en forma de luna creciente (“Luna”), Usagi se entera de que está destinada a convertirse en una Sailor Senshi, una guerrera que lucha por el amor y la justicia. Ella deja de ser sólo una distraída adolescente amante de los videojuegos para llegar a ser “Sailor Moon”, la valiente heroína que protagoniza la serie A partir de ese momento, ella se ve en la obligación de frustrar

los planes del Reino Oscuro, un grupo de villanos que pretenden sumergir al mundo en las tinieblas. Para esto debe hallar al resto de su equipo, otras justicieras como ella misma, junto con el Cristal de Plata, una poderosa piedra mística. Mientras tanto, debe aprender a llevar adelante la difícil doble vida de estudiante/heroína, que alguna vez le pareciera tan sencilla. En su camino, por otra parte, siempre se cruza con otro héroe, “Tuxedo Mask”; un enmascarado cuya identidad desconoce. A Sailor Moon pronto se le unen otras Sailor Senshi: Ami Mizuno como la intelectual “Sailor Mercury”, Rei Hino como la apasionada “Sailor Mars”, Makoto Kino como la poderosa “Sailor Jupiter” y por último Minako Aino, mejor conocida como “Sailor V” o “Sailor Venus”.20 Unidas para trabajar en equipo, el vínculo entre las cinco Sailor Senshi aumenta, al igual que crece la relación sentimental entre Sailor Moon y Tuxedo Mask. Al final, Usagi descubre la identidad de Tuxedo Mask como el joven Mamoru Chiba.20 Sin embargo, el Reino Oscuro no ceja en sus intentos de destruirlos. Poco a poco, descubren que el origen de sus poderes es una vida anterior a la presente. Entonces, de forma inesperada; la verdad surge en una batalla cuando, tras presenciar a Tuxedo Mask caer herido, Sailor Moon sufre una gran transformación. De manera sorprendente, ella se transforma en quien habría sido en esa previa existencia: la Princesa Serenity, quien trae consigo la aparición del Cristal de Plata. -Ya tata, ya tata, te saludo a ti, yo no tengo prisa me querrás a mí!!!! Así empezaba cada mañana de sábado la serie que estábamos deseando ver. Ranma. Unos curiosos dibujos en los que un chico al contacto con el agua, se transformaba en chica.

Ocultando su pequeño secreto de transformación, vive mil peripecias siendo un ligón empedernido y ganándose rivales cada dos por tres. Cabe recordar, que su padre al contacto con el agua, se convierte en oso panda y se comunica con carteles, lo que hace que la serie tenga mucha chispa.

Ryōga Hibiki,12 el miope Mousse,13 y el pervertido Happosai.14 Sus amantes potenciales incluyen a la campeona de gimnasia rítmica Kodachi Kuno,15 su prometida segunda y amiga de la infancia Ukyo Kuonji,16 junto con la amazona china Shampoo, con el apoyo de su bisabuela Cologne.17

Durante un entrenamiento en China, Genma y su hijo Ranma Saotome caen dentro de los lagos malditos de Jusenkyo. Cuando alguien cae en un lago maldito toma la forma física de lo que se haya ahogado en él, cada vez que entra en contacto con agua fría, y la maldición se revierte cuando se expone al agua caliente. Genma cayó en “El lago del Panda Ahogado” mientras Ranma cayó en “El lago de la Muchacha Ahogada”.9

-Todos queríamos ver los dibujos que tanta polémica estaban creando aun antes de estrenarse. Pokemon. Todos queríamos comprobar si nos daba un ataque de epilepsia al ver la serie y cuando termino el primer episodio y no nos paso nada, nos llevamos un chasco. Nos preguntábamos, que sería lo que provocaba esos ataques misteriosos a los niños de todo el mundo, si Picachu era una monada. Nos aprendimos los nombres de todos los pokemon y cantábamos !A todos cogeré sin excepción¡ Cuando pasaron los capítulos, nos dimos cuenta que la enfermera era siempre la misma pero con otra ropa y pensábamos como un pardillo como Ass, siempre conseguía ganar. Picaaaaaa-chu!!

Al regresar a Japón, ambos van a establecerse en el dōjō del viejo amigo de Genma Soun Tendo.9 Genma y Soun habían acordado que sus hijos se casarían y se encargarían del Dojo Tendo.10 Soun tiene tres hijas adolescentes: Kasumi, Nabiki y la temperamental Akane. Esta última es nombrada como la prometida de Ranma por sus hermanas, bajo el argumento de que comparten edad e intereses.10 Ambos se rehúsan a aceptar el acuerdo, pero generalmente son tratados como prometidos y terminan ayudándose uno a otro. Ranma va a la escuela con Akane, donde conoce a su oponente habitual Tatewaki Kuno, el capitán del equipo de kendo que persigue agresivamente a Akane, aunque también se enamora de la forma femenina de Ranma, sin llegar a descubrir su maldición.11 Según avanza la serie el protagonista se gana más enemigos, como el siempre perdido

Existen 17 tipos en los que se organiza a los pokémon. Los últimos dos fueron agregados en el año 2000, en los juegos Gold, Silver y Crystal. Los pokémon pueden aprender ataques distintos a los de su tipo. Por ejemplo, Kabutops (Agua/Roca) puede aprender el movimiento Pokémon Giga drenado que es de tipo planta. Cada pokémon tiene una cantidad determinada de movimientos o ataques que puede aprender. Éstos se pueden clasificar por su tipo o elemento (por ejemplo, el ataque trueno es un ataque tipo eléctrico).

Los pokémon también se ordenan y dividen de esta manera, dándole ventajas o desventajas contra otros. Por ejemplo: Un pokémon tipo agua tiene más probabilidad de vencer a un pokémon tipo fuego, que uno tipo hierba, ya que los ataques de tipo agua apagan el fuego, mientras que los ataques de tipo fuego queman las hierbas. A las plantas, por su parte, ya que crecen con el agua, ésta no les causa mucho daño. Esta secuencia, se compararía con el popular juego piedra, papel o tijera. Las serie y películas de Pokémon, forman un anime metaserial que se basa en la saga de videojuegos (a excepción de Pokémon Yellow). La serie sigue las aventuras de Ash Ketchum33 (Satoshi en la versión original), quien desea convertirse en un Maestro Pokémon y que en compañía de sus amigos viaja alrededor del mundo ficticio de Pokémon.33 La versión original de la serie se llama Pocket Monsters, o simplemente Pokémon en los países occidentales (a menudo llamado Pokémon: Gotta Catch ‘Em All para distinguirlo de las demás temporadas) Ash inicia su primer día de entrenador Pokémon con su primer (y propio) pokémon, llamado Pikachu, a diferencia de los videojuegos en donde el entrenador puede escoger a un Bulbasaur, Charmander, o Squirtle. -Pero los noventa también nos trajeron buena música, grandes artistas y cantantes que se convirtieron en fenómenos de masas. Entre estos artistas nos encontramos con Britney Spears, una joven que con tan solo 16 añitos, reventó las listas de ventas con su faldita de colegiala y sus trenzas. Era la chica más deseada por ellos y la mas imitada por ellas, tanto fue así que la denominaron la reina

del pop. La fuimos viendo crecer, le crecieron los pechos y se transformo en una mujer de éxito, con millones de fans y cientos de portadas de revistas. Tuvo muchos éxitos durante largos años antes de darse a la mala vida y comenzar su declive. -Britney Jean Spears (nacida el 2 de diciembre de 1981) es una cantante estadounidense que nació en McComb, Misisipi, y se crio en Kentwood, Luisiana. Comenzó a actuar desde niña, a través de papeles en producciones teatrales y programas de televisión. En 1997 firmó con Jive Records y dos años más tarde lanzó su álbum debut, ...Baby One More Time, el álbum más vendido de una solista adolescente. Durante su primera década en la industria, Spears se convirtió en una figura prominente en la música pop y en la cultura popular, con una vida personal muy publicitada. Sus primeros dos álbumes la establecieron como un icono pop y rompieron récords de ventas, mientras que canciones como «...Baby One More Time» y «Oops!... I Did It Again» se tornaron en éxitos internacionales. Los especialistas la acreditaron como la principal fuerza impulsora detrás del renacimiento que experimentó el pop adolescente durante la década de 1990 y la catalogaron como la mejor artista adolescente de todos los tiempos antes de que cumpliera 20 años, por lo que la honorificaron como «Princesa del Pop». A finales de 1998, el sello Jive Records lanzó a “... Baby One More Time”, el sencillo debut de Britney Spears, escrito y producido por el prestigioso letrista y productor sueco Max Martin. Respaldado por un video musical dirigido por Nigel Dick, en el que la cantante, de entonces 16 años de edad, fue mostrada cantando y bailando como una alumna de un colegio católico; “...Baby One More Time”

se convirtió en un éxito Nº 1 en más de 20 países, incluyendo a Estados Unidos, donde Britney Spears se convirtió en la primera cantante que logra que su sencillo debut alcance la cima de la Billboard Hot 100, la principal lista musical de canciones del país. Tras ello, a principios de 1999, fue lanzado su álbum debut, ...Baby One More Time, un álbum de baladas y canciones dance-pop, respaldadas, en su mayoría, por Eric Foster White y Max Martin. -Otros que pegaron muy fuerte fueron los Backstreetboys. ohhhh estos cinco chicos revolucionaron las hormonas de muchas adolescentes. Sus canciones pegadizas se bailaban en las discotecas sin alcohol y las carpetas estaban forradas con las fotos de Brian o Kevin. Nadie hace ascos a los chicos atractivos y si encima se marcaban unos bailes con coreografías pegadizas, mejor que mejor. Backstreet Boys es una banda pop estadounidense formada en Orlando, en 1993. La banda está formada por A. J. McLean, Howie Dorough,

Brian Littrell, Nick Carter, Kevin Richardson. Richardson dejó la banda en el 2006, pero regresó al grupo en 2012. Saltaron a la fama con su álbum debut, Backstreet Boys (1996). El siguiente álbum, Backstreet’s Back (1997) continuó con el éxito del grupo en todo el mundo. Llegaron al estrellato con su álbum Millennium (1999) y el álbum siguiente, Black & Blue (2000) Lou Pearlman, un millonario residente en Orlando, denominado el “toro”, quería formar un grupo de cinco chicos jóvenes que supieran cantar y bailar. Para esto, puso anuncios en periódicos locales y fueron seleccionados Howie Dorough y A.J. McLean, de 19 y 15 años respectivamente, los cuales ya se conocían por haber acudido a las

mismas audiciones en busca de trabajo. El tercer componente fue un niño de 13 años que ya había realizado numerosos trabajos como cantante y actor infantil: Nick Carter, quien tuvo que decidir entre el grupo y la oferta del famoso programa juvenil Mickey Mouse Club, cantera de numerosos artistas como Justin Timberlake, Christina Aguilera, Britney Spears, JC Chasez, Nelly Furtado, Keri Russel, Ryan Gosling, etc. El cuarto componente, Kevin Richardson de 21 años, procedía de Kentucky y trabajaba en el parque de atracciones Disney World de Orlando como animador (disfrazado de Aladin). Hubo un quinto chico que después de un tiempo decidió salir del grupo para comenzar una carrera en solitario, aunque este aspecto nunca ha sido comentado por el grupo y tampoco se ha sabido más del supuesto quinto miembro. Ante esta huida, Kevin propuso a su primo, Brian Littrell de 18 años, el cual destacó desde pequeño en el coro de su iglesia. Así pues, el 20 de abril de 1993, Kevin llamó a Brian a su instituto de Lexington, Kentucky, donde asistía al último curso y le ofreció la posibilidad de unirse al grupo. Tras comentarlo con su familia, Brian voló a Orlando, donde tras una prueba, entró a formar parte del grupo. Pearlman contrató al ex manager de New Kids on the Block, los Wright, para dirigir a su nuevo equipo, pero éstos quisieron evitar los errores cometidos con NKOTB y sometieron a los chicos a duros entrenamientos vocales y de baile, así como a grabaciones en estudios y actuaciones en pequeños locales.

-Lo que sin duda fue una revolución en toda regla, fue la llegada de Xuxa a España. Una rubia estupenda, con voz dulce y ganas de hacerse un hueco. Los niños adoraban sus canciones y los padres adoraban ver su programa por que la rubia estaba muy potente. Todas las niñas querían ser sus “Paquitas”, que eran las bailarinas rubias que sacaba en sus Shows. Nos presento a Topo Giggio, un simpático ratoncito que estaba enamorado de ella y que era lo más entrañable del mundo. Comenzó con un programa y termino haciendo hasta las galas de navidad y Nochevieja. En 1990 Xuxa llega a España contratada por Telecinco donde ya participaba en programas de televisión y entrevistas. En 1992 su éxito creció, y empezó el Xuxa Park, que se emitía por Telecinco (T5) y alcanzó altos índices de audiencia, el programa duró 2 años. Xuxa se hizo muy famosa en España durante el principio de los noventa, gracias a un programa infantil que ya lo quisiera cualquier niño de ahora pa’ lo suyo. Telecinco invirtió en esta mega estrella después de que triunfara en prácticamente toda Latinoamérica. Tanto sus canciones como el fantástico ‘Xuxa Park’ cautivaron a este público especializado. Con ella aprendimos el Ilarilé, conocimos a Topo Giggio, nos adentramos en La Casa de la Guasa y alucinamos con sus impresionantes atuendos -por los que ahora más de una moderna se dejaría extirpar un órgano-. -Cada noche durante una larga temporada, todos nos adentrábamos en el mundo de “ Esta noche cruzamos el Misisipi”, programa que presentaba Pepe Navarro. Un programa de entrevistas, variedades y humor, del que salieron personajes conocidos como la Veneno y su “Veneno pa’ tu pieeeeel” y su famosa frase de Y Esoooo!!!. Tambien fueron los descubridores de Sonia Monroy que era la que bailaba tras la pantalla, dejándonos ver solo su sombra contoneándose. Otros personajes fueron Crispin Hander o Aigor , Cajones!. Cada mañana llegábamos al trabajo y si no habías visto el programa eras un marginado, todo el mundo comentaba lo que había sucedido en el Misisipi... Esta noche cruzamos el Mississippi fue un programa de televisión producido y presentado por

el periodista Pepe Navarro y emitido por la cadena española Telecinco entre el 18 de septiembre de 1995 y el 10 de julio de 1997. Se emitía de lunes a jueves en la franja del late night. -Las risas que nos pudimos echar con Humor Amarillo, estos nipones no tenían limite. Tortazos a tutiplén, caídas, barro, pruebas irrisorias o laberintos llenos de monstruos. Le cogimos cariño a los personajes, sobre todo al Chino Cudeiro y a sus primas y familiares. Todos los concursantes tenían su momento graciosos, las chicas tímidas y torpes y los chicos decididos y llenos de energía. Este programa nos hizo pasar muchos buenos momentos, sobre todo por el doblaje en castellano, que era realmente divertido y gracioso. El programa fue emitido desde el 08 de julio de 19901 hasta el 04 de junio de 19952 en España por la cadena Telecinco. En enero de 2006 se anunció su vuelta a la televisión por la cadena Cuatro a partir del 28 de enero de ese año, con unos nuevos comentarios renovando y actualizando el doblaje. El programa podía verse los sábados y domingos por la tarde de 15:00 a 16:30 hasta que el sábado 9 de junio de 2007 se emitió el último programa, el número 140. El 12 de marzo de 2011, LaSiete, derivada de Telecinco, comenzó a emitir de nuevo el programa. Actualmente se emite en el canal Energy. Los dobladores españoles inicialmente fueron Juan Herrera Salazar y Miguel Ángel Coll, y en la versión iniciada en 2006 Fernando Costilla y Paco Bravo. Los dobladores fueron creando poco a poco una serie de personajes recurrentes (como El chino Cudeiro o Pinky-Winky, y en ocasiones otros como Dolores Conichigua) e ideando nuevos nombres para las pruebas (como la prueba de “Las zamburguesas”, “Los cañones de Nakasone” o “El laberinto del chinotauro”). Una de las características más llamativas del doblaje en la versión española era el hecho de que se asumía de manera natural que el doblaje no se correspondía en absoluto con los diálogos originales del programa, de tal manera que prácticamente no se hacía referencia al concurso en sí, sino que los dobladores se referían a los concursantes como cosas tan variopintas como buscadores de setas, o futuros inquilinos a la búsqueda de un piso en el complicado mercado inmobiliario (los luchadores de sumo bien podían ser los especuladores, etc). Éste era de hecho uno de los mayores atractivos del programa, que adquirió mucha más popularidad por el doblaje que por las pruebas originales del programa (aunque los

espectaculares golpes que recibían los concursantes, así como la peculiar estética del show, también contribuían). -En los 90 se pusieron de moda los Tazos, que venían en el interior de los paquetes de snaks. Comenzaron con las imágenes de los Looney Toones y servían para jugar a golpearlos y llevarte los de tu adversario. Después sacaron los Megatazos, que eran tazos mas gordos y con relieve, que venían en las bolsas grandes de snaks. Con un mega tazo, eras el ganador siempre porque arrasabas con todos los rivales. Los Tazos (Pogs en inglés) es el nombre de figuras en general circulares de una pulgada de diámetro con dibujos de caricaturas, los cuales compañías de snacks y luego de golosinas incluyeron en sus envases durante los años 1990. PepsiCo Snacks, fue la principal marca en la difusión de los tazos entre los consumidores infantiles. Los Tazos llegaron a España de la mano de Matutano a finales de 1994, en Holanda de la mano con Smith llamados flippo’s un poco mas difícil de conseguir los flippo’s de Europa tienen un alto valor. todos aquellos tazos se podían conseguir como “regalo” dentro de las diferentes bolsas de patatas fritas y aperitivos de la compañía. Estas eran coleccionadas por niños y utilizadas para jugar en diferentes juegos en las escuelas. -Cherry CoKE era la bebida original que sacaron en esa época, con una canción muy pegadiza y que incito a todos a probar el nuevo refresco. Pero parece ser que aquí somos muy tradicionales y el refresco no triunfo, aunque su sabor a cerezas estaba muy rico y era sobre todo diferente. Esta bebida, una variante de la Coca-Cola original pero con un distintivo sabor a cereza, fue comercializada en España durante poco tiempo, en los años 1995 y 1996. La campaña publicitaria incluía el lanzamiento de un spot publicitario y una canción que fue éxito de ventas en verano, además de una banda musical ficticia y el pegadizo eslógan “no hagas el indio, haz el cherokee”. Sin embargo, las ventas en España no alcanzaron las expectativas de la multinacional, por lo que la bebida fue retirada muy pronto de los comercios de nuestro país. En aquél punto, no obstante, la bebida había conseguido reunir un buen número de consumidores que, repentinamente, se quedaron sin la Cherry Coke, que en poco tiempo se había

convertido en su bebida preferida. -Los 90 nos trajeron al primo más grande y musculoso de todos, el de Zumosol, todos queríamos un primo así para poder decir...”Como se lo diga a mi primo te vas a enterar”. Y aparecía el superprimo, con un mini tetrabrik, que le quedaba enanito en comparación con su enorme cuerpo. Como nos engañaban ehhh, cuantos bajitos tomaron zumosol hasta la saciedad para ser como el dichoso primo... 1990, Pascual emprendió agresivas campañas de publicidad en los medios de comunicación, a través de patrocinios de programas, spots y eventos deportivos. En ese sentido, Pascual fue el sponsor del equipo olímpico de natación español y actualmente es uno de los patrocinadores del Plan de Ayudas al Desarrollo Olímpico y Paralímpico español. Gracias a la publicidad y eslóganes como “el primo de Zumosol”, Pascual se convirtió en los años 1990 en líder del mercado lácteo español. -También tuvimos el Bimbocao, que según el spot publicitario, tu tirabas el bimbocao al aire y pasaba un pivón y te lo quitaba, pero no importaba porque

habías ligado. Solo los muy buenorros eran dignos de comer bimbocao. -Pero que fue de ese chicle que hacia los globos más grandes del mundo y que tenia la opción de comprarlo en versión Kilométrico. Hablo del Chicle Boomer, si el bom bom bom bom bom boomer!!! Con el tiempo hicieron chicles de todos los sabores, chocolate, melocotón, fresa acida, menta, clorofila, sandia, melón, cereza...una gran variedad de sabores con sabor muy largo y gran capacidad para hacer globos. Pero con el tiempo fueron desapareciendo y ahora es imposible hacer globos enormes como con aquellos chicles. En fin, una década llena de recuerdos entrañables y que le ponen a uno nostálgico. Hubo muchas más cosas buenas en los noventa, mucha música, muchos juguetes y muchas ganas de innovar y disfrutar de las cosas. Cada época tiene su lado bueno y siempre terminamos recordando lo mejor y olvidando lo que no nos gustó. Este recorrido por los 90 seguro que ha traído a más de uno increíbles recuerdos que le han hecho volver a aquellos años y recordar con cariño esos momentos tan entrañables.

la tele de los

Los años ochenta marcaron el camino a seguir: un televisor en a aquella caja malvada y enorme y dos canales se quedaban co Las televisiones privadas iban a aterrizar, sin miedo a co entretenimiento televisivo. Bienvenidos a la tele noventera, desempolvaremos el tubo de Poner Tele 5 a determinadas horas del día podría suponer el tener que enfrentarse a hordas de japoneses alocados realizando pruebas incomprensibles para nuestras pobres mentes occidentales o ver a forzudos machos embadurnados en aceite de bebé retozando sobre un cuadrilátero. Vamos, lo que viene siendo Humor amarillo o Pressing catch. Humor amarillo, brillante inventiva de título en castellano, es la versión cañí del Takeshi’s castle japonés, emitido en España entre 1990 y 1995 y algunos años antes en Japón, de 1986 a 1989. El desarrollo es bastante simple y terriblemente adictivo: ver al típico japonés medio darse unos piñazos de impresión en las pruebas mas imposibles que se puedan crear. Las zamburguesas, los rollitos de primavera, el laberinto del chinotauro... nombres míticos que dan una imagen muy cercana sobre lo que consistía la prueba. El mérito de esos títulos hay que agradecérselo a los encargados del doblaje castellano, Juan Herrera Salazar y Miguel Ángel Coll, que además supieron dotar al programa de un doblaje absurdo, poblado de personajes de creación propia como el inmortal Chino Cudeiro. Un programón, vamos, una locura original de Takeshi Kitano, actor y director japonés (Zatoichi, Brother, Hana-Bi) de enorme carisma y talento, y que se supo traducir a la perfección a la personalidad española.

Pressing Catch fue otro de los fenómenos de masas que creó la naciente “cadena amiga”. La WWE (llamada en ese momento WWF) aterrizó en las pantallas de televisión como un auténtico desembarco, llegando a conseguir una legión de seguidores que veían el programa, ávidos de comprar nuevas figuras articuladas o de asistir a una velada en el Palau Sant Jordi de Barcelona, el 5 de octubre de 1991 con una asistencia de, atención, 17.400 personas que para la época era una auténtica barbaridad. La marca de la casa eran los comentaristas, nuevamente, con Jose Luis Ibañez y Hector del Mar creando situaciones y apodos para los luchadores. Wrestlers como Hulk Hogan, El último guerrero, el Enterrador, Estaca Dugan, los Sacamantecas... personajes que marcaron a toda una generación. Indicar, como detalle, que en 2006 ambos programas sufrieron un revival a manos de Cuatro, ligero en el caso de un Humor amarillo redoblado pero muy fuerte en el caso de la WWE, actual, con nuevos luchadores y que ha vuelto a calar hondo entre las nuevas generaciones. Curioso.

s noventas

cada casa y todos felices. Pero había que llenar de contenido ortos, escasos. opiar, modificar y crear formatos que revolucionarían el imagen de los recuerdos. El terror y el fantástico tuvieron mas suerte en televisión, con dos programones añorados, llorados, reivindicados e injustamente perdidos.

Con los nuevos canales se abría un mundo de posibilidades para los amantes de cine (y no estoy hablando del porno codificado de Canal Plus, marranetes). Surgieron programas genéricos centrados en un tipo de cine en concreto, como una versión de barrio de lo que había hecho Chicho Ibánez Serrador en los años 70 con Mis terrores favoritos. Cinturón negro era uno de esos espacios. Presentado por la campeona en artes marciales Coral Bistuer, el programa amenizaba las noches de una primigenia Antena 3 con un bloque dedicado a la divulgación de las artes marciales para luego atacar con “clásicos” del género. Si, “clásicos” entrecomillados porque ahí tenía cabida de todo, desde películas buenas hasta las locuras mas delirantes de videoclub de barrio. Toda una oda a las producciones de la Cannon Group, a las patadas voladoras mas rancias, a los ninjas de saldo y a películas que nunca jamás volveríais a ver y sobre las cuales no recordaríais ni el título. Los clones de Bruce Lee, la bruceploitation mas desconocida, los 3 pequeños ninjas y todo el catálogo de Chuck Norris junto. Que pena que se recuerde tan poco.

Noche de lobos aulló (perdón por el chascarrillo) en Antena 3 entre 1990 y 1993, conducido por Joan Lluis Goas, ex-director del Festival de Sitges. La frase con la que se abría el programa era demasiado mítica: “Buenas lunas, criaturas de la noche”. Escalofrío de domingo por la noche y esperar que mi madre me dejase ver la película en cuestión, después de pasar la censura previa. Un primer bloque que servía de presentación y acercamiento a la película que se proyectaba a continuación, junto con un pequeño bloque de noticias. Entre las películas ofrecidas había de todo un poco, desde clásicos modernos o antiguos (El ansia, Pesadilla en Elm Street, Re-Animator, Posesión infernal, Scanners...) hasta la serie B pura y dura (Critters, Demons...) Algo parecido sucedía en Televisión Española, en La 2, obviamente, con Alucine, primero los viernes noche (1991-1992) y luego los sábados (ya en 1996). Las películas ofrecidas coincidían con las de Noche de lobos pero era una auténtica gozada poder disfrutar de ellas (¡los clásicos de la Hammer!, ¡Quatermass! ¡Mad Max! ¡Zombie de George Romero!). Toda una escuela del cine de terror, una selección imperdible. Lo siento por las nuevas generaciones, ellos tienen Internet.

El tiempo es oro y El precio justo llevaban ya unos años ocupando el hueco del clásico Un, dos, tres con un formato fresco y rápido (para la época). Los concursos son entretenimiento puro y duro y en esa época, había que atacar fuertemente al espectador para obtener la atención deseada. Y vaya si fue una etapa prolífica. La ruelta de la suerte \ fortuna es uno de los concursos mas longevos de la televisión española y seguramente, de la mundial. Un formato exportado a muchos países y que en España caló rápidamente desde su comienzo en 1990 en Antena 3 y con Mayra Gomez Kemp a los mandos. Por esa ruleta pasaron presentadores como Ramón García, ¡Bigote Arrocet! o Belén Rueda y cuando pasó a Tele 5 en 1993 el protagonismo recayó en profesionales como Jesús Vázquez, Goyo González o, atención, Fernando Esteso. Si La ruleta... representa el concurso mas clásico y atemporal, en esta televisión sin complejos ni ataduras, las ganas de innovar dieron lugar a programas extraños, a los que estábamos poco acostumbrados. El rescate del talismán era originalidad pura y dura junto con las novedades tecnológicas de la época (sonrojantes hoy en día). Entre 1991 a 1994, el Señor de la Maldad se dedicó a robar talismanes poderosos y los jóvenes de la época eran los encargados de recuperarlos de la manera mas original posible. Ante un croma, sobre el que se proyectaban mazmorras varias, un concursante con un casco que le impedía ver, debía ser guiado por sus compañeros a través de indicaciones de voz para evitar las continuas trampas. Vale que el formato no era original de España, sino inglés pero era alucinante ver esos entornos generados por ordenador y el patrocinio de Sega. Tremendo.

Si los pequeños formatos televisivos iban encontrando su hueco, las grandes producciones que ocupaban una franja horaria importante también salían reforzadas. El mejor ejemplo fue El gran juego de la oca. Adaptado de una idea original de la televisión italiana , el concurso de duración exagerada sacudió el panorama televisivo como un terremoto en 1993, con Emilio Aragón y Lydia Bosch como presentadores en Antena 3. Hubo mas ediciones, con Pepe Navarro en 1994 y en 1998, en Tele 5, con Antonio Caparrós, pero el éxito se extinguió rápido y nunca se pudo igualar al de la primera ocasión. La mecánica de juego era simple, el tradicional juego de la oca a tamaño gigante con equipos de personas en vez de fichitas de colores pero con distintas pruebas en cada casilla, desde piscinas de barro, túneles de serpientes o el terrible Flequi, un alocado peluquero que rapaba al cero a los pobres incautos que caían en su casilla y no acertaban a responder alguna pregunta. El mismo creador, Jocelyn Hattab, ideó otro formato para Televisión Española y que en su día, entre 1995 y 1996 fue la producción mas cara de la televisión. El concurso, con programas de una duración infladísima, llevaba a los concursantes a una aventura utilizando uno de los castillos reales que existen en España, a la búsqueda de una llave para liberar a una princesa de las garras del malvado de turno y devolvérsela a su padre, que no era otro que Anthony Quinn. Búsquedas en coches, carreras, acertijos, encontrar oro para fundirlo y hacer una llave... demasiados elementos para tenerlo todo coordinado, un presupuesto gigante y una triste reacción de la audiencia, hicieron que no pasase de los 15 capítulos. Idea original, arriesgada pero fallida

Otro formato utilizado y consumido en un tiempo récord fueron los VIP en todas sus variantes (VIP Guay, VIP Noche, VIP Corazón...) emitidos en Tele 5 entre 1990 y 1992. No era mas que un tres en raya con personajes famosos en el que los concursantes debían responder a cuestiones profesionales de los famosos involucrados. Todos los famosos de la época circularon por alguna de las variantes del programa que alcanzó el cénit de su éxito con Emilio Aragón presentando VIP Noche en esmoquin y zapatillas deportivas. El Grand prix del verano fue otra de las pequeñas joyas televisivas, en forma de concurso con duelo entre pueblos de España,con mas de una década de éxito a sus espaldas (comenzó el 1995) y que, incomprensiblemente, convirtió a Ramón García en uno de los presentadores mas queridos y mejor pagados del país. Había que hacer de todo para conseguir el título honorífico de mejor pueblo de España, desde capear a una vaquilla, hasta recordar los mejores momentos de Humor amarillo en pruebas acuáticas llenas de gomaespuma, cintas andadoras y balones gigantes. No toda iba a ser golpes y diversión, también había un hueco para la cultura con programas como Cifras y letras, Lingo (con Ramoncín) y el eterno Saber y ganar, emitido sin interrupción desde 1997. Contrapuesto a estos concursos culturales, eternos, había otros mas cercanos a la época en la que se emitieron como, atención, Contacto con tacto (Bertín Osborne descamisado lanzando corazones de velcro a los galanes de la noche... estremecedor) o Su media naranja. Cosas impensables hoy en día, a no ser que se emitan en MTV, claro está.

Los programas de variedades, tipo late show, no estaban muy arraigados en España pero en 1995 llegó Esta noche cruzamos el Mississippi a Tele 5 y cambió el panorama de la televisión. Pepe Navarro conducía un programa variado, entre los temas interesantes y las cuestiones mas chuscas y de dudosa calidad que os podáis imaginar. Sirvió de escaparate para gente como Carlos Iglesias, Santiago Urrialde o Florentino Fernández además de generar un impacto importante en la sociedad de la época. Justo después de su salida de la parrilla, en 1997, aterrizó Crónicas marcianas, con Javier Sardá y estiró un formato que sumaba millones de espectadores cada madrugada ante la televisión. Quizás la telebasura mas abyecta nació ahí pero su éxito fue indudable. En la misma cadena pero a otra hora y con una vocación cómica mas marcada estaba El informal. Florentino Fernández y sus doblajes locos, Javier Capitán y su velada seriedad y Miki Nadal dándolo todo consiguieron generar una serie de sketches cómicos que crearon escuela en la televisión y que hoy en día, rescatados en YouTube, siguen manteniendo su nivel.

El fútbol es religión en España así que hacía falta un programa de análisis como El día después que venía a darle una vuelta de tuerca, aupando el nivel de calidad de otros programas similares como fueron Estudio estadio o el casposo Goles son amores. Emitido por un Canal + en sus comienzos, el programa comenzó en 1990 con Nacho Lewin y Jorge Valdano pero no fue hasta la entrada de Michael Robinson donde alcanzó el punto de calidad necesario aún cambiando el presentador por Lobo Carrasco y después por Josep Pedrerol. Análisis riguroso, secciones imperdibles como Lo que el ojo no ve, las polémicas de la jornada con Ramos Marcos... todo lo necesario para estar al tanto de la jornada de la semana.

Para los que vivimos la época de los 90, sabemos que la televisión de esos años fue imperdible, un auténtico vivero de ideas, valentía y arrojo, tanto de creadores como de productores, algo impensable hoy en día. Una pena que esas ganas no se vean presentes hoy en día, donde solo funciona la copia y el calco.

POR L.J.ZAPICO/ @Luisjez

WELCOME TO TWIN PEAKS

Bienvenidos a Twin Peaks. Mi nombre es Margaret Lanterman. Vivo en Twin Peaks. Me llaman La Dama del Leño. Hay una razón para ello. Hay muchas historias en Twin Peaks, algunas tristes, otras divertidas. Algunas son historias de violencia, de locura. Otras son ordinarias. Pero todas tienen algo de misterio, del misterio de la vida. De la muerte. El misterio de los bosques. Los bosques que rodean a Twin Peaks. Para presentar esta historia permítanme que les diga que comprende el todo. Está más allá del fuego, aunque pocos lo comprenderán. Es una historia de muchos, pero comienza con una persona, y yo la conocía. Ella es quien nos guiará a los demás. Su nombre es Laura Palmer. Comenzamos los 90 con una serie que debido a su atmósfera inquietante y surrealista, rompió moldes en la televisión y se convirtió en un fenómeno de culto. Según Umberto Eco, el celebérrimo autor de El nombre de la rosa, reúne las características clave de una obra de culto: La textualidad viva, es decir, reconocer la dependencia hacia el mundo referencial de la televisión. El espectador reconoce personajes, situaciones, géneros y una ambigua ubicación temporal por asociaciones con otras series o programas de televisión. Un mundo perfectamente amueblado, con un lenguaje propio, una historia propia y una geografía

propia. Ello permite reconstruir y recrear enigmas. La autonomía de sus partes. El espectador puede recordar partes de la serie sin necesidad de relacionarla con el conjunto. Al principio fue alabada por la crítica que disfrutaba del primer trabajo de David Lynch para la pequeña pantalla. Él se sentía muy cómodo rodando un proyecto que le permitía expandir su propio universo a lo largo de múltiples episodios. Había rodado en 1986 la película Terciopelo Azul (Blue Velvet, 1986) que serviría de antesala e influencia para su primera experiencia televisiva. En esta película muestra, por primera vez, lo que sería una constante en su cine y que sería característico de Twin Peaks: una cuidadísima puesta en escena, ciertos episodios y conductas inexplicables, mujeres ultrajadas, malsanos entresijos de una pequeña comunidad y la utilización poco convencional de canciones antiguas.

Argumento Al igual que en todas sus películas, el cineasta realza el estilo y la ambientación por encima de la historia que en ciertos momentos se torna confusa y enrevesada. La serie comienza con el descubrimiento del cadáver de una joven llamada Laura Palmer, envuelta en una bolsa de plástico, en las inmediaciones de la pequeña ciudad de Twin Peaks. Para investigar el asesinato llega a la ciudad el agente del FBI Dale Cooper, un investigador de lo más extravagante: adora el café y los pasteles, tiene sueños premonitorios y dicta órdenes a su secretaria por medio de una grabadora de mano. Ayudado por el sheriff de la ciudad, Harry S. Truman, Cooper comienza a descubrir los secretos que esconde esta pequeña población, sus asuntos turbios y excentricidades. Descubriremos con sus peculiares métodos que Laura Palmer no era la cándida jovencita que parecía ser. Había tenido relaciones con varios personajes de la ciudad y era asidua del One Jack Eye, un casinoburdel situado al otro lado de la frontera canadiense donde las drogas y el sexo eran habituales. Las investigaciones del agente Cooper nos llevan a un mundo onírico donde los espíritus poseen a los

habitantes de Twin Peaks, vengando sus inmundicias y desvelando sus impurezas. Siguiendo el desarrollo de la historia, Cooper descubre la existencia de un espíritu maligno llamado Bob que trata de corromper a las almas inocentes de Twin Peaks y que es el artífice de la muerte de Laura Palmer. La pregunta ¿Quién mató a Laura Palmer? pasó a ser parte de la cultura popular y provocó la creación de multitud de objetos de merchandising que reproducían sin cesar esta frase. Pero, si prestamos atención al desarrollo de la trama dicha pregunta es irrelevante pues quedaremos prendados de la ambientación y de la atmosfera de la serie, rápidamente olvidaremos el macguffin que sirve de escusa a la historia.

Simbologia Tal y como pasa en todas las películas desarrolladas por David Lynch, al visionar Twin Peaks tenemos la certeza de que lo que nos muestra y vemos en pantalla tiene un doble significado y que forma parte de un metalenguaje que el autor desarrolla magistralmente.

Tal y como dice David Lynch: “Me gusta la accesibilidad de la televisión. La gente está en su sofá, nadie le molesta y está en las mejores condiciones para entrar en un sueño”. Este universo onírico provocaría admiración y rechazo, a partes iguales, por el gran público. No es fácil adaptarse al universo Lynch y muchas veces la complejidad de sus símbolos resulta abrumadora. Para comenzar, vamos a señalar los tres elementos clave que conforman la trama:

Dualidad Desde el título de la serie (Twin Peaks se traduce como “colinas gemelas”), la dualidad es clave en la historia. Como podremos ver a lo largo de la historia todo tiene su reverso. Existen personajes que se encuentran en el lado de la luz y otros en el lado de la oscuridad. Existen estas dos caras de la moneda en los que se mueven los personajes y siempre tienen su reflejo en uno u otro lado.

Corrupcion Si entendemos la concepción dual de la historia, podemos ver que las almas puras de Twin Peaks

están constantemente siendo corrompidas por la influencia de la oscuridad. De esta manera, el asesinato de Laura Palmer es provocado por el intento infructuoso de subyugarla. Es decir, las fuerzas de la oscuridad tratan de tentar a la más virtuosa habitante de Twin Peaks y al no lograrlo poseen a otra alma para provocar su asesinato. La llegada del Agente Cooper provoca que todas las fuerzas de la oscuridad se centren en él y provoquen su acercamiento al lado oscuro.

Amor Siguiendo el concepto dual de la serie, como oposición natural a la corrupción que impregna el pueblo en Twin Peaks hay mucho amor. Hay una cantidad ingente de tramas y líos de pareja, infidelidades, amores ocultos, etc. Hay personajes que llegan a enamorarse de cuatro mujeres a lo largo de la serie, personajes que se enamoran rápidamente y que tornan su amor en odio con igual rapidez, etc. Este amor sano que impregna a Twin Peaks puee interpretarse como el medio que utiliza la luz para contrarrestar a la oscuridad. Siendo la dualidad el elemento clave de la historia y la

corrupción y el amor las dos caras de esta dualidad, vamos a pasar a enumerar una serie de elementos claves en el desarrollo de la historia, a la par que vamos a intentar darles una pequeña explicación. La habitación roja Si observamos la dualidad de la serie y definimos que está formada por dos caras de una misma moneda: la luz y la oscuridad, la habitación roja sería el canto de la moneda. El Hombre de Otro Lugar, más conocido en España como el enano bailarín le dice a Cooper que “ésta es la sala de espera”. Es decir, es el lugar donde se decide si tu espíritu pertenece a la luz (logia blanca) o la oscuridad (logia negra).

Las lechuzas Las lechuzas no son en absoluto lo que parecen. Siempre que ocurre algo extraño o malo, están allí presentes. Se ha dicho que las lechuzas son los vehículos que utiliza el espíritu maligno de Bob para moverse de un lado a otro y que también ayudan a las almas a moverse al lado de la logia negra.

Lady Leno

Bob

“Llevo un leño conmigo, sí. ¿Les parece divertido? A mí no. Hay un motivo para cada cosa. La razón puede explicar hasta el absurdo. ¿Tenemos tiempo para aprender las razones del variado comportamiento humano? Yo creo que no. Algunos se toman ese tiempo. Les llaman detectives, ¿no? Estad atentos a lo que la vida puede enseñaros.”

Bob es un espíritu, una presencia maligna de la Logia Negra. La misión de BOB es simple: corromper a las almas puras de manera que su sufrimiento pueda alimentar al Hombre de Otro Lugar. Bob utiliza a las lechuzas para desplazarse cuando no tiene un cuerpo para contenerle.

Sabemos que su marido murió hace tiempo, se supone que el leño es el espíritu de su marido que todavía se halla en nuestro mundo y no ha pasado a la logia negra o blanca.

El gigante y el hombre de otro lugar Forman parte de la concepción dual de la serie, son la luz y la oscuridad. El hombre de otro lugar conocido más popularmente como El Enano, este extraño ser es un morador de la Logia Negra que está en simbiosis con BOB, en un ciclo interminable de destrucción. Por otro lado, el gigante es un agente de la Logia Blanca que ayuda a Cooper por dos razones: primero, porque Cooper es un alma pura; segundo, porque quiere sabotear los planes de la Logia Negra.

Cancelacion Aunque la serie mantenía su calidad, atmósfera y ambientación, debido a su complejidad sus índices de audiencia fueron cayendo rápidamente y la ABC decidió cancelarla al finalizar su segunda temporada. El último capítulo dejaba muchos cabos sueltos (por ejemplo, el agente Cooper era poseído por Bob), esto produjo frustración en los fans y enemistad hacia la cadena.

POR JOSÉ DEL RÍO FORTICH

EXPEDIENTE-X Creer es la clave

Permitidme que invoque el espíritu de Fox Mulder y me ponga conspiranoico. En 1993 se produjo un cambio político en EE.UU., pasaron de una década gobernada por los republicanos, primero por Ronald Reagan (1982-1989) y después por Bush padre (1989-1993), al comienzo de la era demócrata, Clinton (19932001). Sería mucho especular, y digno de la teoría de la conspiración, pensar que dicho cambio produjo la apertura de sumarios secretos clasificados y que las fuerzas gubernamentales utilizaron esta serie para difundir estos misteriosos secretos y preparar al mundo para lo que iba a suceder. De esta manera, el mundo estaría preparado para enfrentarse a los secretos que durante años guardó el gobierno norteamericano y los gobernantes usarían la serie para advertirnos de que vivimos rodeados de fuerzas que no conocemos y que se ocultan a nuestro alrededor. Lamentablemente, Clinton iba a sacar muchas cosas a la luz y las fuerzas ocultas en la sombra se inventaron el escándalo que iba a acabar con su mandato. La llegada de Bush al poder produjo que estos secretos siguieran ocultos hasta que Obama admita la existencia de vida en Marte. I WANT TO BELIEVE. El Gobierno niega todo conocimiendo Chris Carter, creador de la serie, había escrito guiones para comedias juveniles de la televisión norteamericana, entre las que destacaba The B.R.A.T. Patrol donde aparecía nuestro querido Sean Astin (Mikey de Los Goonies), cuando le dieron la oportunidad de crear su propio proyecto. Como todos los guionistas y productores de su generación había crecido bajo el influjo de la televisión norteamericana de los setenta que, influida por los seriales british de ciencia ficción (Dr. Who, Vengadores, etc…), había creado productos notables. Carter siempre cita como fuente de inspiración la serie de culto Kolchak: The Night Stalker, protagonizada por Darren McGavin que narraba las investigaciones

de crímenes sobrenaturales y sucesos inexplicables. Partiendo de este argumento, decidió embarcarse en la creación de un proyecto que uniese sus dos pasiones: la ciencia y lo sobrenatural. La idea era mostrar una rama del FBI dedicada a la investigación de sucesos paranormales, tomando como eje argumental lo que se ha llamado American Gothic, que vienen a ser todas las leyendas tradicionales o mitos de norteamérica. De esta manera, sobre todo en las primeras temporadas, disfrutaríamos de episodios inspirados en estas leyendas, así tendríamos bestias salvajes, desapariciones misteriosas, espíritus y, sobre todo, encuentros con alienígenas. El creador de la serie no muestra reparos en comentar que su inspiración brota de cualquier parte: periódicos sensacionalistas, documentales de televisión o leyendas urbanas. El gran acierto, y uno de los motivos por los que la serie pasaría al imaginario colectivo, fue la elección de los personajes protagonistas. Debía de buscarse un equilibrio entre el escepticismo y la militancia sobrenatural. De esta manera, se no spresenta a dos personajes contrapuestos: por un lado, Dana Scully (Gilliam Anderson),

científica “escéptica”, forense, doctora en medicina y católica practicante; por otro lado, Fox Mulder (David Duchovny), “creyente” en el fenómeno ovni y amante de lo sobrenatural. Para justificar el argumento y aportar dinamismo a la serie, Carter nos explicaba lo siguiente: “El punto de vista de Scully es el punto de vista del episodio. Y por eso el episodio tiene que estar construido sobre una sólida base científica, para que Mulder pueda despegar desde ahí... Si la ciencia es realmente buena, Scully tiene un punto de vista válido... Entonces Mulder tiene que convencerla de que sus argumentos ya no sirven y ella tiene que aceptar lo inaceptable. Ahí esta el conflicto.” También en esta pareja se producía una inversión de los roles de género en la televisión, por un lado Scully (mujer) se presenta como la racional de la pareja y Mulder (hombre) inclinado hacia las corazonadas y la intuición representa el concepto irracional.

A través de Mulder, ella descubre un mundo lleno de casos no resueltos de carácter grotesco: desapariciones y muertes inexplicables, avistamiento de ovnis, presencia de seres extraños o sobrenaturales... También conoce el verdadero motivo de que Mulder pidiese que le asignasen a los Expedientes X, su hermana fue supuestamente abducida cuando tenía 8 años de edad. Ambos deben luchar contra la incredulidad de sus compañeros y los obstáculos impuestos por la burocracia pero gracias a un curioso informante, Garganta Profunda, que pertenece a la élite política, Mulder confirma sus sospechas de que existe una conspiración del Gobierno para ocultar la evidencia

Things are getting strange, I’m starting to worry This could be a case for Mulder and Scully Things are getting strange, now I can’t sleep alone Mulder and Scully Catatonia

La verdad está hay fuera La serie comienza cuando la joven agente Dana Scully es asignada a la sección conocida como Expedientes X. Su encargo es dar validez científica a los descubrimientos de Fox Mulder. Pero su objetivo oculto es desacreditar su trabajo para provocar el cierre de esta sección.

de vida extraterrestre a la opinión pública. Esto extraterrestres conviven con nosotros y están preparando una invasión a gran escala. Este informador muere en extrañas circunstancias y aparece un nuevo informante: X. Un tipo paranoico que va suministrando información a Mulder. Paralelamente, se va erigiendo la figura de un temible antagonista: el Fumador, un hombre de inmenso poder político que tiene acceso al Pentágono, al mismo

FBI y, en general, a todos los secretos del Gobierno de los Estados Unidos. A lo largo de las nueve temporadas que duró la serie, la paranoia se adueño de los guiones y la teoría de la conspiración pasó a ser clave en el desarrollo de la historia. No confíes en nadie Expediente X logró mezclar, magistralmente, en muchos episodios dos tipos de series: los procedimentales y las argumentales.

Había episodios que podías verlos sin haber tenido ningún contacto con la serie pero había otros que enlazaban con la trama principal y requerían un espectador más fiel. Debemos tener en cuenta que las temporadas de Expediente X eran de más de 20 episodios y gracias a la inclusión de episodios procedimentales o autoconclusivos, la serie podía gozar de ritmo y no resultar aburrida. Además, este tipo de episodios arrastraba a numerosos telespectadores que, si bien no tenían mucho interés en la trama global, buscaban la aparición del “monstruo de la semana”. Por cierto, Carter comentó que trataba de evitar el síndrome del “monstruo de la semana”, para lo cual estos episodios también involucraban extraterrestres y conspiraciones gubernamentales, tratando de darle cierta continuidad y sentido incluso durante los descansos de la trama principal.

Algunos de estos episodios, exploran la relación entre Mulder y Scully; otros se centran en personajes secundarios como el director adjunto Walter Skinner o los Pistoleros Solitarios. Por otro lado, los que seguían la trama principal eran presentados al principio y fin de cada temporada, o intercalados a mitad de la misma. Constituyeron aproximadamente una tercera parte del total de episodios y generalmente se emitían como episodios dobles. En estos episodios, se abordaba la teoría

de la conspiración, el fenómeno ovni y los sucesos paranormales como asuntos que no están muy claros y en los que no hay pruebas contundentes que los avalen o los refuten. Muchos críticos comentan que Carter reinventó el tema de las invasiones extraterrestres, dado que tradicionalmente las películas y series de este género siguen el esquema: “Contacto abierto / destrucción de todo / batallas / victoria humana final”. Aquí se presenta la idea de una invasión secreta y pactada con personas poderosas y organizadas que trabajan de manera encubierta mediante la utilización de un arma biológica: un virus conocido como Pureza o “Cáncer Negro” para esclavizar a la raza humana sin destrozar la Tierra. Requiem El gran éxito de la serie provocó que se hiciese una película (Expediente X: enfréntate al futuro, 1998) que enlaza la cuarta y quinta temporada,

haciendo mayor hincapié en la invasión extraterrestre. Esto motivo que muchos fans abandonasen la serie y que otros la retomasen y se volviesen fanáticos. Los fans que abandonaron la serie lo hicieron porque no les gustaba el matiz que estaba tomando la serie y preferían los procedimentales o autoconclusivos. En cambio, los fans de este giro argumental buscaban una mayor definición de las tramas y argumentos más solidos que ahondasen en el aspecto conspirativo. En la séptima temporada se buscaron argumentos que sacaban a Mulder de la trama, debido a que el actor que lo

interpretaba David Duchovny, tenía compromisos y manifestaba un cierto cansancio por la serie. Por lo tanto, los productores deciden que su personaje debe descansar durante unos cuantos episodios. Por este motivo se elaboro el mcguffin de “La búsqueda de Mulder” que ocupará casi toda la octava temporada. El protagonismo lo tendrían Scully y el “Nuevo” agente John Doggett (interpretado por Robert Patrick). Ya en la novena temporada, se decide dar carpetazo a la serie y, para ello, tenemos de vuelta a los dos protagonistas principales. No vamos a desvelar el final pues hay mucha gente que todavía no lo ha visto. Lo que si vamos a decir es que se trata de un final abierto y que daría pie a un “renacimiento” en forma de película. Mulder y Scully regresarían a la pantalla grande en 2008 con The X-Files: I Want to Believe (X-Files: Creer es la clave). La

trama de la película abandona casi todos los conceptos conspiranoicos y recupera las tramas basadas en el “monstruo de la semana”. Emisión en España Tele 5 puso a todos sus creativos a trabajar para ofrecernos una emisión disfuncional, desordenada y caótica de los episodios de Expediente X. Al igual que hacen ahora, emitían un episodio de una determinada temporada y después emitían otros dos de temporadas distintas. El espectador menos familiarizado con la trama veía como los personajes envejecían o

cambiaban físicamente y el “fan” de la serie estaba a punto de suicidarse porque las tramas se entremezclaban entre sí. Es más, capítulos clave de la serie no fueron emitidos (por ejemplo, el capítulo final de la 7ª temporada). Incluso, temporadas completas fueron eliminadas por el Gran Hermano. Las dos temporadas finales están en algún cajón de Tele 5. Tendrían que pasar varios años para que Fox recuperase la serie y nos ofreciese una emisión de calidad. Pero, sinceramente, yo os recomiento la edición en DVD, cargados de extras y con muy buena imagen. POR JOSÉ DEL RÍO FORTICH

Durante los años 80, el mundo se había acostumbrado a una época alegre, carente de grandes preocupaciones y, no nos vamos a engañar, un poco mediocre. Pero con los 90 volvieron los tiempos duros; numerosos conflictos armados asolaron diferentes puntos del planeta, nuevos regímenes dictatoriales florecían en los lugares más insospechados y el terrorismo estaba en auge. Pero sería injusto quedarse solamente con las cosas malas de la década, ya que hubo tiempo para un sinfín de cosas buenas. La música, el cine y el deporte nos darían los mejores momentos de los 90. Además, los espectaculares avances tecnológicos acaecidos durante estos años hicieron que nada volviese a ser igual. Quizá el hecho de ser un niño noventero me haga sobrevalorar estos años, pero lo que no podemos negar es que estuvieron llenos de grandes momento que quedaron grabados a fuego en nuestra memoria; y aquí os comento mis favoritos. JAVIER SANCHEZ ROQUERO

Con el nacimiento de una nueva década un símbolo de libertad era despojado de sus cadenas. Ese símbolo no es otro que Nelson Mandela, tristemente de actualidad en estos días. El 11 de febrero de este año se ponía punto final a un interminable cautiverio, de 27 años, por el hecho de haber luchado contra la dictadura y por los derechos de los negros en Sudáfrica. Acusado de sabotaje y alta traición pasaría un calvario demasiado largo, en el que no faltaría un plan de asesinato camuflado en un intento de fuga. Con esta liberación tan significativa no comenzaban mal los 90.

1990

Un año después seguimos hablando de libertad, pero no en los mismos términos. Recién estrenado el año, concretamente el 16 de enero, dará comienzo la celebre ofensiva militar Operación Tormenta del Desierto. Un año antes Irak había invadido Kuwait, algo que no había gustado en el mundo occidental, especialmente a Estados Unidos. Por ese motivo, y otros más ocultos, la alianza EE.UU./Naciones Unidas había ideado esta operación para liberar Kuwait y, de paso, acabar con el régimen de Saddam Hussein. Aunque la misión fue un éxito, el número de bajas fue enorme y se generarían unos rencores y unas alianzas que tendrían consecuencias en el futuro.

1991

Este año dirigimos nuestra atención a Los Angeles, donde la tensión racial y los disturbios fueron los protagonistas durante una semana. El 29 de abril un jurado absolvía a cuatro policías de Los Angeles, que habían sido grabados por un video aficionado mientras golpeaban sin piedad a un esposado Rodney King, un ex presidiario en libertad condicional que había huido de la policía, protagonizando una veloz persecución a 185 km/h. Ni que decir tiene que King era negro, mientras que los policías y casi la totalidad del jurado eran blancos. Los disturbios se saldaron con numerosos destrozos en la ciudad y alrededor de 50 muertos.

1992

1993

Este año las cosas se pusieron duras en Colombia. En una ofensiva como nunca antes se había visto en la lucha antidroga, una alianza entre la Policía Nacional colombiana, el ejército y los grupos antidroga de EE.UU., denominada como El Bloque, dejará un reguero de sangre y cadáveres con tal de acabar con el poderoso cártel de Medellín. La lucha no tuvo cuartel y las bajas se acumulaban en ambos bandos; pero el 2 de diciembre, gracias al rastreo de unas llamadas, el Bloque dio con el paradero del jefe del cártel y uno de los hombres más poderosos del mundo, Pablo Escobar. Tras un intercambio de disparos, el capo moriría acribillado, dejando numerosas teorías sobre la autoría de los disparos que acabaron con su vida.

1994

Para mí este fue el año más triste de la década. Muchas cosas sucedieron durante este año, pero todas quedan eclipsadas por el suicido del icono musical de los 90, Kurt Cobain. Gracias a él llego a nosotros el grunge, una música oscura y pesimista, que a los que crecimos durante estos años nos llena de vida. El consumo excesivo de drogas y una personalidad frágil que no supo asumir el peso de la fama, llevarían a Kurt a pegarse un tiro el 8 de abril.

El 20 de marzo, el grupo sectario y terrorista Aum Shinrikyo, sembró el caos en la ciudad de Tokio lanzando un ataque con gas sarín, en cinco ataques coordinados a lo largo de diferentes puntos de la red de metro de la ciudad. El ataque sucedió en plena hora punta y causo trece muertos y cincuenta heridos graves. Los motivos del ataque nunca han quedado esclarecidos, aunque el grupo terrorista tenía unas fuertes ideas apocalípticas.

1995

Aunque no fue anunciado hasta el año siguiente, el 5 de julio la realidad supero ampliamente a la ficción y, en plena Escocia, nacía el primer mamífero clonado de la Historia, la oveja Dolly. Ese día algo cambio en el mundo de la ciencia y, aunque ha sido y sigue siendo un tema muy controvertido, la comunidad científica no ha parado de trabajar en el mundo de posibilidades que el nacimiento de Dolly abrió.

1996

1997

Sobre esta muerte han corrido ríos de tinta; se ha hablado de una conspiración por parte de la Corona británica, se ha culpado a los paparazzis y se han manejado cientos de teorías sobre lo ocurrido aquel 31 de agosto en aquel túnel de Paris. Sea cual sea el motivo del accidente, lo cierto es que ese infausto día, Lady Di fue elevada a la categoría de mito y reconocida como un icono de los 90.

Aunque a pocos nos suenen los nombres de Larry Page y Sergey Brin, lo cierto es que nuestro mundo no sería el mismo si ellos no hubiesen creado este año un símbolo reconocido mundialmente. Si, habéis acertado, estoy hablando de Google. Imaginad como seria la vida en el año 2013 sin esta herramienta y os dariis cuenta de la importancia y la trascendencia que ha tenido esta empresa en nuestras vidas.

1998

Para cerrar este repaso a los 90, hablemos de otro icono, esta vez deportivo. Considerado el mejor jugador de baloncesto de todos los tiempos; tras haber ganado tres anillos con los Chicago Bulls, haberse retirado en el 93, haber vuelto en una forma sobrehumana y haber dominado de nuevo la Nba, consiguiendo otros tres anillos consecutivos con los Bulls; el 13 de enero se retiraba otra vez Michael Jordan. Pensareis que me equivoco y que no fue su retirada definitiva, pero lo cierto es que el mejor jugador de la historia se retiro ese día y lo de después fue un sucedáneo.

1999

Cuando comencé a escribir este artículo para el mes de Junio, la intención era explicaros un poco lo que fue en su momento el marco editorial de Marvel Heroes Reborn, algo que aún permanece dentro de la presente publicación. Sin embargo, pronto surgieron más puntos que se debían presentar dentro del mismo artículo para explicarlo como es debido, algo que ha alargado el artículo y lo ha convertido en algo que ya no se puede titular Heroes Reborn. No, este artículo es sobre Aquellos Maravillosos 90, la década que dejó marcada al mundo del cómic y que muchos temen que vuelva a repetirse en el futuro cercano. ¿Temen? Sí, habéis leído bien. Fue una década convulsa y llena de chaquetas de cuero y bandoleras. Los años 90 abarcan muchos cambios en todas las editoriales, sobre todo en las dos grandes, DC y Marvel. Hoy nos centraremos sólo en la Casa de las Ideas y el nacimiento de una de gracias a publicaciones como La Broma Asesina, las editoriales independientes más importantes El Regreso del Caballero Oscuro, Sandman, Daredevil Born Again, la primera miniserie de del panorama actual. Lobezno, Dios Ama, El Hombre Mata, Marvel Durante los últimos años de los ochenta, una Secret Wars, Miracleman… Algunas de estas década maravillosa para el mundo del cómic series dieron grandes beneficios a las editoriales, llegando a cotas inimaginables de ventas en los números uno de cada una de ellas. Pero si hubiera que destacar las que marcaron un antes y un después en esto de la cantidad de números vendidos, deberíamos señalar los primeros números de tres colecciones que nacieron a principios de los años noventa: X-Force (1 millón de ejemplares), Spider-Man (3 millones) y X-Men (8’1 millones).

90

¡¿Tantos?! Pues sí, porque en aquella época, los dibujantes de estas tres colecciones eran considerados los Midas de la editorial, grandes dibujantes y creadores que harían retirarse al mismísimo Chris Claremont. Hablo de Rob Liefeld, Todd McFarlane y Jim Lee. Estos chicos, junto a unos cuantos dibujantes más de la editorial, tenían en común que todos eran autodidactas, habían conseguido estos trabajos de ensueño gracias a su constante y vivían entonces el verdadero sueño americano. Hacían y deshacían con los personajes que dibujaban lo que querían, pero no se consideraban queridos por la editorial Marvel. Fue entonces cuando los tres dibujantes

este arco argumental que muchos aún intentamos olvidar hay que añadir la constante desaparición de personajes clásicos para crear unos nuevos, con la esperanza de que atrajeran más lectores. El caso más representativo es la desaparición de Hal Jordan y todos los Green Lantern Corps, dejando en 1994 a un único miembro: Kyle Rayner, personaje que sufrió la muerte de un ser querido más macabra que se recuerda.

anteriores, unidos a Erik Larsen, Jim Valentino, Marc Silvestri y Whilce Portacio fundaron en 1992 la editorial independiente Image, donde tuvieron muy buenas críticas y pudieron crear todo aquello que deseaban sin restricciones editoriales y sin ceder los derechos de autor… ¡Ellos eran sus propios jefes! Algunos expertos confirman que, gracias a Image, cambió significativamente la posición del creador dentro de la industria del cómic americano. ¡Alto un momento! Sí, paremos un segundo porque, evidentemente, las grandes editoriales no se quedarían de brazos cruzados ante este movimiento de los grandes dibujantes del momento (y Rob Liefeld). ¿Qué hicieron DC y Marvel para contrarrestar los efectos? La Casa de las Ideas se propuso sorprender a los lectores con grandes y espectaculares portadas dobles, triples, alternativas, con hologramas, con cromos especiales, números de aniversario… ¡Prácticamente cada mes había un número especial de alguna serie de Marvel! En la Distinguida Competencia, después de que Batman se recuperara de la fractura de columna que le provocó Bane al quebrar su espalda, tenemos el evento que entonces intentaba revitalizar al primer superhéroe y además animar las ventas del Último Hijo de Krypton. ¡Sí, amiguitos! La Muerte de Superman, ese tomo que parece un ladrillo negro, se publicó durante 1992. Pero a

Las ventas comenzaron a bajar, había un exceso de cómics en el mercado y el lector se volvía más especializado en el tema. Marvel intentó reflotar las series de los mutantes con un evento que dejó marcado a la industria del cómic y que aún hoy deja muestras de su existencia. Estoy hablando de La Era de Apocalipsis, un crossover orquestado por Bob Harras a través de las series mutantes que entonces se publicaban (Uncanny X-Men, X-Men, X-Force, Excalibur, Generation-X, X-Factor, Cable, Wolverine y X-Men Unlimited). Anunciando que iban a ser todas suspendidas, durante cuatro meses esta amenaza se convirtió en realidad al ser sustituidas todas ellas por nuevas

Gracias a la Era de Apocalipsis, los cómics mutantes pudieron ver cómo sobrevivir: a base de evento por año. Pero esta fórmula no pudo expandirse al resto de cómics de la editorial, y a pesar del intento de revolucionar a Spiderman con la controvertida Saga del Clon (que a mí me encanta, pero hay gente que la odia… ¡Habrá que hablar sobre ella otro día!) que sobrevivía como podía a aquella situación, los Vengadores y los Cuatro Fantásticos, junto a todos los personajes que les rodeaban, estaban a punto de caer en el olvido. ¿La solución? Traer de vuelta a los dibujantes de moda.

cabeceras que contaban la lucha de los mutantes dentro de la distopía gobernada por Apocalipsis (los títulos eran: Astonishing X-Men, Amazing X-Men, Gambit and the Externals, X-Calibre, Factor-X, X-Man, Weapon-X y X-Universe). Éxito de crítica, éxito entre los aficionados, éxito de ventas… La Era de Apocalipsis ha sido recopilada en tomos, ha contado con una continuación en su décimo aniversario guionizada por Akira Yoshida y dibujada por Chris Bachalo, hizo surgir la serie Los Exiliados (una gran serie de realidades alternativas de la que algún día hablaremos), regresó de la mano de Rick Remender y Jerome Opeña durante La Saga del Ángel Oscuro en Imposibles X-Force, contó con una nueva miniserie… Podemos incluso decir que Flashpoint (el evento que daría origen a Los Nuevos 52 de DC) y La Era de Ultrón (miniserie que sirve de despedida a Brian Michael Bendis de los Vengadores y que se terminó de publicar en Estados Unidos el pasado 19 de Junio) están muy influenciadas por esta saga.

El entonces Editor Jefe de Marvel, el antes mencionado Bob Harras, decidió ceder a Jim Lee y a Rob Liefeld (o más bien a sus estudios) las colecciones de Iron Man, los Cuatro Fantásticos, Vengadores y Capitán América tras la desaparición de todos ellos tras el evento Onslaught. Este experimento pretendía relanzar a estos personajes para recuperar su magia de antaño en lo que conocimos como Heroes Reborn. Tras la lucha contra la criatura Onslaught, Franklin Richards creó con sus poderes mutantes una Contra-Tierra donde los desaparecidos héroes podrían continuar viviendo y luchando por el Bien y sus ideales. Las historias de los personajes fueron reinterpretadas entonces para acercarse a los eventos de los años noventa: Ben Grimm fue piloto de la Guerra del Golfo, Sue y Johnny Storm fueron los inversores del cohete de Reed Richards, que pretendía ser

el primer hombre en pisar Marte, Steve Rogers sufrió un ataque de amnesia que le hizo olvidar que era el Capitán América y tuvo un hijo, Bruce Banner se convirtió en Hulk cuando estaba en la casa de Tony Stark bajo un ataque de la organización H.Y.D.R.A. y el multimillonario se vestía con un prototipo de armadura de alta tecnología que había acabado con la vida de su mejor amigo normal de la mano de Peter David y Salvador unos años antes… Algunas cosas son buenas Larroca. reinterpretaciones, otras meros despropósitos. Durante los años posteriores, con el nacimiento Mientras tanto, en la continuidad Marvel normal del sello Marvel Knights que pretendía contar y fuera del sello Heroes Reborn, nacieron nuevas nuevas aventuras orientadas a un público más series que dieron un nuevo enfoque a la editorial maduro en el año 1998 y con el nombramiento de y gran reputación a jóvenes estrellas. Estas Joe Quesada como Editor Jefe de Marvel, la Casa colecciones son Ka-Zar, Masacre o Thunderbolts, de las Ideas comenzó a resurgir de nuevo hasta experimentos de la Casa de las Ideas que acabaron convertirse en lo que es hoy. Pero los años 90 casi por superar a ojos del aficionado las obras de Jim acaban con ella. Lee y Rob Liefeld. Gracias a esto, el experimento sólo duró trece números y en 1997 se produjo el esperadísimo Heroes Return, con el regreso de todos los héroes desaparecidos a la continuidad

Cowabunga!!! Con este grito de guerra muchos ya saben de qué vamos a hablar este mes, y para los que no lo sepáis atentos que esto es un mito de la historia friki: Las TMNT, también conocidas como las Tortugas Ninjas Mutantes Adolescentes. La mayoría conocimos a nuestros amigos verdes en la pequeña pantalla a principios de los 90, pero su nacimiento tuvo lugar en las páginas de un pequeño comic en blanco y negro titulado “Eastman and Laird’s Teenage Mutant Ninja Turtles”, de la mano de Kevin Eastman y Peter Laird. Los creadores de las Tortugas hicieron la historia como homenaje y parodia al trabajo del archiconocido Frank Miller. Unas pistas hacia esto son la cubierta de la primera edición, muy similar a Ronin de Frank Miller, el origen de la historia de las tortugas es similar al origen de Daredevil. Los enemigos de las tortugas, el Clan del Pie en el grupo de asesinos ninja The Hand (La Mano).

