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DISCOS PARA ESCAPAR DE MATRIX Tomás Pérez Guerrero

DISCOS PARA ESCAPAR DE MATRIX

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PRÓLOGO “La tarea de ablandar el ladrillo todos los días, la tarea de abrirse paso en la masa pegajosa que se proclama mundo, cada mañana topar con el paralelepípedo de nombre repugnante, con la satisfacción perruna de que todo esté en su sitio, la misma mujer al lado, los mismos zapatos, el mismo sabor de la misma pasta dentífrica, la misma tristeza de las casas de enfrente,…” Julio Cortázar abre una de sus obras más emblemáticas con una reflexión que explica por sí misma la idea que encierra esta selección de discos. Todo artista que se enfrenta a la tarea de crear una obra nueva se vale de una forma u otra de todo lo que ya existe, de obras de otros artistas, de ideas prestadas, de reglas escritas o no escritas que circunscriben los trabajos al campo de lo reconocible. El consumidor casual de arte, de cine, de música, espera encontrar una y otra vez los mismos conceptos, los mismos argumentos en las nuevas películas, las mismas estructuras en los nuevos discos, en general trata de buscar una fórmula consabida para sentir que el mundo que le rodea pertenece, como indica Cortázar, a la tranquilidad que aporta la rutina y lo conocido. Pero el arte se define por su capacidad para ser original, para explorar nuevos caminos, nuevas ideas y nuevas formas de expresión que permitan al autor tener su propia voz y no solo ser un imitador de estructuras clásicas. Así, entre la ingente cantidad de obras olvidables a veces afloran ideas frescas de artistas valientes que escriben en mayor o menor medida bajo reglas propias. Este libro trata de seleccionar una buena cantidad de grandes e innovadores discos que durante los últimos cien años, aun quedando en el olvido comercial o popular, han escrito una historia divergente, y con el paso del tiempo han ido encontrando el lugar que merecían. Como en la famosa película de ciencia ficción de los hermanos Wachowski, Matrix, tendremos que elegir entre la pastilla azul o la roja, los que elijan la pastilla azul podrán seguir como hasta ahora, los que elijan la pastilla roja están invitados a explorar el contenido de este libro.

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DISCOS PARA ESCAPAR DE MATRIX

Captain Beefheart Trout Mask Replica

Año / 1969 Sello discográfico / Straight Records Género / Avant‐Garde Nacionalidad / EE.UU.

Don Van Vliet mutaba por momentos en ser ultramundano, se confundía a si mismo con su personaje. Las ansias de crear algo único y diferente le torturaron durante tres largos años hasta dar con una fórmula inaudita para crear una obra musical de dimensiones infinitas. Frank Zappa sin apenas escuchar ni un argumento entendible resuelve que el capitan merece su confianza ciega, financia el proyecto y se convierte en productor de la mas grande obra musical del siglo XX. Beefheart compone un material de carácter surrealista, con raiz de Blues y atmósfera de free Jazz, lo hace al piano y crea los arreglos para su banda, a la cual reune en una casa durante seis meses para ensayar. Ese periodo que reconozco en mi interior como el periodo verdeazulado, se construye con escasez de alimentos,

presencia de alteradores de conciencia, compendios de actividades de carácter social inoportunas, declamaciones artísticas y conexiones neuronales entre las fases conscientes e inconscientes. El trabajo está finalizado, Frank presiona el botón REC en el estudio y la Magic Band interpreta la música mas serpenteante jamás conocida, lo hace en primeras tomas, parecen improvisar, atemoriza pensar que cada nota está escrita y ha sido ensayada durante meses. Beefheart aproxima su garganta granulosa al micrófono y declama extraños versos que mezclan campos de concentración nazis, introspecciones psicológicas, referencias cosmológicas y verdades aún en estado de hipótesis. Trout Mask Replica aparece así como la obra mas inaudita de la historia, arte en estado de perfección, originalidad, talento y algo que aún hasta este dia no acierto a entender.

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The Velvet Underground White Light White Heat

Año / 1968 Sello discográfico / Polydor Género / Post‐Punk Nacionalidad / EEUU.

La flotabilidad de las ondas sonoras que convergen en este album hacen de Velvet Underground la banda definitiva de una época insostenida por notas musicales divergentes.

en apariencia una pista de relleno para terminar la longitud temporal de un album. En realidad este corte justifica no solo la presencia de este album sino de toda la década de los sesenta.

Candy Says es íntima y psicotrópica a partes iguales, suavidad deshecha en interpretación descuidada, producción imperfecta, ecos armónicos de los cincuenta, Lou ni canta ni deja cantar, pero la evanescencia de su garganta se cuela entre los versos de naturaleza simplista y los hacen rodar.

Predicen a los Sonic Youth con sus disonantes arreglos, la dualidad feminina‐ masculina en las voces, el rapeo declamatario de aires Beatnik, y los versos vaporosos y herrumbrosos.

La balada empalogosa y tranquilona puebla una parte importante de la minutada. Hay regusto a sustancias aletargantes, absorven la energía del grupo, los apisonan como papel de fumar. Amplian su visión con rock de carácter amable y con guiños a un ruido que contienen casi sin entenderlo, The Murder Mystery es

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Este es sin duda su trabajo menos accesible, está lleno de disonancias, ruidos, distorsión, pasajes hablados y sequia melódica. Pero por el contrario contiene un material informe de extraña belleza que se pega al estómago y te deja una sensación peculiar, es como si quisieras vomitar de placer.

Miles Davis Miles Smiles

Año / 1966 Sello discográfico / Blue Note Género / Post Bop Nacionalidad / EE.UU.

La inclusión de conceptos Hard Bop comienzan a dar aqui sus verdaderos frutos, Miles da una vuelta mas de tuerca y busca la complejidad en un ejercicio de virtuosismo sin precedentes. Los músicos contienen el aliento y sobrevuelan el sistema solar a lomos de ritmos vertiginosos, escalas febriles y divergentes en busca de melodias perdidas en el fondo de alguna caverna insondable. Una vez que Miles Davis pone a tono a su quinteto, este comienza a funcionar como un reloj, Miles se aventura en pasadizos estrechos y lo hace a gran velocidad, no teme el choque, sabe que no puede caer, el propio movimiento los hace flotar. Cuando se paran, se tranquilizan, y tambien lo hace el tiempo que queda en estado de latencia escondido detrás de los espacios sonoros del contrabajo, vibrando al ritmo de un acorde amplísimo de piano. Davis nunca toca la nota esperada, construye un ambiente reconocible con nuevo material,

realiza un acto de imaginación inaudito, la confianza parece tornarse en arrogancia. El sistema nervioso no tiene descanso, se emplea a fondo en su lucha contra el tiempo, el paraiso ultraterreno parece una sala de espera al compararse con estos sonidos. Este Jazz tiene una belleza asombrosa, es una red que captura voluntades, el asidero de la vida, la razón que explica el sentido de la existencia, que crea viajes astrales a universos paralelos, que inspira a Picasso ante un lienzo. La sonrisa de Davis se entiende, ha encontrado un nuevo universo mas allá de la materia. Este Jazz es lo mas grande que un ser humano puede imaginar.

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Charles Mingus The Black Saint & The Sinner Lady

Año / 1963 Sello discográfico / Impulse! Género / Post Bop Nacionalidad / EEUU.

La ingeniería musical de Mingus se expande con The Black Saint And The Sinner Lady. Belleza en estado de ondas sonoras que transita arreglos complejos para crear lo increado y demostrar las cualidades intelectuales de uno de los mas grandes compositores del siglo XX.

con profundidad y autenticidad.

Mingus recoge un siglo de evolución en el Jazz, desde su cuna en las bandas del Mardi Grass de Nueva Orleans hasta las salvajadas del Free Jazz, el Bop y el Modal. No toma partido por ninguna propuesta, se vale de todas ellas y crea su propia obra en un recoveco del espacio‐tiempo llamado intemporalidad.

Y bajo ese incesante martillear de amuletos y verdeazules se muestra una magna oblicuidad de mercadeo y ostracismo, es lo que en su inmensa lejania se ha venido en denominar la cadencia de una posible conspiración cosmológica.

La elegancia de las disonancias contenidas en paletas armónicas difusas y complejas avanzan por cambios imprevistos. Su contrabajo soporta junto a una bateria incontenible a una banda en estado de gracía, capaces de sobrevolar las partituras del genio, capaces de impregnar cada nota

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La gráfica demuestra que The Black Saint es la mediatriz de corte entre la tradición y la modernidad, entre los conceptos ortodoxos y las ansias de creatividad descontrolada.

Sin duda uno de los mejores discos de Jazz de todos los tiempos, de elegancia inigualable y con una ingente cantidad de información en capas sucesivas de concepto que abarcan desde el interior mas oculto hasta la historia mas universal.

Tom Waits Rain Dogs Año / 1985 Sello discográfico / Island Género / Art Rock Nacionalidad / EE.UU.

Waits cuenta historias y las musicaliza con ritmos y armonias sencillas, pero las arregla con profusión de medios, transmuta cada tema y le dedica detalles infinitos hasta asegurarse que cada nota, cada segundo tiene personalidad, tiene alma. Cada corte es casi un album en si mismo, asi que Rain Dogs es un album de albums, una contrariedad de divergencia controvertida, cartas de una baraja que se marca a si misma con extrañeza y durabilidad aurea. Rain Dogs supone uno de los climax creativos de la epoca mas fructífera del músico americano. Explora universos cacofónicos por mediación de ritmos complejos, instrumentos exógenos, letras oscuras y una producción atrevida. El barniz general lo pone una cierta cadencia operística, circense incluso.

blues, a Howlin Wolf, a la psicodelia lisérgica de Captain Beefheart. Los temas caminan sobre letras andamiadas y complejas pero sin descuidarse en arreglos, siempre impredecibles, siempre frescos. La vastedad de un oceano de limón y la puerta de un muerto de grises son cadencias de un alma en pena pero creciente. De una petulancia de marmol y boletus. Hay reminiscencias a Bruce Springsteen, a Leonard Cohen, a los nombrados Captain Beefheart y Howlin Wolf, hay temas jazzisticos al mas puro estilo de los años veinte, hay folk desnudo y auténtico, rock experimental con arreglos dodecafónicos y un sin fin mas de aristas que hacen de Rain Dogs una obra inmensa.

La interpretación tiene esencias a

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Isaac Hayes Hot Buttered Soul

Año / 1969 Sello discográfico / Stax Género / Soul Nacionalidad / EEUU.

Hayes expande el lenguaje del R&B con una obra que se deja influir por la psicodelia y el sinfonismo rock que se apoderaba del lenguaje musical a finales de los sesenta. Hot Buttered Soul aletarga los tempos para dar espacio sonoro a una voz intensa y profunda, que contrasta con arreglos sinfónicos de aires pop y armonias femeninas de tradición Detroiana. El album se abre a ritmos mas contagiosos y menos intimistas, con reminiscencias a Hendrix pero con pura alma de R&B, Hayes demuestra estar en estado de gracia, la producción lo empuja en desarrollos instrumentales minimalistas, contrastes de saturación sinfónica y estribillos pegajosos. Queda espacio para improvisar y para experimentar con contención en un último apoteósico corte que da paso a una balada que enlaza con Sinatra y los Moody Blues.

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El ovillo de una lana de cuero y senectud se abre paso en una via de amplitud y densidad antagónica. La euforía borbotea sobre una manta de ladrillos y luces de farol. En esencia este Hayes no encuentra lo que busca, se desdibuja y se deja llevar por un espacio apenas entreabierto que dibuja en bocetos de aceite y miel en un espejo de cristales de almibar de flores y flotadores de bien. Se corta en el aire con un dibujo de cepillos y un cerro de alfileres. Se cae. Se despierta. Se desvanece.

Can Tago Mago Año / 1971 Sello discográfico / United Artists Género / Kraut Rock Nacionalidad / Alemania

El rastreo de una melancolía se adueña de un páramo de ensueño. Un visor de vida y lágrimas en un puerto de secano. El viento de antorcha calza movimientos exquisitos. Y escapa a una oscuridad azul e informe. El abandono mostrado para el comienzo de esta obra despista, muestra al profano un sonido mal planeado y mal interpretado, pero Can no deja nota suelta sin sentido, la desidia es un sentimiento con intención. La enormidad de esta obra se muestra en la heterogeniedad de un material que tratando de nacer del hipocentro del rock se expande hacia recovecos inexplorados de la musica de vanguardia, la electrónica y la poesía postmoderna. Se muestra además en la capacidad de tomar prestados conceptos de musicas difusas

e incorporarlas con sutileza a sus melodias para no levantar grandes sospechas. Esta idea los enlaza a otras bandas como Radiohead que han tratado de realizar un ejercicio similar, la expansión progresiva y tenue de la música contemporanea. Pero hay momentos para la exploración incontenida, pasajes instrumentales que se cuelan como ladrones de bicicletas en la extensión sonora de sus temas. Para esos momentos la banda alemana toma el control sonoro dirigidos por el bajo, las alucionaciones musicales de Holger Czukay y la hipnosis rítmica de Jaki Liebezeit. Suzuki aprovecha los espacios abiertos para divagar con libertad. Son la banda Kraut mas abierta al rock anglosajón, se convierten con Tago‐Mago en una de las referencias mas internacionales del estilo. Emblema y punto de inflexión.

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John Coltrane Olé Coltrane

Año / 1961 Sello discográfico / Wax Time Género / Hard Bop Nacionalidad / EEUU.

El engendro de chopos y fronteras se desvanece sobre la flor de otoño, y quien volaba bajo para rozar con sus yemas la tierra húmeda ahora se encuentra en un cosmos de amplitud logarítmica. Esta visión de caos es tan hábil como la propia ceguera de un nido de ratas. El vino de dulce que empalaga ya se saborea como una recompensa de una realidad que se escapa. Coltrane coge las riendas de su carrera, el proceso de aprendizaje ha dado su fruto, sus ideas son claras y coherentes, los músicos son una banda cohesionada, un solo ser vibrando al unísono bajo la batuta espiritual del gurú, no hay palabras, no hay consignas, no se hacen rehenes. Es una batalla por la humanidad musical, la mas alta cota de honestidad, la conexión perfecta entre consciencia y alma, entre el ser que es porque se sabe en si y el

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que se intuye porque se siente cuando no se controla. La intensidad es contagiosa, vertiginosa, la profundidad es la armonia del piano que sobrevuela entrecortadamente sobre el chocolate de la bateria y el bajo, puro y negro, amargo, se funde con el calor, tremendo a estas alturas. Ahora si, Coltrane, lo ha conseguido, es su primera obra que sobrepasa los limites del mundo perceptible. El barco del jazz ha llegado a la tierra prometida. Un album lleno de complejidad rítmica, de ideas coloristas y densas que se rompen en extasis sonoros de hipnosis, de catarsis repetitivas, aprendizaje de la perfección para los músicos que se desprenden de las limitaciones mundanas y rozan el paraiso con sus vibraciones.

Slint Spiderland Año / 1991 Sello discográfico / Touch & Go Género / Post Rock Nacionalidad / EEUU.

Slint agrega nuevos ingredientes al rock alternativo que ebullía en la América de los ochenta. El rock progresivo parece inconexo con la simpleza y la urgencia del movimiento rock indie, pero Slint encuentra la forma de sumar la grandilocuencia y la tendencia al sinfonismo del estilo.

segundo plano, es poesia beatnik, arte posmoderno aderezado por armonías ambiguas. Los arpegios guitarreros pueblan buena parte del album, evitando el cliché armónico agradable, buscan disonancias controladas para crear efectos de desapego, de tensión, misterio, ambiguedad sonora.

Spiderland es el gran triunfo de la banda, un disco que permanece en segundo plano comercial pero que llega a convertirse en una influencia fundamental de tendencias nacientes, como el post‐rock. Su rock se alarga, su tempo se aletarga, el rango dinámico se expande para crear momentos de éxtasis sonoro por mediación de la distorsión controlada, que no funciona como una ametralladora de poder, es mas bien el grito incontenido de sensaciones que se acumulan durante las minutadas sonoras de expectación y tranquilidad.

El album es orgánico, no hay artificios, es casi una interpretación en directo, el sonido es natural, casi parece un album de Jazz. Los temas se alargan, tratan de expandir las sensaciones dolosas hasta el infinito creando pasajes de hipnosis, pero los cambios se producen en los momentos mas inesperados, y el grupo está en racha, saben escoger los acordes adecuados. El rock simplista avanza hacia el sinfonismo postmoderno.

La melodia vocal brilla por su ausencia, Slint casi rapea, cuenta historias en

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Mission Of Burma Vs

Año / 1982 Sello discográfico / Ace of Hearts Género / Post‐Punk Nacionalidad / EEUU.

Mission Of Burma busca incansablemente el giro imposible que haga de su punk algo único y autentico. Vs es el testamento de un triunfo apabullante sobre el concepto, la puerta a la eternidad en canciones agrias y ruidosas. Pero hay mucho mas que una colección de temas de simple rock rugoso y creible. MOB siempre esperan hasta encontrar la marca de lo inaudito, lo hallan en fraseos hipnóticos, baterias salvajes incapaces de contenerse en el marcar del tiempo. La triada de temas inicial marca un hito imbatido de intensidad, los arpegios guitarristicos los colocan como elemento de unión con el pop rock alternativo de estampa precisa y amplia, REM se saborea en la subconsciencia del caracol abandonado a su suerte. Pero el carácter pop de Dead Pool semienterrado entre su parquedad instrumental se bifurca por caminos tribales de un noise declamatario que para el caso lo

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bautizaré como noisec. Vs es una de las obras mas asombrosas del rock primigenio de principios de los ochenta. La tierra se hace afable y diáfana. Se abre un mundo de lanzas de venas y arterias en una frontera que se esconde bajo la ahora incomprensible realidad de un mundo de vitalidad bajista. La vitalidad de una urgencia de aspirinas y castidad es en estas vias un fin en si mismo, no la cantinela de una vida de sabor a fresas y nata. La interpretación permite la busqueda de tesoros complejos y simples, de caos y condiciones de vida variable. La cadencia es tan efímera como la hipnosis de una duplicidad rítmica y una suavidad de voces de raiz y cuero.

Mahavishnu Orchestra The Inner Mountain Flame Año / 1971 Sello discográfico / CBS Género / Jazz Rock Nacionalidad / EEUU.

John Mclaughlin consigue una audiencia con un semidios griego, el encuentro es breve, las palabras sobran, pero el encuentro merece la pena. Miles Davis se expandia hacia el rock por un camino que McLaughlin sentia que le pertenecia por derecho. La plegaria era mas que nada un golpe en la mesa, John era dueño de la esencia del engendro y no queria mas que poner los puntos sobre las is. El semidios sonrie por la osadia, pero observa en el fondo de las pupilas de John algo que jamas entenderá, es que como ya dijese Homero "los dioses envidian a los hombres porque estos son mortales" y cada dia en sus vidas es algo único, una carta a todo o nada. Mclaughlin acepta el desafio, arma la banda de la sobrefortaleza doble con tirabuzón mortal en parada cardiaca, y forma la Mahavishnu Orchestra, quizá como desafío al poder divino griego se alia con los hindues,

Vishnu aporta profundidad y clarividencia. The Inner Mountain Flame es una obra casi perfecta que rivaliza con Bitches Brew de Davis, es mas rock, mas clásica y rural, pero es belleza ideal en estado puro, es mielsobreojuelas, son peladillas de avena tamizada con carbón y sorbete de limón, casi una obra de El Bulli. Como sus discos en solitario, los temas son intensos y potentes, y a pesar del tecnicismo las ideas son leales al estómago, respeta la esencia del rock y promueve pasajes de sofistificación jazz que permiten hacer elevarse al engendro como uno de esos bizarros aparatos con los que el ser humanoide trataba de conquistar el cielo a principios del siglo pasado. Es un pionero también, pero a diferencia del resto John pone la primera y la última piedra de su invento. Ya nadie lo superará.

