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El Grabado Europeo SIGLOS XV AL XIX

Hugo Covantes

Libro Digital

ITALIA SIGLO XV Situación histórica Situación artística Actividad en el grabado

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Capítulos Situación histórica

Italia Siglo XV

Situación histórica En el siglo XV algunas importantes ciudades italianas del norte alcanzaron su máximo desarrollo. Enriquecidas por el próspero comercio, Venecia, Florencia, Génova y Milán se convirtieron en los centros bancarios que financiaban a las principales cortes europeas. Pese a este apogeo económico y cultural, continuó avanzando la fragmentación política. Al lado de estas ciudades y el reino de Nápoles subsistían infinidad de pequeños estados, lo que significó debilidad e incapacidad del país para oponerse con éxito a las ambiciones hegemónicas de otros estados europeos, principalmente Francia y España. El mundo espiritual estaba aún convulsionado por el cisma católico que había trasladado el papado a Aviñón, creando inseguridad en el mundo cristiano. Navegar




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Capítulos Situación histórica

Italia Siglo XV

Después de Santo Tomás la escolástica, esto es, la filosofía cristiana, había iniciado su decadencia y comenzaba a ser sustituida por el empirismo y la observación, dando origen a la investigación científica. Se extendía por otro lado la idea de que las relaciones entre Dios y el hombre no debían estar basadas ya en el temor al infierno sino en el amor entre la criatura y el creador. A estas ideas había contribuído la doctrina humanista de Francisco de Asís, cuyos principios eran trasmitidos en forma sencilla y humana por medio del arte. En esta tarea, la obra de Giotto di Bondone fue de suma importancia. La naturaleza se elevaba en concepto como hija de lo divino, noción inspirada por la filosofía tomista. La libertad se acrecentaba y el gusto por el mundo de lo sensible era 2 Navegar




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Capítulos Situación histórica

Italia Siglo XV

Con el Renacimiento surgió una nueva concepción moral que midió al hombre por la conciencia de su propio valer

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Capítulos Situación histórica

Italia Siglo XV

de dominarla. Llegó a considerar la observación del mundo real como segura guía para la creación artística. El Renacimiento fue una nueva actitud de entusiasmo. Entusiasmo por las ciencias, por las artes y por las letras de los antiguos griegos y romanos. Entusiasmo por los hechos naturales y por la bondadosa naturaleza que da Vinci declaraba digna de atención. Entusiasmo por el centro de la naturaleza, que era el hombre. Fue una época que volvió una vez más la cara al mundo clásico. Italia fue la cuna de este gran movimiento cultural porque aparte de la promoción de estos valores renovados, su suelo era testimonio vivo de las ruinas clásicas, obras realizadas siglos atrás por artistas inspirados en el arte imperial.

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Capítulos Italia Siglo XV

Situación artística

Situación artística El hombre renacentista pretendió ser el hombre universal, culto e intelectual

El hombre renacentista pretendió ser el hombre universal, no sólo como artesano que dominaba la técnica sino como hombre culto e intelectual. Los clásicos eran dignos ejemplos porque supieron concertar en dimensión sublime el equilibrio entre la forma y el fondo de la obra de arte. En la arquitectura, la nueva sensibilidad se expresó por la perspectiva del espacio, según la cual todos los elementos de la construcción se coordinaban con respecto a un punto ideal. Esta concepción fue de utilidad también para la pintura al enriquecer sus recursos visuales. En la construcción renacentista se volvieron a utilizar como soportes los órdenes clásicos: bóvedas de cañón, cúpulas con 5

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Capítulos Italia Siglo XV

La arquitectura tendía a lo monumental y la decoración adquirió mayor o igual importancia que lo constructivo

Situación artística

pechinas, arcadas de medio punto. El pilar fue remplazado por la columna. La decoración adquiría mayor o igual importancia que lo constructivo. De los órdenes el corintio y el compuesto fueron los más comúnmente utilizados. La arquitectura tendía a lo monumental, con los bellos frontones reservados casi exclusivamente para las iglesias. Aquí se impuso la planta basilical con cruz latina, con tres naves y crucero para que en el transepto se coronase la cúpula. Creación notable en este tiempo fue el palacio, que al principio siguió el orden tradicional con muros coronados por almenas y torres o atalayas. Posteriormente fueron edificios rectangulares en cuyo interior dominaba el patio con pórticos de columnas o pilares. Las fachadas de estos palacios eran por lo general severas. 6

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Capítulos Italia Siglo XV

En escultura, las formas bellas fueron más importantes que la expresividad

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Capítulos Italia Siglo XV

Situación artística

primeros. Después vinieron Andrea del Verrocchio, Antonio Benci el Pollaiolo y el mismo Miguel Angel. En pintura, con el fin del giottismo había empezado a desaparecer la pintura espontáneamente cristiana y los objetivos del arte se hicieron más autóctonos. El arte se independizaba y se convertía poco a poco en laico. Se requería en adelante la enseñanza de los maestros pintores y no la de los teólogos. La predicación cedía su lugar a la estética. En Florencia se estableció una suerte de corporación de pintores cuyas premisas temáticas eran todavía casi exclusivamente religiosas. La mayoría de los artistas continuaba al servicio de la filosofía y de la religión. En este medio cultural nuevo predominaron entonces tres actitudes: el humanismo, inspirado por el mundo clásico y por la doctrina de Francisco de Asís; el naturalismo, derivado de la Navegar




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Capítulos Italia Siglo XV

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ciencia, y el individualismo, producto del triunfo del hombre. Durante el período gótico la pintura al fresco había continuado su gran desarrollo, enlazándose con la pintura mural del Renacimiento. Al uso del fresco y del temple se añadiría la pintura al óleo, introducida al país por el pintor flamenco Rogier van der Weyden. En su renacimiento humanístico florentino, los italianos dieron su primera atención al hombre, igual en la pintura de caballete como en la práctica aún de la miniatura. El arte pictórico de este siglo, el Quattrocento, instaló en Florencia su principal escuela distinguida por el dibujo, la ingenuidad y la tradición gótica y clasicista. Algunos artistas ponían especial interés en lo constructivo, en la perspectiva lineal o aérea y en el color. En la ciudad del Arno se promovía también una corriente en la que además Navegar




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de las formas y del espacio, estaba presente el movimiento y la actitud psicológica. Por último, a mediados del siglo, algunos pintores se internarían en los temas profanos, frecuentemente inspirados por la mitología griega. Lorenzo Mónaco, el Beato Angélico, Tomaso di Giovanni, llamado Massaccio, Paolo Ucello, Fra Filippo Lippi, Piero della Francesca, Andrea del Castagno, Antonio Pollaiolo, Sandro Botticelli, fueron los más notables florentinos del Quattrocento. Dividido el país en ciudades tipo estado, las escuelas pictóricas surgieron en distintos lugares y con rasgos también distintos. A un lado de la escuela florentina hubieron las escuelas de Siena, Umbría, Padua y de Venecia, entre las más notables. Posteriormente Roma se convertiría en un punto de irradiación cultural. Navegar




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Capítulos Italia Siglo XV

Situación artística

De Siena destacó el pintor Sassetta; de Umbría surgieron Gentile da Fabriano, Pietro Vannucci el Perugino, y Bernardo di Betto, llamado el Pinturicchio. De Padua sobresalió Andrea Mantegna y de Venecia la primera gran figura fue Antonio Pisano el Pisanello, y en la segunda parte del siglo destacaron los hermanos Bellini, Gentile y Giovanni. Surgieron también de aquí Antonello de Mesina y Victor Carpaccio. En este siglo, la supremacía de los artistas italianos en la Europa Central fue cosa evidente e incuestionable. Naturalmente, Italia fue un centro de irradiación hacia todos los puntos del Continente.

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Capítulos Italia siglo XV

Actividad grabado

Actividad en el grabado

Santa Catalina de Siena Anónimo

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Capítulos Italia siglo XV

El artista italiano vio con desdén el trabajo de ilustración de libros

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Capítulos Italia siglo XV

promotor del espíritu renacentista. Al cerrar el Quattrocento, en su taller se publicó una obra notable con ilustraciones xilográficas, el libro Hypnerotomachia Poliphilli (El sueño de Polifilo). Se trata de una especie de relato filosófico escrito por Colona Francesco, publicado en 1499, cuyas imágenes de buena talla se han atribuído, en sus originales, a artistas de gran renombre como Andrea Mantegna, Giovanni Bellini y Jacopo de Barbari. Obra, según Georges Duplessis, autor de una Historia del Grabado, que pasaría al olvido si no fuese por estas “piezas ejecutadas con ligereza pero con buril seguro, que denota en el artista grabador ciencia poco común en el dibujo”. En la primera mitad del siglo aparecieron en Italia muestras del grabado en madera, sin fechas ciertas y de índole anónima. Sólo a finales del siglo trabajaron en él artistas de gran calibre. Hasta entonces, el grabado había estado ahí en manos de

En la primera mitad del siglo aparecieron en Italia muestras del grabado en madera, sin fechas ciertas y de índole anónima

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Actividad grabado




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Capítulos Italia siglo XV

El grabado fue uno de los instrumentos que provocaron la transformación artística y social de la Edad Media a la vida renacentista

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Capítulos Italia siglo XV

Con la imprenta perfeccionada por Gutenberg, la expansión de la cultura artística, a través de los libros, conoció un desarrollo “democrático”

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Capítulos Italia siglo XV

Con Mantegna, el grabado entró en el templo de las grandes artes con un pie de igualdad absoluta

1. Exposición en la Galleria Civica d’Arte Moderna, en Turín, de abril a junio de 1968.

Actividad grabado

movibles, comenzaron a aparecer grabados sueltos firmados por maestros que los avalaban con sus firmas o anagramas. Había cobres atribuídos a Sandro Botticelli, o al menos dibujados por él, y obras del Pollaiolo. Con Mantegna, según Bercier, el grabado había entrado en el templo de las grandes artes con un pie de igualdad absoluta. En la Biblioteca Clasense de Rávena se conservan poco más de cuarenta xilografías incunables, provenientes de un manuscrito que fue propiedad de Giacomo Rubieri, jurista de Parma, activo por 1480 en Venecia y en Padua. Esta colección representa apenas poco más del uno por ciento de las xilografías incunables que existen en todo el mundo, según se asienta en el libro catálogo L’Incisione Europea del XV al XX Secolo 1. Estas piezas son de lo mejor en Italia; un 17 37

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Capítulos Italia siglo XV

2. Paul Kristeller. Holzchnitte des Meisters des Abandmabls in Ravenna. Leipzig, 1927.

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Capítulos Italia siglo XV

San Antonio Anónimo

3. Paz es una chapa de metal cincelada o nielada. Era un trabajo de orfebrería.

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Capítulos Italia siglo XV

La Coronación de la Virgen Finiguerra

4 El nombre de nielo se aplica tanto a la lámina como a la prueba que produce. Navegar




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Capítulos Italia siglo XV

Actividad grabado

hasta principios del siglo XVI. Algunos maestros experimentados fueron los primeros en reproducir sobre el metal “un noble sentimiento de la forma, una expresión de belleza”, al decir de Duplessis. Pocos nombres se recuerdan de esta época como nieladores, y entre ellos destacan el propio Finiguerra, Antonio Pollaiolo y Francesco Raibolini, llamado Francia. Probablemente Finiguerra fue el más ilustre maestro nielador. Aparte de “La Coronación de la Virgen” se le atribuyen algunos nielos más que señalan su buen gusto. A Pollaiolo se le reconoce como el autor de dos nielos notables por el empeño de marcar el dibujo, insistiendo en la musculatura y la osteología del cuerpo humano. De Francia son bastantes las obras que se conocen para apreciar los nielos que se le atribuyen. Las planchas originales de Francia que Navegar




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Capítulos Italia siglo XV

hay en Bolonia, su patria, son obras de buen oficio. Estas planchas tienen tallas que representan a Cristo en la cruz y en la resurrección. Muchos artistas anónimos se consagraron al nielo y los italianos finalmente sacaron provecho del descubrimiento de la impresión de las estampas. Sin saberlo, los plateros dieron nacimiento al grabado en metal. Los artistas familiarizados con el cincelado terminaron por darse el título de grabadores. La transición fue casi insensible. Florencia, Milán, Venecia, Roma, Módena y Bolonia, que tanta parte tuvieron en el nuevo arte, vieron nacer hábiles grabadores que conservaron la originalidad que caracterizó a cada una de las escuelas. En el recién aparecido grabado en metal, Florencia estuvo a la cabeza. La ciudad en que durante la Edad Media se

Sin saberlo, los plateros dieron nacimiento al grabado en metal

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Capítulos Italia siglo XV

Florencia se convirtió en la cuna del grabado

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Capítulos Italia siglo XV

Actividad grabado

florentino es la “Venus Acostada”, conservada en Francia en el Museo Napoleón III. La cabeza es la misma de la Síbila Agrippa. Antonio Benci, llamado Antonio del Pollaiolo (1431-1498) nació en Florencia y murió en Roma. Sobrino de un vendedor de pollos en el mercado de su ciudad natal, de ahí le vino el sobrenombre del Pollaiolo, con el cual la historia lo identifica. Los primeros documentos sobre el pintor se refieren a sus trabajos de orfebrería, actividad que nunca abandonó pese a su destacamiento como uno de los afamados artistas florentinos que recibía numerosos encargos en la pintura. Pintor, orfebre, escultor y grabador, contemporáneo de Finiguerra, cuyo taller de orfebrería frecuentó, Pollaiolo estudió con Bartolucio y con Lorenzo Ghiberti, si bien abandonó los talleres de estos maestros para dedicarse a la orfebrería. Según Vasari, Pollaiolo era muy hábil para tallar el metal, pero no se contentó finalmente Navegar




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Capítulos Italia siglo XV

con ser excelente platero sino que pidió a su hermano Piero le reencaminase por los secretos de la pintura. Como orfebre trabajó durante varios años para el baptisterio de San Giovanni, en Florencia, haciendo relicarios, cruces de plata y en la encuadernación de libros. Esta actividad culminó en 1477 con su participación en el célebre retablo del altar, realizado en plata. Desde 1466 había comenzado los dibujos para las escenas de la vida de San Juan Bautista, ahí mismo en el baptisterio. Como pintor hizo realmente pocas obras. Entre sus pinturas más importantes se encuentran la “Asunción de Santa María Egipciaca”, en la iglesia de Santa María de Staggia. Los frescos de la Villa de la Gallina en Florencia, que representan a personajes desnudos ejecutando una danza, es un ciclo que se relaciona con el grabado de los hombres desnudos.

Antonio del Pollaiolo, orfebre de renombre, incursionó con éxito en la pintura y luego en el arte del grabado

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Capítulos Italia siglo XV

Realizó también el gran panel del “Martirio de San Sebastián”, del que Vasari afirma que fue terminado en 1475. Entre sus últimas pinturas están “Apolo y Dafné” y el “Rapto de Dejanira”. Dotado de facultades y enérgica voluntad de trabajo, a poco de adentrarse en la pintura alcanzó el renombre que ya tenía como orfebre. Sus cuadros son notables por la manera de expresar la anatomía, exaltando movimiento y musculatura. Su arte pictórico se vincula al de Andrea del Castagno y a la escultura de Donatello, sobre todo en su último período, con predilección de un lineaje intrincado. Se aprecia en su obra el análisis del cuerpo humano, expuesto a través de una línea nítida e incisiva, atormentada y nerviosa. Son admirables la agudeza de sus perfiles femeninos y las siluetas rebosantes de sus cuerpos que aparecen en los

Los rasgos que definen el arte florentino de la segunda mitad del siglo XV se encuentran resumidos en el trabajo artístico de Antonio del Pollaiolo

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Capítulos Italia siglo XV

Batalla de los hombres desnudos Pollaiolo

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Capítulos Italia siglo XV

Mantegna empezó a los 10 años su actividad artística

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mantuana, tuvieron un desarrollo independiente. Mantegna perteneció a esta última. Ha podido decirse que todos los rasgos que definen el arte florentino de la segunda mitad del siglo XV se encuentran resumidos en su trabajo artístico. Andrea Mantegna (1431-1506) acogió también el nuevo arte del grabado, produciendo excelentes piezas que pasarían a ser obras definitivas de la gráfica del XV. Nacido en la Isla de Carturo, cerca de Padua, aprendió dibujo aquí con Francesco Squarcione. Mantegna empezó su actividad artística a temprana edad. En el gremio de pintores de Padua aparecía ya inscrito en 1441, a los diez años. No es de extrañar así que el maestro Squarcione le llamara hijo, en vez de aprendiz. 28 37

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Capítulos Italia siglo XV

Cristo entre San Andrés y Longino Mantegna

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Capítulos Italia siglo XV

Donatello estaba entonces en la cima de su gran reputación y de su creativa madurez. En Padua estaba además la Capilla de los Scrovegny, pintada por Giotto. De tal suerte, Mantegna se alimentó con la obra de estos dos grandes artistas, Giotto y Donatello. En pintura, el paduano se manifestó como gran artista pintando tablas y altares. En 1448 fue incluido en un grupo de talentosos pintores para decorar al fresco una capilla en la Iglesia de los Ermitaños, ahí mismo en Padua. La iglesia era un templo grandioso, que resultó enteramente destruido en la última guerra mundial. Los frescos de Mantegna y de sus compañeros fueron así desaparecidos; una pérdida muy dolorosa para los italianos, sobre todo. En la iglesia había una capilla de la cual eran patronos la familia Ovetari. Ahí fue donde trabajó Mantegna, junto con

Mantegna se alimentó con la obra de Altichiero da Zebio, Giotto y Donatello

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En 1448 Mantegna ya era reconocido como gran artista en la pintura Navegar




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Capítulos Italia siglo XV

Actividad grabado

Su prestigio aumentó notablemente gracias a la protección de Isabel de Este y al ser invitado por el Papa, en 1489, para decorar la capilla del Vaticano. Una vez de nuevo en Mantua, trabajó con otros pintores en la decoración del estudiolo de Isabel. En ese tiempo murió, el 13 de septiembre de 1506. Muy importante para Mantegna fue su relación con los Bellini, los artistas venecianos, donde contribuyó a fijar el rumbo del arte veneciano. Mantegna casó con la hija de Jacopo Bellini y mantuvo cordiales relaciones con los hijos de éste, Gentile y Giovanni, los fundadores propiamente de la escuela veneciana. Emparentado con los Bellini, no pudo Mantegna evitar que se le llamara a Venecia. Su residencia ahí duró hasta 1466. Navegar




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Capítulos Italia siglo XV

La necesidad de dar a conocer sus composiciones lejos de su país hicieron que Mantegna adoptara el arte del grabado

Actividad grabado

Mantegna adoptó el grabado y lo patrocinó como necesidad de dar a conocer sus composiciones lejos del país. Algunos estudiosos sitúan sus tiempos de producción de estampas entre 1470 y 80, y alrededor de 1500. Como ha sucedido con otros grandes artistas, la minuciosa ejecución de Mantegna como pintor no pudo ser alcanzada en el metal, pero se encuentra en sus estampas el rasgo de una mano firme e inteligente en los croquis. Esta soltura y naturalidad, negligencia aparente, no dañaron su fuerza expresiva. Para Kristeller, por primera vez —refiriéndose a Mantegna— la obra grabada se equipara con las creaciones del arte monumental. Y para Mallé no queda duda de que el paduano contribuyó en forma excepcional a la estampa, con al menos siete piezas de muy elevada calidad artística, las 33 37

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Capítulos Italia siglo XV

Antes de Mantegna no se había visto a un gran artista grabar láminas destinadas a ser multiplicadas por la impresión

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Capítulos Italia siglo XV

Actividad grabado

Mantegna grabar láminas destinadas a ser multiplicadas por la impresión. Sus obras formaron una escuela dirigida por él mismo. La mayoría de las obras salidas de su escuela son interesantes pero no relevantes; no se apartan de la rutina de la escuela lo suficiente para mostrar una personalidad sólida, pero no hay duda que formaron un cuerpo de piezas hechas con habilidad profesional. Fue notable la influencia del maestro de Padua en los grabadores del norte de Italia, si bien es cierto que algunos artistas volvieron los ojos a Venecia, buscando sobre todo como inspiración las obras de Giovanni Bellini, de Ticiano y de Giorgione. Mantegna mismo, en cierto grado, sufrió la influencia de Bellini. Ello se hizo “entre familia”. La lección de Bellini operó una atenuación en su incisividad, que derivó Navegar




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Capítulos Italia siglo XV

5. Andrea Mantegna. Maestros de la Pintura, Texto de Ettore Camesasca. AnesaNoguer-Rizzoli. Barcelona, España. 1973.

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Capítulos Italia siglo XV

Actividad grabado

ruinas de termas con bóvedas clásicas, alternaban con los encargos de motivos religiosos y las estupendas decoraciones de la mitología greco-romana. Genio poderoso Mantegna, de estilo escultórico, impregnado de evocaciones góticas y clásicas, inició en Florencia una nueva fase en la evolución artística, dominada por su admiración a la antigüedad clásica, mezclada con vigoroso movimiento y expresión.

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ITALIA SIGLO XVI Situación histórica Situación artística Actividad en el grabado

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Situación histórica

Situación histórica El desmembramiento territorial de Italia en pequeños estados, el desplazamiento del movimiento comercial y económico del Mediterráneo al Atlántico y las ambiciones expansionistas de Francia y España, explican que el país se viese invadido a principios de siglo. Durante los primeros treinta años, el territorio italiano fue escenario de los enfrentamientos entre la monarquía francesa, heredera de los Anjou, y la monarquía hispánica, sucesora de los derechos de la corona catalo-aragonesa. Tras cincuenta años de lucha, España acabó por imponer su hegemonía, una vez expulsados los franceses. Cerdeña. Sicilia, Nápoles y el Milanesado quedaron incorporados a la corona hispana, mientras los demás estados, en mayor o menor medida giraban en torno a la órbita española. Navegar




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Capítulos Italia Siglo XVI

Las corrientes culturales e ideológicas laicas y liberalizantes introducidas por el Renacimiento, fueron sustituidas por un movimiento reaccionario

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Situación histórica

de Trento a partir de 1545, que fue más un enderezamiento de un catolicismo reacio a transigir que un intento serio de reconciliación con el movimiento de la Reforma. Desde Trento se configuró un cuerpo doctrinal, una clarificación teológica, una reforma del episcopado y el clero, una nueva liturgia y una renovada práctica religiosa, encabezada por los jesuitas y algunas congregaciones de apoyo. A pesar de estos conflictos, el país conservó todavía el esplendor cultural y social del siglo anterior, si bien la fuerte economía que había tenido, en buena proporción se esfumó. Venecia, ante la competencia de los holandeses perdió su liderazgo marítimo en el Mediterráneo. Génova perdió sus posesiones orientales y las demás ciudades de la península estaban empobrecidas en comparación a mejores tiempos. 3 Navegar




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Situación artística

Situación artística La grandiosidad del arte renacentista evolucionó hacia el fenómeno estético del manierismo, que caracterizó buena parte de las creaciones italianas del siglo XVI. La arquitectura de estos años alcanzó su gran horizonte con dos grandes personalidades: el arquitecto Donato el Bramante y el arquitecto, escultor y pintor, Miguel Angel Buonarroti. Bramante introducía en sus edificios una concepción libre del espacio en el que se incubaban, con sentido pictórico, los efectos de luz y sombra. Esta idea se ejemplarizó en proyectos como la Basílica de San Pedro. Miguel Angel, al oponerse al espacio bramantino, creó una concepción más dinámica en la Biblioteca Laurenziana, planteamiento que alcanzó su madurez en la Plaza del Navegar




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Capítulos Italia Siglo XVI

En Miguel Angel se armonizaron la espiritualidad del cristianismo y la belleza del arte clásico

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En pintura, en este siglo dominó la escuela romana, tras la muerte de Lorenzo el Magnífico

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León X, llevó a Roma el espíritu florentino y actuó como un verdadero mecenas y emperador romano

Situación artística

romano. En él la filosofía, la literatura, la música y el arte se aunaron para hacer de él el príncipe más representativo y exquisito del Renacimiento. Los pintores de este siglo tomaron su numen de la poesía clásica y de los historiadores. Hubo una tendencia a la perfección formal y fueron Leonardo, Miguel Angel, Rafael y Correggio los que establecieron los cánones de la pintura posterior. Juntamente con Roma sobresalió en este siglo la escuela de Venecia, donde el colorido vino a cubrir las formas pictóricas creadas en Roma. Estos artistas estuvieron obsesionados por la búsqueda de la belleza.

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Actividad grabado

Actividad en el grabado

Alegoría sobre el Poder y el Amor Robetta

En las estampas de Cristofano Robetta (1462-1535), originario de Florencia y muerto ahí mismo, hay belleza y elegancia. Su trabajo como grabador se inspiró en la obra de Filippino Lippi y en la del Perugino, y en sus estampas de paisaje algunos han advertido la influencia de Martin Schongauer y Albrecht Durero. Como el Pallaiolo, Robetta se esmeró en presentar personajes desnudos, demostrando el estudio que había hecho de las formas humanas. Tal ocurre en el buril de la “Alegoría sobre el Poder y el Amor” y también en la pieza de “Adán y Eva con sus hijos Caín y Abel”. En el primero aparecen diversos personajes de ambos sexos en una escena alegre que recuerda 8

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Actividad grabado

las bacanales campestres. En la segunda la familia edénica, necesariamente desnuda. Se ha comentado que en su obra, una dulce y risueña fisonomía remplaza la expresión generalmente austera de las obras florentinas que le fueron contemporáneas. Aun cuando no fue una gran figura, Robetta hizo prosperar suficientemente el arte del grabado. Su obra aquí, no muy numerosa, se compone de 17 grabados firmados por él y otros 19 que Arthur M. Hind le atribuye con ciertas reservas. No fue un creador original pero sí un notable artesano, considerado como el último de los primitivos florentinos. Vasari lo apreció sólo como platero. Pocos datos biográficos hay sobre este grabador. Se le menciona en algunos documentos conservados en Pisa.Hijo de un orfebre florentino, él se hizo también orfebre, conociéndose únicamente Navegar




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El joven pastor Campagnola

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Capítulos Italia Siglo XVI

Campagnola formó parte del grupo de artistas y hombres de talento de la corte de Ferrara

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Capítulos Italia Siglo XVI

Cristo y la mujer de Samaria Campagnola

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Capítulos Italia Siglo XVI

Campagnola fue uno de los primeros artistas que intentaron introducir el colorido en sus cuadros

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Capítulos Italia Siglo XVI

1. Fechas según el libro L’Incisione Europea dal XV al XX Secolo. En el libro Obras Maestras de la Gráfica Europea, publicada por el INBA en 1984, la cronología básica es 1460/ 70-1516. Barbari fue descrito como muerto en

,

un inventario de los cuadros de Margarita de Austria -hija de Maximiliano-, para quien trabajó, el 17 de julio de

Actividad grabado

El grabado en cobre de “San Juan Bautista”, derivado de un modelo de Mantegna, muestra un ejemplo de este modo de puntear. Y este tratamiento se advierte también en el “Joven Pastor”, buril de 1510, aproximadamente, en donde se liberan los contornos al quedar fundidos en la atmósfera. Campagnola estuvo alrededor de 1497 en la corte de Francesco Gonzaga, en Mantua, donde trabajó con Mantegna, Es posible que le conociera y hasta estudiara con él. Jacopo de Barbari (1450-1515)1 , conocido también como el Maestro del Caduceo, nació en Venecia. Activo en diversas ciudades de Alemania y en la corte del emperador Maximiliano. Su primer trabajo conocido aparece a finales de la última década del siglo.

1516.

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Actividad grabado

Probablemente de Barbari estudió con Alvise Vivarini en Venecia, en 1490. Un primer trabajo, “Vista de Venecia”, un grabado en madera, monumental, ejecutado entre 1497 y 1500, se le atribuye con seguridad, tanto por el estilo como por el signo del caduceo, su firma, atributo del dios Mercurio de la antigüedad clásica, quien era protector de los artistas. Otros dos grabados en madera, “La batalla de los hombres desnudos” y “Sátiros”, son también obras de la época en que estuvo en Venecia. Entre 1503 y 1505, de Barbari ejecutó obras para Federico el Sabio, elector de Sajonia, en Wittenberg, Naumburg, Weimar y otras ciudades alemanas. Sobre 1508 vivió en Holanda y fue en el castillo de Zuytborch donde conoció al conde Felipe de Borgoña. Ese año realizó “Marte y Venus”, sobre el cual algunos han visto el estilo de Navegar




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Capítulos Italia Siglo XVI

Marte y Venus De Barbari

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Capítulos Italia Siglo XVI

Actividad grabado

reconoce en él a un descendiente de la escuela de Mantegna. Otras veces sus láminas señalan un origen alemán. Amigo de Durero, de Barbari sufrió su influencia. Pero a su vez Durero admiraba la pintura suya y en la introducción a su trabajo sobre proporciones humanas, escrito en 1523, dió crédito a de Barbari por su conocimiento en el estudio de estas cuestiones. Tuvo también la influencia de Mantegna y posteriormente la de De Leyden. Por esta época muchos grabadores se dedicaban a reproducir las composiciones que artistas de gran talla como Ticiano hacían para ellos. Se produjeron estampas tan admirables, no tanto ya para adornar un libro o explicar un texto sino destinadas propiamente a divulgar las obras. El mérito del artista grabador consistió en seguir cuidadosamente los contornos trazados con pluma o con lápiz del pintor o dibujante. Navegar




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Capítulos Italia Siglo XVI

Se produjeron estampas admirables, destinadas propiamente a divulgar las obras

Actividad grabado

Entre los grabadores de la obra de Ticiano destaca Niccolo Boldrini, apenas conocido hoy en día. Para Duplessis, tanto Ticiano como sus discípulos fueron mal servidos por los grabadores. A excepción de algunos grabados en madera, las láminas que se hicieron de la época se debieron a hombres inexpertos. Es muy probable que Leonardo da Vinci (1452-1519) hubiese manejado algunas veces el buril. Luca Paccioli, en la dedicatoria de su libro De Proportione Divina no dice expresamente que Leonardo sea el autor de los grabados en madera que adornan la obra. Pero Duplessis comenta que “entre las numerosas láminas que decoran este volumen, una sola tiene interés artístico; es la primera, tirada aisladamente y que representa un perfil dibujado. La precisión de este dibujo y la expresión de la fisonomía, permiten reconocer la mano de un milanés: Leonardo”. 18 45

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Capítulos Italia Siglo XVI

Actividad grabado

Se atribuyen a Leonardo algunas otras estampas; un grabado con tres cabezas de caballo parece no dejar duda de que fue hecho por él. Esto lo comprobó Duplessis al estudiar en la colección de la reina, en Windsor, los tres volúmenes manuscritos que se conservan de da Vinci. Entre otros dibujos de caballos ahí estaba la estampa, fijada por la mano del artista. Otras láminas atribuídas a él, conservadas en el Museo Británico, no son del todo convincentes en cuanto a su autoría. “Mujer en Busto y Perfil”, “Mujer en Busto y Perfil” y la “Cabeza de un Anciano”. Entre obras de su producción que fueron llevadas a la gráfica, tres láminas grabadas de la Cena reproducen la composición, modificándola. Los grabadores se quedaron aquí en plano muy inferior, pues la pieza del maestro, conforme a su trabajo, es de excepcional calidad. Navegar




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Capítulos Italia Siglo XVI

La sepultura de Jesús El Parmesano

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Capítulos Italia Siglo XVI

En Parma, el arte del grabado tuvo también un buen desarrollo, Francesco Mazzola fue el más brillante representante

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Capítulos Italia Siglo XVI

Judit El Parmesano

Actividad grabado

La vida del Parmesano fue corta, y más aún en el arte, puesto que perdió tiempo en el empeño de la alquimia, actividad que acabó por arruinar su salud. Se volvió andrajoso, desaliñado, envejecido prematuramente. En Parma se le tuvo por excéntrico, melancólico y aficionado al laúd. Los comienzos artísticos del Parmesano nos muestran cómo de un capricho se pueden derivar notables consecuencias. De niño, el grabador observó los efectos deformes que se producían si miraba los objetos a través de una lente o reflejada por un espejo cóncavo. Las partes más cercanas se veían prominentes, mientras que las otras se reducían a medida que se apartaban. Con estos efectos pintó su primer retrato, en tabla convexa, con una mano izquierda inmensa. 22 45

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Capítulos Italia Siglo XVI

Mazzola halló en el procedimiento del aguafuerte recursos desconocidos hasta entonces

Actividad grabado

Esta fue una lección inspiradora para el Parmesano, anunciando las deformaciones que él buscaría para fines de expresividad y de diferencia con las obras comunes. Al principio la deformación era poco sensible. En los altares, empero, las figuras fueron más desproporcionadas; formas amaneradas, sensacionales. Mazzola halló en el procedimiento del aguafuerte recursos desconocidos hasta entonces. Las láminas que firmó tienen todas las condiciones de su pintura: gracia, encanto y belleza. Denotan una inteligencia del clarooscuro que había escapado a sus predecesores. “La Sepultura de Jesús”, un aguafuerte de 1530, una de sus primeras y consideradas mejores piezas, fue muy copiada en Italia y en Francia. 23 45

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Capítulos Italia Siglo XVI

Actividad grabado

Los asuntos religiosos del Parmesano tiran hacia las composiciones mitológicas griegas. Su Cristo —en el aguafuerte de la Resurrección— tiene un carácter que se parece al tipo del Adonis y bajo su buril, la misma Virgen parece mundana y coqueta. Cuando trató temas paganos como “Polimnia”, la afectación del estilo se movió en terreno propio. “Venus Saliendo del Baño” es otro ejemplo. En estas composiciones se encuentra completamente libre y en su temperamento. Tomó aquí su verdadero vuelo. Sus grabados tuvieron la misma aceptación que sus pinturas. Fueron buscados con avidez. Deseosos algunos discípulos de aprovecharse de la fama del maestro, intentaron imitar su estilo, apropiándose el procedimiento que él perfeccionó. Uno de ellos, Andrea Meldolla, supo imitarle bien, a tal grado que sus obras Navegar




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Capítulos Italia Siglo XVI

Actividad grabado

fueron confundidas con las del maestro. Otro alumno, Antonio da Trento, también siguió su estilo. Pero el Parmesano no tuvo propiamente sucesor. Dirigió un taller numeroso, gozó de gran renombre durante su breve vida artística, pero se dice que el día que desapareció el jefe, prácticamente acabó para siempre la escuela de pintura de Parma. Grabador y diseñador para xilografías, Mazzola realizó unos 15 aguafuertes que da Trento llevó a Francia y que causaron revuelo en los artistas de la escuela de Fontainebleau. Murió el artista en Casal Maggiore, lugar cercano a Cremona. En Italia, el Parmesano fue el primero en dedicarse al aguafuerte y en reconocer plenamente el valor artístico de esta técnica. Es de interés subrayar este mérito porque con él la técnica adquirió un papel antes relegado, subalterno en la talla dulce. Navegar




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Capítulos Italia Siglo XVI

La muerte de Mazzola significó el término de la escuela de pintura de Parma Navegar




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Capítulos Italia Siglo XVI

El sueño, según Rafael Raimondi

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Capítulos Italia Siglo XVI

Degollación de los Inocentes Raimondi

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Capítulos Italia Siglo XVI

Raimondi dedicó la mayor parte de su trabajo a reproducir las composiciones de Rafael

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Capítulos Italia Siglo XVI

Actividad grabado

Buscando su camino, Veneciano copió estampas de Giulio Campagnola, a fin de ejercitarse en el buril. Tuvo por modelo también a Rafael y reprodujo igualmente estampas de Durero. Ingresó a la escuela romana haciendo copias de Bandinelli. Sus mejores trabajos se encuentran entre los que hizo de Rafael. Ravena se asimiló también al estilo de Raimondi. Copió muchas estampas suyas, acercándose bastante a las láminas originales, aunque sin la precisión y la seguridad de la ejecución. El modesto papel de copista que asumió le impidió un mejor lugar en la historia del grabado de su país. Muchos artistas grabadores salieron de la escuela de Raimondi. Gian Giacomo Caraglio grabó con amplia libertad, con un estilo caracterizado más por la fuerza que por la gracia. Giulio Bonasone produjo estampas entre 1531 y 1574, “no de gran calidad pero algunas con acierto”. Cuando trasladó dibujos de Navegar




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Capítulos Italia Siglo XVI

Actividad grabado

Rafael y de Miguel Angel los resultados fueron más bien pobres. Se acomodó mejor con maestros de menos calibre y más fáciles de reproducir. El Parmesano le inspiró buen número de láminas y también grabó piezas de su inventiva. Cuidó más la producción abundante que la perfección. Entre los artistas que sin recibir lecciones directamente de Raimondi se inspiraron en él, está el Maestro del Dado. Grabó varias piezas de Rafael y no se apartó de la escuela romana. Cuando no seguía a su maestro reproducía las obras de Giulio Romano o de Baltazar Peruzzi. Grabó la “Historia de Psiquis”. Su grabado fue menos inteligente que el de su maestro. No fueron estos los únicos grabadores que trabajaron bajo la influencia de Raimondi. Un parmesano, Eneas Vico, llegó a Roma y enseguida, en su práctica, empezó a reproducir al buril estampas del maestro. Grabó composiciones del Navegar




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Capítulos Italia Siglo XVI

Actividad grabado

Parmesano y de Vasari. Abandonó Roma por 1545 y fue a Florencia, en donde protegido por Cosme II de Médicis se ocupó en la reproducción de las obras de Miguel Angel y de Bandinelli. Su talento llegó entonces a todo su apogeo y la “Leda”, ejecutada según Miguel Angel, ha sido considerada como una de sus mejores estampas. En su ejecución recuerda la sobriedad de los grabados de Raimondi. En 1550 Vico se trasladó a Venecia, donde grabó el retrato de Carlos V, trabajo que tuvo gran aceptación. Cuando Vico estuvo en Roma pudo apreciar los monumentos de la antigüedad, grabando algunos de ellos. En Venecia tomó gusto también por este género de trabajos y grabó muchas medallas. Toda una familia de grabadores originarios de Mantua, al llegar a Roma, adoptó el estilo Raimondi, haciéndose discípulos Navegar




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Capítulos Italia Siglo XVI

Actividad grabado

de la escuela por sus procedimientos y por el gusto del dibujo. El jefe de esta familia era Giovanni Battista Scultori, quien pasó la mayor parte de su existencia en Roma. Después de haber trabajado como pintor, Scultori se ejercitó en el grabado. dejó una veintena de estampas según dibujos de Romano, imitando el estilo de este maestro.”El Combate Naval”, sobre todo, pieza capital de su obra, se distingue por su conocimiento del dibujo y por su ligereza del buril. Los dos hijos de Scultori, Diana y Adamo, adquirieron mayor reputación que la del padre. Diana recibió lecciones del padre y fue guiada por influencia inmediata de Romano. Fue a Roma, afinó su gusto y transformó su estilo. De Romano reprodujo las “Bodas de Psiquis”, “El Banquete de Los Dioses”, “El Baño de Marte y Venus”. Estas tres láminas que reproducen con buena ejecución, poco común en una mujer, los frescos conservados en Navegar




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Capítulos Italia Siglo XVI

Ghisi fue un grabador destacado. Sus obras son superiores a las demás estampas de la escuela de Mantua

Actividad grabado

el Palacio T de Mantua (construído bajo la dirección del mismo Romano), son las obras más celebradas de Diana Scultori. Adamo comenzó a grabar muy pronto. Su padre le puso desde la infancia el buril en la mano. Con tan temprano inicio, a los once años, con la copia de la “Virgen Dando de Beber al Niño Jesús”, según obra de su padre, pronto su trabajo fue notable. Más de cien estampas llevan su nombre, las cuales tienen semejanza con las de su hermana. Algunas de estas piezas fueron realizadas a finales de siglo. Giorgio Ghisi (1520-1582) absorbió también las cualidades esenciales de la escuela fundada bajo la influencia de Romano. Se supone que trabajó también con Battista Scultori, en compañía de Diana y Adamo, con cuyos trabajos tenía afinidad. Tuvo mayor aplicación que ellos y abandonó muy pronto la escuela mantuana. 34 45

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Capítulos Italia Siglo XVI

Sueño de Rafael Ghisi

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Capítulos Italia Siglo XVI

El juicio de París Ghisi Navegar




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Capítulos Italia Siglo XVI

Retrato de Ticiano Agostino Carracci

2. Historia del Arte. José Manuel Lozano Fuentes. Cía. Editorial Continental. México, 1982. Navegar




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Capítulos Italia Siglo XVI

Los Carracci renovaron la escuela del grabado

Actividad grabado

esfumado de Leonardo y los trazos de Miguel Angel, pero hubo también en ellos composiciones de originalidad. Luigi se ocupó del estudio del dibujo, en tanto que Agostino y Aníbal iniciaban la empresa de atraer artistas a la contemplación razonada de la naturaleza y al conocimiento profundo de los grandes maestros. Rafael, Ticiano y Correggio fueron sus modelos preferidos. Tras un viaje de los hermanos Carracci para conocer estos maestros, establecieron las Academias de los Deseosos (Desiderosi) y los Encauzados (Incaminati). En la primera se agruparon los pintores militantes, merced a los maestros que les habían reunido. En la segunda sólo tomaron parte artistas ya formados o los artistas que reconocían a los Carracci como verdaderos restauradores del arte. 38 45

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Capítulos Italia Siglo XVI

Actividad grabado

Al tiempo que los Carracci encauzaban la pintura por nuevos caminos, renovaban la escuela de grabado. Luigi fue el primero en utilizar la placa de cobre, si bien ejecutó unas cuantas piezas, sin comparación con las de sus primos. Aníbal, pintor, grabó también pocas láminas, de las cuales dos se colocan entre las piezas importantes del grabado italiano, “Cristo Muerto y Levantado por las Santas Mujeres” (1597), conocida también como “Cristo de Caprarola”, por haber sido realizada en esa ciudad. Se trata de un grabado al buril, hecho con finura y acento expresivo. “Silenio Borracho Bebiendo en un Odre que le Prestó un Sátiro”, ofrece similares cualidades. Aníbal, al parecer, centró su trabajo en la ciencia del dibujante. En otra lámina, “La Santa Familia” (1590), fue el color lo que le interesó, Navegar




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Capítulos Italia Siglo XVI

María Magdalena Anibal Carracci

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Capítulos Italia Siglo XVI

Actividad grabado

En Agostino, las obras de grabado son considerables; hizo viñetas, carteles y blasones, imágenes piadosas, asuntos históricos y retratos. Recuerda su obra el estilo de los artistas italianizados como Thomassin. Dibujó tan bien como ellos y como grabador sabía más, pero se dice que tuvo el defecto de producir demasiado. Cuando reproducía obras de Veronese o del Tintoretto no era muy convincente. Despojado el dibujo del encanto del colorido, parecía grosero e impropio. Lo mismo sucedió con una estampa de Correggio, el “Ecce Homo”, pues su trabajo tradujo con sequedad la obra del maestro. Pero en el “Retrato de Ticiano”, en 1587, logró una obra grandiosa, la más célebre de cuantas grabó. Los Carracci pensaron que el antídoto del manierismo es el estudio directo de la naturaleza. En la Academia no sólo había Navegar




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Capítulos Italia Siglo XVI

Ugo da Carpi, pintor y grabador que destacó en el primer tercio del siglo por su manejo del clarooscuro

Actividad grabado

pintores sino también diletantes que discutían sobre estética, historia, filosofía y temas eruditos. Agostino tuvo en Italia numerosos discípulos. Directamente o a través de ellos influyó sobre Callot y sobre los alumnos de Vouet. El más fecundo de los Carracci, grabó 271 piezas. Grande fue la influencia de la escuela de los Carracci. Los artistas que trabajaron en ella permanecieron escrupulosamente fieles a los preceptos señalados. Ignóranse por lo general los nombres de estos artistas grabadores. Se recuerdan los de Francesco Brizzio, autor del “Reposo en Egipto”, según obra de Correggio, y Giovanni Valesio, pintor, poeta, maestro de esgrima y otras cosas, que trabajó apartado de Agostino, su maestro, de quien reprodujo sus composiciones. 42 45

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Capítulos Italia Siglo XVI

Diogenes da Carpi

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Capítulos Italia Siglo XVI

Actividad grabado

años después por León X en Roma. La técnica xilográfica, en dos o tres tonos de colores, permitía una atractiva reproducción de estampas basadas en obras de los grandes maestros, vendidas a precios bajos. Desde el punto de vista técnico, el claroscuro de los italianos era el camafeo germánico. La semejanza fue total en los primeros ensayos de Da Carpi, como “La Envidia Echada del Templo de las Musas”, según obra de Peruzzi. Después ya no fueron dibujos facsimilares, donde la mancha se sustituyó por contornos lineales. Así fueron “La Muerte de Ananís” en 1518, según Rafael, y “La Pesca Milagrosa”. Esta última tiene una tonalidad ocre, grabada en tres láminas. Da Carpi encontró su camino cuando reprodujo, hacia 1527, el “Diógenes”, según obra del Parmesano, grabada en cuatro láminas. Da Carpi trabajó en Venecia, en Roma Navegar




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Capítulos Italia Siglo XVI

Actividad grabado

En el grabado de su tiempo, la obra de Da Carpi muestra una gran originalidad por su técnica. “Diógenes” representa para el autor grabador el feliz resultado de un trabajo experimental y es su estampa más conocida, en la cual expresó cabalmente el efecto lumínico. Obra de aspecto monumental, tranquilo vigor y cadencioso movimiento. Otra pieza grandilocuente también es el “Saturno”, estampa ejecutada también con cuatro láminas, en composición nuevamente del Parmesano.

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ITALIA SIGLO XVII Situación histórica Situación artística Actividad en el grabado

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Capítulos Situación histórica

Italia Siglo XVII

Situación histórica A fines del siglo XVI Venecia tenía paz y prosperidad. Era un enorme almacén, centro mundial de distribución de especias y productos manufacturados. Conservaba posiciones predominantes en el Mediterráneo oriental, donde cambiaba sus productos acabados por materias primas, cuya circulación hacia el resto de Europa en gran medida controlaba. En treinta años, empero, estas ventajas se vieron brutalmente mermadas. Los ingresos aduanales disminuyeron en un 40 por ciento en la primera década del XVII. Las industrias de la seda y la lana se vieron en peligro y las quiebras se multiplicaron. A estas calamidades se sumaron dos circunstancias que convirtieron la recesión en desastre: la guerra de los Treinta Años, 1 Navegar




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Capítulos Situación histórica

Italia Siglo XVII

En el siglo XVII surgió el arte barroco, aspecto más relevante quizás fue el misticismo Navegar




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Capítulos Situación histórica

Italia Siglo XVII

Con el ideario de Loyola, la Iglesia adquirió nuevas armas para combatir la corriente materialista práctica y científica

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Capítulos Situación histórica

Italia Siglo XVII

directrices: el del mundo en que vivía la gente y el proyectado hacia el más allá. La gran originalidad fue que ambos misticismos, el práctico y el espiritual, o sea la vida activa y la contemplativa, se entrelazaron armoniosamente en el objetivo de dar una nueva idea de Dios. De gran importancia en este cambio fue el pensamiento de Loyola, quien defendió la noción de que los misterios de la fe podían ser entendidos por los sentidos, y que el arte podía estar al servicio de la vida espiritual. En la arquitectura, por ejemplo, se utilizó una complicada geometría basada en el movimiento, a fin de estimular los sentidos. El arte barroco cumplió un objetivo religioso al servicio del catolicismo, para ahogar los principios prácticos y empíricos. Y fue también un magnífico aliado que puso marco espléndido a la figura del rey absoluto. Navegar




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Capítulos Italia Siglo XVII

Situación artística

Situación artística

Miguel Angel Buonarroti y Rafael Sanzio influyeron decisivamente en las escuelas florentina y romana

Miguel Angel Buonarroti y Rafael Sanzio influyeron decisivamente en las escuelas florentina y romana. En pintura, dieron nacimiento al manierismo, manifestado éste en un grupo importante de artistas como Giulio Romano, Giorgio Vasari, Andrea del Sarto, el Pontormo, Rosso Fiorentino y el Parmesano. La escuela veneciana introdujo una característica nueva que afectaría la pintura moderna europea hasta el impresionismo: el valor tonal. A partir de entonces la pintura se compuso de masas de color, cuyas tonalidades proporcionaban una atmósfera única en la que ningún elemento aparecía subordinado al otro. Quien introdujo este tipo de pintura fue Giorgione, al que siguió su discípulo Ticiano, con quien alcanzó el estilo su madurez. 5

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Capítulos Italia Siglo XVII

El arte barroco fue una ruptura del equilibrio renacentista, predominó la emotividad religiosa frente a la razón

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Capítulos Italia Siglo XVII

La arquitectura fue la manifestación más característica del barroco

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Capítulos Italia Siglo XVII

Situación artística

el movimiento de las masas en relación con los espacios, los contrastes acentuados de luz y sombra y un gusto por los efectos escenográficos. La fachada de los inmuebles adquirió gran importancia, independizándose del resto de la obra y llegando a formas muy complejas. En pintura, la luz y el color sustituyeron al perfecto dibujo manierista. Las perspectivas aérea y fantástica tomaron gran importancia y al decaer el dibujo, los planos superficiales fueron sustituidos por una visión más profunda. Las líneas verticales y horizontales se abandonaron por los escorzos, por las ondulaciones, las quebradas y la helicoide. Los temas religiosos volvieron a tener importancia y sólo en los palacios continuó la temática mitológica. En la expresión pictórica barroca se distinguieron Miguel Angel Amerighi el Caravaggio, el Dominiquino, Guido Reni y Pedro de Cortona. Navegar




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Capítulos Italia Siglo XVII

Actividad grabado

Actividad en el grabado La actividad en el grabado, en los últimos años del XVI, fue dominada por la influencia de Agostíno Carracci

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Capítulos Italia Siglo XVII

Actividad grabado

a grabadores. Roma fue centro de convergencia para artistas de otros lugares. De Alemania llegaron Cornelis Cort, Francisco Vellamene, Teodore Kruger. De Francia llegó Philipe Thomassin, acompañado de algunos seguidores. Alemanes y franceses se apegaron a los estilos de los artistas romanos. Las láminas ejecutadas en Italia en ese siglo, con el mismo gusto y casi por la misma mano, sería dificil atribuirlas a tal o cual artista si sus autores no se hubiesen tomado el cuidado de poner su nombre en las mismas. Los pintores rezagados de la escuela de Miguel Angel fueron los que inspiraron a estos grabadores. Esta escuela, exagerada ya bajo la influencia de Baccio Bandinelli, se vio de pronto transformada por la segunda generación de los discípulos del pintor de la Sixtina. 10 25 Navegar




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Capítulos Italia Siglo XVII

Actividad grabado

En este siglo, pocos artistas grabadores tuvieron en Italia un prestigio sobresaliente. La lista se limitaría a los siguientes: Giuseppe Ribera, conocido también como el Españoleto, Stefano della Bella, Giovanni Battista Castiglione, Pietro Santo Bartoli, Guido Reni y Salvatore Rossa. Cuando la fuerza de la escuela de Bolonia mermó, otros artistas devolvieron al arte boloñés su lustre. Guido Reni (15751642) dejó gran número de excelentes cuadros y grabó algunas láminas al aguafuerte. Reni hizo su primer aprendizaje en el taller de D. Calvaert y después acudió a la Academia de los Carracci. Su actividad artística discurrió en Bolonia y en Roma. En esta última ciudad vivió entre 1600 y 1614. En este año retornó a Bolonia, su ciudad natal, para convertirse de inmediato en el principal representante de la escuela boloñesa. Navegar




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Capítulos Italia Siglo XVII

Sileno ebrio Ribera

Actividad grabado

Sus pinturas fueron ejecutadas con facilidad en sus estampas (Santas familias, Cristos y la Virgen). Simón Cantarini, llamado el Pesarese, se acercó mucho a su estilo, pero no logró la perfección en los ropajes de las figuras. La obra gráfica de Reni es realmente poca, limitada a unas cuantas láminas que denotan influencia del Parmesano. “San Jerónimo”, aguafuerte que se le atribuye sin duda, muestra claramente el juego gráfico del autor en el claroscuro y en la línea. La pieza fue realizada alrededor de 1635 y es buen ejemplo del empleo de los recursos gráficos. Giuseppe Ribera (1588-1652) nació en Játiva, ciudad sevillana de España y murió en Nápoles. Pintor y grabador, nació español pero fue italiano por educación artística, autor de unos 18 aguafuertes realizados entre 1621 y 1628. Obras 12 25

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Capítulos Italia Siglo XVII

Actividad grabado

excelentes por la técnica, la pureza del estilo y por los contrastantes valores tonales. Su padre Simón, zapatero de profesión, se impuso grandes sacrificios para enviarlo a la universidad, cuyos resultados fueron medianos. Ribera parecía tener sólo interés en el arte y logró estudiar pintura con Francisco Ribalta en Valencia. Ha resultado difícil situar cronológicamente el tiempo de aprendizaje de Ribera. En 1613 se hallaba ya en Parma, Italia, y por lo menos a partir de 1615 en Roma, de donde un año después se trasladó a Nápoles. En 1616 contrajo matrimonio en esta ciudad con Catalina, hija del pintor y modelador Bernardino Azzolini, con quien tuvo cinco hijos. Se ha supuesto que gracias a su suegro el Españoleto logró irse imponiendo en la entonces capital del virreinato español. Navegar




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Durante años disfrutó la protección del Virrey Duque de Osuna, quien le encargó importante ciclo pictórico para la Colegiata de Osuna. Posteriormente, durante el virreinato del Duque de Alba, el pintor pudo en 1621 volver a Roma. Como español, parecía natural que hubiese recibido la ayuda de Nápoles. Admitido en la Academia de San Lucas en 1644, de Roma llegó a Ribera otro reconocimiento entonces muy ambicionado, la dignidad de Caballero de la Orden de Cristo, concedida por el Papa. A causa de que una de sus hijas fue seducida por el Virrey Juan de Austria, Ribera se recluyó en una villa cercana a Nápoles, buscando rehuir la vergüenza que ello le causó. Ahí pasó el resto de sus días en la inactividad y acaso en la miseria, muriendo el 5 de septiembre de 1652 en Nápoles. Navegar




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En 1621 apareció un grabado, tal vez el primero de una serie fechada en 1624, al que debió Ribera el origen de su fama como grabador. Se trataba de una cabeza grotesca. En esta producción hacía figuras anatómicas lindantes con lo monstruoso, con un realismo que no omitía detalles para revelar las deformidades, en analogía con las indagaciones de Guido Reni en su fase caravaggiesca, y sobre todo de los Carracci, ya conocidos por él. Tales aspectos se advierten mejor en algunos grabados de tema religioso donde viejos santos penitentes y mártires huesudos ofrecían al autor posibilidades de exhibir miembros exasperadamente contorsionados. Sus temas eran santos, ermitaños, mártires arrugados y apergaminados, gigantes mitológicos, filósofos mendigos de cuerpos no menos atormentados. Su obra llevaba una

Durante el siglo XVII Nápoles tuvo un solo representante realmente destacado, y éste fue Ribera,

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nota de realismo y de sensibilidad tenebrosa, de acuerdo a la apreciación de Luigi Mallé. Durante el siglo XVII Nápoles tuvo un solo representante realmente destacado, y este fue Ribera, en quien Caravaggio tuvo una influencia apreciable. El Españoleto fue, por otra parte, el único de los artistas célebres españoles que puede ser mencionado como grabador, aun cuando su desarrollo transcurrió en Italia. Uno de sus grabados más conocidos es “El poeta”, pieza realizada en 1630, de “soberbia invención personal” por su distribución del claroscuro y por su composición. Sobre esta estampa Henri Focillon expresó: “En la economía de un trazo directo, profundo y coloreado por el ácido, hay una potencia de sugerencia dramática, tal vez igual a toda la fantasmagoría de las sombras”. Navegar




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A un lado del poeta son mencionables también, como obras meritorias, el “Maestro de San Bartolomé” y el “Sileno Ebrio”, este último de 1628. En esta obra se muestra la fuerza brutal del artista español, con recio temperamento, con maravillosa sapiencia en el uso de los contrastes. En 1626 Ribera había pintado, por encargo del mercader Gaspar de Roomer, un cuadro que representa al Sileno Ebrio. Pero el aguafuerte y el buril tiene una composición distinta; no es pues una transposición de la pintura a la gráfica sino una nueva versión. La plancha se encuentra desde 1738 en la Calcographia Nazionale de Roma. El grabado fue hecho en Nápoles. Ribera tuvo influencia en la pintura española y en la napolitana. Nacido en Florencia, Stefano della Bella (1610-1664) murió también en esa ciudad, Fue diseñador y grabador. Navegar




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Otra fuga a egipto Della bella

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Salvo una estancia de once años en París, de 1639 a 1650, y una breve permanencia en Amsterdam, vivió toda su vida en Florencia. Tuvo della Bella gran admiración por la obra de Callot y no pudo sustraerse a su influencia, si bien su producción, calculada en unos mil aguafuertes, permaneció típicamente italiana. Para Jean Laran, della Bella es uno de los espíritus más modernos del Seicento italiano. Mallé muestra su reserva en este juicio y lo considera desbordante. Salvatore Rosa (1615-1673) fue originario de Nápoles. En 1632, aproximadamente, trabajó en el taller de F. Francanzano; posteriormente en el de Aniello Falcone, en Nápoles. En 1635 estuvo en Roma. A raíz de los pleitos que tuvo con Bernini se marchó a Florencia en 1640. Nueve años más tarde retornó a Roma, donde desarrolló una actividad muy intensa como 18 25

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dibujante. Su obra gráfica se compone de unas 110 piezas. Murió en esta misma ciudad en 1673. No es muy conocida su obra. “San Guillermo de Maleval” es un aguafuerte de cierta significación, a pesar de lo desconocido del personaje. Habiendo vivido una juventud de libertinaje, Guillermo se volvió un ermitaño en la isla de Lupocaviso, cerca de Pisa. Sus discípulos fundaron la congregación de los guillermitas. El grabador se ocupó de este mismo tema en una pintura que se encuentra en el Museo de Historia de Arte de Viena, y un dibujo que representa el mismo sujeto está en Génova. A ellos se debe que el grabado tenga referencias de enlace y se le recuerde sobre otras de sus obras. Pintor y grabador, Giovanni Benedetto Castiglione (16161670) nació en Génova y murió en Mantua. Fue discípulo de Paggi y de G. A. de Ferrari, en Génova. Navegar




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El genio de Castiglione Castiglione

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sombra parece obvia. La composición es parecida a la de una pintura que se encuentra en una colección privada en Génova. El aguafuerte probablemente fue producido entre 1655 y 56, tiempo en que realizó estampas con esta técnica. “El Genio de G. B. Castiglione”, también aguafuerte, fue editado en Roma en 1648. Se trata de una alegoría de las bellas artes. A. Percy menciona un dibujo propiedad de la Academia de Venecia, hecho para este aguafuerte, grabado probablemente en Génova. El grabado es uno de los más bellos de Castiglione, se dice, puesto que tiene la virtud de haber rebasado el carácter ilustrativo del llamado “grabado de portada”. En el siglo destacó otro artista, Pietro Santi Bartoli, componente destacado de la escuela romana, quien reprodujo con hábil buril gran número de bajorrelieves y de estatuas antiguas. Winckelmann. historiador del arte antiguo, Navegar




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Actividad grabado

aconsejaba a los jóvenes que quisieran tener una idea de las cosas antiguas, que consultaran las estampas de este grabador. Sus estampas de la columna trajana, por ejemplo, ofrecen preciosos detalles sobre los trajes y las armas de los antiguos. Bartoli (1635-1700) trabajó con Giampetro Bellori, erudito de cualidades y conocimientos diversos: arqueólogo, anticuario, coleccionista, crítico, pintor y poeta. Ambos formaron equipo inseparable que ejerció un claro dominio en la actividad editorial artística-arqueológica en la segunda mitad del siglo. Su labor conjunta transcurrió por varios campos y en la arquitectura, particularmente, se volcó sobre la Columna Trajana, la Columna Antoniniana, los grandes sepulcros y los arcos triunfales conservados en Roma. 22 25 Navegar




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Actividad grabado

Hacen notar en el texto de uno de los capítulos del libro Ex Roma Lux (Electa, Madrid, 1997) Martha Carrasco Ferrer y Miguel Angel Elvira Barba, «el criterio más científico y menos dominado por intenciones estéticas o teóricas» de ambos personajes, el grabador y el sabio. Bartoli fue discípulo de Poussin y pronto se especializó en las técnicas del grabado, con gran rigor en su trabajo. Era coleccionista también, y tratadista erudito, pero «prefirió aportar la parte gráfica a los estudios de su amigo Bellori, un investigador de mucha mayor entidad que él». Obra notable realizada por esta colaboración fue el libro Admiranda Romanarum Antiquitatum ac Veteris Sculpturae Vestigia, aparecido en 1693. Resulta consecuente mencionar también a otro grabador que precedió a Bartoli, el francés Francois Perrier (1594-1649), Navegar




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quien había continuado en cierto modo el desempeño del grabador Giovanni Battista Cavalieri (1525-1601). Ello muestra que el grabado se había ocupado ya de reproducir, con buen nivel técnico y artístico, las antigüedades arquitectónicas y escultóricas de Roma. Perrier vivió en esta ciudad entre 1635 y 1645, trabajando con éxito. Artista de origen borgoñón, había sido discípulo de Lanfranco y en su turno maestro de Charles le Brun. Entre sus amigos se encontraban Jean Vouet, Poussin y Pietro da Cortona. El grabador dedicó buena parte de esta estancia en Roma para llevar a la estampa edificios y estatuas antiguos. La obra Segmenta Nobilium Signorum et Statuarum se componía de cien grabados, que el artista vendió con relativa facilidad. Este compendio se completó con una segunda parte 24 25 Navegar




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Capítulos Italia Siglo XVII

Actividad grabado

que incluía grabados sobre relieves antiguos, aparecido en 1645, con lo cual selló su estancia en esa ciudad. Perrier pintó al óleo y realizó numerosos frescos, pero fueron estas dos obras las que le dieron su nombradía. Menciona Carrasco Ferrer –en otro texto del libro ya mencionado– que buena parte de la perdurable fama de Perrier se debió al módico precio de sus grabados. «En cuanto a calidad, pronto fueron superados por los que realizó Pietro Santi Bartoli.» Otros grabadores extranjeros trabajaron a finales del siglo anterior y en este del XVII en Italia, pero de modo particular, por la importancia de la obra y la duración de la estadía, Perrier se puede asimilar a este desarrollo incipiente del vedutismo italiano que alcanzaría con el Canaletto y Piranesi, en el siglo siguiente, una culminación. Navegar




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ITALIA SIGLO XVIII Situación histórica Situación artística Actividad en el grabado

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Situación histórica

Situación histórica El reconocimiento de Felipe V como rey de España, que culminó la guerra conocida como la Sucesión Española en 1714 con los Tratados de Utrech y de Rastadt, le acarreó varios compromisos: la renuncia de sus derechos a la corona francesa y la cesión de los Países Bajos, Luxemburgo, el Milanesado, Nápoles, Cerdeña y Sicilia. Siendo Austria uno de los países beneficiados con el reparto al adquirir el Milanesado, Cerdeña y Nápoles, fortaleció su posición en el territorio italiano. Así, el dominio austríaco sobre la península sucedió al español. El derrocamiento del poder español fue visto por los italianos como el inicio de una era de libertad, pero sin concretarse todavía el ideal de unidad. Bajo los austríacos, a Navegar




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Capítulos Italia Siglo XVIII

En la Italia del siglo XVIII, el progreso material y cultural alternó con un absolutismo político radical

Situación histórica

lo largo de la segunda mitad del siglo, Italia conoció las ventajas y los inconvenientes del despotismo ilustrado. El progreso material y cultural alternó con un absolutismo político radical. Por su ideología liberal, la revolución francesa vino a chocar con el imperio austríaco. Ello cambió el cuadro geopolítico italiano. En 1794 los ejércitos franceses cruzaron los Alpes. Una corriente popular y liberal de simpatía hacia la revolución francesa facilitó esta nueva conquista. Hubo cambios como la conversión de los Estados Pontificios en la República Romana (1798), nuevas cesiones a Francia de Saboya y Niza, y finalmente la Alianza Austrorrusa, en 1799, consiguió expulsar de Lombardía a los franceses, iniciándose de esta manera el declive del poder francés en Italia. 2

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Situación histórica

Tras contraer matrimonio con Isabel Farnesio, duquesa de Parma, Felipe V pudo intervenir en los asuntos italianos. Sus hijos Carlos, futuro Carlos III de España y Felipe, se instalaron respectivamente en Nápoles y en Parma. Por ello, España siguió con un pie en ese país otrora ocupado por la corona española.

