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• Markillo Olvera

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UNIVERSIDAD AUTÓNOMA DE QUERÉTARO FACULTAD DE BELLAS ARTES LICENCIATURA EN MÚSICA 6° SEMESTRE

HISTORIA DEL ARTE Y LA CULTURA IV MAESTRO: ROSALES PEÑA ALFARO ALEJANDRO ALUMNO: NÚÑEZ PANTOJA LUIS EDUARDO

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Introducción El arte del siglo XX tuvo por consecuencia una gran importancia y grandes logros de la humanidad. El arte se destruyo, esto es todo lo que se venia construyendo y había tenido un gran auge, donde todo era marcado por las cuestiones sociales y las técnicas implementadas. Al paso de este siglo donde las técnicas clasistas se desecharon, el color perdió su fuerza. Con Picasso y la fuerte corriente del cubismo se logró un gran avance y una “perspectiva” diferente, multiplicándose así los ángulos de visión de un mismo objeto. Así se ofrece una visión compleja del mismo ente, que se puede presentar al mismo tiempo de cara, de perfil o desde cualquier otro ángulo significativo. En contraparte está el puente, fundado por cuatro pintores donde su objetivo era la oposición a la pintura del impresionismo y la búsqueda de un medio de expresión, un arte, en el que esa expresión estuviera vinculada estrechamente a la vida. También estaba el Jinete Azul donde Kandinsky, como precursor, utiliza composiciones abstractas, donde el color es independiente a la forma. Es con sus colores violentos y su temática de soledad y miseria, donde el expresionismo reflejó la amargura que invadía a los círculos artísticos e intelectuales de la Alemania, así como de la Primera Guerra Mundial. Por otra parte se encontraba la escuela de arte Bauhaus, donde el propósito y principios básicos de la escuela se enfocaban en formar un movimiento de artistas con plena conciencia social e intelectual, jóvenes que no incidieran en lo típico. Finalizando la guerra dio paso a inspirar a las nuevas generaciones sobre como hacer arte, es ahí donde entra la técnica dadaísta, la forma que adoptan es la provocación, el escándalo, la destrucción como manifiesto de ruptura y negación del arte.

El dadaísmo critica al arte y a la cultura burguesa, niega la racionalidad habitual y extiende la crítica al capitalismo y al fascismo. Donde por otro lado el surrealismo

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expresa el funcionamiento real del pensamiento, sin control de la razón, libremente frente a preocupaciones estéticas o morales. Existe un punto en el espíritu a partir del cual la vida y la muerte, lo real y lo imaginario, lo pasado y lo futuro, dejan de percibirse contradictoriamente. Dentro de estas corrientes se menciona la abstracción, donde en pocas palabras podríamos decir que sus propósitos de los artistas es prescindir de todos los elementos figurativos para concentrar la fuerza expresiva en formas y colores que no ofrezcan relación con la realidad visual. La obra se convierte en una realidad autónoma, sin conexión con la naturaleza, y por tanto ya no representa hombres, paisajes, casas, flores, sino simplemente combinaciones de colores que intentan expresar con un lenguaje sin formas, como el de la música, la necesidad interior. El color se ordena libremente, a impulsos de la inspiración como la de Arnold Shoenberg en su música. Finalmente los desastres de la guerra tuvieron por consecuencia, que la capital del arte, antes París, se mude a Estados Unidos, New York. Dentro de las tendencias y nuevas propuestas, encontramos a un Andy Wharhol con la nueva tendencia de Arte Pop, donde a finales de los años cincuenta y comienzos de los sesenta fue uno de los momentos más liberadores de la historia del arte. Su adscripción decidida a la nueva cultura de la tecnología y el consumo echaba por tierra los anhelos heroicos y subjetivos de las vanguardias anteriores y reintegraba el arte al mundo real.

Desarrollo El arte del siglo XX va a perseguir la expresión de la vivencias interiores del artista, cosa que en el siglo pasado no lo era, la capacitación extrema de la realidad. Las vanguardias en este siglo, surgen con artistas solitarios y rechazados socialmente quienes buscan a otros individuos para conformar un movimiento que exprese sus inquietudes. Los pintores se van a ver obligados a cambiar

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radicalmente los cánones de representación de la naturaleza dicha creación toma diferentes cauces, que son: El Fauvismo, Cubismo, Expresionismo, Abstracción, Surrealismo, Futurismo, Dadaísmo.

