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IMPRESIONISMO

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José Luis Trujillo 2013

Impresionismo

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Impresionismo

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ANTECEDENTES

Impresionismo

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GRANDES MAESTROS

PAISAJISTAS INGLESES

ESCUELA DE BARBIZÓN

Impresionismo

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Turner: Barco eslavo

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TURNER: El Gran Canal Venecia

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TURNER: Gran Canal Venecia

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Turner: Venecia

Impresionismo

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Turner. Puesta de sol en el mar de los monstruos

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Turner

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Constable

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Camille Corot, de la Escuela de Barbizon Autorretrato. 


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Estampas japonesas

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Gran Ola.

Impresionismo

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Árbol en flor

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Van Gogh El ciruelo en flor

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Bosque de Fontainebleau

Sisley, Bosque de Fontainebleau

Impresionismo

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Café Guerbois

Fantin-Latour. Un estudio en Batignolles. 1870

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PINTORES IMPRESIONISTAS

Impresionismo

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Impresionismo

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Características

Es trascendental en la formación del impresionismo, y se le considera abanderado del movimiento. A pesar de las analogías que se han establecido entre su pintura y la impresionista, pero sin adoptar totalmente sus principios, nunca se comprometió con el movimiento. Para Manet fue fundamental la importancia de la luz, el intento de transmitir la sensación, los temas cotidianos, los colores claros y la arbitrariedad de la perspectiva. Sin embargo, éste no suprimió el blanco, el negro y el gris, y su pincelada no se fragmenta en pequeñas comas; además no gustaba de la pintura al aire libre, aspectos que lo diferenciaban de los impresionistas

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El cantante español, 1860

Impresionismo

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Almuerzo Campestre, 1863

Tiziano o Giorgione concierto campestre

Olimpia, 1863 Edouard Manet 1832 - 1883 1. Desnudo femenino. El desnudo es uno de los ejes canon artistico y era considerado la maxima expresion del exito en la creacion. No obstante, la Olimpia de Manet no fue vista de la misma forma: se vio como una "mujer desnuda" y no como un desnudo. Los adornos de su cuerpo - en especial sus joyas señalan su estatus de cortesana, lo que la situa en un nivel de abyeccion mas elevado que el de las figuras alegoricas representadas en muchas pinturas historicas de la epoca romantica. 2. Doncella de Olimpia. La doncella negra es el retrato de una mujer llama Laura, que poso para esta pintura como modelo profesional. Se ha convertido en una figura retrospectivamente iconica dada la subjetividad de las figuras negras en el canon historico del arte. Aparece de pie, completamente vestida y con un ramo de flores en las manos, probablemente del cliente de su señora. Olimpia se muestra indiferente a la presencia de su doncella, lo que enfatiza su distancia fisica y emocional 3. Gato negro. es un simbolo de supersticion e indica la naturaleza tabu de lo que esta siendo representado. El gato es especialemtne resonante por el hehco de estar situado junto a Laura, ya que dirige la atencion a los estereotipos de la feminidad y de la sexualidad sobre la mujer negra que circulaban en la epoca. 4. Ramo de flores. El ramo de flores es un simbolo clasico de la sexualidad femenina y convierte este escenario muy sexual. El estampado formado por las flores se repite en las sabanas del divan de Olimpia, lo que pone enfasis en su estatus de cortesana comun.