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Ash Ra Tempel Ash Ra Tempel

Año / 1971 Sello discográfico / Ohr Género / Kraut Rock Nacionalidad / Alemania

Los alemanes persiguen efímeras quimeras que se esconden en espacios incontrolables, conocen las reglas anglosajonas pero las retuercen en extrañas paradojas para adueñarse de la esencia. Ash Ra Tempel abondona el mundo conocido y se adentra en ondas vaporosas, místicas, onirismo descentrado, encuentra la mediatriz concurrente entre el rock progresivo y la psicodelia lisérgica y lo utiliza como lanzadera para escapar sin mirar atrás. Sus armas: la privación lírica, el sinfonismo como conexión con lo universal y la osadia de unos teutones imberbes. Su debut se divide en dos largas suites de corte instrumental y aires improvisados que avanzan desde momentos de relajación y contemplación hasta un rock rugiente y simplista de carácter Hendrixiano. La improvisación se comete en estado

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de inspiración cuántica. La luz se percibe de forma tenua a través de millones de orificios que conforman una atmosfera primigenia, tribal, el estado de ánimo se apodera de la banda y los empuja hacia estados mentales desenfocados, los conecta con sus esencias, con la cosmología universal de las ondas sonoras, lenguaje universal del ser humano, puente natural entre los dos grandes monstruos interiores, la conciencia y la subconciencia. Ash Ra Tempel sobrecogen, se apropian de la voluntad, defininen un ritmo óptimo de respiración, vuelcan la pózima esencial en abundancia sobre los hombros del oyente.

Gang Of Four Solid Gold Año / 1981 Sello discográfico / EMI Género / Post Punk Nacionalidad / UK.

La ausencia de forma y fondo domina un lago de disconformidad y duda. Pero los elementos se utilizan para construir caminos de imprecisión y arrogancia bajo el paraguas de una sonrisa de picardía y violencia contenida. En Solid Gold hay material diseccionar durante meses, Gang Of supera la epopeya Entertainment! adentran en territorios novedosos expandirse y convertirse en leyenda.

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Sus temas son un rock simple que divaga hacia la carestía de melodía, influencia directa de Velvet Underground y afines, trazan lineas que predicen el noise‐ rock. Pero tienen tiempo para el pop de corte adolescente, son otro enlace hacia lo que se denominará como College rock.

que se centran en lo esencial por medio de ritmos sencillos y guitarras abrasivas pero contenidas. En esencia dejan espacio vacio que da un aire de obra realista y creible. Sus palabras hablan de las paradojas de un mundo que apesta a mierda de primera, pero no lo hacen como sus colegas provenientes del punk echando fuego de sus bocas, por el contrario su crítica es mas un refinado arte para hacer pensar sobre las contradicciones de la realidad absurda y aplastante rodeante. Solid gold es una de las primeras obras que se engloban por derecho propio en la etiqueta genérica y mayoritaria desde entonces del rock alternativo. Escucharlo ahora es sentir los cimientos de gigantes de la talla de Sonic Youth, Pixies, Husker Du o similares.

Pero mas allá de etiquetas Solid Gold es exactamente lo que advierte su título, un macerado de buenos y solidos temas de rock,

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Max Roach

We Insist! (Freedom Now Suite)

Año / 1960 Sello discográfico / Candid Género / Avant‐Garde Jazz Nacionalidad / EEUU.

Un clásico absoluto del género que se adapta como un guante a la época que le toca vivir. El percusionista Max Roach se atreve en un momento crucial de la historia americana a hablar del racismo, de la esclavitud, de la pesada losa que la moral americana soportaba mientras se engañaban llamandose paradojicamente el pais de la libertad.

Coleman Hawkins tienen espacio para desarrollarse artisticamente. Le da la voz a una casi desconocida Abbey Lincoln quien se deja llevar por el contenido y se convierte en la fuerza impulsora de la interpretación. Los gritos de rabia de temas como Triptych son simplemente sobrecogedores. No se echa de menos melodia.

Durante el inicio de los sesenta, los afroamericanos protestan contra las condiciones que les confinan en el vagón de segunda del pais. Los movimientos de derechos civiles cobran protagonismo, los negros se llaman entre ellos "hombre", quieren hacer incapie precisamente en aquello que se les niega. El jazz en manos de los innovadores del momento se convierte en un lenguaje certero, afilado, que denuncia con su complejidad y su alocada vibración la injusticia.

Su trabajo es intrincado, complejo, retorcido, atonal a veces, ritmico y rápido con frecuencia. Es en definitiva una muestra de arte y creatividad, de capacidad técnica inigualable. La declaración es clara ¡libertad ahora!, hay rabia y frustración en las palabras que proponen.

Max Roach conforma una banda heterogenea donde veteranos de la talla de

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Obra luminaria de la decada de los sesenta, un símbolo musical como pocos ha dado el género.

The Residents Not Available Año / 1978 Sello discográfico / Ralph Records Género / Avant‐Garde Nacionalidad / EEUU.

Ambiente pegajoso y disfuncional, formador de sensaciones cortantes, ritmos viscosos que fluyen a duras penas bajo la batuta inexplicable de unos seres desconocidos que se reunen en lugares secretos para crear arte mayúsculoso.

oscuridad, según la cual no podrían editar el disco hasta que se hubieran olvidado completamente de su existencia. Así, tras 4 largos años la banda recuerda que ya no recuerda la existencia de este disco y edita en el 78 esta obra.

El hombro de un gigante contiene elementos imperecederos sobre la sombra de una montaña de grandeza subliminal. Un bisonte de cañas que se amansa sobre la vitalidad de una hormiga conceptual.

La espera merece la pena, Not Available contiene sonidos oscuros y tristes, de una inarmonía bellisima.

La apariencia muta para crear hueco a una variación de la escena en décimas de un segundo escurridizo. The Residents, la banda desconocida mas famosa de la historia, se enfrantan a una prueba de fuego que les permite editar una de sus obras mas grandes y de mayor belleza sonora.

Nunca la fealdad habia sido tan hermosa, nunca el pop tan inaccesible, nunca el surrealismo tan simple, nunca la electrónica tan orgánica. La armonía de sintetizadores se deshace en migajas e interpretaciones difusas, pasajes minutales que se sobresaltan los unos a las otros, melodias que pasan de unos a otros para crear variaciones cuasisinfónicas sobre las cuales ablandar la realidad y adentrarse en la via residentil.

Ponen en práctica la teoría de la

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The Who Quadrophenia

Año / 1973 Sello discográfico / Track/MCA Género / Progressive Rock Nacionalidad / UK.

La obra definitiva de los Who, una opera rock que tiene tantas aristas y tantas posibles lecturas que podria decirse que estamos ante la obra mas seria de la historia del rock.

llenas de melodias excepcionales, letras elocuentes, potencia y rock duro, una producción impecable, y algunas de las mejores interpretaciones vocales e instrumentales del combo.

Nos cuentan la vida de un chaval que vive en Londres a mediados de los sesenta, es un mod de los pies a la cabeza, un adolescente con un trabajo de mierda que odia pero que le permite pagarse sus trajes caros, su moto y las drogas del fin de semana.

"Escucho la musica de los latidos del corazón, me giro y la gente se rie, ¿estará en mi cabeza donde todo esto comenzó?¿estará en mi cabeza o en mi corazón?"

Es el relato íntimo y profundo de la vida de un adolescente, sus demonios interiores, sus dudas y su madurez a través de sus experiencies vitales. Es una fotografía inmensa del Londres de mediados de los sesenta, todo un testimonio sonoro de un lugar y una epoca. Es un disco con canciones increibles,

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A diferencia de Tommy este concepto es muy maduro, las canciones y la historia estan solidamente meditadas y trabajadas, una obra muy cerebral que milagrosamente no pierde un apice de la fuerza y la potencia rock. La cumbre de los discos conceptuales en medio de la generación de los artistas progresivos. Justifica por si solo la aportación de los excesos de los setenta al rock.

Jane's Addiction Nothing's Shocking Año / 1988 Sello discográfico / Warner Bros. Género / Alternative Rock Nacionalidad / EEUU.

El grito de un águila que sobrevuela el paraje de sueños y mentiras. De disfraces y colores de una vivacidad irreal. La paradoja de una historia que se atropella los situa en el centro de una nueva buena que ha de destruir lo quejumbroso coetaneo para dar paso a un pasadizo de triángulos y roces. Las antiguas reglas se utilizan aqui para sensibilizar los poros por nuevos escondites de inifinidad y sensualidad inesperada. Liderados por el extraño y mistico ser llamado Perry Farrell (pseudonimo del cantante) los Jane's Addiction fueron un grupo de corta vida que forjaron su leyenda a través de grandes canciones, directos apabullantes y sensuales, y una aureola de misterio que los envolvia y los hacia creerse casi como seres mitologicos en un universo de admiradores y estupefactos oyentes que

soñaban con formar parte de la mágica y lisergica familia musical del grupo. Canciones que se nutren del rock alternativo de los ochenta, el rock clásico de los sesenta, el rock progresivo de los setenta y el hard rock y el heavy metal. Las canciones son extravagantes y personales, potentes, directas, elocuentes, poeticas, sinfonicas y complejas, llenas de freseos y solos de impresión, lineas melodicas y arreglos exoticos, con multitud de aristas para descubrir en sucesivas escuchas; en definitiva un buen vino para degustar por paladares esquisitos capaces de percibir los pequeños detalles de la excelencia. Las canciones se arman instrumentalmente sobre la poderosa y consistente base rítmica formada por el bateria Stephen Perkins y el bajista Eric Avery, sobre la cual navega la guitarra libre y enfurecida de Dave Navarro, y como la exotica voz de Perry Farrell.

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Thinking Fellers Union Local 282 Mother Of All Saints

Año / 1992 Sello discográfico / Matador Género / Noise Rock Nacionalidad / EEUU.

La herida de una sierra se abre paso como una cuchilla de un afeitado que nunca se esperó. Pero todo se termina un segundo justo antes de lo esperado. En esas están cuando ya se han marchado. El nucleo es sin embargo un historia conocida que se arma con mas antipatia de la esperada con el único aliento de crear una visión particular. En Mother Of All Saints se mezclan sonidos diversos que provienen de inspiraciones casi contradictorias. Los Thinking son ruidosos, agrios, dodecafonicos y ambiguos. La mayoria de su sonido se fundamentan sobre la idea de la deconstruccion sonora, la evasión melodica consciente. Pero hay momentos en que la melodia toma el control del asunto y se descubren tonadas pop que amplian el horizonte sonoro del engendro.

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Su ruido es a veces puro y otras una forma descontrolada de interpretación rock. Beben tanto del noise rock, del post‐punk como de tendencias artisticas añejas, lejanas, provenientes de la psicodelia alocada y lisergica de los sesenta. Son una mezcla intermedia entre Talking Heads, los Sonic Youth, Captain Beefheart y Red Krayola. Pero la simpleza de sus fraseos los hace pegadizos por momentos, los alinea con el grunge tendente al rock alternativo que empieza a llenarlo todo. Para colmo el album es largo, existen 23 temas en este universo de sonidos altisonantes. Mother Of All Saints es interesante porque no se parece a nada de lo que proviene, porque es original e impredecible, y porque a pesar de todo lo anterior está lleno de ganchos sonoros pegadizos y huidizos.

Frank Zappa Uncle Meat Año / 1969 Sello discográfico / Bizzare Reprise Género / Art Rock Nacionalidad / EEUU.

Un album apasionante a medio camino del Jazz, el rock y la musica clásica de vanguardia. Lleno de giros inimaginables, complejas melodias, humor, desarrollos progresivos y sorpresas sonoras. Frank Zappa es sin lugar a dudas uno de los compositores mas personales del mundo del rock, de hecho a veces resulta dificil englobarlo en el genero, su mente era demasiado libre para ceñirse a las estrechas normas del mismo. Todo es posible, cualquier sonido inimaginable, cualquier compás, desde lo mas sencillo a lo mas complejo, con una sola premisa, un solo nexo de unión: evitar los cliches establecidos en el rock, asi las melodias construidas son de todo menos facilonas, los arreglos pueden ser repetitivos y simplistas sin caer en lo evidente o por el contrario indagar en las capas mas profundas de la complejidad basada en desarrollos jazz y progresivos con ciertos toques de musica

barroca. Como contrapunto a todo ello hay pistas habladas y canciones influidas por la musica de los años cincuenta: el doo‐woop y el rock and roll mas simplista, con todo, encajan en el conjunto aportando aire. Los intrumentos utilizados para dar forma al concepto van desde los sintetizadores hasta claves, percusión de orquesta, vibrafonos, vientos y guitarras. Este album es sin duda un avance en la carrera de Frank Zappa, supone su fundamento para lo que desarrolla posteriormente en los años setenta. Es un trabajo apasionante que crece con las escuchas, pero es cerebral, necesita de amplias miras para ser disfrutado, aunque promete una recompensa de ingente placer.

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Third Ear Band Third Ear Band

Año / 1970 Sello discográfico / Harvest Género / Art Rock Nacionalidad / UK.

El viento de un espacio amplio es la razón de ser un vapor de frio y tinieblas que sobrevuela un lago de hielo de soja y tiernos. El dibujo recuerda Isotopos radiactivos pero perdurables, una dirección humectante entre la vitalidad emocional y el candor de vísceras en estado de ensueño. La matriz de luez y juventud se asoma bajo la plataforma de una puerta entrecerrada. La eterna disyuntiva entre lo que es y lo que parece, entre lo que puede ser y lo que quiere ser. Mezcla sublime e inspirada de musica hindú y rock minimalista cargado de ideas híbridas que encajan dentro del mundo de lo progresivo. Third Ear Band crean una serie de temas llenos de magia y sonidos memorables que desenvuelven el álbum por el camino de lo utraterreno. Se compone de cuatro largos temas

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que se inspiran en los cuatro elementos primarios: agua, tierra, fuego y aire. La obra alcanza cotas cósmicas de una inspiración divina, el lenguaje se convierte en universal, parecen tocar alguna tecla escondida en sus instrumentos que les hace sobrepasar las limitaciones de su percepción física. La intensidad está en la hipnosis de la repetición, que tiene todo el sentido cuando se alcanza el tejido sonoro adecuado y los músicos se niegan a abandonarlo, lo nutren de minutos infinitos, saben que en ese momento han alcanzado la eternidad y cuando refrenen sus almas y acepten la derrota todo habrá terminado. Pero este album es un frasco de eternidad informe, un testimonio de su triunfo frente a los dioses impasibles. Es una justificación suficiente de la existencia de la vida en el planeta.

Eric Dolphy Out To Lunch Año / 1964 Sello discográfico / Blue Note Género / Avant‐Garde Jazz Nacionalidad / EEUU.

El contraste de una matemática decimonónica y la simpleza que lleva ímplicita con la libertad de un boceto de diámetro diverso es la esencia de una propuesta que no escatima en esponjas para ablandar los ladrillos de habitáculos cuadráticos.

ritmos complicados, disonancias, ruidos y elementos no musicales que generan paisajes sonoros interesantes, imaginativos, diferentes.

El olmo de recuerdos no entendibles se hace real en la conducta de un aviador de ojos celestiales. La cobardia rezuma en un codo de dobladez inconexa.

A veces se contiene con acordes a los que acompaña con melodias abiertas y abstractas y otras se deja llevar por improvisaciones libres regidas tan solamente por la intuición y los sentimientos.

Pero hay algo dulce que amansa una fiera de esparto y vacio intrínseco. Esa dulzura por paradoja se escribe sobre los mismo renglones de un vaciador de esencias. Obra cumbre del Avant‐Garde, del saxofonista Eric Dolphy, habitual del conjunto que acompañaba por entonces a Charles Mingus.

Consigue moverse por espacios intermedios entre el Free Jazz y el modal.

La grabación es impecable. La interpretación perfecta y el material compuesto es sublime, sirve al concepto con acierto. Es un clásico de un estilo que puede no ser entendido por la mayoria pero que aporta momentos de extraordinaria belleza y emotividad.

Obra compleja y retorcida llena de

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Galaxie 500 On Fire

Año / 1989 Sello discográfico / Rough Trade Género / Dream Pop Nacionalidad / EEUU.

Icónico album de Galaxie 500, con On Fire consiguen un momento efímero de perfección realizado con lo mínimo imprescindible. Album de rock simple, tendente al folk depresivo, oscuro y minimalista, sin artificios, mas que una interpretación sentida y profunda de un trio de advenedizos que apenas saben tocar sus instrumentos. Pero hacen de sus limitaciones sus virtudes mas destacables, la simpleza de sus acordes y ritmos, les permiten centrarse en lo que realmente importa: en las sensaciones. Y de eso On Fire está sobrado. La candidez se alinea con la simpleza mas orgánica para construir melodias de corte pop y alma folk, introspección reverberante en ambientes minimalistas, voces de iglesia y versos adolescentes para una obra inmaculada y virginal. Belleza efimera que se escapa en cada minuto, porque la inocencia da paso a estados de

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tristeza egocéntrica, adolescencia y "soy el centro del universo". La producción es distante y evocadora, un contrapunto perfecto a la simpleza interpretativa. Las composiciones mantienen una linea recta de tempo bajo y depresivo desarrollo, y la voz se adentra en melodias altas y sentidas dando un color folk y racial a la grabación. Galaxie 500 consigue una unión mas íntima y artística que otros bienintencionados como REM en lo que respecta al folk‐rock de los sesenta y el new wave de los ochenta. Su obra es un momento que se difumina y acaba con la banda, que se agota en sus limitaciones, pero para el momento On Fire es un testimonio de enorme belleza que permanecerá en los oidos de quien tenga algo de sensibilidad intacta.

United States Of America United States Of America Año / 1968 Sello discográfico / Columbia Género / Psychedelic Rock Nacionalidad / EEUU.

El color de un motor de rotores controlados se aviva y se entrecorta. Se derrumba en un empaño de cristales de seda. La fugacidad de lápices sobre mesas de madera se arremolina en un compas de deshechos amontonados. Su doble vista los posiciona como un puente de longitud traicionada, en pasos sobre oleajes y nubes de plástico y color de órdagos. Como resultado la nada y el contener de una respiración difusa. La psicodelia americana partía con una ventaja considerable con respecto a la británica, estaban liberados de la empalagosidad pop que intoxicaba toda la música proveniente de las islas. United States Of America son una de esas bandas que desde el otro lado del atlántico nos aportan un lado mas serio y fructifero del movimiento.

acero verdeazulado, viscoso y con olor a almizcle. Los americanos añoran el sonido británico, adoran a Pink Floyd, pero aun tienen venas de bluesman enraizadas, lo que los hace mas serios, mas experimentales, mas difusos. Su música se mueve entre los excesos armónicos e instrumentales de la psicodelia y los sonidos abstractos y desestructurados del Avant‐garde. Son un lugar único intermedio entre Pink Floyd y The Velvet Underground. Lo que ya de por si es una aventura con mucho interés es en este caso mas especial al conseguir construir canciones que no solo tienen intención sino melodia y momentos notables instrumentales. Desde el pop se mueven hacia el rock duro, el garage sucio y simplista y llegan por caminos inexplorados hacia el ruido y el exotismo de arreglos personales y divergentes.

Caramelos multicolor enfundados en

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Nico Desertshore

Año / 1970 Sello discográfico / Reprise Género / Art Rock Nacionalidad / Alemania.

Instrospección de seriedad cuasireligiosa para una artista que transita el abismo del ruido y la desesperación piscológica. Los órganos dan forma armónica a un album minimalista en las formas, exubertante en melodias e interpretaciones vocales, profundo, denso y oscuro en su sonido. Campos de experimentación sonora, lugares retorcidos con melodias alienadas y arreglos personales. Sus temas tienen un carácter oscuro y profundo, un trasfondo tradicional reinterpretado con acierto e inteligencia para construir algo personal y original. Hay elementos sinfónicos y religiosos que se mezclan con una concepción simplista e hipnótica de las canciones, el resultado es un ambiente sobrecogedor y retorcido.

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Utiliza claves y órganos de forma minimalista, ayudan a crear esa sensación de oscuridad gótica que encaja de forma sobervia con la voz de la artista. Nico nunca será la artista reconocida que podia ser esperada, será un oscuro objeto de deseo para el enfermizo buscador de tesoros sonoros que evitan la estructura y formas ortodoxas. Las influencias sobre Kim Gordon de los Sonic Youth o Bjork son impagables. Sobrecogedor.

Buffy Sainte Marie Illuminations Año / 1969 Sello discográfico / Vanguard Género / Folk Nacionalidad / Canada.

