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• Karen Felix

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revista sobre lo que debes de saber de fotografía

Como crear grandes efectos

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29 de octubre del 2010, www.fotografíaXXI.com

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en unos cuantos pasos

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SECCIONES Historia #4 Retrato #5 Paisaje #9 Still life #13 Efectos fotográficos #18 -congelado #19 -enfoque selectivo #20 -efecto panning #21

Historia...

La Historia de la fotografía es la rama de la historia que estudia todos los aspectos relacionados con las imágenes fotográficas: procedimientos, inventores, fabricantes, autores de las fotografías, visión artística y documental, progreso técnico y evolución estética, aplicaciones, comercialización y consumo de imágenes fotográficas, difusión en otros medios de comunicación, conservación en museos y colecciones. A principios del siglo XIX, en el año 1816, el científico francés Nicéphore Niepce obtuvo unas primeras imágenes fin 1839 Louis Daguerre hizo público su proceso para la obtención de fotografías sobre una superficie de plata pulida, que denominó daguerrotipo. Resolvía algunos problemas técnicos del procedimiento inicial de Niepce y reducía los tiempos necesarios de exposición. Casi al mismo tiempo Hércules Florence, Hippolythe Bayard y William Fox Talbot desarrollaron otros métodos diferentes. El creado por Fox Talbot obtenía negativos sobre un soporte de papel, y a partir de esos negativos positivaba copias positivas, también en papel. El procedimiento negativo-positivo de Talbot se llamó calotipo o talbotipo. Inicialmente el daguerrotipo era mucho más popular, ya que era muy útil para obtener retratos. Estos “retratos al daguerrotipo” empezaron a divulgarse entre la clase burguesa de la Revolución industrial, por ser mucho más baratos que los pintados, lo que dio un gran impulso a esta nueva téc

La fotografía en color fue experimentada durante el siglo XIX, pero no tuvo aplicaciones comerciales, por su dificultad e imperfección. Los experimentos iniciales no fueron capaces de conseguir que los colores se quedaran fijados en la fotografía. Una primera fotografía en color fue obtenida por el físico James Clerk Maxwell en 1861, realizando tres fotografías sucesivas, con la lente con un filtro diferente: rojo, verde y azul. Cada una de las tres imágenes se proyectaba sobre la misma pantalla con la luz del color del filtro que se había empleado para tomarla. A lo largo del siglo XIX, y principios del XX, algunas fotografías se coloreasen a mano, con acuarelas, óleo, anilinas, u otros pigmentos. Pero este coloreado manual era artístico y no técnicamente fotográfico. Ya en la época del daguerrotipo se empezaron a colorear los retratos, pagando un suplemento. En algunos países, como Japón, se coloreaban muchas copias a la albúmina, especialmente en los retratos de tipos populares y en las vistas de paisajes y ciudades. La verdadera primera placa fotográfica en color -Autochrome Lumière- no llegó a los mercados hasta 1907. Esas placas autocromas eran transparencias de vidrio. La primera película fotográfica en color moderna, KodaChrome, fue utilizada por primera vez en 1935. Las más modernas, a excepción de ésta, han sido basadas en la tecnología desarrollada por Agfacolor en 1936. 4

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Retrato

El retrato fotográfico es un género donde se reúnen toda una serie de iniciativas artísticas que giran en torno a la idea de mostrar las cualidades físicas o morales de las personas que aparecen en las imágenes fotográficas. Su práctica se encuentra ya en los inicios de la fotografía donde destaca la labor realizada por los fotógrafos ambulantes, los fotógrafos comerciales de los estudios parisinos, los primeros retratos psicológicos, el retrato popular presentado por la fotografía academicista, así como la obra documental de David Octavius Hill. Los representantes principales del retrato fotográfico en sus inicios son Nadar, Disdéri, Julia Margaret Cameron, Lewis Carroll, Gustave Le Gray, Etienne Carjat, Antoine Samuel Salomon, Pierre Petit o Lady Clementine Hawarden.

