• Categories
• Color
• Pinturas
• Gustav Klimt
• Sombra
• Dibujo

Citation preview

Habilidades, técnicas y procesos Experimentación con Carboncillo y Grafito Como todo aspirante a artista mis inicios fueron meramente en dibujo, ya que quería ilustrar los más fiel posible la realidad, para esto estuve practicando poder dibujar con carboncillo y grafito todo tipo de figuras redondas

Experimeté por mucho tiempo con el carboncillo, pero nunca lo pude dominar realmente, se me complicaba mucho visualizar las sombras de las figuras, por lo que opté por utilizar otros medios Muchos de mis problemas con el carboncillo estaban relacionado al dibujo anatómico de mis figuras humanas, ya que al no estar los dibujos anatómicamente correctos las sombras realizadas daban como resultado dibujos no muy armónicos. Es decir, tenía que practicar más dibujo anatómico para poder obtener buenos resultados en carboncillo, sin embargo me di cuenta que con otros medios como la tinta, y la pintura, este ipo de problemáticas no se daban, por lo que opté por mejorar mis habilidades en esa áreas

Experimentación con Tinta

Lo que más me gustó de esta forma de creación artística es que es muy Continuando con la intención de realizar dibujos realistas, decidí experimentar con tinta. Esta era una expericiencia completamente versátil, ya que al inicio en el curso de Artes Visuales me interesaba mucho el dibujo realista,y sin embargo experimenté con la temática nueva, ya que anteriormente nunca había utilizado tinta para realizar un dibujo de cómic, utilizando esta misma forma de creación. Es decir, se pudo adaptar a mis intenciones artísticas a los largo del curso

Comencé con ejercicios básicos para aprender a dominar el pulso, y luego poco a poco fui experimentando con figuras más complejas, aunque presentaba el mismo problema que con el carbocillo, por lo que decidí practicar el sombreado tomando imágenes de referencia para tener un mejor resultado, aunque al igual que con el carboncillo tenía que mejorar mi persepción sobre las sombras en la figura, pero al contrario que con el carboncillo, con la tinta se me facilitaba percibir las sombras y plasmarlas en las figuras. La tinta permite un mayor control sobre la intensidad que se plasma en los dibujos, ya que se inicia con lineas bases y se va intensificando entre más lineas que coloquen, mientras que con el carnboncillo se realiza el proceso contrario, se inicia con intensidad y se va degradando. Mediante esta experimentación pude mejorar mis habilidades de sombreado

Experimentación con Pintura Acrílica Previamente ya había tenido expericias utilizando la pintura acrílica, sin embargo era metamente en la creación de paisajes, trabajos muy básicos, aun así tenía un conocimiento sobre cómo pintar. Cuando comencé con esta técnica en el curso de Artes Visuales tenía muchas falencias, como que no agregaba luces a las figuras y me restringía a hacer sombras de la misma gama de color de la figura original, por lo que mis pinturas se veían muy planas

Para mejorar técnica en pintura, comencé a estudiar los mapas de color que tienen las imágenes, que básicamente se basaba en dividir en sombras, luces y colores intermedios imágenes de revistas para poder así mejorar mi percepción. Esto me servía para observar de donde provenía la luz, y en base a eso ver donde comunmente se colocan las sombras, etc. Mi tecnica se basaba en tomar un color base y luego agregar color negro, Comencé estudiante el contraste entre los colores, de ésta si era para una sombra, o blanco si quería aclarar la zona, para crear la manera podría tener conocimiento de qué colores utilizar perspectiva de que es una figura en tres dimensiones. Sin embargo esta para las sombras y en base a esto que ambiente crearía tecnica acaba dando resultados muy simples que no iban acorde a mis intenciones, que era crear representaciones realistas del cuerpo humano. Entonces fue cuando comencé a cambiar mi técnica implementando más colores para crear las sombras, las luces y los colores intermedios