Los Chamanes de la América primigenia encuentran su camino a la modernidad por medio de la voz y la sonoridad de una artista que inflexiona el universo con su presencia. Buffy diverge del folk ortodoxo, revitaliza un género que agonizaba después de un Dylan que enterraba a todo artista a su paso. Buffy muestra la puerta de la experimentación, la influencia del jazz de vanguardia, del rock psicodelico, la filosofía hippy y un trasfondo politico de apego a la cultura de las tribus nativas de norteamerica.

intimidad acustica a la grandilocuencia de violines y densos bajos. Este disco es la quinta esencia del folk experimental en los sesenta, una obra definitiva de influencia aun inexplorada. Profunda y honesta, intima y cosmica. El album pasó inadvertido por completo en su epoca, pero dejó una huella profunda en los trabajos de otros artistas contemporaneos como Tim Buckley con su excepcional Lorca o los teutones de culto Can.

La mezcla de sonidos abstractos, sintetizadores y guitarras acústicas rebelan un caracter mistico en la voz de Buffy quien transmite tensión con sus eternos vibratos que alargan las silabas hasta la disonancia. Los pasajes instrumentales pasan de la

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Wire Pink Flag

Año / 1977 Sello discográfico / Harvest Género / Punk Rock Nacionalidad / UK.

El sonido es granuloso y electrizante, consiguen una atmósfera cargada de vibraciones que se mantiene de principio a fin, Wire firma una obra innovadora y llena de sonidos interesantes. La espera es tan solo una estrategia entre los dedos de seres vertiginosos que abundan sobre el lomo de una simpleza cuaternaria. Se descubren los nexos de unión con una nueva realidad recién creada, recién nacida. La vivacidad transita por mundos de opacidad, a veces sobre una dinastía de urgencia y en otras vidas sobre un compasión de soles y lunas. Pink Flag suena como un motor bien engrasado que avanza a paso firme desde un primigenio punk hacia el rock alternativo de los ochenta, hacia un pop declamatorio y difuso.

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Es un album visionario, uno de los debuts discograficos mas originales de la primera oleada de discos punks. El album pivota sobre las sensaciones de los miembros de la banda, habitualmente negativas y grisaceas, pero lo que importa es la textura sonora, la melodia pasa a un segundo plano y la estructura se adapta a la sensación desdibujando el concepto de estribillo. Utilizan con inteligencia las disonancias, creando un estilo que los diferencia del resto del movimiento. Hay cantidad considerable de medios tiempos que hacen de Pink Flag un disco punk peculiar. Tambien hay tiempo para rock directo, rápido y breve, de hecho los temas raramente superan los dos minutos de duración, se queman en un par de repeticiones estructurales y a otra cosa.

Fela Kuti Roforofo Fight Año / 1972 Sello discográfico / Jofabro Género / Afrobeat Nacionalidad / Nigeria.

Roforofo Fight contagia en su ritmos vertiginosos, en la repetición incansables de fraseos simples, de contrapuntos eternos entre los miembros de una banda en estado de gracia que flota por la gracia de un lider todopoderoso capaz de atraer sobre si la gravedad del planeta, de reconstruir el jazz americano y de poner la semilla para que el continente madre se posicione en la música internacional como creadores de algo único y diferente. El inventor del Afro‐beat, Fela Kuti, era sin duda la figura mas importante y representiva de toda la musica africana, una especie de Bob Marley africano que mezclaba sus aspiraciones musicales con politica y rebelión social, soñaba con una Africa unida y libre del colonialismo donde el socialismo brindara a la gente una vida confortable y digna. Las canciones superan todas ellas los quince minutos de duración, una necesidad

que se hace evidente con la escucha, los ritmos repetitivos y bailables se convierten en hipnóticos, te adentran en la locura tribal que subyace en la musica, los miembros de la banda se dejan llevar, no pueden parar de tocar sus instrumentos con sencillas melodias que en el contraste del conjunto se tornan complejas. El afro‐beat se nutre de los ritmos africanos, de ricas capas de percusión que se adornan y embellecen con guitarras, teclados electronicos, saxos, trompetas y metales con sonido jazzistico. Es musica africana pero influida por lo que llegaba desde los paises occidentales. Se puede escuchar la influencia funky, hay mucho de James Brown, el jazz y cierto caracter rock. Todo lo demás es la emoción del momento que vibra entre los musicos y que en este caso es lo mas reseñable y lo que da valor de obra de arte a esta pieza de vinilo.

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Nucleus Elastic Rock

Año / 1970 Sello discográfico / Vertigo Género / Jazz Fusion Nacionalidad / UK.

Nucleus confunde con su titulación, no hay rock fundamental en su obra, hay Jazz maduro y elegante que avanza en sus formas hacia texturas rock. Pero la esencia permanece en la intención de crear pasajes sonoros que capturan la voluntad al estilo del viejo Jazz de los cincuenta y sesenta. El álbum es de una belleza plástica asombrosa, en pocas ocasiones los instrumentos electricos y organicos se han unido de una forma tan natural y tan fructifera para recrear musicas dispersas y aparentemente indisolubles y cincelar una obra unica, hibrida y pasionalmente intelectual como pocas veces se haya podido escuchar con anterioridad. Sin que sirva de precedente, esta vez si, el jazz mantiene su caracter social y dialogante y el rock aporta una textura densa e inteligente.

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Está plagada de buenas y certeras ideas que bombardean tu mente constamente desafiando tu inteligencia y tu capacidad para el placer mas incomprensible. "Taranaki" como ejemplo es un tema que transita el espacio mas intimo y sofisticado, pero no se aleja de las ideas directas, se mantiene en equilibrio casi imposible sobre la delgada linea de la equidistancia estilistica. "Crude Blues" es elegante y tan retro como actual. La influencia de Davis se pasea por las melodias de los metales con cierta soltura, las guitarras y la bateria transitan espacios progresivos y entre ambos no se dejan llevar por experimentos sin fundamento basados en el mas dificil todavia, en el "no se que haces tu pero yo intentaré hacer mas que tu"

Tortoise Millions Now Living Will Never Die

Año / 1996 Sello discográfico / Thrill Jockey Género / Post Rock Nacionalidad / EEUU.

Gotea el techo de esencia trementina, se enlazan las hebras contundencia interior.

de en

El ritmo de una bateria floreciente entrecorta el ambiente, acompasa la respiración y el pulso bajo un bajo que se atreve entre la imperrenne presencia sonora del gorgoteo abstracto. La melodia se resiste a dar apariencia musical al conjunto, ni falta hace, fluye el sonido desde la parte frontal del cortex a escapadas abismales, cuentas tardias y enajenación estructural. Ebulle, y se calma, piensa y no lo hace, la armonia de teclados difusos se apresencian, avisan de una continuación eterna, de la eternidad ondal.

La orquestación simulada crea melodias nuevas, espacios sonoros novedosos y frescos que ponen a Tortoise en el lugar dificil de los que avanzan por su propio camino mas allá de lo esperado. Los descansos sonoros se descubren como fuentes de remanso en una entelequia situada en un espacio oculto. La armonia y el contrapunto los alinea con el jazz, pero hay rock intenso y contundente que dirige todo a ese lugar desconocido. El minimalismo los hace serios, experimentales, las texturas secundarias, son la esencia oculta de una receta compleja.

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Lisa Germano Geek The Girl

Año / 1994 Sello discográfico / 4AD Género / Slowcore Nacionalidad / EEUU.

Aires de espontaneidad en una guitarra saturada que se rasga con desapego, para dar sosten armónico a una voz susurrante, oscura, retorcida. La música avanza con arreglos minimalistas y escogidos, para dar sensación de abstracción de oscuridad gótica. Hay remansos de pop, arreglados con la belleza de un piano distante, sonido deshecho, detalles que predicen un desmoronamiento probable, la efimera belleza real que está bajo la amenaza constante de su fin destructivo. La introspección se oscurece entre melodias y versos depresivos, psicoanalisis del pasado, ensueños de momentos que bloquean la mente, impiden su voz real y liberada. Lisa no evita su universo de feminidad, como en el caso de Kim Gordon de los Sonic Youth, aprovecha los demonios interiores en estado de subconsciencia para dotar las

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letras de sus canciones de visceralidad, carga sociopolítica y delicadeza embriagadora. Su voz no tiene artificios, como en el caso de la citada Kim Gordon, se escoge un sonido de procesamiento lo‐fi para dar sensación de credibilidad. Germano guarda similitudes con Nico y sus discos de principios de los setenta, pues la musica se nutre de aires folk y de musicas del mundo para añadir color, y todo ello lo intercala con sintetizadores y guitarras electricas que tienden a lo etereo.

Holy Modal Rounders Indian War Whoop Año / 1967 Sello discográfico / ESP‐Disk Género / Folk‐Rock Psychedelia Nacionalidad / EEUU.

Peter Stampfel y Steve Weber mezclan asombrosamente el folk más tradicional americano con las tendencias más modernas que emanan de la experimentación libre e improvisada de la psicodelia. El resultado es una obra maestra que suena apetecible, llena de guitarras acústicas y violines que suenan a tierra, mejor dicho a estiercol, a establos llenos de paja, a campos de algodón en blanco y negro. Pero las guitarras y los violines se retuercen en la armonía, o en la falta de la misma, evitan la melodia por procesos de pura improvisación libre y deforme. Sobre la base, los músicos cantan versos informes, armonias vocales fuera de tono y sonidos para crear densidad y sumar esfuerzos en la tarea de recrear la imaginación inabarcable de la genialidad.

un continuo reailzado por cuantos elementos son posibles de utilizar. El barroquismo se arma con concepciones de Free Jazz, de Psicodelia aun en estado embrionario pero con los pies firmemente incrustado en un suelo de folk, de tradición americana. El ejercicio es de una arrogancia inabarcable, tratan de crear un punto de inflexión en la música americana. El intento acaba con cualquier posibilidad de convertirlos en una banda reconocida y rentable. Pero este disco muestra que en el fondo de sus excesos escondian talento y capacidad de asombro. Es un album complejo, fuerte, dificil, pero lleno de sentido y oportunidad.

Se compone de pequeños fragmentos sonoros que en la práctica están unidos por

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Butthole Surfers Rembrandt Pussyhorse

Año / 1986 Sello discográfico / Touch and Go Red Rhino Europe Género / Avant‐Garde Nacionalidad / EEUU.

Rembrandt Pussyhorse deshace el punk primigenio en caminos informes, libres e improvisados. Conjuga como pocos otros la vibrante eclecticidad que les da sentido a una banda incalificable que se esconde del gran grupo por la puerta de lo impredecible y de la personalidad. Pueden crear temas de instrumentación minimalista y repetiva o pueden desarrollar complejos arreglos donde los violines y la electrónica conjuntamente con las guitarras se combinan con facilidad, con una soltura que da cuenta del momento de inspiración que vivian a mediados de los ochenta. El tono desencajado del material pasa tambien por momentos de sonido gótico y oscuro, una pincelada maestra, organos de iglesia se entremezclan con voces distorsionadas que gritan, hablan y recitan letras insentidas.

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Sin abandonar jamas la escena subterranea musical consiguen con el tiempo el reconocimiento como una de esas bandas que consigue el imposible de hacer de lo improbable arte. De crear en todo el sentido de la palabra y de divertir con ello. Es un diamante en bruto de incipiente rock alternativo. Un punto intermedio entre Pixies y Sonic Youth con los cimientos hundidos en los Joy Division.

Congos Heart Of The Congos Año / 1977 Sello discográfico / Black Ark Género / Roots Reggae Nacionalidad / Jamaica

Los Congos con Lee Perry editan una obra maestra del género, de excelsa y cuidada producción y pellizcantes canciones llenas de interesantes conceptos e instrumentacion. Una delicia pa las orejas. Congos sorprende con una profundidad y una producción que brilla por la originalidad de arreglos y técnicas ajenas. La efectarización de las pistas se torna en elemento de interes primario, toma el control de las mismas y se adueña del estado de ánimo del oyente. Las canciones parecen transitar la tradición sonora de Jamaica, ritmos simplistas y contagiosos para melodias pop adornadas con preciosistas armonias vocales.

ruido, se incorpora a la via sonora iniciada por el punk y el new wave. Insufla aire gelido sobre todo el genero. La musica negra americana tambien juega un papel clave como influencia casi subconsciente en los musicos. El R&B está inserto en las vocalizaciones y los bajos. Heart Of The Congos es un lado improbable de un género de escaso recorrido, una refrescante y sorprendente aportación que justifica sobradamente su escucha para los amantes de lo original.

El disco tiene algunos elementos realmente interesantes, por ejemplo, la instrumentacion se distorsiona enormemente por los ecos y otros efectos, aportan un fondo enrevesado y complejo que juguetea con el

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My Bloody Valentine Loveless

Año / 1991 Sello discográfico / Creation Género / Shoegazing Nacionalidad / Irlanda

El espacio tiempo ha sido vencido por espadas laser cargadas con aromas de vainilla y mierda de espantapajaros, corren y vuelan los muy ilusos, buscan nebulosas donde esconderse de un resplandor de una oscuridad aterradora, se cierne como un manto pesado, toneladas métricas que se deforman y absorven el oxigeno para convertirlo en ácido 3,1416. Se atoran ya las arterias pulmonares y se evanece una gota desde el globo ocular izquierdo, flota sobre las fronteras, escapa y huye. Oletuspelotas. Rozaduras de limalimón y volumen vacio, ruedas inermes, cánticos inaudibles, ¿quien se puede atrever a cantar para no ser escuchado? El visionario de Shields se enfrascó en la batalla final para conseguir domar el ruido y mutarlo en un mágico manto de sensaciones y sentimientos indescriptibles, ahiesná; salió

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del campo de batalla con cara de haber perdido unos cuantos cientos de neuronas por el camino, osea enflpaovivo, y probablemente con menor sensibilidad auditiva. Esta evasión del penoso mundo real que hemos creado, una perfección hecha a base de capas de guitarras unas veces distorsionadas y otras virginalmente acústicas, añadidos de unos etereos sintetizadores y voces aun más distantes todavia, enviando las baterias a otro continente en la mezcla y ya tenemos los ingredientes para describir (que no entender, eso es algo que debe ser estudiado desde el campo de la psicologia probablemente) semejante engendro. El tono se va a mantener durante todo el disco, es un viaje a un universo con sus propias reglas, las ecuaciones de los señores Newton y Einstein no pintan nada por alli, que alivio.

Popol Vuh Die Nacht der Seele Año / 1979 Sello discográfico / Brain Records Género / Kraut Rock Nacionalidad / Alemania

Brisa algodonada en evanescencia de incienso, el espacio vacio se apodera de unas notas perennes, que repiten mensajes encriptados bajo el manto de la verdad simple y oculta.

melódico.

El abismo inexplicable aflora por ángulos muertos, airea un espacio para el brillo de la presencia mas improbable, la de una verdad interior que no se entiende.

El sonido es orgánico y armonicamente rico, la producción sencilla trata de capturar la atmosfera de autenticidad con la que los músicos interpretan el album. El resultado entorpece la respiración del escuchante, sobrecoge por la belleza contenida en tan pocas notas y vuelve a distinguir a un movimiento heterogeneo pero real que lleva a los alemanes a sobrevolar el panorama y situarse a la vanguardia artistica.

Letargo de notas infinitas que amalgaman la vibración espaciotemporal sobre la contención sensorial, la inhalación oxigenada se olvida perdida por la hipnosis de la organicidad, por la contracción de poros y la dilatación involuntaria de globos oculares. Los alemanes Popol Vuh conducidos por el visionario neosinfónico de Florian Fricke recrean en su obra Tantric Songs un paisaje sonoro calmado e intenso que aborda la espiritualidad desde el minimalismo

Tantric Songs es una obra destacada en la discografía de la banda por ser especialmente racial.

Tantric Songs es un paisaje racial de carácter introspectivo. Es uno de los mejores trabajos del grupo.

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A Tribe Called Quest The Low End Theory

Año / 1991 Sello discográfico / Jive, RCA Records Género / Jazz Rap Nacionalidad / EEUU.

A Tribe Called Quest unen dos estilos aparentemente irreconciliables, atmósferas jazz y desarrollos rap para The Low End Theory. El rap se hace elegante bajo la batuta de una banda de bravos y arrogantes músicos incapaces de entender que significa el término "límite" o "estilo". El album es un camino intermedio e impredecible que consigue transitar con acierto. La música consigue una atmósfera oscura y sofisticada sobre la que las letras rimeadas consiguen nuevas cotas de expresividad. La personalidad del engendro es gigante, los temas ademas pegadizos y cercanos. El mensaje es una declaración de intenciones, una muestra de orgullo por lo que se es, el sonido es la muestra de una

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capacidad y un talento, anclas sobre un pasado de brillo, bases sobre una novedad que inspira un futuro desconocido. Ritmo para contagiar, contrabajos de lineas para acomplejar a quien se atreve a tratar de entender lo que teniendo sentido no es asequible.

Talk Talk Spirit Of Eden Año / 1988 Sello discográfico / Parlophone (EMI) Género / Post Rock Nacionalidad / UK.

Hay un halo de sinfonismo, una atmósfera cargada de jazz que posiciona a Spirit Of Eden en un torritorio desconocido. No es tan solo un sonido o una intención, la estructura se desanuda de la predicción. La sofistificación emplaza los pasajes vocales sobre el collage de sonidos sinfónicos, bajo armonias divergentes, ambiguas, que igual suenan a prog rock como como a un pop elegante de los ochenta. El ambiente es dinámico, crece y decrece, gana en intensidad, recobra la vida bajo un ritmo cuaternario y una guitarra que arpegia acordes sencillos. Pero la estabilidad solo es un estado temporal que vuelve a mutar antes de lo esperado para buscar nuevos lugares sonoros bajo un minamalismo de trompetas y pianos, sonidos eléctricos que crean texturas de desapego, un bajo que funciona en modo sospecha y un lugar que se abre al vacio, a un aire etereo y ambiguo.

Talk Talk se reinventan con Spirit Of Eden, como poseidos por una idea que les supera rehacen todos sus principios para convertirse en una banda de rock orgánico y tendencia progresiva, capaces de construir paisajes sonoros de belleza sublime con escasos elementos y de adentrarse por caminos inexplorados. Una obra de creatividad infinita, belleza armónica y sonido cristalino. Spirit Of Eden es una rara avis para el año 1988, su sonido es limpio y complejo, se adelantan en muchos conceptos a lo que surgirá a finales de los noventa con lo que se vino en denominar post rock. Guarda elementos de un pop ochentero, de cierta tendencia sintética, tiene regusto al rock progresivo evasivo de los setenta, pero no se ajusta a los estandares estilisticos de los que bebe. Talk Talk camina hacia el futuro con su Spirit Of Eden.

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Philip Glass Music In Twelve Parts

Año / 1987 Sello discográfico / Género / Minimalism Nacionalidad / EEUU.

El espacio geométrico cobra una vida inusitada, se cierne sobre nosotros bajo un desmayo de sobresaturación de información. Todo gira sin un sentido prefijado y ya es casi imposible distinguir la orientación correcta, arriba y abajo, izquierda y derecha, nunca han sido conceptos tan relativos. La nada construye el todo, lo escaso se adueña del vacio, lo captura y lo deforma libremente. La analítica de números y formas se torna en lenguaje universal que da sentido a un conjunto, es un cemento que llena todo de subconsciencia. Tres horas y media dan para mucho, concretamente doce partes de una obra incomensurable basada en un concepto desarrollado por este compositor de extraordinaria influencia en el siglo XX. Construye las canciones a partir de patrones sencillos y repetitivos, las adorna con melodia y arreglos que se acercan por

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momentos a la musica electronica mas bailable pero tan solo como una mera coincidencia. Su trabajo es puramente cerebral pero tiene un efecto animico inevitable, los interminables arpegios entrecruzados por contrapuntos de los mas variado te atrapan mentalmente, son una tapiz, una maraña densa e impenetrable de sonido, de musica formada por notas escogidas con sumo gusto. Es como la toxicidad que provoca un estado de alteración mental inducido, pero permite una lucidez en un mundo paralelo inabarcable. Un camino hacia lo inhabitado, lo novedoso, las nuevas sensaciones y las nuevas fronteras. Esta es sin duda una de las obras mas emblematicas del siglo XX, una joya profetica, la singularidad de un artista de enorme talento e inteligencia.