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Situación histórica

entre 1753 y 55, y considerarlo como el único ejemplo de reciprocidad entre su pintura y su gráfica. Tiépolo grabó una serie de 23 aguafuertes bajo la identificación de los Caprichos y los Scherzos de Fantasía, de los cuales se nombran “La Tumba de Pulcinella” y “Dos Reyes y un Muchacho Observan una Serpiente”. Esta serie se sitúa entre los años finales del 50 al 70, año de la muerte del pintor y grabador.

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Capítulos Italia Siglo XVIII

Situación artística

Situación artística La unidad intelectual de la Ilustración proclamó la primacía de la razón

La unidad intelectual de la Ilustración proclamó la primacía de la razón, el papel esencial de la ciencia y la técnica y la afirmación del derecho a la libertad y la felicidad terrena. Estas ideas condujeron a un esfuerzo sistemático de desacralización del pensamiento y de la vida. Los valores morales de la Ilustración representaban la rehabilitación del individuo como ser racional y sensible y su libertad de seguir las leyes de la propia naturaleza. De este modo, la búsqueda del placer, la felicidad y la satisfacción de las pasiones pasaron a ser impulsos legítimos. Se promovieron, principalmente por la burguesía, nuevos valores como la tolerancia y la humanidad. 5

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Capítulos Italia Siglo XVIII

El arte rococó fue una especie de punto final del barroco

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Capítulos Italia Siglo XVIII

En la arquitectura neoclasicista se suprimieron los elementos superfluos del barroco

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Capítulos Italia Siglo XVIII

Situación artística

El arquitecto Alejandro Galilei introdujo componentes clásicos en las fachadas de San Juan de Letrán en Roma, que ofrecía un barroco tardío. Su obra más importante fue la Iglesia de los Florentinos, en la cual triunfó ya plenamente el espíritu neoclásico con el empleo del órden dórico. Otros arquitectos impulsaron también estilos clasicistas como Giuseppe Piermarini, cuya principal obra, basada en la arquitectura renacentista, el Teatro de la Scala de Milán, fue realizada con simplicidad extrema. En Italia, la pintura del francés Jacques Louis David creó una verdadera corte de seguidores, de los cuales destacó Victorio Camuccini en Roma, discípulo de aquél y uno de sus más ardientes propagadores. En Milán, Andrea Appiani llevó al óleo la pintura neoclásica de tema napoleónico. En Florencia se distinguió Pierre Benvenuti, decorando algunas salas del Palacio Pitti con temas mitológicos. En Venecia trabajaban artistas notables como Tiépolo y Canaletto. Navegar




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Capítulos Actividad grabado

Italia Siglo XVIII

Actividad en el grabado En Venecia se dio un desarrollo diverso y original de la obra gráfica

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Capítulos Actividad grabado

Italia Siglo XVIII

Antonio Canaletto fue uno de los artistas más apreciados en la obra de panoramas o vistas

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Italia Siglo XVIII

Canaletto con su observación meticulosa de la luz anticipó características de la pintura al aire libre del siglo XIX

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Italia Siglo XVIII

El pórtico con la linterna Canaletto

gran sentido de la perspectiva y de la escenografía. Su tratamiento de la luz, de índole muy personal, fue en su obra un elemento de gran importancia. Su observación meticulosa de la luz anticipó características de la pintura al aire libre del siglo XIX. Canaletto fue hijo de Bernard Canal, pintor de teatro. En su primera etapa de trabajo fue escenógrafo pero gradualmente se fue alejando de esta modalidad del oficio pictórico para perseverar en el arte del paisaje, de la vida popular veneciana. Probablemente esta especialidad le fue inspirada por una estancia en Roma entre 1719 y 20, donde conoció pintores holandeses de “vistas”, observadores atentos de la realidad, que le trasmitieron ideas precisas de la perspectiva. 12 26

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Canaletto perseveró en el arte del paisaje, de la vida popular veneciana Navegar




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Italia Siglo XVIII

Vista de Venecia Canaletto

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Italia Siglo XVIII

Vista interior de Zwinger en Dresde Belloto

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Italia Siglo XVIII

volúmenes, aparecidos en los años de 1612, 1613 y 1615, y quien pudo ver la salida de ocho ediciones de este conjunto de vistas sobre ruinas, palacios y reconstrucciones de la vida antigua. Sus grabados tuvieron tanto éxito, que todavía a finales del siglo XVII los reeditaba el impresor Domenico de Rossi. «A principios del siglo XVIII -dicen Carrasco y Elvira Barbacambia el perfil del viajero que llega a Roma con deseos de visitarla. Surge por entonces la figura del hombre acomodado que viaja por placer y que puede llegar a escribir unas memoras de sus andanzas. «La educación de esta aristocracia se enfoca hacia el conocimiento completo de Europa, con un largo viaje encaminado a aprender cortesía en Francia, libertades políticas y religiosas en Suiza y, sobre todo, arte en Italia. Esta mentalidad Navegar




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Italia Siglo XVIII

El Coliseo Vasi

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Italia Siglo XVIII

Vista de los restos de Pro Naos Piranesi

atento a los detalles de sus modelos. Vasi produjo grabados para una obra ambiciosa que le tomó catorce años preparar, de 1747 a 1761, bajo el título Magnificencia de la Roma Antigua y Moderna. Ambas producciones, las de Overbecke y la de Vasi, pueden tomarse como las que abrieron el camino a las de Piranesi. Tuvo como maestro Gianbattista Piranesi (1720-1778) a Giuseppe Vasi. A los veinte años se trasladó Piranesi de Venecia, su tierra natal, a Roma, ciudad donde vivió la mayor parte de su existencia, muriendo ahí. Empezó su profesión como arquitecto. Ya en 1743 publicó un primer tratado de arquitectura y perspectiva, y siete años después publicó otro trabajo en el que hizo algo más que reproducir y proyectar monumentos. De aquí sacó Piranesi temas para realizar grandes composiciones pictóricas. 18 26

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Italia Siglo XVIII

Recién llegado a Roma, las circunstancias económicas lo obligaron a grabar vistas destinadas a guías para orientar a los viajeros. Estas fueron imágenes rápidas, convencionales y pobres artísticamente, en su mayoría. Pese a ello, las láminas que se refieren a ruinas de la antigüedad presentaban rasgos distintos que evidenciaban una aplicación atenta por parte del diseñador y grabador. Estas láminas consagraron a Piranesi como un maestro en la técnica del aguafuerte, con gran control en el manejo del ácido para la consecución de gradaciones de luz y sombra. En sus primeras vistas realizó un tratamiento sencillo, con un dibujo cuidadoso y exacto, distinto al lenguaje rebuscado que usaría en los aguafuertes de los Arcos Triunfales. Las estampas fueron vistas con luz de verano, sin las densas sombras negras y 19 26 Navegar




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Italia Siglo XVIII

La obra de Piranesi contribuyó a la propagación del estilo neoclásico e influyó poderosamente en la creación del estilo imperio

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Italia Siglo XVIII

Con Piranesi, la Italia del siglo XVIII cierra su tiempo con un digno representante del grabado

Las prisiones Piranesi Navegar




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Capítulos Actividad grabado

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Piranesi halló en el ruinismo un modo de elevar los despojos de las construcciones a la categoría del arte

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Capítulos Actividad grabado

Italia Siglo XVIII

Adoración de los Magos Tiepolo

hay fuertes contrastes de luz, producto de la expresión barroca. La obra del Veronés lo indujo a abandonar el luminismo barroco en favor de una luminosidad del colorido en su totalidad. En 1726 Tiépolo se trasladó a Udine para decorar la Capilla del Sacramento en la catedral y ejecutar el ciclo mural del Palacio del Arzobispado. Con los frescos de Udine, Tiépolo cerró su ciclo juvenil pero empezó una larga tarea como fresquista, con grandes momentos en Wurtzburgo, Venecia, Milán y Madrid, entre otras ciudades. El veneciano tuvo una gran movilidad y su obra mural fue considerable. En Madrid, donde murió. le tomó cinco años la realización del mural “La Gloria de España”, en el techo del Salón del Trono del Palacio Real. Este y “La Apoteosis de la Monarquía Española” en la Sala de Guardia, fueron las últimas piezas de su actividad en los muros. 23 26

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Italia Siglo XVIII

Tiépolo tuvo como asistentes a sus dos hijos, Giandoménico y Lorenzo, quienes le acompañaron en importantes obras, por lo menos a partir de 1750, cuando el pintor fue requerido para la decoración del comedor del Palacio de Wurtzburgo, en Franconia, con temas de la vida de Federico Barbarroja. De nuevo en Venecia, en 1756 se le nombró Presidente de la Academia de Venecia. El pintor tenía ya un sólido prestigio y una obra numerosa, con más de treinta años de camino. Tiépolo llegó a Madrid en 1762, llamado por el rey Carlos III de España para hacerse cargo de trabajos muralísticos en el Palacio Real. Él y sus hijos permanecieron durante ocho años en ese país, en la corte madrileña, lugar donde terminó sus días. Representó el ejemplo veneciano en el medio del arte español, una de las corrientes dominantes. La otra era del academismo 24 26 Navegar




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Italia Siglo XVIII

secular, sostenido por el pintor Antonio Rafael Mengs. Su obra fue seguida por alumnos y algunos imitadores. Calificado como el representante más notable de la pintura veneciana del siglo XVIII, Tiépolo produjo también estampas de calidad, aun cuando su número fue limitado en comparación con sus dibujos y sus pinturas. Produjo trabajos en aguafuerte que figuran entre las piezas más destacadas de la gráfica veneciana, a un lado de los grabados de vistas. Henri Focillon refiere que realizó unos 35 aguafuertes, que constituyen “una expresión sabrosa de su genio”. Una de sus estampas más conocidas es la “Adoración de los Reyes Magos”, de la cual dice M. Santifaller que el pintor tuvo la intención de grabar este aguafuerte como boceto para una pintura cuyo destino era Munsterschwarchaz. No se sabe gran cosa de esta pintura, pero el hecho permite situar el aguafuerte Navegar




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Italia Siglo XVIII

entre 1753 y 55, y considerarlo como el único ejemplo de reciprocidad entre su pintura y su gráfica. Tiépolo grabó una serie de 23 aguafuertes bajo la identificación de los Caprichos y los Scherzos de Fantasía, de los cuales se nombran “La Tumba de Pulcinella” y “Dos Reyes y un Muchacho Observan una Serpiente”. Esta serie se sitúa entre los años finales del 50 al 70, año de la muerte del pintor y grabador.

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ITALIA SIGLO XIX Situación histórica Situación artística Actividad en el grabado

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Capítulos Italia Siglo XIX

Situación histórica

Situación histórica La alianza austrorrusa, que logró a principios del siglo expulsar a los franceses, fue el inicio del declive del poder francés en la península italiana; caída que ocurrió con el desastre de Waterloo. El Congreso de Viena compuso entonces el nuevo mapa político de Italia, favorable para Austria, que pasaba a señorear Lombardía y Venecia. El restablecimiento de la influencia austríaca resucitó el absolutismo monárquico, poniendo fin a la liberación introducida por los franceses. En el transcurso de un siglo surgieron grupos que se opusieron abiertamente al poder austríaco, que fueron una y otra vez derrotados. Pero las revueltas, reprimidas violentamente, terminaron por agitar a los Estados Pontificios Navegar




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Capítulos Italia Siglo XIX

Situación histórica

y a los ducados de Parma y Módena. En 1848 diversos acontecimientos hicieron cristalizar una corriente ideológica que afirmaba los ideales de unificación y liberalización, y que marcaron el proceso definitivo hacia la unidad. El advenimiento del papado de Pío IX, quien introdujo en los Estados Pontificios reformas de corte liberal, hizo surgir en distintos puntos una corriente popular que proclamaba el fin del absolutismo. Estalló la insurrección primeramente en el reino de las dos Sicilias y pronto los gobiernos tuvieron que conceder constituciones. Carlos Alberto de Cerdeña, con el apoyo de Lombardía, Venecia, Módena, Parma y Sicilia, emprendió la lucha frontal contra la ocupación de los austríacos. La dinastía piamontesa, con Víctor Manuel II, hijo de Carlos Alberto, se convirtió en la portadora del ideal de la unificación,

A fines del siglo XIX Italia comenzó una aventura colonial que terminó en desastre

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Capítulos Italia Siglo XIX

Situación histórica

apoyada desde el exterior por Napoleón III. En 1859, una alianza francopiamontesa, impulsada por Camilo B. Cavour, se enfrentó a Austria. Tras las batallas de Magenta y Solferino, favorables a los aliados, la paz de Zurich puso fin a la contienda. En 1860 ascendió al trono Humberto I, en cuyo reinado se aprobaron importantes leyes que consolidaron la base institucional del nuevo estado. A fines del siglo Italia comenzó una aventura colonial que terminó en desastre. La frustración nacional por este fracaso y la baja de los precios agrícolas, que acentuó la miseria, provocaron una profunda crisis social que afectó todo el país. Hubo represión violenta a las revueltas del hambre y en este estado de cosas terminó el siglo, ocurriendo el asesinato por un anarquista, en 1900, del monarca Humberto.

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Capítulos Italia Siglo XIX

Situación artística

Situación artística Tras la corriente neoclásica, cuyo personaje más notable fue el escultor Antonio Canova, el artista italiano del siglo XIX se instaló en un academicismo sin personalidad, manifestado tanto en la arquitectura como en la escultura y en la pintura. La pintura neoclásica se caracterizó por el frío academicismo de los puristas. A finales de la centuria surgió en la Toscana un movimiento paralelo al impresionismo pero que no alcanzó los resultados de la escuela francesa. Este movimiento fue el de los macchiaioli. Giovanni Fattori fue el principal representante de los macchiaioli (tachistas), que en la Toscana se impuso en contra de toda regla neoclásica, en favor de una pintura realista que él practicó. Fattori había estudiado en la Academia de Bellas Artes Navegar




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Capítulos Italia Siglo XIX

Situación artística

de Florencia, aunque después basó su pintura en la mancha colorista y no en el dibujo. Algunos han visto en él cierto parecido con los impresionistas franceses. Y no fue el único que recordaba a estos pintores. Giovanni Sagantini, principal representante de la corriente divisionista que hubo en Milán a fines del siglo, derivó del impresionismo francés con una paleta de colores claros y atmósferas luminosas. Y aún Telémaco Signorini, en su cuadro de la “Plaza de Settingnano”, se acercó a Degas por la atmósfera y la composición. En Florencia fue Signorini el más notable de los tachistas macchiaioli.

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Actividad grabado

Actividad en el grabado

Bosque con pastora y vacas Fontanesi

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Las pinturas de madurez de Fontanesi fueron composiciones inclinadas a la solemnidad y la melancolía

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Giovanni Fattori destacó como pintor realista de tendencia romántica

Actividad grabado

principal se compone de aguafuertes, bellos, sobrios, con línea incisiva que describe paisajes melancólicos. Su obra gráfica no fue numerosa pero se considera importante por su calidad y porque son de las pocas obras notables que se realizaron en esos años. Más importante fue Giovanni Fattori (1825-1908), nacido en Livorno y muerto en Florencia. Pintor y g r a b a d o r, e n t re 1 8 8 0 y 1 9 0 0 g r a b ó u n o s 2 0 0 aguafuertes sobre placas de zinc, con escenas de la campiña toscana y temas militares. Fattori estudió primero en su ciudad natal y después en Florencia, entre 1846 y 48, al lado de Giuseppe Bezzuoli, pintor realista de tendencia romántica. Esta formación le marcó durante muchos años. 8

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Capítulos Italia Siglo XIX

Escena militar Fattori

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Actividad grabado

Recibió el nombramiento de profesor de la Academia de Florencia en 1869 y durante muchos años continuó pintando cuadros militares y escenas rústicas. Su lenguaje pictórico se caracterizó entonces por una acentuación en la construcción gráfica, a la que después se añadiría, se dice, un sentimentalismo propio del verismo social. En 1875 visitó París, sin que el impresionismo que vio le haya dejado, curiosamente, una huella apreciable. También ejecutó retratos que recuerdan los modelos de Bezzuoli. Y habremos de referirnos en particular a un conjunto de grabados que han contribuido a que fuera tomado como la personalidad más fuerte del movimiento macchiaioli. Pinturas y aguafuertes suyos se encuentran en Florencia, Liorna, Milán y Roma. Fattori, se dice, vivió aislado del ambiente de la estampa. No poseía una gran preparación técnica y ejecutaba estos trabajos Navegar




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Actividad grabado

mas bien por la necesidad de llevar a la plancha de cobre cuanto se ofrecía de interés. Las pocas láminas que fueron impresas las destinó a sus amigos. La mayoría de las piezas que circularon posteriormente a su muerte, provenían de tirajes póstumos.

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FRANCIA SIGLO XV Situación histórica Situación artística Actividad en el grabado

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Capítulos Francia Siglo XV

Situación histórica

Situación histórica La primera mitad del siglo XV en Francia estuvo señalada por la guerra de los Cien Años contra los ingleses, guerra iniciada en 1339 y en la cual los móviles y los objetivos fueron cambiando conforme el paso del tiempo. En lo que corresponde al siglo, un segundo período del conflicto comenzó con las pretensiones de Enrique V de Inglaterra a la corona de Francia, quien lanzó al país francés dos poderosas expediciones bélicas en 1415 y 1417, que le dieron una victoria, protocolizada con la firma del Tratado de Troyes, muy favorable para los ingleses. Juana de Arco logró algunas victoras en 1429-30, compensando las derrotas sufridas por las tropas francesas. Cinco años adelante, y aún en 1444, hubo intentos por Navegar




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Capítulos Francia Siglo XV

Una vez terminada la Guerra de los Cien años con Inglaterra, Francia quedó en condiciones favorables para su desarrollo

Situación histórica

establecer una paz duradera. A continuación la guerra entró en su etapa final, en la que los franceses lograron expulsar a los invasores (Capitulación de Normandía, en 1450). Con la batalla de Castillón y la rendición inglesa en Gascuña, en 1453, se puso final a este larguísimo conflicto. Terminó la guerra pero el país no conoció el sosiego. Prosiguieron hechos internos de armas. Luis XI se enfrentó con el duque de Borgoña, Carlos el Temerario, cuya muerte en 1477 permitió la incorporación al país de Picardía y Borgoña. Después se anexaron los territorios de Anjou, Maine y Provenza. Carlos VIII completó a finales del siglo la unidad territorial, al casarse con Ana de Bretaña, heredera de este condado. Francia, en suma, salió de la guerra de los Cien Años con la autoridad real reforzada, en condiciones favorables para su desarrollo posterior. Esto significó abundante población, 2 13

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Capítulos Francia Siglo XV

Con el empuje de la burguesía se favoreció el comercio, la industria y el arte

Situación histórica

mejoramiento en los precios de los productos agrícolas y, por lo tanto, mejoras al campesino. A esto se añadió el fortalecimiento de una potente burguesía que impulsó el comercio, la industria, y en cierta medida el arte.

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Situación artística

Situación artística

El estilo gótico internacional se gestó por la fusión de rasgos franceses, flamencos e italianos

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Situación artística

Las obras maestras de este estilo que triunfó hasta principios de siglo XVI, deben buscarse en las miniaturas de los manuscritos ejecutados para el fastuoso duque de Berry, sobre todo en las Tres Riches Heures de los hermanos Limbourg. También los cuadros de la época están impregnados de este estilo, y de modo especial el calvario del “Martirio de San Dionisio”, pintado quizás por Henri Belechose, terminado en 1416 para la cartuja de Champmol, lugar donde fueron sepultados los duques borgoñones, a las puertas de Dijon. El triunfo del estilo cortés impuso a toda Europa occidental el gusto por el lujo y el arabesco elegante. Pero a causa de la devastación por la guerra de los Cien Años, Francia vivía un período dificil. Habían muerto los grandes mecenas. El Delfin Carlos VII luchaba por su trono y aunque los miniaturistas

El triunfo del estilo cortés impuso a toda Europa occidental el gusto por el lujo y el arabesco elegante

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Capítulos Francia Siglo XV

Situación artística

parisinos continuaban trabajando para los ingleses y los borgoñones, los centros principales de la actividad artística se establecían en las fronteras del reino. En Niza, en Marsella y en Aviñón se preparaba el inminente florecimiento de la escuela provenzal. Felipe el Bueno, duque de Borgoña, continuó la tradición de mecenazgo pero reclutó a casi todos sus artistas en Flandes. Aunque la pintura continuaba tratando asuntos que eran herencia del Duecento como la vida de María, la Vírgen con el niño, la vida de los santos, temas que naturalmente recogería el grabado, las escenas de la vida pública de Jesús se hacían más frecuentes, sobre todo las de la Pasión, manejadas ahora con un realismo nuevo. El juicio universal continuaba suspendiendo sobre la gente la amenaza del 6 13 Navegar




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Capítulos Francia Siglo XV

Jean Fouquet, gran figura artistica, inició la pintura renacentista francesa

Situación artística

castigo eterno. Los elegidos llenaban el Paraíso y los réprobos se retorcían bajo los más refinados suplicios. En este estado de cosas apareció Jean Fouquet, la figura artística más grande de este estilo en Francia, iniciador de la pintura renacentista francesa. Fouquet había estudiado en París en una escuela de miniaturistas en la que sobrevivían todavía reminiscencias del arte gótico. De primordial importancia fue su trabajo realizado en 1450 para el libro de Las Horas de Esteban Chevalier. En esta obra el pintor ofreció un panorama de París del siglo XV. Esta labor de crónica artística fue complementada con las ilustraciones que hizo para el libro de las Grandes Crónicas de Francia, en donde describió la vida ciudadana. 7 13

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Capítulos Francia Siglo XV

Situación artística

No hay duda que en pintura Fouquet fue la estrella solitaria de la Francia de ese siglo, en que hubo mucha actividad artística pero ninguna gran personalidad como la suya.

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Capítulos Francia Siglo XV

Actividad grabado

Actividad en el grabado

Virgen de Lyon Anónimo

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Capítulos Francia Siglo XV

Actividad grabado

Belial o el Consuelo de los Pobres Pecadores (1484) y otras obras fueron ornamentadas con grabados xilográficos, si bien no pueden considerarse significativos artísticamente. Las publicaciones de Antoine Verard, y entre ellas La Mar de Historias, impresa por Jean Dupré en 1491, son las primeras en las que el arte empieza a desempeñar un papel de importancia. Los cortes de buril son aún toscos pero la invención tiene aciertos. En La Danza de los Muertos, impresa por primera vez en 1485 bajo la dirección de Verard, se hayan láminas de interés, dignas de enaltecer a grabadores que empezaron a ser artistas. Libros de escenas históricas o descripciones romanescas inspiraron los adornos de los libros de horas destinados a meditaciones religiosas. El grabado en madera encontró en Navegar




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Capítulos Francia Siglo XV

En este tiempo, la industria invadió el arte, desnaturalizándolo, pues la necesidad de vender barato produjo obras que lejanamente se parecían a las primitivas

Actividad grabado

estas obras de piedad fácil salida. Atentos los editores de los deseos del público, emplearon a muchos artistas que no fueron conocidos. Pero al menos dos impresores han quedado en la memoria: Verard y Simon Vostre. Los temas transcritos fueron el Antíguo y el Nuevo Testamento y algunos profanos. Figuras sencillas que expresan la animación de la vida, con influencia extranjera. Como todo arte primitivo, estas obras tienen cierta expresividad, cierta gracia en las figuras que compensan la ciencia en la composición y dispensan las fallas del dibujo y las imperfecciones formales. Fueron muchos los impresores que pusieron sus prensas al servicio de la industria naciente. Philipe Pigouchet se asoció con Vostre para publicar en 1488 un libro de horas. Otros impresores como Guillermo Godart y Francois Regnault hicieron libros curiosos, aunque de mérito artístico pobre. 11 13

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Capítulos Actividad grabado

Francia Siglo XV

Los ingleses conducen a Juana de Arco Anónimo

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Capítulos Francia Siglo XV

Actividad grabado

Se nota en estas piezas la influencia extranjera: algunas piezas tiran hacia el arte alemán, otras hacia el flamenco. Pero la mayoría parecen inspiradas por los miniaturistas franceses.

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FRANCIA SIGLO XVI Situación histórica Situación artística Actividad en el grabado

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Capítulos Francia Siglo XVI

Situación histórica

Situación histórica La sólida situación del país estimuló a Carlos III intervenir en Italia, intentando reivindicar, sin éxito, la corona de Nápoles como herencia de los Anjou. Esta política intervencionista, rivalizadora con España, fue proseguida por su primo Luis XII, de la Casa de Orleans, al incorporarse el Milanesado. La península italiana fue el escenario de los enfrentamientos entre la monarquía francesa, heredera de los Anjou, y la monarquía hispánica, sucesora de los derechos de la corona catalanoaragonesa. Al final, Francia resultó expulsada de la península italiana y Cerdeña, Sicilia, Nápoles y el Milanesado quedaron incorporados al régimen hispánico. La elección de Carlos I como emperador de Alemania, en 1519, rodeó a Francia con las posesiones de los Austria. Navegar




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Capítulos Francia Siglo XVI

Las guerras religiosas pusieron en peligro los reinados de Francisco II, Carlos IX y Enrique III

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Situación histórica

señalaría uno de los episodios más sangrientos en la historia de las guerras religiosas. La muerte de Enrique III en 1589 (quien había hecho concesiones a los protestantes), dejó como heredero al protestante Enrique de Borbón, rey de Navarra. La Liga pidió ayuda a España, pero la conversión de Enrique (IV) en 1593, le facilitó el acceso al trono. El nuevo rey, primero de la dinastía de los borbones, restableció el orden interno, respetando la libertad de cultos. El Edicto de Nantes de 1598 favoreció a los hugonotes y puso fin a las guerras internas de la religión. Ese mismo año la paz acordada entre el monarca francés y Felipe II, dio fin también a la guerra con España. Felipe moriría ese mismo año.

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Situación artística

Situación artística

La difusión del renacimiento italiano en Francia propició el predominio de la tradición clásica del arte por cuatro siglos Navegar




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Situación artística

Empero, desde finales del XV, Carlos VIII había adquirido diversas piezas escultóricas de la antigüedad clásica. A partir de entonces el patrimonio de la corona francesa se enriquecería incesantemente con obras de género, gracias a la labor coleccionista de diplomáticos, militares y prelados establecidos en las posesiones de Italia. Con respecto a la pintura, no fue sino hasta el reinado de Francisco I (1515-1547), cuando la monarquía mostró un gran interés por la pintura. Se debe a este rey, protector de las letras y de las artes, la creación de una pinacoteca en el Palacio de Fontainebleau. El inmueble acogió decoraciones murales de artistas italianos, singularmente de Rosso y Primaticio. La pintura en este tiempo estuvo pues esencialmente representada por la escuela de Fontainebleau, surgida de los 5 Navegar




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Capítulos Francia Siglo XVI

Cousin destacó en pintura, escultura y grabado, además, introdujo la pintura de desnudo en el país galo

Situación artística

modelos introducidos por estos dos pintores y que produjo personalidades excepcionales como Jean y Francois Clouet, Jean Cousin y un grupo de miniaturistas y retratistas, fieles a la tradición franco-flamenca. Cousin, que se distinguió en pintura, escultura y grabado, tuvo además el mérito de introducir la pintura de desnudo en el país galo. Los Clouet eran de origen flamenco; a esta influencia y a la de los maestros italianos mencionados se debe el estilo de sus obras renacentistas. Jean -padre de Francois- pintó un retrato de Francisco I, pieza fastuosa por las telas de la indumentaria del modelo, ejecutada probablemente en 1535. Francois proseguiría también la técnica del retrato.

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Capítulos Francia Siglo XVI

El estilo de Fontainebleau se consideró como cortesano y significó una línea temática distinta a la pintura religiosa Navegar




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Capítulos Actividad grabado

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Actividad en el grabado El más fecundo de los maestros franceses, Salomón Bernard, fue conocido como el Pequeño Bernardo

En este siglo, la influencia del Renacimiento hizo posible el deseo de renovación. Francia tomó parte en el movimiento con pintores, arquitectos y escultores. El grabado también estuvo presente, principalmente en la madera. Los grabadores tallaron con destreza y finura sobre excelentes modelos, siguiendo con fidelidad la obra inspirada, sacrificando su propia personalidad en ellas. El más fecundo de estos modestos maestros franceses, Salomón Bernard, fue conocido como el Pequeño Bernardo. Nunca firmó una lámina con su nombre o monograma, pero fue identificado posteriormente en una edición de 1680 de La Biblia. Sus pequeñas composiciones están animadas por 8

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Capítulos Actividad grabado

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multitud de figuras distribuidas, elegantemente dibujadas. El arte francés presenta aquí los caracteres de su originalidad, de su espíritu y ligereza. Las estampas del Pequeño Bernardo, que no fueron pocas, estimularon a otros artistas. “La boga singular del Pequeño Bernardo no tardó en originar entre otros artistas el deseo de ejercitarse en el género, haciéndose hábiles en poco tiempo. Encargáronles entonces los editores señales para distinguir los libros que publicaban, después florones, remates de capítulos, letras iniciales, pequeños adornos en que brilla un mérito excepcional y que prueban que el arte se introducía por todos lados. Desgraciadamente, es mucha la dificultad para clasificar las publicaciones de la época. Es indudable que las hicieron distintos artistas, pero ninguno tuvo la precaución de firmar sus estampas”, dice Duplessis. Navegar




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Francia Siglo XVI

Enrique II a Caballo Tory

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Francia Siglo XVI

La expresión más intensa la alcanzó Duvet, con los trabajos al buril sobre el tema del apocalipsis

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Duvet estudia el Apocalipsis Duvet

le otorgó al grabador el privilegio de la publicación de esta serie de grabados en cobre. El libro fue publicado en Lyon en 1570. El Apocalipsis, último libro del Nuevo Testamento, se ha interpretado como una parábola profética de la historia del hombre y el fin del mundo. Esta visión aún causaba inquietud y temor en el tiempo de Duvet. La lámina intitulada “Jean Duvet estudia el Apocalipsis”, que es la primera de la serie, señala gran influencia gótica. Arthur M. Hind, estudioso inglés del arte, dice que la serie tiene un clima más irreal que el Apocalipsis de Durero, sobre quien Duvet frecuentemente se inspiró. Mantegna influyó también en el francés. Así se observa en una de sus mejores piezas, “El Martirio de San Sebastián”. 12 31

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Francia Siglo XVI

El Rey recibe regalo de un cazador Duvet

Otro buril de 1560, “El Rey Recibe el Regalo de un Cazador”, forma parte de una serie de seis grabados que hacen alguna referencia a los amores de Enrique II con Anna de Poitiers. Aquí las composiciones fueron ejecutadas en su estilo propio, ya más perfilado. En este año del 60, Duvet ejecutó también otra de sus series más importantes, “La Licorna”, trabajo por el cual se le conoció como el Maestro de Licorna. El grabador tuvo con frecuencia ideas pueriles y en los últimos años su obra se definió como una renuncia a la clara profundidad del espacio, en favor de una monumentalidad efectista. Esta obra tardía, del Apocalipsis en adelante, es un abigarramiento de elementos anecdóticos y ornamentales, una especie de horror al vacío, propio de las tablas muralísticas. 13 31

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Son composiciones confusas, caóticas, apretujadas, e incluso el dibujo se muestra lleno de incorrecciones. Pero este fue el mejor mundo que pudo ofrecer el grabador, un producto de la imaginación exaltada, inscrito en el metal en un tejido finalmente evocador de lo maravilloso. Dos artistas leoneses, Claude Corneille y Jean de Gourmont firmaron sus estampas con sus monogramas. Guiados probablemente por los pequeños maestros en madera que florecían en Lyon en el XVI, desplegaron en el cobre una habilidad análoga a la de sus coetáneos. Sobresalieron en composiciones pequeñas. Gustaban de hacer arquitecturas complicadas; poblaban sus pórticos o rotondas con personajes bíblicos o fabulosos. Otro gran artista de este período renacentista ya mencionado, Jean Cousin padre (1490-1561), arquitecto, Navegar




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pintor, escultor y vitralista, manejó también el buril. Originario de Sens, de modesta familia de viñadores, tuvo aquí (entre 1512 y 15) como maestros a dos pintores-vitralistas, quienes trabajaban en la catedral. A él mismo se atribuyen dos vitrales, uno en la misma catedral de Sens en 1530, y otro en la capilla de Nuestra Señora de Loreto, en 1542. En su primera época de trabajo, Cousin fue pintor y vitralista. En 1526 aparecía calificado en las actas notariales como pintor y arquitecto. En las crónicas del monasterio de Vaulvisant, hacia 1530, se daba cuenta de su actividad como pintor. Se estableció en París en 1540. Al año siguiente firmó contrato para diseñar cartones para tapices, con seis episodios de la vida de Santa Genoveva, destinados a la cofradía de Santa Genoveva del Monte. Navegar




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Fueron bien las cosas para Cousin. Compró un terreno próximo a la puerta de la villa de Saint-Germain, en la esquina de la calle de Sena y la nueva calle de Marais, donde mandó construir una gran mansión, compuesta por varios edificios, con patio y jardín encerrado por muros. Instaló ahí su estudio y un taller, en los cuales hubo siempre gran actividad. Su obra cumbre en la pintura fue el célebre “Juicio Final”, que decoró por largo tiempo la sacristía de los Mínimos en Vincennes. En este lienzo supo mover sin confusión cientos de figuras entre ruinas y ciudades desmanteladas, y en la parte de arriba la gran corte celestial. Cousin fue autor de numerosos grabados en madera. Los editores lo buscaban para ilustrar con sus láminas los impresos. Debidas a su inspiración son las estampas de la “Anunciación”, el “Descendimiento” y la “Sagrada Familia”, Navegar




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esta última con fecha de 1544. Produjo viñetas para el Libro de Costumbres de Sens, impreso en 1549; realizó las ilustraciones de la entrada de Enrique II en París, editadas en 1555. Para su Libro de Perspectiva, impreso en París en 1560, grabó con sus propias manos varias planchas en madera. La edición fue realizada en la imprenta de Jean de Roger. Se publicó también, en 1561, su Libro sobre Arte del Retrato. Cousin fue el primer pintor francés que utilizó el desnudo. Se inspiró claramente en las Venus de Giorgione y de Ticiano, aunque con un estilo más ingenuo, de vigor más áspero, más espontáneo. Cousin murió en París en 1561 y su hijo habría de continuar su obra.

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Francia Siglo XVI

Otros grabadores lograron también sobresalir entre un crecido número de profesionales que trabajaban con distinta suerte. Esteban Delaune, perteneciente a la escuela de grabado de Orleans. Su estilo indica antecedentes de orfebre, de ahí su preferencia por trabajos pequeños. Reprodujo en gran formato composiciones de Cousin. De Orleans fueron igualmente Jean Chertier y Pierre Vallet. El primero ejecutó con aspereza unas diez estampas con figuras alegóricas: la fuerza, la abundancia, la justicia, de mediano mérito artístico. Vallet fue más hábil; grabó en aguafuerte con exactitud el plano de París trazado por Francois Quesnel. Ejecutó también un autorretrato y el retrato del botánico Jean Robin. París concentró a los artistas de mayor nombradía. Pierre Biard grabó estampas de su invención, pero tuvo mejor suerte en dos Navegar




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Francia Siglo XVI

láminas, una sobre obra de Miguel Angel y otra de Giulio Romano, “El Esclavo” y “Venus Celosa de Psiquis”, respectivamente. No habiendo en Francia una escuela de pintura bien establecida, muchos pintores buscaron sus modelos en Flandes y en Italia. Otros incluso emigraron. Nicolas Beatrizet y Niccolo della Casa, al igual que Esteban Duperac, pasaron su vida en Italia, haciendo obra en el estilo italiano. Especial importancia tuvo la escuela de Fontainebleau, lugar a donde Francisco I había atraído a los maestros más distinguidos de diversos países, principalmente de Italia. Artistas italianos, franceses y flamencos, al respirar el mismo aire, parecieron obedecer a la misma influencia. Estos artistas olvidaron o fundieron sus estilos nacionalistas hasta el punto 19 31 Navegar




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Francisco, soberano joven e instruido, deseó una renovación en Francia, similar a la del renacimiento italiano Navegar




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enseñanzas teóricas. Ambos cubrieron las paredes del castillo de inmensos frescos sobre los cuales los artistas grabadores sacaron sus modelos. En 1530, Giovanni Battista di Jacopo, (1494-1540), más conocido como Rosso Fiorentino, alumno y recomendado de Miguel Angel, llegó a la corte para decorar el Palacio de Fontaineableau, construido por el mismo Francisco l. Había vivido en Florencia y Roma, llevando una vida placentera. Cuando las tropas del condestable de Borbón entraron a Roma en 1527, el Rosso fue aprehendido y humillado. Huyó a Perusa, albergado por el pintor Domenico de París. Durante tres años vagabundeó. Estaba en Venecia cuando fue llamado por Francisco. Tras algunos trabajos de menor cuantía, el Rosso emprendió su gran trabajo decorativo en la galería de Francisco, en el Navegar




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Francia Siglo XVI

castillo de Fontaineableau. Trató ahí trece temas sacados de la historia y de las leyendas. Los temas, con sentido alegórico, relacionados con las cualidades morales, los amoríos o las cosas relevantes del monarca. Manierista florentino, formado principalmente bajo la influencia de Miguel Angel, Rosso era un pintor dotado de extraordinario talento decorador. Fecundo en invención, elegante, con fuerza y carácter, fue el centro y director de la actividad plástica desarrollada ahí. Murió el 14 de noviembre de 1540. Según Vasari, tuvo el Rosso una muerte trágica. Había denunciado y torturado a su amigo y ayudante Francesco Pellegrino, por sospecha de robo. Al ser probada la inocencia de éste Rosso se envenenó. Al morir Rosso, se confió al Primaticio la conclusión de los trabajos del castillo. Primaticio, cuyo nombre era Francesco

Rosso, fecundo en invención, elegante, con fuerza y carácter, fue el centro y director de la actividad plástica

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Francia Siglo XVI

Desaparecido Rosso, el Primaticio se convirtió en el maestro absoluto de Fontaineableau

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Capítulos Actividad grabado

Francia Siglo XVI

La mesura francesa calmó la exuberancia italiana

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Gracias a la escuela de Fontaineableau, los temas mitológicos reemplazaron a los religiosos en la pintura francesa

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Capítulos Actividad grabado

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italiano invadió el castillo de Fontaineableau durante el segundo tercio del XVI. Entre los mejores grabadores de esta escuela deben también mencionarse a Antonio Fantuzzi, al mismo Tiry, a René Boyvin y Guido Ruggieri. Estos grabadores, de quienes se conocen muchas obras firmadas con sus nombres o monogramas, trabajaron directamente bajo la dirección de Rosso o del Primaticio. En «El Parnaso», composición llena de personajes, Fantuzzi supo distinguir cada grupo y cada figura, dándoles su importancia relativa. En otra composición, «Júpiter Despidiendo a Juno, Venus y Minerva delante de París», realizó su trabajo de aguafuertista con toques de buril. Reprodujo Fantuzzi, sobre todo, los trabajos de Primaticio. Leonardo Tiry, probablemente el más fecundo de los grabadores Navegar




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Francia Siglo XVI

La ninfa Fontainesbleau Millan y Boyvin

de la escuela, pasó parte de su existencia en Italia y llegó a Francia con un oficio ya consolidado. Sus láminas en aguafuerte y en buril llevan el sello de un profesional. En sus obras se halla una mezcla del arte de las regiones donde vivió. Así, sus monumentos recuerdan su prolongada estancia en Italia; la vestimenta de sus personajes atestiguan su presencia en Francia. Según Vasari, Tiry había sido pintor y estuvo asociado a los trabajos del Rosso, lo que explicaría su habilidad. Tiry reprodujo las obras de los dos maestros con perfección y fidelidad a sus modelos. René Boyvin (1530-1598) nació en Angers y se estableció en París, donde se hizo intérprete de los maestros de Fontaineableau. Orfebre, burilista y aguafuertista, fue alumno de Pierre Millan, autor de piezas no firmadas y que se han atribuido al mismo 27 31

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Capítulos Actividad grabado

Francia Siglo XVI

Ronda de Driadas Millan

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Capítulos Actividad grabado

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El grabado no tuvo sino parte secundaria en el movimiento generacional de ese arte. Se le asoció a todos los trabajos de la escuela porque servía para multiplicarlos y difundirlos. Los coetáneos no dieron la importancia debida a estos trabajos gráficos, pero el tiempo los ha reivindicado. Mutilados muchos de los espacios del palacio de Fontaineableau, sólo las estampas pudieron conservar las imágenes de los frescos desaparecidos. Las composiciones del Primaticio no serían conocidas si no fuese por el trabajo de los grabadores. La mano del hombre y los insultos de los años han hecho desaparecer la mayor parte o casi todas las pinturas preciosamente decorativas que este excepcional artista fijó en las paredes del palacio de Francisco l. A un lado de este arte de exquisita ornamentación renacentista nació en la corte otro arte de índole enteramente nacional, que 29 31 Navegar




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Capítulos Actividad grabado

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se establecería en toda Francia: el arte del retrato. Un arte que cuidaba que cada rostro tuviese su expresión, su vida, su carácter y su propia significación. Este género tuvo en el siglo excelentes practicantes. No obstante la calidad de las piezas grabadas, se ha dicho que el buril nunca fue capaz de igualar la excelencia de sus modelos, que se enfrentaba a originales superiores a sus recursos expresivos y de perfección dibujística. Jean Rabel y Thomas de Leu fueron dos figuras destacadas. El primero demostró con sus estampas que era tan buen dibujante como pintor, sabiendo expresar la fisonomía y el rango psicológico de sus modelos. Su buril fue lo bastante hábil para corresponder a su voluntad; la entalladura pudo seguir con gran fidelidad el dibujo y el sentido de la forma. De Leu tuvo el cuidado de identificar al pie de muchas de sus estampas el nombre de aquellos a quienes tomaba por Navegar




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Capítulos Actividad grabado

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modelos. Isaias Fournier, Jacques Bunel, Quesnel, Daniel y Pierre Demonstier deben a De Leu en parte su notoriedad. Formado en Amberes, el talento de De Leu consistió generalmente en reproducir con fidelidad el dibujo que tenía a la vista. Fue muy numerosa la colección de sus grabados en el género del retrato, entre ellos los de Gabriela de Estrees y Pierre de Brach. Se sabe que el grabador anduvo por París hacia 1576 y que trabajó junto a Rabel. Murió hacia 161l. Ambos artistas tuvieron imitadores pero ninguno de éstos alcanzó la excelencia de ellos. Es de interés subrayar que este selecto grupo de grabadores retratistas del XVI, se prolongó durante buena parte del siglo XVII, con personalidades inmediatas como Leonard Gaultier, Pierre Daret, Claude Mellan y Michel Lasne. 31 31 Navegar




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FRANCIA SIGLO XVII Situación histórica Situación artística Actividad en el grabado

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Capítulos Situación histórica

Francia Siglo XVII

Situación histórica El cardenal Richelieu recibió el gobierno de manos de Luis XII en 1624 y desempeñó esta tarea con férrea voluntad. Fue el verdadero creador del absolutismo real y su política se condujo por tres grandes objetivos: reducir la fuerza del protestantismo, dominar a la nobleza y abatir el poderío de la casa de Austria. En política exterior continuó también el avance colonialista. Para apoyar el quebrantamiento del poderío de los Austria estimuló a los protestantes en la guerra de los Treinta Años, iniciada en 1618. Su política fue proseguida por Mazarino, cardenal regente de Luis XIV durante su minoría de edad. La Paz de Westfalia, en 1648, puso fin a la guerra de los Treinta Años pero Francia Navegar




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Capítulos Situación histórica

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continuó la guerra con España hasta la Paz de los Pirineos en 1659. Antes de su muerte en 1661, Mazarino preparó el último toque de la monarquía absoluta instaurada por Luis XIV. El Rey Sol desplegó una activa política internacional destinada a romper el equilibrio de Westfalia, cosa que lo enfrentó a las demás naciones europeas. Luis XIV gobernó despóticamente desde la corte de Versalles, rodeado de cortesanos y un equipo eficaz de colaboradores. Entre ellos el economista Jean Baptiste Colbert, quien dirigió la Hacienda desde 1665 y orientó el Estado hacia el mercantilismo. La Hacienda sufrió los efectos del enorme dispendio del aparato estatal, los gastos de la corte y de la guerra. Para financiar este gasto aumentó los impuestos e inventó otros. Navegar




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Capítulos Situación histórica

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En lo religioso, el rey ejerció también su influencia. Entró en conflicto con el Papa en 1678 y defendió las libertades de la iglesia francesa frente a Roma. Persiguió el calvinismo, revocando en 1685 el Edicto de Nantes, lo que provocó la emigración de muchos protestantes.

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Capítulos Situación artística

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Situación artística

1.- La Historia de la Estética. Raymond Bayer. Fondo de Cultura Económica. México 1965.

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Capítulos Situación artística

Francia Siglo XVII

Los grandes pintores clásicos franceses como Nicolás Poussin, Claude Lorrain y Philipe de Champaigne imitaron a Italia

Dice Raymond Bayer1: “Le Brun fue el Luis XIV de las artes, que aparecieron jerarquizadas, disciplinadas, como el resto del reino”. Los grandes pintores clásicos franceses como Nicolás Poussin, Claude Lorrain y Philipe de Champaigne imitaron la naturaleza, o para ser más precisos, imitaron a Italia. A un lado de este clasicismo académico se desarrolló una corriente naturalista y sensitiva en la que destacaron Georges la Tour y Louis le Nain. Durante este siglo la pintura barroca francesa tuvo dos corrientes: una representada por los pintores que siguieron a Caravaggio y a los Carracci; otra bajo la influencia que fue intensificada después de que Rubens decoró la galería de Luxemburgo. 5

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Capítulos Francia Siglo XVII

Actividad grabado

Actividad en el grabado

Juan bautista Mellan

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Capítulos Francia Siglo XVII

Mellan figuró como uno de los mejores grabadores de su época

Actividad grabado

como uno de los mejores grabadores de la época. Sus primeros grabados se asocian a la influencia de Gaultier. Gracias a su compatriota Vouet, en Roma conoció la producción artística de los seguidores del Caravaggio, haciendo suyos los principios compositivos de esa corriente. Grandes figuras en la composición, rico juego de movimientos y luces, fondos oscuros, atestiguan la intensidad con que el artista se ocupó en los primeros años de su estancia en Roma, de las pinturas del Caravaggio. Una de sus obras más difundidas es el “Juan Bautista en el Desierto”, grabado en cobre realizado en 1629. El santo adolescente aparece casi desnudo; su humanidad ocupa buena parte de la composición y se acompaña por un juego rico en movimientos y luces, con gran riqueza gráfica. 7

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Capítulos Francia Siglo XVII

Actividad grabado

Algunos de sus trabajos realizados en Roma fueron reproducciones de obras del mismo Vouet, Pietro de Cortona y Gianlorenzo Bernini. El resto de sus grabados, hechos a partir de sus propios dibujos, señalan su inspiración de diversas fuentes. En estos años Mellan desarrolló el proceso de grabado en una sola talla que le valió, a su regreso a París en 1637, una gran reputación. Nicolás-Claude de Peirsec le encargó la ejecución de las célebres Ediciones del Louvre. Por este trabajo Luis XIV lo recompensó generosamente, nombrándolo grabador ordinario del rey, lo instaló en el Louvre y le otorgó una pensión. Poco después, Mellan era nombrado grabador del gabinete de estatuas y de bustos antiguos. Como pintor retratista tenía también mucha demanda. Solía dibujar sus modelos al natural y después los trasladaba Navegar




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Capítulos Francia Siglo XVII

Con el reinado de Luis III empezó una nueva era que condujo a la creación de una escuela francesa que penetró en las escuelas extranjeras

Actividad grabado

al grabado. Era muy buscado y entre su clientela figuraban miembros de la familia real borbona. Del total de su obra, poco más de la mitad fueron retratos. Lasne, al parecer, se inspiró al principio en los grabadores extranjeros en lugar de buscar en torno suyo los modelos. Por 1630 adoptó un sistema de cruzar las entalladuras y de copiar la fisonomía, característica que le hizo distinguirse en la escuela francesa. Aparte de los retratos, estos artistas trabajaron en otros temas, reprodujeron acontecimientos que tenían a la vista. Hasta aquí se trata de un grabado francés sin gran iniciativa creativa , inspirado en la escuela alemana o en la flamenca, ejecutado eso sí con gran habilidad. Con el reinado de Luis III empezó no obstante una nueva era que conduciría 9

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La tentación de San Antonio Caillot

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Capítulos Francia Siglo XVII

Actividad grabado

algunas cosas que indican su buena disposición para el dibujo. Algunos biógrafos indican que en Roma su primer maestro fue Philipe Thomassin, grabador francés establecido en esta ciudad, con quien perfeccionó su preparación como grabador en cobre. Thomassin dejó unas 200 planchas, de las cuales hay 52 reproducciones de estatuas antiguas. Comenzó Caillot por el buril, ejecutando láminas que muestran el estilo de Thomassin, pero esta influencia desapareció pronto. Después Caillot estuvo cerca de tres años, ahí mismo en Roma, en el taller del pintor y grabador Antonio Tempesta. Avecindado por un tiempo en Florencia en 1612, fue distinguido por Cosme de Médicis, que lo agregó a su casa y le encargó que grabase la Pompa Fúnebre de la Reina de España. Salió airoso de este encargo y de ahí comenzó a Navegar




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Capítulos Francia Siglo XVII

Sitio de Breda Caillot

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Capítulos Francia Siglo XVII

Caillot parece ser el primer artista que representó el horror y la devastación de la guerra

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Capítulos Francia Siglo XVII

Actividad grabado

campo, las plazas, las calles, fueron algunos de los motivos que trasladó al grabado. Hizo de todo y con el mismo éxito; copias de cuadros célebres, retratos, representaciones principescas y populares, pompas fúnebres, escenas de guerra y episodios históricos y hasta fantasías truculentas como las distintas versiones de “La Tentación de San Antonio”. Su producción, fenomenal, pasó de las 1300 piezas de grabado, aparte de sus dibujos. Callot creó un género original, nuevo y personal. Emprendió composiciones inéditas entre sus compatriotas, donde las figuras de muchedumbres y masas aparecen en espacios inmensos, con efectos grandiosos. Un trabajo profundo, lleno de incidentes y hechos dramáticos, pintorescos, a veces cómicos, con temperamento audaz, vivo y enérgico. Navegar




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El impresor de talla dulce Bosse

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Actividad grabado

artístico. En estas dos estampas aparecen trajes, siguiendo los dibujos de Jean de Saint Igny. Bosse utilizó aquí el buril. Estas estampas se consideran entre las mejores que realizara, junto con dos aguafuertes bien compuestos y ejecutados. “El Parto”, de 1633, y “El Impresor de Talla Dulce”, de 1642, en el cual se ofrece la ambientación de un taller de grabado. En París, Bosse encontró a Descartes, el matemático, de quien publicó algunas de sus obras y que ejerció gran influencia sobre él, que lo llevaría a un estudio profundo de la perspectiva. Este problema estuvo presente en su obra y en 1648 enseñó esta asignatura en la Academia Real de Pintura. En 1651 fue nombrado académico honorario, pero su temperamento independiente y cáustico provocaron su salida de la Academia. Se cree que su expulsión se debió a Navegar




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Capítulos Francia Siglo XVII

Bosse fue un artista típico de la clase media que describió minuciosamente usos y costumbres

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La Lorena dio otro célebre artista en el XVII, Claude Gellée, llamado el Lorenés

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Puerto a la salida del sol Gellée

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paisajes. Reprodujo con igual gracia la transparencia del agua, la solidez de las construcciones, la ligereza del follaje agitado por el viento. Su presencia ha quedado como una excepción en la escuela romano-francesa, principalmente como pintor de paisaje, cuya influencia se prolongó hasta muy avanzado el siglo XIX. “Puerto a la Salida del Sol” es una obra de excepcionales características. El aguafuerte, al parecer, fue grabado en base de una pintura suya, no fechada, que se encuentra en el museo El Ermitage de Leningrado. Una réplica posterior de la composición se halla en una pintura fechada en 1674, de la Pinacoteca de Munich. Las investigaciones más recientes sitúan el aguafuerte en 1634. La lámina fue ejecutada con una técnica sumamente fina y puede decirse de ella que es una de las creaciones más

Gelée quedó como una excepción en la escuela romano-francesa, cuya influencia se prolongó hasta muy avanzado el siglo XIX.

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Actividad grabado




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Gellé fue el representante por excelencia del paisaje clásico. Su arte ofrece una concepción idealizada

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Capítulos Francia Siglo XVII

Gellé se reveló como uno de los más grandes dibujantes de todos los tiempos

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excepciones, los paisajes de sus cuadros son siempre imaginarios. El secreto de su arte reside en la evocación de la profundidad del espacio, debida tanto a la observación del paisaje romano como al estudio de la luz y la atmósfera. El artista participa así de las corrientes del arte de su siglo por su iluminismo, la profundidad del espacio y el estudio realista de la naturaleza. En sus grabados obtiene parecidos efectos. Con más de mil dibujos conocidos, Gellé se ha revelado como uno de los más grandes dibujantes de todos los tiempos. El inventario después de su muerte menciona una docena de álbumes, entre ellos el de Wildestein, que contiene 60 dibujos que ilustran su carrera y acreditan la influencia de Agostino Tassi y de Deruet. 22 39

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Actividad grabado

Desde 1636, Gellé copió sistemáticamente sus cuadros por orden cronológico en un volumen de 200 hojas: el Liber Veritatis. Este conjunto fue grabado en dos ocasiones por R. Earlom en 1770 y por L. Caracciolo en 1815. Hizo unas 40 pastorales, la mayor parte antes de 1642. Estas láminas grabadas no son obras originales suyas pero están en estrecha relación con cuadros conocidos. Algunos grabadores prefirieron reproducir las obras de un pintor de figuras muy de moda entonces, Simon Vouet. Durante su juventud, Vouet (1590-1649) había viajado por Inglaterra, Turquía e Italia, y al regresar a Francia su reputación se estableció rápidamente. El mismo Luis XIII quiso recibir lecciones de tan afamado maestro. Este hecho contribuyó al acrecentamiento de su celebridad. 23 39 Navegar




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Simon Vouet después de su viaje por inglaterra, turquía e italia adquirió buena reputación como pintor

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Capítulos Francia Siglo XVII

Actividad grabado

que cuando Dorigny pintaba sus propios cuadros, éstos parecían imitar los de su padre político. También cayeron bajo la órbita de Vouet y pertenecieron a su escuela Francois Perrier, Pierre Daret, Michel Lasne y Claude Mellan, pero cada uno de estos artistas tuvo su modo personal de grabar. Las impresiones al aguafuerte de Vouet evocan la luz y el movimiento, aspectos característicos de su estilo. Las texturas se hacen notar en la superficie, en conjunción con el blanco del papel. En su taller, el pintor y grabador vigilaba la ejecución de su trabajo con los asistentes. Mientras el grabador francés se desarrollaba ampliamente en París durante el reinado de Luis XIII, ocurrían movimientos interesantes en las provincias francesas. 25 39 Navegar




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Las tres Marías en el sepulcro Bellange

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Capítulos Francia Siglo XVII

La obra de Bellange se caracteriza por contener motivos fantásticos, raros y exóticos

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Capítulos Francia Siglo XVII

Actividad grabado

Es de interés señalar también que Bellange fue uno de los pocos artistas de los dos siglos que comprendió y supo aprovechar los recursos expresivos del aguafuerte. Esta cualidad probablemente le vino del Parmesano. Bellange emprendió sus primeros estudios artísticos en Bassigny y los completó en Italia y en París. Murió en 1616 en Nancy. Pero si la emulación de la provincia fue laudable y espontánea, ello no fue suficiente, El gran arte, para prosperar, tenía necesidad de una enseñanza que no podían proporcionar ni siquiera las ciudades importantes francesas. Todos los artistas ansiosos de renombre anhelaron ir a Roma para estudiar las obras maestras de la antigüedad y del Renacimiento. La mayor parte vivieron ahí muchos años y algunos se quedaron para siempre. Entre éstos se halla el artista más grande, según Navegar




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Porus y Alejandro Audran Navegar




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Capítulos Francia Siglo XVII

Actividad grabado

sólo un grabador mediano pero sabía lo suficiente para guiar a un principiante. Bajo su dirección hizo Gérard sus primeras obras, las cuales no anunciaban gran vocación ni hacían prever sus futuras obras maestras. Un viaje a Italia fijó el gusto del grabador, despejando su ingenio. Sabía Audran ya dibujar lo bastante cuando fue a Roma en 1667 para apreciar las obras maestras; su mano había adquirido ya el hábito del buril para poder ejercitarse con buenos resultados. Ingresó en el taller de Carlo Maratte pero se dedicó especialmente a copiar las estatuas antiguas, siendo de este modo principalmente como llegó a perfeccionarse. Durante su estancia en Roma hizo Audran un precioso retrato de Jordano Hilling, un cielo raso pintado por Pedro de Cortona en el palacio Sacchetti, otro cielo del mismo artista en la galería Pamphili, y cuatro láminas, copias del Dominiquino. “David Navegar




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Capítulos Francia Siglo XVII

Actividad grabado

Bailando Delante del Arca”, “Judit Enseñando al Pueblo la Cabeza de Holofernes”, “Esther Delante de Asuero” y “Salomón Haciendo Sentar a Betsabé en su Trono”. Estas láminas llamaron la atención en Francia. Apenas hubo regresado Audran a París, Charles Le Brun, primer pintor del rey, quien acababa de pintar las “Batallas de Alejandro”, lo escogió para que las grabase. Al cabo de seis años, de 1672 al 78, Audran concluyó este trabajo gigantesco. Empleando alternativamente el aguafuerte y el buril, copió con veracidad las pinturas originales. En el tiempo en que grababa en el cobre estas composiciones célebres, terminaba el “Pirro Salvado” de Nicolas Poussin, lámina por la que recibió el nombramiento de miembro de la Real Academia en 1674. Algunos años más tarde, en 1681, obtuvo el grado más elevado a que podía aspirar en esa sociedad, al cargo de consejero. Navegar




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Capítulos Francia Siglo XVII

Actividad grabado

Audran siguió produciendo obras notables de Rafael, de Eustaquio Isueur y de Pierre Mignard, entre otros, hasta su muerte en París, el 26 de julio de 1703. Al lado de Audran trabajaron Gérard Edelinck, Robert Nanteuil y Jean Morin, artistas dotados de gran habilidad. Audran fue un grabador muy profesional. Con vigor y libertad combinó el aguafuerte con el buril, resultando innovadora esta combinación. Se calculan sus piezas en unas doscientas placas, cantidad considerable dadas las dimensiones de estos grabados, muchos de los cuales fueron ejecutados en dos, tres o hasta cuatro placas. En 1683 se publicó una serie de 30 impresiones que había preparado sobre las proporciones del cuerpo humano en figuras de la antigüedad, serie que continuó imprimiéndose hasta 1885, convertida en un manual tradicional para artistas y estudiantes. Navegar




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Felipe de Champaigne Edelink

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Capítulos Francia Siglo XVII

Luis XIV Nanteuil

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Capítulos Francia Siglo XVII

Morin reprodujo los retratos de Van Dyck e imitó su modo de grabar, perfeccionándolo y adaptándolo al genio francés

Actividad grabado

propia técnica. Su grabado sobre el cardenal Mazarino le dio reconocimiento oficial y ya para 1658 era nombrado dibujante y grabador del rey. Fue así que con los temas de la realeza, los retratos propiamente, hizo sus más importantes obras, entre ellas los dos célebres grabados de Luis XIV. A Nanteuil el arte del grabado le debe reconocimiento por el edicto de 1660, que Luis XIV publicó a solicitud suya. Por este edicto se declaró arte libre al grabado, distinguiéndolo de las artes mecánicas con las que se había confundido. Los grabadores, libres de toda traba, fueron desde entonces independientes. Desde esa época gozaron de las prerrogativas atribuídas a los demás artistas. Nanteuil nació en Reims y murió en París. Si estos grabadores se valían exclusivamente del buril, Jean Morin empleó únicamente el punzón y el aguafuerte. Morin 35 39

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Capítulos Francia Siglo XVII

Actividad grabado

había seguido las lecciones de De Champaigne, interpretando mejor que sus coetáneos las pinturas de este maestro. Comprendió su gusto, se conformó con su estilo. Grabó gran número de composiciones, paisajes y sobre todo retratos. Admirador apasionado de Van Dyck, Morin no sólo prefirió reproducir los retratos de este maestro sino que imitó su modo de grabar, perfeccionándolo y adaptándolo al genio francés. Su técnica consistía en delinear el contorno de los rasgos del rostro, modelando las carnes por medio de una infinidad de puntos. Este procedimiento, de difícil ejecución, sólo fue bien logrado por él y por Van Dyck. Con este procedimiento grabó los retratos del cardenal Bentivoglio, del abate Richelieu, de Margarita Lemon, láminas muy buscadas, se dice, en el siglo XIX. Navegar




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Capítulos Francia Siglo XVII

Durante el reinado de Luis XIV el grabado a la manera negra, reunió en Francia a un gran número de practicantes

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Capítulos Francia Siglo XVII

Actividad grabado

Aix por un hábil grabador, Sebastian Barras. Jean Cousin grabó una “Santa Inés” muy apreciada, y así algunas otras piezas de otros grabadores. Una Virgen de Correggio, de L. Bernard, hizo ver que las obras de los coloristas eran más propias para ser reproducidas a la manera negra y que los efectos del claroscuro convenían mejor a este género del grabado que las finezas del dibujo o la precisión de los contornos. A fines del siglo XVII algunos de estos artistas consagraron su talento a dibujar los sucesos ocurridos durante el reinado de Luis XIV. Empero, pocas obras notables fueron publicadas en ese tiempo, por más que el grabado había tomado una proyección hasta entonces no igualada. Se introdujo, por ejemplo, la moda de grabar grandes almanaques que reproducían en grandes Navegar




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Capítulos Francia Siglo XVII

Actividad grabado

medallones los hechos importantes del año acabado de pasar, si bien los grabados eran apresurados, hechos por Edelinck, Sebastian Leclerc y Albert Flamen, para una necesidad del momento. Durante ese tiempo se erigieron en Francia numerosos monumentos, testimonios de la fecundidad de los arquitectos empleados por tan fastuosa monarquía. Un grabador, Jean Marot, quiso dar a conocer a la posteridad la mayor parte de los edificios ejecutados a su vista. A través de estas piezas se reconstruyó la historia de la arquitectura francesa del XVII.