Con posterioridad el género fue evolucionando de forma paralela al devenir de la historia de la fotografía razón por la cual, junto a fotógrafos que se dedican en exclusiva a lo que podríamos entender como la forma más ortodoxa del retrato fotográfico, nos encontramos con fotógrafos adscritos a movimientos concretos que se acercan al retrato fotográfico con el empleo de las ideas y técnicas propias de estas corrientes. Figuras de interés en el campo del retrato fotográfico son Richard Avedon, Brassaï, Walker Evans, August Sander, Annie Leibovitz, entre otros. Dentro del campo del retrato fotográfico se desarrolla con fuerza, durante el siglo XIX y principios del siglo XX,un subgénero propio conocido como la fotografía de difuntos, en la que destaca la obra del fotógrafo español Fernando Navarro.

Definición: El retrato fotográfico es un género donde se reúnen toda una serie de iniciativas artísticas que giran en torno a la idea de mostrar las cualidades físicas o morales de las personas que aparecen en las imágenes fotográficas. El rostro, es la parte más importante de un retrato debiendo basar la exposición en la cara y no en el fondo. Para ello, hay que acercarse y verificar que combinación de abertura y velocidad de obturación es la indicada y después volver a la posición desde donde se va a fotografiar.

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Retrato

7 Claves del Retrato

1.- Crear un buen ambiente. El modelo debe encontrarse cómodo y para ello podemos mantener una conversación jocosa, incluso gastar alguna broma. Nuestro objetivo debe ser romper el hielo y que el modelo olvide a la cámara. 2.- Utilizar una óptica idónea. Un objetivo interesante para el retrato es el 85-135mm, es decir, un teleobjetivo medio. Cuidado con las longitudes focales grandes (angulares), porque distorsionan los rostros si el sujeto se encuentra muy cerca o la cámara está inclinada. 3.- No olvidarnos del fondo. El fondo también importa. Procura localizar fondos neutros y, si es posible, desenfócalos. Nuestro objetivo es evitar los fondos confusos que quiten protagonismo al sujeto. 4.- Maquillaje. Sombras de ojos, rímel en las pestañas, polvos de base para evitar brillos en la piel y brillo de labios suelen mejorar los retratos femeninos. 5.- La luz. La disposición básica de iluminación en estudio implica dos luces: una luz principal (a la izquierda de la

cámara a unos 45º) y una luz secundaria menos intensa que suaviza las sombras (a la derecha a unos 45º de la cámara). Un esquema con el que se obtienen resultados más glamourosos que con el esquema anterior (45º/45º) es con un reflector con paragüas sobre la cámara y otro de relleno a la derecha. No hay que olvidar que con la luz natural podemos obtener resultados sorprendentes. La luz proporcionada por el Sol al final del día es muy apropiada. Otra recomendable fuente de iluminación natural son las ventanas. Podemos colocar a nuestros sujetos cerca de la ventana, y utilizar una cartulina blanca como reflector de relleno. . 6.- La altura de la cámara. Generalmente la mejor altura a la que debemos obtener los retratos nos la marcará la altura de los ojos de nuestros protagonistas. Os recomiendo que hagáis una prueba: sacar tres fotos, una con la cámara a nivel de los ojos del sujeto, otra por encima y otra por debajo. Veréis la diferencia. 7.- El encuadre. Primerísimo plano. Parte del rostro. Primer plano. El rostro ocupa la totalidad de la imagen. Plano medio. Rostro, hombros y pecho, hasta codos. Plano americano. De la rodilla hacia arriba. Plano general. Vista completa del sujeto y parte de su entorno. Primerísimo plano. Parte del rostro.

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¡Lafoto más Personal!

