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• Andrea Tamayo

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Noche estrellada Vincent Van Gogh

Características Pictóricas:

El cielo se encuentra totalmente iluminado, incluso aún más que la ciudad o pueblo, El principal foco de luz se encuentra en el extremo derecho de la obra que se puede asociar con la luna, y esas brillantes estrellas palpitantes en un cielo fluctuante. Paleta de colores más notorios en la obra:

La Luna: Aquí se puede ver el fragmento de la luna o fuente principal de luz, y ya a esta resolución se empieza a vislumbrar la pincelada un poco pastosa y dinámica, frente a la paleta de colores es dominada por los tonos amarillos aunque un poco en juego a la gama de los pastel, pero lo que más vibra e ilumina es la media luna, en un naranja intenso en el centro de la composición esférica, también se ven unas sutiles líneas de café

cobrizo y una leve transformación a tonos verdes a medida que se acerca al azul donde se aprecia más la expresión de la pincelada.

Composición: • •

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La línea de horizonte Es baja y se encuentra en una leve diagonal esto le da protagonismo al cielo estrellado, enfatizando más el tema de la obra. La línea de horizonte se cruza con la vertical que forman los cipreses, dando estos el principal eje vertical del cuadro junto con la punta de la iglesia. El cielo sigue espirales que le otorgan dinamismo. En la diagonal la franja amarilla enfatiza la luminosidad del cielo frente al pueblo y las montañas. La perspectiva se logra gracias a los dos triángulos principales; en primer plano los cipreses y después el que se forma entre el pueblo y las montañas también las verticales aportan estabilidad. Aparecen 12 figuras esféricas en total en la obra. La línea: •Expresa dinamismo y movimiento, no es estática se transforma, fluctúa y a pesar del aparente caos, sigue un grosor generalmente constante, y varia constantemente en el color.

Título: Noche estrellada. Autor: Vincent van Gogh, 1889 Técnica: Óleo sobre lienzo

Elementos de Fondo: Estilo: Postimpresionismo Tamaño: 73,7 cm × 92,2 cm Localización: Museo de Arte Moderno de Nueva York, Nueva York, Flag of the United States.svg Estados Unidos

Para el correcto análisis de esta obra hay que tener en cuenta el hecho de que se realizó un año antes de su muerte, mientras se encontraba interno en el hospital de Saint-Rémy a causa de una crisis muy intensa de depresión: también es pertinente que este cuadro tuvo ciertos antecesores Noche estrellada en el Ródano y Terraza de café de noche, aunque en estas piezas muestra su creciente interés por estos paisajes nocturnos la pincelada ye l trato del color no era tan expresivo como en Noche estrellada (1889), podemos notar una notable restructuración o más bien precepción de la energía pura.

Se empieza a percibir la preocupación por la luz, las estrellas se tornan en energía pura, radiante, se muestra la luz como una potente fuerza universal, hasta en el reflejo en el lago donde traza verticales imponiéndose en el espacio; la pincelada aún se nota más desorganizada y menos espontanea, aunque de la misma forma incita tranquilidad y control, es paradójico frente a que se ve menos limpio, la pincelada sigue un solo camino o dirección, lo que remite al Movimiento del agua y hasta se puede llegar a percibir el sonido de esta o más bien la armonía; pero el contexto de esta obra es importante ya que fue pintada hacia el año 1988 para ser más exactos en septiembre donde el mismo lo evidencia en una carta que le envía a su hermano Teo en septiembre de 1988, alrededor del día 18: “[…] No me sorprendería si te gustara la noche estrellada y los campos cultivados, son más tranquilos que otras telas. Si el trabajo marchara siempre así, tendría menos inquietudes por el dinero, ya que la gente compraría más fácilmente si la técnica siguiera siendo más armoniosa. Pero ese maldito mistral, es muy molesto para hacer pinceladas coherentes y que se enlacen con sentimiento, como una música tocada con emoción […]”

Claro está que antes de esta obra maestra se encontraron bocetos de esta misma, ya hablando de la noche estrellada realizada en 1889, que se encuentra en el Museo de Moscú de Arquitectura:

