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Arte Griego P.A.U.

EL ARTE GRIEGO 0.1.2.-

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Contexto histórico, cultural y geográfico. Marco cronológico. El clasicismo. Introducción a la arquitectura griega. Los órdenes arquitectónicos. 1.1.- Características generales. 1.2.- Los órdenes arquitectónicos. El templo griego: el Partenón. 2.1.- Características del templo griego. 2.2.- El Partenón. 2.3.- Otros templos. 2.4.- El teatro. La escultura griega. Los grandes maestros de los siglos V y IV: Policleto y Fidias. Praxíteles y Scopas. Lisipo y su canon. 3.1.- Características generales. 3.2.- Los grandes maestros del clasicismo del siglo V: Mirón, Policleto y Fidias. 3.3.- Los representantes del postclasicismo del siglo IV: Praxíteles y Scopas. Lisipo y su canon. El período helenístico. 4.1.- Contexto histórico. 4.2.- La arquitectura helenística. 4.3.- La escultura helenística.

0.-Contexto histórico, cultural y geográfico. Marco cronológico. El clasicismo. La civilización griega tiene sus orígenes en las llamadas civilizaciones prehelénicas (cretense y micénica) que se desarrollaron en el 2º milenio antes de Cristo. Cronológicamente, la civilización griega se desarrolla entre los siglos VIII y I a.C. teniendo su época de auge en los siglos V y IV. Se suelen distinguir 3 etapas: - Época Arcaica: s. VIII – finales del VI. - Época Clásica: f. VI- fines IV. - Época Helenística: fines IV-fines I a.C. Geográficamente, la civilización griega se desarrolla en lo que hoy es Grecia a lo que hay que sumar las costas de Asia Menor y diversas colonias establecidas a lo largo de toda la costa mediterránea, destacando la parte sur de Italia (magna Grecia). Durante las dos primeras etapas, los griegos, aunque tienen la misma cultura e idioma, políticamente aparecen fragmentados en numerosos estados denominados POLIS: pequeño estado independiente formado por una ciudad y el territorio que la rodea.

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En la Época Arcaica, el régimen predominante es un régimen oligárquico en el que el poder lo detenta una minoría de terratenientes. El resto de la población vive en condiciones muy precarias lo que impulsa el fenómeno de las COLONIZACIONES: emigraciones masivas de griegos que se asientan en diversos puntos de la costa mediterránea fundando COLONIAS y difundiendo la cultura griega por todo el ámbito mediterráneo. En la Época clásica, la sociedad y la economía se diversifican como consecuencia del comercio y la artesanía impulsados por las colonizaciones. Todo ello da lugar a que en numerosas POLIS se establezcan regímenes democráticos en los que el pueblo participa directamente en el gobierno de la polis. La Época Helenística comienza con la invasión del territorio griego por Macedonia que implanta un régimen monárquico y acaba con la fragmentación en polis. Durante esta época se produce la expansión griega por el Oriente formándose un Imperio que llega desde Grecia hasta el río Indo. A la muerte del principal artífice de esta expansión (Alejandro Magno), el Imperio se fragmenta en numerosos reinos (reinos helenísticos) hasta que todos estos territorios sean sometidos por Roma a mediados del II a.C. En todo, el Imperio de Alejandro Magno contribuyó a difundir la cultura griega por todo el Próximo Oriente asiático. En cuanto a la cultura griega, habría que señalar las siguientes características básicas: a) La Religión y el pensamiento mítico: -

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Los griegos eran politeístas y daban a la religión el papel de ser la última explicación de lo inexplicable. En su origen y tal como ocurría en los pueblos prehistóricos, los dioses griegos eran fuerzas naturales a las que era conveniente tener propicias mediante los actos de culto. Pero, con el tiempo, esa religiosidad fue adquiriendo unos caracteres propios: se da un proceso de antropomorfización de los dioses a los que se les asignaba caracteres plenamente humanos sólo que modificados por dos cualidades: la inmortalidad y el poder sobrehumanos. Estos dioses humanizados eran protagonistas de complicadas historias de carácter simbólico y novelesco: los MITOS. La religión griega no estaba dirigida por una casta sacerdotal, como ocurría en Egipto. Todo hombre libre podía asumir el ministerio del sacerdocio. El templo griego no es un lugar de culto sino morada de la divinidad. Las formas de culto se desarrollaban fuera del templo: procesiones, juegos atléticos, etc. La religiosidad griega no tenía ninguna relación con la perfección moral del hombre ni pretendía resolver el misterio de la vida del más allá. Sin embargo, a partir del s. VI aparecieron algunas formas religiosas que pretendían dar al hombre una seguridad para después de la muerte y una cierta idea de plenitud y perfección morales. Son las religiones de los “Misterios”. El iniciado participaba en unas ceremonias que le acercaban al dios y éste le aseguraba la felicidad aquí y después de la muerte.

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b) El pensamiento racional. Aunque la mayoría de los griegos pensaban como se acaba de explicar, desde muy pronto, finales del s. VII, aparecieron en las polis de Asia Menor algunos personajes que se separaron de la manera habitual de pensar de sus conciudadanos y que realizaron la tarea fundamental de crear el pensamiento filosófico o racional que, en esencia, viene a defender que la explicación de los fenómenos y realidades naturales hay que buscarla dentro de la misma naturaleza y no recurriendo a la intervención de fuerzas exteriores a ella. Dicha explicación debe basarse en la razón y la observación, y no puede ser fruto de la invención de la imaginación. Intentaron reducir la naturaleza a una serie de principios fundamentales, es decir, buscaban la esencia de la Naturaleza (el principio unificador). Esto tiene sus reflejos en el arte, en su tendencia a crear tipos humanos ideales. Entre los principales pensadores habría que citar a: Tales, Anaximandro, Heráclito y Pitágoras. Posteriormente, en los siglos V y IV profundizarán en estas ideas 3 grandes pensadores: Sócrates, Platón y Aristóteles

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¿Qué es el clasicismo? Para los romanos, el adjetivo classicus aplicado a algo o a alguien significaba una valoración de calidad, algo o alguien digno de imitación. Aplicado al arte, una obra clásica era un modelo digno de imitación. Este significado se mantuvo hasta el siglo XVIII en que, con el neoclasicismo, se generaliza el término “clásico” para referirse a las obras maestras del arte griego y romano. Ello significa la valoración del arte grecorromano como máxima expresión de la plena calidad artística y, por ello, había que imitarlo. El arte clásico tiene su origen en la Grecia antigua que desarrolla un arte basado en: - La racionalidad: arte regido por la razón. - La belleza: concepto basado en un determinado sistema de medidas y proporciones. - El antropocentrismo: el hombre es la referencia principal del arte. - El establecimiento de leyes y premisas que conforman un lenguaje artístico homogéneo y preciso, cuyos principios fundamentales perdurarán a lo largo del tiempo, cambiando sólo lo secundario. Con el advenimiento del Imperio Romano que extenderá sus dominios por todo el Mediterráneo incluyendo el ámbito griego, los romanos reconocerán el arte griego como un arte classicus por lo que no solamente lo respetarán sino que lo imitarán y copiarán, sobre todo en escultura. En arquitectura, los romanos harán más aportaciones propias, pero manteniendo elementos griegos, como la racionalidad y los órdenes arquitectónicos. Por todo ello, dentro del clasicismo se incluye tanto el arte griego como el romano, por su estrecha vinculación. Esta valoración positiva del arte grecorromano como algo classicus explica su extraordinaria influencia en la posteridad ya sea para imitarlo o para crear un nuevo estilo a partir de él.

1.- Introducción a la arquitectura griega. Los órdenes arquitectónicos. 1.1.- Características generales. Material: - El más utilizado es el POROS: conglomerado o arenisca. - También se utiliza la caliza dura y el mármol. - Todo ello, labrado en bloques regulares (sillares). Soporte: Muro y columna usada profusamente. Cubierta: Adintelada o arquitrabada. Aunque se conoce, no se utiliza la cubierta curva. Predominio de la línea recta y las formas geométricas simples: Los edificios griegos son una combinación de cuadrados, rectángulos y triángulos. En ellos, todas las líneas, salvo el fuste de las columnas, son rectas, ya sean horizontales, verticales o inclinadas.