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FRANCIA SIGLO XVIII Situación histórica Situación artística Actividad en el grabado

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Capítulos Francia Siglo XVIII

Situación histórica

Situación histórica A la muerte de Luis XIV, en 1715, le sucedió su bisnieto de cinco años, Luis XV, bajo la regencia del duque Felipe de Orleans. Por parte de los nobles, fue una etapa de ocho años de intento por recuperar los derechos absorbidos por el absolutismo de Luis XIV. Fallecido en 1723, de Orleans, fue sustituido por el cardenal Fleury, quien restauró la prosperidad mediante una política pacifista, interviniendo con reserva en las guerras de Sucesión de Polonia. Su sucesor, Choiseul, fue menos afortunado, pues el país se involucró en costosas guerras en la Sucesión de Austria (1756-63), que si bien trajo la anexión de Lorena y Córcega, acarreó también la pérdida de Luisiana, Canadá y el imperio colonial de la India. Navegar




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Capítulos Francia Siglo XVIII

En este siglo, Francia tuvo un gran aumento demográfico y prosperó con las medidas de liberalismo económico

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Capítulos Francia Siglo XVIII

La ambición de Bonaparte lo llevó a la coronación como emperador

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Capítulos Francia Siglo XVIII

Situación histórica

reforzamiento del absolutismo, mayores rendimientos fiscales, un aumento del ejército, una reorganización administrativa en provecho de los funcionarios y en detrimento de la nobleza, una centralización en contra de los derechos de los reinos, provincias y municipios, entre otras cosas. A partir de entonces la legitimidad monárquica no se basó únicamente en el derecho divino sino también en la idea de un contrato implícito de intercambio de servicios entre el monarca y los gobernados. Esta concepción estatal se apoyó en las ideas de la fisiocracia, vigente en Francia entre 1750 y 1775, que promovía la idea de una agricultura rentable y competitiva. La agricultura, así, tomó una orientación capitalista con la explotación de nuevas tierras, la intensificación y mejoramiento de los cultivos, produciendo no solamente para el consumo Navegar




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Capítulos Francia Siglo XVIII

Situación histórica

interno sino también para exportar, reinvertir y vender más. Una consecuencia de esta acción en Europa Central culminó en una nueva servidumbre , con extremos en Italia y en España, al consolidar el latifundismo.

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Capítulos Francia Siglo XVIII

Situación artística

Situación artística La evolución del arte europeo, produjo pintores que situaron a Francia en la cabeza del desarrollo artístico

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En la arquitectura, los grandes edificios monumentales continuaron sometidos al dictado del clasicismo académico Navegar




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Capítulos Francia Siglo XVIII

Situación artística

inspiró a otros artistas y contribuyó poderosamente al esplendor de estos años. En general, el arte de los últimos años del XVIII se clavó nuevamente en los temas de la antigüedad pagana; fue su más esencial fuente de inspiración. En la pintura el neoclásico se basó, principalmente, en el relieve y en la escultura clásica.

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Capítulos Francia Siglo XVIII

Actividad grabado

Actividad en el grabado

El doctor Misaubin Watteau

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Capítulos Francia Siglo XVIII

Watteau inauguró un género por las graciosas invenciones de su genio ligero y fácil

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Capítulos Francia Siglo XVIII

Gerard Audran, maestro de Watteau, ejerció gran influencia en Francia como grabador

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Actividad grabado

el conjunto. No entregaban las láminas al impresor hasta haberse asegurado de que el trabajo correspondía exactamente con la pintura del modelo. A este procedimiento se deben obras notables y hoy, que han desaparecido la mayor parte de las pinturas de Watteau, se revalora su trabajo a través de las estampas. Entre estos grabadores merece también mención Lorenzo Cars, nacido en Lyon en 1702 y fallecido en París en 1771. Cars dejó en las “Fiestas Venecianas” y en “La que dice la Buenaventura”, ambas piezas de Watteau, la medida más alta de su talento ligero. Nicolas Lamerssin tradujo con fidelidad “Los Peregrinos de la Isla de Citerea”, probablemente la obra más celebrada del pintor de Valenciennes. 12 28 Navegar




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Capítulos Francia Siglo XVIII

El inválido Boucher

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Le Benedicité Lépicié

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Boucher fue director de la real fábrica de tapices de Beauvais; ahí proyectó encantadores cartones como “Los amores de los dioses” o la “Historia de Psiqué”, que engalanaron la residencia de Madame Pompadour. Esta favorita de Luis XV lo tomó como su maestro de dibujo y éste, a la vez, la representó en distintas actitudes. Las composiciones de Boucher fueron multiplicadas por grabadores que trabajaron sobre modelos de Watteau, pero sin el mismo mérito que éstas. Jean Baptiste Simeon Chardin (1699-1779) tuvo como maestro a Noel Coypel, pero debió en gran parte a sí mismo su formación. Fue autor de apacibles y finísimas evocaciones de la intimidad burguesa, de inigualables bodegones y cuadros de naturalezas muertas. 14 28

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Capítulos Francia Siglo XVIII

El armario Fragonard

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Ninfa y dos sátiros Fragonard

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se metiera con Miguel Angel o con Rafael porque sería hombre perdido. Fragonard, por lo visto, siguió el consejo. En Roma conoció a Hebert Robert y al abate St. Non, amistades que le fueron fructíferas. Juntos hicieron un viaje a Nápoles y Sicilia durante el cual el abate, quien era muy aficionado al arte y grabador él mismo, grabó algunos dibujos de Fragonard. En esos tiempos del rococó francés había un vivo interés por el lado alegre y juguetón de la mitología. La serie de aguafuertes de las “Bacanales”, terminada en 1763, fue todo un éxito para Fragonard. St. Non le había aconsejado el tema, cuyos modelos salieron de los relieves de la antigüedad clásica. El pintor interpretó estos relieves y les dio nueva vida, impregnándolos del espíritu del rococó. Las obras recuerdan los dibujos que hizo por sugerencia de St. Non en Tívoli.

En tiempos del rococó francés hubo un vivo interés por el lado alegre y juguetón de la mitología

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Capítulos Francia Siglo XVIII

Actividad grabado

Una vez en París de nuevo, en 1765 envió al Salón de Pintura el cuadro “Coresus y Calirrhoe”, que tuvo un enorme éxito y fue adquirido por el rey para ser reproducido en gobelinos. Las dificultades que tuvo el pintor para cobrar su cuadro le desencantaron de los encargos oficiales. Y esta actitud de independencia también lo mantuvo a distancia de los honores académicos. Fragonard visitó Italia una segunda vez en 1773, en compañía esta vez de su mujer y el financiero Bergueret, uno de sus mecenas, con quien finalmente terminó en juicio, a causa de que Bergueret intentó apropiarse de los dibujos que él había hecho durante el viaje. En París las obras de Fragonard habían gozado de gran popularidad, sobre todo sus escenas galantes. La reproducción gráfica, como era usual en aquel tiempo, la dejó en manos Navegar




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Capítulos Francia Siglo XVIII

Fragonard tematizó el paisaje, las escenas eróticas y los asuntos familiares

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Actividad grabado

conservador del museo de arte, recién fundado por la Asamblea Nacional. Pero el artista galante no pudo reubicarse en París. Algunas tentativas para asimilar formas puestas a la moda por los alumnos de David produjeron resultados desastrosos. Finalmente murió en condiciones económicas poco menos que lamentables en el alojamiento, se dice, que había reencontrado en el Louvre. Fragonard había contraído matrimonio en 1769 con su alumna Marie-Ann Gérard, quien era también de Grasse. Tuvieron una hija y un hijo. Ambos estudiaron pintura pero la primera murió a los 18 años. El hijo se consolidó como pintor. En su obra gráfica, en los aguafuertes de su propia mano, se trata de dibujos hechos durante su viaje a Italia, en base Navegar




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Capítulos Francia Siglo XVIII

Robert de Cotte Drevet

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Capítulos Francia Siglo XVIII

ropajes abundantes, los suntuosos trajes que acompañaban y encuadraban al personaje. Entre las muchas producciones de este artista están los retratos de Jean Forest (según Larquilliere), de Andrés Felibiano (copia de Rigaud), y de Rigaud, según pintura del propio maestro. El retrato de Bossuet hecho por Pierre Drevet hijo, copia de Rigaud, es una buena pieza, una muestra digna de las mejores estampas de la escuela francesa de ese tiempo. Los métodos de Drevet hijo fueron parecidos a los del padre. Usaba únicamente el buril pero variaba hasta el infinito, según los personajes, adaptándose a todas las formas. Las ropas en pliegues ricos, espesos, y las cabezas y manos de dibujos delicados y perfectos, fueron dispuestos con buen arte. Claude Drevet, que trabajó después que los anteriores, recuerda en sus estampas el estilo de su padre, pero con la

Al siglo XVIII perteneció la invención de la viñeta, género que funcionó muy bien para la literatura de la época

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Capítulos Francia Siglo XVIII

Actividad grabado

diferencia notable de que su buril fue con frecuencia seco y monótono. Charles Nicolas Cochin (1715-1788), nacido en París, hizo los retratos de casi todos los hombres notables de su tiempo, a quienes representaba de perfil en medallones redondos. Ponía cuidado en acentuar cada fisonomía pero no pudo escapar, se dice, a una monotonía fatigante. Al siglo XVIII pertenece la invención de la viñeta, género que funcionó muy bien para la literatura de la época. Se entiende por viñeta una estampa de exiguas dimensiones que comenta un texto, acompaña una narración y retrata las escenas principales del poema o los hechos curiosos o relevantes de una novela. Los artistas que se dedicaron a las viñetas desplegaron gran perfección y cautivaron el gusto del público. Apenas había algún libro que no estuviese Navegar




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Capítulos Francia Siglo XVIII

Hubert Gravelot fue el más hábil dibujante de viñetas de la época

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Capítulos Francia Siglo XVIII

David presidió como un dictador el gusto de la escuela neoclásica durante largo tiempo

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Capítulos Francia Siglo XVIII

El paseo público Debucourt

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Capítulos Francia Siglo XVIII

Las piezas de Charles, unos de los mejores discipulos de Georg Wille, sirvieron de guía a la escuela moderna francesa

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Capítulos Francia Siglo XVIII

Actividad grabado

un cuadro de Regnault, “El Rapto de Dejanira”, según El Guido y el retrato de Luis XVI, según Callot, y el grupo de Laooconte. En estas estampas supo centrar la atención sobre lo más importante de la composición. Tuvieron además la ventaja de servir estas piezas como guía a la escuela francesa moderna.

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FRANCIA SIGLO XIX Situación histórica Situación artística Actividad en el grabado

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Capítulos Francia Siglo XIX

Situación histórica

Situación histórica Los triunfos militares de Napoleón en el exterior le permitieron anular el Consulado y en 1804 se proclamó emperador de los franceses. Pronto se impuso en el continente, reformando el mapa político en detrimento de Austria y de Prusia. Pero el imperio, asentado sobre bases frágiles, contradictorio, empezó a mostrar sus fallas. A estas fallas se unió el creciente malestar de los pueblos dominados. En la misma Francia decaía el entusiasmo inicial por el imperio a causa del control riguroso de las libertades. El fracaso napoleónico de la campaña rusa en 1812 y la resistencia española a la ocupación militar, alentó el espíritu nacionalista de los países sojuzgados y una nueva coalición obtuvo importante victoria en Leipzig. Los aliados entraron Navegar




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Capítulos Francia Siglo XIX

El reinado de Luis XVIII estuvo marcado por la reacción de los conservadores, que pretendieron resucitar los modelos del antiguo régimen

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Capítulos Francia Siglo XIX

La situación precaria del proletariado, condujo al estallido revolucionario de 1848

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Capítulos Francia Siglo XIX

Luis Napoleón practicó un gobierno autoritario, con apariencia paternalista, que paralizó la vida política

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Situación histórica

paulatino de los republicanos, dirigidos por Gambetta, que instalaron en la presidencia a Jules Grevy (1879-1887). La creciente fuerza de anarquistas y socialistas hizo que muchos adversarios se unieran a la República, que llevó a cabo una activa política exterior en alianza con Rusia y continuó su expansión colonial.

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Capítulos Situación artística

Francia Siglo XIX

Situación artística El arte neoclásico se reafirmó en su estilo más puro en el tiempo de Napoleón Bonaparte

El arte neoclásico, iniciado en el reinado de Luis XVI y prolongado hasta los primeros treinta años del siglo XIX, se reafirmó en su estilo más puro en el tiempo de Napoleón Bonaparte, en el que se buscaron los efectos de masa y monumentalidad. De 1806 a 1810 se erigió en la Plaza Vendome de París la columna de Austerlitz, sustituyendo a la estatua de Luis XIV, desaparecida durante el movimiento revolucionario. La columna fue realizada por los arquitectos Jaime Gondoin y Lépere. Tiene bellos relieves que narran las victorias del corso, y encima del capitel está su estatua. El conjunto se inspiró en la columna trajana de Roma. 6

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Capítulos Situación artística

Francia Siglo XIX

Jacques Louis David fue el principal representante de la pintura neoclásica en Francia Navegar




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Capítulos Situación artística

Francia Siglo XIX

Ingres influyó notablemente en los pintores del romanticismo, corriente que se empalmó con el neoclásico

Jacques Louis David fue el principal representante de la pintura neoclásica en Francia. La Revolución Francesa propició su cambio de estilo y su ideología política. “Marat Asesinado” y “Las Sabinas” son sus obras maestras. Otros pintores importantes de la vuelta de siglo fueron Francois Gerard, Jean Baptiste Regnault, Antoine Jean Gros (el barón de Gros) y Jean Auguste Domenique Ingres, quien trabajó con David. Ingres influyó notablemente en los pintores del romanticismo, corriente que se empalmaría con el neoclásico en las primeras décadas del siglo. El romanticismo tuvo su inicio hacia 1830, pero las ideas libertarias contra la monarquía borbónica de Carlos X se constituyeron después en todo un programa que con la bandera de la libertad impulsó a todas las artes. 8

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Capítulos Situación artística

Francia Siglo XIX

El romanticismo fue esencialmente de la clase media, y el propio Luis Felipe, sucesor de Carlos, se identificaba con la burguesía. El movimiento tuvo una gran justificación social, ya que en este período histórico el mundo se industrializaba y se mecanizaba a pasos apresurados. Ante los ideales que se perdían por la conquista económica, los idealistas buscaron y propusieron un nuevo ideal. Los románticos buscaron ávidamente la naturaleza, quisieron revivir el pasado glorioso, en especial el de la Edad Media, época de ideales caballerescos. Exaltaron también la imaginación, procuraron lo exótico para oponerlo a la academia del neoclasicismo. El arte debía ser libre pero bello, inspirado en los más profundos sentimientos. A la grisalla del neoclásico los pintores románticos opusieron el color, a tal punto de inferirle valores simbólicos.

Los idealistas buscaron y propusieron un nuevo ideal, ante los ideales que se perdían

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Capítulos Situación artística

Francia Siglo XIX

Adicionalmente a esta expresión cromática, los románticos tuvieron exacerbada conciencia de la individualidad, que era en sí una reacción contra la socialización. Este individualismo llegó en ocasiones al exhibicionismo, puesto que la personalidad pretendía sobresalir por encima de un conjunto social. El sentido libertario y nacionalista fue otro impulso al que muchos artistas sacrificaron su posición social, en aras de la libertad. La industrialización exigía un arte funcional y práctico pero los artistas, huyendo de esta realidad social y económica, optaron por crear una estética imaginativa, y la propia liberalidad de Luis Felipe y de algunos jefes de estado que comulgaban con los intelectuales, adoptaron finalmente las formas románticas. En el romanticismo los estilos se confundieron y aunque se ha puesto una fecha final hasta la revolución de 1848, en algunas Navegar




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Capítulos Situación artística

Francia Siglo XIX

Rodin inició la estética escultórica del siglo XX

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Capítulos Situación artística

Francia Siglo XIX

El realismo significó un empuje para la pintura francesa, se abandonó el tema antiguo volviendo al tema coetaneo

Teodore Géricault, Eugene Delacroix, Jean Baptiste Corot, Teodore Chasseriau, son algunos de los maestros notables de este arte sugestivo, vibrante y sensual. La pintura francesa en este siglo tuvo aún otro empuje con el realismo, desarrollado en las décadas que corren de 1849 a 1870, una especie de reacción contra el romanticismo, en el cual los artistas abandonaron el tema antiguo, el tema exótico, volviendo su atención hacia el mundo coetáneo, cercano, con fuerza de expresión realista. A veces, como en el caso de Honoré Daumier, el realismo se tornó en caricatura o expresionismo. El mundo campesino se vio representado bajo una nueva forma con Francois Millet. En esta corriente se movió también Gustave Courbert, quien alternó realismo con sensualidad y tono poético. 12 66

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Capítulos Situación artística

Francia Siglo XIX

El siglo XIX fue un siglo espléndido en realizaciones, en tendencias y personajes. En Francia, en la pintura y el grabado quedaron numerosas y espléndidas obras, probablemente como en ningún otro tiempo anterior había ocurrido.

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Actividad grabado

Actividad en el grabado

En este periodo, la obra gráfica tuvo en Francia brillantes representantes que la llevaron a la cima en el ámbito europeo

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Capítulos Francia Siglo XIX

Regreos de Rusia Géricault

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Capítulos Francia Siglo XIX

La última etapa pictórica de Géricault, señalada por su viaje a Inglaterra, lo inclinó notablemente hacia el realismo

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Combate de Giaour y Pacha Delacroix

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Capítulos Francia Siglo XIX

Délacroix se formó en los ejercicios de copias en el Museo del Louvre y conoció a profundidad la técnica de Goya

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Actividad grabado

había llamado en un principio el estadista y ministro Adolfo Thiers. En París Délacroix frecuentó las tertulias mundanas e intelectuales, a las que aportó una nota de refinado dandismo, tanto en el espíritu como en la vestimenta. Su trato con poetas, literatos y músicos, más que con pintores, fue característico de él. Así se hizo amigo sucesivamente de Jorge Sand, de Chopin, de Gautier y de Baudelaire. Conoció también a Dumas, a Paganini, a Victor Hugo, a Sthendal y Merimée. Baudelaire, que escribiría largamente sobre él, dijo: “Para un hombre semejante, provisto de tal valentía y de tal pasión, las luchas más interesantes son las que tuvo que sostener consigo mismo”. El pintor fue un hombre que vivió en constante tensión con su mundo interior, con sus inquietudes y sus angustias, que unas veces lo dominaron y otras lo sostuvieron. Navegar




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Capítulos Francia Siglo XIX

Interior del hospital militar Délacroix

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Délacroix, con sus imagenes despertó el gusto por lo exótico y lo misterioso, de gran interés para algunos artistas romanticos

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Capítulos Francia Siglo XIX

El bosque de eremita Corot

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Capítulos Francia Siglo XIX

Actividad grabado

Empezó a pintar en 1822, cuando asistió al estudio de Michelon. Y nunca más dejó de pintar, acumulando la producción ya mencionada de pinturas. En 1825 hizo el primer viaje a Italia, permaneciendo ahí durante tres años. Los cuadros que pintó entre ese año y 1828 se consideran muy afortunados, entre los cuales hay verdaderas obras maestras. A los 50 años Corot recibió la presea de la Legión de Honor, cosa que sorprendió muchísimo a su padre, quien no comprendía por qué recibía esa distinción, cuando apenas era capaz de comprar el material con el que pintaba. Y es que a Corot le tenía sin cuidado el dinero. Lo único que le importaba era pintar. A los 60 años, nadie o pocos se interesaban por sus pinturas, por sus pequeños “paisajes íntimos”. Pero de un día a otro fue Navegar




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Capítulos Francia Siglo XIX

En el aguafuerte, Corot se impregnó, al igual que en su pintura, de un timbre lírico

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Capítulos Francia Siglo XIX

Actividad grabado

una eclosión espontánea, con amor religioso por la naturaleza”. Corot se había formado, no obstante, con austera disciplina, dedicado al aguafuerte de 1845 al 49, principalmente en su tercer viaje a Italia. El “Souvenir de Italia” de 1836 es de una densidad y al mismo tiempo ligereza sorprendente. Sobre todo en el tratamiento de los árboles. Su ejecución era extremadamente libre y suelta, verdaderamente vívida en las pruebas. Decía el pintor: “Pinto como los niños hacen sus pompas de jabón. Al principio la pompa es todavía muy chica pero ya es redonda”. No fue preciso a Corot especular sobre la composición pictórica. “No construye sus cuadros pero tiene el sentido constructivo. No se esfuerza por ser espiritual pero toda su obra está impregnada de la espiritualidad francesa. Su Navegar




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Capítulos Francia Siglo XIX

Gavarni trabajó varias series litográficas, dedicadas algunas al carnaval y al tema de la astucia femenina

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Capítulos Francia Siglo XIX

El señor a la cocina y la señora al piano Gavarni

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Capítulos Francia Siglo XIX

Guizot Daumier

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Capítulos Francia Siglo XIX

La litografía fue de gran importancia para los fines políticos de la prensa

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Capítulos Francia Siglo XIX

El gobierno suspendió la libertad de prensa, a causa de las tajantes caricaturas de Daumier

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Capítulos Francia Siglo XIX

Calle Transnonain Daumier

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Daumier satirizó al “Rey Ciudadano”, quien finalmente fue derrocado por el pueblo en 1848. Las caricaturas de Daumier fueron de tal grado tajantes, que el gobierno suspendió la libertad de prensa, promulgándose una ley que prohibió bajo severas sanciones cualquier crítica a la autoridad. Daumier fue condenado a seis meses de prisión por su dibujo de 1831, “Gargantúa”, y por la representación que hizo de los ministros devorando grandes cantidades de dinero. Este hecho dio gran popularidad al dibujante y grabador. Philipon, por su parte, a pesar de una buena defensa que hizo en el juicio al que lo sometieron, tuvo que pagar una multa de 6 mil francos. Finalmente, “La Caricatura” fue suprimida en 1834. Philipon había fundado antes la publicación llamada “Charivari”. 31 66

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Actividad grabado

En 1834 apareció la célebre caricatura de “El Vientre Legislador”. El dibujante resumía aquí, en composición monumental, a personas cuyas caricaturas había publicado con regularidad desde las páginas primeras de “La Caricatura”. Esta pieza la había realizado Daumier para la Asociación Mensual para la Libertad de Prensa, y se considera una de las obras más importantes de sus primeros tiempos. En “El Vientre Legislativo” el dibujante acusó a los representantes del Parlamento, a los vientres obesos que hacen las leyes, a los jueces cómodamente sentados en sus sillones, quienes dictan indiferentes, aburridos, las sentencias que destruyen sus vidas. En 1835, rigurosas medidas de censura interrumpieron temporalmente su actividad como caricaturista político. 32 66 Navegar




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Actividad grabado

En 1860 Daumier abandonó su trabajo regular e intentó sólo pintar, pero nadie se interesó en su pintura. Cuatro años después se vio obligado a reanudar su colaboración diaria en la prensa. A partir de 1866 defendió la idea de una paz internacional. Daumier murió pobre, en Valmondis, a la edad de 71 años. Una institución de beneficiencia tuvo que sufragar los gastos de su entierro. Se conocen de él, según Westheim, cerca de 6 mil litografías, otros autores le atribuyen más de 4 mil, muchas de ellas realizadas para revistas y periódicos. Sus temas constantes fueron los habitantes de París, caricaturizó sus costumbres y sus particularidades, con frecuencia en el tono del sarcasmo. Pintura y obra gráfica hablan de la miseria social. Su célebre “Vagón de Tercera Navegar




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Capítulos Francia Siglo XIX

Actividad grabado

Clase” se distingue de la pintura de género contemporáneo por el vigor de su escritura artística y la actitud de responsabilidad social que refleja. La tendencia social fue el rasgo dominante de sus trabajos. Daumier desarrolló durante años una y otra vez un tema, procurando perfeccionarlo, encontrarle una expresión más clara y convincente. Lo modificaba también espiritualmente como concepción, abordándolo con nuevos puntos de vista. Así existen varias versiones de muchas de sus piezas. El Quijote, por ejemplo. Sus figuras se relacionan con lo complejo de su vida social, sin caer en la prédica ni en la propaganda: un moralista social. En este sentido podría considerarse el heredero espiritual de Goya. Ver la verdad fue para Daumier un compromiso también para con la sociedad. Navegar




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Capítulos Francia Siglo XIX

Daumier formò una gigantesca enciclopedia del burgués, comparable con la Comedia Humana de Balzac

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Capítulos Francia Siglo XIX

Daumier creó un estilo personal que llegó a ser el estilo de la litografía del siglo XIX

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sobre todo de la burguesía. Daumier desde un principio creó un estilo personal que llegó a ser el estilo de la litografía del siglo XIX. Pintor y grabador, autor de unos 20 aguafuertes y de unas cuantas litografías, inspiradas muchas de ellas en la vida campestre, Jean Francois Millet (1814-1875?) nació en Greville y murió en Barbizon. Criado en el campo, sin descuidar sus labores agrícolas tomaba clases de pintura en Cherburgo. En 1837 se inscribió en la Escuela de Bellas Artes de París, donde estudió con Delaroche. En 1846 conoció a dos pintores pertenecientes a la escuela de Barbizon (H. Troyon y N. Díaz), relación que lo indujo a trasladarse definitivamente a ese lugar. En Barbizon había un grupo de artistas que se dedicaba a la 36 66

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pintura al aire libre, práctica novedosa para ese tiempo. Millet fue autor de 6 litografías realizadas entre 1849 y 1858, y 20 aguafuertes ejecutados entre 1855 y 1863. La presentación de la pintura “El Sembrador” en el Salón de 1850 fue considerada como un manifiesto del naturalismo por la crítica progresista. Para el pintor fue un momento crucial en su carrera. Sus composiciones posteriores, que presentan figuras de la vida real, captadas en forma monumental, integradas a su medio ambiente, forman una unidad “casi religiosa”. En su obra, compuesta sobre todo por óleos, pasteles y dibujos, la gráfica ocupa un lugar modesto pero importante por su calidad. “El Sembrador” tuvo una versión litográfica en 1851, realizada para el periódico El Artista, pero ésta no fue publicada. Existe solamente el tiraje póstumo de 1879. Navegar




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Capítulos Francia Siglo XIX

La gran pastora Millet

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Capítulos Francia Siglo XIX

La manera en que Millet puso sus recursos técnicos anunció el impresionismo que estaba por llegar

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Capítulos Francia Siglo XIX

A Bresdin se le consideró como uno de los precursores del simbolismo

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Capítulos Francia Siglo XIX

Actividad grabado

narrativo, se le considera uno de los precursores del simbolismo. En “El Buen Samaritano”, litografía trazada a la pluma, de 1861, se aprecian las cualidades del trabajo. Bresdin proyectó varios bocetos antes de proceder. Usó pluma y pincel, aclarando las superficies oscuras con aguja para mezzotinta mediante líneas finas y puntos. Esta litografía, la más célebre del artista, muestra características formales e iconográficas que se hallarán después en las obras del simbolismo y realismo fantástico. El grabador se sintió atraído, aparte de los grandes maestros, por lo exótico. Murió en Sevres. Charles Meryon (1821-1868) nació en París y murió enloquecido en el asilo de Charenton. Grabador, hijo de un médico inglés y una bailarina de ópera. Meryon se consagró 41 66 Navegar




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Le petit pont Meryon

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Actividad grabado

piedras de París, sus puentes, sus iglesias, sus torres y sus antiguas construcciones. De esta serie de vistas destacan “El Pequeño Puente” de 1850, “El Pont-au-Change” de 1854, del cual se conocen 12 estados distintos. Y desde luego “La Morgue”, también de 1854, al igual que “El Ábside de Nuestra Señora de París”, estampa con la cual termina la serie. De esta misma es “La Calle de los Chicos Malos”, lámina que describe una historia de amarga soledad. En las últimas láminas de la serie de estas vistas parisinas, se advierte ya la situación tormentosa, causada por la enfermedad que habría de llevarlo a la muerte prematura en Charenton. Meyron se sintió atraído por la pintura y los aguafuertes de las vistas citadinas holandesas del siglo XVII, sobre todo

Después de Goya, Meyron fue el mayor aguaferista de la época

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Meyron se distinguió de otros por el carácter subjetivo de sus vistas, rebasó lo puramente tipográfico o físico

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La Morgue Meryon

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Old Chelsea McNeil Whistler

Actividad grabado

los detalles y, por otra, la extraordinaria nitidez de las formas. Sus trazos sutiles, muchas veces paralelos, no acentúan mucho la sustancia de la arquitectura; mas bien siguen las líneas principales de éstas, confiriéndoles una rítmica propia. James Abbot McNeil Whistler (1834-1903) tiene una singular importancia dentro de la estampa europea. Nacido en Lowell, Massachusets, se estableció principalmente en Francia, país donde desarrolló buena parte de su actividad como pintor y grabador. Separado de la marina militar norteamericana por indisciplinado, hizo varios viajes por Europa, deteniéndose en Inglaterra y después en Francia. Whistler realizó las primeras pruebas en aguafuerte en 1851. Llegó a trabajar en París cuatro años después. Fue miembro fundador de la Sociedad de Aguafuertistas, donde 46 66

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Actividad grabado

Latour. En 1858 terminó una primera suite con el tema del río Támesis. Ese mismo año publicó en París dos láminas bajo el título “D’Apres Nature”, obras vívidas y nerviosas, como alguien las calificó. Pero la revelación vino en 1859, cuando publicó sus vistas del Támesis. Se trata aquí de piezas que trasmutan todo en fluida atmósfera, con insistencia en las porciones oscuras. Dice Mallé que en ese momento Whistler estuvo bajo el influjo del rembrandtismo de su cuñado, Seymour Haden. Un ejemplo de esta influencia es la estampa del “Billinsgate”. “Rotherhite” es uno de los aguafuertes que pertenecen a la serie de 16 con el tema del Támesis, que describen la gran actividad que se desenvuelve sobre tan importante arteria fluvial. Un mundo agitado, con naves que llegan y parten hacia los puntos más lejanos. Navegar




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Actividad grabado

Otra serie notable de Whistler fue la “Pequeña Venecia”, compuesta por 12 aguafuertes ejecutados entre 1879 y 1880. El grabador hizo una segunda serie de 26 grabados sobre el mismo tema veneciano, en 1880, que fueron expuestas hasta 1886. Se dice que Whistler iba a Venecia en busca de inspiración, desesperado también por sus desastrosas condiciones financieras. Un juicio perdido por un libro suyo contra John Ruskin, el autor de Las Piedras de Venecia, lo dejó en mala situación económica. Por ese tiempo, el grabador confió al amigo Joseph Panell: “...no me siento con el ánimo de hacer grabados sobre la Venecia de los turistas”. Whistler trabajó en Venecia, haciendo frecuentemente los grabados directamente sobre el cobre, sin diseños preparatorios. Su buril supo obtener, según Mallé, efectos de 48 66 Navegar




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Capítulos Francia Siglo XIX

Whistler revolucionó el arte de la estampa; fue el primero en verter sobre el cobre sus experiencias de impresionista

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Capítulos Francia Siglo XIX

Marie Cassat en el Louvre Degas

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Capítulos Francia Siglo XIX

El público europeo se deslumbró con el grabado japonés, con el delicioso refinamiento de su colorido y su grácil y fino dibujo

Actividad grabado

con frecuencia a visitar museos y colecciones privadas. En 1853 Degas ingresó al taller del pintor de temas históricos F. J. Barrias, pero no abandonó la práctica de hacer copias en el Louvre y en el gabinete de grabados de la Biblioteca Nacional de París. Al año siguiente fue alumno de L. Lamothe, otro pintor de temas históricos y de retratos, a su vez discípulo de Flandrin. Lamothe le transmitió la pasión por el maestro de su maestro, Dominique Ingres. El aprendizaje fue breve, pues Degas se marchó a Nápoles con sus parientes, viaje que repetiría cada año, hasta 1859, aprovechando para estudiar las colecciones artísticas de Florencia y Roma. En 1855 conoció a Ingres, quien le recomendó dibujar con intensidad del natural y de memoria. Degas tendría presente este consejo durante toda su vida. Ingres fue un 51 66

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Manet sentado Degas

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Ilustración para Don Quijote Doré

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Paul Gustave Doré ganó la inmortalidad con sus trabajos de ilustración en varias obras literarias

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Capítulos Francia Siglo XIX

El concepto romántico de la reconstrucción fue muy agudo en la época de Doré

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Capítulos Francia Siglo XIX

Actividad grabado

lo artístico visual es la atmósfera de un cuadro cualquiera, donde muchas veces no importa tanto la imagen sino el ambiente en que la envuelve, que la permea, que es lo que proporciona el valor y el significado», dice Severino Salazar, en el prólogo de una de sus ediciones de La Divina Comedia. Y esta cualidad del ilustrador es lo que supo obtener Doré, creando un discurso paralelo al literario. Si se piensa en las ilustraciones del infierno de Dante, se trata sin duda del infierno de Doré, forzosamente diferente al del escritor y poeta, aunque ambos están asociados. El espíritu romántico en que vivió Doré hizo posible que el artista desarrollara un sentimiento precisamente romántico y fantasioso. El concepto romántico de la reconstrucción, explica Salazar, fue muy agudo en la época de Doré. La reconstrucción del pasado llegó a ser una preocupación primordial. Cuando Navegar




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Capítulos Francia Siglo XIX

La obra de Doré tuvo la originalidad artística, dominio extraordinario de la técnica, tanto en la composición como en las figuras

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El inglés en el Moulin Rouge Toulouse-Lautrec

Actividad grabado

Henri Marie-Raymond Toulouse-Lautrec Monfa (1864190l) nació el 1 de noviembre en Albi, en el Palacio de Bose, hijo del conde Alphonse Charles, de recia nobleza, y de Adele Marquette Tapié de Céleyran. Su infancia transcurrió en el castillo solariego, en el valle de Viaur, a unos 50 kilómetros de Albi. De constitución débil, a los 14 años resbaló en el pavimento de Albi y se fracturó el fémur izquierdo. Al año siguiente, en 1879, en un paseo con su madre cayó en una zanja y se rompió el otro fémur. Esta doble fractura fue de extrema gravedad, probablemente en razón de una fragilidad congénita de los huesos. El crecimiento de las piernas se estancó, mientras el resto del cuerpo continuó creciendo normalmente. Al llegar a la adolescencia, Henri medía sólo 1.36 metros de altura. 58 66

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Actividad grabado

Con este crecimiento anormal, el futuro artista tuvo que renunciar a la carrera militar que se le había querido destinar. Es posible que el gremio castrense haya perdido un buen elemento, pero es claro que el arte ganó enormemente con su aportación. La circunstancia de su forzosa inactividad a causa de su mal, permitió al joven dedicarse a la pintura, cambiando así sus hábitos en el ambiente del mundo aristocrático al que pertenecía. La primera formación artística de Henri estuvo bajo la guía de un amigo de su padre, el pintor René Princetau, especializado en temas de caballos y perros. En 1882 ingresó al taller de Leon Bonnat, en la escuela de Bellas Artes, famoso pintor académico, puntual adversario del impresionismo. El joven practicaba continuamente la copia al Navegar




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impresionismo. El joven practicaba continuamente la copia al natural. Al año siguiente pasó a estudiar con Fernand Cormon, otro artista académico, aunque bastante abierto a las novedades. Estos años fueron definitivos para su formación. En 1885 se instaló en Montmartre, lugar donde alternó la vida de placer con el trabajo. En el taller de Cormon Lautrec conoció a varios jóvenes artistas inquietos, entre ellos a Emile Bernard y Vincent Van Gogh, cuando éste llegó a París en 1866. Un compañero de estudios atestigua que Lautrec sentía admiración por Velázquez, Goya, Ingres, Renoir y Forain, y se mostraba fascinado por los maestros japoneses. Lautrec asimiló el impresionismo a través de la obra de Manet y de Renoir, experiencia que le fue de gran valor, especialmente en el sentido de captar la realidad inmediata. Su maestro inspirador, empero, fue Degas, con el cual se

Lautrec asimiló el impresionismo a través de la obra de Manet y de Renoir, sin embargo, su maestro inspirador fue Degas

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Lautrec se interesó principalmente en el hecho humano. El ambiente y el paisaje fueron para él un complemento

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Capítulos Francia Siglo XIX

El diván japonés Toulouse-Lautrec

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Capítulos Francia Siglo XIX

Actividad grabado

Desde sus intentos iniciales, Lautrec demostró la plena adecuación de su visión con la técnica del cartel, a base de una síntesis y una acentuación de las formas que permiten al espectador captar de inmediato el significado de la imagen y la disposición decorativa del conjunto. Son varias las series litográficas de Lautrec: 16 piezas dedicadas a la cantante Yvette Gilbert en 1894; 13 de 1895 comprenden retratos de actores y actrices; sobre prostíbulos fueron ejecutados por el editor Gustave Pellet en 1896. Otras tantas obras de Yvette, en blanco y negro, se imprimieron en Londres en 1898. Lautrec estuvo en esta ciudad en 1895 y en 1898. El pintor y litógrafo fue internado en marzo de 1899 en una clínica de Neuilly, tras haberse manifestado en él las primeras crisis de etilismo. Cuando se dio de alta se trasladó Navegar




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Capítulos Francia Siglo XIX

El siglo XIX fue el mejor siglo para la concentración de talentos en la gráfica, principalmente en la técnica litográfica

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Capítulos Francia Siglo XIX

Actividad grabado

no caer en el hecho ilustrativo o costumbrista, pues tuvo un empeño estilístico constante y avizor que se traduce en el descubrimiento de un lenguaje sintético de la línea. En ningún siglo como éste ha habido tal concentración de talentos en la gráfica, principalmente en la técnica litográfica. Mientras que en países como Italia, Holanda, Bélgica y Alemania el grabado había bajado de intensidad, Francia se robustecía y aseguraba también un dominio en el siglo XX, en donde la escuela de París se convertiría en una verdadera metrópoli artística en la que convergerían personalidades de todas partes. En el siglo XIX estuvieron presentes también algunos artistas más de primer rango como Paul Gauguin (18481903), pintor y excepcionalmente grabador, nacido en París y muerto en la isla de Tahití. Después de haber estado en Navegar




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Capítulos Francia Siglo XIX

Actividad grabado

y muerto en la isla de Tahití. Después de haber estado en diversos movimientos, del impresionismo al simbolismo, Gauguin aterrizó en un arte muy personal de rasgos primitivistas, con influencias de los fauves. Su obra gráfica no fue numerosa pero utilizó varias técnicas. En la madera, con instrumental rudimentario, ejecutó unas cuarenta piezas que habrá que considerar como su aportación original al arte de la estampa. Theodore Chasseriaux, Celestin Nanteuil, Francois Daubigni, Theodore Rousseau y Ferdinand Gaillard son algunos artistas más que incursionaron en el grabado de ese tiempo, aunque con menor brillo que los ya mencionados. Otros más pertenecen propiamente al siglo XX.

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ALEMANIA SIGLO XV Situación histórica Situación artística Actividad en el grabado

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Capítulos Alemania Siglo XV

Situación histórica

Situación histórica Cuando Alberto de Austria heredó Hungría y Babiera, la familia de los Habsburgo afianzó su poder, convirtiéndose en la más poderosa de Alemania. Maximiliano 1 (1493-1519) se esforzó en conducir una política centralizadora, tratando de extender las instituciones austríacas a todo el territorio imperial. Fracasó en el intento a causa del poder adquirido por los príncipes y los electores, que reafirmaron en su respuesta su actitud individualista. En el curso del siglo XV estos príncipes habían asaltado prácticamente las ciudades, acabando por asimilarlas a sus estados. Ello provocó el debilitamiento de la burguesía, clase fundamental para llevar a buen fin una política unificadora. 1 Navegar




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Capítulos Alemania Siglo XV

Situación histórica

En cada estado el príncipe encarnó la unión de los poderes temporal y religioso. Así, la voluntad del emperador dejó de ser fundamentalmente una ley para los súbditos alemanes. Maximiliano, fundador de la Casa de Austria, terminó gobernando casi para nadie.

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Capítulos Alemania Siglo XV

Situación artística

Situación artística

1. Maestro de la Pintura. Vida y obra de A. Durero. Anesa. Noger, Rizzoli, 1973, Argentina

En pintura, a finales del XIV y primera mitad del XV se extendió en Alemania, Austria y Bohemia la tendencia internacional del gótico. Durante la segunda mitad del XV Nuremberg fue una ciudad impregnada de cultura y muy abierta a las corrientes humanísticas de origen italiano. No obstante, dice Ettore Camesasca, “los ideales mantenidos en el ámbito artístico no se adecuaban al fervor de renovación que animaba a los escritores y eruditos: el Renacimiento era estudiado, imitado e incluso amado, pero como hecho exterior. Así, la pintura permanecía fijada en el gusto del gótico tardío, con graves taras de árida minuciosidad y falta de naturalidad que la rutina relegaba a un plano artesanal”1. 3

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Capítulos Alemania Siglo XV

Situación artística

En la ciudad de Nuremberg, Michael Wolgemut (1434-1516) siguió la corriente de la escuela de Bohemia. Aparte de este maestro, en el siglo destacó también Esteban Lochner, el pintor más importante de Colonia. En el Alto Rin Lucas Moser abandonaba el tradicionalismo gótico al evitar los fondos dorados en el retablo de Santa Magdalena, si bien esta obra conservaba el estilo de los miniaturistas por el detallismo de la figura y de la naturaleza. Otro artista notable fue Conrado Witz, quien hizo la mayoría de sus obras en Basilea.

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Capítulos Alemania Siglo XV

Actividad grabado

Actividad en el grabado El grabado xilográfico de “San Cristóbal”, marcó el inicio en las discusiones de los orígenes de la estampa europea

El grabado xilográfico de “San Cristóbal”, de 1423, marcó un punto de partida en las discusiones de los orígenes de la estampa europea. Se sabe ya que hubo estampas cuya cronología quedó situada aún más atrás, en 1410, atribuidas al Maestro Bávaro. Pero para encontrar una manifestación real del talento en la actividad del grabado, habrá que llegar a la segunda mitad del siglo. Las planchas anteriores a 1450 son tan sencillas y revelan poca habilidad en sus autores, que ha bastado con declarar simplemente su existencia. Pfister es para algunos el grabador en madera más antiguo de Alemania. Instruido como impresor y grabador por Gutemberg, se estableció en Bamberg por 1458 y publicó, 5

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Capítulos Alemania Siglo XV

El desarrollo del grabado xilográfico fue extraordinario, pero esta abundancia tuvo algunos inconvenientes

Actividad grabado

con sus propios recursos, cierto número de obras que Jean Laborde consignó en su libro Los Inicios de la Imprenta en Maguncia y Bamberg. Las estampas de estas primeras impresiones son toscas, con escaso mérito artístico, pero tuvieron la virtud de estar libres de toda influencia extranjera. Son de interés porque fijan el origen completamente alemán del grabado en madera. Fue extraordinario el desarrollo del grabado xilográfico en la Alemania del siglo XV pero esta abundancia, según Duplessis, tuvo inconvenientes. Los artistas de talento que hacían composiciones no vigilaban bien a sus grabadores, quienes modificaban contornos y desnaturalizaban las formas. No se preocuparon mucho por el dibujo estos artesanos. Grabaron la madera con facilidad y en eso consistió su mérito. 6

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Capítulos Alemania Siglo XV

Actividad grabado

La Biblia de Koburger contiene 86 estampas mejor ejecutadas que la generalidad de las anteriores, impresas por el mismo Koburger. La Crónica de Nuremberg, impresa también por el editor, tenía ya un buen número de grabados hechos con maestría, pero inspirados en dibujos de escasa calidad artística. En las figuras rechonchas, en los ropajes angulosos y sobrecargados de pliegues, se reconoce el producto de la escuelas alemanas. Koburger señala en su prefacio como autores de las láminas de la Crónica a Wolgemut y Whilelmo Pleydenworff, pero de estos maestros se conocen obras de mayor mérito artístico. En el grabado en cobre –talla dulce–, se estima que el primer artista es el Maestro de los Naipes, cuya labor fue 7 Navegar




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Capítulos Alemania Siglo XV

Rey de los salvajes Maestro de los Naipes 2. Incunables: grabados hechos desde tiempo de la fundación de la imprenta en 1452 hasta principios

Actividad grabado

realizada en la región del Alto Rin, en Estrasburgo y tal vez en Maguncia, entre 1430 y 1450. Las piezas, así, fueron hechas en plena fase de los incunables2, piezas sorprendentes por su calidad y pericia gráfica y su sutileza expresiva. Max Lehrs logró reunir unos 40 grabados de este maestro, aparte de los aproximadamente 75 de los naipes. Todos los grabados son ejemplares únicos, sumamente raros en las colecciones. Algunas obras de este orfebre y grabador se conservan en la Biblioteca Nacional de París y en el gabinete de grabados de Dresde (Kupferstichkabinet). Cerca del Maestro de los Naipes, en tiempo y lugar, vivió y trabajó el Maestro E. S., activo entre 1450 y 1467 en la localidad también del Ato Rin y la Suiza Septentrional. Para

del siglo XVI.

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Capítulos Alemania Siglo XV

El Maestro E. S. demostró el sentimiento y la expresión exacta de la figura que ponía en acción

Actividad grabado

la abadía de Einsiedeln, cerca de Zurich, realizó los primeros grabados de los recuerdos de los peregrinos. El Maestro no parece haber sido insensible a la obra de su predecesor. Sus grabados juveniles señalan la influencia de aquél. Del Maestro existen numerosas estampas firmadas con las letras E. S. y con fechas de 1463 y 1467. 18 de estas estampas llevan su monograma y 16 están fechadas en 1467, probable fecha de su muerte. De aquí se le conoce también como el Maestro de 1467. Sobre el estudio de estas 18 piezas firmadas se le atribuyen cerca de unas 300 estampas, la mayoría ejemplares únicos. Por esta época, se dice, “ no podría hallarse en ningún país un artista tan instruido en la práctica del grabado, ni 9

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Capítulos Alemania Siglo XV

El Maestro E. S. revolucionó la técnica del grabado por el uso de curvas, puntos y cruzamientos

Actividad grabado

tan fecundo. Su buril limpio y de gran exactitud cortaba el cobre con sorprendente ligereza”. Su dibujo fue ligero y expresivo. Sus composiciones variadas.” La Adoración de los Magos” recuerda las miniaturas del siglo precedente. Daba el maestro E. S. a sus figuras una delgadez exagerada, pero cuando se trataba de componer una pieza de orfebrería, ornamentada, componía obras llenas de gusto y de gracia. “Artista gráfico por excelencia, no buscó este maestro la belleza tal como la conocemos y la deseamos, tal como la expresaron siempre los primitivos italianos. La forma y la grandeza del dibujo fueron para él preocupaciones secundarias. Lo que se empeñó en demostrar fue el sentimiento y la expresión exacta de la figura que ponía en 10 31

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Capítulos Alemania Siglo XV

El gran jardín del amor Maestro E. S.

Actividad grabado

acción. El Maestro fue el primer artista alemán que puso su talento al servicio de la expresión y del sentimiento”, anota Duplessis. Entre algunas de las obras notables del Maestro E. S. se cuenta “San Juan en la Isla de Patmos”, que relata el exilio que al evangelista le impuso el emperador Domiziano. El personaje está en cuclillas, con un gran manto, escribiendo el Apocalipsis. Otra estampa maestra es “La Caída del Hombre”, dramática escena del Antiguo Testamento, también al buril. Fue autor igualmente de un Juego de Naipes, que evidentemente derivó del Maestro de los Naipes. Se trata de figuritas humanas, soldados y reyes en diferentes gestos y movimientos, realizados en 1463. Hay láminas también con el diseño de perros y aves. Todas estas piezas 11 31

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San Juan en la Isla de Patmos Maestro E.S. Navegar




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3. Duplessis sitúa el nacimiento de Schongauer sobre 1420 y su muerte en 1488, mencionando que así consta en la partida de defunción encontrada en los registros de la parroquia de San

Actividad grabado

Iglesia de Nuestra Señora de Zurickau. Hizo también escultura en madera. Ejecutó Wolgemut grabados en colaboración con su yerno. Ilustró dos obras publicadas hacia 1491-94, la principal de ellas la Crónica Universal, conocida igualmente como la Crónica de Nuremberg, para la cual grabó 650 planchas. En su taller, tuvo el nuremburgués numerosos ayudantes. Durero mismo fue su alumno, de 1486 a 1490. Martín Schongauer (1450-1491), nacido en Colmar y muerto en Brisach3, fue orfebre, grabador y pintor, hijo de orfebre. Su familia era originaria de Schongau, en la región de Augsburgo. Entre su familia hubo dos hermanos orfebres y uno pintor. Probablemente vivió Martín en sus años

Martín de Colmar. Navegar




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Jesús carga la cruz Schongauer

Actividad grabado

juveniles en los Países Bajos, en Borgoña y en España. En 1471 se instaló en Colmar, su lugar natal. Sus primeros trabajos tienen influencia del maestro E. S. y algunos aseguran que éste le dio orientaciones. Más tarde se libró de la apariencia gótica, logrando un trabajo con el equilibrio y la armonía propios de los grandes maestros. En Colmar, Schongauer vivió un ambiente artístico de influencia flamenca y holandesa, dominado por un estilo arcaizante pero genuino. Pudo viajar relacionándose con los medios del arte en Alsacia, Suavia, Babiera y Basilea. Su obra gráfica consta de 116 grabados al buril, todos identificados con su monograma. Schongauer tuvo gran ascendencia sobre la escuela alemana, a tal punto de ser llamado padre de ella. Los editores ponían 14 31

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Salida al mercado Schongauer

Actividad grabado

su firma incluso sobre obras que no eran de su paternidad, a fin de elevar su precio ante aficionados poco conocedores. Su influencia no se limitó a sus connacionales sino también a los italianos. El mismo Miguel Angel hizo una copia en color de “La Tentación de San Antonio”, uno de sus grabados más celebrados. El grabador vivió muchos años en Colmar, realizando ahí gran número también de pinturas de las cuales muy pocas se conservan. Pintó un retablo de 16 escenas sobre la Pasión. En sus Cristos y personajes piadosos se advierte la influencia de Rogier van der Weyden. Son pocos los datos que hay sobre Schongauer pero han quedado las piezas grabadas, que permiten apreciar su capacidad dibujística y su talento creativo. Varias son las 15 31

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Capítulos Alemania Siglo XV

Las piezas de Schongauer tienen una fuerte carga de moral y religiosidad

Actividad grabado

láminas de importancia dejadas por él en la historia del grabado. “La Cruz a Cuestas”, también conocida como “Camino al Calvario”, “La Tentación de San Antonio”, ya referida, “San Pablo Herido en el Camino de Damasco”. Para algunos, “La Huida a Egipto” es la joya de Schongauer. Esta ingeniosa composición está enaltecida por el sentimiento de felicidad de la Virgen, que viaja sobre un asno estrechando entre sus brazos al niño. En “La Tentación de San Antonio”, los motivos son ricos en imaginación y sin duda estos horrendos demonios sirvieron de inspiración al Bosco y a Brueghel. Al igual que en las piezas fantásticas de éstos, en la de Schongauer había una fuerte carga de moral y religiosidad. 16 31

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Capítulos Alemania Siglo XV

Actividad grabado

Schongauer creó en el cobre excelentes piezas en blanco y negro que muestran una gran riqueza colorística. El grabado de “Cristo con la Cruz” tuvo enorme éxito y fue copiado repetidamente. Hay evidencia que tuvo repercusión en artistas de la talla de Memling, Durero y Rafael. Existen de él unos 70 ejemplares. Los artistas góticos sobresalieron en los asuntos tiernos. Tenían fe y esta fe alumbraba sus inspiraciones. Podrían citarse varias obras de Schongauer, notables por el sentimiento religioso: “La Muerte de la Virgen”, “Las Vírgenes Cuerdas y las Vírgenes Locas”, “Los Emblemas de los Cuatro Evangelistas”, “Jesucristo Coronado por la Virgen”. Todas estas piezas de gran perfección en el dibujo. 17 31 Navegar




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Judith con la cabeza de Holofernes Meckenem Navegar




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Meckenem llegó a ser uno de los más importantes editores de grabado en cobre de su tiempo

Actividad grabado

sus obras, desde luego, se encuentran copias de este maestro y de Schongauer, de Holbein el Viejo y del mismo Durero, a quien plagiaba, según se dice, copiando la firma o añadiendo su monograma. Era muy común entonces basarse en el trabajo de otros artistas, sobre todo los maestros con quienes se había estudiado. El caso de van Meckenem es particularmente cierto en este grado de “eclecticismo”, pero también realizó láminas con sus propios originales. Como quiera que sea, con copias o con obra propia, parecía gozar de fama y estima, puesto que en 1482 era ya invitado de honor en el banquete del Consejo, ahí en Bocholt. Van Meckenem fue probablemente el más productivo de los grabadores alemanes en metal en el siglo XV. Se han conservado más de 600 grabados, muchos de ellos firmados con su 19 31

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monograma o con su nombre. Al parecer, trabajó también como orfebre. Tras una primera actividad como copista, buscó después la colaboración con artistas creadores, entre ellos Hans Holbein el Viejo. Llegó a ser uno de los más importantes editores de grabado en cobre de su tiempo. Entre sus obras conocidas está “Judit”, personaje bíblico que cortó la cabeza de Holofernes, general asirio del rey Nabucodonosor, en la lucha por Betulia, ciudad israelita. M. H. Geisberg opina que este grabado en cobre es copia de un original perdido del Maestro PW y un pendant de la “Danza de Salomé”. De acuerdo con Lehrs, ambos grabados son originales del Maestro de Bocholt. Ambos coinciden en el tema de la astucia y el poder de las mujeres. 20 31 Navegar




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Van Meckenem grabó en madera a principios del XVI una copia de la pieza de Judit, cuya plancha se conserva en la colección Albertina. La estampa es ejemplo de la técnica fina y madura del maestro, obra de la época tardía. La pieza en cobre, ejecutada con buril, fue realizada entre 1490 y 95. “La Anunciación”, pieza también en cobre, es la quinta de una serie de doce sobre la vida de la Virgen, todas hechas según modelos dibujados por Holbein hacia 1500. Algunas imágenes de la serie coinciden con las de los retablos de altar de Weingarten, obra de Holbein de 1494. Pertenecen estas estampas a la madurez profesional del grabador. Entre sus grabados ejecutados según sus propios dibujos se halla el doble retrato que hizo de sí mismo con su mujer, la “Gran Pasión”, serie de dos estampas realizadas hacia 1480, la 21 31 Navegar




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La tentación de Cristo Maestro L Cz

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“Gran Danza” de Herodias y una serie de doce estampas con escenas de la vida cotidiana, y la pieza misma del pasaje bíblico de Judit. Entre los grabadores anónimos alemanes que trabajaron en este siglo se localiza también el Maestro L Cz, activo entre 1480 y 1500. Probablemente nació en Franconia. Al lado del mismo Schongauer, fue uno de los más sobresalientes grabadores en cobre. pero su obra es escasa. Se conocen de él unos 12 grabados, con manejo virtuoso del buril. Dos de sus grabados tienen las fechas de 1492 y 97. Algunos estudiosos identifican al Maestro con Lorenz Katzheimer, que perteneció a una familia de pintores de Bamberg. Probablemente su obra más conocida es “La Tentación de Cristo”, estampa en cobre. Se asocia esta lámina con las láminas del Maestro E. S. y de Schongauer. Esta estampa, en cuanto a 22 31

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Aristóteles y Filis Maestro Libro de Casa

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estilo y técnica, es de los trabajos maduros del maestro y podría datarse sobre 1500, un punto culminante de su producción. Otra obra suya conocida es “El velo de Santa Verónica Sostenido por San Pedro y San Pablo” (el sudario), cuyo estilo difiere del de la Tentación. Activo entre 1465 y 1500, se hizo notar también el Maestro del Libro de Casa (Maestro de Hausbuch) o Maestro del Gabinete de Amsterdam porque de sus 91 grabados en cobre que se le atribuyen, 82 se conservan en la sección gráfica (Rijksprentenkabinet) del museo de la ciudad, el Rijksmuseum. El nombre del Libro de Casa proviene de un manuscrito de carácter medieval de 1480, que contenía 91 láminas del maestro, que perteneció a la colección del príncipe von WaldburgWolfegg-Waldsee. Un manuscrito rico en diseños alegóricos, de 23 31

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Los amantes Maestro Libro de Casa

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género, de batallas y blasones. 78 de estas estampas han sobrevivido como ejemplares únicos. Poca información precisa hay sobre el origen del Maestro, si bien prevalece la hipótesis de haber sido alemán u holandés. Respecto a su formación, queda también la conjetura de si estuvo con los miniaturistas flamencos, los pintores renanos o en el medio artístico alsaciano. Es posible, se dice, que haya tenido estos contactos, ya que se advierte en su obra una impronta espiritual neerlandesa, con puntos de contacto con los Países Bajos meridionales. Su actividad probablemente se desarrolló en la región del Medio Rin, cerca de Brujas, en la actual Bélgica. Esta zona situada en la confluencia de vías que atravesaban el país, con diferentes influjos que penetraron el arte alemán. Los artistas de esta región tuvieron así influencias de sensibilidad, 24 31

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Los escolásticos del siglo XV fueron traidores del verdadero espíritu de la escuela clásica

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fuerza en el dibujo y trazo de gusto delicado, como corresponde a su obra. Él y el Maestro W. B. fueron los más destacados artistas anónimos de la región. Su obra pictórica muestra facilidad de expresión y gracia en el movimiento de las figuras. En la gráfica, igualmente, tuvo un manejo delicado del dibujo, simplicidad exenta de adornos, cuyo ejemplo podría ser la estampa de “Los Amantes”, la más conocida seguramente entre sus parejas de enamorados. Y el mismo grabado de Aristóteles y Philis. Vale la pena detenerse un poco en esta pieza, que encierra gran riqueza plástica y simbólica. Podría decirse que se trata de una farsa, una crítica del Maestro de Hausbuch hacia las ideas del filósofo vistas bajo la lente de una escolástica ya sobrepasada, poco generadora para una Europa que despertaba a la 25 31

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San Huberto Maestro de Jesús

Actividad grabado

modernidad, tras un letargo medieval. De hecho, las doctrinas astronómicas de Copérnico, ampliadas por Galileo y Kepler en Alemania, terminarían por dejar muy poco o nada en pie de la física aristotélica. Pero hay que tomar en cuenta que los escolásticos del siglo XV, al negar los adelantos de la ciencia, fueron traidores del verdadero espíritu de la escuela clásica. Malas traducciones y versiones adulteradas, desfiguradas, hicieron poca justicia al pensamiento de hombres como Aristóteles. Podría decirse que las bases teóricas de los mismos humanistas modificaron las ideas de este pensador. De la intención de esta obra no es difícil deducir que el Maestro de Hausbuch estaba del lado de los escolásticos, o simplemente no estaba de acuerdo con el pensamiento del filósofo y por eso aprovechó la imagen para burlarse de él. 26 31

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Capítulos Alemania Siglo XV

San Jorge Maestro de San Jorge

Actividad grabado

En su etapa madura, parece que el artista trabajó en Heidelberg, en la corte del conde Felipe el Sincero, etapa en que trazó el grabado sobre Aristóteles. Pintor, diseñador y grabador, el Maestro fue un artista original en el espíritu de la composición, con una temática selecta y culta. Tiene el mérito de haber sido el primer grabador que utilizó la punta seca, técnica en la que realizó la mayoría de las piezas, conservadas, como se anotó ya, como ejemplares únicos. Entre sus obras destacan “Aristóteles y Philis”, “La Mujer, los Tres Amigos y el Bufón” y “Los Amantes”, las tres estampas ubicadas en 1480, las tres realizadas en buril y punta seca. Esta circunstancia cronológica de su obra ha llevado a que también se reconozca al grabador bajo el nombre del Maestro del Año 1480. 27 31

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El abrazo Maestro MZ

Actividad grabado

Pero no se agotan aquí los grabadores de significación en la Alemania de este siglo. Entre algunos más, hay dos de imprescindible mención: El Maestro MZ y Mair von Landshut. El Maestro MZ estuvo activo a fines del XV y principios del XVI. Fue grabador en cobre del sur de Alemania, probablemente en Baviera. Su obra se compone de unos 22 grabados, 6 de ellos fechados entre 1501 y 3, sin que se defina un estilo propio. Resulta clara la influencia que tuvieron en él los grabados en cobre de los primeros tiempos de Durero. “El Abrazo” es una pieza de 1503, que lleva el monograma MZ. Se trata de una escena de ambiente íntimo, de indumentaria elegante, trabajado finamente al buril. Del Maestro se conocen igualmente las estampas de “El 28 31

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Capítulos Alemania Siglo XV

Von Landshut logró aspectos parecidos al dibujo, convirtiéndose en precursor de la xilografía al claroscuro

Actividad grabado

Martirio de Santa Bárbara”, dramática escena donde la protagonista está a punto de ser sacrificada con un golpe de espada. “El Baile”, en cambio, es una escena galante y amable donde las parejas disfrutan de una fiesta en el interior de un castillo. Otro grabado, “El Torneo”, recrea un ambiente festivo con caballeros y caballos. El estilo del Maestro es indudablemente gótico y algo primitivo. Mair von Landshut, grabador activo en 1480 y después del siglo, ha sido identificado por 22 estampas en cobre y 3 xilografías. En 10 de ellas aparece el año de 1499. De von Landshut se conocen también pinturas y dibujos. Estos llevan fechas de 1495, 96 y 1504. En el registro de impuestos municipales de Munich, en 1490, aparece como “Mair, pintor de Freising”, según Lehrs. 29 31

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Capítulos Alemania Siglo XV

La hora de la muerte Von Landshut

Actividad grabado

Se conocen varias piezas del grabador: “La Adoración de los Magos”, composición equilibrada con seis personajes y el frente de una casa, firmada con el nombre de Mair. “La Sagrada Familia y Dos Ángeles” presenta un espacio arquitectónico interior, gótico, en el cual aparece la Virgen sentada, con un largo y anguloso drapeado. Sus grabados más interesantes presentan poderosas estructuras arquitectónicas internas, como ocurre con las piezas “Dalila Cortando el Cabello a Sansón”, “El Saludo en la Puerta de Casa” y “El Viejo Orando”. En “La Hora de la Muerte” de 1499, von Landshut trata el tema generalizado en pintura y gráfica del “Jardín del Amor”, al cual el grabador –como advertencia de lo efímero de la vida y del juego erótico–, añade a la muerte, 30 31

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Actividad grabado

como en la Danza Macabra. En estas piezas arquitectónicas, se dice, el grabador gustaba utilizar papeles de color para luego poner sobre ellos texturas con pincel y blanco opaco. Así lograba aspectos parecidos al dibujo, convirtiéndose en precursor de la xilografía al claroscuro, que apareció más tarde.

