• Categories
• Medios de arte, Arte y materiales
• Redes sociales y digitales

Citation preview

INSTITUTO SUPERIOR TECNOLOGICO CEPEA CURSO: Metodología TEMA: Fotografía PROFESOR: Rodolfo Guibovich del Carpio ALUMNOS: -Alexander Loa Carpio. -Elizabeth Brenda de la Cruz Huarie. -Carmen Rosa Balboa Saavedra. CARRERA PROFESIONAL: Ciencias de la Comunicación CICLO: I TURNO: Tarde FECHA DE ENTREGA: 30/07/08 LIMA-PERÚ 2008

DEDICATORIA Al instituto Cepea, en especial al profesor de metodología Rodolfo Guibovich del Carpio, por darnos a nuestro grupo este trabajo monográfico del tema que nos gusta.

Introducción La palabra, "Fotografía" tal y como la conocemos ahora, la utilizó por primera instancia en 1839 Sir John Herschel. En ese mismo año se publicó todo el proceso fotográfico. La palabra se deriva del griego

foto

igual

a;

(luz)

y

grafos

de

escritura.

Por lo cual se dice que la fotografía es el arte de escribir o pintar con luz. Varias décadas antes, De la Roche (1729-1774) tras su investigación hizo una predicción asombrosa en un trabajo literario de nombre Giphantie, donde era posible la capturación de imágenes de la naturaleza en una lona cubierta por una sustancia pegajosa, proporcionando una imagen idéntica a la real. Esta imagen, sería permanente después de haberla secado en

la

oscuridad.

De la Roche no se imaginaba siquiera, que la narración de su cuento imaginario podría llegar a ser verídico varios años después.

CAPITULO I Historia de la fotografía 1.1 Primer dibujo de la cámara oscura

La idea de la fotografía nace como síntesis de dos experiencias muy antiguas. La primera es el descubrimiento de que algunas sustancias son sensibles a la luz. La segunda fue el descubrimiento de

la

cámara

oscura.

La máquina oscura de la que deriva la cámara fotográfica, fue

realizada

mucho

tiempo

antes

de

que

se

encontrara

el

procedimiento para fijar con medios químicos la imagen óptica producida

por

ella.

Aristóteles, filósofo griego que vivió en Atenas entre 384 y 322 a. C, afirmaba que si se practicaba un pequeño orificio sobre la pared de una habitación oscura, un haz luminoso dibujaría sobre la pared opuesta La

la

primera

imagen

descripción

invertida completa

e

del

exterior.

ilustrada

sobre

el

funcionamiento de la cámara oscura, aparece en los manuscritos de

Leonardo

da

Vinci

(1.452-1.519).

En la antigüedad los artistas disponían de una habitación oscura en la que entraban para fotografiar un paisaje circundante, pero estos montajes e instrumentos,

tenían

inconveniente,

eran

un

gran

muy

poco

manejables. Hacia la segunda mitad del siglo XVII se inventó una mesa de dibujo portátil siguiendo el principio de la cámara oscura. Era una gran caja de madera, cuyo lado delantero estaba cerrado por una lente, el artista dirigía esta caja hacia donde quería y copiaba

la

imagen

fotografiada

sobre

una

cartulina

semitransparente, apoyándola en un cristal situado en la parte superior. Este artilugio, fue utilizado durante varios siglos por artistas pintores, incluyendo de entre ellos dos personalidades famosas, como; Canaletto y Durero que lo utilizaban para recabar apuntes con bastante precisión en la perspectiva.

1.2 El material Fotosensible El primer paso para fijar la imagen reproducida en la caja oscura sin tener que llegar a copiarla o plasmarla, a mano, ocurre en 1727, realizando una demostración de la investigación experimental sobre la sensibilidad a la luz del nitrato de plata, por el alemán J.H. Schulze. El mérito de la obtención de la primera imagen duradera, fija e inalterable a la luz pertenece al francés Joseph Nicéphore Nièpce. (1765-1833). Las primeras imágenes positivas directas las logró utilizando placas de peltre (aleación de zinc, estaño y plomo) cubriéndolas de betún de Judea y fijadas con aceite de lavanda. Nicéphore utilizó una cámara oscura modificada e impresionó en 1827 con la vista del patio de su casa plasmando la primera fotografía permanente de la historia. A este procedimiento le llamó heliografía. No obstante Nicéphore, no consiguió un método para invertir las imágenes, y prefirió comenzar a investigar un sistema con que obtener positivos directos. También tropezó con el problema de las larguísimas exposiciones.

Muestra de la fotografía fijada por Josep Nicéphore Nièpce

Esta imagen tomada en 1822, muestra un ángulo de su habitación de

trabajo.

Louis Jacques Mandè Daguerre, veinte años más joven que Niepce y famoso pintor, estaba interesado en la forma de fijar la luz con su cámara oscura y al enterarse de los trabajos de Niepce le escribió para conocer sus métodos, pero éste se negaba con evasivas; tras visitarle varias veces e intentar convencerlo para asociarse, dio por inútiles sus intentos y se lanzó a investigar tenazmente. En 1835 Jacques Daguerre publicó sus primeros resultados de su experimento, proceso que llamó Daguerrotipo, consistente en láminas de cobre plateadas y tratadas con vapores de Yodo. Redujo además los tiempos de exposición a 15 o 30 minutos, consiguiendo una imagen apenas visible, que posteriormente revelaba en vapores calientes de mercurio y fijaba lavando con agua caliente con sal. El verdadero fijado no lo consiguió hasta dos años más tarde. Algunos de lo daguerrotipos que produjo se conservan aún en la actualidad.

1.3 Daguerre y el daguerrotipo A finales de 1829 Daguerre y Niépce formaron una sociedad en la que se reconocía a este último como inventor. Muerto Niépce en 1833, pasa a manos de Daguerre el invento de forma casi completa. El hijo de Niépce heredó los derechos del padre en su contrato, pero después de varias modificaciones; aprovechando la maltrecha economía del heredero, el nombre de Daguerre sería el único que apareciese

como

creador

del

invento.

Lo perfeccionó con la acción del vapor de mercurio sobre el yoduro de plata y luego con la posibilidad de disolver el yoduro residual en una solución caliente a

base

de

sal

común.

El lanzamiento se produjo de 1838 a 1839. Daguerre se convierte en una eminencia

reconocida

y

premiada.

Inmediatamente comienza a fabricar una serie de material fotográfico haciendo demostraciones en público; una de ellas quedó reflejada en un librito de doce páginas de gran rigor, publicada y descubierto el secreto que encerraba. Sin aportar ninguna nueva mejora importante muere en 1851. Daguerre al contrario de Niépce aportó el lado mercantilista y espectacular con un procedimiento cuya originalidad le era propia. Aunque se trataba de algo costoso y de difícil manipulación, que tan solo producía una prueba única no multiplicable. Pese a sus

defectos se propago por todo el mundo, abriendo definitivamente el camino a la fotografía.

1.4 La época del Daguerrotipo

El Daguerrotipo tuvo muy una buena acogida y pronto empezó a difundirse por Alemania, Estados Unidos, Italia, Inglaterra, etc. Además se empezaron a vender cámaras que no llevaban la firma de Daguerre. Estos vendedores y los aficionados que las compraban, fueron los responsables de la evolución de las cámaras, aligerándolas de peso, construyéndolas con materiales baratos y lentes simples; y también reduciendo poco a poco el tiempo de exposición (en 1842 ya queda reducido a 30 o 40 segundos). El segundo estudio oficial fue creado en Inglaterra por Antonie Claudet, que llegó a ser nombrado retratista ordinario de la reina Victoria. La primera revista fotográfica del mundo fue fundada en Nueva

York

en

1850

(

The

Daguerreian

Journal)

La gran popularidad del retrato forzó en cierta manera la aparición

de los hasta ahora llamados, Estudios Fotográficos. En aquella época en la que aún no existía la luz eléctrica en las ciudades, los estudios fotográficos eran grandes naves de armazón metálico donde las cúpulas de cristal hacían que éstas estuvieran dotadas de luz natural. Además, es de mencionar, la decoración de estos estudios, donde lo primordial era hacer cómoda la larga exposición a la que era sometido el modelo. Un buen ejemplo de esta decoración era el estudio de Luther Holman Holle en Boston, donde no faltaba un piano, una caja de música, jaulas de pájaros, largas cortinas, esculturas, pinturas, estampas, etc, que ayudaban, además de lo anteriormente mencionado, a apaciguar los nervios y a

la

obtención

de

una

buena

foto.

Sería curioso mencionar que en cierto tiempo fueron de uso aparatos y artilugios que, en forma de percheros, aguantaban las cabezas y ponían la espalda recta, de manera que el modelo no pudiera moverse, esto fue muy caricaturizado en la época. El retrato no lo fue todo, ya que si algo tenía el paisaje era la luz y la no movilidad necesaria en los principios de la fotografía. Estos paisajes fueron denominados muertos ya que, al ser las fotos de larga exposición, no era posible captar ningún movimiento animal o humano. Si en un daguerrotipo se encontraba un elemento animado resultaba desdibujado o no más nítido que una mancha. Aún así se han encontrado primitivos daguerrotipos hechos por aficionados tanto en ciudades europeas como en Estados Unidos. Entre 1840 y 1844 se publicó la primera colección de álbumes de manos del óptico Lerebours, “Excursiones daguerriennes”. Ésta estaba compuesta por daguerrotipos copiados en grabados, y realzados con personajes, barcos, carruajes y animales añadidos por el

grabador; hechos todos ellos por fotógrafos de todo el mundo contratados En

1842

por el

fotógrafo

Carl

Lerebours.

