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• Angel Francisco Cuevas Rodiles

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FOTGRAFIA CARLOS OLIVER

LA FOTOGRAFIA EN LA COMUNICACION LEM Comunicación 101

Historia de la fotografía La palabra, "Fotografía" tal y como la conocemos ahora, la utilizó por primera instancia en 1839 Sir John Herschel. En ese mismo año se publicó todo el proceso fotográfico. La palabra se deriva del griego foto (luz) y grafos (escritura). Por eso se dice que la fotografía es el arte de escribir o pintar con luz. Varias décadas antes, De la Roche (1729-1774) tras su investigación hizo una predicción asombrosa en un trabajo literario de nombre Giphantie, donde era posible la captura de imágenes de la naturaleza en una lona cubierta por una sustancia pegajosa, proporcionando una imagen idéntica a la real. Esta imagen sería permanente después de haberla secado en la oscuridad. El término fotografía designa un proceso técnico por el que fija una imagen en una superficie especial mediante la acción de la luz sobre determinados materiales fotosensibles. 300 A.C. – El científico de la Magna Grecia “Arquímedes” utiliza la cámara oscura para estudiar los eclipses de Sol. El fenómeno de dicha cámara se puede comprobar así: haciendo un pequeño agujero en el tabique que separa dos cuartos, se consigue proyectar contra la pared opuesta del segundo cuarto la imagen invertida de lo que está en el primero. Para que esto sea posible, el objeto a proyectar debe estar bien iluminado, y el cuarto donde llega la proyección en penumbra. Siglo XVII – Leonardo Da Vinci, se da cuenta que las imágenes recibidas en el interior de la habitación son de tamaño más reducido he invertido, conservando su propia forma y colores. 1640 – Athanasius Kircher, sacerdote alemán, inventa la linterna mágica, una caja cerrada con un agujero de un lado y en la pared opuesta un vidrio. Al poner un objeto iluminado junto al orificio, aparece proyectado en el vidrio en

posición

invertida.

El italiano Giovanni della Porta la perfecciona colocándole al orificio una

lente, para que las imágenes aparezcan más nítidas. Esta cámara oscura es ya básicamente una cámara fotográfica. 1727 – John Schulze mientras experimentaba con fósforo, se dio cuenta de que el compuesto más próximo a sus ventanas se volvió púrpura. Llego a la conclusión de que les sales de plata se oscurecían si eran sometidas a la luz intensa. 1802 – El inglés Wedgwood sustituye el vidrio esmerilado de la cámara oscura por un papel en nitrato de plata, y logra que la imagen quede registrada. Ha obtenido un rudimentario negativo fotográfico, pero la luz, al seguir actuando sobre el papel, termina por borrar la imagen. 1820 – Joseph Nicephore Niépce, físico francés, obtiene las primeras verdaderas fotografías al seguir, mediante otros compuestos químicos, que la imagen se registre permanentemente sobre una placa metálica, necesitando una exposición de doce horas. El procedimiento que utilizó fue cubrir una placa de estaño con betún sensible a la luz y aceite de lavanda para fijar la imagen. A este sistema le llamó heliografía. 1829 – Inicia Niépce una asociación con Jacques Louis Daguerre, (pintor y diseñador teatral), a quien conoce en el taller donde mandaba pulir los lentes para sus cámaras. 1833 – Muere Niépce a causa de una apoplejía sufrida en su estudio en Borgoña, su hijo Isidore Niépce hereda los beneficios del negocio pero no reclama los derechos del invento de su padre. 1834 – El británico William Henry Fox Talbot obtiene una serie de imágenes por el contacto de flores, hojas y telas con superficies sensibilizadas, sin usar la cámara oscura que se requería en las propuestas de Niépse. Talbot creó negativos a los que llamó dibujos fotogénicos. 1835 – Daguerre continúa con el desarrollo del invento y en un error dejó una placa expuesta en su armario químico, al encontrarlo después de unos días se había convertido en una imagen latente.

