• Author / Uploaded
• stuert

Citation preview

ANGELINA JOLIE • THE SQUARE • JOAQUIN PHOENIX • LA PRINCESA PROMETIDA • SPANISH MOVIES EN INGLES

LA

APOTEOSIS DEL

S tar system ‘A S E S I N A T O

ORIENT EXPRESS’

EN EL

L A CU M BR E DE L OS SU PE R H E ROE S

LIGA de LA JUSTICIA C O N E L L O S E M P E Z Ó T O D O . D C D I C T A S E N T E N C I A E N L A M AY O R REUNIÓN DE ICONOS DE CÓMIC DEL AÑO N OV I E M B R E 2017 Nº 266. 3,50 €

WHEDON V SNYDER: DOS DIRECTORES BAJO FIANZA

PARTICIPA EN

LA EX P ERIENCIA DE CONDUCCIÓN EXTREMA DE FORD DEL 3 AL 12 DE N OVIEMBRE EN KINÉPOLIS.

COMPRA T U E NTRA DA EN GOFASTER.ES Evento de conducción supervisado por pilotos profesionales, en un recinto controlado y cerrado al tráfico rodado. Ford recomienda una conducción prudente, segura y responsable, respetando, en todo momento, las normas de tráfico, circulación de vehículos y seguridad vial. Consulte condiciones de participación.

©GETTY

TOMA UNO

La ciudad perdida del señor Tati Rodando La puerta del cielo, Michael Cimino hizo construir toda una calle del Far West, para después mandar que la demoliesen. Poca cosa: en 1964, para Playtime, Jacques Tati había hecho levantar una ciudad. En su mayor parte, aquel lugar (apodado ‘Tativille’) fue erigido a escala, pero eso no reduce las ambiciones del director y actor francés, ansioso de propinarle a la modernidad una segunda y definitiva colleja tras el éxito de Mi tío. Todo en Playtime fue a lo grande, desde el presupuesto al tiempo de rodaje (cuatro años sin salir del plató) y, sobre todo, el formato, unos 70 milímetros que dificultaron la exhibición del filme, condenándolo al fracaso y arruinando a su máximo responsable. Ahora, 50 años después de su estreno en 1967, a Playtime le sobran valedores célebres. El más importante de todos: un tal David Lynch.

¿TU PELÍCUL A ESPAÑOL A FAVORITA RODADA EN INGLÉS?

DIRECTOR

Carlos Marañón

5 RAZONES PARA AMAR EL CINE

[email protected] ‘CAMPANADAS A MEDIANOCHE’ REDACTORA JEFE

Andrea G. Bermejo

[email protected] ‘¿QUIÉN PUEDE MATAR A UN NIÑO?’ JEFE DE SECCIÓN

Daniel de Partearroyo

[email protected] ‘CUADECUC, VAMPIR’ REDACTOR

Yago García

[email protected] ‘LA RESIDENCIA’ DIRECTORA DE ARTE

Carmen Martín Arcos [email protected] ‘BURIED’ COLABORADORES

Ángel Agudo (cinemania.es), Janire Zurbano, Irene Crespo, Rubén Romero Santos, Pepe Colubi, Rubén Lardín, Luis J. Menéndez, Javier Ocaña, Sergio Fernández Pinilla, Javier Cortijo, Joaquín Reyes, Nando Salvá, Paula Arantzazu Ruiz, Inmaculada Mariscal, Piluca Valverde, Diana Arrastia, Toni García, John Tones, Toni Vall, Emilio Doménech. ILUSTRACIÓN

Paco Alcázar, Coco Dávez. FOTOGRAFÍA

Julie Turcas (edición gráfica), Joachim Mueller-Ruchholtz, Thomas Canet, Stephan Vanfleteren, Xavier Torres-Bacchetta. DIRECTORA DE PUBLICIDAD

Teresa Orellana

[email protected] PUBLICIDAD ONLINE

Alma de monaguillo, corazón de gángster CINEFILIA COMPULSIVA. La vida de Martin Scorsese podría resumirse en sus películas. Creció en la convulsa Little Italy de ¿Quién llama a mi puerta?; sus vecinos eran la mafia italoamericana de Uno de los nuestros; su afán religioso (La última tentación de Cristo) a punto estuvo de hacerlo sacerdote; Taxi Driver fue su vuelta de tuerca a una Hollywood condenada a reinventarse; los documentales sobre Bob Dylan y George Harrison, el reflejo de su melomanía; el fracaso de New York, New York supuso el preludio de la caída a los infiernos de la cocaína; Toro Salvaje, la redención; e Infiltrados, el reconocimiento. El 17 de noviembre, ‘Marty’ cumple 75 años y, para celebrarlo, TCM emitirá a partir del día 5 lo más destacado de la filmografía de su vida. Más información en canaltcm.com. JANIRE ZURBANO

Miryam Rodríguez

[email protected] DISTRIBUCIÓN Y MÁRKETING

Carmen Gragera Oyarzábal [email protected]

CINEMANÍA MAGAZINE S.L. General Castaños, 13 2º izquierda, 28004 Madrid. Tel. 917358640 PRESIDENTE

José María Irisarri EDITOR

Pedro Ruiz de Marcos DIRECTOR DE OPERACIONES

Juan Serra Castillejo

CONSEJO ASESOR

Fernando Bovaira, Ignacio Corrales, Mercedes Ezpeleta, Bosco Salaverri, Toni de la Torre

Lógica difusa y rizomática

Mujeres en el cine español

Cindy Sherman, icono en ‘selfie’

¡Guionistas, reuníos!

LA V EDICIÓN del Festival Rizoma llega a su segundo asalto del 22 al 26 de noviembre en la CinetecaMatadero de Madrid. Su celebración de lo impreciso trae títulos como Lucky, la última película protagonizada por Harry Dean Stanton, donde le acompaña David Lynch. DANIEL DE PARTEARROYO

LA SEMANA INTERNACIONAL del Cine de Valladolid organiza en su 62º edición un foro sobre la presencia femenina en el cine español con el objetivo de proponer soluciones y avanzar hacia la paridad tanto en la crítica como en la industria y el mundo académico. ANDREA G. BERMEJO

PANORÀMIC FESTIVAL explora y promueve la relación entre cine y fotografía. Esta 1ª edición conmemora el 40 aniversario de Untitled Film Stills, la serie de autorretratos de Cindy Sherman remitentes a la imagen femenina en el cine de los 50 y 60. Desde el 22 de noviembre, en Granollers. CARMEN MARTÍN

SANTIAGO DE COMPOSTELA es la sede del 5º Encuentro de Guionistas, liderado por FAGA (Foro Asociaciones Guionistas) y y el sindicato de guionistas ALMA. Del 2 al 4 de noviembre, la capital gallega acogerá charlas y actos para profesionales, estudiantes y público en general. CARLOS MARAÑÓN

4 • N OV I EM BR E 2 0 1 7 •

IMPRESIÓN

Rivadeneyra S.A. Torneros, 16 Polígono Industrial Los Ángeles 28906 Getafe-Madrid DEPÓSITO LEGAL M-30.322-1995 ISSN 1135-5840 Esta publicación es miembro de la Asociación de Revistas de Información.

DIFUSIÓN CONTROLADA POR

Las opiniones expresadas por los colaboradores no son necesariamente compartidas por el equipo de la revista. Todos los derechos reservados. En virtud de lo dispuesto en los artículos 8 y 32.1, párrafo segundo, de la Ley de Propiedad Intelectual, quedan expresamente prohibidas la reproducción, la distribución y la comunicación pública, incluida su modalidad de puesta a disposición, de la totalidad o parte de los contenidos de esta publicación, con fines comerciales, en cualquier soporte y por cualquier medio técnico, sin la autorización de la empresa editora de la publicación, CINEMANÍA MAGAZINE, S.L.

SUSCRIPCIONES : 902044644

NO MIRAR una serie original de Movistar + creada por Jorge y Alberto Sánchez-Cabezudo

SUMARIO

70

‘EL SECRETO DE MARROWBONE’

12 Berto Romero

23

Sometemos al cómico y protagonista de Algo muy gordo, de Carlo Padial, a nuestro incuestionable Cuestionario Pop.

JOAQUIN PHOENIX

26 A ciegas

Como el fotógrafo protagonista de Hacia la luz, de Kawase, repasamos otros personajes para los que la ceguera no ha supuesto un obstáculo en la conquista de sus pasiones.

66 ‘The Square’

Entrevistamos a Ruben Östlund (Fuerza mayor) para contártelo todo sobre la última Palma de Oro del Festival de Cannes.

