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HISTORIOGRAFÍA

GIORGIO VASARI -

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“Padre” de historia del arte  Comienzo de los relatos sobre historia del arte. Nació en Arezzo en 1511 y murió en Florencia, en 1574 Artista, pintor, arquitecto que tuvo contactos con poder de la época (encargos, por ejemplo) pero trasciende más que nada por la escritura de las Vidas (Vidas de los excelsos pintores…”  dos ediciones, una de 1550, otra en 1568 Recopiló gran cantidad de datos por diez años recorriendo Italia, coleccionando dibujos y documentos Biografía de artistas del Renacimiento, sus contemporáneos…se incluye a sí mismo. Serie de datos, anécdotas de vida de artistas. Tiene prólogos (proemios) donde subyace una teoría, no científica ni explícita sino un acercamiento, de cómo él piensa la historia del arte  en sentido evolucionista devenir de historia del arte de Arte clásico a Renacimiento  ciclo biológico de cada período  tiene momento de nacimiento, madurez (logros) y decadencia. Hay idea de progreso Lleno de juicios de valor, artistas adjetivizados (Leonardo genio, por ejemplo)  pensar la crítica como juicio de valor. En prólogos/proemios, aparece una especie de teoría que subyace : Con diferentes temas: a) Frente a disputa de qué es mejor: ¿pintura (color le da más relación con la realidad) o escultura (tridimensionalidad, relación más directa con realidad)? Vasari dice: Ambas son hijas del dibujo/disegno  habla de la Idea  hay una idea intelectual. Artista no sólo es artesano, hay un proyecto, hay una cabeza que piensa. Artista con carácter más intelectual (Rel. Con perspectiva)  En Renacimiento, artista pasa de ser trabajador liberal más que artesano agremiado, cambia de estatus. b) Esta discusión sobre qué es mejor, o más perfecto (la pintura o la escultura) tiene que ver con que la perfección estaba asociada a la mímesis: cuánto más cerca imitación de realidad, más perfecta obra (como planteaba Aristóteles). Según Vasari, Leonardo llega a la perfección, mímesis absoluta. c) Pero ¿imitación de la naturaleza o imitación de los antiguos? Vasari no encuentra contradicción aquí. Estructura en tres partes: 1) Antigüedad - que también tiene período de juventud, adultez, etc. 2) Edad media  tiempo de bárbaras cstumbres. 3) Renacimiento  Lo mejor. Ideas de Vasari fueron vara con la que se midió el resto de la producción. En Renacimiento,

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Juventud de Renacimiento  Giotto esbozos de perspectiva, trabajo de volúmenes, profundidad, figuras (planimétricas/planas), no había un único punto de fuga. Segunda generación  Massaccio, Donatello, etc  ya hay perspectiva albertiana (Tratado de Alberti), ya no es sólo práctica de taller, hay normas que se pueden seguir, y consenso (por Tratado de Alberti). Naturalismo es más fuerte (rel. Con mímesis) en Mantegna, por ejemplo. Tercera generación/Perfección  Leonardo y Miguel Angel  éste último, según Vasari, supera a los antiguos. Tratamiento del color y atmósfera para dar mas naturalismo. Para Renacimiento, no hay contradicción entre imitar a los antiguos y a la naturaleza; uno en camino al otro. Si bien no tienen acceso a pinturas antiguas sí a otros documentos. Contradicciones: 1) Continuidad en Renacimiento pero marca cambios en generaciones (una mejor que la otra). 2) Hay veces que dice que genio individual produce ese avance pero otras , dice que lo colectivo es el motor del cambio/evolución.

Importancia de Vasari dentro de Historia del arte: a) Plasmó el tema de la norma/canon -> el arte siguió una norma determinada: la norma clásica  De Renacimiento hasta siglo XIX, como ideal a alcanzar. Si se cumplía con esta norma, se podía vender. La norma se valora y sirve como una pedagogía b) El arte progresa, evoluciona o involuciona según si se sigue o no esta norma  en siglo XIX rompen con idea del arte como progreso. c) El tema del canon clásico como vara con la que se midió el arte hasta el siglo XIX. Vasari propuso un canon (clásico) por el cual se midió el arte, ideal a alcanzar. d) Dibujo/Disegno  Artista intelectual. e) Inventa tradición para Florencia  ciudades-estado en Florencia de los Medici (hegemónica)  Vasari creó historia de artistas florentinos  Ensalzó el arte florentino  Legitimó hegemonía. + fundó la primera Academia en Florencia, con patronazgo de Cosimo de Medici, y Michelangelo a la cabeza  se convirtió en el paradigma de las academias artísticas en Europa por varios siglos. f) Si en contemporaneidad veía madurez/esplendor…¿qué hacer en momento de decadencia que era parte del devenir, lo que seguía? Vasari es el primer director de la primera Academia de Florencia en 1563 para evitar la decadencia. Copiando esculturas y dibujos clásicos, quedará y perpetuará la práctica y técnica. Canon clásico, de esta manera, se reproduce a través de educación, se institucionaliza.