El Fauvismo utiliza el lienzo como espacio libre en el que los artistas se sumergen en busca de nuevas armonías de líneas y colores. El Cubismo crea una nueva realidad hecha de formas geométricas simples en un proceso mental de cristalización de la naturaleza a través de la visión múltiple del objeto. El Expresionismo expresar

es un arte figurativo que utiliza libremente línea y color para

la angustia interior de las gentes del siglo. La abstracción desliga

definitivamente la creación artística de las formas naturales. Puntos líneas y manchas de color inundan el cuadro, desvinculando totalmente de la realidad figurativa. Y el surrealismo indaga en los mecanismos mas escondidos de la representación humana. Sueños, realidades, fantasías y razón se entremezclan en la creación de un mundo sugerente y enigmático. Todos los adelantos técnicos se ponen a servicio de la destrucción de la humanidad con la guerra y segunda guerra mundial. El horror y la angustia del individuo del siglo XX se refleja la explosión de las bombas atómicas. Esto ocasiono el origen y creación de las tendencias de mitad de siglo como: el Expresionismo Abstracto, El Informalismo, El Pop-Art, el Op-Art, El Hiperrealismo, El Land-Art, El Arte Minimal, etc. El fauvismo, en esta tendencia alguno de los integrantes del grupo, evolucionaran hacia otras tendencias artísticas, el movimiento tuvo escasa cohesión y duración (1905-1910). Los pintores más destacados serán Matisse para quien el color debe ser un medio de expresión intimo y no descriptivo, Derain y De Vlaminck que por influencia de Van Gogh utilizan colores primarios y grandes manchas cromáticas. Dufy, Roualt y Braque, se incorporaran a este grupo.

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Las características principales del Fauvismo serán, libertad en el color (independiente de la naturaleza del objeto sin mezclas), extrema simplificación de formas y elementos ( relleno con colores planos, pinceladas gruesas y vastas), interpretación lirica y emocional de la realidad (temas agradables, retratos, paisajes), la profundidad desaparece y los volúmenes se perfilan con pinceladas fuertes (ruptura con el claroscuro y con la perspectiva). Destacan como obras “La Alegría de Vivir” y “La Danza” de Henry Matisse.

Por otro lado se encuentra el expresionismo, donde en un sentido amplio, no es solamente una tendencia artística, sino una actitud que se manifiesta en distintos momentos de al historia del arte, donde la voluntad no es lo único que expresa, las emociones predominan sobre ella al alcanzar normas formales. Como precursores podríamos considerar a El Bosco, El Greco, Goya, Van Gogh, Gauguin, Toulouse Lautrec. En Europa, a comienzos del siglo XX, es un vasto movimiento con manifestaciones muy diversas en los ámbitos de la pintura, el teatro, el grabado, el cine. Debido a que tiene un común interés por la expresividad del color, coincide con el Fauvismo. Sin embargo, la diferencia de este Expresionismo adopta una postura de crítica a los valores sociales y culturales de la época. Sus principales autores Munch, quien plasma la visión trágica de la vida y de la soledad del hombre. En seguida, encontramos un grupo de pintores llamado El Puente, contemporáneos a los Fauvistas. Otro grupo llamado El Jinete Azul, fundado por Franz, Mark y Kandinsky. Por ultimo otro grupo llamado nueva objetividad, conformado por Barlach, Grosz y Kollwitz. Las pinturas que sobresalen son “El Grito” de Munch, “Mujer del Busto desnudo con Sombrero” de Kirchner.

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Cubismo, esta vertiente de vida corta pero de gran influencia en la escultura, arquitectura, cartel, tipografía, diseño industrial, decoración e incluso en la literatura. No se trata ya de captar sensaciones, sino de organizar y estructurar las formas que se ven de acuerdo con un determinado proyecto, un movimiento que surge con reacción frente, a la espontanea, dependencia de la retina mantenida por los impresionistas. La temática del cubismo no incorpora los nuevos objetos de la civilización técnica, como maquinas, automóviles, y se mantiene vinculada a temas tradicionales, como los bodegones, la figura humana, el paisaje, y los instrumentos musicales. Rechaza el sistema de perspectiva convencional, los colores de realidad, y el punto de vista único.

Sus principales autores son Braque, Picasso, Juan Gris, Delaunay, Villon. Así como las obras más destacadas son, “Las Señoritas de Avignion”, de Picasso, “El Estanque” de Braque, “Naturaleza muerta con pipa y periódico” de Juan Gris y por ultimo “La Ciudad” Legér.

El futurismo tuvo su primer manifiesto, paradójicamente, en Paris, y redactado por un poeta Filippo Tomaso Marinete. Muy bien orquestada incide una vez más en la necesidad de romper con las formas clásicas del arte, para hacer una pintura que exprese la lucha, el dinamismo, y la tensión, que caracterizaron a los conflictivos años inmediatamente anteriores a la Primer Guerra Mundial. Los futuristas van a insistir especialmente sobre la manifestación de lo dinámico, intentando representar las fuerzas motrices físicas o mecánicas que dan lugar al movimiento de las maquinas o los seres vivos. Sus logros estéticos serán muy inferiores a las ambiciosas propuestas expresadas en sus manifiestos y nunca llegaran más allá de donde llegaron los cubistas.