Lanzado en 1984 en la publicación de Mirage Studios se convirtió un pelotazo de la noche a la mañana entre los cómics independientes. Incluso antes de que la historia viera la luz ya llamo la atención cuando fue anunciada en una guía de cómics, tal fue el éxito de este anuncio que la primera tirada de 3000 copias fue vendida inmediatamente, multiplicando su valor comercial de una forma fulminante. El éxito que recaudo la historia obligo a cambiar la idea inicial de hacer solo una edición y crear nuevas continuaciones. El formato en el que se publicó el comic fue más grande que el de las historia regulares y se mantuvo así en las primeras ediciones. Otras compañías intentaron imitar el éxito de las Tortugas siguiendo el patrón de dibujo en blanco y negro y protagonizando las historias animales antropomorfos, pero los lectores no se vieron atraídos hacia estos nuevos “héroes”,

provocando que el mercado del comic se colapsara durante 1986 y 87. Aquella historia sin pretensiones ha dado lugar a cuatro series separadas y varias historias alternativas, culminando en el TMNT: Volumen 4 en blanco y negro, que comenzó su andadura en 2001 y continúa hasta 2005, aunque con unas ventas escasas y gozando de muy poca publicidad. Archie comic se hizo con los derechos de publicación de los cómics basados en la serie de animación de 1987. En estas aventuras, TMNT Adventures, dejaron de seguir la historia de la serie de televisión después de la edición número 5, desarrollando sus propios argumentos. Mientras que la serie de televisión de 1987 tenía mucho más humor, las historias en Archie trataban temas más oscuros, más violentos y exploraban temas como la muerte, el conflicto religioso y problemas medioambientales. Esta serie de cómics fue publicada entre 1988 y 1995. Image Comics también lanzó una serie de acción de las tortugas ninja, conocida como Volumen 3, siendo un fracaso casi absoluto. Parte de la culpa la tuvo la mutilación de los personajes principales; Leonardo perdió un brazo y Rafael, un ojo. El volumen 3 no se cuenta como una parte “oficial de la historia”. El Volumen 2, publicado otra vez por Mirage, mostró a Baxter Stockman en un cuerpo robótico como el villano principal y salió en 13 ediciones completas a color. Por otro lado Dan Berger dibujó y escribió una historieta a diario hasta 1996, cuando la publicación fue cancelada, a pesar de haber logrado ser publicada en más de 250 periódicos de todo el mundo En 2003, de junio a diciembre, fue publicada una historieta mensual por Dreamwave Productions, basándose en la serie animada del mismo año. Fue cancelada por el escaso número de ventas. Escrita por Peter David, e ilustrada por LeSean Thomas, en las primeras tres ediciones, las únicas basadas en la serie de TV, se contaba la historia desde la perspectiva de April O’Neil, de Baxter Stockman y de Casey Jones en lugar del de las tortugas. Pero basta ya de tanto dato y vamos a lo que interesa, la historia: Todo esto empezó en el lejano Japón, donde Homato

Yoshi era el mayor maestro de ninjitsu, no sólo de su, The Foot, sino de todo el Japón. Junto a él vivía una pequeña y joven rata llamada Splinter, que era la mascota de Yoshi. Desde su jaula, Splinter observaba los movimientos de su “maestro” y los imitaba a la perfección. Yoshi empezó a sufrir un acoso constante del líder del clan, Oroku Naga, y lo obligó a huir a Estados Unidos, después de enfrentarse a Naga y acabar con él, junto a su esposa Tang Shen, que representaba otro de los motivos de la rivalidad entre Yoshi y Naga. Un día en Estados Unidos, Yoshi vuelve de una larga jornada de trabajo y encuentra a su esposa muerta, asesinada por la katana del hermano de Naga; Oroku Saki, el hombre al que se conocería como Shredder. Ahora Saki era el líder del clan y enfundado en una

Shredder refugiándose en el alcantarillado de Nueva York, sobreviviendo con lo que encontraba para comer. Un día, un invidente trata de cruzar la calle y casi es atropellado por un camión que contenía un recipiente con material radioactivo llamado Ooze. Mientras tanto un niño pierde una pecera con cuatro tortugas que caen a la alcantarilla y son bañadas con él, que también cae al alcantarillado. Splinter encuentra a las tortugas y las reúne en una lata vieja de café poniéndolas junto a él en su madriguera. A la mañana siguiente Splinter descubre que el líquido que les cayó encima aceleró su actividad evolutiva por lo que las tortugas, y el mismo duplicaron su tamaño original y se volvieron más inteligentes. Splinter se dio cuenta que el mundo jamás los aceptaría, pero ve el enorme potencial que poseen las tortugas, por lo que decide enseñarles el arte del ninjitsu aprendido de su maestro, dándoles nombres que sacó de un libro del renacimiento; Leonardo, Donatello, Raphael y Michel Ángelo. A partir de aquí, las tortugas van adquiriendo una forma de ser que les caracteriza, y personalidades dispares, desde el bromista Michel Ángelo al rebelde Raphael. Las tortugas, y su maestro Splinter, enfrentan una aventura tras otra sin miedo a nada. Si no conocíais, o queréis revivir, las aventuras de Las Tortugas Ninja pedir unas pizzas e invitarlas para que os cuenten sus aventuras, no os dirán que no.

POR DAVID BLAZQUEZ

ENTREVISTA A JG MIRANDA Nos reunimos en León con JG Miranda, un joven que desde pequeño sabía cuál era su sueño y peleó hasta comenzara vivirlo recientemente como nuevo dibujante de Zenescope. Esta editorial independiente es conocida por sus cómics Grimm Fairy Tales, Wonderland, Charmed, Neverland, The Straw Men, Se7en o Sins of the Fallen, entre muchos otros. Nosolofreak: Bueno, lo primero es lo más importante, que es cómo te llamamos. ¿JG Miranda, que es como firmas los cómics, o James Kestrel, que es el nombre que aparece en tu DeviantArt? JG Miranda: (Risas) Lo del DeviantArt tiene su gracia. Quise cambiar el nombre para hacer una coña, no me acuerdo a santo de qué además, y cuando quise cambiar al nombre que antes tenía no me dejó. Así que ahora me toca quedarme con ese hasta que pueda volver a cambiarlo. ¡No cambiéis el nombre del DeviantArt! NSF: Es algo importante, espero que no lo olviden. Seguro que esto te lo han preguntado muchas veces: ¿cuándo supiste que querías ser dibujante? JGM: Desde siempre, desde que pude sujetar un lápiz. Yo es que leía mucho de pequeño, mis padres me inculcaron que es necesario leer de leer. Y para que pudiera empezar a hacerlo, me dieron lo típico: cosas con dibujitos. Así que lo primero que dibujaba eran Mortadelos. Mortadelos y Tintín. Y por ahí empecé. Tenía sobre ocho o diez años y por entonces ya me tiraba. NSF: Y a título un poco personal, ¿cómo fue que te dedicaste a estudiar Ingeniería Informática en vez de estudiar otra cosa? JGM: Eso fue un asunto más de casa, Siempre te dicen que abrirte camino en el mundo del arte es difícil, que siempre va a haber gente mejor que tú, que tienes que tener un colchón detrás por si te caes… Entonces hice otra carrera por si esto no funcionaba. Afortunadamente, me está dando más dinero esto que la informática, así que es mejor. Si estáis estudiando

informática, no lo hagáis: es una mierda todo. (Risas) NSF: Tengo entendido que eres autodidacta. JGM: Sí, autodidacta. NSF: ¿Seguiste alguno de los famosos libros de “Cómo dibujar cómic”? JGM: Sí. Tuve una época en la que me compraba todos los libros de “Cómo dibujar cómic” del mundo que se publicaban. Recuerdo que le primero que me compré fue uno de Christopher Hart, que es un cartoonist (que hace tiras cómicas) y ese fue mi primer estilo de dibujo. NSF: En plan tira cómica de periódico. JGM: Sí, pero también animales antropomórficos. Me gustaban mucho las películas de Disney, e incluso copiaba sus dibujos. Y a Mortadelo. Me acuerdo que antes del año 2000, época en la que Cels Piñol comenzaba con Fanhunter, tuve una fase en la que dibujaba “narizones”. Luego ya descubrí a Nacho Fernández y me tiró más eso; el estilo de Nacho me gustaba mucho y me gusta mucho en lo que se ha convertido. Entonces fui evolucionando a un estilo un poco más realista hasta llegar al que tengo ahora.

NSF: Se puede comprobar que, incluso en tu estilo, hay una diferencia entre los primeros dibujos tuyos que hay por Internet, en tu DeviantArt, y los que vemos ahora. En todos tiras un poco del lado superheroico, pero hay una clara evolución. JGM: Sí, pero intento de todas formas que mi estilo sea un poco más personal. Igual lo que voy a decir suena un poco pretencioso, pero yo no soy partidario de un estilo superrealista con muchas rayas estilo Jim Lee. Me tiran mucho los estilos europeos de línea clara, entonces intento que mi estilo vaya hacia la animación occidental, como por ejemplo el estilo de Bryan Konietzko en The Legend Of Korra y Avatar. Intento fusionar un poco eso, es un estilo más personal. Entiendo que hay gente a la que no le gusta eso, pero de momento me va bien. NSF: Bueno, hay dibujantes que no gustan a todo el mundo y sin embargo están consagrados como grandes del medio. JGM: Sí, qué me vas a decir. NSF: Y también hay dibujantes que no gustan a nadie y también están consagrados como grandes del medio. JGM: (Risas) Por eso lo digo. Cuando eres dibujante, tienes que tener tu estilo y tienes que tener tu “cosa” que te hace único, porque las editoriales no quieren otro Jim Lee, otro Greg Capullo, otro Rafa Sandoval… Porque ya están ellos haciéndolo, llevan muchos más años que tú y son mucho mejores que tú. Entonces necesitas encontrar tu propio estilo y tu propia voz, por decirlo de alguna manera. Tienes que ser fiel a ti mismo y que llegue eso a la gente, si no estás abocado al fracaso. NSF: ¿Y cómo empezaste a buscar trabajo como dibujante? JGM: La primera vez que me atreví a enseñar un portafolio fue en la primera edición del Level Up León hace tres años, que por aquel entonces tenía otro nombre. Cuando vino Rafa Sandoval, Jesús Redondo y Aitor Eraña fue la primera vez y ¿qué te van a decir cuando llegas ahí? Pues bueno: “Está bien, pero necesitas mejorar”. Pero también me dijeron: “Se ve potencial aquí”. Me acuerdo que Jesús Redondo me dijo: “Obviamente necesitas mejorar, pero tienes el potencial para llegar muy lejos”. Y claro, que te lo diga una leyenda como Jesús Redondo pues te toca la patata. Y la segunda vez fue ese mismo año en Expocomic que había unos ojeadores, que decían venir de Marvel y de DC. Era mentira, porque trabajaban para una agencia que trabajaba para esas

editoriales, pero bueno. Ellos me destrozaron, me dijeron “sí, tú dibujas muy bien los monstruos pero los superhéroes no son lo tuyo. Me recuerdas mucho a Jim Lee”. A partir de eso comencé a llevar el portafolio a convenciones y, por ejemplo, Rafa Sandoval me ha ayudado mucho en mi carrera: me pide que le enseñe lo que tengo, me dice qué necesito corregir y cuando me dijo que le gustaba lo que estaba haciendo fue cuando me atreví a mandar mi portafolio a través de e-mail a las editoriales. Algunas no me contestaban, otras me contestaban favorablemente, otras me decían que debía mejorar… Y así fue cómo contactaron conmigo los de Zenescope y empecé con ellos. NSF: ¿Y a qué editoriales has mandado además de a Zenescope? JGM: A Avatar Press, Boom Studios, a Image llegué a mandar por si sonaba la flauta, al igual que con Dark Horse, a Aspen Comics… Tienes que empezar con las editoriales pequeñas, DC y Marvel si les contactas por e-mail no te van a contestar. Que no os digan otra cosa: Marvel y DC no miran los portafolios que les llegan al correo. NSF: ¿Es probable que Marvel y DC miren las colecciones independientes y vean allí a futuros talentos? JGM: No, es que Marvel y DC trabajan con agentes. Tú contratas un agente y él te mueve las páginas por las diferentes editoriales. Son tíos en los que Marvel y DC confían en su criterio, digamos que son como coladores. El agente no va a mandar unas páginas que sabe que no van a gustar y si la editorial recibe unas páginas es porque a lo mejor sí les interesa. Esos sí los miran. Yo ahora trabajo con un agente y sí se nota la diferencia: de recibir una o ninguna respuesta, pasas a recibir a respuesta por e-mail. Hay mucha diferencia. Es un consejo que suelo dar a la gente que me pregunta ahora: tienen que contratar un agente y ese agente va a mover su carrera más de lo que puede hacer uno mismo. NSF: Y a la gente que te enseña sus dibujos y ves que no te gusta, ¿qué les dices? JGM: Les digo la verdad. Cuando me llega un dibujo que es horrible, que es anatómicamente erróneo, que la perspectiva no tiene puntos de fuga por ninguna parte, que no tiene fondo… Normalmente soy sincero. Les digo lo que creo que deben mejorar, intento no ponerme borde porque tampoco es plan, pero no le doy vueltas. Si me vienes con un dibujo que no está bien hecho anatómicamente, te voy a decir “anatómicamente no está bien hecho”. Es que es

la manera de mejorar. Hay mucha gente que te viene a preguntar ¡y se enfadan porque no te gusta! Son personas a las que les doran la píldora en casa, pero es que fuera está el mundo real y en el mundo real a un fan de una serie, que le dibujes a Batman mal, te van a destrozar. Si tu dibujo es malo, lo mejor que te pueden decir es “tu dibujo es malo”. Y por eso no me ando con florituras. NSF: ¿Y a los que ves y dices “Joder, vaya pedazo de dibujo”? JGM: Normalmente les digo “Joder, vaya pedazo de dibujo. Eres un hijo de puta.” Tengo un amigo que se llama Álvaro Jiménez que es muy bueno y, cada vez que hablamos, parece un festival de comidas de pollas. (Risas) “Ah, es que tú eres muy bueno”, “No tío, es que tú eres muchísimo mejor”, “Ostia, pero es que no entiendo como a ti no te dan trabajo”, “Ostia, entonces a ti te tendrían que dar el doble que a mí”. Y es así todo el rato, ya lo tenemos como gracia pero tenemos algunas conversaciones que son ridículas. (Risas) Álvaro Jiménez, es muy bueno: Ese chico va a llegar muy lejos. NSF: ¿Está en alguna editorial o tiene algún trabajo por ahí? JGM: Precisamente le mandaron un e-mail los de Zenescope que le querían hacer una prueba para una serie. Así que bien. NSF: Bueno, ahora que hemos vuelto a Zenescope: Empezaste con el número autoconclusivo Grimm Fairy Tales Presents: Robyn Hood vs Red Riding Hood, en el que dibujaste cinco páginas. Cuando recibiste el guión, ¿cuál fue la primera sensación que tuviste? JGM: Piensas “Esto es un guión que luego va a leer la gente. ¡Qué hago! (Risas) Es un poco intimidante la verdad, puedes decir “¡Sólo son cinco páginas!”, pero todo el mundo empieza así. Y te da la sensación de que te viene grande, siempre te da la sensación de que te viene grande. Pero lo sacas adelante y luego ya gustará más o gustará menos. Hay que estar un poco pendientes de las reviews. Yo por ejemplo cuando salió el número me pasé dos semanas buscando reviews del número a ver si me nombraban y me hizo mucha gracia porque una de las cosas que vi fue una videoreview en la que vi a un tío que pronunciaba mi nombre “Yei Yi Miranda”. (Risas) Pero ha recibido muy buenas críticas el número, diciendo que el arte no es algo del otro mundo, pero bueno. Te tienes que tomar las críticas como que son dirigidas hacia ti, aunque compartas número con otro dibujante.

Bueno, dentro de lo lógico: si te viene un tío diciendo “es que este cómic habría que quemarlo”, bueno pues a lo mejor tienes razón… Pero analiza por qué. NSF: Claro, luego están los fans acérrimos que no les gusta una cosa y algunos son muy extremistas. JGM: Sí, sí. Y también están del otro extremo: puedes hacer la mierda más infame que hayas dibujado en tu vida y aún así les encanta. Y piensas: “Pues bueno, me parece muy bien… Me alegro mucho”. (Risas) NSF: Entonces ese fue tu primer trabajo y ahora tienes un encargo de doce páginas en el número que sale a finales de Junio de Wonderland. JGM: Sí, Wonderland es otra de las series importantes que tiene Zenescope y me ofrecieron hacer más de medio número porque el otro dibujante Sheldon Goh no podía terminarlas. Más de medio número, que yo ya dije “yo aquí me muero”, pero nada: al final lo sacas. Zenescope lo bueno que tiene es que te dan bastante tiempo para trabajar: como normalmente suelen trabajar con gente nueva y, como saben que hay gente que puede llegar o no llegar, los plazos de entrega son muy holgados. Te ayuda a hacer mano y te acostumbras a tener una fecha de entrega. NSF: Y también en breves te llegará el guión para una nueva miniserie que comenzará en Agosto, ¿no es así? JGM: Están preparando una miniserie que se va a llamar No Tomorrow y va a tratar sobre la Muerte como personaje. La Muerte se harta de trabajar, de estar todo el día segando almas y decide ir por su cuenta. Se va a centrar un poco en su mundo y su introspección personal. Dentro de que todo en Zenescope es muy erótico-festivo, las historias tienen mucha “chicha”. Estoy muy excitado porque es la primera miniserie que me han dado, he hablado con el guionista y también está muy ilusionado porque es un proyecto que ha salido de él. En Zenescope están aprobando el guión para que no se salga de la continuidad de su universo, porque en las editoriales americanas todo tiene que entrar en continuidad. NSF: En las que tienen continuidad, claro. JGM: Sí, en las que tienen. (Risas) Y estamos esperando a ver si acaban con el guión y en cuanto me lo manden, me pongo a trabajar. El primer número saldrá en Agosto… En Estados Unidos, porque aquí en España no se sabe. NSF: ¿Los derechos de Zenescope sabes quién los tiene en España? JGM: Los tenía Aleta, por lo menos hace unos años. Como ahora Zenescope ha sacado un Omnibus

con los cincuenta primeros números de Grimm Fairy Tales, a lo mejor llega aquí a España, pero es especulación todo. No tengo información sobre el tema, no sé si se ha planteado siquiera. NSF: Me imagino que si llega a publicarse un número tuyo aquí en España te avisarán, ¿no? JGM: Hombre, sí. Digo yo. De todas maneras no lo sé. Como te digo, Zenescope aquí en España es una editorial que no la conoce nadie, entonces no se arriesgan los editores españoles. Visualmente les llama la atención, pero luego las editoriales si tienen el mínimo riesgo de no vender, no apuestan por ella. NSF: Por eso casi todo lo que hay es Marvel y DC, aunque hemos empezado a ver cada vez más cosas de Image ahora. JGM: Sí, y de Dark Horse también, sobre todo los cómics de Star Wars. Pero Dark Horse tiene series buenísimas. Pero aquí llegan las cosas que saben que se van a vender seguro. El mundo editorial en España está un poco mal, la verdad. NSF: Recientemente, Brian K. Vaughan y Marcos Martín han publicado el cómic digital The Private Eye, que te puedes bajar desde su propia web y pagas por él lo que tú quieras, pudiendo descargarlo en inglés, castellano o catalán. ¿Qué opinas del cómic digital, sobre todo para salvar los problemas editoriales en España? JGM: Yo estoy a favor del cómic digital, porque creo que tiene una ventaja muy grande para los autores respecto al cómic impreso: todo el dinero que se gana no se pierde en intermediarios. Los autores que cobran royalties, los que más cobran por un cómic impreso, pueden cobrar un 10-12 % de las ganancias totales. Pero eso sólo si eres Jim Lee, Joe Madureira… Lo más normal es que te ofrezcan un 0’8 % de las ganancias. El cómic digital, como no tienes que pagar ni imprenta, ni distribuidoras, ni comercios, ni nada porque a poco que te lo montes bien no tienes que pagar al editor, porque el editor eres tú mismo. Los ingresos van directamente a los autores. Entonces yo, como autor, opino que el cómic digital es bueno para los autores. Los editores dirán que no, pero para los autores es bueno. NSF: ¿Cómic digital adaptado a la tablet o con las mismas características que impreso? JGM: Creo que el cómic digital tiene muchas posibilidades, como el llamado Infinite Canvas: el lienzo infinito. Puedes experimentar mucho con la página, no tienes que ceñirte a un formato.

En el mundo del arte, las fronteras son malas, ya sea la frontera el límite que te pone la página o el de un formato físico. El formato digital no tiene limitaciones, puedes incluir incluso animaciones en el cómic, que se hace ahora mucho. Hay incluso cómics en los que las viñetas son animadas y son una pasada. Es otra forma de trabajar y de verlo, creo que todo lo que sea romper barreras es positivo. Si al final todo se traslada a la industria digital, opino que sería un error mantener el formato físico. Podrías hacer una página de formato A4 y la siguiente una página larguísima de cincuenta metros que no podrías hacerla físicamente. NSF: Y ahora que hemos hablado del cómic digital, creo que es hora de hablar de El Cernícalo. JGM: Bueno… (Risas) Me vas a crucificar. NSF: No hombre. ¿Cómo empezó la idea de hacer un webcómic como El Cernícalo? JGM: Como webcómic, El Cernícalo nació para que pudiera practicar con algo. Pensé “Voy a hacer una historia que sea mía” y nació, como muchas cosas en

antes para verlas y pensé “¿Cómo le puede gustar esto a nadie?” (Risas).

mi vida, a raíz de una partida de rol de un universo que creé yo para jugar con mis amigos. Al final lo convertí en una historia para un cómic, que sufrió varios parones por diferentes motivos y que ahora lo tengo encarpetado porque no tengo tiempo para dedicarle. Pero son personajes a los que tengo mucho cariño y que espero poder retomarlos en algún momento de mi vida. Me gustaría rediseñarlo todo y comenzar de nuevo, sería otra cosa. No continuaría donde lo he dejado, volvería a empezar seguramente. NSF: Se nota la diferencia del arte entre las primeras páginas, después cuando Alejandra Huerga entra a hacer los colores y luego con el dibujo que tienes ahora. JGM: Claro, es que El Cernícalo lo empecé con la idea de hacer un estilo que fuera un poco rápido para no tener que dedicarle mucho tiempo, pero al final le dedicaba una semana a cada página y encima, me dedicaba a experimentar: experimentaba con el color, los bocadillos, la tinta… Claro, al final hay una diferencia abismal entre las páginas y si lo comparas con lo que hago ahora no hay color. Cogí las páginas

NSF: Tenías una legión de fans bastante grande. JGM: Sí, incluso llegó a estar en el Top Ten de Subcultura. Era uno de los cómics más valorados en la comunidad, cosa que es muy de agradecer. Siempre es muy de agradecer que reconozcan tu trabajo. Y me da un poco de pena, porque he dejado a mucha gente colgada con la historia, pero pido perdón porque me es físicamente imposible acabarlo. Me da mucha pena, pero espero que algún día Kira y la tripulación de El Cernícalo vuelvan, pero en otro formato y mejor, porque los fans tampoco merecen menos. Un fan, por mala que sea la crítica que te haga, es alguien que se fija en tu trabajo. Puede ser un flamer o lo que sea, pero ya es alguien que se ha molestado en mirar lo que estás haciendo. Y eso lo agradezco, yo hago las cosas para que las vea la gente. No lo hago para mí, si lo hiciera para mí no estaría en Subcultura, estaría en un cajón, que es donde están ahora por cierto. (Risas) NSF: Y del contacto con los fans: la primera vez que viste a una chica disfrazada de Kira Kestel, ¿qué pensaste? JGM: ¡Me la quería llevar para mi casa! Pero mi novia no me dejaba. (Risas) Fue una sensación increíble. Eso ya traspasa muchas cosas, es una persona que le gusta tanto tu historia, tus personajes y lo que haces, que se toma la molestia de hacerse un disfraz de tu personaje principal. Además, Kira es un personaje que adoro y ver a una chica disfrazada de Kira… No podía pedir más, yo me quería morir ahí mismo. (Risas) NSF: ¿Y el contacto con los fans en general? Ya sabes, cuando acudes a eventos como por ejemplo el Level Up León o las Jornadas KBOOM!, ¿cómo llevas el estar empezando y tener ya unos pocos seguidores? JGM: Es sorprendente, porque descubro que donde voy me conocen, y es una sensación muy alienígena, muy rara. (Risas) Te bajas del autobús o del tren y resulta que estaba allí la organizadora del KBOOM!, Rocío Vidal, y luego había gente que me conocía, que sabía quién era yo y yo no sabía quiénes eran ellos… (Risas) Era muy raro todo. Incluso en el KBOOM! Hubo un chico que se me acercó con muchos nervios, muy cortado al principio y me quería enseñar su portafolios… ¡A mí! (Risas) ¡Pero si no soy nadie! Es una sensación muy gratificante. Todos los que nos dedicamos a esto, yo creo que lo hacemos sobre todo por si llegamos a tener fans agradecérselo. Es gente que le gusta tu trabajo, se lo tienes que agradecer. Lo mínimo que puedes hacer por un fan que viene a decirte que le gusta lo que haces es decirle: “Muchas

gracias” y yo, si puedo, le invito a una cerveza. No se puede pedir más. Yo estoy muy contento. Me alegro mucho de haberme quedado sin trabajo, porque antes trabajaba como informático en la Universidad de León hasta que expiró mi contrato y es lo mejor que me ha podido pasar en la vida. NSF: Claro, porque a partir de ahí ha sido cuando te has movido más por el mundo del dibujo. JGM: Exacto. A partir de cuándo me quedé sin trabajo, pensé: “A la mierda, no quiero dedicarme a la informática, porque no es mi vocación”. Me gusta mucho dibujar, me gusta que la gente vea lo que hago, que me digan “cómo me gusta lo que haces”. No sé, es un poco un síntoma de carencia afectiva pero es cierto. (Risas) Yo intento ser muy agradecido con los fans. NSF: ¿Y qué le dirías a alguien que quiere dedicarse a su sueño, ya sea dibujar, escribir, ser cineasta pero todo el mundo le tira para atrás? JGM: Lo que le digo siempre a todo el mundo es que las dos únicas cosas que necesitas saber en tu vida son: cualquiera puede conseguir lo que se proponga y que la gente le encanta decirte lo contrario. Son las únicas verdades que necesitas saber. Si tienes un sueño, persíguelo y que nadie os eche para atrás. Si crees en ti mismo, al final lo vas a conseguir. Y es que es así, no es un discurso que tenga aprendido, es lo que suelo decir. Suena a lo que te dicen siempre, pero ponte a pensarlo: la gente que está dibujando ahora mismo en Marvel, en DC, etcétera, es gente que en algún momento fue como tú y como yo. Gente que leía los cómics que hacían otras personas y decían: “¿Qué tendré que hacer yo para llegar?”. Y se pusieron a currar. Ese es el secreto: currar. Y lograr que no te echen para atrás. No hay edad, por lo menos para dibujar; te pueden decir que eres mayor, o joven, pero no hay edad para dibujar: puedes ser un gran dibujante a los cincuenta años, a los sesenta o a los veinte si tienes suerte. Y al hilo de esto: el tema del talento. La gente más talentosa que he conocido en mi vida es la que se tira encerrada en un estudio dibujando las horas que hagan falta para que les salga bien. Ese es el verdadero talento: las ganas de trabajar y que te guste lo que haces. Al menos eso es lo que yo entiendo por talento. NSF: Básicamente, el talento es saber exprimir lo que haces bien. JGM: Sí. Tienes que cubrir tus debilidades y explotar tus puntos fuertes. Es lo que tienes que hacer para sobresalir y, una vez que tengas eso cubierto, el resto

vendrá solo. Tardará más o menos, pero vendrá solo. NSF: Pues hasta aquí llega la entrevista. Muchas gracias por tu tiempo y, sobre todo, mucha suerte con tus futuros proyectos. JGM: Nada, gracias a ti por tu tiempo. Grimm Fairy Tales: No Tomorrow es una miniserie

de cinco números que comenzará a publicarse en el mes de Agosto de 2013 en Estados Unidos de las manos de la editorial Zenescope. Cuenta con los guiones de Raven Gregory (Wonderland/Dream Eater) y será dibujada por nuestro entrevistado JG Miranda (Grimm Fairy Tales Presents: Robyn Hood

vs Red Riding Hood/Wonderland #12). De momento no se sabe si será publicada en España. POR MIGUEL ANDRÉS BAYÓN

SANDMAN: INFINITO

¿Saben una cosa? Estoy pensando seriamente en convertirme en promotora de ECC, el 90% de las veces compro cosas de ellos (las excepciones son los tomos marvel de Ovni Press y la serie regular de My Little Pony que compro para mi hija… y los mangas, aunque son cada vez menos). El tema es que hace un tiempo decidí hacerme un regalo, y como quiero mucho a Neil Gaiman, me hice de una preciosa edición de su personaje Muerte. Es un libro negro elegante y maravilloso que contiene: -Muerte: El alto coste de la vida. -Muerte: Lo mejor de tu vida. -Un cuento de invierno. -La noria. -Una miscelánea de muerte. Que a su vez incluye: ·Una galería de muerte: Tomo lanzado en 1993 dedicado a nuestra parca favorita, con 33 retratos de la misma realizados por distintos autores. Con una introducción del mismísimo Neil Gaiman, donde nos habla acerca de ella, de sus orígenes. ·Muerte habla sobre la vida: Un comic de interés público. Escrita por Gaiman e ilustrada por Dave McKean es… bueno, sí, el comic donde Muerte habla sobre condones, sexo y sida, que en un comienzo aparece como encarte, pero que en el 94’ se reeditó como panfleto de distribución gratuita. ·Hacia la luz: La muerte coleccionable. Sí señores: figuras. Aunque su aspecto fue creado originalmente por Mike Dringenberg, quien se llevó el título de ilustrador definitivo fue Chris Bachalo, luego de hacerse cargo de la primera miniserie de Muerte. Las páginas siguientes contienen, entre otras cosas, aquellas conocidas ilustraciones, ya saben, Muerte con el paraguas. Y las figuras que desencadenaron de tales. Ediciones especiales, cambios del paraguas por un sombrero, y una pequeña reseña de tales.

“Llegó a mi cabeza más o menos una semana después que su hermano. Él llegó melancólico, siilencioso, pálido y adusto. Y aunque había un innegable parecido familiar, ella era lo opuesto en muchos sentidos: Sensata, agradable y maja.” (Neil Gaiman)

·Restos mortales: Bocetos, cameos y otros recuerdos: Básicamente eso; la tarjeta de entrada de nuestra pequeña en la enciclopedia de personajes DC, algunos bocetos, portadas, etc. Para recorrer con calma. Olvidé decir una cosa: Este compilado tiene una introducción de Amanda Palmer, actual esposa de Gaiman, la cual es agradable y llena de afecto y admiración. En general el tomo es lindo, ameno, tiene todo lo que uno espera y un poco más. Las palabras de un portento como Neil Gaiman siempre se agradecen, además de saber algo más acerca del personaje de sus propia “pluma”. La calidad del formato es innegable, bien cuidado, hecho casi con respeto, la traducción… bueno, no existe –al menos hasta la fecha –un tomo similar en inglés, pero sí la confirmación de su confección para septiembre. Quien sea fanático del trabajo de Gaiman y posea ya todas estas colecciones, no lo compre, porque es lo mismo, pero en un solo libro, sin embargo, si son amantes de los buenos formatos y –como a mí –Sadman les produce pequeños espasmos de esa nostálgica vida anterior… no sé qué están esperando.

POR ELLA EN LA PECERA

COMIQUEANDO en el viejo continente Trazo de tiza es la obra más conocida de Miguelanxo Prado y la que ha tenido mayor repercusión del autor, cosechando una larguísima lista de premios a nivel internacional. Fue su primera historia larga (63 páginas en total repartidas en siete capítulos), cuya obra se componía hasta entonces de historietas cortas. Fue serializada en las revistas, Cimoc, con el nombre Trazo de tiza y en À Suivre, como Trait de craie, hasta ser recopilada en un álbum por Norma Editorial en 1993 y en una reedición mejorada, con material adicional, en 2012 por la misma editorial. Más tarde, en 2008, fue publicada en catalán, Traç de guix, por Glenat y en gallego, Trazo de xiz por El patito Editorial en 2012. La historia nos narra cómo, después de una tormenta y en medio de un caluroso verano, Raúl, un joven viajero, llega con su barco a una pequeña isla perdida en medio del atlántico que no aparece en ningún mapa. Una isla que sólo está habitada por una pequeña casa que hace a la vez de posada dirigida por una mujer, Sara y su silencioso hijo adolescente, y distinguida por un faro que no funciona. Además, su embarcadero le recibe con un muro repleto de mensajes escritos por multitud de viajeros que han pasado por el lugar. Allí se encontrará con Ana, una joven poco comunicativa que también está de paso en la isla, que dice estar esperando a alguien. El escenario insular se convierte en un misterioso territorio donde suceden un conjunto de

acontecimientos extraños e inexplicables a los que el protagonista intenta encontrar sentido. Sus investigaciones serán inútiles y le llevarán a una historia de amor un tanto enigmática con un final inesperado. Un faro sin luz, una fonda vacía, un inmenso dique y las presentes gaviotas en un islote que se asemeja a un trazo de tiza, será el escenario donde tendrá lugar la historia aparentemente sencilla pero que exige una lectura más reflexiva de lo que parece. Una lectura repleta de intertextualidad que te hace ver cada matiz engarzado en la historia de la forma más natural. Un álbum complejo, desde un punto de vista estructural, que ofrece diferentes niveles de lectura exigiendo así una atención especial por parte del lector. Aparentemente, ésta historia es una crónica de una atracción amorosa algo enfermiza y equívoca. Pero Prado realmente pretende llevarnos más allá. Nos propone un juego donde no sirve sobrevolar la zona, hay que sumergirse en ella. Nos proporciona todos los elementos necesarios para completar la historia pero estos no siempre se encuentran y se aprecian a primera vista. Debes reunir las piezas del rompecabezas para obtener tus propias conclusiones a través de los diferentes niveles de lectura. La isla no es un lugar normal, es un sitio de lo más peculiar. El autor juega con el espacio y el tiempo de una forma tal que, te empuja a releer el libro y darte cuenta de algunos detalles que tal vez en tu primera lectura no habías percibido de modo que recoloques tus ideas sobre el desarrollo de la historia.

Son mil matices los que hay que estudiar en la obra que pueden llevarte a un final o a otro. Además, la obra se crea como espacio para plantear referencias artísticas. Está llena de referencias literarias que también tienen su juego en la historia. Desde Borges “La invención de Morel” de Bioy Casares, o Chateaubriand citado por Tabucchi en “Dama de Porto Prim” (Inutile phare de la nuit…). Esta cita y el muro lleno de mensajes fueron dos obsequios que Prado agradece al fallecido escritor italiano: “El faro, el dique, Sara y su hijo… todos son, tomados por separados, perfectamente banales. Es el conjunto lo que resulta inquietante.” Como igual de inquietante resulta el diario que siempre lleva Ana, la otra huésped de la isla. Las anotaciones de Ana sirven de contrapunto de la narración de la que ella es protagonista. Este juego metaficcional demuestra la estructura de “mise en abîsme” (una narración dentro de otra, como las matrioskas, muñecas rusas) de la obra. Además del doble estatus de Ana como protagonista de la historieta y como escritora de una novela. Curiosamente, el lector nunca podrá llegar a conocer el título de la novela de Ana creada a partir de sus anotaciones mientras se encuentra en la isla. Las anotaciones de Ana son como connotaciones cortas de sus días en la isla. Son comentarios que nunca llegan a verbalizarse a lo largo de la narración de forma que el lector pueda acceder a los recónditos pensamientos de su escritora. En definitiva, todo el material del diario de Ana que se ofrece progresivamente a lo largo de la obra, relata el argumento de una obra novelística que comparte paralelamente las mismas características del álbum donde su autora se inserta como personaje. Por otra parte, del mismo modo que el diario de Ana, la gaviota que acompaña a Raúl constantemente en sus paseos, desarrolla un papel importante en la narración. La gaviota hace de confidente del personaje de modo que este pueda expresar sus pensamientos y emociones del mismo modo que Ana los evoca en su diario. Al igual que el diario o la gaviota, otro de los detalles que impregnan la historia es el muro a la llegada a la isla. Raúl encuentra un muro repleto de mensajes todos aquellos que por azar llegaron antes a ese lugar y han dejado parte de sus recuerdos en

él. Muro que demuestra que esta isla no es tal vez tan solitaria como parece. La escritura forma parte de esta obra como demuestran el diario de Ana, el muro, y también un gran tablón que se encuentra el bar. En el bar imaginado por Prado, el Peter’s Bar, se encuentra un gran tablón de madera donde se acumulan numerosas notas a la espera de ser rescatadas por algún destinatario. Del mismo modo que otros viajeros dejan notas a otros compañeros, Ana engancha una carta para Raúl pero tiempo después cuando este entra y muestran una escena detalla del bar, al preguntar por Ana la dueña sólo le dice “no sé de quién me habla”. La imposibilidad de que el lector encuentre la carta que había dejado Ana en el tablón pone de manifiesto las contradicciones y la pluralidad de las interpretaciones. La casualidad y el destino están patentes en esta historia. Sara piensa que si coinciden tres barcos en la isla es un terrible presagio y que esta isla tras una apariencia real encubre algo extraño que los transeúntes ajenos a la isla no alcanzan a entender. Además de una gran capacidad narrativa también lo es gráficamente. Los paisajes atlánticos de su Galicia natal, le sirvieron a Prado para dar forma a la isla, que representa la metáfora del aislamiento del

Prado fue nominado por la edición inglesa de la obra en los dos premios más importantes de EE.UU., los Eisner, en la categoría a mejor pintor, y en los premios Harvey, a mejor obra extranjera, en la edición de 1995. Gracias a su éxito, a finales de 2009 los hermanos David y Àlex Pastor, directores y guionistas, confirmaron en una entrevista que se habían hecho con los derechos de la obra para adaptarla al cine. Adquiriéndolos a título personal, de su propio bolsillo y no a través de una estudio. Los hermanos declararon que: “siempre ha sido nuestro cómic favorito”. Los guionistas están creando la adaptación para la pantalla intentando ser lo más fieles posibles al cómic y sólo cambiando lo realmente necesario. Aunque hayan tenido que retocar o incluir detalles, han envidado una copia a Prado para tener su beneplácito sobre el guión.

individuo. Abarca un gran número de de posiciones, de viñetas impresionistas y expresionistas evocadas por una aplicación extravagante del color. Las composiciones son excepcionales casi cinematográficas, el autor nos regala picados y contrapicados así como vistas aéreas muy loables. Sus colores son fríos: azules, lilas y verdes chillones evocando tranquilidad e inquietud al mismo tiempo contrastándose con las viñetas ocres. Las imágenes juegan con el lenguaje implícito que el lector entiende. La primera imagen narra la lucha de Raúl ante una tormenta inesperada para, seguidamente, incluir una ilustración a toda página donde se coloca el nombre de la obra y del autor. Aquí se representa una isla perdida en la inmensidad del océano y que, además, requiere una segunda lectura metafórica. Pretende destacar la analogía visual entre la isla perdida en el océano y un pequeño “trazo de tiza” dibujado sobre un fondo de color. La obra fue tan aclamada, que entre los premios que ha conseguido cabe destacar el Premio Alph en Angoulême y el de Mejor obra en el Salón del Cómic de Barcelona, ambos en 1994. Además de conseguir otros premios de menor renombre,

Llevan desde 2010 trabajando sobre el guión de modo que, los espectadores intuyan y entiendan por si mismos lo que está ocurriendo sin que sea demasiado obvio. Mostrar una viñeta en la que el lector puede recrearse y buscar los detalles no es tan fácil transmitirlo a la pantalla donde las cosas si no estás atento, pasan ante ti y perderás una de las piezas del rompecabezas de Prado. En una de sus últimas ediciones, Miguelanxo Prado por un lado agradeció a Antonio Tabucchi por su obra “Dama de Porto Prim”. Al leer su libro, Prado que, como Raúl, no ha leído a Chateaubriand, encontró la cita que incluyo en su libro, y el muro ideal para escribir en él el mensaje de Raúl. Por otro lado escribió el nuevo epílogo lo dedicó a Hugo Pratt tras fallecer. El autor imagina a su gran personaje Corto Maltés, después de unas cuantas melancólicas aventuras, con el deseo de querer retirarse a algún rincón tranquilo y perdido en la inmensidad del mar ¿y qué mejor lugar que un faro olvidado para que alguien se recree en él? Al igual que Corto Maltés, nosotros también necesitamos de vez en cuando nuestro tiempo de solitud, ¿porqué no encontrarlo en la isla que en la distancia parece, un trazo de tiza?

POR JUDITH HIDALGO PIS

(Advertencia: contiene spoilers… tal vez una amigable guía de lectura).

o

Hace un frío horrible, y para variar estoy leyendo cómics. Después de varias insistencias, decidí hacerme con el tomo uno de “Wonder Woman” de N52, al igual que Aquaman, ECC lanzó esta serie en cómodos tomos, que equivalen aproximadamente a cuatro revistas pequeñas. A diferencia de Arthur, con Diana sólo llegué al tomo uno. En lo técnico puedo decir que la dupla de Azzarello y Chiang funciona bien (y en lo personal, los dibujos de Cliff Chiang me gustan mucho). Y en lo argumental la historia es bien interesante. A diferencia de Superman y Batman (los gigantes de DC), N52 beneficia a “los pequeños”. Sí, me dirán que Wonder Woman también forma parte de los grandes nombres, pero al igual que con Arthur, el tema se desvirtúa un poco. Pero vamos con la historia (o con lo que llevo leído hasta ahora). Diana no es un personaje fácil, precisa no sólo de un talento argumental especial, sino de una sensibilidad singular, porque no es sólo “trabajar con una mujer”, sino que el desafío se presenta cuando te dicen “Trabajarás con la mujer maravilla”. Y así, sin embargo lo sobrellevan bien. No me gustan los personajes omniscientes, o demasiado súper. Es el problema que me produce Superman (de quien me referiré en su momento) e incluso el Doc Manhattan. Pero para variar me estoy yendo por las ramas y no acabo de contarles lo que vine a contar… Todo comienza en una cálida noche en Singapur. Las luces de la ciudad, el ajetreo de la modernidad, y un grupo de prostitutas haciendo reflexiones (o hablando de negocios) en la terraza de un lujoso departamento. Un tipo oscuro (en sus intenciones y en su tono de piel… o sea, parece una gárgola de ojos rojos) les habla acerca de su padre,

un poderoso y promiscuo monarca que deambula por todos lados. Les comenta que debe averiguar dónde está, para evitar la ira de la que podría ser su madrastra. Luego todas mueren y nos transportamos a Virginia, donde una mujer vestida como un pavo real, corta la cabeza de un caballo para crear un monstruo y matar a otra chica que descubre –al buen rato –que está embarazada. La mujer, llamada Zola, recibe una llave que al brillar la transporta a la habitación donde Wonder Woman duerme como un angelito (sí, señores, como un angelito desnudo). Le explica la situación, la llave vuelve a brillar y aparecen de vuelta en Virginia, en la granja donde dos centauros estaban atacando a Zola. Escena de pelea. Aparece Hermes, el mensajero (quien le dio a Zola la llave), notoriamente herido, y antes de hacerse el muerto les revela a ambas que la dulce Zola está embarazada nada más y nada menos que Zeus. Sí, damas y caballeros ¿qué mejor lugar para poner una culebrón del Olimpo que en manos de nuestra amazona favorita? Entonces, en el Olimpo, la mujer-pavo, que resulta ser Hera mantiene una poco amorosa conversación con quien parece ser la diosa de la discordia, su propia hija con Zeus, en la que Hera aclama con firmeza “Soy la esposa de tu padre”, lo cual es respondido por “Pero están esas aventuras, esas mujeres y su prole…que te recuerdan constantemente… lo poco que se te quiere.” Entonces Hera

revela que la Amazona, Zola y Hermes se encuentran “En ese gallinero sin gallos, erróneamente llamado Isla Paraíso”. Sí, sin otro mejor plan, Diana vuelve al hogar materno, en busca de consejo y descanso, sin pensar que encontraría ahí tantas respuestas. Y entonces me comienza a gustar más, porque la grandiosa “mujer maravilla” se convierte lentamente en una MUJER propiamente tal. Muchos podrían pensar que la maternidad cambia a las mujeres, pero también lo hace que descubran una parte de su pasado que no esperaban, como por ejemplo “de dónde vienen”. Pero eso no lo veremos hasta que una Discordia gigante (Sí, literalmente, la tipa mide como ocho metros), aparece por ahí causando estragos, matando amazonas cual Titán. Y toma a Wonder Woman diciéndole que viene en son de paz, que sólo pasa por ahí queriendo abrazar a su hermana pequeña. Y no está hablando del feto de Zola… Les conté demasiado, ¿cierto? Y voy en la mitad del tomo uno. Bueno, como es evidente, Hera y sus celos pasan a segundo plano cuando Diana se enfrenta a su madre y le reprocha haberle hecho creer que sus orígenes eran otros (recordemos que la historia que se nos cuenta acerca de Wonder Woman era que su madre deseaba tanto una hija, que la creó de arcilla y se la ofreció a los dioses, que la hicieron real, fuerte y perfecta. Esto también provocó que Diana sufriera de las burlas de las otras amazonas que la llamaban peyorativamente “Arcilla”. Ahora Diana no sólo sabe que tuvo un origen que estaba dentro de los parámetros del a biología común, sino que además debe proteger su cabeza de “la esposa de su padre”. Suceden varias cosas, como la reunión de la prole del supremo monarca del Olimpo, y un arranque de adolescencia de Diana que le acarreará consecuencias…. Pero sería injusto contarles todo y no recomendarles que lo busquen y lo lean, ¿cierto? Saludos, y nos vemos pronto .

POR ELLA EN LA PECERA

L E X I P A L E X PI

POR SALVADOR VARGAS

Para una generación los 90 se pueden considerar como el comienzo de todo, incluso de los videojuegos. Un claro ejemplo es la actual generación de deportistas de nuestro país que tanto triunfa y a los que se les conoce como “La generación PlayStation”. Pero nada más lejos de la realidad los más veteranos del lugar sabemos que no es sino la reafirmación de una industria que durante los 80 cimentó grandes bases y marcó la infancia de muchos de nosotros, y que durante los 90 creció de forma exponencial creando la base de lo que ahora es una de las industrias más fuertes del mundo. Géneros tan comunes hoy en día como shooter, MMO, sandbox o simuladores de vida o de construcción, dieron sus primeros pasos en esta década. Otros sin embargo tenían su esplendor durante los 90 y hoy en día son casi un nicho muy reducido entre los más demandados, hablamos de géneros como el beat´em up (que en cierta forma se ha transformado en el actual hack and slash) o las aventuras gráficas. Si en los 80 ya descubríamos el mundo de las consolas gracias a la NES de Nintendo pero sobre todo disfrutábamos de los microordenadores de la época, serían a comienzos de 1990 cuando comenzaría la eclosión del hardware por excelencia de videojuegos además de la irrupción de los PC con sus arquitecturas x86. Esto producía que muchos de nosotros viéramos hecho realidad el poder jugar a aquellos magníficos arcades en los que invertíamos nuestra paga

sin necesidad de salir de nuestra casa (con permiso de la Neo Geo). Hata tres generaciones de consolas se dieron lugar en esta década, desde los 16 bitas hasta los 64, dejando claro el avance que sufría la industria y la voracidad con la que comenzaba a marcar el consumismo que siempre ha reinado en este hobby. Todo no iba a ser bueno en nuestro país, ya que el avance de la tecnología y la necesidad de inversión hizo que la tan enaltecida Edad de Oro del Software español se fuera apagando poco a poco por no dar el salto a los 16 bits. En parte este fracaso habría que adjudicárselo a los dueños de las compañías de entonces por su poca ambición, preferían hacer juegos baratos y ganar dinero a espuertas sin mirar hacia el futuro. Sin lugar a dudas un década que impulsó la industria del videojuego y la renovó. Los estándares en consolas del cartucho como soporte dejaba paso al CD ampliando la potencia gráfica y extensión de los juegos, además las apariciones de tarjetas de memorias y otros elementos facilitaban al jugador poder guardar la partida sin necesidad de hacer el juego de un tirón o recurrir a códigos por fases. Una década inolvidable que vamos a repasar a continuación.

1990 En 1990 se lanza en Europa Mega Drive, la consola de 16 bits de SEGA. Venía pra dar el relevo a Master System que había estado rivalizando, dentro de sus posibilidades con NES. Graficamente siginficaba un salto cualitativo importante, y por primera vez teníamos la sensaciòn de tener lo más parecido a una recreativa en casa. Su precio de salida fue de 39.900 ptas.

Pero no todo iban a ser consolas de sobremesa. Hasta entonces en formato portátil solo habíamos disfrutado de las Game & Watch de Nintendo que limitaban a un juego cada máquina. Game Boy rompía todos los moldes por su tamaño, versatilidad, catálogo, precio y la duración de las pilas. Todo un lujo llevar una NES en el bolsillo, además el soporte que le dió durante muchos años Nintendo hizo que su vida fuera larguísima.

Ron Gilbert, Steve Purcell, Tim Schafer y Dave Grossman creaban para Lucas Games posiblemente la mejor aventura gráfica de la historia. The Secret of Monkey Island marcaría un antes y un después en el género, con su mezcla de aventuras y humor. El juego narraba las aventuras de Guybrush Threepwood, un joven que llegaba a la isla Meleé con la intención de convertirse en un fiero pirata. Al final tendrá que viajar a la mítica Monkey Island para salvar a su amada de las garras de LeChuk.

En el mismo año se comercializaba en nuestro país la Neo Geo, o más conocida como la consola de los pijos. Esto era lo más cercano que podíamos encontrar a las recreativas de entonces pero con el inconveniente de su elevado precio. Sus 100.000 pesetas de coste impidieron que la gran inmensa mayoría de jugones de la época la pudieran saborear. Ademñas sumemos que cada juego rondaba las 40.000 ptas. Sin lugar a duda era todo un objeto de lujo por entonces.

En los PC de la época el sistema operativo predominante era MSDOS, pero Microsoft lanzamba al mercado la que sería la primera piedra de su SO dominanten en el futuro. Windows 3.0 llegaba para implantar el sistema de ventanas actual. Tardaría unas cuantas versiones en imponerse pero las bases estaban ya asentadas en esta versión.

1991 SEGA en su afán por desbanacar a Nintendo lanzó Sonic The Hedgedhog. El erizo azul sería el fiel reflejo de Mario en la compañía.

Si hay un título que r o m p i ó todos los moldes en el género de la lucha e impuso las bases para todo lo que vino después fue Street Fighter II. Curioso que la secuela de un título que pasó con más pena que gloria fuese quien se alzaría como el gran padre de los fighting games futuros. Arrasando en recreativas daría su primer salto a Mega Drive, pero sería la versión de SNES la más cercana al arcade.

En contra de lo que muchos c r e e n , Doom no fue el primer juego 3D, sino que lo fue este Catacomb 3D. El juegoque se lanzó para IBM PC con gráficos EGA se puede considerar el padre de los first persons shooters actuales. En Catacomb 3D encarnamos a un poderoso mago que se internaría en la oscuridad subterránea para rescatar a un amigo de las garras del malvado Némesis.

Su mayor diferenciación era el uso de la velocidad como principal aliciente en un plataformas para la historia del videojuego.

C o m o podéis ver lo de SEGA y Ninendo era una guerra declarada a ver quien podía más. Mientras Nintendo arrasaba con Game Boy, SEGA lanzaba Game Gear. La consola tenía la potencia de una Master System, con gráficos muy superiores a los de la portátila de la gran N, pero la falta de títulos que la apoyaran y la escasa duración de las pilas hizo que su vida fuera corta.

Los juegos que más despuntaban solían venir de las recreativas, y este es el caso de Sunset Riders. Un curioso beat´em up que transcurre en el salvaje oeste con vaqueros, indios, vacas, trenes, y un largo ectecera de iconos del cine de vaqueros. Tuvo versiones para casi todas las plataformas existentes de la época.

1992 Con dos años de desventaja en nuestro país, Nintendo lanzaba su consola de 16 bits: Super Ninendo. La denominada como El cerebro de la bestia era ampliamente superior a la consola de SEGA y de esta forma títulos como Street Fgihter II eran toda una deilicia jugar en la consola de la gran N.

Mortal Kombat nacía para plantar cara a SF2, pero presentaba grandes difernecias. La digitalización de los personajes unido a su alto nivel de sangre en pantalla gracias sobre todo a los Fatalitys. Este juego provocaría una gran controversian sobre todo en EEUU con reclamaciones por parte de colectivos contra la violencia, además de una encarnizada guerra SEGA-Nintendo, eliminando esta útlima la sangre en sus versiones.

Se puede considerar que Alone in the Dark es el “padre” honorífico de los survivals horror. Su mezcla de personajes en 3D sobre escenarios 2D eran todo un avance gráfico para la época. Además el juego nos permitía elegir entre dos pesonajes para adentrarnos en la Mansión Decerto, poblada de miedo y personajes sacados literalmente de las obras de H.P. Lovercraft.

S u p e r Mario World significaba una de las grandes novedades de SNES. Presentaba una gran mejoría en gráficos, sonido y jugabilidad respecto a sus antecesores. Además apareció un nuevo personaje (Yoshi) y nuevas habilidades para Mario, incluyendo la famosa capa.

En pleno apogeo de las aventuras gráficas, LucasArtas lanzaría una de las mejores aventuras de Indiana Jones y la que para muchos debió haber sido cuarta entrega cinematográfica. Con la base habitual de las aventuras de LucasArtas, el juego nos planteaba ciertas decisiones que podían alterar sensiblemente el final del juego, dotándolo de una rejugabilidad absoluta.

1993

F I F A International Soccer sería la primera entrega de la saga más exitosa de juegos de fútbol. Su peculiar vista isométrica le daban una espectacularidad en la época no vista hasta entonces en los juegos deportivos. A su vez nacerían sagas como Madden o NHL, todas de EA Sports que siguen siendo superventas hasta el día de hoy.

El estudio AM2 de Sega trajo un juego de lucha espectacular: Virtua Fighter, creado mediante g r á f i c o s poligonales y que causó bastante expectación en la época. El juego salió para recreativa y ofrecía unos personajes especializados en distintos tipos de lucha. Posteriormente sería portado a Sega Saturn con gran éxito en la conversión.

ID Software seguiría con la técnica ya mostrada en Catacomb 3D y que tan buen resultado dió en Wolfenstein 3D. Con todas nacía Doom, uno de los fps más importantes de la historia y que ha día de hoy sigue vigente a expensas de la tan deseada cuarta entrega. Como no John Carmack a la cabeza.

Con cada película de Disney que aparecía en cines su versión jugable hacía acto de presencia en las consolas del momento. Ese año destacó por encima de todos los plataformas Aladdin en su versión de Mega Drive. La versión del El Rey León le seguiría a la saga en cuanto a calidad, pero otros juegos como Duck Tales o Castle of Ilusion también elevarían el sello de Disney a las alturas.

Atari lanzaba el que sería su úlitmo hardware tras una exitosa carrera sobre todo en la década de los 80. Atari Jaguar apostaba por el CD como soporte para sus juegos, lo cual la dotaba de una calidad gráfica tal vez muy avanzada para su tiempo. Sus características técnicas eran algo confusas ya que su CPU era de 16 bits pero el resto de componentes funcionaban a 64. Por desgracia tuvo una vida muy corta y no llegó a nuestro pais.

1994 En este año Blizard poondría en liza un título que hasta el día de hoy predomina como ninguno en el mundo de los MMO. Estamos hablando de WarCraft: Orcs & Humans. Serviría para sentar las bases de la saga que perduran con diferentes cambios hasta el día de hoy.

Como hemos ido viendo cada año salía un nuevo título dispuesto a desbancar o proponer algo diferente a SF2. Uno de los aparecidos en el 94 sería Tekken, en sus primeras versiones para recreativas. La saga se ha implantado hasta el día de hoy con nuevos títulos, spin offs o crossovers con otras sagas como la de Capcom. Un año más tarde haría su aparición en PlayStation.

Y si hablamos de Rare no podemos olvidar Donkey Kong Country, uno de los títulos más míticos de Super Nintendo. Todo un portento gráfico de la épcoa, además de su jugabilidad endiablada y la posiblidad de jugar en cooperatvio con Diddy Kong.

En los salones recreativos se estaba implantando un nuevo género basado en usar como control pistolas u otro tipo de armas. El precursor de esta nueva moda que se trasladaría a las consolas con multitud de periféricos sería Virtua Cop. Tras el llegarían una gran ristra de títulos como Time Crisis o House of the Dead que sentarían un gran precedente en el mundo de los controles del videojuego.

Y si de lucha h a b l a m o s no podemos olvidarnos de Rare en su época como first partie de Nintendo. Killer Instinct que regresa en la nueva generación para Xbox One sacaba por entonces su primer título convirtiéndose en uno de los más aclamados por todos los poseedores de una Super Nintendo. Grafiacamente bebía mucho de Mortal Kombat, aunque la espectacularidad de sus combates y el zoom lo engrandecían.

1995 Mientras SEGA seguía sacando partida de Mega Drive con extensiones como Mega-CD o el ssitema de 32X, se ponía en marcha la generación de los 64 bits con el lanzmiento de Sega Saturn. Al ser la primera en aparecer tuvo un buen arranque sobre todo gracias a sus prestaciones con los juegos 2D, pero la salida de PlayStation y la posterior de Nintendo 64 la terminaron desbancado hasta su desaparación en 1998.

Si hablamos de la generación de los 64 bits evidentemente la dominadora fue Sony con su PlayStation (PSX). Significaba la irrupción del gigante nipón en el mercado del ocio electrónico y lo hacá por la puerta grande. Podemos decir que siginfico la lenta muerte de SEGA y relegar a la todapoderosa Nintendo a un segundo lugar al que no estaba acostumbrada. Sus juegos más adultos supieron imponerse al estilo de la época.

Durante este año Nintendo presenta un producto bastante revolucionario: el Virtual Boy. Constaba de un “array” para cada ojo y un sistema de espejos que recreaban la resolución total de la pantalla. Nos teníamos que colocar un sistema de visualización en la cabeza para poder visionar el juego, y por lo tanto no podíamos ver el mando de control.

En 1995 se inaguraba la primera edición de la Electronic Entertainment Expo, la feria de videojuegos más grande e importante de la actualidad. Esta primera edición tuvo lugar en la habitual ciudad de Los Ángeles, donde hasta el día de hoy se celebra cada junio salvo algunas excepciones como las celebradas en Atlanta y Santa Mónica.

Pese a los lanzemientos de las consolas de neuva generación , en Super Ninendo seguían apareciendo verdaderos juegazos. Muestra de ello es Chorno Trigger, probablemente el mejor juego de rol de 16 bits (con perdón de Zelda). Una clara demostración de la capacidad de SquareSoft para este género, como más adelante podremos ver con Final Fantasy.

1996 Por fin N int endo saltaba a la nueva generación con Nintendo 64. En un gesto habitual de la compañía seguían apostando por el cartucho tradicional en contra de la implantación del CD como soporte. Esta cabezonería hizo que la ocnsola no recibiera algunos de los grandes títulos de la generación. Su mando dejó marca literalmente en muchos de los jugadores.

También nacía uno de los iconos por excelencia del mundo del videojuego y de la cultura pop de la época. Lara Croft, la digna heredera de Indiana Jones protagonizaba Tomb Raider, un juego de aventuras con puzles y plataformas imposibles. Todo un portento gráfico en su momento, que siguió evolucionando con los años hasta hoy, año justo en el que la saga se ha reiniciado con una nueva Lara joven e inexperta. Años más tardes llegarían las pelis.

Y justamente a Mario le salía un nuevo y potente competidor, Crash Bandicoot. Este marsupial pasría a ser la imagen de PlayStation (aunque no oficial) durante mucho tiempo tal cual lo es Mario de Nintendo. Además era el primer gran éxito de Naughty Dog, una de las desarrolladoras de mayor importancia del momento actual. La historia... la típica: malo (Dr. Cortex) secuestra novia y héroe va a salvarla.

Nacía una de las sagas más exitosas de la historia del videojuego. Resident Evil se eregía como el referente del survival horror. Un juego crudo, con sustos por doquier y endiablados puzles que atrapaban a todo aquel que lo jugaba. Muchas serían las conversaciones entre los jugadores de la época por ver como habían solventado diferentes situaciones.

Y la aparición de una nueva consola de Nintendo no podía venir acompañada de nadie mejor que de Mario, pero esta vez el fontanero italiano daba el salto a las 3D... y de que manera. Un juego que sentó cátedra y marcó las bases para todo plataformas que se quisiera adaptar a esta nueva visión. La historia, la de siempre, Mario teniendo que rescatar a la princesa Peach de las garras de Bowser... pero eso es lo de menos.

1997

Decidir cual es el mejor Final Fantasy es algo complicado y muy subjetivo, pero decir que Final Fantasy VII fue el que rompió moldes y alzó a la saga al Olimpo no creo que sea exagerar. La nueva entrega de Square Soft (aún) aparecía como exclusiva de PlayStation y dejaba la boca abierta a todo el que veía sus animaciones. Cloud, Tifa, Aeris, Sefirot… son nombres que ya han pasado a la posteridad.

Polyphony estrenaba el que será su estandarte, Gran Turismo llegaba para arrasar convirtiéndose en el juego más vendido de PSX. Sorprendía como un juego de conducción daba el paso hacía el rol, con la obligación de mejorar tu coche, conseguir licencias, sumar victorias y dinero, etc., todo ello regado con una muy buena simulación.

La polémica la tuvimos servida en forma de juego. En el 97 todo el mundo hablaba de Carmageddon como si de algo prohibido se tratase, recuerdo los corrillos en la universidad para ver quien lo tenía y que contaba. Realmente el juego no tenía para tanto pero por entonces no estábamos muy acostumbrados. Curiosamente nacía el mismo año GTA como veremos a continuación.

Siempre que se habla de grandes shooters seguro que aparece en la coversación alguien diciendo: ¡El Goldeneye de N64! Y si señores, un juego basado en una licencia de cine puede ser de los mejores de la historia. Su modo historia que mezclaba el sigilo con la acción, y su multijugador tan divertido, hicieron de Goldeneye un referente hasta el día de hoy en el género del fps.

Y si con Carmageddon se liaba parda, Grand Theft Auto pasaba un poco de puntillas al tener unos gráficos en vista cenital que no daban nivel de detalle como el anterior. Para muchos este como su secuela son los grandes desconocidos de la saga que dan por sentados que comienza con San Andreas. No tiene el nivel de detalle que alcanzaría posterioremente pero sus cimientos estaban ahí y era un juego terriblemente adictivo.

1998 Al igual que comentaba con Final Fantasy VII, decidir que Zelda es el mejor sigue siendo igual de peligroso a la par que injusto. Lo habitual es verlo de los más destacados pero también tiene sus detractores.

La saga de Capcom se reafirmaba y de que manera con su segunda entrega. La mejora era total, tanto en gráficos como en historia y duración. Doble disco con dos personajes jugables, Leon y Claire. ¿Quién no recuerda el moemnto en la comisaría cuando aparece el Slicker por la ventana? Los innumerables puzles, esas cámaras fijas pensadas para mostrar el plano más terrorífico. Una obra de arte en toda regla que alzaba el survival horror a los altares.

Y si hablamos del nombre que se cimentaba Blizzard lo de Valve no iba a ser para menos y sobre todo con su primer título. Half-Life marcaría un punto y aparte en los fps, añadiendo a los clásicos tiroteos una historia rica y adulta. Las aventuras o mejor, desventuras de Gordon Freeman en los laboratorios de Black Mesa están consideradas como los mejores juegos de la historia. A día de hoy la multitud de fans de la saga todavía esperan una nueva entrega.

Los juegos de espionaje e infiltración subían un peldaño con la aparición de la obra magna de Hideo Kojima. Para muchos el primero, pero realmente ya había lanzado dos entregas anteriroes en MSX. Solid Snake (o los Snake) quedarían desde entoneces inmortalizados en el Olimpo de los héroes de videojuegos.

B l i z z a r d c o m e n z a b a a labrarse el respeto que hoy en día tiene. Los Terran, Zerg y Protoss serían las razas de este juego de estrategia en tiempo real con una historia realmente sorprendente. Con las bases de Warcraft por bandera, Blizzard se apuntaba otro éxito con más de 10 millones de unidades vendidas además de la expansión. En su línea un juego que perduró muchos años en juego.

1999

Y si del brillante catálogo de Dreamcast hablamos tenemos que destacar Shenmue. La obra excelsa de Yu Suzuki con un presupuesto desorbitado para la época y que arrastra una legión de fans deseosos de que algún día se publique su prometida tercera entrega. El juego nos ponía en la piel de Ryo Hazuki y su novedad era la jugabilidad en un mudno vivo donde las horas eran reales.

Los cibercafés le deben su éxito a este juego creado por Valve y que a tantos jugadores congregaba en sus salones para echar partidas de horas y horas. Además la de amistades que hoy en día perduran gracias al título. El sistema multijugador online que hoy conocemos de los Call of Duty y demás títulos no tendría sentido sin Counter Strike. Denominaciones como camper tampoco.

SEGA llegaba tarde, muy tarde a la nueva generación y lo hacía con una consola revolucionaria: Dreamcast. Por desgracía sería la última consola de la compañía como desarrolladora de hardware que en la actualidad se dedica al software aliada con su gran enemigo por entonces Nintendo. Consola incomprendida que contaba con un catálogo corto, eso sí, pero brillante.

La guinda del survival horror la pondría Silent Hill, probablemente el juego con la atmósfera más sobrecogedora de cuantos hemos visto. Creado por el Team Silent para Konami, nos ponía en la piel de Henry Mason en busca de su hija Cheryl por las calles de Sient Hill. El pueblo en el llueve ceniza y que esconde un submundo irreal plagado de seres extraños.

Y si hablamos de Call of Duty no podemos olvidar a Medal of Honor. En años anteriores hemos visto juegos como Catacomb 3D, Wolfenstein o Doom que son los “padres” del fps, pero si un juego revolucionó el género que agonizaba fue este. Con guión de Steven Spielberg sentó un precedente que muchos juegos seguirían durante años, ambientar los shooters en la segunda o primera guerra mundial.