1648

1570

1863

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El balcón, 1868 - 69

Impresionismo

Goya

Murillo

Manet

La ejecución de Maximiliano I, 1868

El pifador

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El actor trágico, 1866

Retrato de Emil Zola, 1868

Impresionismo

Torero Muerto, 1864

El ballet español, 1862

Victorine vestida de Matador, 1862

Mujer con Loro, 1866 38

Impresionismo Claude Monet con su esposa en el estudio flotante, 1874

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Esta obra supone un emotivo homenaje de Manet a su amigo Claude Monet, con quien se relacionó estrechamente en el verano de 1874. Monet llevaba viviendo tres años en Argenteuil, porque era más barato que París y estaba más en contacto con la naturaleza. A bordo de un barquito recorría las orillas del Sena para buscar los paisajes que más le interesaran. Este estudio flotante llamó mucho la atención de Manet y aparece como elemento protagonista de esta escena. Monet se presenta pintando un paisaje directamente del natural, siguiendo la filosofía impresionista de captación de lo momentáneo. Refugiada bajo el toldillo del estudio flotante está Camille, la esposa de Monet. Al fondo se contemplan las chimeneas de Argenteuil, omitidas en el cuadrito que pinta Monet para ser de esta manera más pintoresco. Sin duda, ésta es la obra de Manet en la que se aprecia un mayor acercamiento a los planteamientos impresionistas. El empleo de tonalidades más claras que de costumbre, la pincelada rápida y suelta, y el deseo de captar la luz natural indican un importante cambio en el estilo del maestro. Mas aun, existe una fuerte dependencia del color negro, casi repudiado por los artistas de este nuevo movimiento. Las dimensiones del lienzo indican que se realizó en el estudio, a pesar de la técnica libre empleada. También resulta destacable el efecto fotográfico de la imagen, una de las novedades del momento. Manet se quedó con la obra, vendida en 1884 por 1.150 francos y quince años después por 10.000, apreciándose la revalorización de las obras del artista.

Le Bon Bock, Emile Bellot 1873

Este retrato del grabador y litógrafo Émile Bellot fue el primer éxito popular de Manet en el Salón oficial, recibiendo críticas favorables cuando se presentó - junto al Descanso - en 1873. El modelo posó durante setenta u ochenta sesiones y, curiosamente, no gustó a los amigos del pintor, que lo consideraron muy tradicional. Es cierto que existe una gran influencia de Frans Hals, cuya obra había contemplado recientemente Manet en el Museo de Haarlem, durante una visita a Holanda. Con este retrato hace un magnífico homenaje a las populares escenas de bebedores, tan características del Barroco centroeuropeo. Sin embargo, se trata de una figura moderna, al situar al personaje en el café Guerbois, al que Manet acudía asiduamente. De esta manera, el pintor une en sus escenas tradición y modernidad, como ya había hecho con Desayuno en la hierba o la Olimpia. Los temas no eran tan desafiantes ni los modelos tan marginales, por lo que tuvo cierta aceptación; de hecho, algunos críticos le calificaron de maestro. La figura del litógrafo se recorta sobre un fondo neutro, en el que no existe ninguna referencia espacial, dando la impresión de salir de la oscuridad. Un fuerte foco de luz ilumina su sonrosada cara, con un gesto de infinito placer al fumar su pipa y agarrar su cerveza. La oscuridad generalizada se ilumina con las tonalidades blancas de los cuellos, los puños y la espuma de la cerveza. El traje de color gris sirve para diferenciarse también del fondo. Sin duda, lo más destacable es el realismo con que muestra Manet a su amigo, dando la impresión de ser una auténtica fotografía, a la que se debe añadir la personalidad del modelo, con los ojos chispeantes, llenos de gracia e ingenio y el buen humor de su gesto. De esta manera, muestra su profunda admiración por los retratos de Goya y Velázquez, a los que destacaba entre sus maestros.

Bebedor de Absenta, 1859

Impresionismo

En 1859 Manet presentaba esta obra al Salón de París, institución artística de carácter oficial en la que se consagraban los artistas franceses. El jurado rechazó el cuadro, con sólo un voto a favor, posiblemente el de Delacroix. La justificación para rechazarlo vendría por el abocetado con que fue realizado, aunque esto más bien parece una excusa. Lo que no gustó fue el tratamiento de un trapero borracho como un héroe, igual que hacía Baudelaire en su obra Las flores del mal, en la que el pintor se inspiró, de modo que la censura de los textos del poeta se extendió al lienzo de Manet. La figura del trapero Collardet aparece a tamaño natural, embozado en una capa raída y con un alto sombrero de copa. En el pequeño muro que vemos tras él se aprecia la copa de absenta, mientras en primer plano contemplamos la botella, tirada en el suelo. El bebedor se recorta sobre un fondo neutro, iluminado con la luz de las farolas de la calle, con las que crea un excelente claroscuro que recuerda el tenebrismo de Caravaggio. Y es que Manet ha estudiado las obras de los clásicos en el Louvre y se ha empapado de la pintura de Tiziano, Leonardo, Giorgione o Murillo. Pero serán los maestros españoles los que más le llamen la atención, especialmente Goya y Velázquez, al que considera el pintor de los pintores. El empleo de los tonos oscuros, sobre todo negros y marrones, vendría motivado por esa afición al Barroco español. La pincelada empleada es bastante suelta, destacando el rostro, que sería la causa del rechazo del Salón. Pero la base dibujística aprendida en el taller de Couture se aprecia aquí claramente, como en todas las obras del maestro. Por eso contemplamos una figura volumétrica, perfectamente asentada en el espacio y que consigue sensación de perspectiva al situar los elementos en los distintos planos de la escena.

