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Arte Bizantino: Características, Pintura, Escultura, Arquitectura Por Marco Ibarra El arte bizantino engloba todas las obras de pintura, arquitectura y otras artes visuales que fueron producidas en el Imperio Bizantino, el cual se centraba en Constantinopla. Además, incluye obras de arte creadas en otras áreas, pero directamente afectadas por la influencia del estilo artístico bizantino. Las imágenes y representaciones creadas en pinturas y en edificios eran de un carácter bastante homogéneo a lo largo de todo el imperio. Esto era especialmente sorprendente, dada la gran extensión de terreno que ocupaba esta civilización.

Fuente: pixabay.com Las creaciones bizantinas se propagaron por todo el imperio desde su creación, hasta la captura turca de su capital, Constantinopla, en el año 1453. Cuando el Imperio Romano fue dividido en dos (lo que ocasionó la creación del Imperio Bizantino al este), una gran cantidad de representaciones cristianas fueron creadas como consecuencia de esto. Estas representaciones fueron las bases fundamentales del arte bizantino, el cual tuvo altas influencias del cristianismo. Índice [Ocultar] 

1 Características generales

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1.1 Motivos

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1.2 Estilos preferidos

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1.3 Características clásicas

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1.4 Influencia veneciana e influencia en el Renacimiento

2 Pintura o

2.1 Métodos principales

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2.2 Escultura

3 Mosaico o

3.1 Iconoclasia y evolución

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3.2 Declive de los mosaicos en el Imperio Bizantino

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4 Arquitectura

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5 Referencias

Características generales Motivos Aunque el arte bizantino tuvo alguna variación a lo largo de su existencia, casi todas las obras artísticas estaban relacionadas con temas religiosos y la expresión de la religión en todas sus formas. Esto se vio representado en el paso de la teología eclesiástica a imágenes, a través de la pintura y los mosaicos. Esta uniformidad conceptual hizo que la pintura y la arquitectura bizantina se desarrollasen de manera muy similar durante la existencia del imperio. Además, el hecho de producir piezas del mismo estilo hizo que se desarrollara un estilo mucho más sofisticado, en comparación a otros estilos particulares de la época. La escultura no se vio expuesta a un crecimiento significativo durante este período. De hecho, son muy pocas las obras esculturales que se crearon en el arte bizantino, lo que dificulta encontrar la importancia de la escultura para este movimiento artístico. Estilos preferidos El arte bizantino medieval inició con la pintura de frescos en murales de gran tamaño, como también con la implementación de mosaicos en edificios religiosos, como iglesias. Estas obras causaron tanta influencia en los pintores de la época, que el estilo artístico bizantino fue adoptado rápidamente por pintores en las regiones artísticas más influyentes de Italia. Entre estas regiones, cabe destacar a Ravena y a Roma.

Además de los estilos tradicionales de frescos y mosaicos, hubo otro estilo artístico muy utilizado en los monasterios de Constantinopla: el ícono. Estos íconos eran figuras religiosas, las cuales se pintaban en paneles creados en monasterios ubicados en el este del imperio. Los íconos se pintaban en paneles de madera portátiles, y se utilizaba cera para confeccionar su calidad. Esto servía como representación bizantina del arte bíblico. Características clásicas Una de las principales características por las que destacó el arte bizantino, fue la influencia en el arte clásico que tenían sus obras. Se piensa que el período bizantino marca un redescubrimiento de la estética clásica, lo que jugó un papel fundamental en el arte renacentista unos años después. Sin embargo, una de estas características clásicas que no siguió el arte bizantino fue la capacidad de los artistas de representar la realidad, o al menos intentar hacerlo. Para los artistas bizantinos, lo más importante era representar ideas abstractas y, en muchos casos, ideas que iban en contra de los principios de la naturaleza. Este cambio de ideas se dio a finales de la edad antigua e influenció profundamente el entorno artístico del Imperio Bizantino. Influencia veneciana e influencia en el Renacimiento Durante el inicio del siglo XI, una serie de diferencias entre el Imperio Bizantino y la reemergente ciudad de Roma causaron un cambio en la tendencia artística de la época. Muchas de las grandes ciudades italianas comenzaron a convertirse en centros de comercio cruciales en Europa, lo que las convirtió en sitios muy atractivos para vivir. Muchos artistas abandonaron Constantinopla para mudarse a ciudades como Venecia. Las tendencias artísticas del arte bizantino emigraron a lo que luego sería Italia, junto a sus artistas. Allí, se combinaron con las ideas locales e impulsaron un movimiento nuevo, al cual luego se le comenzó a referir como “Proto-Renacimiento”. Esta fue la primera etapa del arte renacentista, el cual inicio, justamente, en Italia. Pintura Muchas de las obras creadas en la pintura bizantina eran figuras de la Virgen María con el Niño Jesús en sus manos. Este fue el motivo religioso más repetido a lo largo de la existencia de este arte, haciendo énfasis en la influencia religiosa sobre los artistas de la época. Las figuras pintadas estaban altamente estilizadas, pero se sentían poco naturales e incluso abstractas. Según indican los historiadores, esto puede haberse debido a un decaimiento en los estándares realistas del período. Sin embargo, también puede significar simplemente un cambio en el estilo del arte que se mantuvo por varios siglos. Además, la iglesia y los monasterios dictaban el estilo de arte que los pintores debían usar, lo que no permitió a la pintura bizantina florecer libremente como sí ocurrió en otros movimientos artísticos.