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ALEMANIA SIGLO XVI Situación histórica Situación artística Actividad en el grabado

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Capítulos Alemania Siglo XVI

Situación histórica

Situación histórica La reforma protestante de Martín Lutero, iniciada en 1517, volvió más difícil la política de unificación promovida por Maximiliano I a principios del siglo. Años adelante, la Paz de Augsburgo (1555) representó el fracaso del emperador Carlos V. La determinación de que la religión en los estados del imperio sería la elegida por cada príncipe, terminó por afirmar la división política y religiosa del país. En cada estado el príncipe procuraba defender ante la autoridad imperial su poder personal. La Reforma significó la guerra interna y externa. Entre 1517 y 1570 el movimiento reformador se había extendido por toda Europa, consolidándose en la parte nórdica-central, esto es, el 1 Navegar




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Situación histórica

territorio que ocupaba el sacro imperio romano-germánico. Había tres tendencias: el luteranismo, el zuinglio-calvinismo y el anglicanismo, enfrentados a la vez entre sí. Naturalmente, la gran contienda era entre la reforma y el catolicismo. En 1520 Lutero rompió con Roma, al quemar en Wittenberg la bula papal. Tres años antes, había expuesto públicamente sus tesis contra la venta de indulgencias del sistema religioso católico. La respuesta a la Reforma fue una Contrarreforma, salida en 1545 del Concilio de Trento, un intento de enderezar el catolicismo reacio e intransigente y un intento de reconciliación, no logrado este último, con el movimiento de la Reforma. El panorama general a finales de siglo presentaba dos Europas religiosas: la protestante y la católica, ambas apoyadas en el

Lutero rompió con Roma, al quemar en Wittenberg la bula papal

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Situación histórica

poder civil de reyes y príncipes. En la parte norte dominaba la primera, en la parte meridional la segunda. La oposición era abierta y a manera de corrección, en 1542, el Papa Paulo III extendió la Inquisición en toda la Iglesia Católica. Europa vivía en este siglo un aumento demográfico notable por menor incidencia de guerras, hambre y peste. El mundo rural en algunos países se había convertido en pilar de la economía. Las ciudades principales se convertían en centros comerciales, actividad impulsada por las nuevas rutas marítimas de portugueses y españoles hacia las Indias Orientales y Occidentales para explotar las especias y los metales preciosos. Algunas ciudades alemanas conocieron

El mundo mediterráneo dejó de ser el centro económico y pasó a ser un área provincial de un mundo más vasto

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Situación histórica

también esta vitalidad. Otro hecho significativo era que el mundo mediterráneo dejaba de ser el centro económico para pasar a ser un área provincial de un mundo más vasto.

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Situación artística

Situación artística El humanismo, movimiento intelectual surgido a finales del siglo XIV en Italia, definió un conjunto de métodos y valores renovados que pusieron énfasis en el mensaje filosófico y estético de la antigüedad grecolatina. Se empezó a promover entonces una tendencia hacia la laicización de los intelectuales. El clero perdía gradualmente el monopolio de la cultura. Entre los humanistas, clérigos y laicos, existió una corriente de acercamiento y solidaridad, favorecida por el ansia de saber y de ejercer una visión crítica. El humanismo afirmó nuevos valores morales y sociales como la dignidad del hombre, dueño de su destino y situado en el centro del universo. Este humanismo desconfiaba del

El humanismo definió un conjunto de métodos y valores, con énfasis en el mensaje filosófico y estético

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Capítulos Alemania Siglo XVI

Situación artística

ascetismo y quería demostrar que la vida cotidiana del laico podría ser también una vida santa. El arte de este humanismo se expresó en el Renacimiento, que de entrada significaba el prestigio del arte y del artista. Ello conllevó a una libertad cada vez mayor del artista, que se independizaba de las corporaciones gremiales. El arte, así, entroncó renovadamente con el poder y el artista encontró un nuevo mecenazgo entre los príncipes y la burguesía poderosa. El movimiento renacentista se extendió por toda Europa y en cada lugar tuvo su desarrollo particular. En Alemania, el avance del Renacimiento se caracterizó por la profusión que tomó el grabado y que influyó en el carácter lineal que tendría la pintura, algo distinta a la del Renacimiento

El movimiento renacentista se extendió por toda Europa y en cada lugar tuvo su desarrollo particular

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Situación artística

italiano. De aquí que la pintura germánica diese mayor importancia al dibujo que al color. Pueden citarse un buen número de artistas alemanes en este siglo, pero destacan como grandes maestros unos cuantos: Durero, Mathias Grünewald, Hans Holbein, el Joven y Lucas Cranach. Estos cuatro artistas bastarían para considerar glorioso el siglo de Alemania.

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Actividad grabado

Actividad en el grabado A principios del siglo recibió el grabado en madera un impulso particular, cuando el emperador Maximiliano encargó a los mejores artistas alemanes cuatro obras consagradas a su gloria. El Rey Sabio contiene gran número de láminas dibujadas por Hans Burgkmair y grabadas por varios artistas. El Theverdank, poema alegórico y moral escrito por el mismo Maximiliano en colaboración con su secretario, tiene láminas atribuidas a dibujos de Hans Schauflein. La más importante de estas obras, El Triunfo de Maximiliano, fue confiada casi por completo a Burgkmair, quien mandó también ejecutar Los Santos y Las Santas de la Familia Imperial. La muerte de Maximiliano interrumpió estos trabajos. 8 Navegar




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Actividad grabado

Las planchas originales de El Triunfo hicieron posible conocer el nombre de los grabadores; Jerónimo Resch, Jan de Bonn, Alejo Lindt, Jost de Negker, Jaime Rupp, entre otros que se han perdido en el tiempo, Auténticos grabadores, todos alemanes, las planchas han servido para reconocer monogramas y aclarar la historia del grabado alemán. La lista de xilografistas y burilistas alemanes es amplia. Aparte de los artistas anónimos o conocidos únicamente por sus monogramas, hay varios que pueden ser citados como Just Amman, Urs Grat, Hans Sebald Beham, Daniel Hoffper, y naturalmente Baldung, Aldegrever, Altdolfer, quienes serán tratados con cierto detenimiento más adelante. Estos grabadores mencionados, con excepción de Baldung, destacaron en el trabajo del cobre.

Durero acusó los gustos del detallismo y la falta de naturalidad, características del arte gótico

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Los jinetes del Apocalipsis Durero Navegar




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Baño de hombres Durero

Actividad grabado

1494, como huésped de los hijos del grabador, quienes eran también artistas. No resulta pues extraña esta relación. Años antes, de 1486 al 89, el joven había tomado en Nuremberg, su ciudad natal y de su muerte, enseñanzas de Michael Wolgemut, pintor importante pero fiel a los modelos de Rogier van der Weyden. Durero produjo en 1498 las quince tablas del Apocalipsis, serie de grabados en madera en torno al tema del libro de San Juan, que todavía en estos años sembraba una gran inquietud y hasta temor. Eran estampas de gran formato y traducían, con fuerza visionaria, las profecías del evangelista en imágenes impresionantes para los muchos que no sabían leer. “El Apocalipsis fue una obra que surgió de las angustias de la 11 47

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Adán y Eva Durero

1. Mundo y Vida de Grandes Artistas (Alberto Durero), Paul Westhein L Ediciones ERA. México, 1973.

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época, que todos deseaban poseer y que hizo famoso de golpe a su autor”, expresa Paul Westheim1. También data de esta primera época, en madera, “La Vida de la Virgen”, Durero no realizó el tallado; este trabajo se atribuye a artistas grabadores que trabajaron con él. La mayoría de las láminas que componen estas series debieron ser ejecutadas por Jerónimo Resch, tallista en madera y grabador en metales, según la opinión de un historiador de Nuremberg. La ejecución, el carácter magistral del trabajo, hacen de estas láminas obras ejemplares. Si cabe duda de que el mismo Durero grabara estas láminas, debe reconocerse que él dirigía a los grabadores y que las estampas no lograban gran calidad si no estaba él pendiente de la correcta interpretación de los dibujos. 12 47

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Actividad grabado

En el metal, en cambio, no hay duda de que él mismo trabajó las planchas. En 1505 atravesó a pie los Alpes para buscar la nueva belleza. Lo que vio en Italia le pareció un milagro. A él, Durero, lo agasajaban, lo colmaban de honores, lo trataban como artista de igual rango que a los artistas italianos ante quienes él se sentía aprendiz. El Dux y el Cabildo de Venecia lo invitaron a quedarse y hasta le ofrecieron un empleo. ¡Cómo estiman en este país al artista!, dijo entonces. ¡No como en casa! ¡Aquí soy un señor, en mi tierra un parásito! Dominado por su afán de expresividad que en los grabados del Apocalipsis se volvía energía, vigor y tensión en la forma, ¿podría él alcanzar la mesura, la seguridad estilística de los italianos? He aquí el conflicto que lo atormentaba: lo nórdico 13 47 Navegar




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Actividad grabado

contra lo mediterráneo; lo alemán frente a lo italiano, anota Westheim. Worringer dice.- “Su humildad nórdica no pudo renunciar a sí misma; no logró entregarse por entero a la belleza y armonía meridionales. Este trágico sino hace que sea tan grande”. Durero cambió en su viaje a Italia, escribe Westheim. Basta comparar los grabados en madera del Apocalipsis con la serie de xilografías de “La Vida de la Virgen”, realizada después de su viaje. El espíritu de ambas es distinto. Hasta la escritura artística cambió de modo radical. En el Apocalipsis audaz expresión gótica; en la otra, un esfuerzo por impregnar de claridad clásica la descripción detallada, llena de ternura, de apreciables escenas domésticas.

La Reforma y el humanismo tuvieron profundas resonancias en el arte de Durero

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Actividad grabado

En la ejecución de sus cuadros no logra la abstracción renacentista de la vida. Su mentalidad individualista de hombre gótico se niega a sujetarse al canon de la belleza. Sería sacrificar la expresividad. Durero vivió en un tiempo de crisis transformadora. El mundo medieval, el mundo gótico en el cual estaba arraigada su naturaleza íntima, se descomponía y se desintegraba ante sus ojos. La personalidad del grabador aparecía en Alemania cuando “ésta despertaba de un largo sueño, cuando aunaba sus fuerzas para fundar su libertad moral”. La Reforma y el humanismo tienen profundas resonancias en su arte. Sin embargo, no se hace teólogo como Cranach; no abdica, como otros, de su carácter alemán, ante la revelación italiana” 15 47 Navegar




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Actividad grabado

Confrontado ante la Reforma, Durero permaneció en su cristianismo interior y grave; dominando su fe la afirmaba, sufriendo por ella la sentía vivir. La Pasión de Cristo adquiría para él una eterna actualidad. De esta actitud, de esta asimilación espiritual provenía el profundo acento religioso de su obra. Por otro lado, el humanismo ensanchó su pensamiento, le reveló la tradición de su arte, “le inició en las síntesis naturales de la mitología”, según palabras de Maurice Hamel. “Estas no son, sin embargo, sino corrientes que lo empujan, fuerzas que lo ayudan a emanciparse. El principio viviente de su arte está en el sentimiento popular, sin orgullo, ese mismo sentimiento que no rompiendo lo escolástico de los maestros cantores, florece en el lied

El principio viviente del arte de Durero está en el sentimiento popular

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El elector de Sajonia Cranach

2. Haciendo un recuento de lo ganado con sus clientes de la nobleza y la burguesía. Durero decía que había ganado 500 florines

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alemán. En esto, Durero comulga con el corazón de su raza”. Los mejores grabados de Durero están vinculados con la vida del pueblo. Y de sus grabados vivió, en primer lugar. Su esposa viajaba a la feria de Francfort para vender ahí sus estampas. El artista solía quejarse de que no le pagaban bien su trabajo en la pintura. “Por eso quiero ocuparme de mis grabados. Y si lo hubiera hecho antes, tendría hoy mil florines”2. Lucas Cranach, el Viejo (1472-1553), nació en Kronach, pueblo situado al suroeste de Alemania, por el mismo tiempo que Durero. Se desconocen sus inicios en el arte y no se sabe quien fue su maestro. Los primeros cuadros conocidos datan de entre 1502 y 1505 y son pinturas de temas piadosos. Su estilo se emparentó entonces a los de Altdolfer y de Huber, 17 47

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Actividad grabado

artistas alemanes del sur. Entre 1506 y 1509 hizo una serie de grabados en madera, reveladores ya de su estilo. Su estilo fue muy distinto al de Durero. No buscó tanto como él la belleza ni lo acabado de la ejecución. Los grabadores que empleó hacían un trabajo más pintoresco y menos preciso y los dibujos eran de menor belleza que los del maestro de Nuremberg. Amigo de Lutero, Cranach abrazó la Reforma con entusiasmo. Pintó retratos del reformador y su mujer y de Federico el Sabio. Puso su talento al servicio de la naciente religión y adornó de estampas los atrevidos escritos de su célebre amigo. Los grabadores en madera que reprodujeron sus dibujos se esforzaron en simplificar el trabajo para que cada composición apareciese como él la había planeado. Los grabadores sacrificaron, por lo general, su personalidad en obsequio a la de su maestro.

Cranach abrazó la Reforma con entusiasmo y puso su talento al servicio de la naciente religión

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Jucio de París Cranach

Actividad grabado

Cranach tenía cerca de treinta años cuando el príncipe elector Federico el Sabio lo llamó como pintor de cámara a su nueva corte de Wittenberg, ciudad sajona, lugar donde vivió casi cincuenta años de su vida. Ahí pintó los retratos de las personas eminentes de la corte, celebridades y hasta simples particulares que lo buscaban para pedirle ser retratados. Pintó varios retratos del cardenal Alberto de Brandeburgo, gran aficionado al arte. Retratos que eran bien remunerados. El ingreso de estas ventas lo invertía Cranach en casas y terrenos. Al poco tiempo de establecerse en Wittenberg, poseía la casa más suntuosa de la corte. Ahí estableció su taller, con gran número de oficiales a quienes instruía y enseñaba a trabajar a su manera. 19 47

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Actividad grabado

Fue un hombre cordial y capaz que servía para hacer una diversidad de cosas: pintaba un altar, un retrato o decoraba una cama matrimonial. No le faltaron encargos y honorarios. Tres años después de su nombramiento como pintor de cámara fue ennoblecido por el Elector y posteriormente fue nombrado burgomaestre, esto es, primer magistrado municipal. Cranach fue uno de los grandes maestros del grabado en madera. La xilografía era en ese tiempo el arte popular por excelencia. Su técnica permitía una gran divulgación de las estampas, saciando el hambre de imágenes de la gente analfabeta, sobre todo de imágenes de santos y escenas bíblicas, propias para colgar en los muros domésticos. Uno de sus más bellos grabados que muestra su talento de narrador, su inventiva

Cranach fue uno de los grandes maestros del grabado en madera

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Las Brujas Baldung Grien

Actividad grabado

plástica y su buen oficio, representa el Paraíso, Adán y Eva rodeados de animales. Una escena plácida y amable. Cuando el príncipe Federico pasó a Weimar en calidad de exiliado, Cranach lo siguió en el exilio. Tras la muerte de aquél, en la corte le pidieron sesenta retratos del personaje para obsequiar a deudos y amigos. En su taller se guardaba un modelo realizado por él y los oficiales lo copiaban. Al igual que Durero, Cranach vio también la “nueva belleza” llegada de Italia. En su juventud había pintado cuadros en el nuevo estilo, como el retrato del emperador Maximiliano, pero no sucumbió al hechizo del arte renacentista. Cranach murió ahí, en Weimar, a los 81 años de edad. Nació Hans Baldung Grien (1840-1552) en Weyershein, cerca de Estrasburgo, en la región del Alto Rin, proveniente de una 21 47

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Actividad grabado

familia de abogados. Se le puso el apodo de “Grien”, el Verde, a causa de que su vestimenta era casi siempre de ese color. Su padre era consultor jurídico del Obispo. Esta posición familiar le permitió buenos contactos con las familias nobles. En 1510 contrajo matrimonio con Margarita Herlin, de rancia nobleza alsaciana. Un año más tarde fue elegido miembro del consejo municipal. Por intermediación de su cuñado, el canónigo Herlin, Baldung pudo vislumbrar algo del fermento espiritual que predominaba en toda la región del Alto Rin. Fue pintor de cámara del Obispo. Gustó de la literatura popular y del trato con damas elegantes. Pintor y dibujante, fue alumno de Durero, a quien tenía gran respeto. Esta veneración se hacía palpable en los dibujos que mandaba grabar. Su estilo se acercó al del maestro, exagerándolo.

Baldung tuvo predilección por lo feo y lo grotesco en su arte

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Semental y yegua Baldung Grien

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Baldung tenía predilección por lo feo y grotesco. Inventaba figuras rechonchas, rostros gesticuladores, movimientos inverosímiles que los grabadores repetían con exactitud. A lo largo de su trabajo tuvo una viva atracción por los temas de las brujas y de la muerte, tratándolos con poderosa, extraña imaginación, llegando incluso a la imagen impúdica. En el motivo de la muerte, muy popular en ese tiempo en la región del Alto Rin, Baldung lo trató con imaginación personal, con violencia y fantasía, influyendo por ello en artistas como Urs Graf y Niklaus Manuel. Su dramatismo llegó algunas veces al límite de lo macabro, lo sádico y lo erótico, “unidos en una tensión frenética”, según palabras de Francois-Georges Pariset. Sus primeras pinturas trataron empero temas religiosos, abordados con visión romántica, con humanismo. Pero estos 23 47

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trabajos no se consideran muy buenos. Mejores fueron sus retratos de senadores y potentados. No pintó retratos de mujeres, aun cuando éstas aparecen en algunos cuadros y grabados. En 1500 Durero visitó Estrasburgo, en donde conoció al joven Baldung. Parece claro, por la observación en la obra de ambos artistas, que Baldung tuvo un período de aprendizaje en el taller del gran artista de Nuremberg. En 1509 Baldung, una vez en Estrasburgo, se estableció como pintor local, haciendo dibujos para vitrales, blasones heráldicos y altares. En la mitad de su carrera abandonó los temas religiosos y empezó a plasmar y grabar temas sacados de sus ensueños. Más notable que como pintor, Baldung lo fue como grabador. Grabó en madera de boj con trazos fuertes y con mucho detalle, pero buscando el efectismo. Con frecuencia sus grabados eran

En la mitad de su carrera, Baldung abandonó los temas religiosos y plasmó temas sacados de sus ensueños

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a dos tintas, una negra que dibujaba el asunto y otra de color castaño que dejaba rasgos en claro, por donde se veía el blanco del papel. Así formaba una policromía de los tres valores. Sus grabados xilográficos representan temas laicos, sobre todo escenas de brujería, asuntos que eran de gran preocupación en la época en la cual la superstición acompañaba a mucha gente. Los grabados de Baldung tuvieron éxito tras las fronteras de su país. El mismo Durero llevaba consigo grabados de “El Verde” para venderlos en sus viajes a los Países Bajos. Los que hizo en cobre fueron más finos, por razón de técnica. Sus temas aquí eran religiosos. En estas estampas se percibía la supervivencia del estilo de Schongauer. Han quedado también de Baldung muy buenos dibujos, algunos con trazos fuertes y expresivos. También proyectó vitrales

Los grabados xilográficos de Baldung representaron temas laicos y tuvieron éxito tras la fronteras de su país Navegar

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La muerte y el médico Holbein

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para las construcciones de los nobles y ayudó al desarrollo de la imprenta con grabados que enriquecieron las grandes impresiones. Hans Holbein, el Joven (1497-1543), pintor y grabador, hijo de Hans Holbein, el Viejo, nació en Augsburgo. Se inició en la pintura con su padre. En 1515 fue a Basilea, donde junto con su hermano recibió enseñanzas en el taller de Hans Herbster. En 1519, a los 22 años, fue admitido en el gremio de pintores. Ahí en Basilea hizo amistad con el grupo humanista de la ciudad. De esta primera época son “La Madona con la Familia Mayer” (1516), “El Descendimiento de la Cruz” y “La Lamentación de Cristo” (1520), los retratos de Amerbach y unos dibujos con historias del Antiguo Testamento. Holbein tuvo la fortuna de encontrar un grabador en madera que multiplicó magistralmente buen número de sus obras. Hans 26 47

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Lutzelburger fue indudablemente el ejecutante de los grabados de “La Danza de la Muerte” (1538) y del Antiguo Testamento (1547). Su buril reprodujo con extrema pulcritud los dibujos de Holbein, pequeñas composiciones pero de muy exacto dibujo. El talento del grabador consistió en saber conservar en piezas sumamente exiguas esta concepción grandiosa. Numerosos grabadores desconocidos reprodujeron también dibujos de Holbeln, pero ninguno como Lutzelburger. El abate Zani le llamó “el príncipe de los grabadores en madera”. Holbein nació en el mundo del humanismo, del cual le eran familiares sus ideas y su lenguaje plástico. Con su célebre universidad, en esos años Basilea se consideraba el centro del espíritu humanista. En torno de la gran figura de Erasmo de

Holbein nació en el mundo del humanismo, del cual le eran familiares sus ideas y su lenguaje plástico

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Rotterdam se reunía un grupo nutrido de sabios y filósofos adictos a las nuevas tendencias espirituales. Era también la ciudad de muchos impresores prestigiados que se servían del invento de Gutemberg para difundir la Biblia y los últimos conocimientos científicos. Con ellos se relacionó el joven pintor para ganarse la vida ilustrando los libros que editaban. Johan Froben, editor, le encomendó la ilustración de numerosos libros. Entre estos ilustró, con dibujos satíricos, El Elogio de la Locura de Erasmo, una de las obras más sustanciales del célebre humanista. Holbein fue amigo de Erasmo y lo dibujó varias veces. El éxito del libro de éste lo animó a crear tres series de dibujos que se publicaron como grabados de madera, las

“La Danza Macabra” de Holbein es su filosofar en torno al fenómeno de la muerte

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ilustraciones para el “Antiguo Testamento”, el “Alfabeto de la Danza de la Muerte” y la más famosa y popular, “La Danza Macabra”. La danza se compone de 41 grabados, realizados entre 1523 y 1526 pero impresos posteriormente. La muerte es aquí el personaje central. Cada campesino, cada rey, papa, mercader, niño, madre, esposa o juez, aparece con la muerte en un costado, bailando, riendo, abrazándolos. La muerte es una compañera inevitable. “La Danza Macabra” de la Edad Media recuerda la muerte a los que vivían despreocupadamente, sin pensar en su salvación, entregados a las pasiones terrenales. “La Danza Macabra” de Holbein es el filosofar de un espíritu culto en torno al fenómeno de la muerte. Es una meditación erasmiana también sobre la vanidad de la vida. Con esta 29 47 Navegar




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danza Holbein se ocupaba de uno de los problemas que obsesionaban a la cultura y al mundo de la Edad Media, al hombre preocupado por su trascendencia. En estas estampas el artista representó la insolencia, la acusación, el espanto, la hostilidad que evitaba como pintor de la corte. Todo retomado por la muerte. La serie de los cuarenta y un grabados se acompañaban con fragmentos bíblicos y citas de santos. Las disputas religiosas provocaron turbulencias en muchos lugares. En las iglesias de los países Bajos y de Alemania varias obras de arte fueron destruidas, víctimas del fanatismo iconoclasta de los luteranos. En Basilea ocurrió algo parecido y varias pinturas de los Holbein, padre e hijo, fueron quemadas. Holbein abandonó entonces Basilea en busca

En las iglesias de Alemania varias obras de arte fueron destruidas, por el fanatismo iconoclasta de los luteranos

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de nuevos horizontes. En 1528 fue a Londres, en donde una carta de recomendación de Erasmo para Tomás Moro convirtió a éste en su protector. Moro era el gran canciller de Enrique VIII. El autor de la Utopía lo relacionó con las personalidades más destacadas de la sociedad londinense. Años después, Enrique VIII rompió con la Iglesia Católica porque ésta se negó a concederle el divorcio de su primera mujer, Catalina de Aragón, para casarse con su amante, Ana Bolena. Las críticas o el desencanto de Moro con el soberano le costaron su cabeza; fue decapitado en 1535. Holbein decidió regresar a Basilea, pero la vida ahí le resultó limitada. Aunque el Concejo Municipal le ofreció un puesto con paga fija, no se interesó y regresó a Londres. 31 47 Navegar




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La sociedad londinense no necesitaba retablos sino retratos y Holbein emprendió así una estupenda labor como retratista de esa sociedad, convirtiéndose en su pintor favorito. En 1536 Enrique VIII lo nombró pintor de cámara y en tal calidad ejecutó varios retratos del monarca y de sus sucesivas esposas. Juana de Seymour y Ana de Cleves quedarían inmortalizadas en su pincel. Holbein no sólo pintó a la familia real sino dibujó también a todas las personas de la corte. Captó, caracterizó, conservó sus rasgos más allá de la vida. “Toda una sociedad consagrada, dice Westheim, por un gran observador, por un genial artista”. El pintor y dibujante pasó la última etapa de su vida en Londres, donde murió víctima de la peste a la edad de 46 años.

Holbein emprendió una estupenda labor como retratista en Londres, convirtiéndose en su pintor favorito

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Cristo en la cruz Altdorfer

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Tres grabadores más destacan en este siglo, los tres alumnos de Durero: Albrecht Altdorfer, Heinrich Aldegrever y Hans Burgkmair, los tres ya mencionados. Albrecht Altdorfer (1480-1538) nació en la ciudad suiza de Altdorf y murió en Ratisbona. Pintor, arquitecto y grabador, fue el más original de los llamados Pequeños Maestros, que trabajaban en formatos pequeños. Hijo del pintor Ulrich Altdorfer, hermano también de un pintor. Altdorfer llegó a Ratisbona el 1505 y desarrolló ahí su trabajo artístico. En 1526 lo nombraron arquitecto municipal y dos años más tarde le eligieron alcalde de la ciudad, puesto que no aceptó. En 1535 viajó como delegado de Ratisbona a Viena. Grabó sobre lámina de cobre y diseñó para xilografía. Sus estampas, unas 200, versan sobre temas religiosos y profanos, 33 47

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A Altdorfer se le considera como uno de los primeros artistas alemanes con gran interés de mostrar la naturaleza

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con frecuencia ornamentales. De modo particular destacó en el tema del paisaje. Podría considerarse como uno de los primeros artistas alemanes con gran interés de mostrar la naturaleza, nutriéndose de los parajes del Danubio. Altdorfer realizó nueve aguafuertes en el motivo paisajístico, aparte de sus pinturas. En 1515 realizó una serie de 40 xilografías sobre el tema de la “Caída y Redención del Hombre”. “Jesús Muere en la Cruz” es uno de estos grabados, cuya característica consistió en manejar grupos de figuras en un espacio sumamente reducido. “Esto, dice Max Friedlan, era un pecado contra las leyes del grabado en madera. No obstante, el trabajo de Altdorfer fue un brillante suceso. El control de la luz y la sombra, su contraste, dio vida y majestuosidad a las impresiones” 34 47

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Actividad grabado

De su obra gráfica se conservan 125 estampas en madera, muchas de ellas creadas al servicio del emperador Maximiliano 1 para La Marcha Triunfal y el Arco de Triunfo. Se conservan igualmente 77 grabados en cobre y 36 aguafuertes. Altdorfer pudo gozar de ciertas comodidades sin llegar a ser un gran burgués. Ya en los primeros años de su trabajo, en 1513, pudo adquirir una casa “con torre y patio” junto a la iglesia de los agustinos, ahí en Regensburgo, fecha en la que ya estaba casado. Fue propietario de una viña en la ribera del Danubio. En 1532 murió su esposa y compró otra casa con jardín, en el barrio de San Leonardo, también en la misma ciudad. Al morir, en su testamento dejó sus bienes, mitad y mitad, a los parientes y a los amigos. Las dos casas, al parecer, estaban hipotecadas. 35 47 Navegar




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El abeto Altdorfer

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Altdorfer –como Durero, Erasmo y tantos otros personajes de la época– simpatizaban con los protestantes, sin romper completamente con la iglesia romana. Evitaba sus prácticas sin manifestar anticlericalismo. Pintó muchas veces temas de la leyenda evangélica y del santoral. Y sorprende aún más que aceptara el encargo de decorar una bula papal para indulgencias. Fue discípulo de la escuela de Viena, pero no hizo residencia ahí de aprendizaje. Su formación, el carácter de su obra en algo se puede atribuir a esta influencia vienesa, centro donde había talleres de pintura que por la abundancia de su producción competía con Nuremberg y Colonia. El arte ahí se mantenía dentro de la tradición gótica, en el llamado “estilo del Danubio”, del cual el grabador fue un representante destacado. 36 47

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Burgkmair fue el maestro principal del arte pictórico y colorista de Augsburgo

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Produjo piezas consideradas originales en el tema precisamente del paisaje. Pinos, musgos y rocas participan de la acción maravillosa de la naturaleza. “El pequeño abeto”, un aguafuerte con coloratura antigua, ejecutado entre 1517 y 1520, era un tema novedoso en la historia del grabado alemán. Se trata sin duda de su grabado más conocido en el tema. Trabajo minucioso en la descripción de lo natural y en el detalle del dibujo. Altdorfer, se dijo, creaba con un fondo de paisaje un estado del alma. Junto con Cranach, Georges Breu y Wolf Huber, Altdorfer se cuenta entre los principales maestros de la escuela del Danubio. Hans Burgkmair (1473 -153l) nació en Augsburgo y ahí encontró la muerte. Pintor y grabador xilográfico, alumno de Durero, trabajó largamente bajo su influencia. Posteriormente se apegó al estilo italiano. 37 47

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Muerte de los amantes Burgkmair

Actividad grabado

Fue hijo de Thomas Burgkmair. Sus primeros años de aprendizaje transcurrieron de 1488 a 1490 en el taller de Martín Schongauer. En 1498 fue miembro del grupo de pintores de Augsburgo. En 1503 viajó al Rin; en 1507 a Italia. A partir de 1512 estuvo al servicio de Maximiliano l. Al lado de su importante labor pictórica está la de su gráfica, que abarca más de 800 piezas, en su mayor parte ilustraciones hechas por encargo. Mientras que el arte coetáneo de Franconia, producido por el grupo que estuvo alrededor de Durero, atribuye el máximo valor a la línea, Burgkmair es el maestro principal del arte pictórico y colorista de Augsburgo. La colaboración que tuvo el grabador con el editor y tallista Jost de Negker en 1508 produjo las primeras cromoxilografias. 38 47

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Burgkmair introdujo cambios notables en sus retratos, con una combinación cromática diferente

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Al “San Jorge”, ejecutado originalmente en papel de color en una plancha de línea negra y otra de color oro, Negker agregó posteriormente una plancha de color. Con este procedimiento, ambos se erigieron en los creadores del primer grabado en madera al claroscuro. “La Muerte Asalta a una Pareja de Amantes”, otra cromoxilografia en claroscuro, de tres planchas, presenta el drama en el entorno de un paisaje urbano renacentista. La combinación de las planchas de color y de las luces dan por resultado que el blanco del papel no se siente tanto como el vehículo del dibujo sino como la claridad más luminosa de la escena. La estampa es una de las principales de Burgkmair. La composición puede considerarse como una de sus más 39 47

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Los doctores Burgkmair

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excelentes y representa un momento culminante de la adaptación de formas italianas a la gráfica del renacimiento alemán. En escrito de 1512 dirigido al Emperador Maximiliano, Negker se designaba como el inventor de este tipo de cromoxilografía. Italia constituyó una experiencia importante para Burgkmair, que introdujo cambios notables en los retratos que pintaba, más finamente dibujados, con una combinación cromática distinta; era el efecto del Renacimiento. En su gráfica, una serie de autorretratos alcanzan una perfección en la que algunos ven el estilo de los retratos funerarios de Roma. Hay uno en especial, hecho con tres placas de madera entintadas con diferentes grises en los que alcanza una amplia gama, sin trabajo de línea negra. 40 47

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La producción xilográfica en el retrato alcanzó con Burgkmair una gran maestría

Actividad grabado

Este influjo italiano es visible igualmente en los grabados de la Virgen y el niño (1508-1510), siguiendo la escuela de Leonardo. La producción xilográfica en el retrato alcanzó con Burgkmair una gran maestría. Se menciona como ejemplo el que hizo de Hans Paumgartner, con un fondo de arquitectura renacentista, impreso en tres diferentes sombreados con placas distintas. En este tratamiento ocurrió también el de los amantes asaltados por la muerte, bajo el escenario urbano renacentista. En los trabajos de xilografía hechos para el emperador en el Triunfo de Maximiliano, con toda probabilidad Burgkmair fue el principal participante, no sólo por la calidad de su obra, exuberante y creativa, de complejos pasajes históricos, sino 41 47

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Actividad grabado

porque tomó parte en cuatro de los proyectos. Desde principios de siglo, se dice, Burgkmair se convirtió en el centro del grabado en madera en Augsburgo. Su trabajo no tenía la precisión analítica de un Durero sino que destacaba en él su naturaleza fantasiosa, con detalles decorativos y narrativos y cierto sentido dramático. Parece importante aquí insistir en el hecho de que Burgkmair contó con la valiosa asistencia técnica de Jost de Negker (1485-1544), quien dominaba el recurso del claroscuro mediante el uso de las tres planchas que daban a las piezas una inusitada riqueza de tonos. Esta colaboración entre los dos artistas produjo las 67 láminas para la edición del libro El Triunfo de Maximiliano, las genealogías de los ancestros reales y mitológicos del emperador y los Habsburgo y las ilustraciones para el Nuevo Testamento de Lutero. 42 47 Navegar




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Danzantes del pueblo Aldegrever

Actividad grabado

Heinrich Aldegrever (1502-ca 1558) fue originario de Padeborn, ciudad de la región de Westfalia, y murió en Soest. Pintor y grabador, alumno de Durero, pertenece también a la categoría de los Pequeños Maestros. Aldegrever pasó en Nuremberg la mayor parte de su vida y tuvo constantemente a la vista las estampas de Durero. No obstante, estuvo también atento a otras producciones como las de Hans Sebald Lautensack y Berthel Beham, artistas nuremburgueses, con quienes compartió el gusto por los pequeños formatos y por los motivos de ornato, el camino manierístico y el claroscuro. Fue autor de unas 300 estampas, la mayoría de tipo ornamental. Aldegrever trabajó en todos los géneros, pero su habilidad pudo demostrarse mejor en los retratos de los personajes de su tiempo. Se limitó a copiar lo que tenía a la vista y lo hizo bastante bien. 43 47

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Capítulos Alemania Siglo XVI

Actividad grabado

Había en su obra la tendencia al alargamiento de las figuras, sobre todo en sus estampas de trajes alemanes, acaso un poco disimulado por los ropajes espléndidos. “El Retrato de Jean van Leyden”, realizado al buril en 1536, puede considerarse como uno de sus más notables trabajos. El personaje, jefe de la secta de los anabaptistas de Munster, aparece retratado con la actitud de monarca, con dibujo elegante y preciso. A finales de siglo en Alemania, podría decirse que mientras el grabado en buril obtenía un éxito que se justificaba por la habilidad con que era ejecutado, algunos practicaban también el aguafuerte. Pero aquí no había realmente practicantes de gran talla. El mismo Durero trabajó en esta técnica, pero sin alcanzar el mismo grado de perfección que obtuvo en sus otras láminas. Su estilo aquí no formó escuela. 44 47 Navegar




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Capítulos Alemania Siglo XVI

Actividad grabado

Sebald Lautensack y Augustin Hirschvogel, artistas de Nuremberg, dejaron cierto número de aguafuertes pero no suficientes para dar una idea del aguafuertismo alemán. Es decir, al final de cuentas los alemanes fueron superiores en el buril. Augustin Hirschvogel (1505-1553) nació en Nuremberg y murió en Viena. Dibujante, aguafuertista, pintor sobre vidrio, medallista y cartógrafo, realizó una obra considerable en la gráfica, a pesar de sus diversas actividades. Creada en el curso de una década, esta obra abarca unas 300 láminas, la mayor parte fechadas y provistas del monograma A. Hirschvogel HAF. Fue hijo de Veit Hirschvogel el Viejo, pintor sobre vidrio. Vivió el grabador en Laibach entre 1536 y 1543, y a partir del año siguiente residió en Viena. Como cartógrafo, entró al servicio del Imperio. 45 47 Navegar




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Capítulos Alemania Siglo XVI

Actividad grabado

Su talento, se dice, reside en la evocación de la atmósfera general de sus obras, del espacio libre, de la luz y el aire, de la belleza natural. En el paisaje idílico se le puede considerar continuador de Altdorfer, Huber y de los maestros de la Escuela del Danubio. Sus mejores piezas las realizó en el aguafuerte paisajístico. “Paisaje Fluvial”, de 1546, es una de estas piezas que le representan bien. Los Pequeños Maestros se extraviaron cuando la escuela fundada por Durero comenzó a perder su prestigio. Se conservó, es cierto, el gusto por las cosas pequeñas, por los adornos, por los objetos de orfebrería. El arte se había acabado en las manos de grabadores tan hábiles como los ya mencionados.

El arte alemán tomó a fines del XVI otra dirección, perdiendo su carácter original

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Capítulos Alemania Siglo XVI

Actividad grabado

Había concluido el período original de la escuela flamenca; no se hallaban mas que artistas de segunda línea buscando inspiración en sus predecesores y perdiendo en esta tentativa la parte más preciosa de su talante, la personalidad. El arte alemán tomó a fines del XVI otra dirección, perdiendo su carácter original. Los grabadores que permanecieron en el país fueron acaparados por los autores, quienes se preocuparon más en hacerles trabajar mucho que en auxiliarlos para que produjesen obras de mérito artístico.

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ALEMANIA SIGLOS XVII Y XVIII Situación histórica Situación artística Actividad en el grabado

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Capítulos Alemania Siglo XVII y XVIII

Situación histórica

Situación histórica A comienzos del siglo Alemania estaba dividida en dos campos hostiles en política y religión. Esta situación la involucró en la Guerra de los Treinta Años (1618-1648). El coflicto, inicialmente religioso, originado en Bohemia en 1618, se extendió a casi todas las potencias europeas y se amplió en un enfrentamiento entre los Austria y la monarquía francesa, por las ambiciones de alcanzar la hegemonía continental. La contienda comenzó con la llamada “defenestración de Praga” de dos checos católicos por la asamblea protestante, reunida en esa ciudad. Al año siguiente, la dieta de Bohemia eligió como rey al protestante Federico V, enfrentándolo al emperador católico Fernando II. 1 Navegar




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Capítulos Alemania Siglo XVII y XVIII

Con la paz de Westfalia se terminó el problema, que significó para Alemania un desmembramiento territorial

Situación histórica

El conflicto religioso se convirtió en político y de guerra civil alemana pasó a europea, por sucesivas entradas de nuevos beligerantes. Con la paz de Westfalia, en 1648, se terminó el problema, que significó para Alemania un desmembramiento territorial. Metz, Toul, Verdún y Alsacia pasaron a Francia y se reconoció la independencia de Holanda y Suiza. El triunfo del particularismo fue completo y Alemania quedó dividida en 350 estados que constituyeron el Sacro Imperio, concebido como una república de monarquías. Entre todos estos estados destacó Prusia, que gracias al gran elector Federico Guillermo (1640-88), logró convertir su estructura medieval en una organización moderna. El monarca llamó a los hugonotes franceses para impulsar el 2

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Capítulos Alemania Siglo XVII y XVIII

Situación histórica

desarrollo económico y la colonización; centralizó el país y creó un ejército permanente. De tal suerte, la posición de Prusia quedó consolidada.

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Capítulos Alemania Siglo XVII y XVIII

Situación artística

Situación artística

Los pintores de los Países Bajos fueron de excepcional importancia para el arte alemán

Tras la época de Durero surgió una gran cantidad de maestros menores y unos pocos notables. La mayoría de ellos cambiaron el lenguaje formal del gran maestro de Nuremberg y de Holbein y miraron hacia el arte italiano, cuya forma perfecta los fascinaba. Esta inclinación significó entonces grave prejuicio de su propia personalidad. Hubo de correr el tiempo para que los modelos italianos se asimilaran y fueran fructíferos. De excepcional importancia para el arte alemán del XVI y aún del XVII fueron los pintores de los Países Bajos, que ya en temprana etapa se habían familiarizado con las concepciones artísticas italianas. De ambos países, pues, afluyeron a Alemania los estímulos. 4

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Capítulos Alemania Siglo XVII y XVIII

El arte aleman no tuvo un desarrollo pródigo, comparado con el del siglo anterior

Situación artística

Debe tomarse en cuenta que los conflictos religiosos y las guerras que el imperio alemán debió sostener, fueron causas de que el arte no tuviera un desarrollo pródigo, comparado con el del siglo anterior, el XVI. En estas circunstancias históricas, Adam Elsheimer fue el artista más notable. Los acarreos italianos y flamencos, a decir de Gustav Barthel, no alcanzaron importancia ni se volvieron fecundos sino precisamente en la obra de este artista contemporáneo de Rubens.

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Capítulos Alemania Siglo XVII y XVIII Actividad grabado

Actividad en el grabado Murió Elsheimer en Roma, ningún pintor alemán de los que le siguieron alcanzó su proyección

Adam Elsheimer (1578-1610) inició su formación en Francfort, su ciudad natal, completándola en Italia. En Roma recibió la influencia de Rubens —quien a su vez lo admiró a él— y también del Caravaggio captó la herencia de la luz. En el paisaje siguió la escuela holandesa. Fue pintor y grabador y lo mismo en una técnica que en la otra se advierte el conocimiento de los vénetos y de los Carracci. Su producción en el aguafuerte no fue numerosa; se le atribuyen tan sólo 17 piezas. “Tobías y el Angel”, de 1600, es una de sus estampas más conocidas. Murió Elsheimer en Roma, a los 32 años de edad. Ningún pintor alemán de los que le siguieron alcanzó su proyección. Otros grabadores desempeñaron su trabajo en este siglo, 6

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Capítulos Alemania Siglo XVII y XVIII Actividad grabado

Catedral de Anvers Hollar

cediendo a la rutina de los editores, buscando deliberadamente los trazos agradables hasta la exageración. Estos artistas prefirieron demostrar su habilidad en el corte del metal, olvidando al parecer que el saber dibujar es condición indispensable para lograr un grabado realmente bueno. Wenzel Hollar (1607-1677), originario de bohemia, fue una excepción. Grandes viajes le permitieron conocer y comparar las escuelas rivales y cultivó un estilo personal en sus estampas. Se dice que Hollar era inimitable en representar la fisonomía humana, en reproducir la transparencia del cristal, en dar brillantez a los metales, en detallar los pelos o las plumas de las aves y en dar brillo a las sedas. Pero era preciso tener el modelo enfrente. Wendel Dieterlin, que no salió de Alsacia, fue un buen arquitecto 7

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Capítulos Alemania Siglo XVII y XVIII Actividad grabado

y pintor de cierta nombradía. Se le reconoce un puesto honroso entre los arquitectos grabadores de esa época, pero son poco conocidas sus estampas. Johan Karl Ridinger debe su modesta reputación a los asuntos de caza y escenas de la vida de los animales, que trató con acierto y nada más. Johan Georg Wille y su compañero Georg Friedrich Schmidt fueron a Francia muy jóvenes y realizaron en París estudios de grabado. Para vivir en la capital francesa se vieron obligados a trabajar con el editor Odieuvre, quien tenía más cuidado por el buen negocio que por la calidad de sus ediciones. Wille alcanzó pronto una facilidad manual que le hizo destacar entre los demás grabadores. Hyacinthe Rigaud vio algunas de sus láminas y reconociendo sus méritos le proporcionó medios 8 Navegar




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Capítulos Alemania Siglo XVII y XVIII Actividad grabado

Wille y Schmidt tuvieron gran influencia en el arte francés

para que produjera sus obras. No tardó el joven alemán en ponerse al frente de todos los grabadores franceses de su tiempo. Wille era reconocido también por su gusto exquisito como aficionado al arte, ya que pudo lograr reunir un buen número de cuadros y objetos y entre sus estampas más conocidas y admiradas, existen algunas que reproducían pinturas de su colección. Schmidt, su compatriota y amigo más cercano, tuvo similares principios y oportunidades. Nicolás Lancret prestó ayuda a Schmidt al relacionarlo con el maestro Lamerssin, para quien el grabador estuvo preparando planchas. En sus ratos libres Schmidt grabó pequeños retratos para Odieuvre, que si bien no aumentaron su reputación de artista, al menos le permitieron sobrevivir en esos primeros años de lucha y relativa penuria. Pudo después establecerse como amigo de Wille. Rigaud mismo 9

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Capítulos Alemania Siglo XVII y XVIII Actividad grabado

no vaciló en confiarle un retrato que acababa de terminar del conde de Evreux. A continuación Rigaud le dio a reproducir, con autorización del prelado, el retrato de San Albino, arzobispo de Cambray. Esta estampa, se dice, aseguró el renombre de Schmidt como grabador. Desde esa época, 1724, no cesó de publicar cada año cierto número de estampas, que eran una prueba de su habilidad y su asiduidad a la profesión. Su modo de grabar tenía semejanza con el de Wille, sirviéndose generalmente del buril. Wille y Schmidt tuvieron gran influencia en el arte francés. Ambos adquirieron una reputación que eclipsó a la de sus compañeros. La escuela moderna francesa del grabado fue deudora de ambos. El maestro Charles Clement Bervic estudió en el taller de Wille, siguiendo con escrúpulo los consejos del 10 11 Navegar




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artista alemán. Y después trasmitió fielmente a sus discípulos las lecciones que él mismo había recibido.

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ALEMANIA SIGLO XIX Situación histórica Situación artística Actividad en el grabado

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Capítulos Situación histórica

Alemania Siglo XIX

Situación histórica Incapaz de resistir al ejército napoleónico, Francisco I se vio obligado a suprimir el Sacro Imperio en 1806 y constituir una confederación de Rin bajo protectorado francés. Prusia vio aniquilado su ejército en Jena y no hubo indicio de resistencia nacional. Por el activismo de algunos grupos de políticos e intelectuales, empero, que intentaban crear en torno a Prusia la nación alemana, se trabajó en una reorganización general que culminó con la derrota de las tropas francesas en Leipzig en 1813. Pero el esfuerzo de una unidad nacional fracasó por la oposición de Austria, temerosa de un estado liberal en Prusia. 1 Navegar




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Capítulos Situación histórica

Alemania Siglo XIX

El éxito del comercio entre Estados asociados estableció un Estado liberal y unificado

El tratado de Viena de 1815 estableció finalmente la confederación germánica con 39 estados soberanos, independientes, excepto para las decisiones en política exterior. El éxito del comercio entre estados asociados animó a la burguesía a pugnar por el establecimiento de un estado liberal y unificado. En 1848 se produjo un enfrentamiento entre los simpatizantes de este proyecto y el status. En muchas ciudades alemanas hubo revueltas de quienes exigían la implantación de un sistema democrático. Los rebeldes fueron vencidos en Austria y en otros estados, cosa que decidió a Prusia pactar nuevamente con la aristocracia y con el ejército, reprimiendo duramente a los sublevados. La burguesía alemana, decepcionada con el fracaso, se desinteresó de la política y abandonó el gobierno en favor de los grupos reaccionarios. 2

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Capítulos Situación histórica

Alemania Siglo XIX

Otto Bismarck captó los intereses de la burguesía y supo integrarla al estado prusiano

La unidad alemana no habría de realizarse por la vía democrática. El surgimiento de la revolución industrial, en la primera parte del siglo, procreó una potente burguesía de negociantes, muy interesada en la unificación, básica para el crecimiento económico, pero ajena a un planteamiento democrático. Un prusiano audaz e inteligente, Otto Bismarck, captó los intereses de esta burguesía y supo integrarla al estado prusiano. Nombrado canciller en 1862, Bismarck organizó el ejército y la administración y empezó la ofensiva contra Austria, el principal obstáculo a su política unificadora. Derrotó a los austríacos cuatro años más tarde y pudo incorporar a Prusia los estados situados al norte del Main. 3

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Capítulos Situación histórica

Alemania Siglo XIX

Cuando Guillermo II decidió prescindir de Bismarck empezaron a aflorar problemas en el país

Bismarck desencadenó la guerra franco-prusiana, hábilmente preparada, explotada por una propaganda que la convirtió en una guerra nacional, esto es, una guerra que afectaba también a los estados del sur. Ante la población alemana Francia era el país agresor, y todos los estados terminaron por aceptar la autoridad de Prusia, que derrotó a los franceses en 1870. En 1871 Guillermo I fue proclamado emperador de Alemania en Versalles. Los estados del sur no ofrecieron ninguna resistencia y se integraron al imperio, concebido como estado federal. Tras estos acontecimientos Bismarck continuó dirigiendo, dictatorialmente, la política alemana, prosiguiendo la centralización del país, maniobrando hábilmente con los partidos políticos, atrayéndose a conservadores y a liberales, procurando reducir la influencia de socialistas y del centro católico. 4

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Capítulos Situación histórica

Alemania Siglo XIX

Cuando Guillermo II decidió prescindir de Bismarck en 1890, empezaron a aflorar problemas en el país, disimulados por el astuto juego del canciller.

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Capítulos Alemania Siglo XIX

Situación artística

Situación artística Con el siglo XIX aparecieron las primeras manifestaciones del romanticismo

1. Historia del arte Alemán. Gustav Barthel. Breviarios del Fondo de Cultura Económica. México, 1993

Con el siglo XIX aparecieron las primeras manifestaciones del romanticismo, movimiento o actitud que se proyectó a lo largo del siglo. En sus primeros años convivió con éste la expresión del neoclásico. Gustav Barthel1 evoca al joven Friedrich Gilli, que en 1797 había elegido un templo griego para un monumento nacional de Federico el Grande, en la plaza de Leipzig en Berlín. “Dio así expresión al sueño de la nueva juventud, a ese sueño que inspiró a Holderlin a buscar con el alma la tierra de los griegos y a enlazar en el canto de los alemanes a Delos, a Olimpia, al Atica”. 6

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Capítulos Alemania Siglo XIX

La visión romántica brotó de la nostalgia de los valores desaparecidos

Situación artística

Otro arquitecto, Carl Gotthard Langhans, había retomado también el espíritu de la Hélade en la puerta de Brandenburgo, en 1788-91. Karl Friedrich Schinkel, discípulo y continuador de Gilli, director de obras públicas en Prusia Oriental, Silesia y el Rhin, edificó en Berlín algunas obras en que el clasicismo alemán alcanzaría proyección mundial. Con el paso de los años, los arquitectos irían abandonando los modelos clásicos, inspirándose en otros estilos, no sin tremulaciones. Al ideal clásico se enfrentó el ideal antiguo alemán y cristiano del romanticismo, que aspiraba a elevar al hombre por encima de lo individual a la región de lo divino. Los artistas, dice Barthel, sienten que ha llegado su hora, se unen en ligas amistosas para encontrar esa unidad de 7

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Capítulos Alemania Siglo XIX

Situación artística

religión y pueblo, de mito y antigüedad clásica. La tensión entre el espíritu y la naturaleza denuncia la polaridad del romanticismo; quiere encontrar lo perdido y volver a unir lo separado. De esa visión de espíritu y naturaleza se espera una nueva idea, una nueva comunidad vital, una nueva cultura. Se tratase ya de los que miraban hacia la Edad Media o los que suspiraban por la antigüedad clásica, la visión romántica brotó de la nostalgia de los valores desaparecidos. Estuvo este siglo en Alemania muy poblado de artistas, pero no muchos destacaron como verdaderos creadores. Entre los principales pintores románticos debe mencionarse a Otto Runge, muerto prematuramente en Hamburgo a los 33 años. Solitario, la duda y la melancolía asediaron a este artista que 8 Navegar




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Capítulos Alemania Siglo XIX

Friedrich fue el más típico romántico en la pintura de paisaje

Situación artística

sobrepasó, según Barthel, a los grandes retratistas de su época en la solución pictórica del tema. Gaspar David Friedrich, tres años mayor que Runge pero que le sobrevivió cerca de treinta, estudió como aquel en la Academia de Copenhague. “Monje a Orillas del Mar” es un cuadro suyo muy comentado. Varias pinturas presentan a hombres absortos en la contemplación de la naturaleza. Fue Friedrich el más típico romántico en la pintura de paisaje. Wilhlem von Kaulbach fue uno de los artistas más prolíficos, director de la Academia de Munich y que recibió ayuda de Luis I de Baviera. Realizó grandes frescos en la escalera del Museo de Berlín y en la nueva Pinacoteca de la ciudad. Buen retratista y buen grabador en madera. 9

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Capítulos Alemania Siglo XIX

En Max Klinger se fundió la mística religiosa y la naturaleza en una obra simbolista

Situación artística

Alfred Rethel se formó, como Kaulbach, en la Academia de Dusseldorf y se dintinguió como pintor y grabador. A él se deben los proyectos de la Sala del ayuntamiento de Aquisgrán, donde narró la historia del emperador Carlomagno. Max Klinger fue un importante pintor realista de la segunda parte del siglo, distinguido además como escultor y grabador. En su paleta se funden la mística religiosa y la naturaleza en una obra simbolista. Adolf Menzel, también realista, pintó el mundo que le rodeaba en escenas interioristas. Después se dedicó a pintar personajes famosos de la época de Federico el Grande. Menzel fue uno de los más destacados grabadores. Max Lieberman estudió en Berlín pero su formación se debió realmente a las escuelas de París y de Barbizón. A él se debió 10 30

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Capítulos Alemania Siglo XIX

La introducción del naturalismo y el impresionismo en Alemania se debió a Max Lieberman

Situación artística

la introducción del naturalismo y el impresionismo en Alemania. Pintó temas y motivos populares, antes de recibir a finales de siglo la inspiración de los impresionistas. En Roma, un grupo de artistas alemanes se reunieron a partir de 1810, llamados después como el grupo de los nazarenos, designación de tintes irónicos. Estos pintores creyeron encontrar la verdad en la pureza de una vida piadosa como la que llevaban en la comunidad de la Hermandad de San Lucas. Creyeron también en el retorno al arte noble de los antiguos maestros. Pintaron cuadros simples e ingenuos de historia, sin originalidad y sin vida genuina. Entre estos pintores de segunda fila estuvieron J. F. Overbeck, Schnorr von Carosfeld y otros, a los que se unió Peter von Cornelius, pintores que intentaron renovar la pintura mural religiosa. 11 30

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Capítulos Alemania Siglo XIX

Actividad grabado

Actividad en el grabado

En el arte alemán, las iglesias góticas, las ruinas y los cementerios fueron motivos de gran aceptación

En el arte alemán de la primera mitad de siglo, las iglesias góticas, las ruinas y los cementerios, situados comúnmente en lugares solitarios, eran motivos de gran aceptación. Ello expresa tres aspectos claves del romanticismo, movimiento que entre los alemanes tuvo resonancia muy especial: la nostalgia de la soledad y la muerte, la conciencia de lo efímero y la idealización de la Edad Media. El movimiento de una resurrección del goticismo, que partió de Inglaterra, no sólo estaba vinculado con una fuerte nostalgia del pasado irremediablemente perdido, sino también con la esperanza de un nuevo futuro, sobre todo en Alemania, donde el despertar del orgullo nacional se mezclaba con ciertas tendencias del 12 30

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Capítulos Alemania Siglo XIX

Iglesia gótica Schinkel

Actividad grabado

romanticismo, era más fácil identificarse con el pasado propio medieval que con el de griegos o romanos. En el grabado, que no fue muy intenso en la Alemania de este siglo, se reflejaron estas aspiraciones e inquietudes. Karl Friedrich Schinkel (1781-1841), arquitecto, pintor y grabador, realizó sus estudios de arquitectura en el taller de Friedrich Gilly, y desde 1799 en la Academia de Arquitectura, en Berlín. Viajó por Italia, trazando bocetos que utilizó después, entre 1806 y 10, en su pintura de paisaje, actividad que alternaba con su profesión de arquitecto. En 1815 fue nombrado consejero de construcciones y encargado de la conservación de monumentos, y en esos años empezó su gran actividad arquitectónica en Berlín y sus alrededores. Talento versátil, hacía también dibujos para escenografías y objetos de 13 30

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Capítulos Alemania Siglo XIX

Adolph Menzel, es reconocido como el más grande de los realistas del arte alemán del siglo XIX

Actividad grabado

arte aplicado. Su obra gráfica no fue abundante, pero ocupa un lugar significativo en los principios de la litografía en Berlín. Schinkel hizo amistad con personajes eminentes del romanticismo alemán, entre ellos Clemens von Brentano y Archim von Arnim. Este último ocupó un sitio relevante en su creación artística. “Iglesia Gótica en el Bosque de Encinos”, litografía ejecutada a pluma, es una de sus más bellas piezas gráficas en la que el artista vertió su emoción romántica. El trabajo es extraordinariamente pulcro y meticuloso, con gran riqueza tonal por su “cromatismo”. Schinkel nació en Neuruppin y murió en Berlín. Su personalidad fue más destacada en la arquitectura, actividad en la cual buscó caminos para expresar el goticismo que para él era equivalente a lo antiguo alemán. 14 30

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Capítulos Alemania Siglo XIX

Federico el Grande Menzel

Actividad grabado

Adolph Menzel (1815-1905) nació en Breslau y aunque atendió estudios en la Academia de Berlín cuando tenía quince años, se consideró autodidacta. Al morir su padre en 1832, se hizo cargo del taller litográfico que este había fundado. Al principio se dedicó a la gráfica publicitaria y posteriormente grabó series con el tema de la historia de Prusia y de Federico el Grande Pintor y grabador, gozó de estima en su tiempo y los años lo han situado como el más grande de los realistas del arte alemán del siglo XIX. En 1839 Menzel recibió el encargo de ilustrar con grabados en madera la Historia de Federico el Grande, de Franz Kluger. Fue una obra monumental, pues el artista tuvo que realizar 400 dibujos para relatar múltiples escenas de la vida y el ambiente que rodeó al rey. Con la vivacidad de un testigo ocular, 15 30

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Capítulos Alemania Siglo XIX

Actividad grabado

quiso reproducir la historia como si fuese un presente vivo. Esta circunstancia de viveza, de inmediatez, fue característica de su trabajo. Las piezas fueron terminadas en 1842, y al año siguiente, y hasta 1849, por encargo de Federico Guillermo IV, ejecutó 200 nuevos dibujos para la publicación, esta vez, de Las Obras del Gran Federico. Barthel dice que “nada de lo que le cae entre manos sigue siendo materia muerta; todo cobra vida porque este dibujante sobrio y observador es, al mismo tiempo, un poeta del lápiz. En su espíritu surgen visiones plásticas que funden lo conocido y lo visto en una unidad llena de vida orgánica y de lógica interna”. Desde los años cuarenta Menzel realizó un trabajo pictórico libre, con fulguraciones impresionistas. Estuvo 16 30 Navegar




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Capítulos Alemania Siglo XIX

La cueva de los osos Menzel

Actividad grabado

familiarizado con distintas técnicas gráficas, pero en especial sus litografías tuvieron mayor relevancia, puesto que en este terreno logró trabajos de mayor soltura y habilidad. “No hay nada —comenta Barthel— que no capte con pasión el ojo de este hombrecillo contrahecho, y que su mano no reproduzca en el papel con una intensidad que nunca desmaya”. Menzel editó en 1851 una serie de seis piezas con el título “Ensayos sobre piedra con pincel y raspador”. En sus trabajos anteriores en litografías con pluma y en modelos para grabado en madera, había buscado un virtuosismo progresivo en su lenguaje lineal. En esa serie procuró enriquecer su técnica, de lograr que estas obras correspondieran a sus cualidades de pintor. En piedra 17 30