Argenteuil, 1874

Familia Monet en el jardín, 1874 43

Durante la estancia en Argenteuil junto a Monet y Renoir, Manet realizó varias obras protagonizadas por la familia Monet como ésta, tomando como escenario el jardín del pintor. Renoir estaba presente cuando trabajaba en la escena y decidió pintar un lienzo con un asunto similar titulado Madame Monet en el jardín. Camille Monet aparece sentada junto a un árbol, vestida de blanco con un sombrero del mismo color; sobre ella se tumba el pequeño Jean, vestido de azul. Unas gallinas en primer plano y, tras ellas, Monet cuidando sus flores completan la composición. La escena está tomada al aire libre, auténtica novedad para Manet ya que hasta ahora había trabajado en su estudio - no en balde seguirá realizando sus obras en el taller, aunque tome bocetos al aire libre -. Surge un nuevo interés por la luz, impactando la luz solar sobre la mujer que mira atentamente y con gesto de cierta complicidad. Las tonalidades rojas del abanico y las flores otorgan mayor alegría al conjunto, realizado con una pincelada rápida y empastada que apenas se interesa por los detalles. Ese verano en Argenteuil supondrá un profundo cambio en la vida artística de Manet, que se aleja definitivamente del Realismo.

La pista de Patinaje, 1877

Impresionismo

Continuando con su atracción por pintar escenas de la vida moderna, Manet muestra el Skating-ring, una pista de patinaje de la que era asiduo visitante. La modelo que aparece en primer plano con una niña cogida de la mano es Henriette Hauser, quien ya había posado para Nana. Tras ella vemos a su hermana Victorine, compartiendo ambas la reputación de "demoiselle de galanterie". Henriette era la amante oficial del príncipe de Orange. En la pista de patinaje contemplamos al grabador H. Guerard, posteriormente esposo de Eva Gonzalès; Manet sitúa la figura en primer plano, como si se tratase en realidad de un retrato de la joven. Al fondo se aprecia la multitud de patinadores que acudían a la pista, difuminados por el efecto de la atmósfera cargada del local. Si bien la pincelada empleada por el artista es algo más suelta que en sus primeras obras - por influencia del Impresionismo - repite las mismas tonalidades que en sus inicios, recurre al contraste entre tonalidades oscuras y claras, y abusa del negro, casi un pecado para los impresionistas. La influencia de la fotografía se aprecia en la ruptura de los planos pictóricos, que cortan las figuras sin ningún pudor. La luz es totalmente artificial, ilumina a la bella dama y deja el resto en penumbra, eliminando las sombras como hacía la estampa japonesa.

Manet. Folies Bergère

Folies - Bergeré, 1882

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MONET (1840-1926)

Características

• Buscaba la impresión realista que encontraba en la naturaleza, captando lo que ésta tiene de móvil y fugaz, que está en perpetua transformación. • Pintó al aire libre y estudió las transparencias y los efectos lumínicos del agua y la atmósfera. • Son cuadros de luz y naturaleza con sus fenómenos atmosféricos. • Su técnica fue rápida, de toques de pincel evitando fundir los colores en la tela

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Monet: Impresión, sol naciente.

