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MINISTERIO DE EDUCACIÓN CULTURA Y DEPORTES CONSEJO NACIONAL DE LA CULTURA DIRECCIÓN GENERAL SECTORIAL DE DANZAS GOBERNACIÓN DEL ESTADO MONAGAS XII FESTIVAL NACIONAL DE DANZAS "JUANA LA AVANZADORA"

" LA DANZA NACIONALISTA" Origen, Características, objetivos fundamentales. División de la Danza Nacionalista. Género Autónomo. Difusión y Enseñanza. Por: Sra. YOLANDA MORENO.

PRINCIPIOS DE EQUILIBRIO Y MOVIMIENTO en el diseño del vestuario integral en Venezuela. Por: Prof. FREDDY JOSE BAEZ.

COORDINADOR NACIONAL Lic. ALICE DOTTA CONAC

Coordinadores Regionales: Prof. Inicita Aceituno Sr. "Yovanni Cedeño Festival Nacional de Danzas "Juana la Avanzadora"

Yolanda Moreno "Danzas Venezuela"

Memorias sobre la Danza Nacionalista Yolanda Moreno. I PRINCIPIOS GENERALES Origen: La Danza Nacionalista nace de la necesidad de obtener un patrón y una calidad estética que permitan adaptar las danzas populares o folklóricas venezolanas a las exigencia de la escena. Su propósito inmediato fue, pues, la creación de una danza teatral venezolana de aceptación y validez internacional. Ese genero danzario no existía y comenzó a parecer rudimentariamente a partir de 1.950 cuando se crea el movimiento que se llamó Retablo de Maravillas. Tras un periodo de evolución interrumpido de 15 años aproximadamente, alcanza sus características predominantes a partir de 1.965 cuando Yolanda Moreno asume la dirección de Danzas Venezuela, grupo que no era sino el conjunto de Danzas Tierra Firme, uno de los muchos que tuvo el retablo, con el nombre cambiado. Especifidad: La carencia de un antecedente previo, la intervención negativa y desafortunado de algunos y la necesidad de identificar la obra llevó a adoptar la denominación de "nacionalista" para automatizar el nuevo género. Convenía el nombre, por un lado, por ser finalidad de la danza nueva la exaltación de las características nacionales y por otro porque imprescindible deslindar las señales que la diferenciaban de la que tradicionalmente se consideraba en Venezuela "Folklórica". Esta última designación se aplica aún sin mucha claridad para designar dos vertientes coreográficas: A)

danza noble, de gran valor documental, producida espontánea, anónima y colectivamente por una comunidad con ocasión de hechos o circunstancias determinados. Es denominación apropiada.

B)

Danza reproducida de la anterior, alterada conscientemente o no, sin un patrón definido, por gentes urbanas que insisten en afirmar que es idéntica a la espontánea. Es denominación inadecuada. Ambas expresiones tienen como característica denominante el sentido localista. No son creativas porque son repetitivas, pero la ultima insiste en disimular sus deficiencias con la cobertura de "purista" cuando en realidad designa danzas pobres, carentes de patrones técnicos estéticos. Ambos tipos A y B son absolutamente inadecuados para la escena y totalmente inapropiados para la exportación. CARACTERÍSTICAS: La Danza Nacionalista es: a)

Creativa: Porque requiere la obra de un artista o coreógrafo que incorpore iniciativa, técnica y dominio coreográfico a fin de lograr la exaltación del tema original.

b) Universalizadora: Porque convierte el tema espontáneo, local y subordinado a circunstancias determinadas en una exposición autónoma, independiente de motivaciones previas, susceptibles de conmover o interesar a cualquier espectador de lengua, cultura e idiosincrasia remotas. c)

Tecnificada: Porque utiliza y aplica principios técnicos a más de normas estéticas y conocimientos múltiples.

d) Elaborada: Porque su producción supone elaboración de vestuario, peinados, utilería, zapatería, escenografía y un proceso completo de creación en que intervienen factores diversos: Literarios, investigativos y escénicos, libretos, textos, musicalización, canto, interpretación musical, parlamento y otros más. e)

