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Historia de la Trompeta Los primeros instrumentos denominados trompetas no tenían columna de aire vibrante, ni boquilla, ni extremo acampanado; eran megáfonos cortados en una rama hueca o en una caña ancha, cuernos o caracoles, colmillos de elefantes, en los cuales el ejecutante hablaba, cantaba o bramaba (hacía chillar a la trompeta). La evolución desde el simple megáfono hasta la trompeta actual fue lenta, incluso no es fácil decir cuándo se originaron las primeras trompetas verdaderas que daban una o dos notas. El sonido aterrador de las trompetas primitivas se asocia con muchos ritos mágicos, ceremonias de tipo militar y religioso (ritos de cosecha, matrimonios, conjuros de lluvias, presentación de ofrendas a los dioses, la salida del rey, inicio de guerra, comunicación entre comunidades, etc.). Del año 1400 a.C., en Egipto se encuentra una lista detallada de cuarenta cuernos, todos enchapados en oro y algunos decorados con piedras preciosas; posteriormente en el proceso de evolución aparecen cuernos y trompetas rectas construidas en oro totalmente. En Egipto las trompetas estaban hechas de un metal amarillo y tenían forma cónica, embocadura precisa y pabellón más bien ancho; medían sólo 60 centímetros, el tono fundamental debe haber sido aproximadamente un Do y no es probable que pudieran producir más que esa nota, su octava y su décimo segunda. Según Plutarco el sonido de la trompeta egipcia era como el rebuzno de un asno. Más adelante cuando aparece el bronce, el tubo se encorva hacia arriba o en forma de letra G. En Roma se asignan soldados a la ejecución de estas trompetas (trompeteros), quienes requieren de gran potencia y soplo produciendo un sonido áspero, penetrante y de largo alcance. El cuerno corto de animal con unos pocos orificios apareció en la Persia medieval alrededor del año 700. En el barroco la bomba de la embocadura se alarga aproximadamente a 25 cms, probablemente para ajustar el tono del instrumento posibilitando complementar la escala natural de los armónicos y dando origen al sacabuches.

El último y más efectivo sistema para completar las escalas deficientes de las trompetas estaba basado en el principio que combina varias escalas armónicas en un solo instrumento. Las partituras de fines del siglo XVIII y de principios del siglo XIX, muestran abundantes pruebas de un paso preliminar que consistió en usar dos o cuatro cornos en diferente tonalidad para poder proporcionar las notas requeridas. Luego se utilizaron secciones con roscas para los instrumentos, pero esto no era funcional. La invención necesaria de las válvulas fue hecha alrededor de 1815 por dos músicos: Bluhmel de Silesia, y Heinrich Stôlzel de Berlín. Conectaron válvulas rotatorias de resorte que soltaban rápidamente como cualquier instrumento de teclado. En 1843 Adolph Sax desarrolló una serie de instrumentos llamados saxhorns, ampliando la gama de registro al incluir cornetas, flugelhorns, tenorhorns, saxón y tubas, enriqueciéndolas con el sistema de válvulas rotatorias. En la segunda mitad del Siglo XIX Perinet diseñó los tres pistones que actualmente facilitan y concretan la escala cromática y la serie armónica, a través de las siete posiciones brindando grandes posibilidades para la ejecución de la trompeta.

Partes de la Trompeta La trompeta es un instrumento de metal de construcción cónica. En el instrumento vemos tres grandes partes que son: la boquilla, el cuerpo y la campana. En ellas distinguimos los siguientes componentes:

¿Qué trompeta debería comprar? Comúnmente cuando empezamos a estudiar trompeta y obviamente si no poseemos, llegará el momento en que nos surgirá la imperiosa necesidad de comprar una. Y es aquí donde surgirá la duda de qué comprar, que marca, etc. Realmente esta es una decisión algo difícil, más aun si no tenemos mucha idea de marcas y fabricantes de instrumentos musicales. Creo lo primero que tenemos que pensar, es en lo que realmente queremos hacer de la música en nuestra vida. Me refiero a si deseamos aprender trompeta por hobby, dedicarnos de lleno a la música, aspirar a ser un respetado músico, etc. Estos razonamientos nos darán la pauta y ayuda de donde apuntar cuando estemos en ese momento de incertidumbre. En un principio, a veces nos acercamos a la ejecución de algún instrumento en forma experimental, es decir probamos si tal instrumento va con nosotros. En estos casos, el razonamiento nos dirá que comencemos con alguna trompeta de estudio que posea una buena calificación dentro de sus características de sonido. Dentro de estos parámetros, algunas marcas chinas poseen un aceptable sonido. Y vienen a ser una buena alternativa en instrumentos económicos. El tiempo nos dirá y exigirá en algún momento la compra de una trompeta de mejor calidad. Pero, si nuestra idea es hacer de la música algo importante en nuestra vida, debemos aspirar a una trompeta de gama intermedia hacia arriba. Ya que este tipo de instrumento tendrá más calidad de sonido y lo más probable es que también sea más duradero. Siendo esta la gran diferencia, aparte del sonido, entre instrumentos de estudio y profesionales. Los de la gama intermedio y profesional son fabricados cuidando el más mínimo detalle. Y además utilizando materiales que en conjunto hacen que el instrumento a través de los años, no sufra un marcado deterioro comparado a los de estudio o de menor calidad.

Las mejores marcas para trompetas son: Bach, Selmer, Conn, Yamaha, Calicchio, Benge, King, pero lamentablemente son algo costosas. Básicamente, la compra de una trompeta debe basarse en 2 puntos: 1.- Proyecto hacia la personales como músico.

música:

aspiraciones

2.- Presupuesto con el cual contamos.

Cuidados Las siguientes son las recomendaciones más importantes en cuanto al cuidado que se debe tener con la trompeta. Estas son válidas tanto para aquellos que poseen un instrumento propio como para quienes deben compartir su instrumento en algunas de las bandas del país. Del cuidado que usted tenga de su instrumento, sea propio o compartido, podrá sacar de él el máximo provecho. Un instrumento mal cuidado no será útil para quien lo ejecute, pues su deterioro hará que con el tiempo la ejecución sea difícil y en ocasiones penosa.