80 Manuel

Martín Cuenca

98

EL REGRESO DE ‘STRANGER THINGS’

El autor, protagonizada por Javier Gutiérrez, es su última película. Entrevistamos al director de La flaqueza del bolchevique y Caníbal.

92

88 Star Systems

‘LA PRINCESA PROMETIDA’

A cola de la acumulación de estrellas en Asesinato en el Orient Express, repasamos los repartos más luminosos de la historia del cine.

G U Í A D E E S T R E N O S N OV I E M B R E 2 0 17 EN CARTEL LAS HIJAS DE ABRIL THE MEYEROWITZ STORIES BLADE RUNNER 2049

PÁG. 46

LA LIBRERÍA

PÁG. 51

MUSA

PÁG. 48

GEOSTORM

27 DE OCTUBRE THOR: RAGNAROK NUESTRA VIDA EN LA BORGOÑA EL TERCER ASESINATO EL SECRETO DE MARROWBONE JERICÓ, EL INFINITO VUELO… LOS HERMOSOS DÍAS DE ARANJUEZ

EN CUERPO Y ALMA 3 DE NOVIEMBRE LA GRAN ENFERMEDAD DEL AMOR LA BATALLA DE LOS SEXOS DEEP EL SISTEMA SOLAR THE CRUCIFIXION SAURA(S)

PÁG. 48 PÁG. 49

ORO LA CHANA

PÁG. 43

PASAJE DE VIDA

PÁG. 46

ALGO MUY GORDO

PÁG. 45

PÁG. 49

PÁG. 50 PÁG. 50

17 DE NOVIEMBRE

PÁG. 44 PÁG. 45

MEDIDAS EXTREMAS

PÁG. 47

PÁG. 49

HACIA LA LUZ

PÁG. 50

PÁG. 44

LOS DEMÁS DÍAS

PÁG. 47

EL JOVEN KARL MARX (16 NOV.)

PÁG. 48

LIGA DE LA JUSTICIA

JUPITER’S MOON

PÁG. 47

CON LOS BRAZOS ABIERTOS

PÁG. 49

UNA RAZÓN PARA VIVIR

PÁG. 50 PÁG. 53

24 DE NOVIEMBRE

PÁG. 45

PÁG. 52

EN REALIDAD, NUNCA ESTUVISTE AQUÍ TIERRA FIRME

PÁG. 52 PÁG. 53

EL AUTOR

PÁG. 44

PÁG. 50 PÁG. 52

FELIZ DÍA DE TU MUERTE

LOS NADIE

THE FRANKENSTEIN COMPLEX

THE SQUARE

PÁG. 47

YO-KAI WATCH: LA PELÍCULA

AMERICAN ASSASSIN

10 DE NOVIEMBRE

PÁG. 46

SPOOR (EL RASTRO)

PÁG. 52 PÁG. 53

PÁG. 42 PÁG. 52

TIERRA DE DIOS

LEE TODAS LAS CRÍTICAS EN CINEMANIA.ES

ee ll hh oo m m bb rr ee pp ee rr ff ee cc tt oo

SOLO EN

EL CORTE INGLÉS, S.A. C/ Hermosilla 112, 28009 Madrid

JON HAMM

DIRECTOR’S CUT

SUPER STEVENS. No sabemos si Kazuo

Ishiguro cambiaría su Premio Nobel de Literatura por algún otro superpoder más. Tal vez le baste con el don de la escritura que ya tiene, pero es seguro que Mr. Stevens, el solícito (y exasperante) mayordomo que Anthony Hopkins bordó en la sensacional Lo que queda del día ( James Ivory, 1993), un superhéroe del servicio, tenía una frase perfecta para cualquier icono del cómic trasladado a la gran pantalla: “Si tienes la impresión de que ya eres perfecto, nunca podrás alcanzar tu auténtico nivel”. Aplicable a superhéroes (y franquicias) tanto en auge como en desgracia, la puntillosa observación del supermayordomo viene al caso ante el nuevo desembarco, un auténtico ataque por tierra, mar y aire de DC y sus heroicos muchachos tras la decepción (honrosa, pero decepción) en taquilla de sus últimas películas. En el actual sistema edulcorado de estudios, y ante el dominio abrumador del imperio Disney tras añadir a sus ya amplios poderes a Pixar, Marvel y Lucasfilm, queda la sensación de que la pugna entre Liga de la Justicia y Vengadores, o entre DC y Marvel, es el último vestigio real al margen de la carrera por los Oscar que queda del Hollywood clásico que recordamos. Igual de jodidamente capitalista, pero con charme, y que ya sólo se manifiesta por todo lo alto en esta casi futbolera rivalidad entre combos de personajes. Este es el último ramalazo de grandilocuencia, inútil, desmesurada y gratuita, pero aún bellamente rimbombante, consustancial a aquel oligopolio de estudios que hizo fortuna hasta que la TV mató al estrellato del cine. Agarrémonos a ello, como si no creyésemos que esta rivalidad pertenece a un

CARLOS MARAÑÓN DIRECTOR DE CINEMANÍA

mundo que desaparece, como si pensáramos que la orquesta va a seguir tocando incluso debajo del agua. Y más allá. Como si todavía creyésemos que los superhéroes van a salvar el mundo.

2

ESTAFA INDIE. Y si el león de la Metro

parecía dormido, lo que queda de Hollywood, del más oscuro y lamentable, ha mostrado su cara estas últimas fechas. El bochorno ha vuelto desde la caverna, sin glamour, y con la cara del abuso de poder y de las agresiones sexuales, un mal atávico en los infiernos del showbusiness, incluida la reacción de algunos medios, como los que han apartado de Italia a Asia Argento. Aunque probablemente no lo merezca, suponemos que hay una cortesía legal que invita al menos formalmente a usar la presunción en todo lo que se diga de Harvey Weinstein, pero su imagen nos devuelve lamentablemente a la vigencia de las anacrónicas teorías criminalísticas de los Garófalo, Lombroso y Ferri en las que, entre disquisiciones penalistas, se acababa diagnosticando al felón por sus características físicas. Dejando de lado que este sujeto y su estampa dejan a Tony Soprano a la altura de una dulce flor del campo, es

LA INDUSTRIA DE LOS SUEÑOS

momento también de revisar su papel en la industria para desenmascararle. Su primera gran mentira es anterior. Original, podríamos decir: los Weinstein ya nos engañaron con ese aura de padre (padrastros, más bien, junto a su hermano Bob) del cine independiente moderno, que en realidad ha sido una forma de hacerse los amos de la industria a través de prácticas corleonianas, urdidas desde un sistema paralelo, y que han llevado a lo indie a convertirse en una práctica vulgar, repetitiva, anticreativa, elevando lo presuntamente alternativo a mainstream en la mentalidad del gran público, un engaño que los cinemaníacos de bien tampoco podemos perdonar.

3

STAR SYSTEM. El rodaje de La vuelta

al mundo en 80 días (Michael Anderson, 1956) tuvo que ser un fiestón diario. Cómo sería, que hasta Orson Welles se cabreó porque no le aprobaron su cameo al precio que pedía. Por allí aparecía cada jornada una cara nueva para rodar una escena: de Sinatra a Peter Lorre, de Buster Keaton a Marlene Dietrich. Si hasta Jess Franco fue un extra durante el rodaje en Chinchón. A ellos se unían los David Niven, Shirley MacLaine y Cantinflas (la antítesis del pluscuamperfecto John Gielgud, ya que este mes estamos de mayordomos), que iban dando saltos de país en país como si cambiasen de decorado, o más bien al revés. Desaparecido el star system clásico, y su deriva setentera, produce mucha ternura volver a ver un reparto tan extenso, absurdo y pretenciosamente divertido como el de Asesinato en el Orient Express de Kenneth Branagh. No sabemos la tarifa, pero a Johnny Depp sí le han aprobado lo suyo. ¡Albricias! POR

Paco Alcázar

ILUSTRACIÓN: COCO DÁVEZ

1

Lo que queda de Hollywood

BORG McENROE

Hielo y fuego SVERRIR GUDNASON ES EL FRÍO BORG Y SHIA LABEOUF, EL ‘BRONCAS’ McENROE EN LA FINAL MÁS EMOCIONANTE DE WIMBLEDON “SI PUEDES ENCONTRARTE con

el triunfo y el fracaso y tratar a esos dos impostores de la misma manera”, decía el magnífico poema de Rudyard Kipling que corona la entrada al torneo Wimbledon. Y no es casual que la primera película de ficción del danés Janus Metz inmortalice estos versos de If— poco antes de recrear uno de los partidos de tenis más apasionantes de la historia reciente, el que enfrentó a John McEnroe y a Björn Borg en Londres en el año 1980. Borg McEnroe (estreno 27 de abril de 2018) parte de esta final que hizo sudar a medio planeta para subrayar que aquellos tenistas que los medios vendían como la noche y el día – Borg era el jugador tranquilo y melancólico (¡hola, Richie Tenenbaum!) y McEnroe, el que montaba bronca– tenían mucho más en común de lo que sus apelativos en la pista –“hielo y fuego”– parecían indicar. POR A. G. B.