Color base

Iluminación

Iluminación Sombra

El estudio de los colores me ayudó mucho en mi técnica de pintura, aunque al principio me basé meramente en poder identificar que colores se utilizaban para las sombras y las luces, luego apliqué lo que observaba. Por ejemplo que el azul y el morado se suelen utilizan para sombras muy fuertes y para crear la sensación se sombra creada por la luz, mientras que los colores del mismo matíz, por ejemplo del color piel, se utilizan para hacer las sombras relacionadas a la anatomía del cuerpo y las divisiones de este (Diferenciar el brazo sobre el torso). También me di cuenta que se utilizaba con mucha frecuencia en rojo y tonalidades rosas para crear las iluminaciones. Sin embargo el crear este tipo de sombras e iluminaciones se me complicaba por los materiales, al ser la pintura acrílica se secaba muy rápido, así que tuve que ingeniarmelas para poder hacer la combinación de colores, una vez que se secaba el color base procedía a agregar las sombras con un poco de agua para poder difuminar, como se lo hace en acualera, y de esta manera también agragaba las luces que siempre quedaban como veladuras. Finalmente, mi aprendizaje de los mapas de colores, la experimentación con las paletas de colores y el tener que adaptarme al material utilizado (acrílico) definieron mi estilo en lo que se refiere a la pintura, el cuál se caracteriza por la constante uilización del color morado para sombrear, de pinceladas gruesas y difusas, teniendo un toque postimpresionista

Placer Trabajo Propio 30 cm x 20 cm Pintura acrílica sobre lienzo

En illustrator se utilizan vectores, por lo que la presición para contornear era increíble, sin embargo me parecía muy tedioso que para colorear tenía que volver a vectorizar toda la figura. Por lo que hacía doble trabajo cada que realizaba una ilustración

Experimentación con Ilustración Digital Comencé utilizando el programa Paintool SAI, que ya había utilizado en previas ocasiones. Este programa me permitía un “fácil” manejo de las herramientas que proporcionaba para la digitalización de dibujos o imágenes fuente. Mi obra “Shy” fue realizada en este medio Delineado de la figura

Fuente de la imagen base para la ilustración: https:// www.oricon.co.jp/news/2068599/photo/2/

Este programa me permitia contornear las imagenes, sin embargo a momento de querer agregarles, color la herramienta de selección no permitía realizar una selección muy precisa, por lo que los resultados tampoco eran de gran calidad. Es decir, se me dificultaba al momento de colorear

Había decido cambiar de programa porque si bien mis resultados mejoraron, el proceso de realización me tomaba mucho tiempo, aunque eso era en partes porque recién estaba comenzando a dominar la Herramienta para Vectorizar, sin embargo decidí aprender más sobre el pograma, y fue ahí cuando me di cuenta que había más de una forma de ilustrar, y la que se optimizaba más el tiempo, al no tener que realizar doble vectorización para contonear y colorear, era vectorizar cada figura que se pintaría, es decir, vectorizar figuras cerradas para poder colorearlas directamente con la herramienta de color. Esto evitaba el paso de doble vectorización, aunque alargaba este proceso, pero aún así se conseguían mejores resultados y se optimizaba tiempo Fuente de la imagen base para la ilustración: pin /388294799 112800150/? lp=true

Para mejorar mis ilustraciones empecé a aprender a utilizar en programa Adobe Illustrator CS6, el cual me permitía tener una mejor presición al momento de contornear y pintar. Eso fue lo que en primera instancia me hizo cambiar de programa

Belucci Trabajo Propio 29,7 cm x 21 cm Ilustración Digital

Al igual que con el carboncillo, la tinta y la pintura, es la práctica lo que mejora la técnica. La ilustración digital se me da con facilidad pero fue gracias a la constante práctica vectorizando imágenes, ya que mediante esto se desarrolla la agilidad de colocar los puntos lo más preciso posibles para obtener una figura más armónica. Con armónica me refiero a que todas las lineas curvas y rectas fluyen contorneando la figura que se está dibujando. Algo que pude notar es que entre más desarrollaba la habilidad para vectorizar era la cantidad de puntos de anclaje utilizandos en un dibujo

