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• Jose Miguel Torrecilla Perez

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UNIVERSIDAD PERUANA DEL ARTE

ASIGNATURA:

COLOR II

PROFESORA: Lic. Maribel Huamani López

TITULO:

Ensayo sobre “De lo espiritual en el arte” de Wassily Kandinsky

ALUMNA:

MILENA VICTORIA TORRECILLA GOMEZ Email: [email protected] Cel.: 986 854 220

FACULTAD:

Dirección de Artes Gráficas y Publicitarias

FECHA:

Lima, 04 de Julio del 2,018.

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INDICE

Resumen

Introducción

Capítulo I : El movimiento. Capitulo II : El cambio del rumbo espiritual Capitulo III : La pirámide. Capitulo IV : Los efectos del color. Capítulo V : El lenguaje de las formas y los colores. Capítulo VI : Teoría. Capitulo VII : La obra de arte y el artista.

Conclusiones. Bibliografia

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RESUMEN

Wassily Kandinsky, fue un pintor, pionero del arte abstracto, profesor y escritor e investigador, nacido en Rusia el año 1,866. En su libro “De lo espiritual en el arte” lo escribió en 1,940, Kandinsky nos dice que el arte es un lenguaje universal, por ser expresión del espíritu humano. Kandinsky reconoce que el arte pertenece a un tiempo o época y se expresa en el lenguaje propio de la época del artista. Por lo que un pintor moderno no puede expresar el espíritu de su tiempo con los recursos de otra época pasada, el artista moderno expresa su mundo interior, sus emociones y sentimientos. Kandinsky nos dice que el arte produce cambios en el rumbo espiritual de la humanidad, esta vida espiritual se puede representar como un triángulo, que siempre está en movimiento, este triángulo expresa el desarrollo espiritual de la sociedad. Cuando habla de los efectos del color, nos hace notar que los colores nos generan efectos físicos y psicológicos, por lo que se puede decir que el color tiene una fuerza poderosa que puede influir en el cuerpo y en el alma del ser humano. Kandinsky da gran importancia a la forma y al color y que estos se relacionan con los sonidos de distintos instrumentos musicales, nos dice que la evolución de la pintura depende de las formas y los colores y de cómo estas se vayan a combinar. Kandinsky aconseja que el pintor debe cultivar su espíritu, pues sus obras contribuyen al desarrollo y sensibilización del alma humana, por ello el artista tiene una gran responsabilidad pues tiene la capacidad para poner en movimiento el espíritu humano. El libro es útil para los que estamos aprendiendo los principios y técnicas que rigen el arte de nuestra época.

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INTRODUCCION

Vasilli Kandinsky fue un pintor y promotor del arte abstracto, que otorgaba mucha importancia al color y a la forma, pretendiendo lograr un lenguaje que expresara lo espiritual y sentimental del artista. Para Kandinsky, toda obra artistica es hija de su tiempo y generadora de sentimientos en el espectador, de tal manera que cada etapa de la cultura produce un arte específico que no puede ser repetido o imitado.. Kandinsky afirma que el sentir y vivir interiormente como un artista de otra epoca cultural es imposible y las obras artisticas de este intento solo seran imitaciones en las formas exteriores, pero el sentir interior, lo espiritual de esa epoca no podra expresarse en estas nuevas obras. Kandinsky nos dice que la forma y el contenido son inseparables, que el color y la forma son el lenguaje del artista, pero que si la obra no expresa sentimientos o no produce emociones en el espectador, esta obra estara vacia y no perdura en el tiempo. En cuanto a los colores, Kandinsky sostiene que los colores son clasificados por intensidades, pero que el verdadero artista los puede clasificar por las sensaciones que produce, por ejemplo en colores frios o calientes. Tambien propone una clasificacion relacionada con la musica, que es un arte intangible, que no se puede palpar. Kandinsky piensa que las formas y colores, se pueden combinar como las notas musicales y como la musica, las formas y colores pueden producir emociones y sentimientos en el espectador. Lo que expresa Kandinsky en su libro es la forma de entender el arte abstracto, el que transmite emociones y sentimientos a traves de diversas figuras que no intentan imitar tal como son los objetos del mundo exterior o los de la naturaleza.. El libro de Kandisky nos da pautas para entender el arte en general y su arte el arte abstracto. Me parece que este libro nos da conceptos e ideas que debemos tener en cuenta cuando realizemos nuestro trabajo, nuestras obras, las que deben contener elemenoa que despertar emociones en el espectador.

