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EL VIOLIN Si el violín no se hubiera inventado, no existirían las orquestas. De hecho, casi la mitad de los integrantes de una orquesta son violinistas. Esto da una idea de la importancia de este instrumento para la historia de la música occidental. ¿CÓMO ES UN VIOLÍN? El violín es un instrumento de cuerda frotada, lo que significa que el sonido se produce cuando el intérprete roza las cuerdas con el arco y las hace vibrar. El arco es una vara de madera alargada tapizada por crines de caballo, con las que se frotan las cuerdas. El violín es el hermano más pequeño (y con un sonido más agudo) de una familia compuesta por el violín, la viola, el violonchelo y el contrabajo. Todos ellos son los instrumentos de cuerda principales de una orquesta. Al igual que sus hermanos, el violín tiene cuatro cuerdas. Antiguamente estas cuerdas se hacían con tripas de animal. Hoy es más común encontrarlas de aluminio, acero e incluso plata. Las dos partes principales del violín son el diapasón y la caja de resonancia, que es una caja hueca y curvada que se encarga de la correcta transmisión del sonido. El diapasón es alargado, y las cuerdas lo recorren de un extremo al otro. Al final del mismo se encuentran las clavijas, en donde van atadas las cuerdas, y que sirven, además, para afinar el instrumento. ¿CÓMO SE TOCA EL VIOLÍN? El violín se debe sujetar con una mano, y apoyar su base sobre el hombro con las cuerdas hacia arriba. Entonces se sitúan los dedos

de la mano por encima de lo que hemos llamado diapasón, de forma que se puedan pisar las cuerdas con los dedos. Con la mano que se tiene libre, se toma el arco para frotar las cuerdas. Según qué cuerdas pulsemos con la mano y cuáles rocemos con el arco, se producen unos sonidos u otros. También se pueden tocar las cuerdas, en lugar de con el arco, pellizcándolas directamente con los dedos. A esto se le llama pizzicato.

BREVE HISTORIA DEL VIOLÍN Los primeros violines nacieron en Italia en el siglo XVI. Como casi todos los instrumentos, tuvo algunos antepasados, a partir de los cuales fue transformándose en el que conocemos hoy día. Estos antepasados se llamaban fídula y lira de braccio, que también se tocaban con un arco frotando las cuerdas. A finales del siglo XVII y durante todo el XVIII, el arte de construir violines, violas, violonchelos o contrabajos tuvo mucha importancia en Europa, pero sobre todo en Italia, donde aparecieron importantes luthiers, que es como se llaman los constructores de instrumentos de cuerda frotada. El más importante de ellos fue Antonio Stradivarius (1644-1737), que elaboró algunos de los mejores instrumentos que existen, y que hoy día cuestan muchísimo dinero, ya que los violines, conforme pasa el tiempo, mejoran la calidad de su sonido. Durante los siglos XVII y XVIII el violín se convirtió en uno de los instrumentos más importantes, y Antonio Vivaldi y J. S. Bach compusieron importantes obras para él. Comenzó a tener un papel primordial en las orquestas, y se empezó a componer un tipo de obra musical llamada cuarteto de cuerdas, para las que se necesitan dos violines, una viola y un violonchelo. Joseph Haydn,

Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven y otros grandes compositores escribieron muchos de estos cuartetos. De ahí en adelante, todos los grandes compositores de los siglos XIX y XX dedicaron importantes obras al violín; entre ellos, Franz Schubert, Felix Mendelssohn, Johannes Brahms, Béla Bartók, Ígor Stravinski o Serguéi Prokófiev. Antonio Stradivarius (1644-1737), violero italiano nacido en Cremona. Heredó las tradiciones cremonenses de construcción de instrumentos de cuerda frotada de su maestro Niccolò Amati (1596-1684), y llevó su oficio a la perfección. Realizó varios cambios en las proporciones de los instrumentos, en especial del violín. El secreto de su incomparable maestría sigue siendo difícil de explicar. Algunos creen que reside en el barniz que utilizaba pero esto es objeto de controversias. Sus mejores instrumentos fueron construidos entre 1700 y 1725. Hoy se conservan numerosos ejemplares de sus violines, pero son más escasos los violonchelos y las violas. Los violines son, por encima de los de cualquier otro constructor, los instrumentos más buscados por los intérpretes, con la única excepción de los de su contemporáneo Giuseppe Antonio Guarneri, conocido como del Gesù (1698-1744).Stradivari, que todavía trabajaba con más de noventa años, tuvo once hijos, dos de los cuales, Francesco y Omobono, trabajaron con él y continuaron fabricando instrumentos.

¿Cómo nace, históricamente, la viola como instrumento? En sus orígenes fue muy grande. Antes de nacer los instrumentos de arco y cuerda tal como los conocemos ahora en las orquestas sinfónicas y de cámara, existía otra familia de instrumentos de arco y cuerda cuya forma recuerda al contrabajo, pero con los hombros más caídos. Tenían más cuerdas que ahora, y se colocaban bien apoyados en las piernas o bien en el suelo, siempre en posición vertical. Un poquito más tarde vinieron instrumentos de tamaño más pequeño que ya se podían apoyar en el pecho, aunque todavía no en el hombro. Las primeras se denominaron violas da gamba, y las segundas violas da braccio. Ante la necesidad de un sonido más brillante y potente, fue diseñándose la actual, que vino antes que el violín, que etimológicamente significa viola pequeña. Y la viola tal como la conocemos ahora ¿Cuándo nació? En la época de Bach. Fue una transformación lenta durante un largo período. ¿Cuál es el papel de la viola dentro de la sección de cuerda de la orquesta y dentro de la orquesta en general? ¿Qué es lo que aporta este instrumento?

La viola es un instrumento de afinación intermedia. No es tan agudo como el violín ni tan grave como los violonchelos y contrabajos. Tiene la función de voces medianas, y solemos tocar con los violines y con los chelos. Algunas veces también tocamos solos, aunque no sean muchas. El principal inconveniente es que todavía existe una lucha entre los distintos tamaños de viola. Una lucha ideológica, se entiende. En una misma orquesta pueden convivir una viola muy pequeña junto a una muy grande. Eso se debe a las necesidades de los compositores del clasicismo, más preocupados por la melodía que por el timbre del instrumento. Los músicos en ese tiempo querían utilizar instrumentos pequeños, casi como un violín, pero afinados como una viola. No quiero decir con esto que suponga un factor negativo, pues hay violas pequeñas que suenan muy bien, aunque sean diferentes de las de tamaño estándar. Y esos diferentes tamaños de violas dentro de una misma sección ¿no produce confusión? A veces sí, depende. Pero si el instrumento es de buena calidad, puede convivir en un espectro muy amplio. ¿A qué cree que se debe el hecho de que antes se componía siempre para el violín y para el violonchelo, y casi nadie lo hacía sólo para las violas? Las razones son históricas, pero no tienen nada que ver con el instrumento en sí. Los principios musicales nada tenían que ver con los del romanticismo hasta ahora. Durante el barroco, con el uso de la polifonía, cada voz tenía su peso, su línea: fuga, nofuga, fugueta, y todos eran importantes. Con la llegada del preclasicismo, los instrumentos centrales perdieron importancia, con lo que escasearon los violistas profesionales. A partir de ese

momento, a los compositores les resultó complicado escribir cosas para la viola. Pero a lo largo de la historia podemos encontrar cosas muy grandes. Entre ellas, los cuartetos de Mozart, los de Haydn, la misma Sinfonía Concertante para Violín y Viola de Mozart. El agujero posterior duró hasta finales del XIX, compositores como Wagner y Richard Strauss escribieron algunas cosas muy importantes para viola. Para viola dentro de la orquesta. Pero el repertorio para viola solista es escaso... No, el repertorio existe. Tenemos obras muy grandes, claro que se conoce más los chistes sobre las violas... ¿No le molesta esas bromas? ¡No, que va! A mí me encantan... ¿Sabe cuál es el chiste más largo sobre violas?... Harold en Italia de Hector Berlioz. Dura 45 minutos. ¿Por qué razón técnica se colocan a la derecha, al lado de los chelos? ¿Cómo contrapeso entre las familias? Existen varias formas de disposición de las cuerdas en una orquesta. La vienesa, por ejemplo, coloca las violas justo en el sitio donde en nuestra orquesta están los chelos. También está la que coloca a los primeros violines a la izquierda, los segundos a la derecha, y los chelos y violas en el centro. A mí, personalmente, me gusta cuando las violas se encuentran en el centro. ¿Un buen violista sería un buen violinista y al revés?¿O son dos instrumentos que pese a ser de la misma familia son muy diferentes?

No son muy diferentes, la escuela es la misma. Tenemos un claro ejemplo en un señor que se llama Pinchas Zukerman, un perfecto violinista que es, incluso, mejor violista. Pero claro, para lograr esto se necesita tener un talento especial. Existen otros famosos precedentes, como Mozart, que tocaba instrumentos de viento, el violín y la viola. O Johann Sebastian Bach, que tocaba la viola, el violín, el órgano y el violonchelo. Pero hay grandes violinistas, que aunque no lo hagan públicamente, por ejemplo Itzhak Perlman, tocan también la viola... Por supuesto. Yo también puedo coger violín ahora y tocar algo. No tengo porque ser un gran violinista pero poder, puedo. Yo empecé mi carrera como violinista y estuve ocho años estudiando el violín. Luego me pasé a la viola. ¿Por necesidad o por gusto? Por gusto, pero esto hay que explicarlo. En España existe otro sistema, pero en Rusia todos los niños empiezan por el violín porque no existe una viola pequeña que suena más o menos normal. Además, para este instrumento existe mucho repertorio clásico para niños. Creo que se aprende mejor con el violín, porque la base es la misma. Luego puedes elegir el camino que quieres seguir.

Aunque la palabra ‘barroco’ se utilizó, en un principio, como término peyorativo, este periodo artístico y musical acabó siendo uno de los más revolucionarios de la historia en Europa. Se desarrolló, aproximadamente, entre 1600 y 1750. En este tiempo trabajó y vivió Johann Sebastian Bach, y, además, nació la ópera. LA ÓPERA Y OTRAS FORMAS MUSICALES NUEVAS

El arte barroco se caracterizó por ser muy recargado y, a veces, exagerado; pero con la música ocurrió, en un comienzo, todo lo contrario. Y es que, a finales del siglo XVI, surgió en Italia una nueva tendencia a simplificar las piezas musicales, buscando los sonidos de la antigua Grecia. Esto dio lugar a melodías individuales muy adornadas y acompañadas de diversos instrumentos. De esta forma, se quería huir de la polifonía (dos o más partes o voces sonando de forma simultánea) que había caracterizado el final del renacimiento. Todo esto coincidió con el nacimiento de la ópera, que, precisamente, se compone de melodías cantadas y acompañadas instrumentalmente. Otros géneros musicales que nacieron durante esta época, y que también incluían la voz y el acompañamiento instrumental, fueron la cantata y el oratorio. Durante todo el barroco, es decir, hasta mediados del siglo XVIII, la música instrumental evolucionó mucho, y se crearon nuevas formas musicales que dieron más libertad a los compositores. Fue una época en la que la improvisación de los intérpretes, demostrando su virtuosismo en el órgano o el clave, daba mucho prestigio. Así nacieron tipos de piezas musicales basadas en esta libertad, como el preludio, la fantasía o la toccata. También aparecieron las suites, que eran conjuntos de danzas de la época, como el minueto o la giga, agrupados en una sola obra. Estas danzas se bailaban en las cortes palaciegas de aquel momento. EL CONCIERTO A partir de la segunda mitad del siglo XVII, las orquestas crecieron considerablemente, y se compusieron nuevos tipos de obras, como los conciertos para instrumentos solistas, en los que estos, ya fueran un clave, un violín o algún otro, tenían un diálogo constante con el resto de la orquesta. Esta nueva forma de hacer música, llamada ‘estilo concertante’, estaba basada en un juego de preguntas y respuestas musicales. A partir del barroco, este estilo será uno de los más utilizados por los compositores de todos los siglos. El desarrollo de la tonalidad también fue esencial. La tonalidad es la forma en la que se relacionan los sonidos de una misma pieza musical entre sí, lo que, a su vez, le da a la obra un determinado carácter. Se trata de una serie de reglas que comenzaron a desarrollarse en el barroco; gracias a ellas, la música evolucionó en este período histórico como nunca lo había hecho antes. LOS GRANDES COMPOSITORES Una característica de esta época es que los compositores siempre trabajaban para una corte de aristócratas: dependían de que la nobleza les contratara para poder ganarse la vida componiendo música. Y lo mismo sucedía con los intérpretes, que se acercaban, igualmente, a las cortes y a los palacios en busca de trabajo.

Algunos grandes compositores barrocos fueron los italianos Domenico Scarlatti y Antonio Vivaldi, el inglés Henry Purcell, el francés Jean Philippe Rameau y el alemán Georg Friedrich Händel. A finales del periodo, hubo un grupo de compositores que quisieron escribir su música de una forma más espontánea que la que se estaba haciendo en la última etapa, muy rígida e intelectual. De esta forma, el francés François Couperin compuso multitud de pequeñas piezas musicales que imitaban a los pájaros y otros elementos cotidianos. A este estilo francés se le llamó rococó, y era música muy adornada. El clavicémbalo fue el instrumento para el que se compuso más música de este tipo. No obstante, la máxima figura de la música barroca fue el gran compositor y organista alemán Johann Sebastian Bach. Solemos llamar clasicismo al lenguaje musical que desarrollaron, a finales del siglo XVIII, tres compositores fundamentales: Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart y Ludwig van Beethoven.

El clasicismo se caracterizó por un equilibrio entre la forma y el contenido de la música. Las ideas de la Ilustración, con su confianza en la razón humana, llevaron a los artistas a tener en cuenta al público general, en lugar de solo pensar en un grupo selecto de expertos. Cualquier persona podía entender y disfrutar la música, por lo que aspiraban a llegar a nuevos grupos de personas que antes no escuchaban sus obras. El término clásico se aplicó a la música de Haydn y Mozart incluso antes de que acabara el siglo XVIII. Poco después de la muerte de Mozart, en 1791, su primer biógrafo observó que sus obras podían escucharse una y otra vez sin que llegaran a cansar: se acercaban a la perfección. Se reconocía ya que las obras del genio austriaco serían objeto de un estudio continuado, al igual que las obras maestras del arte clásico griego y romano.

VIENA, CENTRO MUSICAL EUROPEO Si bien los compositores de la época querían llegar al mayor público posible, superando las fronteras entre países, los músicos más importantes del momento estuvieron asociados a la ciudad de Viena. Haydn nació en un pueblo cercano, y tanto Mozart como Beethoven murieron en la capital austriaca. Además de ellos, todos los grandes músicos italianos,

españoles o alemanes pasaron por Viena para estudiar y empaparse del ambiente musical de la ciudad. A pesar de ello, persistieron algunas diferencias musicales entre los diversos países europeos. En Alemania evolucionaron mucho algunos de los géneros musicales más importantes, como la sinfonía, el concierto o la sonata. En Italia se le dio más importancia a la ópera, y en especial, a la obertura, que es el fragmento orquestal que sirve de introducción. Algunas oberturas se hicieron tan famosas que se tocaban en conciertos sin luego representar la ópera; estas piezas presentaban ya las características de las grandes sinfonías, que empezaron a tomar forma en esta época. NUEVAS FORMAS MUSICALES A medida que avanzaba el siglo XVIII, el estilo propio del clasicismo se iba haciendo cada vez más patente. La música de cámara, los conciertos de solistas con orquesta, las sonatas y las sinfonías evolucionaron decisivamente. La llamada ‘forma sonata’ revolucionó todo este tipo de composiciones; se trata de una forma muy concreta de organizar la música dentro de una misma pieza. Cada una de estas obras solía estar dividida en tres o cuatro partes o movimientos, dos rápidos y uno lento, o dos rápidos y dos lentos. A su vez, los instrumentos avanzaron mucho. Cada vez se usaba más el piano, para el que se compusieron numerosas obras, entre las que destacan sonatas y conciertos con orquesta. También se fueron empleando cada vez más los instrumentos de viento-metal en las orquestas, lo que le dio a la música mucha más sonoridad. LOS COMPOSITORES Ya hemos dicho que los tres grandes compositores del clasicismo musical fueron, por orden cronológico, Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart y Ludwig van Beethoven. Cada uno de ellos, con su propio estilo, revolucionó la música de su tiempo a través de sus ideas geniales y originales formas de escribir música. Del siglo XVIII español habría que destacar al compositor Antonio Soler, más próximo al estilo del clavecín barroco que al clasicismo. Un hecho fundamental es que, durante el clasicismo, los músicos, poco a poco, pudieron componer y ganarse la vida de forma independiente, sin tener que depender de ser contratados por una corte de aristócratas. Aunque Mozart ya lo había intentado sin conseguirlo, fue Beethoven el primer compositor que logró esta independencia, gracias al desarrollo imparable que ya tenían la imprenta y las editoriales musicales que vendían sus obras.