Las pinturas, en muchos casos, ni siquiera eran “creaciones” del pintor. Eran simplemente imágenes solicitadas por la Iglesia Católica, y los pintores debían apegarse a las solicitudes que les hacían sus superiores religiosos. Estas influencias de los altos mandos de la Iglesia ayudaron, en parte, a que la pintura bizantina fuese uniforme a lo largo de todo este período artístico. Para los integrantes de los altos mandos de la Iglesia, los pintores no eran más que un medio para llevar a cabo el desarrollo de imágenes ideadas por ellos mismos. Métodos principales El período de arte bizantino tuvo dos estilos de pintura que se destacaron como los principales: aquellas pinturas creadas en murales, y las pinturas creadas en caballetes. La mayoría de las pinturas murales del arte bizantino eran realizadas en madera, utilizando pintura en base de aceite o témperas para crear las imágenes. Estos murales eran realizados, más que nada, en iglesias y templos. Eran composiciones religiosas únicamente, tenían un carácter simbólico y cumplían con las características abstractas del estilo bizantino. Los artistas no buscaban representar claramente la imagen del hombre, sino más bien crear una representación racional de lo que se pensaba era su naturaleza. Conforme el arte bizantino se desarrolló a través de sus distintos períodos, las poses de las personas y sus expresiones cambiaron. Estos cambios representan la evolución del estilo artístico bizantino durante sus más de mil años de existencia. Los temas más comunes pintados en murales, eran: la Virgen María, el Niño Jesús, la Resurrección, el Último Juicio y la Gloria de Dios.

By Antreus93 [CC BY-SA 4.0 (https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0)], from Wikimedia Commons

Entre las pinturas bizantinas más destacadas, se encuentran: los Íconos de Santa Catalina de Sinaí, los Murales de los Monasterios de Meteora y los Frescos de los Monasterios de Montes Altos. Escultura Muy pocas piezas esculturales fueron creadas durante el período artístico bizantino. Sin embargo, la escultura fue utilizada a menor escala en algunas de las creaciones pequeñas significativas de la época. Por ejemplo, se solía esculpir pequeños relieves artísticos en materiales tales como el marfil. Esto se usaba principalmente para adornar portadas de libros, cajas que contenían reliquias y otras obras de menor escala similares. Si bien no hubo esculturas a gran escala significativas (se prefería el uso de mosaicos para la decoración de la arquitectura), las personas más adineradas del Imperio Bizantino sí solicitaban la creación de elementos esculpidos. Esto ocurría más que nada en Constantinopla, la capital del imperio. Allí, la alta sociedad poseía pequeños trabajos de oro, con algunos adornos de bordado. Las obras esculturales de mayor escala existieron durante esta etapa de la historia de la humanidad, pero no principalmente dentro del período artístico bizantino. Las talladuras de marfil que más se acostumbró a crear eran dípticos y trípticos, con temática religiosa, que representaban eventos bíblicos tales como la crucifixión de Cristo. Uno de los ejemplos más destacados de la escultura bizantina es el díptico de Asclepios, creado en el siglo V y ubicado actualmente en el Museo de la Ciudad de Liverpool. Mosaico Los mosaicos son las obras artísticas más destacadas del período bizantino. Este estilo artístico se desarrolló a partir de las creencias cristianas del Arte Romano Tardío; era considerado un lenguaje visual que expresaba significativamente la unión entre Cristo y su Iglesia. Los artistas de la etapa bizantina eran contratados por los grandes conglomerados eclesiásticos para que visitaran regiones alejadas de su metrópolis y crearan mosaicos referentes a la religión. Tal como ocurrió con la pintura, el estilo de los mosaicos fue establecido en Constantinopla, pero se propagó a lo largo de todo el territorio bizantino y en otras regiones europeas. Hubo dos centros religiosos donde más se destacó el arte mosaico bizantino. El primero y, presuntamente, el más imponente, era la catedral de Hagia Sophia. Si bien esta catedral se mantiene en pie el día de hoy, muchas de sus obras de mosaicos originales se han perdido con el tiempo. El segundo lugar donde más destacaron los mosaicos era la Catedral de Rávena. Esta catedral, ubicada en Italia, conserva hasta el día de hoy los mosaicos más importantes creados durante el período bizantino.