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Dominio y perfección técnica: - Se trabaja en equipo, sabiendo cada uno su misión para dar el máximo rendimiento. - Se procura un acabado perfectísimo a todos los elementos. - Esta perfección técnica y calidad del trabajo se puede ver en la utilización del aparejo:  El muro es considerado un elemento estético en sí mismo.  Los sillares son asegurados con grapas entre sí, además de preparar debidamente la cara de contacto para su perfecto ajuste, ya que no se utiliza argamasa.  Terminado el muro, se procede a un concienzudo alisado de arriba abajo. Edificios a escala humana: desaparece el colosalismo oriental. Armonía y proporción entre las partes del edificio y, en general, entre las partes y el conjunto. Además, para conseguir una armonía visual perfecta, deforman intencionadamente sus construcciones, rompiendo con las medidas estrictamente matemáticas para introducir correcciones ópticas con el fin de que nos aparezcan perfectamente regulares. Por ejemplo:  Dan a las columnas de las esquinas de las fachadas un mayor grosor y altura, debido a que, al recibir más luz por su emplazamiento, parecerían más pequeñas a nuestra vista.  Dan un ensanchamiento (éntasis) al centro de las columnas para evitar la sensación óptica de estrechamiento en la parte central.  Las columnas no se elevan rectas sino que se inclinan levísimamente hacia el interior para evitar el efecto óptico de caída. Despreocupación por el espacio interior: el objetivo de la arquitectura griega no es crear grandes espacios interiores para cumplir una función social sino que sus edificios son hechos para ser contemplados desde el exterior, como si fueran enormes esculturas. Decoración: los edificios se decoraban con esculturas y se pintaban.

1.2.- Los órdenes arquitectónicos. Se llaman ÓRDENES ARQUITECTÓNICOS al conjunto de normas que establecen cómo deben construirse y combinarse los elementos sustentantes y los elementos sustentados de un edificio. Los griegos establecieron 3 órdenes o maneras de combinar los elementos constructivos (soporte y cubierta): dórico, jónico y corintio. Los órdenes arquitectónicos son una de las principales aportaciones griegas a la historia de la arquitectura de manera que, en lo sucesivo, serán utilizados en múltiples edificios, con más o menos variantes, hasta nuestros días. ORDEN DÓRICO: - Es el más antiguo, surge en el siglo VII a.C. su carácter severo y robusto responde a la mentalidad de los dorios, griegos del continente, de tradiciones agrícolas y carácter rudo.

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Sus orígenes hay que buscarlos en unas primitivas construcciones de madera. Estos primeros edificios de madera se levantaban sobre una plataforma para aislarlos de la humedad. Sobre esa plataforma se elevaban troncos que hacían las funciones de columnas y cuyo abombamiento natural daría lugar al éntasis. Asimismo, su superficie descortezada por medio de azuelas dará lugar a las estrías típicas de este orden. Las vigas de madera de la cubierta, alternando con los huecos, darán lugar al juego de triglifos y metopas. Seguramente por influencia egipcia, se empezaron a construir los templos en piedra.

Los elementos principales del orden dórico son: -

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Basamento o crepidoma: Es una plataforma de piedra escalonada formada por 3 escalones: estereóbatos (los dos inferiores) y estilóbato (el superior). Columna:  carece de basa.  Fuste: recorrido verticalmente por estrías unidas en arista viva y con un ensanchamiento en la parte central (éntasis).  Capitel: formado por 3 elementos: + collarino: pieza que lo separa del fuste. + equino: núcleo principal en forma de plato, especie de cojín de mármol. + ábaco: pieza en forma de tablilla cuadrada que descansa sobre el equino.  Entablamento: elemento que descansa horizontalmente sobre las columnas y formado por 3 partes: + arquitrabe o dintel : gran viga de piedra lisa. + friso: segunda viga que descansa sobre la anterior. Dividido en compartimentos: triglifos (espacios rectangulares con estrías verticales) y metopas (espacios entre los triglifos que se decoran con placas decoradas con relieves). + cornisa: elemento saliente que descansa sobre el friso para desviar la caída del agua. Frontón: en los templos de planta rectangular, al ser la techumbre a doble vertiente, en los lados menores se forma un espacio triangular llamado frontón que se decora con esculturas.

ORDEN JÓNICO: - Surge a mediados del siglo VI a.C. en Jonia (costas de Asia Menor). - Es un orden más esbelto y elegante que el dórico, más orientalizante. Sus elementos principales son: - Basamento o crepidoma: Similar al dórico. - Columna:  Tiene basa que se levanta sobre un elemento en forma de paralelepípedo que se levanta sobre el crepidoma llamado plinto. La basa está formada por 2 molduras convexas (toros) y otra cóncava (escocia).  Fuste: recorrido verticalmente por estrías unidas en arista pulida y carece de éntasis. Más esbelto que el dórico.  Capitel: formado por 3 elementos: 6

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+ collarino: presenta tabas o astrágalos (decoración en forma de cuentas imitando el aspecto de huesecillos) en relieve. + equino: decorado con ovas u óvalos y dos volutas a los lados. + ábaco: similar al dórico.  Entablamento: elemento que descansa horizontalmente sobre las columnas y formado por 3 partes: + arquitrabe o dintel : dividido en 3 bandas horizontales sobresaliendo cada una sobre la inmediata interior. + friso: superficie continua decorada o no con relieves. + cornisa: similar a la dórica.. Frontón: similar al dórico.

ORDEN CORINTIO: Aparece a finales del s. V y es similar al jónico salvo en el capitel que presenta como característica propia una decoración en el equino a base de hojas de acanto dispuestas en dos o más filas: las inferiores muy curvadas hacia fuera y las superiores enroscadas (caulículos). También suele tener una roseta o palmeta en cada cara.

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El templo griego: el Partenón.

2.1.- Características del templo griego. Función: el templo griego no es un lugar de culto sino sólo la residencia del dios. Los ritos religiosos tienen lugar fuera del templo. Ello contribuye a que sean de pequeño tamaño. Concepción del espacio: en relación con la anterior, el valor del templo griego no reside en el espacio interior que crea sino en el exterior y el espacio que genera en torno a él. Un templo griego está hecho para ser visto de fuera. Por eso, se presta más atención al exterior que al interior, es una especie de arquitectura-escultura. Origen: El antecedente del templo griego es el Mégaron micénico, gran salón rectangular de los palacios micénicos que servía de salón del trono y otras actividades religiosas. Localización: se suele localizar en un lugar aislado y sagrado (temenos) al que se accede por unas puertas monumentales (propileos). Planta: Aunque los hay de planta circular (tholos), generalmente el templo griego es de planta rectangular dividido en 3 salas:  Pronaos: pórtico abierto con muros laterales rematados por pilastras –antae-, entre las que suele haber dos columnas “in antis”. Por ella se accede a la naos.  Naos o cella: sala principal, rectangular, que alberga la estatua del dios.  Opistodomos: estancia situada en el extremo opuesto al pronaos y sin comunicación con la naos o cella. Hace la función de cámara del tesoro donde se guardan las ofrendas del dios. Basamento o crepidoma: Plataforma escalonada sobre la que se levanta el templo para realzar al edificio sobre el terreno. Clasificación de los templos: a) Según la distribución de las columnas:  In antis: Sólo presenta dos columnas en la fachada principal flanqueadas por los muros laterales. También puede haber otras 2 columnas en la fachada opuesta, la de la opistodomos, si existe.  Próstilo: Sólo presenta un pórtico de columnas, en la fachada principal (la de la pronaos).  Anfipróstilo: Tiene un pórtico de columnas en cada fachada principal.  Períptero: Una columnata rodea el edificio entero.  Díptero: la columnata que rodea el edificio es de doble fila de columnas. b) Según el número de columnas de la fachada:  Dístilo: 2 columnas  Hexástilo: 6 columnas.  Octástilo: 8 columnas.