Retrato

LA POSE:

Si lo que se persigue con el retrato es subrayar la belleza o resaltar la personalidad, la pose que adopta el modelo es decisiva. La edad, la contextura física, el sexo, son factores importantes en el momento de elegir la pose. Ante todo, hay que evitar los primeros planos de frente, si no existe una razón especial, ya que favorecen sólo a unos pocos rostros. La toma de perfil puede parecer excesivamente posada, sin embargo pued e resultar sorprendente e informal si realzamos el cabello echando la cabeza hacia atrás y mostrando la grácil y esbelta curva del cuello. El retrato de busto o me Otra cuestión a tener en cuenta es asegurarse de que el modelo se encuentra a gusto, sobre todo si se trata de una persona mayor. Sentados en su silla favorita, él o ella adoptarán una postura relajada. La silla ofrece también un punto de apoyo para los brazos y ayuda a resolver

un problema clave: la colocación de las manos. Con los jóvenes se pueden buscar poses menos estáticas y convencionales aprovechando actitudes espontáneas y naturales.

Aunque genéricamente hablamos del retrato como si se tratase invariablemente de la fotografía del rostro de una persona, su esencia va mucho más lejos. Un retrato implica la participación de muchos elementos y la perfecta armonía de todos ellos. Desde el equipo a emplear hasta la complicidad del modelo -profesional u ocasional-, debemos tener en cuenta que todos los detalles son esenciales y que el fallo de uno solo puede echar por tierra el resultado final. Y es que una imagen que transmita un sentimiento, esa es un retrato. si hay

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Paisaje U

na de las modalidades de fotografía más complicadas es probablemente la fotografía de paisajes. Sin embargo, también se trata de la primera línea de trabajo en la que uno se adentra en fotografía, probablemente porque es la más fácil de probar. En este artículo te queremos dar una serie de consejos para que mejores tus fotografías de paisajes.

1.

Utiliza la mayor profundidad de campo que puedas Mientras que en otro tipo de fotos se juega con la profundidad de campo, utilizando esta faceta como un elemento compositivo más, la fotografía paisajista se caracteriza por aplicar, por regla general, la mayor profundidad de campo posible, En caso de no disponer de uno, manteniendo nítida toda la foto. puedes probar a abrir algo más el diafragma o a subir la sensibiRecuerda que para conseguir una lidad ISO, aunque recuerda que gran profundidad de campo debes haciendo esto último aumentarás cerrar todo lo que puedas el dia- la relación de ruido en la imagen. fragma del objetivo de tu cámara. Identifica un centro de interés Recuerda que toda buena foto Utiliza un tripie debe tener un centro de interés. Como vas a cerrar mucho el diafragma, tendrás que utilizar tiempos Identifica uno dentro de tu paisaje. de exposición largos. Así que, ne- Puede ser el pico de una montacesitarás un buen tripie si no quie- ña, una roca, un árbol, una silueta, res que te salgan movidas las fotos.

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3.

También acuérdate de situarlo bien dentro de la fotografía. Para ello puedes aplicar la regla de los tercios.

4.

Piensa en el fondo Al contrario que en otras muchas temáticas, en paisajes el fondo importa mucho. Estará nítido y forma parte de la composición por completo. Por tanto, tendremos que analizarlo con detenimiento, viendo donde situamos los puntos de interés, si utilizamos líneas rectas o curvas para conducir la atención en la foto, ver de que manera vamos a crear sensación de profundidad.

5.

Ten en cuenta el El cielo es otro de los tos a considerar a la de componer nuestra

cielo punhora foto.

En la mayoría de fotografías de paisajes hay un elemento predominante: el cielo o la tierra (vale, o el mar). Si vemos que el cielo no aporta demasiado a la foto, lo suyo es dejar un solo tercio de la fotografía para el cielo, mientras que si el tipo de cielo que estamos sacando es el elemento predominante, por la forma de sus nubes, por el color en función de la hora del día. www.fotografiaXXI.com

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Paisaje

6.

Captura el movimiento La mayoría de nosotros asociamos la idea de paisaje al sentimiento de calma, paz y tranquilidad. Lo cierto es que muy pocas veces encontramos esa calma total en la escena que estamos viendo en un momento determinado. El movimiento que se pueda producir a nuestro alrededor puede añadir a la imagen sentimiento o drama, y crear en si mismo un centro de interés.

7.

La climatología Una escena puede variar dramáticamente en función del clima que se da en el momento de hacer la foto. Por lo tanto, elegir bien el momento en el que hacer la foto va a resultar determinante para obtener un buen resultado.