10 • O CTU BR E 2 0 1 4 •

• SE PT IE M BRE 20 1 4 • 11

C UESTI O NAR I O P O P

B E RTO RO M E RO

“Interpreto a una versión de mí mismo llevada al límite’

¿Cómo es tu personaje en Algo muy gordo? Es algo así como una versión atribulada y llevada al límite de mí mismo. Un tipo idealista y lleno de energía dispuesto a hacer frente al mayor reto de su vida. Algo muy gordo narra los avatares del rodaje de una película y, así, pretende romper los esquemas de la comedia. ¿Qué comedia clásica es para ti irrompible? La pretensión de Algo muy gordo es algo más moderada, aunque también ambiciosa. Pretendemos ofrecer un color diferente, una voz distinta en comedia. Pero, sobre todo, una película llena de ideas. Cualquier comedia que reciba el adjetivo “clásica” es, por mérito propio, irrompible. ¿Cuál es tu peli sobre cómicos favorita? El rey de la comedia. Tu primera incursión en cine fue como Pitufo en Spanish Movie. ¿Fue ese tu primer casting? ¿Cómo fue? Fue una irresponsabilidad. ¡Javi me contrató sin casting! ¿Barcelona, noche de verano o de invierno? La mía es la de invierno porque me perdí la de verano. Espero las dos estaciones que faltan con ansia. Estuviste en la secuela de Ocho apellidos vascos. ¿Cuántos apellidos catalanes coleccionas tú? Romero Conesa Hernández Sanmartín Tomás Meroño Muñoz Zamora. Todos enterrados en Cataluña, todos catalanes. También te hemos visto en El pregón. ¿Has sido pregonero alguna vez? Una sola vez, en mi pueblo natal, Cardona. Se me salía el corazón por la boca, no estoy hecho para esos actos. En 2018 veremos tu propia serie en Movistar+, Mira lo que has hecho… Es una mirada muy personal a la paterni-

© XAVIER TORRES-BACCHETTA

EN ‘ALGO MUY GORDO’ SE ALÍA CON CARLO PADIAL (‘MI LOCO ERASMUS’)

dad, a lo que significa ser padre, pero también ser hijo, y a la vez una declaración de amor a la vida en pareja. Nos ha quedado una comedia muy tierna. Estarás en la nueva película de José Luis Cuerda. ¿Frase favorita de Amanece, que no es poco? “Arráncalo ahora, que cuando le salga el rizoma va a ser peor” (disculpadme si no es exacta). Si fueses actor porno, ¿qué nombre te pondrías? Berto ‘La Broca’ Romero. ¿Has tenido o tienes algún mote? Berto ‘La Broca’ Romero [risas]. ¿Cómo y para qué fue tu primer casting? Un programa de monólogos de La 2 llamado 4 i acció. ¿Quién era tu héroe de pequeño? Mi padre. Y Batman. Dios, cómo deseaba que fueran la misma persona. ¿Qué querías ser de niño? Dibujante de cómics. Si te cansaras de la interpretación, ¿qué harías?

Esperar un rato hasta que me volvieran las ganas. ¿Otros proyectos a la vista? Escribo mi próximo monólogo para teatro. ¿Con quién te confunden por la calle? Jordi Évole, Flipy e Iñaki Anasagasti. Uno de los tres es broma. ¿Cuál es la película que más veces has visto? Probablemente Cantando bajo la lluvia. ¿La última que has visto y recomendarías? Olvídate de mí, de Michel Gondry. La volví a ver hace poco y recordé por qué amo a Charlie Kaufman. El mejor regalo que te han hecho. Un traje de captura de movimiento. Una fobia. Los gritos. Una adicción. El chocolate negro. Un defecto. Soy muy nervioso. Una virtud. Intento no hacerle daño a nadie. Una afición. Conocer a fondo a personas interesantes. Las palabras que más dices. ¿Cómo estás? POR Andrea

G. Bermejo

‘ALGO MUY GORDO’

ESTRENO 10 DE NOVIEMBRE

DIARIO DE RODAJE

A través del tiempo HACE 13 AÑOS QUE ISAKI LACUESTA NOS CONQUISTÓ CON ‘LA LEYENDA DEL TIEMPO’. EN ‘ENTRE DOS AGUAS’ REGRESA A LA ISLA DE SAN FERNANDO PARA CONTINUAR SU RETRATO CINEMATOGRÁFICO

La idea “En La leyenda del tiempo (2004) plantamos algunas semillas para recogerlas en Entre dos aguas. Por ejemplo, la marca de la altura de los hermanos en un árbol que, por cierto, en esta segunda parte me ha costado mucho encontrar. Pensé que se había caído la corteza y es que me estaba confundiendo de árbol. Retomamos la historia de Israel y Cheíto cuando Isra acaba de salir de la cárcel. Así tenemos a un hermano traficante y a otro, militar. De ahí el título de la película, aunque también son las dos aguas del documental y la ficción por las que se mueve el filme”. El guion “Empezamos con una estructura y con consecuencias planteadas. Tenemos la vocación de que la peli adquiera un tono homogéneo, que viaje en el tiempo, adelante y atrás, para mostrar cómo crecen y envejecen los personajes. Nuestra intención es retratar a lo largo del tiempo unas biografías, unos rostros, unos cuerpos. Manejamos algunas referencias. Satyajit Ray, por la dignidad y fuerza con la que filma a los personajes, pero también

Truffaut filmando a Antoine Doinel. Ver a alguien a través del tiempo es lo más cinematográficamente puro que existe”.

Rodaje “Estamos rodando en cine. El soporte connota mucho la época. La leyenda del tiempo era en alta definición, digital, pero aquí queríamos dar la sensación de que no se sabe muy bien dónde ha ocurrido lo que les pasa a los hermanos. Trabajamos con un plan de rodaje como en cualquier película, pero también pueden aparecen cosas en escenas que nos hagan cambiarlo”. Postproducción “Terminas de aprender la película en la

sala de montaje. Para que te hagas una idea, sabes que quieres llegar a la playa pero no sabes cómo te va a llegar la ola. La banda sonora la están componiendo Kiko Veneno [debajo, junto a Isaki Lacuesta, Isra y Cheíto] y Refree”.

POR Andrea

G. Bermejo

‘ENTRE DOS AGUAS’

ESTRENO 2018

FOTOS: ©XAVIER CARRERA

REGRESO A LA ISLA “Llevamos tres años regresando a La Isla de San Fernando, buscando personajes, localizando… Viendo qué espacios nos interesaba recuperar y qué otros se podían adaptar a las historias presentes de los hermanos”, cuenta Isaki Lacuesta sobre su esperada continuación de La leyenda del tiempo.

14 • N OV I EM BR E 2 0 1 7 •

L G PA R A C I N E MANÍA

LG OLED W7: EL FUNDIDO A NEGRO PERFECTO CON LA TECNOLOGÍA OLED TENDRÁS EL NEGRO MÁS PURO DE LA GALAXIA EN TU TELEVISOR: NI LA OSCURIDAD DEL ESPACIO NI LAS SOMBRAS DEL FILM NOIR SERÁN LO MISMO PARA TI

El cine es el arte de la luz, pero muchas veces las películas que más nos gustan se basan en la oscuridad. El cine negro, uno de los géneros del séptimo arte con más obras maestras por metro cuadrado, fundamentó su estética en las sombras de los callejones. Para poder apreciar de la mejor manera posible el poder emocional de esos tonos y ambientes tenebrosos hacía falta una evolución tecnológica como la del televisor LG OLED W7, el único capaz de mostrar el color negro puro gracias a que sus píxeles se encienden y apagan de forma independiente. La superioridad tecnológica de este televisor, que no necesita retroiluminación, también se aplica a un incremento absoluto en la capacidad para mostrar colores y contraste. LG OLED W7 es el único televisor preparado para leer todos los formatos HDR: Dolby Vision, HDR10, Technicolor, HLG y HDR Converter. De este modo, muestra cada contenido de acuerdo con el rango dinámico elegido por sus creadores sin necesidad de forzar brillos ni colores. El resultado hace que los colores brillantes destaquen de verdad –con un rango dinámico de

luminancia que multiplica los matices mostrando multitud de tonos intermedios– y los oscuros sean realmente tinieblas. La atmósfera tenebrosa de ‘Blade Runner’ hará que te sientas en Los Ángeles del futuro comiendo fideos con Deckard. En ‘Alien, el octavo pasajero’ la negra piel viscosa de la criatura aparecerá ante ti como si lo tuvieras justo delante... O al lado, porque otra ventaja de LG OLED W7 es cómo mantiene los colores constantes 180º No importa desde dónde lo mires: la tecnología OLED mantiene invariable el brillo, el contraste y el color de las imágenes desde todos los ángulos. Además, LG OLED W7 incluye el exclusivo HDR Dolby Vision, que ofrece mayor profundidad de color que el HDR10 e introduce metadatos en cada imagen que el televisor interpreta para representarlas con una fidelidad absoluta. Esta tecnología, unida al sonido DOLBY ATMOS, convertirá en una experiencia audiovisual de 360º cualquier lugar donde coloques este televisor, tan delgado que lo puedes pegar en cualquier pared. Simplemente insuperable.

