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• Adelaida Maria

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Barroco y rococó en el arte SIGLO XVII Y XVIII

Periodización del barroco Temprano

(1580 – 1630)

Pleno

(1630 – 1680)

Tardío o Rococó(1680 – 1750)

Contexto histórico Los acontecimientos del siglo XVI provocan notables cambios en el ámbito del arte: el manierismo y las secuelas del renacimiento dejan lugar al barroco, un arte dinámico que, a pesar de presentar características constantes, evoluciona y adquiere originalidad en cada país. Con el desarrollo de la imprenta, las ideas religiosas de Lutero, los razonamientos científicos de Copérnico y Galileo y los estilos artísticos germinados en Venecia se difunden por toda Europa. La fe vacila hasta el momento en que la reforma divide Europa en: norte protestante y sur católico.

Personalidades místicas, como santa Teresa de Ávila y nuevas órdenes, como los jesuitas de San Ignacio de Loyola, intentan una renovación de la iglesia católica; el concilio de Trento toma decisiones drásticas para reforzar la ortodoxia (santa inquisición). El poder de España se impone hasta en Italia y en el Vaticano, sustituyendo el modo de vivir de los italianos por otro mas austero. La libertad del artista disminuye. De nuevo, entra al servicio de la nobleza y de la iglesia: crea obras lujosas e impresionantes que se amoldan a las nuevas normas de pudor y espiritualidad y demuestran la grandeza de ambas instituciones. De nuevo se pintan temas religiosos y las figuras van vestidas.

El Barroco El Barroco fue un estilo heredero del escepticismo manierista, que se vio reflejado en un sentimiento de fatalidad y dramatismo entre los autores de la época. El arte se volvió más artificial, más recargado, decorativo, ornamentado. Destacó el uso ilusionista de los efectos ópticos; la belleza buscó nuevas vías de expresión y cobró relevancia lo asombroso y los efectos sorprendentes. Surgieron nuevos conceptos estéticos como los de «ingenio», «perspicacia» o «agudeza». Entre los más grandes pintores del período barroco se encuentran Caravaggio, Rembrandt, Rubens, Velázquez, Poussin, y Vermeer. Caravaggio es heredero de la pintura humanista del Alto Renacimiento. Su enfoque realista de la figura humana, pintada directamente del natural e iluminada dramáticamente contra un fondo oscuro, sorprendió a sus contemporáneos y abrió un nuevo capítulo en la historia de la pintura. La pintura barroca a menudo dramatiza las escenas usando los efectos lumínicos del claroscuro; esto puede verse en obras de Rembrandt, Vermeer, Le Nain y La Tour. El pintor flamenco Antón Van Dyck desarrolló un estilo de retrato cortesano, con gracia, que influyó mucho, especialmente en Inglaterra.

Características del barroco Según Heinrich Wölfflin, el Barroco se define principalmente por oposición al Renacimiento: frente a la visión lineal renacentista, la visión barroca es pictórica; frente a la composición en planos, la basada en la profundidad; frente a la forma cerrada, la abierta; frente a la unidad compositiva basada en la armonía, la subordinación a un motivo principal; frente a la claridad absoluta del objeto, la claridad relativa del efecto. Así, el Barroco «es el estilo del punto de vista pictórico con perspectiva y profundidad, que somete la multiplicidad de sus elementos a una idea central, con una visión sin límites y una relativa oscuridad que evita los detalles y los perfiles agudos, siendo al mismo tiempo un estilo que, en lugar de revelar su arte, lo esconde».

El barroco en las artes En arquitectura, son pocos los cambios de forma: se siguen encontrando los mismos elementos que reaparecieron en el renacimiento: columnas, pilastras, cornizas, molduras, tímpanos. Pero se combinan con volutas y otros tipos de adornos, los ritmos cambian. En la escultura y en la pintura, el movimiento y la composición "complican" el aspecto general de las obras. Si bien el arte barroco nace en Italia, es pronto adoptado en Francia, en Alemania, en Holanda y en España quien lo desarrolla hasta lo máximo en las colonias de América.

Arquitectura La arquitectura barroca asumió unas formas más dinámicas, con una exuberante decoración y un sentido escenográfico de las formas y los volúmenes. Cobró relevancia la modulación del espacio, con preferencia por las curvas cóncavas y convexas, poniendo especial atención en los juegos ópticos (trompe-l'œil) y el punto de vista del espectador. También cobró una gran importancia el urbanismo, debido a los monumentales programas desarrollados por reyes y papas, con un concepto integrador de la arquitectura y el paisaje que buscaba la recreación de un continuum espacial, de la expansión de las formas hacia el infinito, como expresión de unos elevados ideales, sean políticos o religiosos.