Esto ayuda a entender que no fue tan al azar el hecho de la producción de la misma, ya previamente habíamos dicho el hecho de las obsesiones o el creciente interés de Vicent por los paisajes nocturnos, el 19 de junio le informa a su hermano que el lienzo está acabado: “[…] Finalmente tengo un paisaje con olivos y también un nuevo estudio de cielo estrellado. Aunque no haya visto las ultimas telas ni de Gauguin ni de Bernard, estoy bastante persuadido de que estos estudios que te nombro están dentro de un sentimiento paralelo. Cuando hayas visto esos dos estudios durante algún tiempo, así como el de hiedra, quizá podre darte, más que con palabras, una idea de las cosas de las que Gauguin, Bernard y yo a veces hablamos y que nos preocuparon; no es un retorno a lo romántico o a ideas religiosas, no. No obstante, pasando por el Delacroix, más de lo que parece, por el color y un dibujo más voluntario de la exactitud efectista, se expresaría una naturaleza de campo más pura que el arrabal, que los cabarets de París. […]”

Ahí ya se empieza a vislumbrar el interés de el por representar la esencia más pura del crear artístico, todo eso que no entra en la simple representación de la realidad por imitación, cada trazo, cada pincelada tiene la fuerza de montones de sentimientos, y entropía en estado puro, esta obra se concibe en una de sus crisis y a diferencia de las otras que eran realizadas basadas en un paisaje muy exacto que se presentaba frente a él algo muy del impresionismo, si no que según el hecho de que lo pinto según lo que podía observar desde su ventana en la clínica, se puede decir que el paisaje celeste es muy exacto pero desde su ubicación no era posible diferenciar el pueblo y las montañas, lo que nos habla de que eran formas que habitaban desde la memoria, tal vez por eso es considerada una de sus obras misteriosas, pero lo que mostraba era la percepción pura, que habita en cualquier tipo de locura, no era algo metafórico, simplemente era así el observaba el cosmos, el paisaje de la noche, tanto asì que se han hecho reconstrucciones del paisaje astronómico de esa época y coincide bastante bien con la posición de los astros y planetas: 

Bueno primero es hacerse a la idea de cómo era la clínica y los alrededores de esta, también la vista desde su ventana.

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Aquí se puede observar la imagen del cielo nocturno, del 18 de junio de 1888, como le cuenta su hermano Theo en sus cartas. “[…]"Esta mañana, desde mi ventana, he contemplado la campiña largo tiempo, antes de la salida del sol; sólo brillaba la estrella matutina, que parecía enorme. Daubigny y Rousseau han hecho eso, sin embargo, expresando toda la intimidad, así como la gran paz y majestad que tiene, y agregando un sentimiento tan conmovedor y personal. No aborrezco esta clase de emociones." […]” Carta V 593, 2 de Junio de 1889.

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Constelación Osa Mayor en el cuadro, ampliando el campo para ajustarlo al cuadro, encontramos otra configuración de estrellas que nos resultan familiares, se trata de Dubhe, Merak, Pechda y Megrez de la Osa Mayor, ya representada en su otra obra sobre el Ródano. “[…]” "Confieso que no sé qué pueda ser, pero la contemplación de las estrellas siempre me hace soñar, tan simplemente como me hacen soñar los puntos negros que representan en los mapas las ciudades y los pueblos. ¿Por qué, me pregunto, los puntos luminosos del firmamento habrían de sernos menos accesibles que los puntos negros en el mapa de Francia?

Así como tomamos el tren para trasladarnos a Tarascón o a Ruán, tomamos la muerte para viajar a una estrella. Lo verdaderamente cierto de este razonamiento es que, estando vivos, no podemos trasladarnos a una estrella; e igualmente, estando muertos, no podemos tomar el tren. En fin, no me parece imposible que el cólera, el mal de piedra, la tisis, el cáncer, sean medios de locomoción celeste, como los barcos a vapor, los ómnibus y el ferrocarril lo son terrestres. Morir tranquilamente de vejez sería como ir a pie." […]” Carta V 593, 2 de Junio de 1889.

Por último también encontramos otro cuerpo sobre el horizonte a partir de las 4:40h, Venus, cuerpo que menciona Van Gogh en varias de las cartas que intercambia con su hermano Theo. Lo cierto es que Venus en este caso no la representa en su ubicación real sino desplazada hacia el Norte, quizás como una licencia artística del autor.

Con todo lo visto, podríamos proponer la fecha del 19 de Septiembre a las 5:00h de la mañana como el día y la hora en la que el firmamento se presentaba ante la ventana de Van Gogh tal y como figura en su obra.