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CAPÍTULO I : EL MOVIMIENTO

La Vida Espiritual en el Arte se puede representarse como un triángulo agudo, donde la parte menor y más aguda apunta hacia arriba y a medida que se desciende cada parte se ensancha y se agranda. Este triangulo siempre esta en movimiento, hacia adelante y hacia arriba, donde hoy lo que se comprende en el vertice superior, es un disparate para los vertices de abajo y mañana ese disparate tendra sentido y razon, cuando esa parte del triangulo este en la parte superior. El Artista esta en la cima de este triángulo observando y contemplando mientras se le acusa de loco o charlatan, pero el artista tiene un nivel que va más allá de entendimiento del hombre común, que sin embargo puede alcanzar al artista si busca el conocimiento y desarrolla su espiritu Los períodos en que el arte no posee un representante de altura, son épocas de decadencia en la vida espiritual, en tales períodos los hombres sobrevaloran el triunfo exterior, los bienes materiales y celebran los avances tecnológicos, mientras que las fuerzas espirituales son desatendidas o ignoradas y los visionarios son percibidos como anormales. El arte, que en épocas de decadencia sobrevive humillado, permite que el artista sobresalga por una mínima diferencia, sólo apreciable en determinados círculos de expertos y mecenas. A pesar de todo este caos y carencias, el triángulo espiritual se mueve en realidad, muy lentamente pero con certeza y fuerza inagotable, hacia delante y hacia arriba.

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CAPITULO II: CAMBIO DE UN RUMBO ESPIRITUAL

El triangulo espiritual se mueve lentamente hacia adelante y hacia arriba. En las secciones superiores estan los visionarios, los de espiritu elevado, en las seciones de abajo, estan los desconfiados, los temerosos a los cambios. Tambien podemos observar , que el arte es influenciado e influye en la religión y la política, notamos que hay sujetos que buscan un líder que los guíen para que los saquen de sus niveles inferiores de pensamiento colectivo, sin embargo siempre observan de lejos, mientras la mentalidad visionaria es la que desplaza el triángulo de arriba y hacia adelante, guiándolos e iniciando el cambio de rumbo espiritual. Las primeras zonas y las más sensibles que detectan realmente el viraje en el rumbo espiritual son la literatura, la música y la pintura, estas se distancian del contenido de la vida presente, para volcarse a los asuntos más elevados. Las artes en general, se complementan y han ayudado a evolucionar a la humanidad. Un ejemplo de ello lo constituye, en el campo literario, Maeterlinck, quien nos presenta un universo fantástico, incluso sobrenatural. En el campo musical, R. Wagner realizó algo similar, quien conforma una atmósfera espiritual, manifestada a través de la música que emite su espíritu. Entre los pintores, Henri Matisse, quien crea imágenes en las que intenta representar lo divino, para ello le basta un objeto (persona o cosa) como punto de partida y los instrumentos principales del arte pictórico: la forma y el color, El cambio del rumbo espiritual se dará cuando el arte evolucione en forma positiva, generando obras de gran contenido espiritual.

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CAPITULO III : LA PIRÁMIDE

Las artes van encontrando lentamente su espacios y sus medios de expresion, los artistas analizan sus obras y miden en su balanza espiritual el valor interno de los instrumentos que utilizara para crear. Esto los guiará a que comparen lo propio con lo específico de otras artes. Un ejemplo es lo que pasa con la música que es un arte abstracto, la pintura actual analiza y busca en la música modos expresivos similares, la pintura actual busca el ritmo y valora en ella la repetición y dinamización del color. Como el artista tiene como fin manifestar su vida interior, utiliza sus materiales propios para crear una obra única, en este caso el pintor toma de la músico, el modo como trabaja sus propios materiales para luego trabajar los suyos de la misma manera, pero expresando su propio mundo interior. La música por ser un arte abstracto, no necesita de las formas para expresarse y puede producir obras que no puede lograr la pintura. La pintura en cambio necesita de las formas que existen en la naturaleza, pero esta puede exponer todo el contenido de la obra en un segundo, cosa que para la música es imposible, pues la música necesita tiempo para mostrar su creación. Al analizar sus propios medios, cada arte fija las fronteras que lo distinguen del otro, pero cada uno usa sus materiales de manera exclusiva para lograr sus obras. Si se logra la unión de estas fuerzas internas se podrá lograr crear un arte único y grandioso, que luego será un aporte valioso a la pirámide espiritual que ayuda a la evolución de la sociedad.