P R OTA G O N I S TA

“ACTUAR ES COMO SER ‘LA NUEVA’ EN UN TRABAJO TODO EL TIEMPO” HIJA DE UN AFAMADO GUIONISTA, EMILY MORTIMER ES UNA PRESENCIA HABITUAL EN EL CINE Y LA TELEVISIÓN. A PAPELES COMO ‘NOTTING HILL’ O ‘THE NEWSROOM’, SUMA AHORA SU PERSONAJE EN LO NUEVO DE ISABEL COIXET, ‘LA LIBRERÍA’ • Texto A N D R E A G . B E R M E J O • Foto J O A C H I M M U E L L E R - R U C H H O L T Z •

NIÑA DE PAPÁ. Emily Mortimer sufrió lo suyo con la muerte de su

padre. Sir John Mortimer, abogado, guionista, autor y creador de la britanísima serie Rumpole of the Bailey, murió con 85 años en 2009. “Lo echo mucho de menos –reconocía la actriz a The Telegraph–. Echo de menos cómo conseguía hacerte pensar que nada era tan importante como estar sentados juntos conversando y riendo”. Cuando murió, Mortimer llevaba seis años afincada en Nueva York y casada con el actor estadounidense Alessandro Nivola (La gran estafa americana). Aunque su carrera había despegado allí, también echaba de menos Reino Unido. Coleccionaba platos y fotos de la reina, vestía a sus hijas con los colores de la bandera y lloraba cada vez que iba al cine y el acento de los actores le traía lluviosos recuerdos de su patria. Lejos quedaban sus días de colegiala en St Paul´s Girls School, exclusiva institución para señoritas en la que ingresó gracias a los obsequiosos esfuerzos culinarios de su padre para con la directora. “Mi padre me hacía muchas veces los deberes, hasta que una profesora nos los devolvió diciendo que mis historias estaban bien pero que les faltaba algo de imaginación”, recordaba la actriz. Fue allí donde interpretó sus primeros papeles animada una vez más por Sir John, quien la había llevado con frecuencia al teatro y, especialmente, a ver Shakespeare. “Él amaba a los actores, siempre había querido ser Fred Astaire”. Y ya en el último curso de universidad –Oxford, ni más ni menos, y estudiando ruso– consiguió interpretar un personaje importante en la miniserie The Glass Virgin (1995). Aunque en los años que siguieron se convirtió en una presencia habitual tanto en cine como en televisión, Mortimer tardó en considerarse a sí misma como la intérprete que ya era. En The Telegraph escribía mes a mes una columna ficticia sobre la dura vida de los actores. Sus apariciones en Los demonios de la noche (1996), El año que murió Elvis (1996), El santo (1997) o Eliza-

beth (1998) fueron aportando verdad a sus textos, hasta que sus papeles en Scream 3 (2000) y el de chica perfecta –así la acredita IMDb– en Notting Hill pusieron fin a su carrera periodística. Convertirse en una actriz famosa y renombrada tampoco hizo las cosas más fáciles: “Soy muy paranoica, en todas las películas en las que trabajo siento que soy una actriz terrible y que me van a despedir”. Cuesta imaginarla tan vulnerable y a la vez con papeles relavantes en Young Adam (2003), El castillo ambulante (2004), Match Point –otra vez la mujer perfecta– (2005), La pantera rosa (2006) o Lars y una chica de verdad (2007). Pero ella seguía en sus trece. Ni Shutter Island (2010) ni La invención de Hugo (2011), de Scorsese, ni mucho menos The Newsroom (2012-2014) le aportaban esa escurridiza confianza en sí misma. “Actuar en una película puede ser una experiencia alienante –explicaba la actriz recientemente–. Te ves en un ambiente nuevo, rodeada de gente a la que nunca antes has visto y sometida a mucha presión. Ser actor es como ser ‘la nueva’ en un trabajo todo el tiempo”. Quizás por eso, Emily decidió crear su propia serie, una en la que no sintiese esa soledad. Llamó a su mejor amiga de la infancia, Dolly Wells, a la que conoció en un viaje familiar de esquí cuando tenían siete años. El resultado fue la sitcom para Sky Living Doll & Em. Paralelamente, siguió aceptando trabajos. El sentido de un final, adaptación de la aclamada novela de Julian Barnes que se estrenará en diciembre, y La librería, de Isabel Coixet, en la que Mortimer interpreta a una idealista librera. Pronto vendrán Mary, The Philosophy of Phil y El regreso de Mary Poppins, de Rob Marshall. ¿Servirán estos títulos para afianzar su confianza? “Siempre recordaré a los niños del colegio que me decían: ‘Solo lo has conseguido por quién es tu padre’. Sigo pensando que algo de eso puede ser verdad”. ‘L A L IBRERÍA’ ESTRENO 10 DE NOVIEMBRE

POLAROIDS ‘The Newsroom’ “Hice cuatro pruebas de casting. ¡Parecía que estaba en American Idol!”, recordaba sobre la prestigiosa serie de Aaron Sorkin. ‘Doll & Em’ “Dolly y yo llevábamos tiempo queriendo escribir algo juntas. Al principio pensábamos que haríamos una película maravillosa en la que actuarían nuestros intérpretes favoritos. Pero según nos hacíamos mayores y entendíamos lo difícil que es trabajar cuando eres actor pensamos que lo mejor era escribir algo en lo que también pudiésemos actuar nosotras”, contaba sobre su serie para Sky Living.

16 • N OV I EM BR E 2 0 1 7 •

‘La librería’ “Es un absoluto privilegio trabajar con Isabel Coixet”, explicaba Emily Mortimer a La Vanguardia. En la última película de la directora, coprotagonizada por Patricia Clarkson y Bill Nighy, la actriz interpreta a una viuda que se instala en un pueblo convencida de que sus habitantes necesitan una librería tanto como ella. ‘El sentido de un final’ Ritesh Batra adapta la emblemática novela de Julian Barnes sobre la memoria. Emily Mortimer acompaña a Jim Broadbent y Charlotte Rampling en una de esas producciones británicas que, vistas desde EE UU, tanta morriña le dan.

• NOVIE M BRE 20 1 7 • 17

CA SO REA L

Billie Jean King y Bobby Riggs, rivales en ‘la batalla de los sexos’, acabaron convirtiéndose en buenos amigos.

El partido de nuestras vidas

En el sentido de las agujas del reloj: Daniela Vega, EN 1973, BILLIELelio JEAN KING SE JUGÓ LA IGUALDAD DE LA MUJER EN EL TENIS CONTRA EL EXCAMPEÓN BOBBY RIGGS. AHORA, con Sebastián y Francisco Reyes.