“[…]"Creemos que Van Gogh tenía una habilidad única para reproducir las turbulencias en periodos de prolongada agitación psicótica", declara Aragón a Nature. […]” Aquí queda muy en claro la dimensión de la capacidad perceptiva del artista, ya que varios años después de la obra, se descubre gracias a la mecánica de fluidos el hecho de cómo se comportan los fluidos (agua, viento, gases….) en la tierra que se llamarían turbulencias, esto nos habla un poco del carácter de estar un poco adelantado a la época de las grandes obras de arte, algunos científicos dicen que Van Gogh tuvo periodos de tiempo en los que estaba era mentalmente inestable, incluso en esa época tenía episodios psicóticos en los que tenía alucinaciones y pérdidas de conciencia, quizás causados por una epilepsia. Según eso el trabajo la habilidad del pintor para pintar las turbulencias se dieron en esos periodos de agitación psicótica. Pero entonces entremos a explicar en qué consisten estas fluctuaciones o turbulencias; Uno de los fundadores de la moderna teoría de las turbulencias fue el soviético Andrei Kolmogorov. Introdujo una relación matemática en las fluctuaciones entre la velocidad del flujo y la tasa a la cual se disipa energía por la fricción. Esta relación se denomina scaling de Kolmogorov. El trabajo de este científico dio pie posteriormente a encontrar ecuaciones que describen la probabilidad de encontrar una determinada diferencia de velocidad entre dos puntos dentro de un fluido. La idea es que existe una escala del fenómeno en la que la energía se transfiere en muchísimos remolinos de todas las escalas intermedias sin pérdidas por disipación de calor. En esta escala, llamada escala inercial o scaling de Kolmogorov, la turbulencia exhibe un comportamiento estadístico preciso y universal que es independiente de las condiciones iniciales y de contorno del sistema. Científicos estudiaron las pinturas de Van Gogh en busca de indicadores de la presencia de turbulencias. Naturalmente aunque el adjetivo turbulento se aplica a muchas pinturas de este autor, en este caso se trataba de medir cuantitativamente

una propiedad física, o más bien un modelo de una propiedad física. Para ello usaron figuras digitalizadas y estudiaron sólo la luminancia de los píxeles.

La luminancia es la cantidad que mide el brillo pero no tiene en cuenta el color. Se hizo así porque la visión humana es más sensible a cambios de luminancia que a cambios de color, siendo la luminancia por tanto portadora de mayor información. Varias de las pinturas de este autor presentan scaling de Kolmogorov en la distribución de luminancia y son percibidos por el ojo humano como espirales y remolinos muy pequeños creados con el pincel. Los autores especulan que esta turbulencia sería un reflejo de la turbulencia real de los patrones nerviosos dentro del cerebro del artista.

En el cuadro también es importante resaltar el hecho del contexto del artista para tener un mayor entendimiento de este mismo, asi que voy a dar un breve paso por los principales eventos que lo llevaron a terminar en una habitación de un hospital psiquiátrico:  

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1853 Vincent van Gogh nace el 30 de Marzo en la pequeña villa de GrootZundert, Holanda, hijo de Theodorus van Gogh (1822-1885) y Anna Cornelia née Carbentus (1819-1907). 1880 Un giro en la vida de Vincent. Vincent abandona sus búsquedas religiosas y se dedica exclusivamente a pintar a los mineros y a los tejedores afligidos por la pobreza. Theo comienza a apoyar financieramente a Vincent, una situación que continuaría hasta el fin de la vida de Vincent. Más adelante ese mismo año, Vincent emprende ciertos estudos formales de anatomía y perspectiva en la Academia de Bruselas. 1882 Vincent conoce a Clasina Maria Hoornik (conocida como Sien) y se mudan juntos. Sien es una prostituta con una hija de cinco años y que además estaba embarazada. Mientras continúa sus estudios y sigue pintando con algunas relaciones (los pintores Jan Hendrik Weissenbruch y George Hendrik Breitner), el estado psíquico de Vincent se deteriora nuevamente y lo hospitalizan durante tres semanas por gonorrea. Luego del alta, Vincent comienza a experimentar con óleos y se pasa mucho tiempo pintando naturalezas y también utilizando a Sien y su bebé recién nacido como modelos. 1886 Deseando continuar con algo más de educación formal en artes, Vincent envía algunos de sus trabajos a la Academia de Amberes y lo colocan en una clase de principiantes. Como era de esperar, Vincent no encaja muy bien con la Academia y se va. Más adelante ese año se muda a París y vive con Theo. Luego de llegar a París, Vincent comienza a estudiar con Cormon (1845-1924) en su atelier. No es tanto el entrenamiento lo que influencia a Vincent, sino la presentación de sus compañeros de estudios: John Russell (1858-1931), Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901) y Emile Bernard (1868-1941). Más adelante ese mismo año, Theo, que está trabajando para Boussod & Valadon administrando una galería de arte en Montmartre, le presenta a Vincent el trabajo de los impresionistas: Claude Monet, Pierre-August Renoir, Camille Pissarro, Edgar Degas y Georges Seurat. El trabajo de éstos tiene una profunda influencia en Vincent y su uso del color. El mismo año más tarde, Vincent se hace amigo del pintor Paul Gauguin, una relación turbulenta que más adelante sería un nuevo giro fundamental en la vida de Vincent (y en la de Gauguin). 1888 Un punto pivotal en la vida de Van Gogh. Vincent deja París en Febrero y se muda a Arles en el sur. Al principio el mal clima del invierno le impide a