Arquitectura

Domo de Les invalides (Paris) Arq. Jules Hardouin Mansart (1646-1708)

Iglesia de La Compañía (Quito)

Pintura La pintura barroca tuvo un marcado acento diferenciador geográfico, ya que su desarrollo se produjo por países, en diversas escuelas nacionales cada una con un sello distintivo. Sin embargo, se percibe una influencia común proveniente nuevamente de Italia, donde surgieron dos tendencias contrapuestas: el naturalismo (también llamado caravagismo), basado en la imitación de la realidad natural, con cierto gusto por el claroscuro —el llamado tenebrismo—; y el clasicismo, que es igual de realista pero con un concepto de la realidad más intelectual e idealizado. Posteriormente, en el llamado «pleno barroco» (segunda mitad del siglo XVII), la pintura evolucionó a un estilo más decorativo, con predominio de la pintura mural y cierta predilección por los efectos ópticos (trompe-l'oeil) y las escenografías lujosas y exuberantes

Caravaggio (1571 – 1610)

Judith y Holofernes (1598 – 1599) Pintura al óleo, 144 cm x 155 cm

Rembrandt (1606)

La lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp (1598 – 1599) Pintura al óleo, 144 cm x 155 cm

Rubens (1577)

Alegoría de la paz y la felicidad del Estado, 1766

Vermeer

El columpio, 1766

La joven de la perla, 1667

Artemisia Gentileschi (1593 – 1654)

Susana y los viejos (1610) Óleo sobre lienzo, 170 cm x 119 cm

Diego de Velázquez (1599)

La familia de Felipe IV o Las meninas (1656) Pintura al óleo, 318 cm x 276 cm

Rococó El estilo Rococó nace hacia mediados del siglo XVIII en Francia. Fue una reacción de la misma nobleza contra el barroco-clásico impuesto por la corte de Luis XIV. Es un estilo aristocrático que revela un gusto por lo claro, lo elegante, lo refinado, lo galante. Armoniza con una vida despreocupada, agradable y amante de la naturaleza. Las características de este estilo tienen una relación directa con su nombre. La revolución de 1789 interrumpe el desarrollo del Rococó. Su influencia sobre la arquitectura francesa no trasciende, aunque se proyecta hasta Alemania. En la escultura y la pintura, los artistas barrocos adoptan el nuevo estilo. Los pintores representaron las costumbres y actitudes de una sociedad en busca de la felicidad, la alegría de vivir y de los placeres sensuales, los más representativos de esta etapa fueron François Boucher, Antoine Watteau y Jean-Honoré Fragonard, artistas que mezclaron en sus imágenes y trabajos lo erótico, lo lúdico y lo mundano de las imágenes, así como también lo galante de cada una de ellas, por este motivo las obras de Boucher, Watteau y Fragonard así como las de sus inmediatos discípulos y epigonos (cuyo eco llega al neoclasicista Ingres) reciben en su conjunto dentro de la crítica de arte el nombre de pintura galante especialmente cuando los temas resaltan al desnudo en ambientes, ámbitos o contextos de riqueza.

Características del rococó En cuanto a características, el rococó es al barroco lo que el manierismo fue al renacimiento: de la misma manera, enfatiza sus características, de la misma manera también se integra a los paisajes, aprovecha los reflejos en agua y espejos, favorece la ilusión que no permite definir límites claros entre las partes o entre el sueño y la realidad. La palabra rococo es una combinación de "rocaille" (piedritas) y "coquille" (concha), elementos en los cuales se inspiran los primeros diseños. Lo que llama la atención de los creadores es la forma irregular de los elementos naturales como las conchas, las piedras marinas y las formas vegetales. Lo importante es la decoración, completamente libre y asimétrica, con líneas irregulares, onduladas, curvas y contracurvas asociadas en ritmos ligeros. Esta decoración incluye estucos y rejas forjadas. Este aspecto hace del Rococó un arte íntimo, más de interior que de exterior. El órgano de la iglesia de Roggenburg (1761) que aparece en esta página es un buen ejemplo de lo que produce el rococó. La simetría del conjunto se pierde a nivel de los detalles. El rococó es más bién un arte civil que un arte religioso: los temas son preferentemente mundanos y palaciegos.

Jean-Honoré Fragonard (1732)

El columpio, 1766

La carta de amor, 1770

Antoine Watteau (1684)

Giles, 1721

Capitulaciones de boda y baile campestre, 1711

Francois Boucher (1703)

Diana después del baño, 1742

Marquesa de Pompadour, 1756