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2.2.- El Partenón. Identificación: Templo situado en la Acrópolis de Atenas, dedicado a la diosa protectora de Atenas, Athenea Pártenos, orientado de Este a Oeste. Planta rectangular dividida en 3 salas: pronaos, naos y opistodomos. La naos está dividida en 3 naves separadas por columnas. Tras la naos, entre ella y la opistodomos, hay una estancia cuadrada, cuya techumbre se sostenía mediante 4 columnas, denominada partenón o habitación de las vírgenes. No tiene comunicación con la naos, accediéndose a ella a través de la opistodomos; parece que estaba destinada a contener las donaciones recibidas por el templo. Tanto la pronaos como la opistodomos son muy pequeñas. Es un templo octástilo, períptero y anfipróstilo. Material: es un templo hecho íntegramente de mármol labrado en sillares regulares. Elementos constructivos: soportes y cubiertas: responden a las características vistas anteriormente en el orden dórico. Elementos decorativos: Contiene elementos decorativos de todo tipo:  Arquitectónicos: muchos elementos constructivos tienen también un valor decorativo: columnas con sus acanaladuras, capiteles, friso con sus alternancias de triglifos y metopas, frontón, tejas multicolores de su techumbre.  Escultóricos: en el Partenón se lleva a cabo un ambicioso programa escultórico realizado por Fidias del que habría que destacar: la imponente estatua de Athenea criselefantina (oro y márfil) colocada en el centro de la naos, el friso de las Panateneas, los relieves de las metopas y de los frontones.  Pictóricos: Aunque se ha perdido, originariamente el templo estaba policromado: se supone que las estrías de las columnas estaban pintadas de rojo; los ábacos, de azul; los triglifos, de azul y amarillo; los fondos de frontones y metopas, de rojo. Todo ello nos permite ver el Partenón, además de cómo arquitectura, como si fuera una enorme escultura para ser vista desde todos los puntos de la ciudad. Valores plásticos: Aunque es un edificio de tamaño considerable, resulta a la vista menor de lo que es debido a los reajustes ópticos y el riguroso estudio de sus medidas y proporciones, convirtiéndose en un modelo de armonía, equilibrio, simetría y proporción. Toda la obra obedece a un canon de proporcionalidad, basado en el número de columnas y la proporción de las medidas del rectángulo: 8 columnas en los lados cortos y el doble +1 en los laterales o lados mayores. Sus medidas globales también son proporcionadas: 30 x 69 x 10. Es decir, es aproximadamente, el doble de largo que de ancho. El módulo de las columnas es el diámetro del fuste, de manera que su altura es algo menos de cinco diámetros y medio. Las metopas disminuyen gradualmente desde el centro del friso hasta los extremos, por lo que los triglifos no coinciden con los ejes de las columnas. Las columnas de los extremos tienen una menor separación entre sí y son de mayor diámetro que el resto. Se inclinan hacia el eje del templo para contrarrestar el efecto óptico de estar inclinadas hacia fuera. El resto de las columnas, por el mismo motivo, tienen una inclinación hacia dentro de 6 cm respecto a la vertical. Las columnas

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muestran éntasis para evitar el efecto óptico de concavidad que se produciría con un fuste recto. Su volumen exterior es simple apareciendo como un paralelepípedo coronado por un triángulo. El espacio interno muestra un eje de composición longitudinal subdividiéndose en los sucesivos espacios ya vistos. Clasificación de la obra: El Partenón es un templo griego de orden dórico. Se construyó en la Época Clásica entre el 447-438. Sus arquitectos fueron Ictinos y Calícrates y su promotor el estadista Pericles. Parece ser que también intervino, como director de las obras, Fidias. Contenido y función: Es una obra religiosa, un templo dedicado a la diosa Athenea Parthenos cuya función era albergar la estatua y el tesoro de la diosa. Los ritos de culto a la diosa no se realizaban dentro del edificio sino en torno a él, en el exterior. Trascendencia de la obra: El Partenón se construye en el contexto del magno programa de obras públicas promovido por Pericles tras la victoria griega sobre las persas en la 2ª guerra médica (batallas de Maratón, Salamina, Platea y Micala) con el fin de reconstruir y engrandecer la ciudad que había quedado destrozada tras esas guerras. El Partenón se sitúa en la cima de la Acrópolis. La Acrópolis era una colina calcárea (hoy en el centro de Atenas) que albergaba los edificios religiosos de mayor relevancia para la polis. Era un recinto amurallado en el que, en caso de guerra, se refugiaba la población que tenía sus viviendas en las laderas y la llanura circundantes. En el año 480, en el curso de la segunda guerra médica, los persas arrasaron la Acrópolis. Derrotados los persas, Pericles promovió la reconstrucción de la Acrópolis concebida a partir de ahora únicamente como santuario. Se levantaron 3 templos: Partenón, Erecteión y Atenea Niké. Además, se hizo una entrada monumental al recinto (Propileos). Durante el dominio romano, la Acrópolis sufrió diversas modificaciones. En el siglo IV, el Partenón, junto con el Erecteión, fue reconvertido en templo cristiano. En el año 1394, los turcos conquistaron Atenas y convirtieron el Partenón en mezquita. En 1687, en el curso de las guerras entre turcos y venecianos, el Partenón fue convertido en polvorín y una bomba veneciana destruyó toda su parte central. En el siglo XVIII los turcos utilizaron sus mármoles en otras construcciones y a principios del siglo XIX, Lord Elgin, embajador inglés en Constantinopla, se llevó a Inglaterra la mayor parte de sus esculturas, que están en el Museo Británico de Londres desde 1816. El Partenón ha tenido una enorme trascendencia en la historia del Arte. Sus soluciones y elementos arquitectónicos han sido copiados e imitados por muchos edificios posteriores. 2.3.- Otros templos. Además del Partenón, merecen citarse los otros dos templos de la Acrópolis ateniense: - el Erecteión, comenzado poco después que el Partenón y terminado a finales del siglo V, dedicado a Atenea Poliás y Poseidón Erecteo. Arquitecto: Filoclés. Orden jónico. Destaca su famosa Tribuna de las Cariátides. - Templo de Atenea Niké (427 a.C.): pequeño templo de orden jónico, situado a la entrada de la Acrópolis. Construido por Calícrates.

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Otros templos: Época Arcaica: Templo de Hera. Olimpia. Dórico. Templos de Paestum (Hera, Poseidón y Atenea). Dóricos. Época clásica: Templo de Afaia. Egina. Dórico. Tesoro de los Atenienses. Delfos. Dórico. Templo de Apolo. Delfos. Dórico. Tolos de Delfos. Dórico.

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2.4.- El teatro. Los griegos inventaron el teatro tanto como género literario como edificio para la representación. El teatro griego no era un edificio cerrado sino que aprovechaba la pendiente de una colina para excavar allí el graderío situándose el escenario abajo, en la parte llana. En síntesis, las partes del teatro griego son: - graderío: semicircular, destinado a los espectadores. Excavado en la ladera de una colina y dividido por pasillos en cuñas. - Orchestra: espacio normalmente circular situado al pie del graderío y destinado al coro. - Escena: situada tras la orchestra, es una plataforma que sirve de escenario donde tiene lugar la representación. Normalmente, móvil y desmontable. El teatro más conocido y muy bien conservado es el de Epidauro.