Cuando se habla de música romántica, uno puede pensar que se trata de música suave, dulce, incluso cursi. Pero sucede todo lo contrario. Después del respeto a la razón y al orden que caracterizó la Ilustración, se impuso en Europa una apasionada época de exaltación de los sentimientos y de la imaginación; ése es el romanticismo, movimiento artístico que ocupó buena parte del siglo XIX. NUEVAS FUENTES DE INSPIRACIÓN Tras el clasicismo, en el que la música había seguido un estricto orden y buscaba el equilibrio, el romanticismo quiso dar especial importancia a los sentimientos humanos, ya fueran de tristeza, de alegría o de dolor. A comienzos del siglo XIX, compositores como Franz Schubert comenzaron a liberar estas emociones, y aunque en un principio se siguieron utilizando las estructuras musicales clásicas, el espíritu de la música fue cambiando, y surgieron nuevas formas de componer. Se escribieron obras más cortas, pero con las que se pretendía llegar más directamente al corazón del oyente. Durante el siglo XIX comenzaron a aparecer también los grandes intérpretes virtuosos (que dominaban la técnica de un instrumento de una forma extraordinaria), y los compositores crearon a menudo obras muy difíciles de tocar con la intención de que estos se pudieran lucir. Grandes virtuosos del romanticismo fueron el violinista italiano Niccolò Paganini y el pianista y compositor húngaro Franz Liszt. Estos dos músicos revolucionaron la técnica de sus respectivos instrumentos e intentaron lograr lo imposible. Del primero se llegó a decir que tocaba tan bien porque tenía un pacto con el diablo... LAS CANCIONES (O LIEDER) Los compositores románticos se inspiraron mucho en la literatura y en la pintura para componer su música. Un ejemplo muy claro son las canciones o Lieder (Lied significa ‘canción’ en alemán), que solían estar inspiradas en poemas de grandes escritores románticos, como Johann Wolfgang von Goethe. Destacaron las canciones de Franz Schubert, Robert Schumann y Johannes Brahms, compositores que, además de Lieder, escribieron infinidad de obras maestras en forma de sinfonías, obras para piano o música de cámara.

EL AUGE DE LA ÓPERA La ópera también se convirtió en un género fundamental, ya que en ella se unían todas las características musicales del romanticismo: grandiosidad y complejidad instrumental, grandes historias, personajes de ensueño, una majestuosa puesta en escena... Destacados compositores románticos de ópera fueron Gioacchino Antonio Rossini, Georges Bizet, Giacomo Puccini, Giuseppe Verdi y Richard Wagner. Sus óperas siguen representándose en escenarios de todo el mundo. En esta época nacieron también nuevos tipos de obras instrumentales, como los nocturnos, las baladas o los impromptus. Los estudios, que ya desde el clasicismo eran pequeñas piezas destinadas a ejercitar la técnica instrumental, evolucionaron para convertirse en pequeñas obras de arte. Grandes compositores, como Frédéric Chopin y Franz Liszt, escribieron, entre otras muchas obras, bastantes estudios para piano, que se convirtió en el instrumento a través del cual los grandes compositores románticos podían expresar con mayor facilidad sus ideas musicales. Junto con los compositores ya mencionados, también destacaron Felix Mendelssohn, Piotr Ilich Chaikovski o Gustav Mahler. EL NACIONALISMO MUSICAL Durante el romanticismo, comenzaron a componerse piezas que reflejaban melodías y ritmos populares. Frédéric Chopin, por ejemplo, compuso mazurcas y polonesas, que son danzas típicas de Polonia, país donde nació. Asimismo, Franz Liszt escribió rapsodias húngaras, donde plasmó las melodías y los ritmos típicos de su tierra. A finales del siglo XIX, este gusto por el folclore dio origen al nacionalismo musical, que quería reafirmar los valores esenciales de cada nación a través de su música popular. El movimiento nacionalista surgió especialmente en cuatro países europeos: Rusia, Checoslovaquia, Noruega y España. Destacaron los rusos Mijaíl Glinka, Modest Músorgski y Nikolái Rimski-Kórsakov, los checos Antonín Dvorák y Bedrich Smetana, y el noruego Edvard Grieg. En España hay que mencionar a Isaac Albéniz y Enrique Granados, y más tarde, ya en el siglo XX, a Manuel de Falla y Joaquín Turina.

EL IMPRESIONISMO El último movimiento musical importante que surgió en ese siglo tan convulso y rico que fue el XIX se llamó impresionismo. En un comienzo, fue una tendencia pictórica que, en lugar de representar la realidad tal y como es, buscaba reflejar la sensación que los objetos nos transmiten. Esta corriente, típicamente francesa, la utilizaron compositores como Claude Debussy y Maurice Ravel para crear un nuevo lenguaje musical, en el que la música representaba directamente paisajes, personajes y escenas cotidianas. Fue uno de los primeros pasos para huir de la música tradicional que se había compuesto hasta entonces, y dio pie a todas las innovadoras ideas que se desarrollaron durante el siglo XX.

El siglo XX fue una continua búsqueda de nuevos movimientos artísticos y musicales. Se exploraron distintas formas de componer e interpretar música, y, en muchos casos, grandes compositores llegaron a emplear su propio sistema personal para escribir sus obras.

NUEVOS SISTEMAS DE COMPOSICIÓN El compositor húngaro Béla Bartók ideó un sistema compositivo muy personal, que se alejaba de la forma tradicional de escribir música. Utilizó muchísimos elementos folclóricos de su tierra, tanto ritmos como melodías, y comenzó a utilizar el piano como instrumento de percusión. Por su parte, el llamado dodecafonismo comenzó a emplear en sus obras las doce notas de las que se compone una escala cromática (frente a la tradicional escala diatónica), siguiendo una serie de normas bastante estrictas. Esto dio lugar a una música extraña, diferente, en la que ya no existían las melodías a las que se estaba acostumbrado hasta ese momento. Los compositores dodecafónicos más importantes fueron Arnold Schönberg, Alban Berg y Anton von Webern, que trabajaron en el primer tercio del siglo. Su influencia sobre la música posterior fue decisiva. La atonalidad fue otro método de composición, con el que se pretendió romper con todas las relaciones que habían existido hasta entonces entre los sonidos. Sus impulsores fueron también los tres compositores citados antes. Normalmente, si no se entiende cómo están hechas las obras atonales, estas piezas parecen no tener sentido. El neoclasicismo, que apareció a partir de 1920, quiso recuperar los métodos tradicionales de composición, mezclándolos con un idioma musical avanzado. Se trataba de unir el pasado y el presente. Grandes compositores de este movimiento fueron Ígor Stravinski, Paul Hindemith, Serguéi Prokófiev y Dmitri Shostakóvich.

LA APARICIÓN DE LA ELECTRÓNICA La música electrónica ha desempeñado un papel muy importante en la música clásica de los últimos tiempos, y algunos compositores han utilizado todo tipo de sonidos,

instrumentos eléctricos y ordenadores para sus creaciones. A finales de la década de 1960, numerosos estudios en todo el mundo contaban ya con equipos electrónicos para uso de los compositores e intérpretes. En ocasiones, durante los siglos XX y XXI, se han hecho experimentos musicales muy extraños, como grabar un helicóptero acompañado de instrumentos, o salir al escenario con una rueda de coche y dar vueltas con ella a un piano, mientras, de vez en cuando, se toca algo en él. Si ha habido una consigna fundamental en la música de los últimos cien años, esta ha sido ‘originalidad ante todo’.

GRANDES COMPOSITORES Otros grandes compositores de los siglos XX y XXI, independientemente del sistema que utilizan o utilizaron para hacer música, son Olivier Messiaen, Pierre Boulez, Karlheinz Stockhausen o John Cage. Algunos compositores españoles y latinoamericanos destacados son Rodolfo y Cristóbal Halffter, Frederic Mompou, Xavier Montsalvatge, Joaquín Rodrigo, Alberto Ginastera, Alberto Williams, Mauricio Kagel, Carlos Chávez o Julián Carrillo.

Como quizá ya sepas, utilizamos la palabra ‘renacimiento’ para referirnos a un periodo histórico, y sobre todo artístico, en el que los europeos intentaron recuperar la esencia, lo fundamental, de las civilizaciones clásicas griega y romana. Comenzó en Italia, en el siglo XIV, y se difundió por el resto de Europa durante los siglos XV y XVI. LAS NUEVAS TENDENCIAS MUSICALES

El renacimiento trajo consigo un espíritu de cambio y un nuevo interés por el humanismo (actitud que hacía hincapié en la dignidad y el valor de la persona). Todo ello se reflejó en la música, aunque esta fuera, de todas las artes, la que menos podía seguir los patrones clásicos: no se conservaban ejemplos de música griega o romana antigua que imitar, y la antigüedad clásica era, sobre todo, un ideal al que ellos solo podían aspirar. Durante la primera mitad del siglo XV, los compositores quisieron volver a escribir una música sencilla, dando menos importancia al contrapunto del Ars antiqua. El contrapunto era el arte de unir varias voces a la vez (polifonía), de forma que todas se puedan escuchar con claridad y tengan una lógica. Aunque esta vuelta a la sencillez musical se extendió por toda Europa, la impulsaron, sobre todo, compositores ingleses como John Dunstable y, más tarde, los músicos franceses que trabajaban para los duques de Borgoña. Estos últimos desarrollaron la composición de la música de la misa basándose en las partes en que se divide la ceremonia, algo que ya se había iniciado en la baja edad media. LOS MECENAS Siempre debemos recordar que la música religiosa fue la más importante durante todos estos siglos. A pesar de ello, la transformación de una sociedad feudal agrícola en una sociedad dominada progresivamente por reyes únicos, en ciudades donde cada vez era más importante el comercio, propició la aparición de mecenas (nobles y hombres ricos que encargaban obras artísticas o mantenían a los artistas). Al no ser ya la Iglesia la única que patrocinaba el arte, surgieron, poco a poco, nuevos estilos más acordes con el espíritu de la época. La imitación de pequeñas melodías o fragmentos de melodías en una misma pieza musical fue una de las formas más características de componer en esta época, algo que también heredaron los compositores barrocos. EL SIGLO XVI Entre 1450 y 1550, los protagonistas de la música europea fueron los nacidos en países como Bélgica y Holanda. Buscaban una música en la que no hubiese grandes diferencias entre las distintas voces de una misma pieza musical, algo que sí pretendieron los compositores de la primera parte del renacimiento. Asimismo, aunque volvieron a usar el contrapunto, procuraron que la estructura de las obras fuera sencilla. Un detalle muy importante, a partir del año 1500, fue el invento de la imprenta, que consiguió acercar la música a mucha más gente. Resultado de ello es el nacimiento de una industria musical muy extendida, con grandes imprentas en París, Venecia, Amberes y Londres, que crearon un mercado con numerosos clientes para sus productos. De esta última etapa del renacimiento, destacan el compositor franco-flamenco Orlando di Lasso, el italiano Giovanni Pierluigi da Palestrina, el inglés William Byrd y el español Tomás Luis de Victoria……

La ópera es una de las manifestaciones artísticas más completas que existen. Se trata de una escenificación musical, es decir, una obra de teatro en la que los actores cantan (en lugar de hablar) acompañados por una orquesta. ELEMENTOS PRINCIPALES DE UNA ÓPERA Son muchos los elementos y las personas que dan forma a una ópera: En primer lugar, tiene que haber un compositor, que crea la música, tanto la de la orquesta como las melodías que cantan los protagonistas. Por otro lado, es necesario un libreto, el texto en el que se basa la historia que se cuenta. El libreto no tiene por qué estar escrito por el propio compositor; es frecuente, de hecho, que su autor sea otra persona. En cuanto a los intérpretes, pueden dividirse en tres grupos: 

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Los cantantes protagonistas: representan los papeles principales, sobre los que gira la historia, como en una película o una obra de teatro. A las grandes cantantes femeninas se les suele llamar divas. Los cantantes acompañantes: tienen papeles secundarios, pero sin ellos no podría existir la historia que se quiere contar. A veces hay tantos cantantes en el escenario que pueden llegar a formar un coro. La orquesta: se encarga de acompañar la historia con la música de sus instrumentos. Suele ser una orquesta bastante grande, y se sitúa en un hueco que hay entre el público y el escenario, llamado foso.

El director de orquesta es el encargado de organizar la música orquestal en los ensayos y en las representaciones. También hay otros profesionales que trabajan en la organización de distintos aspectos de la representación, como la forma en que se deben mover los cantantes por el escenario, cómo representar los distintos ambientes en los que se desarrolla la historia (un castillo, un jardín, una playa, etc.) o decidir los trajes y vestidos que deben llevar los intérpretes. Como vemos, la ópera es uno de los espectáculos más complicados de representar en un teatro, dada la cantidad de gente que participa en ella. Los musicales o las zarzuelas son variantes artísticas que surgieron de la ópera.

ORÍGENES DE LA ÓPERA La ópera nació en Italia entre finales del siglo XVI y comienzos del XVII. La camerata fiorentina era el nombre del grupo de músicos que creó las primeras y más sencillas formas de hacer ópera. Se trataba de melodías monofónicas (con una sola voz), a las que llamaron recitativos. Estas melodías imitaban la forma natural de hablar, y estaban acompañadas por un clavicémbalo (el antecesor del piano) o algún instrumento similar. Pero el primer gran compositor operístico fue Claudio Monteverdi, que sentó las bases de lo que serían las futuras grandes óperas. Poco después de su muerte, ya se comenzaron a diferenciar dos de las partes más importantes de este arte:  

Los recitativos: los momentos en los que los cantantes narran la historia. Las arias: los fragmentos en los que los intérpretes expresan las emociones de los personajes.

Otros dos compositores muy destacados de esta época fueron el italiano Alessandro Scarlatti y el francés Jean Baptiste Lully. Hasta la segunda mitad del siglo XVIII, es decir, ya en el clasicismo, la ópera perteneció casi exclusivamente a los compositores italianos. Se consideraba que las óperas de otras nacionalidades eran de inferior calidad, y se pensaba que el italiano era el idioma ideal y más refinado para este estilo musical.

EL CLASICISMO Y EL ROMANTICISMO Cuando tenía doce años, el compositor austriaco Wolfgang Amadeus Mozart creó su primera ópera, La finta semplice. Esta fue la semilla de la que brotaron todas las óperas compuestas en los siglos venideros. Años más tarde, Ludwig van Beethoven compuso Fidelio, la primera gran ópera alemana. Curiosamente, fue la única que escribió en su vida. Durante el siglo XIX, el gran compositor alemán Richard Wagner se especializó en este arte, desarrollando un estilo muy dramático y personal. En Italia surgieron también grandes compositores románticos que se dedicaron casi exclusivamente a escribir óperas. Los más representativos fueron Gioacchino Rossini, Vincenzo Bellini y el gran Giuseppe Verdi, que, quizás, junto con Richard Wagner, ha sido el compositor operístico más prestigioso de la historia. FINALES DEL SIGLO XIX Y COMIENZOS DEL XX

Durante esta época destacaron, en Francia, las óperas de Georges Bizet y de Claude Debussy. Este último introdujo en su Peleas y Melisanda el nuevo lenguaje impresionista que se había creado, tanto en pintura como en música. En Italia, el sucesor de Giuseppe Verdi fue Giacomo Puccini, cuyas óperas se caracterizan por sus hermosas melodías. En Alemania, el referente fue Richard Strauss. LAS NUEVAS MÚSICAS Durante todo el siglo XX, el género operístico se fue adaptando a nuevas formas de hacer música, como el atonalismo o el jazz. Algunos compositores de óperas de este siglo fueron el húngaro Béla Bartók, el austriaco Alban Berg, el estadounidense George Gershwin o el español Manuel de Falla. GRANDES ÓPERAS DE LA HISTORIA A continuación podrás encontrar algunas de las óperas fundamentales de la historia de la música occidental, junto con sus compositores:              

Las bodas de Fígaro, Don Giovanni, Così fan tutte, La flauta mágica: Wolfgang Amadeus Mozart. Fidelio: Ludwig van Beethoven. El holandés errante, Tannhäuser, Lohengrin, Tristán e Isolda, El anillo del nibelungo: Richard Wagner. El barbero de Sevilla: Gioacchino Rossini. Norma: Vincenzo Bellini. Nabucco, Rigoletto, Il trovatore, La Traviata, Aida, Otello: Giuseppe Verdi. Carmen: Georges Bizet Peleas y Melisanda: Claude Debussy. La Bohème, Tosca, Madame Butterfly: Giacomo Puccini. Salomé, Elektra: Richard Strauss. El castillo de Barbazul: Béla Bartók. Wozzeck, Lulú: Alban Berg. La vida breve: Manuel de Falla Porgy and Bess: George Gershwin.

Un coro es un grupo de cantantes que se reúnen para interpretar una obra musical. ¿CÓMO SE ORGANIZA UN CORO? Dentro de un mismo coro suele haber varios grupos pequeños de cantantes, que se forman según su tesitura o tipo de voz. De más grave a más aguda, la voz humana se ordena en: bajo, tenor, contralto y soprano. Las dos primeras corresponden a cantantes masculinos, y las dos últimas a cantantes femeninas. De hecho, un coro puede estar formado solo por hombres y solo por mujeres, como sucede con el canto gregoriano, que es interpretado únicamente por monjes varones. Los coros no tienen siempre el mismo número de cantantes. Pueden variar mucho, y nos podemos encontrar coros de ocho, de cincuenta o de más de cien personas. Todo depende de la obra que se vaya a interpretar. Los coros que cantan con una orquesta, por ejemplo, necesitan ser muy numerosos para que se les escuche bien.

LOS COROS EN LA MÚSICA OCCIDENTAL Aunque la figura del coro ya existía en las tragedias de la antigua Grecia, los que conocemos en la actualidad tienen su origen en el siglo VI. Nacieron como una parte de las celebraciones religiosas, y así se mantuvieron durante mil años. A partir del siglo XVII se empezó a escribir en Europa música profana (no religiosa) para coro, y durante el siglo XVIII compositores como Johann Sebastian Bach o Georg Friedrich Händel crearon obras extraordinarias para coro y orquesta, que tuvieron ya en su época muchísimo éxito.

A partir de este momento, las obras corales adquirieron mucha importancia. Pondremos como ejemplos el Réquiem de Wolfgang Amadeus Mozart, la Novena Sinfonía de Ludwig van Beethoven (cuyo último movimiento contiene el Himno a la Alegría), el Réquiem alemán de Johannes Brahms o, ya en el siglo XX, los Carmina Burana de Carl Orff. LA MÚSICA CORAL EN EL MUNDO Aunque en Occidente se ha llegado a crear música coral muy compleja, este tipo de música existe en todo el mundo. En algunos lugares adopta una forma más elemental y sencilla. Los coros de distintas partes del planeta expresan diversas emociones de maneras muy diferentes. Por ejemplo, podemos encontrar coros populares que cantan para celebrar una buena cosecha, o para darse ánimos en el trabajo. Aunque no se trate de música tan elaborada como la compuesta por los grandes genios que hemos nombrado anteriormente, es una parte muy importante de la cultura musical de los distintos países.