1839 – Se presenta formalmente el proceso creado por Louis Daguerre el 19 de agosto ante la Academia de Ciencias de París. Daguerre continúa las experiencias de Niépce, Perfeccionando los compuestos químicos de las placas fotográficas, consigue reducir a unos pocos minutos el tiempo de exposición de un objeto para que quede registrado. Su procedimiento se llama daguerrotipo. Es complicado, costoso y pese a la voluminosa cámara que utiliza comienzan a aparecer fotógrafos ambulantes. 1841 – Con esto Talbot se motiva a desarrollar profundamente sus investigaciones, dando a conocer su Calotipo en donde con una cámara oscura creaba un negativo con el que se podían realizar copias innumerables de impresiones, económicas y accesibles. El primer proceso fotográfico de negativo-positivo no tenía la calidad del Daguerrotipo. Además nunca contó que al patentar su invento, este excluyera su invento del gusto popular 1850 – La técnica fotográfica continúa perfeccionándose. Las placas son ahora de vidrio, y si bien se ha reducido el tiempo de exposición para tomar una fotografía, una persona debe permanecer inmóvil, de allí que las poses sean muy rígidas. 1861 – La fotografía moderna aparece a raíz de un descubrimiento que hizo Sir James Clerk Maxwell. Demostró que cualquier color podía conseguirse mezclando luces; estas eran rojas, verdes y azules. 1869 – Los hermanos Hyatt inventan el celuloide, que en delgadas y flexibles cintas no tarda en remplazar a las placas de vidrio, y revoluciona la fotografía. 1873 – se considera al Dr. Maddox el inventor de la emulsión de gelatina, mejorada y llevada al mercado por John Burguess. Mediante placas de gelatina secas se podían tomar imágenes con exposiciones de 1/25 de segundo, tiempo suficiente para prescindir de los trípodes. Esto hizo que las cámaras fuesen más pequeñas.

1882 – Un industrial norteamericano, George Eastman, emplea por primera vez la película de celuloide. Esto lo lleva a fabricar y vender a precio accesible una cámara fotográfica, la kodak, muy sencilla y de fácil manejo. Bajo el lema ” Usted aprieta el botón, nosotros hacemos el resto”, organiza un servicio de venta de películas con revelado y copiado, en numerosas sucursales. Es el primer paso para popularizar la fotografía con carretes de 100 fotos circulares. 1930 – Se pone a la venta una película fotográfica que registra los tres colores primarios mediante tres capas de emulsión. 1950

– Nuevos

procedimientos

industriales

permiten

incrementar

enormemente la velocidad y la sensibilidad a la luz de las películas en color y blanco y negro. 1969 – Willard Boyle y George Smith diseña la estructura básica del primer CCD, que es la base de funcionamiento de la fotografía digital. Después se comienzan a trabajar el sistema para el ejército estadounidense, creando cámaras digitales que por su diseño parecían grandes binoculares. 1980 – Se incorpora la electrónica: el telémetro electrónico (que permite controlar el enfoque), el visor réflex (con encuadre directo), el fotómetro (para

medir

la

luz).

Se comercializa el sistema Polaroid-Land, a color, de revelado instantáneo. 1986 – Las principales marcas de cámaras analógicas comienzan a fabricar cámaras de captura de imagen digital. Aparece la primera cámara electrónica de almacenamiento de imagen en disquete, la Canon RC-701. 1988 – Se pone a la venta la primera cámara digital que graba en lo que se conoce como tarjeta de memoria interna de 16 Mb y que además utiliza batería, la DS-1P de Fuji. 1991 – La primera cámara digital disponible en el mercado fue la Dycam Model 1, que también fue vendida con el nombre de Logitech Fotoman.