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CAPITULO IV : LOS EFECTOS DEL COLOR Si observamos una Paleta de Colores podemos notar que se producen dos efectos, uno fisico y otro psicologico. El efecto fisico,producido por el asombro por la belleza y los atributos del color, esta sensacion es de corto alcance, pues se desvanece cuando dejamos de mirar los colores. Los colores tiene el atributo de producir vivencias y emociones profundas en el espectador que tiene un alto desarrollo sensitivo o mayor espiritualidad, por ejemplo los colores claros y calidos atraen la vista con fuerza e intensidad, el color rojo incita y estimula, el amarillo limon lastima la mirada como un tono alto de trompeta, el verde o azul generan calma. El efecto psicologico, generado por la energía psicológica del color produce un movimiento en el ánimo, por lo que el color puede llegar a influir en el espíritu. Por ejemplo, el color rojo puede producir una conmoción del ánimo semejante a la producida por el fuego y el color rojo profundo puede llegar a ser doloroso por su semejanza con la sangre, como resultado de la asociación. También se dan casos en que se puede sentir el sabor del color, esto se puede dar en seres más sensitivos, el color provoca vibraciones en los conductos que unen sus órganos sensoriales. Por ejemplo, el azul ultramarino, el verde oxido, se ven lisos y aterciopelados e incitan a la caricia, también hay colores que se muestran blandos (barniz de granza) y otros se muestran duros (verde cobalto). También se podría decir que hay colores que pueden generar sensaciones acústicas, por lo que podríamos concluir que el color tiene una fuerza poderosa que puede influir sobre el cuerpo y sobre la mente. Haciendo una similitud con la música, el color es un instrumento que puede influir directamente sobre el alma, el color es la tecla, el ojo el que transporta la sensación y el alma es el piano con sus cuerdas. El artista es la mano que produce vibraciones adecuadas en el alma humana, mediante una y otra tecla, por lo que la armonía de los colores debe estar fundada en un principio de contacto con el alma humana, esto es, lo que llamamos principio de necesidad interior 8

CAPITULO V: EL LENGUAJE DE LAS FORMAS Y LOS COLORES Kandinsky nos habla de cómo se conectan los distintos tipos de arte, en este caso la música con la pintura, también de cómo los colores y las formas se relacionan con el sonido de distintos instrumentos musicales. Las formas, incluso las completamente abstractas, que pueden reducirse a una forma geométrica, poseen dentro de sí, un sonido interno que causa efectos en el espíritu humano. En virtud de este estado y con sus medios específicos, la pintura evolucionará hacia el arte abstracto y logrará una composición pictórica pura. Los instrumentos de los cuales dispone para ello son el color y la forma, la cantidad de colores y formas es infinita, así como sus combinaciones y sus efectos. La evolución en la pintura depende puramente de las formas y los colores, según como las utilice el artista, producirá sensaciones y emociones en el espíritu humano. Las pinturas abstractas, dependen significativamente de las figuras geométricas, por medio de este estilo se pueden emitir una serie de sentimientos que son transmitidos desde el inconsciente, El principio de la necesidad interior, el cual tiene su origen y está determinada por tres necesidades místicas; la del artista como creador que expresa lo que siente, la del artista como parte de su época y la del artista como reproductor del arte en general. Kandinsky habla sobre los colores, sobre sus características generales que son el frio y el calor, y sobre la claridad y la oscuridad, las combinaciones de estos nos llevan a las diferentes tonalidades, dde esta manera, cada color tiene cuatro tonos clave: caliente claro, caliente oscuro, frío claro y frío oscuro. Kandinsky en su teoría del color, establece una asociación entre los colores y las formas geométricas y organizo los colores por duplas que componen cuatro “antinomias” (elementos de contraste), estas son; la primera antinomia (amarillo – azul, fuerza – calma), la segunda antinomia (blanco – negro, nacimiento - muerte), la tercera (rojo – verde, pasión – tranquilidad) y la cuarta (naranja – violeta, salud – enfermedad). La evolución en la pintura depende puramente de las formas y los colores, de cómo se vayan a utilizar y combinar, el espíritu humano va reaccionar según como el artista utilice las formas y los colores en sus obras. 9

CAPÍTULO VI : TEORÍA.

La creación sobre una base espiritual demanda un trabajo prolongado, para ello es preciso que el pintor cultive su alma y no sólo su sentido visual, para que ella misma pueda clasificar el color y no sea un mero receptor de impresiones externas, sino una fuerza determinante en la creación de las obras. Ei artista puede caracterizar un dibujo o una obra, como alegre, triste, seria, vivaz, etc.; estos mismos atributos son utilizados generalmente por los músicos para interpretar una pieza (allegro, serios, grave, vivace, etc.). El artista tiene libertad para avanzar hasta donde le alcance su intuición, por lo que es importante la preservación y el desarrollo de esa intuición. En general, el ser humano no se ve atraído por las grandes profundidades y prefiere permanecer en la superficie porque eso implica un esfuerzo menor. Como en la danza, que evolucionó a través de los siglos y dio por resultado el lenguaje del ballet que es capaz de expresar sentimientos materiales (amor, temor y otros); en la pintura impera la necesidad de crear las expresiones nuevas, que nos permitan desarrollar una mejor espiritualidad. La danza futura ubicada en el nivel de la música y la pintura contemporáneas, podrá realizar la composición escénica, que constituirá la primera obra de arte monumental, esta composición escénica poseerá, tres elementos: el movimiento musical, el movimiento pictórico y la danza. El arte está en un nivel superior al de la naturaleza, lo que importa es saber dónde encontrar esos principios y hasta dónde se puede llegar con su ayuda en el futuro.