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Capítulos Alemania Siglo XIX

Menzel no rompió con la esencia de la pintura tradicional y ofreció un vasto panorama de la vida de su tiempo

Actividad grabado

granulada extendía con un rodillo una capa delgada de tinta. Sobre ésta fijaba las formas principales con pincel. Los acentos luminosos los raspaba con navaja y las áreas de cierta extensión las trabajaba con el raspador. La litografía de la «Cueva de los Osos en el Jardín Zoológico» es la última pieza de la serie. Aquí, lo espontáneo de la representación, lo aparentemente casual y lo fragmentario de la imagen predicen el impresionismo. A pesar de su gusto por los escenarios fastuosos, en la temática de Menzel predominan los asuntos tomados del natural, de la vida de los burgueses de Berlín, paseando con sus trajes domingueros por el Thiergarten. Contempló en sus estampas y pinturas los ínfimos incidentes callejeros, los repletos vagones del ferrocarril de gente que iba de día de 18 30

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Capítulos Alemania Siglo XIX

Actividad grabado

campo. Los rasgos más decisivos de su talento narrativo se hallan en los dibujos de trazo amplio y seguro, en la anotación de los detalles exiguos donde aprisiona a veces una acerba ironía o la gracia incisiva que fija una expresión o un movimiento. Menzel, que por su formación autodidacta aparecía en su obra de juventud como un precursor del realismo, no rompió con la esencia de la pintura tradicional. Su sentido de la plástica le hizo anotar, con agudez y malicia, tipos y espectáculos ofreciendo un vasto panorama de la vida de su tiempo. Menzel murió en la ciudad de Berlín. Particularmente se le recuerda en sus pinturas sobre el rey prusiano, descripciones grandiosas, llenas de vida y espontaneidad, muy lejanas de las reproducciones patéticas, 19 30 Navegar




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Capítulos Alemania Siglo XIX

La muerte amiga Rethel

Actividad grabado

sensacionalistas y de pompa y trivialidad colorística que caracterizaron a los pintores históricos de su época, y aun posteriores. Grabador de los más capaces, Alfred Rethel (1816-1859) también lo fue en la pintura. De entre tanto pintor mediano en el mural de su tiempo, ahí en Alemania, él supo elevarlo a una altura solitaria. Sus frescos inspirados en la vida de Carlomagno, en la Sala del Ayuntamiento de Aquisgrán, son un claro testimonio de su fuerza, dramatismo y buena composición. En pleno siglo XIX dibujó a la manera de sus grandes antecesores: Durero y Holbein. Pero el espíritu de su medio fue el romanticismo y a él respondió. Rethel encontró en el blanco y negro el medio idóneo 20 30

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Capítulos Alemania Siglo XIX

Rethel encontró en el blanco y negro el medio idóneo para su austera expresión

Actividad grabado

para su austera expresión. Se aplicó en la pluma o el lápiz litográfico (Leyendas del Rin, 1834), en la punta seca y el buril, pero la madera sirvió mejor a su voluntad, a su marca propia. «La Muerte como Vencedora» es un ejemplo de excelente trabajo, imagen perteneciente a la serie xilográfica llamada «También una Danza Macabra», realizada en 1848. Aquí, en esta versión muy distinta a la gran serie de Holbein, Rethel fundió en forma impresionante la fantasía y la observación, la idea y lo narrativo. Creó en estas láminas su visión dramática como el siniestro caballero que horroriza hasta los cuervos, o la muerte enemiga que en un baile parisino toca en un violín macabro la marcha del cólera. 21 30

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Capítulos Alemania Siglo XIX

La muerte en la barricada Rethel

Actividad grabado

Rethel había nacido en Hans Diepenbend y desde los trece años acudió al taller de Friedrich Wilhem Schadow en Dusseldorf, haciéndose notar por su precocidad. Su maestro había tenido que contener el ardor natural, expansivo y ambicioso de su adolescencia. Lo sometió a una rígida pero útil disciplina, inculcándole la costumbre de la reflexión y el amor por los problemas esenciales del arte. Sus primeras obras hacían evidente esta severa formación. A los veinte años había abandonado las enseñanzas de Schadow para trasladarse a Francfort, donde proseguiría estudios al lado de Veit, quien lo instruyó en las doctrinas de los nazarenos. 22 30

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Capítulos Alemania Siglo XIX

La revolución francesa le sugirió a Rethel la serie de 6 grabados bajo el lema de la libertad, la igualdad y la fraternidad

Actividad grabado

En 1844 estaba en Italia, donde realizó una serie de dibujos para ilustrar pasajes de la Biblia. En 1847 se hallaba nuevamente en Aquisgrán, para dar comienzo a la decoración de la sala imperial del consistorio. La revolución francesa de 1848, instauradora de la segunda República, le sugirió la serie de 6 grabados que aparecieron en Leipzig en 1849 bajo el lema de la libertad, la igualdad y la fraternidad. Por encima de todo partidismo político estaba la idea de la muerte, única y suprema igualdad posible entre los hombres. Durante sus breves descansos en la obra de Aquisgrán, Rethel se desplazaba a Dresde, a la escuela de xilografía que ahí funcionaba, atendida por Ludwig Richter. 23 30

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Capítulos Alemania Siglo XIX

2. La Pintura Alemana del Siglo XIX. José Selva. Editorial Ramón Sopena, S.A. Barcelona,1963

Actividad grabado

Todavía en 1851 presentó nuevamente la muerte en un grabado en madera titulado «La Muerte Amiga», considerado como joya de la gráfica alemana. En esta lámina muestra el ascético refugio de un sacristán en la torre de campanas de su iglesia. Desde que dio comienzo su obra en Aquisgrán, Rethel vivió prácticamente retirado, sumido en una delirante fiebre de invención. «Al mismo tiempo, escribe José Selva2, prosigue su labor en la ilustración monumental de la historia de Carlomagno. Esta doble tarea lo absorbe hasta el agotamiento». Por el agotamiento, a los 36 años el grabador hizo un viaje a Italia en busca de reposo. Pero no pudo revitalizarse. «Los amigos que acudían para asistirle veían naufragar 24 30

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Capítulos Alemania Siglo XIX

Und Doch Klinger

Actividad grabado

inexorablemente la razón del artista en una final inconsciencia. Sus nervios perdían su equilibrio». Rethel arrastró su locura en medio de terribles padecimientos durante siete largos años, muriendo después de lenta y dolorosa agonía. Él, que desde temprana edad se había colgado obsesivamente a la idea de la muerte, la sufrió indeciblemente. Perteneciente a una generación posterior, Max Klinger (1857-1920), originario de Leipzig, incidió también en el medio del arte alemán con una personalidad peculiar. Klinger estudió con Karl Gussow entre 1874 y 75, en Karlsruhe, y posteriormente, de 1875 al 78, en la Academia de Berlín, donde aprendió a grabar. Pintor, escultor, grabador, hombre de sólida cultura, 25 30

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Capítulos Alemania Siglo XIX

Para Max Klinger, el aguafuerte resultó el medio ideal para manifestarse con una escritura extremadamente subjetiva

Actividad grabado

inquieto, soñador. Sus múltiples expresiones tendieron a fundirse en una síntesis plástica, con la ambición de hallar la obra suma que totalizara sus aspiraciones creadoras. En 1878 presentó su primera exposición como pintor en la Academia de Berlín, y al año siguiente se trasladó a Bruselas, haciendo estudios con el pintor simbolista Emile Wauters. Aquí se imprimieron sus primeras estampas al aguafuerte. En 1833 fue comisionado para decorar la Villa Albers en la ciudad de Steglitz, cerca de Berlín. En estas pinturas reflejó su admiración por la pintura impresionista y por la obra del artista suizo Arnol Bocklin. Por estos años conoció también la obra de Durero y Goya, de los cuales sufrió su influencia como grabador. 26 30

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Capítulos Alemania Siglo XIX

Acción Klinger

Actividad grabado

Entre 1883 y 1866 vivió en París, y de 1888 a 1893 residió en Roma. En este lapso de once años produjo algunas importantes series de grabado: «Una Vida», veinte piezas al aguafuerte y «Dramas», ambas de 1883; «Un Amor», aguafuerte y aguatinta, de 1889, y «Fantasía sobre Brahms», 44 placas al aguafuerte, agua y mezzotinta. Después de su estancia en Roma retornó a Leipzig, donde se instaló definitivamente. Con su profundo dominio de los procedimientos del aguafuerte, de la talla dulce y del aguatinta, Klinger puso a contribución cuantos recursos le ofreció la técnica para dar a sus interpretaciones la fuerza gráfica que tradujese su fantasía. Sin duda, su trabajo es una de las más valiosas aportaciones al arte alemán del grabado en los siglos XVIII y XIX. 27 30

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Capítulos Alemania Siglo XIX

Klinger fue un simbolista, se interesó en las cuestiones místicas, la mitología, el desnudo y la música

Actividad grabado

En su diversa temática, el aguafuerte resultó desde un principio el medio adecuado a su aspiración de manifestarse con una escritura de sutiles matices, extremadamente subjetiva. En virtud a su modo original, resultado de una precisión técnica y una fecunda imaginación, sus 14 ciclos de aguafuertes constituyen un sólido testimonio artístico, que gozó además de gran popularidad. En esta creación gráfica desarrolló mayormente el mundo de la poesía y de la fantasía. En cuanto a las otras tareas plásticas, las pinturas y esculturas monumentales que realizó muestran su esfuerzo por lograr también una amplia expresión de su concepción del mundo. Desde un principio, de hecho, su obra aparece ligada a un vasto pensamiento que le hace preferir los asuntos que pueden desarrollarse de modo cíclico. En su 28 30

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Capítulos Alemania Siglo XIX

El manicomio Kaulbach

Actividad grabado

gráfica, más que en las planchas sobre temas aislados, abundan las series consagradas sucesivamente a pasajes mitológicos, leyendas, alegorías, cuando no elucubraciones de simbolismo filosófico. Y resulta curioso la diferencia de enfoque entre su pintura y su grabado. En la primera trata los asuntos positivos de la vida, en tanto que en la gráfica habla con sesgo negativo, expresando sus más profundas emociones y convicciones como artista y como humano. Klinger fue un simbolista interesado en las cuestiones místicas, la mitología, el desnudo y la música. Entre los ciclos de aguafuertes, el del «guante» fue de una significación aspiradora para los artistas del simbolismo. Por su perfección técnica y la sutil combinación del tema y su configuración, se dice que esta serie es una de las 29 30

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Capítulos Alemania Siglo XIX

Actividad grabado

mejores de Klinger. La serie apareció en 1881, pero al parecer había sido concebida ya tres años antes en la modalidad del dibujo a pluma. Klinger murió en Grossjena el 4 de julio de 1920.

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PAISES BAJOS SIGLO XV Situación histórica Situación artística Actividad en el grabado

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Capítulos Países Bajos Siglo XV

Situación histórica

Situación histórica Al inicio del siglo Europa Occidental quebrantó el equilibrio cristiano, produciendo cambios en las estructuras sociales y en el pensamiento. El auge económico y la Guerra de los Cien Años entre franceses e ingleses fueron factores que contribuyeron también en estas transformaciones. Desde los últimos años del siglo anterior los duques borgoñones se habían anexado tierras situadas entre el delta del Rin y el Escalda. Toda esta llanura litoral, desde el noroeste de Francia hasta una parte de Holanda, pasando por la región septentrional de Bélgica, empezó a llamarse Países Bajos. Los duques de Borgoña respetaron al principio las autonomías locales de estos territorios, pero poco a poco los fueron centralizando. En este tiempo Bélgica formaba parte del ducado de Borgoña. Navegar




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Capítulos Países Bajos Siglo XV

Situación histórica

Al morir en 1477 el último borgoñón, Carlos el Temerario, su hija María contrajo matrimonio con el archiduque Maximiliano de Austria, cediendo así su soberanía a la casa de los Habsburgo. Políticamente, los Habsburgo prosiguieron los intentos centralizadores y limitaron los privilegios de origen medieval. La rivalidad entre la monarquía absoluta y lo que quedaba del feudalismo alcanzó nuevas proporciones. No se trataba ya de una lucha entre rey y noble sino entre hermanos, pues al desaparecer la sociedad feudal el monarca repartía sus tierras entre los príncipes de sangre, por lo que el conflicto entre señor y vasallos se tornó frecuentemente más agudo. El reinado de los Habsburgo coincidió con un período de fuerte expansión económica de Flandes, basado en la industria textil, en la pesca, en el cultivo de nuevas tierras, pero sobre todo en el comercio. Este desarrollo afectó principalmente a las zonas que Navegar




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Capítulos Países Bajos Siglo XV

Los Países Bajos se convirtieron en una zona de intensa actividad intelectual y religiosa

Situación histórica

poseían las mejores comunicaciones. Paralelamente, los Países Bajos se convirtieron, merced a su desarrollo, en una zona de intensa actividad intelectual y religiosa. Por su tipo de economía, Flandes llegó a ser una sociedad plutocrática y el mercado del arte reflejó este tipo de economía. Los artistas cumplían encargos de los banqueros y los industriales, aparte del mecenazgo de la aristocracia monárquica.

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Capítulos Países Bajos Siglo XV

Situación artística

Situación artística

En este siglo, la pintura fue lo más importante del arte flamenco

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Capítulos Países Bajos Siglo XV

Los artistas flamencos fueron los primeros en utilizar la pintura al óleo

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Capítulos Países Bajos Siglo XV

Situación artística

de la imprenta en 1452. Las principales técnicas practicadas eran la xilografía y la lámina de cobre, tal como ocurría en los otros países de Europa Central. Es este tiempo el arte de Flandes y de Holanda transcurrió con intereses y rasgos comunes. Durante éste y el siguiente siglo mantuvieron las mismas fórmulas.

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Actividad grabado

Actividad en el grabado

Crucifixión Maestro Bávaro

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Actividad grabado

Son numerosos los grabados en madera de los Países Bajos en este siglo, la mayor parte de ellos con calidad artesanal. En Amsterdam y en Amberes se publicaron libros adornados con láminas que proclamaban la utilidad de la impresión mecánica. Los maestros que tallaron la madera en este tiempo y principios del XVI, son desconocidos y sus trabajos no han sido fácilmente identificables. Las planchas de procedencia flamenca en la corte de los duques de Borgoña y los dibujos que los grabadores obtenían sobre el boj o el peral, por ejemplo, tienen rasgos y cualidades tan parecidas que su clasificación ha sido poco menos que imposible. Las figuras son cortas, a veces deformes. Los tipos de cabeza carecen de la grandiosidad de los clásicos, si bien los movimientos poseen carácter naturalista. 8 Navegar




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La crucifixión Zwolle

Actividad grabado

Los primeros artistas que grabaron sobre metal se acercaron a sus predecesores en madera. Fue la misma influencia que los guió. Un anónimo identificado bajo el nombre de Maestro I A M de Zwolle trabajó entre 1475 y 1500 en los Países Bajos. El nombre proviene seguramente del poblado de Zwolle, en el norte de Holanda, que fue el lugar donde parece haber trabajado el grabador. Algunas láminas suyas recuerdan la escuela de pintura por su rudeza. Su buril, sin duda gótico, se muestra ligero y a veces con sutileza en el manejo de la expresión de los personajes, como ocurre en una de sus 26 piezas que se le atribuyen, “La Traición a Cristo”. Se trata aquí de una de las piezas más ricamente trabajadas, no sólo por el conjunto de sus personajes sino por la resolución compositiva y el virtuosismo de su dibujo. 9

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Cristo en el Monte de los Olivos Anónimo

Actividad grabado

Otra pieza de riqueza parecida es “La Misa de San Gregorio”, en la cual Cristo no está en la cruz sino de pie sobre una especie de altar, con una presencia perfectamente humana. El interior arquitectónico y los personajes muestran una gran unidad estilística. Casi todas las estampas conocidas del Maestro son de tema religioso: “La Crucifixión”, “Santa Ana con la Virgen y el Niño”, “La Madonna con el Niño Cargando la Cruz”, “San Jorge y el Dragón”, e incluso en el “Memento Mori”, a un lado del esqueleto y los cráneos calavéricos, aparece la figura de Dios. Se asegura que de Zwolle jamás salió de los Países Bajos ni conoció estampas de Italia o Alemania. A su estilo no le atribuyen influencias del extranjero. Y en palabras de Duplessis, su buril trazó únicamente las composiciones concebidas en el gusto de la escuela patrocinada por los duques de Borgoña. 10 10

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PAISES BAJOS SIGLO XVI Situación histórica Situación artística Actividad en el grabado

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Capítulos Países Bajos Siglo XVI

Situación histórica

Situación histórica Carlos V de España heredó en 1528 las posesiones de lo que había sido el ducado de Borgoña, con lo que se inició la era del dominio extranjero, siendo el de los españoles particularmente duro en el reinado de Felipe II. Durante el reinado de Felipe las tendencias hacia el absolutismo católico se agudizaron. El descontento se extendió también en Holanda y los nobles reunidos en Breda (1566) pidieron que se suprimiera la Inquisición. Ese año hubo motines populares contra el rey católico. Felipe quiso arreglar el asunto mediante las gestiones del duque de Alba, pero la política represiva de éste enardeció más a los enemigos del monarca. Estos, dirigidos por 1 Navegar




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Situación histórica

Guillermo de Orange, iniciaron un levantamiento armado en 1568 y tras varios años de lucha lograron expulsar a las tropas españolas de las provincias del norte. Las del sur, habitadas por una mayoría católica, aceptaron la soberanía de Felipe. De esta unión (Unión de Arras, 1579) de las provincias meridionales surgiría el núcleo de la futura Bélgica. En el mismo año, las provincias del norte fundaron la Unión de Utrech y rechazaron el dominio español, continuando la lucha contras las tropas hispanas, hasta que en 1609 se firmó la tregua de los Doce Años. Durante todo este siglo Amberes constituyó el primer mercado mundial, la primera bolsa de capitales de Europa y fue uno de los centros fuertes del comercio colonial. Atrajo a comerciantes de todas partes y dio lugar a una de las

Amberes fue el primer mercado mundial, la primera bolsa de capitales de Europa y un centro fuerte del comercio colonial

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Situación histórica

primeras experiencias del capitalismo comercial europeo, al iniciarse un temprano sistema de libres relaciones mercantiles.

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Situación artística

Situación artística A partir de este siglo los ejemplos arquitectónicos del Renacimiento italiano y francés influyeron en las grandes construcciones del Palacio Episcopal de Lieja y el Palacio Comunal de Amberes (1561-65). La misma influencia se ejerció sobre la escultura de Cornelis Floris y de Jean Mone, entre otros. En pintura aún se hacía notar el estilo de Van Eyck, representado por Quentin Metsys y Pieter Pourbus, y la influencia italiana, representada por Jean Mabuse, Frans Floris y Martin de Vos. Dos personalidades extraordinarias estaban también en este escenario: El Bosco y Brueghel. El Renacimiento penetró también en Holanda, a través de la obra del italiano Tomaso Vincidor. En la segunda mitad

El Renacimiento penetró en Holanda a través de la obra del italiano Tomaso Vincidor

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Situación artística

del siglo, los arquitectos, abandonando los vestigios del gótico, se inclinaron en definitiva sobre lo italiano. De esta época son los palacios de Oudewater (1581), Franeker (1591) y Naardem (1601) y otros edificios civiles como el mercado de carnes de Haarlem. La actividad escultórica tradicional de los talleres de Utrech continuó en este siglo, surgiendo piezas como los retablos de Dordrecht y Kampen y los púlpitos de Delft y La Haya. En la más importante de las escuelas regionales, la de Frigia, trabajaron los escultores Peter Dirks y Vincent Lucas. El maestro más importante de la pintura holandesa del siglo, Jan van Scorel, tras vivir en Italia llevó al país las formas romanas y venecianas. Discípulos suyos fueron Antonio Moro y Maerten van Hemskerck. A finales de siglo se formó en

En Utrech se formó un grupo de artistas de tradición italianizante y académica

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Capítulos Países Bajos Siglo XVI

Situación artística

Utrech un grupo de artistas de tradición italianizante y académica, influido por la pintura del Caravaggio y la de Saraceni. En Amsterdam, en torno a la figura de Jacob Cornelisz, despuntaba la tradición holandesa del retrato colectivo.

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Actividad grabado

Actividad en el grabado Durante la primera parte del siglo, la aportación de los artistas italianos causó un verdadero revuelo en la actividad gráfica. Las estampas de Marcantonio y otros grabadores llegaban en gran número a los talleres de los artistas neerlandeses, y éstos mismos acudían a Roma. Esta pasión por el arte italiano transformó las fórmulas del arte flamenco. Los verdaderos creadores, al tiempo que pudieron conservar su esencia estilística, asimilaron lo que tomaron de los italianos. En los más distinguidos maestros romanistas aún se reconocía el genio local, de poderoso realismo, apegado a las humildes realidades de la vida familiar. Lo que tomaron

La pasión por el arte italiano transformó las fórmulas del arte flamenco

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Actividad grabado

estos artistas de los italianos fue el estilo apasionado y elegante, muy distinto al de los primitivos neerlandeses, de factura minuciosa y preciso dibujo, un tanto seco, miniaturesco. Estos artistas, ansiosos de novedad, llevaron al país la afición a los grandes conjuntos, las expresiones muy acusadas, los temas mitológicos, el estudio anatómico, los colores violentamente contrastados o fundidos, y la sensación de movimiento. Todos estos eran recursos que enriquecerían la expresión flamenca, aunque algunos pintores como de Leyden tomarían su distancia con respecto al espíritu italiano. Nacido en Leyden, una de las ciudades más prósperas de los Países Bajos por el comercio de lanas, Lucas de Leyden (1494-1533) resumió todas las cualidades de la escuela

Lucas de Leyden resumió todas las cualidades de la escuela primitiva y ocupó un lugar preferente en la historia del arte

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1. Karel van Mander (1548-1606). Poeta y escritor flamenco. Pintor manierista. Conocido sobre todo por su obra “La Vida de los más Célebres Pintores Modernos”, concluida en 1604, libro que contiene datos sobre los pintores de los Países Bajos.

Actividad grabado

primitiva y ocupa en la historia del arte, por el carácter innovador de su obra, un lugar preferente. Fue reconocido en su tiempo, muy tempranamente, y pudo disfrutar así de una posición cómoda en lo económico. Pintor, grabador en cobre y diseñador para estampas de madera, aprendió desde corta edad el oficio de grabador en casa de un armero y platero. Van Mander1 asegura que a la edad de 9 años, en el taller de su padre, grababa ya planchas de cobre sobre sus propios dibujos. A los doce años llegaría a causar el asombro de los pintores locales por el brío, la fuerza y la seguridad de una pintura al temple, “La Historia de San Huberto”. Lucas era un niño prodigio. Leyden había sido iniciado en el arte por su padre, el pintor Hughe Jacobsz. A los quince años éste lo envió como 9

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Actividad grabado

aprendiz al taller de Engelbrechtsz. Lucas asimiló bien y pronto las enseñanzas que se le ofrecieron. Antes de él, se dice, ningún grabador en los Países Bajos había puesto tanto interés por la perspectiva ni se había esmerado tanto en dar a sus composiciones claridad en la colocación de los personajes; una precisión que engrandecía el espacio de la escena. Dice Vasari: “La composición de los grabados de Lucas es extremadamente original, sin confusión, y con tal orden que cada escena parece que no se hubiera podido representar de otro modo”. Y asentaba además el pintor y cronista del arte de su tiempo, que sus obras estaban tratadas con más cuidado y eran más acordes con las reglas del arte que las del mismo Durero. En 1517 contrajo matrimonio con Lizbeth van Boschhuyzen, hija noble de la más poderosa familia de

Lucas de Leyden fue conocido como grabador y sólo por el mérito de sus grabados mereció ser aceptado en el gremio de los pintores

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La lechera Leyden

Actividad grabado

Leyden, que le aportó su fortuna. Para entonces, Lucas ya se había enriquecido con el producto del gran número de grabados ejecutados y vendidos. Lucas conoció a Durero en 1521, cuando éste estuvo en Amberes, ciudad a la que había ido el famoso grabador alemán para recibir un homenaje de los artistas locales. Atraído por su personalidad, de Leyden fue a conocerlo e intercambió estampas con él. Admiraba su obra pero pudo conservar su modo particular de interpretar los temas que inventaba. En ese tiempo Lucas tenía también un prestigio. Hacía ya diez años que había realizado una de sus obras maestras en el grabado, “La Lechera”. Sobre esta estampa van Mander había dicho que Lucas había grabado esta pieza a la edad de 16 años, “de una manera agradable y delicada. 11 29

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Capítulos Países Bajos Siglo XVI

Actividad grabado

Es un pequeño cuadrito que ahora, en 1590, es todavía muy buscado”. Lucas fue conocido siempre como grabador más que como pintor, y no deja de ser extraño que sólo por el mérito de sus grabados mereciera ser aceptado en el gremio de los pintores de Amberes, en 1522. De Leyden fue un artista innovador. Lo nuevo en sus obras era un naturalismo que no había tenido precedente en Flandes. Personas como Van Mander admiraban en las piezas del hombrecillo el acertado empeño en reproducir la realidad sin adornarla. La separación de Lucas de los tipos tradicionales debió haber ocurrido “con recaídas en lo antiguo”. Viajó el pintor y grabador por las antiguas ciudades de Flandes, donde pudo 12 29 Navegar




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Capítulos Países Bajos Siglo XVI

Actividad grabado

ver las pinturas estupendas de los cuatrocentistas de Brujas, Gante y Amberes. En ocasiones se dejó impresionar también por el arte italiano, infiltrado en el norte por Mabuse. Aunque Leyden prefería los asuntos religiosos o de carácter elevado, no desdeñó en ocuparse de escenas íntimas ni de composiciones en que los protagonistas eran campesinos y aldeanos. Así ocurre en las estampas de “Los Aldeanos de Viaje”, o “El Travieso”. Ejecutada esta lámina por un devoto de la elegancia, inauguró la gran serie de grabados con aldeanos y mendigos, que inspiraron más tarde a los Teniers, los Ostade, los Dusart y otros artistas más. Pero al final de cuentas, en el grabado los temas bíblicos tuvieron igual importancia que los temas populares. “El Hijo Pródigo” y “La Lechera” poseen parecidos valores, con el

Leyden trabajó temas religiosos, así como composiciones con el campesino y el aldeano

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Actividad grabado

añadido de que en estas últimas obras dio impulso al paisaje y a la pintura de género costumbrista. Aspecto poco conocido y tal vez irrelevante era su proclividad al fausto y la prodigalidad. Acaso pensaba, dice Van Mander, con gestos de gran señor hacer olvidar su pequeñez física, su silueta de hombrecillo. De Leyden, por ejemplo, cuando tenía 35 años, decidió hacer una visita a los pintores de Flandes y Bravante. Para ello fletó un barco de lujo para él y sus acompañantes, en donde se comió y bebió en abundancia. El grabador murió a los 39 años, pensando que lo habían envenenado artistas envidiosos durante un viaje que hizo a Gante y Amberes. Leyden vendió bien su obra. En el inventario de los cuadros que tenía Rubens al morir, un 14 29 Navegar




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Actividad grabado

retrato de Erasmo y un San Pablo Ermitaño con San Antonio, eran de su creación. Otro artista neerlandés, Cornelis Metsys (1466-1530), se formó en Amberes, en la escuela de Bouts. Podría alinearse en la escuela de los pequeños maestros, por lo menos en una parte de sus obras. Las estampas, que llevan su monograma, son generalmente de pequeñas dimensiones. Estas son sus mejores obras, inspiradas en los motivos aldeanos. Metsys hizo un viaje a Italia y modificó su estilo, tratando de ennoblecer el dibujo al contacto de las obras italianas. “Pesca Milagrosa” es una estampa de tamaño relativamente grande en la que su buril no pudo elevarse al estilo de Rafael. Aunque heredó la tradición medieval, Metsys fue seducido por la corriente renacentista.

Metsys modificó su estilo tratando de ennoblecer el dibujo al contacto de las obras italianas

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Capítulos Países Bajos Siglo XVI

Caza del conejo Brueghel

Actividad grabado

Pieter Brueghel, el Viejo (1530-1569) no fue propiamente un grabador pero sí un diseñador que entregó unas 250 piezas para ser transportadas al grabado, ejecutadas en Amberes con el grabador Hieronymus Cock. Brueghel nació en Breda. Hijo de campesino, hacia 1545 ingresó como aprendiz con el maestro Pieter Coeck, un romanista que había viajado a Italia en distintas ocasiones. Coeck le enseñó las disciplinas del arte italiano. Más tarde, en 1563, Brueghel se casaría con María Coeck, hija de su maestro, de la que tuvo un hijo y una hija, que se harían también pintores. Después de su aprendizaje con Coeck, Brueghel pasó a vivir un tiempo en la ciudad de Hertogenbosch, donde conoció la obra de Hieronymus Bosch. Este fue real y 16 29

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Capítulos Países Bajos Siglo XVI

La fortaleza Brueghel

Actividad grabado

espiritualmente su iniciador. De esta ciudad se trasladó a Amberes, donde conoció a Hieronymus Cock, el más importante de los editores de gráfica y grabador él mismo, en los Países Bajos. Brueghel ejecutó ahí con Cock algunas composiciones personales y reproducciones del Bosco. Volvería después al taller, ya no como alumno sino como un colaborador muy asiduo, el más importante que tuvo Cock. Hieronymus Wellens Cock (1510-1570). Grabador, impresor y comerciante en arte, hijo de Jan Wellens de Cock, hizo un viaje a Roma, por ahí en 1550, donde conoció al llamado «marchante de Salamanca». Se dio cuenta entonces de la importancia que habían alcanzado las ediciones de grabado y acabó por instalarse como editor en Amberes. Su 17 29

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Capítulos Países Bajos Siglo XVI

Paisaje con la tentación de Cristo Cock

Actividad grabado

editorial, «A los Cuatro Vientos», que era también tienda-galería, se convirtió pronto en un centro de reunión de la élite artística e intelectual y de los aficionados al arte. Su taller producía grabados con escenas de género y mitológicas, al estilo de Fontainebleau. Se rodeó de buenos grabadores como Cornelis Floris y Cornelis de Vos. En 1550 publicó una serie de 25 vistas de ruinas romanas. Su producción fue muy exitosa. Según Van Mander, Cock se enriqueció con el comercio del arte. Como artista produjo 62 grabados entre 1550 y 1558 con temas de paisaje, vistas topográficas y mapas. Aunque Van Mander lo describe como un paisajista inventivo, otros consideran que sus piezas eran tomadas de otros artistas: el mismo Brueghel, su buen amigo y casi socio, Maerten van Hemskerck y su propio hermano Matthijs Cock. 18 29

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Capítulos Países Bajos Siglo XVI

Interior de la academia Cornelis

Actividad grabado

Fue hábil en el manejo de la línea, haciendo variar el grosor del trazo y sugerir una perspectiva atmosférica. En 1560 abandonó la práctica artística, convencido tal vez de que no era ese su mejor camino. Como impresor, en cambio, llegó a ser el más importante de su tiempo en el norte de Europa. Fue figura clave en el oficio de impresión, al transformar la actividad individual en una verdadera industria, basada en la división del trabajo, algo que ya habían desarrollado otros artistas como Wolgemut en Nuremberg y Raimondi en Roma. En 1551, el pintor fue admitido en la guilda de San Lucas, en Amberes. Dos años más tarde hizo un viaje a Italia, con destino a Roma. Durante su travesía por la región alpina trazó apuntes que después fueron trasladados al aguafuerte, en una serie de doce grandes paisajes. 19 29

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Capítulos Países Bajos Siglo XVI

Actividad grabado

Finalmente, en 1563, Brueghel llegó a Bruselas, donde habría de morir seis años después. A muy grandes rasgos, el desarrollo artístico de Brueghel se compone de dos etapas, una primera y rápida bajo la influencia del Bosco, en obras de índole simbólica y fantástica. En la otra se consagró al mundo real, representando la vida cotidiana de su país. En sus diseños para grabado destacan, aparte de sus paisajes, estas escenas aldeanas. En su arte de costumbres Brueghel alcanzó su dimensión de gran artista. Estos cuadros no sólo narran la vida diaria de la gente sino que satiriza la época. Brueghel fue un artista humano y profundo y todas las clases fueron criticadas con una visión filosófica, derivada de los

En su arte de costumbres Brueghel alcanzó su dimensión de gran artista

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Capítulos Países Bajos Siglo XVI

Paisaje arcádico Goltzius

Actividad grabado

antiguos proverbios flamencos. Su arte, en cieto modo, podría considerarse como una enseñanza moral. Entre otros artistas más de su tiempo, estuvo ahí Dirk van Staren, el Maestro de la Estrella. En las estampas de “San Lucas Pintando a la Virgen”, “El Diluvio” y un “Santo Arrodillado Ante la Virgen”, el grabador muestra su habilidad como dibujante. Hendrick Goltzius (1558-1617), nacido en Mulbracht y fallecido en Haarlem, fue pintor, diseñador y grabador de unas 300 estampas en las que con frecuencia se reflejó la impronta italiana. Al parecer, los primeros años de Goltzius transcurrieron en Duisburg, donde su padre, Jan Goltzius, se había mudado para desempeñarse como pintor en vidrio. 21 29

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Capítulos Países Bajos Siglo XVI

Actividad grabado

Sobre 1574 Goltzius fue alumno del maestro grabador Coornhert, en Xanten, de quien aprendió el oficio. Posteriormente, entre 1577 y 78 trabajó para el editor Philip Galle. Al año siguiente contrajo matrimonio con Margarita Jansde, hija de un arquitecto naval, en estado de viudez. De este matrimonio no hubo hijos. Una vez asentado en Haarlem, sobre 1582, abrió su propio taller de gráfica en casa. En esta década, su trabajo se desarrolló en un buen número de retratos que provenían de la tradición septentrional, comprendidos en éstos los de su patrón Galle, realizados en 1582, y los de su maestro Coornhert, hechos en 1585. Sus primeros grabados, firmados y fechados, datan de 1578 (“La Anunciación”), antes de su establecimiento en Haarlem,

Goltzius trasmitió el dinamismo de sus desnudos, marcando el manierismo “furioso” de Spranger

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Capítulos Países Bajos Siglo XVI

Hércules Farnese Goltzius

Actividad grabado

dentro de un estilo flamenco que habría de prevalecer en el círculo Galle. En 1585, con el grabado “El Baile de Venecia”, impreso de dos placas según obra de Dirck Barendsz, se marcó el comienzo de una nueva técnica, con una distribución más balanceada del claroscuro y un uso más dinámico del buril. Este desarrollo se puede apreciar un poco, también, en los grabados de retratos de esa época. A partir de 1585 Goltzius grabó para Bartholomaus Spranger, trasmitiendo el dinamismo de sus desnudos. Durante años siguientes sus dibujos y grabados están marcados por el manierismo “furioso” de Spranger, artista que le fue presentado por su amigo Karel van Mander, quien también se alineaba en la tendencia manierista, junto con Cornelius Cornelisz. De este período se pueden citar las 23 29

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Capítulos Países Bajos Siglo XVI

Goltzius nunca tuvo un estilo propio y su trabajo dependió de una práctica ecléctica

Actividad grabado

láminas de “Marcus Curtius” (1586), “Minerva y Mercurio” (1588) y la serie de los Profetas y las Síbilas. En 1589, con la imagen de una santa familia, Goltzius se reubicó en la tradición. De esta época data su excelente pieza de “Jean Zaremus”, realizada en1588, según modelo de Maerten van Hemskerck. Por estos últimos años de la década Goltzius abandonó a Spranger, con lo cual se cerraría, digamos, una etapa de su vida profesional. Goltzius nunca tuvo en realidad un estilo propio, y su desempeño como dibujante y grabador dependió de una práctica ecléctica. Antes de viajar a Italia, en 1590, año crucial que delimita una segunda etapa en su vida artística, grabó diseños también de Blocklandt, de Joannes Stradamus, de Dirck Barendsz, de Martin de Vos, de Cornelisz, y por 24 29

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Capítulos Países Bajos Siglo XVI

Actividad grabado

supuesto de él mismo y de Spranger. Era éste ya un acervo productivo numeroso. Su visita a Italia fue supuestamente por motivos de salud, pero de ella se delinearía una nueva visión de su trabajo. Estuvo en Roma, Nápoles, Venecia y Florencia, lugares donde dibujó retratos de artistas y registró las maravillas de la ciudad eterna, sobre todo en la estatuaria. En la capital italiana conoció a Federico Zuccaro, de quien recibió influencia. Su viaje a Italia, que duró cerca de un año, lo condujo por un nuevo y amplio acercamiento al arte italiano. A finales de 1591 regresó a Haarlem. Tras su regreso hizo reproducciones de escultura antigua y de pinturas italianas de Rafael, de Anibal Carracci, de Ticiano, de Campagnola. Usó dibujos o copias de dibujos de estos artistas, quienes 25 29 Navegar




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Capítulos Países Bajos Siglo XVI

Noe construyendo el arca Sadeler

Actividad grabado

dieron un nuevo estímulo a su trabajo. También le orientaron las obras de Durero y de Lucas de Leyden. En su período de ausencia en Italia, Jan Saenredam y otros trabajaron como grabadores en su estudio. A pesar de su mal estado de salud, Goltzius continuó trabajando vigorosamente. La bella estampa de “Jean Bol”, de 1593, se halla entre las figuras que revelan el estilo de los maestros italianos. Sobre finales del siglo, Goltzius, iniciando una tercera etapa, abandonó prácticamente el grabado en favor de la pintura. Sus pastiches, escenas de la Virgen, de 1593 a 94, han sido consideradas como obras maestras. En estas piezas asimiló con “rara felicidad” el estilo de Rafael, del Parmesano, de Durero y de De Leyden. En la “Piedad” de 26 29

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Capítulos Países Bajos Siglo XVI

Actividad grabado

1596 revisó profundamente a Durero. “Aquí –comenta Laran– nos presenta los elementos de ese gran sincretismo que deviene la religión de los grabadores de oficio, en el momento en que el Renacimiento se convierte en Academismo”. Goltzius fue un versátil dibujante, hábil en el uso de diferentes técnicas y herramientas; punta de metal, pluma de ave con tinta, pincel, sanguina y carbón. Parecía no tener preferencia alguna, pero llegó a ser conocido como “el maestro de la pluma”. En sus primeros años Goltzius se habia mostrado tímido y enamorado de la finura y la precisión. Después tomó diferente rumbo, con estilo parecido al de Durero. Grabó pequeños retratos que rivalizaron con la miniatura. Después 27 29 Navegar




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Capítulos Países Bajos Siglo XVI

Noe construyendo el arca Sadeler Navegar




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Capítulos Países Bajos Siglo XVI

Actividad grabado

italianizante. El abigarramiento de formas, el exceso del gesto, la exuberancia de la composición, hicieron de muchas de sus planchas las perfectas muestras de ese barroquismo. Tal parece que después de haber realizado en 1597 el célebre “Perro de Goltzius”, el grabador se consagró en adelante a la pintura. Goltzius fue un artista importante entre el período de transición de finales del XVI y principios del XVII, cuando la concepción del arte cambiaba gradualmente en el norte de los Países Bajos. Fue una especie de hábito, aquí, en el XVI, el movimiento de artistas que emigraron a Italia. Entre los que se quedaron, sedentarios, habrían de destacar dos grandes maestros: Rubens y Rembrandt. 29 29 Navegar




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FLANDES SIGLO XVII Situación histórica Situación artística Actividad en el grabado

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Capítulos Flandes Siglo XVII

Situación histórica

Situación histórica La República de las Provincias Unidas surgió en 1568 como respuesta de los habitantes de los Países Bajos a la intromisión de los españoles, que avasallaron la región. En 1609 se pudo firmar la Tregua de los Doce Años, pero las hostilidades empezaron nuevamente por la Guerra de los Treinta Años, que duraría de 1618 a 1648. Al firmarse la Paz de Munster, España reconoció finalmente la independencia de estas siete provincias, conocidas también como la “República de los Mercaderes”. Todavía las provincias tuvieron que enfrentar una guerra más contra Francia e Inglaterra, si bien ésta duró solamente de 1672 a 1674. 1 Navegar




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Capítulos Flandes Siglo XVII

El bloqueo de los ingleses y los conflictos religiosos llevaron progresivamente al decaimiento de Amberes

Situación histórica

Durante el siglo se registraron cambios en la relaciones de poderío mercantil, que dieron lugar al predominio de Inglaterra y de las mismas Provincias Unidas, entre quienes se entabló una intensa rivalidad. El bloqueo de los ingleses y los conflictos religiosos llevaron progresivamente el decaimiento de Amberes, la gran ciudad floreciente de la centuria pasada. El enfrentamiento de la Reforma y la Contrarreforma causó desgaste en la región, si bien por encima de las divergencias teológicas entre católicos y protestantes, las dos religiones compartían el objetivo de enseñar al pueblo una fe más conforme con el mensaje del evangelio. Flandes o las provincias meridionales se mantuvieron religiosamente fieles a Roma.

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Situación histórica

Para cumplir bien el objetivo de evangelización era necesario un clero más numeroso, pero sobre todo más instruido y digno. Ambas religiones se orientaron hacia la cristianización del pueblo, inculcando las verdades de la fe y los comportamientos éticos que definirían mejor a la sociedad cristiana.

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Situación artística

Situación artística En Flandes triunfó el Renacimiento italiano a través de la obra de Cornelis Floris

En la segunda mitad del XVI triunfó en Flandes el Renacimiento italiano a través de la obra de Cornelis Floris, constructor del Palacio Municipal de Amberes. Esto facilitó que los arquitectos flamencos adoptasen el barroco, difundido por los jesuitas como el estilo romano de la Contrarreforma. Este movimiento produjo la exuberancia triunfal de San Carlos Borromeo de Amberes, construida por el jesuita Aiguillon, exuberancia acentuada en la abadía de Grimbergen, y a finales de siglo en el conjunto de la Plaza Mayor de Bruselas. Tal vez la obra maestra del barroco flamenco es la iglesia de San Miguel en Lovaina, construida entre 1650 y 1666 por los religiosos 4

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Situación artística

Wille van Hees-Hessius, quien fue su diseñador y Fay d’Herbe, con inspiración en el barroco romano pero que recogió la tradición local del verticalismo gótico, con fachada típicamente flamenca. La escultura barroca creó un buen número de púlpitos y confesionarios. En el país destacaron particularmente dos dinastías de escultores en Amberes, los Quellin y los Verbruggen. Hendrik Verbruggen fue el autor del púlpito de la catedral de Santa Gúdula, en Bruselas. Artus Quellin, el Viejo, después de haber decorado varias iglesias en Amberes, fue llamado de Amsterdam, donde se hizo cargo, con otros escultores holandeses, de la rica decoración escultórica de las salas del Palacio Municipal. En pintura, el escenario estuvo poblado de grandes personalidades encabezadas por Pieter Paul Rubens, quien transformó el italianismo flamenco en un lirismo espléndido, y 5 Navegar




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Situación artística

por Anthonis van Dyck, su alumno, cuyos retratos de noble elegancia influyeron medularmente en la pintura inglesa. Cerca de estos dos grandes artistas desarrollaron su arte Jacob Jordaens, Adriaen Brawuer, Francisco Snyder, David Teniers y Hércules Seghers, una brillante constelación de la pintura barroca flamenca.

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Capítulos Flandes Siglo XVII

Actividad grabado

Actividad en el grabado

Santa Catalina Rubens

Pieter Paul Rubens (1577-1640) fue personaje importante en el grabado no por su obra propia, que fue casi nula, sino por haber fundado una escuela que con gran habilidad técnica reprodujo en cobre sus pinturas y diseños. Cerca de 800 grabados hechos sobre sus modelos difundieron por toda Europa su fama de pintor. “Santa Catalina entre las Nubes”, conocida también como “Santa Catalina de Alejandría”, aguafuerte de 1620, es la única estampa atribuida con certeza a la mano del propio Rubens. La pieza proviene de un fresco de ese mismo año de la iglesia de los jesuitas, en Amberes. En el grabado aparece la leyenda “P. Paul Rubens fecit”, aunque sólo en el tercer y último estado. Se 7

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Rubens fue enviado a España e Inglaterra para concertar la paz entre ambos países

Actividad grabado

menciona la intervención de Lucas Vorsterman, uno de sus discípulos. Una contraprueba del primer estado, conservada en el Museo Metropolitano de Nueva York, muestra retoques hechos personalmente por Rubens, con pluma y pincel. Rubens pasó en Siegen, su lugar natal, sus primeros años.Después vivió en Colonia y llegó a Amberes en 1588. Ingresó ahí en el taller de Otón Venius, su principal maestro, con quien permaneció cuatro años. Trabajó también con Adriaen van der Noort. Para completar sus estudios visitó Italia. En mayo de 1600 salió de Amberes y recorrió Venecia, Mantua, Roma, Génova y Milán. En Venecia, cuya estancia fue mayor, copió las pinturas del Veronés, de Ticiano y del Tintoretto. Un joven oficial le introdujo en la corte del duque de Mantua. Este, que gustaba rodearse de escritores y pintores, le retuvo a 8

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Capítulos Flandes Siglo XVII

Actividad grabado

su lado con el encargo de varios trabajos. Aparte de sus cualidades de pintor, el duque le vio cualidades también para desempeñar misiones diplomáticas. Envió regalos a Felipe III, confiando al pintor esta tarea delicada. El buen desempeño de este encargo fue premiado por el duque con un viaje a Roma para que estudiara las obras maestras del arte que en esa ciudad había. Después se estableció Rubens definitivamente en Amberes, en una casa que se mandó construir. Se casó con Isabel Brandt en 1609. En 1620 se trasladó a París, llamado por María de Médicis para pintar la galería de Luxemburgo. En el servicio diplomático, Rubens fue enviado a España e Inglaterra para concertar la paz entre ambos países en guerra desde hacía muchos años. Estas sucesivas embajadas le 9 Navegar




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La influencia de Rubens en el grabado fue decisiva, sirvió de modelo y guía para artistas grabadores

Actividad grabado

facilitaron ocasiones para ejercitar su pincel, haciendo retratos de la nobleza. En Londres y en Madrid dejó obras, recuerdos magníficos de su estancia. Habiendo muerto su primera mujer, en 1630 se volvió a casar con su sobrina Elena Fourment, con quien tuvo cinco hijos. La influencia de Rubens en el grabado fue decisiva. No sólo sus obras eran excelentes modelos para los artistas grabadores sino que además los guiaba. Trabajaron en presencia suya y él mismo retocaba con el pincel las estampas grabadas, cuidando con esmero el terminado. Gran colorista en su pintura, de profundo sentimiento de la vida, de gran fuerza armónica, logró el equivalente en sus grabados en blanco y negro por su activa vigilancia y su inteligente dirección. Los grabadores que se sirvieron del buril produjeron obras de primer orden. 10 28

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Capítulos Flandes Siglo XVII

Rubens y su escuela de grabadores fueron de gran significado para los impresores

Actividad grabado

Entre 1615 y 1640 Rubens hizo dibujos y diseños para portadas de libros, la mayoría para la empresa editorial PlantinMoreto, en Amberes. De gran significado para los impresores fueron Rubens y su escuela de grabadores. Su labor encumbró a la ciudad como la capital del mundo en el arte de la tipografía y del grabado. La actividad de Baltazar Moreto al frente de la empresa coincidió con la de Rubens como dibujante de portadas, trabajo que hacía como descanso de su obra pictórica. El dinamismo del primero y el genio del segundo concurrieron para lograr ediciones no superadas. Con la muerte de Rubens en 1640 y la de Baltazar, un año después, concluyó la etapa más rica y fecunda de esa prestigiosa casa, fundada en 1550 por Cristobal Plantin. 11 28

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Capítulos Flandes Siglo XVII

El objetivo de Bolswert fue dar a conocer con la mayor fidelidad posible las obras pintadas por sus coetáneos

1. Referido en Libros y Grabados en el Fondo de Origen de la Biblioteca Nacional. Eduardo Baez Macías y Judith Puente León. Instituto de Investigaciones Estéticas,

Actividad grabado

Richard Judson1 refiere cómo a partir de 1637 se estableció una asociación entre el maestro que daba la idea y concebía el dibujo y el que se encargaba de ejecutarlo. Pocos artistas llegaron a tener un grupo de colaboradores tan selecto como lo tuvo Rubens. Colaboradores de larga experiencia y dueños de una tradición bien establecida, para la cual se requería no sólo de pericia artesanal sino también del nivel artístico indispensable para trasladar, con todo vigor el dibujo del maestro a la plancha del metal. En estas portadas ejecutaron el grabado profesionales como Cornelius Galle, Jan Collaert y otros. El más importante de sus colaboradores en este tipo de grabado fue Cornelius, dibujante y grabador burilista. A él pertenecen las más hermosas láminas realizadas entre 1615 y 1636, antes que dejara Amberes para

UNAM. 1989.

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Capítulos Flandes Siglo XVII

La caza del león Bolswert

Actividad grabado

radicar en Bruselas. De sus trabajos se mencionan los hechos para las portadas Crux Triumphans et Gloriosa, de 1617, y Catena. Sexaquinta Quique Grecorum Patrum, de 1628. El más habil de los grabadores formados en la escuela de Rubens fue Schelte de Bolswert, nacido en Bolswert sobre 1586. Junto con su hermano había ido a estudiar grabado en Amberes, donde tuvo como condiscípulo a Paul Pontius. Bolswert fue sensible a la técnica al obtener del buril algo más que la seca representación de la pintura. Intentó que sus grabados expresaran la vida y la riqueza del colorido de las pinturas que transcribió a las planchas. “La luz fue ejecutada con limpieza y el lineaje, frecuentemente terminado con puntos, modelaron las masas y afirmaron los contornos con 13 28

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Capítulos Flandes Siglo XVII

Actividad grabado

una precisión tan firme como concienzuda”, dice Duplessis. Su objetivo fue dar a conocer con la mayor fidelidad posible las obras pintadas por sus coetáneos. Escogió de preferencia los cuadros de Rubens. Nada de extraño puesto que el ilustre maestro era el patrón de la escuela y porque sus obras atraían a los maestros grabadores. Bolswert buscó también a dignos alumnos de Rubens para ejercitar el buril. Al lado de la “Asunción”, de “La Pesca Milagrosa” y de la “Resurrección”, obras admirables de Rubens, Bolswert grabó “Los Músicos”, de Jacob Jordaens, y el “Sileno Borracho”, de van Dyck. Paul Pontius (1603-1658), quien trabajó al lado de Bolswert y que compartió con él la amistad del maestro, reprodujo por supuesto las obras de éste con exacto buril. Expresó bien las 14 28 Navegar




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Capítulos Flandes Siglo XVII

Actividad grabado

masas de carnes abundantes y lozanas o la amplitud de los paños con tonos ricos y hasta espléndidos. Pontius era originario de Amberes y parece que asistió ahí al taller del pintor Osias Beert, en 1616, es decir, a los trece años de edad. Después aprendió a grabar con Lucas Vorsterman, sustituyéndolo en el taller de Rubens cuando se agudizaron los problemas entre aquél y éste. Vorsterman terminó por emigrar a Inglaterra en 1624, y no queda muy claro si alguna vez atentó contra la vida de Rubens. El caso es que Pontius se instaló luego en casa del maestro, y vivió ahí entre 1624 y 1631. Pontius tuvo tres matrimonios, de los cuales quedaron varios hijos. Por estos años se había convertido ya en un maestro, continuando su trabajo ahí en Amberes con un 15 28 Navegar




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Capítulos Flandes Siglo XVII

El impecable trabajo de Pontius y su depurada expresión de los rostros aseguró al grabador fama como retratista

Actividad grabado

estilo propio en sus grabados, cuando no trabajaba sobre las obras de Rubens. Se caracterizan los grabados de ese tiempo por un dibujo cuidadoso y por la exactitud que lograba respecto a los modelos pictóricos, con eficaces efectos de luz y de color. Ejemplo de ellos son “Susana y los Viejos” y “La Ascención de la Virgen” (1624); “Cristo ante San Roque” (1626); “La Lamentación” (1628) y “La Crucifixión (1631), entre otras piezas más. Tras la muerte de Rubens, Pontius trabajó con varios pintores y grabadores, entre los más conocidos van Dyck y Jacob Jordaens. Su impecable trabajo y su depurada expresión de los rostros aseguró al grabador fama como retratista. Muchos de sus grabados fueron publicados por diversas casas: Van Dycks Iconography y otras. Entre estos 16 28

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Capítulos Flandes Siglo XVII

Pontius llevó el recurso del claroscuro más lejos que cualquier otro grabador de la escuela

Actividad grabado

retratos destacan los del mismo Rubens, Isabel de Borbón, esposa de Felipe IV, rey de España, Gaspar Guzmán, el conde duque de Olivares y Gustavo Adolfo, rey de Suecia. Pontius estaba en el apogeo de su prestigio. Pontius llevó el recurso del claroscuro más lejos que cualquier otro grabador de la escuela. El número de piezas que grabó del maestro fue considerable: “El Pentecostés”, “La Asunción”, “Susana en el Baño”, “La Presentación en el Templo”, para mencionar sólo algunas. Una de las estampas más conocidas de Pontius presenta el célebre cuadro de Jordaens, conservado en el Louvre, “La Fiesta del Rey”. Manifiesta ahí el color brutal del cuadro y las alegres expresiones de los personajes.

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Capítulos Flandes Siglo XVII

Cristo llorado por la virgen Vorsterman

Actividad grabado

El estilo de Lucas Vorsterman (1595-1675) fue diferente al de los anteriores grabadores. Menos vivo su buril, aunque igualmente diestro, ofreció otros aspectos de las pinturas de Rubens. Distinguió con claridad los diversos elementos de un cuadro. Por medio de líneas esparcidas y ligeras que siguen la forma del modelo, representó las carnes, mientras obtenía los ropajes por un lineaje apretado, según el sitio que ocupasen en relación a la luz. “Susana y los Viejos”, “La Adoración de los Pastores” y muchas santas familias dan una idea de la habilidad de Vorsterman como grabador. Fue escrupuloso traductor del maestro. Como Pontius, Vorsterman inició su labor de grabador a muy temprana edad, a los doce años. En 1630 pidió a Rubens que fuera su maestro y le solicitó trabajo en su taller. El maestro 18 28

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Capítulos Flandes Siglo XVII

Actividad grabado

encontró en el joven una gran sensibilidad y gran potencialidad para la reproducción de grabados. Así, el joven aprendiz desarrolló su técnica de buril. En esos años, tras su ingreso al taller, Vorsterman reprodujo unos diez grabados. Rubens apadrinó al alumno y hubo una relación amigable entre ellos por unos años, hasta que empezaron a surgir las dificultades, se dice, por la ambición de Vorsterman; hasta el momento de la ruptura en 1624, año en que Vorsterman se fue a Inglaterra, donde permaneció ocho años, grabando pinturas de otro carácter distinto al de Rubens.Cuando se dedicó a las obras de Rafael, de Anibal Carracci o de Caravaggio, no olvido sin embargo Vorsterman las lecciones recibidas en el taller de Rubens. Sus estampas, según obras de estos maestros, llevaban el sello de la escuela en que se había formado. Bajo el 19 28 Navegar




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Capítulos Flandes Siglo XVII

La originalidad de Pedro Yode se manifestó en las pinturas de Rubens, de van Dyck y de Jordaens

Actividad grabado

buril perdieron los contornos de Rafael su exquisita pureza y su gracia. Por el naturalismo en que se había educado, no se amoldó a tales exigencias. Ahí en Londres, fue su compatriota van Dyck quien le inspiró sus mejores obras. Vorsterman nació en Bommel, Holanda, y falleció en Amberes en 1675. La originalidad de Pedro Yode, el Joven (Amberes 1606), se manifestó en las pinturas de Rubens, de van Dyck y de Jordaens. Su buril, poderoso y fácil, pudo trasmitir los efectos del color al cobre con exactitud. “El Casamiento de Santa Catalina” y “El Milagro de San Martin de Tours”, de Jordaens, colocaron a Yode en el rango de los buenos grabadores de la escuela flamenca.La escuela de Rubens contó con otros artistas más, pero los mencionados fueron los más ilustres. Otros grabadores de 20 28

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Capítulos Flandes Siglo XVII

Actividad grabado

segundo rango alguna vez imitaron al maestro con excepcional fortuna. Se menciona en especial al grabador en madera de origen alemán, nacido en Amberes, Christoffel Jegher (1596-1652). Sus estampas fueron conocidas por Rubens, quien deseó ver reproducidas algunas de sus obras en esta técnica. Dibujó el maestro sobre la madera y Jegher siguió escrupulosamente los contornos y las líneas cruzadas. Las estampas son verdaderos facsímiles de Rubens. Algunas veces, usando varias planchas, a ejemplo de los italianos, Jegher indicó los diferentes tonos del dibujo, modelando los contornos. Sus aguadas transmiten con fidelidad los dibujos del pintor flamenco.

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Capítulos Flandes Siglo XVII

Retrato de Lucas Vorsterman van Dick

Actividad grabado

Jegher grabó ilustraciones, entre 1636 y 1642, para el Breviario y el Misal Romano, basados en los dibujos de Rubens. Pero sus trabajos más importantes son nueve xilografías inspiradas en las composiciones del mismo maestro, con quien trabajó estrechamente en 1633. Anthonis van Dyck (1599-1641) fue pintor, grabador y diseñador, alumno también de Rubens. Nació en el seno de una familia rica dedicada al comercio de sedas, en Amberes, en una casa ubicada en la Plaza del Palacio Municipal. La madre, dedicada al bordado, le inició desde niño en el conocimiento del color. Cuando Anthonis tenía apenas diez años su madre lo colocó en el taller de un pintor mediano, Hendrik van Balen. Estuvo ahí unos cinco años, ya que en 1615 estaba en el grupo de jóvenes que trabajaban con Rubens. Aunque no tuvo con Balen la 22 28

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Capítulos Flandes Siglo XVII

Van Dyck pintó magníficos retratos de Carlos I y de los príncipes reales, que fueron enviados a las cortes europeas como regalos

Actividad grabado

oportunidad de saturarse de humanismo, ni tener una educación sistemática, puesto que el maestro conservaba los antiguos procedimientos tradicionales, los del Flandes cuatrocentista, Van Dyck no olvidó sus lecciones. No es posible precisar la fecha cuando Van Dyck entró en el taller de Rubens, pero debió hacerlo ya con adelantado aprendizaje porque el maestro no aceptaba regularmente sino a aquellos alumnos con quienes no tenía que distraerse en las lecciones elementales. En 1619, Van Dyck estaba ya inscrito como miembro de la Academia de San Lucas, en Amberes. Rubens estaba orgulloso de Van Dyck; cuando éste tenía veinte años el maestro escribió al pie de un cuadro (“Aquiles con la Hija de Licomedes”): “Ejecutado por el mejor de mis discípulos”. Esta pintura la conservó Rubens para toda su vida. 23 28

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Capítulos Flandes Siglo XVII

J. Brueghel van Dick

Actividad grabado

Rubens tenía la costumbre de reunir en su casa a los mejores discípulos y sentarlos a su mesa. Parece que congenió especialmente con Van Dyck, estableciéndose una familiaridad que causó envidias. El joven pintó el retrato de Isabel Brandt, la primera esposa del maestro. En 1620 hizo su primer viaje a Londres, contratado por la corona. Poco duró su estancia, ya que otros pintores del Continente protegidos por el duque de Buckingham, estaban en boga y no era fácil la colocación para un joven maestro. Así, Van Dyck regresó a Amberes, para luego hacer una larga estadía de varios años en Italia. Este viaje, propuesto también por Rubens, fue de gran aprovechamiento para el joven. En Roma pintó muchos retratos, haciéndose notar por su porte elegante. La 24 28

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Capítulos Flandes Siglo XVII

En los retratos, Van Dyck no fue inferior a Rubens, le preocupaba más la hermosura que la grandeza

Actividad grabado

apostura física del pintor le atraía admiradoras, damas que le agasajaron frecuentemente. Al regresar a Amberes, en 1628, estableció ahí su taller. Cuatro años después regresó a Londres, siendo entonces nombrado Pintor de Cámara de Carlos I. Este le asignó un espléndido salario y puso a su disposición una casa en la gran ciudad y una residencia en el condado de Kent. Llegó incluso a casarlo con una joven de la corte, Mary Ruthwen. Van Dyck pintó magníficos retratos de Carlos I y de los príncipes reales, que fueron enviados a las cortes europeas como regalos. Murió en Londres, recibiendo sepultura en la vieja Catedral de San Pablo. En los retratos, Van Dyck —se dice— no es inferior a Rubens. Es la naturaleza bajo otros aspectos. A él le preocupaba más la 25 28

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Capítulos Flandes Siglo XVII

Actividad grabado

hermosura que la grandeza. Dyck no se contentó con revisar las estampas ejecutadas de sus cuadros por Bolswert, Pontius o por Vorsterman, ni se contentó con aconsejar a sus grabadores, sino él mismo manejó el buril. No fue en sus composiciones, empero, donde logró sus mejores resultados. “El Cristo Coronado de Espinas” y “Ticiano y su Querida” no son suficientes para dar idea de su talento como aguafuertista. Sus 18 retratos de la colección de 80 piezas de Icones Pictorum, en cambio, revelan a un diestro y excelente buril. La fisonomía de los personajes — pintores y grabadores algunos- está tomada al vuelo, es viva y expresiva. Tradujo aquí con fidelidad el espíritu de su modelo. Al igual que Rubens, Van Dyck pintó a muchos de los partidiarios de la reina María de Médicis, que la habían seguido a Amberes, desterrada por sus desacuerdos con Richelieu. Estos emigrados 26 28 Navegar




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Capítulos Flandes Siglo XVII

Después de Van Dyck languideció la escuela flamenca del grabado, desapareciendo por completo

Actividad grabado

tenían tiempo sobrado para posar para retratos. Esto fue por 1630 al 32, tiempo en el que Van Dyck se ocupó principalmente de grabar en cobre. Sobre todo trabajó para el álbum de grabados que preparaba Martin van Enden con imágenes de personajes importantes. Tras la tirada de algunas pruebas, los retratos de Van Dyck, dibujados en cobre, pasaron a manos de grabadores de profesión. Se terminaron con el buril y se les dio un sello uniforme. La serie fue publicada por Gil Hendrick y el mismo van Enden. Grabaron, aparte de las 18 piezas atribuídas a él, Vorsterman, Pontius, Bolswert y Yode, entre otros más. Esta magnífica serie da una idea exacta del talento de Van Dyck. Después de él languideció la escuela flamenca del grabado. Hubo un buen número de grabadores pero no 27 28

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Capítulos Flandes Siglo XVII

Actividad grabado

con la capacidad y la habilidad de los maestros mencionados. La escuela desapareció por completo en el siglo XVIII.