EMMA STONE Y STEVE CARELL LLEVAN A LA GRAN PANTALLA EL HISTÓRICO ENCUENTRO EN ‘LA BATALLA DE LOS SEXOS’ POR

Janire Zurbano

”ME PROPUSE SER LA MEJOR para así poder cambiar las cosas”,

asegura una Emma Stone en la piel de la tenista Billie Jean King. El personaje rememora cómo, siendo apenas una niña, no pudo sacarse una foto junto al resto de sus compañeros de la academia de tenis porque, en lugar de vestir falda, llevaba pantalones cortos. Para 1973, esa pequeña se había alzado con 10 títulos de Grand Slam y había impulsado la WTA (Asociación Femenina de Tenis) para exigir la igualdad salarial en aquel deporte al que dedicaba su vida. Fue entonces cuando uno de los mejores tenistas de los 40, Bobby Riggs, que se definía a sí mismo como “un cerdo machista” y se jactaba, a sus 55 años, de poder con las mejores jugadoras de tenis del momento, retó a King. Esta no aceptó, pero sí lo hizo Margaret Court, cuya derrota ante Riggs provocó un sinfín de burlas del tenis

18 • N OV I EM BR E 2 0 1 7 •

femenino. Esta situación obligó a King a aceptar medirse con Bobby. Y llegó el día: Houston, Texas, 20 de septiembre de 1973. La joven de 29 años venció con holgura (6-4, 6-3 y 6-3) a un Riggs exhausto al que no paraba de hacer correr de un lado al otro de la pista. Con más de 30.000 asistentes al partido y 50 millones de telespectadores en EE UU, la llamada ‘batalla de los sexos’ se convirtió en un acontecimiento mediático sin precedentes. King se llevó a casa el premio de 100.000 dólares, pero, sobre todo, cambió la percepción de mucha gente sobre la mujer en el tenis. Ahora, Charles Crichton recupera el mediático encuentro en La batalla de los sexos, donde Emma Stone y Steve Carell prestan todo su carisma y talento interpretativo a dos deportistas que hicieron historia. Hubo otras batallas de los sexos (como la de Jimmy Connors contra Martina Navrátilová en 1992), pero fue esta la que supuso un antes y un después en el mundo del tenis. King, raqueta en mano, consiguió lo que se propuso de niña. ‘L A B ATAL L A DE LOS SEXOS’ ESTRENO 3 DE NOVIEMBRE

FÓRMULA

Granjero busca granjero EL ROMANCE RURAL ‘TIERRA DE DIOS’ ESQUIVA LOS TÓPICOS DEL RELATO LGBT PARA CENTRARSE EN LA VULNERABILIDAD DEL AMOR POR

Daniel de Partearroyo

UNA GRANJA DE CERDOS en Yorkshire del Oeste, al norte de Inglaterra, fue el hogar familiar donde creció el director Francis Lee. El rodaje de su debut en el largo Tierra de Dios, premiado en los festivales de Sundance, Edimburgo y Berlín, tuvo lugar en una granja vecina, ya que Lee ha puesto mucho de su biografía en esta historia de amor entre un joven granjero (Josh O’Connor) exasperado por la monótona vida de la ganadería –y lo mal que se le da ayudar a parir a las ovejas– hasta que la aparición de un jornalero rumano

(Alec Secareanu) transforma la situación. Es la llegada del amor: el paso de los escarceos sexuales para escapar de la alienación del trabajo físico a la vulnerabilidad de entregarte a otra persona. Porque de esa fragilidad, necesaria para amar y ser amado, habla en su filme Lee –quien actualmente sigue viviendo en el campo, en Haworth: territorio Brontë–. Cada vez que se lo comparan con Brokeback Mountain en una entrevista, se ríe. “No tienen nada que ver: son como la tiza y el queso”. ‘TIERRA DE DIOS’

ESTRENO 24 DE NOVIEMBRE

CÓMO SALIR DEL ARMARIO EN SITUACIONES DIFÍCILES

WESTERN

ALEMANIA NAZI

FÚTBOL DE ÉLITE

Brokeback Mountain (2005) El romance vaquero entre Ennis del Mar (Heath Ledger) y Jack Twist (Jake Gyllenhaal) enamoró a crítica y público, pero la Academia de Hollywood se puso tacaña con los Oscar y prefirió dar mejor película a Crash. Increíble.

Aimée y Jaguar (1999) Juliane Köhler y Maria Schrader compartieron Oso de Plata por su interpretación reviviendo la intensa historia de amor de Lilly Wust, la esposa de un oficial nazi, y Felice Schragenheim, una combatiente judía, en pleno Tercer Reich.

The Pass (2016) La homofobia es un secreto a voces del fútbol profesional. Este filme británico lo puso sobre la mesa con dos jugadores que, la noche antes de su primer partido de Champions, se dan un beso que cambiará sus carreras deportivas.

EJÉRCITO

FAMILIA MUSULMANA

INGLATERRA VICTORIANA

Un paso al frente (1995) Con este telefilme Glenn Close ganó su primer Emmy. Interpreta a Margarethe Cammermeyer, coronel de la Guardia Nacional del estado de Washington que en 1992 acabó expulsada del ejército por declararse lesbiana.

20 • N OV I EM BR E 2 0 1 7 •

Appropriate Behavior (2014) Mujer. Bisexual. Familia iraní. Además de tener que superar la ruptura con tu novia, que te deja en la calle en NY, tienes que contárselo a tus padres. El debut en la dirección de Desiree Akhavan se tomó el tema con humor y brillantez.

Maurice (1987) Otro galardón doble: Hugh Grant y James Wilby en Venecia, donde James Ivory fue León de Plata por esta adaptación de la novela que E. M. Forster (Una habitación con vistas) jamás quiso publicar en vida.

Charlotte Vega ELLA LE ENSEÑA ESPAÑA A DYLAN O’BRIEN EN ‘AMERICAN ASSASSIN’ ¿Q U I É N E R E S ?

Aunque nací en Madrid en 1994, me he criado en Sitges. Sí, mis padres británicos son los responsables de este nombre tan chulo que te llamó la atención en los créditos de El secreto de Puente Viejo y Velvet. Pero fue Isabel Coixet quien le dio el empujón a mi carrera en el cine con Mi otro yo. Luego vino El club de los incomprendidos y que me empezaran a parar por la calle los fans de Blue Jeans. Muy loco aquello. ¿Q U É Q U I E R E S ?

Conseguir más proyectos en Hollywood sin perder la sonrisa ni dejar de hacer maratones de mis series favoritas. Conocer a Channing Tatum tampoco estaría nada mal.

FOTO: ©RUBEN VEGA

¿T U Ú LT I M A V E Z ?

En los cines por partida doble: en American Assassin soy la novia de Dylan O’Brien y en La librería he vuelto con Isabel Coixet como amiga de la protagonista, así que he podido ver enfrentarse a dos de mis actrices favoritas: Emily Mortimer y Patricia Clarkson.

‘A M ER I CA N A S S A S S I N ’

ESTRENO 3 DE NOVIEMBRE

• MAYO 201 6 • 21

LA MIRADA

REPO MAN Rubén Lardín

FIESTA BR AVA

En el sentido de las agujas del reloj: Kôji Yakusho, Yuki Saito, Suzu Hirose, Masaharu Fukuyama y ángeles en la nieve, hobby típico de Hokkaidō.

Falso culpable HIROKAZU KOREEDA VUELVE A DELEITARNOS CON SUS RECETAS NIPONAS Y SUS TIERNAS HISTORIAS FAMILIARES MIENTRAS RESUELVE UN CRIMEN EN ‘EL TERCER ASESINATO’ POR

A. G. B.

“Un amigo mío, que es abogado, me explicó que en una corte lo importante no es la verdad, sino ajustar los intereses de los clientes”, cuenta Hirokazu Koreeda sobre el punto de partida de El tercer asesinato. Su inmersión en el thriller tiene lugar casi por accidente pues su interés primordial era, precisamente, “cuestionar por qué se juzga a la gente, quién y cómo lo hace”. El abogado que protagoniza su último filme, interpretado por el músico y actor Masaharu Fukuyama, sí que quiere llegar al fondo del misterioso caso de su cliente (Kôji Yakusho), un expresidiario que admite ser culpable de un asesinato. Sin embargo, a medida que investiga su pasado y su entorno, empieza a sospechar de lo poco sospechoso que es su defendido. Tras más de 25 años en la industria y con títulos tan exportables como De tal padre, tal hijo, Nuestra hermana pequeña o Después de la tormenta a sus espaldas, Koreeda se enfrenta a este género nuevo con absoluta precisión y perfeccionismo japonés. 22 • N OV I EM BR E 2 0 1 7 •

“No me he inspirado en películas, sino que he trabajado con siete abogados con los que hacía simulacros de juicios. Escribí el guion basándome en esta fuente de inspiración tan realista”, responde en el Festival de San Sebastián. Igual de detallista que su retrato del mundo judicial, El tercer asesinato sigue mostrando predilección por los temas favoritos de Koreeda: la familia y la gastronomía del país nipón –ese delicioso yakiniku–. “Yo no hago dramas familiares para que me ayuden a solventar mis propias inquietudes. Los hago porque me parece un tema interesante, aunque luego lo que cuento puede acabar afectándome”, explica sobre estos dos hombres –abogado y acusado– que parten de polos opuestos pero que tienen más cosas en común de las que creen en un principio. Por ejemplo, lo lejos que se sienten de sus hijas. O el paisaje blanco de la remota y desconocida región de Hokkaidō. O la verdad que uno busca y el otro esconde. ‘EL TER C ER ASESINATO’