F.

Stelzner saca con daguerrotipo la que será la primera fotografía de un suceso, un barrio de su ciudad, Hamburgo,

desolado

por

un

incendio. Además de todo esto sería conveniente mencionar que el daguerrotipo se utilizó con fines científicos. Ya en 1839 el óptico Soleil construyó un microscopio-daguerrotipo; y en 1840 John Wiliam Draper sacó una fotografía de la Luna, cinco años más tarde, Fizeau y Foucault, hacían lo mismo con su astro gemelo, el Sol. Como vemos el daguerrotipo fue muy expandido, pero a causa de su difícil manipulación estaba destinado a desaparecer. A esto ayudó esa labor investigativa de los aficionados que, como mencionamos anteriormente, mejoraron en gran medida el daguerrotipo.

1.5 Calotipo, fotografía sobre papel

El desarrollo de la imagen sobre papel empezó en 1937 con pequeñas

ideas

por

Bayard

y

Talbot.

William Henry Fox Talbot, puso a punto un procedimiento fotográfico que consistía en utilizar papel negativo, en el cual se

podía reproducir un número ilimitado de copias, partiendo de un único

negativo.

En enero de 1839 Faraday presentó unas imágenes obtenidas, por Talbot, por simple exposición al sol de objetos aplicados sobre un papel sensibilizado. Talbot tras el conocimiento del hiposulfito a través

de

Herschel,

obtuvo

imágenes

negativas.

Talbot descubrió que el papel cubierto con yoduro de plata, era más sensible a la luz, si antes de su exposición se sumergía en una disolución de nitrato de plata y ácido gálico. Disolución que podía ser utilizada para el revelado de papel después de la exposición. Una vez finalizado el proceso de revelado, la imagen negativa se sumergía en tiosulfato sódico o hiposulfito sódico para fijarla, hacerla permanente. A este método Talbot se le denominó calotipo, requería unas exposiciones de 30 segundos para conseguir la imagen

en

el

negativo.

Talbot llegó a conseguir, con cámaras muy reducidas con objetivos de gran diámetro, imágenes muy perfectas pero extremadamente pequeñas. A finales de 1840 enseñaría su nueva modificación del proceso, el Calotipo. Con una segunda operación Talbot conseguía una imagen positiva. Este método hacía posible la obtención de cuantos positivos se quisieran de un solo negativo.

(Muestra de un calotipo) La cámara siguió evolucionando. En 1854 aparece a través de Petzval, el objetivo de gran angular que abarcaba 92 grados, y en 1860 por Harrison y Schnitzer adaptan a este un diafragma iris. Tras la desaparición del daguerrotipo alrededor de los 50 el calotipo cede rápidamente su lugar al colodión. La posibilidad de la imagen instantánea en una época donde el retrato era la finalidad de la fotografía, hace que empiece a aparecer la imagen del fotógrafo callejero.

1.6 El colodión húmedo El escultor y fotógrafo, Sir Frederick Scott Archer, propuso a la revista inglesa The Chemist, en marzo de 1851, el

método

del

colodión

perfectamente

experimentado. El colodión, conocido también como

algodón-pólvora,

es

una

clase

de

explosivo cuya base es la celulosa nítrica. Frederick Scott Archer, puso unas planchas de cristal húmedas al utilizar colodión en lugar de

albúmina como material de recubrimiento, para aglutinar los compuestos sensibles a la luz. Estos negativos debían ser expuestos y revelados mientras estaban húmedos. Los fotógrafos precisaban de un cuarto oscuro cercano, para poder disponer de las planchas antes de la exposición y revelarlas de inmediato. Este gran descubrimiento, representaba un paso importante y decisivo en el desarrollo de la fotografía, al acercarse a la imagen instantánea con una exposición 15 veces inferior a la del daguerrotipo más perfeccionado. Pero lo más relevante, fue su aplicación sobre diversos soportes además del vidrio, como el cuero, el papel, el fierro, otros plásticos y cerámicas.

1.7 Exposición del negativo fotográfico en seco Tras la dificultad que presentaba la manipulación en los exteriores del colodión, para perfeccionar un tipo de negativo que se pudiera exponer en seco, sin que se necesitara revelar inmediatamente después de su exposición, lleva a un nuevo estudio en investigación

de

la

placa

seca.

Tras muchos intentos sin éxito se propuso el gelatino de bromuro, quedando desbancado el colodión (1882). El gelatino de bromuro seca

la

placa.

Fue el fotógrafo británico Charles E. Bennett en 1878, quien inventó una plancha seca recubierta con una emulsión de gelatina y de bromuro de plata, similar a las modernas. En 1879, Swan patentó el papel seco de bromuro.

Imagen con gelatino de bromuro, 1882

(Cafeteros

Rió

de

Janeiro,

1882

por

Marc

Ferrez)

El afán de buscar un soporte más práctico que el cristal, hace que el colodión y otros similares nos lleve hacia 1886 donde aparece la celulosa como superficie fotográfica y con unos excelentes resultados. Más adelante, el acetato de celulosa sustituirá al celuloide. Las emulsiones se relacionan según los diferentes tipos de sensibilidad y la exposición a la luz y el soporte de la emulsión. Estos tipos de sensibilidad se denominan de forma escalonada bien en Din o en Asa/Iso. Mientras se iban investigando y haciendo experimentos para aumentar la eficacia de la fotografía en blanco y negro, se llevaron a cabo grandes esfuerzos para conseguir imágenes de los objetos en color natural. Para ello se utilizaban planchas recubiertas de emulsiones. En 1861, el físico británico James Clerk Maxwell obtuvo la primera fotografía en color, con el procedimiento aditivo de color.

1.8 Primera película en carrete fotográfico En 1884 el americano George Eatsman fabricó la primera película carrete

de

24

en

exposiciones.

En 1888 lanzó al mercado otro aparato

revolucionario

de

pequeñas dimensiones (18cm de largo) que estaba provisto de un cargador de

100

exposiciones.

Dotado de un foco fijo y una velocidad de obturación de 1/25 segundos. Después de realizar el último disparo, se enviaba a la casa, que revelaba las 100 fotos y recargaba de nuevo la máquina con

otro

carrete.

Costaba alrededor de 25 dólares y se publicó con el eslogan "Usted apriete el botón, nosotros haremos el resto". Este nuevo invento recibió un nombre que se haría famoso en la historia de la fotografía: Eastman

Kodak. al

primera

crear

la

cámara

fotográfica,

fundó

también en (1854-1932) la

casa

Kodak.

Eastman incluyó en 1891 la primera película intercambiable a la luz de día. De la película sobre papel se pasó en 1889 a la película celuloide, sistema que seguimos empleando hoy en día.

1.9 Autochromes Lumière En 1907 se pusieron a disposición del público en general los primeros materiales comerciales de película en color. Consistían en unas placas de cristal llamadas Autochromes Lumière en honor a sus creadores, los franceses Auguste y Louis Lumière. En esta época las fotografías en color se realizaban con cámaras de tres exposiciones. Más tarde se comenzó a utilizar la fotografía en la imprenta para la ilustración de textos y revistas, lo que generó una gran demanda de fotógrafos

para

las

ilustraciones

publicitarias.

También llegó la proliferación de este arte, oficio y profesión, ya que fue requerido por personajes de la política, la cultura etc., que valoraban en la fotografía la posibilidad de permanecer para la posteridad, reflejada su imagen lo más cercana a la realidad, y así perpetuarse en el recuerdo de sus descendientes Imagen por Louis Lumière, Autochrome 1907

1.10 Fotografía color por Charles Cros y Louis Ducos Ya Niépce y Daguerrere se lamentaron de no poder reproducir los colores en la superficie sensible. Tanto Abel Niépce, como Alphonse Poitevin y Edmond Becquerel obtuvieron resultados de sus

investigaciones,

pero

ninguno

concluyente.

Charles Cros y Louis Ducos du Hauron coincidieron en enviar, el mismo día 2 de mayo de 1869, a la Sociedad francesa de Fotografía métodos similares sobre la reproducción de los colores en fotografía. Ducos (1837-1920) obtenía sucesivamente tres negativos del mismo tema a través de un filtro colocado entre la placa y el objetivo. Un selector apropiado interceptaba uno de los colores

primarios

para

cada

negativo.

El positivo transparente se obtenía con la utilización del colorante correspondiente al color que representaba cada negativo. La tricromía es el principio de todos los métodos de fotografía en color, ya sean sustractivos o aditivos. Después de los procedimientos que necesitan tres negativos, los sistemas de reticulados o de mosaicos simplificaron mucho el proceso, ya que obtenían la selección de los colores primarios en una sola superficie.