La década de los años 90 es una de las mejores que hemos podido vivir, en cuestión de juguetes, está claro. Antes de la llegada de internet en casa, de los móviles que son casi más listos que nosotros, hubo una época en la que los niños hacían sus kilométricas listas de deseos para Papá Noel o los Reyes Magos (en mi caso era para los dos ;-) Por aquel entonces, la Barbie era la muñeca estrella de todas las niñas (desde que se creara en 1954), ya fuera por su gran cantidad de trabajos, ya fuera de Doctora, Veterinaria (los cuales le duraba un suspiro, pues al día siguiente ya salía otra modalidad nuevo) incluso con su traje de aeróbics o en su periodo de embarazada, no servía más que para coger polvo en la estantería, ya que cuando salía una nueva olvidabas a la anterior y deseabas tenerlas todas (ni que fueran los Pokemon que había que coleccionarlos todos). Aún así, las niñas y sus muñecas no se conformaban con sólo tener a la Barbie, si no que deseaban, no, ansiaban tener la mansión de la Barbie, el coche de la Barbie, el caballo de la Barbie… y así hasta mil cosas para amueblar la casa con los muebles de la muñeca en vez de con los de la niña. Alrededor de ella está su novio Ken, sus hermanas mediana y pequeña y las amigas de ella y de él. Además, la han vestido los más glamurosos diseñadores de moda y ha viajado en gran variedad de coches lujosos, además de peinarla los más famosos peluqueros. Sin duda, es la muñeca más querida a lo largo de numerosas generaciones, a pesar de ser criticada por su estándar de belleza imposible. Dentro de los juguetes favoritos de los niños (y de algunas niñas también), dentro de los coches de metal, destacaron los Micro Machines, aquellos cochecitos en miniatura, hechos con metal y que representaban coches reales como Ferraris, pero en un aspecto mucho más realista, casi réplicas pero a menor escala que Hotwheels y Matchbox. Eran fabricados por Galoob. En 2007 la compañía fue absorbida por Hasbro. Los GI Joe fueron los muñecos que surgieron en los años 70 para representar a estos soldados del gobierno de Estados Unidos, creados por Stanley Weston. Su primera misión era acaparar la popularidad que ya logró la Barbie entre las niñas. En los 80 impulsaron una nueva versión fabricada por Hasbro, en la que presentaron al terrorista Cobra. Para ayudar la popularidad del juguete, se lanzó una serie animada, la cual ayudó a aumentar las ventas,

BARBIE FANTASY PALACE

BARBIE SUN JEWEL

MICROMACHINES

BARBIE GIMNASTA

MICROMACHINES

LOS JUGUETES DE LOS

90

PLAY DOH

PLAYMOBIL EQUIPO RESCATE sin duda alguna. Si el niño en cuestión era más aficionado a las artes manuales, Play Doh era su juguete educativo, ya que servía para modelar figuritas con la ayuda de las máquinas de plástico que lo acompañaba. Parece mentira, pero en un principio, en la ciudad de Cincinnati, Ohio, en la escuela donde se comenzó a usar este material, en un principio estuvo diseñado como limpiador, pero fue usado por los niños para modelar figuritas. Así se creó esta marca que en 2003 fue nombrada por la Asociación de la Industria del Juguetes como uno de los mejores del siglo. En los años 90 la plastilina utilizada era mucho más sofisticada, así como las máquinas que lo acompañaban, como es el caso de la máquina de helados, de pizzas y hamburguesas (entre otras.) Hans Beck fue el jefe desarrollador de la empresa Brandstäter, la cual experimentaba con modelos de coche a escala, fabricados en plástico, pero en 1971 decidió incluir pequeños pasajeros en dichos coches, por lo que así se crearon los Playmobil. Con el tiempo se convirtieron en uno de los juguetes más

GRANJA P queridos de todos los tiempos. En los años 90 estas figuritas ya estaban consagradas y algunos niños tenían la suerte de tener el fuerte, el castillo medieval, los barcos piratas o incluso la granja que les acompañaban. Pero no sólo los niños jugaban con ellos, sino que también sacaron la grandiosa casa de muñecas para que las niñas acompañaran a sus hermanos o primos en los juegos con playmobil. Quizás nos recuerde a los anteriores, pero los Lego son un paso más, ya que teníamos que construir su mundo con las cientos de piezas que venían en la caja. Aquellos mundos imaginarios que venían ya de serie o los que inventábamos nosotros sin ton ni son, era lo que verdaderamente nos animaba a jugar, ya que una vez construido, yo creo que pocos niños han inventado juegos con ellos. Con la llegada del anime a España, los juguetes relacionados con las series cada vez tuvieron más auge y todos los niños querían hacerse con sus personajes favoritos. Sin duda, la épica saga que conquistó a los

MUÑECOS CABALLEROS ZODIACO

PLAYMOBIL

MUÑECOS DRAGON BALL

niños y niñas de los años 90 fue Los Caballeros del Zodiaco, serie de animación japonesa que nos acompañaba todos los días. Las figuras de la serie, las originales, fueron fabricadas por Bandai, creando muñecos articulados con armaduras de metal que se les quitaba y ponía de nuevo, lo que les hacía particularmente caros, pero no por eso dejaban de ser indispensable a cada niño el tener su signo del zodiaco inmortalizado en su caballero. Con el tiempo, las figuras se han ido convirtiendo en una grandiosa colección, estando aún hoy en día en venta y con novedades continuamente. Otra de estas series legendarias fue Dragon Ball, y con ella sus famosos muñecos. Los había de todo tipo y condición, ya fueran articulados, con sus naves, con armadura de quita y pon, con cambio de traje… todos los personajes de la serie tenían su doble en plástico y todos los niños y niñas de los 90 querían tener alguno de ellos. Aún hoy en día, algunos adultos que vivieron su más tierna infancia en los años 90, siguen coleccionando a todos estos personajes, llegando a tener más de uno repetido (pero con sus poses diferentes y en otros tamaños, está claro, no vayáis a creer que tienen dos o tres del mismo, ¿no es cierto?)

CASTILLO MEDIEVAL LEGO

Del mismo modo, las figuras articuladas de Street Fighter también hicieron incapié en la economía familiar, ya que no sólo se podía tener un guerrero de este videojuego tan conocido que nos llegó desde Japón. Igualmente pasó lo mismo con Mazinger Z, sólo que estos muñecos llegaron mucho antes, en los años 70 ya eran muy conocidos, pero en los 80 y 90 recibieron su mayor auge, del mismo modo, gracias a la llegada de la serie animada y sus famosos puños fuera. A España llegaron unos muñecos que, hoy en día, se hubieran retirado, ya que, verdaderamente, sus puños salían totalmente disparados. Recuerdo que mi padre me comentó que al muñeco que tuvo mi hermano (el cual aún sigue sano y salvo en el pueblo) le tuvo que quitar los potentes muelles que llevaba dentro de los puños para que no saltara el ojo a nadie. La animación americana también nos llegó de la mano de las Tortujas Ninja, cuatro adolescentes que fueron mutadas por un viscoso líquido verde, lo cual hizo que crecieran desmesuradamente hasta alcanzar un aspecto casi humano, por lo que su mentor en maestro

MUÑECOS TORTUGAS NINJAS

GOBBLE PACKETEERS

MUÑECOS POWER RANGERS FISHING GAME

JUEGOS DE AG GEYPER

S

GUA

Astilla les pudo enseñar a ser ninjas. Sin más dilación, estas tortugas fueron inmortalizadas en plástico, con sus accesorios, sus armas y todos sus juguetes que ellos más usaban, para así poder acompañar a los niños en sus aventuras. Recuerdo que yo siempre deseé tener una, y que aún no la he conseguido T_T mi favorito era Rafael ^^ Siguiendo con las archiconocidas series de televisión, es obligatorio el hablar de los Power Rangers, también venidos desde Japón, pero llevados más allá por Bandai. Estos personajes, que eran ninjas con poderes en cuerpos de adolescentes, tenían la habilidad de metamorfosearse con la ayuda de sus brazaletes y así poder manejar sus vehículos, los cuales se unían para formar uno más grande y temido. Estos juguetes llamaron mucho la atención, sobre todo por el modelo que se le cambiaba la cabeza si se le apretaba en el cinturón.

MUÑECOS POWER RANGERS

He-man fue otra de las series de animación que más llamó la atención entre los niños de esta década, ya fuera por su temática de dragones y fantasía, o porque eran los únicos juguetes que llevaban espadas y montaban dinosauros. Sin duda uno de los juguetes más raros de los que se han podido tener por casa, ya que estaban mal hechos y su anatomía era imposible. Y luego se meten con la pobre Barbie :P Cambiando del estilo de juguetes, los niños de los años 90 también se pasaban las horas jugando a los juegos de inteligencia o habilidad (llamados ahora juguetes retro) en los que la mecánica del juguete era hacer llegar una o varias bolas de metal, a través de un circuito laberíntico, hacia la meta. Y así una y otra vez. Del mismo estilo estaban los juguetes de agua, en los que había que meter aros o pelotas por agujeros o dejarlos en unas repisas para que no se cayeran, hasta completarlo todo. Lo bueno, que era muy entretenido, pero lo malo era que se te quedaba el dedo dolorido de tanto apretar los botones para que saliera el aire y así elevara el susodicho objeto. Además, solían perder mucho el agua, por lo que el juguete se iba al garete. Pero si lo tuyo era otro tipo de habilidad, seguro que has jugado alguna vez a pescar con cañas y peces que tenían imanes. Este juego iba con cuerda, la cual le tenías que dar tú manualmente para que los peces

fueran girando y abriendo y cerrando la boca aleatoriamente, para que así te fuera un poco más difícil el conseguir pescarles. Hoy en día se sigue viendo este juguete, pero ya no es lo mismo y casi nadie lo compra. Para los niños más mayores o deseosos de ser o aparentar ser más inteligentes, en los años 90 el cubo de Rubik era la sensación, pues con este cubo que se dividía en otros tantos a su vez, y que tu amigo de turno te desmontaba y tu debías montar una y otra vez, se te pasaban las horas muertas hasta que lo conseguías. Pero como todo, este tenía su truco también, pues hay una guía muy fácil para aprender a montarlo en menos de un minuto si eres habilidoso. ¿Cuántos de vosotros han conseguido hacerlo, aunque solo sea una vez? Seguro que os entra el gusanillo al leer esto XD De toda la vida se han tenido los soldaditos de plomo, pero en los años 90 era más común tener los soldaditos de plástico. De su verde feo o de su rojo raro, era lo más común , y a pesar de parecer todos iguales, cada uno tenía su postura y su personalidad propia. Sin duda,

era de lo que más se solía tener por casa, y de vez en cuando, te podrías encontrar alguno con medio brazo derretido o sin un brazo o la cabeza. Estos son los gajes del oficio, sobre todo si juegas con lupas o con calor de cualquier tipo. La incursión de las videoconsolas llegaron a las casas de los años 90 a través de las marcas japonesas Atari, y después llegaría la Super Nintendo, ambas para jugar enchufados a una televisión. A partir de ellas se podían coleccionar la infinidad de juegos que se vendían en cartuchos, los cuales eran impresionantes para ser en 8 bits. En imitación a ellas, se crearon las consolas que llevaban dentro de su memoria unos 100 mini juegos con menores gráficos, los cuales eran siempre los mismos, pero que divertían por igual. ¿Quién no recuerda el juego de cruzar a la rana por la carretera o el de pesca? ¿y el del tiro al plato? Pero lo más importante, lo que nos cambió la vida a los niños de los 90, fue la aparición de la primera consola portátil, la Game Boy, aquella consola que funcionaba media hora gracias a 8

TAMAGOTCHI

GAME BOY

pilas AA, con su mini pantalla verde, pero que a todos nos encantaba jugar al Mario Bros con ella. Más tarde aparecería la Game Boy Color y todos si que fliparíamos en colores con ella. Otro tipo de mini-videoconsola era la famosa del Tetris, aquel juego ruso de colocar bloques de diferentes tamaños que enganchaba tanto a mayores como a pequeños. ¿Cuántas horas habremos pasado jugando a eliminar filas y a hacer records? Sin duda, mil y una, o más. A finales de los años 90 aparecería el Tamagotchi, aquel huevo en el que su interior llevaba una mascota virtual que te despertaba en medio de la noche para que le dieras de comer y le cambiaras las cacas. Un verdadero amigo que no te duraba ni 20 días vivo como mucho. Pero bueno, si te crecía feo, siempre lo podías resetear para que te naciera uno nuevo. Pero de los juguetes que siempre llevábamos encima, de los que no nos separábamos y que siempre estaban en nuestros bolsillos, podemos acordarnos de las famosas canicas, ya fueran de cristal o metal, de colores o macizas, ellas siempre nos hacían pasar una

gran tarde, al igual que las peonzas, esas si que eran buenas y no las que venden ahora llamadas Cometa… al igual que el aro infinito, el cual nos hacía echarnos unas risas con nuestros colegas, viendo el aro bajar escaleras como un loco, hasta que se enredaba y ni tu padre el manitas era capaz de desenredarlo. Otro tipo de juguete que solíamos llevar siempre, eran los coleccionables, los que nos regalaban en las bolsas de patatas o que comprábamos en la tienda como los cromos. Los famosos trolls de la suerte, los tazos de todo tipo y colores, las manos locas que se pegaban a todos lados o los gogos, seguro que era de lo que más que teníamos por casa. En relación con el mundo femenino, destacaron, a parte de la Barbi, los peluches de los Osos amorosos, los Pequeños Ponys, que aparecían con todas sus variaciones y colores para que las niñas les peinaran sus largas crines, y los Furbys, aquellos feos osos espaciales (no se lo que es, así que es una definición un poco libre) que era capaz de aprender y adquirir una personalidad propia, es de lo más destacado de esta década, al igual que las Barriguitas o los Pinypon. Esos eran tiempos de juegos y de niños, y no lo que vivimos ahora, pegados al Smartphone para ver que han dicho de mí aquí o allí. Espero que, al menos, un par de vosotros haya podido recordar buenos tiempos leyendo este pequeño recordatorio de nuestra infancia, pues se que hay muy muchos otros juguetes que no he nombrado y que seguro que os marcaron. Quizás aún conservéis alguno y, por lo tanto, os apetezca volver a jugar como se jugaba antes.

POR BEATRIZ PULIDO

MI PEQUEÑO PONY ARO MÁGICO TAZOS

uenos días, tardes o noches, no acostumbro a escribir redacciones, pero el tema de los 90 me pareció irresistible a más no poder, y antes de que pasen 10 siglos más y los niños no recuerden de donde vienen, me parece una buena idea analizar lo que muchos de nosotros vivimos en los 90, nunca se sabe si algún día en algún lugar de la existencia un ser abrirá un cajón y encontrará la explicación al porqué de la humanidad. Mientras tanto cogeré el De Lorean de Doc hasta el pasado, 23 años exactamente, y… ¡Ouch!, tenemos ya más años que la orilla de la playa... Espero que os guste.

Infancia en los 90 Los 90, esa maravillosa década llena de vida dónde aún molestabas a tus padres por aburrimiento y guardabas respeto a los profesores por miedo a quedarte sin recreo. El recreo era un 50% de la preocupación de la época, allí era donde te socializabas con otros iguales, intercambiabas cromos de fútbol de la Panini de cuando Ronaldo aún estaba en forma (imaginaros si ha llovido desde entonces) y te jugabas los tazos, esas pequeñas láminas circulares de plástico. Los recuerdo de varios tipos, los más comunes eran simples y lisos, su peso era ínfimo, luego habían unos de más grosor que incluso resplandecían de la purpurina que llevaban, esos eran más difíciles de conseguir, al menos para mí que al final tomé la determinación de hacerme la colección vía tienda de la esquina. En el recreo de la época también rememoraste los juegos de nuestros padres, pintando con tiza el suelo y saltando de un lado para otro, eran juegos sencillos y con varias personas, hecho que ayudaba en la integración con el grupo, también volviste a relanzar la peonza y el yoyó al mercado. De este último tengo muy buenos recuerdos. La hora de comer se pasaba deprisa pero no menos interesante, si te quedabas a comer al colegio aumentabas más la popularidad por antigüedad y estancia, a veces practicabas bailes que a final de trimestre presentabas delante de medio centro, si tocaba ir a comer a casa porque simplemente vivías a medio paso, cogías tu pesada mochila para regresar unas horas más tarde. El problema de ese espacio de tiempo, a parte de descubrir lo que había en casa para comer, era que tenías que comer al mismo tiempo que ver la Televisión, hacer dos cosas tan importantes a la vez era una labor algo complicada para muchos, puesto que, o intentabas no caer del monopatín de Bart, o de la nube de Son Goku, y claro, ahí entraba en juego la famosa colleja que ahora hace que te rías en lugar de llorar, después de la colleja el asunto pasaba a ser el siguiente, te bajabas de golpe de la nube y te quedabas sin televisión, luego a comérselo todo. De vuelta a clase con pañuelo en mano ibas pensando en lo que te quedaba ya de día. Las horas de la tarde pasaban rápido,

MI INFA LOS

ANCIA EN S 90

claro que si tocaba gimnasia, mejor. Por fin para todo niño llegaba la hora de volver a casa y finalizar el día, o eso era lo que esperabas al llegar, sin embargo, allí te encontrabas con dos cosas, tu familiar más cercano y una tediosa frase, ¿has hecho los deberes?, que se repetía de lunes a viernes cada 10 minutos. Lo más probable era que dijeras sí, pero te acababan cogiendo la agenda y luego te tocaba ponerte a hacerlos a sabiendas de que un mundo lleno de imaginación te esperaba tras una pantalla, y cómo en aquella época la mayoría no tenía internet en el ordenador (el que tenía ordenador) tu padre o madre había tenido la gran idea de llenar una pared de tu cuarto con libros de la editorial Salvat con demasiada información del 1 al 14, (el que había tenido suerte de coger edición corta). Por otra parte tampoco faltaban diccionarios, atlas, y para mi suerte, la enciclopedia encarta, que por aquel entonces, parecía fiable a pesar de no contar con actualizaciones de internet. Una vez hechos los deberes la siguiente acción era dejar todo por en medio para darle al botón de encendido de la televisión y enterarte por fin de lo que se traían entre manos Patricia e Isabel en St. Clare’s, reírte con Garfield y sus amigos, ayudar a Lucky Luke a atrapar a los Dalton, y conocer los misterios del mundo con Beakman. Después de toda una semana de un sin fin de deberes y obligaciones basados en una vida complicada (o eso pensabas), llegaba el fin de semana, y curiosamente, a las nueve ya estabas en pie, tazón de cereales o leche con galletas en mano y a seguir por los mundos de fantasía. Nunca hasta ahora te habías dado cuenta de lo improbable que parece cruzar con vida el campo de fútbol de Campeones, simplemente disfrutabas viendo a Oliver y Benji ganar un partido, aprendiendo a cambiar de actitud con Mark Lenders y soñando con hacer alguna catapulta infernal en el patio del colegio y dejar a todos tus amigos con la boca abierta. Después pasabas a la acción con Spiderman, que emocionante era ser un superhéroe y luchar contra Octopus, hacer de detective al lado de Sherlock Holmes, descubrir los inventos de Doraemon y agotar tus energías antes de empezar el día con Punky Brewster, eso sí, luego más te valía ponerte dos calcetines iguales. Luego te tocaba recoger, era sábado y tu madre lo había bautizado como el día de la limpieza ‘general’, aunque quizás la palabra correcta fuera masiva. Todo por en medio y tu tiempo reducido a limpiar, limpiar y limpiar, para colmo lo peor te lo dejaban a ti, que era tu propia habitación, o leonera como la llamaba tu madre, sacar el polvo de todas esas enciclopedias… A menudo salía una feliz araña a darte los buenos días de entre los juguetes apilados unos encima de otros y lo único que recibía a cambio era un zapatillazo seguido de un grito, nunca has pensado que esa araña te acompañó toda tu infancia, le podías haber puesto un nombre. A todo ello la frase de tu madre era de cajón, claro… ¡Si limpiases tu cuarto más a menudo no te pasaría eso, algún día se te comerán los cocodrilos! Y se

quedaba tan a gusto, luego si tenías pesadillas no fueras a molestar, que te ibas a la cama y encima con otra colleja, por si habías olvidado la del medio día. Las películas eran otro motivo para el insomnio, en esa década los niños se acostaban más temprano, y tu como cualquier niño mortal tenías unos horarios y películas que no podías ver, y más que porque no te dejaran estar más rato de las nueve o diez, sino porque las había anti niños como It (el payaso asesino) de Stephen King, El Silencio de los Corderos, con el Dr. Hannibal Lecter como protagonista y voluntario para comerse una parte de ti en mitad de tu sueño, y hacer que no durmieras durante 3 días seguidos, o películas salidas en los 80 que resonaban aún en los 90, cómo Depredador (que particularmente me horrorizaba y hasta ser mayor no pude ver el final, todos tenemos traumas infantiles, el primer paso es reconocerlos…) Pero como todo lo malo tiene un lado bueno, también tenías películas para darle rienda suelta a tu parte aventurera, ¿quién no ha salvado Fantasía con Fujur y Bastian?, o a tu parte romántica, pensando porque tu madre tenía los ojos llorosos después de ver Ghost. Estoy segura de que tú también te pusiste de los nervios cuando cogiste el teléfono y escuchaste, Simon dice, hasta McClane se puso nervioso, y mira que tiene entereza… Por otra parte aprendiste que está bien mantener el equilibrio económico en el mundo y que tampoco es tan malo robar a los ricos para dárselo a los pobre, eso dijo Robin Hood, el príncipe de los ladrones. No te engañes, viviste momentos de todo tipo, pasaste angustia con McClane, pero también estuviste de cachondeo con Axel Foley y Serge, bailaste con lobos, liberaste a Willy, viviste el retorno de las brujas, lloraste la muerte de Mufasa, pero miraste más allá de lo que ves y encontraste la penicilina con Balto, descubriste la amistad con Colmillo Blanco, el amor con La Bella y la Bestia y aprendiste a quedarte sólo en casa. Y en todo ese tiempo, la fuerza te estaba acompañando. Así que no puedes quejarte de no haber aprendido nada. En cuanto a la moda de la época seguro que no quieres recordar demasiado, pero te diré como recuerdo yo mi ropa, era una mezcla que seguro te sugiere familiaridad, una mayas o pantalones con terminaciones elásticas que acababan bajo el pie, para que aunque te arrodillaras no se te saliera el pantalón, eso sí, probablemente los rompías de la rodilla ya que si tu fueras el pantalón, necesitarías de alguna zona de desahogo, lógico, pero para eso existían las entrañables rodilleras de trapo, con dibujos pintorescos. A parte de todo eso, la decoración de la ropa era muy a topos y colores ñoños, si se me permite la expresión, gafas de culo de botella, hombreras… ¡y tu madre creía que eras lo más bonito del colegio!, cuanta maldad, cómo ibas a convertirte en algo grande de adulto con esas pintas… ¡Y llegó la navidad, y llegó el calvo! De la navidad de los 90 poco se puede decir, sigue siendo idéntica en casi todos los

aspectos, lo postizo del asunto, los arbolitos, luces, la bondad pasajera, sólo que en esa etapa de tu vida eras ignorante y todo te parecía real, los arbolitos, luces, la bondad pasajera… La ilusión de los regalos por la mañana borraba toda sensación de postizo, ¡juguetes, juguetes!, el resto del mundo se mantenía solo en equilibrio cuando eras un niño, bendita inocencia. Recordarás la sensación de euforia que te recorría el cuerpo cuando cantabas con tu televisión la canción de Suchard y pensabas al oír anunciar el lobo, ¡qué gran turrón, que gran turrón! Aunque seguro que cada navidad, te preguntabas como yo quien eran esas muñecas que llevaban cuarenta años dirigiéndose al portal, ¡cuán lejos estaba el portal…! Y llegó la gala de los santos inocentes, especial de navidad, muchas risas con los famosos y las bromas presentadas por Juan y Medio, que tío. Por supuesto no me voy a olvidar a los camellos y pajes, ¿tanta compañía para 4 paquetes?, invertíamos más en pan y en vino que en regalos, eso sí del vino el rey se acordaba cada año, el camello no parecía estar muy contento con su pan, así que al año siguiente le puse una mandarina, no sé qué harías tú, pero a mi camello le gustó… y volvió a casa por navidad. Después de casi un año de estudios, por fin las vacaciones se hacían presentes en tu vida, pero por suerte tuya, tus padres te querían tanto, que para compensar la falta de tacto en la ropa y el futuro laboral que eso conllevaría, te compraron cuadernos para que estudiaras en el único periodo de libertad que tenías a lo largo del año, vacaciones Santillana, ¿a alguien le suena esa palabra?, te pasaste las vacaciones maldiciendo a Santillana y a toda su familia… Durante las vacaciones, al menos pudiste escuchar música de tanto en tanto, en esa mini cadena que te habían traído los reyes, así que cómo lo que sonaba en la época era eso, pues metiste el cd de Backstreet’s back y la canción Everybody a todo volumen y a estudiar, siempre podías cambiar el cd por alguno de Britney o de Tupac dependiendo del estado de ánimo. En los 90 hay dos cosas que te molestaron profundamente, una fue el cambio de las Pesetas a Euros. La otra, que grandes juegos pasaron a la historia por el avance de las videoconsolas (algo más tenías que hacer en vacaciones). En aquel entonces jugabas a NES (Nintendo entertainment system), con esos mandos tan rectangulares y característicos, y luego de repente te la cambiaron por su versión nueva, la SNES (Super Nintendo bla bla…), cada clásico, cada obra maestra y reliquia salió de esas dos consolas, pero Sony Playstation contratacó, y luego no te quedaron euroconectores para tanta videoconsola y buenos juegos… Te mordiste las uñas pero te deshiciste de las consolas antiguas, tomaste una decisión, y supiste entonces que ese era el fin de los 90.

POR LILY

Oh, mi amor, amada mía, hambriento estoy de tus caricias. Durante largo tiempo te aguardo en soledad, y el tiempo pasa tan lentamente, y el tiempo puede hacer tanto, ¿Eres todavía mía? Necesito tu amor, necesito tu amor. Así rezaba la letra de la canción, la de la famosa película del fantasma enamorado protagonizada por el prota de Dirty Dancing (que por cierto, creo que ahora ya está muerto de verdad) y de la ex-mujer de Bruce Willis (de ese, por supuesto, si que recuerdo el nombre). Pues bueno, como os iba diciendo, la letra de la canción decía más o menos eso, y así me sentía yo también al verla a ella, tan cerca y, a la vez, tan lejos. No he elegido ese tema en concreto por casualidad pues mi situación, en mucho, se parece a la de la película: también soy un fantasma. Es curioso como cambian las cosas cuando estas muerto. La palabra más adecuada para describir mi estado sería “confusión”. No es como en la película de “El sexto sentido” en la que los fantasmas no saben que están muertos, yo estoy seguro de ello, solo que no recuerdo como sucedió. También tengo borrosas muchos recuerdos de mi vida, pero otras cosas, como películas, libros o canciones permanecen frescos y claros en mi cabeza (o lo que sea que tengamos los fantasmas para pensar). Mis sentidos también han cambiado. Si no me paro a pensarlo, no parece haber diferencia alguna, incluso soy capaz de verme a mi mismo en los espejos, pero si me fijo un poco, todo es muy distinto, mucho más profundo y, a la vez, más confuso. Ya no huelo, oigo ni palpo, tampoco estoy seguro de que vea, ahora percibo, que es algo mucho más amplio, pues no está, para nada, limitado a la direccionalidad de mis viejos órganos sensitivos. Por eso mismo, fue una extraña sorpresa descubrir que aun poseía libido (y no os hacéis ni idea de cuanta), a pesar de mi incorporeidad. Lo descubrí nada más posar mi mirada en ella, mi amada, mi antigua mujer. Digo antigua, porque, al no conservar recuerdo alguno sobre mi muerte, tampoco sabía cuanto tiempo hacía de ella, ni del estado de nuestra relación en el fatídico momento, pero estaba seguro de nuestra relación anterior, de que había sido

LA SOM DEL A

Historia inspirada más...) POR TONI SE

MBRA AMOR

a en Ghost (y algo ERRANO MARTÍNEZ

extremadamente intensa y de que necesitaba, con todo mi ser, volver a poseerla (nunca mejor dicho, dado mi fantasmal estado) Es por eso que la miraba ahora desde la ventana, porque dudaba de que hacer. Mi memoria como fantasma tiene tantas lagunas como mis recuerdos con vida, por eso recuerdo que hace muy poco estuve aquí como fantasma pero no recuerdo exactamente cuando. Recuerdo que entré a verla pero no lo que pasó a continuación. Recuerdo que algo salió mal pero no muy bien el que. Lo único de lo que estaba seguro era que deseaba volver a entrar, y eso me disponía a hacer. Solo la observaría un instante más desde fuera. Finalmente decidí entrar. Fue más un impulso que una decisión, así que dicho y hecho. No es una manera de hablar, deseé entrar y me materialicé directamente dentro de la casa, sin apenas proponérmelo. Me asusté hasta yo, llegando a golpear uno de los numerosos jarrones de mi pareja y lanzándolo contra el suelo. Rápidamente corrí a esconderme (aunque no tenía muy claro si, como fantasma que era, era invisible a sus ojos. No salí de dudas de aquello, pues nadie acudió a ver el origen del ruido. Azucé el oído o mi percepción y solo escuché el continuo ruido de una cascada de agua; la ducha, oportuna para ocultar mis ruidos, vital para indicarme en que parte de la casa se encontraba mi amada y magnifica para adelantarme la faena de desnudar a mi presa. “¡Mi presa!”, aquella manera de pensar en mi mujer me desconcertó y aborreció a partes iguales. “Mi presa no, mi querida y dulce esposa. Que no se me olvide” Pues lo dicho, que fui en busca de mi dulce esposa, a rondarla con todo mi amor espectral. Me apreció escuchar que hablaba con alguien cuando me aproximé, y la vi dejando un móvil sobre el toallero des pues de sacar una toalla de él y enrollársela por todo el cuerpo.

Aunque lo cierto es que no sabía muy bien a que. ¿Que tenía que hacer? ¿Presentarme ante ella primero? ¿Hablar con ella o abalanzarme lujuriosamente sin avisar y dejarse llevar por la pasión? A veces el sexo es el mejor lenguaje pero ¿Que clase de sexo puede practicar un fantasma? Mientras pensaba en estas cosas,

en todas ellas a la vez, la seguí con suma cautela hasta el dormitorio. De todas aquellas opciones que contemplaba, tuve que llevar alguna a termino la vez anterior, la que salió todo mal, y no quería que aquello se repitiera. Finalmente decidí ser sutil pero contundente. Ella se había desnudado y se untaba, concienzudamente, crema hidratante por todo el cuerpo. Con paciencia, me coloqué tras ella, esperando el momento oportuno. No sabía como conseguía hacerme invisible a sus ojos, pero parecía que solo con proponérmelo bastaba. Tras varios frotes en sus glúteos y demás zonas bajas, se decidió a ponerse la crema en hombros y espalda, y fue cuando decidí intervenir. Mis manos se mezclaron con las suyas en el continuo masajeo pasando desapercibidas durante un buen rato. No se me ocurrió una mejor manera de romper el hielo. No me detuve y, finalmente, empecé yo también a sentir los placeres del contacto carnal pese a no tener un cuerpo físico con el que hacerlo. La famosa frase “todo es algo psicológico” me vino a la cabeza pero, un fantasma, al no tener un cerebro físico, ¿Tenía acaso algo de psique en él? Es igual, el caso es que disfruté del roce de su piel y aquello me delató, pues continué con mi labor, embelesado, cuando ella paró de hacerlo. Para mi sorpresa, apenas se sobresaltó. Un ligero temblor general fue su único gesto, para luego, dejarse llevar por la experiencia, tanto o más que él. ― Si, cariño. Sigue ―dijo ella en tono algo más candente que el sensual. Una cosa estaba clara entonces: Sabía que estaba allí, sabía quien era yo y le gustaba. Me pregunté durante unos instantes que pude hacer la noche anterior para estropearlo todo, pero aquella duda se difuminó ante la posibilidad de poseer de nuevo a mi amada. La postré sobre la cama y la besé con fuerza. En este punto, no puedo asegurar del todo si era invisible o no. No estaba por la labor de pensar en ello y ella parecía poder verme bien o disfrutar de su ausencia de presencia visual. De cualquier modo, continué con mi labor como si nada, intensificando toda mi actividad, toda mi lujuria y toda mi fuerza. Ella también se dejó llevar por la pasión y yo subí aun más el ritmo. ¡Maldita muerte! Era una putada haber muerto teniendo una mujer como aquella, pero menos es nada y hacerla mía, como espíritu, tampoco estaba tan mal.

Cuando me di cuenta, me encontré, no solo llevando las riendas de la acción, sino que ella se estaba dejando llevar completamente y que, paulatinamente y sin darme cuenta, había ido incrementando la violencia de aquel acto, hasta llegar a estar apunto de pegarle. En aquel instante me detuve. No por asco de mi mismo, sino preguntándome a mi mismo si era eso lo que yo quería, pues apenas me acordaba de mi o de ella. También me asaltaba la duda de si ella pararía al pasarme de violento, y aquello me sorprendió, pues delató que primaba en mi el deseo sexual que el bienestar de mi amada. Tampoco es que me importara mucho. Lo cierto es que me apetecía ponerme algo violento y ver hasta donde llegaba la cosa. Si a ella le molestaba, podía ejercer su derecho de quejarse, aunque tampoco estaba muy seguro de parar aunque ella me lo pidiera. Justo cuando me dispuse a incrementar la fuerza, un golpe seco, el de la puerta de entrada al romperse y caer, resonó por todo el piso. Tras ello, varias voces de hombre que parecían estar sincronizándose, empezaron a oírse, avanzando hacia nosotros por el pasillo a ritmo casi de carrera, acompañados por el hueco sonido de las pisadas sobre el parqué. Me giré hacia la puerta y les miré. Eran cuatro hombres, vestidos con una especie de monos de trabajo de color gris con los nombres grabados en la pechera y algún tipo de equipo de fumigado moderno colgando de sus espaldas. En ese punto exacto, estoy seguro de que ya era visible pues, a pesar de no ver rastro alguno de miedo en los ojos de los cuatro hombres, estaba seguro de que miraban a mí, y no a la mujer desnuda que tenía tras de mi (bueno, con uno de ellos, el que llevaba el nombre de Venkman grabado en el mono, no estaba seguro del todo) Finalmente, cuando los cuatro me apuntaron con alguna especie de manguera que salía de sus mochilas, no me quedó duda alguna de que habían venido a por mi. ― ¿Que pretendéis hacer con eso? ―dije con más curiosidad que rabia― Acaso no os dais cuenta... ― ¡Atrapadlo, por lo que más queráis! ―gritó mi mujer interrumpiéndome y echándose a correr hacia la puerta de la habitación que daba al baño. Aquello me desconcertó completamente, e

hizo que no me percatara de nada hasta que no fue demasiado tarde. Tan solo pude girarme hacia los cuatro desconocidos tras escuchar una especie de chasquido eléctrico y observar unas ráfagas de luz que emanaban de ellos y que impactaron contundentemente contra mí, arrastrándome hacia una fuente cegadora de luz. Tras ello, se hizo la nada, el vacío y la soledad más absoluta. De alguna manera, perdí el conocimiento. Cuando volví a abrir los ojos, me encontré de nuevo en el salón de mi casa. Esta vez lo reconocí de inmediato y, poco a poco, una sombra parecía ir despejándose en mi cabeza, como prediciendo que, en breves, recobraría gran parte de mi lucidez. Entonces miré a mi alrededor y me sentí pequeño y enjuto. Me encontraba en mi salón, sin duda, pero sobre la reprisa de mi chimenea, como si estuviese atrapado dentro de algún tipo de recipiente translucido, y frente a mí tenía a mi mujer y a uno de los hombres que me habían atacado, uno en cuyo mono se veía bordado el nombre de Spengler , dándole alguna especie de indicaciones de funcionamiento. ― Y recuerde ―dijo el hombre― la trampa translucida doméstica tiene una autonomía de dos horas sin estar enchufada, pero conviene que no la desenchufe nunca si no es estrictamente necesario. Tenga en cuenta que, si la trampa pierde potencia el espectro podría escapar y no creo que le guarde demasiado cariño después de haberlo atrapado. ― No mostraba ningún tipo de cariño estando vivo, muerto no esperaba mucho más de él. Al menos así lo tengo controlado yo a él ― le contestó mi mujer. El hombre asintió comprendiendo de inmediato las palabras de mi mujer y, tal y como había estado esperando, la epifanía se hizo presente en mí y empecé a recordarlo todo. Mi violencia no se limitaba solo al plano sexual, era algo habitual en mi. Durante años me dediqué a maltratarla y a humillarla hasta el punto que cualquier otra mujer se hubiese quitado la vida. Sin embargo, fue ella quien me la quitó a mi, con un veneno inmediato, mucho más compasivo de lo que me merecía. Sin embargo, la cosa no acabó ahí pues, como fantasma, pese a mi amnésica confusión, había continuado con mi tediosa tortura siguiendo alguna especie de instinto o rutina de sociópata pero, de nuevo, ella supo reaccionar y llamar a aquella especie de profesionales para que lo atraparan.

Tras darle una especie de tarjeta de visita en la que salía el logo de un fantasma bajo el símbolo de prohibido sobre las letras “Cazafantasmas”, el hombre se despidió y mi mujer se quedó mirando al puerta unos instantes. Luego se dio media vuelta, hacia mi pequeña prisión y acercó su rostro para que pudiera ver su tétrica sonrisa bien de cerca. ― Por fin, pedazo de cabrón, soy yo quien te tengo en mis manos ―me dijo ella en un tono que mezclaba el júbilo con la locura― Y no pienso soltarte nunca, ni aunque la muerte nos separe.

EL CINE D DÉCADA DE L Todo cinéfilo tiene su momento de no retorno, una época de máximo entusiasmo y fervor hacia el Séptimo Arte que le infecta para siempre, la picadura es mortal, y suele producirse en la edad núbil, cuando somos más sugestionables y buscamos configurar nuestro carácter, a la vez que encontramos ya signos de evidente madurez Como muchos de vosotros recordareis, hace unos formal. meses, os ofrecimos el cine de los 80, y entablamos Para un nacido al borde de los 80, como es mi caso, un vibrante combate entre lo comercial y lo clásico, esa explosión de luz y color se produce a principios desgraciadamente esa batalla no tiene sentido en de la década de los 90, con edad suficiente para los 90, porque como ya anticipamos entonces, los escapar a la sala oscura, el cine se convierte en mi extremos se han aproximado tanto, que es absurdo segundo hogar, a su universo fílmico arrastro a hacer distinciones entre los títulos, eso si, lo que conversos e incautos por igual, tal es mi pasión no vamos a renunciar, es al estilo editorial que nos por aquellos títulos que más me sorprenden, que caracteriza. un solo visionado no basta para saciar mi apetito, y me veo obligado a encontrar aliados con los Escogemos por tanto, y cronológicamente, las que esquivar la soledad al revisitarlos, aunque diez cintas más representativas de cada año, las reconozco que en más de una ocasión, acudo sin reseñamos, y como es obligado, iremos ensalzando la mejor de todas ellas, siempre bajo el criterio de más compañía que mi voluntad. quien os escribe. Bajo ese contexto, será mucho El cine de los 90 representa una evolución más más sencillo introducir las anécdotas y eventos dinámica que su década pretérita, los contenidos más significativos acontecidos en la década, se estilizan y los argumentos se presentan frescos entrados en materia, todo fluye de manera natural, y pulidos, los autores más consagrados mantienen y resulta mucho más comprensible y ameno. su poso de sobriedad característico, pero se adaptan perfectamente a los nuevos vientos que Como aviso antes de empezar, estoy seguro que soplan, el gusto por el cine criminal, indiscutible echareis en falta más de un título, pero esto no genero estrella, adquiere una nueva dimensión es una democracia, en mi ánimo está el poder con la aparición de genios como Quentin satisfacer a la gran mayoría, pero tampoco me Tarantino o David Fincher, que añaden sus preocupa en exceso, citando a un sabio llamado nombres a los clásicos de siempre, los Scorsese, Woody Allen: “No se la clave del éxito, pero se que Woody Allen, Coppola, que mantienen su pulso la clave del fracaso, es intentar complacer a todo el firme y nos siguen regalando momentos de mundo”, amén maestro, procurare como siempre, ser fiel a mis principios. excelsa notoriedad.

DE LA LOS 90 El año que dos mitos de la talla de Ava Gardner y la divina Greta Garbo nos dejan, el idilio con el público sigue incorruptible tras los prodigiosos 80. 1990 es el año de taquillazos como “Pretty Woman” o “Ghost”, y también de “Bailando con lobos”, la gran triunfadora en los Oscar, ninguna de las tres tiene espacio en nuestro listado. Empezamos fuerte, Scorsese, Lynch, Coppola, Los Coen, casi nada. UNO DE LOS NUESTROS Martin Scorsese regresa, finalizado su periplo diversificado de los 80, a lo que más le gusta, el cine de mafiosos, a golpe de cámara furibunda, como una patada en la boca del estómago, tal es su agresiva propuesta narrativa, aunque todo luce más depurado que en el cine anterior del maestro, gracias a una puesta en escena adecuadamente estilizada. Robert De Niro, actor fetiche del director por entonces aún en estado de gracia, arropado por un Ray Liotta correcto y sobre todo, por un descomunal Joe Pesci, que se llevaba de calle el Oscar a mejor actor de reparto con su papel de Tommy, justamente el mismo año que triunfaba con el papel de ladrón patoso en “Solo en casa”, otro de los taquillazos del año. Para los que duden de la maestría de Scorsese, que analicen el equilibrio de “Goodfellas”, título original de la cinta que nos ocupa, una Obra Maestra que transita con total naturalidad entre el cine comercial y de autor, germen

y base angular reverenciada por los jóvenes realizadores que surgen a lo largo de la década de los 90, y que toman el género criminal como incuestionable referencia en sus primeros trabajos. La crítica la eligió recientemente como una de las mejores películas de los 90, sin duda, y como podría decirle cualquier cinéfilo a Scorsese, todos queremos ser uno de los vuestros. CORAZÓN SALVAJE El Mago de Oz, convertido es una salvaje road movie bajo la mirada demente del maestro David Lynch, justo el mismo año que también sacudía

para siempre las normas de la televisión con la visionaria Twin Peaks, un doblete tremendo, que le consagraba definitivamente como uno de los creadores indiscutibles del cine moderno.

Del caramelo envenenado que Francis F. Coppola hizo a su hija Sofia, que interpreta a Mary Corleone, mejor correr un tupido velo, curiosamente una decisión de última hora, pues era Winona Ryder la elegida para el papel, desgraciadamente, la actriz Protagonismo para Nicolas Cage, que se hace abandono al principio del rodaje por agotamiento. con uno de sus primeros papeles protagonistas, con resultado convincente, bien apoyado por un Con todo lo dicho en contra, hay que reconocerle Willem Dafoe espléndido como Boby Perú. méritos a esta tercera entrega, que contiene momentos memorables, como son sus intrigas Con Lynch no hay termino medio, o te zambulles en Vaticanas o su parte final, podemos rabiar en su universo de caos y personajes emocionalmente contra de ella, pero al final hemos de reconocer destrozados, o todo te parecerá un enorme una verdad indiscutible, que nos encanta saber montón de basura sobrecargado e insoportable, más de la familia Corleone, será el talento de personalmente, su cine me parece una gozada, Coppola, que es infinito. pleno de energía y macabra originalidad, siempre beneficiado de su compositor de cámara, el gran Angelo Badalamenti, cuyas notas perturbadoras REGRESO AL FUTURO III se ajustan como un guante a la naturaleza destructiva y anárquica del maestro. Otro cierre de trilogía, y al igual que con El El film se alzó, merecidamente, con la Palma de Padrino, la más floja sin duda, en este caso Oro en Cannes. nuestros viajeros del tiempo se trasladan al salvaje oeste y la cosa pierde encanto. El PADRINO III

Dichos síntomas de agotamiento, que son evidentes, quedan compensados con el grato entretenimiento que supone acercarse a sus Francis Ford Coppola cierra su trilogía imperial, imágenes, al final, el film de Robert Zemeckis se una de las Biblias del cine, y algunos dirán con erige como uno de esos títulos que todos hemos razón que es palabra de Dios, directamente. visto un montón de veces, gracias a su sencillez y el entusiasmo vital que trasmite. Igualmente cierto es, que este último film no aguanta la comparación con sus hermanas Lo mejor, los paralelismos entre las tres cintas, mayores, se acusa en exceso la distancia temporal, que nos llevan a detalles de guión bien trabajados, y al mismo tiempo se nota en parte eso que decía concretamente en esta entrega, casi todo queda Robert Duvall, que rechazó participar en ella lógicamente supeditado a su relación con la alegando que los implicados solo la hacía por segunda parte, de la que recoge un detalle final, dinero. que hará las delicias de los mejores amantes al Western, intensificado por el hecho de que Quizá le pese también la falta de unos secundarios Marty - J. Fox - se bautice con el nombre de Clint más poderosos, Eli Wallach y Raf Vallone son Eastwood, uno de los incontestables iconos del buenos actores, pero no de la altura de los Sterling género. Hayden o Lee Strasberg de entregas pretéritas. En esa linea, la evolución del personaje de Michael Su escena final es lamentable, indigna de tan Corleone tampoco parece la más ideal, echamos excelente saga. de menos mayor grado de mala leche y menos caricaturización de Al Pacino.

MUERTE ENTRE LAS FLORES

hasta su conclusión, y que contiene una Banda Sonora sublime, firmada por el maestro Basil Poledouris, elementos que convierten a La Caza Los hermanos Coen, Joel y Ethan, ya habían del Octubre Rojo, en la mejor cinta de su especie llamado la atención en su debut con “Sangre jamás rodada. Fácil”, en 1984, pero con esta, su tercera película, comenzaron a reclamar su espacio en la eternidad. DESAFÍO TOTAL Muerte entre las flores, es la reinvención de un género, el de cine negro, trasladado a un universo peculiar, lleno de obsesiones y plena originalidad, Hubo en tiempo, no tan lejano, en que Paul toda una Obra Maestra, deslumbrante, ejecutada Verhoeven era sinónimo de garantía dentro del con enorme destreza y que marca un antes y cine comercial de calidad, aún le quedaban un un después en el cine moderno, en cuanto a la par de ases en la manga a principios de los 90, y importancia que sus enormes autores aportarán Desafío Total es uno de ellos. al Séptimo Arte, desde este momento. Basado en la novela del visionario escritor de Mención aparte para lo que más tarde ciencia ficción Philip K. Dick, que traslada su denominaremos como actores Coen, Steve acción a un futuro cercano, donde el planeta Buscemi y John Turturro, los más destacados, Marte ya ha sido colonizado, el film de Verhoeven secundarios de lujo para Gabriel Byrne y el gran se construye como vehículo de lucimiento para Albert Finney, que se sale en su papel de jefe Arnold Schwarzenegger, pero en ningún momento mafioso. renuncia a su vocación de resultar superior, y lo consigue por la implicación del gran realizador La Banda Sonora de Carter Burwell, soberbia, holandés, que ya lo había bordado apenas tres como casi siempre. años antes con la magnífica Robocop. Mención aparte para los FX de Rob Bottin, LA CAZA DEL OCTUBRE ROJO curiosamente, la cinta fue la única nominada del año en los Oscar, por lo que lo obtuvo sin ninguna oposición, haciendo justicia a uno de los grandes La primera adaptación de las aventuras del agente creadores en ese terreno. Jack Ryan al cine, escritas por Tom Clancy, tiene la enorme fortuna de caer en las manos de John MISERY McTiernan, firme candidato al título a mejor director de cine de acción de la historia del cine. Prácticamente todas las novelas de Stephen King han sido adaptadas Cine de submarinos, en los últimos coletazos de la al cine, pero son pocas las que Guerra Fría, que se beneficia del protagonismo de realmente merecen la pena, Sean Connery, como capitán del navío ruso que el competente director intenta la deserción, y que roba todo el interés al Rob Reiner, se hace personaje de Ryan, interpretado por Alec Baldwin. cargo de esta historia, Primorosamente filmada, con un montaje más de soberbio, que mantiene la tensión y el interés

suspense que de terror, sobre una fan obsesiva a la que el destino entrega a su idolatrado escritor en bandeja, y triunfa con su sobriedad y modestia, explícito pero elegante, lo que la historia requiere. Kathy Bates se alzó con el Oscar a mejor actriz por su soberbio trabajo, sufrimos por Paul Sheldon, correcto James Caan, pero nos solidarizamos con Annie, porque dentro de todo cinéfilo, existe algo parecido a esa oscura tendencia que experimenta su personaje, con respecto a nuestros más idealizados iconos del planeta cine. La escena del martillo nunca dejará de ponernos los pelos de punta.

CYRANO DE BERGERAC Uno de los mayores éxitos del cine francés, adaptación teatral de la novela del mismo nombre y dirigida por Jean-Paul Rappeneau. Ambientada en el S.XVII, cuenta las aventuras de Cyrano, soldado y poeta, enamorado de su prima Roxanne, pero incapaz de transmitirle sus sentimientos por la vergüenza que le provoca su fealdad. Un Gerard Depardieu majestuoso devora la pantalla, seguro parecía su Oscar a mejor actor, pero un escándalo de prostitución en el país vecino, en el que se vio implicado semanas antes, desvió los votos hacia Jeremy Irons, que se lo arrebató por El misterio Von Bülow. Un titúlo mágico, tan hermoso como triste, con 1991 una narrativa verbal sorprendente. Otro año de buen rendimiento en taquilla, de las que no veréis en la lista, funcionan bien “Hook, el capitán garfio”, una basura intragable del bueno CAZADOR BLANCO, CORAZÓN NEGRO de Spielberg, o “Llamaradas”, por primera vez en la historia de los premios Oscar, una película de Clint Eastwood es el más claro deudor del cine animación se cuela entre las nominadas a mejor de John Huston, en la búsqueda de ese poso de cinta del año, es “La Bella y la Bestia” de Disney, extrema sobriedad clásica, ambos autores se que por suerte no gana. encuentran por obra y gracia de este trabajo, en el que Eastwood rememora y se calza la figura del mítico realizador de La Reina de África, EL SILENCIO DE LOS CORDEROS justamente hablando del rodaje de la misma. Los nombres están cambiados, pero la historia es verídica, y es que Huston es el Hemingway del cine, un tipo capaz de convencer/engañar a un estudio para rodar en el continente negro, cuando su único pretexto real es ir a cazar elefantes y emborracharse con su amigo Humphrey Bogart.

Si los 90 pertenecen al thriller criminal, estamos ante su mejor exponente, piedra angular y guía de ruta obligada y reverenciada a partes iguales.

La gloria para Jonathan Demme, que sin artificios, con una dirección incomoda y tremebunda, deja boquiabierto al espectador, que asiste encantado El film fue un fracaso en taquilla, a veces pasa con al placer de cazar a un psicópata, utilizando a otro peliculones de este calibre, es demasiado cinéfila, que todavía es peor. para recuperar el favor de la Warner, Eastwood se comprometió a rodar un film taquillero, El Mención especial también para Jodie Foster, que Principiante, el siguiente título en la filmografía aceptó un papel que muchas actrices rechazaron de uno de los últimos grandes y genuinos por lo truculento de la propuesta, y para Sir Anthony Hopkins, que desde la contención, nos realizadores norteamericanos. deja un Doctor Lecter para la leyenda, radiografía viva del miedo transformado en mirada gélida, impenetrable, sublime.

El Silencio de los corderos tiene además una medalla de oro, ya que supone el tercer repoker de la historia de los Oscar, cinco estatuillas en las categorías más importantes, Película, Director, Actor, Actriz y Guión adaptado, solo “Sucedió una noche” y “Alguien voló sobre el nido del cuco”, lo habían logrado antes.

ROBIN HOOD, PRINCIPE DE LOS LADRONES

TERMINATOR II: EL JUICIO FINAL

Una nueva versión de Robin Hood, se antojaba como un proyecto confiable en lo comercial, la cuestión era saber si resultaría interesante como película en si, y sin ser ninguna maravilla, el film de Kevin Reynolds cumple en su compromiso con lo espectacular, contiene una cuidada puesta en escena, una excelente BSO de Michael Kamen, y un gran reparto, donde destacan Morgan Freeman y Alan Rickman.

Siete años después de Terminator, James Cameron vuelve a su presente sacudido por los cyborgs viajeros del tiempo, y el cambio de aspecto le sienta de maravilla.

La estrella de Kevin Costner a principios de los 90, centelleaba con un fulgor que pocos podían sospechar que se apagara en un futuro, en esa posición de privilegio, cualquier proyecto que contaba con su participación era sinónimo de éxito.

Si la cinta original había costado siete millones de dólares, en esta secuela, el presupuesto se dispara a los cien millones, pero cuando detrás de todo Atentos al final, momentazo en el que descubrimos ello, hay un maestro de la talla de Stan Winston, la identidad del actor que da vida a Ricardo que en paz descanse, la magia siempre va a estar Corazón de León. presente independientemente del dinero que se maneje, los cuatro Oscar, a mejores efectos visuales, sonido, maquillaje y efectos sonoros, dan buena cuenta de ello. El salto técnico que Winston presenta es abismal, desde que el maestro Harryhausen ejecutara los F/X de Jasón y los Argonautas a principios de los 60, no se había visto nada igual, si a esto añadimos que es la película que todos hemos visto un millar de veces, queda claro que estamos ante una de las películas de los 90 sin ninguna discusión. Cameron justifica su discurso como director, volviendo al tema que prácticamente monopoliza su filmografía, el ser humano superado por la tecnología que el mismo ha creado. Larga vida al T-1000, esa polialeación mimética que se las hace pasar canutas al T-800 interpretado por Schwarzenegger, que en esta ocasión, hace de protector.

EL CABO DEL MIEDO

BUGSY

Resulta curioso que, justamente la película que Martin Scorsese no quería hacer, sea una de las más conocidas y admiradas de su filmografía, afrontar un remake no atraía lo más mínimo al realizador, que solo cedió finalmente por la insistencia de Robert De Niro.

Barry Levinson es un director que no trago, creo que ha tenido la enorme fortuna de encontrar excelentes proyectos, a los que apenas a aportado nada más allá de lo que el guión ya ofrecía previamente.

El film es una nueva versión de “El cabo del terror”, de J. Lee Thomson, estrenada en 1962, protagonizada entonces por Robert Mitchum y Gregory Peck, Scorsese exige y convence a ambos actores para pequeños papeles, impone la genial BSO de Bernard Herrmann para la original, y no contento solo con usar al compositor predilecto de Hitchcock, rueda el film como si una película del maestro se tratara, cambiando por completo la concepción y el fondo del film primigenio, y superado con creces la calidad del aquel.

En ese punto, Bugsy se erige como su mejor trabajo, y no me cabe duda que el concurso de Warren Beaty, auténtico artífice del proyecto, tiene mucho que ver en que a Levinson no se le vaya la mano, y la cinta luzca sobria y acompasada. Beaty es Bugsy Malone, un gángster ególatra, en extremo narcisista pero encantador, que un dia tiene un sueño, construir una ciudad en el desierto llena de salas de juego, lo que hoy conocemos por Las Vegas.

Un film apasionante y lleno de encanto, con un De reparto, De Niro cumple sobrado con su reparto de lujo, nada menos que Harvey Keitel, papel de psicópata acosador de la familia de Sir Ben Kingsley y Annette Bening, con la que su antiguo abogado, un Nick Nolte siempre Beaty inició un romance que dura hasta la fecha. solvente, acompañado de una de las grandes actrices americanas, la bellísima Jessica Lange, Destacar la BSO del maestro Ennio Morricone, pero la sorpresa está en Juliette Lewis, su papel una de sus mejores composiciones, lo que son de Lolita es espectacular, y permite profundizar palabras mayores. en ese oscuro aspecto sexual que se produce entre cazador y presa, sin duda, lo mejor de la película en su apartado argumental. JFK Oliver Stone radiografía el magnicidio más

importante de la historia de los EE.UU con antes de repetir vestidos de negro para Tarantino, permiso del asesinato de Lincoln, y convierte la y un jovencísimo Brad Pitt, que volvió locas a las féminas de todo el planeta, marcando culo con paranoia conspirativa en arte. unos vaqueros ajustados. John Williams pone la música, nada menos, el reparto es descomunal, parece que ningún actor Si se le puede reprochar algo al film de Scott, de Hollywood quería perderse la cita, y en ese es dulcificar el tono de la relación entre las punto, atentos a la aparición estelar y reveladora protagonistas, pues su evolución indica claramente de Donald Sutherland, su personaje da la mejor una historia de amor más profunda, por desgracia, clave sobre el más que probable complot contra la el amor lésbico, y por extensión el homosexual, apenas tiene presencia en el cine norteamericano. vida de Kennedy. Capitulo aparte merece su montaje, a cargo del italiano Pietro Scalia, posiblemente, el mejor que BARTON FINK se pueda encontrar en una película, digno de La Palma de Oro en Cannes de 1991 pertenece a enseñarse en las escuelas de cine. los hermanos Coen, en su versión mas alucinada y Kevin Costner, que nunca ha estado mejor, toma el protagonismo del fiscal Jim Garrison, que impulso el único proceso judicial por el asesinato de Kennedy, Stone intenta hacernos creer que fue algo espectacular, cuando en realidad no paso de meramente anecdótico, pero oye, esa es precisamente la magia del cine. THELMA Y LOUISE Una excitante road movie convertida en el film feminista por excelencia, los hombres no salimos muy bien parados, pero hay que reconocer parte de verdad en su discurso y ponerse del lado de sus heroínas, una Susan Sarandon y Geena Davis soberbias, que cumplen sobradamente con la dificultad emocional de sus papeles. Se puede considerar el último trabajo destacable de Ridley Scott, que entró en barrena en los 90, y tampoco recuperó demasiado con el nuevo milenio. En el reparto, destacan Harvey Keitel y Michael Madsen, apenas un año

y alucinante, pues Barton Fink es un film sombrío, EL ÚLTIMO BOY SCOUT a veces inaccesible, pero que versa sobre el bloqueo Sirva como homenaje a Tony Scott, recientemente creativo de una forma certera. fallecido, que para el gusto de quien os escribe, Cargado de una ironía desbordante, no es figure aquí la que considero es su mejor película. casualidad que la acción del film se traslade a principios de los 40, la edad dorada de Hollywood, A primera vista puede parecer un film más de justamente para atacarla como un falso espejismo acción, pero dos detalles la hacen única, el primero, cargado en su interior de maldades, de ahí que un Bruce Willis en estado de gracia, y siguiendo la propuesta resulte tan densa como necesaria, ese hilo, el actor se aprovecha de la segunda y único camino para mostrar como algo que brilla definitiva coyuntura, unos diálogos magníficos, que firma Shane Black, un guionista más que tanto, resulta opaco en el fondo. dotado en ese terreno, como ha demostrado en su Cine de autor, complejo, cercano a lo que se posterior progresión. denomina “De culto”, ejemplo de la visión más personal de sus geniales creadores, poco adecuada Como curiosidad al respecto, dicho guión se para el gran público, pero toda una revelación vendió por una cantidad tan alta, que se considera para los más cinéfilos, que encontraran en ella el mejor pagado de la historia del cine, quizá algo desproporcionado, pero la verdad es que es un sobradas garantías de satisfacción. más que brillante trabajo de Black. Como curiosidad, el film también se alzó con el premio al mejor actor en Cannes, para un John Halle Berry, aún lejos de su fama actual, tiene un Turturro sobresaliente, y a mejor director, un destacado papel en la cinta. triplete que no se daba en el Festival desde hacía varias décadas.

y en los cines, taquillazos infumables como “El Guardaespaldas”, más digeribles, dentro de lo malo, La rareza del año, con permiso de Los Coen, como “Soldado Universal”, y simpáticos como es este curioso y asfixiante film francés, que “Aladdin” de Disney, de las pocas interesantes de nos dio a conocer a Jean-Pierre Jeunet. En un la factoría. futuro cercano, desolado, asistimos a la vida en un edificio, situado en la nada, de repente, el microcosmos que conforman sus habitantes se ve Se estrena la estimable “Belle Époque”, de Fernando Trueba, que en la ceremonia de 1993, sacudido por un nuevo inquilino. proporciona el segundo Oscar a España, en el El film de Jeunet es lo más cercano a un cómic apartado de película de habla no inglesa. underground, casi pintando a oscuras, con una fotografía incomoda, en tonos cobrizos, un trabajo de de difícil digestión, incomodo, plagado CANDYMAN de ruidos extraños, donde el sonido toma el protagonismo, casi a la altura en importancia de Desde la primeras secuencias, aéreas, con la música su peculiar y apabullante puesta en escena. del maestro Philip Glass sonando desasosegante, Un diamante en bruto, pleno de originalidad, no sabemos que estamos ante un film diferente, máximo exponente del cine de terror en los 90, apto para públicos convencionales. un icono brutal, vestido en la piel del imponente actor negro Tony Todd, que armado con un temible garfio, de introduce, nunca mejor dicho, en la vida de aquel que se atreva a pronunciar su nombre cinco veces frente a un espejo. DELICATESSEN

Basada en la novela de Clive Barker, uno de los más competentes autores del género, Candyman se postula como una terrible pesadilla onírica, que hará las delicias de todo amante del cine fabricado para pasar un mal rato, y que en este caso, añade de manera sublime, un componente poético sobre la muerte, pero desde un punto de vista brutal y desgarrador, lo que aún le confiere un mayor mérito. “Dirán que he derramado sangre inocente, ¿pero para que es la sangre, sino para derramarla?” MARIDOS Y MUJERES La película del escándalo para Woody Allen, durante su rodaje, Mia Farrow encontró fotografías 1992 comprometedoras de Soon Yi, hija adoptiva de ambos, que demostraban una relación filial, la Un año especial para nuestro país, Las Olimpiadas, tensión queda demostrada en pantalla, en más de La Expo, El aniversario del Descubrimiento, y una escena ente Farrow y Allen, protagonistas del film.

Como podéis imaginar, el morbo catapultó el que se reserva el papel protagonista, y firma su éxito de la cinta, que mientras estaba en las salas, despedida del Western por una puerta grande vivió paralelamente el proceso de divorcio entre el reservada solo a los mejores. director y la actriz. El film fue la triunfadora en la noche de los Oscar, Resulta curioso, que en el argumento del film, el cuatro estatuillas a Mejor Película, Mejor Director, personaje de Allen mantenga una relación con Mejor Actor Secundario, para un Gene Hackman una chica joven, interpretada por Juliette Lewis, y inconmensurable, y mejor montaje. es que, precisamente de eso va Maridos y Mujeres, de las complicadas relaciones afectivas en pareja, y Completan el reparto Morgan Freeman, siempre de esa máxima que se cumple en el genial universo solvente, y Richard Harris, otro clásico del género. del autor neoyorkino, extensible a la vida real, que todo lo que sube baja, y viceversa. Un trabajo crepuscular, que presenta la realidad de una época que el cine había tergiversado en favor El hallazgo de la propuesta, más allá del asumible del espectáculo, y es que no es mejor pistolero el talento del guión, marca de la casa, lo encontramos que desenfunda más rápido, sino el que mantiene en el estilo por momentos documental, en el que los nervios templados, en un mundo en el que el los protagonistas hablan a la cámara contando sus Whisky es como el agua, conviene saber la dosis dilemas y sensaciones varias. adecuada. RESERVOIR DOGS

Obra Maestra.

Nace Quentin Tarantino como director, con DRÁCULA, DE BRAM STOKER permiso de otros, el director moderno más relevante y de mayor alcance de los últimos 20 La última gran película de Coppola, padre años. indiscutible del cine moderno, seguramente, el único autor capaz de ofrecer una visión personal Para su primera película, se acompaña de un sobre el personaje de terror más universal del reparto de secundarios de los 80, a los que Séptimo Arte. va a convertir en estrellas, Harvey Keitel, Michael Madsen, Tim Roth, todos al servicio de un violento thriller, en el que se impone un sorprendente estilo minimalista de la acción, que casi brilla por su ausencia, sacrificado en pos de unas conversaciones muy ágiles y compensadas, apoyado en una Banda Sonora efectiva de temas escogidos, que crean una atmósfera única y plena de originalidad. La gran Opera Prima de los 90, germen de un estilo propio y reconocible para uno de los grandes maestros del cine contemporáneo. SIN PERDÓN La desmitificación de un género, servida en bandeja por ese pedazo de guionista llamado David Webb Peoples, y ejecutado con la necesaria sobriedad y maestría por Clint Eastwood director,

Bajo el signo de un profundo rojo sangre, como no podía ser de otra forma, el film se erige como una propuesta de terror romántico, con un trabajo de fotografía espectacular, que recoge la era del cinematógrafo en el argumento, para hábilmente utilizarlo posteriormente en las escenas de mayor intensidad. Otro enorme hallazgo de este Drácula, es la portentosa BSO de Wojciech Kilar, que añadida a su peculiar puesta en escena, aporta un estilo visual único, cercano a lo teatral.

que dan seguridad a los grandes estudios.

