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Universidad De Caldas

Facultad de artes y humanidades Artes plásticas

Resumen del libro lo espiritual del arte

Mateo Quintero Castaño

Ayda Nidia Ocampo

Manizales diciembre 9 del 2014

Para Kandinski, el arte es un lenguaje universal, accesible a cualquier ser humano, es una forma de expresión espiritual. Nos cuenta que existe el arte en la actualidad (siendo externo) y las formas de años pasados, arte del pasado (siendo espiritual), teniendo una semejanza, que son diferentes. Una obra puede modificar el estado de ánimo del espectador. El arte nace de la necesidad interior del artista de expresarse y cada cuadro guarda misteriosamente una historia o una vida. El libro comienza, toda obra de arte es hija de su tiempo, muchas veces madre de nuestros sentimientos. Con ella Kandinsky sitúa al artista o más bien lo saca de un espacio subjetivo único, haciendole partícipe de aquellas formas culturales que acompañan a cada sociedad y sus significados. Cada obra de arte nace dentro de un contexto histórico y artístico concreto, de tal modo que, será de alguna manera deudor y creador a la vez, de este contexto. La obra de arte es la expresión del artista nacida de su necesidad interior, la expresión de su época,a través de un estilo, y la expresión misma del arte, aquello que es común a todas las expresiones artísticas del ser humano y que Kandinsky denomina la gran necesidad o semejanza del sentir íntimo, que pueden ser traducido en formas parecidas que resuenen en el espectador de todos los tiempos. Kandinsky retoma el dicurso de la dualidad inseparable entre forma y contenido, plantenado de nuevo la relación y problema que todo artista debe resolver entre el qué y el cómo. Si bien la forma y el color es el lenguaje del artista (el cómo), su expresión, ésta queda vacia si no la sustenta un significado (el qué) como ocurre en el conocido Arte por el arte donde el arte pierde el alma. Un qué espiritual basado en la comunicación entre el artista y el espectador eterno y un cómo material (composición). El artista que se deje llevar por el éxito se ocupará más del cómo dejando sin pan espiritual al espectador.

A lo largo del libro Kandinsky explica la necesidad de liberar al arte del naturalismo, de la utilización de la naturaleza como modelo, sometiendo al puro lenguaje expresivo, color y forma, a elementos externos a él.

Kandinsky hace un recorrido entre los antencedentes del abstracción, en este cambio de rumbo de lo espiritual, transformación profunda de la pintura, como fueron los expresionistas, los simbolistas y más tarde los cubistas. El dramaturgo y ensayista belga, (principal exponente del teatro simbolista), Maeterlinck utiliza los objetos como significantes simbólicos, retazos de lienzo como montañas y paisaje, lo que llama Kandinsky evocar con significantes. Como cuando despojamos a la palabra, su sonido interno, de su significado por repetición. Schönberg, compositor, teórico musical y pintor austriaco de origen judío, en el campo de la música, nos introduce en un nuevo terreno donde sus vivencias musicales no son acústicas sino puramente anímicas. Cezanne, Mattise y Picasso, sentarán las bases en la pintura en este proceso liberalizador de la naturaleza, del objeto representado. Hacia un reflejo del objeto a través de la mano del artista. Cezanne retoma el color y la forma como protagonistas de su pintura, otorgando alma a sus naturalezas muertas como si recobraran la vida en sus cuadros.

Matisse Impone los medios pictóricos puros como punto de partida. El color, guiado por cualidades personales, es trabajado con supremacía e importancia central.

Picasso, guiado por la propia autoexpresión, crea nuevas realidades externas que apabullan al espectardor, fuera de los límites de lo real. Si Matisse centra el "problema" de su pintura en el color, Picasso lo hará en la forma. Dos nuevas vías o caminos por las que transitará el arte pictórico a partir de ellos a lo largo de la