Subjetividad: Porque si bien el tema originario puede ser en ciertos casos colectivo, el tratamiento a que lo somete la danza nacionalista por ser creativo lleva implícitas las señas personales

del coreógrafo ese carácter se acentúa aún más en las Danzas Nacionalistas de creación libre en las que ya no hay reminiscencias de un tema colectivo. f)

Escénica: 1) Porque contrario a la danza Folklórica propiamente dicha no esta supeditada a determinadas circunstancias, ni los interpretes sólo están capacitados para bailar determinada danza; 2) porque los intérpretes son bailarines, no bailadores, lo cualaparte de otras implicaciones-supone una integración integral y técnica; 3) Porque esta constituida a base de un patrón de ajustes musicales e interpretativos, sin improvisaciones adlibitum ni intervenciones caprichosas del auditorio.

g) Venezolana: Porque si bien coreógrafos y artistas de otros países han producido danzas y espectáculos escénicos elaborados, la danza nacionalista como se explica al comienzo, nació en nuestro país, con temas típicos y con el propósito de crear una expresión teatral venezolana. El paso del tiempo, el trabajo incesante y el perfeccionamiento así como la formación de bailarines especializados le han dado además de intensa difusión, características diferenciales. Es lo que se manifiesta hoy, cuando todas las regiones del país acuden a la técnica nacionalista para expresarse coreográficamente sobre los escenarios. h) Internacional: Porque ya obtenidos los procedimientos que identifican la Danza Nacionalista Venezolana, pueden aplicarse en cualquier tema o situación creativa, aunque estos identifiquen o se refieran a un país distinto. OBJETIVOS FUNDAMENTALES: Queremos destacar entre otros de menor importancia cuatro objetivos de la Danza Nacionalista que ya se han logrado en el país: 1) Universalizar los temas locales; 2)

Brindar al venezolano y especialmente a las nuevas generaciones

un recurso moderno de expresión nacional; 3)

Preservar los temas populares y folklóricos (sometidos hoy a un bombardeo inclemente por los medios audiovisuales mercantilizados) mediante un recurso de expresión ajustado al cambio de sensibilidad que siempre traen los nuevos tiempos;

4)

Crear un género danzario paralelo a los existentes ( clásico, moderno, contemporáneo, etc.) y tan digno como ellos.

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DIVISIÓN ESENCIAL NACIONALISTAS.

DE

LAS

DANZAS

A fin de trazar tan solo un cuadro básico y muy general vamos a dividir las danzas nacionalistas por el tema y el tratamiento que se le dé en tres tipos. •

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Enunciativas.- Cuando sobre un tema musical dado se crea una danza para proyectarlo y enaltecerlo. Ej: Seis por derecho, Cerecita, Llano Ritmo y Corazón; •

'

Expositivas.- Cuando al tema original se agregan poesía, toques, parlamentos u otros temas. Ejs: La tierra venezolana, Bolívar, Despedida de San Juan; Narrativas.- Se dominan argumentales porque se crean sobre un libreto contentivo de un argumento. Desarrollan una acción encadenada para presentar mitos, leyendas, historias, narraciones, etc. Ejs: La novia de la guitarra, Negra la Mala Intención, Entre las Luces del Día. Las variantes generales antes dichas se pueden subdividir en otros según la naturaleza del tema con fines didácticos, los cuales no son los de exposición.

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II GENERO AUTÓNOMO Definición: Las señales ahora expuestas permiten intentar una definición. Cabe decir que la Danza Nacionalista es un genero coreográfico que toma las expresiones tradicionales, folklóricas o populares de una región y mediante una técnica propia de recreación las convierte en manifestaciones teatrales de aceptación internacional sin perder su identidad original. Autonomía cuando tiene un objeto específico, una metodología adecuada y un lenguaje de comunicación que garantiza su trasmisión. Lo expuesto hasta ahora permite identificar esas señales en la danza Nacionalista y el hecho mismo de su presencia en la cultura americana junto con la aceptación de públicos y críticos internacionales haría impertinente la intención de negarla. Existe. Esta allí. Se ha difundido. Es un recurso de expresión coreográfica teatral admitido y cultivado en todas las regiones y comunidades nacionales. Eso quiere decir en dos palabras: a) Tiene un objeto que es la exaltación de los valores de un pueblo; b) Tiene una técnica que ha permitido investigar y recrear el material básico; c) Tiene un lenguaje integrado por rutinas, pasos y movimientos y una nomenclatura peculiar que hábilmente tratados se convierte en cuadros de repercusión colectiva.