Can Future Days Año / 1973 Sello discográfico / United Artists Género / Kraut Rock Nacionalidad / Alemania

Can se vuelve a escapar entre los dedos, son imposibles de asir, de sujetar, su imaginación y su creatividad volátil los hace poblar espacios eternos. Su estilo atmosferico, etereo en este disco les acerca tambien al Jazz Fusion, transitan un estrecho camino entre los cultismos musicales progresivos y jazzisticos y la simpleza de la electrónica ambiental reinventada con percusiones y guitarras orgánicas y llevadas a la sensación de no existir en un mundo vacio.

en armonia alejada. Contienen el aliento y en estado de fruto carnoso se dejan caer hacia un area de vibración fastuosa. Los temas son a veces oscuros, a veces potenciadores del pensamiento hipnótico, las letras son escasas, se entierran entre las capas de sonido. La experimentación atonal se contrapesa con ideas pop que energizan el album, lo cargan de estática, de un magnetismo mágico, profundo, de belleza extraña y única.

Para Future Days la banda se acerca hacia una tendencia mas ambiental, creando una música en estado de vapor que se sujeta al mundo físico por percusiones repetitivas y extraños loops de hermosas y granulosas texturas. La idea alarga los temas, tan solo cuatro que pueblan el LP por completo.

Es un trabajo psicológico que atrapa la mente en ciclos de pensamiento que se hacen lentos, es como si el astronauta de la peli de Kubrick desconectase uno a uno los módulos de tu ordenador interno hasta dejarte absolutamente vacio, absolutamente libre.

Hay un busqueda consciente para encontrar un sentido entre el sinsentido ambiental, La personificación que toma posesión de este elemento de materia fluye

El extraño ser que se esconde detrás de las vocales del grupo decide seguir su camino hacia lugares desconocidos, lógico para un nómada y transportador metafísico.

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The Raincoats Odyshape

Año / 1981 Sello discográfico / Rough Trade Género / Post‐Punk Nacionalidad / UK.

La belleza de la realidad y la personalidad es un dueño por pura vitalidad para un album que en espacios ajenos desconecta y eriza poros. Pero la radioactividad vocal está conseguida con un coagulante de percusión hyperactiva, de guitarras improvisadas y sonidos papanatas que empaletan un habitaculo ridiculamente pequeño, encojido donde se entrecruzan los sonidos creando nuevas realidades sonoras no predichas ni buscadas. La simpleza del punk es solo una pose que esconde un folk real, jazz libre y disonante y melodias pop que se derrumban en la emoción de un grupo que no teme exponer su estado a una audiencia desconocida. El catalago de The Raincoats fue recuperado por Kurt Cobain y los Sonic Youth, quienes habian escuchado a esta

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extraña banda y habian quedado impregnados por la emocion intensa de sus deshechas melodias. Odyshape es un trabajo lleno de tristeza, melancolia, dolor y emociones animales. The Raincoats se muestran interpretando con simpleza y organicidad en una producción desnuda y sin artificios que resalta la credibilidad de un grupo de artistas reales. Las melodias sencillas se contraponen con arreglos dispersos y de ambiente atonal, hay un jugueteo continuo entre el pop, de piel oscura y apagada, y la experimentación tendente al ruido contenido. La tensión entre ambos extremos dota al material de un magnetismo que atrapa y sobrecoge. Los violines suman un caracter rural que aumenta la credibilidad de las letras y los sentimientos descritos.

The Feelies Crazy Rhythms Año / 1980 Sello discográfico / Stiff Género / New Wave Nacionalidad / EEUU.

La ansiedad debora al tiempo bajo la batuta de la inocencia mas candente. Las armas recien aprendidas son de un poder abismal, en manos de minúsculos cuerpecillos de delgadez extrema se convierten en un peligro constante de desmoronamiento. La percusión contiene su ser bajo un ritmo de cuatro tiempos y un perfil de afiladas extravagancia. No hay mas, no busques mas, lo que hay sobrepasa cualquier imaginación posible. El diáfano cristal sonoro infecta a distorsiones timidas y en colores brillantes.

canciones simples pero intrincadas, de ritmos atropellados, voz nerviosa, urgente y a veces atonal, con aceleradas guitarras limpias y sencillas. Hay algo de los Talking Heads detrás de la forma, pero mas adolescente. Hay aun mas de Lou Reed. Todas las canciones son versiones originales a excepción de "Everybody's got something to hide except for me and my monkey" donde versionan acertadamente a los Beatles y "Paint It Black" de los Stones.

Los preliminares de una época completamente nueva construida con ideas completamente viejas, completamente pasadas, ruborizantemente sonrojantes. Escuchado ahora, cuanto de este album se puede entrever en el trasfondo de muchos discos actuales. Una colección de diez

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Amon Düül II Phallus Dei

Año / 1969 Sello discográfico / Repertoire Género / Kraut Rock Nacionalidad / Alemania

Tribal y oscuro comienza una vibración sospechosa, un sonido profundo y oculto que se rompe para dar paso a un rezo en lengua rugosa limada por armonias ultramundanas que enlazan con extrañas y lejanas culturas de naturaleza incomprendida. La conjugación maestra de una improvisación libre pero atada a una estructura creada por la genialidad del estado de gracia infinita. La busqueda de una voz propia, de personalidad mas allá de las fórmulas consabidas es un motor potente que crea bajo este manto de sinsabores un mensaje desconocido que no recorre camino alguno. El atrapamiento en elipses oblicuas es su razón de ser, contracción de pulsos, provocación involuntaria en oscuros espacios, tenue escapada por puertas pintadas sobre muros curvos. La

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interpretación

alemana

de

la

psicodelia y de los inicios del rock progresivo tiene en Amon Düül II uno de sus mejores exponentes. Phallus Dei, literalmente el pene de dios, es uno de sus primeros trabajos. El grupo surge como una excisión de un colectivo mayor de hippies que vivian en comunas y practicaban una vida enfocada a la creación artística y al autoconocimiento. Juegan con el ruido y el sonido abstracto como una forma de adentrarse en el lado mas irracional y surrealista de su creación, les permite crear momentos de una tensión mágica, y son capaces de acotarse para no divagar sin sentido en el campo de lo informe, por el contrario juegan inteligentemente con la dualidad que aportan los momentos mas rítmicos y las melodias vocales, que aunque difuminadas en la interpretación libre sirven de centro gravitacional para el conjunto.

This Heat Deceit Año / 1981 Sello discográfico / Rough Trade Género / Post Punk Nacionalidad / UK.

Son impredecibles, sueñan con orcos de labios pintados de azul. Destruyen el abanico de castillos redondos, lo hacen porque quieren ser felicitados, y lo entienden asi. Lo disfrutan, se denota cuando armonizan unas notas que tuercen sobre el papel, amontonan golpes en una bateria de tamiz electrificante. De simpleza binaria, aderezada de un bajo que balbucea sin control. Deceit es un collage sonoro que aborda la desectructuración armónica y la melodia como esencias contrapuestas pero compatibles. El Post‐Punk se expande con cada nueva banda que trata de inspirarse en sus inmensas posibilidades, This Heat contienen elementos de inteligencia y sensaciones divergentes que capturan con acierto entre la simpleza y el ruido atonal. Son oscuros y profundos, están jodidos y su musica es el espejo de su rotura interior. Se afinan con el jazz y el ritmo tribal para

superar ampliamente las limitaciones técnicas, hay calidad y potencialidad, pero el motor es la sensación, que no se engañe nadie. El sonido es natural y cercano, suena a clásico atemporal. La dejadez sonora los acerca al noise‐rock de los ochenta y por ende al rock alternativo por venir. This Heat con su Deceit son un experimento fructifero aislado en su roca de belleza inusual. Cualidad perfecta para el sol del ruido. A pesar de los oscuros sentimientos y de arreglos de desapego el ritmo de contagiosidad reseñable y la vacalidad de los temas los hacen pop, bailables, magicamente divertidos. Pero la fealdad es un sello que llevan con orgullo por bandera. Su armonia es distante y expulsiva. Una bofetada sonora de alejamiento involuntario.

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Disco Inferno D.I. Go Pop

Año / 1994 Sello discográfico / Rough Trade Género / Experimental Rock Nacionalidad / UK.

La red tejida es firme y equidistante, el análisis de diametros interiores marca una desviación estandar de milimicras. Ahora el aroma a rabia y odio tiene un soporte de firmeza sin igual. Pero no me esperes que no llego. Hay un barniz de mieles de aguja, de barro clarividente sobre el que recaen extraños instrumentos que no tienen la mas mínima intención de quedarse para dar explicaciones. El viaje una vez comenzado se deja llevar, escoge un camino y lo deja para volver atrás, sospecho un zarpazo que nunca llega. Hay garatusa de lima. Sangre aborbotonada. Un follaje de elementos inconexos que están en contacto por una definición y una decisión de intenciones que queda plasmada bajo algún lugar de espacio contenido.

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La biométrica no es real, es solo una gota efímera, una cantinela mas. La robotización es el gobernante real de este reino de taifas que son los noventa. Los borbotones se explican por integrales definidas y el lenguaje solo es una percepción de algo que no está ocurriendo. Disco Inferno realiza D.I. Go Pop en 1994 como su obra mas prolifica y acertada. El album es una colección esquizofrénica de samples electrónicos sobre los que la banda interpreta una forma de rock concisa y de aires eclécticos. La desafección punk da paso a una divergencia sonora de confusión. Caos para dar sentido al caos. El album por su carencia de melodias pop se queda para el gran público, los críticos lo citan como una de las grandes obras de los noventa, profecia sonora de lo que debe ocurrir en el nuevo milenio.

The Flock The Flock Año / 1969 Sello discográfico / Sony Music Género / Jazz Fusion Nacionalidad / EEUU.

La belleza de la nada entre dos mundos que se miran pero no se tocan, que nunca empastan, nunca se entienden y jamas lo harán. Pero su grandeza está en su pequeñez, en la inercia de un movimiento que acabó antes de comenzar. La contemporaneidad de la psicodelia y el nacimiento del rock progresivo engendró extraños experimentos algunos de los cuales funcionaron total o parcialmente. The Flock era una banda de hippys que mamaron directamente la epoca dorada de las drogas de elefantes rosas, la explosión del folk americano y el inicio del rock influido por la música culta. Su propuesta está influida por todo esto. Su rock es simple y potente pero se adereza con metales que dan cierto caracter afrobeat (pura casualidad), funky y jazzistico; y por un violín que suena a música tradicional. Lo soporta un bajo funky y guitarras cristalinas dibujando arpegios de

armonia abierta. Buscan complejidad, mejor dicho sofistificación, la encuentran en los momentos de calma que crean con melodias raciales de violin, un saxo melódico y armonias vocales que siguen los rasgados de guitarras limpias. Pero los temas cambian, explotan en estribillos intensos de sonoras baterias y saturación instrumental. Esa busqueda dinámica en los temas entre los fragmentos de calma y los de explosión sonora son el gran triunfo del album, pues mantienen el interés allí donde posan sus notas. Redondean el material con fragmentos de experimentación, improvisación desmedida para cerrar el album, y por condensarlo en un momento concreto no rompen ni desdibujan el conjunto, al contrario lo engrandecen y redondean un trabajo sobresaliente.

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Tim Buckley Starsailor

Año / 1969 Sello discográfico / Enigma Retro 4 Men with Beards Género / Jazz Rock Nacionalidad / EEUU.

Odiseo se desprende de un barco que aun no aterriza sobre el "algo". La esfera gira sobre un arcoiris de tonos violaceos. El horizonte no es algo que este aqui, por lo cual ya no tenemos tiempo ni ganas de definir donde comienzan y terminan los espacios. Esto tiene otra consecuencia, nuestra orientación ya no se recuerda. Golpear con arrogancia sobre una mesa del revés, decir verdades como puños a una audiencia que jamás te escuchará. Pero que mas da cuando ya no importa, y lo único que cuenta es lo que uno puede decirse a uno mismo sin pestañear. Stairsailor no es sencillo, es una obra feroz, llena de un dolor subconsciente que se transmite en la hipnosis de un ruido informe y de una voz atonal, libre y disociada. Ambas crean un ambiente retorcido, complejo pero de una belleza sobrecogedora. Tim parece tratar de liberar sus

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demonios interiores, esta musica es mas un ejercicio de autoconocimiento, de expansión espiritual que una forma de hacer dinero. Song to the siren pone un momento de calma, una balada de enorme intensidad, arreglada con valentia, con una guitarra eléctrica arpegiada y deformada por un flanger patente, voces femeninas distantes y un primer plano para la multioctavica voz de Buckley, que parece pretenciosa por momentos y celestial a veces. La aventura conceptual del artista y el resultado bien merecen ser destacados de la cantidad de discos que se limiten a reescribir la canción pop estandar. Tim se arriesga y obtiene la honestidad y la etiqueta de artista de culto, pero también se descubre en la inmensidad de un universo inabarcable que lo llevará a perderse de dolor. El dolor de no saber que las mentiras son mentiras aunque las repita mucha gente.

Ornette Coleman The Shape Of Jazz To Come Año / 1959 Sello discográfico / Atlantic Género / Free Jazz Nacionalidad / EEUU.

The Shape Of Jazz To Come es el primer paso de un jovencisimo Ornette Coleman en la búsqueda de la libertad expresiva mas absoluta dentro del género del Jazz. Aun manteniendo ciertos elementos del Jazz mas tradicional, del Be Bop y sus secuelas, Coleman se aventura por terrenos desconocidos, mantiene a su base rítmica tocando progresiones de armonía abierta y se dedica junto con su colega Don Cherry a explorar melodias incontenidas, llenas de improvisación y dirigidas a medio camino entre el estómago y el cerebro. El album se convierte en un hito, odiado y adorado a partes iguales por todos los sectores de la crítica. Para algunos la falta de reglas, de una base musical que contenga y limite el material hace que el estilo se salga de los límites del Jazz, se desborde hacia espacios ajenos.

Otro sector de la crítica adivina las posibilidades infinitas de la música de Coleman, perciben un acto de comunicación total, donde los conocimientos y las cualidades mas técnicas se aunan con los sentimientos mas viscerales. Las limitaciones armónicas impiden que el músico se centre al 100% en su música, les hace pensar en cada momento que pueden y que no pueden hacer.

El Free elimina el problema de raiz, deja en la mas absoluta soledad la creativdad y la expresión mas directa de las ideas y las sensaciones de los músicos. Y aunque el estilo todavia deberia de dar pasos mayores hasta llegar a todas sus posibilidades, este album es un inicio sobresaliente, una declaración de intenciones clara e inteligente.

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Holger Czukay Canaxis 5

Año / 1968 Sello discográfico / Music Factory Género / Art Rock Nacionalidad / Alemania

La inhalación de oxigeno real es una medicina potente que hace crecer sobre las pupilas extrañas ideas, la busqueda de la belleza donde no existe, la encurvación de los planos y la certeza de que no existe la certeza. Cuando has visto la ultrarealidad ya no eres el mismo y cuando lo explicas y sientes temor sabes que ya no tiene solución. Cortar el mundo en dos para crear solo una vibración vaporosa no parece razonable, pero es precisamente la razón la que impide la comprensión. El continuo de un tejido lleno de marfil y calamidades resiste a humanos oscuros, deslizarse sobre este manto es encontrar un final aun cuando no lo hay. La alternativa se alinea, se hacen hermanos de la misma realidad en la que no creen.

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El bajista de la mítica banda alemana Can, edita esta maravilla producida por Rolf Dammers, donde da rienda suelta a su gusto por la electrónica, las musicas del mundo, y la temática abstracta. La utilización de samples de voces y cantos africanos y asiaticos es la pincelada maestra que produce el efecto deseado y se convierte en un interesantisimo concepto artístico donde la modernidad y la tradición mas tribal se dan la mano y se envuelven creando un obra única y compacta, pero llena de libertad e ideada como una forma de autoconocimiento. Una obra definitiva llena de sonidos imperecederos por su especial capacidaz para evocar en el oyente extraños y profundos sentimientos y por convertirse en un adelanto de lo que nos está deparando el inicio del siglo XXI.

Battles Mirrored Año / 2007 Sello discográfico / Warp Records Género / Math Rock Nacionalidad / EEUU.

Dobleces y esperas en carreteras secundarias. Dolor y varas de medir. Un poder de solidez inmunda, un cruce de caminos entre la subconsciencia de sueños inocentes y la mas aspera y analítica conciencia de números y formas de geometría matricial. Para volver a un comienzo hace falta saber que no te has movido jamás del sitio. Hace falta una humildad que no aparenta existir. El juego es una meta en si, la devanación de hojas y la veracidad están garantizadas bajo una realidad de nuevos y extraños carotideos. El sacrificio también es de una existencia que se percibe, porque cuando todos quieren volar siempre hay alguien que debe permanecer en la torre de control.

contiene de alguna forma que no es facil de explicar. Hay una idea previa, algo que se traza como un plan maestro. Se intuye una conversación para fijar las reglas que deben llevar a un conjunto de elementos al estado de un todo cohesionado. La simbiosis está. La idea funciona. El mundo gira. El aire sigue su viaje. Pero ahora ya es diferente, porque alguién se atrevió a vivir, y eso aterra. Cada segundo que pasa es mas dificil salir de un círculo que se cierra por pura densidad. Este album puede convertirse en una referencia universal de todo lo bueno que está por llegar ... o podria ocurrir como con algunas obras de arte que caen en el olvido pero se mantienen como reconditas joyas imperecederas ... el tiempo dirá.

La sensación aunque se expande se

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Tangerine Dream Phaedra

Año / 1974 Sello discográfico / Virgin Género / Kraut Rock Nacionalidad / Alemania

El motor despega y crea un divergencia en el espaciotiempo. Ahora existen dos realidades que se anulan entre si porque dibujan tendencias exactamente contrarias.

Domar la pasta paralelepipeda es magnífico pero improbable, las dudas me asaltan, y aunque puedo pensar ya no recuerdo como se hace.

El mar de un solaris desconocido se descubre al mirar a un espejo de papel de plata. El espacio euclideo de tono azul oscuro dibuja mas claridad, ahora si, ambos nunca jamas volverán a rozarse, nunca volverán a sentir que hay alguien mas.

Disco capital en la evolución de la musica electronica, los alemanes Tangerine Dream inspirados por las musas proponen un mundo abstracto de sonidos etereos y espaciales sonidos que se dirigen por los arpegios hipnoticos de los sintetizadores mas modernos (para la epoca).

Sentir que te partes en dos no es agradable, ver como se destruye tu estómago bajo un cuchillo de 2X2=32 es algo que no se desea. Pero una vez alli prefiero no volver. Las orbitas son sólidas, rebotan sobre una especie de nada, algo que no veo ni siento, no percibo ni entiendo. Pero entre todos y bajo un fórmula novedosa resuelvo que existe.

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Ya llevaban un tiempo editando material de calidad, siempre con la intención de aportar largas suites de musica sonora electronica con caracter hipnotico y evasivo. En este momento, incluyen arpegiadores que suman una textura acertadisima a su musica. El resultado es un paso hacia adelante de enorme calado en su musica y con ello una idea que se dispersa en la atmosfera terrestre para abarcar casi la totalidad de la musica electronica de los siguientes años.

Pop Group Y Año / 1979 Sello discográfico / Radar Género / Post‐Punk Nacionalidad / UK.

Luz tenue y enfocada sobre una matriz de rombos multicolor. La sonoridad no se encadila pero ahuma un espacio oscuro. La división frecuencial se explicita con la simpleza de unos instrumentos concisos y preclaros. Un perturbado voluntario toma el control de un micro secundario para declamar un amor inverosimil por la vida estomacal. Negrean los ritmos, y se deshacen en sus inicios para convertir el ambiente en una obra beatnik, un free Jazz sin free ni Jazz. Cuando todo parece circunscribirse a una idea concreta y con sentido de repente se variopintea en calamidades vibracionales. En exorcismos mentales para evacuar a ratones y cortaduras de antiguas fuentes de poder. La insolencia se transforma en energía positiva, en libertinaje artístico. Las reglas otrora pertubadoras hace tiempo que

saltarán por las rendijas del muro a una altura variable. Lo que queda es eso, es la sensación de un vacio agujeretivo. Un piano residentil es de un color crema. La corosidad es hermosa asquerosa. El ritmo de un binario que no se me va, hasta llegar a un precipicio que desborda todo en una flexibilidad de armonia sencilla y explicativa. El espacio se transforma en un nuevo instrumento que brinda vida a las formas menos humanas y las convierte en retales de líquidos vacuos. La voz es un instrumento libre y atonal que se centra en contar mensajes obsesivos. "Blood Money" es un buen ejemplo. La experimentación abstracta y los temas mas ritmicos generan una variedad destacable que aporta aire y credibilidad al conjunto.