segunda mitad del siglo XX. La cita de Sócrates, "conócete a ti mismo", confirma la necesidad de que el artista vuelva la mirada y conocimiento hacia su vida interior, lejos de la copia mimética de lo natural, para iniciar una búsqueda profunda en el mundo interior y en la creación de formas nuevas e inmortales. El arte debe utilizar sus propios medios, color y forma, y el dialogo entre ellos, composición como medios propios y únicos. -conócete a ti mismoSócrates Kandinsky diferencia dos efectos que el color tiene sobre el espectador. -El efecto físico que produce una especial resonancia en el que ve, produciendo sensaciones de alegría, por ejemplo. Un efecto que queda asociado a esas sensaciones inequívocamente, adquiriendo cualidades a través de la experiencia, como sonidos interiores propios de cada color. El efecto físico del color se puede valorar a través de la cromoterápia, el color sobre el sistema nervioso, no solo por asociación sino por repercusión física. -Y un efecto psicológico cuando por asociación, el color queda ligado a significados personales y culturales, o a objetos y formas. El color se asocia también y además a otros sentidos, por la llamada sinestésia, además de la vista, como al tacto, un color es aterciopelado, pulido o áspero, al oído, siendo chillón, grave, insonoro o agudo, al olfato, fragante, fresco, o al gusto, dulce o ácido. El color, dice Kandinsky, tiene un fuerza enorme. La armonía y utilización del color se basa en el principio del contacto con el alma humana. Una resonancia de la que es partícipe. Es importante la relación que crea Kandinsky, también en su pintura, entre pintura y música, la pintura debe avanzar hacia la abstracción mediante el color y la forma, como la música, utilizando de forma única los elementos de su propio lenguaje, no la naturaleza, utiliza los sonidos de la escala musical. La forma es descrita, tanto en su imitación de la naturaleza o en su expresión más abstracta como la linea o frontera que delimita un espacio o superficie.

La relación inevitable entre color y forma nos lleva a observar los efectos que tiene forma sobre el color.

Toda forma tiene un contenido interno, la forma es expresión de ese contenido, la armonía formal se debe basar únicamente en el contacto adecuado con el alma humana.

Kandinsky define la composición como el lenguaje intrínseco a la pintura. La composición se expresa de una forma total y en relación de unas formas con otras. Cada uno de los elementos de la composición debe estar supeditado a la expresión interior. Si un elemento puede ser cambiado o sustituido no apoya a esta necesidad interior. Un cuadro es sincero cuando ningún elemento sobra o falta.

Un buen dibujo es aquel que no puede alterarse en absoluto sin que se destruya su vida interior la forma consecuente de un contenido. No son formas casuales sino formas (colores) que surgen de la necesidad interior.

La deformación de las formas, las desarmonías o disonancias es una fuente de infinitas creaciones puramente artísticas en pos de la expresión y la comunicación.

Retoma Kandinsky la sinestesia del color cuando habla de las cualidades térmicas de éste, calor y frio (amarillo y azul) o cualidades de luminosidad, claro y oscuro (blanco y negro) en su capítulo sobre el lenguaje de las formas y los colores. Estas cualidades sinestésicas aportan al color diferentes resonancias en su percepción a nivel físico, pero también psicológico. Que vemos a continuación de forma muy

resumida. Este capítulo habla de cómo se conectan los distintos tipos de arte, en este caso se da referencia a la relación de la música con la pintura, y de cómo los colores y las formas se relacionan con el sonido de distintos instrumentos musicales y de la reacción humana.

La evolución en la pintura depende puramente de las formas y los colores, de cómo se vayan a utilizar y combinar. Una serie de figuras iguales me pueden transmitir un mismo mensaje, sin embargo, si existe una variación de color o forma en la composición, el mensaje se distorsiona. Se dice que la forma puede variar sin límites, y asi lograr una evolución, un cambio, lo cual para el color es diferente, ya que en este si existen parámetros, el rojo seguirá siendo rojo y el azul seguirá siendo azul.

Al igual que los colores las formas tendrán sus efectos espirituales, los triángulos se relaciona mas con los tonos fuertes (amarillo, rojo) esto por la agudeza de sus ángulos, en el caso de los colores profundos se relacionan con formas más cuadradas y redondas.

“El alma humana” va reaccionar según como el artista utilice las formas y los colores, con un simple color se pueden transmitir diferentes sentimientos, como tristeza o alegría, dependiendo de su matiz. Las pinturas abstractas, dependen significativamente de las figuras geométricas, por medio de este estilo se pueden emitir una serie de sentimientos que son transmitidos desde el inconsciente, tal vez una de esas pinturas tengan más significado para el artista que para el de un espectador, sin embargo, los colores y las figuras, pueden provocar los mismos sentimientos, y asi sentirse identificado. Por otro lado, utilizar solo el estilo abstracto como medio hace que el artista limite sus posibilidades de expresión, ya que al usar formas más concretas, el mensaje puede ser mejor transmitido, sin embargo, es muy importante alejarse de la copia de un objeto el cual no tiene un fin concreto, ya que considerarlo como arte seria quitarle la magia de la pintura como tal, de las diferentes formas de cómo se pueda interpretar.