Johann Sebastian Bach nació el 21 de marzo de 1685 en Eisenach y murió el 28 de julio de 1750 en Leipzig Era el hijo mas joven de Johann Ambrosius Bach, músico de la ciudad, de quien Johann Sebastian Bach aprendió probablemente el violín y los rudimentos de la teoría musical. Cuando tenia diez años quedo huérfano y fue a vivir con su hermano mayor, Johann Christoph, organista en la iglesia del St. Michael, Ohrdruf, que le dio lecciones tocando el teclado. A partir del año1700 al 1702 estuvo en la escuela de St. Michael en Lüneburg, donde cantaba en el coro de la iglesia y entro en probablemente el contacto con el organista y el compositor Georg Böhm. Él también visitó Hamburgo para oír J.A. Reincken en el órgano de la iglesia del St. Catherine. Después de competir sin éxito para el puesto de organista en Sangerhausen en 1702, Bach consiguió el puesto de organista en el Neukirche en Arnstadt. En junio de 1707 se traslado a St. Blasius, Mühlhausen, y cuatro meses mas adelante se caso con su prima Maria Barbara Bach en Dornheim.

Designaron a Bach organista y músico de la corte del duque de Saxe-Weimar en 1708, y en los nueve años siguientes Bachfue organista principal y compuso muchos de sus trabajos mas finos para el instrumento. Durante este tiempo el tuvo siete niños, incluyendo a Wilhelm Friedemann y Carl Philipp Emanuel. Cuando, en 1717, designaron a Bach Kapellmeister en Cöthen, se le ordeno dejar Weimar y como se negó fue puesto preso por el duque por casi un mes. El nuevo patrón de Bach, príncipe Leopold, era un musico talentoso que amaba y entendía el arte. Y Bach, podía dedicarse a la composición musical. A partir de esta fecha creo sus conciertos de violín y los seis Conciertos de Brandenburgo, y numerosas obras para clave, incluyendo varios (e.g. las invenciones y el libro I de los “48”) . En 1720 Barbara murió mientras Bach visitaba Karlsbad con el príncipe; y en diciembre del año siguiente Bach se caso con Ana Magdalena Wilcke. Bach permaneció como en Leipzig el resto de su vida, y aunque a menudo estaba en conflicto con las autoridades, era un hombre feliz de su familia y padre orgulloso que cuidaba mucho de ellos. Sus deberes se centraron en los domingos y los servicios de días de Fiesta en las iglesias principales de la ciudad , y durante sus años en Leipzig Bach compuso cantidades prodigiosas de música de iglesia, incluyendo cuatro o cinco ciclos de cantata, el Magnificat y las pasiones del St. Juan y del St. Matthew. Él era por este tiempo renombrado como organista virtuoso y con demanda constante como profesor y experto en la construcción y el diseño de órgano. Su fama como compositor se separo gradualmente más extensamente cuando, a partir de 1726 hacia adelante, él comenzó poner ediciones publicadas de su música para teclado y órgano. Tuvo 13 niños nacidos de su matrimonio con Ana Magdalena

La vista de Bach comenzó a deteriorarse durante 1750 y el oculista ingles Juan Taylor lo opero dos veces. Las operaciones y el tratamiento que las siguieron pudieron haber acelerado la muerte de Bach. Él tomo el comunión final el 22 de julio y murió seis días más adelante. El 31 de julio lo enterraron en el cementerio del St. Juan. Su viuda, Ana Magdalena, sobrevivió a Bach, diez años, muriendo en la pobreza en 1760. Bach abraza prácticamente cada genero musical de su tiempo a excepción de los dramáticos de la opera y el oratorio (sus tres “los oratorios” que son oratorios solamente en un sentido especial). Bach abrió nuevas dimensiones en virtualmente cada departamento de trabajo creativo al cual dio vuelta, en formato, calidad musical y demandas técnicas. La densidad y complejidad de su música son tales que los analistas y comentaristas han descubierto en el la significación religiosa y numerological que raramente se encontrara en la música de otros compositores. Sus trabajos pronto fueron adoptados como modelos para las nuevas generaciones de músicos. Junto con el gran Haendel, contemporáneo de Bach era el gran representante pasado de la era barroca, en una época que rechazaba ya el Barroco estético a favor de uno nuevo, mas ligero. Johann Sebastian Bach Johann Sebastian Bach viajó por Europa durante el siglo XVIII trabajando como organista y compositor al servicio de la Iglesia y de la realeza. Fue un famoso organista, aunque también tocaba el clavicémbalo y el violín. Su obra no fue totalmente reconocida en su tiempo, y solo desde mediados del siglo XIX se ha valorado en toda su dimensión. Esto se debe, en gran parte, a la labor de interpretación de su música realizada por Felix Mendelssohn.

Seguro que has escuchado muchas veces música del compositor Johann Sebastian Bach en anuncios de televisión, películas o incluso videojuegos. Su figura es clave en la historia de la música occidental, y todo lo que se ha compuesto tras su muerte tiene su origen, sin ninguna duda, en lo que este gran genio escribió. PRIMERA ÉPOCA Bach nació el año 1685 en Eisenach, Alemania. Pertenecía a una gran familia de músicos, y fueron su padre y, más tarde, su hermano mayor quienes le dieron las primeras lecciones musicales. A partir de 1700, Bach comenzó a viajar y trabajar en diversas ciudades alemanas. Primero fue miembro de un coro en Lüneburg; después, violinista en la corte del príncipe Johann Ernst, en Weimar; más tarde, organista de iglesia en Arnstadt. Por aquella época era muy común que los músicos viajaran mucho, buscando trabajo en distintas ciudades y cortes. Era el único medio de poder darse a conocer fuera de su lugar de nacimiento. En 1705, cuando tenía veinte años, se marchó a la ciudad de Lübeck para estudiar con Dietrich Buxtehude, un famoso organista y compositor que influyó mucho en las futuras obras de Bach. En 1707 se casó con su primera esposa, y al año siguiente volvió a Weimar, a la corte del príncipe Ernst, donde permaneció durante siete años. Transcurrido este tiempo, se dedicó a viajar durante tres años por Alemania dando conciertos como gran virtuoso del órgano. MADUREZ Entre 1717 y 1723, Bach trabajó en la corte del príncipe Leopoldo de Anhalt-Köthen. En esta época compuso obras didácticas muy importantes, como el primer volumen del Clave Bien Temperado o las Invenciones. Tras morir su primera mujer en 1720, se casó al año siguiente con Anna Magdalena Wilcken, a quien dedicó un famoso libro de pequeñas piezas para teclado llamado Álbum de Anna Magdalena

Bach. En 1723 se trasladó a Leipzig, donde permaneció hasta su muerte. Durante esta última época trabajó como director musical y jefe del coro de la Iglesia de Santo Tomás, así como en la escuela eclesiástica de la ciudad. Hacia el final de sus días se fue quedando ciego, y murió con 65 años en 1750. EL RESURGIMIENTO DE BACH Tras su muerte, y durante varias décadas, la música de Bach fue desconocida para casi todo el mundo. Se le recordaba principalmente como un gran virtuoso del órgano, y solo algunos compositores como Wolfgang Amadeus Mozart o Ludwig van Beethoven admiraban sus obras y las hacían estudiar a sus alumnos. Fue el compositor alemán Felix Mendelssohn quien, con el reestreno de la Pasión según San Mateo en 1829, volvió a dar a conocer la música del gran genio barroco. BACH Y SU MÚSICA Bach fue un hombre muy religioso, y muchas de sus obras, como las cantatas, las misas, los corales o las Pasiones, estaban destinadas a ser interpretadas en las iglesias. No obstante, también escribió un gran número de obras profanas (es decir, no religiosas). Entre ellas destacan conciertos para orquesta, (como los famosos Conciertos de Brandeburgo), sonatas y partitas para violín y violonchelo y multitud de piezas para instrumentos de tecla, como partitas, suites, toccatas, invenciones, sinfonías, preludios, fugas y variaciones; de estas últimas son muy conocidas las Variaciones Goldberg, que compuso para ayudar a conciliar el sueño a un noble con problemas de insomnio. También compuso música para otros muchos instrumentos. Las obras de Bach son una pieza clave en la historia de la música. Solo hay que darse cuenta de que en los conservatorios se estudian

obligatoriamente desde el primero hasta el último de los cursos de cualquier instrumento.

Johann Sebastián Bach: principales obras

AÑO

TÍTULO

c. 1707

Gottes Zeit ist die allerbeste Zeit (cantata)

1713-1717

Pequeño libro para órgano

1721

Conciertos de Brandeburgo

1722

Clave bien temperado (libro I)

1722-1723

Invenciones

1723

Pasión según san Juan

1729

Pasión según san Mateo

1730

Magnificat en re mayor

1733

Misa en si menor

1734

Oratorio de Navidad

1735

Concierto italiano

1742

Variaciones Goldberg

1744

Clave bien temperado (libro II)

c. 1745-1750 El arte de la fuga (inacabado) A medio camino entre el clasicismo y el romanticismo, Beethoven revolucionó la forma de hacer música, a pesar de haber compuesto sus obras más grandes después de quedarse sordo. Al genio alemán le debemos algunas de las melodías más conocidas de la historia de la música, como el Himno a la Alegría perteneciente a su Novena Sinfonía. LOS PRIMEROS AÑOS Beethoven nació el 16 de diciembre de 1770 en Bonn, Alemania. Aunque fue su padre quien le dio las primeras lecciones musicales, tuvo varios maestros. Tras estudiar con Christian Gottlob Neefe y comenzar a tener cierto éxito en su ciudad natal, le quisieron enviar a Viena para estudiar con Wolfgang Amadeus Mozart, pero no

pudo ser, ya que este último murió en 1791. Finalmente estudió con el también austriaco Joseph Haydn, que tenía gran fama como compositor y profesor. Su manera de tocar el piano y sus composiciones maravillaron a todo el mundo en Viena, y gracias a los tratos económicos que hizo con algunos importantes editores de partituras, pudo componer de forma independiente, y no al servicio de una corte. Esto ya lo había intentado hacer Mozart, pero sin conseguirlo.

LA MADUREZ A pesar de que revolucionó la forma de componer, Beethoven siguió escribiendo música con formas que ya habían utilizado todos sus antecesores, como son el concierto, la sonata, la sinfonía o el cuarteto de cuerda. Poco a poco fue cosechando grandes éxitos, sobre todo durante la primera década del siglo XIX, época en la que comenzó a crear sus grandes obras. No obstante, ocurrió algo que le cambiaría la vida, y es que desde 1798 comenzó, poco a poco, a quedarse sordo. Esto se reflejó en su personalidad: se refugió en su música, y su carácter se volvió muy seco. Pero increíblemente, las mejores obras que compuso, las más revolucionarias, las escribió cuando había perdido ya completamente el oído. Ejemplos de ello son la Novena Sinfonía o los últimos cuartetos de cuerda, además de las últimas sonatas para piano. Beethoven murió en Viena el 26 de marzo de 1827; a su funeral asistieron miles de personas. BEETHOVEN Y SU MÚSICA Entre el gran número de obras que compuso, las más importantes son 9 sinfonías, 32 sonatas para piano, 5 conciertos para piano y uno para violín, 16 cuartetos de cuerda, 2 misas y la ópera Fidelio. Muchas de ellas se caracterizan por las grandes dificultades que, aún hoy en día, tienen que afrontar los intérpretes.

El mayor interés de Beethoven era expresar con la música lo que quería, y no le preocupaba si lo que escribía era más o menos difícil de interpretar. Su música y la meticulosa forma de escribirla inspiraron a grandes compositores que vendrían posteriormente, como Johannes Brahms o Richard Wagner.

Beethoven: principales obras AÑO 1799 1800 1801 1801 1802 1805 1805 1805 1806 1808 1808 1809 1810 1812 1814 1818 1822 1823 1824 1824 1825

TÍTULO Sonata nº 8 en do menor para piano, opus 13 (Patética) Cuarteto nº 2 en sol mayor para cuerda, opus 18 Sonata nº 5 en fa mayor para violín y piano, opus 24 Sonata nº 2 en do sostenido menor para piano, opus 27 (Claro de luna) Sonata nº 9 en la menor para violín y piano, opus 47 (Kreutzer) Sinfonía nº 3 en mi bemol mayor, opus 55 (Heroica) Sonata nº 23 en fa menor para piano, opus 57 (Appassionata) Concierto nº 4 en sol mayor para piano y orquesta, opus 58 Concierto en re mayor para violín y orquesta, opus 61 Sinfonía nº 5 en do menor, opus 67 Sinfonía nº 6 en fa mayor, opus 68 (Pastoral) Concierto nº 5 en mi bemol mayor para piano, opus 73 (Emperador) Egmont, opus 84 (obertura) Sinfonía nº 7 en la mayor, opus 92 Fidelio, opus 72 (ópera) Sonata en si bemol mayor para piano, opus 106 (Hammerklavier) Sonata nº 32 en do menor para piano, opus 111 Variaciones en do mayor para piano sobre un vals de Diabelli, opus 120 Misa en re mayor, opus 123 (Missa solemnis) Sinfonía nº 9 en re menor, opus 125 Gran fuga en si bemol mayor para cuarteto de cuerda, opus 133

Mozart fue uno de los grandes genios de la historia de la música occidental y compuso algunas de las más bellas obras musicales de todos los tiempos. A pesar de ello, vivió durante casi toda su vida en la ruina económica; es el precio que tuvo que pagar por querer componer con total libertad, sin aceptar las órdenes de ningún aristócrata. SU INFANCIA Y JUVENTUD Wolfgang Amadeus Mozart nació el 27 de enero de 1756, en Salzburgo, Austria. Fue un niño prodigio, al que su padre, Leopoldo, comenzó a enseñar música casi desde que nació. A los seis años ya tocaba perfectamente el clave (instrumento de la época parecido al piano) y el violín. Durante su niñez y su adolescencia, recorrió las cortes de Europa junto con su padre, dando a conocer su talento y desempeñando diversos e importantes cargos musicales. Tras varios años de exitosos viajes y de triunfar ante el Papa en Italia, regresó a su ciudad natal, en 1771. Permaneció allí durante seis años. En esta época pudo dedicarse principalmente a componer música. VIAJANDO POR EUROPA En 1777, con veintiún años, comenzó de nuevo a recorrer Europa, en una gira de conciertos junto a su madre. Buscó por las cortes europeas un puesto de trabajo en el que ganara algo más de dinero que en Salzburgo y que le permitiera componer más a gusto; pero no lo encontró. Esta fue una época triste, ya que su madre murió

mientras estaban en París, y además se vio rechazado tanto por la mujer que amaba como por los aristócratas para los que trabajaba. Fue en 1779 cuando regresó a Salzburgo y comenzó a componer algunas de sus obras más importantes. Dos años después, el arzobispo de esta ciudad le invitó para que trabajara en su palacio de Viena. Pero Mozart no se sentía libre, y dejó el puesto para intentar componer lo que a él le apetecía. SUS ÚLTIMOS AÑOS En 1782, se casó con Constanze Weber, junto a la que viviría en la pobreza hasta morir, con treinta y cinco años, el 5 de diciembre de 1791. Su búsqueda de libertad provocó que no se valorara su música hasta años después de su muerte. Dejó sin terminar una de sus obras más importantes, el Réquiem o misa para difuntos, para coro y orquesta. Se la encargó un misterioso hombre, enviado por el conde Walsegg zu Stuppach, y tuvo que acabarla un alumno de Mozart. MOZART Y SU MÚSICA El músico austriaco compuso multitud de obras: sonatas para diversos instrumentos, conciertos, óperas, sinfonías, obras de música de cámara, canciones y una gran variedad de música religiosa. En total, más de 600. Algunas de sus composiciones más famosas son óperas: La flauta mágica, Las bodas de Fígaro, Cosi fan tutte y Don Giovanni, entre otras. También destacan el Réquiem; sinfonías, como la 40 o la 41, llamada Júpiter, y conciertos para instrumentos solistas con orquesta. El genio de Mozart era tal que, antes de escribir las partituras, ya las tenía pensadas enteras dentro de su cabeza. Esto se demuestra viendo los manuscritos originales que de él se conservan, los cuales no tienen apenas tachaduras ni correcciones.

1777 Concierto nº 9 en mi bemol mayor para piano, K 271 1782 El rapto en el serrallo, K 384 (ópera) 1782 Sinfonía nº 35 en re mayor, K 385 (Haffner) 1783 Sinfonía nº 36 en do mayor, K 425 (Linz) 1783 Misa en do menor, K 427 1786 Las bodas de Fígaro (ópera) 1786 Sinfonía nº 38 en re mayor, K 504 (Praga) 1787 Don Giovanni, K 527 (ópera) 1787 Eine kleine Nachtmusik, K 525 1788 Concierto nº 26 en re mayor para piano, K 537 (Coronación) 1788 Sinfonía nº 40 en sol menor, K 550 1788 Sinfonía nº 41 en do mayor, K 551 (Júpiter) 1788 Quinteto en la mayor para clarinete e instrumentos de cuerda, K 581 1790 Così fan tutte, K 588 (ópera) 1791 La flauta mágica (Die Zauberflöte), K 620 (ópera) 1791 Réquiem en re menor, K 626

Brahms nació en Hamburgo el 7 de mayo de 1833. Su padre era músico, contrabajista. Quien fue su primer maestro de musica. Le enseñó Violin y violoncello. A los 15 años se reveló como un gran ejecutante de piano. Estuvo en Weimar, junto a Franz Liszt y en el año 1853 realizo conciertos con un violinista hungaro. Brahms hizo amistad con el violinista Joachim, que le habló de Schumann, a quien conoció, naciendo una amistad. BRAHMS Y SU AMOR POR CLARA SCHUMANN Schumann estaba casado con Clara Wieck y los dos admiraban su obra, sus composiciones. Brahms se enamoró de Clara, y al morir Schumann, le declaró su amor. Pero ella dicen, que nunca lo aceptó más que como amigo. Brahms, nunca se casó, aunque gozó de la admiracion de muchas mujeres.Se dice, que a pesar de su simpatía y afabilidad, era muy tímido para acercarse a ellas. Su obra, estaba entre el clásico y el romántico entre ellas se encuentra el "Réquiem alemán", (dedicado a la memoria de su madre y de Robert Schumann), y se estrenó en la catedral de Brenna en eñ año 1868.