Imagen tomada por Louis Ducos Du Haron 1872 Francia

El procedimiento Autochrome, lanzado por los hermanos Lumiére en 1908, se utilizaron durante algunos años y más tarde se abandonó su uso, por el alto coste. Una fotografía auto cromada mirada con lupa o ampliada, nos da la misma impresión visual que la de un cuadro puntillista.

1.11 Primera cámara 35 mm.

En 1923 aparece en el mercado una máquina fotográfica ligera, versátil y nueva: la Leica. Esta cámara de 35 mm, que requería película pequeña y que estaba, en un principio, diseñada para el cine, se introdujo en Alemania en 1925. Fue creada por Oscar Barnack, un dependiente de la fábrica alemana de óptica Leit. Gracias a su pequeño tamaño y a su bajo coste se hizo famosa entre los fotógrafos profesionales y los aficionados.

Fotografía Leica 1925

Aparición Kodachome y Agfacolor Durante este periodo, los primeros utilizaban polvos finos de magnesio como fuente de luz artificial. Pulverizados sobre un soporte que se prendía con un detonador, producían un destello de luz

brillante

y

una

nube

de

humo

cáustico.

A partir de 1930, la lámpara de flash sustituyó al polvo de magnesio como

fuente

de

luz.

Con la aparición de la película de color Kodachrome en 1935 y la de Agfacolor en 1936, con las que se conseguían trasparencias o diapositivas en color, se generalizó el uso de la película en color en 1941 Kodacolor, contribuyó a dar impulso a su popularización.

1.12 Primeros objetivos por Zeiss Los avances en las prestaciones de los objetivos, llegaron a partir del año 1903 con los objetivos fabricados por Zeiss. Otros progresos fueron aportados por el sistema réflex en 1828. La

primera cámara réflex binocular con un objetivo para la toma, otro para el encuadre y el enfoque, fue construida por H.Cook en 1865.

Polaroid Land, por Edwin Herbert Land Algunos investigadores se dedicaron a experimentar el método de fotografía instantánea, es decir, con la posibilidad de revelar la película en interior del aparato, en

lugar

de

la

cámara

oscura.

La fotografía instantánea se hizo realidad en 1947, con la cámara Polaroid Land, basada

en

el

sistema

fotográfico

descubierto por el físico estadounidense Edwin

Herbert

Land.

Añadió a la fotografía de aficionados el atractivo de conseguir fotos totalmente reveladas pocos minutos después de haberlas tomado.

CAPITULO II Fotógrafos importantes de la historia del siglo XIX y XX

2.1 Joseph Nicéphore Nièpce (S.XIX) Nicéphore Niepce científico, inventor y fotógrafo francés, nació en el año 1765 y murió en 1833, fue el inventor junto a su hermano de un motor para barco y junto a Daguerre de la fotografía. Interesado en la litografía empezó realizando copias de obras de arte utilizando los dibujos realizados para la plancha por su hijo. Cuando en el año 1814 su hijo se alistó en el ejército, tuvo la genial idea de tratar de poner en relación la cámara oscura junto con las sales de plata sensibles a la luz para tratar de conseguir

imágenes

fijas.

Empezó utilizando la piedra como soporte para fijar las imágenes, aunque desistió pronto por los grandes problemas que acarreaba. Siguió entonces con el papel, luego con el cristal y, por último, con diversos metales como el estaño, el cobre, el peltre, entre otros. Obtuvo las primeras imágenes fotográficas de la historia en el año 1816, aunque ninguna de ellas se ha conservado. Eran fotografías en papel y en negativo, pero no se dio cuenta de que éstos podían servir para obtener positivos, así que abandonó esta línea de investigación.

Descubre la primera Heliografía Un par de años después, ya en el 1818 obtiene imágenes en positivo

sacrificando

de

este

modo

las

posibilidades

de

reproducción de las imágenes, por ser las únicas imágenes obtenidas Al procedimiento lo llamó la Heliografía (que significa lo mismo que Fotografía), distinguiendo entre heliograbados y reproducciones de grabados ya existentes. Realizada unos diez años después de que consiguiera las primeras imágenes, recoge un punto de vista de una calle fijado sobre una placa de metal. Necesitó 2 horas de tiempo

de

exposición

de

la

placa

a

la

luz.

Más tarde y causa de una apoplejía sufrida en su estudio de Saint Loup de Varennes falleció el día 5 de julio de 1833, a los sesenta y ocho años, siendo enterrado en el cementerio del pueblo. Gracias a la publicación en el año 1841 de la obra de su hijo Isidore Niépce,

titulada

Historia

del

descubrimiento

del

invento

denominado daguerrotipo, se pudo aclarar su papel en la historia

del descubrimiento de la fotografía, ante las maniobras realizadas por Daguerre para ocultar sus trabajos.

2.2 Louis Jacques Mandé Daguerre (S.XIX) Daguerre, Louis Jacques Mande (17891851) Inventor de origen vasco, nació en Cormeilles (París) el 18 de noviembre de 1787. Este pintor y decorador teatral, comenzó a investigar con el fin de mejorar

el

mundo

de

la

imagen.

Comenzó a trabajar como arquitecto de aprendiz y a la edad de dieciséis años ya estaba como diseñador auxiliar en un teatro de París. La sociedad era corta, Niépce murió en 1833 y Daguerre continuó investigando. Más tarde hizo un descubrimiento importante por accidente. En 1835 puso una placa expuesta en su armario químico y encontró desués de unos días, que se había convertido en

una

imagen

latente.

Aunque daguerre ya sabía producir una imagen, no fue hasta 1837 que

pudo

fijarlas.

Este

nuevo

proceso

lo

denominó

"Daguerreotype". El 7 de enero de 1839 se informó del descubrimiento, pero los detalles no fueron divulgados hasta el 19 de agosto cuando el

proceso fue anunciado en público, el gobierno francés compro los derechos del proceso, cediéndolos libremente al resto del mundo. Daguerre murió en 1851. Ese mismo año se inventó una nueva técnica, el proceso mojado del colodión, por Frederick Scott Archer.

2.3 William Henry Fox Talbot (S.XIX) Nació en Febrero de 1800, Científico y filólogo Inglés, fue uno de los pioneros en el

ámbito

fotográfico.

Estudió

matemáticas en Cambridge, pero tuvo diversas inquietudes en otros campos, como

por

ejemplo

la

botánica.

A causa de sus problemas como dibujante, se interesó por otra clase de métodos mecánicos para capturar y retener las imágenes. A través del uso de la cámara oscura y la cámara de luz, empezó sus grandes investigaciones durante su estancia de vacaciones a la

orilla

del

lago

Como.

Los conceptos de cámara oscura y cámara de luz ya habían sido desarrollados con anterioridad, pero fueron la gran base para Talbot en

sus

primeras

investigaciones.

En 1835, Talbot consiguió plasmar en papel una galería del sur de la Abadía de Lacock. Talbot siguió sus investigaciones con papeles de plata y procesos de revelado hasta que en 1841 patentó en Inglaterra el "calotipo" y empezó la verdadera historia de la fotografía

en

su

versión

negativo-positivo.

En 1849 presentó una nueva patente en el campo fotográfico que consistía, en utilizar la porcelana como soporte fotográfico. Talbot fue reconocido con muchos galardones, de los cuales podemos

destacar

los

siguientes:

- La gran medalla de honor en la Expo de

París

en

el

año

1855.

- Recibió en 1864 un Título honorario por

la

Universidad

de

Edimburgo.

- Miembro honorífico de la Sociedad Fotográfica de Londres. Su "Pencil of Nature" fue el primer libro publicado en el que se incluyeron

fotografías

impresas.

En 1854, Scott Archer's desarrolla el proceso conocido como "colodión" que Talbot interpreta como una derivación de su calotipo y

cubierto

por

su

misma

patente.

William Fox Talbot, dedicó el resto de su vida a la impresión mecánica de fotografías. Muere en Septiembre de 1877.

Talbot 1839, botanical specimen

2.4 Julia Margaret Cameron (S.XIX) Considerada una gran excéntrica de la fotografía. Nació en Ceylan el 11 de Junio de 1815 en Calcuta (India), en el seno de una familia de diez hermanos. Hija

de

escocés

y

francesa

pertenecientes a la sociedad bengalí fue educada en Francia hasta los 19 años, donde regresó de nuevo a la India. A los 21 años conoció a Sir. John. Herschel quien más tarde implantó los términos (positivo - negativo y fotografía), y autor del descubrimiento de las propiedades del tío sulfito como fijador. Siendo Sir. John Herschel el asesor fotográfico de Cameron. Casada con un hombre veinte años mayor que ella, excelente jurista y plantador de té, vivió en la India hasta los treinta y tres años, depués se trasladó con toda su familia a la Isla de Wight, en Inglaterra. Tuvo seis hijos y otros adoptados, por este motivo vivía en un gran caserón, que siempre se encontraba lleno de poetas, artistas y científicos de la época victoriana.

Cuando contaba ya con cuarenta y ocho años, y a causa de un viaje de su marido, su hermana la regaló una cámara para paliar la soledad por la ausencia

de

su

marido.