Del reparto, Gary Oldman es el Conde, Anthony Hopkins como Van Helsing, Winona Ryder es Tom Cruise VS Jack Nicholson, saltan chispas en Mina, y Keanu Reeves es Jonathan Harker, un este, por momentos vibrante Drama Judicial, todo reparto muy de los 90. bajo la atenta mirada de una preciosa Demi Moore, que sujeta la vela en el choque interpretativo La frase, en boca del Conde Drácula: “He cruzado mencionado, en el que, como es evidente, toda la océanos de tiempo para encontrarte”, define a la gloria recae en el veterano actor, un Nicholson perfección el carácter y la intención de la Obra, contenido por momentos, y desatado solo cuando que sin ser maestra, figura como uno de los debe. mejores títulos del genial realizador. Entretenido trabajo, que mira de manera ALGUNOS HOMBRES BUENOS consciente a los clásicos del género a los que homenajea, quizá por eso resulta algo ingenua, Rob Reiner tuvo su momento a finales de los 80 y a veces excesivamente patriótica, pero es y principios de los 90, como sólido referente del comprensible cuando los americanos se acercan cine norteamericano, un director fiable, de esos tanto a su adorado mundo castrense. ESENCIA DE MUJER Remake de “Perfume de mujer”, film italiano de Dino Risi, rodado en 1974, y protagonizado por Vittorio Gassman. Casi treinta años después, Martin Brest recoge el testigo en la dirección, extiende el metraje de la original y entrega a Al Pacino el personaje de sabio militar invidente, que tras ser asignado a la compañía de un lazarillo, encontrará nuevos motivos para instruir al chico, siempre a su manera, en todos los aspectos de la vida. Si Gassman logró el premio de interpretación en Cannes, a Pacino se le reconoció por fin con el Oscar a mejor actor, el único de su carrera, curiosamente un año en el que también iba

nominado a mejor actor de reparto por “Éxito a cualquier precio”. Muchos pensaran, con razón, de lo innecesario que resultan los remakes, generalmente suele ser así, pero esta nueva versión de Brest aporta nuevos brios, presenta la alternativa gracias al cambio de latitud, aspecto que renueva la historia, y contiene un par de escenas memorables, entre las que destaca un Tango para la posteridad y un excitante paseo en Ferrari, por no mencionar su apasionado del cine, discurso final. Sharon Stone se presta, o mejor dicho, es INSTINTO BÁSICO engañada por Verhoeven, La última gran película del holandés Paul que recibió una bofetada de Verhoeven en USA, un thriller erótico de alto la actriz en la premiere del film, ya voltaje, que se convirtió en un éxito casi inmediato, que se la había prometido que no se vería creó escuela, y degeneró toda una serie posterior nada en la escena. de fotocopias mal paridas de serie B. Anécdotas aparte, estamos ante un film morboso y pasional como pocos, Michael Douglas se sale El cruce de piernas más famoso de la historia como policía entre la espada y la pared, Verhoeven

no se corta un pelo, y se muestra en estado puro, lleno de brutalidad y sexo explícito, nunca un picahielos dio tanto juego. Por desgracia, el cine actual no tiene sitio para realizadores de tanto calibre. EL ACEITE DE LA VIDA El australiano George Miller, director de Mad Max, se nos pone serio para contarnos el drama real de una familia, en la que el hijo de la pareja se enfrenta a una enfermedad de esas llamadas raras, que pondrá a prueba su estabilidad y su compromiso por curarle de sus padres, que estudiaran biología y genética de forma autodidacta para tal fin. En el reparto, Susan Sarandon y Nick Nolte brillantes e implicados, pero si en algo destaca El aceite de la vida, es el el trabajo superior de Miller tras la cámara, que bordea el efectismo y demuestra que no es necesario renunciar a un estilo visual propio. Un film infravalorado, sincero, y del todo apasionante. ÉXITO A CUALQUIER PRECIO Basada en la obra teatral de David Mamet, uno de los mejores dramaturgos norteamericanos, que además firma el guión, Glengarry Glen Ross, mal llamada “Éxito a cualquier precio” en nuestro país, cuenta los avatares y desvaríos de un grupo de agentes inmobiliarios, expertos en el timo de la multipropiedad, pero sometidos a la gran presión de vender el producto, con la amenaza del despido acechándoles. Un reparto de lujo, Al Pacino, Ed Harris, Jack Lemon, entre otros, una oficina casi como único escenario, y una dirección agresiva de James Foley, para todo un peliculón, una de las joyas de los 90, de esas que crece con cada visionado, por lo ingenioso de sus diálogos y el pulso firme de su discurso narrativo. La escena de Alec Baldwin, que casi es un cameo, es tan reveladora como impactante.

1993 “Parque Jurásico” es el taquillazo del año, e instaura, millones de años después, la Dinomanía en el planeta tierra. El gran estreno del verano es “Demolition Man”, con el que descubrimos asombrados el gran avance técnico que supone el sonido THX en nuestra sala oscura. “Philadelphia” y “ El Piano”, dos películas con las que no empatizo demasiado, consiguen un gran éxito de crítica y público. 1993 se convierte en un punto de inflexión fundamental para este que os escribe, y es que prácticamente, todas las películas mencionadas las comienzo a ver en el cine, que pasa, como os dije en el prólogo, a ser mi segundo hogar. EL FUGITIVO Basado en la exitosa serie de televisión de los 60, El Fugitivo cuenta las aventuras del doctor Richard Kimble, acusado erróneamente del asesinato de su esposa, por encontrar al hombre manco, auténtico responsable del crimen, al tiempo que intenta evitar que le capture la ley. Harrison Ford es Kimble, y no lo hace nada mal, pero su perseguidor, un Tommy Lee Jones espectacular, en la piel del Marshall Samuel Gerard, es el auténtico protagonista de la cinta, y demuestra la importancia de un buen secundario.

Un thriller policiaco correcto, con algún momento vibrante, pese a lo excesivo de alguna famosa secuencia, que cumple sobradamente con su carácter de cine de puro entretenimiento.

contarnos la historia de una terrible injusticia, la de una familia acusada de terrorismo, tras la explosión de un atentado en una taberna de Londres en los años 70, cuyo responsable directo es el IRA, movimiento independentista radical a Tommy Lee Jones consiguió el Oscar a mejor favor de la independencia de Irlanda. actor de reparto por su papel de Gerard. La grandeza del mejor cine británico, sobrio LA LISTA DE SCHINDLER y emocionalmente explícito, que combina con enorme presteza el genero judicial con el A la enésima fue la vencida, muy serio tuvo que carcelario, tan del gusto del buen aficionado al ponerse Steven Spielberg, para que la Academia cine. le premiase por fin una cinta, 7 estatuillas sin un reproche, su lista de Schindler es una Obra Excelentes interpretaciones de su trío Maestra indiscutible. protagonista, Day-Lewis, Emma Thompson y Pete Postlethwaite, que da vida al padre que menciona Rodada en glorioso blanco y negro, el film supone el título. el documento definitorio, que no definitivo, sobre el holocausto del pueblo judío por parte de los El film obtuvo el prestigioso Oso de Oro en el alemanes en la II Guerra Mundial, servido por un festival de Berlín. director, que una vez aparca su vena más infantil y edulcorada, se muestra como uno de los autores más completos de la historia del celoluide. MISTERIOSO ASESINATO EN MANHATTAN La otra lista paralela, es la que podemos hacer sobre los aciertos de Spielberg a la ora de orquestar el proyecto, escoger a Liam Neeson y Ralph Fiennes como protagonistas, era arriesgado, pues en ese momento eran prácticamente unos desconocidos, hay que decir que lo bordan y catapultan merecidamente su fama desde el mismo instante del estreno. De Sir Ben Kingsley, poco se puede decir que no sea para alabar su siempre impecable trabajo, su contable judío, lleno de humanidad y sabiduría, es un apoyo de lujo, que engrandece el film, de forma desorbitada, en su parte actoral. De los colaboradores del Rey Midas de Hollywood, pues más de lo mismo, siempre rayan a buen nivel, pero en esta ocasión se dejan el alma, basta como ejemplo, ver la tremenda BSO del maestro John Williams, pocas veces una composición ha resultado tan sincronizada y emocionante.

Pasado el más tormentoso episodio conyugal en la vida de Woody Allen, el maestro regresa pleno de vitalidad, abandona por completo la depresión que planeaba en su cine tras su unión con Mia Farrow, y nos enseña su mejor versión, la que en el fondo deseamos que nos ofrezca, al menos de cuando en cuando, historias más sencillas, llenas de chispa, ingenio y chistes rápidos, llenos de energía positiva y buen rollo. Para investigar tan misterioso crimen, Allen recupera a su ex pareja y amiga Dianne Keaton, la química entre ambos no entiende de edad, no tienen precio como matrimonio aburrido, enfrentados a la aventura más excitante e inesperada de sus vidas, cuando al fallecer una vecina, sospechan que ha sido su marido el que en realidad la ha matado.

Como homenaje, en la parte final, asistimos al desenlace en un cine en el que se proyecta “La Dama de Shanghai”, de Orson Welles, todo un Entre irlandeses comprometidos anda el juego, regalo cinéfilo. el competente realizador Jim Sheridan, y el grandísimo actor Daniel Day-Lewis, se unen para EN EL NOMBRE DEL PADRE

ATRAPADO POR SU PASADO

trabajo para el celuloide.

Una de las películas más admiradas en el subconsciente colectivo es “Scarface”, llamada “El precio del poder” en nuestro país, y rodada por el incomparable Brian De Palma en 1983, con un Al Pacino en estado de gracia.

Un film soberbio, de lo mejor de una década que tiene al cine criminal, como indudable género estrella.

Diez años después, actor y director se reúnen de nuevo para presentarnos una evolución sobre el personaje mafioso de entonces, imaginemos que el final de Tony Montana hubiera sido distinto, y tras un largo periodo en prisión, tuviéramos un Carlito Brigante renovado, más calmado y astuto, liberado de la rabia homicida, y a salvo, al menos en apariencia, porque la mierda del pasado siempre vuelve, en el momento más inoportuno.

Sydney Pollack consigue un gran logro, adaptar una novela de John Grisham con éxito, toda una hazaña si tenemos en cuenta lo aburrido que resulta el paso de sus novelas al cine.

LA TAPADERA

La historia de un joven abogado, interpretado con solvencia por Tom Cruise, que acepta trabajar para una firma que en realidad sirve como tapadera de la mafia, es tratada por Pollack con precisión y sensatez, bien apoyado en la adaptación que Pacino y un Sean Penn de look infernal, se salen Robert Towne, excelente guionista, realiza. de la pantalla con sus interpretaciones, y De Palma ofrece un recital de talento tras la cámara, El éxito de la propuesta lo completa un reparto en la que hasta la fecha es sin duda, su ultimo gran de actores de lujo, entre los que destacan Gene

Hackman, siempre perfecto, Holy Hunter y Ed Un reparto de lujo, que en aquel momento no era conocido, y que recoge talentos como el de Harris. Julianne Moore, Tim Robbins, Jennifer Jason Perfecta para una sesión de tarde en casa. Leigh, Cris Penn o Frances McDormand, entre otros. VIDAS CRUZADAS La pega, sus 3 horas de duración y la sensación Para bien o para mal, a Robert Altman debemos de que, por momentos, no parezca pasar nada, y uno de los grandes hallazgos cinéfilos de los es que Altman es así, excesivamente cáustico para 90, el recoger un puñado de historias, a priori, mi gusto, pero como se suele decir, al César lo que independientes entre si, para luego unificarlas a es del César. través de el desarrollo del relato, casi siempre por la interacción de sus personajes. El film consiguió el León de Oro en Venecia a la mejor Película, además de la Copa Volpi para todo el reparto, en el mismo festival.

EN LA LINEA DE FUEGO El alemán Wolfgang Petersen le mete mano a uno de los episodios más oscuros de la historia norteamericana reciente, el asesinato de JFK, a través de un agente de seguridad presidencial, que ve como la historia de entonces puede repetirse, ya que un asesino acecha y amenaza con repetir el magnicidio con el presidente actual. Clint Eastwood, solo actor, en un duelo con John Malkovich del que saltan chispas, ambos al servicio de un entretenido Thriller de acción, de esos que mantiene la tensión hasta el final gracias a su sólido y cuidado planteamiento formal. Magnífica BSO del maestro Morricone.

ATRAPADO EN EL TIEMPO La relación entre Bill Murray y Harold Ramis va más allá de una mera unión profesional, juntos, protagonizaron el despertar de la comedia gamberra americana a principios de los 80, estilo que alcanzó su cenit en “Los Cazafantasmas”, un descomunal éxito popular. Para “Atrapado en el tiempo”, Ramis ejerce como guionista y director, y deja a Murray, que interpreta un mezquino presentador de noticias, que verá como su vida queda reducida a repetir el mismo día una y otra vez, como protagonista absoluto del Show. El día de la marmota, un acontecimiento real que se repite cada año, y por el cual se utiliza al roedor para vaticinar la llegada de la primavera, es el escenario perfecto para situar al personaje de Murray, rodeado de buenas personas, se intensifica mejor su potencial amargado, pero sin perder por un segundo una pizca de encanto. Un film magnífico, lleno de ironía y gran sentido se verá que lo contrario de ambas fiestas, que son del humor, infravalorado en su momento, pero como la noche y el día, hacen que la idea este que hoy es considerado, como merece, un clásico abocada al desastre. de la comedia moderna. Un trabajo superior, que cuenta con una excelente Banda Sonora de Danny Elfman, y que sirve como perfecto contrapunto a la por entonces imperial, PESADILLA ANTES DE NAVIDAD edulcorada, e infumable factoría Disney, que Tim Burton tuvo un sueño, no sabría si llamarlo contaba las horas para su declive final, a manos pesadilla, porque igual en su mundo, se disfrutan de la revolución definitiva en la animación, que se bastante ese tipo de viajes, y de su mente, produciría apenas 2 años después. maravillosamente trastornada, surge un film único, desbordado de originalidad e ingenio. Henry Selick es el padre de la criatura, un maestro del stop-motion, trabajo de chinos basado en cortar y pegar, pero cuyos sobresalientes resultados no tienen comparación, y es que nada vence a lo artesanal, su encanto sobrepasa cualquier presupuesto desorbitado que se quiera utilizar. Jack Skellington, señor de Halloween, descubre la Navidad, y entusiasmado por ella, decide secuestrar a Santa Claus para mejorarla, pronto

film, tener que pedir disculpas al actor, que realiza una actuación soberbia, capaz de capturar el alma homicida del personaje de manera incontestable. Completan el reparto de lujo Brad Pitt, Antonio Banderas, Kirsten Dunst y Stephen Rea, actor fetiche el director En la técnica, un triángulo de ases, el trabajo siempre impecable de Stan Winston en los F/X, la excelente BSO de Elliot Gondenthal, y la adecuada fotografía de Philippe Rousselot.

1994 Un año muy prolífico, lleno de buen cine, que incluso en los títulos menos formales, se muestra por encima de la media. Grandes éxitos de taquilla para “El Rey León” de la Disney, por la cual solo siento indiferencia, y para “Cuatro Bodas y un funeral”, cine británico, pretendidamente gracioso. El cine veraniego se presenta pleno de calidad, con “Leon, el profesional”, de Luc Besson, y sonoros taquillazos con el nombre de “Mentiras Arriesgadas”, de James Cameron, “El Cuervo”, de Alex Proyas, y “Speed”, de Jan de Bont. En esa linea, Jim Carrey pega el espaldarazo definitivo a su carrera con “La Máscara”, otro de los triunfos comerciales del periodo estival. ENTREVISTA CON EL VAMPIRO Anne Rice adapta su propia novela al cine y deja la dirección en las capaces manos del director Neil Jordan, el resultado, una de la mejores películas de vampiros de todos los tiempos, llena de un clasicismo barroco insuperable. La polémica acompaño el rodaje, pues Rice desconfió de Tom Cruise como Lestat desde el momento de su elección, para una vez estrenado el

Curiosamente, la critica se cebo incomprensiblemente con ella en su momento, algo irrisorio si tenemos en cuenta el estado comatoso que sufre este subgénero del terror en la actualidad, tras haber tenido que soportar cierto engendro crepuscular, adherido como un corpúsculo purulento y ofensivo, al subconsciente del mejor aficionado al cine de vampiros.

PULP FICTION Justo un año después de que Robert Altman enseñara sus cartas, Quentin Tarantino recoge el testigo de las historias cruzadas, para arrastrarlo a su mundo criminal, bajo la consigna de una construcción desestructurada, a modo rompecabezas, el director orquesta un trabajo de plena originalidad, verbalmente agresivo, explícitamente violento, y lleno de una incontestable brillantez formal. John Travolta resucita para el cine, con su papel de Vincent Vega, bien custodiado por un descomunal Samuel L. Jackson, un siempre adecuado Bruce Willis, y una Uma Thurman preciosa y problemática. En el otro lado del espectro, completan el reparto coral unos estupendos Tim Roth y Ving Rhames, sin olvidar a Cristopher Walken, que en apenas cinco minutos, nos enseña el profundo valor sentimental que puede poseer un objeto. Mención especial merece Harvey Keitel, su señor lobo, “soluciona problemas”, es un regalo, que obtiene los mejores momentos en su unión con el personaje de Jimmy, al que da vida el propio Tarantino. El film obtuvo la Palma de Oro en Cannes, y el Oscar al mejor guión original, pero sobre todo, eternizó la figura de un autor destinado a reinar en el cine contemporáneo, un tipo extravagante, que homenajea sin abandonar nunca un estilo propio, que hace serie B, pero de diseño, con grandes presupuestos, y que aporta a su cine un envidiable gusto musical.

cómodo y propicio para los grandes estudios de Hollywood. En el marco favorable que supone el género carcelario para el público, Darabont monta una de esas películas nacidas para reinar en la eternidad, su vocación es de clásico instantáneo, por su perfección formal, y el carácter que poseen sus personajes, dibujados desde el barro, llenos de sinceridad, y que obtienen del espectador una implicación máxima. Morgan Freeman y Tim Robbins se salen, su historia de amistad, que huye de lo lacrimógeno, para tocar con profunda franqueza y naturalidad los resortes de lo humano, algunos detractores acusaron a la cinta de blanda, por mostrar a los presos como seres bondadosos, y no como criminales, pero que nadie olvide una de las claves argumentales de este pedazo de Obra maestra, y que derrumba por completo esa teoría, aquello de estar “institucionalizado” no es ninguna tontería, con carceleros como el que interpreta Clancy Brown, mejor no levantar la voz.

FORREST GUMP

Desde que Spencer Tracy ganara dos Oscar consecutivos en los 50, nadie lo había logrado, hasta principios de los 90, en el que Tom Hanks dejó a un lado su vena cómica, y se metió en el bolsillo Llamar a “Pulp Fiction” Obra Maestra es quedarse a los académicos con su gran interpretación en corto, podríamos decir, sin riesgo a equivocarnos, Philadelphia. que es la mejor película de la década. Acto seguido, se mete en la piel de Forrest, un entrañable retrasado mental, - lo siento, es lo que CADENA PERPETUA es - que se las apaña para asistir a los momentos Frank Darabont es hoy un reconocido director, clave de la reciente historia norteamericana, y se pero en 1994 era un completo don nadie, que solo alza con su segunda estatuilla sucesiva, casi sin representaba la enésima figura en acercarse a un oposición. relato de Stephen King, vehículo de financiación

Un film técnicamente deslumbrante, rodado con gran astucia por Robert Zemeckis, al que hay que agradecer la pasión con la que desarrolla la historia, casi la misma que tiene Gump por la vida, hasta ese punto todo perfecto, el entusiasmo es contagioso que duda cabe, pero habría que haber exigido algo menos de moralina patriótica, y un poquito más de conflicto, de realismo, aunque algunos dirán, con razón, que si no te gustan los bombones, esta no es tu película. ED WOOD Con la legión de seguidores que tiene Tim Burton, sobre todo entre las féminas, resulta cuando menos

llamativo, que la mayoría no haya visto, o más aún, desconozcan la existencia de la que sin duda es su mejor cinta, la vida y obras de Ed Wood, el considerado peor director de la historia del Séptimo Arte. Johnny Depp, actor predilecto de Burton, se mete a la perfección en la piel del realizador maldito, un tipo ingenuo y entusiasta, sin ninguna aptitud destacable para el cine, pero lleno de energía y pasión por lo que rodaba, esa misma que le hace merecedor de una legión de fieles seguidores, entre los que me cuento, porque pasa que cuando

tocas tan bajo, y sobrepasas el borde de lo nefasto, QUIZ SHOW alcanzas un punto de grandeza tan inverso como inigualable. El Robert Redford director, no convence demasiado, me resulta bastante inconstante, Burton bordea la perfección con su retrato tierno nada que ver con el actor, pero su ejecución del y apasionado de la historia, y todo en glorioso magnífico guión de Paul Attanasio, sobre el fraude B/N, las filmaciones de las películas de Wood son de un famoso concurso televisivo norteamericano puro frenesí cinéfilo, y precisamente para los que de los 50, resulta plenamente certero y elegante, tanto amamos el cine, el regalo que nos ofrece y respira el aroma de los mejores clásicos de Martin Landau - Oscar a mejor secundario - siempre. como Bela Lugosi es impagable, ya en los últimos días del mítico actor, cuando estaba enganchado a Un film que se apoya, de manera consciente, en la heroína, arruinado, muerto para muchos, pero el trabajo de su grupo de actores, donde brillan aún tan extenso y potente como la sombra de la con indiscutible luz propia, John Turturro y Ralph capa del personaje que le dio la fama. Fiennes, de este último, destacar el gran año que le toca vivir, y que le convierten sin duda en el Obra Maestra. interprete con mejor curriculum para el futuro. BALAS SOBRE BROADWAY

Para los mitómanos, Martin Scorsese interpreta un pequeño y contundente papel, como representante Woody Allen retorna al pasado, al Broadway de de Geritol, la marca que patrocina el fraudulento los años 20, esa época en la que el teatro era el rey, “Veintiuno”. El también director Barry Levinson, para contarnos la historia de un autor fracasado, que verá la oportunidad de representar una de sus obras con la financiación de un Gángster, siempre que acepte dar un papel a la novia del mismo. Un film apoteósico, de los mejores del maestro, cargado de inteligencia y sarcasmo, con unos personajes en estado de gracia, John Cusack como protagonista, el mejor álter ego que ha tenido director, una Dianne Wiest luminosa, es la diva caprichosa y excéntrica, papel con el que logró su segundo Oscar a mejor actriz de reparto, - el primero fue también a las ordenes de Allen por “Hannah y sus hermanas” - Chazz Palminteri enorme, como guardaespaldas de Jennifer Tilly, estupenda como novia incompetente del jefe mafioso, y no perdáis de vista a Rob Reiner, el director tiene un divertidísimo rol, como amigo del personaje de Cusack. La cinta cosecho un merecido éxito, fue nominada a 7 Oscars, que incluían las categorías más importantes. Todo un clásico moderno, que se erige como un delicioso viaje de ensueño al universo de uno de los mejores realizadores de la historia del cine.

también aparece brevemente en el film. Excelente ambientación y puesta en escena, para un trabajo refinado, que versa con indudable maestría sobre la corrupción de los más poderosos, y como esta extiende sus tentáculos sobre lo decente, hasta asfixiar con crueldad, todo lo bueno y digno que pueda quedar en ello. ASESINOS NATOS Oliver Stone adapta una historia original de Quentin Tarantino, hasta ahí, algunos pensaran que no puede haber unión más feliz, pero la verdad es que ambos autores acabaron completamente distanciados. La causa, incompatibilidad irreconciliable en el enfoque del argumento, mientras Tarantino pretende un homenaje formal a cintas como Bonnie & Clyde, Stone intensifica la dureza de la trama, en la búsqueda de un mayor impacto en su critica a los medios de comunicación, a los que

responsabiliza de forma directa de la violencia imperante en la sociedad actual. Mucha química entre Juliette Lewis y Woody Harrelson, tan encantadores como letales, bien acompañados por Tommy Lee Jones, Tom Sizemore y Robert Downing JR, perfectos para sus respectivos papeles.

Un film desquiciado, vibrante, con un trabajo de dirección pleno de energía, y un montaje marca de la casa, algunos críticos la llamaron engendro, comprendo que es un trabajo excesivo, pero también funciona en su objetivo, por muy alucinada que resulte la propuesta.

contamos tres actores, el gusto por un espacio reducido, simplemente las cuatro paredes de una casa, perdida en la nada, y la tensión que, de manera gradual, va devorando la escena de forma contundente, sin alardes, volcando toda su naturaleza en lo emocional, y haciendo cómplice al espectador de su sobrecogedor drama.

Magnifica BSO impregnada de canciones del gran Leonard Cohen, una de otra grandes bazas de la Excelentes interpretaciones de Sigourney Weaver cinta. y Ben Kingsley, en un enfrentamiento épico, en el que una mujer, de un país sudamericano LA MUERTE Y LA DONCELLA indeterminado, cree reconocer una noche, en la que un hombre pide ayuda en su puerta, al medico Roman Polanski recupera, con La muerte y la que la violó repetidas veces en el pasado, cuando doncella, la esencia del mejor cine de sus inicios, era prisionera política del gobierno dictatorial de un planteamiento teatral, en el que apenas turno.

La música de Schubert, cuyo tema da nombre al film, es el alma de la historia, casi un personaje más, suena hermoso y terrible, implicado en un argumento donde es mucho más que una sinfonía. CLERKS Con apenas 20.000 dólares, y rodando en B/N, un joven e inexperimentado Kevin Smith fue capaz de sorprender a la masa cinéfila planetaria, gracias a una historia brillante, cargada de diálogos ágiles y sumamente divertidos. Un dependiente de supermercado se ve obligado a trabajar en su día libre, en el transcurso de 1995 las horas, atenderá de forma gradual a los más pintorescos personajes, al tiempo que intenta Un año plagado de buenos títulos, como “Sentido y Sensibilidad” de Ang Lee, “Poderosa ordenar sus propias ideas. Afrodita”, de Woody Allen, “Cosas que hacer A destacar el momentazo “Star Wars”, dudo que en Denver cuando estas muerto” de Gary nadie hubiera pensado politizar la trama del film Fleder, “En la boca del miedo”, del maestro John de George Lucas hasta entonces, en clave más Carpenter, y “Ciudadano X” de Chris Gerolmo, grosera, la escena que versa sobre los peligros de un interesantísimo telefilm. practicarse una auto felación, también resulta de Los taquillazos del verano son “Apolo XIII”, lo más gratificante. del nefasto Ron Howard, “Batman Forever”, Un trabajo original, de lo que por entonces parecía que recupera la figura del superhéroe bajo la un director digno de suceder a los más grandes de visión colorista y plastificada del alemán Joel la comedia, por desgracia, el paso de Smith al cine Shumacher, “Marea Roja” del malogrado Tony comercial, difuminó casi por completo esa magia. Scott, “Waterworld”, de Kevin Reynolds, un film que, pese a su buen rendimiento comercial, es incapaz de recuperar el dineral que costo su producción, y “Goldeneye”, de Martin Campbell, que nos devuelve al personaje de James Bond, esta vez con el rostro de Pierce Brosnan, tras 5 años de litigios entre productoras. ROB ROY La mala estrella de Rob Roy, fue encontrarse en taquilla con Braveheart, que arrasaba en las mismas, y dejaba poco espacio de interés a esta brillante película, que casi todos descubrimos en VHS. Para aquello que piensen que es un film más de aventuras, habría que advertirles que se trata de una apuesta bastante dura, justamente ahí

reside su encanto y su ser diferente, y es que el director Michael Canton-Jones, no escatima en violencia explícita ni en sorprendentes escenas escatológicas, que dejaran a más de un espectador incomodo y boquiabierto.

Temazo principal el del film, “Dead man walking”, que también es el titulo original de la cinta, y que interpreta Bruce Springsteen, “The Boss”.

La cinta, ambientada en el S.XVIII, cuenta el cúmulo de desgracias que Robert McGregor, mítico héroe escocés, sufrirá, desde el instante que solicite un préstamo a Marqués de Montrose. Solo su honor, al que no renunciará ni siendo un proscrito, le dará fuerzas para continuar su cruzada.

Pocos podían sospechar, tras un debut más bien pasable, el alboroto que iba a provocar Mel Gibson con su segunda película como realizador, con la historia, situada en el S.XIV, del libertador escocés William Wallace, en su lucha contra el opresivo invasor inglés.

Un reparto de lujo, con Liam Neeson y Jessica Lange de protagonistas, y unos secundarios en estado de gracia, John Hurt es Montrose, y Tim Roth es Archibald, su protegido, tan virtuoso con la espada como despreciable en las formas, un trabajo soberbio como villano del actor, que le valió una nominación a mejor secundario en los Oscar.

BRAVEHEART

Memorable film épico, con batallas espectaculares, que recuperan el mejor aroma del cine clásico de aventuras, Gibson no esconde su fascinación por “Espartaco” del maestro Kubrick, a la que señala como su principal fuente de inspiración.

Uno de esos trabajos que ponen de acuerdo a todos, infectado de épica, y con las sobradas dosis de crudeza y realismo necesarios para perdurar como un producto de calidad superior, llamado a Mención aparte merece la Banda Sonora de encabezar los registros de las mejores sensaciones Carter Burwell, el compositor de los Coen, una emocionadas en el subconsciente colectivo composición soberbia. general. PENA DE MUERTE Tim Robbins se pone detrás de la cámara para contarnos la historia de Mathew, un condenado a muerte que recibe el consuelo de la hermana Helen, una monja que acepta ser su guía espiritual en los últimos días previos a la ejecución. Un trabajo frío, duro, y que no toma partido, solo expone los hechos de una manera contundente, Robbins se muestra firme y magistral en su planteamiento, y nos regala una Obra tan incomoda como necesaria, todo un hallazgo de cine contenido, maestro. En el reparto, Susan Sarandon, por entonces pareja de Tim Robbins, realiza un perfil humano sobrecogedor, y que le hizo merecedora al Oscar a mejor actriz. En el otro lado del cristal, un Sean Penn descomunal, viva imagen de la desesperación de aquel al que la vida se le escapa de los dedos sin remedio, ambos actores recogen un pulso de valor incalculable.

La Banda Sonora de James Horner magnífica, el trabajo técnico de la cinta lo es en general, fotografía, sonido y maquillaje son tres de los cinco Oscar que obtuvo Braveheart, los otros dos, premiaron al film como mejor película del año, y a Mel Gibson como merecido mejor director.

Kevin Spacey obtuvo el Oscar a mejor actor secundario por su papel de Kint, y la fama instantánea, gracias también a su trabajo en Seven, uno de los grandes hits del año.

Con un gran reparto, encabezado por Gabriel Byrne, Kevin Spacey, Benicio del Toro, y Chazz Palminteri, Sospechosos Habituales se centra en la investigación del incendio de un barco, en que murieron una veintena de personas, al parecer asesinadas previamente, y de la que solo parece haber un confidente que pueda arrojar luz a la masacre, un estafador tullido llamado Robert Kint.

HEAT

El otro punto fuerte de la cinta es su guión, que también obtuvo el Oscar como mejor texto original, y que firma Cristopher McQuarrie, en SOSPECHOSOS HABITUALES su desarrollo, acabarás preguntándote quien En plena corriente de salud para el cine criminal, demonios es Kaiser Sozé, para descubrir, con un un por entonces desconocido Bryan Singer, final soberbio, lo que de verdad se esconde tras la removía los cimientos del género con un film figura de dicho personaje. oscuro e inaccesible, de esos llamados a habitar, casi de forma exclusiva, las colecciones de los más Solo recuerda: “El mejor truco del Diablo fue convencer al mundo de que no existía” cinéfilos.

Al Pacino y Robert de Niro habían compartido set de rodaje en El Padrino II, pero nunca coincidieron en pantalla, para solucionar dicha coyuntura, el gran Michael Mann, uno de los directores de acción más dotados del cine contemporáneo, les une en este apasionante thriller.

Argumento clásico de policías y ladrones pero con un componente estético propio, lleno de rebosante energía y contundencia visual. Mann nos regala más de un momento memorable, pero no descuida el perfil de sus personajes, a los que psicoanaliza y tortura emocionalmente de manera brillante. Más allá del evidente duelo interpretativo de sus dos protagonistas, en ese momento en la cima de popularidad máxima de sus carreras, destacan los personajes de Val Kilmer y Ashley Judd en el plano secundario, un terreno lleno de buenos actores, como Jon Voight , Tom Sizemore o una por entonces aun jovencísima Natalie Portman.

Historia de Las Vegas criminal, aquella previa a los años 80, controlada a distancia por los jefes mafiosos, que tan siquiera podían poner el pie en sus propios Casinos. Un film deslumbrante, con una puesta en escena de lujo, un trabajo de dirección sublime, una brutalidad de diseño marca de la casa inolvidable, y un montaje, por momentos documental, de auténtico lujo. Al igual que en “Uno de los nuestros”, Scorsese recurre a una adaptación de las novelas de Nicolas Pileggi, que vuelve a hacer las veces de guionista junto al director, trabajando sobre su propio material, que por cierto, esta basado totalmente en hechos reales.

El film supone la última colaboración entre Martin Scorsese y Robert De Niro tras ocho películas, hecho que supone un bajón posterior en la carrera de ambos, sobre todo en la del actor, que jamás volverá a ser el mismo, y se arrastrará, a CASINO veces de manera lamentable, como una caricatura de si mismo. Scorsese, como genio indiscutible, Martin Scorsese repite la si ha recuperado el toque de grandeza que se le fórmula que tan buenos reclama, y en la actualidad sigue sorprendiendo resultados obtuvo con “Uno de con sus trabajos. los nuestros”, reúne de nuevo a Robert de Niro, en su última El cine hecho Arte, una Obra Maestra indiscutible, colaboración con el realizador, incomprensiblemente olvidada por los Oscar, que y a Joe Pesci, de nuevo en prefirieron apostar por cintas como “Babe, el su versión más extrema, e cerdito valiente”, una blasfemia sin duda, pero por introduce en el triángulo suerte, el tiempo pone cada cosa en su sitio. a Sharon Stone, que jamás estuvo mejor. SE7EN David Fincher irrumpe en el panorama fílmico como un torbellino con Se7en, un potentísimo Thriller de alma oscura, paradigma del mejor cine policiaco/criminal moderno, siempre con permiso de la otra gran película del género, “El silencio de los corderos”, con la que comparte exposición y grandeza. Un detective a punto de jubilarse, tiene la tarea de instruir a un nuevo compañero y sustituto, al tiempo que deberá resolver un último y aterrador caso, en el que un psicópata, utilizando los siete pecados capitales, gula , pereza, avaricia, soberbia, envidia, lujuria e ira, está asesinando de forma sádica y brutal a sus víctimas.

Una ciudad indeterminada, una lluvia incesante, un diseño de producción tétrico, el guión sorpresa de Andrew Kevin Walker, Morgan Freeman, Brad Pitt y sobre todo Kevin Spacey, enormes, y tras la cámara uno de los cinco mejores directores contemporáneos, dejando, con su trabajo laberíntico y visualmente impecable, muestras de su inalcanzable talento como realizador, todo eso es Se7en, un film portentoso, que como toda gran obra, crea escuela y atiende a más de un desgraciado plagio, - “Resurrección” - y a otras cintas más entonadas, como es el caso de “Saw”.

convenció a todos con su brillante y desquiciada propuesta satánica, tuvo la suerte de contar con Santiago Segura para el personaje de Jose Mari, un papel destinado en un principio para Gabino Diego, y demostró, al menos por un breve espacio de tiempo, que nuestro cine podía competir en calidad y éxito con el cine yankee. Comedia de terror divertidísima, de ritmo frenético, El día de la Bestia es de esas gotas en el triste océano de la filmografía ibérica, tan herida de muerte y necesitada de apuestas similares para levantar el vuelo.

Sus referencias al infierno de Dante, y su mensaje de desesperanza, en la figura de Morgan Freeman, DOCE MONOS intensifican, con gran inteligencia y sobriedad, el Terry Gilliam, ex miembro del legendario grupo contenido de este pedazo de Obra Maestra. de humor británico Monty Python, es un director muy especial, capaz de lo mejor y de lo peor, EL DÍA DE LA BESTIA pero con un punto de originalidad extremo, El anticristo va a nacer en Madrid y en Navidad, desbordante e incontestable. o eso piensa un sacerdote algo excéntrico, para encontrarle y destruirle, no dudará en armar En un futuro cercano, un virus mortal ha asolado escudero a un chiflado satánico y a un timador a la raza humana, condenada a vivir bajo tierra, y charlatán, presentador de televisón de un los científicos ha encontrado el modo de viajar en el tiempo, pero la nueva tecnología es inestable, y programa esotérico. por ello requieren a presidiarios como sujetos de La consagración de uno de los pocos directores prueba. españoles que merecen la pena, Alex de la Iglesia

Lo que vino después es leyenda, las normas del género cambiaron para siempre, no solo en el aspecto estético, también en el contenido de las historias, mucho menos ingenuas y adecuadas para todos los públicos. John Lasseter, creador de Pixar, es el artífice y director de esta pequeña maravilla, que cuenta las aventuras de Woody, un muñeco vaquero, el favorito de su dueño Andy, que se verá desplazado a un segundo plano el día que Buzz Ligthyear, un juguete espacial más moderno, llegue a casa como regalo de cumpleaños del niño. Toy Story tiene el honor de ser la primera película de animación nominada al Oscar a mejor guión original, todo un logro.

Curiosamente, Terry Gilliam quería a Dustin Hofmann para el papel protagonista, aunque finalmente decidió que el personaje requería mayor presencia física, decantándose por Bruce Willis, que está realmente convincente. Algo parecido sucedió con Brad Pitt, al que el realizador tampoco quería, pero el compromiso del actor, que paso varias semanas en una institución mental preparando su trabajo, acabaron por convencer a Gilliam de su participación. Excelente guión de David Webb Peoples, que en su fusión con la trastornada visión de Gilliam, produce como resultado un trabajo descomunal, cuyo carácter comercial es pura fachada, y no va más allá de su trío protagonista, que junto a los mencionados Bruce Willis y Brad Pitt, completa la siempre celebrada presencia de Madeleine Stowe, todos ellos quedan entregados a la causa de un film único, de calidad suprema. TOY STORY En plena decadencia de la Disney, sus directivos tuvieron la única genial idea de toda la historia de la compañía, apoyar a una empresa puntera en animación por ordenador llamada Pixar, en su primer largometraje para cine.

TODOS DICEN I LOVE YOU Woody Allen ya había dado muestras en sus películas de su amor por el musical, pero una cosa es sugerir, y otra atreverse a rodar tu propia película de género. El resultado, un trabajo notable, lleno de entusiasmo y nostalgia a partes iguales, con coreografías sencillas, actores que no saben cantar, pero que se dejan el alma por la causa, y una música escogida, la que Allen siempre ha venerado,como auténtica protagonista del film. Gran reparto, encabezado por el propio Allen, y que cuenta con actores como Edward Norton, Tim Roth, Natalie Portman, o Julia Roberts. 1996 La taquilla tiembla con éxitos del tamaño de “La Roca”, de Michael Bay, “Independence Day”, de Roland Emmerich, o “Misión Imposible”, de Brian de Palma, y protagonizada por un Tom Cruise que hace doblete con “Jerry Maguire”, otra de las películas del año. Wes Craven recupera la esencia del mejor cine de terror adolescente con “Scream”, y el infecto director danés Lars Von Trier, se hace mundialmente famoso con la aclamada “Rompiendo las olas”, un truño insoportable, que además impone un movimiento llamado Dogma, llamado a excluir los elementos técnicos de un film, o lo que es lo mismo, puro terrorismo cinematográfico. Pese a sus excelentes películas, es un año algo raro, más bien soso, cercano a despertar sensaciones algo deprimentes.

Atentos al último baile, lleno de elegancia y emoción, toda una gozada que demuestra el buen

hacer y la pasión del genial realizador por lo que De su reparto, el regalo que supuso catapultar a está filmando. la fama a dos actorazos como Robert Carlyle, que interpreta a un Francis Begbie de leyenda, y Ewan Cierto que no estamos ante una de las mejores McGregor, que ya protagonizaba “Tumba abierta”. cintas del maestro, pero solo por ser una rara avis en su filmografía, ya merece la pena. Me permito el lujo de añadir la primera linea de dialogo del film, narrado en off por Renton, al que TRAINSPOTTING da vida McGregor, sus frases, tan políticamente incorrectas como acertadas, son uno de los Al británico Danny Boyle apenas se le conocía, salvo incalculables tesoros del cine de los 90. por un prometedor debut, “Tumba Abierta”, un trabajo que llamo un tanto la atención de los circuitos cinéfilos por su original sentido del humor.

“Elige la vida, elige un empleo, elige una carrera, elige una familia, elige un televisor grande que te Poco podía pensar Boyle la que iba a montar con cagas, elige lavadoras, coches, equipos de compact su segunda película, basada en la novela de Irvine Welsh, Traisnpotting es la historia de un grupo de disc y abrelatas eléctricos. jóvenes escoceses, la mayoría de ellos enganchados a la heroína, y cuyos valores sobre la vida están por Elige la sal, colesterol bajo y seguros dentales, elige pagar hipotecas a interés fijo, elige un piso completo distorsionados. Con un poderoso e innovador estilo visual, y un lenguaje descarado y soez, el film se convirtió rápidamente en todo un fenómeno social, tocando la fibra sensible de una juventud reflejada en el pesimismo vital de sus personajes, y que la elevaron a película de cabecera de toda una generación

piloto, elige a tus amigos.

Elige ropa deportiva y maletas a juego, elige pagar a plazos un traje de marca en una amplia gama de putos tejidos, elige el bricolaje y preguntate quién coño eres los domingos por la mañana.

Elige sentarte en el sofá a ver tele-concursos que EL FUNERAL embotan la mente y aplastan el espíritu, mientras llenas tu boca de puta comida basura. Abel Ferrara es de esos directores malditos, su cine vive instalado en la provocación continua, pero Elige pudrirte de viejo, cagándote y meándote de vez en cuando se desmarca de lo insoportable encima, en un asilo miserable, siendo una carga y nos regala una joya como la que nos ocupa. para los niñatos egoistas y hechos polvo que has engendrado para reemplazarte. Cine de mafiosos, con un marcado carácter tenebroso, que se escenifica en lo apagado de su Elige tu futuro, elige la vida....... Pero, ¿por qué iba fotografía, ideal para transportarnos a una época yo a querer hacer algo así?. convulsa, un irreconocible Nueva York de los años 30. Yo elegí no elegir la vida, yo elegí otra cosa. ¿Y las razones?, ¡no hay razones!. Un género muy trillado, al que Ferrara consigue ¿Quién necesita razones cuando tienes heroína?” dar una plausible vuelta de tuerca, para mostrarnos unas almas corruptas, afeadas por la rivalidad, FARGO la política, la obsesión sexual, en definitiva, el poder, o el privilegio que otorga el mismo, y que Los hermanos Coen y su particular universo al irremediablemente, lleva al exceso. servicio de una historia criminal, tan del gusto de tan geniales autores, que juegan al despiste desde En el reparto, destaca Cristopher Walken, siempre la primera secuencia, en la que advierten, a modo a un nivel notable, pero la cinta pertenece a Chris de telefilm, que los acontecimientos que estamos Penn, que en paz descanse, su personaje es el apunto de presenciar, están basados en hechos catalizador de todo el drama que contiene la reales, cuando en realidad todo es fruto de su historia, una actuación sublime y desgarrada, que imaginación. le valió la prestigiosa Copa Volpi al mejor actor en el Festival de Venecia. Excelente trabajo de Frances McDormand, esposa de Joel Coen, a la que el doblaje en español no TESIS hace justicia, y que realiza una interpretación mesurada y contenida, con un instinto natural El debut de Alejandro Amenábar, uno de los envidiable. indiscutibles valores de nuestra cinematografía, que para abrir fuego, eligió un thriller oscuro, que Del reparto, destacar también a William H. Macy, se sumerge en el aterrador mundo de las snuffmagnifico como pobre diablo, y Steve Buscemi, movies, o lo que es lo mismo, asesinatos reales uno de los actores fetiche de los Coen. grabados frente a una cámara. Como le pasa a muchas grandes películas, Fargo no se puede juzgar con un solo visionado, su grandeza va creciendo con cada nueva revisión, es entonces cuando uno se da cuenta de lo importante de sus matices secundarios, los que de verdad construyen y dan fortaleza a su parte más explícita y reconocible.

Para lo que tenemos que soportar habitualmente con el cine español, Tesis se presenta como un trabajo diferente, fresco y original, bien rodado, ágil en su narración y sobre todo, muy sorprendente.

Con diferencia, la mejor película de su director, y no es un film perfecto, adolece de ciertos defectos El film obtuvo sendos Oscar a mejor guión propios de la inexperiencia, pero contiene un original y mejor actriz, además del premio a la encanto único, especial, es sin duda el trabajo mejor dirección en el Festival de Cannes. más sincero de Amenábar, justo antes de perderse en homenajes desconcertantes, ideas ya vistas, o dramas artificiales que rozan el tedio.

SANGRE Y VINO

Destacar de entre el reparto el excelente trabajo de Michael Caine, que le valió el premio a mejor La fructífera colaboración entre el director Bob actor en el Festival de San Sebastian. Rafelson y el actor Jack Nicholson, asciende nada menos que a ocho títulos, encontrándose entre Un film sencillo, pero contundente, con algún ellos trabajos tan destacables como “Mi vida es mi altibajo en su narración, pero compensado en la fortaleza de su historia y en el buen trabajo, con vida” o “El cartero siempre llama dos veces”. mucho oficio, de Rafelson tras la cámara. Para esta, su última colaboración hasta la fecha, eligen el escenario más acorde con el género EL PACIENTE INGLÉS estrella en los 90, una historia criminal, que gira entorno al robo de un valioso collar, y que alterará Una de las grandes triunfadoras de la historia sobre manera la vida de los implicados, tanto los de los Oscar, 9 estatuillas nada menos, para un que participan de forma activa en su consecución, film ambientado en el norte de África, en plena como los que cohabitan con los mismos. Segunda Guerra Mundial.

Excelente trabajo de Anthony Minghella, sutil, delicado y muy implicado en la historia, llena de romanticismo, sobre todo en su parte final, de lo mejor rodado en ese aspecto en muchos años. El film se puede considerar un “Memorias de África” en el desierto, comparte muchos nexos de unión con ella, y ambas son ya clásicos indiscutibles, pero allí donde el film de Sydney Pollack resultaba más dinámico, nuestro paciente agoniza, en demasiado tramos, y hace extensible esa sensación al espectador, que encontrara sobrados motivos para la celebración, pero también para el sopor. Técnicamente es una película deslumbrante, con uno de los mejores trabajos de sonido y fotografía que se puedan referenciar. MICHAEL COLLINS

James estrella su coche de manera fortuita contra el de Helen, ambos son ingresados en el mismo Neil Jordan se pone serio para contarnos los hospital, y desde ese momento, surge entre ellos orígenes de la lucha armada en Irlanda en una extraña atracción, que acabará llevando a oposición al invasor inglés, a principios del S.XIX. James a un terreno prohibido y peligroso, lleno de violencia y muerte. El nacimiento del IRA, que, como todo inicio, tiene un componente romántico y noble, esa es la Un cóctel turbio de accidentes, sangre y sexo, faceta que Jordan busca mostrar, a través de un mucho sexo, entendido como una fusión entre Liam Neeson imponente y entregado al personaje, los cuerpos destrozados, en esa simbiosis que lo que más tarde fue terrorismo injustificado, entre el metal y la carne, surge un enfermizo e comenzó como una rebelión armada contra un incontenible deseo entre los adictos a tan extrema manifestación. gobierno invasor y opresivo. Una apuesta personal del director, que además firma el guión, cine sobrio, perfectamente narrado, que obtuvo el León de Oro en el Festival de Venecia a mejor realizador. CRASH Si alguien está pensando en el famoso film ganador del Oscar a mejor película en 2005, que se la quite de la cabeza, yo pretendo hablar de la buena, la de David Cronenberg, un film obsesivo y peculiar, como casi todo lo que resulta de escrutar la filmografía del maestro canadiense.

El film obtuvo el premio especial del jurado en el Festival de Cannes, pero cuidado al acercarse a ella, solo determinados gourmets podrán quedar satisfechos con su propuesta. EL ESCÁNDALO DE LARRY FLYNT El excelente director checo Milos Forman, se presenta como el realizador ideal para contarnos la vida y obra de Larry Flynt, el visionario autor de, entre otras publicaciones, la revista Hustler.

La pornografía como modo de vida, el film plantea hábilmente el tema de la libertad de expresión, tan presente en la filmografía de un Forman, que como seña de identidad, ironiza con gran acierto sobre el material, pero sin resultar frívolo ni un solo segundo, ni renunciar a contar la verdad del personaje, por muy dolorosos que puedan resultar algunos pasajes de su vida.

Woody Harrelson interpreta de manera diligente a Flynt, bien acompañado por Edward Norton, naciendo como estrella, y Courtney Love, la ex de Kurt Cobain, que está realmente brillante en su caracterización de Althea.

1997 En un año en el que “Titanic” arrasa en todos las facetas cinematográficas posibles, coronando a James Cameron como indiscutible Rey del mundo, dejarla fuera puede parecer injusto, pero la cosecha del 97 es tan buena, que al reducir a diez los títulos escogidos, es inevitable para un servidor llevarse por delante esta maravilla de la ingeniería fílmica, que obtuvo 11 Oscar, cosa que no ocurría desde que “Ben-Hur” los consiguiera en 1959 Las razones de su falta de concurso merecen ser explicadas, es indudable que “Titanic” es visualmente demoledora, y en casi todos sus

apartados técnicos es sobresaliente, pero el film naufraga, nunca mejor dicho, en la profundidad dramática de sus personajes, y es que Cameron siempre fue bastante nulo como director de actores, y eso pasa factura a la cinta.

DESMONTANDO A HARRY

Como se puede apreciar, cine de calidad para todos los gustos, por eso sorprende que una cinta como “Funny Games”, del austriaco Mickael Haneke, se gane el beneplácito de crítica y público, un trabajo soporífero, artificial, y pedante hasta decir basta, exactamente, como el resto de títulos que adornan la filmografía de este sobrevalorado e innecesario - timador realizador.

Basta decir sobre “Desmontando a Harry”, que figura en el top ten de las mejores películas del director, y eso ya son palabras mayores, además, presenta un trabajo innovador tras la cámara, bastante menos convencional de lo esperado, apoyado en un montaje sesgado, que ya utilizó previamente en “Maridos y Mujeres” con gran acierto.

Woody Allen desnuda su propio ser, enfundado en la piel de Harry Block, un escritor de éxito, profundamente depresivo, neurótico, indeseable, putero, y casi cualquier adjetivo que se os pueda Otros grandes éxitos, casi todos pertenecientes ocurrir en esa línea. a la temporada estival son: “Men in Black” de Barry Sonnenfeld, “The Game” del maestro El problema añadido, es que Harry ha utilizado David Fincher, “Con Air” de Simon West, “La a sus personas más cercanas y queridas para sus princesa Mononoke”, cine de animación japonesa relatos, con lo cual casi todos le odian, su única del gran Hayao Miyazaki, “Alien Resurrection” vía de escape, es recurrir a sus relatos, solo en de Jean-Pierre Jeunet, “Pactar con el Diablo” de ese mundo paralelo, encuentra el calor y la Taylor Hackford, con un Al Pacino enorme, “El comprensión de sus personajes. mundo perdido”, secuela de Spielberg de “Jurassic Park”, y bastante mejor que la original, “Starship Obra Maestra descomunal de un genio en pleno Troopers”, del maestro Paul Verhoeven, Gattaca, estado de forma, el último gran director de la de Andrew Nicol, “Legítima defensa”, la última comedia inteligente, la ironía como estandarte, gran película del maestro Coppola, “Una rubia en esta ocasión, mucho más ácida, autocrítica, y auténtica”, de Tom DiCillo, y “Aflicción”, de Paul plena de contundencia, pero dejando lugar a un final emocionante y emocionado. Schrader.

Os dejo con Harry bajando al infierno en un ascensor, momento sublime del film: 5ª Planta: Carteristas de metro, mendigos agresivos y críticos literarios. 6ª Planta: Extremistas de ultraderecha, asesinos en serie, abogados que salen por televisión. 7ª Planta: Medios de comunicación, lo sentimos, esta planta está llena. 8ª Planta: Criminales de guerra evadidos, telepredicadores y asociaciones a favor de las armas. Última Planta: Todo el mundo fuera.

L.A. CONFIDENTIAL

novela de Ellroy había lucido tan bien en la gran pantalla.

Curtis Hanson adapta a James Ellroy, y reinventa el cine negro, que luce moderno, pero con las mejores esencias del clásico, apoyado en el corte duro y sobrio de su puesta en escena, y el rigor de su brillante desarrollo argumental.

MEJOR IMPOSIBLE

Dos policías se ven envueltos en un caso criminal muy complejo, que se ramifica hasta el límite de poner en peligro el prestigio del propio departamento de policía de Los Ángeles. Cine policiaco, ambientado con envidiable estilo en los dorados años 50, y que se beneficia del trabajo de sus actores, unos por entonces poco conocidos Rusell Crowe y Guy Pearce, que bordan sus papeles, bien secundados por Kevin Spacey, Danny de Vito y Kim Basinger, que obtuvo el Oscar a mejor actriz de reparto por su perfecta caracterización de imitadora de Veronica Lake. El film obtuvo además el Oscar a mejor guión adaptado, merecidísimo, pues nunca una

James L. Brooks, director, guionista, productor, y uno de los padres fundadores de Los Simpsons, esa indiscutible Biblia animada de nuestra generación, es un realizador peculiar, no excesivamente prolífico, pero que cuando estrena cinta, es un

tipo a tener en cuenta, como buen exponente del CUBE mejor cine de calidad. El canadiense Vincenzo Natali sorprendió a propios y extraños con un film original y pleno Melvin es un escritor de éxito, también es un de energía, con diferencia, la cinta sorpresa del maniaco y obsesivo hijo de perra, por casualidad, año, un oscuro y obsesivo film de terror, llamado entabla contacto con su vecino gay, al que detesta, a ocupar el trono de las mejores películas de culto al mismo tiempo que se siente atraído por la en el género. camarera del restaurante al que acude cada día a comer, y con la que tampoco tiene una relación Un grupo de desconocidos, despierta en una extraña estructura, ninguno sabe como ha precisamente buena. llegado allí, pero pronto descubren que sus vidas corren un peligro extremo, pues en las diferentes Jack Nicholson encaja como un guante en el papel habitáculos que conforman tan extraño armazón, protagonista, bien acompañado por una deliciosa hay multitud de trampas, a cada cual mas Helen Hunt, ambos actores ganaron el Oscar por mortífera. sus respectivos papeles, y no es el primero de Nicholson a las órdenes de Brooks, con el que Un trabajo único, pleno de originalidad, que ya ganó anteriormente a mejor actor de reparto tensiona su argumento de una manera sublime, por “La fuerza del cariño”. Cierra el triángulo con una contundencia ajustada y sorprendente. de amistad, un descomunal Greg Kinnear, en el Peliculón. papel de su vida. Una film inteligente, muy excéntrico, pero que desprende un embriagador aroma a clásico, esa es su mejor virtud, su carácter diferente, que la aleja del resto en un género tan poco agradecido como el de la comedia romántica.

LA CORTINA DE HUMO En plena resaca por escándalo sexual de Bill Clinton con Monica Lewinsky, el genial dramaturgo, director y guionista David Mamet, presenta la historia de un presidente norteamericano, envuelto en un lío de faldas, que para salir del paso, se inventa una guerra ficticia con Albania. Una sátira política fantástica, temporalmente astuta y acertada, que además incluye el elemento cinéfilo de recurrir a un productor de Hollywood, - magistral Dustin Hoffman - para que monte el espectáculo televisivo del conflicto. Excelente reparto, con protagonismo de un Robert De Niro pasado de vueltas, algo menos que Woody Harrelson, pero este último resulta adecuado y simpático, lo mejor, el mencionado Dustin Hoffman, que se come la escena con entusiasmo y saber estar. Una película de gran calidad, que sobrevive incluso a la torpe dirección de un Barry Levinson, que frivoliza en exceso ciertas partes de argumento, es

Will - Damon - es un joven conflictivo, vive en un barrio problemático, y casi siempre anda metido en líos con la justicia, pocos saben que en realidad tiene una asombrosa capacidad para las matemáticas, cuando un día descubren su genialidad, un nuevo mundo se abre ante sus ojos, lo que le obligará a tener que escoger entre EL INDOMABLE WILL HUNTING la nueva que se le ofrece y la lealtad a sus amigos Gus Van Sant, uno de los gurús del cine de siempre. independiente de principios de los 90, recoge el guión de dos jóvenes y desconocidos actores, Ben Affleck y Matt Damon, que además interpretan Un film brillante y convincente, que se beneficia los papeles principales, el resultado, un éxito de del buen trabajo de sus actores, entre los que crítica y público, que catapulta las carreras de destaca Robin Williams, que por fin obtuvo el ambos, Oscar a mejor texto original incluido, Oscar, a mejor actor de reparto, por su papel de hasta límites insospechados por aquel entonces. psicólogo. ¬inevitable pensar que en manos de un realizador más competente, podríamos estar hablando de una Obra Maestra, pero igualmente, “La cortina de humo” es un título de lo más recomendable.

Poco se podía prever, que en el devenir de los años, Affleck se convertiría en un director tan aclamado, mucho tuvo que soportar los rumores de no haber participado apenas en el guión, derivados de una carrera más bien irregular como actor, todo lo contrario de Damon, cuya trayectoria profesional es casi impecable.

LA VIDA ES BELLA Roberto Benigni robó el corazón de millones de espectadores de todo el mundo, con esta preciosa y sencilla fábula, en cuyo metraje resuenan los ecos del mítico Charles Chaplin.

Un film dividido en dos partes, que cuenta la historia de Guido, en su afán por conquistar a Dora. Una vez casados y con un hijo pequeño, estalla la Segunda Guerra Mundial, y como judíos, son llevados a un campo de concentración, donde se presenta la lucha de un padre por proteger la vida de su hijo contra cualquier adversidad. Benigni representa en entusiasmo vital y contagioso, el contrapunto a lo más terrible es el sentido del humor, pero sin frivolizar en ningún momento con el holocausto, mostrándose tierno y terrible al mismo tiempo y en la dosis adecuadas, cuando el desarrollo narrativo así lo exige.

JACKIE BROWN Quentin Tarantino dirige su única adaptación a cine, basada en la novela de Elmore Leonard del mismo título, pero arrastrado a su peculiar universo, a mayor gloria del blackxplotation, cine hecho por negros y para negros, que tuvo su mayor momento de gloria en la década de los 70.

Tarantino es un mitómano, y como bien dice Samuel L. Jackson, un negro de corazón, recupera a Pam Grier, la reina de tan característico movimiento cinéfilo, y le entrega el papel de su vida, amén de rodearla de actores de la talla de Robert de Niro, Michael Keaton o Bridget Fonda, El mayor éxito del cine italiano de todos los pero los que de verdad se salen en sus trabajos, tiempos, ganó tres Oscar a mejor película de habla son el mencionado L. Jackson, que jamás estuvo no inglesa, mejor actor, y mejor BSO. mejor, y Robert Forster, un olvidado actor de serie B, y que está sublime. Un thriller criminal magnífico, que descoloca en su primer visionado, por ser el menos Tarantiniano

de sus filmes, pero que crece con el paso de los Un film infravalorado, incluso por un servidor, años de manera incontestable, hasta su lugar de que no apreció su enorme alcance en su momento, pero que con el paso del tiempo, comprende que privilegio como clásico contemporáneo. las referencias de Anderson eran un juego, porque Atentos a su escena final, una de las conclusiones lo que de verdad trasciende de “Boogie Nights”, más tristes, y a la vez memorables, de la historia es un estilo personal demoledor, y un sentido del humor único, cargado de magníficas sutilezas. del cine moderno. BOOGIE NIGHTS Hay muy pocos directores en la historia del cine que puedan considerarse auténticos genios revolucionarios, adelantados a su tiempo, el californiano Paul Thomas Anderson es uno de ellos, un visionario autor, cuyo universo, personal y complejo, es todo un regalo para cualquier cinéfilo que se precie.

Un reparto coral, en el que destacan Mark Whalberg y Julianne Moore naciendo como estrellas, además de Don Cheadle y John C. Reilly, dos excelentes actores. Todos ellos se pueden considerar deudores del cine de Anderson, ya que gracias a su trabajo en el film, consiguieron, en mayor o menor medida, hacer despegar sus carreras. Procurad no abandonar su visionado hasta que el autentico “asunto”, protagonista del film, haga su aparición, y el soberbio tema de ELO, - Electric Light Orchestra - “Livin’ Thing”, funda a negro los boquiabiertos rostros de más de uno.

Para su segunda película, Anderson eligió el apasionante mundo del porno en los 70, como plataforma ideal para experimentar un choque de estilos, que comprende desde lo meramente visual, punto en el que recuerda al Scorsese de “Uno de los nuestros”, a lo argumental, cuya ingenuidad de los Obra Maestra. personajes se acerca al “Ed Wood” de Tim Burton, sobre todo por el personaje de Jack Horner, que FULL MONTY da vida a un director X, que realmente piensa que su cine es arte y al que da vida con sobrado talento El cine británico es propenso a dejar, cada cierto Burt Reynolds. tiempo, una joya del tamaño de “Full Monty”, dirigida por Peter Cattaneo, una brillante y

original comedia, que puso de moda los strip- Excelente incursión de los temas “Hot Stuff ”, de tease masculinos no profesionales en todo el la diva Donna Summer, y “You Sexy Thing” del grupo setentero “Hot Chocolat”, sin duda, dos mundo. personajes más de la película. Gaz es un obrero en paro, a punto de perder el derecho de ver a su hijo, por no poder pasar la pensión alimenticia, en plena desesperación, tiene Full Monty fue elegida como la mejor cinta del la ocurrencia de montar un show erótico, con el año por los productores de Hollywood, un premio que espera ganar lo suficiente para poner fin a sus que siempre ha coincidido con el Oscar a la mejor película, solo en siete ocasiones no se produjo tal problemas económicos. circunstancia, pero ya se sabe, el peso arrollador Gran trabajo de Robert Carlyle, que cambia e intratable de ese buque cementerio llamado totalmente de registro respecto a su personaje en “Titanic”, resultó excesivamente contundente. “Trainspotting”, para mostrar a un ser humano encantador y vulnerable. Del reparto, destacar también a Tom Wilkinson, siempre impecable. Tremendo el mérito de Simon Beaufoy, guionista habitual de Danny Boyle, que presenta una historia social, género que suele resultar bastante cáustico, y consigue no aburrir e incluso mostrarse cercano el drama de los miles de trabajadores abandonados por las políticas de Margaret Thatcher, desde un prisma sencillo, sin adoctrinamiento. 1998 La taquilla del año se la reparten entre “Amageddon” de Michael Bay, “La máscara del Zorro”, de Martin Campbell, y “Blade” de Stephen Norrington. En una vertiente más seria, destacan títulos como “La delgada linea roja” de Terrence Malick, y “Acción Civil”, de Steven Zaillian. De las apuestas más raritas, con permiso de “Pi”, que encontrareis en la lista, sorprenden gratamente “Dark City” de Alex Proyas, y “American History X”, de Tony Kaye. La figura de Isabel I, “La Reina Virgen”, toma protagonismo, como podéis ver a continuación, en dos de las cintas del año, regalándonos interpretaciones soberbias de Judi Dench y Cate Blanchett.

EL GRAN LEBOWSKI La comedia de los 90, así de rotundo, los hermanos Coen se adueñan el género, de manera indirecta, porque lo que iba a ser cine negro en un principio, homenaje a la novela policiaca de Raymond Chandler, acaba en manos de unos protagonistas disparatados, Walter, un ex veterano de la Guerra de Vietnam totalmente desquiciado, Donny, un pobre gusano que no se entera de nada, y El Nota, un pacifista con el cerebro reblandecido por el consumo de marihuana.

de la que intentarán llegar al fondo de la misma, y si es posible, sacar tajada de ello. Delirante Obra Maestra que no da un segundo de tregua, desde el primer plano de Jeff Bridges - El Nota - con ropa hippie, gafas de sandalias, el film es un viaje donde la excentricidad se hace Arte, y la inteligencia de sus diálogos y personajes, que son un regalo, toman el control de la trama y la retuercen hasta límites de grandeza y originalidad plenos. Atención especial a la aparición de John Turturro, caracterizado como Jesus Quintana, un cameo que pertenece ya a la leyenda, momento cinéfilo de los que crean adeptos, como la película en sí, plagada de escenas memorables. Completan el reparto Julianne Moore, Steve Buscemi como Donny, y John Goodman, ese Walter inmenso en todos los sentidos, os dejo con la mejor frase del film, que precisamente sale de sus labios:

Por una casualidad del destino, sus apacibles “Dirán lo que quieran del nacional socialismo, vidas, que consisten básicamente en jugar a pero al menos, era una ideología” los bolos, se verán inmersas en una trama de secuestro y extorsión que les queda grande, pero

SALVAR AL SOLDADO RYAN Steven Spielberg vuelve a la II Guerra Mundial, pero en esta ocasión, al conflicto puro y duro, y cambia las normas de un género, el bélico, que tras sufrir la grandeza de su prólogo, jamás volverá a ser el mismo.

y mejor edición de sonido.

El film contiene además la mejor interpretación en la carrera de Tom Hanks, por desgracia, los 2 premios consecutivos de la Academia a principios de la década, pasaron factura a tan impresionante trabajo. Completan el reparto secundarios sólidos y con solvencia, Tom Sizemore, Edward Burns, Y es que lo del desembarco de Normandía es Paul Giamatti, entre otros, y Matt Damon, que da cine con mayúsculas, rodado con una crudeza y vida a Ryan. un pulso inauditos, suprema demostración del excelso talento de un realizador que, cuando deja DIOSES Y MONSTRUOS a un lado su vena más infantiloide, aspira sin problemas al título de los mejores pesados tras la Hablar de directores clásicos siempre resulta cámara de todos los tiempos. apasionante, pero si encima nos acercamos a la historia de uno de los míticos realizadores Cierto que su parte final acusa cierto afán de responsables del monstruo por excelencia de la grandilocuencia, y que su última escena es un Universal, la cosa se intensifica. tanto lamentable, pero sus virtudes superan con creces cualquier contrariedad, y es que son sus escenas de impacto las que quedan en la retina, Bill Condon adapta la historia de los últimos años como aquella de la herida de bala que no deja de de James Whale, genio responsable no solo de sangrar, o la memorable secuencia del cuchillo, la dirección de “Frankenstein” en 1931, cuya extrema frialdad pone los vellos de punta. sino de los propios bocetos de la criatura, un director Técnicamente prodigiosa, “Salvar al soldado capaz de Ryan” supuso el segundo Oscar a mejor director para Spielberg, amén de obtener 4 estatuillas más, a mejor fotografía, para el descomunal trabajo de Janusz Kaminski, mejor montaje, para Michael Khan, mejor

superarse a si mismo con su secuela “La novia de EL SHOW DE TRUMAN Frankenstein”, rodada apenas cuatro años después. Pongamos como posibilidad que, como dijo El film de Condon es un hermoso estudio sobre Nietzsche, Dios haya muerto, en ese punto, un la soledad del creador, en el ocaso de su carrera, genio creador de la televisión, coge el testigo, cuando ya nadie recuerda apenas tu nombre, un adopta a un bebé, le introduce en un mundo doloroso relato que se beneficia de la portentosa creado para el, lleno de miles de cámaras, que actuación de Sir Ian McKellen como Whale, le despojan de todo rastro de intimidad, y por una caracterización que devora al personaje de supuesto, para perpetuar la idea, le hace ajeno manera majestuosa para hacerlo propio, tales son a la realidad, rodeándole de cientos de actores, que incluyen como tales a su esposa y a su mejor los nexos de unión comunes entre ambos. amigo. Completan el reparto un convincente Brendan Fraser, jardinero de Whale, y una portentosa Lynn Esta genialidad pertenece al guionista Andrew Niccol, y el toque final, al magnífico director Redgrave, en el papel de criada del director. australiano Peter Weir, de la fusión de ambos De nuevo hay que mencionar a Carter Burwell, autores, surge un film visualmente luminoso, con una de sus mejores Bandas Sonoras, si alguien malvado y adelantado a su tiempo, pues en apenas la desconoce, que se detenga a escucharla unos dos años, las televisiones de medio mundo se hicieron eco de un formato similar, y los infectos minutos, es una auténtica pieza maestra. Grandes Hermanos contagiaron a la audiencia El film proporciono a Bill Condon el Oscar a con su despreciable propuesta, vacía y carente de interés. mejor guión adaptado. En el reparto, un Jim Carrey mejorado como actor, que sin cambiar de registro en exceso, matiza con enorme humanidad a Truman, pero si alguien merece una mención especial, ese es Ed Harris, uno de los mejores actores norteamericanos del cine contemporáneo, su Christof es Dios Padre, Hijo, y Espíritu Santo en una sola forma visible, radicalmente severo, y cuyo discurso de poder absoluto, es una sonora patada en los mismísimos para aquellos defensores de los fanatismos religiosos extremos.