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Campo de Amapolas, 1873

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La Grenouillere, 1869

Estación de Saint Lazare, 1877

Catedral de Rouen 1890

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Parlamento de Londres, 1905

Puente Waterloo

Argenteuil 1874

Impresionismo

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Rincón de Apartamento

La rue de Saint-Denis en la festividad del 30 de Junio

Camille en su lecho de muerte

Series sobre Heno, 1890 - 1891

Acantilados de Etretat

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Nenúfares y puente japonés

Nenufares, 1916 - 192271

Nenúfares: mañana con sauces llorones Museo de l’Orangerie, París 72

IMPRESIONISMO Claude Monet. 1915 - 1926 Los nenufares fueron el pricipal centro de atencion del arte de C. Monet durante mas de 25 años. En 1890 compro la casa y los terrrenos que el y su familia tenian alquilados en Giverny, en el departamento frances de Eure. LA familia convirtio los terrenos en jardines, en los que habia un estanque de nenufares. Monet construyo un enorme taller en el jardin para poder trabajar. Ademas de las pinturas dedicadas a los nenufares (produjo en torno a 250), el artista tambien previó pintar un gran proyecto decorativo que envolveria al observador. Animado por un distinguido amigo, el primer ministro frances Clemenceau, creó lo que se ha bautizado como la capilla sixtina del impresionismo: una serie de magnificos murales en los que se representa el estanque de nenufares desde distinto puntos de vista. En 1927, un año despues de la muerte de monet, estos 8 murales de nenufares fueron instalados en dos salas ovaladas de la Orangerie, un edifico en el jardin de las Tullerias de Paris. Este panel esta situado a la izquierda de uno de los murales, una obra compuesta por tres paneles que miden casi 13 metros de longitud. El enorme lienzo - al artista trabajo en el durante años en su estudio - es una sintesis de observacion y memoria que puede parecer alejado de las pequeñas pinturas esquematicas que Monet ejecutaba con rapidez al aire libre durante sus primeros años como pintor impresionista. Aun asi, las preocupaciones de sus primeros años continuaban siendo las mismas: el agua, los reflejos y lo que el llamaba enveloppe - el envase atmosferico de luz que baña cada una de las escenas -. Como el mismo dijo de su estanque de nenufares, la esencia del motivo es el reflejo del agua, que cambia de aspecto a cada instante. 1. Reflejos. Para capturar los reflejos en el agua de un dia nuboso paro claro, Monet aplica pinceladas extraordinariamente libres y entrelazadas para crear un velo inscrustado de colores iridiscentes. Monet omite tanto el horizonte como el cielo con lo que crea asi un sentido del espacio ambiguo y flotante. 2. Rastro de la hojas. Las hojas del sauce lloron que tocan la superficie del agua, dejan un fino rastro continuo a su paso y apenas pueden distinguirse de sus propios reflejso. Zarcillos de pintura verde, salpicados de rosas y azules oscuros, descienden en vertical por el lienzo y se entrelazan caoticamente con los blancos, los rosas y los azules de la superficie del estanque. El fleco de hojas se extiende por todo el lienzo, de arriba abajo, con lo que se crea un efecto de friso bidimensional. 3. Tronco del sauce. En un momento dado, Monet decidio reducir el grosor de este tronco. Auqnue esta pintado con pintura texturada de color marrón, azul, ocre y rosa intenso, sus bordes han sido bruscamente cubiertos con los colores palidos del agua y la vegetacion situada detras. En el lienzo completo, los troncos recorren el lienzo de arriba abajo, creando una especie de mecanismo para enmarcar la composicion. La superficie del agua parece flotar detras de los troncos. 4. Flores. Los racimos de flores de color blanco, rosa palido y amarillo que salpican la superficie del lienzo, estan pintados con densos impastos. La forma eliptica de los nenufares se sugiere a traves de rapidas pinceladas caligraficas de pintura roja, azul y verde, que son mucho mas finas.

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Jardín en Flor. Sombras

Impresionismo

• Sus temas preferidos son las figuras humanas sobre el paisaje, el desnudo al aire libre, las composiciones con personajes tomados de la vida cotidiana, los retratos y algunas naturalezas muertas. • Aunque su técnica es impresionista, a base de pinceladas pequeñas o largas, sueltas, rápidas, nerviosas y yuxtapuestas, dota a sus lienzos de un acabado brillante y pulido, que contrasta con la pastosidad de la pincelada impresionista. • Su pintura se alejó del impresionismo cuando empezó a definir las formas, a marcar los contornos y a darle protagonismo al dibujo.

Sisley y su mujer

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Diana Cazadora

El sena en Argenteuil

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Impresionismo

Sendero a través de las altas hierbas

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El palco, 1874

Impresionismo

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Renoir. Baile en Le moulin de la Galette 1876