Tenga en cuenta las siguientes indicaciones: - Cuando se comparte el instrumento limpiar la boquilla con alcohol. - No colocar la boquilla presionándola ni golpeándola con la palma de la mano. - Mantener la trompeta en el estuche o en las manos del ejecutante. - Lubricar todos los días los pistones. Tenga en cuenta su aseo personal, tanto de sus manos como de su boca. - No ingerir alimentos durante el tiempo de estudio, especialmente aquellos que contengan azúcar (dulces, golosinas, chicles, etc.) - Cepillarse los dientes antes de tocar si se ha terminado de comer.

Para después del uso:

- Quitar la boquilla y limpiarla soplando en ella para eliminar el exceso de condensación (agua). - Cada cierto tiempo realizarle mantenimiento a la trompeta limpiando las bombas, pistones y demás partes.

Contacto con la Trompeta Actitud general del cuerpo No hay limitantes físicas particulares para la práctica de la trompeta. Una buena postura permite librarnos de tensiones, facilita la respiración y el aprovechamiento máximo de los recursos y aptitudes de cada persona.

Cabeza Mantenga la cabeza recta y la cara directamente frente al cuerpo del instrumento, tanto de pie como sentado. Esto permite mantener la garganta abierta para tener una mejor circulación del aire y que el aparato superior de la respiración esté libre de obstrucciones.

Columna y Espalda Es importante mantener la columna derecha, más no tensionada. Buscar que no esté rígida pero tampoco curva. Cualquier posición exagerada evitará el buen desempeño del ejecutante y llegará al cansancio más rápidamente, además de afectar el sistema respiratorio y el sonido.

Cuello En la estructura del cuello están la tráquea, la laringe, y la epiglotis. Si estas partes están tensionadas o cerradas será imposible tener una buena respiración. Por esto siempre debemos mantener la garganta relajada y nunca tensionar el cuello.

Tórax Debe estar en posición relajada, con toda la musculatura distensionada para no bloquear el proceso natural de respiración. En pocas palabras en estado natural de reposo.

Pelvis

La pelvis debe estar alineada con el eje longitudinal del cuerpo al ser visto de perfil. Evite empujarla hacia adelante, pues esto no permite realizar una respiración correcta, y produce una mala postura corporal

Piernas Deben estar separadas a una distancia similar a la anchura de los hombros, sin flexionar las rodillas y sin ponerlas rígidas.

Pies Las plantas deben estar en total contacto con el suelo. Los pies estarán ligeramente orientados hacia afuera, o si se está sentado siguiendo la prolongación del ángulo de las piernas

Hombros Los hombros permanecen en igual posición como cuando se camina, se lee, o se escribe. Nunca deben levantarse porque tensionan la garganta y no dejan que el aire fluya libremente.

Brazos Mantenga los brazos con los codos ligeramente separados del cuerpo, sosteniendo el instrumento en una posición balanceada, de tal manera que la campana siempre esté dirigida hacia el frente y no hacia el suelo.

Manos Use una posición cómoda de las manos para que pueda manipular los pistones y bombas sin dificultad. La mano izquierda sostiene el instrumento. Debe estar firme más no rígida. Los dedos índice, medio, anular y meñique pueden manipular la bomba n°3 y generalmente el anular va dentro del gancho situado sobre esta bomba. El pulgar va sobre la bomba n°1. La mano derecha es la que manipula los pistones. Para esto los dedos índices, medio y anular van sobre los pistones 1, 2, y 3 respectivamente. Las yemas de los dedos van situadas sobre los pistones, la palma de la mano no debe tocar el tudel y ésta debe estar ligeramente redondeada. El meñique va dentro del gancho del tudel, lo más relajado posible y el pulgar en la parte del tudel frente al primer pistón.

Postura de pie Está comprobado que el uso del aire es más eficaz cuando estamos de pie. En esta postura podemos mover una mayor cantidad de aire tanto al inhalar como al exhalar. La mejor postura se obtiene cuando pensamos en el balance del cuerpo y esto se logra manteniendo las piernas y los pies separados a una distancia equivalente a la anchura de los hombros. Si se debe tocar caminando es necesario buscar la mejor manera para que el instrumento no se mueva demasiado.

Postura sentado Lo primero que se debe tener en cuenta es el uso de una silla cuya altura sea similar a la distancia entre los pies y las rodillas, la silla no debe tener brazos. El trompetista debe sentarse de la mitad hacia adelante, procurando formar un ángulo de 90° entre los muslos y la pantorrilla. Las piernas estarán separadas a una distancia equivalente a la anchura de los hombros. El cuerpo debe tener la sensación de estar apoyado en un trípode constituido por los pies y los glúteos. Es recomendable proyectar la pelvis hacia adelante para enderezar la columna y permitirle al sonido una proyección más amplia.

Efecto de la postura sobre la respiración La buena utilización del sistema respiratorio depende de una buena postura. Si nos acostamos en el suelo nos damos cuenta que la respiración se realiza desde la parte inferior del tronco ya que los músculos abdominales se encuentran liberados de tensión y el diafragma trabaja muy relajadamente. Lo cual significa que si presionamos el diafragma y los músculos que lo recubren por una mala postura, no podemos trabajar eficientemente. Por esto siempre debemos pensar en cómo nos sentamos, además de la naturalidad del cuerpo para mover el aire más fácilmente y no producir un sonido pequeño y apretado. Problemas más comunes con relación a la postura • El peso del instrumento puede en los niños ocasionarles problemas de postura si no se tiene cuidado en recordarles que deben acostumbrarse a mantener la trompeta en la posición correcta. • Por tensión del cuerpo se produce cansancio y el sonido se empobrece. • Dolores del cuello, espalda y hombros por postura inadecuada.