1995 – Tenemos en el mercado la primera cámara fotográfica con pantalla de cristal líquido dirigida a consumidores, que permitió por primera vez, visualizar la imagen en el mismo instante de haber sido capturada, la Casio QV-10 1996 – La emblemática Kodak® lanza el modelo DC-25 de 1 megapixel de resolución, la primera cámara digital que utiliza una tarjeta de memoria CompactFlash. Se estandarizan los puertos como el USB, el mini USB o el micro USB, usados para conectar al ordenador, cámaras, scanner, ratones, discos duros, impresoras etc. 1999 – Nixon lanza su cámara réflex Nikon D1, capturando la imagen con la misma tecnología que las antiguas réflex analógicas pero sustituyendo a la película por un sensor digital. En la actualidad este tipo de cámaras réflex son las más utilizadas por los profesionales del sector creativo. 2008 – Se presenta en la Feria Alemana una cámara Leica de medio formato de 37 megapixeles. Mientras Panasonic y Olympus presentan el nuevo sistema Micro Cuatro Tercios, basado en el mismo tamaño de sensor que el estándar réflex -cuyo captor mide la mitad que uno de formato completopero con una nueva bayoneta. 2009 – Kodak anunció que dejarían de fabricar su emblemático rollo de diapositivas Kodachrome y Steve McCurry, se puso en contacto con la marca para pedirles el último rollo. Con el que realizó un homenaje de 36 fotografías que se encuentran en el George Eastman House International Museum of Photography and Film. También deja de fabricar la Plus-X, los últimos 90 mil pies de película sin exponer existentes en el mundo fueron usados en la película The Ghastly Love of Johnny X, un corto cinematográfico filmado por Paul Bunnell. 2010 – Las antiguas funcionalidades y opciones exclusivas de las cámaras réflex digitales de alta gama se están incorporando también a las compactas, creando una nueva generación de cámara profesional, Samsung

y Sony entran en el segmento de modelos de ópticas intercambiables sin espejo

réflex,

llamandolas

cámaras

EVIL

(Electronic

Viewfinder

Interchangeable Lens), mejor conocidas como “mirrorless”. En el mercado Canon pone a la venta su cámara de 21,2 megapixels, con Gama ISO ampliable a 25600. La Universidad de Duke desarrolla una cámara de 50 gigapíxeles llamada Aware- 2 Phase One destinada a fines industriales, mientras que en Photokina se anuncia la Leaf Aptus II 12 que porta 80 megapíxeles.

2012 –Kodak se somete a un proceso de bancarrota a causa de un paulatino abandono de los respaldos digitales y las cámaras reflex así como la falta de capacidad para adaptarse a la transición desde el mundo de la película al de la imagen digital. El trabajo remunerado del fotoperiodista, que ha sido esencial para entender la realidad mundial, enfrenta un proceso de extinción, al existir tecnología fotográfica más fácil y amable que cualquiera puede usar, así como la velocidad de las redes sociales para difundir las noticias en imágenes. 2013- Los hábitos de los consumidores han cambiado radicalmente, sobre todo a raíz de la popularización de las redes sociales. Cada vez más, los usuarios deciden compartir imágenes en sus perfiles. Por lo que es necesario dotar de conexión inalámbrica a las cámaras con wifi. Además de permitir el envío de fotos a la nube, así como acceso a GPS para ubicar tu locación. Los smartphones permiten compartir de inmediato una foto y muestran la información recopilada por medio de sensores. Es por ello que las empresas se concentran en agregar la mejor tecnología fotográfica a los teléfonos celulares de nueva generación. The Chinese Academy of Sciences produce la primer cámara de 100 megapixees, la cual es nombrada IOE3Kanban. Se aprueba un financiamiento de 844 millones de dólares para rescatar a Kodak de la bancarrota. Aún así Kodak vende todas las patentes de la

empresa. Sus divisiónes: Personal Imaging que incluye más de 100.000 locales Kodak ubicados alrededor del mundo, Fotografía Química, Papel Fotográfico, Películas, Productos Souvenir y Document Imaging, de escáneres, software propietario. EL ENCUADRE DE LA FOTOGRAFIA Las fotos primero se sacan con los ojos para luego, mediante la cámara, inmortalizarlas en papel (o en un archivo digital). La diferencia radica en que la visión no tiene límites establecidos (o se ignoran) mientras las cámaras fotográficas sí y dichos límites, conocidos como bordes, serán el marco de todas tus fotografías. La forma en que utilices dicho limite a la hora de encuadrar (componer) tus fotografías puede que cambie radicalmente las sensaciones que tus fotos trasmiten, por lo que conocer los secretos del encuadre se convierte en casi una obligación. ¿Qué es el encuadre? El encuadre, en fotografía, hace alusión a la porción de la escena que como fotógrafo, utilizaras para tus fotografías. Es decir, que proporción de la escena vas a capturar en una fotografía. Imagínate al encuadre como el escenario en donde transcurren tus fotos. El encuadre es un elemento fundamental a la hora de construir las fotografías ya que, los bordes de la foto, que casi siempre son rectangulares, ejercen una gran influencia en el contenido de la misma y en los mensajes y sensaciones que transmiten. La forma en que utilices los bordes del encuadre para distribuir los elementos (componer) dentro de este, darán fuerza o no a tus fotografías. Sacarle el jugo al encuadre dependerá de dos cosas: la primera, tus conocimientos en composición y la segunda, la experiencia que obtendrás foto a foto.