Baile en Le moulin de la Galette, 1876

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El artista aplicó pinceladas de colores vibrantes en esta compleja obra para transmitir la animada atmósfera de una multitud en movimiento . Esta pintura fue expuesta en la tercera exposición impresionista, de 1877, y suscito tantas criticas como elogios. Un critico declaro que la pintura captaba “ a la perfección la atmósfera estentórea y mas bien bohemia de esta sala de bailes al aire libre”; otro comentarista opino que las figuras parecían “estar bailando sobre una superficie que parecía un conjunto de nubes purpúreas”. Sin duda, una obra maestra del impresionismo temprano, esta obra representa a personas jóvenes disfrutando de una tarde de domingo en un baile bajo el sol del jardín de Le Moulin de la Galette, un antiguo molino de viento de Montmatre, Paris, reconvertido en café y sala de bailes. El amigo y biografo de Renoir, Georges Riviere, afirmo que la obra había sido pintada in situ, pero sus grandes dimensiones y la existencia de dibujos preliminares hacen pensar que Renoir completo la obra en su taller después de haber dibujado varios esbozos al aire libre. Renoir alquilo un estudio cerca de Le Moulin para poder asistir a los bailes y poder pintar la escena. En lugar de usar modelos profesionales, Renoir convenció a sus amigos artistas y escritores y a varias trabajadoras locales para que posaran para el. La pareja de Renoir, Marguerite Legrand, conocida como Margot, aparece bailando, con un vestido rosa, a la izquierda del lienzo. Tras esta obra Renoir se separará de los impresionistas

La primera salida

Impresionismo

Renoir. El desayuno de los remeros 1881

El desayuno de los remeros, 1880 - 81

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Madame Charpentier y sus hijos, 1878

Impresionismo

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La relación entre el editor Georges Charpentier y Renoir fue especialmente estrecha. Charpentier heredó una exitosa editorial, ampliando los resultados económicos de la misma gracias a su habilidad para descubrir nuevos talentos como Flaubert o Zola. Se casó con Marguerite Lemonnier en 1872, una joven de buena familia cuyo padre había sido un gran mecenas, protegiendo a Gericault y Delacroix. El hogar de los Charpentier se convirtió en uno de los centros culturales del París de la época y allí fue pintado este magnífico retrato, concretamente en la sala de estar, decorada al estilo japonés tan del gusto del momento.Marguerite aparece elegantemente vestida de negro, sentada en un diván, acompañada de sus dos hijas: Paul con ella en el diván y Georgette sentada sobre el perro. La composición está estructurada con maestría, recordando las obras clásicas al ubicar a la madre en la zona central de la escena, equilibrando las figuras de las niñas en la izquierda con la mesa y la silla del fondo. Al mismo tiempo, los diferentes elementos se colocan en planos paralelos para crear el efecto de profundidad, a través de una acentuada diagonal en perspectiva. Las tonalidades también están dispuestas de manera estructurada, creándose interesantes contrastes entre los tonos negros y los claros. Si bien la pincelada es rápida y fluida, encontramos una importante dosis de dibujo y modelado que no se halla en los paisajes de estos años.El cuadro fue expuesto en el Salón de París de 1879, obteniendo un importante éxito, lo que supuso el fin de las dificultades económicas de esta época para el pintor. Las críticas le fueron favorables como la de Marcel Proust, que escribió: "La posteridad aprenderá más de la poesía contenida en una casa elegante y de los hermosos vestidos de nuestros días en el cuadro de Renoir del salón del editor Charpentier que del retrato de la princesa de Sagan realizado por Cot o del pintado por Chaplin de la condesa de la Rochefoucauld".

Muchachas tocando el piano, 1892

Impresionismo

A comienzos de los años 1890, los amigos y admiradores de Renoir se indignan porque el Estado francés nunca ha hecho la más mínima compra oficial al pintor, de ya casi cincuenta años de edad. Stéphane Mallarmé que conoce y aprecia al artista, con el apoyo de Roger Marx, un joven miembro de la administración de Bellas artes abierto a las corrientes innovadoras, emprende trámites en 1892 para hacer entrar a los impresionistas en los museos nacionales. Fue así como, tras un encargo informal de la administración, Jóvenes al piano fue adquirido y colocado en el museo del Luxemburgo. Además de este lienzo, en el que el dibujo decidido y flexible define claramente a las figuras aunque dejando libre paso al lirismo de la paleta, conocemos tres otras versiones acabadas de la misma composición (una en el Metropolitan Museum de Nueva York y las dos otras en colecciones privadas). Existe también un boceto pintado al óleo (París, Museo de la Orangerie) y un pastel de mismas dimensiones (col. part.). La repetición de este motivo muestra el interés de Renoir por un tema que además ya ha tratado. Sabemos que el pintor, eterno insatisfecho, retoca detenidamente sus obras pero un trabajo tan sostenido en torno a una sola y misma composición sigue siendo único. Sin duda se tenga que ver su deseo de hacer entrar en los museos una obra totalmente lograda. Tampoco podemos evitar de pensar en las "series" que su amigo Claude Monet desarrolló en la misma época (Los Almiares, 1891; Las catedrales de Rouen, 1892). Acordándose de un tema clásico particularmente apreciado por la pintura francesa del siglo XVIII, en particular Fragonard, Renoir pretende pintar un modelo ideal, poblado de jóvenes gráciles. Pero despreciando el simple pastiche, también quiere ser el pintor de su tiempo y nos ofrece la evocación de un interior burgués elegante y cómodo.