Vincent trabajar, pero una vez que llega la primavera comienza a pintar el florecimiento de los paisajes de Provence. Vincent eventualmente se muda a la "Casa Amarilla", una vivienda que había alquilado para pintar, y donde espera establecer una comunidad de artistas. Vincent es extremadamente productivo durante este período, en el que pinta un número de paisajes de la orilla del mar (en Saintes-Maries-de-la-Mer), y también muchos de sus más famosos retratos (incluyendo la serie del cartero, Joseph Roulin, y su familia). A lo largo del año, Vincent continúa pintando algunos de sus mejores trabajos. Ansiosamente espera la llegada de su amigo, Paul Gauguin, quien sueña le ayudará a armar la comunidad de

artistas. Gauguin finalmente llega en Octubre y se muda con Vincent en su "Casa Amarilla". Este prueba ser un tiempo productivo y extremadamente gratificador para Vincent y Gauguin, a pesar de ser tenso y turbulento, en el que discutirían infinitamente sobre arte. A medida que el clima empeora, también empeora la relación entre ellos, hasta que finalmente se destruye el 23 de Diciembre cuando Vincent parece haber atacado a Gauguin con una navaja. Inmediatamente después del ataque fallido, Vincent pierde la razón y se corta el lóbulo izquierdo. Luego lo envuelve en un diario y se lo presenta a una prostituta del burdel local que él frecuentaba. Después lo hospitalizan y poco después Theo llega de París para hacer los arreglos para el cuidado de Vincent. 1889 Vincent comienza a mejorar en el año nuevo y deja el hospital en Arles el 7 de Enero. Durante la primer parte del año, el estado mental de Vincent fluctúa salvajemente. Por momentos está completamente calmo y coherente; en otros sufre de alucinaciones y decepciones. Vincent continúa trabajando esporádicamente desde su "Casa Amarilla", pero su frecuencia creciente de trastornos mentales lo impulsan, con la ayuda de Theo, a entrar al asilo mental de Saint Paul-de-Mausole en Saint-Rémy-de-Provence. El año progresa con diversas mejorías y lapsos en el estado mental de Vincent. Cuando es capaz, Vincent continúa sus pinturas de paisajes (su famosa serie de bosques de olivos y cipreses) desde el asilo, pero es forzado a detenerse cuando sus ataques (en los cuales trata de envenenarse tragando sus propias pinturas) regresan. Ya que esos ataques ocurren cuando Vincent está afuera, se confina puertas adentro y comienza a hacer una serie de pinturas basada en los trabajos de otros artistas que él admira (específicamente Millet y Delacroix). Irónicamente, a medida que el estado mental de Vincent se deteriora constantemente durante todo el curso del año, su trabajo comienza a recibir reconocimiento en la comunidad artística. Su Noche estrellada sobre el Ródano y Lirios son exhibidos en el Salon des Indépendants en Septiembre y en Noviembre Octave Maus (1856-1919), secretario del grupo de artistas belga Les XX, lo invita a exhibir seis de sus trabajos. Vincent comienza a trabajar puertas afuera nuevamente, pero el año termina con uno de sus peores ataques, en el cual una vez más trata de envenenarse, y una vez más queda incapacitado.