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Sonic Youth Sister

Año / 1987 Sello discográfico / SST Género / Noise Rock Nacionalidad / EEUU.

Sonic Youth en la busqueda de un algo que aun no tienen claro se encuentran cara a cara con una de sus primeras obras de arte absolutamente completas. Sister es de una rareza contenida, una volatilidad entrelazada de ideas inconexas que se hilan de forma placidamente armoniosa. El ruidismo se atrapa en gotas minúsculas, en barridos del tiempo, en la dualidad que pasa del rock apunkado de Moore a la poesia Beatnik de Gordon. Con pasajes de instrumentación que trata de simular una normalidad anodina. El sonido apagado desdibuja una bestialidad sonora que latente empuja con violencia para aflorar a un mundo de descubrimientos y de firmas legítimas. El ritmo hyperactivo se expande y se entrecorta con arrogancia en una nueva era para la banda que abre un tempo lento y aletargado que sorpresivamente manifiesta

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un estado catatónico sobre el que las ideas de introspección autoanalítica se desarrollan con soltura y altura de miras. El ruido ceñido a un espacio limitado sirve como una textura y un recuerdo de lo que se es realmente. Pero Sister es ademas una expansión del lenguaje sonicyouthero. El aprendizaje por error de que mas rápido no significa llegar antes. Que la camara lenta descubre detalles del movimiento que estando ocultos estaban ahí, esperando un nuevo ojo que los mirase para esparcirse como canela en polvo sobre un mundo tambien nuevo que trata de reinventarse otra vez mas para contar las mismas historias a nuevos seres.

Klaus Schulze Irrlicht Año / 1972 Sello discográfico / Ohr Género / Kraut Punk Nacionalidad / Alemania

El centro del universo es un lugar desconocido pero real, su delicadeza está en su movimiento, en ese cilindro troncocónico que se desborda y desaparace de nuestra vista en un horizonte vertical.

Una obra maestra de sónido ambiental, de corte espacial y evasivo que llega a cotas de densidad dificilmente asimilables y que además se construye con elementos de una simpleza apabullante.

La transfusión de granos grisaceos es ya un hecho, la desaparación de cualquier contacto con vida cercana aisla pero tiene sentido. Lo tiene porque sobre esta onda de frecuencia megaherzica crecen estructuras, y hay que verlas.

En efecto, los tres cortes del disco, funcionan como largas suites sonoras de corte sinfónico, que evitan la melodía y se centran en el sonido monotonal como una forma hipnótica, utilizan la música como elemento central que transporta la mente del oyente hacia un lugar insondable de naturaleza espiritual.

Son finisimas láminas de un metal desconocido. Un recuerdo en la espera, un sonido ambivalente que se desatina y se abre paso en un manto de pura densidad. Es el simbolo del pasado. Y de repente un silencio que duele. Entrecorta la sugestión. Permite el paso a un nuevo estado que esta vez ya no tiene explicación. Profundo album que edita en su debut en solitario el músico alemán Klaus Schulze.

Klaus centra su obra alrededor de un zumbido grave y repetitivo sobre el cual se escuchan en segundo plano deformes sonidos similares a cuerdas de orquesta, llenas de reverberación, parecen salir de las profundidades del universo, estas aparecen intermitentemente, parecen llegar con la inspiración espontanea e improvisada del artista.

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Cocteau Twins Treasure Año / 1984 Sello discográfico / 4AD Género / Dream Pop Nacionalidad / UK.

Embriagadora mezcla de pop, folk postmoderno y electrónica, con un procesado de ultramundos y aparejos étnicos. La subyacente delicadeza vocal impregnada de efectos alejantes y onirizantes se acompaña de una simpleza dispar de instrumentos variados que se utilizan con soltura sobre un universo de saturación estilística, donde la melodia juega un papel paralelo. El conjunto de seres busca con acierto una tercera via que les permita tener sentido en un larga duración. Las guitarras y el ritmo se abstractan para dar cabida a una voz de forma infusa que rehusa olvidar su emblema pop. Las guitarras son cristalinas, limpias como el agua a 4º centigrados, los delays se convierten en el elemento que las transmuta en armas etereas y suspirantes.

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La voz aguda y tremendamente procesada dibuja melodias complejas e intrincadas que aun asi no pierden una nota en devaneos y mantiene su caracter asequible. Hacia la tercera parte del disco el ritmo soporta atmosferas mas abstractas y experimentales, el camino ha sido abonado convenientemente para llegar hasta este lugar y entender y disfrutar cada nota y concepto subyacente. Perfección conceptual. Cada vez mas deshecho por el sentimiento y la embriaguez de la musica, nota a nota llegamos escaladamente hasta un climax de sonido onírico.

Neu! 75 Año / 1975 Sello discográfico / Brain Género / Kraut Punk Nacionalidad / Alemania

La encrucijada entre una armonia expansiva un ritmo simplista y repetitivo y un universo de texturas sospechosas crean en 75 un nuevo paradigma para la música electrónica que ha dado frutos diversos y creativos. La sublimidad de las vibraciones estremece, asombra un sonido de tal delicadeza en una estructura tan tenue y un sentido tan real. La música de Neu fluye como las aguas de un rio (utilizando la analogia que el mismo grupo usa para explicar su inspiración) es constante e incesante, aparantemente simple pero lleno de momentos de sublimes remolines sonoros. Iggy Pop, fan declarado del grupo, explicaba que la música de Neu permite que los pensamientos de la zona creativa del cerebro fluyan con facilidad. Iggy siempre acierta.

heredado del rock progresivo y la musica electrónica que crecia y mutaba por entonces a lomos de los grupos experimentales alemanes. Neu son lideres del movimiento, aportan su punto de vista peculiar, la simpleza y la melodia oculta entre mantos de sonido envolvente y descongestionante. Mantienen un pulso tranquilo, pausada que revitaliza con ritmos asincopados, la constancia que aborda un estado de hipnosis controlada. Hero rompe la constancia con rock de corte simplista, muy a lo rolling stone. Se dice que Bowie, muy influido por los alemanes en ese momento, se inspira en el tema y en el album al completo para su famosa obra Heroes. Las similitudes son evidentes.

El album tiene un carácter bastardo

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Public Image Limited Flowers Of Romance Año / 1981 Sello discográfico / Virgin Género / Post Punk Nacionalidad / UK.

Es una escapada de instrumentos, un páramo sonoro donde abundan ritmos de rigidez involuntaria y un grito difuso que tropieza en ondas infrarrojas con burbujas rugosas de espacios crecientes. La melodia no avisa pero permanece en un estado de simpleza, se aboca en el revés de recovecos y antenas de aguja. La abundancia no es algo que exista para nada. Es una oda a un pensamiento ideal. Flowers of romance permanece al otro lado de la verja, donde los objetos se empequeñecen hasta una esencia de vergonzosa realidad. La banda secuela de John Lydon, exvocalista de los sex pistols, explora territorios mas abstractos y deformes, mas complejos que la banda materna. Flowers Of Romance marca el punto culminante y de mayor aclamación de toda su carrera.

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Su música carece de estructura formal, de melodia conductual. Manejan atmosferas atonales y deformes bajo melodias planas y deformes. No rellenan el espacio vacio con sonidos impropios, se dejan llevar y no temen expresarse con minimalismo instrumental. Flowers of Romance huele a exorcismo interior, tiene aires tribales por la simplicidad y retitividad de su patrones ritmicos, se asemeja a las extravagancias de The Residents en Eskimo. Captura el espiritu demente de los Pink Floyds de Syd Barrett. El album está cargado de intuición y expresión animal, odio y rencor reconducido por un camino de autocomprensión. Hay infinidad de momentos intensos e interesantes, el trabajo es sobrecogedor y nunca sobrepasa la delgada linea hacia lo incoherente.

King Sunny Ade Juju Music Año / 1982 Sello discográfico / Mango Género / Afro Beat Nacionalidad / Nigeria

Llenarse la boca de tierra húmeda, cerrar los ojos y sonreir. El afro beat trae estas sensaciones, lo llena todo de un color verdoso, lo aliña con la repetición que crea un estado de ánimo divergente y con sonidos ultramarinos provenientes de un occidente tan distante como presente. Los ochenta traen extraños fenomenos que se asoman con timidez y nos permiten capturar ideas y sonidos diversos y minoritarios. Africa tenia un potencial inmenso en músicos que reteniendo las esencias de su raiz se abren a los sonidos anglos que vienen del otro lado del Atlántico. Jazz, rock, blues o latin son especias que esparcen semillas de creatividad por todo el continente.

internacional merecida nuestros dias.

que

llega

hasta

Su música contiene capas complejas de percusión que funcionan como soporte animico sobre el que se construye musica de aspecto minimalista, efectos bizarros, armonias terrosas y letras de aire tradicional. Juju Music, aparte de las peculiaridades y el exotismo, es una obra de arte llena de autenticidad y de ritmos contagiosos. La suavización de la esencia desvanece la atención, la retrae y la hace dudar sobre problemas antiguos y coetaneos. No se puede querer estar en todos lados como un dios cualquiera. Quien mucho abarca.

King Sunny Ade es una de las figuras que mejor representa este proceso. Aupado por los guiños de artistas norteamericanos al sonido africano, hablese de Talking Heads o Paul Simon, consigue una repercusión

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Richard Dawson Nothing Important Año / 2014 Sello discográfico / Weird World Género / Folk Nacionalidad / UK.

Osadia creada bajo un estado catatónico, la creatividad en una puerta de amplitud abismal, con un procedimiento de media vocal que tan solo pone como premisa "la veracidad interior".

retorcidos y de almas clásicas que se asoman en una creación que traza una linea impredecible entre el rock duro de amplio espectro mediático y la psicodelía de dopaje necesario.

Estas y otras perlas afilan las cuerdas de una guitarra de afinación compleja para un artista de apariencia irresoluta. Demostración palpante de que la realidad se esconde en rincones impredecibles.

Obra de arte descomunal, una inflexión cósmica que auna influencias lejanas y tradicionales embutidas en la simpleza orgánica del folk y el blues, recoge la tradición experimental psicodélica de Captain Beefheart, Frank Zappa, o Red Crayola, tiene similitudes con la ligereza y libertinaje de algunas propuestas del New Wave, gente como television o Richard Thompson.

La liturgia de unas notas que se anteponen a su destino escapando por la rendija de unos dedos ansiosos de libertad. La complementación octogenaria de letras vocalizadas con un claridad omnipotente. La simpleza y autenticidad de un sonido cristalino y sin artificios. Suma y sigue. Es la propia apariencia de un album inoperativo quien muestra un camino de belleza inimaginada. En el interior de un cementerio de complejidades, de acordes

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Pero mas alla de las conexiones con las influencias Nothing Important es un trabajo que se ancla a un presente por su originalidad, por su capacidad para crear un objeto único de extraña belleza, absorvente, profundo, honesto, distinto.

Flipper Album Generic Flipper Año / 1982 Sello discográfico / Domino Records Género / Noise Rock Nacionalidad / EEUU.

Diversión colectiva en una agrupación de motivación creciente, sumidos en una vapor sonoro que se deshace y te entierra en mierdadeprimera a las primeras de cambio. Hay un sofá y una muchedumbre de lisérgicos personajes que acompañan la música con unas palmadas dobladoras de asustadizos pájaros hermanados y ACNEASTE. Cuando nadie te lo pide todo se vuelve rudo y serio. El mundo se convierte en una parodia de saturno. La música es una escusa y es de agredecer, porque de otra forma nos hubieramos perdido un pedazo de realidad en formato de guantazo entolaputaboca. Y ya no volverá a ocurrir algo semejante, pero sinceramente, importa una mierda. Lo que cuenta es que esta gente se reunieron en un momento irrepetible del siglo para crear una declaración soberbia. Libre y disfuncional debut discografico de los americanos Flipper quienes se negaron

desde un principio a poner limites estructurales o conceptuales a su musica. La huella que dejan es reseñable, el sonido alternativo americano de los ochenta se fundamenta en ellos, les debemos pues la enorme variedad y riqueza creativa de ese periodo musical. Las similitudes conceptuales con los Sonic Youth son evidentes, si bien los otros son mas musicos y estructuran el ruido artisticamente, mientras que Flipper son anarquicos e incapaces de definirse en un contorno de cosas, por decir algo. El album es corto pero denso, no tiene una escucha facil, todas las canciones se acercan al lado mas desagradable y desaliñado del rock. La producción casi que brilla por su ausencia suena a directo grabado con un par de micros, no se cuida ni un detalle, es urgencia pura, espontaneidad irreversible.

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Throbbing Gristle 20 Jazz Funk Greats Año / 1979 Sello discográfico / Industrial Género / Industrial Nacionalidad / UK.

La presentación imaginada engaña, uno se espera un arcangel sobre una ingente cantidad de melodias lubricadas y se da de bruces con un neonato de sonidos pardoazulados. Una lejanía de distancia relativa que interfiere con la motivación paranormal y la confunde con una normalidad que hace tiempo que rebajo su nivel al estado de subnormalidad.

dejando que fluya la sensación sobre la mecánica orgánica. La cadencia transporta a la hipnosis y esta al vaciamiento distanciado. Los sintetizadores afloran como elementos nutritivos interiores que se apoderan de las formas informes, el sonido se actualiza por segundos, avanza diverso por los cortes del album explorando territorios anulares singulares y diversos.

Throbbing Gristle avanzan desde la elegancia hacia el ruido mediante pildoras indoloras e incoloras. 20 Jazz Funk Greats es tan abstracto como su título, condensa ideas informes que se muestran claras pero inexplicables.

En el plano consciente, 20 Jazz solapa nueva ola y avant‐garde, electrónica y rock, en un experimento que no deja su naturaleza pero que abona campos amplios y sospechosos. El ritmo y la base son entendibles, las voces dibujan tangentes extrusivas que abandonan la sodomía instrumental hacia planos perversos y profanos.

En efecto este album es opaco, oculta al cerebro superior en primera instancia, pero resuena como un motor productivo en el palacio interior de la subconsciencia, ya sea cósmica o tubular. Las ideas se repiten en cada corte,

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The Residents se hacen bailables, la industrialización se quita peso pero no contenido. Inmenso.

The Stooges Fun House Año / 1970 Sello discográfico / Elektra Género / Proto Punk Nacionalidad / EEUU.

Un ser inaudito inventa la modernidad sumido en un agujero de espanto y desesperación. Vaciando el interior de un candoroso mundo de colorines y llenandolo todo con un par de objetos punzantes y asperizadores. Fun House es el lugar geográfico donde Iggy Pop pierde completamente los papeles y encuentra absolutamente todo el poder en su raquitica estructura corporal para movilizar a audiencias bizarras en la búsqueda de la simpleza mas simple y la autenticidad mas intensa dentro de un rock que comenzaba a cambiar en la sombra hacia paraderos ultrasónicos. (respiración) (autordenación de ideas) La banda se comporta como un motor potente y poderoso que ruge a gran velocidad, es constante, rudo, inestable a veces, pero siempre desafiante. La voz de Iggy suena siempre con aires de garage y de

unos Velvet Underground que comenzaban a ser considerados como banda de culto. Iggy ha declarado alguna vez que su mayor aportación a la música es ayudar a acabar con los años sesenta, y no es poca, los Stooges se desenpolvaron diez años de flores, colorines y bigotes raritos, los cambiaron por casi nada, un par de acordes y un ritmo sencillo pero incansable. La asperidad del sonido se te pega a la piel, te araña el estómago hasta dejarte sabor a bilis en la lengua. Que placer de dioses. Hijosdeputa. Los ojipláticos seres que jamas entendieron las muchedumbres de idiotas se afilan los colmillos y tiemblan de una emoción primaria al entendar que movera sus plomizas vidas en unos años venideros de tendencia difusa pero creciente.

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Red Krayola The Parable Of Arabe Land Año / 1967 Sello discográfico / International artists Género / Psicodelia Nacionalidad / EEUU.

La agitación deseosa de un mundo inabarcable no espera a dar forma a una música con aires de eternidad. Los seres anónimos que jamas poblaran portadas de revistas especializadas reescriben el siglo XX con empujones de pura valentía. El continuo sonoro pone voz a una sensación de saturación que contemplada con el retrovisor del tiempo pasado sonroja por lo naif. Banda pionera en la historia del rock en la utilización de ruido y elementos exogenos para crear musica alternativa. El album es uun desafio de imaginación y desbordante energia, un puñetazo en la mesa y una profecia musical que se cumplirá sin evasión a lo largo del siglo XX. Se suceden cortes abstractos de ruido informe con canciones de tipo melódico pero de descuidada interpretación y producción,

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letras psicodélicas, ecos espaciales, y efectos que deforman el sonido hasta mutarlo en una ficción, un espejo de la realidad roto y astillado por el subconsciente de un ser humano, el visionario de Mayo Thompson. A través de los cortes de ruido, bautizados convenientemente como "libre‐ formas de ruido", se acerca a conceptos que estan mas dentro del Avant‐Garde y del Free Jazz que del propio rock, al menos del rock que se practicaba durante aquella epoca. La disonancia es utilizada como un exorcismo del dolor y la desorientación. En definitva, uno de los discos mas innovadores, transgresores, visionarios y únicos de la historia del rock. Muy recomendable.

Les Baxter Music Out Of The Moon Año / 1947 Sello discográfico / Capitol Género / Exótica Nacionalidad / EEUU.

En un mundo oculto anterior a la propia realidad palpable surgen ideas que avanzan sobre espectros de audición contemporanea pero que se extruyen por naturalezas pseudotangentes hacia detalles de genialidad. Como en otras ocasiones un género menor se convierte en el mejor lienzo en blanco donde plasmar la creatividad sin limitaciones contratos firmados por duplicado bajo mirada quejumbrosa de notario. Con pinceladas de Jazz y sinfonismo Les Baxter trata de crear vapor de música. Lo consigue por milisegundos. Uno de los mejores discos del género, por la perfecta selección de temas, por los cuidados y afinados arreglos, y por conseguir exactamente lo que advierte en el título del album, una música espacial y grandiosa llena de momentos sublimes y espacios para la

ensoñación. Destaca el piano como instrumento conductor de los temas, con coros celestiales, arreglos orquestales, vibráfonos, guitarras de jazz y como no podia faltar en un disco de este género en dicha época: el theremin dando color y electrónica melodia a casi todos los temas del album. Su pasado como compositor y arreglista de algunas de las mejores bandas de swing de los años 40 se deja notar a lo largo y ancho de los temas que componen el album. "Lunar Rhapsody" y "Celestial Nocturne" son cortes destacados. Es interesante denotar como esta grabación de finales de los años 40 se convierte en una influencia tan decisiva en el genero del Space Age Pop por llegar. Un disco único y la cumbre de todo un género.

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Minutemen Double Nickels on the Año / 1984 Sello discográfico / SST Género / American Underground Nacionalidad / EEUU.

La explotación de redes de oca en momentos efimeros demuestra sobra la boca de una abundancia de imprecisiones que la era de verdad absoluta ha quedado relegada a un extraño ser de arpegios sonoros que se esconde bajo las faldas de la verguenza ajena. Double explora la diversificación sonoro mediante la enesima potencia de lo impredecible. Con una batuta de simpleza y honestidad en un sonido sin corrector ortográfico. A lo loco. Pero un trasfondo divergente les hace ser fieles a un ritmo creciente y bivalante. La pulcritud de ejecuciones y la imperceptibilidad de elementos cuadrantes se sobresale en redondo y en triangular. El ritmo binario lo llena todo de una direccion medida y matemática. Las guitarras se esconden en un segundo plano de comodidad y se apegan a la sección rítmica

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que abunda sobre un bajo de amplitud melódica. Minutemen avanzan desde la idea iniciatica con sonido a punkrock hacia conceptos abstractos y experimentales que adornan con ritmos funkys y guitarras blueseras. Suenan a una reinterpretacion ligera y postmoderna de Captain Beefheart. Double Nickels es un salto cualitativo en la obra del conjunto, 44 temas de corta duracion que abundan en tempos altos y nerviosos y arreglos rebuscados. Pero hay momento para rutpuras conceptuales, guitarras españolas y sonidos exogenos para dar aire al sonido de todo el album. La obra es una declaracion portentosa y presuntuosa de una banda que se sabe en la cumbre de su creatividad, la arrogancia es merecida y el material merece escuchas consecutivas.