Este hecho tuvo un fuerte impacto en Julia que la hizo dedicarse plenamente

a

la

fotografía.

Transformó y adaptó una carbonera de la casa en un improvisado laboratorio y un cuarto de niños en su estudio, y se dedicó a realizar fotografías, retratos en su inmensa mayoría, de sus familiares, amigos, criados,... obligándoles en muchas ocasiones a posar largos períodos de tiempo debido a las investigaciones que llevaba

a

cabo

con

la

luz

y

las

placas.

Tuvo una gran inspiración en pintores románticos de la época para realizar sus alegorías, muchas de ellas de ámbito religioso, que causaron gran admiración en sus convecinos, recibiendo grandes felicitaciones

por

sus

interpretaciones.

Henry uno de sus tres hijos abrió un estudio fotográfico en Londres. En 1863 su hija le regaló su primera cámara fotográfica construida en madera con un objetivo de la marca Jamin y equipo de revelado, gracias a la asistencia de John Herschel en pocos meses domino el proceso

al

colodión.

Margaret Cameron, falleció en 1879. Kiss of piece

2.5

Roger

Fenton (S.XIX)

Fenton nació en 1819 en Lancashire, Fotógrafo de origen británico fue uno de los pioneros de la fotografía en la mitad del Se

siglo desplazó

a

XIX.

París

para

estudiar

Derecho, pero compaginó estos estudios con su verdadera pasión, la fotografía. Gustave

le

Grav

le

enseñó

unas

fotografías de Arquitectura tomadas por él sobre papel encerado que llamaron enormemente su atención. Fenton empleó este mismo método para realizar sus primeras fotografías, que vieron la luz

en

Febrero

de

1852.

Por contraposición al daguerrotipo, este proceso de calotipo era más

suave

y

con

mayor

capacidad

gráfica.

Trató a la fotografía como un arte, además de documento y ello le llevó a abandonar su profesión de abogado y dedicarse plenamente

a

la

fotografía.

Su carrera fotográfica fue corta, apenas duró unos diez años, pero muy intensa

Primer reportero de guerra En 1852 se desplazó a Rusia con un amigo, realizando numerosas fotografías de Moscú, San Petersburgo y Kiev, que son de las mejores de su obra. Al regresar de Londres fueron expuestas y ganó un gran reconocimiento, no sólo popular sino también de la propia

familia

real.

En 1855 viaja hasta Crimea a cubrir la batalla del mismo nombre, dejando un valioso y enorme testimonio de esta contienda. Se considera

como

el

primer

reportero

de

guerra.

A su vuelta tuvo contactos con la familia real británica, llegando a asesorar al príncipe Alberto en el montaje de un laboratorio de fotografía

en

el

propio

castillo

de

Windsor.

En 1860 realizó bodegones y en 1862, decepcionado por el tema de la conservación y la comercialización fotográfica, lo dllevó a la pérdida de valiosos documentos, vendió todo su equipo y se retiró completamente

de

la

fotografía.

Falleció en 1869 a la edad de cincuenta años.

2.6 Nadar, Gaspar Félix Tournachon (S.XIX) Su nombre real era Gaspard Félix Tournachon. Nadar es el pseudónimo utilizado por este gran fotógrafo del siglo XIX. Nació en 1820 en Lyón y falleció en París en 1910, estudió medicina en su ciudad natal. En 1842 debido a la quiebra de la empresa de impresión de su padre, se trasladó a París ganándose la vida como periodista

y

caricaturista.

Estuvo siempre muy interesado por las ideas más avanzadas de su tiempo en política, literatura, ciencias... y fue un conductor de la libertad

de

expresión.

Nadar demostró, mejor que cualquier otro fotógrafo de su época, que la fotografía es algo muy distinto al simple producto de una técnica. En 1851 Nadar reprodujo en litografía un fresco gigantesco de casi 250 personajes que mostrasen toda la gloria literaria y artística de París. En 1854 Nadar abre un estudio de fotografía en el 113 de la Rue Saint-Lazare, en 1860 se le quedó pequeño y se cambia a un barrio más a la moda convirtiéndose en una élite de intelectuales Se lanzó a la fotografía aérea, en 1858 realizó su primera fotografía desde un globo estático que se mandó construir "El Gigante" de la ciudad de Petit-Bicetre, 10 años más tarde comenzó la serie de "vistas" aéreas del barrio de la Etoile, tomada sobre

una

sola

placa

al

colodión

de

gran

formato.

En 1864 publicó la historia de sus viajes "Las memorias del Gigante" un año después "El derecho a volar". En 1860 Fotografió catacumbas con luz artificial así como las cloacas de Paris, En 1895

cedió

su

estudio

a

su

hijo.

En 1900 publicó su libro "Cuando yo era fotógrafo" una obra muy interesante y rica en enseñanza, dotada con muchas anotaciones sobre la fotografía, más tarde es homenajeada en la Exposición Universal

de

París.

Nadar fallece en 1910, dejando una enorme producción fotográfica:

más de 450.000 placas de cristal que obran en poder de la hija de Paúl Nadar.

2.7 Frederick Scott Archer (S.XIX) Nace en 1813 Gran Bretaña, dedicado en principio al grabado y la escultura pronto se le despierta el interés por el mundo y proceso fotográfico del Calotipo. Empieza a trabajar con ello en 1847 para realizar

fotografías

a

sus

diseños

de

grabado.

Mas tarde Archer's, da a conocer su invento que revolucionaría el mundo de la fotografía, el Colodión Húmedo que era mucho más rápido que el Daguerrotipo, y con una gran ventaja respecto a la exposición,

esta

era

mucho

más

corta.

Desde su muerte en 1857, se le han reconocido otros inventos fotográficos que quedaron sin patentar, o que lo fueron por otros en muchas ocasiones, lo que explica en gran parte una posible falta de recursos económicos que Archer tenía al final de su vida, para poder llevar a cabo sus investigaciones y descubrimientos. A Archer's se le recuerda solamente, como un "caballero muy discreto, de salud pobre, con una esposa enferma y de mirada de ángel".

Torre de Caesar de la corte interna 1850, Frederick Scott Archer

2.8 George Eatsman (S.XIX)

George Eatsman nació en 1854 Waterville (Nueva York), inventor con el famoso lema "Usted apriete el botón que nosotros hacemos el resto", sacó la primera cámara al mercado

apta

para

todos

los

públicos. Hizo de la fotografía el gran negocio de su vida. A la edad de seis años Eastman se trasladó a Rochester donde vivió

40

años.

Con 14 años consigue su primer empleo como mensajero en una compañía de seguros, su madre y sus hermanas dependían de el. Por las noches estudiaba contabilidad, cumplidos ya los 20 años le ofrecen un empleo en Rochester Savings Bank. Su salario de 800 dólares le permitió ahorrar para iniciar su aventura en el mundo fotográfico. En 1892 fundó la Eastman Kodak Company, una de las primeras empresas en fabricar material fotográfico en serie. George Eastman dedicó gran parte de su vida a la fotografía, lo cual le llevo a

crear

la

gran

multinacional

firma

Kodak.

Entregó una considerable cantidad de dólares para diversos proyectos, de entre ellos destacamos: fundación de la escuela Eatsman

de

música

y

educación

medicinal.

Fallece en 1932.

2.9 Ansel Adams, fotógrafo paisajístico (S. XX) Ansel Adams nace en 1902 en San Francisco (Estados Unidos), adoptó como tema fotográfico los paisajes del suroeste

de

su

país.

En 1916 realizó un viaje a Yosemite, California, donde captó en blanco y negro la majestuosidad de la naturaleza de Estados Unidos. Sus fotografías reflejan un enorme contraste de sombras y luces, desiertos áridos, nubes gigantescas y monstruosos árboles.

Yosemite National Park 1948 En 1932 Ansel Adams, junto con Imogen Cunningham y Edward Weston, crearon el f/64, todos ellos eran un grupo de fotógrafos que defendían el detalle y la estética naturalista, este estilo había sido impulsado en un principio por Paul Strand, donde tiene sus raíces en artistas del siglo XIX como Timothy

O'Sullivan.

En 1939 Adams expone por primera vez en San Francisco. Crea el primer departamento de fotografía en la escuela de Bellas Artes Decorativas de California y publica la colección Libros esenciales sobre

fotografía

acerca

de

técnicas

fotográficas.

En 1949 se encarga de poner a prueba los primeros prototipos de Polaroid, trabajo que desarrolló con entusiasmo para descubrir las nuevas

posibilidades

que

ofrecía

el

sistema.

Entre sus obras destacan Taos Pueblo (1930), Sierra Nevada (1948), This Is the American Earth (1960) y Yosemite and the Range of Light (1979).

Cactus, por Ansel Adams

La fotografía es un medio analítico y la pintura es un medio sintético. (Ansel Adams)

2.10 Cecil Beaton, retrata Rolling Stones (S. XX) Cecil Beaton nació en Londres en 1904. Debido a sus grandes dotes conquista la fama a nivel mundial, como Fotógrafo y diseñador británico. En 1915 le regalan su primera cámara fotográfica una Kodak 3A de fuelle. Fue guiado por Alice Collard quien le enseñó las técnicas del revelado y fijado. En 1924 se introdujo en el mundo de Vogue con un retrato retocado de su amigo George Rylands. Durante varios años después, reúne material suficiente y abre una exposición en el West End, en 1926 empieza a dedicarse exclusivamente a la fotografía.