III DIFUSIÓN Y ENSEÑANZA Difusión: La Danza Nacionalista como esta dicho se ha difundido con alegría por todo el país. No hay rincón donde hoy día no se la utilice como medio satisfactorio de expresión venezolana. Es más; sin desearlo, porque no entra en sus propósitos, en muchos casos se adopta la Danza Nacionalista como recurso de expresión folklórica. Más aún; en oportunidades se presentan como demostraciones folklóricas las que no son otras que danzas creadas por nosotros

con técnica nacionalista. Ejs: El Cardenal Coreano, el Tango Matiguá, Cerecita, El Mampulorio, etc. De esa aceptación surgen los numerosísimos grupos que por todo el país adoptan la denominación "nacionalista" que nosotros utilizamos originalmente para expresar con claridad que no deseábamos engañar a nadie presentando una danza teatral elaborada como danza espontánea y colectiva. Entre esos grupos hasta se hallan algunos que movidos por una inexplicable actitud, usan la técnica y el lenguaje nacionalista asegurando que son netamente folklóricos. No puede dejar de mencionarse en ese camino la inserción o aceptación de pasos y rutinas nacionalistas en montajes de otras técnicas, las cuales, sin perder su autonomía, nobleza y carácter se expresan entonces "en venezolano" con los patrones de nuestra danza teatral. Complace que así sea. Enseñanza: Con el paso del tiempo y gracias a la dedicación de maestros, profesores, intérpretes y promotores culturales se ha ido creando un sistema básico para la formación de bailarines nacionalistas. En ese empeño que continua y deberá seguir perfeccionándose, ha jugado un papel preponderante la Escuela de Formación Artística, que apareció conjuntamente con el Retablo de Maravillas en 1.950 para formar sus integrantes y que hoy funciona bajo la institución de la Sociedad Civil Danzas Venezuela. Esta escuela ha servido de guía en el proceso didáctico, por cuanto alumnos suyos-directos o indirectos-son los que se encargan de la enseñanza básica en todas partes. No escapan al proceso zonas internacionales, ya que no solo se han dictado cursos de danzas nacionalistas en ciudades del exterior sino que también organizaciones tan prestigiosas como el famoso "Conjunto Oriental de Cantos y Danzas" de Pekín, han escenificado mediante cursos adhoc y con gran despliegue de elementos escénicos nacionalistas, cuadros y estampas que consideran representativos del hombre, la mujer y al cultura venezolanos. Fundamentos de la enseñanza: La Danza Nacionalista es compleja.

No solo porque ha correspondido a una generación enfrentar los problemas de crearla, justificarla, difundirla y defenderla. Lo es también porque es modalidad mixta que conforme al patrón folklórico admite la expresión verbal, el canto, la música melódica y percusiva, el monólogo, la actuación teatral, etc. La teoría estética que le sirve de sustento es el realismo-mágico y por lo tanto forza a crear vestuarios, escenografías y elementos múltiples sobre una idealización de lo ya existente. Todo eso y lo que obviamos en honor a la brevedad vuelve también múltiple un proceso cabal de aprendizaje. De manera general consideramos fundamental un sistema en que figuren: Técnicas: Ballet, Danza Moderna, Español, Danza Étnica, Danza Nacionalista. Investigación: Lo folklórico, lo popular, la tradición, (en campo y teoría) Conocimientos: Historia de la Danza. El Traje. Los Instrumentos. La Utilería. Música: Canto, vocalización, instrumentos populares. Tocar al menos uno de ellos. Maquillaje:

Caracterizaciones,

tipicidades

regionales,

embellecimiento teatral. Actuación: Dominio expresivo, elocución, actitudes, etc. Prosa y poesía. El sistema debe ser esencialmente práctico. Desde los primeros niveles enseñar la trascendencia y el mundo del escenario y efectuar cuando menos una reseña anual sobre la escena, dotada con los recursos que caracterizan el hecho escénico.

