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• Diego Graciano

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LA MUSICA EN EL SIGLO XX – XXI CONTEXTO HISTORICO Y CULTURAL El mundo de la música se verá influido por enormes cambios sociales y culturales. La música, cuyos recursos tradicionales habían sido explotados hasta la saciedad por los autores románticos, busca abrirse nuevos caminos y romper con el pasado. Gran cantidad de estilos vanguardistas musicales se irán yuxtaponiendo en el transcurso del siglo en busca de la novedad y la experimentación, a través de un cambio estético que dará lugar a las composiciones más creativas. La aparición de nuevos géneros como el jazz o el rock y sus derivados arrebatará a la música culta el protagonismo, casi exclusivo, del que había gozado durante siglos. Poco a poco se irá convirtiendo en una música de minorías, ajena al éxito y a los intereses comerciales. En la segunda mitad de siglo, la llegada de la tecnología alterará la forma de componer e interpretar la música. Por primera vez en la historia los medios electrónicos e informáticos tendrán una función importante dentro del fenómeno musical. CARACTERÍSTICAS 

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La pérdida de unidad estilística y técnica se hace evidente ya que no hay un lenguaje y un tipo de expresión únicos, sino una pluralidad de movimientos. Cada compositor busca su propio lenguaje musical para expresarse. La ruptura con el pasado se manifiesta en el progresivo abandono del lenguaje tonal, que parece haber llegado a su fin. El ritmo adquiere gran protagonismo. Búsqueda de la novedad, ninguna obra puede parecerse a otra y para ello hay que experimentar con todo lo que se tenga a mano. Cualquier objeto puede ser capaz de producir música. El compositor no busca la belleza de melodías, sino llamar la atención del oyente, por lo tanto nos encontraremos ante piezas extrañas que no tienen nada que ver con la música que se había realizado hasta entonces. En algunas corrientes, sobre todo en la 2º mitad de siglo, el compositor acompaña su obra con textos explicativos propios para que la obra se pueda interpretar y entender, ya que a menudo se usan sistemas de notación no convencionales. Además, en esta época, entrarán en juego los avances electrónicos e informáticos.

1. IMPRESIONISMO Un lienzo de Claude Monet titulado "Impresión, sol naciente" será el origen del movimiento impresionista, estilo que adoptarán otros pintores y que más tarde se trasladará al mundo de la música. Se trata de pinturas que plasman paisajes y ambientes difuminados, en las que no se busca la perfección y realismo del cuadro, sino la impresión que produce en los ojos de quien lo observa. El impresionismo musical será un movimiento típicamente francés, relacionado con la tendencia pictórica. Posiblemente es la corriente más novedosa y original de todas las que se dan en esta época. El compositor más destacado de este movimiento es Claude Debussy, con obras como "Preludio a la siesta de un fauno" (1894). CARACTERISTICAS 

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Al igual que la pintura impresionista, la música de Debussy es una música de atmósferas y de sentimientos sutiles, carente de la grandiosidad post-romántica. Las características de esta música son: Melodías desdibujadas (igual que en pintura), sin líneas ni cadencias claras, que utilizan escalas modales, pentatónicas, cromáticas o de tonos enteros. Armonía libre, con acordes incompletos a los que Debussy llama flotantes, que toman su valor por su sonoridad, no por su función tonal, para convertirse en líneas y manchas que se desvanecen en el tiempo y el espacio. Nuevo concepto de timbre, utilizando los instrumentos de forma individual y no como conjunto orquestal (collage). Incorporación de elementos musicales orientales, tanto melódicos o rítmicos como armónicos. Uno de los continuadores de la obra impresionista de Claude Debussy será el francés Maurice Ravel, conocido por su obra "El bolero".

2. EXPRESIONISMO El tema principal del Expresionismo es el hombre y su vivencia interior llena de conflictos y temores, que muestra una realidad distorsionada marcada por el dolor y la angustia. En música, el compositor más representativo de esta tendencia es Arnold Schoenberg, que considera la música como medio para expresar la personalidad del hombre.