Mosaico de la Catedral de Ravena. Fuente: pixabay.com Los mosaicos bizantinos pasaron a la historia como una de las obras artísticas más hermosas creadas por la humanidad. Iconoclasia y evolución Uno de los períodos que más afectó a la conservación de los mosaicos, fue la iconoclasia que se propagó por Europa. Esta era una creencia social que daba importancia a la destrucción de símbolos y otros elementos icónicos, con fines religiosos o políticos. El período iconoclasta afectó al arte bizantino y se vio representado en una destrucción masiva de obras de arte (particularmente murales y mosaicos) ocurrida en el siglo VIII. Durante esta etapa, los mosaicos de figuras eran mal vistos por las autoridades. Algunos mosaicos con íconos de oros significativos fueron reemplazados por imágenes diferentes. Sin embargo, luego del final del siglo XVIII, los mosaicos volvieron a resurgir y recobraron su importancia en el arte bizantino. En los períodos subsecuentes, se desarrolló un estilo de mosaico nuevo, el cual se destacaba por sus obras en miniatura. Eran obras bastante difíciles de crear y su objetivo principal era la devoción personal. Es decir, pertenecían a una persona en específico. Declive de los mosaicos en el Imperio Bizantino Apartando a la era iconoclastia, hubo dos momentos en la historia del imperio bizantino en los cuales el arte mosaico sufrió un declive. El primero fue a principios del siglo XIII, cuando Constantinopla fue saqueada por invasores. Esto causó que el arte mosaico dejara de producirse por casi 50 años. Cuando la ciudad fue reconquistada en 1261, la catedral de Hagia Sophia fue restaurada y el arte mosaico volvió a brillar. El segundo declive de este arte fue definitivo. Durante los últimos años del Imperio Bizantino, en el siglo XV, el Imperio ya no tenía la capacidad de económica para producir obras costosas, tales

como los mosaicos. A partir de este período y luego de la conquista turca, las iglesias fueron solo decoradas con frescos y murales. Arquitectura

Catedral de Santa Sofía (Hagia Sophia). Fuente: pixabay.com El estilo de arquitectura bizantina se desarrolló primeramente en su capital, Constantinopla. Los arquitectos de este estilo se basaron en las características de la arquitectura romana, la cual tenía grandes influencias griegas. El edificio romano que inspiró a los arquitectos bizantinos fue, principalmente, el templo. Los edificios más destacados de la arquitectura bizantina fueron las iglesias y catedrales. Al igual que la pintura, la escultura y los mosaicos, la religión jugó un papel fundamental en la arquitectura de Constantinopla. Las catedrales de gran tamaño (usualmente con cuatro corredores largos) tenían un domo imponente, el cual caracterizó a las basílicas de la época. Estos domos estaban apoyados en varias piezas arquitectónicas que permitían su estabilidad. Estaban decoradas con grandes cantidades de mármol, usualmente en forma de columnas. Además, se decoraban con mosaicos y pinturas murales de gran escala. La estructura que mejor representa el arte arquitectónico bizantino, la cual hoy en día se mantiene en pie, es la catedral de Santa Sofía (Hagia Sophia), ubicada en lo que hoy es Estambul, Turquía. La catedral representa al arte bizantino en casi todas sus formas, y su gran domo demuestra la imponencia de la capacidad arquitectónica de la época. Referencias 1. Byzantine Art, Encyclopaedia Britannica, 2018. Tomado de britannica.com 2. Diptych, Encyclopaedia Britannica, 2016. Tomado de britannica.com 3. Byzantine Architecture, Encyclopaedia Britannica, 2009. Tomado de britannica.com

4. Byzantine Art, Art History Online, (n.d.). Tomado de arthistory.net 5. The Collapse of Rome and the Rise of Byzantine Art (c.500-1450), Visual Arts Encyclopedia, (n.d.). Tomado de visual-arts-cork.com 6. Byzantine Art, Medieval Chronicles, (n.d.). Tomado de medievalchronicles.com 7. Byzantine Painting, The History of Painters, (n.d.). Tomado de historyofpainters.com 8. Iconoclasm, Wikipedia in English, 2018. Tomado de wikipedia.org

Arte gótico: características y principales obras

Andrea Imaginario Especialista en Artes, Literatura Comparada e Historia El arte gótico es un estilo fascinante debido a que en él se unifican el arte y una nueva teología que surgía en Europa hacia el año 1100. Algunos historiadores de la Ilustración veían este estilo como expresión de una época oscurantista, pero el arte gótico fue una estética de la luz sobre todas las cosas. En él se manifestó el humanismo teocéntrico que dio paso al antropocentrismo renacentista. El gótico tuvo su inicio en la Baja Edad Media, en Francia, desde donde se irradió al resto de Europa. Cada país, sin embargo, incorporó elementos de su cultura y así en cada uno adquirió características particulares. Conozcamos algunas de las características más distintivas del arte gótico, así como los acontecimientos históricos, los valores y las obras que lo convirtieron en un arte eterno. Características y valores del arte gótico La catedral como ofrenda y orgullo

Catedral de Nuestra Señora de París (Notre Dame). La catedral fue un centro de referencia en el gótico, ya que constituía la máxima ofrenda a Dios y tenía como propósito alcanzar la trascendencia espiritual e histórica. Fue el resultado del apogeo de las ciudades, cuando la prosperidad del campo permitió que se formaran centros urbanos o burgos. Los habitantes de los burgos, o burgueses,pagaban impuestos al rey, lo que significó una mayor riqueza para este y un mayor poder de inversión social. Las catedrales fueron construidas con la participación de todos los sectores de la sociedad: las autoridades civiles, el clero, los donantes (tanto nobles como burgueses) y los gremios de artesanos, quienes por primera vez en la historia recibían un salario. Por todo esto, la catedral gótica fue al mismo tiempo símbolo de la alianza entre el rey y el obispo y símbolo del orgullo burgués. Además de las catedrales, también se construyeron iglesias, monasterios, palacios y diferentes tipos de edificios con este estilo. Estética de la luz