• El torso se comprime y el aire no pasa adecuadamente, la garganta se cierra.

Iniciación a la trompeta Colocación de la embocadura Colocar la boquilla sobre los labios en una actitud relajada, como si se pronunciara la sílaba “bus”, y permitiendo que el aire circule lo más naturalmente posible. Evite el escape por los costados. Los labios deben ser colocados de tal manera que el aire no se disperse por fuera de la boquilla. De igual forma usted no debe tensionarlos demasiado pues estaría realizando un esfuerzo inútil que podría cansarlo y no darle flexibilidad a la técnica de embocadura.

Músculos faciales La máscara fisiológica o facial es el conjunto de músculos que rodea la boca partiendo de la base de la nariz, la cual debemos saber usar sin producir fuerzas excesivas. La lengua actúa como un articulador del movimiento del aire. Su función es ayudar al aire y a la embocadura para obtener una articulación clara y controlada. Debe tener un movimiento libre y sin ninguna tensión. Igualmente debe interaccionar sobre la columna del aire, sin interrumpir su movimiento y preferiblemente empleando la sílaba “da”. Para una mayor facilidad en la colocación de la boquilla y una mejor emisión de sonido se recomienda que los dientes tengan una buena conformación. Cualquier deformación causará problemas en el desarrollo de la sonoridad y en el trabajo de articulación. Los dientes superiores e inferiores deben estar ligeramente separados permitiendo que el aire pase a través de ellos.

Tipos de mordida Es importante que los dientes estén bien formados, en buena salud y completos. Es preferible que los incisivos superiores e inferiores estén alineados los unos frente a los otros para tener una embocadura más nivelada. En tal caso dependiendo del tipo de mordida que la persona tenga se harán las correcciones que sean necesarias.

Los labios Cualquier tipo de labio es apto para tocar la trompeta, siempre y cuando esté en perfectas condiciones de salud. Los labios deben estar ligeramente separados en su sección central y ayudando a la producción del sonido, como consecuencia del choque del aire, al pasar por el medio de ellos haciéndolos vibrar. Es esta vibración la que transmitida por la boquilla a la trompeta hace vibrar el aire contenido en ésta con el resultado directo de la producción del sonido.

Problemas más comunes relacionados con la embocadura • Labios deformados. • Falta de la dentadura anterior. • Movimiento excesivo de la mandíbula. • Demasiada presión de los labios sobre la boquilla. • Apertura exagerada de los labios. • El uso exagerado de los músculos faciales, que generan problemas de flexibilidad en la embocadura. • Inflar excesivamente (cachetes).

los

músculos

bucinadores

• Demasiada presión de los labios del uno contra el otro. • Tensión de la lengua. • Dientes muy apretados. • Mala formación de la dentadura.

Producción del sonido Principios básicos El factor determinante en el sonido y su emisión es el aire. El soplo debe ser amplio, sostenido, sin uso de la lengua para no producir interferencias negativas. Se puede iniciar el proceso directamente con el instrumento, si se quiere. Si no se posee un instrumento propio se puede ejercitar con una manguera del diámetro del tudel en el cual se coloca la boquilla. Esto con el fin de practicar la sensación de vibración de los labios al paso del aire. Recuerde la sílaba “bus” al colocar la boquilla sobre los labios, para permitir que el aire pase por el medio de ellos, hasta que éstos entren en vibración. No pierda la velocidad del aire una vez el sonido empiece a vibrar en el instrumento.

Registro Se recomienda iniciar en los primeros cinco tonos del registro medio del Do (1) al Sol (1). Con ejercicios cromáticos se puede ir trabajando esta parte, bajando por grados conjuntos, utilizando las siete posiciones. Se recomienda iniciar en una dinámica forte natural sin forzar la sonoridad.

Problemas más comunes con relación al sonido • No mantener la columna de aire constante. • No identificar los sonidos usando posiciones de pistón que no corresponden. • No controlar el soplo por la expectativa y la emoción del sonido que se va formando. • Excesiva tensión corporal y de los labios.

Principios acústicos de la producción del sonido El sonido se produce por vibración de los cuerpos sonoros, esta vibración forma ondas sonoras que son percibidas por nuestros oídos al ser transmitidas por el aire. Para obtener sonido en la trompeta se precisa de: Un medio transmisor que es el aire. Una fuente vibratoria que son los labios. Un aparato amplificador que es el tubo del instrumento y la caja torácica del instrumentista. Un sujeto receptor que es el auditor o el público y el tacto mismo del trompetista que percibe de esta manera las vibraciones en sus manos.

Factores de la emisión Los principales factores que intervienen en la emisión del sonido son los siguientes: - Movimiento y recorrido del aire. - Vibración de los labios.

- Vibración ondulatoria dentro del instrumento la cual produce el sonido.

Velocidad del aire El tema del aire es imprescindible cuando de instrumentos de viento se trata. Generalmente este tema se aborda con diferentes puntos de vista, pero en general hay acuerdo en que sin una buena técnica sobre el uso correcto del aire no se puede tocar eficientemente un instrumento de viento. La velocidad del aire se relaciona con los registros. A mayor velocidad se pueden obtener las notas agudas, también se puede tocar más fuerte, y viceversa, a menor velocidad se tocan las notas graves y se obtienen sonidos más suaves.

Apoyo Durante la inhalación el diafragma se mueve hacia abajo y se expande, al igual que la cintura y la caja torácica que se abren para dar espacio a los pulmones permitiendo que se llenen a su máxima capacidad. El aire entra rápidamente. Durante la exhalación se proyecta el aire al exterior de los pulmones y simultáneamente se crea una presión por acción de los músculos intercostales y los abdominales, que no permiten que el proceso de salida sea instantáneo. Este fenómeno es lo que se llama apoyo, el cual debe ser controlado para así obtener una presión justa que de cuerpo a la sonoridad. Esto permite trabajar sobre todos los registros, variar las dinámicas, tener buena afinación y variedad de timbres, en una palabra, es la clave de una técnica segura y confiable puesta al servicio de la música.