3.- La escultura griega. Los grandes maestros de los siglos V y IV: Policleto y Fidias. Praxíteles y Scopas. Lisipo y su canon. 3.1.- Características generales. Aunque la escultura griega experimenta una fuerte evolución a lo largo de su historia, se intenta a continuación indicar sus pautas generales: 1ª Material: se emplea sobre todo el mármol y el bronce. 2ª Búsqueda de la belleza, el arte por el arte. En Grecia se descubre el poder libre de la contemplación estética. Surge un sentido autónomo del arte, surge el arte por el arte. En su evolución, se irá descubriendo que la finalidad de la escultura es la belleza, abandonándose las “imágenes de culto” de la época arcaica por la “escultura” cuya finalidad es meramente artística. Esta belleza concebida como proporción y equilibrio entre las partes, anatomía armoniosa, idealización del cuerpo humano alcanza su plenitud en la época clásica. 3ª Realismo idealizado. El punto de partida para la creación figurativa es la naturaleza. La tarea del artista es primeramente reproducir la realidad. Precisamente, la evolución de la escultura griega va en ese sentido, desde un arte casi abstracto a otro muy realista. Pero este realismo se basa, más que en la apreciación de un determinado individuo o animal, en la detectación del tipo o especie. De ahí que sea un realismo idealizado. 4ª Antropocentrismo. El hombre es el tema principal. El estudio de su cuerpo es una preocupación de todos los artistas: las relaciones entre las partes y el todo, el movimiento de los músculos, las más diversas posturas.... 5ª Policromía. Las figuras se policromaban. Hoy se ha perdido.

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6ª Individualismo. Con frecuencia, los artistas firmaban sus obras. Cuenta ya el elemento personal, la creación artística individual. Hay que dejar constancia de que, en el caso de la escultura exenta, pocas esculturas griegas originales han llegado hasta nosotros. La mayoría son copias romanas que nos las igualan. Etapas de la escultura griega: * La primera etapa de la escultura griega corresponde a la Época arcáica en la que destacan unas figuras masculinas de atletas desnudos (koúros) y otras femeninas vestidas, generalmente sacerdotisas (koré), con fuertes convencionalismos de clara influencia egipcia. Las características de la escultura de este periodo son: - Ojos almendrados. - Sonrisa arcaica o eginética. - Pelo ordenado y geométrico, dispuesto simétricamente. - Expresión hierática. - Rigidez en la postura, con los brazos pegados al cuerpo y los pies juntos. A veces en los Koúros aparece un pie adelantado. - Observación naturalista de las figuras en el modelado de los músculos y la esbeltez de la cintura. Entre las obras más importantes de este periodo destacan: Dama de Auxerre (Museo del Louvre), Hera de Samos (Museo del Louvre), Koúros Anavissos. Ya en el periodo de transición al clasicismo destacamos el Auriga de Delfos y los relieves del Trono Ludovisi. * La escultura griega alcanza su apogeo en la Época clásica, pudiéndose, a su vez, distinguir dos etapas: el siglo V (clasicismo pleno) y el siglo IV (posclasicismo). * La última etapa es el periodo Helenístico donde se desarrollan diversas escuelas locales.

3.2.- Los grandes maestros del clasicismo del siglo V: Mirón, Policleto y Fidias. Características generales de la escultura clásica: -

Durante el siglo V (siglo de Pericles), Atenas se llena de artistas tan famosos como sus obras. Se abandona la influencia egipcia (rigidez y convencionalismos arcaicos). Se busca el naturalismo: posiciones verdaderas, naturales, en busca de la representación más perfecta del cuerpo humano, su anatomía, movimiento muscular, estudio del ropaje que deja traslucir el cuerpo y sigue su movimiento. Pero este naturalismo está impregnado de un fuerte idealismo: una estatua debe tener aspecto completamente humano pero sin los defectos humanos. Esa tendencia a la idealización lleva a prescindir de todo tema anecdótico y a un estudio riguroso de las proporciones del cuerpo humano y de la simetría. La belleza consiste en una perfecta proporción y simetría entre las diferentes partes 14

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del cuerpo. Así, se crean una serie de tipos humanos ideales: el tipo adolescente de formas blandas y aún no plenamente formadas, el tipo joven ya proporcionado como adulto; el hombre maduro lleno todavía de fuerza y vigor, con los músculos endurecidos por los años de ejercicio, la mujer joven llena de la gracia de la juventud, la mujer madura. Los esfuerzos de los artistas se centrean en la realización cada vez más perfecta de esos tipos, ideales deseables de la humanidad. Los representantes de la escultura clásica del siglo V son 3 escultores que podríamos clasificar en dos grupos: - El Primer clasicismo: Mirón y Policleto. - El Clasicismo pleno: Fidias.

MIRÓN. -

Desarrolla su labor a mediados del siglo V en Atenas. Es broncista. Se interesa por el cuerpo humano en movimiento: estudia el movimiento potencial, concibiéndolo fugazmente. Pero no es un movimiento violento sino sereno. Busca las posturas más inestables para lo cual el bronce es un material apropiado. su obra más conocida es el DISCÓBOLO.  Se conservan diversas copias romanas en mármol, la mejor de las cuales es la del Museo de las Termas  Presenta a un atleta en el momento mismo en que, inclinado hacia delante, en el límite del equilibrio, eleva el brazo derecho para lanzar el disco girando sobre su pierna derechas, apoyada con firmeza en tierra.  Mirón elige un instante fugaz en el desarrollo de un movimiento, precisamente el que precede al estallido del máximo movimiento. Esto representa una novedad extraordinaria frente a las representaciones de atletas anteriores, esencialmente estáticas.  Se considera la representación arquetípica del movimiento en potencia o movimiento acumulado.

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La anatomía está conseguida con un gran naturalismo, pero de músculos planos y piernas sin profundidad; el rostro es inexpresivo y la cabellera es todavía arcaica. El autor recurre a un tronco para sujetar la figura. El lado derecho del atleta está dominado por la línea recta formando ángulos rectos mientras que el izquierdo está dominado por la curva.

Aunque el Discóbolo fue una obra muy celebrada en su tiempo, tanto como el Doríforo de Policleto, la obra por la que Mirón tuvo más renombre en vida no ha llegado hasta nosotros. Se trata de la VACA, obra hecha en bronce para colocarla en la plaza del Mercado de Atenas. De ella se decía que exhibía un naturalismo notable y fue celebrada por no menos de 36 epigramas conservados en la Antología Griega.

POLICLETO. -

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Nacido en Argos hacia el 480 a.C., desarrolla su actividad entre el 450-420. Es también broncista, pero no quedan obras originales suyas, solamente copias romanas. Su actividad se centró en la ciudad de Argos durante su juventud, marchando después a Atenas. Allí era Fidias quien monopolizaba el mecenazgo artístico público, por lo que Policleto debió conformarse con encargos particulares, produciéndose una fuerte rivalidad entre ambos escultores. Es un teórico de la escultura. Recogió sus ideas en un libro, hoy perdido, titulado Canon en el que expone que el cuerpo humano no es solamente modelado, sino, ante todo, número y proporción. Cada parte debe tener una dimensión adecuada para componer el conjunto armónico ideal, el hombre ideal. El Canon (hombre ideal) debía tener las siguientes proporciones:  El cuerpo es igual a siete cabezas y 2/3. La cabeza representa el 13 %  El rostro se divide en tres partes iguales: frente, nariz y de la nariz al mentón. Destacamos 2 obras suyas: Doríforo y Diadúmenos. El DORÍFORO: Copias Museo Vaticano y Museo de Nápoles  En esta obra plasma Policleto su ideal de belleza basada en la armonía y la proporción.  Representa a un joven lancero en actitud de marcha. ¿Aquiles?  Su marcha es una marcha acompasada, con un movimiento armónico.  Muestra una imagen idealizada del atleta.  En cuanto al tratamiento de la anatomía, pretende ser el modelo de cuerpo humano varonil, perfecto, de elegancia austera, sin afeminamiento, pero también sin formas hercúleas. Su belleza consiste, no en la expresión, sino en la medida y la proporción. La perfección llega a tal punto que se pueden establecer criterios geométricos en la solución de algunas partes del cuerpo: las curvas del pliegue inguinal y del arco torácico son segmentos de circunferencia cuyos centros coinciden en el ombligo; la cabeza es perfectamente esférica (figura perfecta en la parte más noble del hombre), de tal manera que el cabello se adapta a ella perfectamente

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gracias a su particular peinado; la cara, en fin, se divide en 3 segmentos iguales: el de la frente, el de la nariz y el de la boca. En cuanto a la composición, resulta novedoso el modo de mover la figura, utilizando la fórmula del contraposto o contrabalanceo: + el brazo izquierdo lleva la lanza y se dispone en escorzo con lo que la figura gana en profundidad. + el brazo derecho cae exonerado verticalmente. + las extremidades inferiores, al revés: la pierna derecha es la que recibe toda la carga mientras que la izquierda, libre, avanza. + la cabeza se desvía hacia la izquierda del espectador. La rigidez arcaica ha desaparecido definitivamente y todo el cuerpo se arquea y toma dirección oblicua. Con esta composición, Policleto consigue un perfecto equilibrio entre el estatismo que requiere su ideal de armonía física y espiritual (equilibrio psicológico) y el dinamismo propio de cualquier escultura que pretende llenar el espacio circundante y multiplicar sus puntos de vista. Pese a todo ello, Policleto respeta aún la existencia de un punto de vista principal (frontal), aunque la figura requiera para su contemplación girar en torno a ella. Esta obra fue considerada durante un siglo aproximadamente el modelo de cuerpo masculino ideal, es decir, el Canon, la norma, de cuerpo masculino.