Mientras trabajaba para el príncipe Lippe, en la corte de Detmold, se familiarizó con la música de Cámara, género en el que produciría más tarde obras de elevada inspiración;allí creció como artista. Su primer concierto para piano fue en 1859 y se estrenó en Hannover. con la esperanza de que se le ofreciera algún puesto de importancia, viajo a Hamburgo, su ciudad natal. Pero allí aunque había vacantes para director de orquesta, no se lo tomó en cuenta. Se fue, de esa ciudad, pero al volver, entonces sí, Brahms recibió invitación para que se hiciera cargo como director, de la Singakademie de Viena . Donde no fue del agrado de sus habitantes, la obra de él, que la consideraban demasiado severas. Aunque se reconocio su valor musical. A pesar de su caracter reservado, su fama fue extendiendose, y se hizo de muchos amigos. Viajó mucho dando conciertos en esas giras. Y luego se quedó a vivir en Viena, dedicandose sólo a componer. En 1865 a 1880 compuso sus danzas húngaras. Y su primera Sinfonía la escribio en 1876. Büllow ( primer esposo de Cosima Liszt y padre de sus 2 primeros hijos) consideró que luego de Bach y Beethoven era el más grande compositor. En 1881 Brahms estrenó el segundo Concierto para piano, en si bemol mayor; en 1882, un trío y su célebre quinteto (en fa menor), para piano y cuarteto de cuerda; en 1883, para celebrar sus cincuenta años, su tercera Sinfonía. Brahms ya mayor, egozaba de popularidad en Viena, portaba una larga barba, y una contextura recia. Recibio muchas distinciones en el extranjero y en su país. En 1874, lo deistinguieron como "socio de la Academia de Artes de Berlín";

en 1877, doctor honorario de la Universidad de Cambridge; en 1881, igual nombramiento de la Universidad de Oxford; en 1885 se le concedió la Cruz del Mérito, de Prusia; en 1889, ciudadano honorario de Hamburgo. Su salud fue decayendo, y lo rondaba mucho la idea de la muerte. Con la dirección de Kans Richter, se ejecutó la Cuarta Sinfonia de Brahms, y contaron que una tempestad de aplausos, estallaron en el final del primer movimiento, que no dejaron de producirse, hasta que Brahms, no se asomó al palco de los artistas. Y lo mismo sucedió con el segudo y tercer movimiento. El teatro estaba frenético y aclamaba a viva voz sin dejarlo partir, las lágrimas le cubrían el rostro, y él, Brahms, sólo podía quedar encogido, ante el sollozo contenido de la concurrencia, que presentía que ese era un adiós. Despues Brahms y su Viena, se separaron para siempre. Su fin estaba próximo gravemente enfermo de cáncer en el hígado murió el 3 de abril de 1897. Sus funerales congregaron a los habitantes y a las autoridades de la ciudad de Viena, y le tributaron un gran homenaje de reconocimiento y admiración. Levantaron un monumento en su honor, cerca del de Beethoven y Schubert recordando su grandeza. El gran compositor romántico Johannes Brahms es uno de los músicos más importantes de todo el siglo XIX. Si miras el programa de algún auditorio de tu ciudad, seguro que a lo largo del año se interpreta alguna de sus obras, ya sea para orquesta o para piano, instrumento al que dedicó obras de gran belleza. Era muy autocrítico: quemó todo lo que compuso antes de los 19 años. JUVENTUD Johannes Brahms nació el 7 de mayo de 1833, en Hamburgo, Alemania. Su padre, que era contrabajista, le enseñó a tocar el

violín y el violonchelo; pero más tarde se especializó en piano y comenzó a estudiar composición. Durante una gira de conciertos conoció al gran violinista húngaro Joseph Joachim, quien, a su vez, le presentó al gran compositor Robert Schumann y a su esposa Clara, también pianista y compositora. A Schumann le encantaron las composiciones de Brahms, y escribió un artículo hablando muy bien de él. Desde aquel momento surgió una fuerte amistad entre los tres. La primera obra importante que Brahms presentó al público fue su primer concierto para piano y orquesta, que interpretó él mismo. No obstante, la obra no gustó mucho, ya que, por aquel entonces, la moda era que los conciertos con solista estuvieran repletos de pasajes virtuosísticos (complicados solos de piano o violín, por ejemplo), y este no era el caso del primer concierto de Brahms. Durante su juventud, Brahms compuso sobre todo música para piano, instrumento que dominaba y para el que escribió obras maestras. MADUREZ La primera obra con la que obtuvo fama en toda Europa fue el Réquiem alemán, pieza de carácter religioso en la que intervienen cantantes, coro y orquesta. Tal y como indica su título, Brahms utilizó el idioma alemán en lugar del latín, que era la lengua normalmente utilizada en este tipo de obras. Con el tiempo, el compositor alemán se interesó cada vez más por las grandes composiciones para orquesta y por la música de cámara, aunque nunca dejó de lado el piano. A los 43 años terminó la primera de las cuatro impresionantes sinfonías que realizó durante su periodo de madurez. Brahms falleció en Viena, capital austriaca, el 13 de abril de 1897. BRAHMS Y SU MÚSICA Este gran compositor supo mezclar las características musicales del romanticismo, periodo en el que vivió, con la herencia que había dejado Beethoven décadas atrás. Los detalles clasicistas inspirados

por el otro gran genio alemán se notan sobre todo en la ordenación de toda su música y en el gusto por las obras monumentales y de larga duración. Para piano compuso muchas obras, como variaciones (entre ellas, las famosas y dificilísimas Variaciones Paganini), intermezzos, baladas, tres sonatas o los dos conciertos para piano y orquesta. Además, escribió numerosas obras de música de cámara, entre ellas, un quinteto en fa menor que puede considerarse como una de las obras maestras de la música de cámara Brahms: principales obras AÑO TÍTULO 1860 Sexteto nº 1 en si bemol mayor para cuerda, opus 18 1861 Variaciones y fuga sobre un tema de Händel en si bemol mayor para piano, opus 24 1861 Cuarteto nº 1 en sol menor para piano e instrumentos de cuerda, opus 25 1862 Cuarteto nº 2 en la mayor para piano e instrumentos de cuerda, opus 26 1868 Réquiem alemán, opus 45 1868 Quinteto en fa menor para piano e instrumentos de cuerda, opus 34 1869 Danzas húngaras para piano, opus 25 1876 Sinfonía nº 1 en do menor, opus 68 1877 Sinfonía nº 2 en re mayor, opus 73 1878 Concierto en re mayor para violín y orquesta, opus 77 1880 Dos rapsodias en si menor y en sol menor para piano, opus 79 1881 Obertura trágica, opus 81 1881 Concierto nº 2 en si bemol mayor para piano y orquesta, opus 83 1883 Sinfonía nº 3 en fa mayor, opus 90 1885 Sinfonía nº 4 en mi menor, opus 98 1896 Vier Ernst Gesänge, opus 121

Franz Schubert nacio el 31 de enero de 1797 en la ciudad de Viena y falleció el 19 de noviembre de 1828 ) Schubert era de cuna humilde, hijo de un maestro, que quería que su hijo lo fuera también, pero Franz eligio ser musico. No obstante aprendio de su padre violín, y su hermano, le enseño el piano. Fue uno de los musicos de la época que iniciaron la revolucion de la musica clasica, siguiendo inciado romanticismo que comenzó Beethoven de quien era admirador. Al punto que pidio ser enterrado jusnto a él. ( Beethoven fallecio un año antes). Pero jamas logro llegar a su lado en vida... Como su padre no aceptaba la carrera de musico, se distanciaron. Y Franz Schubert siguio adelante con la misma. Antonio Salieri, fue uno de sus maestros. Compositor temprano, a los 14 años, ya había compuesto un Lieder sobre un poema de Goethe.Fue extremadamente bohemio, y no tuvo nunca una residencia fija. Fue ayudado economicamente por sus amigos, los que lo hospedaban en sus casas. Se cuenta que era muy descuidado y desaliñado, pues, evidentemente, no estaba en los problemas menores de la existencia. Y no se dio tampoco con la aristocracia de esos tiempos. El amaba estar en ambientes populares. Y fueron famosas sus reuniones de musicos y literatos. Entre su numerosa cantidad de obras, se destacan: "Momentos musicales", los famosos y bellos "Impromptus", y sus "Sonatas".

Schubert además de componer con una armonia profunda, aunque no dramática, componia con unas melodias hermosas.Facimente entendibles inclusive para personas no acostumbradas a oir musica llamada "clasica" ¿ Quien no se emociona con su Ave Maria ( http://www.altaresvirtuales.com/virginmary.htm)o su famosisima Serenata ?

Enfermo de sifilis, en el año 1922, aunque las causas de su muerte han sido dudosas, pues también se dijo que los sintomas que tuvo eran de envenenamiento por mercurio, utilizado para el tratamiento de esa enfermedad. Fue un febril compositor toda su vida, por eso nos ha dejado tanta obra a pesar de su tan temprana muerte a los 31 años... Franz Schubert escribió más de 600 canciones en su corta vida. Fue un niño prodigio como violinista, pianista y compositor, y, con el tiempo, se ha convertido en una figura clave de la historia de la música. No obstante, no pudo disfrutar en vida del éxito que tendría más tarde. Fue el gran incomprendido de los músicos. SUS PRIMEROS AÑOS Schubert nació en Lichtenthal, Austria, el 31 de enero de 1797, y a los diez años ya cantaba en un coro infantil y tocaba el violín en la orquesta de su escuela. Siendo aún un niño, impresionó a sus maestros con sus primeras composiciones, entre ellas canciones (Lieder en alemán) para voz y piano, obras para piano solo y piezas para orquesta. En 1814 estrenó en Viena su primera misa, y también compuso Margarita en la rueca, una de sus canciones más famosas y emotivas. Al año siguiente compuso otra canción muy impactante, El rey de los elfos, en la que se cuenta cómo un jinete huye de la muerte por el bosque, con su hijo en el regazo. Ambas composiciones se basaron en poemas del escritor alemán Goethe. Además de estas

canciones, durante estos años también compuso varias sinfonías, óperas y música de cámara. Schubert dedicó parte de su tiempo a dar clases; pero a partir de 1816 abandonó la docencia y regresó plenamente a la composición. A pesar de que fue un gran incomprendido en su época y de que su música no se valoró hasta después de su muerte, un pequeño grupo de amigos intelectuales y artistas le consideraron como el gran genio que fue, aparte de admirarle como un gran virtuoso del piano. LA MADUREZ Schubert agrupaba sus canciones en ciclos, a los que les daba nombre propio. Alguno de los grupos que compuso durante su madurez artística son La bella molinera o El viaje de invierno. En 1822 escribió una de sus obras orquestales más conocidas, la llamada Sinfonía Inacabada, título que, por cierto, no le puso su autor. Se le dio este nombre tras su muerte, al pensarse que no la llegó a terminar, tal y como también sucedió con otras obras suyas, como algunas sonatas para piano. Schubert continuó componiendo sin descanso hasta su temprana muerte, el 19 de noviembre de 1828, en Viena, a causa de unas fiebres tifoideas. SCHUBERT Y SU MÚSICA Schubert escribió muchas obras maestras para piano, como sonatas, impromptus, danzas y momentos musicales. Asimismo, compuso música de cámara para diversas formaciones, como dúos de violín y piano, cuartetos de cuerda y un quinteto que escribió el mismo año de su muerte. También son muy importantes sus siete sinfonías y demás obras orquestales, como las misas. En la música de Schubert se encuentran características tanto del clasicismo como del romanticismo, ya que su vida transcurrió entre ambos periodos artísticos. A pesar de que solo vivió 31 años, es

enorme la cantidad de música que llegó a crear. Ha sido, sin duda, uno de los compositores más prolíficos de la historia de la música.

Schubert: principales obras AÑO TÍTULO 1814 Margarita en la rueca, D 118 (lied) 1815 El rey de los elfos, D 328 1819 Quinteto en la mayor para piano, opus 114 (La trucha) 1822 Sinfonía nº 8 en si menor, D 759 (Inacabada) 1822 Fantasía en do mayor para piano (Wanderer), D 760 1823 La bella molinera, D 795 (lieder) 1824 Cuarteto en re menor para cuerda (La muerte y la doncella), D 810 1825 Sinfonía nº 9 en do mayor (La grande), D 944 1827 El viaje de invierno, D 911 (lieder) 1828 Misa nº 6 en mi bemol mayor, D 950 1828 El canto del cisne, D 957 (lieder)

nacio en Halle, Alemania, el 23 de Febrero de 1685. Y fallecio el 14 de Abril de 1759. Haendel, comenzó a practicar la música de manera secreta hasta que su padre le impulsó a estudiar. Entonces recibió lecciones de Zachow, el principal organista de Halle, y cuando tuvo 17 fue nombrado organista de la Catedral Calvinista. Un año después se traslada a Hamburgo y se desempeña como violinista y clavecinista en el teatro de ópera de esta ciudad, donde además logra estrenar Almira a comienzos de 1705 y Nero un poco más tarde. En 1706 Haendel aceptó una invitación para visitar Italia y pasó más de tres años en Florencia, Roma, Nápoles y Venecia. Allí presentó óperas y otras obras escénicas (incluyendo oratorios como La resurrezione en Roma) y escribió muchas cantatas italianas, perfeccionando su técnica de musicalizar textos en italiano. En Roma también compuso música religiosa en latín. En 1710 deja Italia y viaja a Hanover, donde es nombrado Kapellmeister por el Elector, pero al recibir una invitación de Londres, donde su ópera Rinaldo fue presentada en 1711, pide permiso para ir a Inglaterra. De vuelta en Hanover logra otro permiso y retorna a Londres en el otoño de 1712.

Cuatro óperas más se produjeron entre 1712 y 1715 con cierto éxito, también escribió música para la iglesia y para la corte, siendo recompensado con una pensión real. En 1716 Haendel visita Alemania y al año siguiente compone, probablemente, la Música del Agua para acompañar una fiesta de Jorge Primero en el Támesis. En 1717 ingresa al servicio del futuro Duque de Chandos en Edgware, cerca de Londres, donde compone 11 himnos o anthems y dos obras escénicas, Acis y Galatea, y Ester, para la modesta banda de cantantes e instrumentistas que trabaja ahí. Entre 1718 y 1719 un grupo de nobles tratan de promover la ópera italiana en Londres y forman una compañía patrocinada por el rey, la Royal Academy of Music. Haendel, nombrado director musical, viaja a Alemania, visita Dresde y contrata varios cantantes para la Academia, cuya apertura se realiza en abril de 1720. Radamisto de Haendel inaugura una serie que incluyó en los años siguientes a Ottone, Giulio Cesare, Rodelina, Tamerlano y Admeto. Obras de Bononcini (visto por algunos como rival de Haendel) y otros también se presentan allí, con un éxito similar al de las partituras de Haendel, por una compañía que incluye a algunos de los más finos cantantes de Europa, sobretodo el castrato Senesino y la soprano Cuzzoni. Pero como el apoyo del público era variable y la base financiera insegura, la aventura colapsó en 1728. Un año antes Haendel, quien había sido nombrado compositor de la Capilla Real en 1723, había escrito cuatro himnos para la coronación de Jorge II y recibido la naturalización británica.

La ópera seguía siendo su principal interés y con el empresario de la Academia, Heidegger, alquiló el King"s Theatre y (después de un viaje a Italia y Alemania para contratar nuevos cantantes) se embarcó en una serie de temporadas que comenzó a fines de 1729. El éxito fue mixto. En 1732 Ester se presentó en la sociedad musical de Londres por unos amigos de Haendel y luego en público por un grupo rival. El mismo compositor preparó su partitura para incluirla en la temporada del teatro, pero el Obispo de Londres prohibió una versión escénica de una obra bíblica. Entonces incluyó Acis, también en respuesta a una aventura rival, y el verano siguiente escribió Athalia, tras una invitación a Oxford, y la presentó en el Sheldonian Theatre. Entretanto una segunda compañía de ópera (Opera of the Nobility) había comenzado a competir con Haendel por la audiencia y después de cuatro temporadas ambas fracasaron. Sin embargo, en este periodo aparecieron obras tan importantes como la ópera Orlando y los ballets Ariodante y Alcina. Durante el resto de la década de 1730 Haendel se movió entre la ópera italiana y géneros ingleses como el oratorio, la oda y otros parecidos, inseguro de su futuro comercial y artístico. Después de un viaje a Dublín entre 1741 y 1742, donde El Mesías tuvo su estreno en un concierto de caridad, el compositor dejó la ópera de lado y se dedicó, desde entonces y por el resto de su vida, a la presentación de oratorios, principalmente en el nuevo teatro Covent Garden.