Interior de Sainte Chapelle, Francia. El abad Suger (1081-1151), quien fue consejero de los reyes Luis VI y Luis VII de Francia, formula los principios de la estética de la luz, fundamento de todo el arte gótico. Esto lo hace a partir de la lectura de los escritos de Pseudo Dionisio Areopagita (siglos V y VI d. C.). Según esta corriente, la luz se concebía como símbolo de la divinidad, creadora de todas las cosas. Si el universo entero era creación divina, todo lo que en él habitaba era reflejo de la luz de Dios. En consecuencia, los elementos de la vida, espirituales o materiales, se revalorizaron desde una perspectiva teocéntrica. Para el abad Suger, así como para sus contemporáneos, la contemplación estética se transformó en una experiencia espiritual. Esto fue, sin duda, un punto de inflexión en la cultura occidental. El arte y los objetos artísticos tenían que ser expresión de la luz divina, lo que se simbolizó por medio del brillo de los materiales y el uso de los colores vivos. Nuevas técnicas arquitectónicas El arte gótico fue posible también gracias al desarrollo de la exploración arquitectónica, cuyos hallazgos impulsaron el nuevo estilo y se interpretaron a partir de la estética de la luz. Bóvedas de crucería La técnica más importantes fue la bóveda de crucería. Se trata de un sistema de bóvedas que cruza dos arcos ojivados o apuntados. Este cruce genera una serie de nervaduras visibles en la estructura que distribuye el peso de la construcción hacia los pilares, ahora más estilizados, y los arbotantes y contrafuertes externos.

Interior de SainteChapelle, Francia. Puede observarse en el techo la formación de bóvedas de crucería y el vaciamiento de los muros, ahora sustituidos por vitrales. Fotografía: Loïc Lagarde. Arbotantes y contrafuertes Aparecen también los arcos arbotantes, que consisten en medio arco exterior que recibe el peso que distribuyen las bóvedas de crucería. A su vez, los arbotantes distribuyen el peso hacia los contrafuertes. Así, los muros que antes servían para contener el peso del edificio se hacen innecesarios. Los contrafuertes se remataban con pináculos, los cuales cumplen una función decorativa y, al mismo tiempo, simbólica, ya que dan mayor altura al edificio.

Detalle de arbotantes y contrafuertes. Catedral de York, Inglaterra. Vitrales y rosetones Gracias a las nuevas técnicas arquitectónicas, los muros macizos se sustituyeron por grandes ventanales donde se hicieron vitrales. Los vitrales permitieron la resuelta iluminación solar del interior de los edificios por primera vez en la historia. Al mismo tiempo, sustituyeron a los frescos propios del arte románico. Se usaron los vitrales con forma de arcos apuntados y también los rosetones, que son ventanas circulares caladas dispuestas radialmente. Los vitrales multicolores proporcionaron una iluminación absolutamente novedosa, efectista e impactante. La luz dentro de las catedrales fue concebida como un elemento de contemplación divina.

Detalle de vitrales (rosetón). Catedral de Chartres, Francia. Carácter didáctico de las artes figurativas El arte gótico tiene un carácter didáctico. Su mensaje se orienta a la celebración del Dios encarnado y la unión de Dios con sus criaturas, lo que se hizo visible en las artes figurativas, tanto escultura como pintura. Las fachadas de las catedrales góticas aún serán concebidas como libros de piedra abiertos al transeúnte, llenas de relieves escultóricos, originalmente pintados en colores vivos. En el caso de la decoración interior, los vitrales serán comprendidos como una puerta hacia la revelación, pues sus efectos favorecen la contemplación espiritual.

Fachada de la catedral Nuestra Señora de Amiens, Francia, en el contexto de un show lumínico del año 2010 que reconstruyó los colores originales de la fachada. Fotografía: Tabou & divers. Humanismo teológico y tendencia al naturalismo en las artes figurativas La estética de la luz está unida indisolublemente al humanismo teológico, una corriente filosófica de fines de la Edad Media que revalorizó la dignidad de ser humano como creación divina. Los temas del gótico poseen una tendencia emocional y expresionista. Los elementos simbólicos propios del arte románico comienzan a dar entrada al naturalismo, que se va perfeccionando gradualmente al eliminar la frontalidad. Por ejemplo, la representación de la crucifixión será cada vez más sinuosa y flexible. El gótico representa el juicio final como triunfo de Cristo, el cual dispone en la entrada como alegoría de la frase bíblica: “yo soy la puerta”.

Cristo en majestad. A cada lado, las alegorías de los cuatro evangelistas. Tímpano de la fachada principal Chartres. Mientras tanto, por encima de los Salmos, el libro de los Reyes y el Apocalipsis, propios de la mirada románica, el gótico hace énfasis en los Evangelios. Además, aparecen en el repertorio figurativo profetas, antepasados de Cristo y sus apóstoles. Hecho curioso es que en las vidrieras y otros objetos artísticos, se comienzan a retratar también a los gremios de artesanos y donantes que hicieron posible su elaboración. Afirmación del culto mariano Si bien es cierto que el culto mariano es muy antiguo, durante este período alcanzó su punto álgido. Algunos autores atribuyen esto a que, durante las cruzadas, las mujeres se quedaron solas en casa bajo la influencia de los clérigos. Las mujeres fueron ganando espacios, lo que favoreció que educaran a sus hijos en el “amor cortés”, por un lado, y, por el otro, que se extendiera y afirmara la veneración a la Virgen y a María la Magdalena, únicos referentes femeninos del seguimiento cristiano en el Nuevo Testamento.