Boquillas La boquilla se puede denominar como la parte más importante del instrumento; podemos decir que es el alma del mismo, proporciona dirección y concentración a la columna del aire, mediante su copa, así mismo capta las vibraciones de los labios y las transmite a la trompeta. Se recomienda el uso de las siguientes boquillas para los principiantes: BACH 7 ó 7C • 11C4-7C YAMAHA • GIARDINELLI 7C • SHILKE 15B • BACH 3C • GIARDINELLI 5C

Articulación Es la acción de la lengua sobre el movimiento del aire. El movimiento de la lengua para articular debe ir precedido del máximo de aire. Se recomienda la articulación de la sílaba “Da” para comenzar. El ataque con lengua, consiste en dar un impulso adicional a la columna del aire en el instante en que ésta entra a la boquilla, para así poner en vibración la columna del aire dentro del instrumento. La pronunciación de la sílaba “da” o “du” facilita la claridad de la articulación. En caso de que sean varias articulaciones continuas, entonces se mantiene el aire y el sonido, y se separa ligeramente con la lengua. La lengua debe estar muy flexible y relajada, pero al mismo tiempo debe ser muy precisa al hacer la articulación.

Separada Usando el “da” de manera más incisiva se obtiene el stacatto.

Ligada Emisión del sonido en forma continua atacando con la lengua solo la primera nota de la frase. En el ligado, una sucesión de notas realizadas con un solo golpe de lengua en la primera nota de la serie, permite realizar fraseos más flexibles y expresivos. En las ligaduras se debe mantener la lengua abajo mientras se realiza la frase.

Portatto Articulación intermedia entre stacatto y ligado. Articulación muy suave de la lengua para separar. Se indica por puntos sobre cada nota y sobre ellos una ligadura. En el portatto la lengua va con la sílaba “da” y se mantiene la columna de aire en movimiento, sintiendo que las notas se separan ligeramente.

Dinámicas Consiste en regular la cantidad de aire, en relación con la intensidad del sonido. Lo que se recomienda al comenzar el estudio del instrumento, es procurar producir un sonido pleno, sin preocupación excesiva por la dinámica. La idea es que el sonido logre una dinámica entre o y que se trabaje con ésta por un buen tiempo hasta que se consiga afianzar su sonido. Lo que si se debe controlar desde el comienzo es que el sonido no sea demasiado débil o excesivamente fuerte, sino que logre un equilibrio y sobre todo que busque la mejor entonación posible. Lo que permite el cambio del matiz es la variación del apoyo y la velocidad del aire, los cuales aumentan en el piano con el fin de sostener la vibración de las notas y su afinación. La intensidad f o p dependen de la amplitud del sonido la cual corresponde a la velocidad del aire. A más velocidad, más fuerte será el sonido y a menos velocidad más suave será el sonido. A medida que la velocidad aumenta o disminuye, se presentan las siguientes secuencias: Aumenta (Crescendo) pp, p, P, F, f, ff Disminuye (Decrescendo) ff, f, F, P, p, pp

Reguladores Son las graduaciones propias de la intensidad del sonido. A través de ellas son conducidas de manera musical las diferentes intensidades del sonido. El instrumentista debe pasar por las distintas dinámicas sin que la afinación cambie y sin alterar la calidad del sonido. Para obtener un buen crescendo deberá aumentar gradualmente la velocidad del aire y al contrario, un decrescendo, disminuir la velocidad y subir la presión del apoyo para mantener la afinación y la altura del sonido.

Acentos Son exageraciones o marcaciones súbitas en la articulación de ciertas notas dentro del discurso. Pueden ser de carácter rítmico o expresivo para dar así relieve a una idea musical. El resultado de una interpretación es responsabilidad del ejecutante. Para obtener la mayor claridad en la realización musical el intérprete debe tener claro el uso de las variedades de acentos y efectos similares. Esto da más interés a

la pieza y permite al auditor tomar consciencia del discurso musical. Algunas de las indicaciones más usadas son:

Además existen las notaciones contemporáneos las cuales las partituras y son explicadas

de los compositores normalmente son incluidas en por los autores mismos.

Vibrato Es una fluctuación de la frecuencia del sonido utilizada para dar mayor expresividad a ciertos pasajes musicales y variar así el interés musical de una frase. Requerido o no por los compositores, debe ser utilizado con moderación y buen gusto de acuerdo a los requerimientos de la obra musical.

Afinación En su totalidad depende del manejo del aire, del control de la embocadura, de una manera sensible de escuchar y de la construcción del instrumento. Aunque se considera como la discusión entre la afinación temperada (afinación de hoy día), la afinación pura (sistema de escalas mayores y menores) y la serie armónica (usualmente se refiere a un acorde con su estructura tonal natural). Todos los instrumentistas de metales tienen que relacionarse con los problemas de afinación derivados de la serie armónica y los tonos abiertos “overtones”, la cual es diferente a la afinación de los pianos, que tienen escalas temperadas. Contando desde la nota fundamental que es la número 1, la 5ta es baja, la 6ta es alta, la 7ma es extremadamente baja, la 11va es aproximada en afinación, la 12ava es alta, la 13ava y la 14ava son aproximadas en afinación. La construcción de los instrumentos juega un papel importante en la afinación. Por ejemplo, la primera y segunda válvula son generalmente altas en afinación y la tercera válvula está construida baja, además del tamaño de las bombas de afinar. Algunas combinaciones en el instrumento tienen las siguientes tendencias: 1 y 2 válvulas en combinación - levemente alta 2 y 3 válvulas en combinación - moderadamente baja 1 y 3 válvulas en combinación - muy alta 1, 2, 3 válvulas en combinación - extremadamente alta

Este problema de afinación con el instrumento se puede manejar manualmente, halando las bombas de afinar de la primera y tercer válvula. Cada ejecutante deberá encontrar la forma más adecuada para ajustar y acomodarse a su instrumento. Se recomienda estudio del solfeo, por ser un gran ejercicio mental y un medio para mantener la relación de los intervalos y las tonalidades.