El Antiguo Testamento le proporcionó la base para la mayoría de ellos, como por ejemplo Sansón, Baltasar, José, Josué, Salomón), pero a veces experimentó con la mitología clásica (Semele, Hércules) o la historia cristiana (Teodora). Todas estas obras, junto con algunas anteriores como Acis y las dos odas a Santa Cecilia, se interpretaron en forma de concierto y en inglés. Y por lo general, durante el intermedio de tales presentaciones, el mismo Haendel tocaba un concierto para órgano o dirigía un concerto grosso. Durante su última década de vida ofreció varias presentaciones de El Mesías, usualmente con 16 cantantes y 40 instrumentistas, en ayuda del Foundling Hospital. En 1749 escribió una suite para instrumentos de viento (con cuerdas optativas) para ser interpretada en Green Park durante los Fuegos Artificiales Reales que celebraron la paz de Aix-la-Chapelle. Su ultimo oratorio, compuesto mientras aumentaba su ceguera, fue Jephta (1752), ya que The Triumph of Time and Truth (1757) se estructuró a partir de material antiguo. Haendel fue muy práctico en el reciclaje de ideas y muchas veces se basó en música de otros (aunque generalmente evitaba ser detectado), empleando ese material como un breve motivo o en su totalidad pero acomodado a su propio estilo. Haendel murió en 1759 y fue sepultado en la Abadía de Westminster, siendo considerado en Inglaterra y por muchos en Alemania como el más grande compositor de su tiempo. Su manejo de un amplio rango de expresión quedó demostrado no sólo en sus óperas, con sus ricas y variadas arias, sino también en la

forma que creó, el oratorio inglés, donde lo aplicó al destino de naciones y a sus personajes. Haendel tenía un vívido sentido del drama, pero sobretodo, revelaba recursos y originalidad inventiva, como se puede apreciar en la extraordinaria variedad musical encontrada en los conciertos Op.6, y tal característica lo equipara con Johann Sebastián Bach como uno de los supremos maestros de la música barroca. Max Bruch Max Bruch nacio el dia 6 de Enero de 1883. En la ciudad de Colonia, Alemania. Bruch tuvo una extensa carrera como director de numerosas entidades musicales, incluida la Sociedad Filarmónica de Liverpool (1880-83). Su obra más famosa es el Concierto N°1 en sol menor, para violin. Pero tambien son importantes sus partituras corales, sus tres sinfonias y la Fantasia Escocesa. MAX BRUCH Bruch inicio su educacion musical con su madre, Wilhelmine Almenrader. Ella era una afamada soprano y profesora de musica. Luego estudio en Bonn con Breidensen. A la edad de once años, Bruch compuso musica de camara ademas de una obertura orquestal. En 1852 escribio una sinfonia. Ese año fue acreedor del premio de la Fundacion Mozart en Frankfurt con un cuarteto de cuerdas.

La beca, que Bruch consistio en dinero le dio la posibilidad de estudiar composicion y teoría con Ferdinand Hiller. Y tambien piano con Reinecke y Ferdinand Breuning en la ciudad de Colonia. En 1858 se dedico a ser maestro de musica en su ciudad natal. Y en ese año se represento su primera ópera, llamada Scherz, List und Rache. En los viajes hechos entre los años 1861 y 1862, paso por Berlín, Leipzig, Dresde, Viena y Munich, ciudad en la cual conocio a quien luego seria su libretista, el poeta Geibel. Bruch vivio en Mannheim entre 1862 a 1864. En ese lugar compone la cantata Frithjof Op.23. Ademas vio el estreno de su ópera Loreley con texto de Geibel en el año 1863. Cuando volvio de las ciudades de Paris y Bruselas, tomo el cargo de director musical en Koblenz. Y en ese sitio permanecio desde 1865 hasta 1867, ocasion en la que lo nombraron Kapellmeister de la corte en Sondershausen. Entre los años 1871 y 1873 vivio en Berlín, donde, en 1872 estreno su tercera opera de nombre Hermione. Entre 1873 a 1878 se dedico a componer, en la ciudad de Bonn. En el año 1883 fue a Breslau y dirigio el Orchesterverein de la ciudad hasta 1890. El reconocimiento de la envergadura artistica de Bruch como compositor y dentro de la vida musical germana sucedio hacia fines de 1891, momento en el que le otorgaron, con titulo de profesor, una clase magistral de composición en la Academia de Berlín. Alli, dio calses hasta que se retiro en 1910. Después de la muerte de Joachim en 1907 fue su vicepresidente.

La Universidad de Cambridge le otorgo un doctorado honoris causa en 1893. Y durante muchos años fue parte del consejo. desde 1913 fue miembro honorario de la Academia Real de las Artes de Berlín. Maestro Pau Casals Pau Casals nacio un dia 29 de Diciembre de 1876 en el Vendrell De nacionalidad Española (Catalana). Murio el 22 de octubre de 1973. Fue cellista, director de orquesta, pianista y compositor. Desde pequeño, aprendio piano, organo y violin pues sus padres eran musicos. Conocio el violonchelo a la edad de 11 años. En 1887 comenzo a estudiar en laEscuela Municipal de Musica de Barcelona, y tambien piano y composicion con el Maestro Rodoreda. Como experimento diferentes tecnicas de digitacion, y la forma de manejar el arco, creo un estilo especial, e individual, además de condiciones de ejecutante sin precedentes. Debuto en Barcelona el 23 de febrero de 1891, y a partir de allí, Pau Casals tocaba cello en cafes para ganarse su dinero. Al descubrir las suites para cello solo de Johann Sebastian Bach produjo en el, un serio acercamiento a la música lo que lo motivo a seguir estudiando. Por medio de Isaac Albeniz conocio al secretario privado de la reina regente, el Conde de Morphy, un entusiasta musico amateur que se convirtio en el benefactor de Pau Casals. En 1893 la reina regente le brindo una beca para que estudiara en el Conservatorio de Madrid. Alli lo hizo con Bretón y Monasterio.

En 1895, fue a Bruselas, y entonces, el director del conservatorio, Gevaert, aprobo obras de Pau Casals : una misa, un poema sinfonico y un cuarteto. Lamentablemente, un malentendido con su profesor de violoncello Edouard Jacobs, hizo que el Maestro Casals decida abandonar Bruselas. Aunque con ello perdiera la beca real. Entonces, se convirtio en segundo cello en el Folies-Marigny de Paris. En 1896 Casals vuelve a Barcelona para dictar clases, y alli lo contrataron como cellista principal en el Gran Teatre del Liceu. Y tambien formo un trío con el violinista belga Crickboom y el pianista español Enrique Granados. En 1899 toco el Concierto de Lalo en el Palacio Cristal. Ademas, actuo en Osborne, para la Reina Victoria . Interpreto para Lamoureux en Paris lugar donde debuto con el mismo concierto de Lalo comenzando su carrera internacional. La maestría de Casals condujo a una renovada apreciacion del cello y su repertorio, mientras que su reputacion internacional, que ya habia alcanzado un punto maximo en 1914, se mantuvo durante la década de 1920 gracias a extensas giras que lograron éxito financiero y artístico. En 1919 Casals estuvo asociado financiera y artisticamente a la fundacion de la Ecole Normale de Paris manteniendo su interes como director.

Ese mismo año fundo la Orquesta Pau Casals. Esta orquesta se dedico especialmente a dar conciertos para los obreros. A pesar de la guerra civil española, siguio enseñando, pero no pudo llegar a cumplir con su ilusion de dirigirla en una España Democratica. A pesar de estar amenzado por el regimen del dictador Franco, tal como sucedio con otras glorias de la literatura, musica, etc. en ese pais, Pau Casals, fue a vivir a Prades, un pueblo catalan-frances. No quiso aceptar ofertas para radicarse en Inglaterra, o Estados Unidos. Para ayudar a la Cruz Roja, y a sus compatriotas catalanes que sufrian el exilio, durante la Segunda Guerra Mundial, dio conciertos en Francia. Y el mismo personalmente, distribuyo esa ayuda.

Pau Casals no solo era un militante patriotico de su tierra, Catalunya, sino, que dada su integridad, nunca quiso actuar bajo el mandato de Hitler en Alemania, ni en Italia, mientras estuvo Mussolini. Y por supuesto, nunca, bajo la dictadura de Franco, en España. Su patriotismo, lo llevo a desistir de dar conciertos en publico hasta el año 1950, sin aceptar los paises que reconocieran el regimen de Franco. En ese año, siendo el centenario de Bach, grandes musicos, se reunieron en Prades, para actuar con Pau Casals. Entonces, a partir de alli, hizo una serie de grabaciones, dirigiendo, luego, los festivales de Perpignan, y Puerto Rico. Donde se radico en el año 1956. En 1961 actuo ante J. F. Kennedy en la Casa Blanca. Y el año siguiente, comenzo una campaña a favor de la paz por medio de interpretaciones en todo el mundo de su oratorio El Pesebre, que estreno en 1960. Fauré, le dedico su Serenata, Moor, el concierto No 2 para Cello, etc. Dio clases en Siena, Zermatt y Marlboro, algunos de sus alumnos fueron Cassadó, Suggia y Eisenberg. Cabe destacar que fue un ferviente luchador por su CATALUNYA LLIURE, y hasta sus ultimos momentos, soño con su independencia. Su nombre en catalan, significa PAZ, es por lo que lucho incansablemente... CHOPIN (1810-1849) Frederic Chopin nació en Zelazowa Wola (Varsovia, Polonia) el 1 de marzo de 1810 ( Signo de Piscis) . Su padre se llamaba NicolasChopin y su madre Tekla Kryzanowska. Sus hermanas eran 3

: la mayor: Ludwika, y las dos menores: Isabella y Emilia, ( que, como él, falleció muy joven por la tuberculosis) de 1 y 2 años menores que Frederic. Amaba tanto la música y su espiritu era tan especial, que de escucharla, lloraba de emoción. Chopin estudió piano con su madre, y luego con Adalbert Zywny. Pero su técnica especial la adquirió de manera autodidacta. Debuto como pianista a la edad de 8 años, el día 23 de febrero de 1818 . Continuó igualmente, y a los 13 años, estudia composición con Jozéf Elsner quien en un informe lo definió como genio, e ingreso luego en el Conservatorio de Varsovia. Chopin era dueño de una sensibilidad muy delicada, refinada, que en ocasiones se expresa con grandes arranques de exaltacion, intentando llegar al alma de los demás, como con un grito deseperado, angustiado. Todas sus melodías, son de una gran melancolía, pero principalmente, su musica despierta el ensueño romántico, desbordante. Incluso en su obras más veloces, Chopin, nos llena de desbordante poesía y quiere comunicar quizá, tormentos de un alma muy sensible o delicada. Fue un soñador patriótico, pero activista, colaborando para la causa, cuando fue la revolución, con una gira intensa, de conciertos, que quizá le aceleró la perdida de la vida. Él inició una forma de composición pianística, en esos tiempos todavía ignorada. Como amaba la musica popular, sus obras tienen la distinción de la misma. Ya que se inspiró en ritmos de ella. Amaba la música de Haendel. En 1829 gana el Premio de Composición de la Escuela de Música de Glowna, haciendo entonces, una gira de conciertos por Berlín,

Praga, Dresde y Viena. Ese mismo año conoce al gran violinista y compositor Nicolo Paganini (que tenía 47 años), del que Chopinadmirará su virtuosismo y tratará de combinarlo en el piano con el colorido del folklore polaco ( al igual que le sucedio a Franz Liszt, que al conocerlo, se propuso llevar ese virtusismo y musicalidad, al piano) . A Nicolo Paganini, le dedico el Estudio No 1 de su serie de Estudios para piano. En Viena conoce también al célebre pedagogo del piano Carl Czerny y también por estas fechas entabla relación con F. Mendelssohn. CHOPIN Y SU AMOR POR CONSTANZA Enamorado de una compañera de estudios, Constanza Gladkowska, se inspira en ella para componer el Adagio del Concierto no 2 . Le escribió a Tito Woyciechowski: "para mi desgracia quizás, he encontrado mi ideal, que venero fiel y lealmente. Hace ya seis meses de esto, y a aquella con quien sueño cada noche, no le he dicho una palabra. Pensando en esa bella criatura he compuesto el "Adagio" de mi nuevo "Concerto", así como el vals (op. 71, Número 2 en re mayor) que he escrito esta mañana" Muy tímido, no se anima a declarar su amor a Constanza y dice en una de sus cartas: "De estar enamorado, llegaré a disimular durante algunos años máz un ardor imposible de declarar hoy, desgraciadamente". Los sucesos políticos lo obligaron a emigrar de su patria, (a la que ya nunca regresaría) A su partida, sus amigos le dieron una copa con tierra de su país. Queda en la incognita si llegó a confesar su amor a Constanza.

Fue a vivir a París en el año 1831 donde se convierte en una atracción para el ambiente musical de Paris a pesar de que ofreció escasos conciertos. El príncipe Radzwill lo toma bajo su protección, lo presenta en los salones aristocráticos, y en esta forma Chopin se convierte en el maestro de las damas de la alta sociedad. Cultiva amistad con músicos famosos: Lizst, Rossini, Päer, Cherubini, Berlioz, etc. En 1834 visita a los Schumann en Leipzig,y de regreso a París pasa por Dresde, donde se encuentra con la familia Wodzinski, enamorándose de María, ( y a quien dedico varias de sus obras "A Maria Wodzinska) que había sido su amiga y discípula en su infancia: ella era muy bella y culta. Al año siguiente (1836) sus relaciones se formalizan, pide su mano y obtiene el consentimiento de la madre de ella, pero en cambio su padre se opone. Cuando la ruptura con María Wodzinska se produjo, Chopindecidio ir a Londres: allí llevaba una vida de aislamiento. Su compatriota Kozman dice: "No conoce a nadie y no quiere conocer a nadie, excepto a mi". Hiller escribe: "... Una noche tocó soberbiamente en casa de Brodwood y luego desapareció otra vez, a lo que parece está muy enfermo". CHOPIN Y SU AMOR CON GEORGE SAND En 1936 conoce a la famosa escritora George Sand, de quien Chopin dice: "He conocido a una gran celebridad, pero su cara no me es simpática, no me ha gustado nada. Incluso hay en ella algo que me repele". Cuando Chopin sufre el asedio de George Sand pero al fin, se enamoran Ella influyó mucho en su obra. Tuvieron un amor tormentoso.

En 1838 junto a Sand va a vivir a la isla de Mallorca (España) ya que buscaba un clima más cálido que mejorara su enfermedad. Tiempo después de regresar a París, en 1847, rompen su relación, y la salud de Chopin se deteriora con gran rapidez desde entonces. Fallece el dia 17 de octubre de 1949 Chopin compuso : Mazurkas, Polonesas, Scherzos, Impromptus, Sonatas, Conciertos, Estudios para piano, Barcarolas, Baladas, Nocturnos, Trío Op. 8, para piano, violín y cello, en Sol menor, Gran Fantasía sobre Melodías Polacas , Preludios, Valses. BIOGRAFÍA DE MANUEL DE FALLA Manuel de Falla nació en Cádiz en el día 23 de Noviembre, del año 1876. fue alumno de su madre, quien era una eximia pianista y descubrió sus aptitudes musicales. Fue una persona de fecunda fantasía, lo que siendo joven, creó una ciudad utópica, llamada Colón. La que él administraba y habitaba. Pero quien verdaderamente lo inclinó a la música, fue un violoncellista: Salvador Viniegra. Tuvo un estilo tipicamente español. Y su obra, linda la perfección, a pesar de no haber sido prolífica. Perteneció al movimiento del Renacimiento de la música de su país, habiendose adentrado en los ritmos autóctonos, pero dandole a su composición un toque vanguardista. Su padre también era músico aunque no era su profesión, que era la de comerciante. Manuel de Falla también gustaba escribir, y lo hizo en el periódico familiar, La Industria española. Pero se decanto mas tarde por la música. Estudio en el Conservatorio de Madrid, desde el año 1899

siendo alumno de José Tragó, quien era compañero de Isaac Albéniz, otro compositor notable, catalán, autor de composiciones de color tipicamente español. Escribió zarzuelas, aunque no tuvieron demasiada repercusión, y se estrenó una: Los amores de Inés. Un maestro que tuvo gran influencia en él, y ayudó a desarrollarse como compositor, fue Pedrell. Que le influyó también con sus ideas. Y luego de estudiar con él viajó a París, Francia, donde tuvo la influencia de músicos como Debussy, Ravel, etc. Habiendo nacido en una familia acomodada, de Falla, tuvo después una vida de pobreza, incluso reflejada en su vestimenta, siendo su sustento las clases de piano, y tocando en una compañía revisteril. Compuso El amor brujo, hermosa obra, y su obra Noche en los jardines de España, fue estrenada en París. Obtuvo el premio de piano en el concurso Ortiz y Cussó, que se llevó a cabo en el Conservatorio de Madrid. Cuando estalla en 1936 la guerra civil española empieza una cruel represión en Granada. Asesinan en Agosto, el día 18 a Federico García Lorca, y el animo de Manuel de Falla cae estrepitosamente. Un año despues ya no podía casi caminar. Era un arraigado Republicano, lo que hizo que en un momento desista de vivir en España, trasladandose a Argentina, la provincia de Córdoba, y desechando el nombramiento del Gobierno español, como Presidente del Instituto de España.

En Alta Gracia, Provincia de Córdoba, Argentina, falleció en el año 1946. Se encontró una obra inconclusa, La Atlántida, que luego fue completada por Ernesto Halffter. ALGUNAS DE LAS OBRAS DE MANUEL DE FALLA Melodía para violonchelo y piano (1897) Romanza para violonchelo y piano (1898) Cortejo de gnomos (1901) Noches en los jardines de España (1909-1915) para piano y orquesta La vida breve (1913), Opera, compuesta según texto de Fernández Shaw El amor brujo (1915) Ballet El corregidor y la molinera (1916-1917) El sombrero de tres picos (1919) la Fantasía bética para piano (1919) Fuego fatuo (1918-1919) Homenaje. Pour "le tombeau de claude debussy" (Granada, 1920) Danza de fuego Canto de los remeros del Volga (del cancionero musical ruso) (Granada, 1922) El retablo de Maese Pedro (1924), fantasía escénica Concierto para clave y 7 instrumentos (1923-1926) Concierto para clavicémbalo (o pianoforte), flauta, oboe, clarinete, violín y violoncello (1923-1926) Pour le tombeau de Paul Dukas (Granada, 1935) El gran teatro del mundo (1927) Balada de Mallorca (Palma de Mallorca, 1933)

Entre sus obras para canto: Tus ojillos negros, canción andaluza (1902-1903) Siete canciones populares españolas (1914) ENRIQUE GRANADOS

Nacio el dia 27 de Julio de 1867 en la provincia catalana de Lleida. Al Norte del pais. Su padre era un oficial cubano al servicio del ejército español. Enrique Granadosdemostro su talento a muy temprana edad y empezo a estudiar piano cuando la familia se radico en Barcelona. En 1880 ingresó a la Academia Pujol . A los 16 años gano una competencia de piano interpretando la Sonata Op.22 de Schumann. Entre el jurado se encontraba el connotado compositor Felipe Pedrell, quien quedo tan impresionado con el talento del joven, que lo acepto como su alumno de armonía y composición en el año 1884. Mientras, Enrique Granados se mantenía economicamente tocando en cafés, al igual que lo hiciera Isaac Albeniz.