Proemio de Leonardo da Vinci: “Los cielos suelen derramar sus más ricos dones sobre los seres humanos -muchas veces naturalmente, y acaso sobrenaturalmente-, pero, con pródiga abundancia, suelen otorgar a un solo individuo belleza, gracia e ingenio, de suerte que, haga lo que haga, toda acción suya es tan divina, que deja atrás a las de los demás hombres, lo cual demuestra claramente que obra por un don de Dios y no por adquisición de arte humano. Los hombres vieron esto en Lionardo da Vinci”  Vasari lo super ensalza. Artista como genio (Rel. Con Kant) “comenzaba a estudiar muchas cosas y luego las abandonaba. Así, en aritmética, durante los pocos meses que la estudió, realizó tales progresos que a menudo confundía a su maestro” Cuando Ser Piero lo advirtió, conociendo el elevado ingenio del muchacho, tomó un día sus dibujos y los llevó a Andrea del Verrocchio, que era íntimo amigo suyo, y le preguntó si Lionardo podía hacer algo dedicándose al arte. Andrea, asombrado ante estos precoces esfuerzos, aconsejó a Ser Piero que hiciera estudiar al niño. (…) Dotado de una inteligencia divina y maravillosa, y por ser excelente geómetra, no sólo trabajó en escultura, haciendo con barro algunas cabezas de mujeres sonrientes, que fueron vaciadas en yeso, y también cabezas de niños, que parecían ejecutadas por un maestro” (…) Disegno : A veces hacía modelos de figuras en arcilla, las vestía con blandos trapos, cubiertos de barro, y luego las dibujaba pacientemente sobre finas telas de batista o lino, en negro y blanco con la punta del pincel. Hacía admirablemente esos dibujos, como puede verse en los que conservamos en nuestro Libro. Asimismo dibujaba sobre papel, tan cuidadosamente y bien, que en finura nadie le igualó jamás.”  Técnica El niño superdotado supera al maestro. Rel con Mímesis ”insuperable por su perfección y naturalidad” y Esto lleva trabajo (paciencia) “las gotas de rocío se veían más reales que la realidad misma. Para su gran amigo Antonio Segni dibujó un Neptuno sobre papel, con tanto cuidado que parecía vivo.” Claroscuro + deseando que sus pinturas obtuvieran más relieve, se dedicó a lograr sombras más profundas, y buscó los negros más intensos con el fin de volver más claras las luces por contraste. “hallar el fin y la perfección del arte”

Seguimiento de la obra/comitentes: “Entre ellas está la cabeza de Amerigo Vespucci, hermoso anciano, dibujada con carbón, y la de Scaramuccia, capitán de los gitanos, que luego pasó a poder de Messer Donato Valdambrini de Arezzo, canónigo de San Lorenzo, a quien se la había regalado Giambullari. Comenzó un cuadro de la Adoración de los Magos, donde se ven cosas muy hermosas, especialmente las cabezas; esa obra se encontraba en la casa de Amerigo Benci, situada frente a la galería de los Peruzzi (…)”  Circulación de la obra Contexto: “Con motivo de la muerte de Giovanni Galeazzo, duque de Milán, y de la ascensión de Ludovico Sforza en el mismo año 1493, Lionardo fue invitado por el duque, con gran ceremonia, a trasladarse a Milán para tocar la lira, cuyo sonido deleitaba particularmente al 111 príncipe. Lionardo llevó su propio instrumento, que él mismo hizo de plata y al que dio la forma (…)Además, fue en su tiempo el mejor improvisador de versos. El duque, cautivado por la conversación y el genio de Lionardo, concibió un extraordinario afecto por él. Le rogó que pintara la Natividad para una tabla de altar, la cual fue enviada por el duque al emperador. Lionardo pintó luego una Última Cena bellísima y milagrosa, para los dominicos de Santa Maria delle Grazie, en Milán, infundiendo a la cabeza de los apóstoles tal majestad y belleza, que dejó la de Cristo sin terminar, pues sintió que no podía darle la celestial divinidad que ésta requería. La obra, dejada en esas condiciones, fue siempre tenida en gran veneración por los milaneses y también por los extranjeros, pues Lionardo representó el momento en que los Apóstoles están ansiosos por descubrir quién de ellos traicionará al Maestro. Todos los rostros expresan el amor, el temor, la ira o el pesar por no poderse interpretar la intención de Cristo, en contraste con la obstinación, el odio y la traición de Judas, al par que toda la pintura, hasta los más pequeños detalles, muestra increíble diligencia: hasta la trama del mantel es tan claramente visible, que la tela misma no parecería más real.” Ludovico Sforza, Duque de Milán  Mecenas de Da Vinci