Afinación en el grupo Labor esencial de un instrumentista es tocar en un grupo lo más afinado posible. Los músicos deben estar afinados con ellos mismos y con otros músicos. Muchas agrupaciones usan diferente afinación, desde el La de 440 hasta el La de 442. Por esto el ejecutante debe tener una afinación flexible en situaciones de ensambles. No se debe insistir en que “yo” tengo la afinación más acertada. La afinación en grupos tiene cambios constantes, por esto hay que estar siempre alerta auditivamente y disponible para ajustar con un compañero músico. Hay muchos factores que pueden ayudar a que la afinación sea variada. Factores como la temperatura y la altura tendrán un papel importante. Es aconsejable hacer ejercicios de notas largas y unísono para que el estudiante tenga la oportunidad de calentar bien el instrumento y escuchar a sus compañeros Siempre antes de comenzar a tocar recordarles sobre los conceptos de sonido, ataques, ritmo y manejo de aire, creando buenos hábitos. El trabajo de equipo es mutuo y debe corresponder a un parámetro de generalidad. Se requiere que por lo menos todos los instrumentos empleen las mismas posiciones para asegurar mejor afinación. Debe procurarse crear conciencia de oír a los demás músicos y comprender el sitio armónico de su línea. El balance se consigue analizando el trabajo en sección para entender la funcionalidad de las voces y poder ajustar balance con afinación, teniendo en cuenta la idea de apoyarnos mediante la interacción. Si no puede conseguir, ya elaborado, material didáctico hacia la afinación en el grupo, es preciso usar la iniciativa del director para diseñarlo.

Diferenciación en los sonidos y papel que juegan los metales dentro de un grupo Para poder obtener una mejor mezcla y afinación en un grupo de cobres, banda y orquesta, el instrumentista deberá saber cuál es su papel, melodía, acompañamiento, armonía, etc. Por lo general dentro de las bandas y orquestas los metales tienen la función de acompañamiento. En esta instancia si tocamos fuera de contexto habrá pérdida de afinación y ensamble. Los metales son usados de la siguiente forma: - Como una unidad homofónica, donde van en unísonos y en octavas dando un color de profundidad y obteniendo un sonido poderoso. - En una forma melódica ya sea solos, en combinación con otros instrumentos o solos con toda una sección. En este caso, mientras más personas intenten tocar en unísono fuerte un pasaje agudo, más difícil será lograr una buena afinación. El uso de los metales de una manera climática es uno de los elementos más usados por los compositores, dándole a una obra un sonido peculiar, lleno de claridad, color y añadiendo un ambiente de grandeza a la música. Con una escritura contrapuntística, los instrumentos de metal se pueden destacar tanto individual como seccionalmente, ya sea en un efecto de fuga con un instrumento solo o añadiendo instrumentación hasta usar grandes secciones de metales. Otra utilización de los metales es en el Jazz y en nuevas técnicas de composición, creando efectos con sordinas, acentos y todos los recursos disponibles para el compositor. Teniendo un amplio conocimiento de los usos y posibilidades que tienen los instrumentos de metal dentro de una agrupación, se hace más fácil entender su papel dentro de una composición y se constituye en una ejecución más clara y precisa.

Bueno, con eso concluyo mi trabajo, espero que haya sido de su agrado. Me tomó mucho tiempo investigar todo esto, pero fue beneficioso porque aprendí bastante acerca de la Trompeta. Paz y bien. Oscar Iriarte Palacios 4to “A” Secundaria.

Puede ser necesario el uso de un apoyo para tener las manos libres para tocar.

Postura del arco

Desplazamiento del arco: El arco debe deslizarse en forma paralela al puente, entre éste y el mástil. Es recomendable desplazar el arco un poco inclinado hacia el mástil como muestra la figura. Movimiento del arco: Para el movimiento del arco debemos imaginar que nuestro codo es un eje estático, sólo moveremos el antebrazo, muñeca y la mano mientras lo deslizamos, recordar el codo y el brazo permanecen estáticos. Movimiento del brazo: El brazo se mueve muy poco, la mayor parte lo hace el antebrazo y la muñeca para formar una especie de extensión del arco. No levantes mucho el brazo, a lo mucho unos pequeños grados necesarios (imagina que no te has echado desodorante).

Registro del Violín El registro del violín va desde SOL2 hasta donde la cuarta cuerda pueda tocar, depende de la calidad del instrumento y de la habilidad del ejecutante. La mayoría de violines llegan hasta LA6 sin problemas, sin embargo hay otros que incluso llegan hasta RE7, en realidad depende de la longitud y posición del mástil, así que en promedio, se diría que llega hasta DO7, igual que la nota más alta del piano.

Notas en el violín Las cuerdas del violín se afinan en SOL2, RE3, LA3, MI4. Los violines comunes no tienen trastes como las guitarras, y creo que la razón es porque los espacios para las notas están muy cercanos, aún así los espacios se agrandan estando más arriba del mástil, quizás ahí si se podrían poner unos cuantos trastes, pero no sería práctico si queremos aprender a tocar bien en todas las posiciones. Como se observa, cada cuerda tiene su propio registro, así que tenemos muchas posibilidades para posicionarnos en las notas. La imagen muestra las cuatro cuerdas y el lugar donde sintoniza cada nota, están en ese orden, no se tienen distancias específicas, así que lo mejor es usar el oído para determinar la posición exacta de las notas, recordar que el violín no es un instrumento en el cual las notas son fijas, como en un teclado, sino que nosotros somos los que afinamos y producimos las notas todo el tiempo.

Para empezar, tocaremos las primeras notas, en la primera posición, reemplazaremos el nombre de los dedos con números, por ejemplo, la escala de Do mayor, es decir, solo las notas naturales. Como verás la posición de los dedos cambia en cada cuerda, hay que tener en cuenta donde están las notas naturales y los sostenidos.