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El dadaísmo donde en plena guerra suceden matanzas en los campos de batallas y para muchos jóvenes la contienda supone el hundimiento de muchos valores que se creían estables. Un grupo de jóvenes pintores se reúne habitualmente en un Cabaret Voltaire con propósitos que, en principio, no están muy bien definidos. “En 1917 Marcel Duchamp compra un retrete de loza, lo firma con el nombre de su fabricante, le pone el titulo de Fuente y lo envía a la exposición de los independientes en nueva york” (Prendeville, 2000, p. 89).

Serán las principales

ciudades donde se inicia y desarrolla el movimiento del Dadaísmo, Berlín, Zúrich, New York, París. Marcel Duchamp, Francis Picabia y Man Ray forman la trilogía de pintores del Dadaísmo americano. Duchamp su influencia trasciende y inicia toda una serie de caminos artísticos desarrollados posteriormente.

La abstracción fue otro movimiento que al representar la realidad que tenían alrededor, volver a presentarla mas o menos dramatizada, estilizada, endulzada o metamorfoseada de mil maneras. En la primera década del siglo dos pintores rusos Kandinsky y Kasimir, inician la pintura abstracta. ”Desde el renacimiento se concebía la pintura como una actividad consistente en representar las cosas del mundo y su espacio lo mas fielmente posible” (Prendeville, 2000, p. 35). Pero los pintores abstractos no es eso lo que buscan, tratan de hallar soluciones plásticas o estéticas manejando exclusivamente medios visuales como son el color, la mancha o la línea. Se puede sintetizar la gran variedad de tendencias abstractas desarrolladas hasta finales de los años 50 en dos ramas. Una Abstracción espontanea y libre, denominada Expresionismo Abstracto o Informalismo. Otra con una orientación mas intelectual y medida, que se conoce con el nombre de constructivismo o abstracción geométrica.

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El surrealismo otra corriente con fecha de 1924, sus teóricos son intelectuales y teóricos y artistas que han leído a Freud, y entre ellos destaca especialmente la figura de André Breton. El surrealismo como el Dadaísmo rechaza el arte burgués Que se había basado en la representación de los externo. El movimiento va a ser especialmente literario, sin que llegue a situarse nunca en un primer plano de interés la especulación propiamente pictórica. “El Bosco, William Blake y Goya ya habían hecho pintura surrealista anteriormente sin tener conciencia de ello. Lo cierto es que el surrealismo trata de buscar en una serie de experiencias psíquicas que pertenecen al subconscientes, excluyendo a la razón del proceso creativo” (Prendeville, 2000, p. 57). Los Collages, Frottages, papeles rajados fueron algunos elementos para expresar la técnica. Y sus mayores pintores es muy amplio y se encuentra: André Masson, Max Ernst, Ives Tanguy, Salvador Dalí, Joan Miro, Marc Chagall.

Cuando la pintura abstracta norteamericana agoniza, va a surgir, vital y estimulante, el pop art, el ultimo reconstruyente del arte figurativo que ejercerá una influencia poderosa en todas las manifestaciones plásticas posteriores, desde la propia pintura y la escultura, al diseño comercial, la decoración o los objetos de uso diario. El pop art va a representar la expresión de temas absolutamente directos y familiares para una sociedad donde el consumo ha llegado a niveles muy altos y se mueve continuamente entre productos empaquetados, imágenes de marcas o de personajes mitificados cuya fisionomía adquiere caracteres de estereotipo. El tipo de mujer creado por el cine americano. El pop art iniciándose en Inglaterra con Peter Phillips, Peter Blake y sobre todo, Richard Hamilton. Sin embargo, es en estados unidos donde el movimiento alcanza un desarrollo más pujante. Pero es Andy Warhol quien se convierte en una especie de símbolo del Pop en todo el mundo.

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Conclusión En este siglo, a mi parecer hubo una gran variedad de estilos que impactaron en la sociedad y a la vez ella en el arte. Los temas y técnicas no eran mas que la evolución del arte transformándose poco a poco, y motivos que hicieron trascender la pintura, las inquietudes y ganas de ir innovando serán siempre la razón de que haya artistas con el interés de plasmar, lo que sucede alrededor, en este periodo lo fueron las guerras, la mercadotecnia, la tecnología. Siempre y cuando en la vida haya un motivo, habrá arte y mientras exista el arte habrá motivo para la vida.

  Bibliografía   Prendeville, B. (2000). El Realismo en la Pintura del Siglo XX. Londres: Destino.

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