Renoir. 
 Después del baño 1888

Desnudo después del baño, 1888

Impresionismo

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Bañistas, 1918

Impresionismo

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• Es un impresionista más de forma que de color. • Tiene especial interés por la figura humana y su capacidad de contorsión, su sensibilidad por el movimiento se concreta en su tema constante de las bailarinas, pero también en numerosos cuadros de carreras de caballos y en sus esculturas.

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Retrato de Madame Camus, 1870

Impresionismo

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Impresionismo

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Familia Bellelli, 1858 - 1867

La violación. Interior. 1868 - 1869

Almacén de algodón en Nueva Orleans, 1873

Impresionismo

La cantante del guante, 1878

La canción del perro

Bebedora de Absenta, 1876

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Degas: cabaret

Cabaret, 1877. Pastel

Degas: la estrella

La estrella, 1876 - 77. Pastel

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Clase de Baile, 1873 - 1876. Oleo

Edgar degas escribio en una ocasión “Me llaman el pintor de bailarinas”. Y, en efecto, más de la mitad de sus oleos y sus pasteles retratan a bailarinas adolescentes del copas de ballet de la Opera de Paris -sobre el escenario, durante sus ensayos o entre bambalinas -. A partir de la década de 1870 Degas dibujo y pinto este tipo de escenas de manera obsesiva. Este lienzo es una obra característicamente intima e informal - en la que se muestran detalles como el da la joven bailarina rascándose la espalda - aunque también impersonal. “para mi la bailarina ha sido el pretexto para pintar preciosas telas y para representar el movimiento”, escribió el propio Degas. En la inquietante composición descentrada, las bailarinas y sus madres se apiñan alrededor del profesor, Jules Perrot. El diseño asimétrico, el punto de vista inusual y las figuras cortadas delatan la influencia de la fotografía y los diseños de los grabados ukiyo-e japoneses que Degas coleccionaba. Las lineas convergentes dibujadas por las tablas del suelo dirigen la mirada del observador hacia arriba para crear un dramático sentido del espacio. A pesar de su aparente espontaneidad, se trata de una pintura minuciosamente estudiada

Bailarinas, 1894

Pequeña Bailarina, 1879

En las carreras, frente a la tribuna

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Impresionismo

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Impresionismo

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Impresionismo

Impresionismo

Impresionismo

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Mujeres en el baño, 1886

Impresionismo

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• Era el mayor del grupo jugó un papel de cohesionador, de fortalecedor de los lazos de amistad entre los pintores. • Se instala en Pontones y capta las luces de los arboles, caminos, tejados de las casas. • A partir de 1885 se interesa por los ensayos de Seurat y Signac.

Impresionismo

Tejados rojos, 1877

Castaños en Osny, 1873

Impresionismo

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En esta obra, Pisarro presenta a unos campesinos realizando las tareas agrícolas. La escena queda enmarcada por castaños a ambos lados. La sensación de profundidad se consigue a través de la iluminación. Predominan los tonos cálidos y la pincelada rápida.

La helada, 1873

Impresionismo

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Pintado en los alrededores de Pontoise donde vivió el pintor de 1873 a 1882, este cuadro es una de las cinco obras presentadas por Camille Pissarro en la primera exposición del grupo impresionista en 1874. El crítico Louis Leroy escribió entonces: "¿Qué es eso? -Como ven, la escarcha sobre unos surcos profundamente abiertos. -¿Surcos? ¿Escarcha?... Pero si son raspaduras de paleta aplicadas de manera uniforme sobre un lienzo sucio. Eso no tiene pies ni cabeza, ni parte superior ni inferior, ni primer plano ni fondo". Otros críticos se mostraron más comprensivos, por ejemplo, Philippe Burty: "Un efecto de Escarcha por Pissarro hace pensar en la idea fundamental de los mejores cuadros de Millet ". El trabajo con espátula y la densidad de la pincelada dan un paisaje compacto, cerrado, donde parece que el aire no circula. Esta sensación se ve acentuada por las diagonales ascendentes de los surcos que dividen la composición. El personaje que lleva una carga parece igualmente aplastado por el peso de este paisaje de invierno. La técnica de Pisarro responde y concurre a la impresión que transmite el motivo elegido. Pese a que la pincelada es más amplia y el análisis de la luz menos agudo que en Monet en la misma época, al captar un instante particular de una jornada invernal, La escarcha se inscribe en las búsquedas impresionistas.