Solo queda empezar a ensayar, tocando las notas en escalas y practicar temas, no hay más teoría en esto, solo práctica. Práctica Para practicar con buenos resultados no se recomienda hacerlo durante más de 45 minutos seguidos; por lo que conviene tomar un descanso unos 10 minutos, y después continuar durante otros 45 minutos.. Tocar el violín seguido es bastante cansado, en especial cuando se empieza a aprender. Por eso, se debe parar en el momento mismo en que se nota cansancio ya que la posición adecuada para tocar bien no es natural para el cuerpo, además, hay que permanecer en esa posición si se quiere obtener resultados. Si se puede dedicar una hora y media al día, dividida en dos sesiones, se sorprenderá del progreso seguido: encontrará completamente natural él tomar el violín con una mano y el arco con la otra, colocar el instrumento bajo la barbilla en su posición correcta y empezar a tocar. Una vez preparado para practicar, tiene que saber que es lo que va a practicar. Lo mejor (aburrido como pueda ser para usted y fastidioso para su familia y, quizá, vecinos) es tocar escalas. Debe hacerlo para aprender dónde están las notas y cómo tocar afinadamente: hoy en día esto es mucho más fácil que antes. Lo más

conveniente es preparar una pequeña grabadora junto a usted, ponerla en marcha y tocar una escala. Entonces, escúchese y juzgue lo bien (o mal) que lo ha hecho. A partir de aquí, puede corregir sus defectos y empezar afinadamente Con este método, su oído se pule y aprende a escuchar. Su oído le ayudará a buscar el sonido exacto de la nota según su dedo la pisa en la cuerda sobre el mástil. Muy pronto descubrirá que una nota no suena necesariamente afinada por el hecho de pisar la cuerda con un dedo después de otro. Tendrá que aprender a ajustar la afinación y a asegurarse de que separa las notas con el intervalo correcto. Todo esto puede sonar complicado, pero no lo es en realidad, porque lo único que necesita es usar su «oído» cuando toca las notas de forma que reconozca rápidamente cuándo no toca la nota correcta para poder corregirla. Bueno, después de haber efectuado estas ligeramente complicadas maniobras sobre el violín, podemos asumir que ha aprendido la diferencia entre tocar con los dedos tonos o semitonos ayudado por su oído, las fotos y los diagramas. Así que ¡enhorabuena!: ha completado su primera escala sin haberla tocado en realidad. El violín es uno de los instrumentos más difíciles de tocar, porque hay que tener muchas cosas en consideración: colocar los dedos en el lugar exacto sin ninguna ayuda en absoluto por parte del instrumento entre ellas. Para ejercer la presión adecuada con el arco, se puede presionar un poco con el dedo índice de la mano derecha, aunque diferentes violinistas usan diferentes dedos para conseguirlo. Si se toca con el arco en otra posición que la correcta, se puede producir una especie de silbido, en particular en las cuerdas al aire, porque hay un armónico natural que puede sonar si el arco no frota la cuerda en la posición correcta exactamente, o con la presión adecuada. Para finalizar, recordar que la perseverancia es la clave del éxito, mientras más practiques el violín mejor lo tocarás, se empieza de poco en poco como ya lo mencioné, primero escalas y reconocimiento de notas para luego entrar a cosas más complejas y al final terminar tocando como los violinistas de las sinfónicas. Lo que he explicado está de mejor forma en videos a través de youtube, hacer este trabajo fue realmente interesante, aprendí mucho. Una canción en la que se aprecia la belleza del sonido del violín es “Love’s Theme” de Barry White, la súper recomiendo, es simplemente magnífica. Gracias y bendiciones. Oscar Iriarte Palacios 4to “A” de Secundaria

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cticas Para practicar con buenos resultados no se recomienda hacerlo durante más de 45 minutos seguidos; entonces conviene descansar unos 10 minutos, y después continuar durante otros 45 minutos.. Tocar el violín seguido es bastante cansado, en especial cuando se empieza a aprender. Por eso, se debe parar en el momento mismo en que se nota.cansancio. ya que la posición adecuada para tocar bien no es natural para el cuerpo, . además, hay que permanecer en esa posición si se quiere obtener resulta:: (vuelva a mirar la foto de la página 14). Si se puede dedicar una hora y media al día, dividida en dos sesiones, se : prenderá del progreso seguido: encontrará completamente natural el tome- - violín con una mano, el arco con la otra, colocar el instrumento bajo la ba:-: - en su posición correcta y empezar a tocar.

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Su oído le ayudará a buscar el sonido exacto de la nota según su dedo la pisa en la cuerda sobre el mástil. Muy pronto descubrirá que una nota no suena necesariamente afinada por el hecho de pisar la cuerda con un dedo después de otro. Tendrá que aprender a ajustar la afinación y a asegurarse de que separa las notas con el intervalo correcto. Todo esto puede sonar complicado, pero no lo es en realidad, porque lo único que necesita es usar su «oído» cuando toca las notas de forma que reconozca rápidamente cuándo no toca la nota correcta para poder corregirla. Bueno, después de haber efectuado estas ligeramente complicadas mªniobras sobre el violín, podemos asumir que ha aprendido la diferencia entre tocar con los dedos tonos o semitonos ayudado por su oído, las fotos y los diagramas. Así que, nuestra enhorabuena: ha completado su primera escala sin haberla tocado en realidad.

Empezando a tocar El violín es uno de los instrumentos más difíciles de tocar, porque hay que tener muchas cosas en consideración: colocar los dedos en el lugar exacto sin ninguna . ayuda en absoluto por parte del instrumento entre ellas. Para ejercer la presión adecuada con el arco,se puede presionar un poco con el dedo índice de la mano derecha, aunque diferentes violinistas usan diferentes dedos para conseguirlo. Si se toca con el arco en otra posición que la correcta, se puede producir una especie de silbido, en particular en las cuerdas al aire, porque hay un armónico natural que puede sonar si el arco no frota la cuerda en la posición correcta exactamente, o con la presión adecuada.