Coco Chanel, por Cecil Beaton En 1929 se queda en New York, trabajando desde el estudio para la firma

Vogue.

Hacia 1930 regresa con un gran triunfo a Londres donde escribe su primer libro "El libro de la belleza". Viaja hasta Hollywood donde gracias a su ingenio y aprovechando la deslumbrante luz de California y sus pintorescos claroscuros realiza una serie de retratos a grandes personajes, tales como; Gary Cooper, Johnny Weissmuller, Dolores del Rió.

Desde sus viajes por Rusia, África, España y México, retrata a Henry Ford, Salvador Dalí y su esposa Gala, Picasso, Rolling Stones,

entre

otros.

Murió el 18 de enero de 1980.

2.11 Bill Brandt, fotógrafo de desnudos (S. XX) Nació en 1904 en Hamburgo. Se interesa por la fotografía a partir de los 20 años, cuando todavía residía en Viena. Este gran maestro de la fotografía, optó por resaltar valores como la poesía, la justicia

y

el

amor.

En 1929 se muda a París donde trabajará como asistente de Man Ray, para trasladarse dos años después a Londres. Allí empieza su carrera como fotógrafo

independiente.

Durante

este

tiempo

Brandt

hace

fotografías de grandes ciudades inglesas, en un momento en el que

se

apresura

una

crisis

económica.

En 1944 adquiere una cámara de placa con

un

gran

angular.

Lo relevante de sus paisajes es la preferencia por determinados tipos de luz que estimula la total y absoluta libertad mental. El poeta Aland Ross escribió sobre esta forma característica de los retratos de Brandt, el cual exploró libremente las posibilidades del medio fotográfico sin

ligarse

a

ninguna

doctrina.

Hacia los años 50, empieza a positivar sus imágenes en papel contrastado y duro llegando a solidificar los negros proporcionando relieve

a

altas

luces.

A la edad de 40 años Brandt pasa por un tipo de fotografía arquitectónica y social, al retrato. En este momento es cuando tras su experimentación se inicia en la fotografía de desnudos y perspectivas deformadas

Desnudos, Campden Hill, London, 1949

Un fotógrafo debe poseer y conservar las facultades receptivas de un niño que mira el mundo por primera vez (Bill Brandt). Bill Brandt falleció el 20 de Diciembre del 1983.

2.12 Auguste y Louis Lumière, padres del cine (S. XX)

Auguste y Louis Lumière son los grandes padres

del

cine.

Auguste (Besançon, Francia, 1862-Lyón, 1954) y Louis (Besançon, 1864-Bandol, Francia,

1948).

Ambos

realizaron

importantes descubrimientos en el campo de la fotografía. Su padre, Antoine, era un conocido pintor retratista que se había retirado para dedicarse al negocio de la fotografía; tanto Louis como Auguste continuaron con el negocio familiar. Louis desarrolló un novedoso método para la preparación de placas fotográficas, que convirtió la empresa familiar en líder europeo del sector. En 1894, Antoine fue invitado a presenciar una demostración del kinetoscopio de Edison. Fascinado por el invento, propuso a sus hijos que buscasen la manera de mejorarlo, ya que se trataba de un aparatoso artilugio, cuyas proyecciones sólo se podían contemplar a través de una ventanilla. Un

año más tarde, Louis había hallado la solución. En 1895 Louis consigue construir en Lyón, el primer aparato cinematográfico. Con él rodó la salida

de los

obreros de su fábrica, su primera

película formó parte del primer programa cinematográfico presentado en público,

en

París

el

28

de

diciembre

del

presente

año.

Uno de sus primeros films, La llegada de un tren a la estación de Ciotat, el

efecto de una locomotora que parecía salir de la pantalla fue sorprendente. Mientras Auguste seguía con sus actividades hacia la biología, Louis Lumière siguió innovando en el campo de la imagen con la creación del fotograma, la placa de tricromo para fotografiar en color, la fotografía en relieve y el cine estereoscopio.

2.13 Henri Cartier Brensson y el momento decisivo (S. XX) Henri Cartier-Bresson Nacido en Chanteloup (Francia) el año 1908 en una familia de clase media. Siendo todavía un niño ya se siente atraído por la fotografía. Estudia pintura y literatura en Cambridge, pero hasta 1931 no empieza

como

fotógrafo.

Sus

primeras

experiencias con la fotografía empezaron con una

cámara

Kodak

Box

Brownie.

En 1932 adquiere su "maravillosa" Leica: el formato de 35 mm llega

a sorprenderle y fascinarle. Henri llegó a cubrir de negro las partes niqueladas

de

su

cámara

para

pasar

inadvertido.

Se encontraba muy atraído por imágenes de fotografía de carácter deportivo, publicadas en aquel entonces por revistas francesas y alemanas de los años 30. Era un padre del fotorreportaje y junto a Robert Capa fue también el cofundador de la agencia Magnum Photos. Poseía una gran capacidad única para capturar el momento efímero en que la importancia del tema se da a conocer en

la

forma,

expresión.

Lo

el

contenido

llamó

el

y

la

momento

decisivo. Referente a su técnica jamás recortó los

negativos,

se

positivaban

completos, sin encuadrar ni cortar nada.

Realizó

fotografías

en

prácticamente todo el mundo y fue el primer fotógrafo en exhibir en el

museo

del

Louvre,

en

París.

Publicó numerosos libros, es de destacar el publicado en los años 50 titulado "Images a la sauvette" que es todo un legado y compendio

del

significado,

técnica

y

utilidad

fotográfica.

En el año 1974, decide dar un cambio a su carrera como fotógrafo para volver a la pintura, su verdadera vocación desde la infancia. En sus últimos años de vida, crea junto a su mujer la Fundación Henri Cartier-Bresson, en la que recopila toda la obra que realizó en

vida.

Henri fallece el 4 de agosto del 2004 a los 95 años de edad

Henri Cartier Brensson (Mexico), 1934

2.14 Bereneci Abbott, fotógrafa documentalista (S. XX) Berenice Abbott nació un 17 de Julio de 1898 en Springfield,

Ohio.

Fotógrafa

estadounidense

famosa por su magnífica serie documental sobre la ciudad de Nueva York, así como por su trabajo innovador

en

el

campo

de

la

física.

Estudió escultura en Nueva York y París. A partir de los años veinte se dedicó a la fotografía, debido a la influencia del surrealista estadounidense Man Ray. A través de él conoció al fotógrafo Eugène Atget,

con

el

que

trabajó

intensamente.

Regresó a su país en 1929 y casi reprodujo fielmente las formas de hacer de Atget en Paris en la ciudad de Nueva York, completando en 1939 el estupendo trabajo titulado "Changing New York". De los 40 a los 60 años se dedica a la publicación de libros y al estudio fotográfico sobre diferentes y diversos fenómenos físicos. Impartió clases mientras se dedicaba a finalizar otro de sus trabajos

denominado

"Ciencia"

y

"Escenas

Americanas".

El último trabajo de fotografía que realizó Abbott, fue sobre una ruta que iba desde Maine (dónde más tarde se establecería) hasta Florida. Berenice Fallece en 1991.

Imagen de Manhattan 1936, por Berenice Abbott.

2.15 Man Ray, fotógrafo surrealista (S. XX)

Su verdadero nombre era Emmanuel Radnitzky. Nació en 1980 en Filadelfia (Estados Unidos) de familia judía, su padre era de Kiev, Ucrania

y

su

madre

de

Minsk,

Bielorrusia.

Su familia se traslada a Nueva York en 1897. Man Ray estudia en la Hihg School y en La Escuela de Bellas Artes del Francisco Social Center de NY. En 1913 pinta su primer cuadro cubista, un retrato de Alfred

Stieglitz.

En 1915 hizo el primer one-man-show, con el que se hizo famoso su nombre por América, como uno de los primeros pintores abstractos.

Adquiere su primera cámara para hacer reproducciones de sus cuadros. Con

Duchamp

fotográficos

y

participa

en

experimentos

cinematográficos

y

en

la

publicación del número único de New York Dadá. Impulsado por Duchamp, Man Ray se mudó París en 1921, con la única excepción de 10 años (entre 1940 y 1951) que vivió en Hollywood durante la Segunda Guerra Mundial, pasó

el

resto

de

su

vida

allí.

Captó la atención con sus primeras fotos abstractas, a las que bautizó como rayogramas. Erróneamente se consideró inventor de la técnica aplicada para ello, que ya la habían experimentado otros artistas anteriormente, entre otros Talbot (hacia 1840) y - Schad (1918). Publicó 12 de sus rayogramas bajo el título "Champs delicieux".

Poseedor de una gran imaginación, y siempre al frente de las vanguardias, trabajó con todos los medios posibles: pintura, escultura,

fotografía

y

películas.

Man Ray fallece en Francia en 1976 y es enterrado en el cementerio de Montparnasse.