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CAPÍTULO VII: LA OBRA DE ARTE Y EL ARTISTA

El artista crea una obra a traves de una vida mistica, esta obra separada de el, toma vida propia e independiente, es decir adquiere una vida material real. Un cuadro es bueno por que posee una vida interior completa, a un buen dibujo no se le puede modificar nada sin alterar su vida interior. El artista no solamente puede sino que debe usar las formas del modo que le sea preciso para sus objetivos, sólo necesita una libertad sin barreras para elegir sus medios. El artista debe de tener algo que decir porque su deber no es dominar la forma sino adecuarla a un contenido. La pintura es un arte, y el arte en su conjunto es una fuerza que contribuye al desarrollo y la sensibilización del alma humana, la cual se puede graficar en el movimiento del triángulo espiritual, el arte es el código que se comunica con el alma de las cosas, si el arte no cumpliera esta obligación, dejaría un vacío, pues no existe ningún poder que pueda tomar su lugar Según Kandinsky, el artista, comparado con quien no lo es, tiene tres responsabilidades; debe retribuir el talento que le fue dado, debe constituir la atmósfera espiritual y que sus actos, sentimientos e ideas que son el material de sus creaciones, deben contribuir a esa atmósfera espiritual, por ello el artista, posee un gran poder pero también una gran responsabilidad. Si consideramos al artista como el sacerdote de la belleza, el artista debe perseguir la belleza, de acuerdo con el principio de su valor interior, sólo puede medirse la belleza con la vara de la grandeza y la necesidad interior. Bello es lo que emerge de la necesidad anímica interior, bello será lo que sea interiormente bello, esta característica del alma es lo que hace posible el movimiento ascendente y progresivo del triángulo espiritual; un movimiento lento, pero que es constante y sin interrupciones.

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EPILOGO

Para Kandinsky las tendencias constructivas en la pintura, relacionándolas con la música, se pueden clasificar en dos grupos principales: 1º La composición simple, subordinada a una forma simple dominante, considerada como una composición de melódica; 2º La composición compleja, integrada por varias formas subordinadas a una forma principal, muy difícil hallar, la cual genera una gran fuerza sonora, a esta composición la llamamos compleja o sinfónica. La una a la otra pueden complementarse para crear algo de una belleza sublime y de estética excepcional. El Artista dispone de todas las artes para crear algo que eleve el espíritu de aquellos que su mentalidad pobre no les hacer ver más allá de lo que tiene en frente, lo que hace al artista un ser superior y un líder. Así como en la música cada construcción posee su propio ritmo, y así como en la naturaleza la ordenación de las cosas también presupone un ritmo, la pintura también posee un ritmo, Lo que ocurre es que a veces es que no comprendemos el ritmo, por eso calificamos de arrítmico el orden no comprendido. Según Kandinsky, nos acercamos a la época de la composición consciente y racional; pronto el pintor podrá declarar composicionales sus obras y que ya estamos en el tiempo de la creación útil, que está en relación directa con un nuevo reino espiritual

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CONCLUSIÓNES

Con este ensayo, se ha tratado de entender las teorías que propone Wassily Kandinsky, teorías de un pintor representante de la pintura abstracta. El autor nos manifiesta que el arte está en permanente evolución o movimiento y que es el artista, al utilizar y combinar las formas y los colores puede transmitir sus emociones y sentimientos de tal forma que puede influir en el espíritu de la sociedad. Podemos decir que las obras artísticas adquieren valor cuando es creada bajo la influencia de pensamientos y sentimientos positivos. También nos deja claro que cada obra es expresión de una época, de un tiempo, del espíritu del artista y que por lo tanto, esa obra es única e irrepetible. Podemos decir que el arte está en continuo movimiento y que su evolución dependerá de cómo el artista combina las formas y los colores. El libro de Kandinsky nos presenta conceptos que nos ayudaran a entender el arte en general, así como nos da ideas que deberíamos tener en cuenta cuando elaboremos nuestros trabajos como profesionales del Diseño Gráfico.

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BIBLIOGRAFIA Wassily Kandisky (1979) , “De lo espiritual en el arte”, Premia editora de libros S.A., Mexico.

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