La escala de G (Primera posición) Bueno, vamos a empezar a tocar en una cuerda. Digamos que se inicia en la cuerda G y que comienza a tocar la escala de G mayor. Primero se toca la cuerda G al aire, el primer dedo que la pisa da A, el segundo B, y el tercero C. Ahora bien, para la siguiente nota, que es D, se puede hacer una de dos cosas: puede pisar con el cuarto dedo en esta misma cuerda en G, o puede tocar la siguiente al aire,que es la cuerda en D. Yo diría que lo mejor es usar el cuarto dedo, porque es el más débil, y cuanto más lo use más se fortalecerá; por otro lado, la cuerda D al aire puede no estar afinada con precisión. Y otra cosa que es necesario recordar es que las distancias entre un dedo y otro cambian: entre la cuerda G al aire y el primer dedo, no hay problema, porque lo aprende y ya está, y la siguiente nota va separada un tono completo,pero la siguiente de la B o sea, la

27 .....J

C, va separada un semitono, así que entre el tercer dedo y el segundo la distancia es más pequeña que entre el segundo dedo y el primero. Después de tocar C con el tercer dedo, usted quiere usar el cuarto dedo para tocar D en la misma cuerda en G. Esto supone un tono completo (equivalente a dos semitonos), así que la distancia entre estas dos notas es mayor que la distancia entre las dos notas anteriores. (Estudie de nuevo las fotos de las páginas 22 a 26).

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-3-

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Toque cada nota como una nota larga y separada. Toque usando el arco en toda su longitud, manteniéndolo centrado y con la misma presión mientras- dura la nota. De la misma forma que ha tocado en la cuerda G, toque ahora la cuerda D.

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Finalmente, la cuerda en E. o

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Los movimientos del arco Vamos a usar las iniciales d.a. para indicar cuándo el arco toca hacia arriba, o sea, en dirección ascendente, y d.d. cuando toca en dirección contraria, o sea, en dirección descendente, como muestran las fotografías de la siguiente página. Naturalmente, cuando es necesario, no se recorre las cuerdas con toda la longitud de arco,desde el talón hasta la punta y viceversa, sino que se toca

en recorridos más cortos o más largos según lo exija el «tiempo» de la pieza que se esté tocando.

En las partituras de música, esto se indica por medio de ligaduras cubriendo el número de notas que se han de tocar con un movimiento de arco, sea en dirección ascendente (d.a.) o descendente (d.d.).

28

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Estas direcciones se indican en la música escrita para violín con estos dos signos:

V Dirección ascendente

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Dirección descendente

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Si no se indica otra cosa, toque alternativamente en d.a. y d.d.,después de seguir la indicación expresada para la primera nota. Según se va familiarizando más y más, el violinista puede decidir que una pieza en particular podría sonar mejor adaptando los signos indicadores del arco a su propio sentido de fraseo. Ahora intente tocar la escala de G completa. La escala es ascendente, cada nota una longitud de arco, empezando en d.d.

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d.d. d.a. d.d. d.d. etc.

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ª espués de practicar las escalas, puede progresar tocando arpegios, en la misma posición (primera). Para hacerlo, tendrá que aprender gradualmente a cruzar las cuerdas en una longitud de arco bien sea en d.a. o en d.d.,sin que se detecte una diferencia de tono. Los dedos cambian, y para practicar los arpegios puede em pezar con una longitud de arco completa por nota, hasta que pueda ligar las notas ·y tocar tres o cuatro por pasada de arco. Primero es mejor aprender la escala de G muy bien, y entonces intentar el arpegio. Toque las cuatro primeras notas y pase a la siguiente octava, todavía tocando en primera posición. Para tocar los arpegios,es más fácily más segura una nueva entonación si se tocan al aire, las cuerdas que correspondan a menos que esté tocando una pieza muy lenta en cuyo caso el sonido es mejor no usando las cuerdas al aire para garantizar la entonación. Así es como se escribe musicalmente.

Arriba

Cuerda G Al aire Cuerda G

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Cuerda E

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Ahora es un buen momento para tocar la escala y el -arpegio, en lugar de intentar una melodía simple después de la escala solamente. Al practicar escalas y arpe gios en G en diferentes recorridos de arco, se empieza a saber lo que es tocar el violín. Después de aprender a tocar la escala y el arpegio de G, en primera posición, pase a tocar la siguiente escala, la de A. Ahora va a tocar la escala de A, otra vez en dos octavas, en la primera posición. La escala de A La escala ascendente

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Puede hacer una escala más en la primera posición. Es un sí mayor más difícil, tiene cinco sostenidos y lo incluímos aquí para completar la primera posición. Esta clave es muy del gusto de los instrumentistas consumados.

32

La Escala de B

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Plano del arpegio de B E

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Practicar con escalas y arpegios es la mejor forma de aprender las posiciones y la notación musical. En la página 65 encontrará una lista de las escalas y arpegios más frecuentes. Verá también que hay escalas menores. Debido a su construcción diferente, algunas veces hay que añadir sostenidos, bemoles y becuadros. Aquí hemos usado la escala menor conocida por el nombre de «melódica menor».

Escalas mayores y menores Compare las diferentes estructuras de las escalas siguientes: una es en C Mayor, y la otra su relativa A Menor: C MAYOR

Tono

'e Tono

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4

A MENOR

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Tono

0

Tono

Tono Tono

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Semitono

Tono

Semitono u 8

Tono

Tono Semitono Tono

34

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Las escalas menores aparecen en la Sección de Escalas que empieza en la página 65. _,/

Plano de la escala de A Menor (Todas las notas en primera posición}

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El valor de l as notas

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La duración de las notas se expresa por medio de su apariencia.

J

JJ1

La nota más común es la NEGRA Esta nota se puede dividir en dos se llaman iguales que se llaman CORCHEAS} }(o o en cuatro notas iguales que

J, J))) ( Jj jjo jffl ).