“el principio de la necesidad interior”, este nos habla sobre el artista, y como creador se relaciona con la personalidad; como hijo se su época, con el estilo y lenguaje se su época y país el cual se irá formando poco a poco; y como servidor del arte, se relaciona con el arte en general y los elementos que lo constituyen el cual tendrá vida eterna y se hace mas fuerte conforme el tiempo pasa, por ejemplo

actualmente se consideran maravillas del arte a templos o pinturas que marcaron un estilo, pero que en su momento no tenía tanta importancia. Por otra parte se habla sobre los colores, sobre el frio y el calor, y el claro y el oscuro. Se da espacio a las antinomias que son conformadas por cuatro grupos: 1. Amarillo / Azul : se utilizan los términos de excéntrico(acerca) y concéntrico (aleja), el amarillo se potencia al aclararlo y el azul al oscurecerlo. El color amarillo irradia fuerza y se compara con el sonido de una trompeta. El azul da un deseo de pureza y se relaciona con el cielo. Si estos dos se combinan obtenemos un color enfermizo y aburrido.

2. Blanco / negro: el blanco se considera un “no-color” y se relaciona con el nacimiento. El negro se relaciona inmediatamente con la muerte, lo negativo. 3. Rojo / verde: el rojo posee una gran potencia, tenacidad y pasión, es relacionado también con el sonido de una trompeta, un sonido fuerte e irritante. El verde (amarillo+azul) es considerado el color más tranquilo que existe, su relación con la naturaleza da un efecto pasivo, sin embargo puede ser a la vez aburrido. 4. Naranja / violeta: el naranja (rojo+amarillo) despierta una sensación de salud y su sonido se relaciona con el de la campana de una iglesia. El violeta (rojo+azul) se considera un color apagado. Estos dos colores tienen un equilibrio inestable. Con la información anterior queda en claro que el ojo humano relaciona todo tipo de vivencias y sentimientos por medio de los colores y las formas. No necesariamente tenemos que tener una representación exacta para identificarse con la misma. Es el uso correcto de los elementos que hacen que una pintura me pueda transmitir un mensaje. “Es la intuición quien da vida a la creación”. “El artista que no hace uso de sus dotes no es más que un esclavo perezoso”.

Cálido/frío. Movimiento de la temperatura del color. Aleja y acerca. Amarillo: cercanía, vitalidad; el amarillo es terreste, locura, melancolía...

Azul: lejano, profundo, puro, inmaterial y espiritual. Verde: combinación de las fuerzas del amarillo y el azul expresa quietud, tranquilidad, el verde aburrido, burgués. Cuando predomina el amarillo retoma la vitalidad neutralizada por el azul, entonces es adolescente, vital y propio de la primavera. Claro/oscuro. Luminosidad y quietud. No colores. Expande o contrae. Negro: es nada, muerte, sin futuro ni esperanza, preciso y fuerte. Blanco es silencio, nacimiento, comienzo y esperanza. Gris: quietud, insonoro e inmóvil. Equivale al verde, pero sin la vitalidad de este, es un no color, sin sonido ni vida.

Rojo: frío (purpúreo) o cálido (anaranjado), espiritual o corpóreo. Naranja: de la combinación del amarillo y el rojo solo puede expresar vitalidad, fuerza, movimiento, salud y alegría. Violeta: rojo enfriado, triste, enfermizo. Las armonías y desarmonías del color están impuestas por los diferentes épocas y sus estilos (significados).Las combinaciones prohibidas o permitidas cambian a lo largo de las años.

Kandinsky habla de ese lienzo, que el artística convierte en ideal, donde se produjo la primera gran abstracción, al abandonar el modelado tridimensional y convertir la realidad en la composición de elementos bidimensionales, como son el color y la línea. En ese mismo lienzo es posible combinar mediante contrastes y armonías el juego de los elementos compositivos gráficos pictóricos liberados del objeto. Nos movemos en aguas pantanosas al liberarnos de la naturaleza como modelo. Desde la nada, tan solo los elementos pictóricos, el artista comenzará su construcción. Los medios externos son secundarios es su diálogo, la comunicación de ideas y sentimientos. El artista debe tener algo qué decir porque su deber no es dominar la forma sino adecuarla a su contenido. La emancipación de la naturaleza y la construcción sobre una base