Puerta de la Virgen, catedral de Notre Dame. París, Francia. En consecuencia, crecieron los temas marianos y gran parte de las catedrales recibieron el nombre de alguna advocación de la Virgen María. En este sentido, los temas más extendidos y venerados fueron la anunciación, la infancia de la Virgen, los desposorios de la Virgen y la Virgen en majestad, casi siempre con el Niño Jesús en el regazo. Vea también Catedral de Notre Dame de París. Progresiva independencia de las artes figurativas Las piezas escultóricas y pictóricas irán ganando poco a poco independencia de la arquitectura. Entre esas piezas habrá esculturas de bulto redondo, pintura sobre tabla y miniaturas o iluminaciones de los manuscritos medievales. A esto se le sumará el arte de los objetos litúrgicos (tabernáculos, copones, patenas, custodias, etc.), elaborados en metales y piedras preciosas para dar más luz y belleza. Todo lujo es para Dios.

Cimabue: Crucifijo, 390 x 433 cm, Museo de Santa Croce, Florencia. Obras más representativas del arte gótico Basílica Saint-Denis, Francia

Basílica Saint-Denis. Nótese que la torre norte se desmanteló en el siglo XIX. Se trata de la primera edificación de estilo gótico, ejecutada en Saint-Denis, París, Francia. El proyecto fue propuesto y dirigido por el abad Suger. Fue construida entre 1140 y 1144. Catedral de Chartres, Francia

Catedral de Chartres, fachada. Esta catedral, llamada catedral de la Asunción de Nuestra Señora, ubicada en Chartres, Francia, fue consagrada en el año 1260. Se trató de una reconstrucción a partir de los restos de una vieja

iglesia románica que sufrió un incendio que dejó solo algunos de sus elementos. A partir de allí, se hizo un proyecto que transformaría su estilo hacia la nueva tendencia del gótico. Sainte-Chapelle, Francia

Saint-Chapelle, fachada. Sainte-Chapelle es una de las obras más emblemáticas del gótico francés. También es conocida con el nombre de capilla real de la Île de la Cité, y está ubicada en París. Su construcción inició en 1241 y finalizó en 1248, un fenómeno único en la arquitectura de este estilo. Fue consagrada para albergar las reliquias que guardaba el rey San Luis de Francia. Catedral de Colonia, Alemania

Catedral San Pedro de Colonia, fachada. Recibe el nombre de Catedral de San Pedro. Su construcción inició en 1248 y culminó apenas a finales del siglo XIX, específicamente en 1880. Catedral de Burgos, España

Catedral de Burgos, fachada. La catedral de Burgos recibe el nombre de Santa Iglesia Catedral Basílica Metropolitana de Santa María. Su construcción inició en 1221. Fue inspirada en el estilo gótico francés, pero a lo largo de los siglos ha sufrido diferentes reformas. La última fue en el siglo XVIII. Catedral de Milán, Italia

Catedral de Milán, fachada. Esta catedral es también conocida como el Duomo de Milano. Está consagrada a la Natividad de la Bienaventurada Virgen María. Su construcción inició tardíamente respecto del origen del gótico francés, pues apenas tuvo comienzo en el año 1386. Implicó uno de los procesos más largos de construcción, pues solo fue concluida en 1965. Monasterio de Batalla, Portugal

Monasterio de Batalha, fachada. Su nombre es, realmente, Convento de Santa Maria da Vitória, pero popularmente se le conoce como Monasterio de Batalla o Monasterio de Batalha. Forma parte de las obras del gótico tardío, pero demarcó un estilo gótico propio de Portugal llamado gótico manuelino. Su construcción inició en 1386 y finalizó en 1517. Una sección quedó incompleta. Esta sección hoy recibe el nombre de "capillas imperfectas". El misterioso origen del término “gótico”

Existen dos teorías sobre el origen de la palabra “gótico”. La primera refiere que el término era usado peyorativamente para designar el tipo de letra surgido a finales del siglo XI en el reino anglonormando de Francia, como consecuencia del aumento del número de escribas y de la necesidad de una mayor soltura para más rapidez. La segunda sostiene que el término “gótico” fue empleado por los renacentistas para referirse al arte de la Edad Media de origen godo, al que ellos consideraban inferior y bárbaro.

Arte Renacentista: Características, Pintura, Arquitectura Por Marco Ibarra

El arte renacentista es un estilo artístico que incluye la pintura, la escultura y la arquitectura surgida en Europa alrededor del año 1400; específicamente en Italia. El arte fue uno de los principales exponentes del Renacimiento europeo. En esta etapa se empezó a reconocer a artistas que aún tienen renombre, como Boticelli, Giotto y van der Weyden.