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HOLANDA SIGLO XVII Situación histórica Situación artística Actividad en el grabado

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Capítulos Situación histórica

Holanda Siglo XVII

Situación histórica Con la Guerra de los Treinta Años en Holanda estalló de nuevo el conflicto entre las Provincias Unidas del Norte y el reino de España. Durante el mismo, los gobernadores holandeses promovieron la unidad de la familia como defensa contra la monarquía española. Cada provincia era independiente y sólo el statuder o gobernador era el símbolo de la unidad nacional. El avance mismo del protestantismo contribuyó a crear una sociedad individualista que se concentró en el hogar. Al firmarse la paz de Munster, en 1648, la potencia hispana reconoció por fin la soberanía de las Provincias. Desde fines del siglo anterior se había iniciado un nuevo período de expansión económica, favorecida por el comercio con 1 Navegar




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Capítulos Holanda Siglo XVII

Amsterdam se convirtió en el centro comercial más importante y controló el mercado mundial de diamantes y metales preciosos

Situación histórica

América, especialmente con las Indias Orientales. La burguesía local se enriquecía con la venta de productos textiles de Leyden y de Haarlem, con los terciopelos de Utrech y con los productos coloniales africanos y de Extremo Oriente. Amsterdam se convirtió así en el emporio comercial más importante de Europa y controló el mercado mundial de los diamantes y los metales preciosos. El bienestar económico dio lugar a una clase media elevada que no sólo se interesó en el comercio sino también en el intelecto, como lo demuestran las universidades de Utrech y de Leyden. A fines de siglo la prosperidad del país decayó y su comercio pasó a manos de Inglaterra. Esta decadencia fue alimentada también por las luchas internas y las guerras contra Luis XVI de Francia. 2

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Capítulos Situación histórica

Holanda Siglo XVII

En el orden religioso, el protestantismo fue más abierto que en Inglaterra

En el orden religioso, el protestantismo aquí fue más abierto que en Inglaterra. Amsterdam en particular vino a representar la suma de la libertad del pensamiento y en esta ciudad hallaron ambiente propicio pensadores como Descartes y Spinoza.

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Capítulos Situación artística

Holanda Siglo XVII

Situación artística

Lo característico de la arquitectura holandesa fue el rechazo a las formas barrocas

Lo característico de la arquitectura holandesa en este período fue el rechazo a las formas barrocas. Durante la primera mitad del siglo ésta mantuvo todavía los rasgos de la tradición, en tanto que en la segunda se impuso la influencia de los italianos con Serlio, Palladio y Scamozzi. Hacia 1630 empezó a desarrollarse un nuevo estilo clásico acorde con el gusto por la sencillez de la rica burguesía. El edificio más representativo de tal tendencia es el Mauritshuis de La Haya, famoso palacio del príncipe Mauricio de Nassau, hoy convertido en Museo. El edificio fue construido por Jacob van Campen. La corriente clasicista continuó con el Mercado de Paños de Leyden, 4

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Capítulos Situación artística

Holanda Siglo XVII

La arquitectura religiosa careció de importancia y apenas dio prueba de su existencia en alguna iglesia protestante

obra de van Gravesande. El mismo van Campen construyó el Palacio Real de Amsterdam y Pieter Post el Palacio Municipal de Maastrich. La arquitectura religiosa en este tiempo careció de importancia y apenas dio prueba de su existencia en alguna iglesia protestante. A diferencia de los templos de Flandes, en las iglesias holandesas la escultura fue casi nula, expulsada por el puritanismo del culto protestante, reducida a las representaciones funerarias. En esta disciplina la única figura de relieve fue Rombout Verhulst, autor de varios monumentos funerarios. La iglesia protestante no necesitaba templos, ni esculturas ni pinturas de ornato. De aquí que no fue la iglesia la que 5

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Capítulos Situación artística

Holanda Siglo XVII

encargó obras de arte sino los particulares para la decoración de sus residencias. En la pintura, por el contrario, se vivió durante esta centuria una época de oro. En la mayoría de las ciudades importantes de Holanda se crearon talleres y escuelas de donde surgían artistas de gran talento. Una de las más famosas fue la de Haarlem con figuras como Frans Hals, Adriaen Brauwer, los hermanos van Ostade y Gerard Terborch. En la escuela de Utrech destacaron algunos pintores influidos por la corriente del Caravaggio. En Amsterdam, en los talleres locales trabajaron gran cantidad de artistas, entre ellos el propio Rembrandt. Y estuvieron también las escuelas de Leyden, de La Haya y la de Delft. En esta última trabajaron Pieter van Hooch y Jan 6 Navegar




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Capítulos Situación artística

Holanda Siglo XVII

Vermeer, poetas de la vida íntima y avezados estudiosos de la luz. Por encima de todas estas escuelas y pintores dominó la gran personalidad de Rembrandt, maestro de la luz y del espacio. En conjunto, la pintura holandesa del barroco se presenta como un fenómeno de producción artística intensa y compacta, profundamente profana y realista.

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Capítulos Actividad grabado

Holanda Siglo XVII

Actividad en el grabado En el siglo XVI hubo notable emigración de pintores de los Países Bajos hacia Italia. Tal parecía que Flandes y Holanda no pudieran ofrecer buenos modelos de maestros para retenerlos en casa. En parte era esto y en parte el gran prestigio de los maestros italianos, cuya influencia corría por toda la Europa Occidental. A principios del XVII, en cambio, empezó a manifestarse un sedentarismo entre pintores y grabadores neerlandeses, que permitió que éstos se consagrasen a lo suyo, con sus propios recursos, y que finalmente pudieron fundar escuelas bien acreditadas. Entre estos artistas sedentarios descollaron dos grandes artistas, Rubens y Rembrandt, quienes fundaron precisamente dos de estas escuelas, el primero en Flandes y el segundo en Holanda.

En el siglo XVI hubo notable emigración de pintores de los Países Bajos hacia Italia

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Capítulos Actividad grabado

Holanda Siglo XVII

Paisaje con 3 chozas Rembrandt

Escribe Duplessis que “durante todo el siglo XVI, desde Lucas de Leyden hasta los grabadores de un orden inferior, no produjeron los artistas de Holanda ni de Flandes obra alguna digna de mencionarse”. Y ocurría que en efecto, Lamberto Lombardo, Adriaen Collaert, Martin Hemskerke y Dirck Volkert, entre muchos otros, pasaron la mayor parte de su vida en Roma, esforzándose en producir en el ideal del Renacimiento y su derivación el manierismo. Hubo muchas obras producidas pero de poca monta artística y poca originalidad. Inundaban los grabadores el mercado, trabajando para mantener el comercio de asuntos piadosos, dedicados a la alegoría decadente y esas cosas. Es de importancia tener presente que el arte flamenco y el holandés, que hasta finales del XVI habían marchado con 9

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Capítulos Actividad grabado

Holanda Siglo XVII

propósitos e intereses comunes, en las primeras décadas del XVII comenzaron a tener caminos propios y separados, a causa de que las tendencias artísticas se modificaban, de acuerdo a intereses también distintos. Se ha mencionado que Flandes o las provincias meridionales, de mayoría católica, seguían los derroteros de Roma y que políticamente estaban cercanos todavía a España, en tanto que las provincias del norte, de mayoría protestante, rechazaron los modelos barrocos propuestos y difundidos por los jesuitas de la Contrarreforma. Esta situación religiosa impuso caminos distintos para el arte de ambas regiones. Los grabadores de fines del XVI se habían dedicado a la producción de piezas para el mercado, con calidad inferior, impulsados por el propósito únicamente de producir, sin tomar

El arte flamenco y el holandés comenzaron a tener caminos propios y separados por tendencias e intereses distintos

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en cuenta los objetivos estéticos. El panorama, se dijo, era realmente deplorable para el arte. En este clima de decaimiento del grabado surgió Rembrandt, nacido en Leyden y fallecido en Amsterdam. Harmensz van Rijn Rembrandt (1609-1669) asistía a la universidad de Leyden, su tierra natal, cuando Jan Lievens, un vecino suyo que había estudiado en el taller de Pieter Lastman, en Amsterdam, lo animó para que él también se dedicara al arte. Rembrandt defendió ante sus padres este deseo de hacerse artista y empezó su enseñanza con el pintor Jacob van Swanenburg, un artista italianizante mediano que practicaba también el buril. Después de tres años con este maestro. Lievens le aconsejó que fuera a Amsterdam, al taller de Lastman, artista que seguía también la traza del arte italiano, seguidor del estilo de los Carracci.

En el clima de decaimiento del grabado surgió Rembrandt, nacido en Leyden y fallecido en Amsterdam

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Lastman tenía su taller al lado del negociante de cuadros y estampas, Hendrick van Uylenburg, con quien Rembrandt estableció amistad, sin imaginar en un principio el papel fundamental que este personaje tendría en su vida. En 1628 Rembrandt se asoció con Lievens para producir una serie de estampas y grabó entonces sus primeros cobres, entre ellos el retrato de su madre. Un par de años después adquirió las primeras estampas y pinturas que iniciarían su gran colección, entre ellos buriles de Lucas de Leyden, Callot y de Holbein el Joven. La primera experiencia en el mercado de estampas estimuló la idea de producir otras series de grabados, para lo cual pidió la colaboración del mismo Lievens y de algunos de sus alumnos. Esta colaboración duró hasta 1632, y de esta época 12 33 Navegar




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Jesús cura a los enfermos Rembrandt

son los grabados firmados con el monograma JL y RH, o la doble inicial RL-RL, Rembrandt-Lievens. Por este tiempo el pintor y grabador abandonó definitivamente Leyden para instalarse en Amsterdam, siguiendo consejos de Uylenburg. En 1934 se casó con la prima de éste, Saskia Uylenburg, con la que tuvo dos hijos. Uno murió pronto y el otro, Tito, al crecer siguió la carrera de su padre, aunque sin brillo alguno. Rembrandt, quien había adquirido una reputación desde sus primeras pinturas y grabados, inició entonces una promisoria carrera. En su taller de Bloemgracht reunió a un numeroso grupo de alumnos, entre los que destacaron Koninck, Backer y Flinck. De la sabia mano del maestro y del buen trabajo de sus colaboradores fue surgiendo una formidable producción de esos 13 33

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años, con técnica cada vez más depurada y con una temática variada que igual trataba los motivos religiosos como las costumbres populares, los paisajes y las escenas domésticas. El maestro permaneció siempre en Amsterdam, saliendo pocas veces del terruño. Supo encontrar ahí los modelos que bastaron a su trabajo, desde los personajes locales hasta la naturaleza. Su obra gráfica comprende unos 300 grabados al aguafuerte, con el uso frecuente de la punta seca después de 1640. Pero esta existencia a pedir de boca no tardaría mucho en tornarse oscura y un tanto desesperada. Saskia murió en 1642, poco después que Rembrandt terminara la “Ronda de Noche”, considerada una de sus obras maestras. A partir de la desaparición de su mujer, la vida social, económica y emocional del pintor sufrió un decaimiento progresivo, hasta el punto de ser declarado 14 33 Navegar




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Rembrandt fundó la escuela holandesa principal de su siglo, abordó todos los asuntos y todas las técnicas conocidas

insolvente. Se vio así precisado a vender su espléndida casa, su mobiliario y las piezas de arte de una excelente colección que rápidamente había crecido. Su vida se deslizó entonces un poco en la penumbra, sin dejar de trabajar desde luego, pero sensiblemente disminuido su mercado. En su madurez hizo vida común con su sirvienta, Hendrickje Stoffels, que fue a la vez su amante y su modelo. En 1668 murió su hijo Tito y meses después él mismo, el 4 de octubre de 1669. Rembrandt fue el fundador de la escuela holandesa principal de su siglo, a la cual representó por completo puesto que abordó todos los asuntos y en todas las técnicas conocidas. Su buril obtuvo del aguafuerte los máximos resultados, llevando esta modalidad del grabado a una gran altura. 15 33

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Autorretrato en el alfeizar Rembrandt

En sus retratos, se dijo, “nadie dio más vida y más grandeza”. Juan Lutma, el burgomaestre Six o el mismo Rembrandt vivirán eternamente en sus grabados. A un lado de los grandes paisajistas que supieron inspirarse en la tierra de Holanda, él recreó también ese suelo “con verdad maravillosa”. Rembrandt no sólo fue un artista profundo y singular sino también un excepcional técnico. Advirtió el gran valor del proceso en el grabado y por ello cuidó todo detalle, desde el barnizado de la plancha hasta el estampado en el papel apropiado. De ahí que sus estampas fuesen de muy alta ejecución. El mismo retocaba las planchas en sus primeros estados con ayuda del buril y de la punta seca borrando, bruñendo, entrecruzando líneas hasta conseguir profundidad en la pieza. 16 33

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Paisaje con río y 4 árboles Seghers

1. Diccionario Larousse de la Pintura. Salvador Jiménez. Vol III. Editorial Planeta de Angostini, S.A. Barcelona, España,

Tuvo imitadores pero no formó discípulos propiamente. Su genio espontáneo produjo en algunos grabadores el deseo de seguir el camino abierto por él. Lievens, Fernando Bol y Van Uliet grabaron sus composiciones pero sin su habilidad y perfección. De Hércules Seghers (1589/90-1638/40), dice Salvador Jiménez1 que han llegado hasta nosotros unas 138 pruebas procedentes de 34 diferentes grabados en cobre. Luigi Mallé, por su parte, dice que la producción gráfica de este pintor y grabador consta de unos 56 grabados, muchos de ellos con un solo ejemplar. La mayoría de estas piezas son paisajes, algunas escenas nocturnas y alguna naturaleza muerta. Al margen de los paisajes, Seghers hizo varios estudios de árboles en parajes naturales o sobre un fondo neutro. Eran los mismos

1987.

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Pequeña ruina de Rijnsburg Seghers

temas de sus contemporáneos pero con un tratamiento más audaz. Seghers no trabajó con ningún impresor y sacó muy pocas pruebas de sus grabados, haciendo modificaciones en cada tirada. Su producción, por lo tanto, fue escasa. Las técnicas de tiraje desempeñaron en su trabajo un papel primordial; en cada una de las pruebas hacía variaciones sin fin, a partir de un solo cobre. Los efectos de policromía le interesaron particularmente, al punto que terminó haciendo verdaderas pinturas, como lo prueba la “Pequeña Ruina de la Abadía de Rijnsburg”. Tirada la estampa en amarillo sobre papel pintado de negro, el artista dejó resaltos de verde en el cielo y de rojo sobre las piedras. El grabador logró aquí hacer de un paisaje silvestre, tratado en forma naturalista, un paisaje fantástico, de imagen poética. 18 33

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Las dos principales colecciones de sus grabados se encuentran en el Rijksmuseum y en París. Aparte de Johannes Ruyscher las estampas de este grabador no influenciaron a ninguno de los artistas del XVII, si bien Rembrandt y Philips Koninck tuvieron una deuda con él. En pintura, sólo Frans de Momper fue influenciado por sus paisajes. Seghers nació en Haarlem y fue discípulo del paisajista flamenco Giles van Coninxloo; admitido en la asociación de los pintores de esta ciudad en 1612. Contrajo matrimonio tres años después con Annek van de Brugghem. Después se instaló en Amsterdam, donde en 1619 compró una casa de la cual dejó un recuerdo en un grabado al aguafuerte, “Vista desde la Ventana de la Casa de Seghers”.

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Seghers fue un fanático experimentador de la gráfica, precursor incomprendido, obsesionado del paisaje

J. Friedlander expresó que Seghers fue un fanático experimentador de la gráfica, un precursor incomprendido, obsesionado del paisaje que contínuamente recorrió su obra. Adriaen van Ostade (1510-1685), pintor y grabador nacido y fallecido en Haarlem, fue discípulo de Frans Hals, a cuyo taller ingresó alrededor de 1627, teniendo como condiscípulo a Adriaen Brauwer. Su desarrollo artístico estuvo ligado también al de Paulus Potter. Tercero de ocho hijos del tejedor January Hendricx van Eyndhoven, no hay mayores datos acerca de sus años formativos como grabador. Parece evidente que van Ostade tuvo que ser autodidacta en esta técnica, echando a perder en su aprendizaje. Sus figuras eran tan sólo delineadas, con ausencia de volumen, utilizando el negro únicamente en la zona de 20 33

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sombras. Ostade imprimía su obra y revisaba sus pruebas, repitiendo el proceso una y otra vez hasta lograr el resultado deseado. Poco a poco fue perfeccionando el claroscuro, logrando cada vez mayor espacialidad y mejorando sus composiciones en las escenas de grupos de gentes. Se dice que recibió influencia del trabajo de Rembrandt. En 1638 contrajo matrimonio con una muchacha de Haarlem, quien murió cuatro años después sin dejar hijos. Más tarde, en 1657, Ostade se volvió a casar con Anna Ingels, mujer proveniente de una familia acomodada y de religión católica. La pareja procreó una hija, Johanna María. Cuatro años después murió esta segunda esposa.

Ostade encontró en su ciudad natal a los únicos protagonistas que le interesaron para su obra

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El pintor y grabador llegó a tener un taller, entre cuyos alumnos se hallaban Cornelius Dusart, Cornelius Bega y su propio hermano Isaak. Parece que Ostade encontró en su ciudad natal a los únicos protagonistas que le interesaron para su obra: gentes rústicas ocupadas en sus deberes cotidianos o entregándose a placeres elementales. Sus decorados fueron los albergues, las fachadas rústicas, las cocinas y los interiores de las tabernas. Todo ese pequeño mundo representado con humor y bonhomía, una simpatía comunicativa. Por ese tiempo las tabernas fueron ambientes muy concurridos por algunos artistas, lugares que fueron trasladados a sus pinturas y grabados. Van Ostade trató también estos escenarios populares, al igual que su compañero Brauwer.

Ostade pintó retratos históricos pero sobre todo fue un pintor y grabador de escenas rurales y aldeanas

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Familia campesina van Ostade

Van Ostade ejecutó grabados al aguafuerte y a la punta seca, de muy original factura por el oficio y por los sujetos mismos de la vida campirana. Fue uno de los primeros grabadores de los que se han conservado gran número de pruebas de estado. Realizó unas 50 estampas, repartidas a lo largo de su carrera. Pintó retratos históricos pero abrumadoramente fue un pintor y grabador de escenas rurales y aldeanas. Fue un talento excepcional al servicio de las escenas íntimas, o por lo menos de los interiores, a veces con aire popular y con humorismo. Grabó gran número de estampas que agradan sobre todo por el espíritu y la animación de las figuras. Los gestos de sus personajes son exactos; macizo en las formas, los volúmenes simples, con predominio del claroscuro. Representó a veces placeres groseros y gentes beodas. 23 33

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Tras la muerte de Ostade, en 1685, se realizó una gran subasta en la que no se vendieron sus placas. En otras palabras, fue un fracaso. Van Ostade tuvo algunos seguidores como su alumno Dusart, quien dibujó con menos gracia y trivialidad en sus figuras. De hecho, los artistas holandeses, incluido Brueghel, en estos años no se preocuparon de dar belleza a la figura humana. Eran otros caminos de expresión, algo primitiva y con mayor sentido del humor. Bega fue también un cronista de los aldeanos en la taberna o con gentes platicando en el portón de casa o en la ocupación doméstica. Tema y tratamiento estilístico de estas láminas fueron característicos en esta época y en este lugar en el cual, de hecho, no se tenía una tradición en las impresiones gráficas. Ni siquiera el

Los artistas holandeses, incluido Brueghel, no se preocuparon de dar belleza a la figura humana

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Baile en la hostería van Ostade

dibujo como prerrequisito artístico existía en el contexto de esa sociedad. Ostade, los hemos visto, tuvo que hacerse a sí mismo como grabador. Su estilo fue sencillo, recordando la síntesis de Brueghel cuando trató los temas aldeanos. Nada ha estado tan alejado del “gran gusto”. Partió libremente de los dibujos, de construcción tal vez floja pero llenos de vivacidad. Tuvo también, como Brueghel, el secreto de encerrar en simples contornos blancos de los dibujos, de construcción tal vez floja pero llenos de vivacidad. Tuvo también, como Brueghel, el secreto de encerrar en simples contornos blancos compactos, dotados de espesura. Sintió la atmósfera, descrita ésta por trazos cruzados a los cuales el aguafuerte vino a añadir sus vibraciones propias como técnica muy característica. 25 33

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Adriaen Brauwer (1605-1638), pintor y grabador, tuvo una vida relativamente corta pero llena de aventuras. Estuvo en la cárcel y fue asiduo de las tabernas, como Van Ostade. En su arte se aprecian las influencias de Brueghel y de Frans Hals, con temas inspirados en el pueblo: malhechores, miserables, bebedores y fumadores, entre otros. Su arte tuvo un fondo satírico, moral. Brauwer había nacido en Oudenaarde, en Flandes, de familia pobre. Probablemente heredó de su padre, que hacía diseños para tapices, la inclinación por el dibujo. En 1622 llegó a Amberes, haciendo aprendizaje de pintor en el círculo de Brueghel. Tres años después marchó a Haarlem. Ahí conoció a Frans Hals y trabajó en su estudio, al mismo tiempo que Van Ostade. Ambos artistas, Brauwer y Van Ostade, son considerados como fundadores de “la vida airada” de la pintura

Brauwer y Van Ostade, fueron considerados fundadores de “la vida airada” de la pintura holandesa

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holandesa, e influyeron en los pintores holandeses y flamencos de escenas costumbristas, especialmente en Jan Steen y David Teniers, el Joven. Hacia 1632 Brauwer retornó a Amberes, ingresando al gremio de pintores. Cayó bajo la órbita del arte de Rubens, particularmente en el color. Brauwer murió a los 33 años, en la puerta de una taberna de Amberes. Algunas obras suyas confirman su preferencia por los temas de tomadores: “Tres Holandeses Bebiendo”, “Fumadores y Bebedores en una Taberna”, “Bebedores Sentados en el Patio”, éstas dos últimas de 1631, y “Campesino Alborotando”. Poseyó Brauwer un dibujo audaz y rápido y hoy se le considera un artista apasionado y profundo, con un gran acercamiento al

Poseyó Brauwer un dibujo audaz y rápido y hoy se le considera un artista apasionado y profundo

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Paisaje con río y árboles Ruisdael

impresionismo en una pieza titulada “Jugadores de Naipes”, en el ambiente de una taberna. Grabó en la técnica del aguafuerte. Pintor y aguafuertista, Jacob Ruisdael (1628-1682), se inició en el arte con su padre Isaack, pero asimiló más la influencia de su tío Salomón. Recibió orientaciones del reconocido artista de Leyden, Jan van Goyen, y del menos célebre pero original Cornelis Vroon. Apenas se movió de Haarlem, su ciudad natal, donde también murió. Las primeras obras de Ruisdael describen paisajes de los alrededores de Haarlem, con algún viajero que hace un descanso, campesinos que charlan o modestas cabañas al abrigo de un árbol, vistas panorámicas con bosquecillos, molinos de viento y torres campanarias. Se dice que nadie 28 33

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como él tuvo mayor conciencia de la belleza del paisaje holandés, a veces descrito con tendencia romántica, como en el cuadro que representa el cementerio israelita de Oudekerk, con cielo tempestuoso que tiñe de dramatismo la visión. Goethe, quien gustó de la obra de Ruisdael, comentó que esta obra tenía todas las condiciones para satisfacer el gusto más dificil y que por ella Ruisdael se revelaba como gran pensador y poeta. Como grabador dejó excelentes aguafuertes, tanto como sus cuadros, hechos con soltura. Antes que él, al parecer, nadie había indicado con tanta precisión la forma de los árboles, ni detallado los follajes con mayor limpieza. Algunas planchas resumen su talento: “Campo de Trigo” y “Los 29 33 Navegar




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Viajeros”. Jamás, se dice, se había presentado una imagen más perfecta de un simple campo de trigo, que rodea una alta hilera de árboles. No pasan de doce sus aguafuertes, todos de paisajes. Sus dos más antiguos datan de 1646, en los que se advierte la influencia de Vroom. Ruisdael, cosa poco común, se había recibido como doctor en medicina en la Universidad de Caen. Paulus Potter (1625-1654) provenía de una familia burguesa. El padre era pintor pero se enroló, en un intento por sacar adelante la economía hogareña, en un negocio de curtiduría que finalmente le hizo perder todo y quedar con deudas. Los ingresos del hijo, más adelante, lo sacarían al menos de morir en la indigencia. Potter hizo su aprendizaje de arte en Haarlem y en Amsterdam. Huraño, poco sociable, amó el campo y

Potter amó los animales, este amor lo comunicó en muchos dibujos, que nutrieron sus pinturas y después sus grabados

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Toro Potter

particularmente las bestias. Se le recuerda como el pintor del torito en el Museo de La Haya. Potter amaba a los animales: las vacas y los toros. Este amor lo comunicó en muchos dibujos, apuntes del natural que nutrieron sus pinturas y después sus grabados. Alguien hizo la observación de que Potter estudiaba con extrema paciencia a los animales; sus formas, sus peculiaridades al mirar, al escuchar. Sus dibujos resumían esta claridad y exactitud, a tal grado de hacerlos seres inteligibles. Fue en verdad el retratista del ganado vacuno, con toda su ambientación campirana, pintada en una atmósfera de luz clara y limpia, detallada con precisión excepcional.

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El rocín Potter

Todavía joven, que siempre lo fue, pasó a vivir a La Haya, en una casa junto a la del pintor Van Goyen. Por ahí vivía también un carpintero contratista que había hecho fortuna. Potter se enamoró de su hija Adriana, quien le correspondía, pero el contratista rechazó al pintor cuando este le pidió su mano. Le parecía una locura casar a su hija con un pintor de vacas. ¡Si al menos pintara personas! había argumentado. Más tarde, cuando se dio cuenta del éxito del pintor, que recibía encargos del mismo príncipe Mauricio de Nassau, el contratista concedió el permiso para el casamiento de los enamorados, efectuado en julio de 1650. Dos años más tarde la pareja fue a vivir a Amsterdam, atendiendo un llamado de Dirck Tulp, hijo del célebre Dr. Tulp, de la

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Holanda Siglo XVII

Cirujano rural Dusart

“Lección de Anatomía” de Rembrandt, cuadro conservado también en el Museo Mauritshuis de La Haya. Tuvo Potter éxito en Amsterdam, viviendo en una prosperidad que sería breve, pues de naturaleza enclenque y de no muy buena salud, murió en enero de 1654, a los 29 años de edad sin dejar hijos. Potter dejó varios grabados que ejecutaba por las noches. Pintó y grabó animales, dándoles una grandeza hasta entonces desconocida. Sin transigir nunca de la exacta corrección de formas, ennobleció sus modelos, poetizándolos. Entre sus grabados realizó un caballo de Frisia que por lo perfecto de su ejecución rivaliza con las producciones de las mejores escuelas, las de grandeza.

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INGLATERRA SIGLO XVII Situación histórica Situación artística Actividad en el grabado

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Situación histórica

Situación histórica Durante el siglo, en la parte sur y este del país tuvo lugar un excepcional desarrollo de las manufacturas, especialmente en la lana, y los pequeños propietarios agrícolas empezaron a perfeccionar las técnicas de cultivo y a vender los excedentes de granos y ganado. En el norte y el oeste, en cambio, dominaba la nobleza latifundista. Los primeros Estuardo —Jacobo I y Carlos I— intentaron establecer la soberanía del rey sobre el parlamento y practicaron una política financiera que chocó con los intereses de la clase burguesa. El absolutismo real se había convertido en un obstáculo para el progreso. Debido a ello tuvo lugar la primera revolución, en la cual las clases medias del sur y del este vencieron a la nobleza del norte, en una guerra civil que duró de 1642 a 1649. 1 Navegar




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La guerra contra Holanda y el Acta de Navegación, favorecieron el comercio y el avance colonialista

Situación histórica

Cuando llegó Oliver Cromwell al poder (1653-58), la dictadura militar sirvió al Estado para dominar los movimientos de masas de ideología más avanzada. Tras el período de transición de la Restauración, en los reinados de Carlos II y Jacobo II, la revolución de 1688 confirmó el derecho del Parlamento a dirigir la política fiscal y a controlar el reclutamiento y presupuesto del ejército. Por estos años aparecieron los primeros grupos parlamentarios, los whigs y los tories. La guerra contra Holanda, de 1652 al 54, y el Acta de Navegación, habían favorecido no sólo el comercio sino también el avance colonialista. Inglaterra, de hecho, sustituyó a Holanda como primera potencia marítima y comercial de Europa. 2

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Situación artística

Situación artística Tras el período de Cromwell, Inglaterra estableció su primera escuela importante de pintura

Durante el reinado de Carlos I, los conflictos políticos y religiosos no fueron propicios al desarrollo del arte inglés. En escultura destacó la figura de Nicolas Stone, artista con influencia italiana. El introdujo en el país la escultura de tipo alegórico (monumento funerario del duque de Buckingham), donde aparecen figuras como la beneficiencia, la fama, Minerva, Neptuno, Marte, esto es, la mitología romana (griega). Destacó también el holandés Grinling Gibbons en la talla de madera y cuyas principales obras quedaron en el castillo de Windsor y en el coro de la catedral de San Pablo en Londres.

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Situación artística

Tras el período de Cromwell y el brevísimo gobierno de su hijo, Inglaterra estableció su primera escuela importante de pintura. Los pintores fundadores fueron maestros flamencos, holandeses, alemanes o franceses. Durante este tiempo el genio de Van Dyck dará línea a una escuela de retrato que habría de prolongarse hasta el siguiente siglo. Carlos II fue un monarca que había vivido en Francia y en Holanda. De espíritu alegre y algo libertino, ello influyó en los pintores que rodearon a su corte. Se había educado en la corte de Luis XVI y de ahí venían, reforzadas, las ideas del absolutismo. Con él, la capital inglesa era un remedo de la corte de Versalles.

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Capítulos Inglaterra Siglo XVII

El espíritu rigorista de la iglesia protestante no permitió que la pintura religiosa tuviera una gran proyección

Situación artística

Fue un magnífico coleccionista de arte y sus embajadores compraron para la casa real cuadros en distintos países de Europa. Pero Carlos II no pudo invertir en arte para el estado, sino limitadamente, a causa de su enfrentamiento con una burguesía bien organizada. A esto habría que agregar que el espíritu rigorista de la iglesia protestante no permitió que la pintura religiosa tuviera una gran proyección, como todavía ocurría en otros países. Hasta principios del XVIII Inglaterra no cesó de solicitar a los pintores extranjeros: Holbein, Cranach, Van Dyck, entre los más famosos.

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Actividad grabado

Actividad en el grabado En Inglaterra se mostraron poco entusiastas por el grabado y en su origen no tuvo un estilo propio

Los ingleses se mostraron en un principio poco entusiastas por el grabado. Probablemente se debe atribuir esta frialdad al carácter rígido de su religión que, al excluir las imágenes de los templos, excluyó también las imágenes de los libros de rezo, primer asilo del grabado en madera en Italia, Alemania, los Países Bajos y Francia. El grabado en este país, por lo tanto, no tuvo en su origen un estilo propio. En el siglo XV apenas pueden mencionarse unos ejemplos donde intervino el grabado, muy poco artístico además y con no muy clara procedencia. Los libros The Game and Playe of the Cheese, impreso en el país en 1474, y el Espejo del Tiempo, en 1481, denotan la poca habilidad de los primeros grabadores ingleses. 6

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John Payne fue el primer grabador significativo de Inglaterra, sus estampas están hechas con una habilidad no encontrada en artistas anteriores

Actividad grabado

En una edición de las Fábulas de Esopo, publicada en 1484 por William Caxton, se hallan láminas copiadas de las ediciones anteriores latinas y francesas. En otros libros más de los siglos XV y XVI seguramente se utilizaron xilografías de inferior calidad. El interés, así, empezó en el momento en que el grabado nacional había conquistado un carácter particular y cuando el talento de los artistas dedicados a él atrajo la atención. John Payne (1606-1648) nació y murió en Londres. Fue el primer grabador significativo. Sus estampas grabadas únicamente al buril están hechas con una habilidad que antes de él ningún artista inglés había alcanzado. Discípulo de Simon de Passe, artista flamenco que vivió muchos años en Inglaterra, ejecutó con alguna dureza viñetas, adornos y retratos. 7

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Samuel Collins Faithorne

Actividad grabado

En la misma época de Payne nació en Londres William Faithorne (1616-1691), quien colocó a Inglaterra en primera línea en el grabado a buril. Faithorne fue primero aprendiz de orfebre, en 1635, pero prefirió habilitarse como grabador. Su primer maestro fue Robert Peake. De 1636 a 1639 trabajó para Payne y después para el hijo de Peake, quien era impresor y grabador. Faithorne, como su maestro Peake, abrazó la causa de Carlos I. Fue hecho prisionero en 1645, cuando cayó el príncipe, y estuvo preso en Aldergate. Los momentos de ocio que tuvo en el cautiverio los empleó en grabar. Hizo así, entre otras piezas, un retrato del duque de Buckingham. 8

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Las planchas de Faithorne revelan la influencia que ejerció en la escuela naciente el ilustre discipulo de Rubens

Actividad grabado

Supuestamente, Faithorne se negó jurar alianza con Oliver Cromwell y por ello se le trasladó a Francia. Ahí continuó con su tarea de grabador, obteniendo el patrocinio de Abbé Michel de Marolles. El grabador cayó bajo la influencia de Philipe de Champaigne y de Robert Nanteuil, pero no es seguro que éstos hayan sido sus instructores. De regreso a Inglaterra, en 1650, Faithorne estableció un taller de imprenta y grabado en Londres. El dibujante y grabador se había hecho ya de un prestigio y pudo disfrutar del patrocinio de importantes personajes del Commonwealth, tales como Robert Fairfax, a quien le hizo un grabado. Después de la Restauración siguió sirviendo a la corte, adoptando el título de Pintor del Príncipe Rupert, si bien no hay evidencia de que hubiera sido un pintor de caballete. 9

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Sir Thomas Browne White

Actividad grabado

A Faithorne se debe una traducción del tratado de grabar en talla dulce del francés Abraham Bosse, que recapituló como El Arte del Grabado y Agua Fuerte. Esta fue la primera publicación importante en la materia que apareció en Inglaterra. Formado un poco al estilo de Nanteuil, Fairthorne desarrolló su trabajo acrecentando su fama. Su producción fue básicamente de retratos, algunos provenientes de sus propios dibujos. Grabó igualmente buen número de frontispicios y diseñó ilustraciones para libros, dos de ellos publicados por él mismo en 1673. Este mismo año editó un tratado con aguafuertes de Wenzes Hollar. Las planchas de Faithorne, grabadas algunas según Van Dyck y otros maestros bajo la inspiración del flamenco, 10 12

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Capítulos Inglaterra Siglo XVII

Actividad grabado

revelan la influencia que ejerció en la escuela naciente el ilustre discípulo de Rubens. Atestiguan una preocupación por el colorido, que no se advierte en el grabador francés Nanteuil. Los retratos de R. Bayfeild, de William Paston, de Samuel Collins y otros muchos, son pruebas de su pericia. Estas son las obras que dan mejor idea de su talento de artista, ya que otras composiciones que grabó, de tema religioso, no revelan la misma habilidad. Hubo dibujantes que intentaron imitar el estilo de Faithorne, pero ninguno tuvo bastante originalidad para destacar en la escuela inglesa. Sus mismos compatriotas acudían todavía a los artistas extranjeros cuando querían grabar una obra de importancia. Por ejemplo, el grabador francés Nicolas Dorigny fue llamado para multiplicar en 11 12 Navegar




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Actividad grabado

cobre los famosos cartones de Rafael, conservados en el castillo de Hamptoncourt, y Baron también fue contratado para reproducir las pinturas de Rubens y Van Dyck de las colecciones inglesas. Y no hay más grabadores en este siglo que hayan realizado estampas de interés artístico.

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INGLATERRA SIGLO XVIII Situación histórica Situación artística Actividad en el grabado

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Capítulos Inglaterra Siglo XVIII

Situación histórica

Situación histórica El Acta de Unión de 1707 fusionó los parlamentos, los gobiernos y las economías de Inglaterra y Escocia. Permitió así a los escoceses participar en el desarrollo manufacturero y en el tráfico colonialista inglés. El Reino Unido de Gran Bretaña, entidad más amplia que Inglaterra, comprendió varias unidades históricas como la propia Inglaterra, Escocia, Gales e Irlanda. A partir de entonces, pues, se utilizaría también este nombre. A lo largo del XVIII, Gran Bretaña consolidó su supremacía marítima y comercial y puso los fundamentos de su supremacía colonial. Fue la cuna de la revolución industrial y el establecimiento del regimen parlamentario, en el cual el poder 1 Navegar




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Capítulos Inglaterra Siglo XVIII

Situación histórica

ejecutivo pasó al Gabinete —principales consejeros privados del rey—, que deliberaba sin la presencia del monarca y en cuya actuación tuvo cada vez más influencia el Parlamento. La intervención de Gran Bretaña en los conflictos continentales como las guerras de Sucesión española y austriaca, y la guerra de los Siete Años, resolvió a su favor su rivalidad colonial con Francia, que por el tratado de París de 1763 se vio obligada a cederle sus posesiones en la India y en América del Norte (Canadá y parte de Luisiana). De 1760 a 1783 el rey Jorge III pretendió restablecer el gobierno personal y la prerrogativa real, pero tras la derrota sufrida en la guerra contra los colonos, la guerra de la independencia norteamericana, tuvo que reconocer en 1783 a un ministerio basado más en la confianza del Parlamento que en la del rey. 2 Navegar




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Capítulos Inglaterra Siglo XVIII

Situación histórica

El gran auge de la producción manufacturera, el saqueo de las colonias, especialmente en la India, y la exportación de manufacturas produjeron en el Reino Unido una gran acumulación de capital. Por todos estos factores Gran Bretaña fue el primer país que pasó de la industria manufacturera a la mecánica, cuando un gran aumento en la demanda de productos hizo necesario el sistema de producción en serie. La fecha comúnmente aceptada como inicio de la revolución industrial fue 1781, momento en que el tráfico portuario inglés y la producción de paños y tejidos de algodón sufrieron un alza casi vertical, y el crecimiento del producto nacional superó el nivel mantenido en el siglo anterior.

Gran Bretaña fue el primer país que pasó de la industria manufacturera a la mecánica

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Capítulos Inglaterra Siglo XVIII

Situación artística

Situación artística En la arquitectura, desde mediados del siglo se impuso en Gran Bretaña el estilo neoclásico, impulsado por Robert y James Adam, representado tardíamente por el edificio del Banco de Inglaterra, de John Soane. En su mayor parte, las esculturas realizadas entre los siglos XVII y XVIII se debieron a artistas extranjeros. Seguidores ingleses fueron Thomas Banks, iniciador del neoclasicismo, influenciado por la corriente romana, y John Flaxman, dibujante y escultor, partidario de un retorno al estilo clásico. Banks esculpió la piezas “Caractacus ante Claudio”, y la tumba de Sir Eyre Coote en la Abadía de Westminster, consideradas sus obras más célebres en el neoclásico. Flaxman

En la arquitectura, desde mediados del siglo se impuso en Gran Bretaña el estilo neoclásico

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Capítulos Inglaterra Siglo XVIII

Situación artística

esculpió también en el neoclásico, los sepulcros de Nelson en la catedral de San Pablo y el de Lord Manfield en la Abadía de Westminster. Tras un período mediano de obras y artistas que correspondió al reinado de Jorge I, la pintura inglesa renació fuertemente con un grupo de pintores talentosos como William Hogarth y David Wilkin en la pintura de género; Joshua Reynolds, Thomas Gainsborough y Thomas Blake en el retrato. Junto con el retrato, lo mejor de la pintura inglesa de finales del siglo y principios del XIX fue el paisaje. En el retrato, todavía en el siglo XVIII se dejó sentir el estilo de la obra de Van Dyck.

Lo mejor de la pintura inglesa de finales del siglo y principios del XIX fue el paisaje

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Actividad grabado

Actividad en el grabado En este tiempo, en el grabado se observó todavía la influencia de los artistas franceses. Robert Strange (1723-1795), muy joven todavía, fue a estudiar a París en casa de Philipe Lebas, quien le enseñó el manejo de buril y los primeros elementos del arte. Pronto el alumno sobrepasó al maestro como burilista y dejó el taller para ir a Italia a conocer la obra de los grandes maestros. Permaneció en ese país cinco años, observando las obras de Rafael, Ticiano, Correggio y otros más. No regresó a Londres sino hasta que sus estudios fueron completos, sin nada más que aprender. Produjo estampas con buril armonioso. Sus trazos siguieron las formas, cubrieron los contornos y se cruzaron

En el grabado se observó todavía la influencia de los artistas franceses

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Actividad grabado

hasta el infinito. Ni una sola de sus numerosas láminas, comenta Duplessis, revela debilidad ni falta de energía sino un conocimiento profundo del arte del grabado. William Woollett, nacido en Inglaterra, dirigió su interés al paisaje. Grabó figuras y composiciones importantes como “La Batalla de la Hogue” y “La Muerte del General Wo l f ” , p e ro s u m a y o r m é r i t o l o e n c o n t r ó e n l a reproducción de los cuadros de Claude Lorrain o Gellée, de Richard Wilson y de Pillement. Con el buril obtuvo efectos y dio relevancia a los planos. Las lontananzas, iluminadas por los últimos rayos del sol, están dibujadas con precisión y claridad. Los árboles y los terrenos de los primeros términos, en cambio, fueron grabados con buril grande, hiriendo profundamente

William Woollett, dirigió su interés al paisaje, pero su mayor mérito lo encontró en la reproducción de Claude Lorrain y otros

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Capítulos Inglaterra Siglo XVIII

Actividad grabado

el cobre, procediendo con trazos anchos y espaciosos en los cuales la tinta penetró con abundancia. Lorrain, cuyas obras fueron ávidamente buscadas en Inglaterra, proporcionó a Woollett sus mejores láminas. La majestuosa disposición de las líneas, los vastos y profundos horizontes, la belleza de los sitios, sedujeron al grabador, quien supo trasmitir a sus reproducciones las eminentes cualidades del pintor y grabador. En ninguna época fue Lorrain mejor interpretado, y desde los soberbios aguafuertes grabados por el mismo maestro, se dice, no se había hallado un artista tan identificado con el paisajista francés. El mismo Gellée fue inspiración también para el grabador Francois Vivares, nacido en Francia pero que pasó en 8 Navegar




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Actividad grabado

Inglaterra la mayor parte de su existencia, aprendiendo ahí la profesión. Como Woollett, él también reprodujo con habilidad la obras de Gellée. Su temática fue exclusivamente, casi, en el paisaje, El grabador conoció a fondo las leyes de la luz y supo disponer las sombras, de tal modo que las partes heridas directamente por el sol aparecían con un brillo extraordinario. William Winne Ryland, nacido en Londres en 1732, aprendió grabado en el estudio de Ravenet, artista francés establecido en Inglaterra. Fue después a Francia y asistió al taller de Boucher y grabó al aguafuerte dos paisajes, copias de este maestro. Siguió durante un tiempo los consejos de Lebas y regresó a su patria después de cinco años de ausencia. Pero en lugar de sacar partido de los

Willian Winne empleó un método nuevo, que consistió en imitar con el buril el efecto producido por el lápiz sobre el papel

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Actividad grabado

modelos que estudió en Francia, en cuanto estuvo en Inglaterra se dejó seducir por un método nuevo, importado por un grabador italiano, Francesco Bartolozzi, método que consistía en imitar con el buril el efecto producido por el lápiz sobre el papel. Ryland, se dice, no tenía bastante habilidad para sacar partido de este método. Abraham Raimbach completa la lista de los grabadores burilistas ingleses. Reprodujo composiciones ingeniosas al traducir las obras del pintor Wilkie, “La Gallina Ciega”, “El Pagador de Rentas” y “Los Políticos de la Aldea”, con delicadeza y habilidad excepcional; algo parecido a lo que se llamó grabado de género. Su ejecución fue libre, preparadas las láminas al aguafuerte, el grabador las siguió casi totalmente con el 10 23 Navegar




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Actividad grabado

buril, logrando agradables efectos. Los rostros risueños de los niños que juegan alrededor de sus padres, o de los rentistas esperando el dinero que se les debe, están tratados en el metal con veracidad. Raimbach ocupó entre sus compatriotas uno de los primeros puestos. En la historia general del grabado le colocan sus obras en la categoría de los que mejor conocieron los recursos de ese arte, sobre todo en la fisonomía humana. Si el grabado al buril fue practicado con éxito por un escaso número de artistas, si el aguafuerte sólo reunió a unos cuantos adeptos, el grabado en negro, en cambio, importado por el príncipe Ruperto, recibió de los ingleses más favorable acogida y se sacó buen provecho de él. Las

El grabado en negro, importado por el príncipe Ruperto, recibió una favorable acogida de los ingleses y quienes sacaron buen provecho de él

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Actividad grabado

obras de sir Joshua Reynolds, de Gainsborough, de Sir Thomas Lawrence, generalmente de colorido dulce y agradable, de un dibujo algo indeciso, convenían a este tipo de grabados que admitía una interpretación vaga de los contornos. Por esto los retratos pintados por Anthonis Van Dyck en Inglaterra eran otros tantos excelentes modelos. Así lo comprendieron muchos artistas, por lo que se dedicaron al estilo negro, más que en otros países, mostrándose más hábiles, más llenos de inventiva. Richard Earlom, acaso el más conocido, no se limitó al género del retrato; debe su reputación a la variedad de trabajos que emprendió, grabando flores y frutas, copiando a Van Huysum. “Betsabé Llevando Abisag a David” pasa a ser la obra maestra del grabado en negro. Se reconocen en

El retrato fue mejor comprendido en Inglaterra que las composiciones de historia o de género

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Capítulos Inglaterra Siglo XVIII

Actividad grabado

estas obras cualidades excepcionales que podrían ser el origen de toda una escuela. El retrato ha sido mejor comprendido en Inglaterra que las composiciones de historia o de género. Sir Joshua Reynolds, el más ilustre de esta época, proporcionó a los grabadores muchos modelos notables, que éstos a su vez se apresuraron a imitar. Es suficiente recorrer las obras de este pintor para conocer un buen número de grabadores en estilo negro en Inglaterra. El mismo Reynolds parece haber vigilado a los grabadores que interpretaron sus obras. De tal forma, la ejecución se conformaba con los procedimientos del pintor. La reproducción fue exacta e imitó hasta los toques del pincel. Pero ninguno de estos grabadores tuvo en realidad

Sir Joshua Reynolds proporcionó a los grabadores muchos modelos notables, que éstos a su vez se apresuraron a imitar

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Actividad grabado

un estilo individual que le distinguiese de sus rivales. Nacido el pintor Godofredo Kneller en Lubeck en 1648, educado en la escuela de Rembrandt, a pesar de su origen y de su educación extranjera, figura en la escuela inglesa. Se estableció desde muy joven en Londres y no abandonó nunca esta ciudad. Muchos artistas grabaron sus cuadros al buril, pero J. Smith fue casi el único que se consagró al estilo negro, copiándole. En recompensa de esta asiduidad el pintor hizo el retrato del grabador, que éste trasladó enseguida al cobre. Entre los otros retratos grabados por Smith, copiando a Kneller, llaman particularmente la atención el de Guillermo III, rey de Inglaterra, el del pintor William Vandevelde, el de la condesa Salisbury y el de Juan, duque de Marlborough. Estas láminas reproducen 14 23 Navegar




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Capítulos Inglaterra Siglo XVIII

Actividad grabado

con exactitud las pinturas un tanto simétricas del maestro. De Thomas Gainsborough, los retratos del príncipe de Gales, grabado por John Rafael Smith, de Richard Warren, grabado por J. Jones, del conde de Derby, grabado por George Keating, atestiguan no sólo la habilidad de los grabadores sino también el partido que con el estilo negro podía obtenerse de estas pinturas frescas y alegres que dan de la aristocracia inglesa una idea tan noble como exacta. Desgraciadamente, son muy pocas las pinturas de Gainsborough que fueron grabadas. Sir Thomas Lawrence fue más afortunado, pues si bien no encontró tampoco muchos artistas que se dedicasen a multiplicar sus obras, al menos tuvo la suerte de encontrar en Samuel Cousins un intérprete hábil que ejecutó,

Sir Thomas Lawrence encontró en Samuel Cousins un intérprete hábil que ejecutó, una verdadera obra maestra

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Capítulos Inglaterra Siglo XVIII

Actividad grabado

copiando una de sus pinturas, una verdadera obra maestra. Se alude aquí al retrato del Papa Pio VII, acaso la mejor lámina ejecutada en estilo negro en los tiempos modernos. Cousins distribuyó las luces con buen tacto y dibujó la cabeza del pontífice con una maestría, se dice, que la mayor parte de sus compatriotas no conocieron jamás. Ch. Turner grabó también un excelente retrato de Lawrence sobre William Pitt. Este último, gran pintor inglés, descendiente directo de Reynolds, tuvo la suerte de encontrar entre sus contemporáneos a artistas grabadores que comprendieron sus obras y las tradujeron con talento. El caso de William Hogarth (1697-1764) es excepcional por el giro humorístico, sutil, de muchas de sus obras.

El caso de William Hogarth fue excepcional por el giro humorístico sutil, de muchas de sus obras

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Matrimonio a la moda Hogarth

Actividad grabado

Pintor, diseñador y grabador, nació en Londres, en el seno de una familia de limitados recursos. Su padre, Richard Hogarth, era maestro de escuela y periodista de temas literarios. Parte de la educación que recibió le fue impartida por su propio padre. Iniciado Hogarth en el oficio como aprendiz en casa de un platero, comenzó por cincelar metales, por trazar sobre plata, oro o bronce, cifras y arabescos. De este modo aprendió el grabado. Poco después abandonó el trabajo de copista para dedicarse al arte propiamente dicho. En 1720 fue a la escuela de John Vanderbank, haciendo ahí piezas en pintura y grabado. Ese mismo año abrió un negocio de estampas y trabajó independientemente en la ilustración de libros. 17 23

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Capítulos Inglaterra Siglo XVIII

Gin Lane Hogarth

Actividad grabado

la ilustración de libros. A fin de incrementar sus conocimientos en arte, Hogarth asistió a la academia del pintor Sir James Thornhill. Raptó a su hija y se casó secretamente con ella en 1729, en la iglesia de Paddington. Por ese tiempo comenzó a pintar retratos en pequeño formato, pero la venta de estas piezas no era suficiente para sostener la casa. Obra de importancia para esta época fueron las ilustraciones que hizo para la novela Hudibras, de Samuel Butler, en 1726. A finales de esta década, la pintura se perfilaba como su actividad más importante, sin dejar de hacer ilustraciones para libros y de cuando en cuando grababos satíricos. En 1732 apareció a Harlot’s Progress (Vida de una Joven 18 23

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Capítulos Inglaterra Siglo XVIII

El arresto Hogarth

Actividad grabado

que acabó por situar su reputación como el pintor de las tradiciones y las costumbres de la sociedad inglesa. Este prestigio se afirmaría en 1735 con la aparición de A Rake’s Progress (La Carrera de un Libertino), grabados según pinturas de él mismo, realizadas en 1734. Hogarth adquirió con estas dos series la fama de un brillante satirista y un filósofo de la moralidad de su tiempo. Al morir Thornhill, su suegro, en 1733, Hogarth tomó los muebles y parte del equipo de la academia para montar otra academia junto a otros artistas en St. Martin’s Lane, escuela que sobrevivió hasta la fundación de la Real Academia. En 1743 hizo un viaje a París para ampliar su horizonte intelectual y su conocimiento del arte. De este tiempo, entre 19 23

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Capítulos Inglaterra Siglo XVIII

El ejemplo de Hogarth contribuyó a que los ingleses se despegaran más de las influencias del extranjero

Actividad grabado

1736 y 1743 datan algunos grabados notables como “Before and After” (1736), “The Discret Poet” (1736-37), “The Four Times of the Day” (1738), “The Enraged Musician” (1741), y completó la serie de pinturas para “Marriage a la Mode”, aparecida en 1743. Dos años más tarde hizo la versión correspondiente en grabado. Matrimonio a la Moda es una crítica fársica del matrimonio por conveniencia en los círculos de la alta sociedad londinense. Se trata de una de las expresiones artísticas más altas de Hogarth, consideradas por la crítica especializada como su obra maestra, o una de sus obras maestras. La serie de los libertinos y del matrimonio a la moda son realmente comedias morales en las que el autor trataba de instruir. Hogarth no se limitó a narrar escenas de costumbres; él mismo las grabó, conservando así el acento y el atractivo 20 23

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Capítulos Inglaterra Siglo XVIII

Retrato de Richard Warren Johnes

Actividad grabado

él mismo las grabó, conservando así el acento y el atractivo originales. Preparadas al aguafuete, fueron continuadas las láminas al buril, con gran destreza. Preocupado especialmente de la expresión, se servía de la punta y el buril con igual facilidad que del pincel. Sus estampas no sólo ofrecen las mismas cualidades de sus pinturas sino son más armoniosas. Entre Hogarth y los artistas que manejaron en Inglaterra los asuntos de constumbres y las caricaturas, hay una gran distancia. El dio a sus composiciones todo el valor de una enseñanza moral. Y algo importante también, su ejemplo contribuyó a que sus contemporáneos ingleses se despegaran más de las influencias del extranjero. Esta fue una actitud que se hizo presente en su trabajo y en su pensamiento. En 1745 Hogarth seguramente revisó su propio trabajo; 21 23

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Capítulos Inglaterra Siglo XVIII

Lady Betty Delmé Green

Actividad grabado

en el grabado. Sabia decisión. Como pintor Hogarth aseguró su nombre en la nómina de artistas plásticos ingleses. Como grabador no ha dejado duda de que fue el más grande hasta su momento y muy probablemente el más grande en toda la historia de la gráfica inglesa. No sería fácil separar la experiencia vital de Hogarth con su actitud artística. La vida miserable que sus padres llevaron (su padre fue a la cárcel por deudas) y que él compartió por algún tiempo, dejó en su espíritu observador y curioso un recuerdo de amargura y de tristeza que le hicieron considerar a la humanidad por el lado más doloroso. Así, en su obra buscó la realidad áspera, siempre enérgica y penetrantemente. Fielding decía de su amigo: “Las figuras de los otros pintores respiran, pero las de Hogarth piensan”. 22 23

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Capítulos Inglaterra Siglo XVIII

Actividad grabado

Fue el genial hombre tanto filósofo como artista. Sus cuadros, de tonos generalmente poco armoniosos y algo fríos, están concebidos con habilidad pero el pensamiento parecía dominarlo todo. El asunto que narra —y sobre todo en el grabado— absorbe la mirada y el interés a expensas del dibujo y de la ejecución.

Qué contentos estamos de que haya médicos Dighton

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INGLATERRA SIGLO XIX Situación histórica Situación artística Actividad en el grabado

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Capítulos Inglaterra Siglo XIX

Situación histórica

Situación histórica Entre 1815 y 1850 Gran Bretaña tuvo un vertiginoso desarrollo del capitalismo industrial que le permitió polarizar la economía mundial. Una primera fase de la industrialización en el ramo textil alcanzó sus límites en la década de los cuarenta, pero pronto se inició una nueva etapa con las industrias del carbón, el hierro y el acero, y en especial el ferrocarril. El movimiento económico británico fue muy superior al del resto de los países europeos, por los bajos costos de producción. En la organización política, los británicos fueron los iniciadores del parlamentarismo en Europa. Gran Bretaña introdujo el sistema bicameral, que se extendió luego por muchos países. La cámara electa fue sustituyendo gradualmente a la cámara nombrada o 1 Navegar




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Capítulos Inglaterra Siglo XIX

En este siglo, se utilizó por primera vez, en Inglaterra el principio de representación, que limitaba a la monarquía

Situación histórica

hereditaria (cámara de los lores) y empezó la transición de los regímenes constitucionales hacia el parlamentarismo, a partir de la separación de poderes. Al partido liberal correspondió aprobar en 1833 los derechos de reforma parlamentaria, por lo cual la alta burguesía industrial rompió el monopolio parlamentario de los grandes terratenientes. En 1867 la reforma electoral extendió el sufragio a la pequeña burguesía de las ciudades y a los arrendatarios campesinos medios. Ocurrió también en Inglaterra por primera vez el principio de representación, que limitaba a la monarquía. La nación sólo podía ejercer su soberanía por delegación, si bien el régimen representativo se estableció marginando al pueblo en la dirección de los asuntos públicos. 2

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Capítulos Inglaterra Siglo XIX

Situación histórica

Tras el Congreso de Viena (1814-1815), las clases dirigentes inglesas reforzaron su conservadurismo y reprimieron con dureza los intentos reformistas y el descontento provocado por las inhumanas condiciones del proletariado industrial. Empero, en la segunda década del siglo los gobiernos se mostraron dispuestos a adaptar la legislación del país a la nueva estructura de la sociedad. Los tories, reformistas, autorizaron la existencia de las uniones obreras, aunque con facultades muy limitadas. No sería sino hasta 1871 cuando la ley concedió a estas uniones el carácter de asociaciones legales. Cuatro años después, en 1875, se legalizó el derecho de huelga. A partir de 1870, la industrialización de otros países obligó a Inglaterra a abandonar el librecambismo y a reservar y ampliar su imperio colonial como mercado exclusivo de sus productos. 3 Navegar




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Capítulos Inglaterra Siglo XIX

Situación histórica

Los bancos ingleses alcanzaron una gran concentración de capitales y dieron créditos industriales y financieros a otros países, dirigiendo la exportación de capitales a los países subdesarrollados, donde era posible la obtención de elevadísimos intereses. Con Benjamín Disraelí en el poder como primer ministro (187480), jefe del partido conservador, la mística imperialista tuvo el más ávido representante de las tendencias más abiertamente colonialistas.

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Capítulos Inglaterra Siglo XIX

Situación artística

Situación artística En el primer tercio del siglo XIX coincidieron dos movimientos artísticos de importancia: el neoclásico y el romanticismo

En el primer tercio del siglo XIX coincidieron dos movimientos artísticos de importancia: el neoclásico y el romanticismo. En la arquitectura, el movimiento romántico estuvo representado principalmente por John Ruskin. A finales de siglo el grupo encabezado por William Morris y Norman Shaw puso fin al período romántico, anunciando una vuelta al pintoresco clasicismo del renacimiento inglés. La construcción del Crystal Palace, de Joseph Paxton, preparó el advenimiento del racionalismo moderno, representado por J. Belcher en la Electra House y el University Club de R. Blonfield. Hubo a finales de este período cierto desordenado eclecticismo que se manifestó, por ejemplo, en el Palacio Gótico de Westminster. 5

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Capítulos Inglaterra Siglo XIX

En pintura, los artistas románticos alternaron con los prerrafaelistas, cofradía surgida a mediados del siglo

Situación artística

En pintura, los artistas románticos alternaron con los prerrafaelistas, cofradía surgida a mediados del siglo, de no mucha duración pero que alcanzó a dejar huella en la historia del arte. Ruskin, teórico de la corriente prerrafaelista, defendió el convencionalismo de los pintores italianos del siglo XVI, por lo que los temas religiosos e históricos “debían ser verdaderos”, en el marco de una técnica analítica y minuciosa, presentando los hechos históricos “tal como sucedieron”. Estos artistas se inclinaron hacia una actitud mística. Sus cuadros muestran sencillez y unidad. William Holman Hunt, uno de los fundadores de la hermandad en 1848, practicó en especial los temas históricos y religiosos, con influencia de los primitivos italianos y 6

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Capítulos Inglaterra Siglo XIX

Rossetti fue un pintor poeta, se le considera un manifestante extraordinario del romanticismo inglés

Situación artística

flamencos. John Everett Millais, en su primera época tendió hacia el romanticismo y más tarde su estilo se hizo más delicado y de formas mórbidas. Dante Gabriel Rossetti fue también fundador de la cofradía. Botticelli ejerció sobre él notable fuerza durante su primera etapa. Se separó del grupo y su única preocupación consistió en pintar a la mujer. Rossetti fue un pintor poeta, aunque su pintura mostró rigidez debido a la obsesión que tuvo por la Edad Media. Se le considera un manifestante extraordinario del romanticismo inglés. John Constable, paisajista, logró irradiar un influjo extraordinario tras su muerte. Parte de su fama descansó en los impresionistas franceses, quienes encontraron nutrimiento 7

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Capítulos Inglaterra Siglo XIX

La originalidad de la obra de Constable consistió en los contrastes de color y en el nerviosismo de la espátula

Situación artística

en su obra. Aunque la técnica no llegó al impresionismo y fue tradicionalista su expresion, la disolución de la forma en la luz tuvo resonancias para esta tendencia desarrollada en los últimos treinta años del siglo. Constable se dedicó primeramente al grabado. La originalidad de su obra consistió en los contrastes de color y en el nerviosismo de la espátula. Hoy día se le considera como el más relevante paisajista inglés del siglo XIX. William Turner inició también su carrera como grabador e impresor. Reprodujo para una revista monumentos históricos y paisajes de Inglaterra. En sus viajes recopiló vistas de paisajes de Francia y Suiza y se apasionó por la pintura de Lorrain, en especial en los estudios de atmósfera y de luz.

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Capítulos Inglaterra Siglo XIX

Turner fue el antecesor del impresionismo y en él ocurrió también el humor romántico

Situación artística

Más que pintar al natural, Turner usó la imaginación. Tras un viaje por Italia la luminosidad casi blanca sería típica en muchas de sus pinturas. En su última etapa de trabajo, Turner llegó a fundir la luz y el movimiento, como ocurrió ejemplarmente en “Tormenta de Nieve en el Mar”. Más aún que Constable, Turner fue el antecesor del impresionismo y en él ocurrió también el humor romántico.