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1890 comienza muy similarmente al año anterior, con Vincent con varias mejorías y trastornos. Como antes, continúa trabajando cuando puede y, a medida que su vida se va cerrando, sus trabajos ganan más y más reconocimiento. El 31 de Enero la esposa de Theo, Jo, da a luz a un hijo al que llaman Vincent Willem. Luego de un serio ataque en Febrero que dura dos meses, se decide que Vincent debería mudarse cerca de Theo y

ponerse bajo el cuidado de el doctor Paul Gachet. Vincent toma un giro drástico para mejor durante el curso de esta mudanza y llega a París luciendo bien y sano (en realidad, aún mejor que su hermano que venía sufriendo de la salud por años). En Mayo Vincent se muda a Auvers-surOise, apenas al noroeste de París y, mientras está bajo el cuidado del doctor Gachet, comienza a pintar con increíble energía, produciendo más de ochenta pinturas en los últimos dos meses que le quedaban. Junio: Vincent continúa produciendo algunos de sus mejores trabajos y su salud psíquica y mental mejoran drásticamente. El doctor Gachet siente que Vincent ha hecho una recuperación completa, y Vincent pasa gran parte del tiempo con Theo, Jo y su nuevo sobrino. Para muchos, parecería que Vincent estaba finalmente feliz. Junio: Vincent continúa produciendo algunos de sus mejores trabajos y su salud psíquica y mental mejora drásticamente. El doctor Gachet siente que Vincent ha hecho una recuperación completa, y Vincent pasa gran parte del tiempo con Theo, Jo y su nuevo sobrino. Para muchos, parecería que Vincent estaba finalmente feliz. Julio: Al tiempo que las condiciones mejoraban para Vincent, se dieron vuelta para peor para Theo, que comenzaba a experimentar dificultades financieras y estaba afligido por la salud de su nuevo hijo. Vincent visita a Theo el 6 de Julio y queda devastado al ver la condición de Theo. Vincent continúa trabajando en las semanas siguientes, pero su estado mental finalmente cae en picada, quizá debido a que él se consideraba como una carga para Theo y su familia y por ser responsable de su pobre estado financiero y sus problemas. El 27 de Julio Vincent sale a caminar y se dispara en el pecho con una pistola. Se las arregla para volver tambaleándose a casa al anochecer, pero no le dice a nadie de su condición. El herido Vincent finalmente es encontrado en su alojamiento y se convoca a un doctor. La bala no puede ser extraída y se llama a Theo. Las últimas horas de Vincent son muy similares a los últimos dos años de su vida, variando de la angustia mental completa a la alegría aparente. Luego de intentar suicidarse, Vincent pasa el poco tiempo que le queda sentado en la cama y fumando pipa, todo el tiempo con Theo a su lado. Cerca del fin, Theo se trepa a la cama con Vincent y acuna su cabeza en sus brazos. Vincent dice "Me gustaría morir así." Vincent muere la mañana siguiente, el 29 de Julio. El funeral tiene lugar poco después y su ataúd es cubierto con docenas de girasoles, los que él amaba tanto. Aquí ya entendemos un poco más o nos acercamos al por qué de la realización de la obra y las condiciones en la que estaba construida, en estas épocas él se encontraba en un estado salvaje de ánimo y locura, que lo llevaban a percibir y vivir el mundo de otra forma y otros modos, lo que había sido y había estado allí siempre empieza a fluctuar de la misma forma que lo hacían sus pinturas, estaba saliendo a flor de piel la esencia pura de crear, el simple hecho de una naturaleza salvaje y naturante, que no era corriente ni seguía el simple hecho de la representación por sí misma, si no que era la imagen de un subconsciente salvaje y caótico, el caosmos de la existencia que de cierta forma solo se muestra en los estados más puros de locura. Sus constantes peleas con Gouguin y sus constantes decepciones en su vida hicieron estallar eso, ese entendimiento y esa sensibilidad extrema que el mismo no pudo soportar.