Boulevard Monmatre París, 1897

Impresionismo

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Boulevard Monmatre de noche, 1897

Impresionismo

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Impresionismo

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Impresionismo

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Impresionismo

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Impresionismo

Nacida en el seno de una familia burguesa, fue precisamente su familia quien animó a Berthe y a su hermana Edma a iniciarse en el arte. Morisot demostró las posibilidades de las mujeres en las artes a fines del siglo XIX. A la edad de 20 años, Berthe Morisot conoció a Camille Corot, importante paisajista de la Escuela de Barbizon, quien la admitió como su discípula y la introdujo en los círculos artísticos. Morisot decidió ser una artista a pesar de su condición de gran dama, de mujer burguesa, urbana e interesada por la moda y la activa vida cultural de la época, no dedicándose de forma aficionada como otras damas de su época sino adoptando una postura muy radical que la vincularía al grupo de artistas impresionistas, la vanguardia del momento. Pronto adquirió la técnica impresionista de pintar al aire libre, donde creaba pequeños cuadros y esbozos para grandes obras que terminaba en el estudio. Su primera participación en el Salón de París fue en 1864 con dos paisajes y continuó exhibiendo continuamente en el Salón hasta 1874, año de la primera exposición impresionista, en la que participó con La cuna. En 1868, conoció a Édouard Manet y en 1874 se casó con Eugène Manet. Ella fue la que convenció al maestro de pintar al aire libre y lo atrajo al grupo de pintores que sería posteriormente los impresionistas. Manet sin embargo, nunca se consideró como impresionista, ni estuvo de acuerdo con exhibir junto al grupo. Morisot, junto a Camille Pissarro, fueron los dos únicos pintores que tuvieron cuadros en todas las exposiciones impresionistas originales. Asimismo, Berthe fue la modelo de Manet tanto en diversos e importantes retratos como en su obra de gran formato El Balcón, donde el pintor francés da cuenta de su admiración por la obra de Goya, tratanto el mismo tema de su "Majas en el balcón", obra menos conocida en España pues se encuentra en una colección privada suiza. Al igual que Mary Cassatt, Eva Gonzalès o Marie Bracquemond, Berthe Morisot fue relegada a la categoría de "artistas femeninas" por su temática de la vida cotidiana (mujeres, niños y escenas domésticas). Sin embargo, como mandaba la doctrina impresionista, Morisot pintaba la inmediatez, lo que veía en su vida normal. Como una mujer de la alta burguesía, estaba habituada a escenas domésticas, deportes campestres y un amplio círculo de mujeres y niños, ya que el mundo masculino les estaba vetado. Sin excepción, sus cuadros muestran unos temas equivalentes al de sus colegas masculinos. Edgar Degas, también de clase burguesa, pintaba ensayos de ballet, carreras de caballos, desnudos femeninos y a la propia Berthe durante su etapa de formación, pasada como "copista" de los grandes maestros en el Louvre. Claude Monet pintaba los nenúfares de su jardín, a sus hijos, etc. Las mujeres impresionistas pintaban su entorno social bajo el enfoque impresionista. A pesar de esto, la figura de Berthe Morisot, junto a las de otras maestras de la pintura, quedó ensombrecida por el conjunto del movimiento y en especial de los pintores masculinos. La técnica que desarrolla Morisot se basa en un tratamiento de pinceladas suaves desde un principio hasta que evolucione a un impresionismo más expresado en la pincelada, en concreto a partir de 1873, cuando el tratamiento más libre de la pinceladas rápidas y planas y la atmósfera más tratada con el color permitan reflejar una estética más de índole impresionista. Mallarmé la definía como "polvo volátil": una pintura etérea, con figuras muy introspectivas y melancólicas pero que al mismo tiempo transmiten una alegría de vivir que produce satisfacción a quien las contempla, una pintura de gran delicadeza. A partir de 1880, la influencia de Renoir se refleja en su obra. La frescura luminosa de su paleta, la factura libre y vigorosa, así como, la atmósfera poética de sus lienzos, son reconocidas y admiradas. En 1892 la galería Boussod-Valadon le dedica una exposición que tuvo un gran éxito. La vida de Berthe Morisot se vio ensombrecida por la muerte de Édouard Manet en 1883, la de su esposo, Eugène Manet, en 1892, y la de su hermana. Educó sola a su hija, Julie Manet, con quien mantuvo siempre lazos muy fuertes. Al morir a los cincuenta y cuatro años, confió su hija a sus amigos, Edgar Degas y Stéphane Mallarmé. Murió el 2 de marzo de 1895 en París y está enterrada en el cementerio de Passy en París. En la actualidad, sus pinturas pueden alcanzar cifras de más de 4 millones de dólares.