A esta etapa de la historia de la humanidad se le denomina Renacimiento porque fue un período que presentó una serie de mejoras significativas en las obras literarias, filosóficas, musicales y científicas. Fue un período que se originó en Italia a finales de la etapa medieval europea, antes de esparcirse por el resto del continente. El movimiento se basó principalmente en una combinación de los aspectos medievales de la época y las ideas modernas que empezaron a surgir a principios del siglo XV. El período originó un cambio en Europa que alteró el rumbo social de la humanidad de manera positiva, y sentó las bases para el desarrollo de las sociedades modernas.

Índice [Ocultar] 1 Características generales 1.1 Influencia del arte griego 1.2 Humanismo 1.3 La mejora de la pintura 1.4 Renacimiento comercial 1.5 El reencuentro de textos clásicos 1.6 Influencia del cristianismo 2 Principios estéticos

3 Pintura 3.1 Características 3.2 Representantes 3.3 Obras principales 4 Arquitectura 4.1 Características 4.2 Representantes 4.3 Obras 5 Escultura 5.1 Características 5.2 Representantes 5.3 Obras 6 Referencias

Características generales Influencia del arte griego Uno de los factores principales que influyó en el cambio cultural de la percepción del arte fue la influencia de la escultura y pintura griega. De hecho, muchos aspectos del Renacimiento son bastante similares a los que estaban presentes en las obras artísticas de Grecia. Esto ocurrió luego de que los artistas italianos de la época estudiaran textos, obras y arte griego para usarlo como inspiración para sus creaciones. Quien influenció este cambio en la percepción del arte fue Petrarca, un famoso artista italiano del siglo XIV. Esto dio origen a un movimiento que no solo estaba basado en la adaptación de la cultura humana a una época pos medieval, sino que se apegaba a los principios tradicionales de obras antiguas que marcaron un antes y un después en el arte. Humanismo La mayor cantidad de arte producido en el Renacimiento fue inspirado por la creencia filosófica del humanismo. De por sí, el humanismo ya había jugado un papel importante en el alcance de incontables logros en la antigua Grecia, como por ejemplo, el surgimiento de las ideas democráticas en la política. Esta creencia ayudó a los artistas a dejar a un lado la influencia religiosa que usualmente se plasmaba en las obras de la época.

De hecho, la introducción del humanismo al mundo artístico ocasionó que se diera más importancia a la representación de acciones consideradas como pecados y se hablara más abiertamente de la religión. El humanismo también hizo que se prestara más atención a los detalles de los rasgos de las personas en la pintura. Las obras del Renacimiento estaban enfocadas en la creencia humanista de que las acciones correctas eran la clave para la felicidad, pero se dejaba a un lado la influencia religiosa que podía tener este concepto. La mejora de la pintura Durante el siglo XV varios pintores holandeses de renombre desarrollaron mejoras a la manera en la que se creaba la pintura al óleo. Durante el período renacentista los artistas italianos utilizaron las nuevas técnicas holandesas para mejorar sus pinturas. Este fenómeno tuvo efectos en la calidad y duración de las obras artísticas, además de haber traído cambios significativos a la pintura a escala mundial. Además, el Renacimiento se dio en gran parte gracias a la presencia de personajes italianos brillantes. Muchos de estos llegaron a ser considerados como los mejores de todos los tiempos en términos de influencia, como Piero della Francesca y Donatello. La presencia de estos artistas hizo que la calidad del arte en general mejorara increíblemente, pues incluso pintores con menos renombre se inspiraban del surgimiento de nuevas técnicas para mejorar sus propias creaciones. Renacimiento comercial El Renacimiento se vio potenciado por la nueva capacidad que tenían las regiones de comerciar con bienes naturales propios de estas.

Es decir, cada región desarrolló un sistema de comercio de exportación que hizo que sus riquezas aumentaran significativamente. Además, Florencia se convirtió en un centro cultural muy importante en la época gracias a la inauguración del Banco Medici, que potenció increíblemente las riquezas de la ciudad y abrió incontables puertas a los artistas italianos. El reencuentro de textos clásicos Una de las principales influencias de la literatura renacentista fue la reaparición de textos medievales que se habían perdido en la Edad Oscura de la humanidad. Los literarios que estudiaron estos textos utilizaron influencias de estos para mejorar sus obras y dar un toque antiguo al movimiento, que para ese entonces era contemporáneo. Influencia del cristianismo