TEMA: PRINCIPIOS DE EQUILIBRIO Y MOVIMIENTO EN EL DISEÑO DEL VESTUARIO INTEGRAL EN VENEZUELA PROFESOR FREDDY JOSÉ BAEZ

ANTECEDENTE. La necesidad de plasmar el sentimiento cotidiano, en una vivencia plena, ha hecho de la danza un lenguaje universal que a través de el movimiento crea un mundo sin fin de esquemas subjetivos cuyo carácter interpretativo se nutre de la vivencia y el sentir de su creador y quien la ejecuta. Venezuela, posee en su haber una extensa cantidad de manifestaciones que por Tradición se hicieron populares de donde tomaron para sí su esencia folklórica a pesar de formarse en su base primaria de expresiones propias traídas por los conquistadores, los colonizadores, los esclavos y luego la fusión social determinó la autoría por concepto Costumbrista. La tradición folclórica heredada de la multimezcla cultural origina una serie de cambios, producto de la necesidad que posee toda evolución i como entenderla?, el hombre en su paso histórico es un pensador cuya mayor recompensa se traduce en la nueva creación, este fenómeno nace con Yolanda Moreno, mujer tenaz, conciente y partícipe de un movimiento de danza cuyo nombre en definición es Nacionalista. La Danza Nacionalista, parte de principios universales tales como: el ballet, la Actuación, la magnificación de los elementos de escena, el vestuario, la excelente Interpretación del espacio y un lenguaje muy propio que por esencia respeta nuestro Folklore por tradición. Sobre esta base parte la preocupación personal de ejemplificar a través de esta teoría la necesidad de crear sobre un argumento técnico la comprensión de la belleza que debe poseer el vestuario de una nueva danza que en su origen parte del Nacionalismo y Evoluciona como principio integral, "La DANZA

EMERGENTE", según Gladis Alemán.

ASPECTOS GENERALES SOBRE EL ORIGEN DEL ATUENDO COSTUMBRISTA. La Danza Integral como principio globalizado hace del estudio serio una pantalla Generadora de información que integra nuevos conceptos de interpretación medianamente conocidos, partiendo de este principio surge la necesidad de conocer con veracidad como nació el atuendo costumbrista de nuestro país. El atuendo es una necesidad propia de todas las civilizaciones donde sus componentes se ajustaron a hechos generales que con el tiempo se hicieron simples, para el momento que Cristóbal Colón descubre a América, la moda era un hecho cubierto de lujo y sobriedad si bien el indumento Manierista no había evolucionado su gestación tomaba otras características que luego con el Descubrimiento se disparan ubicando a España en el plano universal de un nuevo concepto llamado " A LA ESPAÑOLA". Todas las piezas que componen nuestro vestuario tradicional, forman parte del indumento europeo que a su vez las tomó de los persas, árabes, hindúes etc., elementos estos que adquieren jerarquía haciéndose nuestros producto de la mezcla cultural.

Con el paso del tiempo se establecen las nuevas sociedades con estas aparecen los puentes comerciales, la piratería, los cambios políticos, con la libertad los nuevos gobiernos hacen que la natural manera de vestirse ajuste sus componentes a variaciones tales como: El clima, la geografía, los puertos cercanos, la riqueza de nueva corte,. el trabajo y otros factores que son tema muy amplio de estudio.