ESTRENO 27 DE OCTUBRE

ESTÁ CONFIRMADO: con S. Craig Zahler ha nacido una estrella. Tras la magnífica sorpresa de Bone Tomahawk, su nueva película vuelve a ser cine pronto y misterioso, otro relato macizo y franco lleno de valores peculiares, tal vez antiguos, como nuevos porque se usan poco. Brawl in Cell Block 99 es, otra vez, una catábasis, que es como se llama el descenso literal de un hombre a los infiernos, el trayecto de un antihéroe hasta el lugar donde la civilización pierde su nombre y sus habitantes pasan a ser alimañas, caníbales o celadores, reclusos o víctimas del sistema. Porque la película es también kafkiana si entendemos que va de un tío que ha salido a unos trámites, entre otros la tarea tan placentera y humana, a veces preventiva, de la venganza. Zahler se entrega y se toma muy en serio cada uno de los aspectos de esta sátira que parte de una caricatura clásica, la de un pobre patriota (que es la manera más penosa de ser pobre), un hombre estoico que carga una cruz a la espalda y que está determinado a hacer aquello que cree que tiene que hacer, llevar a cabo lo que haga falta para no desviarse del camino recto. Para ser precisos deberíamos decir que, como Bone Tomahawk, la cosa va de nuevo de la familia, de un hombre encarrilado al sacrificio por una mujer, pero alguien nos acusaría de incurrir en esto y lo otro, así que mejor diremos que el motor de la narración es la preservación de la feminidad y con ello todos contentos, nosotros y ellas durante las dos horas y pico que dura esta película, que es larga porque Zahler torea despacio, que es algo que solo está al alcance de unos pocos, los que se hurgan, los que buscan manifestarse, ser todo sustancia y expresarse completos en cada faena, dejando así acomodadas en nuestro ánimo un sinfín de bondades éticas y estéticas.

CI NE DE A U TO RA

LY N N E R A M S AY

La violencia que llevas dentro LA DIRECTORA ESCOCESA QUE HIZO TEMBLAR CANNES CON JOAQUIN PHOENIX, UN MARTILLO Y LA MÚSICA DE JONNY GREENWOOD DA UNA VUELTA DE TUERCA A LAS HISTORIAS DE VENGANZA CON ‘EN REALIDAD, NUNCA ESTUVISTE AQUÍ’ POR

CUATRO PELICULONES en tres décadas

Daniel de Partearroyo

Lynne de trabajo; más media docena de cortos Ramsay. premiados y aclamados. Semejante hoja de servicios valdría para afianzar el culto a cualquier director responsable de títulos tan agudos, redondos e intransferibles como Ratcatcher (1999), Morvern Callar (2002), Tenemos que hablar de Kevin (2011) y la última En realidad, nunca estuviste aquí, pero en el caso de Lynne Ramsay parece que su estatus como una de las cineastas más interesantes y creativas de la actualidad se desdibuja en la memoria cinéfila con más facilidad que casos equiparables como Jonathan Glazer o Spike Jonze. La aparición de su violenta adaptación de una novela corta de Jonathan Ames como cierre de la competición sacudió Cannes con la fuerza de un puñetazo de la bestia parda que interpreta Joaquin Phoenix. Se llevó dos premios –mejor interpretación masculina para Phoenix y mejor guion para Ramsay–, pero En realidad, nunca estuviste aquí pudo haber sido Palma de Oro. Y eso que se proyectó con montaje de última hora y sin créditos finales. Mucho más relajada, y con la película terminada, la directora escocesa nos contó en el Festival de San Sebastián por qué había de-

24 • N OV I EM BR E 2 0 1 7 •

cidido convertir a Joaquin Phoenix en un matón falible y demacrado al rescate de una niña víctima de tráfico sexual. “No quería al típico héroe de este tipo de películas, que lo hace todo perfecto y luce bien. Él es prácticamente lo opuesto: el jorobado de Notre Dame, la Bestia”, explica. Como en sus anteriores filmes, existe una gran fascinación por el cuerpo del personaje, en cuyas lesiones traspira un pasado muy traumático. “Todas las cicatrices repartidas por su cuerpo podrían ser un mapa de su mente. Era una manera de mostrar al exterior sus heridas interiores”. Hasta pierde un diente. “En el libro le disparan en una pierna y cojea, pero con Joaquin llegamos a la conclusión de que el diente era más eficaz para humanizar al personaje, y más violento porque afecta a su cara y su forma de hablar”. La violencia palpita en cada plano de este thriller opresivo y seco, pero estalla en la mente más que ante los ojos. “No quería violencia sensacionalista, sino mostrar sus consecuencias. La imaginación siempre es peor. Vivimos tiempos oscuros en un mundo violento”. ‘EN REAL IDAD, NUNCA ESTUVISTE AQUÍ’ ESTRENO 24 DE NOVIEMBRE

UNO DE LOS NUESTROS

J OAQ U IN P HOEN IX

Puro instinto

James Gray, Paul Thomas Anderson, Spike Jonze, Woody Allen... Repasar los nombres de los directores con los que ha trabajado Joaquin Phoenix (San Juan de Puerto Rico, 1974) durante la última década explica que siempre lo veamos en películas con plaza reservada en lo mejor del año. No hay blockbusters, no hay franquicias ni trabajos alimenticios. Lo más reciente y parecido a una película de Hollywood que puedes hallar en su filmografía es En la cuerda floja (2005), el biopic de Johnny Cash que le brindó su segunda nominación al Oscar. Ahora ya acumula tres, pero seguro que es el menos interesado en obtener la estatuilla alguna vez. No está en esto por los premios, como demostró su cara de pasmo (y esmoquin con zapatillas Converse) al recoger el galardón de mejor interpretación masculina en Cannes por En realidad, nunca estuviste aquí, donde su masa corporal vapuleada y rostro de cordero degollado son los protagonistas. “Joaquin es un actor de puro instinto. Además, tiene un detector de chorradas muy bien afinado, con él es muy fácil esquivar los clichés”, nos cuenta la directora Lynne Ramsay sobre su experiencia con él. “Cuando llegó al rodaje, aún estaba buscando localizaciones. Hablamos mucho sobre su personaje, pero no tuvimos tiempo para ensayar. No es que lo necesite, es un actor de una única toma. Aunque improvise. A veces, no sabía por dónde iba a salir y era perfecto. Ojalá volvamos a colaborar. Me gustaría hacer una comedia con él: es un tipo muy divertido”. POR

© JACQUES MEZGER

FOTO: © STEPHAN VAN

IMPREVISIBLE EN EL RODAJE, INFALIBLE EN PANTALLA. ASÍ ES TRABAJAR CON EL ACTOR QUE MEJOR ELIGE SUS PAPELES EN HOLLYWOOD

D. D. P. • DICIE M BRE 2 0 1 5 • 25

LA LISTA DE

10 personas ciegas SUPERHÉROES, SAMURÁIS, MÚSICOS, INVESTIGADORES... LA CEGUERA NO HA IMPEDIDO A NINGUNO DE ESTOS PERSONAJES DAR RIENDA SUELTA A SUS PASIONES. EL FOTÓGRAFO PROTAGONISTA DE ‘HACIA LA LUZ’ ES OTRA PRUEBA DE ELLO POR

Janire Zurbano

1 • A 23 PASOS DE BAKER

2 • DAREDEVIL

3 • ESENCIA DE MUJER

Hathaway se basó en una novela de Philip MacDonald para concebir esta historia entre sherlockiana y hitchcockiana sobre un escritor invidente (Van Johnson) que, tras escuchar una conversación sobre un secuestro, decide hacerse cargo de la investigación.

El hombre sin miedo era el héroe favorito de Matt Damon, pero, cosas de la vida, fue su mejor amigo, Ben Affleck, quien se hizo con el papel. ¿Tal vez Damon vio venir la debacle? Al menos, hubo alguien que cayó rendida ante Matt Murdock: Jennifer Garner.

La adaptación norteamericana de la italiana Perfume de mujer por poco deja ciego a un Al Pacino de Oscar. Actor de método donde los haya, tanto se metió en la piel de este coronel gruñón e invidente que chocó contra un arbusto en pleno rodaje y se dañó la córnea.

5 • LOS OJOS DE JULIA El thriller coproducido por Guillermo del Toro convirtió a Belén Rueda en una mujer que perdía la vista a causa de una enfermedad degenerativa. Según contó Morales, director y actriz tuvieron muy presente la actuación de Audrey Hepburn en Sola en la oscuridad.