Gracias a un patrocinio Enric Granados pudo viajar a París en 1887 pero se enfermo, y eso no le permitió realizar los exámenes para ingresar al conservatorio. Estudió en París, con Charles de Beriot . Y en 1889, regreso a Barcelona. Contrajo matrimonio en esta ciudad y obtuvo una gran reputación como pianista. Fundo entonces, su propia escuela para piano en 1901, la que siguió dirigiendo hasta su muerte. Por esos años, también empezó a componer algunas de sus primeras danzas españolas para piano. Una decada más tarde se estreno su obra maestra, los dos ciclos de piezas para piano titulados Goyescas y que lograron fama rapidamente gracias a su poesía, elegancia y romanticismo. Como gustaba del teatro, Granadosescribió siete operas. Aunque la mayoría de ellas fueron poco exitosas especialmente por sus pobres libretos. Sin embargo, su sensibilidad para componer música vocal encontró otro medio de expresión a través de una serie de canciones, muchas de las cuales escribió siguiendo el estilo de las tonadillas del siglo XVIII. Su interes por este periodo de la cultura hispana se combino con un serio estudio de las composiciones de Domenico Scarlatti. Usualmente su propia música se caracterizo por formas modestas y simples, cierta sobre-ornamentacion pero notables líneas melódicas. Su talento también se extendio al terreno de la improvisación, un aspecto que disfrutaban enormemente sus amigos.

A lo largo de su carrera Granados interpreto conciertos en España, Francia y Nueva York colaborando con directores tales como Isaac Albéniz y Pablo Casals, violinistas como Eugene Ysaye y Jacques Thibaud, pianistas como Mieczyslaw Horszowski y Camille SaintSaëns. En 1912 conocio al pianista norteamericano Ernest Schelling, quien fue el primero en interpretar sus obras fuera de España. Schelling arregló que las obras de Granados fueran publicadas en Nueva York y motivo al compositor a transformar su suite para piano Goyescas en una opera. Aqui, comenzó a desarrollarse su Destino, ya que la idea inicial de Granados era estrenar Goyescas en París, pero como se inicio la guerra, esto, impidió la producción y entonces, acepto preparar la opera para el Metropolitan de Nueva York. Tenia pánico del océano, pero, no obstante, Granados se embarco hacia Nueva York para el estreno de la opera, el que se realizó el 28 de enero de 1916. Mientras estuvo en los Estados Unidos efectuó varios conciertos, grabo para piano y actúo en la Casa Blanca en Washington D.C. Cuando vuelve de ese país, el barco Sussex, en el que Enrique Granados y su esposa viajaban, fue bombardeado por un submarino alemán. Esto sucedio un día 24 de Marzo, de 1916. Falleció intentando salvar a su esposa, que murió ahogada junto a el. Su terror, se había cumplido...

FRANZ LISZT Franz Liszt fue un compositor húngaro y uno de los pianistas más famosos. El empezó su carrera musical muy temprano como un niño prodigio, Estudió con Antonio Salieri y Carl Czerny en Viena. El entonces fue con su familia a París en 1823, donde estudió con el compositor Anton Reicha. Liszt fue amigo de muchos de los iconos culturales del siglo XIX, tal como los compositores Berlioz, Richard Wagner y Frederic Chopin, así como artista Eugene Delacroix y poeta Heinrich Heine. Uno de las situaciones más importantes en la vida juvenil de Liszt fue presenciar los conciertos del violinista Niccoló Paganini, algose ha dicho haberlo inspirado en su búsqueda de hacer del piano el instrumento supremo de virtuosismo. De joven, Liszt tuvo una relación con la Condesa Marie d'Agoult ( ella era escritora) tuvieron tres niños. su hija Cosima (nacida en 1837) que con los años llegó a casarse con Wagner. La relación de Liszt con la Condesa terminó finalmente, y Liszt fue a vivir con la Princesa Caroline Sayn-Wittgenstein, quien fue quien lo llevo a componer, más que a interpretar. Sea como fuere eso, Liszt - a pesar de ser uno de los pianistas virtuosos más célebresde todos los tiempos- abandona la etapa del concierto en 1847, y subsiguientemente sólo realizado algun concierto rara vez en público (por ejemplo. en acontecimientos de caridad y ocasionalmente en clases). Los años que siguieron a menudo son denominados los "años de Weimar", como Liszt se asentó en Weimar (donde él había tenido previamente una posición como director musical) y pasó a componer algunos de la mayoría de sus obras maestras

importantes. Esto incluye la Sinfonía de Fausto y los poemas sinfónicos - una forma que Liszt ha creado .En esos años, Liszt compuso también dos conciertosi de piano y Totentanz para l piano y orquesta. También en esa época, su apoyo a Wagner, así como su enfoque general de la vanguardia en la composición,con divisiones considerables causadas entre dos escuelas de la música - la escuela futurista de Weimar y la escuela más conservadora de Leipzig. El último esta representada por famosos compositores como Johannes Brahms, Felix Mendelssohn y Robert Schumann. Alrededor de 1860, Franz Liszt se asentó más o menos permanentemente en Roma, donde tomó las órdenes secundarias y llegó a ser Abbad Liszt. Aquí su producción consistió principalmente en música religiosa, tal como el Oratorio Christus y La Leyenda de S. Isabel. En el período último de la vida deLiszt tuvo como resultado una modificación considerable en su estilo musical - y Liszt abandonó su estilo virtuoso previo a favor de un enfoque composicional, absoluto y desolado. Durante sus últimos años, FranzLiszt dejó su romanticismo más o menos enteramente y se adelantó dirigiendose a la atonalidad del siglo XX. Esto sorprende especialmente considerando que éll fue de hecho un arquetípico romántico de su tiempo en sus años tempranos. Liszt compuso un gran número de obras para piano. Mientras su Sonata_en_B_menor (1853) a menudo es considerada su composición más grande para piano, uno puede mencionar muchos trabajos que pueden tener merecido aún más o igualmente tal título. Por ejemplo el Années de Pèlerinage contiene muchas obras maestras que describen las impresiones de Liszt sobre Suiza e

Italia (la última colección que contiene la famosa "Sonata del Dante" y el tarantelle). Su Hungarian_Rhapsodies, mientras subsiguientemente criticado como por ejemplo por Bartók diciendo de Liszt que dedicaba su forma de obras a las tradiciones de gitanos antes que a la música folklórica húngara verdadera, sin embargo sus obras populares de concierto esan compuestas con una combinación típica que va de la alegría a la melancolía y cercano al frenesí. Muchos trabajos de piano de Liszt no son composiciones sino transcripciones originales de música de compositores. Sin embargo, Liszt influye generalmente estos trabajo hasta tal punto que ellos llegan a sentirlos propio. Esto es especialmente verdad en el caso de las paráfrasis operísticas. No quiero en estos parrafos dedicados a los músicos hablar de la parte tecnica de sus obras, sino hacer hincapie en sus personalidades. Liszt, fue una persona que amó ayudar a otros músicos, desconocidos, introduciendolos en el ambiente musical o tocando sus obras. Entre ellos estuvo Chopin, con se cuenta una anécdota de su presentación como pianista. Su solidaridad no se limitó a hacer famosos a muchos músicos de la epoca y sus obras, sino que también como en el caso de cuando ocurre el desastre debido al aumento de las aguas del río Danubio, Liszt realiza una serie de conciertos para ayudar a los damnificados de la tragedia. En un concierto, pidió que apaguen los candelabros, diciendo que tocaría a oscuras. Comenzó a oirse la música, y cuando el auditorio, estaba embelezado escuchando se fueron prendiendo los candelabros, y apareció Chopin tocando sus obras.

Franz Liszt provocaba un frenesí cuando se presentaba ante el público, que muchas damas caían desmayadas por la emoción. Su posición en el piano, era echado hacia atrás, pues consideraba que de esa forma los brazos y manos estaban libres para "correr" por el teclado. Era muy típica de él, esa posición ante el piano. Inlcuso se ve esto reflejado en retratos. Franz Liszt también investigó nuevos procedimientos musicales con su técnica de variaciones sobre un tema, y lo puedes apreciar en la Sonata en si menor (1853); presta atención cómo las sencillas notas del comienzo se van transformando, para irse envolviendo con sucesión de coloridos y armonías. Esta técnica y sus armonías cromáticas influyeron en la obra de otros músicos, como Wagner, Strauss ( Richard). Sus composiciones para piano requieren una técnica superior y revolucionaria que otorga al instrumento un color y sonoridades completamente nuevas. En su momento, y ahora, a pesar de los años transcurridos. Fue Maestro, entre otros de Hector Berlioz y Cesar Franck. Liszt, como buen escorpiano, tuvo su doble tendencia. Por un lado, la religiosa, y por otro, la mundana, la de los excesos amorosos. Nunca dejó de viajar, y la muerte lo sorprende en Bayreuth el dia 31 de julio de 1886. RACHMANINOFF (RACHMANINOV) Sergei Vasilievich Rachmaninoff , también Sergey Rachmaninov o SergeiRakhmaninov, fue compositor, pianista y director de orquesta. Nacio el 1 de abril de 1873 y fallecio el 28 de marzo de 1943 . Su nacionalidad era rusa nacido en Semyonovo, su familia era rica con un fondo militar fuerte.

La madre de Rachmaninoff fue quien dio a Sergei sus primeras lecciones de piano. Al ver disminuida su fortuna, la familia se instalo en San Petersburgo y fue allí dondeRachmaninoff estudió en el Conservatorio, antes de instalarse en Moscú , lugar en el que hizo sus estudios de piano con Nikolay Zverev y Alexander Siloti (Quien fue alumno de Franz Liszt y a la vez, era primo de Rachmaninoff). Su maestro en armonía era Antón Arensky y el de contrapunto, Sergei Taneyev . Siendo estudiante Rachmaninoff escribió una ópera : Aleko de un acto, y unos fragmentos del Preludio en Do Mayor. Con el tiempos, Rachmaninoff demostro grandes habilidades como compositor. En 1892, a la edad de 19 años, termino su primer concierto de piano. El Concierto fue revisado más adelante en 1917. La primera sinfonia de Rachmaninoff la compone en 1897, pero resulto un fracaso completo por los críticos. Algunos han dicho que esto era en gran parte debido a la conduccion de Alexander Glazunov , que detestaba a la obra y no-la ensayo lo suficiente. La esposa de Rachmaninoffcomento posteriormente, que Glazunov pudo haber estado ebrio. El dolor que le produjo el estrepitoso rechazo y fracaso, lo llevo a una depresion nerviosa, por la queRachmaninoff dejo de escribir, practicamente, musica. Pero un día le recomendaron que haga un curso de terapia autosugestiva con el psicólogo Nikolai Dahl . Este, conto luegoRachamaninoff, le hacía repetir que haria su mejor obra, que él podria hacerla, entonces, Rachmaninoffrecupero

rapidamente su confianza; y el resultado de estas sesiones de autohinpnosis, compuso el celebre Concierto no 2 para piano y orquesta. Lo escribió en 1900/1901, y Rachmaninoff dedico al Dr. Dahl. Rachmaninoff hizo la parte solista del mismo, y el concierto fue recibido muy bien en su estreno, y comezó a ser popular. El espiritu de Rachmaninoff fue alentado mas a fondo cuando, despues de años de noviazgo, finalmente se caso con Natalia. Fueron casados por un sacerdote del ejército en 1902; su feliz unión duró hasta la muerte del compositor. Rachmaninoff fue convocado, para trabajar como director en el teatro de Bolsjoj en 1904. Por causas politicas se produce su renuncia a ese cargo, dos años más adelante. Entonces, en 1908 se traslada a Italia y posteriormente, a Dresden mientras esperaba que la situación en Rusia se normalizara. El segundo Concierto de pianode dio la reputacion aRachmaninoff como compositor, pero el era también pianista muy bien conocido y altamente respetado. Su perfeccion técnica e impulsion ritmica eran legendarias y sus manos grandes podían cubrir una doceava a( o sea, 12 notas del piano) . Rachmaninoff hizo muchas grabaciones de su propia música así como el repertorio estándar. Rachmaninoff no se consideraba a si mismo un gran pianista. En homenaje e inspirado por el pais que visitó: Estados Unidos, escribe, su concierto No. 3, para piano y orquesta, Este viaje fue acertado, pues lo hizo muy popular en América, y entonces después de la revolución rusa de 1917, emigró a Nueva York .

En esos tiempos, su inspiracion decayo por la nostalgia de su Rusia natal. Cuando él salió de Rusia, fue como si se hubiera ido con ella su inspiración. Sin embargo, su rapsodia en un tema de Paganini , uno de sus trabajos más conocidos, fue escrita en los Estados Unidos en 1934.

Rachmaninoff escribio su sinfonía no 3 (1935-36) y las danzas sinfónicas (1940). Cayó enfermo durante una gira de conciertos en el invierno de 1943. Siempre un fumador empedernido, lo diagnosticaron cancer de pulmón. Profético, su concierto, dado en febrero de 1943, incluyo la Marcha Funebre deChopin. Rachmaninoff murio el 28 de marzo de 1943 en las colinas de Beverly, California , terminando cuatro concertos para piano, tres sinfonías, dos sonatas del piano, la sinfonía coral las Belces (basadas en el poema de Corelli están compuestas en un estilo más emocionalmente alejado, y eso las ha hecho algo menos populares entre la audiencia.) Sergei Rachmaninoff fue enterrado en el cementerio de Kensico en Valhalla, Nueva York . Sus primeros tres conciertos para piano y orquesta, están entre los más grande de la literatura musical- y de las interpretaciones "definitivas" a menudo consideradas como las mas grandes, estan las de Vladimir Horowitz, amigo cercano deRachmaninoff; Byron Janis, el único estudiante reconocido por Horowitz y quién también

había trabajado con Rachmaninoff; así como los interpretaciones del mismoRachmaninoff . SVIATOSLAV RICHTER Sviatoslav Richter, nacio el 20 de Marzo de 1915 en Zitomir . Y fallecio en 1997, el 1 de Agosto. Como su padre fallecio en 1941 durante el regimen de Stalin, pasó la mayor parte de su vida confinado tras los paises del bloque sovietico. Su madre huyo poco despues a Alemania. Entonces, no se vieron durante mucho tiempo. Solo en 1960, cuando Richter debuto en occidente, pudieron reencontrarse. Richter estudio con Heinrich Neuhaus en el Conservatorio de Moscu, y desarrolló su carrera como pianista solista en forma tardia. Todo indica que en sus primeros años fue autodidacta, aunque siempre reconoció su deuda hacia Neuhaus tanto como amigo asi como su mentor. Alguien tan importante como luego lo fue Sergei Prokofiev, con quien tuvo una amistad extensa durante sus tiempos de estudiante. En 1945 Richter, gano la Competencia de Musica de la Union Sovietica, en 1949 el Premio Stalin y durante los años 50 toco solo en paises de Europa del Este. Precedido de tan notable reputacion aparecio por primera vez en occidente en la década del 60. Como tuvo muchos problemas de salud, luego de debutar en Finlandia, Estados Unidos y otros paises de Europa, Richter tuvo muchos inconvenientes en su carrera de concertista.

Y tuvo que cancelar muchos recitales por esa causa. Sin embargo, Richtersiempre dependio de las condiciones donde se presentaba, prefiriendo los escenarios mas intimos como los festivales de Aldeburgh y Spoleto. En ellos no solo actuaba como solista, sino tambien al lado de figuras como Dietrich Fischer Dieskau, Elizabeth Schwarzkopf, Benjamin Britten yMstislav Rostropovich. Richter extraia del piano un abanico de colores tonales, muchos planos sonoros, variados, distintivos y reconocibles desde el principio al fin. Su lado mas introspectivo se reflejo en sus versiones de la musica de Schumann y Schubert, mientras que su sutileza y finura aparecen al abordar Ravel y Debussy. No obstante, su costado mas poderoso y virtuosístico lo demostro, tanto en las obras de Bach como en aquellos conciertos de Rachmaninov, Prokofiev y Liszt ( Hay que destacar su version inigualable, del Concierto No 2, de donde aparecen colores y planos sonoros, a mi criterio, pocas veces superado por otros ejecutantes) En su repertorio de la ultima etapa, Richter fue un precursor en el ambiente discografico. El cual comenzo a desarrollar desde su epoca de intérprete ajustado exclusivamente en los paises sovieticos. Exploro la musica para piano contemporanea. E interpreto obras de Szymanowski, Shostakovich, Hindemith, Berg, Bartok, Myaskovsky y, ¡como no!, Prokofiev, quien escribio varias sonatas para Sviatoslav.