Vectorización del contorno

Vectores de la ilustración

Puedo decir, de acuerdo a mi experiencia, que lo que define el desarrollo de las habilidades para vectorizar es la práctica, para que la vectorización sea fluida, y la identificanción de las sombras e iluminaciones de la figura a la que se está dibujando, ya que es mediante las sombras y las iluminaciones que se logra un mejor acabado. Es decir, eso también depende del estilo, pero como mi intención es ser lo más realista posible, para mi es fundamental que luzca de esa manera

Figura plana

Sombras

Iluminación

Identificación de las sombras e luminaciones

Coloreado a escala de grises para simular la forma final

Experimentación con medios basados en lentes Mi interés por producir un cortometraje era bastante, sin embargo producir un corto en el curso de Artes Visuales puede ser algo diferente, ya que tuve que aprender mucho sobre los planos, ángulos y movimientos cinematográficos, debido a que las imágenes son las que deben transmitir todo el mensaje, el sentido narrativo, y todo lo que se quiere emitir. La meta era poder lograr eso mediante imágenes en movimiento Este plano lo hice en perspectiva para presentar el escenario: una chica preparandose para maquillarse. En este plano en específico el sentimiento que se quería transmitir era de frustración, y se logró junto con la expresión Ambos planos fueron planeados para mostrar al personaje pensando, a través de las rejas para emitir un sentimiento de encierro, teniendo el mensaje de que la mente humana se limita a los sentidos de nuestra realidad. No fue necesario expresarlo en los diálogos, sino que se se eligen los planos (Primerísimo primer plano, y Plano Medio Corto, respectivamente) y se utilizan simbolismos dentro del plano para emitir sólamente mediante la imagen el mensaje

Esta es sin duda la parte con la que más se experimenta ya que puedes llegar a expresar diversos sentmientos depediendo del plano con el que se planee una escena, ya que depende del plano la manera en que se proyecta el mensaje y la manera en que el espectador lo visualizará

Programa de Edición

Capas de video y audio para superposición de imagenes

Storyboard del cortometraje El programa que utilicé para la edición fue Sony Vegas Pro 13, que me permitía editar tanto la parte visual como la sonora. Lo que más me gustó de este programa fueron loe efectos visuales que me permitió hacer, que también es una parte importante dentro de la producción de un cortometraje, ya que puedes manejar los filtros de color para crear un ambiente, mejorando la imágen digitalmente, y no dependes del clima con el que se graba. En este primer caso, ajusté la saturación, el brillo y el contraste, ya que el video original se emitía una iamgen triste, y la idea era que se viera un ambiente vivo y de ensueño. Resultado Video Original Proceso de Edición

Una ténica cinematográfica es la sobreimpresión que sirve para mostrar al espectador lo que pasando por la cabeza del sujeto. En este caso se quería mostrar lo que el personaje leía e imginaba el mismo tiempo, para esto se utilziaron dos videos distintos y el programa se bajó la opacidad al video del libro, para que se mostrara tambien las imágenes del mar. La opacidad es la intensisdad con la que la imagen se proyecta, por lo que si se baja la opacidad, se hace más transparente la imágen.

Experimentación con Escultura Mi primera experimentación con creando una escultura fue con arcilla para modelar. Recuerdo que no sabía nada del asunto, por lo que consulté video de Youtube, y esas fueron mis bases para mis siguientes experiencias. También debo recalcar que me basaba mucho en la intuición para darles la forma mis esculturas, que toda fueron basadas en la figura femenina

También experimenté con plastilina para hacer esculturas. Este material me resultó más fácil de manejar, ya que no se secaba como la arcilla, además de ser más suave para moldear. La platilina al ser más fácil de moldear me permitó obtener mejores resultados, además de sólo tener que rosearla con barniz y cola blanca para que se endurezca

Experimentación con Textiles y Objetos de Diseño

Los encajes son importantes para la lencería ya que son los que le dan el toque diferente a cada diseño. Para este caso escogí un encaje color rosado con forma de rosa. Es cogí este color porque contrastaba con el color negro de la pieza principal, este encaje sería la pieza que le daría el toque femenino y delicado al brasie El primer diseño que hice se basaba en unir dos pieza triangulares que se cosen por la parte central, para ahí colocar una cinta, dando lugar al diseño. Pero al momento de hacerlo y ver el resultado, no me gustó, por lo que decidí cambiar el diseño. Entonces consulté otros dieños que me podrían gustar, y en lo que más me inspiré fueron en los bralettes de Elgert L