Les larmes, 1936 por Man Ray

2.16 Brassai, fotógrafo de noche (S. XX) Gyula Halàz nació en 1899 en Brasso, Hungría (Tansilvania) Fotógrafo húngaro. Hijo de un profesor de literatura francesa, se siente

influenciado

por

él

hacia

París.

Llega a la fotografía como autodidacta, comienza

estudiando

bellas

artes

en

Budapest (1918-1919) y Berlín (1920-1922) y muy temprano frecuenta los círculos formados en torno a Lázló Moholy-Nagy,

Vasili

Kandinski

y

Oscar

Kokoschka.

En 1924 se trasladó a París como periodista y en 1925 entabló relaciones con Eugène Atget, quien se convertiría más tarde en una referencia constante. Primeramente trabaja como periodista, solicitando fotografías para acompañar sus artículos a fotógrafos como André Kertész. Hasta 1930 no se decide a realizar sus propias

fotografías.

Fue íntimo amigo de Picasso, del que publicó numerosas fotografías suyas mientras trabajaba. Su obra

fue

publicada

en

la

revista

MINOTAURE. Se hizo famoso por sus imágenes de París. En sus inicios su carrera era la de un modesto reportero gráfico que se hizo más conocido al publicar escenas de la vida nocturna

parisina,

"Paris

de

nuit",

en

1933.

Algunos de sus trabajos más populares retrataban los cafés multitudinarios en París. Entre 1936 y 1963, Brassai ejerció como fotógrafo en el Harpers Bazaar. Fue íntimo amigo de Picasso, del que publicó numerosas fotografías suyas mientras trabajaba. Su obra

fue

Fallece en 1984

publicada

en

la

revista

MINOTAURE.

Imágenes de noche, Brassai

La noche sugiere, no enseña. La noche nos encuentra y nos sorprende por su extrañeza; ella libera en nosotros las fuerzas que, durante el día.

CAPITULO III

Tipos de Fotografías

3.1 La fotografía Artística La integración de la fotografía al arte fue un proceso gradual y a veces discutido que comenzó con los fotógrafos retratistas. El retrato pintado fue reemplazado por el retrato fotográfico debido a que éste era mucho más barato. Es por ello que muchos pintores decidieron convertirse en fotógrafos retratista para sobrevivir debido a la baja demanda de los retratos pintados. Tanto Félix Tournachon como Gustave Le Gray y el segundo de los hermanos Bisson fueron algunos de los que lucharon para que la fotografía sea considerada un arte.

En cuanto fue posible hacer de la cámara un dispositivo móvil fácil de manejar

apareció

la

posibilidad de influir en el espectador mediante la posición de la cámara y su

enfoque,

permitían

lo

trasladar

que la

subjetividad del fotógrafo a la fotografía, además de ir construyendo un lenguaje artístico. Actualmente la fotografía artística posee un carácter subjetivo. El impresionismo y el subrealismo tuvo un gran efecto en la fotografía. De este modo la fotografía

artística

es

casi

completamente

subjetiva

y

la

manipulación de las imágenes se ha convertido en una herramienta fundamental.

3.2 Fotografía periodística Periodismo fotográfico, periodismo gráfico, fotoperiodismo o reportaje gráfico[1] es un género del periodismo que tiene que ver directamente con la fotografía, el diseño gráfico y el video. Los periodistas que se dedican a este género son conocidos por lo general como reporteros gráficos o fotoperiodistas y en su mayoría son fotógrafos versados en el arte. El desarrollo del periodismo gráfico puede rastrearse desde los mismos inicios del desarrollo de

la fotografía y tiene una notable relación con la fotografía artística. La primera vez que un periódico utilizó una fotografía lo hizo en 1880 el Daily Graphic de Nueva York[2] y desde entonces el periodismo ha integrado la imagen como esencial a la función de informar. Paradójicamente el desarrollo de la fotografía periodística se ha presentado especialmente en los conflictos políticos de los diferentes países o en las confrontaciones bélicas. El papel de los fotoperiodistas

ha

sido

vital

para

registrar

la

historia

de

acontecimientos como la Guerra Civil Española, la Guerra de la Triple Alianza, la Guerra Hispano-Estadounidense, la Guerra de Vietnam y las dos guerras mundiales, entre muchas otras confrontaciones bélicas. Precisamente la denominada edad dorada del fotoperiodismo (1930 - 1950) coincide con la II Guerra Mundial, tiempo en el cual se dio un notable avance tecnológico de la fotografía de guerra. Con el desarrollo de las técnicas de impresión gracias a la invención de la impresora Offset, fotografía alcanzó

la

periodística mejores

niveles de calidad en las

publicaciones

impresas. Por su parte, la incursión de las nuevas tecnologías como el Internet causó una nueva etapa del periodismo a nivel global con lo que se conoce como periodismo digital el cual afectaría

muy

especialmente

al

fotoperiodismo.

Grandes

acontecimientos que inauguraron el siglo XXI como los atentados del 11 de septiembre de 2001, la invasión de Iraq de 2003 y el

Tsunamí del Océano Índico de 2004, entre otros, generaron una notable cantidad de información visual en la que tuvieron que ver las nuevas tecnologías en manos de aficionados, lo que ha llevado a algunos observadores a hablar de "crisis del periodismo" y a otros a señalar el inicio de una nueva era en el oficio de la información.

3.3 Fotografía documental Muchos de los fotografos hoy considerados maestros, tal vez nunca se habrían designado ellos mismos como artistas, en su mayoría fueron personas que se dedicaron a plasmar la vida que veían a su alrededor y que los llevo a encajar dentro de una muy variada gama de temas y actitudes de gente común. Por ejemplo en los Estados Unidos Walter Evans, registró la vida y la pobreza rural; creando imágenes muy poderosas como la fotografia documental que testimoniaban la gran desigualdad social y la lucha diaria por la supervivencia. En Fráncia , por su parte Jacques-Henri Lartigue, realizaba una crónica perfecta de los acontecimientos divertidos pequeños de la sociedad burguesa de la época desde un nuevo punto de vista de la instantánea casual. Otro de los ejemplos de la fotografía documental, es el ingles Hill Brandt produciendo imágenes espirituales y poéticas de la vida en la Inglaterra de los años 30, su trabajo influyó en los fotógrafos comprometidos ,de los años de posguerra que recorrían el mundo tratando de cambiarlo a través de sus imágenes del sufrimiento y la esperanza humanas.

A partir de 1945 ,luego de la segunda guerra mundial los fotógrafos

continuaron

innovando nuevos

y

descubriendo

espacios

de

la

fotografía documental, surgen movimientos

como

la

fotografía urbana o callejera, se comienzan a hermanar la fotografia y el arte ; artistas como Andy Warhol emplean en sus obras imágenes y esquemas que encaminan el arte estructurado acercándolo a la cultura popular. En la medida que la fotografía documental ha ido adquiriendo mayor releváncia , también el publico se ha vuelto mas refinado en la percepción de las imágenes fotográficas y menos proclive a aceptar visiones sencillas de objetividad o de testimonio. En los últimos años muchos fotógrafos se han encaminado a fabricar sus propias escenas, construyendo literalmente con escenografía el entorno para su cámara , creando una visión particular de su imaginación.

3.4 Fotografía Publicitaria

La fotografía sirve como inspiración e influye en las ideas políticas y sociales de la gente. Por ellos

alrededor de 1920 se empezó a utilizar como un componente más de la publicidad. En la fotografía publicitaria, se utiliza una amplia gama de técnicas especiales con el fin de que las imágenes sean atractivas para el consumidor, y así ser un elemento de mayor influencia sobre el vidente. Generalmente la fotografía publicitaria es presentada en forma que provoque o promueva una decisión. La creación publicitaria se vio apoyada por nuevos software y entro con fuerza la post producción, de hecho antiguamente las fotos "publicitarias" eran las llamadas de " arte final", ya que eran realizadas de una vez o retocadas con aerógrafo sobre la emulsión, trabajo de por si para expertos. La fotografía también sigue las nuevas tendencias que impone la moda y el cine, el uso de lentes o tendencias de "color". 3.5 Fotografía científica En el campo de la investigación científica

las placas y películas

fotográficas, se encuentran entre los elementos más importantes para la fotografía, por su versatilidad y también

porque

la

emulsión

fotográfica es sensible a los rayos ultravioleta e infrarrojos, a los rayos X y gamma y a las partículas cargadas. La radiactividad, por ejemplo, fue descubierta al ennegrecer accidentalmente la película fotográfica. Muchos instrumentos ópticos, como el microscopio, el telescopio y el espectroscopio, se pueden utilizar para obtener fotos. Otros instrumentos, como los microscopios electrónicos, osciloscopios y

terminales

de

ordenador,

están

equipados

también

con

mecanismos para tomar fotos o con adaptadores que permiten el empleo de una cámara normal. En los laboratorios se suelen utilizar cámaras Polaroid para obtener imágenes de los resultados de la investigación con rapidez. Una de las actividades más importantes en la investigación sobre la física de partículas, es el estudio de miles de fotos tomadas en las cámaras de burbujas de los detectores de partículas, con el fin de encontrar interacciones entre ellas. Mediante el uso de películas especiales se puede fotografiar directamente el rastro o la estela de partículas cargadas. Avance científico La fotografía que capta y produce imágenes

de

rayos

X,

llamada

radiografía, se ha convertido en un importante medio de diagnóstico en el campo de la medicina. La radiografía, utiliza potentes rayos X o gamma, se emplea también para descubrir defectos estructurales y de soldadura en recipientes de presión, tuberías y piezas mecánicas, en especial, aquellas que son esenciales por medidas de seguridad, como las de centrales nucleares, aviones y submarinos. En muchos casos la película, protegida de la luz en un envoltorio estanco, se aplica contra un lado del objeto mientras que éste recibe la radiación desde el otro. La fotografía de los rayos X ,se utiliza también para estudios estructurales de materiales cristalinos. Con el desarrollo del láser, una técnica llamada fotografía sin lente, la holografía, es capaz de reproducir imágenes en tres dimensiones.