La leyenda del artista de Ernst Kris y Otto Kurz Cap. 2: “Conversión del artista en héroe en las biografías” A los autores les interesa rastrear los temas que se repiten/elementos comunes en las biografías clásicas de artistas. Es decir, indagar en cómo se ha construido la imagen y leyenda del artista. En palabras de los autores: “no nos interesa aquí lo que ocurrió en la vida de tal o cual artista en particular, sino la naturaleza de la información que se puede identificar como parte típica del fondo común de la tradición” (p. 42)  Identificar las fórmulas biográficas. Claro que siempre se tergiversan datos para un fin. En las biografías clásicas de personas excepcionales se suelen expresar los acontecimientos de la infancia, como hechos determinantes y decisivos de estas personas. A través de la forma anecdótica, juega un rol importante el azar/fortuna Demuestran las fuerzas del destino en las vidas mortales, dramatizan el poder del azar  “una óptica de la vida que se derivaba de las obras de los retóricos y los trágicos, y que se abrió camino en los escritos de historiadores posteriores. Desplazó el anterior concepto mitológico de la vida, según el cual los cambios de fortuna se atribuían directamente a la voluntad de los dioses” (p. 34). En varios documentos, se ha colocado un énfasis en que los artistas (como Lisipo en Historia Naturalis de Plinio el Viejo) se formaron sin maestros…como autodidáctica  Relacionado con ascenso social del artista (Lisipo de calderero a famoso escultor que retrató a Alejandro Magno) Se le suele dar importancia al artista autodidacta como formador, como estimulante maestro. Cuestión de la dependencia/independencia del artista respecto a las tradiciones. Según los autores, tuvo gran importancia en la cultura griega en general. Se originó en la mitología y se inflitró en los escritos de historia. Rel. Del artista con tradición de escuelas  en la antigüedad clásica, la imagen del artista  independiente de la tradición (autodidacta que se transformó en

héroe cultural) o dependiente (y la necesidad de anclar al individuo en la sucesión dinástica). Se ha divinizado/ sacralizado al artista transformándolos en mito (como en Egipto, Imhotep, arquitecto del faraón), y se le ha dado importancia a los pioneers/precursores/ “inventores” de ciertas ramas de la actividad humana como a Gyges que se le atribuye el haber inventado la pintura. Se ha continuado en la escritura de la historia del arte moderna con esta estructuración mítica. Es más, tomando esta genealogía de “inventores”  se priorizó obviamente una línea de progreso donde discípulos y maestros se iban superando unos a los otros.

Vasari  “Relato sumamente adornado” (p. 38) adjetivizante, anecdótico.  Cuando analiza el caso de Giotto…como se mencionó anteriormente, hay ciertos elementos: Se conoció con su maestro de manera casual, por el azar/fortuna. “Este acontecimiento accidental preparó el camino para que Giotto, el pastorcillo, remontase la escala social”. Estaba predestinado a convertirse “en uno de los artistas más grandes de Italia”. El descubrimiento del talento como tema mitológico/ “Historia del descubrimiento del talento”  en las biografías de Vasari, se repite en artistas como Sansovino y Andrea del Castagno la historia del pastorcillo descubierto que ya revelaba de niño dotes de artista/talento innato  El genio de un maestro ya empieza a expresarse en la niñez  precursor de la idea de “genio” kantiano. Es más, se destaca la juventud para conseguir un efecto especial, como ocurría en el mito de Hércules (de niño, estranguló a serpientes en su cuna) y el relato de los santos. Niños especiales/excepcionales, pertenecientes al ámbito de lo milagroso. Escenarios: Es más, los autores relacionan la representación del héroe como pastor (Hércules) en la mitología con esta biografía renacentista. Los realtos de la niñez por lo general se sitúan en escenas rústicas. Igual Raffaelino da Reggio, Mantegna, Messerchmidt…Incluso en biografías modernas. Todo lo que destaca Vasari en las posteriores realizaciones de un artista se atribuye a las impresiones tempranas que recibió de su niñez + Vasari quería probar que crear arte era innato (“nuestros antepasados, sin educación, entre la maleza, pintaban”) El joven prodigio que vence todos los obstáculos para cumplir su destino profesional y con ello, el ascenso social.