DIADÚMENOS. Museo Arqueológico Nacional de Atenas  Representa a un atleta en el momento de colocarse la venda de la victoria en la frente. Probablemente encarna a Apolo.  Responde a los mismos esquemas que el Doríforo, aunque carece de la dureza de planos de éste y está más graciosamente movido, acusándose más la curvatura del cuerpo.

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FIDIAS. -

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Nacido en Atenas, su actividad se centra en esta ciudad entre el 470 y el 430, año de su muerte. Consejero artístico de Pericles que lo convirtió en coordinador y supervisor de la obra del Partenón. Cuando Pericles cayó en desgracia, Fidias sigue en la desgracia a su mentor y fue acusado de autorretratarse en el escudo de una estatua (Athenea Parthenos) por lo que tuvo que huir a Olimpia donde realizaría una de las siete maravillas del mundo: el Zeus Olímpico. En Fidias, figura máxima de la escultura griega, culminan los esfuerzos por alcanzar la belleza ideal. Tomando como base lo real, fue quien consiguió remontarse a más altura ideal: obtuvo arquetipos idealizando los modelos que le ofrecía la naturaleza. Sus obras nos muestran unos seres de un total equilibrio fisco y moral, que viven en completa paz interna, dueños de sus pasiones. Esas características dotan a sus figuras de un “quid divinum” que las convierte en auténticas imágenes de culto. Sus pliegues abundantes y sinuosos, pero llenos de grandeza, se pegan al cuerpo como “paños mojados” lo que le permite el estudio de la anatomía; en realidad, es una excusa para conseguir un mayor naturalismo y a la vez idealización en el tratamiento del cuerpo humano. Su obra se puede dividir en dos bloques: la decoración del Partenón y las estatuas independientes.

DECORACIÓN DEL PARTENÓN: Desde mediados del siglo trabaja en la decoración de este templo, gozando de la plena confianza de Pericles y rodeado de un gran número de artistas, lo que no impide un sello de unidad a su obra. Esta decoración consta de tres series: frontones, metopas del friso y friso de la cella. Frontones:  En el frontón oriental representa como tema central el NACIMIENTO DE ATENEA.  El frontón occidental está consagrado a la DISPUTA ENTRE ATENEA Y POSEIDÓN por el dominio del Ática.  Ambos frontones son obra cumbre de la escultura griega. Los grupos de figuras se hallan genialmente compuestos, en sólida trabazón plástica (formal) y psicológica, y con profundo dominio de las flexiones. Fidias resuelve magistralmente el problema de la decoración de los vértices bajos de los frontones adaptando las figuras perfectamente al marco arquitectónico. Metopas:  En las 92 metopas desarrolla cuatro temas: + Gigantomaquia: Los Gigantes eran hijos de Gea, nacidos de la sangre derramada al cortarle Cronos los genitales a Urano. Se rebelaron contra los dioses del Olimpo porque Zeus había encerrado a sus hermanos (los titanes) en un lugar abismal (el Tártaro) teniendo lugar una feroz lucha –gigantomaquia- de la que salieron victoriosos los dioses. + Amazonomaquia. + Guerra de Troya. + Centauromaquia: Los Centauros eran unos seres, hijos de la diosa Hera y un mortal que la engañó, con cabeza y tronco humano y resto del cuerpo de caballo. La mayoría de ellos eran malvados y brutales. La Centauromaquia representa las luchas de los centauros con los 18

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lapitas, pueblo guerrero de Tesalia. El rey lapita invitó a los centauros a su boda, pero éstos intentaron raptar a la novia y violar a las mujeres. De la lucha consiguiente salieron victoriosos los lapitas.  Las figuras aparecen en altorrelieve, de manera que, en la práctica, son esculturas de bulto redondo que tocan el plano de fondo.  Los vacíos sirven para acentuar más el valor de los macizos.  Se observa una perfecta distribución de las masas en el difícil espacio cuadrado. Friso de las Panateneas:  Anualmente, en agosto, se celebraban en Atenas unas fiestas en honor de la diosa Atenea: las Panateneas. El acto central era la procesión de todos los atenienses a la acrópolis para ofrecer a la diosa una nueva túnica (peplo) y hacer sacrificios en su honor. Encabezaban la procesión unas muchachas portadoras de copas e incensiarios. A continuación venía un centenar de bueyes blancos, destinados al sacrificio. Les seguían los porteadores de agua y los músicos. Luego, sobre una carreta muy adornada, venía la túnica nueva, bordada para la diosa. Cerraban la procesión sacerdotes, funcionarios públicos y la masa de ciudadanos. Una vez sacrificados los bueyes, su carne era asada. Mientras Atenea se regocijaba con el olor de la misma, todos los presentes la saboreaban.  En el friso exterior de la naos, Fidias representa precisamente esta procesión, en bajorrelieve.  El friso se extiende a lo largo de 160 metros alrededor de la naos.  Esta procesión significa un momento de remanso en medio de las luchas anteriores.  Las figuras se mueven discretamente, se vuelven, adoptando multitud de actitudes. Avanzan desde la parte posterior del templo hacia delante, donde se encontraba la diosa, acompañada de otros dioses, contemplando la escena.  Las figuras son la mitad del tamaño natural.  Serenidad, espiritualidad, estudio anatómico y del vestido, naturalismo idealizado. ¿Dónde están actualmente estas esculturas? Gran parte de estas esculturas se encuentran actualmente en el Museo Británico de Londres. Son los llamados “Elgin Marbles”. Todo empezó en 1799 con el nombramiento del conde de Elgin como embajador británico en Constantinopla. Recordemos que por aquel entonces Grecia formaba parte del Imperio turco. Elgin obtuvo permiso para arrancar gran parte de las metopas, friso de las Panateneas y esculturas de los frontones. Para ello se valió de un competente equipo de artistas y artesanos además de la evidente corrupción, soborno y compraventa de favores para obtener tal permiso. Durante cerca de un año (1803) trabajaron en esta operación entre 300 y 400 hombres que, desde sus andamios, arrancaron las esculturas para transportarlas en pesados carromatos hasta el puerto de El Pireo, para su posterior embarque hacia Inglaterra en abultadas cajas de madera. Llamado a Inglaterra, en el curso del viaje Elgin fue hecho prisionero por los franceses durante dos años, 18051807. Mientras tanto, los mármoles permanecían embalados en el puerto de Atenas esperando para embarcar. Finalmente, partieron con destino a Inglaterra en varios barcos pero uno de ellos acabó naufragando y hundiéndose su preciada carga como si los mármoles se resistieran a dejar su patria. Solamente se pudieron recuperar cuatro cajas permaneciendo el resto bajo el agua durante dos años, el mismo tiempo que duró la prisión de Elgin, hasta que se consiguieron recuperar definitivamente. Los mármoles del Partenón fueron llegando a distintos puertos ingleses y, en 1807, se reunieron en Londres, donde Elgin los instaló en unas dependencias de su casa formando lo que se llamó el Elgin´s