Obviamente al discernir sobre lo anterior la pregunta obligada deriva de la autoría o pertenencia de una prenda autóctona, la respuesta sería tema de discusión y largos debates debido a la general necesidad del hombre de cubrir el desnudo pero al encararlo como una vanidad la costumbre hizo necesaria la aparición del indumento cortesano, el pudor de cubrir el desnudo se convierte en una vanidad y esta PER SE es una tradición social. Particularmente en Venezuela el atuendo folklórico nacional evoluciona a raíz de la aparición de los movimientos populares, recreados según sus expresiones de danza regional a través del joropo, el vals, los tambores , los ritos religiosos o indígenas, fenómenos que poseen su propio vigor así como sus reglas que en principio formaron parte de la recreación social para luego convertirse en tema de estudio y posterior puesta en escena. La corriente nacionalista nutre la pieza folklórica de un elemento versátil en cuanto a vestuario enriqueciéndolo sin olvidar su esencia primigenia. El movimiento de escena crea en el planteamiento mayor volumen a través de sus líneas, crea mayor impacto con el color, los detalles son más ricos y la presencia debe ser impecable. Lo anterior se ubica en el estudio del estilo ya que por evolución histórica el atuendo costumbrista se recrea dentro del folklore manteniendo piezas fundamentales para aumentar su credibilidad en el contexto de toda propuesta escénica obligando de esta forma a crear nuevas fuentes de información e investigación con el fin de lograr que toda creación sea tangible y comprensible en la realidad. NUEVA VISION PARA EL VESTUARIO DE LA DANZA INTEGRAL Por definición las bases del vestuario para escena poseen largas datas desde una simple túnica hasta un complicado traje Isabelino aún así la regia simplicidad de un traje charlestón todo depende de la capacidad de creación o de la manera como interpretar la realidad llevada al movimiento corporal

ajustado a un plano coreográfico. La experiencia adquirida, como diseñador aunado al trabajo en principio con la Prof. Gudelia Castillo, coreógrafo que ubica cada elemento de escena en igualdad de condiciones dándole importancia cabal a todo el proceso creativo que amerita una puesta en escena. Durante 12 años he llevado la difícil tarea de comprender las piezas creadas por la Prof. Castillo, seguido de cerca el sentir, el crecimiento coreográfico así como la obligación de interpretar el diseño elevándolo a la categoría de arte; si bien muchas de las piezas son fundamentales en el vestuario tradicional se convierten en factor constante dentro de una pieza folklórica, el trato y la forma que poseen están ubicados afinadamente dentro de la estructura coreográfica de orden integral. Anteriormente el coreógrafo, montaba, daba forma, vestía y musicalizaba una pieza; la danza emergente creó la inminente facultad de ofrecer a cada individuo o especialista la oportunidad de proyectar sus ideas como aporte para enriquecer la pieza. Es a través del Ballet Scorpio, compañía de danzas ubicada en el estado Portuguesa donde se inicia la Danza Emergente, demostrada en piezas de magnífica factura como: PAEZ 200 años de gloria, dos valses para un hombre y LA LEYENDA, coreografías que marcan un hito en la historia de la expresión de escena desde este momento (1990) parte mi formación real como profesional del diseño, al comprender que diseñar no era un problema de formas sino de interpretación del movimiento a través del estilo que posea un plano coreográfico que defina una estructura en general, ubicando el vestuario, sus accesorios y los elementos de escena como un todo único integral cuya conciencia catapulta al intérprete como un artista SU GENERIS que posee una calidad interpretativa afinada sobre un movimiento rico en plasticidad, creativo e innovador. La creación del diseño de vestuario para la Danza Emergente debe poseer ciertos conocimientos que en grado de dificultad son: la teoría del traje y sus estilos, la tendencia de la danza partiendo de su esencia, la iluminación, el color, el uso de las texturas adaptadas a sus variantes, el movimiento corporal y

escena, análisis del espacio, cuadratura musical, elementos de escena de uso alterno, además de precisar detalles de investigación demostrando por el método su factibilidad. En apreciación lo expuesto luce complicado pero el problema en sí esta determinado por la cantidad de limitaciones que ofrezca la pieza en estudio. Por ejemplo no es igual montar una marina que un andino; piezas cuya tradición parten del sentimiento pero en su forma primitiva expresan situaciones paralelas la única manera de unirlas sería por una transición cuyo eje hile la historia entre sí. La dificultad está en determinar la jerarquía de los elementos que forman la escena partiendo de: La música, por lo que define el estilo de la pieza bien sea folklórica, clásica, contemporánea, o respondiendo a órdenes establecidos nacionalistas, neoclásicos o libres, la fusión de varios o un elemento determinará su tendencia emergente. El coreógrafo, a través de él se canaliza el sentir de una pieza en su expresión momentánea para la creación no pasando por alto que la condición subjetiva de este posee un estilo que lo define como tal. La compañía o el cuerpo de baile, quienes se convierten en la extensión de toda creación sobre cuyo fundamento se interpretan las líneas de la danza nutriéndolas con la propia perspectiva que determina su formación devolviéndolas en interpretación. Para que una pieza dancística se convierta en obra de arte además de cuidar los detalles anteriores debe por concepto ajustar el tema a todos los factores y elementos posibles que hagan de la ejecución escénica una máquina perfectamente engranada. Sobre este basamento evolucionó la Danza Emergente, buscando con su planteamiento hacer del intérprete un TODO INTEGRAL, cuya presencia forme parte de la escena y esta sea toda EL, UNICO, integrado al espacio como consecuencia de su extensión en el sentido que posee el sentimiento expresado a través de la danza. EL DISEÑO EN MOVIMIENTO. Para comenzar con este tema es obligado conocer de diseño y la que