SHAKESPEARE IN LOVE La gran triunfadora en los Oscar de 1998 con 7 premios, una excelente comedia romántica, ambientada a finales del Siglo XVI, y que cuenta, de forma bastante libre, las tesituras de William Shakespeare en la creación de Romeo y Julieta, sin duda, su obra más universal.

Tres hombres y todos distintos, el inseguro, el decidido depredador sexual, y el casado, tres mujeres, la insatisfecha, la bisexual, y la que no sabe que hacer con su vida, seis personajes, sus relaciones, y su forma de actuar, antagónica y compleja, tanto como lo es el ser humano en la sociedad moderna. El reparto funciona a las mil maravillas, destaca Jason Patrick, un actor más bien mediocre, que hace el papel de su vida, bien acompañado por Katherine Keener, siempre fantástica, Ben Stiller, la bellísima Nastassja Kinski, y Aaron Eckhart.

El director inglés John Madden acierta en su discurso elegante y romántico, no abusa de la grandeza de los personajes, sino que les humaniza para hacerles entrar en el juego de su argumento, esa es su mejor baza, y el secreto que hace del film una apuesta segura para cualquier público. Diálogos explícitos, cargados de mala leche, son las armas de esta película sencilla en su Excelentes trabajos de Gwyneth Paltrow y de planteamiento, minimalista, pero contundente en Judi Dench, esa gran dama de la interpretación sus conclusiones. Un film diferente y necesario. británica, embutida en la piel de Isabel I, ambas actrices obtuvieron el Oscar por sus respectivos PI papeles. Con un presupuesto ínfimo y rodando en blanco Joseph Fiennes da vida al inmortal dramaturgo, y negro, ese genial director llamado Darren y destaca dentro de un reparto bien escogido, Aronofsky, presentó sus credenciales como nuevo con grandes actores como Colin Firth o Geoffrey e indiscutible talento visual a las puertas de nuevo Rush. milenio. Una cinta del todo recomendable, inspirada, que Un matemático parece haber descubierto el sale airosa de un género poco agraciado, bastante secreto que se esconde tras el número Pi, desde escaso de títulos memorables. ese instante, será asediado por una agresiva compañía, y una secta judía, que pretenden AMIGOS Y VECINOS hacerse con el descubrimiento. El director y prestigioso dramaturgo Neil LaBute, tuvo su momento en el cine a finales de los 90, gracias a un estilo de comedia negra original, verbalmente agresivo y bien apoyado en el buen dibujo de sus variopintos personajes.

Cine asfixiante y seco, complejo, pero ante todo convincente, muestra de estilo fílmico underground, que hará las delicias de los amantes a los títulos poco convencionales, para el resto, cuidado con su ingesta, requiere de concentración y entrega a la intrincada causa que presenta, tanto argumental, como visualmente hablando.

El británico Clint Mansell, uno de los valores seguros de la composición orquestal moderna, y colaborador habitual de Aronofsky, pone la música. ELIZABETH Los hindúes, como antigua, aunque temporalmente cercana joya colonial, tienen una estrecha relación con el cine británico, es por eso que no sorprende tanto ver a un director de esas latitudes a los mandos de un producto de tan profundo calado anglosajón.

Kapur presenta al personaje de manera hábil, sin demasiadas florituras, consciente del poder inmenso de su figura, a la que pone rostro y talento la divina Cate Blanchet, bien acompañada en el reparto por actores de la talla de Sir John Gielgud, el gran Geoffrey Rush, o Sir Richard Attemborough. Cine de época, solvente y sobrio, bien realizado y con ese característico toque British, tan del gusto cinéfilo. RONIN

El por entonces veterano director John Shekhar Kapur es el encargado de mostrarnos los Frankenheimer, que en paz descanse, dio su primeros años del reinado de Isabel I, conocida último coletazo de grandeza con “Ronin”, un como “La Reina Virgen”, a mediados del Siglo apasionante y complejo thriller, notable ejemplo de fusión entre cine clásico y moderno. XVI. Cuando un Samurai sobrevivía a la muerte de su señor, caía en desgracia y se convertía en un Ronin, vagando sin rumbo fijo en busca de expiar sus pecados, y eso es justamente a lo que alude el título del film, sus personajes, supervivientes de la guerra fría, se han convertido en mercenarios sin honor, que venden sus servicios al mejor postor. Tras el guión, ese excelente dramaturgo que es David Mamet, que dota a sus variados personajes de una identidad personal única, ayudado por el talento de su reparto, que cuenta con Robert De Niro, Jean Reno, Sean Bean, o Natascha McElhone entre los más destacados. Ls persecuciones por Marsella, rodadas con nervio y rigor, recuerdan al excelente trabajo de William Friedkin en “French Connection”, una de las cumbres del género. UN ROMANCE MUY PELIGROSO Steven Soderbergh a los mandos de la adaptación de una novela de Elmore Leonard, buen motivo para acercarse a romance tan peligroso, aunque de romántico tiene poco, el film es más bien una historia criminal en la que los personajes implicados desconfían entre si.

Un trabajo infravalorado, muy bien realizado, con una puesta en escena brillante y un montaje sobresaliente, que se beneficia de la química entre George Clooney, el Cary Grant moderno, y Jennifer López, que nunca estuvo mejor. Como curiosidad, y rescatado del mismo universo de Leonard, Michael Keaton repite el personaje de “Jackie Brown”, el del agente Ray Nicolette, en esta ocasión, como novio del personaje de López. Esta es una de esas cintas que crecen con el tiempo, a medida que su atracción se hace contagiosa, quizá la hayas visto solo una vez y la hayas juzgado a medias, dale otra oportunidad, tiene más calado que la que una sola visita puede ofrecer.

Darabont, “Sleepy Hollow”, de Tim Burton, “eXistenZ” del maestro David Cronenberg, y “Un domingo cualquiera” de Oliver Stone. Del periodo estival, “La Momia” de Stephen Sommers, una bobería de aventuras, y “El talento de Mr. Ripley” de Anthony Minghella, un film tan interesante como aburrido. Pedro Almodóvar consigue para España, el tercer Oscar a mejor película extranjera con “Todo sobre mi madre”, pero la mejor del año a nivel doméstico es “Los sin nombre”, de Jaume Balagueró, brillante thriller de terror eléctrico.

1999 1999

El estreno del año, con diferencia, es “Star Wars: Episodio I - La amenaza fantasma”, que devuelve a George Lucas a la silla de mando de la saga para contarnos los antecedentes de la historia original, un trabajo con indudables momentos de gloria, como su parte final o su excelente Banda Sonora, pero que decepciona por su abrumador abuso de efectos técnicos, que le hacen descuidar la historia, y por la existencia de ese se cretino llamado Jar Jar Binks, al que cualquier aficionado de Star Wars, entre los cuales me incluyo, desearía borrar de la existencia. Películas destacables de 1999 son “Dias extraños”, de Kathryn Bigelow, “La milla verde” de Frank

ACORDES Y DESACUERDOS

EL CLUB DE LA LUCHA

Woody Allen reinterpreta su propia existencia a través de Emmet Ray, espléndido guitarrista de jazz, que llena el escenario con enormes dosis de talento, pero que cuando baja de el y se enfrenta a la vida real, se convierte en un ser despreciable e inadaptado.

“Somos una generación de hombres criados por mujeres, me pregunto si es realmente otra mujer lo que necesitamos”

Palabra de Tyler Durden, fabricante de jabón, nihilista, anti social, fundador del club de la lucha, una terapia contra el estrés de las normas sociales Ambientada en los años 30, el film es además un establecidas, que bajo el olor del sudor y la sangre, sentido homenaje de Allen a la música que tanto se difuminan para acercar a sus miembros a cierto ama, por eso hace y deshace, inventa personajes sueño de libertad individual. e idealiza el escenario acorde a sus deseos, mostrándose vulnerable, a veces incluso agrio, David Fincher adapta la novela de Chuck Palahniuk, pero sin dejar de contagiar de entusiasmo a la con una energía tras la cámara inaudita, y entrega audiencia. para la posteridad una Obra Maestra de infinito alcance, primera película antiglobalización de la A los mandos del reparto, un Sean Penn historia del cine, en extremo incorrecta, y de una omnipresente y adecuado, en un papel complejo, potencia visual y narrativa portentosa. del que sale sobradamente airoso, y una deliciosa Samantha Morton, cuyo personaje mudo es todo Brad Pitt, actor fetiche del realizador, se entrega a un regalo de bondad de gestos y miradas, pero Durden, un papel a su medida, bien acompañado de un gran Edward Norton, el insomne cofundador desde la contención, sin excesos interpretativos. del club, y Helena Bonham Carter, que lejos de Una gran película, algo desapercibida en su su acostumbrado cine de época, construye un filmografía, pero que se manifiesta como uno de personaje apasionante. los mejores títulos del maestro, lo que son palabras mayores. Casi 15 años después de su estreno, y en plena crisis planetaria, “El club de la lucha” mantiene intactos sus valores, manifestándose incluso más necesaria que entonces, como incontestable manual de sabiduría proletaria, aunque como toda gran apuesta de similares características, queda limitada a aquellos que sepan leer entre líneas.

Para los que acusan al film de extremo y fascista, decir que es imposible intensificar su mensaje sin recurrir a la violencia explícita, desgraciadamente, es el profundo cáncer que soportan las sociedades modernas, tan descreídas y asentadas sobre pilares de falsedad, en las que unas pocas compañías corporativas, controlan sin pudor las vidas de millones, bajo la permisividad de los gobiernos capitalizados, que sin ningún atisbo de decencia, no llaman a eso terrorismo, sino progreso.

AMERICAN BEAUTY El sueño americano hecho trizas de la mano del excelente director que es Sam Mendes, sobre el contundente guión de Alan Ball, cuenta la historia de la típica familia de clase media acomodada, que ve como el padre sufre una profunda crisis de identidad, que pondrá en peligro la estabilidad del resto de miembros, madre e hija adolescente, de por si ya bastante inconsistente.

El universo de un genio al servicio de una historia compleja, que pone de manifiesto la incapacidad del hombre para aceptar los más ocultos deseos sexuales de la mujer, desde ese prisma, Kubrick trenza las motivaciones de sus personajes, bajo la complicidad de Tom Cruise y Nicole Kidman, matrimonio real por entonces, a los que el director desnuda sentimentalmente, de una manera contundente y agresiva. Imposible no mencionar la escena cumbre de la película, esa en la que los más poderosos juegan a dioses de la lujuria, perturbador, excitante y terrible a partes iguales, con un trabajo técnico sublime, que es extensible a toda el metraje, pero que brilla con extremo fulgor en la secuencia mencionada.

Mendes abusa conscientemente de los mecanismos teatrales en su exposición, dando como resultado un aspecto visual cercano a lo irreal, perfecto para hacer que todo apeste a falsedad, y conseguir que lo políticamente incorrecto tome el mando, acusando de hipócritas a una sociedad en la que mostrase brutal y extremo esta permitido, pero cuyos comportamientos sexuales se ocultan con El testamento de un candidato perfecto a mejor vergüenza. realizador de la historia del Séptimo Arte, Stanley Kubrick no vio estrenada su última obra, se Excelente trabajo de Kevin Spacey, que obtuvo su fue de repente, dejando huérfanos a miles de segundo Oscar a mejor actor, y de Anette Bening, cinéfilos, cuyo único consuelo es pensar que los siempre perfecta. Mena Suravi, como lolita que grandes talentos no desaparecen cuando mueren, despierta el deseo incontrolable del personaje simplemente se hacen eternos. de Spacey, y un Chris Cooper tremendo, con el personaje más revelador de la trama, completan EL SEXTO SENTIDO el reparto. Pocas películas de Terror se pueden considerar El film fue el gran triunfador en la noche de los realmente memorables, esquivar los manidos Oscar, con cinco estatuillas, que incluían las de clichés, resultar realmente rompedor y sobre todo, mejor película, director y guión original. provocar el miedo del respetable, son elementos que en rara ocasión actúan de forma convincente. EYES WIDE SHUT El director y guionista M. Night Shyamalan, Tras diez años de ausencia, Stanley Kubrick tiene el honor de pertenecer al selecto club de puso en marcha su, a la postre, último proyecto, realizadores triunfantes en el género, gracias a un film que jugaba con el morbo de un trailer un esquema que no resulta ajeno, y que recoge la pretendidamente erótico, pero que en realidad mejor esencia de “El Exorcista”, obra cumbre de escondía una pesadilla conceptual, a lo largo de William Friendkin. Ambos trabajos desarrollan una noche, que transcurre en un Nueva York una primera mitad tranquila, que perfila los desconocido y desasosegante. personajes, para soltar todo su aparato de imágenes terribles en su parte final. Un joven y prestigioso médico cree tener la vida perfecta, hasta que una noche recibe Otro nexo común es el protagonismo de los niños, una inesperada confesión de su esposa, que que siempre provocan mayor congoja, en este caso, pondrá patas arriba sus valores y convicciones, Haley Joel Osmet nos regala a Cole, un personaje acercándole a un mundo excitante y peligroso. maldito, que acentúa su tragedia personal por el añadido de contar solo con la edad de ocho años,

por suerte, cuenta con la compañía de un Bruce y que compensa hábilmente los mecanismos sentimentales de los personajes, cuyo dibujo Willis implicado y siempre solvente. resulta su mayor virtud, gracias al trabajo de sus Es de suponer, que a estas alturas todos conocemos actores, del que destaca, por encima de todos ellos, el secreto que esconden sus imágenes, pero un Michael Caine en estado de gracia, paradigma por si acaso queda algún incauto no creyente, de bondad e inteligencia extrema, interpretado reconocerle la más sana envidia, pues se enfrentará por uno de los últimos clásicos vivos del cine. a uno de los mejores desenlaces de la década. Un film interesante, que suena a visto, por su El film supone también el inicio de una halo añejado, pero que se las arregla para resultar fructífera relación entre Shyamalan y el excelente emocionante en más de una secuencia, a veces compositor James Newton Howard, que ofrece hace falta tan poquito para convencer, como es una composición soberbia, en esta, su primera usar una frase en el momento oportuno: colaboración en común. “Buenas noches príncipes de Maine, Reyes de LAS NORMAS DE LA CASA DE LA SIDRA Nueva Inglaterra” Basada en la novela de John Irving, este intenso melodrama, ambientado en la Nueva Inglaterra Maine - de mediados del siglo pasado, cuenta la historia de Homer, un niño que siempre ha vivido en el orfanato del doctor Larch, y que llegado a cierta edad, desea conocer mundo lejos de esos muros.

Excelente BSO de Rachel Portman. MATRIX

Existe un antes y un después de Matrix, la cinta de los hermanos Wachoski nació para modificar las reglas del cine de acción contemporáneo, gracias a un estilo visual único y al uso de unos El sueco Lasse Hallström, un director algo deslumbrantes efectos técnicos. almibarado, recoge con presteza el guión, que adapta el propio Irving, - con Oscar incluido -

Neo es un hacker informático, que un día recibe una visita que le expone una terrible realidad, que atenta contra toda norma lógica sobre el mundo tal y como lo conocemos.

es cierto que la forma se impone al fondo de una manera arrolladora, lástima que su desafortunado final lastre un tanto el producto, sin duda es el principio del fin, que acaba desmoronando el castillo de naipes que suponen sus posteriores Buen trío protagonista el formado por Keanu secuelas, a cada cual más incoherente, Reeves, en el mayor éxito de su carrera, Laurence sobrecargada e innecesaria. Fishburne y Carrie-Anne Moss, el cuarto en discordia, en el otro lado del espectro, es Hugo El film obtuvo cuatro premios Oscar, a mejor Weaving, que construye un gran villano. montaje, mejor sonido, mejores efectos visuales y mejores efectos sonoros. En el aspecto argumental, destacar cierta falta de originalidad, no es un género fácil para ello, pero EL DILEMA Los 7 enanitos es, además de un icono infantil, como se conoce a las más poderosas compañías tabacaleras del mundo, el genial director Michael Mann abandona la violencia explícita, para adentrarse en los laberintos del thriller político, un género igualmente agresivo, pero bajo la mirada del realismo, lo que aún provoca mayor impacto. Jeffrey Wigand - Rusell Crowe - es un científico de uno de esos enanitos, y es conocedor del secreto que la industria del tabaco guarda celosamente, el uso de sustancias adictivas para eternizar el consumo del producto, tras entrar en contacto con el productor del prestigioso programa televisivo “60 segundos”, ambos plantean sacar a la luz toda la verdad, aún con el tremendo riesgo que esto supone para sus carreras. Obra Maestra descomunal, de lo mejor de la década, con un Rusell Crowe envejecido, convincente y soberbio, acompañado de un Al Pacino siempre adecuado, un film oscuro, que contiene un trabajo de dirección y un montaje dignos de enseñarse en las escuelas de cine. MAGNOLIA El gusto de Paul Thomas Anderson por los repartos corales, le lleva irremediablemente a uno de los temas estrella de los 90, el de vidas cruzadas, con la forma de una flor, de la que cada pétalo desprende una vida, una historia personal infectada de incomoda realidad.

Magnolia es un film complejo, a la altura de su sensacional realizador, el Orson Welles del nuevo milenio, la intimidad de sus personajes resulta casi tan fascinante como su misteriosa atmósfera, cercana a una oscuridad perpetua, que intensifica el drama cotidiano que supone enfrentarse a los problemas inherentes al ser humano. Actores de lujo, como Philip Seymour Hoffman, John C. Reilly, William H. Macy, habituales del Anderson, como lo es Julianne Moore, que nos deja una interpretación casi tan descomunal como la de Tom Cruise, sublime en la piel de un gurú del sexo televisivo. Conviene acercarse a ella con la mente abierta, su laberinto emocional puede descolocar a los más curtidos, al menos esperad a que la lluvia purificadora lo barra todo, así podréis presumir de ser testigos de una de esas escenas inolvidables, germen de interminables y apasionadas tertulias cinéfilas. El film obtuvo el prestigioso Oso de Oro en el Festival de Berlín.

y Cameron Díaz espléndidos, sin olvidar claro está al rey de la función, un John Malkovich COMO SER JOHN MALKOVICH implicado, haciendo de si mismo, y una soberbia composición musical de Carter Burwell, son las El día que el guionista Charlie Kauffman y el mejores bazas de un trabajo diferente, único en su director Spike Jonze su unieron, el planeta cine especie, que tiene el surrealismo como bandera. estaba de enhorabuena, desde entonces no hemos dejado de reír y sorprendernos con tan estimulante Pocos trabajos merecen más el título de película golpe de genialidad, extremo insoslayable de la de culto de los 90. máxima originalidad. CONSIDERACIONES FINALES Craig es un marionetista en paro que necesita trabajar, como es rápido con las manos, consigue Hasta aquí el repaso a toda una década, ante un empleo de archivero en la extraña planta 7,5 todo ser consecuentes y reconocer, aún sin tener de un edificio, en la que por casualidad, acaba muy claros los títulos, y como decíamos al inicio, descubriendo una puerta secreta al cerebro del que ha debido quedarse más de una cinta en el actor John Malkovich. limbo, eso sin olvidar, que sobre los mencionados, encontraréis más de un desarrollo frívolo e incluso Un guión tan disparatado como soberbio, prescindible, pero de eso se trata, poder ofreceros unos actores, John Cusack, Katherine Keener, algo genuino, como siempre, es nuestra única

motivación, y como se suele decir, lo imperfecto tiene un encanto envidiable. Imposible no recurrir a aquella frase tan socorrida cuando hablamos de cine pretérito, esa que dice que todo tiempo pasado fue mejor, algo injusto, porque siempre tenemos mejor conocimiento de lo que, pasados los años y los visionados, hemos podido analizar más a fondo, pero es igualmente cierto que el cine del nuevo milenio recibió un mazazo terrible con la caída de Las Torres Gemelas en Nueva York. Desde ese momento, Hollywood empezó a reclamar argumentos épicos, con los que entretener y psicoanalizar a los espectadores, de ahí surgieron héroes del Peplum por doquier, grandes gestas, con anillos de invisivilidad que deben ser destruidos, adaptaciones de cómic sin límite, e incluso cine de piratas, que recuperaban el ánimo y la moral de un público necesitado más que nunca de evasión. El cine criminal de los 90 queda por tanto difuminado, y las historias más radicales y subversivas se prohíben, el ejemplo de “El club de la lucha”, cuya exhibición queda censurada, es uno de los más flagrantes, y lo peor, queda burdamente justificado como un asunto de seguridad nacional, cuando nadie debería poner límites a ningún tipo de manifestación cultural, sobre todo si se trata de una pieza tan magistral y reveladora. Dejando el pesimismo a un lado, los cinéfilos siempre encontramos remansos de paz en los que refugiarnos, en forma de los grandes directores, que pueden decepcionar en algún momento, pero que siempre están ahí para devolvernos la fe en el Séptimo Arte, los Tarantino, Anderson, Fincher, Cronenberg, Allen, o Scorsese, mantienen el pulso. Situados estratégicamente bajo su protección, seguimos adelante con las suficientes dosis de ilusión y entusiasmo.

Por Antonio Alcaide.

especial

saga terminator Se mire por donde se mire, James Cameron es un genio. Este tipo tan sonriente lo mismo te hunde el Titanic, que te hace un documental sobre la tumba de Jesucristo, que convierte a Chuarche en un robot asesino del futuro. Si bien es un director que no se prodiga demasiado, siempre nos ha sorprendido y ha dado esperanza a aquellos que ya veíamos un panorama fílmico bastante negro. Voy a hacer un análisis de las cuatro películas e incluso sobre la serie de televisión. Siéntate y coge palomitas, porque vamos a ir desde las entrañas de los filmes de segunda clase de los ochenta, al futuro más tuning que te puedas imaginar. ASIER MENÉNDEZ

terminator Antes dije que Cameron era un genio, y lo mantengo, porque sólo un hombre con aptitudes que al resto nos faltan haría lo siguiente. Por lo visto, la idea para la película del organismo cibernético surgió (aparte de la aportación de Harlan Ellison) tras comerse un sándwich en mal estado. Esto le provocó fiebres y pesadillas en las que estaba convencido de que un robot había sido enviado del futuro para matarle. Cameron también estaba pasando por algunas depresiones, no tenía un duro, estaba sufriendo mucho para terminar una película sobre pirañas voladoras (que, sí, vale, no era suya… pero pirañas voladoras) y se dice que de ahí sacó la idea. El resto de nosotros hubiera vomitado y pedido una baja laboral de un mes por lo menos. Eso sí, si hace años en Ebay se pagaron 520 dólares por un sándwich a medio comer por Britney Spears, ¿Cuánto podría llegar a pedir Cameron por el suyo? La película, en resumidas cuentas, nos habla de lo siguiente. Dentro de unos

pocos años Skynet, una inteligencia artificial con muy mala leche condenará a la raza humana a la extinción. Sin embargo los hombres son demasiado duros de matar y en sus últimos momentos decide enviar a una máquina asesina al pasado para matar a la madre del líder de la resistencia, John Connor. Los hombres descubren lo que han hecho, y son capaces de enviar un único protector que se enfrentará al Terminator en 1984 en la ciudad de Los Ángeles. Hay que añadir que mientras dura la película, (una noche) Sarah Connor descubrirá lo que el futuro le depara a la humanidad en general y a ella en particular. Harán el amor (es que hay que reconocer que es una forma original para ligar) poco antes de que el Terminator los alcance, y en una fábrica, con su armazón metálico al descubierto, los perseguirá y acabará con Kyle para después ser aplastado en una prensa hidráulica. La pesadilla ha terminado.

terminator 2 el dia del juicio final This time, they are two. Y si creo que hay alguna película que debería ser estudiada en las escuelas de cine, es esta. Aun recuerdo que cuando salió en VHS yo tenía cinco o seis años, y la alquilé tantas veces que la acabé estropeando. T2 supuso en su momento la película más cara de la historia del cine y creó algunas imágenes que hoy, casi veinte años después, siguen teniendo la misma fuerza. Desde los primeros segundos, con la niña balanceándose sobre el columpio, para pasar a un paraje desolado del futuro donde un Terminator aplasta un cráneo humano, todo es una delicia para el espectador. Sí, es una peli de Schwarzenegger, sí, es ciencia ficción, uno de esos géneros menospreciados por los que van de cultos y repipis, pero ciencia ficción de la buena. Ahora hay dos máquinas, una que quiere acabar con el hijo de Sarah, John, mientras es sólo un crío y otra reprogramada para ser su protector. Además presenciamos algo increíble en aquellos tiempos, el robot de metal líquido T-1000, capaz de crear armas punzantes y de adoptar la forma de todo lo que toca. Así que le veremos transformarse en los padres adoptivos de John, en un vigilante del hospital psiquiátrico donde Sarah fue encerrada por contar la historia del futuro, y en muchos más. Además, Arnold protagoniza el rol del protector, justo lo contrario que en el anterior filme, cosa arriesgada ya que pensaron que el público recordaría cierta escena en la que sin despeinarse le arranca el corazón a un macarrilla durante la primera parte. Esta segunda peli nos cuenta además el nacimiento de Skynet, con unas palabras que se grabaron a fuego en la memoria de todos nosotros y nos mostraron el fin del mundo en la escena en la que desde la ventana del edificio de Ciberdyne,

Chuarche dispara hacia los coches de policía haciéndolos explotar. En esta ocasión no nos limitamos a sobrevivir, queremos impedir el futuro, cambiarlo, y por eso Cameron nos llevará al origen de todo, al lugar donde Skynet se está desarrollando. Mientras luchan con el T-1000 destruirán todo rastro de su existencia, y la carrera finalizará en una fundición donde se arrojará a la máquina asesina a un pozo de metal fundido donde se retorcerá hasta disolverse en medio de unos chillidos casi humanos. Entonces el Terminator protector sabe lo que ocurre. Aún hay un último vestigio del futuro, él mismo, y pide que le bajen hasta la caldera para ser destruido también. John llorará, le ordenará que no se marche, que se quede con ellos. Pero la máquina dice que “lo siente” “que debe marcharse” y esto es lo más importante: “Ahora sé por qué lloráis, pero eso es algo que yo nunca podré hacer” Cuando finalmente su luz se apaga, Sarah y John se abrazan. Quizá hay esperanza a partir de ahora.

terminator 3 la rebelion de las maquinas Despacho de los guionistas de T3. 9:47 de la mañana. Guionista 1: Dicen que John Peters se ha interesado por el proyecto. Guionista 2: No me jodas, ¿y qué hacemos? Guionista 1: Estoy por no currarme el argumento. ¡Eh! ¿Y si le damos el guión de la segunda parte? Guionista 2: ¿Tú crees que colará? Guionista 1: No sé, ponle una tía buena, a ver qué pasa.

Y para que entendáis de lo que hablo, John Peters fue el tipo que convirtió su sueño frustrado de una película de Superman en Wild Wild West. Si bien no tuvo nada que ver en T3, es de las pocas excusas que creo que podrían usar para justificarse. En el 2003, Matrix ya se había estrenado y ahora cuando pensábamos en máquinas “malas” pensábamos en calamares y tipos trajeados con gafas de sol que repartían toñas como si fueran discípulos de Bruce Lee. Por eso el esqueleto metálico favorito por todos (sí, más que Lobezno) regresó para demostrarnos quién mandaba. Los tráileres prometían escenas apoteósicas, un montón de electrodomésticos cabreados que iban a acabar con la humanidad y a un Chuarche igual de en forma que siempre. Yo compré mi entrada, mis bolsas, mis “bebidas de marca registrada que no voy a mencionar para no hacer publicidad” y me senté bien centradito. A mi lado, un amigo hizo lo mismo. Y las luces se

apagaron. Vemos a un John Connor yonki y soso, que asalta una clínica veterinaria para conseguir medicamentos, a una Kate Brewster que desde el principio nos cae mal y no sabemos por qué. Aparece el Chuarche en el desierto y para conseguir ropa (qué originaaaal diréis algunos) entra en un bar. Tenemos la escenita graciosa de que se la pide a un stripper masculino que le responde: “paciencia cariño”. En seguida aparece la TX, una chica muy guapa que usando la frase de: “me gusta este… (lo que sea) mata a una mujer y la roba. Y en un giro espectacular del guión, la TX ha venido a matar a los generales de John, que son ¿militares? No. ¿médicos? tampoco. ¿científicos? Bueno, uno de ellos trabaja en un Burguer King. Sin embargo por casualidades de la vida, descubre un poco de sangre de John Connor que hace que la TX experimente un orgasmo (esta vez no lo he dicho yo, aparece en los comentarios del DVD y tienes que ser muy inocente para no darte cuenta de que el robot satánico pone ojitos golosos) y le va buscando. Como esta película no está a la altura de las otras dos simplemente diré que tras hora y media de persecución y actuaciones que dan ganas de matar, llegamos al quid de la cuestión: Kate será la mujer de John (sí, estaba con alguien y se iba a casar, pero no hay nada que una motosierra no pueda arreglar, ¿verdad?) y juntos se dirigen según el creador de Skynet, (el suegro de John, todo queda en casa) al lugar donde pueden acabar con todo. Y resulta que no es el centro del sistema informático, es un refugio nuclear. Fuera caen las bombas y ocurre el día del juicio final. Quizá el detalle de que todo se vaya a la mierda es lo que le salva, pero una escena no hace una película.

terminator

las cronicas de sarah connor Hablemos ahora de la serie de televisión. Transcurre entre la segunda y tercera película, y nos cuenta cómo huyen Sarah y John de aquí para allá, buscados por la ley y todo eso. John sigue yendo al instituto (como buena serie o adaptación que se precie, mirad Dragon Ball Evolution) y allí otro Terminator que se hace pasar por profesor intentará matarle, pero se interpone una chica muy mona de la edad de John que TAMBIÉN es un robot del futuro. Dejando a un lado el detalle de que en la primera peli Kyle Reese aseguraba que destruyeron la máquina del tiempo, (¿después de eso nos seguimos fiando del tito John Connor?) nos muestran que vienen numerosos robots que se encargan de realizar diversas tareas antes de que la guerra estalle como construir otra máquina del tiempo y almacenar recursos. Al final del capítulo piloto John, Sarah y la adolescente mecanizada saltarán unos diez años hacia el futuro, explicación que sólo se entiende porque es más fácil grabar una serie ambientada en la época actual que hacerlo en el momento en que cronológicamente ocurre y así evitamos fallos como: “en 1995 esto no existía y bla, bla, bla”. La serie, aunque tiene algunos logros, sobre todo en la segunda temporada, abusa demasiado de la franquicia gracias a la cual se sustenta, aparecen personajes de las anteriores películas y relatan lo que hicieron, una herramienta para que tu cerebro “conecte” con lo que ya vio y le gustó. Y por eso engancha, porque quieres saber más, por la misma razón por la que se siguen vendiendo novelas de Star Wars cuando la mayoría no valen ni el papel donde están impresos. Como apunte personal, el final de un capítulo que me gustó. La Terminator, una máquina que no piensa, que no respira, que no siente ninguna emoción escucha una canción y recuerda los

movimientos de ballet que le vio hacer a una mujer hace poco. Se deja llevar, los ejecuta de forma eficaz, con gracia, mientras es observada por el hermano de Kyle Reese, que también ha venido del futuro. ¿Sabe lo que está haciendo? ¿Lo entiende, al menos? No importa, simplemente sigue bailando.

terminator salvation

Corre 2018 y el anunciado líder de La Resistencia no es tal, ya que está bajo las órdenes del General Ashdown (Michael Ironside con su cara de malo perpetuo, ¿es que este hombre no sabe hacer otra cosa?), aunque se le considera vital en la lucha contra las máquinas, ya que debido a todo lo que sabe acerca del futuro, es más considerado como un profeta que como líder de la lucha contra la aniquilación de la raza humana. James Cameron en su primera entrega nos hablaba de un mundo apocalíptico tras el control total de las máquinas. En su segunda dejaba visualizar ese mundo al principio del film y en algunos flashbacks a modo de sueños de Sarah Connor. Pero llegó Jonathan Mostow y con la misma idea base destrozó lo que muchos consideraban una de las mejores películas futuristas de las últimas décadas. Y finalmente, ahora, en 2009 llega McG intentando sacar a flote la franquicia de los Terminators y se queda a medias, entre el profundo abismo en que la sumergió Mostow y lo que llegó hacer Cameron sobre todo con su segunda entrega. Es un quiero y no puedo. La verdad, es que interesante y entretenida es, no demasiado, pero tampoco estás continuamente mirando el reloj para ver cuando se acaba de una

vez la película en cuestión. Pero los fx son de risa. Yo creía que con eso de estar en pleno siglo XXI, los fx mejorarían y con mucho (sólo hay que ver por ejemplo películas como los Transformers por citar una con robots) pero nos encontramos que en lugar de avanzar vamos para atrás. Porque algó que me llamó mucho la atención es lo mal conseguida que esta la escena del Marcus mitad máquina mitad humano, con carne desprendida y su endoesqueleto de metal a la vista (la plastilina se notaba que era demasiado). Si dejamos de lado los fx, podemos fijarnos en su BSO y algunas escenas que me huelen demasiado a otras películas, sobre todo si combinamos lo que sucede en pantalla con la BSO que le acompaña. Porque es que me parece de risa, que en una peli de Terminator acabe acordándome de Spielberg, Cruise y Williams en su “Guerra de los mundos”, y solo por el sonido que hace la maquinita de marras cuando empiezan a atrapar a los humanos para llevarlos a campos de concentración. ¿Es solo a mi, o algunos de vosotros os ha recordado dicha película cuando el robot empieza a coger la gente y a meterla en esa especies de bunkers? Que lo que me pregunto yo es que según las otras entregas, ¿los Terminators hacían presos? Siempre me dirán que al principio de la guerra, mucho antes del T1000 o el desarrollo

de la Terminatrix podrían hacerlo, pero de verdad que pega, hasta con la misma música, como esa enorme máquina, suelta ese “bufido” cuando empieza a capturar humanos que se esconden de las máquinas asesinas? Demasiado tufillo a refrito de muchísimas otras películas. Lo mejor y de risa, lo de un resucitado Marcus Wright. Una máquina que no sabe que es máquina. Un hombre, asesino en su época que cede su cuerpo a la ciencia y se despierta años después con un endoesqueleto de metal, y que (¡¡como no!!) decide elegir (se supone que la elección es lo que diferencia las máquinas de los humanos) y se queda con los buenos. Con aquellos que no sólo le han ayudado (los que menos), sino con los que le han torturado, le han intentado matar simplemente por lo que es y lo que representa (un gran avance por parte de Skynet) , para acabar finalmente como un héroe salvando la vida del que al final de la película sí que acabará siendo el héroe y líder de la famosa Resistencia.

Mención a parte se merecen las chicas protagonistas del film. Blair (Moon Bloodgodd), chica dura donde las haya pero necesitada de un salvador en la misma típica y tópica escenita de chica en apuros, se diluye en cuanto comienza su periplo junto a Marcus hacia la base de la resistencia. Kate (Bryce DallasHoward), la mujer de Connor solo esta

para darle fuerzas a su marido y poco más (se supone, o nos enseñan en la tercera, que por muy mala que sea sigue estando ahí, sigue contándonos algo sobre la vida de Connor), vamos, una mujer florero, porque la Bloodgood aún hace algo. Helena Bonham-Carter, pues tres cuartos de lo mismo. Se sabe que está. Se sabe que aparece. Se sabe que es la culpable de lo que le ha tocado a Marcus. Y la niña, Star (Jadagrace), que me cuenten a mi el porqué de su aparición. Solo sirve para hacer “mas humano” a un Marcus que al principio solo intenta salvar su culo (como haría cualquier otro en su situación, que no sabe donde está ni como ha llegado ahi, ni que son esas máquinas que intentan acabar con todo bicho viviente). Ahhh claro, y para dar a Connor el detonador para acabar con la base de Skynet. De verdad que ya me estoy cansando de los niños que meten en un film aunque sean con calzador para hacer que sintamos lo buenos que puedan llegar a ser algunas personas porque la vida de un niño corre peligro (y no señores, no es crueldad, pero es algo que están haciendo en muchísimas películas para que la edad para poder visionarse una película no sea para mayores de 18). Creo que es suficiente con el jovencísimo Kyle Reese. Y casi que ni voy a hablar de la tonteria de la señal que aniquila a los terminators porque es para llorar. El gran mando oculto. El que dirige todo el cotarro a

haber recurrido a grandes escenas y/o diálogos pertenecientes a blockbusters de años anteriores. Una cuarta entrega de Terminator, y sabiendo que era un intento de reflotar la franquicia de las máquinas asesinas tenía que haber sido mucho mejor (y no solo en cuanto a fx, sino a guión, a interpretaciones, a música) para que un espectador cuando saliera del cine no dijera solamente “es entretenida”. Cuanto bien y cuanto mal ha hecho Cameron en el mundo del cine con “Terminator: El día del juicio final”. la hora de atacar a las máquinas en un asalto por sorpresa y a la misma vez por parte de la humanidad (ejem, ejem…. donde habré visto yo esto antes), no se dan cuenta que esa señal podría atraer a las mismas máquinas ya no porque sea un truco (como más tarde se revela), sino porque emite determinadas ondas electromagnéticas y señales que podrían ser captadas por esas máquinas a las que intentan dar caza. Vaya alto mando!!!! Lo peor es que esto no siempre ocurre en las películas. Lo mejor el cameo del Chuarche. Impagable, a pesar de que fuera otro el que pusiera el cuerpo. Pero la mejor escena, con la música de siempre y la cara de mala ostia del gobernador atacando a un John Connor desconcertado, hizo que la sala entera vibrara recordando películas anteriores. Pienso, y es mi opinión, y entiendo que haya gente que le parezca una maravilla (siempre he dicho que para gustos los colores), que si esta peli se hubiera llamado de otra forma, si sus protagonistas no hubieran sido John Connor y los Terminators, quizás funcionara mejor. Porque bien es cierto, que en muchas películas tenemos refritos de otras, pero en una peli que se supone que es esperada por mucha gente, por ser una continuación de una saga bastante conocida y que con su segunda parte hizo que refranes del tipo “segundas partes nunca fueron buenas” se fueran al carajo (perdón por la expresión), no tenía que

Lo peor, es que tendremos más Terminator para rato. Ójala que sean otros los que se encarguen del guión y de dirigir la película y meter mejores y más fx. Yo sé a quien le daría la oportunidad, porque se que seguramente, me entrentendría muchísimo más que viendo esto que ha hecho el director McG con las pobres e irrisorias máquinas del futuro (que en las primeras entregas no lo parecían).

bocaditos GENERACION de X realidad En este especial de la década de los 90 no se puede pasar por alto ese movimiento que nos llegó de la mano de los que compondrían la denominada culturalmente Generación X, es decir, aquellos que nacieron entre los 60 y 80 y marcaron un cambio, sobre todo personal, en lo establecido hasta la fecha. Este movimiento se vivió en varios países -en España eran la generación JASP (Jóvenes Aunque Sobradamente Preparados) que es una buena definición de lo que quiere transmitir esta generación- pero me voy a centrar en lo vivido en Estados Unidos.

Hasta entonces, todos los jóvenes tenían que hacer lo que sus padres y los padres de sus padres habían dejado de legado, pero esta generación empezó a ir por su cuenta. Cada uno era libre de elegir lo que quisiera hacer con su vida, ya que tenían la posibilidad de poder optar a lo que ellos quisieran, por muy jóvenes que se les considerada. Desde querer ser poeta, abogado, médico, músico o productor de televisión, lo importante era quedar satisfecho con lo que uno estaba haciendo, ser el mejor y vivir el sueño americano. Esta revolución se transmitió desde todos los ámbitos culturales: literatura, música,

y como no, cine. Y ahí es donde me voy a centrar, lógicamente. Comenzaré hablando de la película de Cameron Crowe, Singles (Solteros). Uno de los grandes cambios en esta década, ya conseguido en las anteriores, es que la mujer ya no tiene que estar casada y ser ama de casa para ser feliz ya que puedes serlo con tu propia casa y una plaza de garaje. Aunque la búsqueda del amor siempre es importante, los de esta generación pueden empezar a permitirse el lujo de elegir con quiénes quieren estar, pudiendo cometer errores que para eso somos humanos, o quedarse solo. Estar soltero ya no es una lacra sino que unos pueden seguir buscando el amor de su vida y otros lo ponen como excusa para conseguir el máximo número de polvos consecutivos. En esta película ya empezamos a ver a parte de los actores que marcarán este movimiento como son Bridget Fonda, Kyra Sedgwick, Matt Dillon o Campbell Scott.

Si seguimos por el camino del amor y las nuevas experiencias, Antes del amanecer es un buen ejemplo de otra de las cosas que hace de la Generación X una generación especial, la búsqueda de uno mismo. En este film de Richard Linklater, Ethan Hawke interpreta a

un americano que viaja por Europa tras la ruptura con su novia. Durante el fin de su viaje conocerá a una francesa, Julie Delpy, con la que pasará las mejores casi 24 horas de su vida. Aquí podemos ver otro de los cambios de esta generación, el fin de las barreras, de cualquier tipo. Nos hacemos testigos de cómo dos personas de dos continentes diferentes se llegan a conocer tan profundamente en unas horas que más de una pareja en toda una vida. Con sus largas charlas podemos conocer muchas de las inquietudes que asolan a los protagonistas y que se pueden extrapolar al resto de jóvenes: la estabilidad, trabajar en algo que en realidad te llene, encontrar a tu amor verdadero y ser feliz. Vamos a dar un giro radical y nos vamos a meter en ese nuevo mundo que también empezó a hacerse más fuerte, ya que los que fueron niños viendo Star Wars o Star Trek llegaron a adultos en los 90. La película que creo que mejor nos muestra a esa “tribu” es Clerks, de Kevin Smith. En este film podemos

ver a otra clase de gente que compone la Generación X, es decir, aquellos que están conformes con el trabajo que tienen sin pedir mucho más a la vida. Con conforme no lo considero en un tono despectivo, sino que de verdad su rutina es algo de lo que disfrutan. Con sus grandes diálogos vemos como la cultura friki pasa de ser cuatro chicos con gafas rotas unidas con celo en un sótano a cuatro jóvenes con conversaciones tan míticas como la que se refiere a los trabajadores de la Estrella de la muerte. Brian O’Halloran, Jeff Anderson, Jason Mewes y el propio Smith nos ayudan a conocer mejor como se podía ser un gran fan de Star Wars, trabajar en un sevenyleven, tener una novia un poco fresca, ponerte de maría hasta arriba y pasártelo bien. Y es que el mundo laboral tanto para jóvenes pre-universitarios como para los que no tenían pensado ir estaba a la orden del día en aquella época, y si no que se lo digan a los trabajadores de la tienda de música Empire Records. Recordemos que no hace mucho, tanto la música como el vídeoclub eran mercados que daban dinero. Con este film podemos ver que a los jóvenes de los 90 también les preocupaba ser alguien en un futuro y que la vida no es todo color de rosa. Los amigos es lo más importante, pero las presiones a las que estaban sometidos les llevan a pasar y hacer cosas para poder salir de ese atolladero, como tomar anfetaminas para poder hacer todo lo que tienen marcado, hacerse unos cortes en las muñecas porque la vida no tiene sentido e incluso tirarse a todo lo que se mueve. Liv Tyler, Renee Zellweger, Anthonny LaPaglia y Robin Tunney eran parte de los trabajadores de esta gran tienda que nos enseñaron que la música, los amigos y nuestros sueños nos pueden ayudar a salir de muchos problemas o por lo menos olvidarnos durante un tiempo. Y por último, he querido dejar el broche de oro para el final ya que ahora toca hablar de la película que en mi opinión marcó a esta generación y que no es otra que Bocados de realidad. Es sorprendente pensar que Ben Stiller era capaz de dirigir un film, pero claro está, estaba dirigiendo el film sobre la generación que él mismo estaba viviendo. Aquí podemos ver que en cada uno de los protagonistas está puesta la esencia de la Generación X. Podemos ver al chico inteligente, líder de un grupo de música e inconformista de boquilla. Para él la vida

está para vivirla y no para perder el tiempo en snobismos. También está reflejado el trabajador que se hace un hueco en el mundo laboral con todo su sudor y que aspira a ganar dinero para poder vivir holgadamente. En el medio de estos dos personajes está la chica soñadora y trabajadora, que acaba de salir de la universidad y que lo único que quiere es demostrar lo que vale al resto del mundo. También podemos ver a la mujer independiente y segura de sí misma que en el fondo tiene las mismas inquietudes que todos los demás, y al gay inconfeso que debe hacer frente a sus miedos y dar la cara para mostrar a su familia quién es en realidad. Esta película refleja fielmente lo que quería demostrar la Generación X: “Hola, estamos aquí y nos vamos a comer el mundo”. No nos podemos olvidar del toque romántico, of course, ya que es uno de los pilares fundamentales de esta generación para llegar a ser completos. Podemos decir que los actores que marcaron esta generación aparecen en esta película: Winona Ryder, Ethan Hawke, Ben Stiller, Janenane Garofalo y Steve Zahn. Con esta corta pero intensa vuelta por la Generación X vista desde el cine, podemos ver que no hay tanta diferencia a cómo nos sentimos los jóvenes ahora. Es verdad que las oportunidades no son las mismas y son muchas menos, pero estamos igual o mejor preparados. Está claro que crecer con este tipo de películas ayuda bastante a creer en nosotros mismos y en nuestras posibilidades, aunque la sociedad no nos deje. No me considero de la Generación X pero crecí con ella y eso ya es bastante. Da igual estar soltero, tener pareja o un trabajo de mierda que no te llene, siempre hay que intentar demostrar quién eres y disfrutar de cada momento.

ELENA OTEO VISITA MI BLOG BOCADITOS DE REALIDAD

jurassic park I

Título original: Jurassic Park. Año: 1993. Duración: 120 minutos. Dirección: Steven Spielberg. Reparto:  Sam Neill, Laura Dern, Richard Attenborough, Jeff Goldblum, Ariana Richards, Joseph Mazzello, Samuel L. Jackson, Wayne Knight, Martin Ferrero, Bob Peck, B.D. Wong. Crítica:  Jurassic Park  es sin duda alguna en mi opinión, una de las mejores ideas de Steven Spielberg, eso teniendo en cuenta del genio tan original del que se trata. Es una auténtica maravilla de película que se encuentra entre las mejores de la década de los 90. Recuerdo a Jurassic Park como una parte de mi infancia, una de esas películas que ves una y otra vez cuando eres un crío y no te cansas, y la sigues viendo cuando eres mayor y parece que es nueva, que tampoco te aburre. Para mí ese es el tipo de cine que te marca de por vida, el que hace que este tipo de films sean únicos y míticos para cada uno de nosotros. Cuando hace poco vi esta cinta, me preguntaba porque cuando era niño no me daba miedo, pero es que siempre me han gustado los dinosaurios, y precisamente, esta es la única película de dinosaurios decente que existe ahora mismo. Como dije antes, este proyecto surgió de una de las mentes más brillantes que tiene el cine, Steven Spielberg.

El fue quien sacó un éxito de la novela honónima de Michael Crichton, y lo proyectó en la gran pantalla para que todos lo pudiéramos disfrutar. Siempre me empeño en decir que le debemos mucho cine a este señor, muchas alegrías y muchas horas de disfrute delante del televisor o de la pantalla de cine. Spielberg dirige y por supuesto produce Jurassic Park, y esta vez se nota, es decir, lleva el sello Spielberg en calidad. Aún me impresiono viéndola, y uno de los motivos es que me parece asombroso que lograsen crear a unos dinosaurios tan reales en el año 1993, cuando los efectos especiales aún no estaban en su pleno apogeo que digamos. En cuanto a la historia, que decir que no sea que está muy bien desarrollada en un tiempo óptimo, 120 minutos que dan muchísimo juego y que se aprovechan al máximo. Escenas de acción desde el principio del film que no dejan de lado para nada los escrúpulos, pues se intenta alcanzar el mayor realismo posible. No sería justo no mencionar la banda sonora que acompaña a la película, pues John Williams nos deja una de sus mejores obras aquí. En 1993 se hizo con los 3 Premios Oscar a los que optaba: mejor sonido, mejor efectos de sonido y mejores efectos visuales. El reparto de Jurassic Park no fue un elenco plagado de estrellas, pero sin embargo todos cumplieron con creces en la cinta que en realidad

protagonizaban los dinosaurios. Sam Neill y Laura Dern lo hacen lo mejor que saben, pero les he visto en mejores roles. Si tuviera que elegir me quedaría con Richard Attenborough como el mejor actor de Jurassic Park, no solo por su actuación, si no por toda su extensa y prestigiosa carrera como actor y director. El punto cómico y sarcástico lo pone Jeff Goldblum, al que también vemos protagonizar la segunda parte de la saga. Además, podemos ver a un Samuel L. Jackson que aún no gozaba de la fama que le proporcionó Pulp Fiction, pero que sin embargo ya dejaba constancia de que era un gran actor. Supongo que Jurassic Park es una película vista por mucha gente, pero si alguien no la ha visto se la recomiendo. Fue un verdadero éxito en taquilla y también lo fue en merchandising (muñecos, juegos, ropa…). Fue por decirlo de alguna manera, el retorno de los dinosaurios a la vida.

jurassic park II El Mundo Perdido Título original: The Lost World: Jurassic Park. Año: 1997. Duración: 129 minutos. Dirección: Steven Spielberg. Reparto:  Jeff Goldblum, Julianne Moore, Pete Postlethwaite, Vince Vaughn, Arliss Howard, Vanessa Lee Chester, Richard Schiff, Peter Stormare, Richard Attenborough, Ariana Richards, Joseph Mazziello, Camilla Belle. Crítica: No sé muy bien que decir acerca de la segunda parte de  Jurassic Park, ya que es una película que divide a los fans de Spielberg y que tiene opiniones muy distinguidas. A mí personalmente me gusta, pero por supuesto no tanto como la primera. Es demaiado distinta y a la vez muy parecida, y ninguna de las dos cosas hacen de ella una buena película. Está claro que el nivel de la primera entrega estaba muy difícil de alcanzar, aunque fuera el mismo Steven Spielberg quien volviese a ponerse a a la dirección. Aún así creo que El mundo perdido es más o menos decente, una película bien planteada y con unos buenos actores. Los efectos especiales vuelven a dar fruto y juego, e incluso esta vez podemos disfrutar de alguna especie más de dinosaurios con más realismo. La duración de ésta supera a la anterior por apenas diez minutos, y sin embargo sigue siendo amena y ligera para verla, no es para mí una “plasta” como muchos dicen. El argumento es creíble, no está nada mal y tiene escenas de acción desde el principio también, y esa es una baza que impide el aburrimiento supremo del espectador. Las mismas escenas, algunas más sangrientas y duras con respecto a  Jurassic Park, también es una clara ventaja de El mundo perdido y eso se nota bastante, ese punto de crudeza que Spielberg no había querido meter en la primera parte. Amblin Entertainment y Universal Pictures vuelven a la producción, y el fundador de la primera a la dirección. El mundo perdido es la última entrega de las tres que Spielberg dirige,

y eso es algo que se nota en exceso. Pese a todo, la película sigue ganando con la fotografía y la música de los fieles amigos de Spielberg, Janusz Kaminski y John Williams respectivamente. El guión lo vuelve a desarrollar David Koepp a partir de la novela de Michael Crichton, y para ser sincero no sale igual que la primera adaptación. Esta secuela obtuvo las mismas nominaciones para los Premios Oscar que la anterior, solo que esta vez no ganó ninguna de las tres estatuillas. En cambio, se llevó el BAFTA a mejores efectos visuales. El elenco de actores que forman el equipo de El mundo perdido no es tan bueno como el que en su día lo fue el de Jurassic Park, pero a pesar de ello no está mal para nada. Jeff Goldblum, que interpretó a Ian Malcolm en  Jurassic Park, se pone al frente de esta segunda parte, y creo que no llega a dar lo mejor de sí mismo. Me gusta más Julianne Moore, que se estrena en la saga y lo hace como siempre, realmente bien. Siempre me ha gustado Julianne porque es una actriz muy polifacética y natural, y en concreto aquí lo demuestra. Sin embargo, si en la primera parte para mí el verdadero protagonista fue Richard Attenborough, en esta lo es sin duda alguna el gran Pete Postlethwaite. Me parece un actor de los mejores y el mejor de El mundo perdido. Fue en esta película cuando Spielberg afirmó que Postlethwaite era el mejor actor del mundo. Es su opinión, pero la mía no se aleja demasiado, ya que su carrera lo dice todo sobre él. Más actores como Vince Vaughn, Peter Stormare o Arliss Howard también están entre el reparto dando buenas interpretaciones. Como curiosidad, al principio de la cinta Richard Attenborough hace una especie de cameo en el que le acompañan sus nietos en la ficción, Joseph Mazzello y Ariana Richards. Otra curiosidad es que la niña que aparece nada más empezar el film, la que se está comiendo el sandwich en la playa con sus padres, no es otra que Camilla Belle, una actriz preciosa que ha participado en películas como 10.000 a.C. o La balada de Jack y Rose. En fin, El mundo perdido creo que es una película que merece ser vista para opinar sobre ella y para juzgarla correctamente. No nos deja ese sabor de boca tan bueno que nos dejó Jurassic Park, pero es algo parecido y más o menos decente.

jurassic park III Título original: Jurassic Park III. Año: 2001. Duración: 94 minutos. Dirección: Joe Johnston. Reparto:  Sam Neill, William H. Macy, Téa Leoni, Alessandro Nivola, Trevor Morgan, Michael Jeter, Laura Dern, John Diehl, Bruce Young, Julio Oscar Mechoso. Crítica: La verdad es que de esta tercera parte es de la que menos tengo que decir, y es por la razón que todos se imaginan: es muy mala. Sí, es increíblemente mala y un abismo la separa de las dos anteriores entregas. Tanto Jurassic Parkcomo El mundo perdido quedan muy por encima del nivel que tiene Jurassic Park III. Lo más probable es que haya muchos factores que influyan en el hecho de que esta tercera parte sea tan innecesaria, o mal hecha, por que en realidad innecesaria no tiene por que serlo. El primer fallo que veo claro es el guión, un guión que falla por completo dejándonos una historia totalmente alocada y sin sentido en ocasiones. Sabemos que estas películas se pueden calificar de ciencia-ficción, ya que lo que en ellas ocurre no es verdad, pero en la  Jurassic Park III ni la acción más normal es creíble, y resulta claramente visible como todo lo que pasa es una secuencia de tópicos predecibles.

Otro punto a tener en cuenta es que Steven Spielberg ya no está en la dirección. Sigue en la producción con Amblin y Universal si, pero se nota en la película que él no es quien pone orden en las escenas. En mi opinión, no tiene nada que ver lo producido con lo dirigido de Spielberg. En su lugar está Joe Johnston, director de Capitán América: El primer vengador oJumanji, entre otros títulos. Ni que decir tiene que no me parece que sea un director a la altura para que en sus manos quede un proyecto de esta envergadura. Algo extraño en el guión también, es que partícipe de él es el director y guionista Alexander Payne, nominado al Oscar a mejor director por Los Descendientes. Cuando me enteré que era uno de los escritores de semejante bazofia, me sorprendí bastante. Puede resultar raro que hable tan mal de una película, pero es que recuerdo haber ido al cine con 10 u 11 años a ver Jurassic Park III y salir de la sala seriamente decepcionado y con un chasco tremendo. Por supuesto, otro de los fallos es la historia. Parece que piensan que no nos vamos a dar cuenta de que vuelven una y otra vez a la misma isla y a la misma situación, como si fuera algo nuevo. Cuando empieza la película no tiene demasiado sentido, pero a medida

que va pasando el tiempo que no es que no tenga demasiado, sino que directamente no tiene. Además es la entrega más corta de las tres, con una duración de unos escasos 94 minutos, y creo que son tan pocos por no hacernos pasar al público una vergüenza ajena mayor. No es que esté en contra de las secuelas, al contrario, soy partícipe de que se hagan, pero de que se hagan despacio y con buena letra, no que se hagan churros para callar a los espectadores que piden más películas de  Jurassic Park. El reparto de la película denota que la saga entró en declive. Sam Neill repite, pero sin estar rodeado de los otros actores tan buenos que tenía la primera parte.

Él y William H. Macy son los únicos actores respetables junto con Michael Jeter, claro. Ni Téa Leoni, ni Alessandro Nivola ni Trevor Morgan hacen sus papeles creíbles, y dejan mucho que desear en mi opinión. Desde aquí me gustaría adelantar algunos datos sobre la cuarta entrega de la saga, que parece

que es casi una realidad. Llegará casi 12 años después que la tercera y última parte, pero si eso supone que va a ser una buena película con un buen guión, la espera habrá merecido la pena. He oído de todo, y parece que muchas fuentes indican que puede ser un reboot completo, es decir, una nueva trilogía deJurassic Park  totalmente diferente. Eso es algo que en el caso de que ocurriese no me haría mucha gracia. Steven Spielber producirá la película seguro, pero aún no se ha encontrado director para la misma. El guión, en cambio, lleva bastante tiempo en manos de Mark Protosevich, que ya escribió películas como Thor o Soy leyenda. En cuanto a los actores, dicen que Samuel L. Jackson, Sam Neill y Jeff Goldblum pueden volver, y que Laura Dern ya estaría confirmada. Habrá que ir esperando noticias poco a poco. Mientras, a disfrutar de Jurassic Park  y de  El mundo perdido, porque con  Jurassik Park III el disfrute está ausente. POR ASIER MENÉNDEZ

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c ne ndependiente isabel ortiz 90,s Es de la opinión de varios que el cine independiente, tal como lo conocemos ahora, se formo en la década de los 90, sin embargo estas voces olvidan que es una forma de rodar, situada en los Estados Unidos de América, que vio nacer una luz coherente en esa época. Cierto que Europa ya tenía un recorrido brillante en esos terrenos tan atrevidos, cuyo mayor exponente se basa en explorar otras maneras de narrar unas historias, que tal vez, para la gran maquinaria de la industria del cine, cataloga como poco lucrativo o muy arriesgado, cuyo fin principal es obtener rentabilidad sobre las obras que se publican. En el universo independiente por el contrario, lo principal es contar una historia, sin importar método, temática o presupuesto. El cine indie se caracteriza por tener el más variado compendio de historias, actores y métodos de expresión y así como se explica, se clasifica. Retomando el tema, los 90 contienen varios títulos de renombre, seria arrogante decir que podemos catalogar a las mejores, pero así como el crisol de apuestas resulta tan variado, divergentes son también los gustos de la crítica, sin embargo esta vez tratare de mencionar los que para mi han sido las más significativos. Run Lola Run, una película alemana realizada en el año 1998, dirección, música y guion de Tom Tykwer, para los que la vieron, pueden recordar el impecable ritmo cinematográfico, combinando varios métodos de narración, flashbacks, anime, cámara al hombro, en general un deleite visual y auditivo, una película taquillera, premiada y apreciada por críticos y público en general. El Mariachi, (1992) una película de acción Escrita y dirigida por Robert Rodríguez, tiene a su haber

de haber sido producida con un presupuesto no mayor a 7000 dólares, pero ese no es su principal merito, Robert Rodríguez nos muestra una manera de dirigir y mantener al publico cautivado con una historia simple pero interesante, sus constantes movimientos visuales, close ups, cámara al hombro, etc. Being John Malkovich (1999) película en la que Spike Jonze y Charlie Kaufman, se estrenan como director y guionista en esta, mantiene un reparto brillante, bien ensamblado y es un tema muy original. The Blair Witch Project (1999), Pelicula de Terror Psicológico, llama la atención por su método de narración, cámaras las cuales gravan lo que supuestos desconocidos viven, escrita y dirigida por Daniel Myrick y Eduardo Sánchez, lamentablemente si quitamos el sonido a la película perdemos todo lo que le hace terrorífico. Trois couleurs: Bleu, Blanc, Rouge (1993 – 1994), estas películas fueron escritas, producidas y dirigidas por el director polaco Krzysztof Kieślowski, se podría decir en palabras simples que es un estudio exhaustivo sobre la libertad, el realizador presenta argumentos viscerales, contados en flashbacks, que parecen un sinsentido, pero que después, como todo buen contador de historias, sorprende con la coherencia que el público no fue capaz de ver desde un principio. Los amantes del Circulo Polar (1998) película de el español Julio Medem, es una cinta que plasma el típico trabajo de Medem, contada desde su perspectiva, habla de las coincidencias y los giros

extraños que da la vida, sencilla, romántica, un bocado dulce pero rápido para el cinéfilo experto, algo que por cierto, queda lejos de mi intención. La Vita é Bella (1997), Escrita, dirigida y protagonizada por Roberto Benigni, una historia sencilla y conmovedora, desde el primer minuto hasta los créditos finales, no hay técnica elaborada ni términos rebuscados, solo la belleza de lo cotidiano, arrancado por una amenaza creciente. Reservoir Dogs (1992) es el debut del aclamado QuentinTarantino, protagonista y director, enfrenta al público a un ataque constante de violencia y sangre revestido con una historia interesante y completamente digerible. Entre Marx y una mujer desnuda (1995) Dirigida por Camilo Luzuriaga, es un film de carácter reflexivo y poético, convidando cotidianidad,

imágenes estáticas, sueños y exageraciones, cuatro planos de realidad que se entremezclan de manera bastante sencilla y conservando una gran trabajo visual. Estos ejemplos reflejados no son más que una pequeña muestra para el gran universo que encierra el cine Independiente, tal vez falten obras que el cinéfilo reconoce y exige por una u otra razón, pero dada la complejidad, y como explique al principio, existe gran variedad de argumentos y gustos, y resulta un ensayo bastante inabarcable. Sin embargo respetando mi propia experiencia, puedo decir que las anteriores han sido las que más fácilmente han calado y que han revelado cierto ingrediente distintivo al cine independiente de los 90 en mi persona, aunque si pudiera detallar otras más, lo haría de buen grado, quizá para una segunda entrega de similar temática.

Una película o una serie de televisión, no sería lo mismo si no tuvieran esas ubicaciones tan fantásticas, que tanto marcan las escenas de las filmaciones en nuestra memoria. La fotografía y los planos que se muestran en la industria del cine, están perfectamente estudiados, para que el espectador se traslade a otro lugar del mundo y crea que está allí. Evidentemente, Hollywood nos engaña mucho, haciéndonos creer que la película está sucediendo en un lugar del mundo, cuando realmente la escena se rodo en la otra punta. Imágenes como la Isla de Parque Jurasico, donde había cascadas impresionantes, una vegetación exuberante y espacio de sobra para que los dinosaurios campasen a sus anchas. También podríamos citar las imágenes de Hobbiton con sus casitas bajo la tierra o de la tierra media, donde los Hobbits viven una fantástica aventura, llena de peligros que los acechan. Todos estos lugares llenos de encanto y que traen a nuestra memoria escenas de películas memorables, existen. Claro que suelen ser ligeramente modificados para simular que es otra parte del mundo, pero aun así, conservan toda la fantasía del cine. Vamos a conocer alguna de esas localizaciones, que tan ligadas están a escenas memorables de películas, y que tanto significado tienen para los cinéfilos incondicionales. Vamos a adentrarnos y a conocer a fondo Hawaii. Hawaii es el lugar poblado mas desolado del planeta, está situado a 3850 km de California. El estado de Hawaii consta de 8 islas más grandes y con mayor población y 124 islas pequeñas y deshabitadas, arrecifes y atolones que se expanden desde la Gran Isla hasta el Atolón Kure, en el noroeste. El archipiélago abarca una distancia de 2.451 km, lo que hace que sea la cadena de islas más larga del mundo. La temperatura suele ser muy agradable, 27,7ºC en Julio y 22,2 ºC en Enero. Hawaii se convirtió en 1959 en el estado de Aloha. Actualmente tiene mayor densidad de población que estados unidos y es el único estado de Norteamérica, cuyos habitantes no son en su mayoría blancos. Es el único estado que cosecha café, producen hasta 340.000 toneladas de caña de azúcar al año y 320.000 toneladas de piña.

Loca d

H

alizaciones de cine...

Hawaii

Hawaii cuenta con 4 condados, Honolulu, Kauai, Maui y Hawaii (La isla Grande). Su alfabeto solo tiene 12 letras, las cinco vocales y siete consonantes H, K, L, M, N, P, W. Es el único estado cuyo territorio sigue creciendo debido a las erupciones volcánicas.

“Parque Jurasico”, “Waterworld”, “Pearl Harbor” “Godzilla” y muchas otras más. Las que he citado recaudaron muchos millones de dólares y han sido merecedoras de diversos premios y galardones. Otras películas están ambientadas en Hawaii, por lo que a la hora de rodarlas lo tuvieron más sencillo, como es el caso de “50 Primeras citas” o Ahora que ya conocemos un poco mas sobre “Los Descendientes”. este paraíso terrenal, vamos a verlo desde el lado mas cinéfilo, como escenario de películas cuya Algunos lugares más recónditos de Hawái, han fotografía se ha quedado grabada en nuestras servido de escenario para algunos famosos retinas. Adentrémonos en el Hawaii mas náufragos, como por ejemplo los de la serie Lost, Hollywodiense… cuyo vuelo 815 de Oceanic, se estrellaba en una Isla inexistente donde vivieron muchas aventuras Uno de los lugares más utilizados para rodar y peligros. También la famosa isla perdida en películas es Hawaii, un archipiélago que cuenta el océano donde se hallaba King-Kong, era una con ocho islas que han sido el plató de cine de estas islas hawaianas, llena de vegetación y de cientos de filmaciones. Sin ir más lejos, las animales peligrosos nunca vistos. Incluso en imágenes del comienzo de la película “En Busca “Hook”, Robin Williams sobrevuela el país de del Arca Perdida”, aunque ponga en el subtitulo nunca jamás, que como no, está ubicado en Hawái. “Sudamérica 1936” y el espectador piense que Los que se acerquen a este maravilloso lugar, están en la selva amazónica, están en Hawaii. podrán contemplar la enorme huella que dejo Concretamente en Kipu Falls, una de las islas del Godzilla cuando anduvo entre estos fantásticos archipiélago. Los lugareños, acuden de forma parajes. habitual a bañarse en la famosa cascada que ha salido en tantas películas, pero aunque pensemos Pero de entre las 8 islas que forman el archipiélago que esta oculta y poco transitada, es un lugar al de Hawaii, la que mas visitas ha tenido para que acude muchísima gente a darse baños para realizar rodajes, ha sido Kauai, que está ubicada en combatir el calor del lugar. el noroeste. Kauai cuenta con 11 zonas climáticas diferentes, desde selvas tropicales que se hayan al Hawaii se encuentra a 5 horas de avión de Los norte, hasta al desierto que esta al oeste, pasando Ángeles, pero parece ser que es más económico por las impresionantes playas de arena blanca. Por rodar allí, que trasladarse a otra parte del mundo. este motivo, la Isla puede representar cualquier Esta cerca de la cuna del cine, hablan inglés y lugar del mundo, ya que cuenta con todo tipo son los escenarios perfectos para películas sobre de climas y escenarios. El clima a veces puede Vietnam, o aventuras en la jungla, o incluso playas ser traicionero, ya que se encuentra en un área paradisíacas en las que vivir, tórridas historias de geográfica que suele estar azotada por Huracanes amor o naufragios tormentosos. y Ciclones. El más agresivo que ha pasado por las islas fue el Iniki en 1992, que arraso con todo a Películas como “George de la Jungla”, “Dragonfly”, su paso, llevándose por delante palmeras, casas, “Tropic Thunder” o “Godzilla” están rodadas en jaulas con animales y gran parte del set del rodaje los mismos escenarios, engañando en ocasiones de Parque Jurásico. Este hecho ha provocado que visualmente al espectador. haya gallos y gallinas sueltos y desperdigados por toda la isla ,y que Parque Jurásico retrasase su Es el lugar idóneo para rodar películas ambientadas estreno y disparase su presupuesto final. en el Caribe, ya que está ubicado más cerca de Los Ángeles que de Florida. Este archipiélago Debido a todas las películas que se han rodado en ha servido de ambientación para películas como este paraíso, existen diversos tours especializados, “En Busca del Arca perdida”, las tres películas de que te llevan a las ubicaciones exactas de las

escenas más famosas. Estos Tours se realizan en furgones para 10-15 personas, sin techos ni ventanas, cuyo guía va contando las anécdotas de cada lugar y las películas que se filmaron en ellos. Kauai al ser una isla de la polinesia, ha representado en ocasiones a la polinesia francesa, puesto que sale mucho más barato para los productores y el idioma es el mismo, por lo que no necesitan traductores. Kauai se transformó en Tahiti en la cinta “Pagan Love Song” y de nuevo en “Seis días y siete noches”,

ambas se filmaron en Hanamaulu Bay, una bahía de aguas cristalinas donde el tour realiza una parada. Suaves olas, arena blanca y brisa marina que mece las palmeras. Cerca de la bahía un brazo de tierra entra en el mar, escena que muchos recordaran de la película “La taberna del Irlandés”, aunque mostraba a lo largo del brazo de tierra multitud de cocoteros. Estos cocoteros solo se pusieron allí para rodar las escenas y que pareciera un paisaje más polinesio, una vez terminado el rodaje, quitaron las palmeras y las devolvieron a Los Ángeles, de donde las habían traído.