STREET Henry Hathaway, 1956

Guillem Morales, 2010

Martin Brest, 1992

4 • RAY Taylor Hackford, 2004

6 • LUCES DE LA CIUDAD

7 • PROOF (LA PRUEBA)

8 • ZATOICHI

Considerada el mejor filme de Chaplin, esta comedia se enfrentó a varias dificultades: desafió al cine sonoro, su rodaje se alargó un año y Virginia Cherrill, que daba vida a la protagonista ciega, fue despedida y después reincorporada durante la filmación.

La realizadora australiana debutaba en el largometraje con este drama de premisa aparentemente improbable: Martin (Hugo Weaving), un invidente que se dedica a la fotografía, termina envuelto en un triángulo amoroso tras la llegada de Andy (Russell Crowe).

Kitano dirigió y protagonizó este filme basado en un personaje mítico del cine japonés: el espadachín ciego Zatoichi, que lo mismo te da un masaje que desenfunda su shikomizue. Él mismo ha confesado que eso de blandir el arma con los ojos cerrados fue bastante peliagudo.

Mark Steven Johnson, 2003

Charles Chaplin, 1931

Jocelyn Moorhouse, 1991

9 • HACIA LA LUZ Naomi Kawase, 2017

“Mis oídos son mis ojos”, decía Ray Charles, el padre del soul, y sus oídos eran bastante críticos. Si no, que se lo pregunten al oscarizado Jamie Foxx, que para interpretarlo en este biopic tuvo primero que probar sus habilidades al piano ante Charles.

Takeshi Kitano, 2003

“Me emociona el detallismo y el cuidado con el que los audiodescriptores cuentan una escena”, aseguraba la cineasta japonesa Naomi Kawase (Una pastelería en Tokio) a su paso por la última edición del Festival de Cannes. Los invidentes no ven cine, sino que lo escuchan gracias a la labor de profesionales que introducen informaciones sonoras sobre la trama. Esta profesión tan desconocida inspiró la historia de amor de Hacia la luz entre un fotógrafo que está perdiendo la vista y una joven audiodescriptora que narra lo que ocurre en pantalla a personas que no pueden ver. El reparto está formado por Masatoshi Nagase, Noémie Nakai y Ayame Misaki, entre otros. ‘HACIA L A L UZ’

26 • N OV I EM BR E 201 7 •

EST REN O 1 7 D E NOVI E M B RE

10 • SOLA EN LA OSCURIDAD Terence Young, 1967

“La película más terrorífica jamás hecha”. Así describe Stephen King en su ensayo Danza macabra este thriller basado en la obra teatral de Frederick Knott. Audrey Hepburn aprendió a leer braille para meterse en la piel de la invidente Susy, acosada en su propia casa por unos matones liderados por Alan Arkin, en busca de un alijo de drogas. La película fue dirigida por Te-

rence Young, quien había participado en la batalla de Arnhem, hogar de Hepburn durante su infancia y adolescencia. En el rodaje, ambos bromeaban sobre cómo Young casi se había cargado a su actriz favorita, con la que volvería a colaborar en Lazos de sangre. En 1998, Marisa Tomei y Quentin Tarantino protagonizaron la obra de teatro en Nueva York.

15 M INUTOS CO N ...

ANGELINA JOLIE

“No se trata de ser mujer sino de hacer bien el trabajo” LA ACTRIZ ADAPTA LAS MEMORIAS DE LOUNG UNG SOBRE LA TOMA DE PODER DE LOS JEMERES ROJOS. ‘SE LO LLEVARON: RECUERDOS DE UNA NIÑA DE CAMBOYA’ PODRÍA SER SU PRIMERA NOMINACIÓN AL OSCAR COMO DIRECTORA

FOTO: © BRIAN BOWEN SMITH

POR

En Se lo llevaron… la cámara cambia entre la perspectiva de la niña protagonista y planos más generales, algo que recuerda a La imagen perdida, de Rithy Panh. La idea, quizá para ambas películas, era retratar la realidad: no había campos de concentración en Camboya, el país entero era una cárcel. Así que cuando intentas describir los movimientos de masas, la hambruna de las masas, estás obligado a enseñarlo [de esa forma]. ¿Nunca te planteaste fichar a actores occidentales, lo que comúnmente se conoce como whitewashing? Esta película pertenece a Camboya y a los camboyanos, y la idea de contratar a alguien que es más conocido, o cambiar 28 • N OV I EM BR E 2 0 1 7 •

Emilio Doménech (Nueva York)

el idioma, para satisfacer esa idea es algo que sencillamente nunca iba a ocurrir en mi proyecto. ¿Y por qué crees que la industria de Hollywood tiene un problema tan grande con este tema? No lo sé. Espero que estén aprendiendo y que vean que el público también tiene apetito por películas de todo el mundo con repartos representativos. ¿Crees que la Academia de Hollywood tiene que considerar a las películas de lengua extranjera en las categorías importantes? Espero que lo hagan. Siempre es interesante ver que tienen una categoría llamada ‘película extranjera’ que representa al mundo. Es un poco ridículo. Y, sin

centrarnos en los Oscar, creo que nuestra actriz joven [Sareum Srey Moch] no es solo una actriz extranjera, sino una gran actriz joven. ¿Qué piensas a la hora de valorar el trabajo de las directoras hoy en día en Hollywood? Es muy importante que las mujeres y las minorías tengan la posibilidad de hacer su trabajo y que, si lo hacen bien, eso sirva para que las cosas mejoren. Si su trabajo no es bueno, entonces ya es otra historia. Así que se trata de oportunidades, de la calidad del trabajo, no de ser mujer o pertenecer a una minoría. ‘SE LO LLEVARON: RECUERDOS DE UNA NIÑA DE CAMBOYA’ EMISIÓN NETFLIX

CLAES

BANG

ELISABETH

DOMINIC

MOSS

WEST

TERRY

NOTARY

PENDIENTE DE CALIFICACIÓN POR EDADES

“QUIERE DEJARTE CON LA BOCA ABIERTA… Y LO CONSIGUE.”

THE SQUARE

UNA PELÍCULA DE

RUBEN ÖSTLUND,

DIRECTOR DE

F U E R Z A M AY O R

DIRECCIÓN Y GUIÓN RUBEN ÖSTLUND DIRECTOR DE FOTOGRAFÍA FREDRIK WENZEL SONIDO JONAS RUDELS, JESPER MILLER DISEÑO DE PRODUCCIÓN JOSEFIN ÁSBERG DISEÑO DE VESTUARIO SOFIE KRUNEGÄRD MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA ERIKA SPETZIG CASTING PAULINE HANSSON CONSULTOR ARTÍSTICO KALLE BOMAN EDICIÓN RUBEN ÖSTLUND, JACOB SECHER SCHULSINGER DISEÑO DE SONIDO ANDREAS FRANCK PRODUCTORES ERIK HEMMENDORFF, PHILIPPE BOBER PRODUCCIÓN EJECUTIVA TOMÁS ESKILSSON, AGNETA PERMAN, DAN FRIEDKIN, BRADLEY THOMAS COPRODUCTORES ISABELL WEIGAND, SARAH NAGEL, KATJA ADOMEIT PRODUCTORES EN LÍNEA ANNA CARLSTEN PRODUCCIÓN PLATTFORM PRODUKTION EN COPRODUCCIÓN CON FILM I VÄST, ESSENTIAL FILMS, PARISIENNE, COPRODUCTION OFFICE, SVERGES TELEVISION, IMPERATIVE ENTERTAINMENT, ARTE FRANCE CINÉMA Y ZDF EN COLABORACIÓN CON ARTE CON EL APOYO DE SVENSKA FILM INSTITUTET, COUNCIL OF EUROPE – EURIMAGES, MEDIENBOARD BERLIN-BRANDERBURG, NORDISK FILM & TV FOND, DET DANSKE FILMINSTITUT – MINORORDNINGEN, ALAMODE FILMVERLEIH, TRIART DISTRIBUTION, DR

WWW.AVALON.ME

EST RENO 10 DE NOVIEMBRE

E L D O C U M E N TA L

Saura e hijos EN ‘SAURA(S)’, FÉLIX VISCARRET RETRATA AL MÍTICO CINEASTA A TRAVÉS DE SU PROLE POR

Andrea G. Bermejo

“EL DEBER DE FÉLIX es tirar de la manta todo lo que pueda –dice Carlos Saura cansado de

responder a sus preguntas–. Y el nuestro es decir: ‘hasta aquí hemos llegado”. Así resume Saura(s), la película que Félix Viscarret (Bajo las estrellas) ‘intenta’ hacer sobre él, una aproximación al director de clásicos como Cría cuervos o La prima Angélica a través de sus ocho hijos de distintas edades que reflexiona también sobre paternidad, genio y memoria desde las tripas del documental.  ESTRENO 3 DE NOVIEMBRE SAURA CUMPLE 85 AÑOS Carlos Saura, arriba, ante la imagen de Ana Torrent en Cría cuervos, una de sus obras maestras. A la derecha, arriba, el cineasta, junto a su hija Anna Saura Ramón. Debajo, Saura y otro de sus hijos, ante la imagen de José Luis López Vázquez en El jardín de las delicias. Bajo estas líneas, el maestro con su eterna cámara de fotos.