importancia que este posee, ya que el diseñador no es el creador por sí, solo es el instrumento de la creación universal. Aclarado este punto, se hace más claro el papel del diseñador dentro de la coreografía integral. La preparación unida al grado de conocimiento de la realidad aplicados a la veraz interpretación de un tema hacen de un diseñador un profesional capaz, imaginativo y creador . Cuando se garantiza esta transparencia en toda situación la más simple creación se convierte en una exitosa propuesta que evidencia la madurez del artista como tal. El diseño en movimiento es un método de observación de campo que a nivel de la muestra arroja resultados ya que todo boceto o propuesta surge al igual que la coreografía, busca como objetivo simplificar mediante la forma la extensión del movimiento planteándolo de una manera tácita y libre, sus bases parten de la escuela clásica de la creación, respetando los cánones del ballet clásico y los principios de diseño por los que se rigió BALANCINE y PETIPA a finales del silo XIX. La danza integral establece un nuevo esquema para la interpretación del vestuario sin crear objeciones o irrespetos sobre ideas planteadas por tendencias anteriores por el contrario ha tomado elementos básicos para crear la maximización del estudio de sus líneas , dando énfasis al valor, el carácter y la fluidez que estas poseen. Debido a lo extenso y complejo del tema se tratarán de explicar en resume los principios generales que rigen el diseño estableciendo de manera particular cuales son válidos para la danza. BASES DE INTERPRETACIÓN Respondiendo a un orden metodológico el vestuario debe basar su interpretación partiendo de esquemas de estudio generales para solucionar específicamente la creación de la nueva propuesta donde también deben ordenarse en el proceso los elementos de escena así como sus alternos tratando que la naturaleza estos, las líneas y los accesorios no interfieran con el movimiento en la escena; el volumen y el espacio se determinan por apreciación, la forma se cualifica por la cantidad de pasos y movimientos a nivel de técnica

que compongan la estructura. De manera general las armas propias para iniciar la investigación y si es necesario se amplían dependiendo la magnitud de la obra, son las siguientes: o

Origen histórico: del movimiento, la pieza, el o los personajes, su ubicación cronológica etc.

o

Evolución y transición estilográfica: punto de partida desde su esencia hasta llegar a su máxima expresión puede

o

tener contexto histórico, narrativo, épico etc. Fuente geográfica: estudio previo del clima, situación

o

geográfica, aspectos de importancia que definan sociedad y otros temas inherentes a ésta, Fuente social: estudio de las razas, cultura, aportes artísticos

o

para ampliar el perfil de estudio del fenómeno, La moda: porque ofrece una visión mas clara, concreta a

o

nivel de formas haciéndolas creíbles ya que elimina el antagonismo en la propuesta final, La música: conocerla obliga subjetivamente a conectarse

o

con la inspiración La coreografía: conocer su evolución desde el principio, ya que puede eficazmente mostrarse como tal en el espacio, el volumen y el estilo, enfatizando con mejor carácter cada

o

propuesta definida estilísticamente, La tendencia: como parte de un origen, al mezclar ciertos elementos y expresiones no tradicionales, que determinen lenguajes o respuestas de vanguardia cuyo respeto sea creíble

o

es viable su estudio como tendencia, La expresión: al formar parte de un todo integral al igual que un libro o una ópera, la danza puede poseer términos líricos, románticos, clásicos, épicos, cosmogónicos etc.