Cuando empezamos en el mundo de la fotografía, asociamos el buen tiempo y los días soleados al mejor momento para hacer fotos. Con el tiempo nos iremos dando El viento que mueve los ar- cuenta de la infinidad de posibiliboles, las olas en el mar o la dades que ofrecen los días nublacorriente de un río son ejem- dos, lluviosos, la niebla o la nieve. plos de movimiento que encontramos continuamente Los días soleados, en las horas en la naturaleza y que pode- centrales del día, generan una luz mos recoger en nuestras fotos. dura, con sombras muy acusadas y fuertes contrastes entre las luces Para capturar ese movimiento y las sombras. Por el contrario, los tendremos que utilizar veloci- días nublados dan una luz más dades de obturación bajas, lo suave, reduciendo ese contraste. que nos obligara a cerrar más el diafragma para contrarrestar No debemos dejar de buscar días la cantidad de luz que entra a de tormenta, niebla, viento, cielos través del objetivo y puede que especialmente nublados, o nieve. algún tipo de filtro para reducir Empezaremos a generar diversila luz, salvo que esperemos a un dad en nuestras imágenes, rommomento del día con menos luz. piendo la monotonía de nuestras

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fotos de paisajes, estar esperando cámara cogiendo llegue el próximo

en lugar de con nuestra polvo a que día soleado.

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La hora del día Aunque ciertamente tengo pocas oportunidades de hacerlo, me gusta madrugar para hacer fotos de paisajes al amanecer o esperar al atardecer para hacerlas. El amanecer y el atardecer son los dos mejores momentos para hacer fotos de este tipo. La posición del sol hace que la luz incida sobre los objetos con un ángulo especifico en el que se crean texturas y patrones con las sombras.

Paisaje

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El segundo, en cuanto a su resultante transmite siempre composición. Recuerda la re- la misma sensación. Es lo gla de los tercios. No pongas que vemos habitualmente. el horizonte partiendo la foto, salvo que esté justificado. En la inmensa mayoría de los casos es preferible ajustarlo El primero, manteniéndo- al tercio inferior o al superior. lo recto. Antes de disparar, . Cambia el punasegúrate de que el horizonto de vista te esta bien nivelado. Recuerda que siempre puedes Normalmente hacemos las corregir la inclinación poste- fotos desde el mismo punto riormente en la edición de de vista. De pie, con la cála foto, aunque te obliga- mara a la altura de nuestros ra a recortar la fotografía. ojos. De este modo la foto Acuérdate del horizonte Posiblemente es la regla más básica de la fotografía. Debemos mantener en mente siempre el horizonte en dos aspectos.

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Still life Still life es una composición artística de distintos objetos sobre fondos artificiales o superficies naturales, con el fin de crear distintas formas y luces. Un bodegón, también conocido como naturaleza muerta, es una obra de arte que representa objetos inanimados, generalmente extraídos de la vida cotidiana, que pueden ser naturales (animales, frutas, flores, comida, plantas, rocas o conchas) o hechos por el hombre (utensilios de cocina, de mesa o de casa, antigüedades, libros, joyas, monedas, pipas, etc.) En un espacio determinado. Naturaleza muerta debe expresar claramente una cierta idea. Puede estar compuesto por objetos juntos de acuerdo a su función práctica o de cosas que pueden parecer diferentes a su punto de destino de vista, y en este caso deben estar unidos por una idea clara y distinta.

Un poco de historia Tuvo especial influencia en el siglo XVI en Flandes. Este género era llamado naturaleza muerta, que era un tipo de arte simbólica. Se solía hacer en interiores y se le llamaba bodegón porque representaba elementos que estaban en las cocinas, en las bodegas o en las despensas (pan, botellas de vino, frutas,...). Se pueden diferenciar dos tipos: • Bodegón seco. Son los que tienen más en común con los que se realizaban en pintura (naturaleza muerta). Admiten sombras, texturas y el color suele ser cálido: cuerda, madera, cereales, barro, frutos y flores secas, pasta, botellas de vino,... En el caso de que quedara una composición muy monótona en cuanto a color, se puede poner un elemento que desta-

que del resto. • Bodegón húmedo. Es más luminoso, brillante. No admite sombras y las texturas son suaves: frutas y verduras, cristal, cubiertos de acero inoxidable, porcelana,...