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Capítulos Inglaterra Siglo XIX

Actividad grabado

Actividad en el grabado

William Blake fue reconocido como uno de los grandes poetas y uno de los artistas más importantes del mundo inglés

Poeta, filósofo, pintor y grabador, William Blake (1757-1827) fue reconocido un siglo después de su muerte como uno de los grandes poetas y uno de los artistas más importantes del mundo inglés. Escribió una veintena de libros poéticos y proféticos y fue autor de un buen número de grabados al buril, algunos realizados para ilustrar sus propios libros. Blake asistió a los diez años a la escuela de dibujo Henry Pars. Posteriormente, en 1772, se inició como grabador en el taller de James Basire. Duró aquí siete años, antes de pasar a la Royal Academic School para completar su aprendizaje. En su juventud, Basire había sido un reconocido grabador y había trabajado con 10 32

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Capítulos Inglaterra Siglo XIX

Blake contempla el sol de fuego Blake

Actividad grabado

Hogarth y con Benjamín West, pero en este tiempo estaba en rezago y decadente. A partir de 1779 Blake trabajó regularmente en el grabado, abriendo una tienda de estampas en 1874. Cinco años más tarde publicó Los Cantos de Inocencia y el Libro de Thel, seguido en 1790 de Las Bodas de Cielo y Tierra, los tres con ilustraciones y grabados suyos. Blake pasó diez años —de 1791 a 1800— en el barrio londinense de Lambeth, lugar donde publicó varios de sus libros miniados. En 1794, en la editorial Lambeth ilustró Las puertas del Paraíso, las Visiones de las Hijas de Albión y Los Cantos de la Experiencia, y realizó los 537 diseños para Las Noches, de los cuales se grabó sólo una parte.

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Capítulos Inglaterra Siglo XIX

Actividad grabado

Después de 1794, el grupo revolucionario de amigos suyos se disolvió y él se recogió en una protesta espiritual. Ello se advierte en su producción de Lambeth, bajo la idea de un principio del mal. Fueron los días de sus fantasías más crueles pero de espléndido resultado artístico en el grabado a color. En 1795 surgió La Canción de Los, obra acompañada con 8 aguafuertes. En esta obra se cuenta, inserta entre Europa y América, la más antigua historia de la humanidad. Tras la caída de Adán, Urizen, a través de las hijas de Los, da al hombre leyes morales dulcificadas en la mitología. En 1803 Blake ilustró a Milton y pintó el “Peregrinaje a Canterbury”, inspirado en Chaucer, que grabó en 1810. En 1820 publicó las únicas xilografías que hizo para el Virgilio de Thornton, a las que seguirían los grabados para el Libro 12 32 Navegar




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Capítulos Inglaterra Siglo XIX

La obra de Blake reveló alucinante fuerza y grandeza, energía mental y empeño de creación

Actividad grabado

de Giobbe. Su último trabajo, casi a los setenta años, fueron los diseños para la Divina Comedia. De no haber sido por los encargos de los poquísimos amigos, la mísera vida de Blake hubiera sido insoportable. John Linnell fue uno de sus mecenas, para quien grabó en 1825 las 2 tablas del Libro de Giobbe. Esta obra, por la pureza de la línea grabada y por el dramatismo de la composición, se considera como obra maestra del buril. El espacio destinado al diseño aquí es pequeño pero de gran concentración en la escena. De estas páginas surgió la más digna glosa de la literatura hebraica. La obra grabada de Blake está impregnada de numerosos símbolos y alusiones oscuras que no facilitan la comprensión 13 32

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Capítulos Inglaterra Siglo XIX

Peregrinaje a Canterbury Blake

Actividad grabado

de su pensamiento místico. Blake tuvo una visión de extraña singularidad, difícil para captar en un ojo meridional. Era el suyo el reflejo de un mundo antiguo y heroico, transportado a lo simbólico, a lo místico, a lo surreal. En una Inglaterra que padeció por siglos de clasicismo, no era atractiva la lucidez mental de un nostálgico y sombrío sentimiento. Su obra revela alucinante fuerza y grandeza, energía mental y empeño de creación. “Yo no interrogo mi ojo material más de cuanto puede interrogar al panorama una ventana. Miro a través de mis ojos, no con ellos”, dice el poeta. El drama de sus libros proféticos, particularmente sombríos aquellos de Lambeth, en la lucha entre las fuerzas del mal que tienen origen en el Jehová del Antiguo Testamento. Su Urizen es 14 32

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Actividad grabado

el responsable de la creación, con Dios, el Cristo de los Evangelios, que representa la fuerza del bien. Toda su obra literaria, gráfica o pictórica descansa en el poder para él sobrenatural de la imaginación, que él mismo definió como “mundo de la eternidad” que la naturaleza refleja, degenerándola. Como todo visionario y místico afirmó que “todo lo que vive es santo”, frase que se proyecta sobre el plano de lo imaginativo. De aquí el singular naturalismo antinaturalístico, la fidelidad a los cánones incluso académicos, sujetos a deformaciones. Así su obra cae bajo el signo de un expresionismo-surrealismo, impregnado de símbolos. Blake desdeñaba el mundo clásico como fruto de la razón, si bien Miguel Angel le había enseñado a pulsarlo dramáticamente. 15 32 Navegar




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Blake buscó siempre una expresión nueva, una idea abstracta y con frecuencia oscuramente simbólica

Actividad grabado

En conexión con sus libros miniados, Blake pensaba que “el libro debe estar concebido como unidad en donde estampa, decoración y paginación debe ser obra de una sola mano”. A este criterio se apegó siempre. Ligado Blake en la forma a los maestros del Renacimiento, mostró cierto menosprecio por el arte académico, por la imitación de la naturaleza. Buscó siempre una expresión nueva, una idea abstracta y con frecuencia oscuramente simbólica. Se ha dicho que la pintura y la gráfica de los siglos XVIII y XIX constituyeron premisas fundamentales para el desarrollo de la pintura romántica europea. Blake, visionario, irreal, como no lo fueron los románticos franceses, dejaría huella sobre todo en el ambiente alemán y suizo. Más aún, naturalmente, sobre los prerrafaelistas, artistas contradictorios como él. Fue 16 32

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Excursión a Rumford Rowlandson

Actividad grabado

exponente de un misticismo, de una visión unitaria del arte y de la vida. Los tiempos de Blake ya no eran aquellos de la integración de las facultades humanas y artísticas de un humanismo cuatrocentista. De muy distinta orientación artística a la de Blake fue Thomas Rowlandson (1756-1827). Pintor, grabador y caricaturista, nació y murió en Londres. Hijo único de William Rowlandson, un comerciante de lana y seda que se arruinó cuando él tenía apenas tres años, pasó a vivir primero con unos tíos y en 1764 se mudó a Soho, con su tía Jane. En 1772 empezó sus primeros estudios de arte en la Academia Real, y dos años después se fue a París, regresando a Londres en 1775. Ese mismo año expuso en la Real Academia, actividad que repetiría a lo largo de varios años. 17 32

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Capítulos Inglaterra Siglo XIX

Actividad grabado

Su trabajo de una primera época revela numerosas influencias. Pintó a la acuarela retratos de mujeres jóvenes y atractivas, en la línea de la tradición establecida por Francis Wheatley y John Raphael Smith. Más adelante sufrió la influencia de la obra humorística de John Hamilton Mortimer, a quien admiró grandemente al parecer. De este artista llegó a poseer más de 50 dibujos. A partir de 1780 la obra de Rowlandson siguió el trazo caricaturesco, evidentemente una deuda a Mortimer y probablemente también a Thomas Patch. De su estancia en París había absorbido igualmente la influencia francesa y de Gainsborough en el paisaje. No fue tampoco insensible a la obra de Hogarth, a quien estudió en sus figuras y en sus composiciones. 18 32 Navegar




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Capítulos Inglaterra Siglo XIX

Colegio de médicos Rowlandson y Pugin

Actividad grabado

En 1784 hizo el primero de varios viajes en los que tomaba dibujos, acompañado de su amigo el caricaturista Henry Wigstead. Su viaje desde Salisbury a Portmouth fue registrado en 70 dibujos. En viajes posteriores a Brighton y a Wales publicó dibujos comentados por Wigstead. En 1784 Rowlandson produjo una serie de grabados satirizando aspectos políticos y de la vida de la alta sociedad. Más tarde, en 1787, cesó de participar en las exposiciones de la Real Academia, pese a la reputación que ya había adquirido entre el público y entre los mismos artistas. Se atribuye a que habiendo recibido la herencia de un tío, se dedicó a vivir en el despilfarro, en la bohemia y en las casas de juego, lugares donde agotó la herencia, entrando en un estado cercano a la pobreza. Rowlandson renunció entonces 19 32

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Capítulos Inglaterra Siglo XIX

Rowlandson permaneció como uno de los artistas destacados del género caricaturesco, una especie de Daumier británico

Actividad grabado

a su trabajo en el arte, con excepción de la caricatura, género en el que ya se había perfilado con éxito y que representaba una buena fuente de ingresos. Pudo así reconstruir un poco su existencia de tiempos mejores. Rowlandson trasladó sus dibujos al aguafuerte, estampas que eran coloreadas por distintos artistas, entre ellos Stadler. Generalmente él hacía los dibujos, dejando a veces la tarea a otros artistas. “Escalofríos y Fiebre” es una de estas estampas, cuyo diseño trazó James Dunthorne. “Una Visita al Médico” es otro ejemplo, según dibujo de Woodward. El primero en 1792 y el segundo en 1810. La relación que trabó el caricaturista y grabador con Rudolph Ackerman en 1797, cambió su suerte hacia una situación económica mejor. En ese taller de grabado se 20 32

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Capítulos Inglaterra Siglo XIX

Actividad grabado

produjeron varios de sus trabajos. Entre ellos la serie con tema de hospitales y médicos, con el título de Macrocosm of London. En esta obra Rowlandson trabajó en colaboración con Auguste Pugin, artista inglés reconocido como él. Tres piezas características de esta colaboración serían “El Hospital Middlesex de Londres” y “El Colegio de Médicos”, de 1808, y “El Hospital de San Lucas”, de 1809. Pugin se hizo cargo del dibujo arquitectónico y él de las figuras humanas. En el grabado de la época, por su visión humorística, satírica y festiva, Rowlandson permanece como uno de los artistas destacados del género caricaturesco, una especie de Daumier británico. Proveniente de una familia de artistas gráficos y pintores, Robert Dighton (1752-1814) fue otro profesional de la 21 32 Navegar




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Capítulos Inglaterra Siglo XIX

Dighton produjo en la década de los noventa acuarelas y grabados a color, alternando estas actividades con las de cantante y actor Navegar




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Actividad grabado

en Oxford, Cambridge, Bath, Cheltenham y Brighton, lugares en los que hizo caricaturas de grandes personajes. En 1810 regresó a Londres, aparentemente perdonado. Por la proyección de su trabajo, se le tenía incluso admiración. Para que funcionaran mejor en el mercado, las caricaturas de Dighton eran atractivamente coloreadas. Sus protagonistas eran nobles, militares, políticos, personalidades de la Iglesia y gentes en general del Estado. El Museo Inglés y el Victoria y el Albert Museum conservan una gran colección de estas caricaturas. Dighton fue más acuarelista y dibujante que grabador, pero su obra aquí fue lo bastante meritoria para que se le tomara en cuenta. 23 32 Navegar




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Capítulos Inglaterra Siglo XIX

La comida campestre de los pescadores Ward

Actividad grabado

William Ward (1766-1826), nacido en Londres, fue alumno y ayudante de John Raphael Smith, grabador londinense especializado en mezzotinta y grabado en cobre punteado. Los ingleses tuvieron preferencia por esta técnica, la mezzotinta, frente a los procedimientos corrosivos de la impresión en hueco, logrando en ella una gran maestría. Ward, grabador en cobre de la Casa Real, fue hábil en las dos técnicas mencionadas. “La Comida Campestre de los Pescadores” es una mezzotinta coloreada, basada en una composición pictórica de su cuñado George Morland. También utilizó Ward, como modelos, trabajos de su hermano James. Ward produjo pinturas y reatratos de Reynolds y trabajó también a partir de pinturas de animales de su hermano James. 24 32

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Capítulos Inglaterra Siglo XIX

Actividad grabado

En 1811 fue distinguido al ser aceptado como miembro de la Real Academia, y fue el grabador del príncipe regente y del duque de York. De 1785 a 1826, expuso cerca de treinta grabados en la Academia. El tipo de grabado llamado a la manera inglesa se prestó adecuadamente a la imagen pictórica. Una sola placa se impregnaba con varios colores, lo que obligaba con frecuencia a iluminar con pincel y acuarela los grabados impresos. Temas como este de los pescadores, que relataban la vida alegre del campo, fueron muy comunes en el siglo XVII en el arte inglés. También en la mezzotinta grabó el londinense William Reynolds (1773-1835), que había sido discípulo de H. Hodges y J. R. Smith, y que posteriormente fue maestro de dibujo de las hijas del rey Jorge III. Reynolds basaba sus grabados en sus propios modelos y 25 32 Navegar




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Capítulos Inglaterra Siglo XIX

Reynolds desarrolló su arte también en la pintura, como paisajista y retratista

Actividad grabado

en los modelos ajenos, entre los de Rubens, Géricault y Joshua Reynolds, de quien tradujo 357 hojas de formato pequeño. “Mrs. Whitbread” es una mezzotinta y aguafuerte iluminado, según modelo de John Hoppner; una dama galante de la sociedad inglesa de fines del XVIII. El grabador supo cómo vincular técnicamente la suavidad de la mezzotinta con los vigorosos acentos de la aguja de grabar aguafuerte. Reynolds desarrolló su arte también en la pintura, como paisajista y retratista. Nacido en Noruega y fallecido en Londres, John Sell Cotman (1782-1842) fue hijo de Ann Sell y Edmund Cotman, quien tenía oficio de peluquero. En 1798 Cotman se trasladó a Londres, trabajando como asistente en el taller de grabado de Rudolph Ackerman. Asistió a 26 32

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Capítulos Inglaterra Siglo XIX

Cotman fue acuarelista y pintor con mediano éxito en la venta

Actividad grabado

la Real Academia y en 1799 se hizo miembro de la sociedad de Grabado, que se había formado en torno a Thomas Girtin. Su primera exposición en la Academia le hizo acreedor a un premio. Entre 1800 y 1805 Cotman emprendió viajes que tuvieron gran repercusión en su trabajo. Viajó a Gales en busca de lo pintoresco; descubrió castillos y montañas que avivaron su imaginación. En el segundo viaje, en 1803, probablemente fue acompañado por Paul Sandby Munn, quien estuvo con él en las primeras etapas de su viaje a Yorkshire. Yorkshire impactó al pintor y grabador. En 1809 abrió una biblioteca circulante para enseñar a dibujar al “estilo Cotman”, compitiendo con otros artistas que también impartían clases. En 1810 fue electo vicepresidente de la sociedad noruega de artistas. Al año siguiente se convirtió en presidente de la sociedad 27 32

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Capítulos Inglaterra Siglo XIX

Chateau Gaillard Cotman

Actividad grabado

y publicó sus Grabados Misceláneos. Esta fue su primera serie publicada, abrigando grandes esperanzas en esta modalidad del arte. Cotman era acuarelista y pintor con mediano éxito en la venta. En 1812 Dawsin Turner uno de sus patrones, lo animó a que se mudara a Yarmouth, donde empezó la ambiciosa labor de ejecutar más de 400 grabados, publicados en seis volúmenes bajo el título de Antigüedades Arquitectónicas de Norfolk (1812-18). Sus Antigüedades Arquitectónicas de Normandía, de 1822, son tal vez las que tuvieron mayor éxito. En 1818 había contribuido también con varios grabados para los dos volúmenes de Excursiones en la Provincia de Norfolk. Cotman volvió a Noruega en 1823 y abrió una escuela de dibujo en su residencia de Palace Plain. Expuso en la British 28 32

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Capítulos Inglaterra Siglo XIX

Miss Whitbread W. Reynolds

Actividad grabado

Institution y en mayo de 1824 vendió un buen número de dibujos a Christie’s de Londres. Cotman era un hombre ambicioso y enfocaba su trabajo a la obtención de un prestigio, pero sufría con frecuencia decepciones que lo postraban en la melancolía y en la depresión. En 1826, año en que sufrió una fuerte crisis depresiva, dijo a un sacerdote que su estado mental era “un caos de agonía”. En 1834 se mudó a Londres para ocupar el puesto de dibujo en la King’s College School. En 1838 se publicó su Liber Studiorum y sus grabados completos —excepto la serie de Normandía—, Especímenes de Ruinas Arquitectónicas en Varias Provincias de Inglaterra, especialmente Norkfolk. 29 32

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Capítulos Inglaterra Siglo XIX

Autorretrato Seymour Haden

Actividad grabado

Cotman se había casado en 1809 con Anne Miles de Felbrigg. De sus cinco hijos, tres se hicieron artistas: Anne, Miles Edmund y John Joseph. En el grabado fue cuidadoso. Aprendices le ayudaban a preparar las placas, haciendo él los terminados. El arte de temas arquitectónicos y arqueológicos de Cotman recuerda necesariamente la obra de Piranesi, provista también de una cualidad visionaria. Grabador, refinado coleccionista de aguafuertes de Rembrandt, Sir Francis Seymour Haden (1818-1910) nació y murió en Londres. Destacado cirujano, se interesó en el arte del grabado, orientado y estimulado por su cuñado McNeil Whistler. Llegó a ser presidente de la célebre Sociedad de Aguafuertistas de 30 32

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Capítulos Inglaterra Siglo XIX

El moralista Nutter

Actividad grabado

París en 1861, asociación de la que formaron parte personalidades como Degas, Manet y Pissarro. Haden se hizo un profesional del grabado y destacó en la segunda mitad del siglo. Ejecutó 250 aguafuertes, de exquisitez “cromática” en el blanco y negro. En sus grabados reprodujo particularmente escenas paisajísticas de las riberas de Inglaterra, trabajándolas con gran amor a la naturaleza. Más adelantado el siglo, William Nutter (1854-1902) ejecutó grabados en la técnica de la mezzotinta. Fue discípulo también de J. R. Smith. La pieza “El Moralista”, un cobre punteado según modelo del propio Smith, es una de sus piezas más conocidas. La técnica del grabado punteado, recordamos, fue dada a conocer en Inglaterra por el florentino Francesco Bartolozzi 31 32

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Capítulos Inglaterra Siglo XIX

Ramsgate Tissot

Actividad grabado

en 1773. El procedimiento consiste en que la placa se torna áspera con el trabajo de pequeños buriles y martillos, de modo que se producen suaves modelados en claroscuro. La técnica impresora en color era deficiente, por lo cual se aplicaba color con pincel. En Inglaterra el grabado en color se empleó por lo general para reproducir pinturas que gozaban del aprecio del público, por eso se le llegó a calificar como “gráfica reproductora”. Sus resonancias culturales fueron incalculables, pues contribuyó eficazmente a la difusión de un estilo de vida en Europa y en el mundo, para el cual Inglaterra durante mucho tiempo ofreció una imagen rectora.

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ESPAÑA SIGLOS XVIII Y XIX Situación histórica Situación artística Actividad en el grabado

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Capítulos España S. XVIII y XIX

Situación histórica

Situación histórica Durante el reinado de Carlos II, que duró hasta 1700, hubo una actitud defensiva frente a los reiterados esfuerzos de Francia y Austria para apoderarse de los restos del imperio español en Europa. España se vio obligada a ceder en Utrech, en 1714, los Países Bajos y las posesiones italianas a cambio del reconocimiento de Felipe V como rey de los españoles. La nueva dinastía borbónica emprendió entonces una amplia política de reformas durante los reinados de Felipe (17001746) y de Fernando VI (1746-1759), creando un nuevo aparato administrativo que facilitara la centralización del país y el autoritarismo monárquico. La única fuerza que debilitó 1 Navegar




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Capítulos España S. XVIII y XIX

El reinado de Carlos III fue el más fecundo del despotismo ilustrado

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Capítulos España S. XVIII y XIX

El movimiento revolucionario francés fue alarmante para las clases privilegiadas españolas

Situación histórica

ministro plenipotenciario de Carlos III por imponer la vestimenta al estilo francés con casaca, peluca y tricornio, prohibiendo la capa y el sombrero de ala ancha. La multitud enfurecida invadió las calles y saqueó el palacio del ministro, que apenas logró salvar su persona. Poco después el rey anunció solemnemente que había decidido conceder lo que el pueblo reclamaba. Se podría vestir otra vez capa y sombrero y Esquillache fue expulsado para siempre. Carlos IV era ya el nuevo soberano español cuando la agitación popular en Francia derribó la monarquía. El movimiento revolucionario francés fue alarmante para las clases privilegiadas españolas. 3

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Capítulos España S. XVIII y XIX

El despotismo ministerial de Manuel Godoy intentó proseguir con el reformismo

Situación histórica

A partir de 1792 el despotismo ministerial de Manuel Godoy intentó proseguir con el reformismo. En los primeros años del XIX, empero, su situación era crítica. Lo presionaban las clases privilegiadas, se vio amenazado por la presión que Bonaparte ejercía sobre su rey en 1808, estando ya las topas francesas en territorio español, el pueblo también se rebeló contra el favorito de la reina, derrocándolo. Carlos IV fue obligado a abdicar en favor de su hijo Fernando. Cuando las tropas napoleónicas entraron en Madrid, obligaron a Fernando a abdicar en favor de José Bonaparte, quien pasó a ser José I de España. Si las clases dominantes españolas cedieron a la imposición extranjera sin un amago de rebeldía, no lo hizo la población popular, 4

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Capítulos España S. XVIII y XIX

Situación histórica

protagonista del heróico levantamiento del 2 de mayo de 1808, que fue duramente reprimido. La ocupación francesa duraría seis años, hasta 1814, cuando la resistencia española triunfó sobre el ejército napoleónico.

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Capítulos España S. XVIII y XIX

Situación artística

Situación artística En el tiempo de los Borbones, España adoptó la arquitectura neoclásica francesa

En el tiempo de los Borbones, España adoptó la arquitectura neoclásica francesa, reflejada ésta primeramente en el Palacio de la Granja y después, en la segunda mitad del siglo, en el Palacio de Oriente, en la Iglesia de San Marcos, en el Museo del Prado y en el Observatorio, todos en Madrid. En escultura y pintura, pocos ejemplos relevantes hubo antes de que surgiera el genio de Francisco de Goya. Durante la primera época de este gran artista se disputaban la escena española la escuela italiana y la francesa, con la producción de imitaciones mas bien serviles. En este siglo se intitucionalizaron las academias y el ambiente cortesano con sus exigencias deformó el rumbo del arte español. 6

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Capítulos España S. XVIII y XIX

Antonio Rafael Mengs, personificó la reacción contra el amaneramiento del siglo,atrincherado en un academismo mecánico y frío

Situación artística

Concretamente, dos tendencias se disputaban el predominio en la escena en Madrid; una era la de Tiépolo, que desde 1762 trabajaba con la colaboración de sus hijos en el Palacio Real, y que representaba a la escuela veneciana. Antonio Rafael Mengs, originario de Bohemia, personificaba la reacción contra el amaneramiento del siglo, atrincherado en un academismo mecánico y frío. Esta escuela influyó notablemente en la primera época de Goya como retratista. Con el tiempo, la obra del genial artista llegó a prefigurar el impresionismo y el expresionismo contemporáneos.

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Capítulos España S. XVIII y XIX

Actividad grabado

Actividad en el grabado Puede decirse que la actividad del grabado en España comenzó, como en otros países europeos que lo cultivaron, en el siglo XV, pero de modo tan primitivo y tan escaso que la mayoría de los pocos tratados de historia del grabado, si no es que todos, no se tomaron la molestia de ocuparse de tal aportación. Hubo incipientes trabajos en planchas de madera, descritas como obras faltas de tersura y groseramente elaboradas. La invención de la imprenta extendió su beneficio inmediato también en este país y fue el móvil más activo del grabado en madera. Tempranamente se inició una 8 Navegar




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Capítulos España S. XVIII y XIX

El sueño de la razón produce monstruos Goya

Actividad grabado

actividad impresora el la cual Mateo Flandero fue uno de los primeros protagonistas, al montar una prensa en Zaragoza en 1475, y en 1478 funcionaba otra ya en Valencia, de Nicolás Spindoler. En Barcelona salieron impresiones en 1482 de Pedro Brun, y pronto se dio una generalización del uso de la imprenta en relación al grabado en madera, para obras no estrictamente artísticas. Resulta evidente que no se pudieron concretar obras durante muchos años, ni suficientes ni de calidad artística apreciable para poder establecer una historia del grabado español, algo que valiera la pena. Se ha reconocido que los dos únicos grabadores de mérito que produjo España, en siglos anteriores al XX, fueron José Ribera y Francisco de Goya. El primero en el siglo XVII, 9

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Capítulos España S. XVIII y XIX

Goya fue el único grabador español digno de tomarse en cuenta y es la estrella solitaria que inserta a España en la historia universal del grabado

Actividad grabado

formado y con desempeño de su trabajo en Italia. El segundo de los siglos XVIII y XIX, que debe considerarse realmente como el primer gran grabador que se desarrolló en el seno de la propia España. Más aún, en su tiempo fue el único grabador español digno de tomarse en cuenta y singularmente es la estrella solitaria que inserta a España en la historia universal del grabado. Francisco de Goya y Lucientes (1746-1828). Pintor original e innovador en la historia del arte, surgido y madurado entre dos siglos, Goya asimiló la experiencia figurativa académica del primero, para trascenderla después en el XIX. En todas sus transiciones tuvo presente lo real, a medida que su estilo se afirmaba. Se rebeló contra las fórmulas de la pintura española y de la época. Absorbido 10 26

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Capítulos España S. XVIII y XIX

Goya rechazó la exaltación del individualismo, negó la transcripción servil de la realidad aparente para buscar en sus profundidades

Actividad grabado

en el espíritu cortesano y galante del siglo en que naciera, produjo obras en el estilo del rococó, inpirándose en sus más notables contemporáneos, Reynolds, Boucher y Tiépolo. En su lucha solitaria contra un medio hostil, Goya rechazó en su lenguaje plástico la exaltación del individualismo, negando la transcripción servil de la realidad aparente para buscar en sus profundidades. Fue el gran precursor de la pintura moderna, a la cual enseñó la gran lección de la libertad. André Malraux diría: “Goya prefiguró todo arte moderno porque el arte moderno comienza en esa libertad”. El pintor y grabador nació en Fuendetodos, un pequeño pueblo aragonés. En 1760, gracias a los oficios del cura Felix 11 26

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Capítulos España S. XVIII y XIX

Los Chinchillas Goya

Actividad grabado

Salcedo, quien descubrió las cualidades artísticas del joven y abogó ante su familia, Goya se trasladó a Zaragoza para cultivar su vocación en el arte. Ingresó como aprendiz en el taller del pintor José Luzán y Martínez, en el cual duró seis años. Paralelamente tomó clases de dibujo en la escuela pública. En 1763 lo recomendaron al pintor, también aragonés, Francisco Bayeu, quien vivía en Madrid. El joven pintor estuvo en Italia sobre 1770. Al regresar a España se instaló en Madrid. Por invitación de Bayeu se le incluyó en 1775 en el grupo de pintores de la Fábrica Real de Tapices Santa Bárbara, del Estado, donde colaboró hasta 1791 pintando cartones. En esta época la influencia de Bayeu sobre él fue poderosa. En 1778 hizo copias al aguafuerte de obras de Velázquez, por encargo del rey Carlos III. En 1783 empezó a pintar retratos 12 26

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Capítulos España S. XVIII y XIX

Actividad grabado

de personajes importantes como el conde de Floridablanca, influyente ministro del rey. A la muerte de Carlos III, en 1788, fue coronado Carlos IV y Goya se convirtió en el Pintor de Cámara de la Corte. Ya muy avanzada su sordera, en 1794 empezó la serie de Los Caprichos, cuya primera recopilación se editó en 1799. Entre 1800 y 1801 pintó las majas, cuyo probable modelo fue la Duquesa de Alba, con quien mantuvo relaciones íntimas. La duquesa murió en 1802. Tuvieron que pasar muchos años para la realización de los grabados siguientes, que fueron Los Desastres de la Guerra. Esto fue en 1809-11. Seis años más tarde, en 1816, publicó sus grabados de la Tauromaquia. Rehuyendo el trato social y con problemas de orden político, en 1819 adquirió lo que llamarían después la Quinta del Sordo, a 13 26 Navegar




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Capítulos España S. XVIII y XIX

Goya se ganó la desconfianza de la corte en un tiempo en que los liberales y constitucionlistas eran objeto de persecución

Actividad grabado

orillas del río Manzanares, donde se refugió. Ahí realizó entre 1820 y 22 la serie de grabados Los Disparates y las célebres pinturas negras, tremendas figuras del expresionismo grotesco, creaciones que habrían de impactar fuertemente el clima del arte europeo. Por sus ideas, Goya se ganó la desconfianza de la corte en un tiempo en que los liberales y constitucionlistas eran objeto de persecución. El rey le perdonó la vida cuando se presentó a la corte; le permitió viajar a Francia y hasta le mantuvo su pensión. Durante su estancia en Burdeos preparó las litografías Los Toros de Burdeos. Goya murió el 16 de abril de 1828, después de haber sufrido un ataque de apoplejía. La serie de Los Caprichos, aguafuertes publicados en 1799, es la primera colección de grabados preparada para ser vendida como conjunto. En el prólogo, dice Cean Bermudez: 14 26

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Capítulos España S. XVIII y XIX

Goya fue moralista y crítico de las costumbres. Atacó la ignorancia, la hipocresía, el fanatismo y la avaricia

Actividad grabado

“Persuadido el autor de que la censura de los errores y vicios humanos puede ser objeto también de la pintura, ha escogido como asuntos para su obra, entre la multitud de extravagancias y desaciertos que son comunes a toda la sociedad civil”. Goya alcanzó con esta primera serie sus cimas expresivas como moralista y crítico de las costumbres. Atacó aquí con severidad la ignorancia, la hipocresía, el fanatismo y la avaricia. La serie fue publicada por la Calcografía Nacional. Desde el punto de vista técnico, Goya había hecho ya un enorme avance desde sus primeras experiencias como grabador. Aquí empleó con maestría el aguafuerte, y para los fondos, el aguatinta, recurso con el que obtuvo efectos de oscuros aterciopelados y sombras de rara profundidad 15 26

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Capítulos España S. XVIII y XIX

Actividad grabado

“de las que emergen unos blancos puros, que unas veces se definen con exacta rotundidez monumental, y otras como simples superficies luminosas”, dice Ariel Bignami. La génesis de Los Caprichos fue lenta y habría que vincularla a la crisis de su enfermedad de 1792, que le hizo refugiarse en sí mismo y dar rienda suelta al capricho y la invención. Algunos de los dibujos que hizo durante su estancia en Sanlúcar de Barrameda, con la Duquesa de Alba, en 1797, fueron reutilizados en ciertas estampas de la serie. En 1797 debían estar ya preparadas algunas de las láminas, pues en esa fecha se imprimió un prospecto anunciando su aparición en serie de 72 piezas. Por el peligroso contenido de sus estampas, en 1803 decidió Goya regalar las planchas y los ejemplares que le quedaban 16 26 Navegar




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Capítulos España S. XVIII y XIX

Los Desastres de la Guerra constituyeron la serie más dramática, intensa y la que mejor reveló el pensamiento de Goya

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al rey, con destino a la Real Calcografía, donde aún se conservan, solicitando una pensión para su hijo, a la que accedió Carlos IV. Muchos años después, en carta a un amigo suyo. Goya recordaba el incidente: “Los cedí al rey ha más de veinte años, y con todo eso me acusaron ante la Santa Inquisición”. Son muchos los dibujos preparatorios que se conservan para estas estampas, que informan sobre su génesis y sucesivas modificaciones. En conjunto, Los Caprichos son parte fundamental del legado artístico de Goya y una de las secciones de su arte que más contribuyeron a hacerlo conocido y estimado en toda Europa, desde los tiempos del romanticismo francés. Goya preparó los grabados de Los Desastres de la Guerra entre 1809 y 1811, basados en la represión del levantamiento 17 26

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popular del 2 de mayo de 1808 contra las tropas napoleónicas, en Madrid, y los fusilamientos del día siguiente. Narraba en estas piezas la represión desatada desde el inicio de la guerra independentista. Expresaba también la angustia ante la situación del pueblo, en dibujos que en ese tiempo no grabó por prudencia y que representan a presos y torturados. Los Desastres de la Guerra constituyen la serie más dramática, la más intensa y la que mejor revela el pensamiento del artista y la visión de la circunstancia trágica que le tocó vivir. Las imágenes de esta serie empezaron a ser pasadas a las láminas en 1810. La presencia de los soldados de Napoleón, los invasores, suponían para quien amaba a su tierra y a sus hombres, tremenda zozobra. Los acontecimientos golpearon la sensibilidad del viejo pintor y en vibrantes dibujos 18 26 Navegar




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Capítulos España S. XVIII y XIX

Goya mostró también en su obra temas cómo la violencia, el hambre, y la falta de solidaridad de los poderosos

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preparatorios, en sanguina, y en las estampas definitivas, quedó su dramático testimonio. Goya no vio la guerra en donde había buenos y malos, se dice. Lo que censuró, lo que le dolió en los más profundo fue la guerra misma con la violencia. Pero no sólo fue la violencia lo que le impactó. Junto a la guerra, el hambre ha sido siempre inseparable compañera. Madrid vivió entre 1811 y 1812 una terrible falta de alimentos que el grabador describió en sus desoladoras escenas. E igualmente la falta de solidaridad de los poderosos que podían conseguir alimentos, en contraste con la angustiante necesidad de los humildes. Esto se ve en algunas estampas en las que la muerte está presente. No la muerte sangrienta y ruidosa de las escenas de guerra, sino la silenciosa de los 19 26

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Capítulos España S. XVIII y XIX

Goya mostró también en su obra temas como la violencia, el hambre, y la falta de solidaridad de los poderosos

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preparatorios, en sanguina, y en las estampas definitivas, quedó su dramático testimonio. Goya no vio la guerra en donde había buenos y malos, se dice. Lo que censuró, lo que le dolió en los más profundo fue la guerra misma con la violencia. Pero no sólo fue la violencia lo que le impactó. Junto a la guerra, el hambre ha sido siempre inseparable compañera. Madrid vivió entre 1811 y 1812 una terrible falta de alimentos que el grabador describió en sus desoladoras escenas. E igualmente la falta de solidaridad de los poderosos que podían conseguir alimentos, en contraste con la angustiante necesidad de los humildes. Esto se ve en algunas estampas en las que la muerte está presente. No la muerte sangrienta y ruidosa de las escenas de guerra, sino la silenciosa de los 19 26

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abandonados en la calle o de las carretadas de cadáveres camino del cementerio. Concluída la guerra nada pareció haber cambiado. Al egoismo, a la simulación, a la ignorancia y a la beatería debía añadirse el desencanto que produjo Fernando VII con la restauración del absolutismo. Goya, amargado, desencantado, guardó las láminas que publicadas podrían resultar más comprometedoras que Los Caprichos. Sólo unas cuantas pruebas de estado circularían entre amigos de toda confianza. Habría que esperar hasta 1863 para disponer de una edición realizada por la Academia con los cobres que habían llegado a su poder, y que sin duda habían sufrido daños en sus cuarenta años o más de encierro. 20 26 Navegar




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Capítulos España S. XVIII y XIX

Goya como grabador rivalizó con grandes artistas como Durero y Hogarth

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Esta serie de Los Desastres habría de quedar como uno de los más profundos testimonios del mensaje goyesco, y como uno de los más sinceros y graves actos de contrición del género humano ante su miseria y su barbarie. El 28 de octubre de 1816, el diario Madrid informaba que la serie de aguafuertes de La Tauromaquia había sido terminada y que se ponía a la venta. Se sabe que en España apenas se consiguió vender, adquiriéndola un comerciante alemán, quien la dió a conocer en Francia. En la serie se leía: “Treinta y tres estampas que representan diferentes suertes y actitudes del arte de lidiar toros, inventadas y grabadas al aguafuerte en Madrid por don Francisco de Goya y Lucientes”. 21 26

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Las estampas se hicieron realmente populares en la segunda tirada de 1855, hecha por la Calcografía Nacional. Una tercera edición se hizo en París en 1876, por el editor Loizelet. Parece que los motivos que tuvo Goya para el incio de estos aguafuertes fue la trágica muerte de su amigo “Pepe Illo”, el torero, ocurrida en 1810, presenciada por él mismo. La serie de estampas, dedicada en un principio a describir las diferentes suertes de la lidia de toros y de recordar momentos emocionantes de las corridas de toros de la época, se amplió dando la visión histórica de su origen. Para ello se basó primero en la Carta histórica sobre el origen y el progreso de las fiesta de toros en España, escrita por Nicolás Fernández de Moratín, y después en la Tauromaquia 22 26 Navegar




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Capítulos España S. XVIII y XIX

El trabajo gráfico de Goya ejerció una profunda influencia en Francia por medio de Délacroix, Daumier y Courbet

Actividad grabado

o el arte de torear, publicada en Cádiz en 1796 —veinte años más tarde que la carta de Moratín— por el torero Josef Delgado, “Pepe Illo”. En las primeras doce láminas Goya siguió la carta de Moratín; otras están basadas en el texto de Pepe Illo, que muestran sencillamente diversas suertes del toreo, y finalmente el resto de las láminas narran hazañas y tragedias famosas de la fiesta brava. Goya debió grabar al menos 44 láminas, pues tal es el número de estampas que se conocen en prueba de estado. Pero hubo de eliminar 11 de ellas. Sin duda fue la serie más divulgada, a pesar de la poca venta en España de la primera edición. 23 26

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Capítulos España S. XVIII y XIX

Los Disparates o Proverbios son los grabados de Goya de más difícil interpretación

1. En la carpeta de “La Tauromaquia and The Bulls of Bordeaux”, editada por Dover Publications Inc. New York, 1969, aparece una quinta estampa.

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Obra tal vez menor, sin la trascendencia crítica de Los Caprichos, sin la hondísima emoción humana de Los Desastres, La Tauromaquia muestra empero una maravillosa capacidad para captar el movimiento, la vida tensa, el arrebato bestial de la corrida. Sobre el mismo tema taurino, producto de su exilio en Burdeos, Francia, produjo en el taller litográfico de Ganlón una serie de tres estampas a las que llamó Los Toros de Burdeos, publicada por la Casa Ganlón de París en 1826. Posteriormente agregó una cuarta litografía, la única fechada en 1825.1 También llamados sueños, Los Disparates o Proverbios son los grabados de Goya de más difícil interpretación. Obras de la vejez del maestro, realizadas entre 1819 y 1823, recogen el ambiente 24 26

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espiritual próximo a las pinturas negras. Ninguna de las estampas tiene fecha precisa y parece que la serie como tal debió darse por concluida. Es probable que las planchas permanecieran en Madrid junto a las de Los Desastres y sólo en 1864 la Academia de San Fernando preparó una edición de las 18 planchas. Debió Goya proyectar más composiciones de la serie, pues una prueba de estado lleva el número 25. En el estado actual, la serie consta de 25 estampas.2 2. En la misma publicación mencionada, en relación a la Tauromaquia, aparecen 43 estampas.

Al publicar la serie en 1864 la Academia tituló la obra como Los Proverbios. sugiriendo así que las estampas servían de comentario a proverbios y refranes. No resulta clara la posible relación. Algunas pruebas de estado llevaban inscripciones de Goya que las titulaban como Disparates, lo que ha permitido generalizar esta denominación, adecuada a los disparates, lo 25 26

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Capítulos España S. XVIII y XIX

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absurdo, lo irracional que presentan las estampas. Las pocas piezas que llevan la inscripción o título de mano del propio Goya, resultan tan enigmáticas como las que no lo llevan. Goya produjo unos 280 aguafuertes, entre los cuales hay unas pocas litografías. Dejó a la posteridad una obra inmensa, ya que realizó alrededor de unas quinientas pinturas y cerca de mil dibujos. Como grabador rivalizó con grandes artistas como Durero y Hogarth. Su trabajo gráfico ejerció una profunda influencia en Francia por medio de Délacroix, Daumier y Courbet.

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ITALIA SIGLO XV

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Una primera imagen de componer a los personajes en un tema que ha tenido distintas versiones. La concepción del dibujo es primitiva, con la intención del artista de dar expresividad mediante la línea.

Maestro Anónimo La Última Cena (Rávena) Xilografía coloreada. ca. 1470. 265 x 195mm

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Síntesis de gran sencillez e ingenuidad. Pertenece a la colección de la Biblioteca de Rávena, compuesta por unas 40 xilografías incunables.

Maestro Anónimo Veneciano Santa Catalina de Siena Xilografía coloreada. 132 x 132mm

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Maestro Anónimo del Véneto San Antonio de Padua Xilografía 1460-70. 280 x 202mm

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Destaca la monumentalidad de la figura sobre la iglesia de Padua. Existe otro grabado sobre el santo, casi igual pero sin el fondo arquitectónico. Ejemplar único, conservado, como el de la Última Cena, en la Biblioteca Clasense de Rávena.

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Los personajes son absorbidos por la poderosa estructura arquitectónica, que Rafael dejaría plasmada en su famoso cuadro, “Los Esponsales de la Virgen”. Aunque imperfecta, la perspectiva es recurso importante en la estampa.

Maestro Florentino El juicio Buril. 1460-80. 236 x 195mm

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Escena de gran impacto dramático por el enérgico movimiento de los protagonistas. Una densa y detallada fronda destaca los cuerpos desnudos. Pollaiolo fue el primer gran artista italiano en llevar el desnudo al grabado.

Antonio Pollaiolo La Batalla de los Hombres Desnudos Buril. 1470. 388 x 586mm

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Finiguerra fue uno de los nielistas más renombrados. La pieza es de un notable abigarramiento. Se considera esta obra la más antigua del grabado italiano.

Maso Finiguerra La Coronación de la Virgen Nielo. ca 1452. 130 x 86mm

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Trabajo de plena madurez, donde la perfección del dibujo y la monumentalidad producen gran elocuencia. Uno de sus grabados más bellos.

Andrea Mantegna Cristo Resucitado entre San Andrés y San Longino Buril. ca 1500. 356 x 332mm

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Andrea Mantegna La Virgen y el Niño Buril. 1450-55? 345 x 268mm

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Con Mategna llegó el gran arte del grabado en Italia. El tema religioso y el profano, basado éste en la antigüedad grecoromana, fueron motivos que inspiraron su obra.

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Los elementos fantásticos se integran en la escena predominantemente clásica. Mantegna fue un gran promotor del arte antiguo, un espíritu fiel al ideal renacentista.

Andrea Mantegna Batalla de los Dioses Marinos Buril. ca 1490. 335 x 440mm

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Andrea Mantegna Los elefantes De los triunfos de César Buril. Ca. 1495

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Mantegna tuvo gran influencia entre los grabadores de su tiempo, algunos de los cuales pasaron por su escuela. La pieza es claro del paganismo artístico.

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Andrea Mantegna Bacanal con Sileno Buril. ca 1490. 335 x 454mm

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A la ejecución de lo dramático se añade un virtuosismo tecnico, con sutil tejido de semioscuros.

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Escuela de Mantegna El Descenso al Limbo Buril. ca. 1490. 446 x 347mm0

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El tema y el tratamiento pertenecen al maestro, pero sin el logro de los mejores momentos de éste.

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Escuela de Mantegna El Triunfo de César 1470-90. 270 x 310mm

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La estampa, de tono grandioso, no resolvió con acierto los contrastes tonales y dejó una impresión confusa.

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Gentile Bellini Visita a un Apestado Xilografía. Hacia 1491

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Estampa publicada por primera vez en el Fasciculus Medicinae de Ketham, uno de los primeros libros de medicina (1491). Bellini confió a la línea, grácil y tersa, la eficiencia de la anécdota.

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Escuela italiana. Siglo XVI La Consulta Xilografía. ca. 1516

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Proviene de la portada del Pillularium de Panthaleon, Pavia, 1516. La plancha se ha utilizado para ilustrar libros y de medicina. El estilo preciso, con predominio de los blancos.

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El diseño perteneció a un alumno del gran maestro, identificable en el estilo pero sin su calidad. Poquísimas obras gráficas pudieron atribuirse a la mano directa de Da Vinci.

Escuela de Da Vinci Retrato de Señora ca 1500. 392 x 291mm

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ITALIA SIGLO XVI

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Marcantonio Raimondi El Sueño, según Rafael Buril. 1505-09. 237 x 332mm

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Ambiciosa pieza que anima el sentido dialéctico del claroscuro. Raimondi trató de obtener la riqueza cromática del autor.

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Esta pareja está más finamente trabajada que la del Apolo y Diana y señala los mejores momentos del grabador. Duplessis comentó que De Barbari prefería ejecutar figuras solas, a causa de su limitada imaginación.

Jacopo de Barbari Marte y Venus Buril. ca 1508. 275 x 171mm

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Marcantonio Raimondi Retrato de Pietro Aretino Cobre. 213 x 149mm

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En Venecia, el maestro grabador se familiarizó con el arte de Durero, de quien copio muchas de sus xilografías. Le efigie de Aretino recuerda esa fuente del nuremburgues.

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Marcantonio Raimondi Lucrecia Dándose la Muerte, según Rafael Buril. ca. 1510. 213 x 132mm

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La pieza muestra profundos contrastes entre claros y oscuros. Mucho se captó del donaire rafaeliano.

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Historia y tratamiento se apegan al estilo renacentista. En Robetta se cruzan diversas influencias: Filippino Lippi y el Perugino, entre sus compatriotas, y Durero y Schongauer, de la escuela alemana.

Cristofano Robetta Alegoría Sobre el Poder del Amor Buril. ca 1500. 298 x 274mm

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Cristofano Robetta La Vieja y las dos Parejas Buril. Principios del XVI. 250 x 175mm

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En su eclecticismo, el desnudo llamó poderosamente la atención del grabador. Sus temas fueron preferentemente profanos.

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Jacopo de Barbari La Virgen con el Niño, Santa Ana y San Pablo Cobre. ca 1503. 153 x 190mm

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Entre las influencias que se cruzan en la obra de Barbari, destacan las de Durero y Mantegna. La estampa denota un trabajo fino y el gusto por lo grandioso.

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Campagnola creó una imagen distinta, de gran soltura y precisión, con base en una técnica puntillista. Dos cualidades más destacan sus obras: el logro de la atmósfera y su fineza para graduar la tonalidad.

Giulio Campagnola El Joven Pastor Buril. ca 1510. 135 x 78mm

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Marcantonio Raimondi Masacre de los Inocentes, según Rafael Buril. ca 1510. 274 x 427mm

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Con predominio de claros, esta escena de movimiento y tragedia establece uno de los mejores parámetros en el trabajo del grabador. Hay grandiosidad clásica.

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De buena factura, la pieza se deriva de un modelo de Mantegna. Las cualidades sobresalientes de su estilo quedaron aquí establecidas.

Giulio Campagnola San Juan Bautista Buril. 345 x 240mm

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Francesco Mazzola, el Parmesano La Sepultura de Jesús Aguafuerte. ca 1530. 315 x 239mm

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Alumno de Corregio, el Parmesano trascendió su influencia por el rasgo vehemente de su expresión. Sus personajes tienen vivencia interior y estan dotados de una fluidez de emoción que no tuvieron los clásicos.

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Esta estampa se distingue de la mayoría de las estampas italianas de la época por el gran dominio de los oscuros. Da Trento fue alumno del Parmesano y su obra continuó los rasgos básicos del maestro.

Antonio da Trento Hombre visto de Espaldas Xilografía. ca 1530. 181 x 256mm

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Giulio Campagnola Cristo y la Mujer de Samaria Buril. ca 1510. 132 x 186mm

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Para algunos esta es la más notable estampa del grabador. Gráficamente es distinta a las anteriores, con fuerte definición de los oscuros.

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Giorgio Ghisi Sueño de Rafael (o la Melancolía de Miguel Angel) Buril. 1561. 380 x 540mm

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Ghisi se inspiró en composiciones de Rafael y de Miguel Angel, dándose la tarea temeraria de trasladar a la estampa episodios de las bóvedas de la Capilla Sixtina.

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El Parmesano La Resurrección de Cristo Aguafuerte y punta seca, ca. 1527. 208 x 135mm

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La figura de Cristo posee aquí un carácter distinto al uso de toda la iconografía anterior. Se expresa el redentor con un sentimiento de sensualidad y hasta de triunfo.

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Giorgio Ghisi El Juicio de París Xilografía. Editada en 1555. 394 x 525mm

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En Roma, el grabador observó con detenimiento la obra de Raimondi y trató de imitarlo. Su obra, muy elaborada, conscientizó los efectos del claroscuro. En la estampa hay actitudes manieristas y rasgos de grandilocuencia.

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G. B. Cavalieri El Toro Farnesio Buril. Ca. 1550

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El grabador se inició como orfebre pero se fue más a fondo en su estudio del dibujo y del grabado. Las imágenes piadosas como La Anunciación son ejemplos de su resolución académica.

Agostino Carracci Anunciación Buril. 445 x 325mm

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Ugo da Carpi La Muerte de Ananías Xilografía. ca 1518. 243 x 486mm

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Interesante composición que siguiendo a los personajes produce una elíptica que da solidez al conjunto. Los valores del claroscuro presentan una característica que definió su obra.

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Da Carpi creó y protegió debidamente un nuevo modo de trabajar la xilografía, utilizando dos o tres tonos a colores y el claroscuro. Su expresión lineal, en este caso, se emparenta con la del Parmesano.

Ugo da Carpi Diógenes ;1530 Xilografía. 480 x 348mm

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Agostino Carracci Retrato de Tiziano Buril, 1587. 312 x 231mm

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Dibujo de gran carácter, ejemplo del mejor academismo. El retrato es una pieza realmente grandiosa en la estampa europea.

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Pocas estampas grabó este miembro de los Carracci, alternando en ellas sus soluciones como dibujante y como “colorista”. En esta pieza hizo retoques con el buril.

Anibal Carracci María Magdalena Aguafuerte, 1591. 223 x 160mm

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El Parmesano Judit Aguafuerte. ca 1525. 155 x 90mm

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Dos aspectos destacan en el grabador: fue de los artistas iniciadores del manierismo y se considera también el iniciador de la escuela parmesana de grabado.

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ITALIA SIGLO XVII

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Fue amplia la elección de personajes que Ribera trazó en las láminas del grabado: santos, ermitaños, mártires, prototipos de la mitología y mendigos. El Poeta es uno de sus grabados más conocidos.

José Ribera, El Españoleto El Poeta Aguafuerte. ca 1630. 155 x 117mm

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Como pintor, Reni llegó a ser el principal representante de la escuela de Bolonia. Su obra gráfica fue escasa pero importante por su prestigio. La influencia del Parmesano es evidente en esta estampa.

Guido Reni San Jerónimo Aguafuerte. ca. 1635. 209 x 135mm

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P. S. Bartoli Columna Trajana Detalle de los relieves. Buril. Segunda mitad del siglo

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Menos preocupados que Piranesi es la estética, Bartoli y el sabio Bellori formaron un equipo que dominó, con su varia actividad, la segunda parte del siglo XVII. Las columnas Trajana y Antoniana de Bartoli son piezas rigurosas de la historia.

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Giuseppe Ribera El Sileno Ebrio Aguafuerte y buril. 1628. 271 x 353mm

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Los sátiros eran acompañantes de Dionisio. Sileno, representado siempre obeso y embriagado, fue mentor de Dionisio. Ribera dibujó espléndidamente a viejos y menesterosos. A su buen dibujo se añade aquí su resolución de luces y oscuros.

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Alegoría multisimbólica que alude al éxito, a la gloria y hasta a la fecundidad. Pieza semejante a los llamados ”grabados de portada“, realizado con toda la propiedad técnica y artística.

G. Benedetto Castiglione El Genio de G. B. Castiglione Aguafuerte. Editado en 1648. 370 x 247mm

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Stefano della Bella Otra Fuga a Egipto Aguafuerte. 1662. 232 x 191mm

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Autor muy prolífico, con una producción calculada en unos mil aguafuertes, Della Bella se sintió atraído por la personalidad de Callot cuya influencia reflejó en algunas obras.

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Salvatore Rosa San Guillermo de Maleval Aguafuerte 1615-1673. 302 x 434mm

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El personaje es poco conocido hoy día. Para el arte gráfico (y la pintura) Rosa lo rescató en esta pieza bien diseñada y ejecutada.

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ITALIA SIGLO XVIII

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Una característica desarrollada por el Canaleto fue la perspectiva. A los 22 años conoció en Roma pintores holandeses de “vistas”, de quienes obtuvo conocimientos precisos de ese uso visual.

El Canaleto El Pórtico con la Linterna Aguafuerte, 1741-44. 302 x 434mm

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El Canaleto Vista de Venecia Aguafuerte. ca 1741. 144 x 210mm

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Se trata de una de las obras más bellas y conocidas del artista, sin duda una de las más ponderadas en la relación del espacio, arquitectura y figura humana.

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Giuseppe Vasi Magnificaciones de la Roma Antigua y moderna. El coliseo Buril. Entre 1747-1761.

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Al fondo del monumento principal aparece el Arco de Constantino. Vasi fue minucioso analista que combinó la poesía de las ruinas con el paisaje urbano de Roma.

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El artista tuvo conocimiento de la obra de panorama de dos antecesores importantes en el género: Carlevaris y Ricci. De ambos adquirio el gusto por los tratamientos de luz y sombra.

El Canaleto La Torre de Malghera Aguafuerte. ca 1741. 297 x 427mm

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El grabado veneciano de Tiépolo fue una alternante de los aguafuertes de las vistas, particularmente con el Canaleto. Los relatores de panoramas dieron cuerpo al grabado representativo de la Italia del XVIII.

Giovanni Battista Tiépolo Adoración de los Magos Aguafuerte. ca 1755. 421 x 290mm

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Giuseppe Vasi Magnificaciones de la Roma Antigua y moderna. Campo Vaccino Buril. Entre 1747-1761

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Meticulosa pieza de esta serie magnifica a la que el grabador consagró 14 años de su vida. Junto con el holandés.

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Giovanni Battista Tiépolo Dos Reyes y un Muchacho observan una Serpiente Aguafuerte, 1750-70. 140 x 187mm

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Al igual que en la Adoración, en este grabado el artista dejó espacios en claro. La formación triangular de los protagonistas recuerda las composiciones piramidales de Rafael.

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Giambattista Piranesi Vista de los Restos de Pronaos Aguafuerte, 1778. 494 x 678mm

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El punto de vista de las ruinas acentúa el efecto de monumentalidad. Piranesi fue un maestro de la perspectiva, recurso que magnificó por su imaginación en el encuadre de las obras.

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Bernardo Belloto Vista Interior de Zwinger en Dresde Aguafuerte, 1758. 464 x 792mm

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Sobrino de El Canaleto, Bernardo siguió el género de las vistas. Durante su estancia de doce años en Dresde, hizo numerosos dibujos y grabados de iglesias, castillos y monumentos de la ciudad.

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Giambattista Piranesi Las Prisiones Aguafuerte. 1760. 540 x 410mm

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En tanto como arquitecto, esta pieza de Piranesi muestra un sentido constructivo de complejos ritmos estructurales. La vista revela también la intención de dramatismo.

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Giambattista Piranesi Composición que introduce sus vistas de Roma Aguafuerte. Entre 1748-1751

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La exuberancia dibujística de Piranesi fue un hito del lirismo gráfico. Lo puramente arquitectónico de repente se impregnó de un gran dramatismo.

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Giambattista Piranesi Reconstrucción ideal de Le Antichita Romane Aguafuerte. Ca 1756.

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Vasi introdujo a Piranesi en la técnica del grabado, pero pronto disintió con el maestro y empezo a realizar pequeños grabados con las vistas de Roma, inicio de un oficio magistral tanto en técnica como en imaginación.

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ITALIA SIGLO XIX

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Fattori no fue muy conocido en su tiempo, pero la historia del grabado lo ha rescatado. El gabinete de dibujos y estampas de la galeria de los oficios, en Florencia, conserva un ejemplar de este grabado.

Giovanni Fattori Campiña Toscana Aguafuerte. ca. 1885

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Aun cuando su técnica no fue muy depurada, esta estampa adquiere interés por el juego de contrastes entre la chaqueta del soldado y el blanco de la tienda de campaña, elementos que captan el golpe visual.

Giovanni Fattori Escena militar Aguafuerte. 1890. 265 x 198mm

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Antonio Fontanesi Bosque con Pastora y Vacas Aguafuerte. ca 1870. 165 x 210mm

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Ambiente bucólico de esta estampa en la que predominan las partes umbrosas.

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FRANCIA SIGLO XV

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Maestro Anónimo Francés La Virgen de Lyon Xilografía. ca 1425. 210 x 92mm

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Una de las estampas francesas más antiguas. La gran mayoría de las piezas xilográficas se produjeron aquí a partir de la segunda parte del siglo. La expresión es primitiva.

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Tory fue probablemente el primer grabador francés que identificó las piezas que salían de su taller, con una doble cruz. Su obra tendió al preciosismo.

Godofredo Tory Enrique II a Caballo Buril. ca 1549

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El gran intercambio que ocurría en las imprentas parisinas de la época hacía muy difícil establecer la identidad de los diseñadores. Parece que el artista ilustró varios Libros de Horas. Aquí, la composición y el trazo dibujístico son de un conocedor.

Escuela Francesa Interior del Hospital Xilografía. 1500

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Imagen típica del período gótico, con un dibujo que sintetiza las formas y las precisa. La estampa se adorna con una gran senefa que enmarca la historia por tres lados.

Anónimo Los Ingleses Conducen a Juana de Arco a Rouen Incunable tipográfico. 1493. 100 x 130mm

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FRANCIA SIGLO XVI

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Duvet realizó seis grabados que hacen referencia a los amores de Enrique II con Anna de Poitiers. Si el francés tuvo la influencia de Mantegna, aquí su estilo está ya muy personalizado.

Jean Duvet El Rey Recibe un Regalo de un Cazador Buril. ca 1550. 220 x 389mm

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Pierre Millan Ronda de Driadas. Según Rosso Buril. ca 1549. 270 x 400mm

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En la escuela de Fontainebleau hubo una gran actividad de grabado. El tema alegre y profano de la antigüedad griega fue creado por Rosso, uno de los maestros que sostuvieron el prestigio de la escuela.

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Jean Duvet Jean Duvet Estudia el Apocalipsis Buril. 1546-55. 300 x 215mm

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Diez años tomó al grabador hacer los 24 buriles que componen El Apocalipsis, su obra de mayor ambición.

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Pierre Millan y René Boyvin La Ninfa de Fontaineableau Buril. ca 1553. 305 x 514mm

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Imagen también tributaria de Rosso. Artistas italianos, franceses y flamencos, al respirar el mismo aire artístico en Fontaineableau, coincidieron en el espíritu de sus trabajos.

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FRANCIA SIGLO XVII

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Jacques Bellange El Martirio de Santa Lucía Aguafuerte. 1610. 458 x 348mm

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No escapó Bellange a la influencia de Fontaineableau, pero su estilo habría de dar pasos también en la expresión manierista florentina.

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Bellange expresó la lucha de un artista que vivió la transición entre el renacimiento y el barroco. Su lenguaje, en esta pieza, logra empero originalidad.

Jacques Bellange Las Tres Marías en el Sepulcro Aguafuerte. 1620. 441 x 288mm

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En 1612 Callot probó el aguafuerte y empezó a perfeccionar el medio de su ejecución. Sus primeras estampas en esta técnica las hizo en colaboración con Antonio Tempesta.

Jacques Callot La Feria de Grondeville Aguafuerte. 1625. 333 x 182mm

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Jacques Callot El Sitio de Breda Fragmento. Aguafuerte. 1627. 644 x 480mm.

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En las escenas militares, el grabador manejó con eficacia los distintos planos para dar profundidad. En este tiempo, su estilo estaba ya plenamente desarrollado.

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Abraham Bosse El Impresor de Talla Dulce Aguafuerte. 1642. 259 x 317mm

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De extraordinario interés resulta este motivo que documenta el ambiente de trabajo de los grabadores de su tiempo.

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Abraham Bosse El Parto Aguafuerte. 1633

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Claude Mellan San Juan Bautista en el Desierto Grabado en cobre. 1629. 390 x 277mm

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La influencia de los italianos, y en especial los principios compositivos del Caravaggio, permearon la obra de este pintor y grabador. En Roma recibió también la influencia de su compatriota Simon Vouet.

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Jacques Callot La Tentación de San Antonio Aguafuerte. 355 x 462mm

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El abigarramiento en el motivo central recuerda la estampa de Schongauer. Callot produjo más estampas sobre este tema.

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Claude Mellan Habert de Montmor Buril. 1640. 345 x 233mm

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Mellan fue un excelente retratista, uno de los mejores de una pléyade de pintores y grabadores de este género. En París empezó su formación con De Leu y con Gaultier.

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La estampa tiene un sabio uso de la luz y de la atmósfera. Se dice que Gellée, conocido también como el Lorenés, hizo descubrir a Turner el espíritu del paisaje, que a su vez éste trasmitió a los impresionistas franceses.

Claude Gellée Puerto a la Salida del Sol Aguafuerte. ca 1634. 130 x 199mm

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La influencia del lorenés en el paisaje se prolongó hasta muy avanzado el siglo XIX.

Claude Gellée El Vaquero Aguafuerte. 1636. 127 x 195mm

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Gérard Audran El Tiempo Haciendo por Fin Justicia a la Verdad Según Poussin Aguafuerte y buril

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Probablemente la estampa más conocida de este grabador, que en nada desmerece del trabajo de Jean Pesne, especialista en las obras del gran pintor que fue Poussin.

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Gérard Audran Porus y Alejandro Fragmento. Según LeBrun Aguafuerte y buril. 1678, 708 x 480mm

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Audran ejercitó en Roma el buril, con buenos resultados. Perfeccionó su dibujo con la copia de estatuas antiguas. La excelencia de este grabado recuerda a Durero.

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Edelink trabajó al lado de notables grabadores como Audran, Nanteuil y Morin. El mismo de Champaigne, pintor, fue uno de los preferidos por estos grabadores.

Gérard Edelink Felipe de Champaigne Buril, 1676. 430 x 346mm

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Robert Nanteuil Jean Loret Buril 1658. 253 x 177mm

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Los siglos XVI y XVII produjeron en Francia una veintena de célebres retratistas, entre éstos Nanteuil. Dibujó sus propios modelos, pero su fama se debió por el traslado de otros artistas.