Tomate tu tiempo al encuadrar Básicamente hay tres formas de encuadrar: o Planeas con anticipación el encuadre, para una vez decididos todos los elementos a incluir en tu fotografía, ajustar los parámetros de la cámara para la toma. o Compones la fotografía mientras encuadras, es decir, decides que elementos incluirás o no en tus fotografías en el instante previo a oprimir el disparador. o Tomas la fotografía para luego, re encuadrarla en el ordenador. Distinguir las distintas formas de realizar un encuadre no significa menospreciar un método por sobre el otro. Lo más probable es que, dependiendo de cada situación, utilices uno u otro método, de acuerdo a las posibilidades que el tipo de fotografía que estés haciendo te permita. En la fotografía de naturaleza, por ejemplo, es más importante lograr tomar la fotografía de esa especie de pájaro poco común, que preocuparte por realizar el encuadre antes de la toma o re encuadrar luego de esta. De hecho, en la fotografía de vida silvestre la gran mayoría de los encuadres se realizan luego en el ordenador. Dinámica del encuadre Al recorrer una escena a través del visor, podrás notar como comienzan a aparecer en él, infinidad de posibles fotografías, las cuales serán más o menos atractivas dependiendo de cómo las encuadres. Dependiendo de cuales sean los elementos que desees incluir en tu fotografía y en como los relaciones con los bordes del encuadre, estos tendrán una mayor o menor influencia en la imagen final. Recuerda que, como te comente en el artículo “16 formas de dar protagonismo a tus sujetos”, la mirada del observador siempre busca ser

guiada a recorrer una fotografía: el encuadre y las líneas, explicitas o no, le marcaran el camino a recorrer a los ojos al tiempo que refuerzan los mensajes y ayudan a trasmitir mejor las sensaciones. Presta atención a los siguientes ejemplos:

El modo en que han sido dispuestos los elementos dentro del encuadre no es casual: los bordes horizontales y las líneas verticales han contribuido fuertemente al diseño final de las fotografías, generando mayor impacto en los espectadores. Para hacerlo, los fotógrafos Mikel Ortega y A. González-Alba, han utilizado tanto los bordes laterales como las líneas diagonales y los ángulos que estos forman entre sí, de modo de generar tensiones que resultan muy atractivas a los ojos de los observadores. Fíjate en la siguiente foto:

Este encuadre no genera tanta tensión como el anterior Como veras es la misma situación que en la del ejemplo del pescador de gorro rojo, pero esta vez, el encuadre utilizado ha sido distinto. En este caso, las líneas paralelas del suelo y la caña respecto del borde del encuadre no crean tanta tensión atractiva como en el ejemplo expuesto anteriormente. Si te fijas, no solo cambio la forma de aprovechar los ángulos sino que también, el autor, se ha inclinado por un formato de encuadre distinto: el cuadrado. Formato del encuadre

Como ya has visto, los bordes del encuadre y la proporción de estos tienen una gran influencia, no solo en la forma que adquiere la fotografía final, sino también en las sensaciones que le genera al espectador. El formato del encuadre cumple la función de separar a la imagen de todo lo que la rodea, es decir, la encuadra, de modo de que puedas controlar su composición. Dependiendo de que sea lo que quieras trasmitir, puede que un formato de encuadre te ayude más a hacerlo que otro. Pero, ¿Qué es el formato del encuadre? Las fotografías a pesar de que pueden ser trabajadas para que adquieran sensación de profundidad, solo tienen dos dimensiones: alto y ancho. Cuando hablamos de proporción o formato del encuadre, justamente nos referimos a la relación (matemática) que existe entre el alto y el ancho del encuadre. o Formato estándar 3:2 (Ancho x Alto): este formato es el más utilizado por los sensores de las cámaras fotográficas ya sean 35mm o no (35 mm hace alusión al ancho del sensor o película). Este formato es muy popular debido a que representa muy bien la sensación de horizontalidad de la visión del ser humano. o Formatos intermedios 4:3 : este tipo de formatos han ganado mayor protagonismo en los últimos años con la creciente popularidad de las cámaras digitales y a la sensación “más natural” que ofrecen sus imágenes. A pesar de ello, en lo que a composición respecta, al no haber una dirección tan dominante (es menos marcada la diferencia entre el ancho y el alto del encuadre), no resultan tan cómodos para a la hora de disponer los elementos en la escena. A pesar de ello, son más flexibles a la hora de disparar. o Formato cuadrado: la relación en este tipo de encuadre es de 1:1, es decir, que tanto el ancho como el alto son iguales. Muy pocas cámaras fotográficas permiten disparar de forma nativa en este formato, pero tú