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Aplicaciones de Still Life La principal aplicación del bodegón es la fotografía publicitaria, donde el objetivo es vender un objeto, por lo que se trata de una fotografía muy cuidada y preparada. Los equipos son de gran calidad y se trabaja en estudios. Se deben tener en cuenta tres aspectos: • La composición. Es importante respetar la ley de los tercios: las grandes masas estarán en el centro y los pequeños detalles alrededor. Un bodegón cuenta con varios planos de composición, lo que obliga a trabajar con diafragmas cerrados para conseguir mayor profundidad. • La toma. Es importante la posición de la cámara y los objetivos con los que se va a trabajar. Por ejemplo, si el objeto es muy plano, se deberá hacer una toma cenital (desde arriba). La toma que más se utiliza es la toma frontal ligeramente picada. En cuanto a los objetivos, con ellos se pueden crear diferentes efectos: o Teleobjetivo. Enfoca muy bien el bode-

gón, pero el fondo queda desenfocado. o Gran angular. Se puede deformar el bodegón por los extremos. El objetivo que más se utiliza es el teleobjetivo corto (70-100) ya que respeta la profundidad de campo lo suficiente y no deforma el objeto, ni llega a pegar la perspectiva. En publicidad se trabaja con negativo de 9x12. • La luz. Es muy importante, más que en otros géneros. Dependerá del tipo de bodegón: o Bodegón húmedo. Al no pedir sombras, se deberán evitar éstas y controlar los brillos (deben aparecer en los bordes de los objetos). Los fondos son lisos y con colores vivos. Lo ideal es que no haya demasiados objetos y procurar, además, que éstos queden ligeramente sobreexpuestos (de luz). Debe haber profundidad de foco (o campo). Se trabaja con luz difusa. Si se utiliza un foco directo, se hará frontal o cenitalmente. o Bodegón seco. Todo lo contrario. Admite sombras, por lo que se utiliza luz directa frontal o lateral. Los fondos son de colores cálidos, fogosos, con texturas,... Quedará mejor cuando los objetos queden ligeramente subexpuestos. A este tipo de bodegones les va bien el fondo desenfocado, por lo que se utilizan objetivos largos.

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Si se utilizan líquidos, se iluminarán de manera especial, con un foco dirigido hacia él. Hay que tratar de alejar los elementos más claros de la fuente de luz. Pasos para la toma de un bodegón: • Componer. Una vez compuesto no se debe mover nada. Hay que juntar los elementos. • Situación de la cámara. Se debe colocar en un trípode. Una vez colocada la cámara no hay que moverse. • Elegir el objetivo. • Elegir el diafragma y la obturación. • Iluminación.

Es uno de los temas fotográficos más exigentes de la fotografía profesional, pues requiere equipo y preparación técnica de alto nivel: sistemas sofisticados de iluminación, cámaras de medio y gran formato, un amplio abanico de accesorios como fondos, elementos de atrezzo.., Por no hablar de los conocimientos necesarios para obtener el máximo rendimiento de tanto utillaje. Todo esto acaba por disuadir al aficionado, que raras veces se atreve a adentrarse en este mundo aparentemente reservado a los profesionales. Sin embargo, conseguir un buen bodegón se

encuentra al alcance de cualquiera, vamos a verlo. Es difícil que los aficionados, incluso con conocimientos se atrevan con los bodegones. Esto se debe principalmente a que en ellos el fotógrafo no se encuentra con nada hecho y debe construir por completo la totalidad de la imagen. En un paisaje, la iluminación o los elementos del mismo no dependen exclusivamente de nosotros, al igual que en el reportaje donde se trabaja con sujetos “fuera de control” bajo una iluminación dada. www.fotografiaXXI.com