La cuna, 1872

Impresionismo

Días de Verano, 1879

Impresionismo

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Manet y su hija en el jardín, 1871

Impresionismo

La hermana de la artista y su hija, 1872

Interior

Impresionismo

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ALFRED SISLEY (1839-1899)

La guerra franco-prusiana de 1870 arruinó a su familia y obligó a Sisley a marchar a Londres. Decide entonces ser pintor. En 1874 expuso en la primera exposición de los impresionistas y lo continuaría haciendo en 1876, 1877 y 1882. Sisley fue eminentemente un pintor paisajista, que se distinguió de sus colegas impresionistas por la decisiva intervención en sus cuadros de los elementos más imponderables: el agua, la nieve, el cielo, la niebla, de tal forma que ha sido considerado, junto a Monet, como uno de los impresionistas más puros. Entre 1872 y 1880 realizó lo mejor de su producción: paisajes de gran espontaneidad de los alrededores de París, de Marly, Louveciennes, Bougival, Sèvres, Saint-Cloud o Meudon. Paisajes soleados que contrastan con sus célebres inundaciones de Marly, en las que no pierde igualmente su connotación intimista y poética. Nunca alcanzó el renombre de la mayor parte de sus compañeros impresionistas y vivió en la miseria a partir del momento en que dejó de recibir la ayuda económica de su acomodada familia. Esta situación se produjo a causa del hundimiento del negocio familiar en 1871. Falleció como había vivido, en la pobreza, antes de poder contemplar como sus cuadros, que en angustiosos momentos de penuria había vendido a precios irrisorios, al poco de su muerte comenzaban a ser apreciados por la crítica y el público y alcanzaban elevadas cotizaciones en el mercado artístico.1

Puente en Villeneuve-La-Garonne, 1872 Impresionismo

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Nieve en Louveciennes, 1874

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Impresionismo Inundación en Port - Marly, 1876

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Louvecienne en verano y en invierno

Gustave Caillebotte (1848-1894)

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Calle de París en un día lluvioso

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Los acuchilladores, 1875 Este cuadro constituye una de las primeras representaciones del proletariado urbano. Con frecuencia se han mostrado a los campesinos (Las espigadoras de Millet) o a los obreros del campo (Picapedreros de Courbet), en cambio, los obreros de la ciudad rara vez han sido objeto de cuadros. Al contrario de Courbet o Millet, Caillebotte, burgués acomodado, no introduce ningún discurso social, moralizador o político en su obra. El estudio documental (gestos, herramientas, accesorios) lo coloca entre los realistas más experimentados. Caillebotte siguió una formación académica con Bonnat, y la perspectiva acentuada por el efecto de plano en picada y la alineación de las tablas de parquet es conforme a la tradición. El artista ha dibujado una por una cada parte de su cuadro antes de plasmarlas en el lienzo. El torso desnudo de los acepilladores es el de los héroes antiguos. Pero lejos de encerrarse en esos ejercicios académicos, Caillebotte explota el rigor para explorar el universo contemporáneo de manera inédita. El cuadro, presentado en el Salón de 1875, es rechazado por el jurado, sin duda por el choque de este realismo crudo (algunos críticos lo consideraron un "tema vulgar"). El joven pintor decide entonces unirse a los impresionistas y presenta su cuadro en la segunda exposición del grupo en 1876, donde Degas presenta sus primeras Planchadoras. Los críticos quedan impresionados por esta gran página moderna, especialmente Zola quien, sin embargo, condena esta "pintura burguesa a fuerza de exactitud".

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Gotas de Lluvia

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Tejados bajo la nieve

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Balcon en el Boulevard Haussmann

Balcón en el boulevard Haussmann Impresionismo

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F. BAZILLE (1841-1870)

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Retrato de familia

El taller de Bazille

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