 A veces con variante, descubierto no por maestro sino por mecenas aristocráta (Castagnano, por ejemplo, es descubierto por un Medici). Esta fórmula biográfica se impuso rápidamente, y se continuó en casos como Goya o Zurbarán. O como Polidoro da Caravaggio que cumplía un rol secundario como llevar cubos de yeso en el Vaticano, y fue descubierto pintando los frescos. "La leyenda del descubrimiento del joven Giotto tiene características que en muchos mitos se asocian frecuentemente con relatos de la juventud de los héroes" (p. 48) En los mitos de heroes (o saga de niños reales) se suele renegar del verdadero padre. La leyenda de la niñez de Giotto tiene origen en la tradición popular transmitida oralmente. Los autores comparan biografías con mitos: "aquellos temas que hallamos en las sagas y los mitos reviven perpetuamente en los sueños del hombre civilizado, derivado de su subconsciente". (P. 47)

Pocas biografías de artistas en la antiguedad. La posición del artista era limitada porque no se estimaba la labor manual y se consideraba que a traves de la mimesis los artistas buscaban copiar el reflejo del reflejo de las ideas (Platón) En el siglo IV a.c cambió la estimación de pintores y escultores. En las biografias aparecen en contacto con gobernantes con los cuales se comportan de manera orgullosa. En estas biografías helenísticas se ponian en pie de igualdad a los principes y a los artistas. Sin embargo, en este momento el artista siguió siendo considerado como un artesano. No era como pensaba Platón al poeta, inspirado por las deidades. El poeta podía ser poseído por las deidades, en un éxtasis divino pero no así lis pintores y escultores (Ion de Platón). Sin embargo, en el siglo V a.c, Jenofonte postula que la obra de arte es superior a la naturaleza porqué corrije sus defectos. Es más, podría tomar elementos individuales de distintas personas para constituir un cuerpo hermoso (por lo que la rtidts no debería probar que existen en la realidad los hermosos dered quepladma en sus obras). Plotino va a continuar con esta apreciación. Hablando del Zeus de Fidias mencionó que "la imaginación, la visión interior, tenia más importancia que cualquier imitación de la realidad" (p. 52) Cambia concepción del artista: Pasa a ser influido por los dioses como los poetas. Aunque esto no de reflejó del artista todo en las biografias.

En biografías de artistas clásicos, otro elemento recurrente es la casualidad en la producción artística. En las biografias renacentistas como en las de Vasari, aparece la casualidad con otro tinte. En imágenes o situaciones fortuitas (en las nubes, por ejemplo), Piero di Cosimo veía batallas. Contemporaneamente, Leonardo recomendaba interpretar manchas de humedad para ejercitar la imaginación. En el Renacimiento, "ya no se consideraba la imitación de la naturaleza como el colmo del logró artístico, sino que la "invención" era su aspiración máxima" (p. 54) Vasari --> interés en el dibujo, el disegno, incluso inacabados.

Art as History de Donald Preziosi

"Do works of art provide us with knowledge that is significantly different from that offered elsewhere?" La disciplina moderna de la historia del arte se basa en el significado de objetos manufacturados. Algunos objetos nos dan información sobre sus fuentes que sobre su creador . En otros casos, tienen rastros del tiempo en que fueron manufacturados Los dos sujetos que historiadores del arte verán como los fundadores intelectuales d la disciplina, el artista nacido en Arezzo, Giorgio Vasari (1511 -

1574) y el anticuario prusiano Johann Joachim Winckelmannc(1717 - 1768) comenzaron a escribir motivados por resolver dilemas de su tiempo. Preguntarsen sobre las obras de arte era preguntarse también por el devenir histórico y la causalidad histórica: Perspectiva biologicista: Niñez, madurez, decadencia  línea de progreso