Esta forma de creación artística me llamaba mucho la atención, ya que una de mis obras sería una pieza de lencería femenina. Entonces consulté sobre las medidas que se necesitaba tomar para hacer un brasier y posteriormente invetigué sobre los moldes que se deben hacer según el tipo de brasier que se quiere hacer. Esta es la parte más complicada realmente, puesto que hay que hacer los moldes basándote en las medidas de la modelo, y puede llegar a ser un poco confunso hacer los moldes y que queden bien. Luego de esto viene la parte divertida que es crear los diseños para la ropa, para esto tomé referencias de lencería muy antigua hasta lencería actual, además de consultar en páginas de Instagram de marcas de lencería femenina para inspirarme en diseños. Finalmente viene el proceso de armar la lencería, para esto hay que comprar la tela que más se ajuste al diseño que tenías en mente desde un principio, en mi caso tuve que variar porque no encontraba un tipo de tela que se ajustara a mi diseño original. Entonces se toma los moldes que se hicieron en un principio en base a las medidas y se corta la tela en base a estos moldes, y se comienza a coser las diferentes partes para ir dando la forma a la pieza final.

Investigación Crítica

Jamie Hewlett

Jhonen Vásquez

Según yo tenian mucho en común, por lo que hice una comparación de sus técnicas y conceptos, y si bien compartían ciertas similitudes, ambos tenían una escencia que hacía único su arte. Por otro lado, si bien Vásquez me influyó mucho en mis inicios fue la técnica de ilustraciones digitales de Hewlett que me influyó a lo largo de todo el curso de Artes Visuales, como se lo puede observar en mi experimentación en las páginas 5 y 6 Let me out of this Trabajo Propio 42 x 29,7 cm Tinta china y pintura blanca sobre cartulina

Influencias iniciales: El cómic y lo bizarro

Al inicio del curso de Artes Visuales, comenzamos a experimentar con el concepto de lo Bizarro, y me gustó tanto que busqué artistas que estuvieran relacionados a ello, y los que más me gustaron fueron Jhonen Váques y Jamie Hewlett, ya que ambos tenían un estilo geométrico y hacían cómics, además de tratar sobre temas sociales y expresar mediante sus cómics frustraciones internas. Estos conceptos y carácterísticas fueron los que me inspiraron en crear mi primer trabajo para la clase, que se basaba mucho en el estilo de Vásquez y en las frutraciones que tenía yo sobre vivir en un país con límitadas opciones no solo educativas pero también laborales y económicas, por lo que cree Let me out of this, que trataba de representar estas frustraciones.

Desarrollo de nuevas Ideas: El Desnudo Femenino

Desnudo Egon Schiele 44,4 x 29 cm 1917

A pesar de que inicié con una temática con estilo cómic y temática de lo bizarro, la figura femenina era algo que siempre había estado presente en mis dibujos, como se puede ver en mi experimentación con el carboncillo, y decidí tomar en cuenta algo relacionado a ello, cuando estudiamos a Egon Schiele. Su estilo es particular y muestra a simple vista movimiento en el dibujo, traté de imitar su estilo un par de veces pero no me resultaba muy bien, por lo que su mayor influencia fue en hacerme decidir en utilizar la figura femenina dentro de mi temática para la exhibición

Experimentación del estilo de Schiele

Experimentación del estilo de Schiele

Dos amigas abrazandose Egon Schiele 1915

Judith I

Gustav Klimt óleo sobre Lienzo 1901 84 cm x 42 cm Österreichische Galerie Belvedere