SEMICORCHEAS Dos NEGRAS forman una BLAN CA y dos BLANCAS forman una REDONDA El siguiente diagrama muestra las correspondenci aso. entre ellas, a partir de uñ compás de cuatro negras. SEMICORCHEA:

J=j=J =j

n

CORCHEA :

JjJ J J jJj J J J J

JjJ J

r-l or 2

' 1

3

1

4

1

NEGRA:

J Dura dos negras (tiempos)! d Dura dos ngras (tiempos}

BLANCA:

1

Dura cuatro negras (tiempos): REDONDA: o ' Las corcheas y las semicorcheas se pueden agrupar en diferentes combinaciones, en las que cada grupo vale una negra, por ejemplo,

n

J J j

j

m

!J.

j 35

A veces el tiempo que dura una negra se divide en tres notas que se llaman tresillos; pueden ser tres corcheas que duran una negra, o tres negras que duran una blanca, o tres blancas que duran una redonda. O sea:

m

r--3 ----, va en igual que una 3 CORCHEAS unidas con el número 3 sobre ellas: l NEGRA

1

"

3 NEGRAS con un tres sobre ellas:

.--J-.

J J J

¡-3-....,

d d d

!L NCAS con un tres sobre ellas:

valen igual que una BLANCA

J

valen lo mismo que una REDON-

El siguiente esquema muestra los valores de los tresillos correspondientes a un compás de cuatro NEGRAS:

NEGRAS:

TRESILLOS DE CORCHEA:

TRESILLOS DE NEGRA:

TRESILLOS DE BLANCA: Una nota seguida de un punto indica que su duración aumenta en la mitad: ). Jugada Ligada

a)

J.

J

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1

J... .

L igada

.a.,)

ª•

.... 0 • 0

...L. igada a c

..,

Las líneas curvas que se ven en los ejemplos anteriores se llaman ligaduras indican que las dos notas que unen suman sus valores respectivos.

'36

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Al comienzo de toda música escrita, aparece un signo llamado CLAVE. En las partituras para violín sólo se usa esta clave ( ).Inmediatamente después de la clave, hay dos números,uno encima del otro, por ejemplo,

i·.

El número de arriba

,

indica el valor de cada tiempo. El cuatro indica una NEGRA, así que cuatro NEGRAS se expresan así y 3 NEGRAS así . El dos indica una BLANCA, así que 2 BLANCAS por compás se indican así: . El ocho indica una CORCHEA, así que 6 CORCHEAS se expresan así:

.

En el siguiente cuadro verá algunas de las formas en que pueden agruparse las notas en los diferentes compases. 4 NEGRAS POR COMPAS

J

J

iJ iJ 4 4

J

iJ

3 NEGRAS POR COMPAS

J

J

J

J

J

J

J

J

J

nJ

J.

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J d

n

J

§ ITi m

) ff.J J

se escribe algunas veces

J.

§ J.

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J 6J

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§J JJJ

§ j J9J

Los SILENCIOS se escriben así:

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6 CORCHEAS POR COMPAS

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JJ

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..... 37

La tercera posición Después de la primera posición, viene la segunda, pero es la más difícil. En realidad, se usa rara vez: en ocasiones puede ser necesaria para tocar unas pocas notas con las que se cruce en una pieza musical de vez en cuando. Si es posible, se evita oor completo, porque la afinación en esta segunda posición es muy difícil Y comprobará que incluso violinistas con experfenc1·a pfóéüfáñ

é\í({áfa. í que pasaremos a la tercera posición, que empieza en la nota C, en la cuerda

Todas las notas en la tercera posición.

Cuarto dedo extendido

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Practique tocando las escalas y los arpegios en sus varias posiciones, hasta el momento en que, a fuerza de practicar, aprenda dónde está exactamente cada nota en el violín, de forma que podrá colocar los dedos sobre una nota determi nada automáticamente, porque ya sabe dónde está dicha nota. Algunas veces una pieza musical puede empezar con una nota alta y, quizá, en una de las posiciones menos practicadas. En esas ocasiones, usted tiene que saber dónde poner el dedo en su posición correcta, sin tener que recurrir a pulsar suavemente la cuerda para averiguarlo. Y esto sólo se consigue con práctica. esta es la escala de C i:I

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Más sobre el uso del arco Después de haber practicado todo esto, ya puede aprender a tocar dos notas seguidas con una sola pasada de arco. En otras palabras, a unir las notas de la escala de dos en dos. O sea, empiece tocando la cuerda G al aire con media pasada de arco y, entonces,ponga el dedo primero sobre la cuerda para tocar A con la segunda mitad del arco. De este modo se toca lo que llamamos un legato, sucesivas notas ligadas. Practique esta forma tocando las escalas ascendentes y descendentes.

Después de ligar dos notas,la idea es ligar tres notas. Pero lo más importante es ser muy diligente y hacer prácticas tan frecuentemente que, el tomar el violín, ponerlo en posición correcta, tomar el arco y empezar a tocar, se convierta en algo perfectamente natural para usted. Es como cuando un niño pequeño aprende a escribir: nunca ha escrito hasta ahora, nunca ha sostenido un lápiz, nunca se ha sentado delante de un papel en blanco -igual que usted antes no había tocado un violín o había leído música. Entonces,el maestro escribe una A en el tablero, y el niño intenta copiarla en su papel,de la misma manera que usted lee la nota

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en la pieza musical o intenta tocarla en el violín. Al principio el niño no hará una A muy bien hecha, ni usted producirá un sonido perfecto. Pero pronto mejorará, y el niño pasará, a la siguiente letra, y usted a la siguiente nota. Gradualmente usted tocará notas separadas con mayor soltura, y el niño escribirá letras aisladas muy bien. Y entonces llega el momento de gozo: para él, escribir «de verdad» . De hecho, es un proceso muy similar. * Toque de nuevo la escala de G, esta vez tocando dos o tres notas en una sola pasada de arco.

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Practique primero tocando dos notas por arco descendente (d.d.) y ascendente (d.a.). d.d. d.a. etc.

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