puedes simularlo recortando la foto en el ordenador, es decir, re encuadrándola luego. Es un formato inusual debido a que, hay pocas escenas que se presten a dicho formato. ¿Cómo sacarle el jugo? Aprovechando la sensación de simetría y equilibrio perfecto que trasmiten, para luego romperla a la hora de disponer los elementos, o bien aprovechando dicho equilibrio y potenciarlo. o Panorámica: este tipo de imágenes, como te podrás imaginar, son aquellas en las que el ancho del encuadre es mucho mayor a su alto. Este tipo de formato permite crear un marco horizontal, que se corresponde con la línea del horizonte, que resulta ideal para las fotografías de paisajes. En la mayoría de estas escenas, la longitud de la escena es clave, mucho más aún que la profundidad que puedan llegar a trasmitir. Orientación Seguramente, gracias a tu ojo fotográfico y a tu instinto por la estética, sin que te des cuenta, te habrás dado cuenta que, en ciertas situaciones es más estético tomar una fotografía con una orientación vertical y en otras situaciones, utilizando una orientación horizontal. La orientación del encuadre es justamente eso, la orientación vertical u horizontal que le darás al encuadre (tu cámara y su sensor) al momento de tomar tus fotografías. A continuación nos detendremos a ver cada uno de ellos: Encuadre

horizontal: dependiendo

de

cómo

pretendas

disponer

los

elementos presentes en una determinada escena, una orientación horizontal puede ser más efectiva que una vertical: si lo que quieres es trasmitir sensación de estabilidad o bien, los elementos a retratar están dispuestos de manera horizontal, lo ideal es utilizar dicha orientación ya que es muy cómoda a la hora de componer.

Si te fijas, los monitores, los televisores y un sinfín de los medios visuales que te rodean, tienen orientación horizontal. Esta orientación es la más común, probablemente, porque el sensor de la cámara fotográfica está orientado de la misma manera, por lo que resulta la posición más natural a la hora de tomar una fotografía.

Encuadre horizontal Encuadre vertical: este tipo de encuadres, a diferencia del anterior que proporciona imágenes más estables, proporcionan más fuerza a aquellas fotografías cuyos elementos también respetan dicha orientación, como por ejemplo, un retrato (las personas somos más altas que anchas). Si prestas atención, la gran mayoría de las revistas, las publicidades y en todo lo referido a moda, este tipo de orientación es la más utilizada.

Orientación Vertical La decisión de adoptar una u otra orientación dependerá del mensaje que quieras trasmitir con tus fotografías. Cuando utilizar uno u otro dependerá básicamente de tu experiencia como fotógrafo, por lo que cuantas más fotos tomes y más tiempo le dediques a analizar los resultados, mejores decisiones tomaras. Como ejercicio, te recomiendo que, en una misma escena practiques las distintas orientaciones para luego ver cómo funciona una u otra a los ojos del espectador. Eso si, antes te recomiendo que le eches un vistazo al siguiente artículo: “9 Consejos y Trucos Para Mejorar Tu Composición Fotográfica”. Presta atención a la siguiente fotografía: ¿Qué sensación te produce?

¿No te resulta algo incomoda?