InfluenciaTemática: Mitologías, Femme Fatale y Arte de Escándalo Gustav Klimt fue uno de los artistas que estudié que me influyó fuertemente en el area conceptual de mis obras. En primer lugar me llamó la atención por su singular manera de representar cuentos/historias de la mitología griega o bíblicos, ya que cuando decidí utilizar la figura femenina como tema de mi exhibición, pensé en maneras de representar la belleza, esto me llevó a tomar en cuenta la mitología griega, la era clásica y su concepto de belleza. Al consultar artistas relacionados encontré a Klimt, pero lo que más me llamó la atención de él era su polémica manera de representar estos cuentos bíblicos y mitologías. Eso me inspiró a tratar de darle un enfoque parecido a mi exhibición, para esto les di las características de seguras, lujuriosas, seductoras y malignas a las mujeres que fueron protagonistas dentro de mis obras artísticas. Experimentación relacionada a la Femme Fatale se puede ver en la experimentación con tinta e ilustración digital en las páginas 2 y 6 respectivamente.

Influencia Temática: Erotismo desde el punto de vista femenino, Masturbación y Amor Propio

Tina María Elena Back me brindó un punto de vista completamente diferente al usual sobre el erotismo. Ésta artista abarcaba un sin número de temáticas que me llamaron la atención como la masturbación y el amor propio, proclamando que se debía romper tabúes sobre la sexualidad femenina y hacer que las mujeres se empoderaran sobre sus cuerpos y sexualidad. A mi punto de vista, al ser una artista de Instagram, era un tipo de lucha social, por lo que al hacer arte por la misma causa me hacía sentir parte de ello, y por lo tanto me influyó para uno de los matices que le di a mi exhibición. Al inicio de estudiar a ésta artista, quise experimentar con su técnica, pero no me fue muy bien, y eso pasó con la mayoría de los artistas, y creo que eso fue debido a que yo ya había comenzado a experimentar formas de creación artistas previamente a comenzar a estudiar artistas, por lo que ya tenía formado un propio estilo, y más bien, terminé adaptando el estilo de los artistas estudiados al que yo tenía desarrollado a ese punto. Experimentación del estilo de Back

Kiss me No. 3 Tina María Elena Back Acuarela sobre cartulina 21 x 29,7 cm tinamariaelenaback. com

Self Love No. 14 Tina María Elena Back Acuarela sobre cartulina 21 x 29,7 cm tinamariaelenaback. com

Experimentación del estilo de Back

Estudio y comparación de los tres artistas:

Self Love No 42 Tina María Elena Back Acuarela sobre cartulina 21 x 29,7 cm tinamariaelenaback. com

Make Love Watercolor No. 143 Tina María Elena Back Acuarela sobre cartulina 21 x 29,7 cm tinamariaelenaback. com

De pie desnudo en negro medias Egon Schiele 1917 Semidesnudo arrodillado Egon Schiele 1917

Desnudo Boceto Gustav Klimt Fecha Desconocida

Desnudo Boceto Gustav Klimt Fecha Desconocida

La investigación sobre estos tres artistas me permitió desarrollar ideas nuevas e influyó de gran manera en la parte conceptual de mis trabajos, a pesar de no tener influencia sobre mi técnica directamente, también me permitieron experimentar. Al ver que los tres artistas se relacionaban de alguna manera, decidí colocar las características de cada uno y sacar ideas centrales que me sirvieran para poder definir un tema, aunque sea una temática que me permitiera expandirme a lo largo del curso, entonces me di cuenta que lo que realmente me llamaba la atención de los tres era su representación de la figura femenina y los desnudos, además de tener a mujeres fuertes, seguras de sí mismas y voluptusosas (en el caso de Klimt y Back). Entonces luego de ésta exhaustiva investigación y comparación, pude establecer esa temática central, con la cuál ya había desarrolado algunos trabajos dentro de las clases del curso.

Comunicación de Ideas e Intenciones

Ideas Iniciales

Mis primeras ideas para obras estuvieron influenciadas por los artistas Jhonen Vásquez y Jamie Hewlett, por eso tenían esa temática de Bizarro. Por parte de Jamie, me gustaba mucho la banda Gorillaz, en la cuál realiza las ilustraciones, por lo que quería mezclar ambos temas y tratar de llevar a cabo una obra, sin embargo a lo largo del curso mis ideas tomaron otro rumbo