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Still life

En un bodegón, sin embargo, todo lo pone la imaginación de su autor, resulta de su capacidad para producir y crear la escena: primero con la acertada elección de sus objetos, prestando especial atención a sus formas, volúmenes, tamaños, colores y texturas; segundo con un perfecto dominio de la iluminación que cree la atmósfera adecuada y proporcione un toque especial a lo fotografiado, resaltando con fuerza sus características. Tercero, con una composición y encuadre elegantes fruto de una colocación armónica de los elementos y de un fondo acorde con ellos. Estos tres factores (tema, luz y composición) resultan determinantes a la hora de conseguir una foto de bodegón que merezca la pena, pero no es cierto que debamos partir de planteamientos complejos y elaborados o que hagan falta equipos especializados. Los bodegones sencillos apenas son exigentes en este sentido; vale cualquier cámara analógica o digital equipada con una óptica zoom estándar que permita intervenir al fotógrafo en los controles básicos de exposición, diafragma y enfoque. La iluminación puede ser sólo natural, con lo que eliminamos la necesidad de saber iluminar, aunque algún esquema sencillo también explicaremos con el propósito de ayudar a quienes quieran hacer sus “pinitos” en el estudio. Los requerimientos, sin embargo, en estos bodegones minimalistas de creatividad y saber hacer son máximos: no vale cualquier tema, iluminación ni fondo o composición, algo común a toda fotografía, pero que en el bodegón resulta todavía más evidente, en el sentido de que en este caso sí que tales factores se deben sólo al fotógrafo. En otra clase de tomas el azar o la luz ambiente nos pueden echar una mano, en el bodegón los posibles fallos dejan al desnudo sin más nuestras carencias fotográficas. Lo que no es nada malo, muy al contrario, el bodegón es una escuela excelente para aprender y practicar la fotografía porque ayuda a resolver sus aspectos esenciales de forma y contenido, simplemente al plantearlos desde el principio como la única forma de construir la imagen fotográfica, esa mezcla de composición, luz y tema.

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Still life

Hay muchas formas de tomar una fotografía, el más mínimo efecto, hace que nuestra composición tome otro sentido. Los efectos fotográficos nos ayudan a darles una vista diferente a nuestra imágenes. En esta ocasión veremos > Panning > Enfoque selectivo > Movimiento congelado

Efectos fotograficos

Movimiento congelado Una de las características mas fascinantes de la fotografía es su capacidad de detener el tiempo. Capturar momentos en una fracción de segundo. Mostrar la belleza del “movimiento congelado”. Para lograr esto tenemos que jugar con la velocidad de obturación de la cámara. La capacidad de congelar (o de representar) el movimiento de un motivo en una fotografía reside en el obturador. Velocidades altas (1/250, 1/500 y 1/1000) corresponden a tiempos muy breves de obturación. Si trabajas en modo automático, para obtener la velocidad de obturación lo más alta posible deberás seleccionar la posición “S”. Con este ajuste podrás escoger una velocidad alta y la cámara seleccionará el diafragma que le corresponda para una exposición correcta. Si la velocidad escogida es muy alta, puede que en algunas situaciones la cámara no pueda seleccionar la abertura máxima de diafragma necesaria. En este caso deberás reducir la velocidad. Que te sea posible ajustar una velocidad de obturación alta está en función de: ■ Luz ambiente intensa ■ Posibilidad de abrir al máximo la abertura de diafragma ■ Sensibilidad del CCD