En Wailua, hay un rio que parece ser que es el único navegable de todo el archipiélago. Rio arriba, llegamos a Kamokila Hawaiian Village, donde están los decorados que se construyeron para la película “Estallido”, que son un pequeño museo al aire libre de las tradiciones típicas hawaianas. Esta película estaba ambientada en Zaire, por lo que las cabañas son de madera y techo de palma, con forma circular, más típicas de África. Pero en su interior recogen herramientas y útiles de los antiguos Hawaianos. En la orilla del rio frente al mar, encontramos el Coco Palms, recinto que abrió sus puertas en 1953 y solo contaba con 24 habitaciones. Pero su ubicación en

como el final “Blue Hawaii”, donde Elvis Presley nos mostraba una boda muy musical. Por ello muchas parejas eligieron este lugar para contraer matrimonio, llegaron a celebrar 500 bodas al año y aun hoy en día lo siguen haciendo aunque el lugar este cerrado. Hay una pequeña capilla que donó Metro Goldwyn Mayer en los años 50, después de utilizarla para el rodaje de La Bella del Pacifico. Pero Coco Palms quedo devastado tras el paso del Huracán Iniki y desde entonces, el recinto quedo expuesto a los elementos. La vegetación se ha adueñado de las paredes y los animales han construido sus nidos y madrigueras, pero visitar el complejo en ruinas, te transporta a épocas

un frondoso jardín, con lagunas y canales de agua cruzando los jardines, la multitud de cocoteros y los diversos puentes que llenaban el lugar de un ambiente lleno de romanticismo, hizo que poco a poco aumentase de tamaño hasta alcanzar las 416 habitaciones. Se convirtió en uno de los resorts mundiales más importantes, construido en los terrenos donde habitó la ultima reina de Kauai. En él se han alojado personajes famosos, desde actores, directores o escritores, entre los que se encuentran Los príncipes de Japón o Frank Sinatra, ente otros.

mejores y a escenas de película memorables que merece la pena ver. Elvis rodó varias películas en Hawaii, era un autentico enamorado de estas islas, tanto que el primer concierto retransmitido vía satélite de la historia, lo hizo desde allí: Aloha From Hawaii.

El Tour continua hasta Hanalei Valley, donde están las plantaciones de taro, alimento tradicional hawaiano, que sirvieron de arrozales vietnamitas en la película “Mas Allá del Valor”. El rio Hanalei, cruza el valle para desembocar en la tranquila En el Coco Palms se rodaron películas míticas, bahía de Hanalei, rodeada de escarpadas montañas

llenas de exuberante vegetación, que forma uno En la zona sur de la Isla de Oahu, esta la Bahia de los paisajes mejor aprovechados de la isla. de Pearl Harbor, un lugar muy conocido por el ataque que protagonizo la marina japonesa a Una de las ultimas paradas del Tour es Hanalei EEUU, provocando la Segunda Guerra Mundial. Pier, un pequeño muelle que se adentra en el mar Actualmente se pueden ver en los alrededores y al final del muelle hay un techo que lo cubre, de la isla, restos hundidos de aviones y barcos de este lugar sirve a los jóvenes para lanzarse al aquella batalla. Un lugar lleno de historia al que agua haciendo piruetas, o a los pescadores para muchos curiosos se acercan para contemplar el conseguir un buen bocado. Este lugar se utilizó maravilloso lugar. para rodar una de las escenas de “South Pacific”. En esta isla se conservan muchos lugares Las playas de Hawaii son públicas por lo que los relacionados con la famosa serie Lost,uno de equipos de filmación deben convencer en muchas los escenarios más utilizados fue la playa de ocasiones a los bañistas, que se encuentran Makleia, situada en la bahía de Pearl Harbor.

en la playa de que se aparten o pagar a la gente para que no se bañe. Este hecho puede hacer que el presupuesto de una filmación se dispare, dependiendo de la cantidad de gente que este en el lugar elegido para el rodaje. En una ocasión en la playa de Moloaa Bay, cuando un equipo se proponía filmar unas escenas, pagaron a dos surfistas que estaban en la playa 20 dólares/hora para que salieran del agua. A la mañana siguiente, tenían en la playa una fila de surfistas poniendo la mano para que les pagasen por salir de la playa. Un pequeño inconveniente, aunque una gran ventaja para los usuarios de la playa.

Muchos recuerdan el campo de golf que se montó Hurley en la primera temporada de la serie, allí hay actualmente un cartel que indica “Campo de Golf de Hurley”. También han conservado varias chozas del campamento de los supervivientes del vuelo 815, que son una parada obligada para los fans de la serie. Existen diferentes Tours de cine que te llevan por los lugares más conocidos y emblemáticos del cine. Un Tour o circuito vacacional tocaría diferentes zonas. Aquí os dejo un circuito vacacional para aquellos que quieran soñar con sus próximas vacaciones.

Día 1- Honolulu Llegada y recepción con collar de flores de bienvenida (Lei de flores) y traslado al hotel con servicio en el idioma elegido. Día 2- Honolulu City Tour de la ciudad en el idioma elegido, en el que se visita: Parque Kopiolani. Volcan Diamond Head (Cabeza de Diamante). Area residencial de Kahala. Universidad de Hawaii. Mirador Tantalus (Dependiendo de las condiciones climaticas) Valle Manoa. Honolulu distrito histórico/ financiero. Capitolio. Palacio de la Reina Lolani. Estatua de la Reina Liliuokalani, Rei Kamehameha I.

Día 4- Honolulu Estatua del Padre Damian. Palacio de Justicia. Planta procesadora de coral Maui Divers. Una ciudad en la que hay un intercambio cultural entre Oriente y Occidente, lleno de barrios residenciales en los que se han filmado producciones como “Magnum o Hawaii 5.0“.

Tour a Pearl Harbor/Arizona Nenorial. Aquí se puede ver el lugar en el que el 07 de Diciembre de 1941 la flota Japonesa ataco la base naval, provocando la Segunda Guerra Mundial. Mientras se dirigen hacia el museo que se levanta en ese lugar, el guía cuenta anécdotas, curiosidades, consecuencias y errores del trágico hecho. Después se proyecta una película documental Día 3- Honolulu sobre estos acontecimientos y finalmente se realiza una excursión en barco al acorazado Vista panorámica de la costa noroeste de la isla, Arizona, que está hundido en las proximidades de mientras que por el camino se pasa por la famosa la costa y sobre el que se levanta un mausoleo en isla Sombrero Chino, con sus playas de arenas honor a los caídos de aquel dramático día. blancas y mares tranquilos y el Rancho Kualoa, donde han sido filmadas películas como Parque Día 5 – Honolulu Jurasico, Godzilla y últimamente Windtalkers. Entrada en el Centro Cultural Polinesio. Mañana libre para disfrutar de la zona y las playas Show de las Canoas. y por la tarde recogida en Waikiki para ir a la Visita de las aldeas que representan las 7 naciones cena show Luau Paradise Cove. Una bienvenida que forman la Polinesia. con música hawaiana en vivo y tragos típicos Rodaje de la película “Coral Reef Adventure” En hawaianos (Mai Tai), para ponerse a tono y cine Imax 3D. disfrutar de esta fiesta típica de la cultura local. Paseo en canoa. Paseos por una aldea típica hawaiana, donde Show Ha (respiro de vida). En este Show se aprecian tendrás la oportunidad de aprender sobre el arte las coreografías de cada una de las naciones de y las manualidades de las islas o probar los juegos la Polinesia, representadas por nativos de cada hawaianos. una de ellas. El ultimo número es una danza de Después una lluvia de flores que dará paso al antorchas y cuchillas representadas por personal Hukilau en la playa, donde poder aprender las de la isla de Samoa, de donde procede la tradición.

las técnicas de pesca con red del antiguo Hawaii. Lujosa Procesión de la Corte Real y las honorables técnicas de cocina bajo tierra de la ceremonia del Imu (Cocción típica del Puerco). Día 6 – Honolulu Traslado en avión a Maui, recepción en el hotel. Día libre para realizar las diferentes opciones de Tours de cine, travesías a través de la jungla o disfrutar de las playas e instalaciones. Día 7- Maui Tour Lao Valley Lahaina Paseo por el pueblo de Wailuku y las plantaciones de caña de azúcar. Iao Needle en el parque estatal del Valle Iao. Costas del sur de Maui. Paseo por el antiguo pueblo ballenero Lahaina. Tarde libre. Dia 8 y 9 - Maui Dias libres. Un viaje fantástico viendo ubicaciones que nos recordaran a las películas más famosas de Hollywood, y nos sentiremos como los protagonistas de nuestra propia película. Sentirnos como náufragos en una playa de arenas blancas, atravesar la espesa vegetación imaginando que nos persigue un veloci-raptor, o bañarnos en la cascada más famosa del cine, puede ser la experiencia de nuestra vida. Pero Hawaii tiene muchas más curiosidades que debemos conocer si queremos disfrutarlo al 100x100. Sus volcanes representan una de las atracciones turísticas más importantes, se pueden observar apagados o activos, acercándonos tanto que podemos observar las corrientes de lava y sentir su calor. Las visitas a los volcanes se pueden hacer por tierra mar o aire, ya que la isla ofrece múltiples posibilidades. Todas las islas ofrecen Tours volcánicos, pero Isla Grande es el sitio con más actividad. El parque Nacional de los Volcanes de Hawaii abarca 927 km2 y es el lugar idóneo para ver volcanes en acción. Este parque alberga el volcán más alto del mundo, el Mauna Kea con 4.205 m y el Kilauea, el más activo del mundo.

Existen 350 especies de tiburones, de las que solo 30 se consideran potencialmente peligrosas. En Hawaii se han registrado 12 ataques de escualos, aunque se supone que fueron por “Error”, los expertos indican que nos confunden con mamíferos marinos, como focas o lobos de mar, o incluso con tortugas marinas. Para evitar los ataques de tiburón recomiendan, evitar surfear, nadar o bucear antes del amanecer, o por la noche, ya que es cuando estos muchachos salen a comer. Tampoco se recomienda bañarse en aguas donde haya barcas o puertos pesqueros donde pueda haber sangre en el agua. En las aguas de Hawaii también habita el Pez Piedra, al que muchos conocerán por la película “El Lago Azul”, en la que la protagonista pisaba uno y casi le cuesta la vida. Este pez, mide hasta 20 centímetros y parece una roca, por lo que es muy fácil pisarlo y ahí está el peligro. Tiene una aleta dorsal envenenada y resistente capaz de atravesar la suela de una zapatilla, el dolor si no se trata puede durar meses, llegando incluso a ser necesaria la amputación, así que si vais a Hawaii Cuidadin!! Alguno seguro que se le han puesto los dientes largos con esta magnífica propuesta para viajar y disfrutar tanto del cine como de unas vacaciones fantásticas. Si os sobra un billete, no dudéis en invitarme, que iré encantada y disfrutare de cada escenario de cine, y de cada paisaje de estas maravillosas islas.

Por cugar 19

GRANDIOSO Y PRÓSPERO FUTURO. Que no todo es malo en 2013, señores, que por suerte nos quedan alegrías y fabulosos proyectos como éste. Que vamos a salir del hoyo, seguro, y que, si Cthuluh quiere, NOCTURNA VA A SER UNA CITA INELUDIBLE. Ya están montando la segunda edición y nosotros no pensamos faltar. ¿DE QUE VA TODO ESTO? Organizado en variadas y muy bien escogidas sesiones, las películas proyectadas dentro del NOCTURNA se clasificaban en ciclos que nos hicieron la boca agua y el culo pesicola: PRE-NOCTURNA (con jugosos y retrospectivos aperitivos para ir abriendo boca antes de la inauguración oficial), INAUGURACIÓN Y CLAUSURA (con dos me-

gaestrenazos como lo fueron Silent Hill: Revelation 3D y, sobre todo, la acojonante – nuestra redactora María da buena fe de ello – The Conjuring: The Warren Files), NOCTURNA OFICIAL FANTÁSTICO (que nos hizo disfrutar de platos de auténtico gourmet como el diamante/clásico/próximo culto Wither – todos a verla ya, cuando se pueda, cacho cabrones –, la estimulante y giallesca Tulpa, la fenomenal Insensibles, las divertidísimas Gallowwalkers y Million Dollar Crocodile o las fallidas Under the Bed o Jug Face), NOCTURNA DARK VISIONS (con interesantisimas propuestas independientes como la lisérgica Resolution o la ultra-original I am a Ghost), NOCTURNA MADNESS (con lo mas desmelenado y alucinógeno del género: A little bit Zombie, Detention of the Dead, One Way Trip 3D o la para nada recomendable para gente con caulde-

rofobia, Stiches), o NOCTURNA SHOTS (muestra variadita del panorama de cortometrajes fantásticos y donde paladeamos algunas joyas patrias como la divertida EUTANAS, S.A. o la genial Mr. Bear, o las sugerentes y ya exógenas Grieta en la Oscuridad o L´Heritage). Mucha diversión, un poco de caviar y alguna que otra cagada. Pero sobre todo, entretenimiento para el fan 100% asegurado. Lo malo de tratar de resumiros y explicaros el NOCTURNA a aquellos que no habéis tenido el enorme placer de disfrutarlo es que es muy difícil condensarlo todo en unas pocas palabras. Vaya semanita, en definitiva, de buen cine, buen ambiente (bastante moderneo, eso sí, algo que seguramente mejorará el año que viene), entrevistas y por qué no decirlo, encuentros con grandes maestros del género. Y mo-

mentazos, como cuando uno sale totalmente conmocionado después del capítulo 3x09 de Juego de Tronos, y va y se topa de bruces con un genio como Mick Garris… Pues claro, ¡no te vas a contener! Le chapurreas lo mejor posible en inglés que por favor se haga una foto contigo, que es un dios soberano y que si hace falta le regalas tu hígado. Lo mejor es cuando se empieza a reír, se hace la instantánea contigo con cara de bobo y encima la gran Cinthia Garris (su majísima esposa, por cierto) se ofrece a haceros otra más incluyendo a tu pobre novia, para que esta pueda disfrutar también del momento. Uno hinca las rodillas y sale con medio tembleque a que le dé el fresco. Y es que es eso, que se trata de un evento hecho por fans para fans, con buen rollo y todo lujo de detalles. Eso no lo tiene tanto, al menos en su concepción, la Muestra Syfy (aunque también

mole lo suyo). Para empezar a abrir boca, Rosales y cía montaron un Pre-Nocturna el fin de semana antes, con escogida programación en la que pudimos encontrar ciertas rarezas orientales, como la enaltecida King of Thorn, una peliculita bastante peculiar y que no es fácil de encontrar en nuestro país, o una retrospectiva para paladares exquisitos con la saga Tetsuo como protagonista. Ya la habíamos visionado – y bostezado, porque no decirlo, antes – pero lo volvimos a hacer. Es lo que tiene el pillar algo así de grande en pantalla grande. Otras secciones con las que se nos hizo la picha acero fueron el NOCTURNA PREMIERE, con cintas como la esperada Omnívoros (segundo largometraje del ultrafan acérrimo e interesantísimo Oscar Rojo) o la fallida y gafapasta

Al final todos mueren; y por supuesto el NOCTURNA CLÁSICOS, que nos hizo disfrutar en 35 mm. como niños y soltar alguna lagrimilla con películas míticas tales como Gremlins (con la presencia de Joe Dante), El Huerto del Francés del grandioso y tristemente desaparecido Paul Naschy o un par de episodios de esa travesura de Mick Garris denominada Masters of Horrors. Qué grande ese Garris, por cierto. Pues eso, que en NOSOLOFREAK tuvimos la desfachatez de disfrutar por la patilla de la primera edición del NOCTURNA, y es algo que contaremos a nuestros churumbeles cuando les arrastremos a dicho evento dentro de algunos añejos para educarles en el buen gusto fílmico. Por la presente, atestiguo que nos hemos encontrado de todo y hemos disfru-

tado con todo, en mayor o menor medida. Y para que podáis haceros a la idea, ahí va un cómodo esquema para que os hagáis idea de algunas de nuestras impresiones, influenciadas en su presentación por nuestra reciente devoción por Masterchef.

mejor define alguna de las escenas, como aquella en que los hermanos protagonistas saltan a dos metros de la cama sobre el colchón para que el monstruo bajo la cama no les atrape, es simple y llanamente, RIDÍCULA.

CAQUITA DE CRITTER:

MORDISQUEABLE A RATOS:

-SILENT HILL REVELATION 3D (Michael J. Basset): El blockbuster que daba el pistoletazo de salida al NOCTURNA de manera oficial contaba con la presencia de su productor Samuel Hadida (al que no se le puede reprochar su dedicación al género, eso sí) para este preestreno bastante esperado por algunos y del que muy poco esperábamos otros. La cosa quedó como esperábamos los otros, es decir, que tras un primer acto de lo más prometedor, la película se

-STICHES (Connor MacMahon): Curiosa irlandesada (habrá que tenerlas en cuenta después de la que nos ocupa o la divertidísima Grabbers) de payasos asesinos. Buena propuesta entre la carcajada negra y la sangría más atroz, digna heredera de Clownhouse.

acababa yendo lentamente por el desagüe del inodoro, arrastrando tras de sí unos cuantos pedazos de mierda de los más espesa. Mucho videoclip y muy poco alma, por decirlo de manera elegante.

como fans del cine de asesinos enmascarados nos la acabamos tragando, por pura gula. La cosa, al principio bastante aburridilla y más vista que el tebeo, fue haciéndose graciosa por momentos, con algunos momentos de conseguida tensión, aunque definitivamente ruinosa en su tramo final. ¿Qué le vamos a hacer? Jason y Michael Myers tienen la culpa.

-THE COMPLEX (Hideo Nakata): Otro zurullo apestoso pinchado en un yakitori. Demasiado aburrida, demasiado nipona, muy pocas ideas, muy poco que contar, muy poco miedo, muy poco de cualquier cosa y una chorridiculez en grado supremo. Patinazo del Nakata, al que más le valdría dejar el testigo a gente con más ganas e imaginación. -UNDER THE BED (Steven C. Miller): Otra mierda aburridísima que prometía cosillas y se queda en agua de borrajas. Se podría haber quedado en un corto, eso sí, ni de miedo ni de nada. La palabra que

-HOME SWEET HOME (David Morlet): Pretenciosa muestra de estilizado slasher franco-canadiense,

-TEXAS CHAINSAW 3D: Una mierda muy gorda que tiene sus momentillos y que se salva de la quema por estar protagonizada por nuestro idolatrado Leatherface (algo más amariconado que de costumbre, por cierto), porque sale el original Gunnar Hansen, porque sale el armadillo muerto y porque, qué demonios, es otra más de la saga que comenzó la obra maestra del terror de todos los tiempos. Por lo demás una historia ridícula y mierdosa a más no po-

-FORGOTTEN (Alex Schmidt): De menos a más, esta germanada terminó hasta gustándonos. Que sí, que es más de lo mismo y con un ritmo bastante… pues eso, bastante alemán a ratos, pero el caso es que sus trampas ridículas, giros descabellados, ambientación de pueblecito acabaron haciendo un huequecito en nuestro enfermo corazón.

ALGO QUE ATRAPA. Ésta no dejó indiferente a nadie y gustó a bastantes. Quizás no pase nada en toda la cinta, quizás sea producto de las setas alucinógenas, quizás sea una crítica velada hacia las drogas o a lo que coño se les haya ocurrido, quizás se trate de algo que solo intuyamos al final. El caso es que nos tiene enganchado como gilipuertas durante casi 2 horas en las que no ocurre demasiado en la historia de dos amigos (uno de ellos adicto a las drogas) que hablan y hablan sin parar en una cabaña perdida en el bosque y con una amenazadora y sobrenatural presencia animando el cotarro. Estimulante y enrevesada a partes iguales.

-MILLION DOLLAR COCRODILE (Li Sheng Lin): Estos chinos están mu locos, y esta monster movie tan simpática repleta de personajes delirantes nos

-DARK SKIES (Scott Stewart): Lo que debería ser el subgénero de abducciones, lejos de la infumable La Cuarta Fase, por ejemplo. Y eso que esta contado

engatusó hasta el final. Lo que debería ser la autoparodia, sobre todo dentro de un subgénero plagado de mierdas como Piranhaconda, Komodo Vs. Cobra y moderneces presuntamente de la hostia que estafan al que quiere ser estafado. Joyitas como Dead Sushi o la que nos ocupa señalan el buen camino.

como de costumbre, con una familia típica americana que vive en un barrio de viviendas unifamiliares a la americana. Algo así como el Poltergeist de las abducciones presentado en un paquete sólido, sin fisuras, muy bien dirigido y que nos hace pasar de la inquietud inicial al verdadero terror irresoluble de su resolución. Muy buen final, por cierto. Fabulosa. -JUG FACE (Chad Crawford Kinkle): Absorbente, ágil, tétrica, fenomenal. Y es que ya se sabe que las mejores películas de serie B (nuestra bien amada serie B) siempre han sido las que han sabido aprovecharse de su inherente escasez de medios en su propio beneficio. Y esto es Jug Face: pocos escenarios, pocos actores, un asfixiante, insano entorno rural y unas interpretaciones fabulosas. Así se fabrica un mini-clásico.

der, personajes sin sentido, poca chicha, poca sangre, muy malo el 3D, muy poco atrevida y sin nada que aportar. SUCULENTA EN SU PROPIA SANGRE:

-TULPA (Federico Zampaglione): ¿Se puede hacer un giallo hoy en día? ¿Y además que divierta y sea estilizado – aún lejos de Argento –, delirante, atrevido, ultragore, ultrasexual, rococó, desfasado, lisérgico y desvergonzado? Zampaglione se sale de madre, hace lo que le sale de los fetuccini y le sale bien la jugada. Y nosotros nos hicimos una foto con su musa y esposa, la calentorra Claudia Gerini. ¿Envidieja? -RESOLUTION (Justin Benson y Aaron Moorehead): Una paranoia que tiene ALMA, que tiene

ALTA COCINA DE REPELUZNES: -THE CONJURING (THE WARREN FILES) (James Wan): La ultima del director de Saw, Silencio desde el Mal e Insidious es una puta obra maestra de las reúnen suspense hasta el paroxismo y rebotes de culo en las butacas. Putas viejas demoníacas, putos muñecos demoníacos y puta manía de jugar al escondite con palmaditas. Os vais a cagar de miedo sinvergüenzas. Deseando estamos de que se estrene Insidious 2. -I AM A GHOST (H. P. Mendoza): Una genialidad sumamente atrayente, minúscula y envolvente joyita que nos transporta a un extraña realidad, palpable

pero inmaterial, por medio de una chica atrapada entre dos mundos. Hiriente, genial, poética y sublime. Una de las sorpresazas del Nocturna. -WITHER (Sonny Laguna/Tommy Wiklund): OBRA MAESTRA DEL SIGLO XXI CON DOS COJONES. Ultragore, divertidísima, con un ritmo endiablado y repleta de posesiones, hachazos, aplastamientos, desmembramientos y barbaridades sin tregua. Nunca pensé ser testigo de algo así en los tiempos que corren, de ser salpicado por tal cantidad de hemoglobina, y solo por asistir a esta película ya mereció la pena el festival. Sí, señor, lo que debería haber sido el remake de Evil Dead lo han perpetrado un par de suecos talentosos con mucho futuro. Clásico instantáneo, culto inmediato, premio del Festival merecidísimo. El futuro del horror no está

en América. Búsquenlo en la tierra del Ikea y sigan recorriendo Europa. LARGA VIDA A WITHER, ¡la quiero ya en mi videoteca! Y ESO NO ES TODO, AMIGOS… Otra de las bazas del NOCTURNA han sido sus eventos paralelos. Pudimos disfrutar de una exposición de las mejores portadas de José Luis Macías, fantástico ilustrador de la saga de novelas pulp de los 50 y 60 Luchadores del Espacio. También de la presentación del libro de Víctor Matellanos Colin Arthur: Criaturas, Maquillajes y Efectos Especiales, obra indispensable sobre el creador de las geniales criaturas de La Historia Interminable o la sangre del ascensor de El Resplandor. El culmen, eso sí, del frikismo en grado sumo, lo protagonizó la premiere

del noveno episodio de la tercera temporada de Juego de Tronos, capítulo estrella de la estupenda serie que la gente sufrió y lloró como si nunca se hubiera leído las novelas (algo muy común al parecer) y que algunos padecimos con absoluta vergüenza ajena encarnada en la estúpida entrevista que se planteó a la sin-sal Natalie Dorner AKA Margaery Tyrell por parte de una tipa que se empeñaba en hacer spoilers para disgusto del respetable. A todo esto, no me despido sin decir que el hecho de que I am a Ghost (fenomenal, sin duda) haya obtenido el premio del público a mejor película del festival por encima de Wither, que obtuvo el merecidísimo premio a mejor película, demuestra que el grueso del jurado sabe de lo que habla bastante más que la mayoría de los asistentes, que cayeron en el virus del

gafapasterismo más asqueroso por momentos, sobre todo cuando silbaron al conocerse que la peli sueca había sido la premiada. El año que viene esperemos que se les haya curado tan dañina enfermedad. Pues sí señores, que hemos de darle las gracias al señor Rosales y a su compañía del Anillo, que han conseguido el viejo sueño que algunos teníamos tiempo ha. Gracias, señores, por el buen resultado, inmejorable para una primera edición. Gracias por el buen ambiente, el compañerismo, el buen trato. Gracias por la dedicación y el trabajo que supone, plagado de desdichas y sinsabores. Gracias por regalarnos tantas horas del cine que nos apasiona. Gracias señores, por tanta pasión. Nos vemos en Nocturna 2014, y en NOSOLOFREAK esperamos contároslo.

Premio Madness: Resolution Mejor película Oficial Fantástico: Wither

POR MARIA GRACIA GALÁN Y JESÚS CAGICÓS

THE JAMMERS Magnus Dagon

PALMARÉS NOCTURNA 2013 Premio al mejor Cortometraje Nacional: Human Core Premio al Cortometraje Internacional: (ex aequo)  L’Heritage y Death of a Shadow Premio del público al mejor cortometraje: Mr. Bear Premio a la Banda sonora: Insensibles Premio a los Efectos especiales: Wither Premio a la mejor Fotografía : Forgotten Premio al mejor Guion: Jug Face Premio a la mejor Interpretación: Lauren Ashley Carter (Jug Face) Premio al Mejor director: Sonny Laguna y Tommy Wiklund por Wither Premio del público a la Mejor Película: I am a Ghost Premio Dark Vissions: A Little bit zombie

The Jammers son una banda que pelea por hacerse un hueco en el  difícil mercado musical, pero a causa de un accidente que les expone a extrañas corrientes eléctricas adquieren poderes con el nexo común de influir sobre las máquinas. A pesar de granjearse peculiares y peligrosos adversarios logran conciliar y afrontar las dificultades que se les presentan. Pero un enemigo como ningún otro que hayan conocido opera en las sombras... y su plan maestro progresa. Puntos de venta: http://thejammerslibro.blogspot.com. es/2013/03/puntos-de-venta-fisicos-y-online-de.html Y ahora también podéis descargaros las canciones que inspiraron el libro en: http://balambgardenmusic.blogspot.com. es/2013/01/balamb-garden-seeds-of-kindness-2013.html

ENTREVISTA A MICK GARRIS Mick Garris es uno de los grandes directores del fantaterror y el responsable de relanzar una saga tan mítica como Critters. Tuvimos la ocasión de hablar con él en el festival y disfrutar más, que de una entrevista, de una relajada conversación en la que nos contó sus primeros recuerdos asociados al cine fantástico o por qué funciona tan bien su relación con Stephen King. Mick Garris es un hombre muy carismático, simpático, gracioso, paciente y ante todo, devoto de sus fans. No en vano, aparte de concedernos la entrevista, se hizo un buen puñado de fotos con nosotros y hasta le firmó a nuestro redactor Jesús J. Cagigós la película de “Sonámbulos”. Echadle un ojo a esta entrevista en la que os desvelamos los orígenes de este genio. NSF: Tu primer contacto con el cine fantástico fue con Star Wars, de hecho, has llegado a controlar a R2D2 en la Gala de los Oscar... MG: ¡Ya puedo morir feliz! ¡Sí! He tenido una vida de lo más completa, sobre todo después de controlar a R2D2 en los Oscar NSF: ¿Qué es lo que más te gusta del fantaterror? MG: La imaginación y la libertad, aunque más que la ciencia ficción o la fantasía, para mí, lo más interesante es el terror porque permite compartir nuestros más oscuros sueños y pesadillas y cosas que no compartimos públicamente. Y me encanta la oportunidad que me brinda, es más expresivo, puedes utilizar herramientas cinematográficas de forma creativa sin que exista un nexo de unión con la realidad. Y puedes ser expresivo y surrealista. Es muy difícil expresar en el cine lo que sucede en el interior de la mente de una persona, como dijo el gran Richard Matheson una vez: “Los libros son una cuestión interna, mientras que el cine es algo externo” Y tiene razón, pero una gran película de terror consigue externalizar lo interno, pero esto es más una vocación que un trabajo, porque aunque sea

un trabajo, siento que es algo importante que debo transmitir; que todo el mundo sepa que compartimos ciertos temores. Y afrontarlos y experimentarlos de una forma que disfrutemos, aunque no siempre lo disfrutes, pero al final de la película, has logrado exorcizar tus demonios. NSF: ¿Cuáles son tus primeros recuerdos relacionados con los cómics y las novelas de terror? MG: He leído libros, cómics, novelas y me leí todos los libros de Ray Bradbury cuando tenía doce años. Siempre he sido fan del fantaterror, también de otras cosas, pero de este género en especial. Recuerdo muy vívidamente la primera película que vi de pequeño, “El hijo de Kong” y fue una experiencia devastadora, nunca había visto antes un monstruo en una película, había visto a los gorilas en el zoo ¡¡pero nunca uno de 50 metros!! Y aunque sabía que era un poco artificial me quedé completamente alucinado, también era una comedia, no era del todo una película de terror. Pero tiene un final muy triste, él muere al final, como el King Kong original, su hijo muere al final de una forma dramática. Y aunque tendría solo 6 años o así, tuvo un tremendo impacto en mí. En la presentación que hizo el otro día Joe (Joe Dante) dijo que las películas que todo el mundo recuerda, son aquellas que nos marcaron de niños y que han aguantado el paso del tiempo. Si hablamos del año 1930 ó 1931 ¿Qué recuerdas? ¿Al ganador del Oscar a la mejor película o la película de Frankestein? Y no sólo los fans del fantaterror, todos conocen la película de Frankenstein, pero no saben quién ganó el Oscar a la mejor película ese año. Esas películas consiguen llegarte de una forma mucho más profunda que ningún drama o comedia. NSF: Eres un gran lector y bibliófilo, ¿es esta pasión por los libros lo que hace que tu relación con Stephen King sea tan especial? MG: Lo cierto es que tenemos un pasado similar, provenimos de familias desestructuradas y tenemos

gustos parecidos, no es que nos guste exactamente lo mismo. Pero me encantan sus libros, y los respeto muchísimo, además de que le respeto mucho como escritor. Yo mismo he escrito varios libros, y los libros no son películas, Stephen King es el primero en decirlo. Pero cuando adaptas un libro al cine, tienes que coger todas las cosas que han hecho que el libro funcione y adaptarlas al mundo audiovisual y hacer que funcione como película, a la gente le tiene que gustar la película tanto si ha leído el libro como si no, y entenderla aunque no hayan leído el libro. Por lo que quizás tengas que combinar personajes, acortar escenas y separar lo que es importante de lo que no, ése es el trabajo de un screenwriter (la persona encargada de convertir un libro en un guión) y de un director. Es una cuestión de respeto para mí, e respeto y cariño por la obra. Para mí sería muy difícil hacer una adaptación de un texto que no me gustara, porque al fin y al cabo es un año de tu vida y ya sea una película para cine o televisión, tienes que estar totalmente comprometido con el proyecto. Y es un trabajo que consume mucho y que es mejor que te importe mínimamente.

NSF: ¿Cómo es tu relación con Stephen King? ¿Podríamos decir que sois amigos? MG: Sí, sin duda somos muy buenos amigos, es una amistad que se ha ido estrechando con el tiempo aunque congeniamos desde el principio. Ambos provenimos de hogares desestructurados y de familias de pocos recursos, por eso os decía que tenemos un pasado parecido. NSF: Siempre hemos considerado (a nivel personal) que una de tus mejores películas es “Sonámbulos”, ¿estás contento con el resultado final? MG: Lo cierto es que me gusta más ahora que entonces. Me encantó hacerla, aunque no es la película más “profunda” que he hecho, pero ése es uno de sus encantos. Cuando haces una película lo aceptas todo como la realidad en aquel momento, pero con el tiempo, te das cuenta de lo raras que eran algunas cosas, las relaciones entre madre e hijo como en “Psicosis 4”. Ésta fue la razón de que Stephen King quiso que trabajara en “Sonámbulos” porque le encantó lo que hice en “Psicosis 4” Y lo cierto es que me encanta la película y adoro al reparto (NDR: en la película hacen un pequeño cameo tanto Joe Dante,

Stephen King, John Landis y Clive Barker), Brian Krausse y a todo el maravilloso reparto que tuve. La verdad es que fue una película algo complicada de hacer, y el estudio no era precisamente colaborador y querían hacer determinadas cosas de cierta manera. Por eso, me gusta más ahora que hace un tiempo, porque puedo mirarlo todo desde la distancia. NSF: Ahora está de moda hacer remakes de todo, ¿te ves haciendo un remake de Critters? MG: (risas) Creo que Critters no sería la primera de mis películas de la que haría un remake, creo que escogería otras antes. Ya que al fin y al cabo, es un secuela. NSF: Sí, pero es una gran secuela y consiguió relanzar la saga. MG: Sí, aunque no deja de ser una secuela de una explotation de Gremlins,a sí que, si hay que hacer un remake, mejor que sea el de Gremlins (risas) Aunque me encantó hacer esa película, fue mi primera película, me dediqué a ella en cuerpo y alma. Y creo que realmente las escenas cómicas funcionan bien y es la única comedia que he hecho, pero realmente disfruté haciéndola. Aunque bue, técnicamente, “El Resplandor” es un remake aunque realmente sea una nueva adaptación del libro. Lo cierto es que no me importan los remakes ya que algunas de las mejores películas del género lo son, y si son para mejorar la primera versión de la película, me parece bien. NSF: ¿Cómo fue trabajar con Anthony Perkins? MG: La verdad es que era una persona excepcional,

muy sensible y brillante. Aunque yo nunca había trabajado antes con una estrella de ese calibre, pero en ocasiones podía ser algo complicado de manejar. Además, aunque tenía muchas ganas de hacer “Psicosis 4” fue muy difícil conseguir la financiación por el poco éxito que tuvo “Psicosis 3” Fue muy duro, porque la rodamos en 28 días, con poco presupuesto, era un tv movie, aunque en Europa se estrenó en cines. NSF: ¿En qué estás trabajando ahora? Si nos lo puedes contar. MG: La verdad es que es algo bastante distinto a lo que estoy acostumbrado ya que soy el productor ejecutivo y no el director, o el guionista, que es lo que suelo hacer. Es una gran película de estudio, no es una película de género y está basada en una novela llamada “Broken” que ha sido un gran éxito en Estados Unidos, hace ya 2 años y medio que se publicó y sigue en el Top Ten de los más leídos. Es un libro sobre mi suegro, el padre de mi mujer, sobre sus experiencias en la Segunda Guerra Mundial, es un libro increíble y es una historia real. La directora va a ser Angelina Jolie y el guión va a ser escrito por Joel e Ethan Cohen. A la vez voy dirigiendo ciertas cosillas para televisión mientras último mis proyectos secretos (risas) Este año van a publicarse 3 libros que he escrito. NSF: Como pregunta final, en un enfrentamiento entre Critters y Gremlins por el control de la Tierra, ¿Quién ganaría? MG: (risas) ¡Critters! (risas) no, en serio, Gremlins, son más destructivos y es mejor película.

ENTREVISTA A JOE DANTE Durante el Nocturna tuvimos la ocasión de entrevistar al gran Joe Dante, uno de los invitados de más peso del festival junto con Mick Garris. Dante es conocido principalmente por Gremlins y Gremlins 2, pero también ha dirigido otras muchas películas como “Pequeños Guerreros”, “Piraña” o “Aullidos” Además de participar en el mega proyecto de Mick Garris “Masters of Horror” NSF: ¿Qué piensas del hecho de no estar en el proyecto de Gremlins 3? JD: Lo cierto es que no esperaba colaborar en el proyecto. Y de hecho, creo que no va a ser Gremlins 3 si no un reboot, dijeron que iban a empezar desde cero porque los personajes serían demasiado mayores como para hacer una contunuación. NSF: Existe una clara conexión entre los 80 y los 50, como se puede ver en Gremlins. ¿Qué opina de esta conexión? JD: La gente ahora echa de menos los 80 al igual que mi generación sentía nostalgia de los 50. Pero esto se debe a que fue entonces cuando vieron las películas que más les han marcado. Todos nos podemos nostálgicos y miramos al pasado, cuando éramos felices y creo que todas las generaciones lo hacen. Sobre todo cuando se hace duro vivir en el presente, conforme pasan los años, todo lo anterior empieza a parecer más idílico. Pero si examinas cada año a fondo, verás que no todo es tan perfecto y que también hubo cosas malas. Cuando nosotros echábamos al vista a atrás en los 80 hacia los 50, no pensábamos en la lucha por los derechos civiles ni en toda la disconformidad que había. Tan sólo pensábamos en el rock y en romper las barreras porque eso era lo que queríamos recordar. Y lo mismo pasa con los 60 y los 70, que no queremos recordar las partes incómodas. Tan sólo recordamos lo que queremos, las películas que más nos impactaron cuando éramos niños, son las películas que recodamos en momentos difíciles.

NSF: ¿Qué es lo que más te llama la atención del cine de este género de los últimos años? ¿Has visto algo de cine español de este género? JD: Siempre me ha gustado el trabajo de Guillermo del Toro, aunque no sé si es Mexicano o español, aunque trabaja en español. He visto “El laberinto del fauno” y “El espinazo del diablo” y son excelentes ejemplos de este género, sobre todo, para los que no les gusta este género. Y “Los otros”, me encantó. La historia del fantaterror español se remonta muchos años atrás... Diría que entorno a los 60 con Ibáñez Serrador, me encantaban sus películas. Y por supuesto, Jacinto Molina. Las películas de esta gente se distribuían raramente en Estados Unidos, se podían encontrar, pero en pantallas pequeñas, no en los grandes cines. La audiencia americana no está muy familiarizada con el cine español. De hecho, muchas películas que la gente cree que son españolas, fueron rodadas en España por directores de otros países. Todas esas coproducciones hacen que sea difícil aislar del montón a las auténticas películas españolas. Salvo por gente como Luis Berlanga, gente que hacía películas que realmente eran distribuidas como cine español. Me encanta esa época de los 60 en mi país, cuando era un chaval y me conocía de memoria los nombres

de todos los directores internacionales, porque sus películas se distribuían en Estados Unidos sin importar de qué género fuera la película. Había un grupo e directores muy interesantes, pero de repente esto paró. Lo que pasó fue que la audiencia dejó de interesarse por estas películas y se quedaron fuera del radar. Los americanos no saben nada de lo que se hace en otros países a menos que alguien compre esa película y haga un remake americano, algo que sucede continuamente. Salvo con los directores daneses, sus películas nunca se distribuyen aquí, pero a ellos les encantan nuestras películas y nuestras series. NSF: Ha trabajado en cine y en tv, ¿Qué diferencias o que similitudes hay entre ambos medios? Lo último que ha hecho ha sido dirigir tres capítulos de Hawai 5.0 Quería saber cuáles son. Y qué diferencias ve entre la acción y terror, que es lo que está acostumbrado a hacer. JD: Bueno, de Hawai 5.0 he dirigido 2 capítulos y ahora en breve voy a dirigir el tercero. Solía haber mucha diferencia entre trabajar en televisión y trabajar en el cine, sobre todo cuando comencé a hacer cine. En aquel entonces, como las pantallas eran bastante pequeñas, se solía pensar que las películas para televisión había que hacerlas con muchos planos medios y cortos. Y se hacían como películas muy baratas. Pero esto ha cambiado completamente, no sólo porque ahora las pantallas de televisión sean mucho más grandes, y el sonido ha mejorado mucho. Hay ciertas pantallas de televisión que se ven mejor que las pantallas de muchos cines. Como decía, el cambio no se debe tanto a esto, si no por el cambio del contenido, ya no hay tanta censura, cosas que antes sólo podías hacer en el cine, ahora también se pueden hacer en televisión. Ahora hay muy poca diferencia, quizás sólo el que se trabaja más rápido en televisión, que resulta más barato y que no recauda tanto dinero. Sobre lo que puedes hacer, cuando yo hice “Masters of Horror”, ese tipo de cosas no las podrías haber hecho en cine porque hubieran sido clasificadas “X” por la violencia. Y los capítulos que yo hice no podría haberlos hecho en ningún otro sitio, cine, tan sólo ese canal de televisión por cable que se decidió a darnos aquella oportunidad. Y a pesar de que no teníamos tiempo, ni dinero, resultó liberador porque todos los que participamos, sentimos que estábamos haciendo “nuestra” película. Sin test de screening, ni clasificación por edades... directo de la mente del director a la pantalla. Y resultó muy divertido, porque no es lo habitual. Salvo por el hecho de que no sacamos nada de dinero, fue muy interesante

NSF: ¿Cree que se está perdiendo lo que es la experiencia de ir al cine? Sí, sin duda, de hecho, creo que la gente de mi generación ya no va al cine. Esto es porque los espectadores hoy en día son muy ruidosos y se pasan toda la película whatsappeando o twitteando, hablando, dando voces... Y es una lástima porque la magia de ir al cine está en ir allí, estar con otras personas viendo la película. Hay ciertas comedias que cambian mucho al verlas en casa en la televisión. Los Hermanos Marx cambiaron la forma de ver las películas y presentaban los sketches como pequeñas obras, así luego comprobaban la reacción de la audiencia, la duración de las risas... De esta forma, cuando volvían a Hollywood retocaban las películas dejando espacio para las risas. Cuando las ves en televisión y hay un gag cómico, ese espacio para las risas queda vacío, por ello se usan risas enlatadas en las series; para recrear la idea de ver la serie o la película con un grupo de gente que se ríe. Por ello, yo creo, personalmente, que el acto de ir al cine, para mí, es como ir a la iglesia. Como cuando era pequeño, cuando las luces se apagaban y podía suceder cualquier cosa y que fuera lo más alucinante que hubieras visto nunca, que no solía pasar pero bueno... Es algo que nunca he perdido a pesar de ir mucho al cine, pero sigo sintiendo esos nervios cuando se apagan las luces. Odiaría perder esa sensación

ENTREVISTA A LUIS M. ROSALES Luis Rosales es un tipo muy majo, un gran aficionado al fantástico de nuestros amores, y un profesional como la copa de un pino metido de lleno en el mundillo. No en vano es el creador y director del genial proyecto (que nos encanta) SCIFIWORLD y ha escrito mogollón de artículos, entrevistas y reseñas tanto para la propia SCIFIWORLD como la americana e idolatrada FANGORIA y otras prestigiosas publicaciones internacionales. Colaborador en múltiples programas de radio, además es editor de libros como “Paul Naschy, la máscara de Jacinto Molina”, “Profanando el sueño de los muertos” o “The Twilight Zone”. Es también el realizador del Festival Internacional de Cortometrajes Fantásticos SHOTS y de los Premios Scifiworld de Fantasía, Terror y Ciencia Ficción. En 2010 produjo y realizó la labor de Director Artístico del documental dedicado a la figura de Paul Naschy “El hombre que vio llorar a Frankenstein”. Como podéis ver, una de las “almas mater” del fantástico hispano en la actualidad, entregado a su gran pasión y culo de mal asiento por naturaleza. NSF: Luis; ¿cómo fue eso de liaros la manta a la cabeza y decidiros a montar un festival internacional de cine fantástico aquí, en Madrid? L. R.: Cuando salimos de la ducha decidimos que estábamos muy mojados y nos teníamos que secar de alguna manera (risas). No, en serio, la idea surgió cuando presentamos un documental dirigido por el señor Ángel Agudo en Fantasporto que habíamos producido José Luis Alemán, Sergio Molina y yo mismo. Estábamos presentándolo allí, en Portugal, y pensando en dónde íbamos a estrenarlo aquí, en Madrid. Nos dimos cuenta de que no había ningún evento en el que poder estrenarlo, salvo la Muestra Syfy, que no estrena este tipo de películas. Pensamos “oye, pues estaría muy bien montar algo de este estilo en Madrid”, así que surgieron muchas iniciativas al respecto, muchas ideas, fue algo que despertó nuestro entusiasmo. Luego la cosa permaneció en “standby” algún tiempo, lo íbamos hablando de vez en cuando.

Al final, en octubre después de Sitges, decidimos tirar adelante con el proyecto, y en noviembre ya empezamos a trabajar en ello. NSF: ¿Estáis contentos con la acogida, con el resultado final del proyecto, o aún os encontráis en medio de esa vorágine que os impide emitir un juicio? L. R.: Los inicios siempre son difíciles. Hay que darse a conocer, estamos en un momento muy difícil, que todos conocemos (no hay más que encender la televisión) y, evidentemente, hay que tomar las cosas con cierta cautela. Por mucho que nosotros queramos decir que la segunda edición es una realidad de forma rotunda, preferimos decir que “creemos” que es una realidad. Por una sencilla razón: en medio del panorama actual, ¿quién se atreve a asegurar algo? Pero sí es cierto que estamos contentos teniendo en cuenta la publicidad y el presupuesto que hemos manejado. Muy contentos. Creo que por ejemplo, del evento que montamos de “Juego de Tronos” se enteraron todos los frikis de España (Risas) (N. d. R: En NOCTURNA se estrenó en primicia el noveno capítulo y crucial de la 3ª temporada, “Las lluvias de Castamere”, con la presencia de Natalie - Margaery Dorner). NSF: Después de habernos traído a Joe Dante, Mick Garris, Neil Marshall... en esta primera edición, ¿qué podemos esperar de la segunda? L. R.: Hay ya dos invitados confirmados para la segunda edición, que iban a venir a ésta pero tenían rodaje y finalmente les fue imposible. Están ya apuntados para la siguiente edición que hagamos, que parece ser que sí. Estarán aquí presentando sus nuevas películas. Uno de ellos comienza por la letra “G” y el otro por la letra “T” (risas). NSF: Me han comentado (N. d. R.: no sé quién será... ejem...) que nos entusiasmaría que el año que viene, o en el futuro, os trajerais a Robert Englund (a.k.a. Freddy krueger)... yo solo transmito. L. R. : (Risas) Bueno... (risas) Estaría muy bien.

NSF: De todas las pelis que habéis proyectado en el festival, ¿con cuál te quedarías? ¿Hay alguna que tenga un significado especial para ti? L. R.: Me gusta muchísimo una, que tiene bastantes posibilidades de ganar y que además fue una apuesta personal mía, que al verla dije que la tenía que poner sí o sí, fue “I am a Ghost” (N. d. R.: al final se llevo el Premio del Público esta fenomenal película). Sabía que podía ser polémica al tratarse de una cinta que puede no gustar a todo el mundo. O te gusta, o la odias. Pero tuvo una acogida maravillosa. NSF: Ahora dinos una película, un actor y una actriz del género de los que te hayas enamorado como aficionado. L. R.: (Risas) Me lo pones difícil… Soy muy fan de Freddy Krueger desde que era niño. En mi escritorio hay un Freddy Krueger gigante que suelta perlas como “Welcome to my nightmare”. También soy muy

fan de Bruce Campbell. Sé que soy muy friki y todo lo que queráis, pero… (Risas) NSF: No soy la más indicada para hablar… L. R. : Yo crecí con ellos. Soy muy fan de “Evil Dead”. Esta grabación que escuchamos de fondo pertenece a una película, “Wither” (N. d. R.: a la postre vencedora en el festival) que es un “Evil Dead” a lo sueco y créeme, está muy bien. Voy a tener la suerte de entrevistar a Bruce Campbell dentro de poco y me digo “¡Dios mío, por fín! A ver que sale, y a lo mejor algún año aquí en Madrid… (sonrisa enigmática). NSF: Muchas gracias por todo, luis, y mucha suerte con el proyecto.

VIGILEN LOS CIEL Archivo 005: Cube / Horizonte final yDoble sesión noventera, amigos de lo fantástico, mas correctamente, de finales de los años noventa. Dos películas originales, innovadoras y de desesperanzador mensaje, una dupla que trata sobre el mal en diferentes vertientes: una sobre el daño generado por el ser humano a sus congéneres cuando no los considera iguales, por algún motivo y otra, sobre el mal mas imposible, el antiguo, el inconcebible. “Cube”(1997, Vincenzo Natali) y “Horizonte final” (“Event horizon”, 1997, Paul W.S. Anderson) son las elegidas, dos pequeñas joyas del fantástico que nos van a llevar a lugares demasiado oscuros para mentes ordinarias. Al lío. “Cube” viene con un ajustado vestido de cine independiente, de bajo presupuesto, de obra primeriza. Pero no es un traje confeccionado de retales sino con una tela original y vistosa, con una sencillez que abruma. Película extraña, donde unos personajes se encuentran encerrados en una estructura cúbica, comunicada con otras habitaciones semejantes, sin que sepan el cómo, el dónde o el por qué. Juega a la perfección con el espacio, la iluminación y la cámara para crear una atmósfera de angustia. Y es que la situación no es para menos: te despiertas desconcertado, en un cubo metálico perfecto, rodeado de extraños símbolos en la pared y vestido con una funda propia de un presidiario de un Guantánamo cualquiera. Pero lo peor no es eso:

cada cubículo tiene una puerta en cada una de sus caras que comunica con otra sala igual, exacta, con un añadido extra, unas trampas mortales de lo mas sofisticado. Desde ataques de ácido a cables metálicos del grosor de un pelo que se cierran sobre el habitante de la sala. Los invitados a tan peculiar fiesta privada cumplen a la perfección de estereotipos humanos: el preso fugado de la cárcel, un policía violento autoelegido como jefe, la científica, la mujer sensible, el ingeniero y el tontito (con perdón) que no resulta ser tanto. Estereotipos, como decía, representando las múltiples caras del ser humano y añadiendo intriga al desarrollo de la película: ¿sabe alguno algo mas de lo que dice? ¿Tiene algún personaje la clave del misterio? Y así se pasa la película, con un misterio por desentrañar, una tensión en aumento y mucha mala baba en cada nueva habitación, ante cada nuevo reto.

LOS

Como relato de ciencia ficción, centra el peso de sus ideas en el mundo matemático. Una estructura cúbica con múltiples habitaciones, como si fuese un cubo de Rubik malvado y sangriento, cuyas habitaciones siguen un patrón lógico de colocación siguiendo un punto clave, la salida del laberinto. Las trampas también poseen un cierto carácter científico, desde ataques de ácido que carcomen carne y hueso hasta sensores de ruido. La película no ofrece respuestas a las preguntas clave, aumentando su estatus de película de culto jugando la baza de lo desconocido, donde el espectador debe sacar sus propias conclusiones mas allá del final, jugando con las pocas pistas que deja el metraje. Si que hay un personaje que aporta mas información, desentrañando un encargo de una enorme estructura metálica donde supuestamente se encuentran nuestros protagonistas y el cubo pero nada mas. La imaginación vuela, desde elementos alienígenas (las extrañas paredes del cubo, las trampas) hasta una conspiparanoia gubernamental, donde alguien los habría metido allí para observarles como conejillos de indias, en un entorno controlado y hostil. Pese a que imaginarse a alienígenas metidos en el ajo resulta terriblemente atractivo, la opción

del humano resulta mas plausible, atendiendo a lo que ofrece la película. Después del éxito, sobre todo en el mercado del vídeo doméstico, el cubo recibió dos entregas mas: Cube hypercube (2002) y Cube zero (2004), de desigual éxito y repercusión. Cube representa un gran triunfo del cine de bajo presupuesto y del género fantástico, que arrojó una idea y un empuje que pueden apreciarse en películas posteriores y de gran éxito (y en inicio, también de carácter independiente) como Saw (2004). Horizonte final (Event horizon, 1997) es, sin lugar a dudas, la mejor película de Paul W. S. Anderson, hasta el momento y una de las mejores películas de ciencia ficción de la década de los 90. Y no es una afirmación baladí (pero totalmente personal, ojo). Los puntos fuertes de la película son muchos y atemporales, mezclando la exploración espacial, el horror puro y duro, un toque de Lovecraft, unas gotas de H.R. Giger (esa esfera infernal...) y acción. Un cóctel perfecto.

VIGILEN LOS CIEL En un futuro cercano, la exploración espacial es un hecho y varias naves se adentran en el espacio profundo. La señal de socorro de una de esas naves, la Event horizon, desaparecida en los confines del universo, aparece y se inicia una operación de rescate, liderada por el capitán Miller (Lawrence Fishburne y su equipo multidisciplinar. Junto a ellos se embarca el Doctor Weir (Sam Neill), diseñador del auténtico motor de la Event horizon y gracias al cual iban a desplazarse mas lejos que ningún otro viaje espacial: un motor gravitatorio capaz de crear un agujero negro en su interior y utilizarlo para curvar el espacio a su alrededor y favorecer la transición entre ambas partes del agujero. Lo que pasa que no siempre hay lo que uno se espera al otro lado de algo tan peligroso y desconocido como un agujero negro, puede ser que lleve al mismísimo infierno, mas allá de Neptuno y Próxima Centauri. Para ser veraz, mas que al infierno, la tripulación original del Event horizon, fue llevada a un lugar mas allá de la propia humanidad, a una dimensión de caos, que amenaza a los nuevos inquilinos. Hay varios aciertos clave en el transcurso de la película, comenzando por la ambientación, totalmente espacial pero sin resultar demasiado fría, excesivamente futurista. Paneles de control normales, trajes espaciales realistas, maquinaria convencional (¡pistolas remachadoras), cables y un diseño de naves más que correcto. Resulta cercana y nada futurista, en realidad son trabajadores espaciales, tipo a los camioneros espaciales que pretendían ser los protagonistas de Alien, el 8º pasajero (Ridley Scott, 1979). Si ya establecemos una unión con la saga Alien, aunque sea estéticamente, Horizonte final acumula una serie de referencias a otras obras como Solaris (las ensoñaciones sobre familiares que

atormentaban a George Clooney en la versión mas reciente), Hellraiser (las escenas de lo ocurrido con la tripulación original no tienen nada que envidiar a cualquier fiesta cenobita) o quizás la mas clara de todas y la menos esperada por lo distante de sus tramas, en principio, El resplandor (The shining, 1980). Las conexiones con la obra visual de Kubrik y la escrita por Stephen King (tan diferentes como iguales) inundan la película, desde visiones hasta olas de sangre que lo inundan todo, pese a estar en el espacio exterior. Horizonte final a bebido de distintas fuentes pero también ha dado de beber. A todos se nos viene a la memoria cuando jugamos al excelente Dead space (2008), con el pobre Isaac Clarke pasándolas canutas mientras las visiones atormentan su mente. Pese a su estatus actual de película de culto, para la mayoría de las mentes culturalmente dispersas, el camino del film no fue de rosas, precisamente. Se la ofrecieron a Paul W. S. Anderson justo al terminar Mortal Kombat (1996), otro mito de videoclub, y los tiempos de producción se acortaron dramáticamente para llegar a tiempo a la fecha de estreno, fijada de antemano. En una carrera contrarreloj la película se finalizó pero sufrió duros cortes, sobre todo en las duras escenas con lo ocurrido en el primer viaje de la Event horizon. Un buen presupuesto, unos 60 millones de dólares y un descalabro en la taquilla (25 millones de dólares), no es para considerarlo un éxito pero, al igual que Cube, arrasaba en los videoclubs. Todo un Marea roja del espacio, lleno de referencias cruzadas, horror y ese toque tan John Carpenter que Paul W. S. Anderson jamas ha conseguido repetir. No es la mas original del mundo pero hace mucho y todo, bien.

L. J. ZAPICO

LOS

EL TWITTER DE @

Ya sé que muchos de vosotros estaréis pensando ya en las vacaciones, no olvidéis descargaros la revista en vuestra tablet, móvil o portátil. Este mes lancé al aire la pregunta de ¿ Cual es la mejor serie de los añ respuestas…..

Mentxu arias @mentxuarias Lo primero que me ha venido a la mente al leer tu mensaje a sido Blossom, me encantaba, y los jóvenes jinetes….

@doncriticon72

La verdad es que no me esperaba lo de los jóvenes jinetes del Pony Express y si soy sincero nunca he visto un episodio…. Te prometo Mentxu que le echare un vistazo….

Tony FusionFreak @TonyFusionFreak La serie que recuerdo con más cariño es ENANO ROJO

@doncriticon72

Eso es Tony …. No ibas a elegir una serie facilita, he tenido que buscarla en Wikipedia pero no tiene mala pinta lo que he leído…. No se si me arrepentiré pero me pongo con ella…

Daena @lady_daena Buffy la cazavampiros !!! Te hago un monográfico si quieres….

@doncriticon72

Una serie imprescindible para todo el que ame el fantástico, esos monstruos, esos demonios…. Que recuerdos !!

Urko Urbieta @

Dolorosa elección… Me quieres m serie prerida E.R. Urgencias

@doncriticon72

Esta no me la esperaba !!! sin duda de doctores…. Aunque cada vez ha enfermos…

@DONCRITICON72

, las piscinas, playas…. Yo también, no os creáis que no les tengo ganas, pero

ños 90 ? y la verdad es que no os voy a engañar, me han sorprendido algunas

Olga Andérez @OlgaAnderez Uffff yo es que mezclo los 80 y los 90. ¿Fortunata y Jacinta? Jajajaj No, es coña… Si Alf es de los 90 me quedo con Alf

@doncriticon72

Te doy por buena “Alf ” ya que empezó a finales de los 80 pero se alargó hasta bien entrados los 90, de momento han dejado quieta la “gran idea”! de hacer una película sobre Alf…. Cuanto daño hace que estén aburridos en sus despachos los magnates de Hollywood….

elblogdesitges @elblogdesitges X-Files sin duda !!

@doncriticon72

Una gran serie que nos marcó a toda una generación y que marcó una nueva forma de hacer series, misterios sin aparente explicación, hilos argumentales que no se cierran, subtramas…. ¿Os suena de algo ? Por cierto desde aquí recomiendo que echéis un vistazo al gran blog de este amigo elglogquefaltaensitges.blogspot.com.es no os arrepentiréis….

Julian Lara @Julian_Lara

@AgenteUrbit

A mi sin duda alguna “Ren & Stimpy”

matar de dolor…. Pero te diré mi

@doncriticon72

a fue la pionera de las series abía más líos de faldas que de

Gran serie, marcó una época……. Vaaaaale soy sincero no tengo ni la menor idea de que serie es la que me dice el bueno de Julián pero si él la recomienda seguro que es una serie que hay que tener mucho en cuenta…. Investigaré….

Luis Endera @Luis_Endera FRIENDS ;)

@doncriticon72

Gran elección, algunos de sus episodios son míticos…. El del porno gratis…. El que se liga a un chico joven…. El que se queda encerrado en un cajero…. Todos los protagonistas están acertados y tienen gracia, algo muy difícil de conseguir….

Aitor Hachea @Thorreplicant Buffy Cazavampiros, Josh Whedon rules !!!!

@doncriticon72

Gran elección amigo Aitor, el fantástico al poder !!!

Tony @Fulci78 Una serie genial que me encanta es la mítica Musculman !! Kinnikuman en Japón

@doncriticon72

El manga llevado a su vertiente más cómica, luchadores desfasados y cuando creías que lo habías visto todo aun te soltaban otra más gorda…. Gran serie

Rafa Returns @RafaAmo71

Tania Z

Por supuesto “Bola de dragón”

Friends no lo dudo, me quedo con ell

@doncriticon72

@doncriticon72

No me digas Rafa que tu también te ponías delante del espejo y practicabas los Kame – Kame……

Otro voto más para la sitcom por e

Ijon Titchy @Ion_Titchy “Expediente X”, “ Infelices para siempre” y joder me gustaba mucho también “Parker Lewis nunca pierde”

@doncriticon72

De Expediente X ya hemos comentado antes sus grandes cualidades pero una de las sitcom que más me hizo reir en su tiempo fue “Infelices para siempre” con ese genial Mr.Floppy, desde entonces siempre he querido tener una boardilla o sótano para mí y mis cosas como el protagonista….. Parker Lewis no la recuerdo excesivamente……

Javi S. Roquero @J_Doczilla Sin duda “Expediente X” desde entonces los fumadores me dan mal rollo y siempre llevo un puñado de pipas en el bolsillo…

@doncriticon72

Está claro que los seguidores de “Expediente X” la recuerdan con mucho cariño, si hablásemos de las dos películas posteriores seria otro cantar…..

Alvaro Z. @alvaricoquez Los Simpson cómo no

@doncriticon72

Es algo extrañísimo pero es el primer voto para los Simpson, no sé si será por el agotamiento de los personajes llevado por Antena 3 al repetir los capítulos una y otra vez o que la gente como es una serie tan longeva no la asociaba a ninguna década en concreto….

Z. @Tanitry

la…. Siempre me quedaré con Friends

excelencia….

Sanguichuela @Sanguichuela Ummmm en esa época veía bastante tele… Seaquest y Xena

@doncriticon72

Xena la princesa guerrera !!! Como se nota que eres guerrera….

GRUNGE Una “mugre” que mola mucho Este género hijo del rock alternativo y una simbiosis extraña entre el Punk, el Metal y el hard rock llegó para revitalizar el género que se encontraba estancado para muchos cuando varias bandas de garaje y subterráneas comenzaron a llamar la atención del público en general. Seattle, Washington fue la cuna de este movimiento que prontamente se convirtió en un estilo de vida. De hecho para muchos críticos el grunge fue más un movimiento cultural que un género musical dada las marcadas diferencias entre sus exponentes. El grunge literalmente hablando significa mugre que bien podría ser interpretado como la estética desaliñada y descuidada de sus exponentes y que era una clara renuncia al estilo ya establecido por los rockeros precedentes, especialmente del subgénero glam donde era casi que uniforme obligado las indumentarias de cuero, las melenas largas y sedosas y en algunas ocasiones los maquillajes distintivos. El grunge renuncia a todo este escenario prefabricado y explota en sus líricas todo el inconformismo y el desprecio por el despertar del “sueño americano” ya en las puertas del siglo XXI. Al estar los mercados enfocados en Los Ángeles y New York permitieron que Seattle desarrollara su propio estilo con un cierto grado de pureza e independencia. The Fartz, The U-Men, 10 Minute Warning, The Accüsed y The Fastbacks, y Pixies son algunas de las influencias más relevantes para el grunge. El Heavy Metal de final de los 70 fue el otro ingrediente para este subgénero pues varios integrantes de estas bandas han reconocido la influencia de bandas como Black Sabath, Led Zepelin o Black Fag. Una tercera influencia se encuentra en los sonidos desgarrados del noise pop de bandas como Killdozer, y Flipper bandas de sonidos lentos que usaban asiduamente el feedback. El sonido grunge se caracteriza por guitarras con sonidos muy distorsionados y recios, voces guturales, adictivas -a pesar de ser en ocasiones un tanto repetitivas- y la predominancia de una batería densa.

El género o movimiento cobró fuerza porque estaba en el momento adecuado y el lugar adecuado. La llamada generación X inconforme del bombardeo mercantilista y lleno de promesas vacías que había desembocado en millares -sino millones- de jóvenes sin un futuro claro en la “tierra de las oportunidades”. Las líricas se reenfocan entonces y en vez de alardear de conquistas sexuales, consumo de drogas o alcohol, propio de las bandas de finales de los años ochenta los nuevos grupos abordan temas de conciencia social como la alienación en la que la sociedad estaba presa, la falacia del estilo consumista voraz e irresponsable, propio del pueblo norteamericano de final de siglo (aunque el actual no ha cambiado mucho esta característica). Igualmente

su estilo de vida que a la vez era despreocupado les permitía en ocasiones interpretar canciones con un sentido del humor negro y mordaz donde parodiaban a otros grupos, especialmente los de hair metal rechazando el estilo vida y puesta en escena un tanto sobrecargada y a su juicio artificial. En este caldo de cultivo fue que estas bandas que amaban el anonimato y la simplicidad se vieron catapultadas y seguidas por fans que llenaban estadios a reventar ansiosos de corear con ellos su desesperanza e incertidumbre. La primera compañía que impulsó y dio a conocer el género fue la discográfica Sub Pop, apoyando a bandas que serían fundamentales en el desarrollo del naciente género. Green River, Soundgarden, Nirvana, Pearl Jam, Stone Temple Pilots, Helmet, Sonic Youth, Hole, Alice In Chains, L7, Mudhoney entre otras hacen parte de la era dorada de este movimiento. Deepsix sería el primer álbum del género que vería la luz en el año de 1986 bajo el sello del ya citado Subpop; una recopilación de

“La soledad no es una fase. En un campo de dolor yo pasto, la serenidad está muy lejos...”