Sun Ra Others Planes Of There Año / 1964 Sello discográfico / Saturn Género / Avant‐Garde Nacionalidad / EEUU.

Cuando crees que ya no existe lo oculto llega un ser de otro sistema planetario para demostrar que como siempre te equivocas. Y la equivocación es un remiendo de un mundo envuelto en los pañales de la ignorancia, es un anhelo y una refrescante sensación de libertad y vivencia real. Sobre los hombres de este ser descansa el peso de un universo imperfecto, que tejen muñecos de cartón piedra y olvidos mágicos y amenos. Este extraño ser, Sun Ra, podia estar un poco pa'alla, afirmaba sin rubor que provenia de un planeta del espacio exterior, habia venido para traernos la buena nueva, un Jazz cercano al dodecafonismo, frecuentemente atormentado y libre para expresar los sentimientos mas ocultos del alma humana.

dejan llevar como el viento por los sentimientos que les llegan. Las drogas no eran necesarias, aunque es dificil de creer después de escuchar el album, era suficiente con la concentración de hormonas interestelares que concurrian en sus venas. Para la pista "Other Planets Of There" la libertad es absoluta, no hay base armonica posible, todo es imaginación y exceso; en otros temas tratan de construir temas de Jazz con melodia y armonia reconocible, pero difuminan las fronteras del concepto, las amplian con disonancias que hacen del sonido algo tóxico, es como una embriaguez de buena musica, un exceso de placer concentrado en su cenit. Ejemplos preclaros de ello son "Sketch" y "Pleasure". El Jazz hasta el limite de lo audible.

En este preciso momento, se sienta al piano con sus musicos, la Solar Arkestra, y se

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John Coltrane The John Coltrane Quartet Plays

Año / 1965 Sello discográfico / Impulse! Género / Modal Jazz Nacionalidad / EEUU.

El alma crece en un cuerpo que se apaga, Coltrane se afana en crear la perfección sonora por mediación de la intución y la fe.

lleva a editar algunos de sus mejores discos. Como una evolución natural Coltrane comienza a adentrarse en la atonalidad de la improvisación libre.

La melodia curvea las afiladas cumbres de un bajo entrecortado, un piano de armonia contenida y una bateria que se inmensa sobre su propia estructura difusa.

Este disco es especialmente interesante ya que muestra a un Coltrane en pleno proceso de cambio, el album ya contiene solos de improvisación libre pero también algunos estandares que mantienen raices armónicas con la tradición aunque se puede escuchar con claridad como dentro de los propios temas la banda avanza de forma casi obligada hacia terrenos abstractos.

El Jazz de Coltrane avanza, se desapega de raices pesadas y flota en un ambiente de imprevisión, sobre un plano de elementos definidos que conviven en espacios abiertos con precisión quirúrgica, una melopea intrínseca y promimente. El humo de la esfera comienza a desvanecerse y la claridad se opaca por momentos de confusión y estructuras incomprendidas. Durante el año 1965 John Coltrane realiza un paso adelante en su carrera que le

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En el caso concreto de Coltrane la improvisación libre no es mas que la consecuencia de dejar que su parte mas espiritual conecte directamente con su música sin dejarse contaminar por la conciencia de su propia persona. El camino es evidente y en el caso de John el resultado es creible y emocionante.

Sabu Palo Congo Año / 1957 Sello discográfico / Blue Note Género / Latin Jazz Nacionalidad / EEUU.

La energia que se acumula sobre la percusión se libera en voces de intensidad profana. La raiz es lejana y el resultado tiende puentes a un mundo nuevo que define la creatividad y la falta de fronteras. Palo congo es un cruce de caminos que parte de un lugar para llegar a un tiempo. Sobre la disyuntiva de quien no se siente perteneciente a ningun lugar pero que le debe un todo a cada elemento que se cruza por su camino.

Palo Congo es su album mas emblemático. Suena tribal, cubano, pocos instrumentos y voces corales para una obra concisa, repetitiva e hipnótica. Latin Jazz, Afro‐cuban Jazz en una de sus obras mas importantes. Parece mucha diseñada para el baile, el desenfreno, el emoliente ideal para una conexión con las estrellas por medio de la música como una forma para celebrar la vida y su misterio.

Sabu era un neoyorkino de origen cubano, se conviritió en los cincuenta en uno de los percusionistas mas influyentes, utilizaba los ritmos latinos, los mezclaba con Jazz y se desenvolvía con fluidez. Aprovechando el tirón del gusto por todo lo latino, se abrió un hueco en el mundo del jazz acompañando a grandes figuras y participando de grabaciones legendarias.

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Sonic Youth Evol Año / 1986 Sello discográfico / SST Género / Noise Rock Nacionalidad / EEUU.

El destino de un ruido informe que se desvanece y se amansa en una muchedumbre, un remolino de ritmo e intensidad sonora. Los Youth avanzan paso a paso hacia la definición de lo indefinible, Evol funciona como un puente entre lo que existió y lo que existirá, entre un origen y un destino, entre un fui y un seré. Su sonido muta en cada pista desde la intensidad de un rock floreciente y potergente hasta la inverisimilitud de la flaqueza dolosa de tiempos lentos crecientes. El album se amplia y se oscurece, se abrillanta y se debloga. Respira como un organismo latente que es. Sus padres putativos han creado un perfecto monstruo que camina sobre las aguas y vomita fuego. Se hace imperceptible cuando se decide y tremedamente presente cuando se ponen a ello. La melodia es un escusa para

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drestruir el mundo interior, para construir algo que poder derrumbar de inmediato. Pero esas melodias denotan un imperio moribundo lleno de una grandilocuencia feroz. La persistencia de la naturaleza sobresale sobre el minimalismo de cortes y agujas. Los desbloqueadores funcionar.

comienzan

a

Sonic Youth evoluciona hacia sonidos mas rock, con estructuras mas predecibles. La adición a la banda del bateria Steve Shelley es el elemento que echaba en falta la banda y que les permite redondear su sonido. Aguas salobres entre las texturas abstractas y ambiguas, la estructura rock simplista y la interpretación casual y visceral. El conjunto es amplio y sirve como iniciación perfecta al caos perfecto que esconden las cacofonias de los neoyorkinos.

Dirty Three Ocean Songs Año / 1998 Sello discográfico / Touch And Go Género / Instrumental Rock Nacionalidad / Australia

Ocean Songs es un arrastrar de dedos sobre cuerdas dubitatibas, sobre mundos húmedos y oscuros. El conjunto de arreglos que funcionan como un contrapunto casual crea una textura constante que amenaza el espacio sonoro y ambivale el mundo conocido. La pretensión es capturar un estado de ánimo, el resultado es de una belleza compleja. No existe paralización como propósito, mas bien al contrario, el humo del espacio se aclara por cualquier idea que aleje la esencia de un pensamiento consciente. Lejania en una estructura informe. Cuadros de voluntad imaginada, estuches de puertas entreabiertas y piensos para animales muertos. Percusiones deshechas y comadrejas ocultas en un sonido cuasiimaginado. El sobrante de pieza sonora se presenta como un pedazo de autenticidad. Un

cúmulo de aberturas humeantes, un remanso de la consciencia y un puzzle de ambivalencias. La modestia de quien no busca nada es el alivio de un trabajo que se apea del camino de los tontos, que entiende que perder y aceptarlo es una oportunidad para dedicar lo único que posees a lo desconocido. El tiempo. Ocean Songs captura momentos de improvisación contenida, en los que los instrumentos eléctricos y los orgánicos se funden creando texturas extrañas. El tono es constantemente apagado y lento. Tristeza intensa en arpegios de guitarras eléctricas que se interpretan con dejadez, baterias lánguidas y difusas en espacios lejanos y violines de aires folk, terrosos, casi inmundos. Los temas se inspiran en dolorosos recuerdos, desesperanzas y melancolias vitales.

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Low Trust Año / 2002 Sello discográfico / Kranky Género / Slowcore Nacionalidad / EEUU.

Trust prueba con Low que no se contentan con crear un obra perfecta y hacerse valederos de adjetivos magnánimos.

minutero se descontrola para apadrinar el espacio con algo mas que una suavidad de dobleces.

Low busca y rebusca en sensaciones acompasadas, en profundidades sonoras, en pesteñeos de decenas de horas, la esencia cambiante, mutante, de lo incomprensible.

La busqueda de un minimalismo tiene un premio de grandeza y credibilidad. El sonido se afila ocultando a veces lo esencial, imponiendo estandares que no nos llevan a ningun lugar que merezca la pena.

Y lo hacen por mediación de la escasez sonora, de predelays eternos y distantes, de voces susurrantes, de una suavidad erizante que de fragil es volátil. La tristeza y la melancolia gobiernan Trust, con amplitud divergente alternativa, con raices folk y psicodelicas, con formas post‐punk y post‐grunge. Mantienen el carácter efimero e inocente semiadolescente, en un punto de inflexión entre la reflexión y el dejarse llevar. El cristal se empaña de melodias purificadoras. El reloj marca una hora y el

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Pero el hipocentro remanece sobre la higiene de la producción. La muerte cerebral sobre un mundo de abanicos. El vuelo fluoresciente sobre un espejo de conexiones. La apatia como un grado de invincibilidad, la calma sobre un remolino de nucleos y variopintos.

Cluster Cluster 71 Año / 1971 Sello discográfico / Philips Género / Kraut Rock Nacionalidad / Alemania

Sobre un paisaje de abedules no se pueden construir autopistas de acero. El cerrojo de una puerta que no nos lleva a ninguna parte parece el mejor de los ejemplos de lo que hacemos sin plantearnoslo. Pero en realidad no tiene la mayor importancia porque al final solo quedará una vibración de uniformidad que Cluster visita con aspavientos y sobriedad germana. La formación de dodecaedros es un atisbo de un algo universal. De dificil explicación. Pero a quien le importa la causa‐ efecto existiendo un resultado que golpea y conmueve. Ese resultado que nos expone frente a una inmensidad imposible pero tan real como los huevos con jamón. Trabajo temprano de esta banda que trataba de juguetear con el ruido y la

electrónica bajo patrones minimalistas con el objeto de encontrar la puerta interior hacia la eternidad. Escuchado desde las alturas del siglo XXI resulta retrovertido y encantador, esa ristra de sintetizadores tan orgánicos, tan mantequillosos, tan asombrosamente putrefactos. Los sonidos son completamente amorfos, carecen de melodia y estructura iniciatica, en su defecto son bolas sonoras que crecen y encojen como si tuvieran vida interior, como si dentro de ellas se engendrara un ser cósmico que aun en estado de latencia es capaz de sentir y comunicarse por vibraciones sencillas pero elocuentes. Cluster pone su granito de arena para cimentar la tendencia artistica mas interesante desde los Beatles, el jodido Kraut Rock.

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Einsturzende Neubauten Zeichnungen Des Patienten

Año / 1983 Sello discográfico / Some Bizzare Records Género / Industrial Nacionalidad / Alemania

Cuando la música se contrae se convierte en un elemento mas de consumo para la inmensidad de idiotas irrelevantes que pueblan el mundo. El camino contrario es de una irregularidad dificultosa. Pero conmueve y promueve. Abre los poros y destruye las conexiones neuronales de color gris pardo.

vacuidad.

La máscara de lo indigerible se convierte en una oportunidad para tomar por sorpresa el universo y destruirlo de forma fortuita.

Pero su música es fundamentalmente experimental, basada en texturas y patrones ritmicos de corte indigerible, para crear sensaciones coagulantes, impredecibles, angustiosas.

El caos de la realidad no puede tener como reflejo la música de los benevolentes cantamañanas. El sonido de este album es la puerta oculta a un nuevo milenio que se apaga antes de comenzar. La oscuridad cubre como un manto la oportunidad de la melodia agradable. La percusión binaria arremolina una sonoridad controversial y una catapulta de barro y

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Los alemanes de nombre impronunciable conservan la esencia de seriedad y experimentacion creativa del krautrock setentero. Lo aderezan con todas las ideas que el post‐rock y sonido industrial traia de vuelta de la pérfida albión.

Casi no hay atisbo de melodia, tan solo un continuo de ruido percusivo que se entremezcla con armonias disnontes y voces ajenas. El resultado es una obra que moviliza y deja huella. Hay sonidos que no han nacido para alcanzar la belleza.

Rip, Rig & Panic God Año / 1981 Sello discográfico / Virgin Género / Post‐Punk Nacionalidad / UK.

Avanzar para volver atras, para recuperar elementos que no parecian apreciables y dotarlos de una nueva vida interior mas allá de la efímera existencia del mundo consciente.

God es el debut de la nueva formación, suman elementos del Jazz y el Funk a sus experimentos cacofónicos, estos son mas ritmicos y se dotan de melodias mas asequibles.

Los nuevos elementos crean por inconscienca una nueva era magnética sobre la que enredan parafreseos y martes de cenizas.

El album al completo retiene un aire de improvisación y de directo que le sienta muy bien.

El ritmo se armoniza, se deja descansar sobre la tabla de una enseñanza consabida. La jazzitación de la armonia impregna de elegancia y credibilidad a un sonido que en realidad retiene un carácter de improvisación.

Las canciones son experimentos en torno a patrones ritmicos elaborados y máquinas generadores de ruidos abstractos, la melodia se obtiene por pianos y el ritmo se dirige al terreno entendible por bajos melodicos y sencillos.

Secuela de Pop Group, Rip, Rig & Panic siguen la estela marcada por su lider Gareth Sanger, construyen material con elementos pertubadores pero con una leve tendencia hacia un terreno mas amable y entendible.

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Ghost Hypnotic Underworld

Año / 2004 Sello discográfico / Drag City Género /  Neo‐psychedelia Nacionalidad / Japón

El caos de la notoriedad se evanece sobre una esquina informe. La sumatoria de cortes y magnetismos no afina la sensibilidad, todo quiere caminar hacia un camino prediseñado y a pesar de los momentos de euforia el estado anímico no parece el mas adecuado. Para el tema construyen una dualidad perfectamente definida de formas informes y formas perecederas. El contrasentido crea estados de belleza venial. Los japoneses Ghost crean un paisaje sonoro abstracto a medio camino del jazz de vanguardia y la banda sonora de una peli de ciencia ficción. Su música contiene elementos de sofistificación propios de las bandas de músicos heterorodoxos. Provienen del jazz y del rock progresivo pero se mueven hacia estructuras

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libres, que aderezan con sonidos terrosos y ambientes primitivistas. La grandeza de Hypnotic Underworld radica en evitar un concepto limitido y repetitivo musical. La banda recoge ideas diversas y las incorpora en una obra de tendencia heterogenea pero con personalidad propia. El sonido añejo de rock progresivo evasivo y rock psicodelico colorista encuentra puentes de entendimiento con tendencias contemporaneas como el post‐rock. En otro plano conceptual son capaces de aportar melodias y pasajes pop y contraponerlo a momentos de sonido abstracto e intuitivo.

Amon Düül II Tanz Der Leminge Año / 1971 Sello discográfico / United Artists Records Género / Kraut Rock Nacionalidad / Alemania

La diversificación sonora y la busqueda de un espacio bizarro vacio hacen de este experimento un instrumento de interés que sobreretiene un tiempo desvanecido sobre si mismo. La cruz que dibujan está entre la fructificación de lo híbrido que suma tendencias. Partiendo de lugares diferentes se dirigen a destinos lejanos pero compatibles. Amon Duul recoge con un acierto que asusta la realidad esencial de toda esta duda existencial y la transforma en un meandro de sonidos abandonados que se entonan como quien corta panales de abejas y se baña en miel cristalina en un polo norte imposible de asir. La grandilocuencia es solo una máscara que esconde un mundo de imaginación no extrapolable a tiempos limitantes.

El rugiente rock de postura hendrixiana se axfisa en la toxicidad que la electrónica experimental que los germanos amansan con maestria derrumbada sobre si. El krautrock fue una etiqueta que desde los paises anglosajones se utilizó para identificar a la interesantisima música progresiva que llegaba desde Alemania a finales de los 60, de entre todos los grupos que se identifican con esta etiqueta uno de los mas destacables es Amon Düül II, que en Tanz Der Lemminge consigue uno de sus trabajos mas logrados e influyentes. Movedizas arenas del ruido y la melodia, añadiendo instrumentación y ritmos africanos y asiaticos. Psicodelia, surrealismo, y exorcismo musical, un complicado equilibrio.

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Cabaret Voltaire Red Mecca

Año / 1981 Sello discográfico / Rough Trade Género /  Industrial Nacionalidad / UK.

El humo blanco de oscuridad voraz recorre un amplio estado de ánimo, con sospecha de un vacio interior y un dolor de ansiedad. El ruido de aspavientos y ocultaciones se establece en el jardín oculto de un ritmo imprudente. La dirección se retoma con facilidad bajo un epígrafe de miseria y desesperación. La falta de tiempo revela una urgencia de estética y de postureo. La procesión de un grado de amplitud variable encomienda un volante de recuerdos sobre la incesante antena de verdades a medias. El tiro no roza la diana, pero la acaricia por momentos. Sobriedad que se expande para apremiarse sobre los inocentes ojos de un ser vomitivo. Cabaret Voltaire son frecuentemente olvidados dentro del movimiento de bandas

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que surgieron de las ruinas industriales del interior de Inglaterra. Red Mecca muestra un grupo de musicos afines a la experimentación, con gusto por el concepto mas arty de la musica pop, beben de lo que ocurre a su alrededor bajo la etiqueta de New Wave y aportan su propia visión, mas desectructurada y retorcida. La electrónica y los loops son la base formal del album, la estructura repetitiva se adorna con un manto de sonidos de tendencia disonante y contenido simplista. Con el conjunto capturan el paisaje gris y deforme de su epoca, la crisis y el asco social de una generación de músicos desheredados y olvidados. Pero aun queda esperenza, entre los ritmos binarios de los temas que avanzan casi hasta lo bailable, la esperanza de una nueva decada que comienza a ofrecer una paleta de colores nueva y vibrante para los artistas.

Nick Cave Your Funeral My Trial

Año / 1986 Sello discográfico / Mute Género / Post‐Punk Nacionalidad / Australia

En apariencia de un primer plano ocultador y abrillantador se aprecian las constantes vitales de una profusa contención sobre la promesa de un paño de lágrimos de volatilidad. Las esquinas revelan contracorrientes y convergencia occidental. Subrogación de gravedad universal bajo la tumba de heroes de corcho. El incendio se acuna sobre un ritmo de simplicidad variopinta, un armónico natural de expansión recogida. Mensajes para seres incapaces de entender. El ambiente se vuelve teatral y Cave divaga para encontrar aquello que nunca ha buscado. El corte por dieresis de arterias femorales. Con Your funeral my trial Nick Cave consigue el respaldo mayoritario de la critica y el respeto de un publico que aun no siendo

numeroso es entendido y sabe que se lleva entre las orejas. El album expande los sonidos del cantautor aupado por los Seeds remozados, capaces de dotar de texturas y sonidos ambiguos a los temas de Nick. Nick se centra en aportar un material oscuro y "jodido", la especialidad del artista, la teatralidad de la interpretación encaja con el ambiente armonico y la profundidad de la grabación. Tempos bajos, lentos, dolorosos y pesados que se intercalan con algunos cambios refrescantes pero que marcan un camino constante hacia la melancolia y la autoflagelación. Hay tendencia hacia la experimentación al mas puro estilo lisergico de los Velvet Underground y la reinterpretación modernista que el post‐punk supone. Hay sabor a The Doors en la teatralidad, la poesia y la oscuridad de la voz.

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Swans Children Of God

Año / 1987 Sello discográfico / Some Bizzare Género /  American Underground Nacionalidad / EEUU.