La amistad de Richter con Prokofiev se desarrollo luego de que el compositor buscara un interprete para estrenar su 6ª sonata. Y cuando Richter la interpreto lograron fama tanto la obra como si mismo. Rapidamente llegaron los estrenos de otras obras de Prokofiev, sus sonatas 7ª y 9ª y la Sinfonía Concierto para cello y orquesta. Richter dirigio, entonces al gran Rostropovich como solista. Antonio Salieri Compositor Antonio Salieri nació en Legnago, provincia de Verona el 18 agosto de 1750 e murió en Vienna a la edad de 75 anos. Fue el más famoso compositor di esos tiempos, director de orquesta y profesor de grande músicos. Todavía adolescente estudió violin con Giuseppe Tartini, y luego se trasladó a Venezia con su hermano Francesco para estudiar contrapunto en la escuela de Giovanni Pescetti. En 1766 Antonio Salieri, fue con Florian Leopold Gassmann, Kapellmeister, a Vienna a la corte de Giuseppe II d'Asburgo.Ese año debutó con gran succeso con la opera "Le Donne letterate"; Y el año siguiente, repitió este éxito con l'Armida". A la muerte de Gassmann en 1774, Salieri es nominado Maestro di Cappella dell'Opera Italiana e inició así la su fulgurante carrera de compositor. En 1788 es nombrado Hof-Kapellmeister, a la cabeza de toda actividad musical, cargo que ocupó hasta 1824. En 1784 Antonio Salieri estrenó en París su gran obra maestra, la ópera "Las Danaides". En esta obra, la nítida vena melódica se funde en forma admirable con un alto dramatismo: arias, duetos, coros, intermezzos, todo se

va sucediendo en un atrapante crescendo, donde la música y el argumento se unen de forma expresiva anunciando ya, al teatro romántico. Con la obra Las Danaides, Salieri llegó al máximo de la fama. Ya en Viena, presentó las obras cómicas como La gruta de Trofonio (del año 1785) y Prima la musica e poi le parole (1786). La gruta de Trofonio fue una de las obras de Antonio Salieri, que obtuvieron mayor éxito en los escenarios de Viena de su época. La obertura es sin dudarlo su mejor página: en sus diversos temas, comienza por el de Trofonio evocando los espíritus; posteriormente los instrumentos recitan alternando con movimientos de juguetones campestres con los de carácter grotescamente graves. Esta obertura, es importante dada la riqueza de su perfecta elaboración contrastando con lo que era normal en esa época, y sólo sólo se compara por la madurez de sus formas con las de las últimas óperas mozartianas.(Adelantándose en ésto a Mozart) Injustamente dejado de lado durante muchos años, "gracias" a la leyenda de su traición a Mozart, Salieri, ha sido tan grande en talento, que fue profesor, entre otros, de los músicos grandes entre los grandes, como Beethoven, Liszty Schubert. Inclusive de uno de los hijos del propio Mozart.De sus 39 obras para el teatro recordaremos: " La Escuela de "celos "(1778)," Der Rauchfangkehrer "(1781)," Les Danaides "(1784, atribuida en un primer momento a Gluck)," Ajuste "(1787)," Axure, rey de Ormus "(1788)," Palmira, la reina de Persia "(1795) y " Falstaff. También las óperas, Le donne letterate (1770), Don Chisciotte (1770), L’Europa riconosciuta (1778) y Tarare (1787)

Hoy día el gran Antonio Salieri se recuerda por su presunta rivalidad con Mozart quien lo acusó de plagio y de algo mucho más grave, haber asesinado al famoso compositor de Salsburgo, episodio reforzado con la visión de Miloš Forman en el film Amadeus. Tal rivalidad es en realidad muy improbable ya que en esa época, Salieri era mucho más reconocido y respetado que Mozart y por añadidura se rumoreó, en esos tiempos que en realidad, fue Mozart quien plagió a Salieri. Entre las causas reales de la muerte de Mozart, se dice que, al revelar secretos de la masonería, en la ópera Las flauta mágica, éste, puedo haber sido en realidad, envenenado por compañeros, miembros de la misma. Lo tristemente real, es queSalieri lo negó enfáticamente, pero, fue terriblemente afectado por estas acusaciones, que colaboraron a que padeciera grandes crisis nerviosas el resto de su vida. Recordemos que en Legnago, lugar de nacimiento del compositor, se ha dedicado al teatro Se proponen ciudad donde muchas de sus obras y composiciones.Escribió unas 40 óperas, 5 misas, un réquiem,3 oratorios, 4 TeDeum, 200 y algo más de cánones, (a 2 y 4 voces), motetes, una sinfonía, un Concierto para órgano y otras obras más. Murió en Viena el 7 de marzo de 1825. A las personas que utilizan ligeramente la frase "Eres el Salieri de Mozart", para representar la envidia de una persona hacia otra, se les aconseja revisar un poco más profundamente la historia de este músico, y no quedarse con la visión de Miloš Forman en el film Amadeus... PABLO DE SARASATE

Nacio el 10 de Marzo de 1844 en Pamplona Fallecio en 1908 el dia 20 de Septiembre Biarritz Hijo de un director de bandas militares,Sarasate comenzó a tocar el violín a los cinco años y ofreció su primer recital público a los ocho. Su precocidad despertó tal interés quePablo Sarasate recibió una beca privada para estudiar en Madrid con Sáez. Ayudado por la Reina Isabel, el muchacho fue enviado a París en 1856 para estudiar en el Conservatorio con Delphin Alard. Llegó bien preparado y ganó el primer premio en violín y solfeo un año después. Continuando con sus estudios obtuvo el primer lugar en armonía en 1859. Ese mismo año comenzó a realizar giras de concierto que le hicieron famoso en cada país europeo así como en Norte y Sudamérica (1867-71, 1889-90). Su primera aparición en Londres en 1861 no atrajo mucha atención, pero sus posteriores presentaciones, a partir de 1874, le llevaron a retornar casi anualmente a los escenarios ingleses. Incluso en 1885 estrenó un concierto escrito para él por Alexander Mackenzie en el Festival de Birmingham. Sarasate atrajo la admiración y la amistad de muchos otros compositores famosos, quienes le dedicaron nuevas obras, como es el caso del Concierto N°2 y la Fantasía Escocesa de Bruch; los Conciertos N°1 y N°3, así como laIntroducción y Rondó Caprichoso de Saint-Saëns; el Concierto en fa menor y la Sinfonía Española de Lalo; las Variaciones de Joachim; el Concierto N°2 de Wieniawski (otro virtuoso del violín) y Mazurek Op.49 de Dvorak. Sarasateincorporó todas estas obras a su repertorio y las interpretaba magistralmente.

Su éxito en los países de habla germana, que comenzó con su debut en Viena en 1876, estuvo entre lo más notable de su carrera, ya que su estilo difería radicalmente de aquel de Joachim, el indiscutible maestro violinista de Alemania. A pesar de sus inclinaciones virtuosísticas, Sarasatetambién fue un notable intérprete de cuartetos de cuerda, tanto en presentaciones privadas como en público. Curiosamente le gustaba tocar los cuartetos de Brahms pero nunca quiso interpretar su concierto para violín. La forma de interpretar de Sarasate se caracterizó por un insuperable tono de dulzura y pureza, coloreado por un vibrato algo mayor de lo usual en la época. Sin embargo, se consideraba que su tono, a pesar de lo hermoso que era, tenía poca dinámica y emotividad. Pero su técnica era sorprendente, su afinación perfecta, sobretodo en posiciones altas, y toda su manera de tocar parecía ser casual y sin esfuerzo. Sarasate también logró fama como compositor de música virtuosa para violín. Lo más conocido dentro de sus 54 números de opus son los Aires GitanosOp.20 (1878), un ítem indispensable en el repertorio de todo virtuoso, y los cuatro volúmenes de Danzas Españolas (Ops.21,22,23 y 26) que emplean melodías populares en elegantes arreglos. Su Fantasía sobre Carmen es ingeniosa y técnicamente difícil, pero sus limitaciones se revelan en piezas más superficiales como Introducción y Tarantela Op.43. El amor tragico de Clara y Robert Schumann

La historia romantica y tormentosa que protagonizaron Robert Schumann y Clara Wieck. Ella era hija del profesor de piano de Schumann quien había viajado a Leipzig para tomar clases con el afamado profesor Wieck, quien acogió en su casa a su discipulo. Allí Robert Schumannconoce a la dulce Clara, quien era una joven virtuosa del piano, con una prometedora carrera por delante. Se enamoraron perdidamente . Pero el padre de Clara, cuando llego a enterarse de la relacion entre los jovenes, se opuso drásticamente e intento seprarlos de todas las formas posibles. Sin embargo, la pareja, tras litigar en los tribunales, se caso en 1840. Pero la vida no les trajo toda la felicidad que ansiaban, porque pronto Robert comenzó a manifestar los primeros síntomas de su fatal enfermedad nerviosa, que en 1856 termino con su vida. Dos años antes, como se daba cuenta de la gravedad de su dolencia, el mismo Robert Schumann pidio ser ingresado en un sanatorio mental del que ya nunca volvió a salir. Tras su fallecimiento, Clara siempre desoyo los requerimientos amorosos del joven Brahms (que había sido amigo de la pareja en vida de Schumann) y dedicó su vida como concertista a difundir la obra pianistica de su marido. ALEXANDER SCRIABIN Scriabin, nacio el 6 de Enero de 1872 en Moscu. Y fallecio el 27 de abril de 1915. Nacio en una familia de la aristocracia de Moscú, era hijo de un abogado y de una talentosa pianista. Scriabin fue el único hijo de pareja, su madre murió un año después de su nacimiento y su

padre pasó el resto de su vida en el servicio consular ruso, principalmente en Turquía. Alexander fue criado por su tío Lyubov, su abuela y una tía abuela, quienes consistieron tanto al muchacho que el egocentrismo y el cierto amaneramiento de sus modales pudieron ser causa de ello. Scriabin mostró a temprana edad su talento como pianista y eventualmente formó parte de la gran generación de pianistas rusos que incluyó a Rachmaninov, Lhevinne y Medtner. A los 11 comenzó su formación con Georgy Konyus y en 1884, por recomendación de Taneyev, se unió a la clase de Zverev, teniendo como compañero a Rachmaninov. Los dos fueron siempre amigos a pesar de los posteriores intentos de la prensa por establecer una rivalidad entre ambos. Desde 1885 Scriabin estudió teoría con Taneyev y comenzó a componer. También escribió poesía. En 1888 ingresó al Conservatorio de Moscú donde continuó su formación con Taneyev, Arensky y Safonov. En 1892 dejó el Conservatorio con la segunda medalla de oro (Rachmaninov había ganado la primera) y se embarcó en una carrera como concertista en piano. El año anterior se había dañado la mano derecha practicando Islamey de Balakirev y las Reminiscencias de Don Juan de Liszt, así que dedicó más atención a cultivar su técnica con la mano izquierda, fruto de lo cual surgieron las piezas Op.9. Mientras incluía en sus programas de conciertos obras de Bach, Mendelssohn, Schumann y Liszt, estudiaba profundamente la música de Chopin, la que ejercería una influencia mayor tanto en el estilo como en los títulos de sus primeras obras. En 1893 publicó cinco obras bajo los opus 1,2,3,5 y 7 bajo los auspicios de Jurgenson en Moscú, pero un año después conoció en San Petersburgo al

mecenas y editor Belyayev, quien eventualmente tomaría todo el control de los asuntos musicales de Scriabin hasta su muerte en 1903. Belyayev comenzó por editar la Primera Sonata y los Doce Estudios Op.8, organizó las giras de Scriabin, le pagó generosamente por sus composiciones y prestó dinero, cumpliendo en cierta medida el rol de padre adoptivo. En 1895 Belyayev envió a Scriabin a una gira por Alemania, Suiza, Italia y Bélgica. Una segunda gira en 1896 le llevó a París, Bruselas, Berlín, Ámsterdam, La Haya y Roma. Durante ambos viajes Scriabin siguió componiendo intensamente. Los Preludios ops.11,13,15,16 y 17 datan de este periodo, así como la Segunda Sonata, el Poema Sinfónico y otras partituras. A su retorno a Moscú en el otoño de 1896 compuso el Concierto para Piano Op.20. Se relacionó con una joven pianista, Vera Ivanova Isaakovich, graduada del conservatorio y admiradora de su música, con quien, a pesar de las protestas de sus tíos, se casó en agosto de 1897. La pareja se trasladó a Odessa, donde Scriabin estrenó el Concierto para Piano, y luego viajó a París por cinco meses, lugar en el que él trabajó principalmente en la Tercera Sonata. En 1898, por invitación de Safonov, se unió al cuerpo docente del Conservatorio de Moscú y, aunque encontró sus actividades muy agotadoras, siguió componiendo. Cada vez se interesó más en la música orquestal y escribió Reverie en 1898 y la Primera Sinfonía en 1899, esta última en seis movimientos con un final coral sobre textos que él mismo había concebido como alabanza al arte.

1901 fue dedicado a la Segunda Sinfonía y desde 1902 una creciente preocupación por la filosofía y el misticismo precipitó un cambio radical en su pensamiento, su vida y su música. Las obras que van desde el Op.30 hasta Le Divin Poeme Op.43 (su Tercera Sinfonía) representan el intenso surgimiento de un estilo más individual y la alta productividad de 1903 fue el resultado de este descubrimiento de un idioma más personal, la necesidad de obtener dinero para no trabajar en el Conservatorio y su estudio de la filosofía, especialmente la de Nietzche. Planeó una "ópera filosófica", probablemente la semilla del largamente pensado pero nunca escrito Mysterium. La nueva dirección también se apreció en su vida personal. Dejó Rusia y pasó seis años en Italia, Suiza y Bruselas, abandonando a Vera y a sus cuatro hijos por una joven admiradora, Tatiana Schloezer. La devoción de esta mujer aScriabin estimuló su música y sirvió para estrechar aún más su mirada dentro de un mundo cada vez más egocéntrico en el cual la creatividad y el genio propios llegaron a ser su exclusivo interés. En 1905 conoció la enseñanza teosófica de Madame Blavatsky y rápidamente la colocó en un sitial de privilegio por sobre Nietzche. Llenó libretas de apuntes con notas filosóficas, la mayoría inconexas, y un extenso poema, Poema Extaza (El poema del éxtasis), se convirtió en la base de su siguiente obra orquestal así como de la Quinta Sonata. Aunque en las obras para piano que van desde el Op.44 al Op.57 se adentró en un nuevo estilo, esto quedó mejor representado por Le Poeme de l'Extase para orquesta, completado en 1908 y estrenado ese año en Nueva York.

En 1908 Scriabin conoció a Koussevitzky y desde entonces este último se encargó de sus asuntos, tal como lo había hecho Belyayev previamente, actuando como manager de conciertos y editor. Convenció a Scriabin que retornara a Rusia y la interpretación de El Poema del Éxtasis, tanto en Moscú como en San Petersburgo, generó extraordinario fervor y ubicó a Scriabin a la vanguardia de los compositores contemporáneos. Al retornar a Bruselas comenzó a trabajar en Prometeo, su última obra orquestal, la que involucró el empleo de luces de colores en la partitura como paso preliminar hacia la fusión de las artes y los sentidos que se concretaría definitivamente en Mysterium. Después que Prometeo fue completada en 1910 (y estrenada en 1911 en Moscú sin la parte de los colores), Scriabin se concentró una vez más en la música para piano. Las obras de los años que anteceden a su muerte, desde el Op.58 en adelante, revelaron un refinamiento y perfección de su idioma maduro. Esto se aprecia mejor en las últimas cinco sonatas para piano, todas en un movimiento. Las finales incluso llevan el modernismo hasta sus límites dejando la tonalidad y preparando el camino para el aún no escrito Mysterium. En estos últimos años continuó viajando ampliamente, ofreciendo recitales y disfrutando con satisfacción el suceso universal de sus obras orquestales en los años anteriores a la Primera Guerra Mundial. Visitó Londres en 1914 y le apareció una erupción en su labio superior que eventualmente se infectó. A comienzos de 1915 ofreció tres recitales en Petrogrado pero tuvo que ser operado varias veces en un intento por frenar una septicemia. Esto le causó la muerte en abril.

Hubo una clara relación entre el egocentrismo de Scriabin y el desarrollo singular de su música desde el estilo tranquilo y derivativo de su juventud a las obras profundamente progresivas de sus últimos años. Su compulsivo interés en la teosofía y el misticismo fue compartido por muchos en esa época, especialmente en Rusia. Scriabin creía en la próxima regeneración del mundo a través de un cataclismo. El nuevo Nirvana surgiría desde su propia creatividad prometeica y combinaría todas las artes y apelaría a todos los sentidos en una gran síntesis. Con este fin pasó doce años planeando y discutiendo Mysterium y su eventual interpretación en un templo hindú. Incluso aceptó el inicio de la guerra de 1914 como un paso inicial hacia la regeneración cósmica. Su interés en la sinestesia de color y música surgió de discusiones con Rimsky-Korsakov en 1907, cuando encontró que ambos experimentaban distintas asociaciones entre notas y colores. De hecho la relación de entre las notas y los colores realizada por Scriabin fue más bien subjetiva que científica. También trabajó con Alexander Mozer, quien diseñó un órgano de colores. Pero la música tan sensual y sugerente de Scriabin sufrió un inevitable revés en la década del 20 cuando los estilos románticos tardíos fueron desacreditados. Stravinsky personificó el nuevo espíritu y la reputación de Scriabin decayó después de la guerra. Solamente un estudió posterior, mucho menos arbitrario, permitió apreciar de mejor manera sus logros y el deleite que pudo provocar la asociación de la música con todos los medios visuales.