Vasari  En el arte de la Florencia renacentista  revivía la antigua gloria.  Legitimiz. De Florencia como centro artístico  Miguel Angel y su generación eran la cumbre de la perfección  Los artistas florentinos, según Vasari, tenìan los mismos problemas artísticas que los antiguos  problemas que tenìan que ver con la imitación de la naturaleza y la representación de la realidad  Según Vasari, la mímesis era el ideal de perfección perseguido por todos los predecesores a los que llegaron renacentistas. Esta era la norma que se debía seguir. Winckelmann  dos siglos después.  Winck. Postulaba que esos dos siglos habían transcurrido bajo un excesivo “barroco” e imitaciones poco creativas.  “One of the Winck.`s pragmatic motivations for re-establishing the history of art on a sound historical footing was the transformation and elevation of contemporary art.”(p. 22)  Winck. Exhortaba a contemporàneos de que volviesen a arte griego (rather than imitating Michelangelo and Raphael) para que crearan un nuevo clasicismo.

“Like Vasari, he was concerned with articulationg what he perceived to be the historicity of art –works: the idea that an object bore within its very form certain identifiable traces of its temporal position in a unilinear and developmental historical system (…)” (p. 22)  evolución de estilos con tinte biologicista: nacimiento, madurez, decadencia. Progenitor de la disciplina académica de historia del arte  rel. Entre arqueología e historia del arte

En The History of the Art of the Antiquity (1764) busca: 1) las causas (biológicas, políticas, sociales, climáticas) del cambio de estilo 2) articular un análisis de viable donde ubica al historiador del arte como observador de obras de arte  rel.

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Entre historiador y su objeto de estudio. “He was equally concerned with understanding what the encounter between subject and objetc might reveal about the nature of the viewing subject.”  Po resto se diferenciará de precursors. Ens igloo XIX, se profesionalizó y se institucionalizó la disicplina de historia del arte. Analizar por qué y cómo la tradición griega se desarrolló de esa manera. Arte pensado como “quintessential expression” Piensa la periodización/devenir histórico como se postula en estudios históricos de la época: como pasos/períodos delimitados del arte en vías de desarrollo. Van desde un origen “arcaico” hasta una representación naturalista (coincidiendo con Grecia Clásica, siglo V a.c) --> parecido a Hauser. Continuaba con una declinación en el helenismo caracterizado por exceisva decoración “Winck. not only transformed the idea of the history of art into a notion that art is the emblem of the spirit of a entire culture, but he also argued that it achieves an ideal moment –what later came to be referred to as “classical”- in which the eseential qualities of a people are most fully and truly revealed: in this case, with the nude male kouros statue” (p. 26) “In his eyes, the history of Greek art not only mirrored the rise, maturity and decline of the free Greek city-state, but it was also its allegory; its classical moments constituted the epitome of all that culture had striven towards. Is historical paradigm also permitted a patent analogy between the time of ancient “decline” – the Hellenistic period- and the later Barroque period in which he himself lived” (p. 26) “His genealogical system of Greek art wa elaborated as an allegory of all artistic history of all times: the norm or standard against which the art of any people might be measured. This allowed him to compose the history of antiquity as a grand transcultural narrative with “Cuanto más descansada es la actitud del cuerpo, tanto más apta para mostrar el verdadero carácter del alma” (p. 38)  tranquilidad, reposo  transparenta el alma  no mucho pathos  ((pero es contradictorio porque el Laocoonte es bastante patético.))

“Tras el estudio de la bella naturaleza, del contorno, de la draperie, de la noble sencillez y de la serena grandeza en las obras de los maestros giregos, los artistas deberían necesariamente dirigir su atención hacia la manera en que trabajaban, con el fin de obtener un mayor éxito en su imitación” (p. 43). Según Winckelmann, “el gusto más común de los artistas de nuestros días, en especial de los que empiezan” es recurrir al phatos  Las Bellas Artes “pasan

por una fase de juventud y se diría que éstas se asemejaron, en sus inicios, a los artistas, quienes al principio sólo gustan de lo tonitronante, lo asombroso” (p. 39) “Grecia reunía al artista y al sabio en una misma persona” Las artes  deben agradar e instruir a la vez  Deben dar que pensar más que lo mostrado a la vista.  “y el artista alcanzará este objetivo cuando haya aprendido no a disimular sus pensamientos bajo alegorías, sino a formularlos en alegorías. Cuando tenga un tema poético (…), su arte le inspirará el espíritu y despertará en él el fuego que Prometeo robó a los dioses” (p. 60).