Disponer de una luz ambiente de cierta intensidad (trabajar a pleno sol, por ejemplo), permite obtener una combinación de velocidad/diafragma que facilita congelar el movimiento de un motivo. Esta situación te permitirá, al mismo tiempo, que la cámara ajuste un diafragma relativamente cerrado, lo que comporta una profundidad de campo aceptable. En condiciones de poca luz, necesitarás abrir el diafragma al máximo para poder ajustar una velocidad de obturación alta. Una abertura máxima de diafragma comporta poca profundidad de campo. Presta mucha atención a la operación de enfoque. Recuerda la

técnica de enfocar el motivo protagonista, bloquear el enfoque y, si es necesario, reencuadrar la escena. La sensibilidad del CCD, combinada con la luz ambiente, es la que determina la exposición necesaria (velocidad/diafragma). La cámara te permite realizar diversos ajustes de sensibilidad, pero ya sabes que sensibilidades superiores a la normal (equivalente a 100 ISO) comportan un cierto nivel de “ruido” en la imagen. En la posición “Auto” la cámara trabaja a 100 ISO, salvo cuando las condiciones de luz son precarias, que la sensibilidad se ajusta, de forma automática, a un nivel suficiente que permita captar la fotografía. Cada vez que se dobla la sensibilidad ISO, se puede doblar la velocidad de obturación (1/125, 1/250, 1/500, por ejemplo) y mantener el mismo

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Efectos fotograficos

Enfoque selectivo El enfoque selectivo significa dar nitidez solamente a lo que interesa, lo que permite un mayor control sobre el contenido y la interpretación final de la fotografía. La operación de enfoque está desvinculado del encuadre, es decir, una cosa es lo que se encuadra y otra muy distinta es lo que se enfoca dentro del encuadre. El fotógrafo decide primero el encuadre y después enfoca aquello que te parece más conveniente, lo cual no ha de coincidir forzosamente con el centro del encuadre. Para mejorar resultados, el fotógrafo debe educar su manera de mirar el entorno e incorporar a sus reflejos la mirada selectiva e instintiva ante cualquier situación. Un buen ejercicio para conseguirlo es mirar repetidamente por el visor de la cámara y analizar lo que se ve a través de él con ojos críticos, como serán los del observador de la fotografía.

Dejar nítida sólo una parte de la imagen, mientras el resto queda desenfocado, es una buena fórmula para destacar el centro de interés. Esta opción se llama enfoque selectivo. Destacar, acentuar determinados aspectos o cualidades del motivo y transmitir emociones son las metas que se han de conseguir. Éstas son, en definitiva, las diferencias que determinan que una fotografía sea, además de correcta, interesante.

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Panning El efecto panning es el efecto creado cuando fotografiamos algún objeto en movimiento de manera que conseguimos que dicho objeto esté enfocado y congelado mientras que el fondo está movido. Lo que debemos hacer es:

Si utilizáramos un tiempo de exposición corto, congelaríamos tanto el motivo fotográfico como el fondo, y perderíamos por completo la sensación de velocidad. ■Utilizar un tiempo de exposición largo. Podemos empezar por 1/30, por ejemplo. ■En el momento en el que disparamos la fotografía, deberemos seguir el objeto fotografiado con nuestro objetivo, normalmente girando sobre nuestro eje o desplazándonos sobre la horizontal. ■Un tripié o estabilizador de imágen casero nos vendrá de mucha ayuda. El panning, también conocido como barrido, es eso, una técnica fotográfica a través de la cuál captas un sujeto en movimiento siguiéndolo con tu cámara, de esta forma el objeto a fotografiar parece estar estático en tanto que la zona que lo rodea es la que brinda la sensación de movimiento. La dificultad principal es conseguir que el objeto de la foto esté bien enfocado. Deberemos valorar si utilizar el autofocus, el autofocus en modo contínuo o enfocar de manera manual en la zona donde por la os que pasará el objeto a fotografiar. Esto dependerá de la cámara que tengas y tu habilidad para hacerlo.

5 consejos breves para un barrido exitoso: 1. Pon las manos firmes y una velocidad de obturación relativamente baja. 2. Baja la velocidad de obturación a medida que aumenta tu experiencia con la técnica, comienza con una velocidad medianamente rápida. 3. Asegúrate que el sujeto permanece en la misma porción de la imagen durante toda la exposición. 4. Comienza con sujetos en movimientos más lentos para ir aumentando el desafío a medida que vas alcanzando tus primeros logros. 5. ¡Diviértete! Y si al principio no resulta, tranquilo; arriba el ánimo, espera un poco y vuelve a intentarlo una y otra vez.

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