Si bien las obras creadas durante el período renacentista no estaban atadas a las críticas de la Iglesia católica, la religión cristiana sirvió como influencia positiva para varios de los exponentes de este movimiento cultural. Entre ellos estaba Erasmo, el literario holandés, quien utilizó el cristianismo de los primeros cuatro siglos como inspiración para sus obras. Principios estéticos Además de imágenes sagradas, muchos de los trabajos de los artistas del renacimiento trataban temas como el matrimonio, el nacimiento o la vida diaria familiar. La clase media de Italia buscaba imitar a la aristocracia para elevar el estatus social, y una de las formas era comprando arte para sus hogares. Aunque las obras arquitectónicas y las esculturas estaban estrechamente ligadas a la antigua cultura griega y romana, la pintura renacentista presentaba una serie de características particulares que la hizo única. Una de estas es la proporción como herramienta principal del arte. Anteriormente, era común ignorar las proporciones reales de los seres humanos al momento de componer una pintura, pues se daba más relevancia a otros aspectos. Sin embargo, esto cambió con la incorporación del humanismo a la filosofía de los artistas. La técnica de la perspectiva también estuvo acompañada del escorzo. Esta técnica consiste en pintar un objeto mucho más cerca de lo que realmente está, para cambiar el enfoque visual de quien esté apreciando la obra. Da Vinci fue el primer artista italiano en acuñar el término conocido hoy en día como sfumato. Esta técnica se aplicaba para dar una perspectiva tridimensional a la pintura renacentista. Esto se lograba haciendo una transición de colores sutil entre los bordes de cada objeto y el paisaje de fondo. La última técnica emblemática del Renacimiento fue el claroscuro, que combinaba tonos de luz fuertes con tonos de luz bajos para crear una perspectiva tridimensional, al igual que el sfumato. Pintura Características Clasicismo y realismo El clasicismo era una de las tendencias que utilizaban los artistas de la época renacentista para determinar el método de sus obras. El clasicismo era una técnica que abogaba por apegarse a las artes clásicas, buscando crear obras simples, balanceadas estéticamente, claras para la vista y utilizando las tradiciones de Occidente. Además, las obras abogaban por el realismo físico, una característica fundamental traída por la filosofía humanista. Manierismo

Cuando la época renacentista se acercaba a su fin, los pintores empezaron a abandonar el clasicismo y se apegaron al manierismo. Esta técnica buscaba expresar un poco más de complejidad en las obras, por lo que las formas físicas de los objetos tendían a pintarse más distorsionadas que como se acostumbraba a principios del movimiento. Catolicismo Una de las razones por las cuales existen tantas obras de arte con escenas del catolicismo es porque durante este período la Iglesia católica encomendó varias pinturas a artistas italianos. El movimiento de la pintura renacentista se caracterizó por tener varias obras alegóricas de la religión católica. Representantes Los principales pintores del renacimiento eran italianos. Sin embargo, conforme el movimiento se fue expandiendo por Europa, surgieron otras figuras importantes, particularmente en Holanda y España. Leonardo Da Vinci Posiblemente el artista más reconocido del Renacimiento hoy en día. Da Vinci creó obras únicas que se convirtieron en patrimonios importantes de la humanidad, como la Mona Lisa o La Última Cena. Además, fue una de las figuras más importantes del Renacimiento al aportar conocimientos innovadores en diversas áreas de las ciencias y estudios sociales. Sandro Botticelli Botticelli fue uno de los principales artistas del comienzo del Renacimiento. Era de la escuela de Florencia y formó parte de la Edad de Oro de los pintores italianos del siglo XVI. Se dedicó a pintar obras mitológicas y religiosas. Miguel Ángel Miguel Ángel fue un pintor, escultor y arquitecto italiano que es posiblemente uno de los autores renacentistas con las obras mejor preservadas desde ese entonces. Creó obras como El Último Juicio y pintó una de las más imponentes creaciones artísticas de la historia: el techo de la Capilla Sixtina. Bruegel Pieter Bruegel era un pintor holandés y uno de los principales exponentes de la pintura renacentista de su país. Se dedicó a crear paisajes y escenas del día a día, representando diversas escenas cotidianas y las estaciones del año. El Greco

El Greco era un pintor greco-hispano que acostumbraba a firmar sus pinturas en griego. Fue el principal y más importante representante del Renacimiento español, y utilizaba un estilo dramático y expresionista. Es considerado el precursor tanto del cubismo como del expresionismo. Obras principales –La Adoración del Cordero de Dios, Hubert y Jan Van Eyck, 1430. –Casamiento de los Arnolfini, Jan Van Eyck, 1434 –Primavera, Sandro Botticelli, 1470s. –La Última Cena, Leonardo Da Vinci, 1496. -El techo de la Capilla Sixtina, Miguel Ángel, 1510. –La Escuela de Atenas, Rafael, 1511. Arquitectura Características Diferimiento con el estilo gótico Las ideas de los arquitectos renacentistas iban en contra de las ideas góticas de crear estructuras con un alto nivel de complejidad en su diseño y gran altura. En cambio, se apegaban a las ideas clásicas de elaborar estructuras limpias que fuesen lo más simple posibles. Esto conllevó a la creación de arquitectura redondeada.

Edificación renacentista Motivos El exterior de las edificaciones renacentistas solía ser adornado con motivos clásicos como columnas y arcos.