CARACTERÍSTICAS 

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Búsqueda de lo dramático mediante el uso constante de disonancias que producen una tensión continua, sin momentos de reposo. Utilización de un sistema atonal, que rompe con todas las reglas tradicionales de organización melódica y armónica. Pérdida del concepto de melodía en favor de un canto recitado (sprechgesang), que tiene como objetivo la expresión violenta y agresiva del texto. Normalmente son obras para pequeñas formaciones de cámara, en las que cada instrumento tiene el papel de solista. Pierrot Lunaire hace parte de este movimiento.

3. ATONALISMO El Atonalismo nace cuando una serie de compositores, con Arnold Schoenberg a la cabeza, deciden otorgar a la disonancia la misma importancia que a la consonancia y escribir sus obras con una tonalidad concreta. Esto implica que todas las notas tienen el mismo valor, sin jerarquías. De ahí la sensación de que se han perdido los puntos de equilibrio y de orientación, por lo que para nuestros oídos, la música atonalista suena desafinada. Entre las obras en las que Schoenberg recurre al Atonalismo, podemos destacar "Cuarteto nº 2" y "La noche transfigurada". Esta ruptura con la tonalidad influiría también en artistas como Richard Strauss, Gustav Mahler, Edgar Varese o Charles Ives, entre otros. Sin embargo, la corriente del Atonalismo como tal tuvo una vida efímera, ya que se trataba de componer sin ningún tipo de normas, sumiendo a la música en una especie de caos. 4. DODECAFONISMO

Los fundamentos de la música dodecafónica fueron elaborados y desarrollados a comienzos del siglo XX por el compositor austríaco Arnold Schoenberg y dos de sus discípulos y amigos: Alban Berg y Anton Webern, que son conocidos en conjunto como Escuela de Viena. Este método fue creado en 1923 y también fue conocido como Serialismo. Después del periodo atonal y tras varios años de inactividad, el mismo Schoenberg dio un paso de gigante al inventar un sistema de organización para las obras, que, en cierto modo, vino a cumplir el papel que durante siglos había representado la tonalidad. CARACTERISTICAS 

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La técnica dodecafónica consistía en definir una serie con las doce notas de la escala cromática (distancia de medio tono entre notas), que podían ordenarse de la forma que el compositor decidiera. Sin embargo, una vez establecido el orden, éste debía mantenerse a lo largo de toda la obra; era precisamente esta serie la que se erigía como la estructuradora de toda la composición. Desaparece, por tanto, la jerarquía entre los grados de la escala, originando una música atonal que podríamos asociar a la pintura abstracta de autores como V. Kandinsky. Pronto, los compositores dodecafónicos se dieron cuenta de que una sola serie limitaba enormemente las posibilidades compositivas; por ello, para disponer de un mayor margen de acción, se empezaron a utilizar en la misma obra otras series derivadas de la primera, retrógrada (hacia atrás), invertida (en espejo) o retrógrada invertida. La música tradicional y popular actual suele ser tonal, y por lo tanto tener una nota de mayor importancia, respecto a la cual gravita una obra (esta nota indica la tonalidad, como Do mayor o La menor). Cualquier sistema tonal implica que unas notas (la tónica o ancla y sus socios naturales) se utilizan mucho más que otras en una melodía. Lo que hizo el fundador de la música dodecafónica, Schönberg, fue prohibir por estatuto usar una nota más que otra: la melodía dodecafónica debe llevar las 12 notas que hay en la escala cromática. Se escribe siguiendo el principio de que todos los doce semitonos o notas son de igual importancia. La relación interna se establece a partir del uso de una serie compuesta por las doce notas. El compositor decide el orden en que aparecen con la condición de que no se repita ninguna hasta el final.

