• Author / Uploaded
• Mah

Citation preview

CARÁCTER Y CARICATURA EN EL ARTE DE WILLIAM HOGARTH (1697-1764)

William Hogarth es un pintor diferente, un individualista con un gran ojo crítico a quien recordamos sobre todo por el tono moralista y satírico de su obra. Tuvo mucho éxito como pintor y grabador hasta su muerte en 1764. Creó imágenes de temas muy variados, desde retratos formales a imágenes mordaces que criticaban diferentes aspectos de la vida contemporánea desde la corrupción política hasta el crimen o el abuso del alcohol. Hogarth era de Londres y su arte refleja el explosivo crecimiento de la ciudad y sus consecuencias. A mediados del siglo XVIII la capital inglesa era la mayor ciudad de Europa, con unos 700.000 habitantes, un siglo antes había sido diez veces menor. Este cuadro muestra, con la exageración característica de su autor, la vida en los clubs donde los hombres, incluyendo el propio Hogarth que pertenecía a uno de ellos, se reunían para beber y para charlar.

1

Con humor burlón, que hace que las figuras parezcan patéticas, el cuadro muestra las consecuencias del exceso de bebida. La escena es una variación de un tipo de pintura muy popular en Inglaterra en esta época conocida como "Conversation pieces". Se trata de retratos de grupo, de pequeño tamaño, de personas generalmente de clase elevada que disfrutan conversando o tomando el té o jugando a las cartas o con otras actividades colectivas. Este tipo de cuadros se inspiraba en la pintura holandesa del siglo XVII. Hogarth pintó "Conversations pieces" al uso pero en muchos casos, como el que vemos aquí, su intención es la crítica social. Hogarth hizo varias versiones de una pareja de imágenes conocidas como "Antes" y "Después".

En una de ellas, que no es la que muestro aquí, lo que pinta aparece una parodia de un tipo de pintura que estaba muy de moda en Francia en el siglo XVIII en la obra de artistas como Watteau y Boucher. Se trataba de escenas en las que hombres vestidos elegantemente cortejaban a jóvenes con claras intenciones sexuales. -En la pareja de cuadros que vemos en la pantalla la situación es más grave. -En el primer cuadro el hombre intenta violar a la mujer, la mesa a que ella se aferra cede. -En el segundo cuadro, el llamado "Después", el perro que antes ladraba se ha dormido, es un símbolo del deseo satisfecho. -El espejo se ha caído al suelo y se ha roto, con esto el pintor quiere decir que la mujer también se ha roto, que ha perdido su virginidad.

2

El rápido aumento de la población en Londres que se vivió a la llegada masiva de gente procedente de zonas rurales fue visto por los locales como la causa de un gran desorden social. Uno de los problemas que surgieron fue el aumento dramático en el consumo de alcohol, especialmente de ginebra, que alcanzó el grado de epidemia durante la primera mitad del siglo XVIII. Las consecuencias políticas de esta situación se han comparado a las del tráfico y consumo de drogas en nuestros días. Esta estampa, conocida como "Gin Lane", surge de este contexto. Muestra una visión aparentemente cómica pero muy trágica de la situación, la zona de Londres que vemos está un poco al norte de Covent Garden.

La ciudad y los ciudadanos han sido destruidos por la epidemia de alcohol, la mujer del primer plano ignora el grave peligro que corre su hijo, su adicción al alcohol la convierte en una persona sin voluntad atenta sólo al rapé, o tabaco molido, que tiene entre las manos. En la parte de la derecha, a través de un roto en el muro de un edificio, vemos un muerto colgado, parece haberse suicidado. También se ve en el centro de esta imagen a un bebé empalado y a unos hombres que meten el cuerpo de una mujer en un ataúd.

Esta estampa, que data de 1751, se puso a la venta y alcanzó gran difusión. Además se mostraba en los escaparates de tiendas en la ciudad. Contribuyó a la creación de leyes que ayudaron a reducir el problema del alcoholismo. El arte de la estampa permite la amplia difusión de las imágenes.

3

Las estampas de Hogarth fueron conocidas fuera de Inglaterra, la mezcla de reformismo, crítica social y sátira que vemos en ellas tuvo influencia en Goya a finales del siglo XVIII en España. En esta estampa, conocida como "The Bench", vemos a cuatro jueces muy poco interesados en la causa la que debían de atender.

Dos leen cosas ajenas al juicio y los otros dos se han dormido. La identidad de los jueces es conocida, uno de ellos, el más voluminoso, es Sir John Willes, que tenía fama de inmoral y de quien se decía que tenía veintiséis hijos ilegítimos. Sus actitudes contrastan con las pelucas y las túnicas que denotan sus altos cargos. Encima de los jueces vemos unas caras, esta parte de la imagen es un añadido que Hogarth hizo en la estampa pero que no llegó a completar.

4

Contiene ocho caras, alguna reproducen las caras de "La última cena" de Leonardo da Vinci, una reproduce la cara de uno de los jueces que están debajo, las cuatro caras de la derecha son estudios de expresión, las cuatro de la izquierda son caricaturas, dos de las de la izquierda son variaciones de las dos que están más a la derecha. Este añadido en la parte superior de la estampa es extraño, Hogarth lo hizo por algo.

En varios momentos a lo largo de su carrera se quejó de que los críticos pensaban que todo su arte eran caricaturas. Él quería ser más que eso, quería que su arte se entendiese como algo más profundo, más serio, e insistió una y otra vez en que además de caricaturas pintaba carácteres o estados de ánimo. Ese había sido uno de los principales objetivos de la pintura desde el Renacimiento. Con esta estampa Hogarth quería mostrar la diferencia entre una cosa y la otra. El texto que se ve debajo de la imagen se refiere a esto, la caricatura consiste en deformar humorísticamente la realidad, pintar el ánimo interior o carácter de una persona es algo más importante y más difícil, nos dice. La cara es el espejo del alma, pintar rostros teniendo esto en cuenta solo está al alcance de los grandes pintores.

5