Ya después de este breve análisis, me atrevería a decir que esta obra se puede considerar preabstracta por la condición de construcción de ella misma, mejor dicho la obra no equivale a la simple y vana representación formal de la “realidad”, si no que obedece al puro hecho de representar por una necesidad, por una furia o calor interior, dentro del artista. Va más allá de una simple noche con estrellas, o un paisaje nocturno, que por cierto fue prefigurado en la mañana, aunque se dice el pintaba en la noche a la luz de las velas, este fragmento de sus cartas nos puede dar una mejor idea de este concepto: “[…]"La vida pasa así, el tiempo no vuelve, pero yo me encarnizo en i trabajo, a causa justamente de saber que las ocasiones de trabajar no se repiten. Sobre todo, en mi caso en que una crisis más violenta puede destruir para siempre mi capacidad de pintar. En las crisis me siento cobarde ante la angustia y el sufrimiento –más cobarde que de costumbre, y es quizás esa cobardía moral misma la que mientras que antes no tenía ningún deseo de curarme, ahora me hace comer por dos, trabajar fuerte, cuidarme en mis relacione con los otros enfermos por miedo a tener una recaída-, en fin, ahora trato de curarme como uno que hubiera querido suicidarse y al encontrar el agua demasiado fría, trata de alcanzar la orilla.[…]” “[…]"Me reprocho mi cobardía, tendría que haber defendido mejor el taller, aunque hubiera que luchar con esos guardames y vecinos. En mi lugar otros hubieran usado un revolver, y por cierto como artista uno hubiera matado a papanatas como esos, haría salido absuelto. Tendría que haber hecho mejor las cosas, entonces: y en cambio fui cobarde y borracho. Dejo de lado esperanzas que ya no volverán; al contrario; es preciso decirse que de vez en cuando tendré una crisis. Que cosa curiosa la pincelada. Al aire libre, expuesto al viento, al sol, a la curiosidad de la gente, uno trabaja como puede, llena su tela de cualquier manera,, sin embargo, entonces se atrapa lo verdadero, y lo esencial, lo más difícil es eso. Pero cuando después de un tiempo, se retoma ese estudio y se arregla la pincelada en el sentido de los objetos, por cierto es más armonioso, y agradable de ver, y se agrega lo que se tiene de serenidad y sonrisaAh, nunca podré reproducir mis impresiones de ciertas figuras que vi aquí. Por cierto, esa es la ruta en la que hay cosas nuevas, la ruta del sur, pero a los hombres del norte les cuesta trabajo internarse en ella,. Y yo ya veo de antemano, el día en que tendré algún éxito, que lamentare la soledad y mi aflicción de aquí, cuando vi a través de los barrotes de hierro de la celda, al segador en el campo de abajo. Yo no necesito ver Tizianos y Velazquez en los museos, vi ciertos tipos vivos que hacen que ahora sepa mejor que antes de mi viajecito lo que es un cuadro del sur. Si, habría que terminar con esto ya no puedo hacer más las dos cosas a la vez, trabajar y tomarme mil plenas para vivir con esos enfermos de aquí, todo eso lo trastorna a uno. […]”

Aquí se ve un poco algo que se nota totalmente en las corrientes expresionistas y en el arte abstracto y es el cambio del concepto de forma, que es algo así: - L forma se justifica solo cuando se expresa, la necesidad interior del artista; jamás cuando surge por capricho. En general lo más importante no es la forma (materia), si no en contenido (espíritu)-. Van Gogh no solo entendía este concepto, lo había puro, llego un momento en el que él no hacia sus obras, ellas contaban quien era el, ellas prefiguraban su verdadero ser, noche estrellada no era solo la visión de la ventana de un hospital psiquiátrico, era el reflejo de una mente totalmente convulsionada y adelantada a su época, que no intentaba realizar una metáfora de las reflexiones del color que se producen en nuestros ojos y permiten que veamos el mundo fabricado por una simple ley física, sino más bien lo que hay tras de eso, el hecho de no entender siquiera en concepto de realidad, de no entender la locura, aquel cielo no era un cielo plagado de estrellas, aquel cielo era el caos de una mente rota, era el grito de una sensibilidad tan aguda capaz de comprender que nada es estático y ordenado, que todo fluctúa y se transforma y lo que era no vuelve a ser, de entender l materia como algo que no existe como algo estático y absoluto, entender la vida en su puro estado de entropía, que estamos envueltos en ese caos del que no se puede escapar y es la mayor muestra de verdad que podemos encontrar. Entonces e smas bien decir como esta obra no es preabstracta, si estos pintores llegaron a este concepto desde ese hecho atrevido de pintores como Vicent de desligarse de lo estático y lineal, de dejar estallar ese cumulo de emociones infinitas e indescriptibles que se encuentran en el ser humano, de convulsionar aunque el `recio de ello fuera no soportar un mundo o realidad que no estaba hecha para el.