Es interesante tener en cuenta la manera en que Scriabin consiguió forjar un estilo propio independiente de sus raíces musicales y la rapidez con la que lo desarrolló. Su lenguaje no puede ser enlazado directamente con otros compositores de la escuela rusa, aún cuando él admiró la música de sus colegas y aprendió mucho de ella. Aparte de la poderosa influencia de Chopin, que se confinó casi exclusivamente a la música para piano, es posible encontrar algunos hitos deLiszt, Wagner y Franck. Pero estos desaparecieron tan pronto como Scriabincomenzó a explotar armonías más avanzadas y desarrollar un estilo propio a partir de 1903. Las últimas obras de Scriabin, desde 1910 a 1915, están estructuradas sobre elementos armónicos en vez de temas, usualmente variantes del así llamado "acorde místico". Otra característica es la aparente disolución del tiempo, lo que condujo a formas cada vez más condensadas. Así como las primeras sonatas y sinfonías empleaban la forma sonata y procedimientos cíclicos de manera convencional, las últimas seis sonatas, El Poema del Éxtasis yPrometeo están concebidas en un movimiento, menos importancia en la estructura temática y mayor énfasis en patrones armónicos e intensidad de texturas. Scriabin tuvo pocos alumnos y nunca contempló la continuidad de su propio lenguaje musical. Algunos compositores, como Prokofiev, Szymanowski y Bridge, cayeron brevemente bajo su influencia. Pero sin duda el más cercano a Scriabin en términos de combinar lo sensual con lo místico fue Messiaen. Desde una perspectiva amplia, Scriabin puede ser visto como un compositor realmente visionario

que inició un nuevo lenguaje musical, como Schoenberg y Debussy lo estaban haciendo al mismo tiempo, no menos radical y avanzado que el de ellos y rompiendo decisivamente con la tonalidad. Pero su prematura muerte deja mucho a la imaginación sobre lo que pudo ser su posterior aporte.

TCHAIKOVSKY El compositor ruso eminente Pyotr Ilyich Tchaikovsky nació el 7 de mayo en 1840, Votkinsk; provincia de Viatka , en Rusia, ( Algunas personas dicen que el 7 de Marzo de 1840, otros en Abril, debido a la diferencia de calendario que se utilizaba en Rusia en esa epoca) . La primera mención de su participación con la música aparece en una carta de 1844 que informa que compuso una canción, "Mamá en Petersburg". En su casa, Tchaikovsky oyó canciones tradicionales, arias populares, y romances cantados por su madre, y por las partituras tocadas por un órgano , entre ellos extractos del Don Giovanni de Mozart. (Mozart seria para Tchaikovsky uno de sus compositores amados ). Las clases de piano, empezadas cerca de la edad de cinco, y continuadas en St. Petersburg, donde él entró internado en 1848. Tchaikovsky era un niño demasiado sensible, irritable, y cualquier palabra que le sonara agresiva o hiriente, lo hacía reaccionar llorando desconsoladamente. Tuvo un amor y apego a su madre casi enfermizo, y cuando lo llevaron a estudiar a otra ciudad, se dice que llorando amargamente, se aferro onloquecidamente a las ruedas del carruaje que los llevaría a él y a su hermano al internado.

Este hecho dramatico lo marco muchísimo en su vida, igual que la muerte de su madre, cuando tenía 8 años de edad. Quiza, este fuera uno de los motivos de su inspiracion a veces sombría, dramatica. Otro gran drama en la vida de Tchaikovsky, fue su condicion de homosexual, que las mentes retrogradas, no aceptaban. Y esa condicion, lo hizo penar mucho. Pues intentaba por todos los medios, de que no se conozca tal inclinacion. Escribe a su hermano Modesto, tambien homosexual, el 10 de Octubre de 1876 escribe Tchaikovsky "hay personas que no pueden remediar el despreciarme a causa de mi vicio………. Deseo, por medio del matrimonio o de algún otro lazo público con una mujer, cerrar la boca de esas despreciables criaturas." Una discipula de él, Antonina Miliukova, le escribio a Tchaikovsky que lo amaba, y lo invitaba a que la visite. El muchas veces le repitio que no, ya que solo podia ofrecerle su gratitud y simpatia. No obstante, Piotr, termino casandose con ella, siendo este matrimonio un estrepitoso fracaso. Este hecho, lo sumio en una gran desesperacion, por lo que intento suicidarse tirandose a las heladas aguas del rio Moscova. El huyó de Moscú en un estado de la confusión pero logró terminar tres obras maestras -- la Cuarta Sinfonía, el Concerto de Violín, y la ópera Eugene Onegin--antes del 1878 de mayo, cuando su esposa acepto la separación (ellos nunca se divorciaron). Ella termino siendo internada en un manicomio. Ya en esos tiempos, tenía la amistad con la Condesa von Meck. De 1850 a 1859 él asistió la Escuela de Jurisprudencia, donde Tchaikovsky participó en un coro realizado por Gavriil Lomakin y piano estudiando con Rudolph Kundinger y armonía conel hermano

de Kundinger. Obteniendo la graduación en el Ministerio de la Justicia, Tchaikovsky continuó dedicado la música, y en 1861 él empezó las clases patrocinadas por la Sociedad rusa de la Música. El año después, Tchaikovsky dejó su trabajo y entró el Conservatorio apenas-fundado de St. Petersburg. Trabajando entusiastamente bajo la direccion de Anton Rubinstein y Nikolai Zaremba, y recibió una Medalla de Plata por su cantata de la graduación en el Schiller de Johann Freude en diciembre 1865. Tchaikovsky enseñó teoría en Moscú, uniendo la facultad del nuevo Conservatorio de Moscú cuando abrió en septiembre 1866. Durante sus 11 años allí, él compuso su Concierto para piano no. 1 (1875), el Lago de los Cisnes, musica de ballet (1876), cuatro óperas, tres sinfonías, y muchos trabajos más pequeños. El estableció también amistad con los compositores del grupo nacionalista conocido como "El grupo de los Cinco," especialmente Balakirev y Rimsky-Korsakov; el crítico Vladimir Stasov lo llamó el "sexto miembro de su círculo". Una historia entre romantica y extraña, la vivio con la Condesa von Meck. ( Viuda con 12 hijos, que, quiso en dedicarse a ayudar artistas desconocidos, pero además de enfrascarse en la parte espiritual) En una ocasion, ella asistió a un concierto donde se tocó música de Tchaikovsky y se enamoró de su música. Ella lo apadrinó, pagandole un salario, para que él se dedique por completo a la composición. Intercambiaron correpondencia, durante 13 años, y él intentó conocerla personalmente, pero la condicion de la Condesa, fue no encontrarse jamás. Se cuenta que en una ocasión él creyó ver a la Condesa en un carruaje, que paso cerca de Tchaikovsky.

Estaban enamorados platonicamente, y sus cartas eran muy amorosas. Ella lo comprendía y alentaba incluso haciendo criticas de su obra. Tchaikovsky le dedico su CUARTA SINFONIA. Un día, inesperadamente, ella dejó, no solo de escribirle, sino que le retiró la pensión asignada. Cosa que no fue lo que mas dolió a Tchaikovsky, que nunca pudo tener la explicación de parte de ella, del motivo real. Se dice que una de las causas, fue descubrir que él era homosexual. Lo suminó en una depresión inmensa, y desde ese momento, él decayó mucho. Curiosamente, o tal como lo creía Tchaikovsky, el Destino hizo que ella falleciera a los dos meses de haber muerto él. De 1878 a 1885, Tchaikovsky vivió a veces en Rusia, a veces en Europa occidental. Su reputación creció con el Capriccio Italien (1880), la 1812 Propuesta (1880), y dos más óperas, así como la Liturgia (1878) y el Servicio Vespertino (1881). Durante sus últimos años él vivió en Moscú . En 1888 Zar Alexander III le otorgó una pensión anual. La fama de Tchaikovsky, como tanto el Director de orquesta, como de compositor, dio como resultado de una serie de visitas internacionales, que lo llevó a los Estados Unidos en 1891. El continuó componiendo -- la Bella Durmiente de ballet (1889) y el Cascanueces (1892), el Quinto (1888), Sexto (1893), y Manfred(1885) Sinfonías, y tres óperas finales, inclusive la poderosa y teatral La Reina de Palas (1890). Los compositores más jóvenes lo emularon, entre ellos Ippolitov-Ivanov de Mikhail y, más tarde, Sergei Rachmaninoff. En noviembre. 6 (N. S.), 1893, unos

pocos días después de completar su Sexta Sinfonía,Tchaikovsky murió en el St. Petersburg. De esta sinfonia, se dice que en el último movimiento, describe su sentimiento ante su final inminente. Fue la sinfonia que mas conforme dejo a Tchaikovsky. Aunque se dijo que Tchaikovsky murió del cólera, algunos eruditos creen que su muerte fue de hecho un suicidio, el resultado de una amenaza para revelar su enlace con un joven hidalgo ruso. Tambien se dice que cuando el tio del alumno se enteró que Tchaikovsky tenía atracción por él, se le hizo una especie de juicio en el lugar donde daba las clases. Y según algunos historiadores, ( no se si ha sido comprobado) se lo conminó a dar a conocer publicamente su condicion de homosexual, ( que en esos tiempos era considerado como un grave pecado) o se suicidara con arsenico. quiza esto no sea más que una leyenda. Pero la realidad es que Tchaikovsky terminó bebiendo agua contaminada, y su muerte fue provocada por el cólera. Pero lo extraño, fue que su cadaver, a pesar de morir de colera, fue expuesto publicamente, y acudieron a derle el ultimo adios miles de personas que besaban sus manos, su frente, y ninguno se contagio.... En sus Sinfonias 4a. 5a. y 6a. habla del Destino, habitando una idea que se le atribuye "No se puede huir de él. El Destino siempre nos alcanza". Al último movimiento de la Sexta sinfonia, le han llamado con ese nombre: "Destino", pues se piensa que en él plasmó musicalmente el fin de su vida, y el inexorable alcance de ese Destino, a pesar de los pasajes, en los anteriores movimientos, de éxtasis,( Tema del

primer Movimiento) de alegria de vivir, ( como en el Tercer movimiento) de "olvido" temporario de la muerte que, según Tchaikovsky tiene el hombre. RICHARD WAGNER Nacio el 22 de mayo de 1813 en Leipzig Fallecio 13 de febrero de 1883 en Venecia No se sabe si fue hijo del actuario Friedrich Wagner, quien murió poco antes de su nacimiento, o de un amigo de su madre, el pintor, actor y poeta Ludwig Geyer, con quien ella se casó en agosto de 1814. Richard fue a la escuela a Dresde y a Leipzig. A los 15 años escribió una obra teatral, a los 16 sus primeras composiciones. En 1831 ingresó a la Universidad de Leipzig, estudió música con el Thomaskantor, C.T.Weinlig, y escribió una sinfonía que tuvo un exitoso estreno en 1832. Al año siguiente fue nombrado director del coro en el teatro de Würzburg y escribió tanto el texto como la música de su primera ópera, Die Feen. Aunque esta obra no se estrenó, la siguiente, Das Liebesverbot, escrita en 1833, fue escenificada en 1836. Por entonces hizo su debut como director de ópera con una pequeña compañía que, sin embargo, sufrió la bancarrota poco después de interpretar su ópera. En 1836 se casó con la cantante Minna Planer y se trasladó a Königsberg, allí fue por un tiempo director musical del teatro, y luego ocupó un puesto similar en Riga, donde comenzó su siguiente ópera, Rienzi, y dirigió sobretodo muchas obras de Beethoven. En 1839 la pareja tuvo que escabullirse de sus acreedores en Riga, viajaron a Londres y luego a París, donde Richard fue acogido por Meyerbeer e hizo trabajos para editores y teatros. También

comenzó a escribir el libreto y la música para una ópera sobre la leyenda de El Holandés Errante. Pero en 1842 la ópera Rienzi, basada en un tema político que transcurre en la Roma imperial, fue aceptada por Dresde yWagner viajó para su exitosa premiere. Su tema refleja algo de la propia política de Wagner y su relación con el movimiento intelectual semi-revolucionario Joven Alemania. El Holandés Errante, presentada al año siguiente, fue recibida con menos suceso a pesar de ser un drama musical mucho más profundo y comenzar a mostrar su alejamiento de la tradición de "ópera de números", así como una poderosa evocación de lo sobrenatural (inspirado por el tormentoso viaje de Riga a Londres). Entonces Wagner fue nombrado Kapellmeister en la corte de Dresde. El tema de la redención a través del amor de una mujer, que aparece en el Holandés, volvería en otras óperas de Wagner (y quizá en su vida). En 1845 no sólo completó y estrenó Tannhäuser, sino que comenzó Lohengrin, revelando en ambas una textura más continua con una narrativa semi-melódica y un soporte orquestal que refuerza el sentido del drama. En 1848 se vio envuelto por el fervor revolucionario y al año siguiente escapó a Weimar (donde Liszt le acogió). Luego se trasladó a Suiza y, por ser políticamente sospechoso, no pudo retornar a Alemania en los siguientes 11 años. En Zürich escribió su obra antisemita Judaísmo en Música (donde incluso ataca a Meyerbeer) y su postulado básico sobre teatro musical, Opera y Drama. También comenzó a esbozar el texto y la música de una serie de óperas sobre leyendas nórdicas y germánicas.

Alrededor de 1853 el texto de esta tetralogía (que se llamaría El Anillo del Nibelungo) quedó listo, impreso y puesto en manos de sus amigos, entre otros Otto Wesendonck y su esposa Matilde. Enamorado de Matilde, compuso unas canciones y se inspiró para concebir Tristán e Isolda. Antes de completar esta obra en 1859, Wagner actuó en Londres y se separó por un tiempo de Minna. En 1860 se reencontró con su esposa en esta ciudad y al año siguiente reestrenó Tannhäuser en una versión adaptada al gusto francés pero igualmente rechazada sobretodo por razones políticas. En 1862 pudo volver a Alemania junto a su esposa enferma (ella murió en 1866), al año siguiente ofreció conciertos en Viena, Rusia, etc., y en 1864 fue invitado por el rey Ludwig II a establecerse en Bavaria, cerca de Munich. Aunque el rey le proporcionó dinero y saldó sus deudas, Wagner no pudo permanecer por mucho tiempo en Bavaria debido a la oposición de la corte, más aún cuando se supo que tenía un amorío con Cosima, la esposa del director Hans von Bülow (e hija de Liszt). Pero Bülow le perdonó e incluso dirigió e estreno de Tristán en 1865. En esta ópera, basada en el amor sexual, Wagner desarrolló un estilo más rico y cromático que en cualquier otra obra anterior, usando la disonancia y la necesidad de resolución de una manera continua que conllevaba tensión y un sentido de profunda búsqueda. De hechoi, el segundo acto es un continuo dueto de amor que explora cada emoción, desde la ternura hasta lo apasionadamente erótico. Antes de retomar la creación de El Anillo, Wagnerescribió, a mediados de la década de 1860, la ópera Los Maestros Cantores de Nuremberg, cuyo carácter fue bastante distinto.

Esta comedia, que se desarrolla en el siglo 16 en Nuremberg, muestra el triunfo de un noble poeta-músico en un concurso de música, lo que no sólo se traduce en una victoria sobre aquellos que se sostienen en las antiguas pero tontas reglas, sino que también le permite ganar la mano de su amada, así como fama y riqueza. (La analogía con la visión de Wagner de sí mismo es obvia). La música es menos cromática que en Tristan, más agradable y a menudo contrapuntística, reemplazando las figuras mitológicas de sus otras óperas con personajes poseedores de una real humanidad. La ópera fue estrenada por Bülow en 1868. Por entonces, Wagner vivía en Tribschen, cerca de Lucerna, y ese año, 1868, Cósima se le unió formalmente, pronto llegaron los hijos y en 1870 recién se casaron. Las primeras dos óperas de El Anillo, El oro del Rin y La walkyria, fueron presentadas en Munich, a pedido de Ludwig, en 1869 y 1870. Pero Wagner deseaba tener un teatro especial para todo el ciclo y, después de emplear toda sus energías tratando de conseguir dinero, recibió la ayuda de Ludwig en 1874, el mismo año en que la cuarta ópera, El Crepúsculo de los Dioses, quedó lista. El teatro se construyó en Bayreuth y fue diseñado por Wagner como el sitio ideal para su Gesamtkunstwerk (obra de arte total, una unión de música, poesía, artes visuales, danza, etc). El primer festival realizado en 1876 fue un triunfo artístico pero un desastre financiero. En esa ocasión se representó todo el ciclo de El Anillo, tetralogía que comprende 18 horas de música relacionada entre sí por una detallada e inmensa red de temas, o leitmotifs, cada uno de los

cuales tiene un significado alusivo: un personaje, un concepto, un objeto, etc. Estos temas cambian mientras las ideas de la ópera se van desarrollando y se escuchan en la orquesta, no sólo como caracterizaciones, sino también como parte de la acción, incluso informando al auditor sobre las conexiones entre las ideas o lo que sucede en el escenario. En El Anillo ya no hay "números operísticos", la textura musical está estructurada de manera narrativa y el diálogo es reforzado por la orquesta. Además, la tetralogía no es tan sólo una historia de dioses, humanos y duendes, ya que contiene reflexiones sobre cada aspecto de la condición humana. De hecho ha sido interpretada como socialista, fascista, profética, como una parábola de la sociedad industrial, y mucho más. En 1877 Wagner se presentó como director en Londres, esperando recuperarse de las pérdidas en Bayreuth. A fines de año comenzó una nueva ópera, Parsifal, mientras continuaba con sus escritos musicales y polémicos, estos últimos centrados en la pureza racial. En Parsifal, un "drama sacro", nuevamente se interesó en la redencion pero ahora a través de los actos de la comunión y la renuncia. Su estreno se realizó en Bayreuth en 1882. Wagner fue a Venecia en el invierno y murió en la ciudad italiana en febrero a causa del problema cardiaco que le venía afectando desde hacía algunos años. Su cuerpo fue devuelto en góndola y tren para ser sepultado en Bayreuth. Odiado por algunos, adorado por otros, Wagner concluía una vida dedicada a cambiar la música, el arte y el pensamiento sobre él. Y si

bien su carrera y su creación elevaron las más encendidas pasiones, nadie puede dejar de reconocer su grandeza.

Las óperas de Wagner "Las hadas" (estrenada en 1888) "La prohibición de amar" (1836) "Rienzi" (1842) "El holandés errante" o "El buque fantasma" (1843) "Tannhäuser y el torneo de los cantores de Wartburg" (1845) "Lohengrin" (1850) "El anillo del nibelungo" * El oro del Rhin" (1869) *"La walkiria" (1870) * "Sigfrido" (1876) * "El ocaso de los dioses" (1876) "Tristán e Isolda" (1865) "Los maestros cantores de Nürnberg" (1868) "Parsifal" (1882)