Luego de analizados los términos o definiciones generales. Se toman los elementos de base que luego se aplican a un cuadro específico que por regla

parte de los principios del diseño: EL EQUILIBRIO: punto donde se ubica de manera estática el movimiento dentro de cualquier objeto puede ser simétrico cuando las líneas convergen en su eje; asimétrico al contrario ya que el eje se ubica fuera de su punto de equilibrio; ambos puntos se extienden por movimientos de su eje determinados por puntos de convergencia simétricos sobre esquemas lineales en círculos o perpendiculares abiertos o cerrados se definen como axiales, con la extensión de este movimiento a partir del primero para plantear distorsión lineal se conoce como coaxial. También el equilibrio se puede lograr mediante el color en su forma pura, sólida y carente de contrastes como el caso de la bitonación, que crea fuerza en el plano del movimiento ubicando la atención hacia los puntos de equilibrio a nivel general. Estos puntos están sujetos a evaluación cuando el objeto cambia la posición sobre su eje y la variación produce un aumento conocido como proporción. LA PROPORCIÓN: se define como el estudio del volumen, espacio y movimiento a través de un plano o la serie de éstos. La importancia del conocimiento numérico hace que una pieza se convierta en un agrado o su consecuencia por desconocimiento, el volumen depende de la cantidad de piezas en escena, no de su proporción final como por ejemplo: 12 bailarines girando sobre un escenario con trajes cuyas faldas se cortaron en rotonda a 360 grados manteniendo sobre la línea en movimiento planteamientos realizados con amplios vuelos, enaguas, voluminosos tocados y una hipersaturación del color. Por supuesto el choque visual hace incomprensible, desproporcionado y carente de plasticidad a la propuesta escénica. Es fundamental el espacio cuando de volumen se trata ya que por determinación el diseño se convierte en una pieza que extienda y haga entendible el trabajo de los intérpretes, la presencia de un descontrol en un volumen determinado acortaría el espacio creando la mayoría de las veces la sensación de distorsión sobre la creación final. El movimiento, de las líneas sobre su eje varía su naturaleza alterándose

por la definición del estilo coreográfico como consecuencia, donde las líneas en esencia deben respetar la idea de cómo fueron concebidas al principio adaptándolas a un esquema estilístico que responda a criterios de respeto y ética profesional. LA FORMA: su importancia deriva principalmente en que como resultado de los principios anteriores la muestra soluciona las propuestas por la forma, determina los cortes, le da vida al movimiento, afina el color, conceptualiza la textura, crea nuevos retos de apreciación artística en fin se convierte en el traje mismo con personalidad y carácter propio. Objetivamente la forma mostrará la respuesta que generará la línea creada a través del lenguaje corporal, se debe a MARTHA GRAHAM, con su corriente de danza que las formas y el volumen se hayan tornado exactos creando la impresión de una segunda piel internalizada por el movimiento. La existencia de la figura geométrica por cuestiones técnicas ofrece espacios más inusuales como alternativa para plantear el volumen creando equilibrios exactos que definen una fusión lineal con principios aplicados de primera. Subjetivamente además de su especifidad técnica nos ofrece definiciones mas libres y filosóficas que como visión del universo atrapa al infinito en sus formas curvas, circulares y ovaladas, el equilibrio elemental en el triángulo, la precisión en el cuadrado y la fuerza o solidez en el rectángulo EL COLOR: puede hacer de una creación un mundo nuevo de experiencias sensoriales; planos, sólidos o en contraste sin limitar su, presencia se convierte en un argumento de peso que refleja belleza a un conjunto de representación escénica. Dada su inminente importancia el impacto que produce sumerge el espectador en un mar de visiones cuyo mensaje actúa motivando la reacción del sujeto determinando su fijación en el subconsciente, de este principio parte la importancia de conocer y aplicar el color de manera objetiva para lograr ese impacto visual. El grado de saturación del color así como el uso del matiz ofrece una herramienta eficiente, la debida proporción entre blancos y negros crean efectos óptimos en las propuestas, si bien los tonos planos minimizados atrapan al observador en sensaciones de tristeza, melancolía o