CAPUTILO IV

Iluminación Fotográfica

4.1 introducción Es menester tener en claro que “iluminar” no es sólo conseguir que los objetos se vean . La iluminación puede enfatizar los detalles importantes o eliminarlos por completo. Puede favorecer a un sujeto realzando sus rasgos o características más positivas, así como ocultar las negativas. Puede alterar distancias y crear atmósferas. La iluminación técnicamente apropiada asegura un nivel de luz y una escala tonal de la escena, que cae dentro de los límites de operatividad de la cámara. Tanto como artísticamente, la iluminación nos permite controlar la apariencia del sujeto y de la escena.

En efecto, del tipo de luz existente, o que podamos emplear, va a depender la clase de imagen que obtengamos y su calidad. Tanto la imagen de TV, como la cinematográfica o fotográfica, son una convención que transforma la realidad tridimensional en una visión plana en dos dimensiones. La perfecta comprensión de este argumento es absolutamente fundamental puesto que la obtención de la “tercera dimensión aparente” viene dada por una serie de factores (composición, perspectiva, empleo del color, iluminación, etc.), de cuyo correcto uso depende que nuestras imágenes sean efectivas o no, y de las que el manejo de la luz es uno de los más importantes. Es que la iluminación influye directamente sobre la interpretación y reacciones del espectador. Puede modificar sus ideas sobre tamaño, forma y distancia. Puede atraer la atención sobre un elemento o distraerla por completo, crear un ambiente, así como predisponer psicológicamente al espectador en el sentido que le convenga al director.

Sin embargo, una de las cosas más importantes que se deben tener en cuenta respecto a este tema es la diferencia esencial que existe entre la forma en que los ojos y el cerebro registran la escena, y la forma limitada y literal en que la cámara la reproduce. Los ojos y el cerebro compensan (en ocasiones sobre compensan) de forma muy sutil la iluminación variable de los alrededores. Los humanos podemos ver detalles en las sombras; las variaciones de color nos pasan inadvertidas e incluso podemos ver una extraordinaria porción de la escena aunque las condiciones de luz sean muy precarias.

La cámara, por su parte, no puede interpretar las cosas de la misma manera. Si una superficie refleja demasiada luz para el sistema de vídeo, o bien un tono de luz muy intenso, esa parte de la imagen se bloqueará y se verá toda blanca. Así como el caso de muebles y ropas de tonos más oscuros, igual que las sombras, que a menudo aparecen en la pantalla como negro total.” La calidad o coherencia de la luz recorre una escala desde “dura” a “suave”.

4.2 Luz Dura Debido a que el sol está tan distante, se comporta como una fuente de luz puntual. Sus rayos son muy direccionales y nos llegan en línea recta. Produce sombras duras (fuertes y bien definidas) que destacan

la

textura

y

el

contorno

de

cualquier

sujeto,

especialmente cuando la luz se proyecta en ángulo oblicuo. Al ser direccional, esta luz se puede bloquear fácilmente para evitar que caiga directamente sobre cualquier superficie. Muchas fuentes de luz artificiales, tales como cerillas, velas o bombillas, también se comportan de esta manera, en efecto actúan como fuentes de luz puntuales y producen una luz dura, sin tener en cuenta lo potentes o débiles que sean.

Las ventajas de la iluminación dura son: a)

Es direccional y por lo tanto puede restringirse para iluminar

únicamente aquellas áreas que se quieran destacar.

b) Su direccionalidad perfila perfectamente las sombras y muestra las texturas. c) Puede producir efectos bien definidos. d) Su intensidad no decae apreciablemente con la distancia. Por tanto, se puede iluminar perfectamente con un foco situado a cierta distancia.

Los inconvenientes son: a) Genera sombras molestas que normalmente se quieren evitar ( por ej., las que se producen detrás de alguien). b) Destaca siempre la textura (por ej., revela las irregularidades de la piel). c)

Tiene una dispersión limitada, por lo que usualmente se

requieren muchos focos para cubrir una superficie amplia. d) Cuando se utiliza más de una fuente de luz dura, las sombras múltiples generadas por ellas pueden resultar muy molestas.

4.3 Luz Suave

La luz suave o difusa se dispersa en todas direcciones. Se produce, por ejemplo, de manera natural cuando el sol queda tapado por una nube, y siempre que la luz del sol se refleja en superficies rugosas de tonos claros.

Cuando los sujetos están iluminados por una luz suave, no se distinguen sombras, solamente ligeras variaciones en el brillo de las superficies. Así la textura y el contorno de la superficie no quedan muy definidos en la imagen.

Existen distintos mecanismos diseñados para proporcionar luz suave. Algunos de ellos se basan en “materiales de difusión”, tales como láminas de cristal esmerilado, metalcrilato o papel vegetal, para dispersar la luz (los “difusores” se colocan sobre las fuentes de luz dura para reducir su intensidad y suavizar su calidad). Otra manera de obtener luz suave es hacer incidir la luz de un foco sobre un “ reflector” para que rebote y se difumine.

Las ventajas de la iluminación suave son: a) Puede producir sombras sutiles y delicadas. b) No crea sombras indeseadas. c) Puede iluminar sombras producida por una iluminación dura, de manera que se pueden ver los detalles sin producir más sombras. d) Las fuentes de luz suave pueden cubrir gran parte de la escena.

Las desventajas de la iluminación suave son: a)

Puede aplastar todos los signos de textura y forma de la

superficie de los objetos. b) Se dispersa completamente, llenando de luz toda la imagen, siendo muy difícil restringirla a una zona determinada de la escena. c) Su intensidad decrece rápidamente con la distancia, por lo que es necesario situarla cerca de la escena. Es posible que un elemento de la escena, muy cercano a la fuente de luz, quede sobre iluminado, mientras que un objeto situado unos metros más lejos quede falto de luz.

4.4 Luz Frontal Produce aplanamiento de los objetos, aumenta la cantidad de detalles pero anula la textura. Los colores se reproducen con gran brillantez. Iluminación lateral Destaca el volumen y la profundidad de los objetos tridimensionales y resalta la textura; aunque da menor información sobre los detalles que la luz frontal y, además, aumenta el contraste de la imagen.

4.5 contra Luz Luz, natural o artificial, situada por detrás del motivo. El contraste elevado que casi siempre le es característico dificulta el cálculo de la exposición. Como la lectura medida de toda la escena suele provocar sobre o subexposición, es aconsejable tomar una lectura independiente de la parte del motivo que se quiera reproducir de forma normal. El contraluz, aunque crea problemas, tiene gran valor creativo y permite crear siluetas y halos en torno al cabello.

CAPITULO V Partes de la Cámara fotografía 5.1 Autofoco El autofoco (en inglés autofocus, abreviado AF) es un automatismo de una cámara fotográfica o cualquier otro aparato óptico que permite el enfoque de un motivo. Existen dos tipos de autofocos: Pasivo, que emplea la luz reflejada del motivo y Activo que puede funcionar en total oscuridad.

5.2Autofoco pasivo Hoy día, el pasivo, es el sistema de autofoco más extendido. Las dos técnicas fundamentales en las que se basa son la comparación de

fases

y

la

medida

del

contraste.

Para

un

correcto

funcionamiento del autofoco pasivo se requiere una iluminación suficiente y un objeto con cierto relieve. El problema se soluciona mediante una luz auxiliar que ilumine el motivo.

5.3 Macrofotografia En general, se llama macrofotografía a aquella donde el sujeto es igual o más pequeño que el tamaño del film o el sensor electrónico. Se denominan objetivos o lentes macro aquellos especialmente diseñados para enfocar correctamente a una distancia muy pequeña, a magnificaciones generalmente de 1:1 (o tamaño natural) sin requerir equipamiento adicional. Cualquier objetivo macro debe de estar preparado para realizar un enfoque sobre un objeto al 50% de su tamaño real con una ampliación del factor 0,5, como mínimo. Son ideales para realizar fotografías de cerca a flores, insectos, etc.

5.4 Obturador

En fotografía el obturador es el dispositivo que controla el tiempo durante el que llega la luz al elemento sensible (película o sensor). Junto con la abertura del diafragma, la velocidad de obturación es el principal dispositivo para controlar la cantidad de luz que llega al elemento fotosensible.