Desarrollo de Ideas

Cuando estudié a Egon Schiele tomé la desición de cambiar por completo de lo Bizarro a la Figura Femina, y luego del estudió de Tina María Elena Back y Gustav Klimt, cambié los temas por completo, tomando un poco de la técnicas que ya sabía como el carboncillo y la plumilla para planificar obras en base a esto, pero sin definir por completo un tema central que conectara a todos mis trabajos

El nacimiento de Venus Alexandre Cabanel 1863 Pintura al óleo 225 cm × 130 cm Museo de Orsay, París

Progresión Temática A este punto trataba de tratando de unir los conceptos de desnudos, figura femenina y homosexualidad, pensé en unirlas mediante algún concepto más grande como el Naturalismo y el Determinismo Biológico, para poder abordar desde ese punto el erotismo, que sería enfocado tanto en hombres como en mujeres, pero el tener tantas posibilidades con el tema para la exhibición, me pareció que sería muy abierto y que tal vez al final no se notaría la conexción entre todas las obras presentadas, por lo que decidí limitarlo solo al erotismo femenino

Delimitación del tema Cada que hacía una investigación sobre el erotismo encontrba más y más ideas para el tema, y pensé que eso era una desventaja, e incluso pensé en cambiar de tema, pero ahí fue cuando me di cuenta que esa misma variedad era lo que hacía grandioso al tema y me permetiría experimentar con una variedad de formas de creación artísticas, fue en este punto que definí al erotismo como un espectro y la idea se formalizó y se delimitó en 5 matices, que se verán en la sigueitne página

https://www.biography.com/people/ marilyn-monroe-9412123

https://www.instagram. com/p/BoBT7ZKnO1S/?taken-by=stelavitsu_lingerie http://myporn.today/ bdsm-erotic-111/

Lo que más mes costó en la renovación de ésta obra fue adaptarme a nuevo tamaño de liezo que había escogido, ya que los lienzo de la serie de pinturas originales eran muy pequeños, no permitiendo crear detalles. Para este cuadro no había desarrollado por completo la técnica de pintura que había estado practicando, aún así mi uso de solor para crear sombras e iluminaciones mejoró a como estaba en la primeras pinturas, en donde la sombras no están difuminadas y parecieran que no fueran parte del cuadro, además de darle un sentido cercano al cómic, o caricaturezco

Revisión y perfeccionamiento

Figura plana, con solo la base de color Lo primero que hice fue cambiar las poses con las que se formaría la serie, además de incluir a mujeres de tez morena. Para esto tomé de referencia imágenes de internet, y como nunca había pintado a mujeres morenas, tuve que experimentar con los colores para obtener el tono adecuado, que me permitiera crear sombras e iluminaciones. Adhesión de sombras

Este trabajo es una serie de pinturas llamado Lips, que fue uno de los primeros trabajos que hice en pintura basandome en la temática de Tina María Elena Back, sin embargo luego de haber experimentado en bocetos con mi ténica en pintura, me di cuenta que ésta tenía mis errores básicos de sombreado, que no utilizaba otras gamas de colores, por lo que cuando definí mi tema de exhición, Erotismo Femenino, si quería utilizar esta pintura, por lo que decidí renovarla

Pintura a punto de terminar con sombras e iluminaciones en la piel y los labios

Mientras que mediante la utilización de ésta técnica los resultados se en más reales, que ese había sido mi propósito desde un principio en cuanto al carboncillo, la tinta y la pintura. Finalmente, en el refinamiento de ésta serie de pinturas, pude desarrollar mi técnica en pintura, hacer de mis cuadros más realistas, además de crear un mejor trabajo a nivel formal. Esto se complementa con el concepto de cuadro, que no cambió, pero mediante éste perfeccionamiento creo que el receptor recibe de mejor manera el mensaje de la serie de cuadros, que se refiere a que no es necesario el desnudo para que un acto sea erótico.