(Angry Chair - Alice In Chains) canciones de Green River, Soundgarden, The Melvins, Malfunkshun, Skin Yard y The Umen. El trabajó llamó de inmediato la atención de melómanos y aficionados por su particular sonido difícil de encasillar en ningún género de ese momento. Al año siguiente Green River –considerados los padrinos del grunge por la mayoría de los expertos- sacaría el primer LP completo titulado “Dry as a bone” (seco como un hueso) consolidando el concepto de sonido de Seattle gracias a una bien pensada promoción a la que se unieron casas disqueras como C/Z Records, Estrus Records, EMpTy Records y PopLlama Records. El primer grupo en entrar a las grandes ligas sería Soundgarden firmando un contrato con A&M Records en 1989, seguido rápidamente por Alice in Chains, Pearl Jam entre otros. Pero el boom definitivo lo daría el grupo Nirvana con su primer trabajo Nevermind el cual en tan solo una semana vendió 400000 copias y tras solo un año desbancó al mismísimo Michael Jackson. Pero la misma fama que los hizo reconocidos a nivel mundial fue el arma que los fue destruyendo poco a poco. Mucho no soportaron el peso y optaron por quitarse la vida o consumirse en medio de sus adicciones. Otras bandas terminaron desintegrándose fusionándose con otras o sus integrantes ensayando como solistas unos con más fortuna que otros. El mercado sobresaturó los mercados y terminó banalizando la propuesta del movimiento Grunge. Al mismo tiempo comenzaban a surgir movimientos como el postgrunge y el brit pop que minaron paulatinamente la popularidad de este género. Para mediados de los noventa el grunge estaba en cuidados intensivos tras el suicidio de Kurt Kobain y en el 96 fue su defunción oficial con la disolución de grupo como Alice in Chains y Soundgarden. Dos décadas han pasado ya desde que Seattle se convirtió en “el nuevo Liverpool” los nostálgicos de la última década del siglo XX recordaremos ese momento mágico y sencillo donde sonidos y voces distorsionadas eran el himno de nuestra inconformidad hoy aún latente.

POR ANDREY ALFONSO

El nombre del mejor grupo femenino desde siempre está compuesto por dos palabras: Spice Girls. Estas chicas picantes son Geri Halliwell, Melanie Brown, Victoria Adams y Melanie Chisholm, y originariamente también estaba Michelle Stephenson, pero fue despedida por dos mánagers del grupo (Bob y Chris Herbert) entrando en el grupo Emma Bunton. Comenzaron en 1994, con muchas ganas y ilusión, respondiendo a un anuncio para formar un grupo musical femenino con una edad comprendida entre los 18 y los 23 años. El nombre que se buscaron al principio fue Touch, antes de pasar al actual, mucho más sugerente, y sugerido por Geri. Como muchas veces pasa en el mundo de la música, descontentas con la actividad de sus managers, decidieron despedirlos y formarse su propio camino en el mundo de la música. En septiembre de 1995, su maqueta fue a parar a maos de Simon Fuller, y las consiguió un contrato con la prestigiosa discografía Virgin, y desde ahí comenzaron a despegar con un primer single muy pegadizo: Wannabe, consiguiendo un buen éxito y reconocimiento en 1996, vendiendo casi seis millones de copias y llegando a ser número 1 en más de 29 países. Su primer trabajo fue una joya sin duda alguna, vendiendo unos 23 millones de copias, y recibiendo premios de los que estar orgullosas, como los Brit Awards. En el verano de 1997 sacan su segundo disco, Spiceworld, y a la vez graban Spiceworld: The Movie, y al poco tiempo dan un concierto multitudinario en Estambul, que además de ser su primer concierto, está patrocinado por Pepsi. Poco tiempo después, vuelven a romper con su manager y en 1998 empiezan la gira Spiceworld Tour, una extensa gira de ocho meses a lo largo del mundo. También grabaron ese mismo año la canción de la selección inglesa de fútbol junto a otros famosos grupos.

El peor momento del grupo llega cuando Geri decide marcharse a finales de mayo, con numerosos rumores y versiones que giran alrededor intentando encontrar una razón: bien dicen que fueron problemas entre las compañeras, otros que su apretada agenda complicaba todo, las malas lenguas también dicen que fue por prevenir la separación del grupo, o la competencia de liderazgo con Mel B, o por risas y malhabladurías acerca de ella... Lo que no sabemos es la razón real, lo que sí, es que el grupo perdió una pieza esencial.

Poco después, Mel B y Victoria se quedaron embarazadas, y además con Viva Forever volvieron a ser las número 1 con una aplastante gira de verano, en la que también surgió el amor, casándose Mel B con uno de los bailarines y esta misma, sacando su propio single en solitario, otro número 1. Todo lo bueno no puede durar eternamente, así que el gran tour de conciertos terminó en septiembre y en navidad sacaron otro número 1 a modo de despedida, Goodbye. 1999 fue después un año muy rico personalmente para ellas: hicieron un tema junto a otros artistas muy conocidos, It’s only rock ‘n’ roll,, y también cantaron en un disco recopilatorio de Elthon John y Tim Rice la canción My Strongest Suit. Victoria se casó con David Beckham, Mel B tuvo a su hija y versionó Word Up, Emma colaboró junto a Tin Tin Out en una nueva versión de What I Am, Geri tuvo su álbum y Mel C colaboró exitosamente con Bryan Adams además de sacar un disco muy rockero. Con la

llegada del buen tiempo, en verano se reunieron para planificar su cuarto disco y en navidades hicieron una mini gira por Inglaterra. Dando una alegría a sus fans, volvieron en el 2000, apareciendo por primera vez en marzo en los Brit Awards, y en octubre volvieron a ser n1 con el doble single Holler/Let Love Lead the Way, y su tercer álbum, de un estilo r&b, Forever, no obtuvo el éxito esperado. Tras el bajo éxito, las chicas se dedicaron a su carrera en solitario, y Virgin decidió terminar de promocionar el tercer disco del grupo y no lanzar más singles.

Después de todos estos emocionantes hechos para las vidas de las Spice, sus carreras han seguido en solitario, sacaron un greatest hits y también algún concierto y reunión entre ellas ha habido... La incógnita está en saber si futuramente podremos volver a verlas juntas, o tendremos que quedarnos con el recuerdo de lo que fue... POR ESTHER ESTEBAN

El El anime anime

Llenando Llenando nuestra nuestra Anime: uno de los géneros de la cultura nipona que mayor aceptación tiene en la sociedad occidental. Está muy de moda y es raro que exista un solo niño, adolescente, joven, o incluso adulto que no siga (o idolatre) alguna serie de este exitoso mercado. Tanto es así, que la afición por los personajes de grandes ojos expresivos y cabellos de colores imposibles, así como por sus emocionantes y a menudo fantásticas vidas, ha llevado a crear todo un modo de vida tan original como divertido. El anime (y el manga por supuesto) han generado toda una legión de seguidores capaces de imitar hasta en el más mínimo detalle las vestimentas de su personaje favorito, utilizando Internet como una herramienta para conocer y dar a conocer todo lo relacionado con este tipo de animación y ayudando a florecer todo un rentable mercado que ofrece cualquier objeto que aparezca en cualquiera de las series de mayor culto. Pero, como es evidente, esta pasión por el anime no ha aparecido de la noche a la mañana. Mucho antes de que Internet se convirtiera en una ventana al mundo al alcance de cualquiera, este género de animación empezó a colarse tímidamente en nuestras vidas y se atrevió a engancharnos sin apenas darnos cuenta. Y es que, si nos paramos a pensar, el anime ha coloreado nuestras vidas desde que de pequeños nos sentábamos a desayunar (todavía con los ojos llenos de legañas) antes de ir al colegio y ha hecho más dulces nuestras meriendas antes de hacer los odiados deberes. Sin necesidad de disfraces, los renacuajos que crecimos en la década de los 90 ya jugábamos a imitar a los personajes que tanto nos cautivaban, peleándonos con

nuestros amigos por ser el o la protagonista y pasando horas y horas de diversión. Estábamos sentando las bases del universo anime que hoy tiene tanta fuerza. No en vano, los expertos en el tema consideran que la década de los 90 fue la época dorada del anime. Aunque ya desde los años 70 TVE venía emitiendo series como Heidi, Marco, o Mazinger Z y en los 80 otras como Candy, Candy, todavía seguían predominando las animaciones europeas y sobre todo españolas: La vuelta al mundo en 80 días, Los mosqueperros, etc. Sin embargo, es en los 90 cuando empieza a haber un cambio en la parrilla televisiva de nuestro país, y la animación japonesa, de temática mucho más variada y menos infantil a la que estábamos acostumbrados hasta entonces, comienza a invadir nuestros hogares y a nutrir la imaginación de los niños de esta década. Fue la época de Dragon Ball y la colección de cartas que vendían en los kioskos; la de Sailor Moon y los grupos de niñas emulando ser sus bellas protagonistas; la de Pokemon y todo el merchandising que generó. Las buenas historias del Anime de los 80 dieron paso a otras aún mejores, más imaginativas y con más dosis de ciencia ficción, cambiando el gusto de los niños que ya empezábamos a preferir las complejas tramas, las bandas sonoras más pegadizas y la acción predominante de los que solíamos llamar ingenuamente “dibujitos japoneses” o “dibujitos manga” antes que al resto de series más lineales y previsibles. La estética del género anime también logró embelesarnos: sus personajes estilizados de piernas larguísimas, con ojos enormes de raros colores y peinados divertidos nos sorprendieron y gustaron desde el principio, y siempre nos parecían más “bonitos” que los de los

en en los los 90. 90.

oo de de color color a infancia infancia dibujos occidentales. Los escenarios y paisajes donde se desarrollaban las historias también nos fascinaban: empezamos a aprender cómo eran las casas japonesas (con sus extrañas costumbres como descalzarse siempre antes de entrar) así como los colegios e institutos orientales. Hasta entonces no conocíamos nada de la alimentación japonesa (que hoy en día nos apasiona) y fue este tipo de animación la que nos introdujo en éste y otros muchos aspectos de la cultura nipona. En un principio, este género no estuvo del todo muy bien visto por todos en nuestra sociedad. El anime tuvo en esta época un buen número de detractores que consideraban que estas series nuevas eran demasiado sangrientas, violentas y dotadas de carga sexual para las tiernas mentes de los niños. Pero, aunque bien es cierto que este tipo de animación era más violento que el que hasta entonces estábamos acostumbrados, los años 90 fueron prolíficos en series anime de muy distintas temáticas. A pesar de que la que más se desarrolló e introdujo en nuestro país fue la ciencia ficción, otras bien distintas también empezaron a cuajar. Por ejemplo, los anime con temática más realista y orientada a las chicas adolescentes y como La familia crece fue todo un éxito a finales de los 90. Series con una carga cómica y desenfadada como Chicho terremoto también fueron muy seguidas desde sus primeras emisiones y otras más infantiles y fantasiosas como Pokemon crearon todo un precedente en España y en el mundo entero. Los recursos utilizados en estas animaciones muy centradas en la expresividad de los personajes, en la

dinámica de algunos planos y en el cuidado de los entornos en los que se desarrolla la acción fueron perfeccionándose en estos años, llegando poco a poco a la calidad de las animaciones actuales y contribuyendo a que los niños, jóvenes (y no tan jóvenes) prefieran las series niponas, hasta el punto de que un 70% de las producciones procedan de Japón, frente al 10% de las españolas y 20% norteamericanas. Algunos sostienen que el mercado está saturado por la animación japonesa debido a que su producción es barata y las series tienen gran cantidad de capítulos y secuelas, y a que el entramado industrial de Japón es gigantesco en comparación con el español. Esta teoría es perfectamente plausible, pero quizás estas consideraciones no tienen en cuenta los antecedentes de la animación japonesa en España, su introducción en las vidas de sus consumidores a muy temprana edad y lo que es capaz de lograr el sentimiento de nostalgia y la emoción de volver a experimentar la infancia de mano de personajes que son como hijos o sucesores de aquellos héroes imparables, estudiantes con vidas corrientes a la vez que extraordinarias, animales extraños y parlantes, etc. que nos acompañaron mientras crecíamos y conocíamos otra cultura maravillosa.

POR ROSA Mª CORTÉS GARCÍA

Fushigi Yuugi Fushigi Yuugi es un manga escrito por Yuu Watase que salió a la venta en 1992 y terminó de publicarse en 1996 tras 13 tomos. Al terminar estos 13 tomos a la autora se le notificó que el manga iba a ser adaptado al anime (con un total de 52 episodios) y se le pidió que continuara en manga, con lo que este llegó a los 18 tomos. El anime abarca los 13 primeros tomos y los restantes se adaptaron en tres OVA’s. Las dos primeras coinciden en los tomos 14-18 aunque hay diferencias substanciales y la tercera relata la historia de “Fushigi Yuugi Eikôden”. También se hicieron tres Omake’s humorísticos, en donde el segundo está conectado con la parte del manga en donde todos se visten de mujeres. Miaka Yuki es una típica adolescente: irresponsable, glotona, sentimental, algo llorona… Aspira a entrar en el prestigioso instituto Jokan, aunque todos piensan que no lo va a lograr. Un día Miaka acompaña a Yui, su mejor amiga y completamente opuesta en carácter a ella, a la biblioteca y acaban entrando en la “sección prohibida” de ésta siguiendo un pájaro rojo que Miaka ha visto. Una vez dentro se les cae encima un libro chino llamado “El universo de los cuatro dioses” que, curiosamente, está escrito en un idioma que Yui sabe leer. Al leerlo en voz alta ambas se ven transportaran a un extraño mundo similar a la época feudal. Un apuesto muchacho con el símbolo del “ogro” en la frente y llamado Tamahome las salva de unos maleantes pero entonces Yui es transportada de vuelta a su mundo. Yui averigua que puede leer en el libro las cosas que le suceden a Miaka. Miaka averigua que está en el país de Konan, uno de los cuatro países en los que está dividido este mundo, y que está designada a ser la sacerdotisa de Suzaku, el dios regente de ese punto cardenal. Konan necesita

invocar a Suzaku para hacer frente a las peligrosas fuerzas de Kutou, que quiere conquistarlos. Para ello Miaka debe reunir a las estrellas de Suzaku (sus guardianes). Tras algunos acontecimientos Yui acaba siendo transportada a Kutou y se convierte en sacerdotisa de Seiryu a causa de engaños varios por parte de Nakago, general de las fuerzas de Kutou y estrella de Seiryu.

EL MANGA Y EL ANIME

Comenzó a publicarse en 1992 en la Shôjo Comic, de la editorial Shôgakukan y acabó de publicarse en 1998 con un total de 18 volúmenes. Existen varias diferencias entre el manga y su adaptación al anime: - El principio y el final del anime (que corresponde al tomo 13 del manga) son diferentes. - Keisuke y Miaka (hermano) consiguen comunicarse entre los dos mundos de formas distintas: en el anime es a través de un cabello y en el manga a través de una cinta de pelo. - Para buscar las estrellas de Suzaku (los guardianes) en el manga Miaka obtiene una bola de cristal. En el anime usa un espejo. - En la segunda parte del manga (las OVA’s en el anime) pasan muchas cosas que no se cuentan en el anime. - Al principio del anime, Yui vuelve tras llegar por primera vez a Konan pero Miaka no. En el manga vuelven las dos pero tras una discusión con su madre Miaka decide escapar hacia ese mundo. - En el manga Yui no sabe que Miaka está en el libro, eso de leer lo que hace su amiga y que le pase lo que a ella sólo ocurre en el manga.

LAS OVA’S

Las OVA’s transcurren cuando Miaka y Yui van al instituto, de los 15 a los 18 años. El primer OVA está compuesto por 3 capítulos y cuenta como Tamahome se ve obligado a volver al mundo de los cuatro dioses, en el que han pasado 50 años, y se ve convertido en Nakago. El segundo OVA está compuesto por 6 capítulos en el que Taka (Tamahome) y Miaka son transportados a Konan y despojados de sus recuerdos. Allí se encuentran con los supervivientes de Suzaku, que les entregan sus piedras para que recuerden. Se encuentran buscando las piedras de los demás guardianes para intentar volver. La tercera OVA tiene 4 capítulos y está basada en la novela de Fushigi Yuugi. Miaka y Taka están casados y ella está embarazada. Mayo, una alumna de Taka, está enamorada sólo de él y quiere el final feliz que ha tenido Miaka. Conocedora de la leyenda de los cuatro dioses e ignorando las advertencias del hermano de Miaka, Mayo entra en el libro y éste le traspasa el embarazo de Miaka, dejando a la joven en coma. El libro de los cuatro dioses estaba desgastado y eso se traduce en una trágica situación en el mundo del interior, cosa que obliga al país de Konan a recurrir a Suzaku. Taka vuelve al mundo de los cuatro dioses, en donde Mayo se ha convertido en la sacerdotisa de Suzaku, para intentar salvar a Miaka.

FUSHIGI YUUGI GENBU KAIDEN

dios. Algo irónico en esta ocasión es que tanto la sacerdotisa como sus guardianes (estrellas) son vistos como malos augurios y nadie quiere ayudarlos ni relacionarse con ellos… Incluso el propio emperador quiere matarles.

OPINIÓN PERSONAL

“Así, la chica de la leyenda abrió la puerta de otro mundo. Esta es una historia acerca de una joven que reúne a los siete Seishis de Suzaku. Ella obtiene poderes omnipotentes y hace sus deseos realidad. La historia, por si misma, es un encantamiento. Aquellos que terminen de leerla, recibirán el poder. Tan pronto como la página es volteada, la historia se hace realidad y comienza...” Y así es como comienza el anime. De esta forma tan mística y encantadora es como muchas de mi generación nos quedamos embobadas frente a la tele mientras veíamos uno y otro capítulo. Fushigi Yuugi se ha ganado con razón el título de “uno de los mejores shôjo de la historia”. La forma en la que el amor, la aventura, la comedia y el drama son mezclados en esta historia la hace digna de mención y reconocimiento. Esta serie encierra un universo que te cautiva desde el primer momento. Su principal atractivo es la historia sin lugar a dudas y la forma que tiene la autora de tratarla. Algo que me gusta de ella es que es imprevisible y sorprendente.

La forma en la que Takiko se convierte en la primera sacerdotisa es curiosa. Su padre en es traductor del misterioso libro de su idioma original al japonés y cuando vuelve a casa después de un año la joven, enfadada por haberla dejado tras la muerte de su madre, le quita el libro con la intención de destruirlo. En ese momento es absorbida por éste y es salvada por una chica que domina el viento, que después resulta ser un chico y una estrella de Genbu.

En ella tienen cabida un montón de personajes, todos con un amplio abanico de personalidades que brillan por si solos. Incluso personajes que muchos consideran como “secundarios” tienen tanta importancia en ocasiones como los propios protagonistas. El trágico pasado de algunos de estos no hace sino incrementar el interés sobre la historia. Pese a ser un shôjo, Fushigi Yuugi logra separarse de los tópicos más grandes de este género, haciéndola accesible para la mayoría de los públicos. No todo en la historia es de color rosa, ni todo acaba bien, ni todos son amigos,... Hay traiciones, desengaños, desamores, mentiras, desconfianza, sed de vengaza… La serie no es sólo un shôjo más. Los combates que se observan en ella, la mayoría cuerpo a cuerpo, podrían llegar a confundirse con los que podemos ver en un shônen hecho y derecho.

Así es como comienza la aventura de Takiko y su búsqueda de las estrellas de Genbu para invocar al

Además de lo típico del shôjo (chicos guapos, curvas femeninas, uniformes…) la serie cuenta

En Genbu Kaiden se cuenta la historia de Takiko, sacerdotisa de Genbu y su búsqueda de sus estrellas. Es una precuela (cronológicamente) de Fushigi Yuugi y de hecho, Keisuke menciona la historia cuando está buscando información para sacar a Miaka y Yui del libro.

con sugerentes elementos mágicos que están perfectamente integrados en este antiguo mundo. Sabe equilibrar el romanticismo y el dramatismo, las escenas felices y las tristes,… El recorrido que hace la historia a través de los diversos personajes que nos encontramos es otro punto fuerte de la misma. No es de esas que sólo se centran en los protagonistas y punto, la trama nos deja explorar a casi todos los individuos que vemos. De ese modo podemos enterarnos de todas las tragedias que acompañan no sólo a los guardianes de Suzaku, sino también de las desgracias de sus enemigos los de Seiryu. Incluso, en algunos capítulos, podemos entrever los pasados de guardianes de uno de los otros dos dioses, Genbu. Si hay algo que se puede observar bien es la madurez que van obteniendo los personajes a través de la trama. Miaka empieza siendo una chica algo tonta que se toma todo como una especie de juego y acaba siendo una mujer decidida a salvar a todos (su amiga incluída). Algunos de los guardianes de Suzaku también tienen un cambio significativo entre sus inicios y el final de la serie, sobretodo en el caso de Tasuki y Nuriko. La forma en que la serie baila entre el mundo del libro y el mundo real es también magnífica. Ver como el hermano de Miaka hace de todo por salvarla a ella y a su amiga e incluso verlo correlacionarse con la historia de Genbu es precioso. El dibujo del anime es en ocasiones un punto flaco de la serie. En ocasiones se pueden ver como “borrones” en el paisaje o detalles mal dibujados. Recuerdo como cada vez que veo la escena en la que Miaka está en ropa interior a punto de caer por el acantilado me da un patatús. ¡Eso no es una cintura! ¡Son dos triángulos enganchaos! Esta serie es una de esas que pueden ver y disfrutar todos los mayores de X años (no vamos a estar enseñándoles violaciones y muertes a los niños pequeños). Para muchos quizá no sea de las mejores pero sin duda puedes disfrutar mucho viéndola.

POR NEKO MAI

Este manga creado por Eiichiro Oda, y llevado al anime de la mano de Konosuke Uda, tuvo su primera edición en la Weekly Shonen Jump el 4 de agosto de 1997, tras cosechar un éxito sin precedentes, coronándose como el manga más vendido de la historia, continua su publicación hasta la fecha, alcanzando la friolera cifra de 709 capítulos de manga. El autor, desde su infancia estuvo fuertemente influenciado por Akira Toriyama, creador de Dragon Ball, y Dr. Slump. En una entrevista realizada para la Shonen Jump, no deja dudas de su reverencia a él. Desde ya muy joven aspiró a ser dibujante de manga. De su admiración por Toriyama tomó valores como la amistad y la nobleza, que por encima de todo uno debe ser siempre fiel a sus principios y luchar por la gente que quiere proteger. Al igual que la mayoría de animes, en One Piece también se enardece la amistad, la superación personal, y la defensa de la justicia. Según palabras de Oda, One Piece es “ una historia de un mundo dominado por piratas que hacen lo que les da la gana y luchan por aquello en lo que creen”. La serie cuenta la historia de un joven llamado Monkey D. Luffy, que, animado y motivado por

Shanks, un pirata de su pueblo natal, inicia la aventura de su vida para alcanzar su sueño, ser el “Rey de los Piratas”, para ello, se hace a la mar, en busca de una tripulación merecedora de compartir con él el hallazgo del tesoro One Piece, ocultado por el anterior rey de los piratas Gol D. Roger en la última isla de un mar inhóspito al que solamente Roger y su tripulación pudieron llegar. Momentos antes de su muerte, Gol D. Roger desvela donde está su tesoro, desatando así una nueva era pirata.

El argumento principal es la lucha constante de Luffy, que intenta alcanzar su sueño, acompañado en su viaje por sus nakamas. Cada uno con un objetivo y un propósito diferente, pero compartiendo todos el mismo camino. A medida que la historia avanza, Luffy los va conociendo, y convenciendo de que se unan a él. Lo más destacable de One Piece, podría ser la increíble evolución que se aprecia tanto en los personajes, como la trama, en incluso en el estilo del autor. Aunque enmarcada dentro del género Shōnen, es un anime que crece desde su inicio para jóvenes de 1516 años, hasta alcanzar en la trama actual una franja de edad mucho mayor, llena situaciones dramáticas, que provocan giros inesperados, pero sin desviar ni por un momento la vista del objetivo principal, que es alcanzar tus sueños, aunque seas un pirata y el mundo se ponga en tu contra. Desde la primera publicación el 4 de agosto de 1997, Eiichiro Oda ha hecho madurar a sus personajes, a su historia, y su estilo, para que crecieran con los mismos seguidores de la serie casi 10 años después. Alcanza hasta la fecha de hoy unos 600 capítulos. Puede resultar vertiginoso para alguien que desee empezar a verla, pero la caracterización de cada uno de ellos, es algo que hasta el momento no se ha podido

encontrar en ninguna otra serie, precisamente debido al hecho de que, a lo largo de todos esos capítulos, la historia crece, va tomando forma, se vuelve más y más apasionante y está llena de momentos épicos. La trama se complica, y los problemas que tienen que superar de forma grupal, como de manera individual, son los que marcan la personalidad de cada uno de ellos, y si de verdad tienen la fuerza y la determinación necesaria para superar el reto que la vida les plantea. Todo llevado con grandes dosis de acción y humor, en un mundo en el que tienen que defender lo que ellos consideran justo, ya que siendo piratas, se enfrentan constantemente a la ley, la marina, y el gobierno mundial; símbolo de poder y supresión. La historia en este mundo fantástico, se va desarrollando etapa por etapa. Cada isla otorga la oportunidad de una nueva aventura, un nuevo descubrimiento, y un obstáculo más que superar. A medida que el tiempo avanza en la serie, nuevos personajes con personalidades y habilidades diferentes se van uniendo en este viaje. Si hay algo que tiene One Piece es que ninguno de ellos te deja indiferente, Oda tiene una cualidad especial para hacer que los espectadores se emocionen con cada uno de los personajes.

En su lucha Luffy y su tripulación deberán enfrentarse con enemigos poderosos, algunos serán piratas que pretenden alcanzar el mismo objetivo que ellos, otros, componentes de la marina. Inicialmente las batallas que se desarrollan en la serie no resultan tan sangrientas ni feroces, como las que se desatan en capítulos más avanzados, debido a que la fuerza de los protagonistas, y de sus enemigos, cada vez es mayor, y los sacrificios que tienen que hacer más duros a lo largo de la historia. Hasta el momento, la tripulación de Luffy está formada por ocho componentes; un espadachín, una navegante, un francotirador, un cocinero, un doctor, una arqueóloga, un carpintero y un bardo. Sólo podemos esperar para ver si nuevos compañeros se unirán a esta variopinta tripulación, eso es algo que sólo Luffy puede saber. La aventura continúa.

POR NAERI

Yû Yû Hakusho es un manga creado por Yoshihiro Togashi que tiene una adaptación al anime. La serie empezó a publicarse en la Shônen Jump gracias a Shûeisha y en 1994 ganó el premio de “mejor shônen” en los Premio Shôgakukan. Yusuke Urameshi es un rebelde chico que muere al salvar a un niño de ser atropellado. Una vez convertido en espíritu conoce a Botan, quien le dice que su muerte no estaba prevista, ya que el niño al que salvó no iba a morir y su sacrificio ha sido en vano. De ese modo Yusuke queda condenado a vagar como espíritu en la Tierra. Botan le dice que tiene una oportunidad para regresar a la vida, pero para ello debe superar una prueba impuesta por Koenma, príncipe demonio, consistente en cuidar de un huevo que representa su Rei-Ki.

Además, para despertar tiene que comunicarse con un humano al que conozca para que este le pase energía vital. Tras superar la prueba y pasar algunas dificultades Yusuke consigue volver a su cuerpo. Pero una vez vivo se ve obligado a trabajar como Reikai Tantei (detective espiritual) para ayudar a controlar los actores de los espíritus y demonios en el mundo terrenal. PERSONAJES - Yusuke Urameshi: el protagonista. Muere al salvar a un niño y descubre que su acto ha sido en vano, ya que el niño sólo iba a sufrir heridas leves. Consigue volver a la vida al pasar por una prueba que se le impone. Su técnica en la Rei Gun (pistola de energía espiritual). - Keiko Yukimura: amiga de la infancia de Yusuke. Está enamorada de él y, aunque siempre lo niega, siempre se preocupa mucho e intenta llevarlo por el buen camino. Tras enterarse de la muerte de Yusuke sueña con él y éste le pide que cuide su cuerpo ya que pronto volverá. - Kazuma Kuwabara: antes de la muerte de Yusuke se declaraba su eterno rival. Cuando este muere se deja entrever que lo que de verdad sentía era admiración. Cuando se entera de que Yusuke es detective espiritual decide unirse a él. Consigue hacerse con la Rei Ken (espada espiritual). - Shuichi Minamino/ Youko Kurama: Kurama era un demonio zorro en el mundo espiritual que se ve obligado a huir al mundo humano y renacer como Suichi, un joven con mucha inteligencia y atractivo. Acaba uniéndose a Yusuke (no diré porque para no hacer spoiler). - Hiei: demonio del fuego con un poder increíble. Posee un tercer ojo (Jagan) y su máximo objetivo es encontrar a su hermana gemela Yukina y la isla de las doncellas de hielo (de la que fue expulsado al ser

hijo de un demonio de fuego, las doncellas le tiraron por un acantilado esperando que muriese). Es un experto espadachín. Acaba uniéndose a Yusuke (no diré porque para no hacer spoiler). - Koenma: príncipe del mundo espiritual. Tiene la figura de un niño pequeño a pesar de tener cientos de años (más adelante se descubre que puede cambiarla y adoptar la forma de un adulto). - Botan: guía en el mundo espiritual y posterior compañera/consejera de Yusuke y su grupo. EL MANGA Con más de 49 millones de copias vendidas sólo en Japón, el manga se publicó en la Shônen Jump desde 1990 hasta 1994. Tiene un tontal de 19 tankôbon (volúmenes compilatorios) y ha sido licenciada en varios países. EL ANIME El anime se emitió por primera vez en la Fuji TV desde octubre de 1992 hasta enero de 1995. Lo forman 112 capítulos de aproximadamente 20 minutos cada uno. El anime está dividido en 4 temporadas o sagas: - Los primeros casos (saga de las investigaciones del mundo espiritual) – del 1 al 25. - El torneo de las artes marciales oscuras – del 26 al 66. - Los psíquicos y el agujero maligno (la saga de la puerta del infierno) – del 67 al 92. - El mundo del mal (saga del infierno) – del 95 al 112. El 10 de Julio de 1993 salió la primera película, con una duración de 30 minutos. Debido a su corta duración se emitió como un Spin-off de la serie. En esta primera película se muestra al príncipe Koenma siendo secuestrado por dos conocidos demonios, Koashura y Garuga, que quieren obtener el “sello dorado”, un objeto sagrado que tiene el rey Enma. En Abril de 1994 salió una segunda película “Meikai Shito Hen – Hono No Kizuna” que dura 93 minutos. El argumento se centra en el rey del infierno, Yakumo, que quiere inundar el mundo espiritual y apoderarse de la Tierra. Además de la serie, entre 1994 y 1996 salieron dos OVA’s que siguen con el argumento de la historia. La primera, “Yū Yū Hakusho: Eizou Hakusho:

Ankoku Bujutsukai”, en un grupo de 2 capítulos que describen a los personajes de la serie. La segunda, “Eizou Hakusho II”, es un grupo de 4 capítulos en donde se muestra una reseña de cada personaje principal, además de una entrevista con el seiyû respectivo (Yusuke, Kurama, Hiei y Kuwabara). Un dato curioso de la serie tiene que ver con su banda sonora. Es de las pocas series que tiene el mismo opening a pesar de la cantidad de capítulos que tiene. Por el contrario, tiene diversos endings que han sido compuestos e interpretados por diversos artistas.

Curiosamente, en el anime se hace referencia indirectamente a conocidas bandas de Rock.

se pueden identificar personajes del Street Fighter II como Zangief, Dhalsim, Honda, Chun-Li y Ryu.

- Antes de la pelea contra Marino, Kuwabara asiste con sus amigos a un recital de un grupo llamado Megallica (Megadeth y Metallica).

OPINIÓN PERSONAL Desde que una vio el primer capítulo ya sabía que iba a estar enganchada a la tele hasta que la serie terminase. Y es que en escasos 20 minutos la historia sabe engancharte y dejarte en ascuas. Recuerdo la rabia que me dio cuando acabó el primer capítulo, y es que los creadores lo finalizaron en un punto muy interesante (los que hayan visto la serie sabrán de que hablo, los que no ya estáis tardando). Aunque pensándolo bien, es de esos animes que no tienen capítulos conclusivos y te dejan con el nervio en el cuerpo hasta que ves el siguiente.

- En el capítulo 98 Yusuke corre durante 4 días para encontrarse con su objetivo. Los paisajes de fondo están inspirados en carátulas del grupo Yes, hechas por Roger Dean. Además, en el episodio 9 se ve a Yûsuke esperando para intentar hacerse con la técnica secreta de Genkai. Con él hay otros candidatos, entre los que

uno se centra en luchar y luchar” y no haya visto esta serie se llevará una grata sorpresa en este sentido. Los personajes de esta historia son volubles y en ocasiones satíricos, pero si hay algo que tienen en común en su voluntad para llegar a su meta. Ver a un personaje llegando al límite de sus fuerzas, o incluso sobrepasarlo, es común en la historia. Todos ellos tienen un trasfondo y un pasado de lo más cuidados, que son claves a la hora de comprender el por qué de sus comportamientos y acciones. Los aficionados a las leyendas japonesas vemos nuestra curiosidad satisfecha con esta serie. Muchos aprendimos los nombres de diversos demonios gracias a esta serie (igual que otros muchos aprendimos las constelaciones gracias a Saint Seiya). La forma en la que el comic lleva el argumento es algo más delirante que en el anime. Las ocasiones en las que se presentan las ocasiones cómicas están hechas más bruscamente, de modo que si uno está leyendo el comic y llega a una de esas escenas… es mejor no estar en un lugar público no vaya a ser que llamen a un manicomio porque “un loco está riéndose a carcajadas”. El anime destaca sobre todo en el diseño. El darle color a los personajes, paisajes y demás hace que toda la atmósfera visual de la historia sufra una transformación y que cada escena sea capaz de transmitir, sólo con verla, lo que se desea en cada momento.

La historia de Yû Yû Hakusho tiene capítulos de todo, algunos son pura tragedia lacrimógena y otros están llenos de aventura en donde situaciones cómicas inimaginables te harán reír hasta que te duelan las costillas. Pero eso sí, en todos (o casi todos) se pueden ver peleas épicas con sangre, golpes por todos lados, chillidos de dolor… De esas que las ves y piensas “uuuuffff, eso me están doliendo hasta a mí y eso que no me están haciendo nada”. Y algo que se ve poco en los manganimes de hoy en día es que en todas las luchas los 4 protagonistas hacen una parte importante para superar esta. Quién esté acostumbrado a eso de “son varios, pero sólo

Lo más destacable cuando hablamos de la banda sonora son las piezas instrumentales que acompañan a los protagonistas durante cada capítulo. Están tan bien escogidas que hasta a un ciego se le pondrían los pelos de punta sólo con escuchar la música de fondo en los planos de dramatismo extremo. Definitivamente cuando muchos decían eso de “es la sucesora de Dragon Ball” (en esa época) no estaban nada equivocados y aunque hoy en día haya animes y mangas mejores, Yû Yû Hakusho siempre será la primera que se ganó esa etiqueta. Si os gusta la acción, mezclada con el drama, la comedia, la lucha interna, la superación personal,… esta es vuestra serie.

POR NEKO MAI

Para este mes, dedicado a los años 90, os traigo un anime desternillante a la par que tierno, donde su protagonista hace gala de una especie de desequilibrio, el cual a mí parecer es el punto más cómico de toda la serie, claro está,, junto con su familia que son la bomba. Por supuesto os estoy hablando de Kareshi Kanojo no Jijo (Las circunstancias de él y de ella), en teoría ése es el nombre largo pero es más conocido por su abreviatura KareKano. Éste es un manganime que surgió a finales de los 90, el manga fue publicado entre 1996 y 2005 en la revista LaLa de la editorial Hakusensha, responsable de mangas como Vampire Knight o Ouran High School Host Club. El manga consta de 102 capítulos recogidos en 21 tomos. El anime por otro lado, empezó a emitirse en 1998 y finalizó en 1999 con un total de 26 capítulos y fue animado pon Gainax, el estudio que llevó a la pequeña pantalla a Neon Genesis Evangelion y Gunbuster entre otros. Por desgracia, KareKano tan sólo llega hasta el tomo 7 ya que hubo desacuerdos entre la autora y la productora de televisión, y hasta la fecha no se sabe nada al respecto, pero todo apunta a que se quedará tal y como esta. Por suerte, y me siento muy agradecida por ello porque me encanta, esta serie, llegó a España, y fue publicada por la editorial Glenat y emitida en el K3 y el Canal Sur 2. El argumento de esta serie no es otro que el común en un shoujo, chico conoce chica, chica conoce chico y se enamoran, ésa es básicamente toda la historia pero hay algo que lo hace especial y son los personajes. Miyazawa Yukino es una estudiante de 15 años, en su primer año de preparatoria. Es dulce, divertida, simpática, una estudiante modelo, lista, inteligente, mona y adorable, en la que todos confían para pedirle lo que sea porque siempre está dispuesta a

echar una mano... Ja! Si alguien es capaz de creerse algo de eso... En realidad es retorcida, ególatra, egoísta, mandona, prepotente… El colmo de la vanidad, como dice ella,

porque es falsa, hipócrita, y en el fondo una muy buena persona... algo un poco difícil pero tan cierto como que sale el sol todos los días. Cuando conoce al otro protagonista, Arima, siente un profundo desprecio y odio por él ya que éste le quita el protagonismo por el que ella tanto ha luchado. Pero un buen día, sin querer le muestra a este mismo chico su debilidad y su auténtica personalidad, tras ser chantajeada por éste decide quitarse esa máscara e ir cambiando poco a poco. Yukino es la hija mayor de la familia Miyazawa y la hermana mayor de Tsukino y Kano, éstas dos últimas se pasan los días molestando a su hermana junto con su familia riéndose de su comportamiento. Ellos no llegan a comprender cómo puede gustarle tanto que la halaguen y opinan que es agotador estar fingiendo todo el día lo que no se es. Arima Soichiro. Estudiante de 15 años, compañero de clase de Yukino. Otro estudiante modelo, gentil, amable, sofisticado, simpático y también dispuesto a ayudar al que lo necesite, inteligente, y muy dado a los deportes. Por ello, Yukino le odia, ya que ella piensa que en cierto modo él también lo hace para destacar y ser el mejor. Muy desencaminada no va la chica al pensar esto, pues Arima también oculta su auténtica personalidad tras una máscara que se forjó con los años, pero sus motivos son totalmente opuestos a los que ella cree. El pasado de Arima es muy triste y él sólo trata de ser mejor persona para que sus padres se sientan orgullosos de él y en pocas palabras, darle en “toa la boca a su familia” para acallar los comentarios hirientes que lleva oyendo toda su vida. En el tema del amor es el primero en enamorarse de Yukino, inclusive le gusta después de que ésta decida cambiar... ¡eso sí que es amor! Asaba Hideaki. Otro estudiante de 15 años, pero éste va a otra clase, también es uno de los chicos más populares del instituto por su atractivo y la forma en que trata a las chicas, lo que hace que éstas

pierdan el culo. Al principio, lo único que quiere es aprovecharse de Arima para así poder tener su propio harén de ovejitas, sí, las ovejitas son las chicas, Asaba adora a las chicas y mientras más tenga mejor,

pospone todas sus obligaciones a las chicas y siempre está practicando deportes de moda y descuidando sus estudios. A pesar de todo esto, acaba siendo el mejor amigo de Arima y un gran amigo de la pareja en general, se pasa los días en casa de Arima y tiene un comportamiento en ocasiones muy extraño. A medida que avanza la serie vemos cómo tiene sus pequeños “rifirrafes” con Tsubaki Sakura, pero es que sencillamente ambos tienen el mismo carácter y quieren los mismo... a sus lindas ovejitas. Izawa Maho, Shibahime Tsubasa, Sakura Tsubaki, Sena Rika, y Sawada Aya. Todas ellas son estudiantes de la misma edad de Yukino, pero ninguna va a su

clase. Con las dos primeras (Maho y Tsubasa) no tiene un buen inicio de la relación, pues una está profundamente enamorada de Arima y Yukino se interpuso. Y la otra cree que Yukino se interpuso en sus planes a pesar de ser muy inteligente, y su propósito es desenmascararla delante de todos y dejarla más sola que la una, y está a punto de conseguirlo. Pero a pesar de estos obstáculos Yukino acaba siendo amiga de ambas, con Tsubasa porque el grupo de amigas de ésta la invitan a ir con ellas y ya se sabe... el roce hace el cariño y Tsubasa en el fondo es un amor, y con Maho, directamente fue Yukino a hablar con ella y la pobre sin saber por qué siempre acaba arrastrándola en sus problemas e historias, al final se convierten en grandes amigas.

Sakura Tsubaki por otro lado es una chica atlética y enérgica a la que le encantan las chicas lindas, de ahí sus problemas con Asaba, pero a medida que avanza la serie vemos cómo sus intereses cambian en cuanto aparece en escena un nuevo estudiante, Takefumi Tonami. En cuanto a las otras dos, Rika y Aya son amigas de la infancia, Rika es una estupenda ama de casa y además le encanta hacer las labores del hogar, es buena y cariñosa y muy comprensiva con Aya. Tanto, que ésta a veces siente que le daña estar a su lado por la pureza que habita en el alma de Rika. Son un gran punto cómico, tienen poco protagonismo ya que tan

sólo acaban apareciendo cuando están todas juntas y demás, porque en el anime no se llega a mostrar que tengan ningún tipo de relación con nadie, aun así son unos personajes que me encantan, por las diferencias que tienen entre ellas y el tipo de relación extraña que tienen, tan diferentes pero tan bien complementadas, será cierto que eso de que los polos opuestos se atraen. Esto es tan sólo una pequeña muestra de los personajes que nos vamos a encontrar dentro de la serie, pero hay varios más y a mi parecer, todos merecen tener una oportunidad, porque por unas o por otras todos ellos son importantes e interesantes, desde su historia pasada a la forma de comportarse,

todos se hacen muy entrañables. Bien, dejando de lado un poco la trama y sus personajes, os hablaré un poco del manga que en mi opinión este es uno de esos donde se ha de prestar bastante atención a sus partes ya que puede hacerse algo lioso debido a las sagas (además de unas pequeñas historias extras que aparecen) Así que os voy a hablar un poco de las sagas de las que está compuesto, he de decir que mi preferida es la “Saga Arima”, me encanta el drama... que le voy a hacer. Como bien he dicho a parte de los 102 actos, el manga tiene 6 historias extras, tres de ellas conectadas con la serie, mientras que las otras 3 son un “One Shot”, una pequeña historia llamada Tsudanikki (Tsuda Diary o El Diario de Tsuda en español) donde la autora relata un poco su vida cotidiana y un especial llamado Last Waltz que fue publicado en el tomo 21, en el que la autora escribe unas palabras antes de ponerle final al manga. Por otro lado, este manga está dividido en 3 sagas, todas ellas en función de la importancia que la mangaka quiso darle a sus personajes. Saga Miyazawa: Comprendida entre los actos 1 y 42. En esta saga vemos la historia mayoritariamente desde la perspectiva de Miyazawa Yukino, aunque no siempre es así. En esta saga la autora le da más importancia a la comedia que al drama, a los temas rosas propios de los shoujo, la historia en esta parte del manga se basa en Yukino y en su familia. Es la saga donde se ilustra y muestra la historia de amor de los padres de ésta, además, las hermanas pequeñas de Yukino, Tsukino y Kano le dan un punto de humor a la serie teniendo bastante intervención en la trama. Saga de los Otros: Comprendida entre los actos 43 y 58. En esta saga la autora ilustra las historias de amor de algunos amigos de Yukino y Soichiro, aunque también incluye el viaje a Kyoto que hacen en 10º grado. Esta parte está enmarcada en la saga de Miyazawa, aun así será el preludio a algunas historias de amor narradas en los capítulos siguientes y en la siguiente saga. Saga Arima: Comprendida entre los actos 59 y 102. En esta saga se relata la historia dos años después del viaje a Kioto, y está narrada desde la perspectiva de Soichiro, aunque como en la saga Miyazawa la autora no siempre se sujeta a este precepto.

Esta saga es completamente diferente a la primera ya que en esta parte del manga la comedia queda prácticamente eliminada teniendo tintes mucho más amargos y dramáticos además de otorgarle matices oscuros, cosa muy poco frecuente en los Shoujo. Aquí a parte de la historia propia de la serie, veremos como foco principal al protagonista y a su familia, siendo esta saga donde se relatara la biografía de toda la familia Arima hasta el abuelo de Soichiro, y la aparición de la familia Miyazawa. Con la excepción de Yukino y Kano, se vería disminuida junto con la de los amigos de la pareja excluyendo a Hideaki Asaba, el cual tendrá bastante peso en esta parte de la historia. Lo único que no me gusta del manga es el dibujo, se me hace bastante infumable en ocasiones, en el anime difiere tan solo un poquito a la hora de estilizar a los personajes y demás, sobre todo al inicio, después poco a poco va mejorando y adquiere un matiz más similar a la de su versión animada. Como punto curioso he de mencionar que la autora quiso nombrar a los capítulos actos, como si fuera una obra de teatro, y la verdad, me parece que queda genial. Por lo demás, os recomiendo sinceramente que lo veáis y los disfrutéis, porque es una serie muy divertida y entrañable, con la que nos reiremos y emocionaremos viendo las historias de todos. Y cómo no, ¡leeros el manga!, sí, sé que es algo largo y tal, pero está muy bien y como siempre te explican y profundizan mucho más en la historia, y más teniendo en cuenta que el anime sí que no llegó a finalizarse, ni para bien ni para mal, así que si tan solo os quedáis con esos 26 capítulos, os sabrá a poco y... el sentimiento de vació no se ira, ¡así que avisados estáis! Hasta aquí por este mes, ¡nos vemos! Y recordad... ¡las apariencias a veces engañan!

POR MIRIAM GRADO

Miracle Giants Dome-kun La serie Miracle Giants Dome-kun fue introducida en España solamente en territorio catalán por el canal “Canal 33” con el nombre Dome Shinjo, el petit geni del béisbol. En Japón se emitió a finales del año 1989, pero no llego a territorio español hasta el 1996 que Televisió de Catalunya compro la licencia y la emitió una única vez, dejando de lado una serie mítica al resto de España. El creador de este anime es Takashi Watanabe, director de Slayers entre otras, que se inspiro en el manga escrito por Shotaro Ishinomori, que sigue las aventuras de Dome Shinjo, un niño de 10 años, que es hijo de un gran jugador del equipo de béisbol llamado Yomiuri Giants. El padre de Dome murió cuando él era pequeño. De él heredo el amor por el béisbol y las grandes habilidades por ese deporte, aunque su madre y su hermana no quieren que lo practique e intentan apartarlo de ese mundo. De hecho, su padre, antes de morir, le dio tiempo a enseñar a su hijo un lanzamiento mágico. Dome, después de que su madre le diera el guante de su padre, realiza el lanzamiento mágico en un entrenamiento de los Yomiuri Giants, donde jugaba su padre, y fue fichado al momento. Con el soporte de los veteranos y el lanzamiento de Dome serian imbatidos en casa y ninguno de los bateadores de la liga profesional japonesa consigue tocar ese tiro mágico, que únicamente puede jugar los partidos de casa por su edad, el Tokyo Dome, del cual le viene su nombre.

Cuando el capitán veterano de los Dragons consigue batir su tiro, parece que el chico esta acabado, pero entonces inventa otro lanzamiento mágico. Nuevos rivales, pero también amigos, aparecen en escena, hasta llegar a Carlos, que parece ser que tenia algo pendiente con el padre. Este anime se centra en el personaje principal y sus contrincantes, que siempre hay uno que destaca entre todos. Tiene una mezcla especial entre fantasía, por sus tiros mágicos, y realidad, por el deporte. Una peculiaridad es que cada diez capítulos, de los 49 que son en total, surge un nuevo contrincante que desafiar. El final de la serie es muy emotivo, el cual demuestra que no todo es fácil pero que si te esfuerzas puedes conseguirlo. Queda decir que todos los contrincantes al final serán amigos de Dome, enviando el mensaje de compañerismo y juego limpio. Y finalizo este artículo con mi opinión, y es que es una pena que esta serie se quedara en el olvido ya que es bastante buena, y que solo unos pocos pudieron disfrutar de ella en televisión, en la que me incluyo. Lo que no me gusta es que es muy difícil encontrar el anime para poder disfrutar de él, y si lo encuentras es en calidad pésima y apenas hay imágenes, algo muy común en las series de los años 80/90.

POR ALBA PINEDA

Rock y Arquitectura en los 90

A la hora de desarrollar una obra conceptual muchos artistas deciden encerrarse en un sitio determinado para que la energía que emite el lugar o la percepción que se tiene de éste influya en las composiciones. También existen lugares o edificios míticos que por los hechos que ocurrieron en su interior han influido en la letra de canciones míticas del rock. Os voy a mostrar unos pequeños ejemplos de la influencia que la arquitectura tuvo en muchos de nuestros ídolos del rock de los 90. The Boleskine House y Jimmy Page (1970-1990) Se dice que el mago Aleister Crowley, conocido como “el hombre más perverso del mundo” o “la bestia 666”, buscó a lo largo y ancho de Gran Bretaña un lugar donde poder realizar libremente sus encantamientos. Lo encontró cerca del mítico Lago Ness, en Foyers, Escocia, en un lugar conocido como The Boleskine House. En 1889, consideró que la zona era la más adecuada para realizar un antiguo ritual de invocación del “Libro de la Magia Sagrada de Abramelín el Mago”. La casa fue considerada ideal para la ceremonia debido a su relativo aislamiento. Construyó en dirección norte una terraza adornada con arena fina de río, un lugar donde, según el ritual, las huellas de los espíritus iban a aparecer. Crowley considero la casa seria una especie de Meca esotérica o un punto focal para la energía mística, lo que la convertía en un poderoso centro para la realización de intensos rituales mágicos. Cuando la preparación de la casa termino, Crowley comenzó el ritual, citando en su diario personal la promesa de no ofender a Dios o realizar cualquier daño a ninguna persona. Estas son las palabras, según Crowley, de lo que sucedió:

“Un día volví de cazar conejos en el cerro y encontré a un sacerdote católico en mi estudio. El sacerdote me comentó que en el pueblo estaban sucediendo

cosas extrañas. Un vecino había estado delirando durante días e intento matar a su mujer, habían otros que sin saber porque tenían terror a todo y no querían ni salir a la calle”. “Todo ha cambiado ya no es como era antes. Mientras preparaba los talismanes, una tarea que me propuse en la zona más soleada de la casa, tuve que usar luz artificial, incluso en los días con más luz. Era una oscuridad que casi se podía sentir. El fenómeno es difícil de describir. Era como si mi facultad de la visión tuviera alguna interferencia.”

Allí, durante tres años, Aleister Crowley llevó a cabo todos sus ritos e invocaciones. Tiempo después, vendió la casa y los posteriores dueños heredaron el dolor y la maldad de la casa. En los setenta, Led Zeppelin ocupaba el número uno en las listas británicas y su guitarrista Jimmy Page era el ídolo de todas las adolescentes. Otra de sus aficiones era la magia. Cuando oyó hablar de la existencia de este lugar se precipitó a comprarla. Dicen que en esta casa, reprodujo los rituales de Crowley y que se paseaba por la casa con sus atuendos mágicos. Page admite haber oído muchos ruídos extraños. En una entrevista el cantante declaró:

“Había dos o tres dueños antes de que Crowley la comprara. También fue una iglesia que se quemó con su congregación en el interior. Fenómenos extraños han sucedido en esa casa que no tenía nada que ver con Crowley. Las malas energías estaban ahí. Un hombre fue decapitado y, a veces se puede oír su cabeza rodando…” Jimmy Page vendió la casa en 1992. Los fenómenos paranormales han continuado. Nadie quiere hablar sobre esta misteriosa casa. Actualmente, es un lugar muy importante para los ocultistas y espiritistas que la consideran una de las puertas al infierno.

Red Hot Chili Peppers y Houdini (1991) Cuando las geniales mentes de Anthony Kiedis, Flea, John Frusciante y Chad Smith se unieron al genio creativo del productor Rick Rubin dieron como resultado uno de los mejores discos de la historia de la música: Blood Sugar Sex Magic. No estamos hablando ni de un grupo corriente ni de un productor mediocre, por lo que el lugar de grabación debía ser elegido cuidadosamente. Fue Rick Rubin quien propuso grabarlo en la antigua casa del mago Harry Houdini. Houdini dedicó, la última parte de su carrera a una faceta muy especial: ser el azote de los espiritistas. Los millones de muertos de la Primera Guerra Mundial, así como los avances en las ciencias, la electricidad y el cambio de siglo habían producido un resurgimiento de lo paranormal: eran cuestiones poco entendidas todavía, pero misteriosas y fascinantes para el gran público, que había perdido recientemente a muchos de sus seres queridos. En salones de espectáculos médiums y espiritistas hacían su negocio «contactando» con el más allá. Houdini nunca había creído en el espiritismo y se mostró especialmente irritado cuando una médium intentó contactar con el espíritu de su querida madre, fallecida años antes. Cuando la médium transcribió el «mensaje literal» que había recibido, Houdini reveló que difícilmente podía ser en verdad su madre: el mensaje estaba en inglés, mientras que su madre solamente hablaba una mezcla de alemán, húngaro y yidish; una cruz encabezaba el mensaje, pero su familia era judía. Indignado, juró entonces convertirse en un cruzado contra el espiritismo. Obviamente médiums y espiritistas usaban trucos que difícilmente escaparían al escrutinio de un mago. Armado con sus conocimientos, y a veces con disfraces, se presentaba en reuniones para desenmascarar a los fraudes. Publicó artículos en la revista Scientific American, declaró contra el espiritismo ante el Congreso, hizo de cazafantasmas y dejó en ridículo a los creyentes de lo paranormal. Los premios que ofreció a quien demostrara tener habilidades sobrenaturales nunca fueron otorgados a nadie, pues sus engaños siempre eran descubiertos por el mago. Un día de octubre de 1926, en Montreal, unos

estudiantes universitarios se dirigieron a Houdini mientras descansaba tras haber terminado uno de sus espectáculos. Uno de ellos le retó a recibir unos cuantos golpes en el abdomen, para comprobar si su resistencia física era tan legendaria como se decía. El mago aceptó sin miedo. Sin embargo, antes de que pudiera prepararse adecuadamente, recibió un primer puñetazo muy fuerte de un pelirrojo llamado William Lances, el cual era la estrella de boxeo de la universidad y del que apenas se tienen datos; a éste primer golpe siguieron varios más. El mito dice que si bien Houdini aguantó el envite como un buen actor, estos golpes le generaron una rotura de apéndice que ya estaba inflamado, por lo que también se ha de aceptar la posibilidad de que simplemente recibiera los golpes y en los siguientes días su apendicitis se transformara en peritonitis. RHCP quería hacer un album especial y, dado el misticismo de los miembros de la banda, decidieron que la casa era el lugar correcto para su grabación. Un equipo de sonido fue alquilado para montar un estudio de grabación en la casa. La banda decidió que permanecerían dentro de la mansión durante toda la grabación, aunque Chad Smith, convencido de que el lugar estaba embrujado, se negó a quedarse. Frusciante, Kiedis y Flea tenían cada uno su propia habitación en cada extremo de la casa. Cuando no estaba grabando con la banda, Frusciante pasaba el tiempo pintando, escuchando música, leyendo y grabando canciones que había escrito. Debido al aislamiento, Kiedis terminó grabando todas las voces en su habitación, ya que era lo suficientemente grande como para acomodar el equipo de grabación. Dicen que el espíritu del gran Harry Houdini fue clave para el desarrollo del album y que su espíritu les ayudo a realizar su obra magna. Las malas lenguas dicen que los ruidos de pisadas, crujir de puertas, etc, tenían más relación con la adicción a la heroína de sus miembros que con el espiritismo. Lo cierto es que el álbum está plagado de anecdotas personales y los músicos lograron durante la grabación una unión espiritual irrepetible. Kiedis, cantante de la banda, desnudaría su alma mostrando todos sus miedos y desesperación por su adicción a las drogas. También la improvisación sería clave en el desarrollo del disco. En una sesión de improvisación surgiría la canción más destacada del álbum: Frusciante, Flea

y Smith estaban tocando juntos mientras Kiedis los observaba desde otra parte de la habitación cuando «...Flea comenzó a tocar esta enajenada línea de bajo, y Chad lo siguió de manera alocada... Yo siempre tuve ideas de fragmentos de canciones e incluso frases aisladas en mi mente. Tomé el micrófono y canté a grito ‘Give it away, give it away, give it away, give it away now.» Otra de las canciones claves del disco tuvo un origen similar, Rubin tropezó con un poema escrito por Kiedis, «Under the Bridge», y sugirió mostrárselo al resto de la banda. Sin embargo, Kiedis estaba cohibido debido a que creía que la letra era «muy blanda» y diferente al estilo de la banda. Tras cantarle el verso a Frusciante, comenzaron a estructurar la canción al día siguiente. Los dos trabajaron por varias horas arreglando acordes y melodías hasta que ambos acordaron que estaba completa.

Marilyn Manson y la Abadía de Thelema (1994) Volvemos a recordar al brujo Aleister Crowley. Su influencia en el mundo del rock es crucial. Como hemos visto antes influyó, entre otros, en Jimmy Page, The Beatles incluyeron su efigie en la portada de Sgt Peppers Lonely´s Hearts Club Band, Ozzy Osbourne le dedicó la canción Mr. Crowley, Ian Gillian de Deep Purple compuso la canción Abbey of Thelema en su honor, Fangoria le dedicó su canción Amanecer dorado y, en nuestros adorados 90, Marilyn Manson en su disco de 1994, Portrait of American Family, incluía estos versos en la canción Misery Machine: My arms are wheels, my legs are wheels, my blood is pavement We’re gonna ride to the Abbey of Thelema, to the Abby of Thelema Blood is pavement Influido por la sociedad secreta Club Fuego Infernal, del siglo XVIII, que tuvo entre sus miembros de la élite de EE.UU. y Gran Bretaña y acusada de la realización de rituales satánicos y orgías (aunque estudiosos modernos creen que el grupo, más que realmente satánico en práctica, era una sociedad filosófica e intelectual que blasfemaba jocosamente de la religión cristiana, sin que genuinamente practicaran el satanismo), funda la filosofía Thelema. De acuerdo con Crowley, cada individuo tiene

una “Voluntad Verdadera”, que debe distinguirse de los deseos y caprichos ordinarios del ego. La Voluntad Verdadera es esencialmente el “llamado” o “propósito” en la vida. El concepto de Crowley asume que esto incluye el objetivo de alcanzar la realización plena por esfuerzos propios y con la ayuda de ciertas personificaciones (avatares) de, las más de las veces, dioses egipcios, pero sin la ayuda del concepto Judeo-Cristiano de Dios o alguna otra autoridad divina. Crowley creía que para descubrir la Verdadera Voluntad, uno debe liberar deseos de la mente Subconsciente del control de la mente consciente, especialmente las restricciones dadas a las expresiones sexuales, que él asoció con el poder de la creación divina. Él enseñó que la Verdadera Voluntad de cada individuo está identificada con el Santo Ángel Guardián, un Daimon único a cada individuo. Estas creencias fueron heredadas por Anton Szandor LaVey, fundador de la Iglesia de Satán y escritor de la Biblia Negra, para la elaboración de su pensamiento filosófico que hereda muchos de los conceptos establecidos por Crowley: un sistema sintetizado de su comprensión de la naturaleza humana y las ideas de los filósofos que abogaban por el materialismo y el individualismo, por la que se reivindica ninguna inspiración sobrenatural o teísta. Crowley no se dedicó de inmediato a la tarea de construir la nueva orden hermética cuya creación le había sido encomendada, sino que durante algún tiempo siguió con sus actividades investigadoras en el ámbito de la magia, que a menudo incluía el uso de alucinógenos, y múltiples aventuras sexuales. No fue hasta 1920 cuando decidió establecer en las proximidades de Cefalú, en Sicilia, la Abadía de Thelema, con la intención expresa de que fuese un lugar mágico de experimentación, principalmente en el ámbito de la magia sexual. Asumiendo una identidad falsa, alquiló una casa, la Villa Santa Bárbara, y las tierras colindantes. Crowley y sus acompañantes femeninas restauraron la sala principal de la casa como Templo para sus prácticas mágicas, pintando sus paredes, puertas e incluso las persianas con grandes frescos, al parecer en imitación del pintor francés Paul Gauguin, a quien Crowley consideraba un precursor de Thelema. Entre las prácticas que se realizaron en la Abadía, además de ceremonias y encantamientos, hay que incluir numerosos actos de magia sexual (es decir,

uso del sexo y del orgasmo como catalizadores de energías). Diversas personas visitaron la Abadía entre 1920 y 1923, algunas de ellas con la intención de quedarse y ser discípulos de Crowley. La muerte de uno de ellos, Frederick Loveday, por beber agua contaminada de un charco atrajo la atención de las autoridades italianas que expulsaron a Crowley de Sicilia. También, la prensa sensacionalista británica realizó un gran escándalo y apodaron a Crowley como el hombre más malvado del mundo.

Trent Reznor y Sharon Tate (1994) El 8 de agosto de 1969, a Sharon Tate, pareja de Roman Polanski, le quedaban dos semanas para dar a luz. Ese día tuvo a dos invitadas en casa para comer, las actrices Joanna Pettet y Barbara Lewis, donde les comentó su decepción por el retraso en los planes de regreso de Polanski de Londres. Esa tarde Polanski la llamó por teléfono. Su hermana pequeña Debra también la llamó para preguntar si se podía quedar a pasar la noche junto a su hermana Patti con ella, aunque Sharon le dijo que no. Esa noche fue a cenar a su restaurante favorito, El Coyote, junto a Jay Sebring, Voytek Frykowski y Abigail Folger y regresó a su casa a las 22:30. Esa misma noche fueron asesinados por los miembros de la “familia” de Charles Manson y sus cuerpos fueron encontrados la mañana siguiente por el ama de llaves de Tate, Winifred Chapman. La policía llegó a la escena del crimen donde encontraron, en primer lugar el cuerpo sin vida de un joven, identificado posteriormente como Steven Parent, muerto a tiros en su coche, ubicado en la entrada de la casa. Dentro de la casa encontraron los cuerpos de Tate y Sebring en el salón de estar con una cuerda larga atada a sus cuellos para conectarlos entre sí. En el jardín de la entrada encontraron los cuerpos de Frykowski y Folger. Todas las víctimas, a excepción de Parent, habían recibido numerosas puñaladas. En el informe forense se constata que Tate “recibió dieciséis puñaladas, de las cuales cinco hubiesen sido mortales por sí solas”. Veinticinco años después, en 1994, Nine Inch Nails, embadurnados de barro, soltaban su discurso apocalíptico ante las 300.000 personas que abarrotaban el Festival de Woodstock 94. Este

Festival convocado para celebrar el 25 aniversario del mítico Woodstock 69 tenía como slogan “Dos días más de paz, amor y música”. Nos encontramos ante un grupo en su mejor momento, con su mejor disco The Downward Spiral y con un Trent Reznor entregado, tratando de dar lo mejor de sí mismo. Este es su disco más personal, donde trata de manifestar todas sus dudas existenciales, filosóficas, sus problemas con las drogas, el sexo, Dios, etc… Todas las canciones están llenas de ira y dolor, además de estar escritas en primera persona. Se trata de un viaje, en caída libre hacia el dolor y los infiernos. Los que no hayáis oído el disco os encontraréis con la banda sonora del infierno y de vuestras pesadillas. Trata de los sentimientos de una persona atormentada que lucha por comprenderse a sí mismo. Para grabar estos temas tan dolorosos y macabros, Reznor eligió uno de los sitios claves de la historia popular norteamericana: la casa donde fue asesinada Sharon Tate. Según el cantante, este lugar le ofreció motivación y sensaciones “interesantes”. Montó el estudio en el salón y lo denominó PIG, como todos sabréis es la palabra que apareció pintada de sangre en la puerta principal de la casa donde fue asesinada Sharon Tate. Reznor, se quedó prendado de la casa y vivió en ella durante 18 meses, durante los cuales, según ha dicho en entrevistas, “Pequeños ruídos me sorprendían al principio, pero después me hacían sentir en casa”. “La casa no era tan terrible como triste, pacificamente triste. Pero ese sentimiento podría ser mi propia locura.” Poco después de que el cantante abandonase la casa, ésta fue demolida. Reznor dice que fue por culpa de los vecinos que estaban hartos de ver gente peregrinando a la casa y dejando flores. Él plantea una pregunta espeluznante, “Para los que depositaban las flores, ¿era el santuario de Tate o de Charles Manson?”. Lo cierto es que esta casa no volvería a inspirar a nadie más.

POR JOSÉ DEL RÍO FORTICH

RESEÑA El mundo de las Sombras Pablo Carnicero

Pablo Carnicero es el autor de El Mundo de las Sombras y parece estar empeñado en hacerte entrar en su mundo desde la primera página de Inmortal, el libro que da comienzo a esta aventura épica y cruel. El Mundo de las Sombras no es un mundo imaginario; en el no encontrarás ciudades de nombres imposibles y rebuscados, porque recorrerás las peligrosas calles de Constantinopla, Montpellier o la cercana Toledo. En ellas habitan toda clase de peligrosas criaturas; desde vampiros sanguinarios y manipuladores a poderosos hechiceros, pasando por los fieros licántropos. Nosotros, los pobres y desdichados humanos, vivimos ajenos a sus constantes luchas gracias al Velo, aunque eso no quiere decir que sus actos no nos influyan. Para protegernos y mantener un firme pero delicado equilibrio existen los inmortales, seres poderosos y nobles, que bajo la insignia de la Orden del Fénix se encargarán de combatir con mano de hierro cualquier ambicioso plan urdido por los ambiciosos vampiros. Esta es la premisa de la que parte esta historia y se ve apoyada por un estilo ágil y trepidante, que en mi caso ha hecho que me haya leído las dos primeras novelas casi sin darme cuenta. Sus páginas están llenas de acción y aventuras; y además cuenta con un elemento novedoso y atractivo, la ambientación histórica. Aquel que tenga algunas nociones sobre

la época medieval podrá comprobar que el autor ha trabajado y cuidado mucho ese aspecto. Inmortal, la novela que sirve de introducción, es rápida y entretenida; pero donde de verdad el autor pule sus defectos y nos ofrece una novela de aventuras épicas notable es en la segunda parte, El Filo de la Espada. Esta segunda entrega sigue teniendo la misma agilidad, pero nos ofrece un tono más pausado, unos personajes más definidos, más claridad en las tramas y mucha más acción si cabe. Estoy seguro de que a los amantes de la fantasía épica esta obra les gustará y les resultará bastante original; y para aquel que se muestre receloso respecto a este género literario, le recomiendo que también le dé una oportunidad y puede que se lleve una grata sorpresa.