5. FUTURISMO El movimiento futurista se basa en la introducción de los ruidos y las máquinas en la música. Los futuristas se inspiran en el ambiente industrial de la sociedad del siglo XX. Buscan enriquecer el sonido y desvincularse del pasado, declarando la guerra a la tradición y a los timbres limitados de los instrumentos convencionales. Russolo, en 1913, publica "El manifiesto de los ruidos", obra en la que se dan a conocer los fundamentos de esta corriente. En este libro, el autor clasifica los instrumentos de la orquesta futurista en seis familias, en las que podemos encontrar gruñidos, silbidos, risas, gritos, golpes... Russolo, fue capaz de crear un instrumento capaz de producir ruidos variados. A este artefacto lo denominó "entonarruidos“. La corriente futurista, en su sentido más estricto, no duró mucho tiempo, pero su idea de conectar la música con la realidad utilizando los ruidos de la vida moderna, tendrá una gran influencia en muchos compositores contemporáneos y anticipará las técnicas de la música concreta. Entre los músicos más influenciados por el Futurismo podemos citar a Edgar Varese, con obras como "Ionization" (primera obra en la historia escrita únicamente para instrumentos de percusión) o Arthur Honegger, con "Pacific 231" (obra que describe el movimiento de una locomotora). 6. NEOCLASISISMO El Neoclasicismo (nuevo Clasicismo) surge entorno a 1920 como reacción al Post-Romanticismo, el Impresionismo y el Expresionismo. Es quizá el movimiento que menos novedades aporta durante este periodo; supone una vuelta a la claridad formal del Clasicismo, y el rechazo a una concepción expresiva de la música cargada de significados subjetivos. Se vuelve al cultivo de las formas y géneros clásicos, buscando una nueva sencillez, ya que aspira a devolver a las obras musicales la comprensibilidad y el placer para el oído. Por esa razón, la mayoría de las obras de este movimiento recuperan la tonalidad clásica. Entre los principales representantes de esta tendencia se encuentra el francés Erik Satie y el llamado "Grupo de los Seis", cuyos ideales fueron expuestos en 1918: "basta ya de nubes, olas, ondas y fragancias nocturnas. Necesitamos una música con los pies en la tierra, una música cotidiana,...". Una conocida obra de Satie es la titulada "Gymnopédie nº

1". Otro conocido autor de inspiración neoclásica fue el ucraniano Sergei Prokofiev que compuso obras como "La Sinfonía clásica op. 25" o el ballet "Romeo y Julieta". Esta corriente ha tenido continuadores hasta la actualidad. 7. SERIALISMO INTEGRAL El Serialismo Integral es un movimiento que se da a partir de la segunda mitad del siglo XX. Consiste en la aplicación del concepto de serie, introducido por el Dodecafonismo, a todos los parámetros integrantes del sonido (timbre, altura, duración, intensidad...), y no sólo a la altura de las notas. Aspira a convertirse en un sistema completo y perfectamente estructurado y racional; sin embargo, el resultado es con frecuencia una música fría, en la que las alturas, duraciones, timbres e intensidades están perfectamente ordenados en series de doce grados cada una. CARACTERISTICAS La música serial se caracteriza, por tanto, por el minucioso ordenamiento de los parámetros musicales y su alto grado de elaboración previa, ya que el compositor organiza la obra como si las piezas de un ROMPECABEZAS se tratara. Entre los compositores más destacados cabe recordar a Oliver Messiaen, con obras como "Modos de valor e intensidad", y a Pierre Boulez, con "El martillo sin dueño" o "Sonata para piano nº 3". 8. MUSICA CONCRETA Hacia mediados del siglo XX surge esta corriente, que se inspira en el Futurismo, ya que utiliza cualquier sonido o ruido sacado de la realidad. El compositor se lanza a la calle grabadora en mano, recogiendo todos los sonidos que cree interesantes; estos sonidos posteriormente se manipulan en un laboratorio musical (se cortan, se pegan, se modifican algunas de sus cualidades...) y se montan en una cinta magnetofónica. El resultado es una composición de música concreta. En este tipo de música el papel del intérprete es sustituido por el magnetófono, y el compositor presenta su obra de manera definitiva y objetiva. Por primera vez en la historia la ciencia y los aparatos tecnológicos se usan para la creación de obras musicales.

Entre los compositores pioneros se encuentran los franceses Pierre Schaeffer, que expone sus teorías en "El tratado de los objetos musicales" y Pierre Henry. Algunos de los títulos de las obras de estos artistas son: "Estudio de ruidos", "Sinfonía para un hombre solo", "Variaciones para una puerta y un suspiro" o "El micrófono bien temperado".