5.5 Zoom Un objetivo zoom es un objetivo de distancia focal variable, es decir, aquellos en los que se puede variar a voluntad la distancia focal y, en consencuencia, el ángulo de visión.

Cuando el factor de zoom es mayor que 5x suele denominarse superzoom. Si el zoom es motorizado, como suele ser el caso de las cámaras compactas y de video, suele llamarse power zoom. El zoom digital suele ser un recorte de la fotografía, se elimina parte de los márgenes agrandando la parte central de la imagen para lo que se emplea solo una parte del sensor, lo que implica el uso de una cantidad menor de pixeles y por ello una reducción en la calidad de la imagen.

CONCLUCIONES

-La fotografía fue avanzando mucho más rápido gracias a las personas aficionadas de ese tiempo. -La fotografía depende mucho de la luz -La fotografía nos ha enseñado una nueva forma de arte. - La fotografía a pasos de los tiempos ha surgido nuevos estilo de utilizarla.

RECOMENDACIONES

Estabilidad de la cámara Es común que las fotos salgan borrosas cuando hacemos un zoom, ya que al ampliar la imagen el menor movimiento de la cámara hará que se note en el resultado. Para ello es importante mantener la cámara fija, y en caso de que no contemos con un trípode o algún lugar donde colocarla, es posible evitar el movimiento sujetándola firmemente con ambas manos, los brazos pegados al pecho y apretando suavemente el botón al sacar las fotografías. Esto sirve tanto para cuando aplicamos un zoom o no. Recomendaciones sobre el uso del flash y la luz al sacar fotografías El flash de la cámara alcanza aproximadamente 5 pasos, por ende lo ideal es cuidar esta distancia para que las fotos no salgan oscuras, siempre procurando no taparlo con los dedos y se debe prestar atención a las superficies reflejantes detrás del sujeto u objeto que va a capturar. Esta atención es necesaria también durante el día, y sobre todo en

fotografías al aire libre donde la luz solar influye muy directamente sobre las sombras y los colores de las fotografías. Hay que evitar la contraluz, esto es que el sol o la luz resplandeciente esté frente a la cámara porque sino lo que buscaremos reflejar en la imagen se verá opacada por la luz intensa del sol. Centrar la fotografía en un objeto Si pretendemos sacar la fotografía de algún sujeto, es obvio que la mayor atención de la misma deberá ser él. Para ello se debe evitar los fondos inadecuados que puedan llamar la atención. El conjunto de elementos alrededor del sujeto principal no deben ser demasiado atractivos, ya que puede haber objetos que distraigan o hagan lucir mal al sujeto, como cosas que aparentemente saldrán de su cabeza u objetos que provoquen ilusiones ópticas. Hay que buscar fondos lisos que hagan mejor contraste con el sujeto que se esté fotografiando. Como evitar los ojos rojos en las fotografías Nada mas molesto que ver las fotografías con los ojos rojos de los participantes, y si bien existen hoy en día cámaras que incluyen una función para evitarlos, no siempre son efectivas. Para eliminar o reducir este efecto es importante activar esta función antes de tomar la foto, e incluso se puede encender alguna luz en el ambiente para contrarrestar un poco la intensidad del flash. De todas maneras, en la mayoría de los casos será necesario utilizar algún soft especial como Photoshop para eliminar definitivamente este detalle tan común en la fotografía.

Recomendaciones para el enfoque y proporciones en la fotografía Un truco muy utilizado por los profesionales para mantener las

proporciones en las fotografías y lograr grandes imágenes es la llamada regla de los tercios, la cual consiste en dividir visualmente la foto en tres partes, tanto horizontal como verticalmente, y luego situar al sujeto sobre una de las intersecciones. Continuando esta regla obtendremos imágenes más

interesantes.

A pesar de que un lente enfoca con precisión sólo los objetos a una distancia en particular de la cámara, algunas áreas de la imagen delante o detrás de este plano perfectamente enfocado también aparecerán nítidas. Esta zona, en la que todo aparece enfocado, se llama profundidad de campo. Si lo que buscamos es que una gran parte de la escena esté enfocada, deberemos aumentar la profundidad de campo, y reduciéndola si buscamos menos zona nítida en la escena.

BIBLIOGRAFIA

AUTOR: Sougez, Marie-Loup LIBRO: Diccionario de Historia de la fotografía PAIS: Madrid EDITORIAL: Catedra, Ediciones AÑO: 2003 Nº de páginas: 536

AUTOR: FREELAND, CYNTHIA LIBRO: ¿pero que es el arte? PAIS: Madrid EDITORIAL: Catedra, Ediciones AÑO: 2003 Nº de páginas: 256

AUTOR: José Luís Sánchez Noriega LIBRO: Historia del cine: Teoría y géneros cinematográficos, fotografía y televisión.

PAIS: España EDITORIAL: Alianza Editorial AÑO: 2002 Nº DE PAGINAS: 388

AUTOR: Michael Langford LIBRO: La fotografía paso a paso: un curso completo PAIS: Madrid AÑO: 1990 Nº DE PAGINAS: 224

AUTOR: John Garret, Julian Calder LIBRO: 35 mm: el manual de fotografía PAIS: Barcelona AÑO: 2000 Nº DE PAGINAS: 239 AUTOR: Leo B. Viñas, Iñaki Ábalos, Xavier Antich, otros LIBRO: "Origens" PAIS: Olot AÑO: 2005 Nº DE PAGINAS: 160

ANEXO La primera cámara Nikon de formato FX permite estar en primera línea a los fotógrafos que trabajan en condiciones extremas. La D3 cuenta con un sensor CMOS de 12,1 megapíxeles extremadamente sensible con gama ISO ampliable de 200 a 6.400; su obturador compuesto de Kevlar/fibra de

carbono

procesamiento

y

su de

sistema

de

imágenes

EXPEED permiten disparar a la asombrosa velocidad de 9 fps (11 fps en el modo Recorte DX). El avanzado sistema de reconocimiento de escena

proporciona unas

exposiciones sobresalientes y es compatible con el sistema AF de 51 puntos de próxima generación de Nikon que ofrece una amplia cobertura y una alta sensibilidad con poca luz. Los controles de imagen seleccionables facilitan el procesamiento de las fotografías en la propia cámara, ahorrando tiempo en la post-producción, y su pantalla LCD de alta definición de 3 pulgadas admite los dos modos Live view, además de una salida de vídeo HDMI. Protegida por un resistente cuerpo de aleación

de magnesio con sellado para la protección ambiental, la D3 pasa a convertirse en el punto de referencia para la fotografía profesional de acción. Características Principales: Sensor CMOS FX de 12,1 megapíxeles con una alta relación señal/ruido, un amplio rango dinámico y lectura de 12 canales. ISO 200 – 6.400 : se puede ampliar hasta el equivalente a 25.600 y reducir hasta el equivalente a ISO 100. Disparo consecutivo a 9 fps (11 fps en el modo Recorte DX) Sistema de procesamiento de imágenes EXPEED con conversión A/D de 14 bits y procesamiento de imágenes de 16 bits que proporciona una gradación de tonos extraordinaria. El sistema de reconocimiento de escena avanzado combina la medición de la cámara y los sensores AF para obtener unas exposiciones precisas y unas imágenes totalmente nítidas. Sistema AF de 51 puntos Multi-CAM3500FX . Se puede seleccionar solamente uno o configurar con unos ajustes de cobertura de 9 puntos, 21 puntos y 51 puntos. Controles de imagen que facilitan el procesamiento de las fotografías en la propia cámara, permitiendo la personalización de los parámetros de imagen antes de la captura, y proporcionan un control total sobre la nitidez, el contraste, el brillo, el tono y la saturación en los distintos modos de color. Pantalla LCD VGA de 3 pulgadas y 920.000 puntos, con ángulo de visión amplio de 170 grados.

Live view con autofoco para componer las imágenes utilizando la pantalla LCD. Admite dos modos: a pulso o trípode. Dos modos de recorte : formato DX y proporción 5:4. El modo recorte DX se puede activar automáticamente cuando se monta un objetivo DX. Respuesta rápida : aproximadamente 37 mseg. de retardo del obturador y 55 mseg. de oscurecimiento del visor. Unidad de obturación extremadamente precisa y duradera fabricada con un compuesto de Kevlar/fibra de carbono : durabilidad estándar de 300.000 ciclos, con una velocidad de obturación máxima de 1/8.000 seg. y sincronización del flash hasta a 1/250 seg. D-lighting activo, que permite obtener unas imágenes extraordinarias de gran contraste aplicando automáticamente la compensación de tonos en el momento de la captura. Doble ranura de tarjetas CF : se pueden configurar para la grabación en paralelo (simultánea) o en serie (consecutiva). Interfaz de salida de vídeo HDMI que permite la conexión a sistemas de vídeo de alta definición. Ergonomía intuitiva con ubicación mejorada de los botones para que su manejo sea rápido y cómodo. Cuerpo duradero de aleación de magnesio diseñado para resistir los rigores de las condiciones ambientales más adversas. Compatibilidad con LAN inalámbrica y Ethernet mediante el Transmisor inalámbrico WT-4 opcional.