La presentación preludia un infierno de bicicletas y amuletos. Pero esconde una delicadeza de piel de abeja y hombros de gallo. Caracoles ciegos y rastros de oro para un calor que emana de la esfera humeante. El susurro de un ángel moribundo rehace un mundo de sentimentalismo, abre heridas nunca antes existentes y oscurece un mes de ambivalencia y cuchillazos. La melodia se aplasta sobre un plano de acero y vísceras. La gama sonora se amontona sobre un extremo. La causalidad explica el devenir de los acontecimientos. El espacio se empequeñece para hacer mas presente un universo infinito. El vacio se apresencia bajo la informidad de un par de rastros de cartas y vinos afrutados. La realidad se desvanece sobre su doblez y la cobardia de valores y conchas se adueña de lo que jamas será real.

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Swans crecen con Children Of God, se entonan para crear un set de canciones que se describen por su opacidad, oscuridad y profundidad cuasiespiritual. La esencia es un rock potente, rugiente y repetitivo que se ancla en el sonido industrial, los aderezos de guitarras acusticas y coros celestiales les acercan al folk‐rock, a un sonido desertico mas propio de la costa oeste. La voz es un volcan de gravedad que se aposenta con arrogancia y excentricidad sobre la instrumentación. Por similitudes hay esencias de Nick Cave en la mezcla, Leonard Cohen cabreado, y un regusto a rock gótico. Aunque el principio engaña, el album se contiene en tempos lentos, pesados, instrumentación acustica, y letras intimistas y depresivas.

Alvien Lucier I Am Sitting In A Room

Año / 1970 Sello discográfico / Lovely Music Género / Avant‐Garde Nacionalidad / EEUU.

Carencia de capas sobre un nucleo escurridizo. Pero donde están las gafas voladoras que esperan un nuevo dia de cantos y vivas. Las contundentes redes se dispersan sobre la paciencia de un mundo de paredes y consistencia frugaz. Una obra inimitable que se ha convertido en uno de los clasicos del avantgarde del siglo XX, un concepto simple y antimusical que se convierte en una especie de autoexorcización y como una forma de abrir la mente de aquellos que realmente quieran abrir la mente.

"I am sitting in a room, different from the one you are in now.", asi comienza esta obra, la voz se repetirá durante cuarenta y cinco minutos añadiendo en cada repetición un poco mas de reverberación natural de la sala de grabación, que se suma a las anteriores reproducciones. Si bien siempre he estado en contra del arte contemporaneo cuando este se convierte en una forma simple de llamar la atención haciendo algo inesperado.

El album no es mas que la voz del autor hablando, quien nos explica de que va el disco, el concepto; y la propia explicación se convierte en el disco en si mismo.

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Tim Buckley Lorca

Año / 1970 Sello discográfico / Elektra Género /  Folk‐Jazz Nacionalidad / EEUU.

El camino hacia un lugar de éfimera existencia comienza con una cacofonía de antibelleza de se aviva hacia el contrapunto de la muerte por defecto.

una gran influencia.

Quien se afina y concentra sobre este mar de calidez puntiaguda se abre paso para mostrar una meditación comedida.

En este album se siente consistentemente la evolución del artista de unos inicios con un sonido mas folk y accesible a un campo mas abstracto influido por el avant‐garde, el jazz, y la experimentación psicodelica.

La mediatriz entre el Jazz que aun no existe y el folk que aun ni imaginamos se alia con un Country de raiz de azucar que disiente para expresar la subconsciencia de una niñez oculta.

Como resultado nos presenta una serie de canciones intrincadas y disonantes donde su multioctavica voz da rienda suelta a una suerte de giros imposibles; un paisaje sonoro desestructurado de imaginación desbordante.

La simpleza de una vibración fortuita se engrandece sobre la causa y la báscula de modos y carros.

Un disco profundo y no facilmente accesible que por el contrario promete una enorme recompensa al oyente paciente que se adentre sin prejuicios en el mundo interior de este peculiar artista.

Etapa fundamental de la efimera carrera de este cantautor americano que nunca consiguió un éxito entre el público mayoritario pero que ha sido largamente citado por artistas de todos los tiempos como

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Tony Williams' Lifetime Emergency!

Año / 1969 Sello discográfico / Polydor Género / Jazz Fusion Nacionalidad / EEUU.

El misticismo de un fuego redondo en su amplitud de miras se abre camino bajo la batuta de un lago de acelgas y cortes. La indisoluble asociación caracteriza un paso de animales buscadores. Y sobre el cartílago de fresas y montes se rehace un mar de encantos y cienpies de frases. La impaciencia de una boca de oro se amuebla bajo la no entendible sensación adueñadora de espejos y cavidades. Pero mas allá de un juego de naipes está la voracidad y la infragancia de gargantas afiladas. Considerado una de las obras maestras iniciaticas del nuevo rumbo emprendido por el Jazz hacia finales de los sesenta: el Fusion. Una mezcla de Jazz y rock que denostaría el género Jazz en pocos años. Tony Williams se rodea de guitarristas de la talla de John McLaughlin y Larry Young

para adentrarse en sonidos eléctricos que lo acerquen al rock ambiguo y complejo que se practicaba en aquellos años. Los temas parecen querer mantener el carácter informe y libre del Jazz coetaneo pero recreado con nuevos instrumentos. La paciencia de un minotauro se hace física en un mundo de química. Pensar que no es posible pensar es un laberinto que nos adentra hacia la puerta de salida. Y donde no habia nada surge la letania. El fuelle que aviva un fuego dormido bajo los hombros de un estruendo silencioso. La arrogancia esconde un simple nudo, una honestidad que continua por espacios no abiertos ni cerrados. Todo es una espera, la espera de que todo acabe bajo el telón de un teatro del tiempo. Pero la esperanza es lo último que se encuentra, la nostalgia de un dIOS que nos avisa por carta certificada.

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Radiohead Kid A

Año / 2000 Sello discográfico / Parlophone Género /  Post‐Rock Nacionalidad / UK.

De un punto de inmensidad causal surge una barahúnda cristalizada. La suavidad esconde mentiras y curvas. La obsolescencia es salvada en un tarro de alcohol y cuentos para dormir. La escalera sin peldaños nos amplia un campo visual hacia un lado, el izquierdo, ligeramente escorado, profundamente perdido. El ombligo está presente por potenciadores y menoscabos, la no realización parece un compendio de no hechos para no alguien. Kid A es un contrasentido desde la primera nota, una declaración ambiciosa y ambigua de una banda con enorme talento que trata de evitar el cliché soportado. La escucha tranquila y pausada revela un portaobjetosdevaloresycasiopeas. Quien lo ha visto y quien lo ve. Quien imaginaba que lo inesperado era precisamente lo que no sabias que existia.

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Yorke y su prole se alimentan de electrónica, de la electrónica textural, sofisticada, cuasi jazzistica, con la que experimentaban pioneros inquietos de los noventa. Pero Radiohead no roba las ideas, se nutre de ellas en un ejemplo perfecto de lo que debe ser la influencia, para crear un album novedoso, que recoge material con forma de himnos rocks e ideas sonoras que no se transforman en estribillos predecibles, ni en estructuras preconsabidas. Kid A es una lucha entre lo anterior y lo posterior, entre el lugar del que provienen y al que se avecina. Se considera una de sus obras mas emblemáticas, no porque sea las mas redonda o perfecta en cuanto al material que contiene sino porque recoge con fidelidad las tensiones creativas de una banda de musicos superdotados expandiendose musical y espiritualmente a través del exorcismo vibracional.

Butthole Surfers Psychic... Powerless... Another Man's Sac

Año / 1985 Sello discográfico / Touch And Go Género / Noise Rock Nacionalidad / EEUU.

El aviso de un caos de imprecisión toma forma por la via de la urgencia, se adueña de una concavidad que surge por solidaridad contraria. Hay un alfiler de cuanticos versados y un canal de uranio empobrecido. La canasta de constantinopla y la huida hacia un lateral que oscila sobre un único punto de color de rosa. El regido de un tambor de avión supersónico se esconde detrás de una caja de cartón piedra. La ventaja de hallar costras en la sopa es que morder no se hace tan raro. Pero hay que pensar en las ratas de nubes de fusibles. En la cantinela de nunca jamas en los bosques de condensadores y resistencias. En un hombro‐cabeza‐hombro invertido que se dibuja bajo un arbol de cemento y aluminio.

Una buena dosis de suciedad asquerosa barniza el album Psychic de los Butthole Surfers, herederos directos del post‐punk britanico y con capacidad de ampliar miras ungidos por la inspiración divina. El sonido es rugoso y punzante, las armonias simplistas y dodecafonicas, y los arreglos tienden al ruido infame y consustancial. Psychic es una obra ebria de principio a fin, consta de sensaciones y bilis a partes iguales, una historia escrita desde el estómago. Se situan por derecho entre las bandas de culto que abren los ojos a toda una generación de tiernos infantes que serán los escogidos de la sociedad para transmitir la buena nueva en los noventa. Su falta de empatia por la melodia los hace de dificil escucha para un público mayoritario, de hecho jamas traspasan la frontera de lo subterraneo, ni falta que les hace.

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Steve Reich Come Out, Piano Phase, It's Gonna Rain, Four Organs Año / 1965 Sello discográfico / Género /  Minimalismo Nacionalidad / EEUU.

Cuando no hay nada que ocultar y la espera no es mas que una escusa para construr castillos de formas y espesores sobre una playa de cartas y aberturas fluidales, pues en ese espacio lo que no parece tener una vida propia se adueña de una parte del cerebro que ni siquiera sospechabas de sus existencia. No hay mas sobriedad que el uso riguroso de elementos no utilizables. Y cuando se utiliza un mundo de constancia y versatilidad sobre una base de escasez se abre un camino de pusilanimes a base de hachazos y mordiscos en las rodillas. Ese rechazo que no se discute da sentido a un tiempo y un espacio que bajo las veladas de incienso u mirra se esconden en montañas de cal y arena, en ventanas de vistas a saturno, en estruendos de silencios y armas de algodón. Un hueco en un suelo de tierra y

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hongos aparece para resaltar un mar de ladrillos, para recordar que no hay nada mas allá que un cuento sobre una hoguera de cernícalas y costados. Que la simpatia por un pueblo de domadores no realza las antiguas verdades de un catastro a medio camino de lo que es y lo que puede ser. Steve Reich es uno de los grandes maestros del minimalismo. Este album condensa algunas de sus composiciones primerizas, que ya contienen toda la esencia de la música y los experimentos sonoros del artista. Loops y la repetitividad hipnótica de pequeños fraseos que varian minimamente durante las interpretaciones. Es sin duda un trabajo de importancia histórica, nos muestra los inicios de la electrónica, a un pionero creando libremente con nuevos conceptos que pronto serian fructiferos en la música comercial.

John Coltrane Meditations

Año / 1965 Sello discográfico / Impulse! Género / Avant‐Garde Nacionalidad / EEUU.

La optimización de la versatilidad salta en pedazos tras la busqueda de un dolor de muelas y la cefalea de carreteras sobre lomas de arcilla. Una ingenieria de metal de cuellos converge sobre la naturaleza colosal de un paño de humedad relativa=10 y aunque la paciencia de un pecador de estribillos y bocanadas no parece ser un ser, no se puede dudar que se ha alcanzado un estado de forma de abilidad no terrenal que agranda la pangea de y destruye por cortes verticales la piedra de plásticos y transparencias de un mundo que aun sintiendose no existia.

enesima obra de arte consecutiva sin repetir formulas, aspirando explorar nuevos territorios pero por un alma atormentada en experiencias espirituales.

que edita, siempre a conducido busca de

Meditations es una liberación de las convenciones armónicas y rítmicas. Los instrumentos describen melodias completamente libres en un ambiente cargado de sonido y de energia. Coltrane funciona como el motor de un aparato futurista que se rige por sensaciones mas que por partituras, la técnica hace el resto.

Los lagartos de arena y calor se inventan la esfera de dioses y cosas. Se abre una via de aire sobre un techo de flores y colores oscuros.

Es un trabajo interesante para melomanos empedernidos capaces de superar las limitaciones de lo estandarizado para disfrutar de lo que realmente supone ser libre.

En la cuspide de su carrera John Coltrane aun trataba de encontrar la ultima frontera que derribar. Meditations es la

No esperes volver, este camino ya no tiene un retorno a casa, ya no hay vuelta atrás. De aqui a la nada.

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Suicide Suicide

Año / 1977 Sello discográfico / Red Star Género /  Synthpop Nacionalidad / EEUU.

Banda estaba liderada por dos seres estramboticos: Alan Vega y Martin Rev. Rev se limitaba a crear musica utilizando patrones repetitivos de fraseos de sintetizadores, los repetia hasta la extenuación, Vega cantaba sobre la hipnotica musica versos inconexos e incendiarios. En directo se les iba la pelota grandemente, se ensañaban con el publico, provocaban peleas y la musica les acompañaba convenientemente creando el clima ideal de confusión y violencia gratuita. Su aportación se enclava en el punk que surgió de Nueva York en el 77, eran artisticos, tenian un regusto a la musica rock and roll mas primigenia pero deformada libremente por la electronica y la rabia. Sus repetitivas, atmosferas intensos de

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canciones son sencillas y pero consiguen con ellas crear tensas y creibles, los susurros Vega son intimos y eroticos, la

musica es humeda y distante, el ambiente se carga electricamente y crea momentos de tensión oscura y enigmatica. Desde el punto de vista artistico son un enlace milagroso entre lo mas tradicional y organico y la nueva ola de sonidos electronicos, no son "copy‐paste" sin sentido, van mas alla de sus influencias, tienen sentido, tienen alma propia y germina como un espermatozoide tontarrón. La impaciencia se vuelve consistencia, crea un suelo orgánico de aviones de papel y el vómito de casualidades adereza un espacio que aun inherente se adueña de costaduraitiakemasm.

Moondog Moondog

Año / 1956 Sello discográfico / Prestige Género / Avant‐Garde Nacionalidad / EEUU.

Un elefante de infortunios y costuras se atreve a recrear un mundo centroipeo sobre la esperanza de un cátodo de incontrol. La dulcinea de un ritmo oscilante redondea con abanicos de cristal. naturaleza de la carestia y el exotismo de sonido agorero hacen del resto del rincón elemento de cantar y mundear.

se La un un

Este es el mayor e inimaginable legado de un musico callejero, un paria de la sociedad neoyorkina, un ciego que vivia de las limosnas y que editó este disco utilizando elementos extraños y subversivos y creando con ello un universo particular de simpleza melodica y complejidad anímica. Como sacado de la nada, un exabrupto enorme en mitad de los años cincuenta, lleno de incongruencias y rodeado por una capa enigmatica que aun perdura, eso es esencia este trabajo y por extensión el artista que lo crea. Nos trae una ingente cantidad de

melodias de influencia asiatica construidas con instrumentos de percusión donde las voces habladas y los sonidos ambientales recrean una especie de pelicula exotica. La idea es de una osadia abrumadora, Moondog por si solo se convierte en el primer intérprete que encaja en el termino de "alternativo", su fusión musical abarca la electronica, el jazz, la musica latinoamericana y la asiatica, asi como el easy listening y el lounge. El resultado es una colección de melodias simples y constantes que sirven de forma magnifica como banda sonora de una pelicula imaginada, irreal. Merece la pena su escucha y su recuerdo aunque solo sea por lo extraño y personal de la propuesta.

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Chrome Half Machine Lip Moves

Año / 1979 Sello discográfico / Siren Género /  Industrial Nacionalidad / EEUU.

La cuchilla gigante de una muchedumbre ardillas aparece para predecir un volcán de carbón. Y aunque el mundo de la incandescencia es tan humano como una uña de gato, el costal de una radio de galena no es tan vivo ni tan moribundo como se espera. Donde se encuentran dos influencias que devienen de revoluciones enfrentadas pero que efectivamente tienen evidentes elementos en comun que Chrome casa muy bien. Hablo del punk rock y la psicodelia. El sonido de la banda es dejado, simple, directo y repetivo, pero la musica deriva frecuentemente en libres formas de ruido y artificios grandilocuentes que se acercan peligrosamente a todo el rock psicodelico de los años sesenta. Las voces cantan con escasa musicalidad, se acercan por momentos a un

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Mick Jagger blusero y tontorrón. Pero la musica no es solo mezcla de estilos, el resultado camina hacia nuevos espacios, lo que en los ochenta se vino en llamar Industrial, un estilo urbano lleno de rabia y confusión donde el ruido no es mas que la representación de la realidad diaria de sus protagonistas. La musica es potente y simplista (TV as eyes) pesada e hipnotica (Mondo Anthem) y experimental pero anclada en el ritmo (Half Machine Lip Moves). El album es complejo, es variado y lleno de giros y posibilidades, no es nada tedioso a pesar de su caracter experimental, una obra única dentro de la epoca en la que se editó.

Cop Shoot Cop Consumer Revolt

Año / 1990 Sello discográfico / Circuit Género / Industrial Nacionalidad / EEUU.

La leyenda un bosque de edificios de vagedades se hace realidad bajo un sombrero de luces. Los ochenta de ocultación han dado fruto maduro en forma de bandas que no se esconden y no tratan de forzar una sonrisa para revistas de no naturaleza. Y aunque la nostalgia no sea un sentimiento que a estas alturas merezca la pena denotar, si es mas cierto y menos mentira, que lo que es nunca podrá ser robado ni siquiera por quien cree tener un poder que desaparecerá bajo la batuta del libertinaje. Sobre la sospecha de una ofensa de proporciones inimaginables se rehace un legado de escarabajos y un puñal de oscuridad cósmica. Los sinsabores que adolocen la no existencia de versos de cárceles y railes. Espirales de muchos y planos de ninguno.

La parte trasera de la casa esconde un habitáculo de nuevos dones y castigos que jamas deben de salir de allí. La insistencia de un ritmo binario y la paranoia de una electrónica que ya nadie creia que fuera a telefonear son puntos a favor de pensar sobre lo escuchado bajo una almohada de espinas de petroleo. No se olvidan además de ampliar la raiz de maderas y rocas. La osadia no se asimila sobre si misma, se hace sobre la raspa de un costado de carne y huesos. Esa esperanza que se pierde bajo un puente levadizo pero que se encuentra corriente abajo al ver que el planeta era tan esférico como alguien esperó durante décadas. Hay queda como testamento de un mesiánico destructor de universos.

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Black Tape For A Blue Girl Remnants Of A Deeper Purity

Año / 1996 Sello discográfico / Projekt Records Género /  Darkwave Nacionalidad / EEUU.

La estancia de amplitud eterna se dibuja bajo un manifiesto de comensales y vareadores de mentiras. En un infierno de ratas y cortaduras. En una parábola de imprecisión quirúrjica. En la boca de un lobo de mantequilla y ruinas. Una esperanza deshecha bajo el techo una boveda de carbonato de tragedia. La última esencia de puertos de velas y universos. Las puertas se abren para no dejar entrar a nadie. La rendija sobrevuela un mundo candiles y sombras temblorosas. Una peculiar calma que no preludia nada bueno. Pero aun sabiendo que este rincón del espaciotiempo no trae nada bueno, funciona como un imán de viento, atrapando voluntades bajo una profundidad de candidez. Bajo un suelo empedrado de antiguedad y violencia pasiva.

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Atmósferas graves, lentas, como marchas funebres, arreglos de cuerdas y voces que parecen salidas de las profundidades de alguna catedral en alguna montaña inóspita, pads de sintetizadores rodeandolo todo, capas de reverb, minimalismo instrumental, profundas, tristes y poéticas letras y un sonido etereo y lejano son las señas de identidad de este trabajo. "Redefine pure Faith" es casi una declaración de intenciones: "Si solo puedo coger las esencias de la pureza, redespierta en mi... no mas mentiras". Esta atmósfera sombría se mantiene durante todo el album, afectando al ánimo inevitablemente. El artilugio del tiempo se descubre en su gran mentira y esa es la gran espina redondeada que abunda sobre la boveda.

Tuxedomoon Half Mute

Año / 1980 Sello discográfico / Ralph Género / Industrial Nacionalidad / EEUU.