misterio de seguro los tonos maximizados saturados al blanco producen un estallido de alegría mezcla de euforia o relajamiento lo cierto es que el color en sus formas más puras crea equilibrio así como el contraste en cualquiera de sus principios aumentarán el movimiento. El color emotivo, se utiliza para dar forma a un personaje o un lenguaje de transmisión sensorial, tal como el rojo significa pasión corporal, es sangre, puede ser vida, lo contrario del negro símbolo de la muerte, el misterio, la elegancia o la lujuria, el blanco es un cliché de la pureza sin mácula, el triunfo o la libertad del espacio, el amor puro e inocente es rosa, el violeta nos señala la transición espiritual, un cardenal o un obispo visten en vino tinto u obispo los colores de la religión, el esplendor, la alegría y la riqueza poseída por el amarillo, verde la naturaleza, así como el azul sumerge tácitamente en el pensamiento, la melancolía espiritual. El turquesa es el uso de la majestad en oriente, y el naranja que se hace cómplice de la juventud. El color también posee su variante sobre los términos antes expuestos ya que cada época histórica hizo uso y gala de un color o varios, sobre este tópico se debe tener mucha precaución. El estampado, dada su importancia obliga su uso según los principios del diseño en su defecto puede resultar luego de una exhaustiva investigación. La iluminación produce cambios significativos en la saturación del color haciéndolos lucir ricos y brillantes con los grupos básicos de iluminación, amarillo, azul, rojo; opacos o minimizados si las propuestas de color poseen saturaciones llevadas al negro, por ejemplo: verde oliva, Burdeos, sepias, marrón en fin, la experiencia y el aprendizaje ampliarán el conocimiento en esta área tan extensa. ABSTRACTO Y CONCRETO: técnicamente ambos términos impiden su fusión en la realidad pero el libre estilo de la danza emergente ha hecho suya la presencia de elementos de respeto para cualificar justificando la individualidad de caracteres y personajes de fantasía que primitivamente formaban parte de las expresiones de nuestros antepasados aunado a la creencia en lo sobrenatural, la abstracción da vida a pájaros, leyendas, mitos, ánimas, al sol, la luna, las estrellas o la llanura, haciendo más creíble la participación en la realidad del resto de los componentes o personajes he aquí lo concreto, esta fusión crea un equilibrio donde el humano, su sentir, su faena se mezcla con lo

profano y lo divino de su adoración y creencias. EL MAQUILLAJE DE ESCENA: tema de gran relevancia ya que la presencia no se completa si el rostro luce plano, sin expresión ni color, este tópico en su contexto es demasiado amplio, posee muchas expresiones técnicas a partir del visagismo, propone caracteres que solo el estudio elemental o profesional dentro de un laboratorio para lograr la interpretación dentro de la creación artística. CONSIDERACIONES: al finalizar este trabajo, considero que la gran experiencia que se obtiene dentro de este complejo y gran mundo de la danza, eleva la mente creadora de todo aquél que quiere manifestarse a través de este logro, manteniendo sus principios e ideas claras sobre el norte que posee nuestra cultura. Años de estudio, días de fogueo en las salas de ensayo de todas aquéllas agrupaciones que dieron cabida a un creador, la oportunidad ofrecida por el FESTIVAL NACIONAL DE DANZAS JUANA LA AVANZADORA, mi labor y crecimiento personal así como profesional en la COMPAÑÍA DE DANZAS SCORPIO, me han hecho reflexionar:" Ya que en la actualidad, la comercialización de la industria del espectáculo, ha distorsionado el verdadero concepto de nuestro folklore y su atuendo, irrespetando muchas veces por desconocimiento la esencia en la tradición popular así como su vestuario mostrando elementos que no forman parte de nuestra idiosincrasia. Latinoamérica se ha convertido en la panacea mundial de la ejecución de la danza y su importancia está en que no permitamos que nuestra esencia se pierda en conceptos erróneos ". Escrito en Maturín, a los 18 días del mes de Septiembre de 2001 con motivo de las VJornadas de Reflexión sobre la Danza en el marco del XII FESTIVAL NACIONAL DE DANZAS JUANA LA AVANZADORA.