Para lograr crear estos motivos, los exteriores acostumbraban a ser bastante planos, sirviendo como una especie de lienzo para luego ser adornado. En estas superficies se reflejaban claramente las ideas del arte tradicional antiguo. Edificaciones Las edificaciones más comunes de la época eran las iglesias, las mansiones urbanas y las mansiones exclusivas de zonas campestres. Muchos de los diseños más conocidos de la arquitectura renacentista fueron creados por el artista italiano Palladio. Representantes Brunelleschi Este autor es reconocido como uno de los arquitectos más importantes de la historia, además de ser considerado como el primer ingeniero de la época moderna. Fue uno de los padres fundadores del Renacimiento y uno de los primeros artistas en actuar como planeadores y constructores de sus propias obras. Es reconocido principalmente por desarrollar una técnica capaz de representar con extrema eficacia la perspectiva lineal, común en la época renacentista. Alberti Alberti es llamado el hombre ejemplar de la época renacentista. Aportó diversas ideas a varios campos humanistas, complementando unas con otras para crear un estilo único de la época. Usualmente es reconocido por su trabajo en las fachadas arquitectónicas, pues fue el área en la que más destacó. Bramante Donato Bramante fue el primer arquitecto en introducir el estilo artístico de la arquitectura renacentista a Milán, además de llevar el estilo del último período del Renacimiento a Roma. Diseñó incluso la Basílica de San Pedro, obra que luego ejecutó el mismo Miguel Ángel. Antonio da Sangallo Sangallo creó una de las obras más importantes de la época renacentista en Italia; de hecho, es reconocido principalmente por crear el Palazzo Farnese, el edifico donde vivía la prestigiosa familia Farnese. Sangallo era uno de los principales discípulos de Bramante, y su arquitectura estaba influenciada por este artista. Palladio Andrea Palladio era un arquitecto que se desenvolvió en la Venecia renacentista. La influencia que tenía del antiguo arte romano y griego lo convirtió en una de las figuras más importantes en la historia de la arquitectura. Obras

-Catedral de Florencia, Di Cambio y Brunelleschi, 1436. -Basílica de San Pedro, Bramante, Miguel Ángel, Maderno y Bernini, 1626. -Palazzo Farnese, Antonio da Sangallo, 1534. -La Rotonda, Palladio, 1592. -Basílica de San Lorenzo, Brunelleschi, Miguel Ángel, 1470. Escultura Características Apego a lo clásico Tal como la pintura, la escultura renacentista generalmente estaba definida por las mismas características que tenían las esculturas previas a la Edad Media. Los rasgos de cada una estaban claramente inspirados por la escultura clásica y se buscaba encontrar un mayor grado de realismo en cada obra mediante un tallado anatómicamente proporcionado.

David, de Miguel Ángel Incremento de la inversión En la época renacentista los gobiernos locales de cada ciudad (particularmente Florencia) realizaron una importante inversión de dinero en la escultura.

A su vez, las personas que tenían una gran capacidad económica también invirtieron grandes cantidades de dinero, contratando escultores para crear obras personalizadas. La cantidad de nuevos patrones interesados en invertir en esculturas potenció significativamente la creación de estas, lo que a su vez hizo que el ser escultor fuese una profesión más lucrativa. La creación de bustos también era común en esta época, con artistas de renombre creando obras de este estilo a partir de 1450. Cabe destacar que la Iglesia también tuvo una alta influencia en la escultura, tal como ocurrió con la pintura renacentista. Por esto, muchas de las obras creadas, al ser solicitadas por la Iglesia, eran de temáticas cristianas. Pionerismo renacentista La escultura fue la primera de las grandes artes en dar el paso hacia lo que hoy se conoce como Renacimiento. Se dice que la creación de las puertas esculpidas para la Catedral de Florencia fue la primera obra con claras influencias clásicas que se creó en Italia. El potencial creativo de la escultura, a inicios del Renacimiento, fue incluso mayor que el de la pintura. Esto se debió en gran parte gracias al potencial creativo de uno de sus primeros exponentes: Donatello. Representantes Donatello Donatello fue uno de los artistas más influyentes del Renacimiento gracias a la gran cantidad de ideas originales que aportó a la escultura. Tenía un talento artístico inigualable, lo que le permitió trabajar cómodamente con diversos materiales como el bronce, la madera y la arcilla. Trabajaba con varios asistentes y fue capaz de desarrollar un nuevo método para esculpir piezas pequeñas, aunque su trabajo principal fue la creación de obras para trabajos arquitectónicos. Miguel Ángel Aunque Miguel Ángel fue un influyente pintor, el área en la que más destacó fue la escultura. Esculpió dos de las obras esculturales más influyentes en la historia de la humanidad: La Piedad y David. La influencia de Miguel Ángel fue bastante substancial en todas las ramas principales del arte renacentista Lorenzo Ghiberti Ghiberti fue uno de los primeros artistas influyentes de la época renacentista. Fue el encargado de crear originalmente las puertas de la zona baptista de la Catedral de Florencia, las cuales fueron denominadas por el mismo Miguel Ángel como las Puertas del Paraíso. Giambologna

Giambologna era un artista originario de lo que hoy es Bélgica, pero que residía y trabajaba en Italia. Es altamente aclamado como uno de los principales artistas manieristas del Renacimiento. Su trabajo con el bronce y el mármol tuvo una alta influencia en los artistas de la época. Andrea del Verrochio Del Verrochio fue uno de los artistas renacentistas cuya influencia fue bastante significativa, pero más allá de sus obras, es reconocido por la cantidad de artistas que entrenó. Era dueño de una importante escuela de arte en Florencia, y esto conllevó a que entrenase a artistas importantes como Leonardo Da Vinci y Pietro Perugino. Obras –David, Donatello, 1440. -Escultura de Bartolomeo Colleoni, Andrea del Verrochio, 1488. –David, Miguel Ángel, 1504. –La Piedad, Miguel Ángel, 1515. –Hércules y Neceo, Giambologna, 1599.