POR JAVIER SANCHEZ ROQUERO

ENTREVISTA Pablo Carnicero ¿Qué es El Mundo de las Sombras? El Mundo de las Sombras es el resultado de la unión de mis dos pasiones, la historia medieval y la fantasía. Es decir, que pasaría en el mundo real si tuviese los personajes que estamos acostumbrados a ver en la fantasía, como vampiros, hombres lobo e inmortales, quienes han sido muy poco tratados en la literatura. Por eso surgió este mundo, un mundo que se desarrolla a la sombra del mundo de los humanos. Me niego a crear el típico mundo de fantasía cuando tenemos un marco histórico perfecto para adaptar este tipo de historias. Si están ahí las fuentes, ¿Por qué no utilizarlas? Por eso surgió el mundo de ¿Por qué elegiste a unos seres como los inmortales para protagonizar esta historia? Siempre me ha apasionado la figura de los inmortales. Como todo el mundo perteneciente a mi generación, yo crecí con la película de `Los Inmortales´. Pero siempre vi injusto que los inmortales luchasen entre ellos y me pregunte qué pasaría si sus enemigos fuesen los vampiros, unos seres radicalmente opuestos. Unos representando la vida y el día, y el otro bando la muerte y la noche. Además, un inmortal en poco se diferencia de un humano normal y cualquier persona con la que te cruzas podría serlo. Vemos que has decidido decantarte por el clasicismo para tratar a los vampiros, ¿Por qué hacerlo así y no seguir la actual corriente vampírica? A mí no me gustan unos vampiros del estilo a los vistos en `Entrevista con el vampiro´, por ejemplo; están muy bien tratados psicológicamente, pero creo que actualmente la figura del vampiro está demasiado bien tratada, cuando no dejan de ser unos seres que se alimentan de la sangre de los humanos. El vampiro clásico es un ser poderoso, un depredador, que era

la imagen que quería dar de ellos. Además, también buscaba a un vampiro que pudiera confundirse entre la multitud humana, pero a la vez ser la criatura más poderosa de toda la historia. Mi idea era enfrentar a inmortales y vampiros, y ver que sucedía. ¿Cómo ves el género fantástico actualmente? Ahora mismo el género está tocado de muerte, como todos, pero sobrevivirá ya que se ha demostrado que no es una moda. La gente ve la fantasía como un género menor; literatura para niños o para frikis. Es un género que tiene que romper muchos tabús, pero para aquel al que le guste la fantasía hay un mercado brutal en internet, con gran cantidad de autores indies, que son los que sacan la fantasía adelante. Tiene un gran futuro en el mundo digital, ya que te permite publicar lo que quieras. En esta aventura en la que te has embarcado con El Mundo de las Sombras, podríamos decir que tú te lo has guisado y tú te lo has comido en todos los aspectos. Háblanos de cómo ha sido ese proceso. Lo primero, obviamente, es tener una historia; sin ella no tienes nada. Después, la situación actual te obliga a ser un poco de todo, dibujante, editor e incluso publicista. Yo empecé de cero, buscando en la gran herramienta de nuestros días, Google, y a base

de cometer muchos errores consigues sacar adelante algo en lo que has puesto toda tu ilusión. Lo que se necesita es no tener miedo y tener iniciativa. El gran desafío es la distribución. Cuando ya tienes tu libro publicado, ¿Qué haces con él? Acudes a todas las librerías, que no suelen estar dispuestas a admitir a autores autos publicados, aunque yo en ese aspecto he tenido suerte en mi ciudad, Guadalajara. Pero para darte a conocer al resto del territorio es necesario recurrir a internet, mediante Amazon, la pagina web (http://elmundodesombras.wordpress.com/), etc. Ahora que te encuentras en plena promoción de tu tercera novela La Guerra de las Sombras: Tiempos Aciagos, ¿Crees que las redes sociales son tu mejor aliado a la hora de darte a conocer? Si. Actualmente todo el mundo está conectado a una red social, fundamentalmente Facebook y Twitter, y bien utilizadas son un medio publicitario muy poderoso. Además, te permiten un contacto directo con los lectores, para conocer sus opiniones de primera mano, ya sean buenas o malas. Las redes sociales son una democratización tremenda y tienes que estar dispuesto a oír todo tipo de críticas. Sin estas herramientas los autores independientes estaríamos perdidos. ¿Cómo ves el pulso que están manteniendo el formato en papel y el digital? Yo he leído toda la vida, he sido y soy un lector empedernido, pero no hay que dejarse llevar por el romanticismo y adaptarse a los nuevos tiempos. El formato digital resulta más cómodo y útil, y una persona que lea mucho, a la larga no puede soportar el espacio que ocupa el formato papel. Es cierto que le quitas romanticismo pero le das pragmatismo. Pero no solo esta ese motivo, ya que económicamente es

mucho más rentable el formato digital. El formato papel, concretamente el mundo editorial, tiene que revisar su modelo y ver en que falla para sobrevivir a los nuevos tiempos. También escribes relatos cortos, háblanos de ellos. Son pequeñas ideas desarrolladas que no han cabido en el libro o no quiero que quepan. Sirven como complemento para algunos personajes y para ofrecer al lector algo que no sean las novelas. Te permiten ofrecer datos y narrar hechos de personajes, que dentro de la novela no tendrían cabida. Soy enemigo de la “paja” en los libros, de muchos datos que no aportan nada a la trama y que no encajan con el resto de la historia. Para eso están los relatos cortos, para ofrecer esos datos que antes he denominado “paja”, que no encajarían en el libro pero que resultan interesantes por separado. ¿Hasta donde tienes pensado llegar con El Mundo de las Sombras? Depende del apoyo que siga teniendo. Con la nueva novela he abierto un nuevo ciclo, que ocupara dos volúmenes; cuando termine el cuarto volumen me planteare seguir con este proyecto o dar rienda suelta a otras ideas que tengo en la cabeza. Para terminar, dales un motivo a nuestros lectores para que se acerquen a El Mundo de las Sombras. Yo siempre digo que si quieres pasar un buen rato, con una historia interesante, dale una oportunidad al libro y te prometo que te entretendrá. Creo que es algo importante, hoy en día, poder ofrecer un buen rato a los lectores.

POR JAVIER SANCHEZ RIOQUERO

RESEÑA LIBRO/JUEGO Los Caminantes

Carlos Sisi/Andrés Carrión A estas alturas ¿Quién no conoce a Carlos Sisi? ¿Y quién escuchando este nombre no lo asocia a libros como Los Caminantes, Panteón o La Hora del Mar? Cuando conocí al autor la trilogía de Los Caminantes tan solo contaba con dos volúmenes y estaba inconclusa. Disfruté como una enana con su tercera parte... ¿Quién se podía imaginar que esta trilogía podía alcanzar tal envergadura? Me partí de risa cuando hicieron un video del Padre Isidro bailando (no recuerdo qué canción), buscadla si no lo habéis visto porque está genial. Volviendo a lo que nos ocupa y sin salirnos del género... ¿Quién se esperaba también el alcance del fenómeno Z a nivel mundial? Resucitado (por así decirlo, gracias a la serie de televisión ‘The Walking Dead’ (aunque os recomiendo los cómics porque son muuuuuucho mejor con diferencia)) nos encontramos unos zombies, reanimados, involucionados o como queráis llamarlos según el autor, que igual corren que se las pelan o que van más lentos que una tortuga, listos o tontos, mutados, infectados o de otra dimensión... pero lo que tienen en común es que les gustas, y quieren comerte... ¿Todavía no os habéis enganchado a la locura Z? Pues hay muchos más motivos que el que te guste leer terror o ciencia ficción (ya que casualmente en ocasiones van cogidos de la mano (incluso fantasía de por medio)), sino que ahora hay una oferta de entretenimiento de calidad (y a menudo nacional) en este tema. Dejando a un lado grandes como Max Brooks y su popular ‘Guerra Mundial Z’ llevado al cine por Mark Forster

conocido por dirigir ‘Quantum of solace’ que para los herejes diré que se trata de una de las últimas de James Bond (de las hollywoodienses, no de las que el creador del espía inglés Ian Fleming creara), a Robert Kirkman y su ya citado ‘TWD’, tenemos a David Mateo, Manel Loureiro, Sergi Llauger, Joe Álamo, Darío Vilas, Juan de Dios Garduño entre otros, que nos pueden dar más de una alegría en lo que a crear novelas de zombies se refiere. Pero ninguna quizá, haya causado tanto fenómeno fan como los libros de Sisi. ¡¡Si hasta le mandan amigurumis del padre Isidro!! Y bueno, creo que como intro se me ha ido la mano y he creado toda una retahíla de datos y motivos para poder acercarte a un género, que quizá de antemano te dé un poco de repelús pero que es cuestión de darle una oportunidad. No solo los tres libros de la trilogía son buenos, sino que ahora han sacado un pequeño gran libro, siguiendo el sistema de “sigue tu propia aventura” que a los de mi generación tan buenos ratos nos dió. LIBRO-JUEGO SAGA LOS CAMINANTES DESTINO: CARRANQUE AUTOR: CARLOS SISI – ANDRÉS CARRIÓN ILUSTRACIÓN DE PORTADA: ALEJANDRO COLUCCI ILUSTRACIONES INTERIORES: DANIEL EXPÓSITO ED: TIMUN MAS PVP: 9,95 .-€ ¿Más motivos para seguir pensándolo?

¿Crees saberlo todo porque has leído todo lo que a zombies te refieres? ¿Crees que el libro no es un reto para ti porque llegarías sin problemas a Carranque? ¿Estás seguro? ¿De verdad? ¿Sí? Pues te animo a que pruebes a hacerlo no en un intento, sino en tres. Porque una servidora, que pensaba que iba a llegar con los ojos cerrados se ha visto en aprietos para lograrlo en ¡seis intentos! Y no es solo llegar, sino sobrevivir allí dentro. La verdad es que pensaba que lo iba a resolver enseguida, el libro está dividido según números y no páginas (otro sistema de estos juegos) y en ocasiones van acompañados de ilustraciones en blanco y negro de situaciones que te puedes encontrar. Una de las cosas que pensaba era que tras leer los libros la perspectiva del juego iba a ser la de Juan y tu misión era “revivir” el libro. Pero la verdad es que el ser un completo desconocido dentro del universo de Sisi ha sido mucho más estimulante, las situaciones que te presentan y que has de decidir: sigues o te paras, derecha e izquierda, matar a alguien o salir corriendo... ¿Crees que haciendo lo correcto

encontrarás la salvación o por el contrario si eres un hijo de puta con suerte lograrás salir con vida? Te reto. Te animo. Si te gustaron las novelas de elegir tu destino en tus años mozos, si te gustó leer los caminantes, si te gustan los zombies... ¿Por qué no pruebas con el libro-juego e intentas ver si eres capaz de sobrevivir? Yo lo hice pensando que sería de las que escaparía a una pandemia zombie y al primer revés resulté escaldada. ¡Y una cosa más! No con la muerte acaba el libro, sino que como zombie has de seguir jugando. ¿Cómo? Pues eso. No te digo más, para que lo descubras por ti mismo. ¿Hace una partidita?

POR AIDA ALBIAR

WWW.INTERNET EN LOS

90.com En la película de culto Juegos de Guerra (Wargames, John Badham, 1983) veíamos como el protagonista David Lightman, interpretado por Mathew Broderick, hackeaba el intranet de su colegio y, para nuestra sorpresa (y cierta envidia), modificaba sus calificaciones. Creo que yo ví la película en 1986, por supuesto en VHS, y mi mente de 12 años apenas lograba discernir las posibilidades que la integración en una red de comunicaciones global podía ofrecernos. En aquel entonces, palabras como navegador, modem y, sobre todo, Internet eran totalmente desconocidas. Veíamos en Juegos de Guerra una simple película de ciencia-ficción, ignorando su carácter visionario. Gracias a esta película, pudimos entender lo que podría suponer una red de redes, lo peligroso que podía ser un hacker o que la gamberrada que hacíamos en las cábinas telefónicas era phreaking. Sin saberlo, muchos de nosotros, al igual que Steve Jobs o Wozniak, éramos phreakers. O sea, nos dedicábamos a buscar métodos para llamar gratuitamente desde las extinguidas cabinas telefónicas. Recuerdo que debíamos marcar una serie de códigos y pulsar varias veces el interruptor del teléfono y, entonces, una de cada diez veces lograbas hablar gratuitamente. Recuerdo que el mayor atractivo de Internet en los 90, no era disfrutar gratuitamente de música o películas, todavía quedaba mucho para las conexiones de banda ancha que permitirían la fluidez en el intercambio de archivos, el mayor atractivo era disfrutar de contenidos prohibidos o el navegar sin rumbo buscando información clasificada.

Vamos a dar un pequeño viaje para recordar como era el mundo de Internet en los 90 y como, en gran medida gracias a la industria del sexo, se produjeron los cambios que ayudarían a construir el Internet actual. Pido disculpas de antemano por los errores u omisiones que pueda haber realizado. He intentado desgranar y recordar una de las mejores etapas de mi vida y he dado preferencia a mis recuerdos por encima del enciclopedismo, si queréis datos específicos recordar que no estamos en 1990 y que la web nos proporciona todo lo que necesitamos.

Un poco de historia

En el ámbito universitario, el uso de un primigenio Internet estaba muy extendido y desde los años setenta las principales universidades de EE.UU. estaban conectadas por Arpanet. Este primer acercamiento a Internet, fue desarrollado por encargo del Departamento de Defensa de los Estados Unidos como medio de comunicación para los diferentes organismos del país. El primer nodo se creó en la Universidad de California, Los Ángeles y fue la espina dorsal de Internet hasta 1990. Vamos a volvernos a volvernos un poco tecnólogos y vamos a definir qué es Internet para poder entender su desarrollo. “Internet es un conjunto descentralizado de redes de comunicación interconectadas que utilizan la familia de protocolos TCP/IP, garantizando que las redes físicas heterogéneas que la componen funcionen como una red lógica única, de alcance mundial.”

Por otro lado, la World Wide Web (WWW) es un conjunto de protocolos que permite, de forma sencilla, la consulta remota de archivos de hipertexto. Ésta fue desarrollada posteriormente (1990) y utiliza Internet como medio de transmisión. Existen, por tanto, muchos otros servicios y protocolos en Internet, aparte de la Web: el envío de correo electrónico (SMTP), la transmisión de archivos (FTP y P2P), las conversaciones en línea (IRC), la mensajería instantánea y presencia, la transmisión de contenido y comunicación multimedia –telefonía (VoIP), televisión (IPTV)–, los boletines electrónicos (NNTP), el acceso remoto a otros dispositivos (SSH y Telnet) o los juegos en línea. Como podemos suponer, todos estos conceptos eran desconocidos a principios de los noventa y al final de la década se convirtieron en imprescindibles.

Buscar

Hasta mediados de la década de los noventa no comenzaron a extenderse las conexiones particulares y éstas eran carísimas de manera que nos conectábamos sólo a ciertas horas del día y vivíamos con el miedo a la factura telefónica. Uno de las mayores dificultades a las que nos enfrentábamos era cómo encontrar dentro de la web lo que buscábamos. Google o Bing eran desconocidas pero surgieron una serie de webs que nos ayudaban en estas tareas. Si buscamos los interface en Internet podemos descubrir que son primitivos y que nos resultan horrorosos pero en su momento eran la última tecnología. Vamos a enumerar las más famosas: Altavista (1995-†2004) En España, Altavista fue uno de los buscadores preferidos. Comenzó su existencia en 1995, hasta que en 2003 fue comprada por la empresa Overture Services, la cual sería adquirida el año siguiente por Yahoo. Los buscadores de estas primeras generaciones destacaban por su interés en la creación de un directorio o índice de la web, cosa que poco a poco se fue descartando con los años, pero en esos primeros días clasificar la red era un objetivo considerado por la mayoría de buscadores, que mostraban índices temáticos en su página.

Google (1996 - Actualidad) No empezó como el fantástico buscador con miles de trucos de búsqueda, sino como algo muy decente, pero con unas características muy interesantes y muy eficiente en cuanto a almacenamiento y velocidad de búsqueda. Algo que destacaría a simple vista con respecto a otros buscadores del momento. Hispavista (1996-Actualidad) Aunque como buscador no destacó bastante, fue bastante conocido gracias a su servicio de hosting Galeon y a servicios como Trabajos.com (web de empleo, 1996), Labolsa.com (información bursátil, 1998), y otros servicios. Lycos (1994 - Actualidad) Lycos fue otro de los portales más famosos de la época. Aunque no destacó especialmente como buscador después de sus primeros años, si que fue muy famoso por sus servicios de hosting Tripod y AngelFire.

MSN Search (1998-Actualidad) El buscador de Microsoft, es probablemente uno de los que más ha cambiado de nombre durante su vida. MSN Search sufrió rediseños constantes, y consiguió bastante fama por su uso integrado en la plataforma de mensajería MSN Messenger, que incorporaba el buscador en sus opciones. Sin embargo, sus resultados nunca destacaron lo suficiente como para

que los usuarios se interesaran por él más allá de su uso integrado. Ozú (1995-†2012) Buscar contenido en español era complicado en un principio. Podías optar por los buscadores internacionales que permitían buscar contenido en nuestro idioma (como Yahoo, por ejemplo) o utilizar un buscador español como Ozú. ¡Olé! (1996-†2000) Junto con Ozú, ¡Olé! (Ordenamientos de Links Especializados) fue uno de los buscadores más famosos en España. Quizás por influencia de Yahoo! (el que simbolizaba un grito tirolés), Ozú y Olé actuaban de la misma forma, pero con elementos más españoles. Terra (1999-Actualidad) Terra fue fundada en 1999, poco después de la compra del anterior buscador Olé por parte de Telefónica. Aunque como buscador su existencia fue prácticamente inexistente, si se hizo bastante famosa como portal y por consiguiente, era utilizada como buscador por muchísimos usuarios. Yahoo (1995-Actualidad) Yahoo comenzó sus andanzas como una guía de Internet, un catálogo temático donde encontrar páginas dentro de esos intereses, que a su vez estarían catalogados por países. Al igual que Google, nació en la Universidad de Stanford como proyecto de dos estudiantes. Yahoo fue, en su momento, lo que es Google hoy en día. Cualquier servicio que necesitabas, lo encontrabas en Yahoo: correo, noticias, juegos,

grupos, etc..

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Charlar

A la hora de relacionarnos con la web, los usuarios buscábamos comunicarnos con gente que tuviese nuestras aficiones e intereses. En 1990, surgió ICQ (“I seek you”, en castellano te busco), un cliente de mensajería instantánea que es considerado el primero de su tipo en ser ampliamente utilizado en Internet, era posible chatear y enviar mensajes instantáneos a otros usuarios conectados a la red de ICQ. La de horas que habremos perdido en las salas de charla de este servicio. Podíamos y podemos (puesto que el servicio sigue activo) encontrar gente con aficiones e intereses comunes con los que pasar un buen rato. A finales de los 90 se popularizaría el MSN como medio de comunicación entre usuarios, pero los que vivimos el surgimiento y desarrollo de la web recordamos con cariño los nicks y salas del ICQ.

Sexo

Si recordáis la escena más polémica de El cortador de césped (The Lawnmower Man, 1992), dirigida por Brett Leonard, se mostraba el sexo como una de las posibilidades más interesantes de la realidad virtual. Internet se ha desarrollado y ha mejorado sus posibilidades gracias a la industria del sexo. Como botón de muestra os vamos a contar algunas tecnologías que surgieron en los noventa y que han sido inventadas o mejoradas gracias a la industria del sexo: Sistemas de pago y validación online A mediados de los 90, Richard Gordon fundó la empresa Electronic Card Systems. Su principal función era dotar de mecanismos de pago online a páginas web para adultos como Clublove. En 1999, sólo en Estados Unidos se gastaron 1.300 millones de dólares en pornografía online, el 8% de todo el comercio electrónico del año. Aquellas primeras webs de pago sentaron las bases de funcionamiento

de páginas como Amazon o eBay. De igual manera, la necesidad de discriminar entre usuarios legales y menores de edad hizo que la industria del erotismo online invirtiera mucho dinero y esfuerzo en refinar los sistemas de validación automática de usuarios. Spam La industria del porno no inventó el correo basura pero fueron los primeros en fijarse en su potencial como medio publicitario. A finales de los 90 ya eran habituales los e-mails invitando a sitios porno. Entre 2001 y 2002, el spam con contenidos para adultos aumentó un 450% y, en 2003, uno de cada cinco correos basura era para vender sexo. El ocio para adultos tuvo mucho que ver en la popularización de esta desagradable técnica. Contenidos en vivo Los paupérrimos anchos de banda de los 90 apenas daban para clips de unos segundos o archivos JPG animados, pero sirvió para que empresas desarrollasen la tecnología streaming. El porno es también responsable indirecto del desarrollo de los videochats en vivo. Tuvieron que pasar unos años para que los estándares de video y las conexiones se desarrollaran lo suficiente, pero el porno fue pionero en su desarrollo. Malware A finales de los 90, la popularización del protocolo www coincidió con una explosión del número de sitios con contenidos para adultos. Con tanta

competencia por enseñar encantos, muchos webmasters comenzaron a utilizar trucos sucios como troyanos camuflados en galerías de fotos o ataques intrusivos que cambiaban la página de inicio del navegador. Esta fue también la época en la que, hicieras lo que hicieras, el navegador escupía una tormenta de ventanas emergentes con publicidad de sitios porno.

Fotografía digital En sus inicios, el porno en Internet se limitaba a imágenes Ascii creadas con caracteres y, más tarde, fotos escaneadas y compartidas en los grupos de noticias de Usenet. Las primeras cámaras digitales que grababan en JPG se comercializaron en 1991 pero el mercado no explotó hasta 1995-1997, justo los años en los que los sitios porno por internet se multiplicaron como setas. A nadie se le escapaba que la fotografía digital prescindía de un paso que podía ser muy engorroso a la hora de hacer fotos subidas de tono: el revelado. Banda ancha El ancho de banda requerido por una página web porno es relativamente alto por la cantidad de imágenes y vídeos que tiene que suministrar. Adicionalmente, la competencia por ofrecer fotos más grandes y nítidas y vídeos más largos impulsó a la industria del porno a mejorar sus conexiones y contribuyó con su granito de arena a generar demanda de más velocidad en Internet. Además, la industria del sexo es pionera en la interrelación de diversas webs de una misma temática.

empresas que utilizaron el desconocimiento existente y las promesas de rentabilidad como medio de enriquecimiento. La mayoría de ellas quebraron y produjeron perdidas millonarias. Pero en los 90 pensábamos que cualquier cosa realizada bajo el epígrafe .com era sinónimo de éxito. Os voy a contar una anécdota, en 1997 comencé mi carrera laboral haciendo webs para una empresa que accedía a los trabajos que otra empresa mayor no podía realizar. Yo no sabía nada de Internet, pero me dieron un curso de cuatro horas de Frontpage y decidieron que ya estaba preparado. Me contrataron, junto con diez personas más y de la noche a la mañana crearon una empresa de unos 12 empleados. Se compraron ordenadores, impresoras, scanners, alquilamos una oficina en un ático de la Glorieta de Bilbao en Madrid, etc… Parecía un éxito seguro. Después de la inversión realizada, la empresa cerró a los dos meses. En su momento me deprimí bastante, pero ahora lo veo como una metáfora real de la burbuja de las punto com.

Usurpación de páginas y dominios Es famoso el caso de sex.com sex.com. Este dominio fue apropiado de forma indebida por Stephen M. Cohen en 1996 mediante documentos falsos. En 2001, el dominio fue restituido a su legítimo propietario, Gary Kremen, quien así lo pudo vender en 2006 por 14 millones de dólares. Cohen resultó condenado a indemnizar a Kremen con 65 millones. VHS El motor de la industria pornográfica. En plena guerra entre los formatos de vídeo Betamax, VHS y 2000, muchos se sorprendieron de que ganara el VHS cuando tenía mucha peor calidad técnica. Detrás de esta victoria se esconden muchas razones y una de ellas es el porno. El sistema Beta, liderado por Sony, se negó a que su formato fuera mancillado por vídeos pornográficos. El resultado fue que la industria del porno se volcó en su rival y el beta acabó relegado. Como podéis ver el porno, para bien o para mal, ha estado presente en todo el desarrollo tecnológico de Internet.

Conclusión

Los noventa fueron los años clave del desarrollo de Internet. Se produjo el nacimiento de muchísimas

Como cierre a la década de los 90, en 1999 surgió Napster como vehículo de intercambio de archivos. Fue un golpe tremendo a la industria musical y todavía no han sabido como enfrentarse a este fenómeno. En la siguiente década, junto con la mejora de las conexiones, surgirían las redes de intercambio de archivos o las redes sociales, los chavales que crecimos viendo Juegos de Guerra asistimos y formamos parte del desarrollo de esta red de redes.

POR JOSÉ DEL RÍO FORTICH

sabias que.... 1990 Primer ISP telefónico El nacimiento del primer proveedor de Internet a través del teléfono (The World) junto con el módem para PC hizo que Internet se popularizara y la gente de a pie pudiese acceder a ella. Ese mismo año ARPANET como tal desapareció debido a la facilidad de uso y los servicios a través de ISPs. 1990 Finalizan los protocolos World Wide Web El código para la World Wide Web fueron escritos por Tim Berners-Lee, siguiendo la propuesta que redactó el año anterior, junto con los estándares HTML, HTTP y las URLs. 1991 Nace la primera página web 1991 fue el año en el que Internet comenzó a tomar un aspecto más actual. Nació la primera página web de manera similar al primer email. La primera página web no era más que una pequeña referencia sobre qué era y qué se podía hacer en la World Wide Web. 1991 Nace el primer buscador por contenidos El mismo año que nace la World Wide Web, surge la necesidad de un buscador que examine la Red para encontrar contenidos de nuestro interés. Así pues, nació Gopher, que buscaba dentro de los contenidos de las páginas web y no en los nombres en sí de las mismas. 1991 Se estandariza el MP3 El popular formato de música digital MP3 se convirtió en estándar en 1991 y ello posibilitó que se pudiera transmitir música en un formato comprimido sin perder calidad a través de Internet. 1991 Nace la primera webcam Uno de los más interesantes desarrollos de los años 90 fue la primera webcam. Fue en el laboratorio de ordenadores de la Universidad de Cambridge donde nació y su propósito inicial fue monitorizar una cafetera para que el equipo pudiera comprobar si quedaba café y evitar viajes en balde. A día de hoy las videoconferencias son posibles gracias a esta invención. 1993 Primer navegador gráfico – Mosaic El primer navegador apto para todos los públicos nació en 1993. Se llamó Mosaic y se considera el primero en ofrecer acceso a Internet y WWW de manera sencilla para los que no tenían conocimientos informáticos. Anteriormente se navegaba en modo texto, de manera mucho menos intuitiva. 1993 Los gobiernos se unen a Internet En 1993, tanto la Casa Blanca estadounidense como las Naciones Unidas se unieron a la red de redes y comenzaron dos de los dominios actuales .gov y .org. 1994 Netscape Navigator El primer gran competidor de Mosaic nació en 1994, hablamos de Netscape Navigator. Internet se iba convirtiendo en un lugar al acceso de todos gracias a los nuevos navegadores gráficos que permitian una navegación muy clara y sencilla. 1995 Comercialización de Internet Este año es conocido como el año en el que se volvió comercial la Web. Varios desarrollos hicieron posible dicho paso, como por ejemplo el SSL (Secure Sockets

Layer), un sistema de cifrado que fue desarrollado por Netscape y que permitía realizar de manera segura transacciones financieras on-line. Además, dos grandes compañías comenzaron su negocio ese mismo año; nos referimos a eBay (Echo Bay fue su nombre originario) o Amazon.com. A modo de curiosidad ninguna de ellas ofreció beneficios en los primeros 6 años de vida, es decir, hasta 2001. 1995 Geocities y JavaScript Geocities comenzó su andadura en la Red. Fue un sitio muy popular hace 10 años. Java y JavaScript (llamado originalmente LiveScript por su creador Brendan Eich), fue llevado a la Red por parte del navegador Netscape Navigator y se hizo público en 1995. ActiveX fue la respuesta de Microsoft y fue lanzado el siguiente año. 1996 Llega el webmail Fue en 1996 cuando HoTMaiL (con mayúsculas homenajeando HTML) se convirtió en el primer servicio de email on-line. 1997 Nace el término weblog Aunque ya existian blogs en Internet de una manera u otra desde hace años, fue en 1997 cuando se acuñó el término “weblog”.Un medio muy popular de expresión que ha llegado hasta hoy día. 1998 Internet toma peso frente a medios tradicionales Ese año tuvo lugar el escándalo entre el presidente Bill Clinton y su becaria Monica Lewinsky. Dicha noticia fue publicada antes on-line que en los medios tradicionales. 1998 Nace Google! Google nació en 1998 revolucionando la manera en la que la gente buscaba información on-line. A día de hoy la compañía tiene numerosos proyectos en marcha y ha tomado dimensiones de multinacional que planta cara a Microsoft, y otras grandes compañías en sectores como ofimática, email, buscadores, telefonía móvil y, en breve, en sistemas operativos. 1999 Proyecto SETI@home 1999 es el año en el que nació el proyecto SETI@home que hace uso de la computación distribuida mediante la potencia aportada por los ordenadores individuales de los usuarios adheridos al proyecto

El hombre multiorgásmico Por Luís Borja Fuentes Galán

Vamos a tratar este interesante tema de una forma muy resumida, y dando puntos clave. Si quieres más información te recomiendo que leas algún libro especializado, como “La Pareja Multiorgásmica” de Mantk Chia y Maneewan Chia. Empezaremos por la teoría, y dejaremos la práctica para la siguiente sesión. Aunque suene a cuento chino, o a muchos les provoque una carcajada con el consiguiente: “Sí, claro…”, no es ninguna leyenda. Muchos hombres, con un correcto entrenamiento, pueden llegar a ser multiorgásmicos. Es necesario para ello que lleguen a comprender su propia sexualidad, y entrenar algunas técnicas simples. Técnicas como fortalecer el músculo pubococcígeo, controlar el ritmo de excitación, dominar la respiración profunda, y finalmente aprender a controla la eyaculación. Quizás cuando has escuchado la palabra multiorgasmo automáticamente lo has asociado mentalmente a la mujer. Varias mujeres son multiorgásmicas por naturaleza, aunque casi todas con entrenamiento pueden igualmente desarrollarlo. En los últimos años han aparecido diversos libros describiendo diferentes técnicas para poder alcanzar múltiples orgasmos también para el género masculino. Una gran parte de los hombres multiorgásmicos afirman que abstenerse de la eyaculación produce un estado postorgásmico mucho más intenso. Incluso varios también aseguran que esto a su vez les puede producir orgasmos eyaculatorios más potentes, cuando eligen tenerlos. Erróneamente los homb res aprendemos nuestra sexualidad como hijos del Coitocentrismo, donde la enfocamos en el objetivo de eyacular, y nos medimos y se nos mide por ello. Por lo tanto, puede ser muy frustrante para muchos hombres si algo no sale bien. ¿Hemos cumplido? Esa es la pregunta que muchos se hacen, en vez de disfrutar y hacer disfrutar de las propias relaciones

sexuales sin ningún objetivo más allá. El hombre al ser multiorgásmico, aparte de obtener mucha más satisfacción y placer, podremos tener mayor capacidad para satisfacer mejor a nuestra pareja, y sobre todo mentalmente borrar esa ansiedad. La gran mayoría de hombres (y mujeres) piensan que el orgasmo y eyaculación van unidos. Pero esto no es así. En la adolescencia los chicos a partir de los 13 años más o menos empiezan a eyacular. Pero antes de poder hacerlo, se masturban teniendo orgasmos sin eyacular, manteniendo la erección. Por lo tanto, sí es posible separar orgasmo y eyaculación. Pero, ¿qué es el orgasmo? Fisiológicamente hablamos de contracción y pulsación en el pene, próstata y zona pélvica, acompañado de aumento del pulso cardíaco, ritmo respiratorio y presión sanguínea, teniendo como resultado una repentina liberación de energía. Pero no queda aquí, un orgasmo es para muchos la sensación más placentera posible, el clímax o punto culminante del placer sexual. La eyaculación es simplemente un espasmo muscular involuntario, es un reflejo que ocurre en la base de la columna vertebral y produce la expulsión del semen. Lo que decíamos, dos procesos diferentes. Hasta ahora, has aprendido a conectar orgasmo y eyaculación a lo largo de tu vida, pero separarlos es posible. Desde Kinsey a Katchdourian, muchos han sido los científicos y expertos en sexualidad los que han afirmado la validez de estas teorías. Hemos hablado de que los preadolescentes tienen esa capacidad multiorgásmica. Por lo tanto, todos lo hemos sido ya. Entonces, ¿por qué hemos perdido esa habilidad? En el momento que podemos eyacular, y al transcurrir en un espacio de tiempo muy cercano al orgasmo, los asociamos incorrectamente. El objetivo es volver a separarlos. Con unos cuantos ejercicios intentaremos daros las herramientas iniciales para poder dar los primeros pasos en el entrenamiento para adquirir esta capacidad. Pero esto lo dejamos para la próxima entrega, la cuál será bastante más práctica.

PUNTO G (Gräfenberg) FEMENINO Por Marta Clin Clin

Todo el mundo ha oído hablar del punto G, unos creen que existe y otros que es un bulo, algunos que es realmente difícil encontrarlo, que solo algunas mujeres lo pueden conseguir, ¿y los hombres?, que se alcanza cuando hay una estimulación increíble, que es un privilegio del que tan solo algunas personas pueden disfrutar… bla bla bla Tan solo hay que localizar donde está, estimular el lugar adecuado y practicar, practicar y practicar. Si si…con practica se puede llegar a alcanzar ese lugar estratégico que si estimulado puede desencadenar orgasmos espectaculares dada la extrema sensibilidad de este desconocido y aclamado punto G. ¿Dónde está? Parece estar en el primer tercio de la pared anterior de la vagina a unos 3- 5 cm de la apertura vaginal, lugar sensible a la presión fuerte. Esta insertado en la pared de la vagina y en intima relación con la uretra y el cuello de la vejiga ¿Qué produce? El estímulo de este punto G produce una dilatación del tejido y como consecuencia muchas mujeres experimentan grandes bombas de placer. Se suele describir una sensación como de “ganas de orinar”, a veces vergonzosa para la mujer. Si continua la estimulación entre los 2-10 segundos esta reacción inicial se reemplaza, en algunas mujeres, por una distinta y fuerte sensación de placer sexual. Existen mujeres que al experimentar un orgasmo proveniente de la estimulación del punto G tienen lo que puede llamarse como eyaculación femenina, es decir, expulsan un líquido que proviene de la uretra con aspecto lechoso (no es semen, ni pis) ¿Cómo estimularlo? Se estimula mediante la introducción de un dedo en el interior de la vagina, entre unos 2,5-7,5 cm en la pared anterior de la vagina, arqueando el dedo y haciendo un movimiento parecido al gesto que utilizamos para decir ven (estirar y recoger el dedo). Posiblemente se consiga esta estimulación debido a la combinación de empujar el clítoris hacia abajo mientras se arquea el dedo. Pero como las mujeres somos bastantes complicadas en esto no íbamos a ser menos, porque a pesar de las indicaciones cada mujer al ser única y diferente puede necesitar una forma de estimulación distinta…

si es que somos muy complicadas ;) Es una pequeña protuberancia que conforme va siendo estimulada se va hinchando El punto G puede estimularse tanto con el dedo (como hemos visto) como con un consolador (los hay especiales para ello) o con el pene. Existe un tipo de pene, el que es curvado hacia arriba, que ejerce más presión sobre la pared anterior de la vagina siendo más fácil estimular el punto G de la mujer. Pero, no se preocupen, todos los demás pueden conseguir la misma estimulación adoptando diferentes posturas sexuales. Algunas de las mejores posturas sexuales para estimular el punto G femenino son:

MISIONERO

Tumbados, mujer abajo y hombre arriba (puede que los clásicos nunca mueran por algo)

CUCHARA

Ambos tumbados hacia el mismo lado, dando la mujer la espalda al hombre. Permite mayor roce entre el pene y la pared anterior de la vagina

PERRITO

La mujer se sitúa a cuatro patas y el hombre detrás de ella en la misma postura.

ELEFANTE

Parecida a la del perrito pero tumbados. La mujer tumbada boca abajo sobre la cama con las piernas separadas y el hombre tumbado boca abajo sobre ella.

PROFUNDA

Igual que el misionero, pero las piernas de la mujer están separadas y colocadas en los hombros del hombre.

AMAZONA

La mujer se sienta sobre el hombre, frente a frente. Si la mujer se inclina un poco hacia atrás se logra mayor estimulación de la pared anterior de la vagina. ACRÓBATA: El hombre tumbado boca arriba y la mujer sentada sobre él, dándole la espalda.

BALANZA

El hombre sentado en la cama o silla. La mujer sentada dándole la espalda, puede inclinarse hacia adelante para lograr mayor estimulación.

ABRAZO

El hombre de pie y la mujer subida en él, rodeándole con sus brazos el cuello y con sus piernas la cintura

HOTEL MORBIA: HABITACIÓN 1.20 Por Marina Rodríguez

Barullo, vestido con un sujetador de color rosa chicle a juego con un tanga del que cuelgan flecos y piedrecitas de cristal, mueve sus caderas y su estómago simulando lo que él denomina “danza del vientre sexual”. Básicamente, consiste en cortos y abruptos movimientos de cadera con los que penetra el sexo de Pepa Woolf al tiempo que clava las piedrecitas de cristal de su tanga en la zona genital de ambos. Fruto de largos años de ensayo, Barullo, todo un gurú en la experimentación sexual, logró incluir en esta técnica los movimientos con el estómago. De esta forma, cuando penetra a Pepa Woolf, el estómago se interpone entre ambos como una barrera corporal natural que ocasiona que su pene tome una inclinación natural de 5 grados hacia arriba. Así, logra rozar el clítoris de ésta en cada envestida. -Tomad el elixir “1.20” – susurra Fanny desde la oscuridad de una esquina de la habitación. -Ahora no, que el baile no ha hecho más que comenzar – grita Barullo enfurruñado, con los ojos desorbitadamente abiertos mientras amasa los pechos de Pepa Woolf entre sus grandes manos como si éstos fueran dos tartas de compota de manzana y arándanos. -Yo quiero el elixir ahora. Sácala – ordena Pepa Woolf -No, un poco más – responde Barullo quejumbroso -Sácala o te quito el sujetador – amenaza Pepa Woolf Barullo pone cara de pavor. El sujetador representa

mucho para él, puesto que acaba de operar sus pezones para agrandarlos en 5 milímetros más y poder ponerse un piercing doble en cada uno de ellos. Ante esta amenaza, Barullo saca su pene del sexo de Pepa Woolf. Debido a la escasa altura del techo de la habitación, tanto Pepa Woolf como Barullo se ven obligados a caminar a cuatro patas hacia la esquina en la que se encuentra Fanny, también a cuatro patas. Barullo, fiel a las conexiones cerebrales olfativas de su cerebro, va olisqueándole el culo a Pepa Woolf. Fanny destapa un pequeño frasco de cristal, dejando al descubierto un líquido morado. La única identificación del líquido se encuentra en la etiqueta: “1.20”. Pepa Woolf coge el frasco y toma una tercera parte del mismo. -Por supuesto que esta es una habitación especial… Cobraré el doble a los huéspedes. -¿Doble? – pregunta Fanny como si fuera inaudito ¡Podrías triplicar el precio tranquilamente! – exclama. Pepa Woolf le pasa el frasco a Barullo, que toma su parte, dejándole a Fanny el resto. Al instante, los cuerpos de los tres sufren transformaciones que les permitirán mantener gozosas relaciones sexuales durante las siguientes 3 horas sin parar. Para empezar, la altura de todos se reduce al metro con veinte centímetros. A Pepa Woolf y a Fanny, ambas con barba y bigote postizos, les encogen los pechos, aumentando sus respectivas vaginas. A Barullo, por su parte, le crece el pene, llegando casi a doblar su tamaño habitual. La hipersensibilidad en sus respectivos sexos es una de las características que les otorga el elixir “1.20”.

-No hay tiempo que perder. Tú en el medio – ordena Barullo sin parar de olisquear el sexo de Pepa Woolf. Fanny, coge un dildo doble de color negro, con enormes venas. Mete uno de los extremos del mismo en su sexo y el otro lo mete de golpe en el ano de Pepa Woolf, que se retuerce ante lo inesperado de la embestida. Barullo, aún aturdido y sin poder controlar las grandes dimensiones de su pene, coge una cuchilla y comienza a rasurar el sexo de Pepa Woolf. -No te muevas o perderás el clítoris – dice Barullo. -Si lo pierdes le daremos un baño de oro y lo colocaremos en la repisa del salón – dice Fanny. -¡Fanny! – exclama Pepa Woolf – ¡No tan fuerte!, estás haciendo que me mueva demasiado. Fanny se modera, así que mientras Barullo rasura el sexo de Pepa Woolf con cuidado, Fanny mantiene el dildo en el interior de ambas, dedicándose únicamente a moverlo en lentos círculos en el interior de ambas. Barullo, concentrado en su tarea de depilación, pasa la cuchilla por los labios de Pepa Woolf. No puede resistirse así que pasa la lengua por las zonas que va rasurando, moviéndola con rapidez, como si fuera una serpiente. -Voy a dejarte una B marcada en el vello púbico – sentencia Barullo con orgullo. -Como quieras, pero métemela ya – pide Pepa Woolf. Barullo agarra su pene y lo dirige hacia la vagina de Pepa Woolf, que, con sus nuevas dimensiones engulle el pene de Barullo. Fanny comienza a moverse de nuevo. La sincronización de los tres les hace correrse

de forma simultánea. Gracias al elixir “1.20”, pueden continuar follando sin parar durante tres largas horas. Barullo no da crédito a la situación. De repente, no puede sacar el pene de la vagina de Pepa Woolf, que se ha convertido en una especie de vagina carnívora. Barullo, con la cara desencajada, comienza a gritar aterrorizado pero es demasiado tarde, el elixir está haciendo sus efectos alucinatorios. Durante las tres horas siguientes, sentirá que su pene está siendo devorado. Pepa Woolf, en trance, siente que su cuerpo se ha convertido en una enorme vagina, así que no para de pegar a Barullo, tratando de impedir que éste introduzca más dedos en su interior. Fanny, aplastada por Pepa Woolf y por Barullo, siente que el ano de Pepa Woolf intenta succionar no solo el dildo, sino también su propia vagina, que choca contra el culo de Pepa Woolf con violencia. Así que no para de intentar quitarse a Pepa Woolf de encima, sin éxito. La historia de la habitación 1.20, situada en la sexta planta izquierda del Hotel Morbia, cuenta que después de aquella escalofriante experiencia, Pepa Woolf decidió darles a sus clientes un pack que incluía el elixir “1.20” más el elixir “Olv”, de obligatorio consumo. Se trataba de un líquido traído de un recóndito lugar ubicado en unas cuevas acuáticas subterráneas, que proporcionaba a todo aquel que se lo tomara el ansiado olvido tras la experiencia vivida en la habitación “1.20”. Eso sí, gracias a otros componentes, el elixir “Olv” convertía en adicto a todo aquel que se lo tomara. De esta forma, por razones que ningún cliente llegó nunca a explicar, la habitación “1.20”, tenía siempre una lista de espera de al menos un año.

SIROPE DE FREAK BY JERA STRUCC “Donde fueras, haz lo que vieras”

Este refrán, tantas veces usado por los que nos gusta viajar, en ocasiones puede traernos sorpresas desagradables. Sobre todo cuando, con todo el valor del mundo nos da por hacer un poquito el India Jones de la gastronomía y decides preguntarle al aldeano de turno, un restaurante donde puedas probar la comida “típica” del pueblo, aldea o ciudad donde ta ha llevado el instinto de aventurero. Escribiendo esto me viene a la memoria la pobre y sufrida Willie Scott desmayándose delante del sorbete de sesos de mono en El Templo Maldito antes de convertirse en una fondee humana en potencia.

aún moviéndose en el plato. Aconsejan masticarlo bien si no se tiene experiencia en este tipo de comida extrema ya que las ventosas han jugado malas pasadas a más de un cliente novato(1). La he denominado comida extrema porque correr el riesgo de salir con los pies por delante por la puerta del restaurante es cuando menos arriesgado.Pero, ¿quién dijo miedo?

La rareza de la comida exótica es directamente proporcional a la distancia que nos separa de ellos. Lógicamente, a más distancia más diferencia de culturas. Y para empezar esta sección nos vamos lejos, al otro extremo del globo: a Corea. Por su cercanía con el continente Chino muchas de las extrañeza gastronómicas son compartidas por ambos países. Aquí os dejo un listado de algunas de las más “absolut friky”

Empezamos con un entrante “fresco,fresco”. El Sannakji es un plato elaborado con dos ingredientes : sésamo y un tipo concreto de pulpo vivo. Si, tal cual lo leéis. Nosotros tenemos las ostras y ellos tienen el nakji, un pequeño pulpo que se corta y se sirve

Si nos damos un paseo por el mercado podemos encontrarnos con el gaebul, o lombriz de mar que habita en las profundidad del leche marino coreano y a pesar de su aspecto es de textura dura y correosa. Se consume crudo con sal y aceite de sésamo aunque en algunas zonas de china se saltea con verduras. Incluso puede secarse y convertido en polvo es un potenciador muy conocido del famoso sabor umami, es decir , acentuar el gusto agradable de los platos. Ah! por cierto, también se usa como cebo de pesca.

de licores imposibles de esos que llevaban el lagarto dentro macerando. Quien me iba a decir a mi que ,a miles de kilómetros, los coreanos consumían y consumen un licor elaborado a base de vino de arroz y embriones de rata macerados en el líquido durante meses.Afirman su eficacia en trastornos como el asma y enfermedades del hígado y como tónico revitalizante. Donde este una buena taza de café....

Como no todo va a ser pescado, de tapa podemos degustar unos esquistos beondegi ( me acabo de dar cuenta que suena a vasco!). Las clásicas crisálidas de los gusanos de seda son hervidas o cocinadas al vapor para dar lugar a uno de los snacks más populares de Corea. Todo empezó durante la época de los 60 cuando , en las fábricas de seda, los obreros no tenían demasiado que comer y deberían de pensar que aquel gusano que extraían del capullo podía ser nutritivo. Y no iban muy desencaminados ya que las crisálidas de gusano de seda pueden formar parte de una dieta baja en grasas ya que contienen 1/3 de la grasa que contiene la carne de vaca, cerdo o pollo y son ricas en proteínas. Quien quiere dieta si puedes tener un rico plato de gusanitos para comer?

Para terminar y que nadie se asuste, en Corea hay platos mucho más amables que estos, en su mayoría a base de arroz, pescados, mariscos y el dubu (El dubu kimchi es un popular plato coreano consistente en kimchi salteado y servido con tofu. y a su vez el kimchi es una receta de col fermentada aunque hay variaciones con rábanos o pepinos. Otros ingredientes son: pimiento o ají rojo molido, ajos o cebollas tiernas)

Así que ya lo sabéis, pensaros mucho lo que estáis dispuestos a meter en vuestra tripas europeas y llegado el momento no dudéis en decirle al camarero , si no veis las cosas demasiado claras pronunciar estas palabras: Gyesanseo juseyo y que significa “La cuenta por favor” Que os aproveche querido frikis .

Para terminar y ayudar a hacer la digestión que os parece un chupito de vino de rata? ADVERTENCIA: La siguiente foto puede resultar incomoda para según que tipo de personas (entre las que me encuentro y me ha sido difícil “digerir” ) Aún recuerdo cuando era una niña que en mi pueblo había la típica botica/ultramarinos que llevaba abierta casi tanto como el mundo porque incluso la gente mayor la recordaba de sus tiempos jóvenes. Y recuerdo un enorme escaparate lleno de botellas

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LAS RECETAS DE NEKO MAI: YAKISOBA Ingredientes (2-3 personas): - 2 hojas de Col. - 2 paquetes fino de fideos de yakisoba (o fideos de trigo) cocidos. - Setas Shiitake (opcional). - Media cebolla. - Medio cebollino. - Copos de bonito seco rallado (Katsuobushi). - 1 zanahoria. - 2 pimientos verdes. - 160gr. de chulera/lomo de cerdo. - Alga nori en polvo. - Jengibre rojo. - Salsa yakisoba/Worcester. Preparación: – Cortar a tiras las verduras y saltearlas en la sartén. Reservar. – Cortar la carte (a tiras, dados, como queráis) y saltearla. Podéis añadirle gambas, pollo, bacon…. – Añadir las verduras y los fideos y remover. - Echar un corrito de salsa yakisoba instantes antes de retirar del fuego. - Emplatar los fideos y espolvorear con el cebollino picado, la alga nori, el jengibre y los copos (es importante que los fideos estén calientes, así los copos se hidratarán con el calor que desprenda el propio plato y darán un toque riquísimo). VARIANTES Esta receta admite múltiples formas de prepararla. Las dos más conocidas son la Omu-Yakisoba, que no es más que una tortilla francesa rellena con fideos (en plan pastelito) y los bocatas de yakisoba,

Vampiro, la Mascarada, tal vez el juego de rol que utiliza el sistema narrativo (d10) más conocido, creado por White Wolf hace más de 20 años los cuales ha estado anegando de terror y sangre nuestras más profundas fantasías.

Sencillo, intuitivo y muy siniestro este juego de rol nos invita a dar no-vida a un vampiro, liberar sus macabros impulsos, saciar su nefasta sed y tejer todo un tapiz de intrigas donde atrapar a los desdichados moradores del día, los infelices humanos ignorantes de quienes dirigen sus vidas, todo esto promete Vampiro. Sus clanes, todos diferentes pero igual de condenados, sus sectas que dirigen a los vampiros como férreos grilletes y sus conspiraciones planeadas durante siglos por los más antiguos vástagos hacen de vampiro una maravillosa elección para todos aquellos que disfrutan quemando sus últimos cartuchos y el Príncipe ha tanto del terror y las intrigas como yo. tenido la feliz idea de invitar a todos los primogénitos a una velada de diversión en su residencia personal, la Y es que hoy entre intrigas anda el juego, pues con cual está alejada de la bulliciosa urbe. malas artes he mezclado este gran juego de rol con otro juego de mesa mucho más famoso y viejo, con Con este concepto os invito a jugar una fugaz partida, mucha calma dispongo el tablero, coloco las fichas y ambientada en cualquier ciudad que deseéis, no os pregunto ¿Habéis jugado alguna vez al cluedo? importa el clan escogido pero es una partida pensada para camarilla, personajes medios-avanzados, lo ideal El cluedo, la base sobre la que se asienta el modulo es de 2 a 4 jugadores. que os ofrezco, increíblemente conocido y jugado, imaginad que ocurriría si en vez de que el Dr. Mandarino disparara en la terraza contra el Dr. Lemon (o si habéis sido torpes barajando, que sea la terraza la que dispare contra el buen doctor en el garaje) el En este módulo los jugadores interpretaran a unos asesinato acontecido sea el de un importante vástago. vampiros que ya tienen algo de experiencia en los tejemanejes de la estirpe, además todos se conocerán, Pues esto es lo que ha ocurrido en nuestra historia, son los primogénitos de los clanes. retrocederemos hasta el año 1999, el cual está

Creación de personajes:

He introducido diversos cambios en la creación, en un pequeño detalle, todos los jugadores deben los jugadores empiezan más fuertes que un vástago jugar clanes diferentes o al menos los demás deben creerlo, perfectamente podrías ser un Toreador normal y corriente. haciéndote pasar por el primogénito Brujah, o incluso un Tzimisce que se hace pasar por el primogénito En los atributos se reparten 9/7/5. Nosferatu pero no puede haber dos primogénitos del mismo clan. Las habilidades cuentan con 17/13/9. Para disciplinas dispones de 6 puntos. En trasfondos gozas de 7, además cuentas con una puntuación base de 3 en posición y tu generación mínima es 12, es decir podrías tener un vampiro de 7º generación. Los puntos a repartir en virtudes siguen siendo 7. Se debe entender que no estas limitado en ninguna parte de la creación excepto

El principio: la invitación.

Cada uno de los jugadores recibe una invitación formal por parte del Príncipe para pasar la velada de fin de milenio en su mansión, el propio Príncipe les proporcionara vehículos para acudir a la misma. En la invitación se indica que solo los primogénitos están invitados, ningún vástago aparte de ellos tiene derecho a aparecer por allí pero si lo desean pueden llevar a sus Ghouls si los tuvieran, la mansión obviamente es una zona de Eliseo por tanto allí las armas, disciplinas y cualquier acto violento está prohibido, van a una fiesta no a una guerra.

La fiesta. Primeramente debes presentar un buen escenario, siendo Vampiro solo puede tratarse de una gran mansión de varios pisos y un gran jardín, la entrada al recinto está vigilada por Ghouls del Príncipe, estos están armados pero tampoco demasiado, piensa en ellos como en el típico gorila de discoteca o guardia de seguridad más que en soldados. Una vez entran los personajes en la mansión

encuentran al Príncipe, si acaso acompañado por otro Ghoul que sería más un criado que otra cosa, el Sheriff está ausente, si los personajes preguntan por el siempre obtendrán evasivas, simplemente se haya “ocupado”. Ocurren los típicos saludos, sonrisas forzadas, enemistades encubiertas…Seas del clan que seas los vampiros han nacido para acabar sufriendo de paranoia, ver asesinos en todas partes, ladrones que desean usurpar el poder que tanto les ha costado ganar, debe poder cortarse la tensión con un cuchillo. Después empieza la fiesta propiamente dicha, piensa que las diversiones estarán planteadas para vampiros así que no escatimes en sangre, cacerías de humanos, combates entre dos desdichados solo para que el ganador sea devorado aunque tenía la falsa esperanza de poder salir con vida, cosas así, nadie dijo que la camarilla fuera un club de hermanitas de caridad. En algún momento en que todo el grupo este distraído debes dejar caer la bomba, el típico grito de mujer asustada, el sonido de disparos, un grito de dolor… Todo ello nos llevara siempre a la misma conclusión: El Príncipe ha sido asesinado.

La sospecha: El cadáver de un poderoso vástago he sido encontrado en un lugar donde todos podrían ser culpables, no escatimes en posibles móviles pero si estas falto de imaginación o sencillamente has pensado en utilizar este módulo para una partida rápida te doy opciones

para los 7 clanes básicos que conforman la Camarilla. Brujah, el primogénito Brujah siempre ha estado en el bando contrario al del Príncipe casi sin importar que propusiera, esto ha decantado en que el Príncipe era muy estricto con los Brujah, limitaciones en sus zonas de caza, especulación para evitar que crecieran demasiado, utilización desmedida de sus vástagos como soldados en incursiones del Sabbat…Pasara lo que pasara, nadie niega lo apasionados que son los Brujah cuando les enfadan. Gangrel, el primogénito Gangrel tenía antiguas cuentas pendientes con el Príncipe por la expropiación de terrenos salvajes que eran dominio suyo, los Gangrel están enfadados porque ven como el asfalto se come poco a poco el bosque privándoles de esas zonas agrestes donde les gusta cazar y correr. No se debe azuzar al lobo, podría morder.

Malkavian, el primogénito Malkavian padece paranoia, o psicosis, o tal vez solo tenga un principio de misantropía, el caso es que su locura ha hecho que él y el Príncipe choquen en varias ocasiones, ya sea porque creía abiertamente que el susodicho conspiraba contra él o porque se ha tenido que ajusticiar a alguno de sus chiquillos por destapar la Mascarada. Al fin y al cabo esta loco y los locos no son de confianza. Nosferatu, el primogénito Nosferatu es uno de los grandes valedores del Príncipe, ¿Por qué querría matarlo? ¿Acaso descubrió algo demasiado oscuro incluso para un condenado? ¿Sabía de alguna conspiración que el Príncipe deseaba ocultar a todos? ¿Ocultaba el propio Nosferatu información al Príncipe? Toda teoría es buena para empezar a afilar un cuchillo y más si no pueden verte haciéndolo. Toreador, el primogénito Toreador esta de uñas desde que el Príncipe le prohibió abrir aquella galería de arte o le gano en la subasta por una pieza única, puede que le negara el permiso para abrazar a aquel músico callejero lleno de talento. Bueno, sencillamente le toco la fibra sensible y todos sabemos lo pasionales que son los artistas. Tremere, el primogénito Tremere no está

satisfecho con este gobierno, cree que las opiniones de su clan cuentan poco, tal vez se sintió ultrajado al tener que tomar una parte demasiado activa en la protección de la ciudad, puede que el Príncipe le privara de la oportunidad de conseguir ciertos libros de una biblioteca al organizar una subasta en la que no consiguió nada o sencillamente ponga trabas en su ascenso en la organización. Sea como fuere, ¿Quién se fía de un brujo? Ventrue, el primogénito Ventrue siempre ha pensado que el Príncipe era débil, no ocultaba su superioridad en el liderazgo, competía abiertamente con él con el afán de conseguir su puesto, puede que sencillamente el seria el siguiente mandamás cuando el viejo encontrara su muerte definitiva. Los que tienen poder siempre querrán más, eso es indudable. Ya tienes el escenario, el delito y el móvil, solo queda encontrar al culpable.

La investigación: En este módulo el narrador tendrá mucho trabajo, como todos sospechan de todos es probable que los jugadores no quieran ir en grupo o como mucho se asocien solo para poder traicionarse a la mínima, ten siempre un as en la manga; la repentina aparición del Sheriff que asume el mando, la cercanía del amanecer que obligara a los vástagos a permanecer bajo el mismo techo del que sin duda es un asesino, la desesperación de los Ghouls llenos de miedo por no saber si tendrán su dosis de Vitae al haber muerto su Domitor. Debes seguir añadiendo tensión hasta que tus jugadores

empiecen a morderse las uñas. Es el momento de ir destapando las cartas, las pistas sobre el crimen deben de ser vagas y surgir poco a poco, tal vez alguien encuentre un registro en la biblioteca donde se da constancia de la increíble habilidad del Príncipe en la disciplina de Fortaleza relatando como una vez alguien blandió una espada contra el consiguiendo únicamente romper el arma. Tal vez el Príncipe era uno de los mejores luchadores que se puedan encontrar en el mundo así que el ataque debió de ser a traición. Puede que el Príncipe fuera estacado antes de sucumbir por tanto se buscara a un culpable que sea un luchador muy habilidoso. Tal vez se escuchó el reconocible sonido de un arma de fuego antes de su muerte, por tanto la misma debe estar en algún sitio. El truco es ser sutil.

El toque de gracia: A pesar de lo que parece, el objetivo de este módulo no es descubrir al asesino, sino demostrar que no lo eres, en el fondo no importa quien matara al Príncipe, lo que nuestros vampiros deben buscar es la posibilidad de culpar a otro, salvar su cuello y si es posible ganar posiciones. Todo esto se puede conseguir de maneras muy diversas, desde preparar pruebas falsas, descubrir al asesino y aliarse con él, hacer causa común para eliminar a otro molesto vástago…En el fondo, esta es la sangre nuestra de cada día para un vampiro. Espero que disfrutéis del módulo, que en el fondo es muy abierto pensado más para que creéis vuestra propia conspiración con una ligera guía que como un férreo camino en el cual puedes elegir entre enfrentarte al minotauro pasando a la página 12 o escabullirte como un cobarde pasando a la página 52, debe estar lleno de giros, inducid a la paranoia, hipnotizad a vuestros jugadores con una mezcla de música ambiental y un marcado toque siniestro y no olvidéis mantener siempre la tensión, un asesino anda suelto.

POR ENRIQUE PAGE

Tras miles de años de gobierno pacífico, el imperio de los Lazax se está derrumbando. El centro del imperio galáctico, Mecatol Rex, está siendo bombardeado por la Federación de los humanos, mientras que el resto de las razas antaño dominadas por los Lazax se mueven en un desesperado intento por hacerse con la capital imperial y, con ella, el control del Imperio. Es en este trasfondo que se desarrolla el juego Rex: Final Days of an Empire. Creado por la gigantesca empresa estadounidense Fantasy Flight Games, sirve como remake y actualización del clásico juego de tablero de Dune, de 1982 y, además, es la precuela de uno de los juegos insignia de FFG, Twilight Imperium, cuya reseña podréis leer el próximo número de Nosolofreak.

El juego se presenta en una caja de tamaño grande y, como suele ser el caso de Fantasy Flight, sus componentes son de excelente calidad. Dadas las características del juego, me parece que la mejor manera de hacer una reseña sería ir repasándolos, viendo al mismo tiempo la relación que cada uno de ellos posee sobre las reglas del juego. Primero veremos los elementos referidos al tablero de juego en sí y luego aquellos que se encuentran principalmente relacionados con los jugadores. Visualmente, la gran maravilla del juego es el tablero, representando los principales distritos de Mecatol City, capital de Mecatol Rex. Entre ellos se encuentran varios puntos estratégicos: el jugador que controle tres o más de ellos al comienzo de su turno, gana la partida. Luego, tenemos un armazón de varias naves, representando a la flota de la Federación, que avanza a través de los distritos destruyendo todo cuanto se encuentra a su paso. Tanto aliados como enemigos de la Federación se encuentran bajo la amenaza de la flota, lo que la convierte en uno de los principales elementos a tener en cuenta durante el juego.

Para representar sucesos aleatorios durante la batalla por Mecatol City tenemos las cartas de eventos, se juegan al principio de cada turno, determinando la cantidad de contadores de influencia, el lugar del tablero donde aparecerán y cuanto se mueve la flota. Además, en ocasiones pueden cambiar de manera drástica el campo de juego, por ejemplo permitiendo alianzas entre jugadores. Finalmente, tenemos los contadores de influencia, que son los recursos con que cuenta cada jugador para comprar tropas, cartas de acción, refuerzos, etcétera. Estos recursos pueden ser recolectados al aparecer en la ciudad, o bien ser generados por alguna de las habilidades que cada facción posee. Pasamos ahora a los elementos que caen bajo el control directo de los jugadores. El primero de ellos son las hojas que definen las características y habilidades de cada raza. Estas son, a mi gusto, el mayor acierto del juego pues, pese a encontrarse muy bien equilibrado, resultan tremendamente distintas entre sí. Algunas, por ejemplo, tienen descuentos a la hora de comprar tropas, mienrtas que otras pueden transportarse con mayor velocidad entre los distintos sectores de la ciudad, con lo que la estrategia de juego cambia radicalmente entre una y otra, lo que a su vez

el dial, mientras que el otro pierde todas sus tropas. Esto lo vuelve altamente psicológico, pues incluso jugadores con pocas tropas puede ganar un combate clave si sabe jugar bien sus opciones. El penúltimo elemento del juego son las cartas de traidor, líderes de cada raza que secretamente están bajo el control de otra, lo que le permite ganar automáticamente una batalla, sacrificando de paso al líder afectado. Este también es un elemento importante, pues hay que decidir,por ejemplo, si usarla al principio del juego para adelantarse en la carrera por Mecatol City, o bien dejarlo para el final del juego y salir de una situación apretada. aumenta enormemente su rejugabilidad. Después tenemos las fichas de tropas, sobre las cuales realmente no hay mucho que decir: son los peones que cumplen la voluntad de los jugadores sobre el tablero de juego. Luego tenemos los diales de combate. Cuando dos batallones combaten, cada jugador debe determinar secretamente la cantidad de tropas que está dispuesto a sacrificar, así como el líder que las dirigirá y las cartas ofensivas o defensivas que pondrá en juego. Una vez ambos jugadores han registrado sus opciones en el dial, estos se muestran, se resuelven los efectos de líderes y cartas y se compara el resultado final. Quien haya obtenido el resultado más alto sacrifica la cantidad de tropas que ha indicado en

REX:

Final Days of an Empire

Finalmente, tenemos las cartas de traición, de las cuales se le entrega una a cada jugador al principio del juego. Hay varias formas de ganar el juego: si un jugador controla tres puntos estratégicos, gana el juego. Las alianzas también pueden ganar el juego en grupo, pero necesitan controlar más puntos estratégicos. Cuando esto sucede, todos los miembros de la alianza ganan el juego, a menos que uno de sus integrantes cumpla con los requisitos escritos en su carta de traidor, con lo cual se roba la victoria, agregando una capa adicional de intriga. Pese a ser bastante impredecible, es un juego donde la estrategia meditada y la reflexión pagan dividendos mucho mayores que la fuerza bruta y la acción impulsiva. A mi parecer, sus dos mejores elementos son el sistema de razas y el aura de decepción que lo permea desde que empieza hasta que termina. Rex: Final Days of an Empire no es un juego rápido ni sencillo, aunque sí lo parece en comparación con otros giantes del género. En consecuencia, es una excelente opción para quienes quieran foguearse un poco en esto de los juegos de tablero antes de meterse en aguas realmente profundas. Para quienes salgan airosos de esta, les espera Twilight Imperium, cuya reseña viene en el próximo número de Nosolofreak.

POR JUAN DOUGNAC

Hablar de Fanhunter es hablar de una saga de comics de humor escrita por Cels Piñol, esa saga dio origen a un juego de rol único en 1992 diseñado por Chema Pamundi y editado por el propio Cels Piñol.

que una partida de Fanhunter se convierta en órdago de creatividad y humor. Puedes tener superpoderes desde rayos mágicos de huesos de aceituna, hasta tener de código de honor los baches de la carretera.

¿Cuál es la razón por la que este juego es tan especial? Para empezar, solo viendo su diseño exterior difiere del juego de rol clásico. Escrito en media cuartilla y de tapa blanda, dando el aspecto de un libro juego clásico en el cual tenias que ir avanzando a paginas concretas según la situación que eligieras. Fanhunter se sale de ese esquema, es un juego de rol que tiene profundidad y un humor comprimidas en media cuartilla.

Además del libro básico, hay expansiones y otros juegos de la misma universo como Outfan (versión espacial de Fanhunter) y Fanpiro (la versión de humor de Vampiro). Fanhunter es un juego de mecánica sencilla y grandes dosis de diversión, el cual puede amenizar cualquier quedada y cuanto más humor absurdo, mejor. Fanhunter es un joya única dentro de los juegos de rol.

POR FERNANDO LÓPEZ

El universo de Fanhunter es un mundo dominado, por el Papa Alejo un ex librero fan de Philip K.Dick, el cual ha sometido a Europa a una dictadura que prohíbe los comics, juegos de rol, películas de acción, etc. Contra este régimen tiránico surgió un grupo de rebeldes, que luchaban contra la tiranía del ocio de Alejo, cuya principal base se encontraba en Barnacity. A partir de conocer la historia viene el momento de diseñar tu personaje, que en este universo se llamaran Narizón (Como se puede observar en el dibujo de la portada). El narizón tendrá una serie de atributos básicos en un juego de rol por ejemplo Fuerza, destreza, neuronas… que indican sus habilidades y conocimientos de los personajes. Todo esto coincidiría con un juego de rol estándar, hasta que un jugador quiere más habilidades, que es donde entran las coñas y las taras, las cuales hacen