puramente espiritual pone al artística y al espectador ante el abismo. Ambos necesitan de un tiempo para adquirir las herramientas que le permitan resonar ante el reflejo del color y la línea puros. La libertad del artista debe basarse en la honradez, la libertad puede ir hasta donde alcance la intuición del artista, desde este punto de vista se comprende cuan necesario es el cultivo y el cuidado de la intuición. Es necesaria la libertad del artista para escoger sus medios, esta libertad no se basa en el azar, sino en su honradez que lo guían hacia esa necesidad interior. La formación en la sensibilidad artística para poder tener una actitud sensible a la obra de arte es un largo camino para hablar de lo puramente interno. Requiera esfuerzo. El arte no es una creación inutil de objetos, sirve al desarrollo y sensibilizacion del alma humana. el arte es el lenguaje que habla al alma de las cosas que son para ella, el pan cotidiano, que solo puede recibir de esa forma. El arte es el alimento espiritual para el ser humano, que en ningún otro sitio pueda encontrar, sus medios deben servir para elaborar este alimento. Extraigo estas citas fundamentales con el que termina Kandinsky arrojando luz sobre un camino que se abre en el siglo XX. El artista se debe educar y ahondar en su propia alma, cuidarla desarrollarla para que su talento externo tenga algo que vestir y no sea como un guante perdido de una mano desconocida, un simulacro de mano, sin sentido y vacio. La responsabilidad del artísta para Kandinsky son: - la de restituir el talento que le ha sido dado. - sus actos, pensamientos y sentimientos , como los de todos los hombres, forma la atmosfera espritual que aclara o envenena, - sus actos, pensamientos y sentimientos son el material de sus creaciones que contribuyen a su vez su atmósfera espiritual.

De lo espiritual en el arte es la respuesta personal de un pintor ante las dificultades particulares de su oficio y a la necesidad de trazarse un esquema teórico en el cual apoyarse para esclarecerse a sí mismo vital y artísticamente. En este libro presenta sus planteamientos conceptuales y filosóficos a cerca del arte y su trayectoria plástica, lo cual a mi parecer hace un poco más complejo el mensaje que desea transmitir; Sin embargo, su visión de la actividad artística queda perfectamente expresada en el libro con su famosa frase:

"El color (en relación a la forma) es la tecla. El ojo es el macillo. El alma es el piano con muchas cuerdas. El artista es la mano que hace vibrar de "forma eficaz" el alma humana con esta o aquella tecla." En esta frase, podemos observar la relación que él hace entre la música, (que entre otras cosas también viene siendo una expresión artística) y la pintura. En este caso, la relaciona con el piano y con aquella mano que toca bellas melodías, tan solo con unas teclas, y lo que con esto hace sentir y transmite al ser humano. Considero que todo lo que Kandinsky dice en este libro, es en resumen una buena forma para entender el por qué del arte abstracto.

Kandinsky trata diversos temas relacionados con el arte; pero una de las cosas que me dio a entender, es que debemos encontrar en la materia la espiritualidad, ver más allá de las cosas y encontrar algo significante y no tratar de ver imitaciones de la naturaleza, sino algo mas profundo; cosa que logra con gran facilidad la música, el arte mas inmaterial de todos, por esto Kandinsky expresa un sentimiento de envida hacia la música.

Yo diría que él intenta descifrar los códigos de los impulsos y sentimientos, visualizar las sensaciones e inspiraciones vividas por el artista y expone este misterio al público.

Me parece que el arte abstracto, es algo mas profundo, que transmite miles de sensaciones y sentimientos, a través de múltiples figuras, y no es algo cotidiano que quiere imitar tal cual los objetos del mundo exterior.

Por tanto no se basa mucho en la materia sino mas bien en la espiritualidad que refleja y hace que la obra sea aún mas interesante para el ser humano; pues lo pone a pensar, imaginar y a experimentar diversos sentimientos que sólo se consiguen con una obra hecha sin ambición al dinero, a lo material o al reconocimiento y con algo mas fuera de lo usualmente visto y sobre todo con un toque de espiritualidad.

Aunque al principio este libro fue un poco complicado de entender, por esta expresión filosófica con que escribió Kandinsky su punto de vista, pude comprender algunas cosas esenciales del arte y en especial del arte abstracto; por

tanto, al final de la lectura, me pareció un libro muy interesante, en donde podemos encontrar diversos aspectos importantes para la realización de una obra de arte llena de espiritualidad y sensaciones atrayentes para todas aquellas personas que disfrutan del a