La clave a la hora de seleccionar un encuadre es: el equilibrio. Lograr fotografías equilibradas es lo que te motivará a la elección de uno u otro encuadre, siempre, dependiendo de la situación que intentes fotografiar y los elementos que desees utilizar en tus fotos. Eso sí, siempre ten en cuenta que el equilibrio depende de ti: ¿Te animas a romperlo? Re encuadres Tal como su nombre lo sugiere, re encuadrar es una “técnica” que hace alusión a, una vez tomada una fotografía, trabajarla en el ordenador o en el estudio para lograr el encuadre deseado. Es decir, que primero se toma la fotografía y luego se busca el mejor encuadre. Si bien puedes realizar varios encuadres en una misma escena, el re encuadre hace referencia a re encuadrar una vez la fotografía ha sido tomada. A continuación veras como de una sola toma, realizada por el fotógrafo Julio Codesal, puede luego de re encuadrarla adquirir mayor o menor fuerza dependiendo de que sea lo que quieras comunicar:

La fotografía original de una pequeña cabaña ha sido encuadrada de modo de que se pueda apreciar el color del cielo y al tiempo que se utilizó la pequeña casa y el suelo, como un elemento de anclaje que le de sustento y estabilidad a la imagen. Para ello, se utilizó un horizonte relativamente bajo, de modo de enfatizar los colores del cielo. La escena da una sensación de soledad y paz muy bien trasmitidos en la misma.

Re encuadre (1): si dentro el encuadre original re encuadras la fotografía utilizando una orientación vertical, el peso tonal del cielo y sus nubes es aún mayor, por lo que una buena opción seria, manteniendo al cielo como elemento clave, mantener el horizonte más bajo aun que en la fotografía original. Al re encuadrar, intenta mantener la esencia de la fotografía

valorando los elementos más interesantes de estas y ubicándolos nuevamente.

Re encuadre (2): si quieres darle aun mayor protagonismo al cielo, un re encuadre de este tipo puede funcionar muy bien. El horizonte sea ubicado aún más bajo, de modo de estabilizar la imagen utilizando el suelo casi como borde de la imagen. Esto es conocido como “horizonte de base”. Para contrarrestar el peso de ubicar a la cabaña tan baja a la izquierda, casi que obliga a utilizar una gran porción de cielo a la derecha de esta. Nuevamente se han intentado respetar los elementos principales de la escena original.

Re encuadre (3): en esta ocasión, se ha cerrado el encuadre y pero manteniendo en gran medida las proporciones originales. De este modo, el suelo y la cabaña ganan mayor protagonismo en la escena. El horizonte se ha ubicado lo más arriba posible, dentro de lo que la escena permite, de modo de ignorar una gran porción de cielo y concentrar la atención en la cabaña. Aprende a potenciar tus encuadres 1-Llena el encuadre Aunque no lo notes, al momento de tomar una fotografía de un sujeto u objeto te preguntas ¿incluyo parte del entorno o no? Esta pregunta es fundamental ya que la elección que tomes influirá mucho en el resultado final. Cuanta más porción del encuadre ocupe tu motivo, mayor protagonismo tendrá y podrás también capturarlo en todo su esplendor (con muchísimo detalle). Ahora bien, quizás el entorno hace a la fotografía y la relación del motivo con este refuerzan el mensaje que esta trasmite, como puede ser una fotografía de un transeúnte y la ciudad de fondo como marco.

Dependiendo de las sensaciones que quieras lograr trasmitirle al espectador, deberás de optar por una u otra opción: si el entorno es importante deberás trabajar tú encuadre (utilizar los ángulos, las líneas, etc) de modo de potenciar el mensaje o si deseas que el sujeto domine toda la escena acércate a él, pero ten en cuenta que la forma de este influirá en el encuadre que vayas a utilizar. La decisión es tuya ¡Anímate a tomarla! Tomar la decisión correcta no te será un problema después de leer los siguientes artículos: “16 Formas de Dar Protagonismo a Tus Sujetos” y luego de analizar las fotografías del “Reto Semanal 53: Rellena El Encuadre”.

Llenar el encuadre 2-Trabaja la ubicación de los elementos: La decisión de ubicar a tus sujetos en uno u otro lugar dentro del encuadre es fundamental. Ya sea que llenes el encuadre con este o no, el lugar que le asignes dentro del mismo debe de resultar agradable para el espectador, es decir que la posición de este debe estar en armonía con el resto de la escena. En fotografía, disponer los elementos presentes en una determinada escena dentro

del

encuadre

es

conocido

como

“componerla

foto”.