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Arte Griego P.A.U. Museum. En 1812 fueron trasladadas a otras dependencias. Mientras tanto, no cesaron de aumentar los disgustos de Lord Elgin pues inmediatamente se suscitó una doble polémica ya que por una parte fue discutido el interés y la belleza de los mármoles, y por otra parte comenzaron a llover las críticas por lo vandálico de la acción. Elgin, a quien todo esto le había costado una fortuna, terminó poniendo en venta el conjunto de los mármoles. Tuvo que llegar el director del Museo Napoleón de Paris con la intención de adquirir los mármoles así como el escultor neoclásico, Antonio Canova, que certificó la autenticidad y calidad de las obras, para que el Museo Británico se decidiese a adquirirlas. Todavía esperaba un disgusto más a Elgin: la Cámara de los Comunes autorizó la adquisición de las obras para el Museo Británico por un precio de 35.000 libras cuando toda la operación le había costado unas 74.000. En la actualidad, está abierto un contencioso entre los gobiernos griego y británico por la devolución de estos mármoles a su legítimo propietario: el pueblo griego.

ESTATUAS INDEPENDIENTES. Aparte de la obra del Partenón, Fidias realizó numerosas estatuas independientes, sobre todo de la diosa Atenea, pero no se han conservado. En su juventud, por encargo de los atenienses de la isla de Lemnos, hizo para la Acrópolis de Atenas una estatua, de belleza extraordinaria. Perdido el original, se cree que puede ser una copia de ella la ATENEA LEMNIA del Museo de Dresde. Tampoco se conserva (ni siquiera copia) la que de tamaño colosal (más de 15 m. de altura) realizó también para la Acrópolis. ATENEA PROMACOS. La dorada punta de su lanza y la cresta de su yelmo era lo primero que veían los marineros al doblar el cabo Sunio. Era de bronce y costeado con el botín de Maratón; se la consideraba la defensora de la ciudad (promacos). Sin embargo, en la que más empeño puso Fidias fue en la ATENA PARTENOS, esculpida para el templo que por ella se llama Partenón. Por exigencia del pueblo la hace crisoelefantina, es decir, de oro y marfil; sus ojos son de esmeralda. De gran tamaño –más de 10 m) y de tan ricos materiales, no hace falta decir que no ha llegado hasta nosotros, pero existen minuciosas descripciones literarias y no faltan copias aunque no alcanzan la belleza del original. Los pliegues de su ropaje, labrado en oro, caen majestuosos con la más sobria elegancia, mientras en su derecha sostiene una Victoria y apoya su izquierda en el escudo. En éste aparecen, en relieve, las luchas de los atenienses con las amazonas y, según Plutarco, el retrato del propio autor, irreverencia que, al decir del mismo escritor, costó a Fidias morir en prisión. De los mismos ricos materiales es igualmente el ZEUS SENTADO que esculpió en los últimos años de su vida para el Santuario de Olimpia. Conocido por descripciones literarias, monedas y por una copia del Museo de Lyon, es de grandiosa majestuosidad.

3.3.- Los representantes del posclasicismo del siglo IV: Praxíteles y Scopas. Lisipo y su canon. -

Etapa de un arte más realista, sensual y de proporciones más estilizadas. Ganan terreno los temas costumbristas y de la vida ordinaria y con ello la expresión pasional, la ira, la indignación, la tragedia, en una palabra: todos los sentimientos del hombre. Se pueden distinguir dos tendencias:

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una tendencia a la representación de lo amable, de la gracia: “charis” o gracia ática, representada por Praxíteles. Una tendencia hacia la expresión de lo dramático, el “pathos” dramático, representada por Scopas. La síntesis entre ambas tendencias viene representada por Lisipo.

PRAXÍTELES. -

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Ateniense nacido en torno al 400, desarrolló su actividad entre 380-330. Representa la tendencia al arte de lo amable, de la gracia (“charis” o gracia ática). Trabaja el bronce y el mármol. Crea formas blandas, suavemente curvadas: los cuerpos se apoyan en algo exterior describiendo una curva: curva praxiteliana. Evita la línea recta y toda áspera rugosidad. Esculpe ordinariamente figuras de dioses, pero sus modelos son hombres y los representa como seres humanos: adoptan actitudes indolentes, ve a las diosas como doncellas hermosas a las que desnuda y a los dioses como muchachos de formas graciosas. Además, trata de imbuir de aliento psicológico a sus obras, dándoles una expresión melancólica y graciosa, indolente. Alarga el canon de Policleto, consiguiendo que sus figuras ganen en esbeltez. Entre sus obras destacamos: Venus de Cnido, Hermes con Dionisos y Apolo sauróctono. VENUS DE CNIDO.  1,90m. Mármol.  Venus (Afrodita) es considerada en la mitología antigua como sinónimo de la perfección absoluta y adorada como diosa del amor y la belleza.  Es la primera representación de una diosa en plena desnudez, de ahí probablemente su fama. En realidad, escandalizó a los habitantes de la isla de Cos que la habían encargado, por lo que la rechazaron, yendo así a parar a Cnido, donde cautivó por su indudable belleza. Utilizó como modelo a su amante, Friné.  Representa a la diosa en un acto plenamente humano: el momento del baño ritual, razón por la cual aparece desnuda y depositando o recogiendo la ropa sobre un jarrón.  El cuerpo de Venus es el modelo ideal femenino: su postura recatada, ingenua, es de una singular inocencia. Su posición, con una mano sobre el pubis transmite esa sensación, aunque para algunos está señalando a la fuente de su poder.  En cuanto a su composición, las curvas praxitelianas, poco exageradas, incitan a la máxima sensualidad e imponen además un ritmo suave y delicado a la composición.  En cuanto a los gestos, su cara está idealizada como era habitual, pero se dota de una media sonrisa igualmente ingenua que hace la pieza tan atractiva, otorgándole esa charis o gracia que hizo tan humanas y reales las esculturas de su autor.

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La estatua podía ser vista desde todos los ángulos, ya que estaba colocada sobre un altar.

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HERMES CON DIONISOS. (o Hermes de Olimpia).  2,15 m. Mármol.  Es el modelo masculino de Praxíteles.  El dios Hermes sostiene en su mano derecha un racimo de uvas que el niño Dionisos desea coger, manifestando sus futuras inclinaciones a la bebida.  Hermes se anima con una expresión afectuosa.  Gracia, composición en S, estudio de los pliegues.

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APOLO SAURÓCTONO.  Representa a Apolo, dios de la luz, matando al monstruo de la oscuridad representado como reptil.  El dios aparece representado sin solemnidad, casi con simpatía, de modo que el grave significado del tema queda en segundo lugar.

SCOPAS. -

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Representante de la tendencia dramática, el pathos. Representa estados de ánimo patéticos, trágicos, de pasión violenta, no melancólicos y de ensueño como Praxíteles. Obliga al mármol a reflejar la satisfacción-insatisfacción del espíritu humano, la alegría y el dolor. Formalmente, consigue ese pathos tanto con el tratamiento que da los ropajes como con el les confiere a los rostros, convertidos en masas redondas y con una disposición especial del arco del entrecejo –encajado- y de la pupila dirigida hacia lo alto. Obras: Meleagro (Roma, Villa Médicis) y Ménade.

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MELEAGRO:  Joven cazador que se prepara para salir a cazar al jabalí Calidón que ha de serle fatal.  En el rostro se ve la expresión trágica de su próxima muerte. MÉNADE:  Sacerdotisa de Dionisos en pleno delirio religioso, agitada por violentos movimientos convulsivos, con la cabellera suelta y dejando al descubierto buena parte de su cuerpo lo que dota a la obra de sensualismo.