Figura plana, con solo la base de color

Adhesión de sombras e iluminaciones en la piel

Una de las pinturas en su etapa final

“Aslaug” se suponía que era una de mis primera obras hechas solamente a carboncillo, aunque para este punto ya había llegado a la conclusión de que el dibujo a carboncillo no era mis mejor técnica y había decidido no tomarla en cuenta, debido al concepto de clásico decidí usarla

Realmente pensaba que poniendo mi mejor esfuerzo lograría un buen resultado con el carboncillo, así que comencé a hacer el dibujo

Los resultados sobre la figura de Aslaug no son malos, y de hecho podría considerar que fue un muy buen trabajo considerando mis antecedentes con e carboncillo

Entonces decidí hacer un nuevo dibujo bajo el mismo concepto pero con un fondo distinto, sin embargo éste dibujo no me salió para nada bien, debido a la errónea composición anatómica

Sin embargo me di cuenta que la composición del dibujo era errónea, además de no considerar tener la habilidad de poder dibujar un bosque y arbustos, que era lo que tenía planeado, basandome solo en el lápiza carboncillo

Por esas razones decidí finalmente utilizar la tinta, además de cambiar el concepto e incluir a Afrodita dentro del dibujo

Ya había experimentado anteriormente con escultura, por lo que hacer ésta fue relativamente fácil, al ya saber como moldear una masa y darle forma

Sin embargo no quedé contenta con los resultados finales y decidí hacerla nuevamente. Debido a que había recubierto la escultura con cola blanca, tuve sacar con un rastrillo la capa supercial de platlina

La escultura con arcilla normalmente se seca con la luz solar, a la plastilina para endurecerla se la puede barnizar, reubrir con cola blanca o pintura

Y luego la volví a recubrir con una plastilina más suave y utilicé las manos para darle suavidad a la masa, y con esto remoldeé las partes de la figura, obteniendo mejores resultados que los del principio, donde la figura estaba rígida

El trabajo con plástilina resulta mucho más fácil de corregir, ya que no se seca, sino que se barniza o se endurece con la pintura que se le coloca. Esto me permitó desarrollar más habilidades en cuanto a moldear esculturas, con la plastilina se tiene un mejor manejo y control, además de permitirte corregir errores, agregar o quitar masa sin preocuparse de las fisuras

Reflexión

A lo largo de todo el curso de Artes Visuales lo que más hice fue experimentar con distintas formas de creación artística, esto se dio debido a que nuestro profesor nos incetivaba a experimentar. Sin embargo, también tuvo mucho que ver el hecho en que yo definiera cuál iba a ser el hilo conector de toda mi exhibición, es decir, cuál sería el tema que se basaría toda mi exhibición, y mientras investigaba y desarrollaba ideas para definir y delimitar un tema, fui capaz de desarrollar mi técnica en formas de creación artística de mi interés como lo son el carboncillo, la tinta y la pintura, sobre todo con el carboncillo que fue una técnica que intenté dominar, pero al final no pude. Entonces para cuando ya definí un tema, la planificación de mis obras se basaba en los distintos matices que había definido para el concepto de erotismo femenino, y los que yo abarcaría, que eran cinco. Entonces es ésta parte la que me da la libertad de poder seguir experimentando con otras formas de creación artística como la ilustración digital, los medios basados en lentes, la escultura, y los textiles y objetos de diseño, porque yo escogí los materiales basándome en el concepto central que quería transmitir en mi exhición. Por ejemplo, las ilustraciones me permitía utilizar imágenes de referencia, y así pude captar la escencia de las expresiones de las celebridades que me interesaba retratar; los medios basados en lentes me permitió grabar un cortometraje en donde podía captar en todo su esplándor la sensualidad que emite una mujer al maquillarse, cosa que no habría poder hecho por otro medio; la escultura me permitió hacer una representación de tres dimensiones sobre los temas de BDSM y Bondage, que debido a mis alcances como estudiante no pude conseguir modelos que estuvieran dispuestas a posar para hacer referencia a ese matíz del erotismo, y sin embargo, pude lograr una intención parecida con la escultura; los textiles y los objetos de diseño me permitieron crear la pieza de lencería, en vez de sólo dibujarla, el crearla y que el espectador pueda interactuar con ella es mucho más personal y causa impacto. Finalmente, ésto también me permitió tomar obras que había hecho sólo por experimentar, refinarlar y modificarlas, y al mismo tiempo que las modificaba, mejoraba mis habilidades técnicas en ésas áreas.