Las

composiciones artísticas, ya sean en pintura o en fotografía, están basadas en reglas matemáticas, proporciones y métodos que son “agradables” a la vista. Dichas reglas te ayudaran a guiar la mirada del espectador hacia aquellos puntos del encuadre que, por instinto visual, son de mayor interés y que si sabes explotarlos, pasaras de tomar una mera foto a capturar una excelente fotografía. Si quieres volverte un maestro en ello, no dejes de leer “9 Consejos y Trucos Para Mejorar Tu Composición Fotográfica”. Pero como dicen por ahí

“Las reglas están para romperse”, por lo que una vez que las domines, no tengas miedo, transgredirlas también es un arte.

Cuanto mas pequeño sea tu sujeto, mas importante será su ubicación 3-Divide el encuadre: Al momento de disponer los elementos dentro del encuadre, tienes un sinfín de posibilidades, tantas como se te puedan llegar a ocurrir, aunque no todas resulten tan interesantes y atractivas a los ojos del espectador. Las divisiones más interesantes dentro del encuadre son aquellas que permiten establecer una relación bien definida entre ellas. Dichas divisiones del encuadre hacen referencia a la proporción que ocupa cada elemento dentro del encuadre y a la forma en que los mismos deben de ser ubicados para lograr el mayor impacto visual pero sin romper la armonía de la fotografía. No te preocupes, no debes de hacerte de una escuadra y un compás para tomar tus fotos, solo basta que entrenes la mirada para que esta se familiarice con las distintas proporciones que puedes utilizar a la hora de hacer tus fotos. Unas de las proporciones más conocidas son: • Proporción áurea: esta proporción es una guía que te permitirá disponer los elementos dentro del encuadre de un modo muy armónico y agradable a la vista. Este tipo de proporción, al estar presente permanentemente en la naturaleza, te permitirá obtener fotografías muy naturales y que generen “comodidad” en tus espectadores. Si no lo conocías no te preocupes, consiente o no de ello, constantemente compones tus fotos utilizando estas proporciones ya que es muy intuitiva y natural.

Proporción áurea

• Regla de los tercios: esta regla es una de las reglas más básicas a la hora de disponer los elementos dentro de tus encuadres. La misma consiste en dividir al encuadre en tres tercios iguales de forma horizontal y vertical. De este modo, en la intersecciones de las líneas quedaran formados 4 puntos imaginarios que son los puntos fuertes de interés dentro de una fotografía. Como podrás darte cuenta, el centro a pesar de ser el lugar obvio en el cual uno ubicaría a un elemento dentro del encuadre, no es uno de los puntos de mayor interés para la vista dentro del encuadre.

Regla de los tercios 4- Ubica el horizonte en el encuadre: La posición de la línea del horizonte dentro del encuadre es más importante de lo que puedes imaginarte. De acuerdo a la altura que le asignes, una fotografía puede trasmitir una u otra sensación dependiendo de los otros elementos presentes en la escena. Una línea del horizonte muy alta (menor porción de cielo) le dará mayor importancia y peso a todo aquello que se encuentre por debajo de ella, y por el contrario, una línea del horizonte ubicada en una posición más baja, dará mayor sensación de estabilidad, funcionando como “base” y equilibrando el encuadre. De todas maneras, la posición exacta del horizonte depende de muchos otros factores como pueden ser: equilibrar la fotografía de acuerdo al brillo y colores del cielo (ver ejemplo de del punto re encuadre), lo atractivo del cielo por sobre el suelo, la dinámica total de la escena gracias a las nubes y sus formas, el contraste, los elementos del primer plano, etc. Todo dependerá de las circunstancias de la fotografía, del mensaje que quieras trasmitir y por sobre todas las cosas, de tu gusto personal.

El horizonte alto centra la atención en las rocas

5- Encuadrar dentro de un encuadre: Hay una regla en la fotografía que casi asegura el éxito: “los cuadros dentro de cuadros”, es decir, no solo aprovechar los bordes de la fotografía, sino que a su vez dentro, nuevamente enmarcar otra escena. Al dibujar un nuevo borde alrededor de la imagen principal, crearas un marco interno muy atractivo a la vista que le dará al espectador la sensación de organización, estabilidad, orden y control. Este nuevo límite evita que la imagen “llegue” hasta los bordes del límite exterior (fotografía). Este nuevo marco concentrará aún más la mirada del espectador en aquello que se encuentre dentro de él.