LISIPO. -

Último escultor de la época clásica. Desarrolló su obra en la 2ª mitad del s. IV. Autor muy prolífico, pero no se conserva ninguna obra original suya sino copias romanas. Fue uno de los artistas de la corte de Alejandro Magno. Muestra un elevado naturalismo que combina con la elegancia realizando una especie de síntesis entre los estilos de los dos anteriores. Modificó el Canon de Policleto, prefiriendo proporciones más esbeltas y cabeza más pequeña: contenida 8 veces en el cuerpo. Al mismo tiempo, dota a sus figuras de una gran expresividad y elegancia. Sus figuras muestran múltiples puntos de vista, nada de frontalidad. Técnicamente, muestra un gran virtuosismo lo que, de una parte, le lleva a cuidar sus figuras en los más mínimos detalles (por ejemplo, los cabellos) y, de otra, le inclina a expresar lo violento y lo agitado como alternativa a lo bello. Obras: Apoxiomenos, Ares Ludovisi y Hércules Farnesio.

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APOXIOMENOS:  Representa a un joven atleta, no en actitud heroica, sino en la más vulgar de quitarse el polvo y el aceite que cubre su cuerpo.  Rostro de formas llenas: la boca y los ojos pequeños no reflejan ni el apasionamiento de Scopas ni el ensueño de Praxíteles.  Comparado con el Doríforo, nos ofrece un cuerpo lleno de movilidad, movilidad que es la “sugerencia del movimiento”, no el movimiento mismo. Da la impresión de que el atleta, todavía cansado, se balancea nervioso sobre la planta de los pies. Aquí no hay un hombre idealizado sino un atleta cansado, taciturno y con el pelo revuelto. No obstante, Lisipo sigue los postulados clásicos ya que recoge las influencias de Policleto y se sujeta a un canon aunque sea más alargado resultando la figura más esbelta y menos pesada.  Compositivamente, los brazos extendidos obligan a adoptar múltiples puntos de vista, rompiendo con la frontalidad propia del clasicismo.  Anatomía tratada de forma muy naturalista.

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ARES LUDOVISI: Obra atribuida, su movida actitud la dota de una multiplicidad de puntos de vista típicamente de este autor.

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HÉRCULES FARNESIO:  Obra atribuida, presenta a Hércules descansando de sus trabajos y apoyado sobre la clava (maza) cubierta con la piel del león de Nemea.  Su estudiada musculatura produce intensos efectos de claroscuro.

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El período helenístico.

4.1.- Contexto histórico. Cronología: El período helenístico abarca desde la muerte de Alejandro Magno (323 a.C.) hasta año 31 a.C. en que los romanos conquistan definitivamente Oriente y Egipto. Políticamente, desaparece la división en polis a favor de una unidad estatal –el Imperio- fruto de las conquistas de Alejandro Magno. A la muerte de A. Magno el imperio se divide en numerosos reinos que, finalmente, confluyen en 4 estados: Macedonia (que incluye Grecia), Egipto con capital en Alejandría, Siria con capital en Antioquía y el reino de Pérgamo. Pero a esta fragmentación política se opone la unidad cultural, económica y lingüística. Geográficamente, la cultura griega se extiende por todo el Oriente Medio a la vez que las culturas autóctonas impregnan a la griega de nuevos elementos (por ejemplo, el colosalismo y la abundancia decorativa en arquitectura). Ideológicamente, la crisis de las polis (marco en los que el hombre vivía y se educaba y en el que encontraba la felicidad y la virtud) favorece la proliferación de nuevas líneas filosóficas (como el epicureísmo y el estoicismo) basadas en éticas personales que dan respuesta a las inquietudes de un hombre que ya no cree en los valores colectivos y que vive en ciudades enormes en las que no hay vida en común. Los artistas se interesan por situaciones de intenso dramatismo en las que el ser humano conoce sus límites y experimenta sentimientos muy personales pero también universales. Como reacción, también se desarrolla el gusto de la etapa anterior por lo evasivo y refinado, de modo que esta etapa aparece llena de contradicciones.

4.2.- La arquitectura helenística. -

Se abandona la escala humana, la armonía y la proporción en favor de la monumentalidad y grandiosidad. Acentuación de la ornamentación. Se impone el orden corintio. Como obras principales hay que destacar el Mausoleo de Halicarnaso y el Altar de Zeus en Pérgamo.

MAUSOLEO DE HALICARNASO.  Imponente tumba concebida por Mausolo, sátrapa persa gobernador de la provincia de Caria. Data del año 352 a.C.  De su importancia y monumentalidad surge el propio sustantivo mausoleo, sinónimo de gran monumento funerario y cuya inspiración se halla en la tradición oriental.  Autores: Piteo y Sátiro (arquitectos) y Scopas y Leocares (escultores).  Su estructura arquitectónica se compone de varias plantas: + una escalinata frontal + sobre ella, un podio cuadrado + a continuación, un cuerpo con un peristilo de columnas jónicas con estatuas entre ellas. + la construcción se remata con las figuras en bronces del sátrapa y su esposa.  Estaba considerado como una de las siete maravillas del mundo antiguo, pero fue destruido por un terremoto y luego expoliada por 25

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los caballeros de Rodas. Hoy sólo quedan restos arqueológicos pero sabemos de su grandeza gracias a la descripción de Plinio. ALTAR DE ZEUS EN PÉRGAMO.  Es un monumental altar dedicado a Zeus y Atenea, erigido en la Acrópolis de Pérgamo.  Fue construido entre los años 180-160 a.C. bajo el reinado de Eumenes II como parte del aparato propagandístico del Estado constituyendo un alegato de las victorias del monarca sobre las tribus galas.  Responde a la moda helenística de erigir los altares que antes se levantaban de forma provisional ante los templos, como construcciones independientes, monumentales y dedicadas a sacrificios.  Arquitectónicamente, el altar consta de una plataforma escalonada sobre la que se dispone un cuerpo porticado con dos partes: + parte central: donde está el altar o ara. + 2 alas laterales (antepechos) que avanzan hacia el espectador y encuadran la escalinata y el altar. Estas alas se levantan sobre un zócalo decorado con relieves. A su vez, el cuerpo porticado presenta una columnata jónica doble dividida por un muro central.  En cuanto a la escultura, se desarrolla en el zócalo y en el friso del muro central de la columnata. + Friso de la columnata: narra la historia de Telefo, legendario fundador de Pérgamo y nieto de Zeus, pretendiendo mostrar el origen divino de la monarquía pergamesca. + Zócalo: narra la Gigantomaquia. Se ve una clara contraposición entre la serenidad de los rostros de los dioses y la atormentada expresión de los gigantes; entre los gruesos ropajes de los dioses y la desnudez de los gigantes. El aspecto humano o semianimal de los gigantes (piernas de ofidio, cabeza y zarpas de león, alas de águila, cuernos de toro) resalta su bestialidad. Se pretende mostrar la fortaleza de la monarquía pergamesca como heredera del espíritu griego: la batalla entre dioses y gigantes es similar a la lucha de los reyes de Pérgamo contra los bárbaros.  Este altar fue descubierto y excavado por el ingeniero alemán Karl Human entre 1878-1880, tras un acuerdo entre el recién creado estado alemán y el decadente Imperio Otomano por el que éste daba permiso a los alemanes para excavar en la Acrópolis de Pérgamo y trasladar a Alemania los restos hallados a cambio de 20.000 marcos.

4.3.- La escultura helenística. La escultura presenta las siguientes características: - Olvida en numerosas ocasiones la idealización de épocas anteriores e incluso el canon para reforzar la expresividad y el realismo. - Acentuación del patetismo, el movimiento y la tensión.

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Temas muy variados: temas fantásticos (alegorías siguiendo la tendencia al antropomorfismo: ríos y ciudades se representan bajo forma humana), escenas de la vida cotidiana, temas anecdóticos, etc. No se desecha la representación de los defectos, lo feo, la vejez.

Se divide en cuatro escuelas: Atenas, Pérgamo, Rodas y Alejandría.