La impudicia rozante sobre un vapor de melancolía se adueña de un formato deforme, bautizado por el metal de un pedazo de Jazz. El tratamiento de huesos y bacilos se agolpa bajo una batuta de condensadores. El coetanio de procesamiento postmoderno se hace presente bajo la premisa de dar sentido a un conjunto de ritmo minimalista. Pero los seres de uniformación se desdoblan para hablar en un lenguaje que no tiene connotaciones de formas y escucos terrestres. Tuxedomoon era una banda creada en California al abrigo de las nuevas tendencias musicales que surgian del punk y el new wave. La banda estaba formada por dos estudiantes de musica electronica quienes pretendian experimentar con sonidos

orgánicos, como el violín o el saxo, y electronicos para crear pasajes sonoros desestructurados, a veces minimalistas y percusivos, en otros momentos reflexivos y profundos. Como suele ocurrir con este tipo de musica, no todo el público tiene la apertura de miras ni la tranquilidad de espiritu para escuchar sin prejuicios. Aqui no se encuentran estribillos apoteosicos, ni melodias sencillas y repetitivas, tampoco letras amables o perdurables. Es un trabajo opaco, oscuro, retorcido, complejo pero creado con elementos de sencillez preclara. Unas cuantas pistas de percusión realizada con máquinas, bajos muy presentes, pads sonoros de acordes extravagantes y voces desafinadas. Con el toque especial de los violines y los saxos que acercan a veces el material hacia terrenos jazz, avant‐garde.

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Bob Dylan Bringing It All Back Home

Año / 1965 Sello discográfico / Columbia Género / Folk‐Rock Nacionalidad / EEUU.

El guia se apea de su burro para cabalgar sobre naves espaciales, aliarse con lobos solitarios y estruendos de carne en un viaje de puñetazos, escupitajos y alagos variados. La atmósfera se vuelve impredecible y se carga de un magnetismo paranormal. La dualidad de un ser incadescente y un lago de hielo bañado por garras de un aguilucho endeble hacen que el camino se convierta en el propio destino. Bringing IT All Back Home es un album fundamental en la carrera de Bob Dylan. Es famoso por ser el primero en el que utiliza instrumentos eléctricos y se acerca al rock. La influencia de los melenudos Beatles llegados desde Liverpool se hace sentir en su música. Pero no es solo ese hecho, la electrificación es consecuencia directa de la amplitud de miras con la que Bob comienza a

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concebir su propia música. Las letras se vuelven mas imaginativas y dispersas. Comienza un camino en el que habla mas de su interior que de los demás. Construye canciones en torno a temas aparentemente irrelevantes, contiene algunos temas de amor, pero los lleva a su terreno dandole una forma personal y creativa. El album transita entre los temas eléctricos y los acusticos, el resultado es un magnífico disco llena de variedad, de cambios, pero también con consistencia, el material encaja formando un todo creible y lleno de sentido. Suena con profundidad y claridad, sin grandes artificios en la producción, la chispa la pone una banda gigantesca y un Dylan honesto y valiente al micro.

The Beatles

Sgt Pepper's Lonely Hearts Club

Año / 1967 Sello discográfico / Parlophone Género / Psicodelia Nacionalidad / UK.

Cuando quien lo tiene todo ganado y mucho por perder aun se arriesga a destruir su cimentación aupado por las aulas de una alucinación contemporanea, se crean espacios de humos y confusión que aun perduran tambaleando en los dedos temblorosos de quien no sabe ni lo que hace. La banda que cambió la faz del universo sonoro, amada por una inmensidad de seres variopintos incapaces de salir del estandar de estribillos y belleza empalagosa. Esa misma banda esconde como un tesoro recóndito la esencia de una amplicación de formas y sensaciones por la via de la urgencia, por la via de la disrupción. La osadía toma forma de imaginación, excesos y sobreproducción en una obra que despega del suelo para no volver nunca jamas al mundo de los asible. Considerado por muchos como la obra mas influyente de la historia del rock es sin

duda la que produjo un cambio mas sustancial y destacable en el rock de los sesenta. Antes de Sgt. Pepper la musica rock era solo un entretenimiento después fue arte. Los Beatles habian comenzado su carrera hacia tan solo cuatro años, como unos melenudos que hacian un rock bailable y energico, mezclaban cuanto les llegaba a sus oidos y componian sus propias canciones (elemento decisivo de su influencia). Además de esto nunca se conformaban con lo que hacian, en cuanto cerraban un proyecto se ponian manos a la obra con otro de diferentes sonoridades, su música avanzaba a pasos agigantados y ellos maduraban con ella en el estudio. Fueron los primeros que utilizaron el estudio de grabación como una sala creativa donde no solo grabar las canciones sino, cambiarlas, mutarlas, regrabarlas y añadir cualquier cosa inimaginable para hacer algo diferente y sofistificado.

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Astor Piazzolla Libertango

Año / 1974 Sello discográfico / Carosello Género / Nuevo Tango Nacionalidad / Argentina

La violencia contenida por unas cuerdas ocultas en el laxo desarrollo de un viento de tripas y angustias. Pero el contrapunto se esfuerza, se abre camino en laberintos de complejidad y se descubre como una fuente de melodia y belleza. En el concurrir del tiempo y los martes aparecen la arrodillación de acontecimientos que marcan con la inevitable sensación de quien no posee nada mas que un momento de elocuencia universal entre las manos de algún instrumento que nos acerca y nos aleja de lo que queramos. La amplicación de una diversidad de formas inconsistente se conforma con una única condición, la creación de pasadizos de tiempo y forma en tubos de acero helado y cacerias de pueblos dispersos. El grillo que rezuma sobre un mar de oleaje constante admira una empalizada de cominos y condicionantes, la habilidad de

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romper todo muchedumbres.

sobre

la

dolencia

de

Y en el olimpo de parabienes y constantes vitales se conforma el libertinaje y la veracidad, la presencia de pioneros por terciopelos de abanicos, por conductos de mortandad.

Uno de los albumes mas conocidos y reconocidos de Astor Piazzolla. A veces criticado por su falta de "Tango" y exceso de otras musicas. El eterno dilema de la pureza de los generos. Hay quien, quizá con razón, critica el album asegurando que está hecho con la clara intención de abrirse a otros publicos, mas cercanos al jazz, y por lo tanto es un album que evita la excesiva profundidad para que sea digerible al profano.

Karlheinz Stockhausen Elektronische Musik

Año / 1960 Sello discográfico / Género / Avant‐Garde Nacionalidad / Alemania

Los experimentos sonoros de Karlheinz Stockhausen están en la cúspide del avant‐ garde del siglo XX. Su música completamente desestructurada e interpretada con máquinas electrónicas completamente ajenas a la tradición, es la representación sonora perfecta de la convulsión y la revolución en todos los aspectos que ha supuesto el siglo XX. Estas grabaciones de los años cincuenta son una excelente muestra de ello, nos muestran una distancia abismal con sus contemporaneas y un amplio y joven campo sonoro que sigue siendo fructifero en nuestros dias. A veces el problema no está en lo que escuchamos sino en nosotros mismos, pararse a escuchar con humildad, relajadamente y dejandose llevar puede hacer encontrar la luz al final del tunel.

siempre un camino trillado y esperable, como arte que es, es una expresión del alma del ser humano, de sus ideas y de sus sentimientos, anhelos y querencias, y también de desentendimientos, puede ser el reflejo de un caos incomprensible, de una sociedad que nos bombardea con teorias de la relatividad, cuanticas, con bombas atómicas, holocaustos, extraños aparatos que transmiten imagenes y sonido instantaneamente a cualquier lugar del mundo, naves espaciales que surcan los cielos acercandose a planetas y estrellas lejanas. Y frente a todo ello esta música es el mas fiel reflejo sonoro, la obra mas elocuente que explica el lugar del ser humano en tan alienante paisaje de hechos.

Y es que la música no debería ser

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Last Poets Last Poets

Año / 1971 Sello discográfico / Various Género / Poesia Nacionalidad / EEUU.

La rabia de palo tiene padres diversos y hambrientos, crecen por doquier en esquinas de valor. Se rien de un mundo que no entienden y aprecian el sabor de una vocanada de aire fresco sobre el helor de un invierno helado.

incluso de Lou Reed, (¿por que no?).

Pero sin tener mas que una única posibilidad para desorrollar una revolución que se consumirá sobre su origen, la polivalencia de corros y voces se escucha con claridad entre la espera de un mar de animales y recovecos.

En realidad esto deviene directamente del jazz experimental, con contenido politico, base de percusión profundamente africana.

Una enorme rareza en la historia de la musica negra, diez años antes del nacimiento oficioso del hip hop estos "ultimos poetas" editan un disco que es basicamente hip hop, en toda su esencia, en su contenido, en su forma, en su estetica. Ya hay quien podrá considerar algunos temas de Louis Jordan como Hip Hop, mas aun, ciertas aportaciones de James Brown o

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Desde luego esto ya es musica que encaja de principio a fin en el genero, tan solo falta la presencia de los discos y los "turntables", los "beats" repetitivos.

Un disco que merece la pena destacar, esto es algo serio.

Faust The Faust Tapes

Año / 1973 Sello discográfico / Virgin Género / Kraut Rock Nacionalidad / Alemania

El voladizo de un letargo es exactamente la cuenta atras hacia la densidad de arboledas y pastos. La conexión se rompe por la contemplación de cerebelos. No hay mas vocación ni mas existencia. Vuelve un único sonoro de delicadeza de miel de moscas. La letanía es impúdica y vasta. Los tejados de antenas y coches no entienden la esencia de una candil y una baliza de incienso sonoro. Pero por suerte todo dura siempre un minuto menos de lo que quisiera.

como la recreación de una realidad alienante que lleva al ser humano a un sentimiento de desesctructuración mental. El Krautrock vuelve a mostrarse una vez mas como la última esencia musical del momento. El trabajo consta de una sola pista continua que alcanza los cuarenta minutos de duración, se divide en fragmentos de pop melodico y de ruido informe, una mezcla creible de avantgarde y rock, una interpretación artistica cercana a lo que desarrollaban Frank Zappa y musicos afines en el mundo anglosajón.

Los alemanes Faust editan en 1973 The Faust Tapes, una epopeya de ruido y abstracción sonoro con intervalos de melodia reconocible. El resultado da forma a una idea inconsciente de la musica pop, se interpreta

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Lydia Lunch Queen Of Siam

Año / 1979 Sello discográfico / Triple X Atavistic Género / New Wave Nacionalidad / EEUU.

La inocencia oculta bajo la oscuridad es en esencia un viaje interior hacia un pasado de ambulancias amarillas. Sobre la viveza de un humo blanquecino se cortan los espacios de captación benevolente. Sobre la base de canastas y cavernas se asientan los comienzas de una nueva era que asoma con perplejidad a un mundo de apestosidad enquistada. Debut discográfico en solitario de Lydia Lunch, una artista de dificil etiquetación que podia componer musica, poesia, actuar y hacer pompas de jabón con la boca, vamos, muy completita. Aparece en la inmensa escena musical de finales de los setenta de Nueva York, junto con todos los grupos de punk, new wave que comenzaban a triunfar mundialmente; pero su propuesta es divergente, encaja dentro del concepto amplio del new wave pero se nutre de una sensibilidad atonal mas

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cercana a los artistas experimentales que desde la revolucion psicodelica venian mostrando un camino alternativo y subterraneo para el rock. Instrumentalmente la banda se mantiene en un segundo plano donde aparecen frecuentemente metales que le dan un toque de jazz e intimidad reseñable. La sensación atonal que trasmite con las canciones están ya muy cercanas a lo que en breve desarrollarán grupos como los Sonic Youth, pero con un toque mas tranquilo e intimo. Esa mezcla de jazz asequible, rock y poesia moderna es lo mas reseñable del disco, elementos inconexos que cobran sentido sorprendemente y aportan una personalidad considerable. El mejor ejemplo de ello son "Lady Scarface", "A cruise to the moon".

Four Tet Rounds

Año / 2003 Sello discográfico / Domino Género / Downtempo Nacionalidad / UK.

El experimento del tiempo y el cuchillo sobre la sombra de un avistamiento de cordeles de partaduras geneadoras de mimbres.

creador. Four Tet parece una buena escusa para deshacerse del miedo conservatorio y ampliar el universo perceptible mediante ondas cerebrales tridimensionales.

Esa misma experiencia sobresatura un laberinto de vivaces motores de dormir y no ver. La tensión que se avecina no se escatima, no se presume y además no estaba prevista.

Rounds muestra una raiz inconsciente en el Krautrock, con desarrollos minimalistas que tienden hacia la capturación hipnótica psicotrópica de almas y sucedaneos. Evita el cliché de disco electrónico del montón utilizando granulaciones contrapuestas y deshaciendo el ritmo con escisiones ductiles, paralizaciones respiratorias semicompletas.

Así funciona el mundo cuando nadie lo ve, el alfiler que hila una nueva narración sobre una vista de imágenes y locuras de cojinetes. El contraste se utiliza para dotar de belleza no realista a un tiempo que se muere por dentro. Las frecuencias se compensan para editar un peso muerto que poder soportar. El trabajo en solitario de Kieran Hebden desata las inquietudes artisticas del

La electrónica encuentra con Four Tet un puente de unión con tendencias de rock contemporaneas, el post rock como interpretación postmoderna de rock alternativo y progresivo tiende a la contemplación interior de la misma forma que Rounds. Los materiales para tejer el sonido son diferentes pero la motivación muy similar.

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Lightning Bolt Wonderful Rainbow

Año / 2003 Sello discográfico / Load Records Género / Noise Rock Nacionalidad / EEUU.

Wonderful Rainbow es un caos sonoro dirigido por el estómago, lleno de rabia incontenida, con tendencia al rock duro. Esa exposición de graduación es un muñeco de ruedas y vértebras sobre las que se adueñan los mundos de orfanatos cosmológicos.

Pero el album se construye de forma minimalista con una bateria puntiaguda y guitarras extravagantes que distorsionan evitando el tópico y adentrandose en cacofonias electrónicas.

La oscuridad se teme pero se destruye sin dilación, sin un mirar de soslayo, sin la presencia de un controlador de tiempo determinado.

Las sensaciones son el centro del asunto, Lightning bolt no contienen ni una sola nota, desbocan su agria concepción sonora e inundan las pistas del album de riffs incendiarios y minimalistas, de repeticiones embrabecidas y tendentes a la experimentación.

Esa misma paciencia incontenida se hace mas patente con el transcurso de un nódulo de palpitaciones que crece difuso sobre un techo de alabastro y rosas.

No hay descanso para el entendimiento de lo perceptible. Todo es un continuo fluir de verdades y mentiras, de creación mágica y difusa.

En ese mismo lugar el degustar de una hojarasca es tan vivo como la catástrafo de mosfets y aberraciones.

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Akron Family Akron Family

Año / 2005 Sello discográfico / Young God Records Género / Freak Folk Nacionalidad / EEUU.

Antes de comenzar las sillas se colocan por riguroso orden de llegada, en primer lugar avanza sin parar una simpleza de cardos, y esa valentía tan característica de quien no teniendo nada lo expone todo. Lo que aparentemente no tiene nada se transforma por añadidura en una catástrofe de robots de verdura. La transparencia se vuelve opaca para crear un panorama de violencia contenida. Algo que se revela tras la repetción incesante de un recuerdo de mares ocultos bajo una cortina de visagras. Y tras la tespetad vuelve una calma intranquila, una sospecha que flota como un manto de colores ambar y violaceos. Un par de grupos de notas para recordar semillas pasadas en un pasadizo de botas. La primera noche no parece la mas intensa, pero es una declaración que indica

mas de lo que parece. Una bestialidad de dulzura y sinrazón, la condensación de un excesividad que aparca bastones y cosas de mundos cercanos. Lo hace por el bien y eso se agradece. Akron Family debuta con un autopsicoanalisis, una pieza de exorcismo voluntario para buscar en el interior la esencia sonora del alma. El debut transita el camino de la simpleza y el minimalismo sonoro, se nutre de electronica experimental para construir mantras sonoros sobre los que flotar con la organicidad de guitarras grabadas con dejadez. La busqueda de la autenticidad explica el concepto, Sobran artificios, no hay escondrijos, tan solo momentos de inspiración que se capturan con acierto bajo la batuta de la improvisación.

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Beirut Gulag Orkestar

Año / 2006 Sello discográfico / Ba Da Bing! Género / Balkan Folk Nacionalidad / EEUU.

El debut de la banda de Zach Condon marca un hito en el devenir de la musica independiente de los 2000. Beirut se inspira en musicas del mundo, fundamentalmente en ritmos y sonidos balcánicos, rusos y tradicionales europeos en general. Lo entrecruza con el concepto de canción de rock alternativo, simple y cautivadora. Gulag Orkestar muestra desde el inicio el regusto a un retro inesperado, personal, intransferible, tambien a Jazz y ambiente de improvisación, a low‐fi como una forma de recrear escenas anacrónicas, evasión en el eje del tiempo, vuelta atrás para construir historias en lugares sombrios por guerras, crisis, etc. El album tiene enorme frescura, complejidad en los arreglos que contrasta con los desarrollos estructurales muy pegados a la simpleza de la musica tradicional, al

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hipnotismo de la colectividad. La verdad a veces nunca llega pero en su busqueda florecen elementos mas interesantes que algo que no sabe si realmente existe. El calor de un recuerdo de una vida nunca vivida pone en marcha un mecanismo de muerte y vida, de paredes y techos. El ritmo no se entiende y la acompasación retuerce los estómagos sobre un vapor de condensación y estrobos de carbón.

Juana Molina Un Dia

Año / 2008 Sello discográfico / Domino Crammed Discs Género / Folktronica Nacionalidad / Argentina

La declaración de una intención se utiliza para dotar de valor intrínseco a un universo sonoro de entrecruzamientos. Por fin la lejania se convierte en una ventaja que acerca mas que aleja para volver a enfrentarnos a nuevas realidades de vivacidad. La curvatura de un dolor de muelas es tan sólida como el sueño de un ser retorcido sobre la vida de bichos frescos y fundamentales. La contraposición de vuelos rasantes y puertas de almibar refrescante crea hipnotismos por la via de la urgencia mediática. Una delicadeza de pomos y barcos en la veracidad de quien se expresa con la frescura de un agua bendita por vida de perenne.

Juana Molina experimenta con un folk introspectivo y samples abstractos que desdibujan las canciones hasta convertirlas en exorcismos autopsicoanalíticos. La sampleación repetitiva electrónica crea un estado de alienación, atmosfera de tristeza postindustrial. La voz y las melodias de Juana anclan las canciones a esencias tribales, recurso ya habitual, nexo natural de unión entre la electrónica de tintes hipnoticos minimalistas y las canciones de esencia pop. Pero en Un dia sobra la personalidad, la seriedad creible en la desnaturalización de la melodia, la interpretación de carácter lisérgico, la raiz latina que no impide un exito internacional bien merecido.

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Six Organs Of Admittance Luminous Night

Año / 2009 Sello discográfico / Holy Mountain Género / Experimental Rock Nacionalidad / EEUU.

La viveza desprotege los orificios para dejar entrar con la voz baja y la vastedad del oceano a quien se cuela por la puerta de atrás. Nadie duda de la belleza contenida sobre la ductilidad orgánica de un vicio de esparto y romero. Pero de forma pausada la atmosfera se retuerce para dar paso a un mundo mucho mas profundo y venerable. Algo mas universal que no se espera de una forma tan inmediata. Esta vitalidad insertada con aranceles sobre los espacios apenas perceptibles de un vuelo atormentado. Los dedos respiran humo del de verdad y en ese estado de ánimo bajo una inspiración de costados se avanza sobre una aparente y conmovedera perfección.

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La oscuridad de todas formas se muestra paulatina, sobre un atardacer premonitorio. Un paso de origenes que congrega en un espacio de luz pausada a los verdaderos dioses de cartón. El paso ya es inevitable, todo ha cambiado a nuestro alrededor sin darnos cuenta. Somos prisioneros de la nostalgia y el dolor. Pero en estos términos de condominio la prueba es valiente y conmovedora. Guardan de todas formas un anclaje con una realidad de fusibles. Es una cuerda de tensión fenomenal que envuelve el genoma de grandeza y univocidad. El sobrante de una emoción que se disipa sobre la espesura de acero vibrante y terso.

El arte se define por su capacidad para ser original, para explorar nuevos caminos, nuevas ideas y nuevas formas de expresión que permitan al autor tener su propia voz y no solo ser un imitador de estructuras clásicas. Así, entre la ingente cantidad de obras olvidables a veces afloran ideas frescas de artistas valientes que escriben en mayor o menor medida bajo reglas propias. Este libro trata de seleccionar una buena cantidad de grandes e innovadores discos que durante los últimos 100 años, aun quedando en el olvido comercial o popular, han escrito una historia divergente.