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Robert Nanteuil Luis XIV Buril 1672. 685 x 595mm

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Sin duda el más famoso retrato del monarca en la estampa. Nanteuil logró que el rey francés publicara un edicto que declaró como arte libre el grabado, distinguiéndolo de las artes mecánicas.

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FRANCIA SIGLO XVIII

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Drevet prosiguió en el XVIII la tradición ,retratista, remplazando a Nanteuil y a Edelink en la escuela que ambos habían fundado.

Pierre Drevet Robert de Cotte Según Rigaud. Buril. 1722. 385 x 289mm

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Los métodos de Drevet hijo fueron parecidos a los de su padre. Usó únicamente el buril. Un arte suntuoso.

Pierre-Imbert Drevet Samuel Bernard Según Rigaud. Buril. 1729. 439 x 345mm

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Grabado por Cars. Famoso artista del rococó francés, afortunado en los puestos y favorito de Madame Pompadour, quien fue además su alumna. Buen trabajo de Cars, si bien el grabado no alcanzó las delicias de sus pinturas.

Francois Boucher El Inválido Imaginario Buril. 1734

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Boucher fue influido por los clásicos renacentistas. Al igual que éstos, reprodujo los personajes mitológicos. Para él, Venus fue el gran tema de su vida.

Francois Boucher Hora de Reposo Buril. 1736. 236 x 167mm

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Bernard Lépicié Le Benedicité Según Chardin. Aguafuerte y Buril. 1744. 378 x

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Fue uno de los más hábiles grabadores de las obras de Chardin, transportadas directamente de sus pinturas.

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Honoré Fragonard El Armario Aguafuerte. 1778. 340 x 457mm

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Pintor de gran éxito y la tercer gran figura francesa de la pintura galante. Toda su producción gráfica la confió a grabadores profesionales de prestigio.

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Antoine Watteau Traje Aguafuerte

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Rechazado por primera vez por Boucher, logró después ser aceptado por el maestro y terminó por ser su alumno favorito. El tema mitológico llamó su atención poderosamente.

Honoré Fragonard Ninfa y Dos Sátiros Aguafuerte. 1763. 143 x 207mm

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Antoine Watteau Dr. Misaubin Grabado por Arthur Pond. 1739

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Watteau, que no tenía gran simpatía por los médicos, dio a la apariencia de este dibujo un espíritu ligeramente caricaturesco. Misaubin fue un charlatán que vendía píldoras que curaban todo.

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Tras la muerte de Luis XV, Debucourt grabó varias escenas constumbristas de paseos, en los cuales creó amplios escenarios teatrales.

Philibert-Louis Debucourt El Paseo Público Aguatinta. 1792. 635 x 456mm

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El intimismo de la escena y su espíritu ligero no fue distante del estilo de las obras galantes.

Philibert-Louis Debucourt La Rosa Mal Defendida Grabado. 1791. 424 x 385mm

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FRANCIA SIGLO XIX

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La estampa describe el desaliento de la gran derrota napoleónica y quiere hacer evidente un reclamo ante la indiferencia oficial por los veteranos de guerra.

Theodore Géricault Regreso de Rusia Litografía. 1818. 444 x 362mm

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Eugene Délacroix Combate de Giaour y Pacha Litografía. 1827. 360 x 260mm

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El tema oriental proporcionó al pintor del romanticismo un amplio material, rico en cromatismo y exótico.

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Vigorosa estampa realista. De los ingleses, Géricault se aficionó al tema de los caballos, que aparecen con frecuencia en su obra.

Theodore Géricault El Mariscal Flamenco Litografía. 1822. 320 x 245mm

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Eugene Délacroix Fausto tratando de seducir a Margarita Litografía. 1828. 263 x 210mm

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La personalidad del pintor provocó discusiones sobre el arte romántico y el clásico. Ello hizo nacer una rivalidad entre Ingres y él.

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Los efectos lumínicos alcanzan en esta pieza un alto contraste con el oscuro del fondo, característica no típica de su obra.

Eugene Délacroix Interior del Hospital Militar Litografía. 1828. 220 x 258mm

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Guillermo Chevalier, Gavarni Cólico en la Noche de Bodas Litografía a color. 1838

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La pieza proviene de la serie de Las Pequeñas Desgracias de la Felicidad. Al igual que Daumier, Gavarni fue un agudo cronista humorístico de las costumbres francesas de su tiempo.

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El dibujante destaca poderosamente al personaje masculino, contrastándolo sobre el fondo oscuro, donde finalmente aparece la silueta de la mujer. Situación ridícula espléndidamente lograda.

Guillermo Chevalier, Gavarni El Señor a la Cocina, la Señora al Piano Litografía. 1843. 227 x 197mm

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Daumier incrementó su oficio de dibujante observando la obra de los grandes maestros antiguos en el Museo del Louvre. Guizot es una estampa realizada con maestría.

Honoré Daumier Guizot Litografía. 1833. 270 x 200mm

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Con ingenio y habilidad. Daumier logró un extenso ejemplario de la tipología popular.

Honoré Daumier Calle Transnonain el 15 de abril 1834 Litografía. 1834. 290 x 445mm

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Daumier luchó apasionadamente por las ideas republicanas. En la estampa hace una graciosa crítica a la opulencia legislativa. En 1831, un dibujo similar lo había llevado a la prisión por burlarse de la autoridad.

Honoré Daumier El Parlamento Litografía. 1834. 280 x 431mm

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Honoré Daumier Tres de la Mañana Litografía. 1847. 250 x 210mm

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La burguesía fue un bocado precioso para el sarcasmo del litógrafo. El contraste de claros y oscuros hace resaltar los motivos centrales.

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El pintor y dibujante procuró sintetizar la composición. El dibujo se caracteriza por una economía lineal.

Edgar Degas Manet Sentado Grabado en metal. 1864. 176 x 112mm

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Degas puso especial interés en el planteamiento general de la obra y desde luego la figura humana es el elemento principal.

Edgar Degas Mary Cassat en el Louvre Aguafuerte. 1876. 270 x 237mm

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Charles Meryon Le Petit Pont Aguafuerte. 1850. 155 x 335mm

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Meyron tomó como su escenario la ciudad de París. Con poética visión descubrió la humanidad de las calles y los edificios, a manera de amoroso cronista.

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Charles Meryon La Morgue Buril. 1854. 230 x 207mm

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Grandiosidad y truculencia, en este caso por la institución mortuoria. Pertenece esta estampa a sus Vistas de París, obra que renovó el aguafuerte en Francia y el tema de las vistas en Europa.

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Se siente pesada la figura de la pastora, en contraste con los árboles ligeros y las tenuidades de las figuras del fondo.

Jean Francois Millet La Gran Pastora Aguafuerte. 1862. 467 x 346mm

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La mayor parte de las obras de Millet refieren personajes de la vida campirana. La campesina, en el interior de su casa, permitió el juego de luces y sombras, recurso que define el valor gráfico de la pieza.

Jean Francois Millet La Costurera Aguafuerte. 1855. 105 x 73mm

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Whistler fue aficionado al tema marino, seguramente porque conocía bien el mar y todo su mundo relacionante. La estampa es típica en su producción.

James Abbot Mc Neil Whistler Billinsgate Aguafuerte. 1859.101 x 165mm

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James Abbot Mc. Neil Whistler Old Chelsea Aguafuerte. 1879. 175 x 300mm

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En 1858, Whistler había terminado su primera serie sobre el Támesis. Dice Luigi Mallé que en estas piezas el artista estuvo bajo el influjo del rembrandtismo de su cuñado, Seymour Haden.

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Los cuentos, basados en la obra de Balzac, dieron tempranamente cierta celebridad al extraordinario dibujante.

Paul Gustave Doré Viñeta para los Cuentos Extravagantes Litografía. 1855. 135 x 89mm

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Las planchas para la Divina Comedia (1861) proporcionaron un reconocimiento definitivo al genio de Doré. Dos años después emprendió esta magna obra también del Quijote, que asentará su prestigio como artista.

Paul Gustave Doré Ilustración para Don Quijote Litografía. 1863. 250 x 200mm

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Corot visitó varias veces Italia. La ejecución de las obras ahí realizadas

Camille Corot El Domo Florentino Aguafuerte. 1870. 255 x 160mm

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fue muy suelta, muy vívida en las pruebas. Sus obras empezaron a circular profusamente, después de reposar pacientemente durante años en la bodega.

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Henri Toulouse-Lautrec El Jockey Litografía. 1899. 515 x 360mm

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Desde pequeño. Lautrec se familiarizó con los caballos. Su obra refleja esta afición equina que él mismo ya no pudo disfrutar a causa de sus limitaciones físicas.

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Es esta técnica Corot se impregnó de un timbre lírico, quizás más notable aún en su pintura. La estampa revela una densidad lineal que causa un aspecto sombrío.

Camille Corot El Bosque del Eremita Aguafuerte. 1858

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Henri Toulouse-Lautrec El Inglés en el Moulin Rouge Litografía a color. ca 1896. 625 x 483mm

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Para Lautrec no existió mas que la figura humana. El entorno y el paisaje aparecen como un dato accesorio. Su color aquí es estricto y muy concreto.

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Henri Toulouse-Lautrec El Diván Japonés Litografía. 1893. 795 x 595mm

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La estilización del dibujo y la elección colorista crearon piezas de gran eficacia informativa y gran atractivo artístico.

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ALEMANIA SIGLO XV

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Su primer oficio fue la orfebrería, de la cual se alejó en busca de valores pictóricos. Las estampas de los naipes son exquisitas, con firmeza de trazo y gran sentido de la graduación tonal.

Maestro de los Naipes Rey de los Salvajes Grabado en cobre. ca 1440. 130 x 98mm

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Maestro Anónimo de Colonia San Roque Grabado punteado. ca 1460-70. 235 x 180mm

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La riqueza ornamental lo acerca a la técnica de un orfebre, que seguramente lo era. Estampa de clara inspiración gótica. Ejemplar único.

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Maestro E.S El Gran Jardín del amor Grabado en cobre. Buril. ca 1440. 229 x 153mm

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De los primeros temas profanos en la estampa. La escena representa el gusto de la época por los placeres de la mesa y las diversiones galantes, no exentas de erotismo.

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Maestro E.S San Juan en la Isla de Patmos Buril. 151 x 109mm

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El evangelista, exiliado en la isla por el emperador Domiziano. En este lugar paradisíaco San Juan escribió el sensacionalista libro del Apocalipsis. Se considera uno de sus grabados más extraordinarios.

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Poco antes de su muerte, probablemente en 1467, E.S. grabó un alfabeto de 23 letras góticas, utilizando ingeniosamente figuras humanas y de animales para componer cada letra. Estas y otras piezas revelan preminente interés por el diseño.

Maestro E.S. Letra f Buril. 142 x 112mm

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Candor primitivo, al mismo tiempo que pulcritud en el dibujo y en el trazo lineal. La pieza pertenece a la Colección Albertina de Viena.

El Maestro de Jesús en Betania San Huberto Xilografía. ca 1470. 244 x 171mm

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Michael Wolgemut Páginas de la Crónica de Nuremberg Incunable tipográfico. 1493. 370 x 235mm

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Extraordinaria labor de orfebrería. Wolgemut fue maestro de Durero, pero el concepto gráfico de éste fue distinto.

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En esta técnica —llamada schrotschnitt— como en la xilografía, lo que no debe imprimirse se ahueca, corta o raspa con punzón o buril. El auge de esta técnica no duró mucho, de 1450 a 1480. La composición y el dibujo firme recuerdan ejemplos de los iconos griegos y bizantinos.

Maestro de San Jorge San Jorge Metal en relieve. ca 1460. 157 x 116mm

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Martin Schongauer San Antonio Acosado por los Demonios Buril sobre cobre. 1470-75. 298 x 222mm

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Pieza de gran virtuosismo dibujístico, que proviene de su primer período gótico. Original fantasía, algo grotesca al tiempo que ingenua. Obra rápidamente conocida y apreciada en Europa.

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El más célebre grabado de este extraordinario artista, realizado en su etapa de madurez. La estampa causó gran impresión en Durero y en Rafael. Gran composición e impecable dibujo.

Martin Schongauer Jesús Carga la Cruz Buril. ca 1485. 287 x 431mm

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Estampa de la serie de la Pasión, muy celebrada, compuesta por doce pequeñas láminas. La escena está concebida con riguroso equilibrio simétrico, herencia del gótico bizantino.

Martin Schongauer La Crucifixión con Cuatro Angeles Buril. ca 1475. 283 x 190mm

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Aun cuando las figuras protagónicas destacan, el entorno paisajístico tiene gran valor, por el logro del dibujo y lo espontáneo de la observación. Similitud de esta escena profana con las clásicas imágenes de la sagrada familia en su huida a Egipto.

Martin Schongauer La Salida al Mercado Xilografía. 1471-73. 162 x 162mm

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Maestro del Libro de Casa o Maestro de 1480 Aristóteles y Filis Buril y punta seca. 145 x 154mm diámetro

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La imagen tiene un sentido humorístico que intenta demeritar al filósofo. El grabado pertenece a la etapa de madurez del maestro, cuando trabajó en la corte de Felipe el Sincero. La pieza lleva el monograma de Martin Schongauer.

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Maestro del Libro de Casa Los Amantes Buril y punta seca. 1480. 164 x 107mm

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El tema resulta novedoso, portador de un espíritu delicioso, no exento de candor. Se atribuye la imagen a un trabajo hecho por Wensel von Olmitz.

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El taller de Wolgemut fue el más importante del siglo XV, no sólo en Alemania sino en toda Europa. La Crónica fue el primer grandioso ibro ilustrado. La expresión del maestro se mantuvo siempre en los límites del gótico.

Michael Wolgemut Dios creó el cielo y la tierra Xilografía. 1443. 22.4 x 22cm.

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Versión “arquitectónica” del tema, muy popular en ese tiempo, de los jardines del amor. Von Landshut agrega el de la muerte, en la presencia de un arquero furtivo. El dibujante y grabador imprimía en papeles de color y ponía después texturas con pincel y blanco opaco.

Mair von Landshut La Hora de la Muerte Buril. 1499

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El tema de la astucia y el poder de las mujeres, como en Sansón y Dalila y la Historia de Salomé. La pieza es ejemplo de fina técnica y madurez de su autor.

Israhel van Meckenem Judith con la Cabeza de Holofernes Buril sobre cobre. 1490-95. 213 x 317mm

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ALEMANIA SIGLO XVI

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Israhel van Meckenem La Anunciación Buril. ca 1501. 272 x 189mm

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Quinta lámina de una serie de doce sobre la vida de la Virgen, ejecutadas según modelos dibujados por Hans Holbein, el Viejo.

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Albrecht Durero El Baño de los Hombres Xilografía. ca 1498. 399 x 285mm

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En este tiempo finisecular la madera fue el procedimiento gráfico más empleado por Durero. Pieza íntegra, que comprende un ambicioso conjunto humano, arquitectónico y hasta paisajístico.

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Obra de primera época, la serie del Apocalipsis puso al artista en el mapa del grabado europeo. Grandiosa empresa que dio la primera gran medida de su talento.

Albrecht Durero Los Caballeros del Apocalipsis Xilografía. 1496-98. 392 x 282mm

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Albrecht Durero Reposo en Egipto Xilografía. 1504. 296 x 211mm

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Esta estampa forma parte de la serie sobre la vida de la Virgen. Durero tenía herencia gótica, pero en las obras de estos años predominó la versión renacentista alemana.

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La pareja bíblica representa en la gráfica del artista un clímax creativo. En ninguna otra estampa expresa con mayor belleza y elocuencia el contraste de luces y sombras.

Albrecht Durero Adán y Eva Buril. 1504. 252 x 194mm

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Al final de su vida realizó Durero este retrato del pensador humanista y original escritor. Una de sus estampas más sobrias.

Albrecht Durero Erasmo de Roterdam Buril. 1526. 247 x 194mm

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Albrecht Durero Melancolía Buril. 1514. 240 x 185mm

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La actitud meditabunda del ángel y los heterogéneos elementos anecdóticos de la historia hacen de esta estampa la más enigmática de Durero. Gran belleza formal.

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Durero y Schongauer son las más cercanas influencias de esta estampa. Es un trabajo de madurez del Maestro.

Maestro LCZ La Tentación de Cristo Buril. ca 1501. 227 x 171mm

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Lucas Cranach Las Tentaciones de San Antonio Xilografía. 1506. 408 x 279mm

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Típica fantasía nórdica en la que se combina el tumultuoso conjunto de criaturas imaginarias (que más que tentaciones parecen tormentos) y el paisaje descriptivo realista.

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Lucas Cranach el Viejo El Elector de Sajonia, El Constante Xilografía. ca 1509. 275 x 217mm

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Retrato de gran definición estilística y vigorosa presencia. El estilo de Cranach, algo diferente a los de Durero y Holbein, tendió más hacia lo gótico.

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Lucas Cranach El Juicio de París Xilografía. 1508. 370 x 251mm

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Tema de la antigüedad clásica, muy solicitado por los artistas del Renacimiento. La versión de las mujeres corpulentas, de anchas caderas, no desmerecen por su unidad de estilo y expresividad frente a los bello desnudos de artistas como Rafael.

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Ambiente íntimo de esta escena amorosa, en cuyo interior se desarrolla un documento de la decoración de la época en familias de cierta elegancia. Para Lehrs, esta estampa es punto culminante en la producción gráfica no muy intensa del Maestro.

Maestro MZ El Abrazo Buril. 1503

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Hans Baldung Grien Las Brujas Cromolitografía, 1510. 379 x 260mm

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La estampa está ejecutada con dos planchas. El tema sensual y demoniaco, de gran fuerza e imaginación para su tiempo.

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Hans Baldung Grien Semental y Yegua entre Caballos Salvajes Xilografía. 1534. 225 x 332mm

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Una de las maderas del mismo año que describen el mundo de los caballos salvajes, con evidente connotación erótica.

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Esta pieza de características arcaicas en la obra del grabador señala el gusto ecléctico. Su nexo estilístico es distante al de los amantes.

Hans Burgkmair Los Doctores Xilografía. 1519

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Albrecht Altdorfer Cristo en la Cruz Xilografía. ca 1515-19. 145 x 97mm

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Corresponde a la serie Caída y Redención del Hombre, compuesta por 40 xilografías. Excepcional trabajo, si se considera la pequeñez del formato y los bien distribuídos tonos oscuros y blancos.

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Hans Holbein La Muerte y el Médico. Serie La Danza de la Muerte Xilografía. ca. 1545, segunda edición

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La mayoría de los grabados de esta serie fueron ejecutados por Lutzelburger, el excelente xilografista que asistió a Holbein.

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Hans Burgkmair San Jorge Xilografía. 1508. 324 x 322mm

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Gran virtuosismo al servicio de lo decorativo. Según Konrad Peutinger, quien encargó la pieza, ésta es pendant (pareja) de otra sobre el emperador Maximiliano.

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Albrecht Altdorfer El Abeto Aguafuerte. 1515-20. 234 x 177mm

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Altdorfer fue uno de los Pequeños Maestros, llamados así porque trabajaron en formatos pequeños. Hizo unos 9 aguafuertes con el tema del paisaje, novedoso entonces en el grabado.

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Como alumno de Durero, parte de su obra denota la influencia del maestro. Después siguió estilos italianos.

Hans Burgkmair La Muerte de los Amantes Cromolitografía. 1510. 213 x 153mm

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Perteneciente a los “pequeños maestros”. La calcografía o grabado en metal tuvo un desarrollo excepcional en Alemania desde principios de siglo, y precisamente en Nuremberg. Wolgemut y Durero también nacieron aquí.

Hans Sebald Beham Dido Buril. 1520. 120 x 90mm

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Heinrich Aldegrever Hércules y Aquelou De la serie Los trabajos de Hércules Buril. 1550. 100 x 65mm

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Aldegrever formó parte de los llamados “pequeños maestros”. El tema le dio la ocasión de medir su habilidad en el desnudo, nada ajeno a la influencia de Durero, incluso en el monograma.

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El personaje fue jefe de la secta protestante anabaptista de Munster, en Germania. Alumno de Durero, fue autor de unos 300 grabados, la mayoría de carácter ornamental.

Heinrich Aldegrever Retrato de Jean van Leyden Buril. 1536. 319 x 232mm

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Perteneciente a los Pequeños Maestros, Aldegrever trabajó en distintos géneros, por su habilidad fue más notable en los retratos de personajes de su tiempo.

Heinrich Aldegrever Los Danzantes del Pueblo Talla dulce. 1538. 112 x 78mm

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ALEMANIA SIGLOS XVII Y XVIII

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Wenzel Hollar La Catedral de Anvers Buril. 1649. 465 x 330mm

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No fue muy común entre los grabadores alemanes de su tiempo el desarrollo del tema arquitectónico.

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Wenzel Hollar William Harvey Aguafuerte. ca. 1628

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Eminente investigador médico que Hollar conoció en un viaje a Austria. De gran sobriedad el retrato, fue apenas reproducido en algunas pruebas.

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ALEMANIA SIGLO XIX

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Ligado estrechamente al romanticismo, Schinkel buscó en el grabado caminos para complementar su arquitectura en el gótico. La espesa y estupenda fronda, tras la cual se esconde la iglesia, subraya la emoción del multifacético artista.

Karl Friedrich Schinkel Iglesia Gótica en el Bosque de Encinos Pluma litográfica. 496 x 357mm

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La figura monumental se destaca aún más por el fuerte contraste de la zona oscura. Pintor y escultor, Klinger reservó para su obra gráfica, principalmente aguafuertes, su sentido poético y su fantasía.

Max Klinger Und Doch Aguafuerte. 1889. 368 x 265mm

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La posición de los patinadores crea un curioso equilibrio con ejes distintos al personaje que se dispone a recoger el guante. Sobre el tema El Guante, Klinger desarrolló una secuencia que narra una historia intimista.

Max Klinger Acción Aguafuerte. 1883. 630 x 350mm

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Alfred Rethel La Muerte Amiga 1851. 300 x 270mm

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Von Kaulbach representó el interés conservador clasicista entre los artistas alemanes de su época. La estampa tiene muy finas gradaciones tonales y el conjunto está bien concebido.

Wilhelm von Kaulbach El Manicomio Grabado en metal. ca. 1835

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Alfred Rethel Muerte en la Barricada De la serie Otra Danza Macabra Xilografía. 1848

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La concepción de Rethel sobre la muerte fue muy distinta a la de Holbein. Aquí es implacable con el hombre, correspondiendo con ello a un armazón dibujístico de gran fuerza dramática.

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Alfred Rethel Muerte del Destructor Xilografía. 1832

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El tema de la muerte estuvo siempre presente en el pensamiento de Rethel. De esta imagen obsesiva provendría su gran obra, bien construida y de hondos significados.

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Adolphe Menzel Federico el Grande 1878. 220 x 168mm

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Menzel ejecutó varios grabados de la historia de Prusia y de Federico el Grande. Hoy se le considera como el más grande de los realistas del arte alemán en su siglo.

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Ultima estampa de una serie que Menzel tituló “Ensayos sobre Piedra con Pincel Raspador”, técnica en la que logró gran riqueza tonal. En estas estampas el grabador buscó, con menor atención a la línea, acercarse a las calidades de la pintura.

Adolphe Menzel La Cueva de los Osos Litografía. ca 1851. 446 x 310mm

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PAÍSES BAJOS SIGLO XV

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Maestro Bávaro o de Salisburgo Crucifixión Xilografía. ca 1420

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Uno de los más antiguos testimonios xilográficos incunables, hallados en la región austro-bávara, entre Salisburgo y Mónaco. Arte ingenuo, el más primitivo del período gótico.

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La inscripción en latin denota el arcaismo de la pieza, no obstante la gran distancia estilística que la separa todavía de los temas marianos del arte románico, tanto por la síntesis lineal como por el color.

Maestro Bávaro Virgen María con un Santo Cromoxilografía. ca 1410

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Anónimo Cristo en el Monte de los Olivos Xilografía. ca 1410. 255 x 191mm

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El dibujo revela una firmeza de trazo en su ingenuidad. Significa ya un adelanto conceptual la aparición de la naturaleza, representada por árboles. Estas piezas se anticipan a la actividad tipográfica de los libros.

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El maestro estuvo activo a finales de siglo en la parte septentrional de los Países Bajos. Zwolle indica su lugar de nacimiento o donde desarrolló su actividad, en el norte de Holanda. Se considera este grabado como obra juvenil del artista.

Maestro de Zwolle La Crucifixión Buril. ca 1480

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PAÍSES BAJOS SIGLO XVI

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La escena presenta dos tiempos, el principal que es el momento en que Dalila corta el cabello del héroe, y en el fondo, cuando es éste transportado por sus enemigos, una vez apresado. La pieza está ejecutada con esmero.

Lucas de Leyden Sansón y Dalila Xilografía. 1514. 243 x 172mm

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Lucas de Leyden Retrato del Emperador Maximiliano Aguafuerte y buril. 1520. 261 x 197mm

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El dibujo, la expresividad y el uso maestro de los valores tonales hacen de este retrato uno de los monumentos de la retratística antigua. Maximiliano I fue la pieza clave en el florecimiento del arte alemán a principios del XVI.

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Lucas de Leyden La Lechera Buril. 1510. 115 x 115mm

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Extraordinaria pieza por su realismo, su dibujo y su distribución compositiva. Lucas se anticipó en el tema de los animales a los artistas holandeses del siglo siguiente.

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La anécdota muestra el excelente dibujo del artista y su esmero por dar claridad a la composición. En su primera época, Lucas estuvo influenciado por la obra de Durero, a quien llegó a conocer personalmente.

Lucas de Leyden David Toca el Arpa Ante Saúl Buril. 1509. 253 x 185mm

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Pieter Brueghel Caza del Conejo Aguafuerte y buril. 1566. 218 x 290mm

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La naturaleza abierta y las escenas aldeanas fueron motivos privilegiados por este singular pintor, que no fue propiamente grabador pero que realizó más de 200 diseños para ser transportados a la gráfica.

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Brueghel fue un cronista gráfico de su terruño. La escena excepcionalmente pertenece a una serie de doce paisajes diseñados por el artista durante su viaje a Italia.

Pieter Brueghel Milites Requiescentes Aguafuerte. 1559. 310 x 420mm

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Excelente escena de carácter épico que denota la ambición del artista en su propuesta para los grabadores. Buena parte de sus obras fueron trasportadas por Hieronymus Cock, uno de los más importantes editores gráficos en su tiempo.

Pieter Brueghel La Fortaleza Buril. ca 1560. 225 x 297mm

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Cornelis Cort Paisaje Según Brueghel. Aguafuerte. 1561. 101 x 155mm

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Brueghel entregó dibujos para el traslado a la estampa. Sus escenas de pueblo y sus paisajes campiranos fueron atractivas imágenes.

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Cornelis Cort Interior de la Academia Según J. Stradan. Buril. 1578. 432 x 295mm

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A su parte documental se agrega un virtuoso trabajo de composición. Cort realizó aquí una estampa de calidad pictórica por su maestría en graduar luces y oscuros.

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Frans Huys Patinadores en los Fosos de la Puerta de San Jorge Según Brueghel / Buril. 1553. 230 x 292mm

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El grabador siguió con fidelidad el espíritu del pintor de Breda en esta escena pueblerina de gran animación.

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Famoso editor de grabados, Cock también realizó algunos. La escena natural es grandiosa y sobrepasa con mucho la alusión religiosa de los personajes. El diseño es de Brueghel, con quien Cock trabajó ampliamente.

Hieronymus Cock Paisaje con la Tentación de Cristo Aguafuerte. ca 1554. 318 x 437mm

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Figura monumental donde el grabador resalta hasta la exageración la musculatura del personaje, acaso como una crítica a los anatomistas como Pollaiolo.

Hendrick Goltzius Hércules Farnese Cobre. ca 1591. 403 x 294mm

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Muchos de los retratos del grabador se inscriben en la buena tradición septentrional. La pieza se encuentra entre las figuras que revelan su influencia de lo italiano.

Hendrick Goltzius Jean Bol Buril. 1593

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Esta madera constituye una excepción en el gran burilista, siendo una obra con trazo más libre y dibujo menos perfeccionista. Muestra la pieza una buena aplicación del claroscuro.

Hendrick Goltzius Paisaje Arcádico Xilografía. 1595

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Hendrick Goltzius Hércules da Muerte a Caco Xilografía. ca 1588. 408 x 332mm

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Goltzius logró asimilarse con “rara felicidad” al estilo de los maestros italianos, de Rafael a los Carracci. Sus obras más logradas, para algunos, son pequeños retratos.

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FLANDES SIGLO XVII

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Peter Paul Rubens Santa Catalina entre las Nubes Aguafuerte. ca 1620. 296 x 198mm

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El grabado se considera el único atribuido al gran maestro flamenco. Su sitio en la historia del grabado se debe a la escuela fundada por él, en donde se reprodujeron varios cientos de sus diseños en cobre.

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Discípulo de Rubens, Pontius supo expresar la firmeza de las carnes abundantes de la obra del maestro. Fue el más hábil claroscurista de la escuela.

Paul Pontius San Roque Según Rubens. Buril. 1626. 522 x 355mm

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Schelte de Bolswert La Caza del León Según Rubens. Buril. Principios de XVII. 410 x 586mm

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Estupendo trabajo del más hábil de los grabadores en la escuela de Rubens. Intentó el artista grabador que sus piezas tuviesen la riqueza del colorido de las pinturas de su maestro.

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Lucas Vorsterman Cristo Muerto Llorado por la Virgen Según van Dyck. Buril. ca 1630. 315 x 440mm

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Sin tener su buril la viveza del De Bolswert, logró igualmente un desarrollo diestro y acaso con mayor claridad compositiva.

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Anthonis van Dyck Retrato de Jan van der Wouwer Aguafuerte y buril. 1627-36. 248 x 157mm

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Se dice que en el retrato van Dyck no fue inferior al propio Rubens. En todo caso, la intención de su estilo buscó más la hermosura que la grandeza.

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Anthonis van Dyck Retrato de Lucas Vorsterman Aguafuerte. 1627-36. 240 x 150mm

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El más célebre alumno de Rubens. Excelente pintor y grabador en el género del retrato, con precisión y carácter.

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El dibujo proviene de un bosquejo en grisalla de Rubens. El trabajo es excelente, dadas las dificultades para trasladar a la matriz en madera la obra tan rica del maestro flamenco. De hecho, Jegher fue el único grabador en trabajar la madera para este autor.

Christoffel Jegher La Coronación de la Virgen Xilografía. ca. 1633. 335 x 435mm

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Como burilista y aguafuertista, van Dyck apenas tuvo paralelo. Al igual que Rubens, pintó y grabó a personajes importantes de su tiempo, sobre todo en Inglaterra.

Anthonis Van Dyck J. Brueghel Buril. 1626-45. 240 x 150mm

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HOLANDA SIGLO XVII

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Harmensz van Rijn Rembrandt Paisaje con Tres Chozas Aguafuerte y punta seca. 1650. 162 x 203mm

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El grabador alternó en esta pieza sombras y luces, acentuando el efecto de la perspectiva. Emotiva y sencilla pieza, deudora en cierto modo de los mejores ejemplos de Seghers.

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Harmensz van Rijn Rembrandt El Viejo Thomas Haringh Aguafuerte y punta seca. 1655. 196 x 150mm

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Es de los retratos más característicos en el espíritu del claroscuro. La luz se hace presente intensamente en el rostro y en las manos del magistrad.

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Harmensz van Rijn Rembrandt Jesús Cura a los Enfermos Aguafuerte y punta seca. 1649. 278 x 389mm

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El genial grabador no quedó ajeno al tema religioso. Grabó varias escenas de Jesús. Esta y una de las versiones de “Las Tres Cruces” están consideradas como obras maestras de la gráfica holandesa del XVII.

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Algunos consideran que este autorretrato proviene del retrato que Rafael hiciera de Baldasarre Castiglione, vendido en Amsterdam justamente en 1639. Rembrandt pudo haber hecho un boceto de esta obra para su grabado.

Harmensz van Rijn Rembrandt Autorretrato en el Alfeizar Aguafuerte. 1639. 205 x 152mm

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Harmensz van Rijn Rembrandt La Mujer con la Saeta Aguafuerte y punta seca. 1661. 204 x 124mm

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Considerado como el penúltimo grabado del maestro, resulta uno de los más extraños en su temática gráfica, que fue variada: paisaje, costumbres, retratos de amigos.

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Prestigiado orfebre de Amsterdam, que coincidentemente murió el mismo año en que murió Rembrandt (1669). Intenso grafismo para la graduación de los oscuros.

Harmensz van Rijn Rembrandt Retrato de Jan Lutma Aguafuerte, punta seca y buril. 1656. 198 x 148mm

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No fue Seghers un grabador muy prolífico; su producción apenas llegaría a los sesenta grabados, la mayoría de ellos en el paisaje, y con un solo ejemplar.

Hércules Seghers Paisaje con Río y Cuatro Arboles Aguafuerte. 1625. 231 x 316mm

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Hércules Seghers La Pequeña Ruina de la Abadía de Rijnsburg Aguafuerte. ca 1620. 100 x 175mm

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Uno de los más cálidos y espléndidos grabados, con gran tratamiento técnico y espíritu poético.

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Jacob Ruisdael Paisaje con Río y Arboles Aguafuerte. 1646. 206 x 281mm

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Muchas de las obras de este pintor y grabador describen paisajesde los alrededores de Haarlem, su ciudad natal, a veces con tendencia romántica.

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Jacob Ruisdael La Choza sobre la Colina Aguafuerte. 1650. 185 x 269mm

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Se revela aquí la soltura y la destreza del dibujante. Se dice que nadie como Ruisdael tuvo mayor aprecio y conciencia del paisaje holandés.

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Adriaen van Ostade La Familia Campesina Aguafuerte. 1647. 176 x 157mm

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El carácter estilístico de van Ostade recuerda la factura de Brueghel, macizo en las formas y en una síntesis de aire primitivo. La escena es típica de su temática.

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Estampa de carácter popular, costumbrista. Van Ostade deambuló por las tabernas y antros de su tiempo, ambiente que captó con humorismo.

Adriaen van Ostade El Baile en la Hostería Aguafuerte. 1652. 254 x 320mm

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Estampa descriptiva, de gran virtuosismo técnico. La gradación gráfica produce una sensación de color.

Adriaen van Ostade La Granja Aguafuerte. 1647. 153 x 189mm

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Paulus Potter El Toro Aguafuerte. 1647. 107 x 141mm

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Potter fue capaz de mostrar cariño por los animales al describirlos con sencillez y exactitud, ya que los observó con extrema paciencia.

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Poco sociable. Potter se refugió en la soledad del campo y ahí encontró, entre las bestias, su original vena artística.

Paulus Potter El Rocín Aguafuerte. 1652. 150 x 230mm

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La estampa pertenece a la estirpe de las escenas populares desarrolladas primeramente por Brueghel y que ofrecería una versión muy característica del grabado holandés.

Cornelius Dusart Cirujano Rural Aguafuerte. 1695

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Jan Sadeler Noé construyendo el Arca. Serie Historia de la familia de Set Buril. 1586. 200x 230mm

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Sadeler trabajó repetidamente con los modelos de Martin de Vos, cuyos años de vida transcurrieron paralelamente. El primero nació en Bruselas y el segundo en Amberes.

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Jan Sadeler Esclavos golpeados con el yugo de sus amos. Serie Historia de la familia de Set Buril. 1586. 20 x 27 cm

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En la estampa flamenca del siglo XVI, Sadeler quedó un poco al margen de los grandes nombres, si bien su oficio fue de una perfección extraordinaria.

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INGLATERRA SIGLO XVII

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En su destierro en Francia, el grabador inglés se formó bajo la admiración de Nanteuil, de quien sufrió naturalmente su influencia. En este retrato predomina el estilo francés.

William Faithorne Samuel Collins Buril. 1685. 330 x 217mm

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A Faithorne corresponde el mérito de haber colocado a Inglaterra en el mapa del grabado en buril, si bien fue un maestro tributario del arte flamenco y francés.

William Faithorne Retrato de R. Bayfeild Buril. Ca 1680

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Robert White Sir Thomas Browne Grabado. 1686

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White vivió de 1645 a 1703. El grabado fue realizado en Londres y apareció en el frontispicio de las Collected Works of Sir Thomas Browne, filósofo, escritor y médico.

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INGLATERRA SIGLO XVIII

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William Hogarth Matrimonio a la Moda Aguafuerte

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Hogarth estudió con avidez la naturaleza humana, buscando captar la parte pintoresca de este personaje. Su visión frecuentemente fue humorística.

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El escenario es el famoso manicomio londinense. Por esos años, Bedlam era uno de los sitios de la ciudad donde acudían las gentes para divertirse con los desatinos de los huéspedes. Hogarth no dejó escapar la oportunidad de recrear este ambiente.

William Hogarth Hospital Bedlam de Londres Aguafuerte. 1735

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William Hogarth Gin Lane 320 x 387 mm Aguafuerte y Buril. 1740

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Hogarth no sólo trabajo con maestria las escenas de carácter intimo de interiores, sino que grabo estupendas escenas del medio urbano londinense en plena animación citadina.

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William Hogarth Escena de Muerte Aguafuerte. 1734. La pieza es de la serie A Harlet’s Progress

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La vida miserable que tuvo el grabador durante su infancia dejó en su espíritu observador un recuerdo de amargura. Aquí retuvo el artista el ambiente de pobreza.

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El grabador desarrolló un estilo propio. El mismo grabó sus láminas, utilizando con destreza la punta seca y el buril. Su obra contribuyó a que los artístas ingleses se despegaran más de las influencias extranjeras.

William Hogarth El Arresto Aguafuerte y buril. 1732. 298 x 372mm

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John Jones Richard Warren Según obra de Gainsborough. Barníz. 1792. 465 x 362mm

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A partir de este siglo, los ingleses llegaron a desarrollar una gráfica retratista con rasgos propios. Gainsborough fue uno de los retratistas más solicitados por los grabadores en la técnica del grabado en negro.

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Las pinturas de Reynolds, de colorido dulce y agradable, se prestaron para ser trasladadas al grabado en negro, que sustituyó con ventaja en este tipo de obras al buril y al aguafuerte.

Valentine Green Lady Betty Delmé.1779 Según Reynolds

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Robert Dighton Qué Contentos Estamos de que Haya Médicos Mezzotinta. 1793

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La anécdota describe una botica de finales de siglo y el estilo es típico de los caricaturistas que trabajaron en Londres.

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INGLATERRA SIGLO XIX

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William Blake Blake Arrodillado Contempla el Sol de Fuego Aguafuerte. 1804-08. 160 x 110mm

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Blake tuvo que esperar casi un siglo para ser reconocido como uno de los artistas importantes de su tiempo. El poeta y grabador nutrió su arte con profunda temática y original imaginación.

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Sin duda una de las piezas gráficas más ambiciosas que realizó. Ligado en la forma a los maestros del Renacimiento, guardó en su obra cierta distancia con el arte académico.

William Blake El Peregrinaje a Canterbury Buril. 1810. 304 x 965mm

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La obra literaria, pictórica y gráfica de Blake descansó en el poder de la imaginación, aun cuando su forma frecuentemente guardó fidelidad a cánones de tipo académico.

William Blake Mirth y sus Compañeros ca. 1817. 165 x 123mm

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William Ward La Comida Campestre de los Pescadores Mezzotinta coloreada. ca. 1789. 457 x 554mm

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La pieza está basada en una composición pictórica de su cuñado, George Morland. El tipo de grabado, a la manera inglesa, se adaptó muy bien a la imagen pictórica.

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Robert Dunkarton Carolus Linnaeus Mezzotinta. 1805

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Rowlandson fue uno de los grandes dibujantes satíricos de su época en Inglaterra, cuya habilidad admite paralelismo con Daumier. La idea de presentar los extremos (gordo-flaco) fue típico en él.

Thomas Rowlandson La Hidropesía Cortejando a la Tisis Grabado coloreado. 1810

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Thomas Rowlandson Excursión a Rumford Aguafuerte coloreado. 1802

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Muestra la estampa el interior de una botica y clínica veterinaria. El humorismo sería grosero si no fuese por la gran habilidad estilística del artista.

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Los volúmenes de las formas proporcionan un sentido de solidez a esta magnífica estampa de Cotman.

John Sell Cotman Chateau Gaillard 1822. 225 x 330mm

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Bajo el título de la serie Macrocosm of London, ambos artistas establecieron una exitosa colaboración sobre temas de médicos y hospitales. Rowlandson dibujaba las figuras humanas y Pugin los diseños arquitectónicos.

Thomas Rowlandson y Auguste Pugin Colegio de Médicos Aguatinta coloreada. 1808

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Francis Seymour Haden Fulham 1859. 138 x 212mm

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El paisaje fue uno de los géneros que Haden practicó y que le dieron renombre. Estuvo en Francia y en Italia, lugares donde realizó apuntes y trabajos.

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Samuel William Reynolds Mrs Whitbread Según John Hoppner. Aguafuerte y mezzotinta 612 x 380mm

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Reynolds trabajó indistintamente sobre sus propios modelos y los de otros artistas. La técnica del grabado se adaptó muy bien a la elegancia de la imagen.

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William Nutter El Moralista Según J.R. Smith. Cobre punteado y coloreado. Ca. 1787. 405 x 329mm

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Los grabadores ingleses encontraron soluciones técnicas para reproducir las bellas imágenes que provenían de un arte suntuoso de ambientación aristocrática.

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Francis Seymour Haden Autorretrato Aguafuerte. 1862

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Haden fue un distinguido cirujano londinense de la época victoriana. Su fama mundial la alcanzó, empero, como paisajista y grabador. Whistler, su cuñado, le ayudó a lograr el oficio como grabador.

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La ambientación y el trazo de esta estampa nos remiten a ciertas obras de Whistler. Tissot resolvió aquí todo en base a una estructura lineal.

James Tissot Ramsgate. 1876

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ESPAÑA SIGLOS XVIII Y XIX

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Francisco de Goya Se Repulen Serie de Los Caprichos Aguafuerte y aguatinta. 1797-98. 310 x 210mm.

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La fantasía monstruista fue adoptada por el grabador para deslizar mensajes cifrados a una sociedad presuntuosa y acomodaticia. Los Caprichos, primera de las grandes series gráficas que lanzó Goya al público, constituía un arte nuevo y audaz en la España de la época.

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Francisco de Goya Las Chinchillas Serie de Los Caprichos Aguafuerte y aguatinta, buril.1797-98. 310 x 212mm

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El tema alude a dos miembros de la familia Chinchilla. Las figuras, caricaturas de aristócratas, se transforman en autómatas sin voluntad ni vida. “Personajes que encierran su entendimiento con candados, mientras la estupidez los ceba”. Según comentario de ese tiempo.

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Uno de los aguafuertes más conocidos, más utilizados como símbolo por la cultura. Es uno de los más bellos creativamente. A partir del ángulo superior derecho, Goya planeó su composición diagonal que se ensancha hacia la figura humana, modificando en sus elementos los valores tonales. Gran equilibrio en su profundo contenido.

Francisco de Goya El Sueño de la Razón Produce Monstruos Aguafuerte y Aguatinta. 1797-98

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Francisco de Goya ¿De qué Mal Morirá? Serie Los Caprichos Aguafuerte y aguatinta, 1797

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Los médicos no escaparon a la mordacidad goyesca. El empleo maestro de la técnica aguafuertista, con apoyo del aguatinta, obtuvo efectos de oscuros sutiles y aterciopelados. Aquí el golpe de los blancos es contundente.

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Francisco de Goya ¿Por qué? Serie Los Desastres de la Guerra Aguafuerte. Hacia 1810. 190 x 136mm

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No sólo el autor recreó las peripecias de la guerra en su violencia y crueldad; describió también las secuelas silenciosas del hambre, la desolación y hasta el egoismo de los poderosos.

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Francisco de Goya A la caza de los dientes Aguafuerte. 1797. 190 x 136mm

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La imagen muestra el doble lo sutil de lo tenebroso y lo humorístico, arte en el cual Goya dejo inmejorables ejemplos.

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De Goya creó cuatro imágenes de la corrida, motivo ya trabajado por el artista. Fueron impresas las estampas en el taller de Gaulon, en Burdeos, durante su exilio en esa ciudad. Goya dibujó directamente sobre la piedra y usó el instrumento empleado en la mezzotinta para obtener áreas claras.

Francisco de Goya Los Toros Litografía. 1825. 303 x 414mm

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Francisco de Goya Bobalicón. De la serie de Los Disparates Aguafuerte, aguatinta, buril y punta seca. Entre 1816 y 1824. 315 x 450mm.

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Entre cómico y enigmático, la anécdota enfrenta diversos elementos simbólicos: el propio Bobalicón, el personaje que sostiene la figura vestida y los rostros exclamantes del fondo. Goya se mostró pesimista en éste su último ciclo gráfico.

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Anónimo

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Battista Tiépolo Giovanni

Dos Reyes y un Muchacho Observan una Serpiente

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Bellange Jacques

El Martirio de Santa Lucía

Las Tres Marías en el Sepulcro

Bellini Gentile

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Vista Interior de Zwinger en Dresde

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Blake Arrodillado Contempla el Sol de Fuego

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Caza del Conejo

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Sansón y Dalila

David Toca el Arpa Ante Saúl

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La Rosa Mal Defendida

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Manet Sentado

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Fausto Tratando de Seducir a Margarita

Combate de Giaour y Pacha

Della Bella Stefano

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Otra Fuga a Egipto

Doré Paul Gustave

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Viñeta para los Cuentos Extravagantes Buscar

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Autores a b c d e f g h i j k l m n o p q

Drevet Pierre

Robert de Cotte

Drevet Pierre-Imbert

Samuel Bernard

Dunkarton Robert

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Carolus Linnaeus

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Autores a b c d e f g h i j k l m n o p q

Durero Albrecht

Adán y Eva

Erasmo de Roterdam

El Baño de los Hombres

Melancolía

Los Caballeros del Apocalipsis

Reposo en Egipto

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Autores Dusart Cornelius

Cirujano Rural

Duvet Jean

El Rey Recibe un Regalo de un Cazador

Jean Duvet Estudia el Apocalipsis

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Autores e

a b c d e f g h i j k l m n o p q

Edelink Gérard

Felipe de Champaigne

El Canaleto

El Pórtico con la Linterna

La Torre de Malghera

Vista de Venecia

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Autores a b c d e f g h i j k l m n o p q

El Maestro de Jesús en Betania

San Huberto

El Parmesano

La Sepultura de Jesús

Judit

r s t u

La Resurrección de Cristo

Escuela de Da Vinci

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Autores a b c d e f g h i j k l m n o p q

Escuela de Mantegna

El Descenso al Limbo

El Triunfo de César

Escuela Francesa

Interior del Hospital

Escuela italiana

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Siglo XVI La Consulta

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Autores f

a b c d e f g h i j k l m n o p q

Faithorne William

Samuel Collins

Retrato de R. Bayfeild

Fattori Giovanni

Campiña Toscana

Escena Militar

Finiguerra Maso

r s t u

La Coronación de la Virgen

Fontanesi Antonio

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Autores a b c d e f g h i j k l m n o p q

Fragonard Honoré

El Armario

Ninfa y Dos Sátiros

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Autores g

Gellée Claude

El Vaquero

Puerto a la Salida del Sol

Géricault Theodore

Regreso de Rusia

El Mariscal Flamenco

Ghisi Giorgio

a b c d e f g h i j k l m n o p q r s t u

Sueño de Rafael (o la Melancolía de Miguel Angel)

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Autores Goltzius Hendrick

Hércules Farnese

Jean Bol

Paisaje Arcádico

Hércules da Muerte a Caco

Green Valentine

a b c d e f g h i j k l m n o p q r s t u

Lady Betty Delmé

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Autores h

Hogarth William

Hospital Bedlam de Londres

Matrimonio a la Moda

Escena de Muerte

El Arresto

Holbein Hans

a b c d e f g h i j k l m n o p q r s t u

La Muerte y el Médico

Hollar Wenzel

v w La Catedral de Anvers Navegar




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William Harvey

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Autores a b c d e f g h i j k l m n o p q

Huys Frans

Patinadores en los Fosos de la Puerta de San Jorge

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s

Autores J

a b c d e f g h i j k l m n o p q

Jean Francois Millet

La Costurera

La Gran Pastora

Jegher Christoffel

La Coronación de la Virgen

Jones John

r s t u

Richard Warren

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Autores k

a b c d e f g h i j k l m n o p q

Klinger Max

Und Doch

Acción

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Autores l

a b c d e f g h i j k l m n o p q

Lépicié Bernard

Le Benedicité

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Autores m

a b c d e f g h i j k l m n o p q

Maestro Anónimo

La Última Cena (Rávena)

Maestro Anónimo de Colonia

San Roque

Maestro Anónimo del Véneto

r s t u

San Antonio de Padua

Maestro Anónimo Francés

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Autores a b c d e f g h i j k l m n o p q

Maestro Anónimo Veneciano

Santa Catalina de Siena

Maestro Bávaro o de Salisburgo

Crucifixión

Maestro Bávaro

Virgen María con un Santo

r s t u

Maestro de los Naipes

v w Rey de los Salvajes Navegar




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Autores a b c d e f g h i j k l m n o p q

Maestro de San Jorge

San Jorge

Maestro de Zwolle

La Crucifixión

Maestro del Libro de Casa

r s t u

Los Amantes

Maestro del Libro de Casa o Maestro de 1480

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Autores Maestro ES

El Gran Jardín del Amor

San Juan en la Isla de Patmos

Letra F

Maestro Florentino

El Juicio

Maestro LCZ

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La Tentación de Cristo

Maestro MZ

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Autores Marcantonio Raimondi

El Sueño, Según Rafael

Mellan Claude

Habert de Montmor

San Juan Bautista en el Desierto

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Autores Mantegna Andrea

Cristo Resucitado entre San Andrés y San Longino

Batalla de los Dioses Marinos

La Virgen y el Niño

Los Elefantes

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Bacanal con Sileno

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Autores Menzel Adolphe

Federico el Grande

La Cueva de los Osos

Meryon Charles

Le Petit Pont

La Morgue

Millan Pierre

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Ronda de Driadas

Millan Pierre y Boyvin René

v w La Ninfa de Fontainebleau Navegar




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Autores n

Nanteuil Robert

Jean Loret

Luis XIV

Nutter William

El Moralista

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Autores p

Piranesi Giambattista

Composición Introductoria a sus Vistas de Roma

Las Prisiones

Reconstrucción Ideal de Le Antichita Romane

a b c d e f g h i j k l m n o p q r s t u

Visita de los Restos de Pronaos

Pollaiolo Antonio

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Autores Pontius Paul

San Roque

Potter Paulus

El Toro

El Rocín

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Autores r

Raimondi Marcantonio

Sueño de Rafael

Lucrecia Dándose la Muerte, según Rafael

Masacre de los Inocentes, según Rafael

Retrato de Pietro Aretino

Reni Guido

a b c d e f g h i j k l m n o p q r s t u

San Jerónimo

Rethel Alfred

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Muerte del Destructor Ver

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Muerte en la Barricada

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s

Autores Ribera Giuseppe, El Españoleto

El Poeta

El Sileno Ebrio

Robert Dighton

Qué Contentos Estamos de que Haya Médicos

Robetta Cristofano

Alegoría Sobre el Poder del Amor

a b c d e f g h i j k l m n o p q r s t u

La Vieja y las dos Parejas

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Autores Rosa Salvatore

San Guillermo de Maleval

Rowlandson Thomas

Excursión a Rumford

La Hidropesía Cortejando a la Tisis

Rowlandson Thomas y Pugin Auguste

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Colegio de Médicos

Rubens Peter Paul

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Autores Ruisdael Jacob

La Choza sobre la Colina

Paisaje con Río y Árboles

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Autores s

Sadeler Jan

Noé Construyendo el Arca

Esclavos golpeados con el Yugo de sus Amos

Santi Bartoli Pietro

Columna Trajana

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Autores a b c d e f g h i j k l m n o p q

Schinkel Karl Friedrich

Iglesia Gótica en el Bosque de Encinos

Schongauer Martin

San Antonio Acosado por los Demonios

La Salida al Mercado

r s t u

Jesús en la Cruz

Sebald Beham Hans

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Autores Seghers Hércules

Paisaje con Río y cuatro Árboles

La Pequeña Ruina de la Abadía de Rijnsburg

Sell Cotman John

Chateau Gaillard

Seymour Haden Francis

Fulham

a b c d e f g h i j k l m n o p q r s t u

Autorretrato

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s

Autores t

a b c d e f g h i j k l m n o p q

Tissot James

Ramsgate

Tory Godofredo

Enrique II a Caballo

Toulouse-Lautrec Henri

El Inglés en el Moulin Rouge

El Jockey

r s t u v w

El Diván Japonés Navegar




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Autores v

Van Dyck Anthonis

Jan van der Wouwer

Lucas Vorsterman

J. Brueghel

Van Meckenem Israhel

Judith con la Cabeza de Holofernes

La Anunciación

Van Ostade Adriaen

La Familia Campesina

La Granja

a b c d e f g h i j k l m n o p q r s t u v w

El Baile en la Hostería Navegar




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s

Autores Van Rijn Rembrandt Harmensz

El Viejo Thomas Haring

Paisaje con 3 Chozas

Jesús Cura Enfermos

Retrato de Jan Lutma

r s t u

La Mujer con la Saeta

Autorretrato en el Alfeizar

a b c d e f g h i j k l m n o p q

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Autores Vasi Giuseppe

Campo Vaccino

a b c d e f g h i j k l m n o p q

El Coliseo

Von Kaulbach Wilhelm

El Manicomio

Von Landshut Mair

r s t u

La Hora de la Muerte

Vorsterman Lucas

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Autores w

Ward William

La Comida Campestre de los Pescadores

Watteau Antoine

Dr. Misaubin

Traje

White Robert

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Sir. Thomas Browne

William Reynolds Samuel

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Autores Wolgemut Michael

Dios Creó el Cielo y la Tierra

Páginas de la Crónica de Nuremberg

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Galería

ITALIA

FRANCIA

ALEMANIA

PAÍSES BAJOS

INGLATERRA

ESPAÑA

FLANDES HOLANDA

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Galería ITALIA

SIGLO XV

SIGLO XVI

SIGLO XVII

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SIGLO XVIII

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SIGLO XIX

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Galería FRANCIA

SIGLO XV

SIGLO XVI

SIGLO XVII

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SIGLO XVIII

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SIGLO XIX

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Galería ALEMANIA

SIGLO XV

SIGLO XVI

SIGLOS XVII Y XVIII

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SIGLO XIX

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Galería PAÍSES BAJOS FLANDES HOLANDA

PAÍSES BAJOS SIGLO XV

PAÍSES BAJOS SIGLO XVI

HOLANDA SIGLO XVIII

FLANDES SIGLO XVII

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Galería INGLATERRA

SIGLO XVII

SIGLO XVIII

SIGLO XIX

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Galería ESPAÑA

SIGLOS XVIII Y XIX

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Presentación Cuando fui invitado a impartir la cátedra de Historia del Dibujo y el Grabado en la escuela de arte del Instituto Nacional de Bellas, “La Esmeralda”, presentí que la preparación de la clase iba a ser una tarea intensa y laboriosa, a causa de la poca información a la mano y el escaso tiempo que tenía para encontrarla. La invitación se sustentaba en el hecho de que yo había publicado un libro sobre el grabado mexicano en el siglo XX, un primer estudio que posteriormente fue considerablemente ampliado. Las razones del presente estudio sobre el grabado europeo han sido similares a las que me llevaron a escribir sobre el grabado mexicano: la necesidad de un documento que agrupara esta disciplina completamentaria del arte, que carecía hasta entonces de una visión agrupadora y más o menos sistemática. Navegar




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1 2

Presentación La tarea de una recopilación para formular un panorama de la estampa europea entre los siglos XV y XIX era, en verdad, un trabajo titánico. Teníamos conocimiento de varias historias del arte y muchísimos libros sobre épocas, tendencias y grupos del arte mundial, pero relativamente poco sobre la estampa. Emprendí entonces una intensa búsqueda para localizar libros especializados por épocas o movimientos, entresacando de las enciclopedias todo lo relativo al tema. Al cabo de cuatro años de trabajo, presento aquí un primer resultado del cual no tengo duda de su utilidad para estudiantes, profesionales del arte y lectores interesados en la cultura artística. HC. 2 2 Navegar




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s

Bibliografía Bibliografía ENCICLOPEDIA OBRAS

Salvat de Arte (1992). México, Salvat Editores de México, tomo 2.

Maestras de la Pintura (1983). México, Editorial Planeta, tomo 1.

HOLBEIN, Hans (1981). La danza de la muerte, México, Editorial Nave de los Locos, Premia. PIJOAN,

José (1987). Summa Artis. Historia General del Arte, Madrid, Editorial

Espasa Calpe. BENEZIT, E. (1976).

Dictionaire des Peintres, Sculpteurs, Dessinateurs et Graveurs,

París, Grund, tomo 9. OLMEDA

Latorre, Concepción (1986). Enciclopedia Gráfica del Estudiante, Méxi-

co, Editorial Promexa, 4ª. edición. MANTEGNA, Andrea. Maestros de la Pintura. Anesa, Noger, Rizzoli. Texto de Ettore

Camesasca, Argentina. 1 Navegar




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5

Bibliografía JIMÉNEZ,

Salvador (1987). Diccionario Larousse de la Pintura, Barcelona, Editorial Pla-

neta de Agostini, vol. III. BLAKE´S

Graphics Works and the Emblematic Tradition.

LARAN,

Jean (1959). L’Estampe, París, Presses Universitaires de France.

MALLÉ,

Luigi (1968). L/Incisione Europea, del XV al XX Seccolo, Turín.

PINACOTECA

de los Genios. Argentina, Editorial Codex.

DORÉ,

Gustavo. Estampas bíblicas, México, Fernandez Editores.

GOYA

(1989). Madrid, Fundación Juan March.

VIDAL

de Alba, Beatriz (1995). Giambattista Piranesi, México, Catálogo de la Exposi-

ción. Museo Nacional de la Estampa, OBRAS

Maestras de la Gráfica Europea (1984). México, Colección Albertina de Graba-

do, Exposición en el Museo del Palacio de Bellas Artes, INBA. ARS

Medica (1981). México, Colección del Museo de Arte de Filadelfia, Exposición en

el Museo de Historia de la Medicina Mexicana, UNAM. 2 Navegar




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5

Bibliografía LEHRS,

Max (1969). Late Ghotic Engravings of Germany and the Neederlands, New

York, Dover Publications Inc. HAUTECOEUR,

Louis (1966). Historia del Arte III. Arte Gótico y del Renacimiento, Madrid,

Ediciones Guadarrama. ENCICLOPEDIA

Ilustrada de la Pintura, Dibujo y Escultura. Las Bellas Artes. Arte Alemán y

Holandés. (1969-1973). New York, Montreal, México, Grolier Inc, vol. 3. General de la Pintura (1970). Col. dirigida por Claude Schaeffner, Madrid,

HISTORIA

Ediciones Aguilar. CALLOT,

Jacques (1969). Miroir de son Temps. Georges Sadoul. París, Gallimard.

DACIER,

Emile (1944). La Gravure Francaise, París, Larousse.

BARTHEL,

Gustav (1967). Historia del Arte Alemán, México, Breviarios del Fondo de

Cultura Económica, núm. 87. SELVA, José (1963). La pintura alemana del siglo XIX. Barcelona, Editorial Ramón Sopena.

3 Navegar




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Bibliografía

BAEZ

Macías, Eduardo, Judith Puente León. Libros y grabados en el fondo de origen

de la Biblioteca Nacional, México, Instituto de Investigaciones Estéticas, UNAM. GRABADORES

del Renacimiento. “La Pintura, el Gran Arte”. Catálogo del Museo del

Ermitaño. Salvat Editores. HIND,

Arthur M. A History of Engraving and Etching from the 15th Century to the

Year of 1914, New York, Dover Publications, Inc. HISTORIA

Universal del Arte (1996). España, Espasa Calpe.

TURNER,

Jane (1991). The Dictionary of Art. New York, Edit, Grove.

Fotografías de Enrique Salazar Híjar y Haro, tomadas de: L´ESTAMPE,

Presses Universitaires de France.

L´INCISIONE, GOYA,

Europea dal XV al XX Seccolo, Torino.

Fundación Juan March, Madrid.

CATÁLOGO

de Giambattista Piranesi. Museo Nacional de la Estampa. México. 4

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Bibliografía

OBRAS

Maestras de la Gráfica Europea. Col. Albertina. Catálogo de la Exposición en el

Museo del Palacio de Bellas Artes, INBA. ARS

Medica. Col. del Museo de Filadelfia, Catálogo del Museo de Historia de la Medi-

cina, UNAM. BLAKE

Graphics Work on the Emblematic Tradition.

HOLBEIN,

Hans. La Danza de la Muerte, México, Editorial Nave de los Locos. Premia.

ENCICLOPEDIA

de Arte. Salvat Editores de México.

CALLOTE,

Jacques. Miroir de son Temps, París, Gallimard,

HISTORIA

del Arte Alemán. México, Fondo de Cultura Económica.

A HISTORY

of Engraving and Etching from the 15th Century to the Year of 1914, New

York, Dover Publications. BENEZIT, E. LATE

Dictionaire de Peintres. Sculpteurs, Dessinateurs et Graveurs, Paris, Grund.

Gothic Engravings of Germany and the Neederlands, Dover Publications.

GRABADORES

del Renacimiento. Catálogo del Museo del Ermitaño. Salvat Editores. 5

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Cómo navegar Barra de navegación Navegar por este libro digital es muy fácil, sólo tiene que hacer uso de la barra de navegación, de los índices, subíndices así como de los vínculos ubicados en todo el documento. La barra de navegación tiene diversas herramientas de apoyo para: Navegar < Retroceder página > Avanzar página r Regresa a la página o al paso anterior. Es muy útil, ya que evita extravíos.

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El Grabado Europeo SIGLOS XV AL XIX

Coordinación y cuidado de la publicación Hugo Covantes Concepto editorial Luis Banda Diseño, formación editorial y programación Kinétika Andrés Ramírez Lorena Banda Wendy Chávez Miguel Castillo

México DF, octubre de 2002

Hugo Covantes

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El Grabado Europeo SIGLOS XV AL XIX

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