ATENAS: Agobiada por la crisis económica y la pérdida de poder, cultiva retratos de intelectuales como el de Demóstenes y paralelamente los seguidores de Praxíteles scopas y Lisipo, dan vida a la escuela NEOATICA, caracterizada por copiar y rejuvenecer los modelos clásicos. Entre sus obras destaca: NIÑO DE LA ESPINA O ESPINARIO. Museo de los Conservadores. Roma - 200 a.C. Mármol. - Pertenece a la llamada escuela neoática. - Obra de carácter ecléctico que pretende dar un aspecto clásico a un esquema realista, anecdótico, añadiéndole una cabeza inspirada en las de principios del s. V y hasta hacernos olvidar, al ser tan armónico el conjunto, que los bucles cuelgan en sentido horizontal hacia la espalda. VENUS DE MILO: (isla de las cícladas) - Se trata de una Afrodita semidesnuda que, tal vez, que con el brazo izquierdo sostenía el manto que cubre sus piernas mientras con el otro ofrecía una manzana (juicio de Paris). - 2ª mitad del s. II a.C. Algunos piensan que puede ser del posclasicismo del s. IV. Su autor es discutido, pero se le atribuye a Alejandro de Antioquía. - La escultura helenística parte de las conquistas del siglo IV, desarrollando plenamente los profesos estilísticos que entonces se inician e iniciando otros nuevos. Esta obra es, tal vez, una de las primeras Afroditas helenísticas, pero todavía con la nobleza de la etapa anterior. El peinado se asemeja a la de Praxíteles, pero el rostro permanece lleno de serena e innegable belleza. Presenta una grandiosidad majestuosa frente a la blandura de Praxíteles. La expresión serena de su rostro carece tanto del vago ensueño praxiteliano como del apasionamiento de Scopas. - Composición en S: la incurvación del cuerpo presta a la obra una insuperable gracia y movimiento. - Contraposición de las dos bellezas: el desnudo y el ropaje transparente. El desnudo es de una textura fina, pulida, mostrando una anatomía idealizada mientras que el ropaje (tratado con la técnica de los paños mojados) es más realista, de textura rugosa y con fuertes contrastes de luz y sombra. Esos mismos contrastes y la posición inestable del paño amplían la sensación de movilidad a todo el conjunto, que gana, además, en sensualidad. El adelantamiento de la pierna izquierda realza y agita los paños. - Lo maravilloso de esta obra es que, utilizando formas tan realistas, se haya logrado un modelo tan depuradamente ideal. - Esta Afrodita, tan majestuosa y con tanta carga de idealización no se puede considerar como el tipo más común de Afrodita helenística ya que, en los demás casos, se presenta a la diosa en actitudes y situaciones muchos más variadas y menos majestuosas (surgiendo de las aguas, recogiéndose el cabello, en cuclillas, danzando, etc.)

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PÉRGAMO: Se inclina por los temas patéticos, de sentimientos violentos. Sus habitantes habían rechazado una incursión gala y el Rey Atalo I decidió conmemorar la victoria con seis esculturas que se mostrarían en la plaza pública: GALO LUDOVISI O GALO SUICIDÁNDOSE (también llamado gálata) Museo Capitolino. Roma. - 230-200 a.C. Escultura central que presenta al jefe de los bárbaros que, con su mano izquierda, arrastra a su mujer a la que ha matado para librarla de la esclavitud mientras que con la derecha se suicida clavándose la espada. GALO O GÁLATA MORIBUNDO - Representa a uno de los guerreros que rodeaban a su jefe, en este caso el trompeta, como demuestra la corneta que yace con él junto al resto de las armas. Desangrándose por la mortal herida de su pecho, pugna en vano por levantarse. - Esculturas de hondo sentido patético y un naturalismo exacerbado, ambos elementos característicos del pathos que afecta a muchas esculturas helenísticas. Obsérvese, en este sentido, el realismo de algunos elementos, como el torques o anillo al cuello y el bigote, ambos símbolos de extranjerismo. Son figuras tratadas con gran dignidad.

RODAS: Continúa en esta vertiente dramática, profundizando en la emoción del sufrimiento y acentuando el dolor. Sus creaciones más importantes son: VICTORIA DE SAMOTRACIA. M. del Louvre. - 190 a.C. Mármol. - Representa a una Victoria como si estuviera posándose erguida sobre la proa de un barco, si bien en realidad la pieza se apoyaba sobre una proa de piedra, erigida en la concha superior de una fuente que conmemoraba la victoria naval de los rodenses sobre Antíoco III de Siria. - Pertenece a la escuela barroca que se desarrolla en Rodas, es decir, una corriente caracterizada por la grandiosidad de las imágenes y por su ampulosidad formal. - De soberbio naturalismo, Niké (la Victoria) se apoya en el barco victorioso, con sus vestidos sacudidos hacia atrás por el viento, lo que permite un juego muy dinámico de los paños, con violentos contrastes de luz y sombra. - Obra de gran dinamismo conseguido mediante su postura, adelantando una pierna a la otra y disponiendo sus alas hacia atrás. - Canon novedoso por sus enormes proporciones. TORO FARNESIO. Museo Arqueológico de Nápoles. - 130 a.C. Mármol. Escuela de Rodas. - Basada en el mito de Antíope: Antíope, hija del rey de Tebas, de gran belleza fue seducida por Zeus del que tuvo dos hijos. Pasó numerosas tribulaciones entre ellas el ser maltratada por su tía Dirce. En venganza, sus dos hijos apresaron a Dirce y en el Citerón la ataron a los cuernos de un toro que la destrozó contra las rocas. - Representa a los dos hijos de Antíope atando a Dirce al toro mientras la figura de Antíope contempla el castigo.

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Monumentalismo barroco. Grupo de gran dinamismo, perfectamente tridimensional y asentado en una base paisajística. De gran expresividad conseguida a través del realismo de los animales, las actitudes rígidas de los jóvenes y esa compleja torsión en espiral de la figura de Dirce. El trozo de paisaje que le sirve de base es un buen ejemplo del gusto por lo pintoresco, del período helenístico.

LAOCOONTE Y SUS HIJOS. Museos Vaticanos. - Entre el 50 a.C. – 50 d. C. Mármol. Realizada en Roma por Agesandro, Polydoro y Athenodoro para realizar la Domus Aurea de Nerón - Se trata de un grupo escultórico en el que figuran Laocoonte y sus hijos atacados por dos serpientes. Laocoonte era un sacerdote troyano de Apolo que desaconsejó que se permitiera la entrada del caballo de madera en Troya y fue castigado, por ello, por Atenea a morir junto a sus hijos atacados por serpientes junto al ara de Apolo. - Composición triangular en su conjunto y en los huecos de brazos y piernas y helicoidal en el movimiento de las extremidades y la disposición de las serpientes (línea serpentinata). Los tres personajes están perfectamente interrelacionados y entrelazados por la sinuosa serpiente. - Gran efecto de dramatismo y realismo: expresión universal del dolor. Los rostros reflejan la tragedia del momento más en el padre que en los hijos. - El padre está hecho a una escala mayor que los hijos. - La impresionante musculatura, desaforada en el caso del Laocoonte, y su rostro, barroquización plena de expresión del dolor con sus agudos contrastes de luz y sombra en pelo, ojos, boca, etc., tuvieron una gran repercusión cuando esta obra fue descubierta, en 1506, influyendo decisivamente en la terribilitá de Miguel Ángel y en el Greco.

ALEJANDRÍA: Gustaba de temas cotidianos y alegóricos. Representó toda una galería de tipos populares en terracota (tanagras), piedra o bronce, y simultáneamente desarrolló en mármol, personificaciones de ideas abstractas. Su obra más conocida en este aspecto es: ALEGORÍA DEL RÍO NILO. Museos Vaticanos. - Representa a un anciano recostado que está rodeado por dieciséis niños, que representan los dieciséis codos que podía crecer las aguas del Nilo durante las inundaciones. - Porta el cuerno de la abundancia y símbolos de las tierras que sus aguas fertiliza. - Hay elementos anecdóticos, como los niños jugando con los cocodrilos,propios de esta escuela.

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