30 • O CTU BR E 2 0 1 7 •

K R I S T O P H E R TA P L E Y |

“ESTAMOS ANTE UNA NARRACIÓN

“PELÍCULA DE

EXCELENTE, MAGNÍFICAMENTE

IMPECABLE FACTURA” “EL RESULTADO ES UN CIERRE PERFECTO”

FILMADO Y MUSICADO” - A B C

-El País

-El Mundo

2 HORAS DE EXCLUSIVOS EXTRAS* INCLUIDOS

MÁS DE 20 MINUTOS DE ESCENAS ELIMINADAS

COMPLETA TU COLECCIÓN DEL

“‘LA GUERRA DEL PLANETA DE LOS SIMIOS’ ES UN PRODIGIO VISUAL, QUIZÁ EL MAYOR LOGRO TÉCNICO QUE HA ALCANZADO EL CINE EN LOS ÚLTIMOS AÑOS” - 2 0

“EL

13 DE NOVIEMBRE EN

Minutos

MEJOR BLOCKBUSTER DE LA DÉCADA” - E l E s p a ñ o l

,

Y EN EDICIONES ESPECIALES.

YA EN ALQUILER Y VENTA DIGITAL

© 2017 Twentieth Century Fox Film Corporation. All Rights Reserved. © 2017 Twentieth Century Fox Home Entertainment LLC. All Rights Reserved. TWENTIETH CENTURY FOX, FOX and associated logos are trademarks of Twentieth Century Fox Film Corporation and its related entities.

*En formato Blu-ray™

ZOOM

SUFRIENDO CON ESTILO DE OCULTARSE TRAS LOS PÍXELES A OBSERVAR TRAS UNA CÁMARA: EN ‘UNA RAZÓN PARA VIVIR’, ANDY SERKIS DEBUTA EN LARGO COMO DIRECTOR PARA CONTAR UNA HISTORIA DE AMOR Y ENFERMEDAD EN ÁFRICA • Texto Y A G O G A R C Í A •

53 AÑOS DE VIDA. Más de tres décadas de carrera. Y miles de

fans en todo el mundo… que, seguramente, no le reconocerían si se cruzasen con él por la calle. Así son las cosas para Andy Serkis, con lo que es comprensible que el rey de la captura de movimiento haya cambiado el anonimato que dan los píxeles por el que aguarda detrás de la cámara. Y también tiene su lógica que Una razón para vivir, su primer largo como director, sea un drama de época donde la CGI ni está ni se la espera. “Podríamos haber hecho una película muy oscura”, explica Serkis sobre el filme. Y tiene razón: no solo lleva a la pantalla la historia de Robin y Diana Cavendish, un matrimonio que lo tenía todo para ser feliz salvo porque él sufría de poliomielitis. También les ha adjudicado los roles a Andrew Garflied y Claire Foy (The Crown), dos intérpretes que saben sufrir como nadie. Así, el filme se arriesga a hacer malabares con los tópicos del relato inspiracional: si, en la vida real, los Cavendish decidieron irse a Kenia en vez de languidecer en Londres, el director asegura haber aprovechado a fondo el potencial de su historia para el humor negro. ‘UNA RAZÓN PARA VIVIR’

32 • N OVI E MB R E 20 1 7 •

ES T R EN O 17 DE NOVIE MBRE

Andrew Garfield y Claire Foy aprovechan el tiempo.

• N OVI EM BRE 201 7 • 33

EL F ENÓM EN O

Un oso de peluche para tiempos de Brexit ÉXITO LITERARIO, POR EL ARTE Y LA GRACIA DE NICOLE KIDMAN SE CONVIRTIÓ EN TAQUILLAZO DE CINE FAMILIAR EN 2014. AHORA ‘PADDINGTON 2’ CONTINÚA CON MÁS ACTORES BRITÁNICOS: HUGH GRANT Y BRENDAN GLEESON POR

Irene Crespo

“BE KIND AND POLITE and the world will be right” (Sé amable y edu-

cado y el mundo irá bien) es el lema de Paddington, un oso que viste gabardina y sombrero de lluvia, que viene del Perú más recóndito y que habla el inglés de la Reina. Un oso que salía de los libros (escritos por Michael Bond) de mesita de noche de niños desde 1958 “y que aún tiene un mensaje importante”, dice David Heyman, el productor que puso en marcha la primera adaptación en 2014 y que, tras el éxito de aquella (en parte, gracias a una maléfica Nicole Kidman), vuelve con una secuela “un poco más grande”. “Si Paddington hablaba de la familia y de encontrar tu hogar, Paddington 2 habla de la comunidad, de cómo encajar en esa comunidad”, continúa el productor con más éxito en adaptaciones infantilesjuveniles, también detrás de Harry Potter. “Paddington es la historia de un forastero, de un inmigrante que llega a este país y es acogido por una familia”. Estamos en el rodaje de esta secuela: los jardines de un palacio de la campiña inglesa reconvertidos en una feria de atracciones de vapor. Reino Unido sigue metido en el debate del Brexit; Heyman no

34 • N OV I EM BR E 2 0 1 7 •

lo nombra, pero lo insinúa. “Yo entré en el cine atraído por las películas políticas y polémicas de los 70, ahora no queda cine así –como mucho, se ve en TV–, pero algo bueno de la comedia es que puedes decir cosas de la sociedad actual de una forma no polémica, y se lo dices al público más receptivo, el más joven”. Drama, humor y aventura siguen siendo la mezcla estrella de este filme que busca una audiencia aún más grande. “Hay gags, pero también comedia que llega al corazón”, dice Heyman. “Y será menos sangrienta”, bromea. “Al menos nadie intentará matar al oso y rellenarlo de algodón”. Vuelven la familia Brown al completo (Sally Hawkins, Hugh Bonneville) y los vecinos (Julie Walters, Jim Broadbent), pero no Nicole Kidman. En su lugar, aparece otro villano: Hugh Grant, como un actor en horas bajas intentando lograr su último gran show utilizando a Paddington. Él se defenderá apoyándose en esa comunidad en la que quiere encajar y le acoge con brazos abiertos en un mundo idílico sin cinismo. “Ojalá hubiera más Paddingtons en el mundo”, concluye Heyman. ‘PADDINGTON 2’ ESTRENO 24 DE NOVIEMBRE

D E C U LTO

La nieta de Abril “Emma Suárez es la mejor actriz del mundo de su edad”. El realizador mexicano Michel Franco (Después de Lucía) puso todo su empeño en que la actriz española, en el mejor momento de su carrera, fuese Abril, madre ausente de dos hijas tan distintas como enfrentadas, que regresa a Puerto Vallarta ante el embarazo de la más joven, para ejercer, al fin,

su papel. O eso parece: la llegada del bebé desata una catarsis interna entre las cuatro mujeres de la casa digna del Premio del Jurado de Un Certain Regard en Cannes y de que Franco mantenga el status de cineasta mimado por el circuito de festivales. POR Carlos Marañón ‘L AS HIJ AS DE ABRIL’

EN CARTEL

MARLON BRANDO ESCRIBÍA, PRESO DE LA DESESPERACIÓN, ESTA CARTA A SU REPRESENTANTE DURANTE EL RODAJE DE ‘LA ISLA DEL DOCTOR MOREAU’

En algún rincón de la República Dominicana, 3 de abril de 1995

Querido Joseph: Me gustaría que mi carta empezase de otra manera, pero lamentablemente solo puede comenzar así: ESTOY VIVIENDO UN INFIERNO. Me pregunto por qué acepté esta película. ¿Tú sabes por qué fue? ¿Por qué me obligaste, como quien dice, a firmar por la fuerza el contrato, esgrimiendo que si no trabajaba en este proyecto me sumiría en la bancarrota? ¿Crees que fue esa la razón? Chi lo sa. Tú sabes como soy, Joseph, sabes que no soy problemático. Lo sabes, ¿verdad? Pues, ¿te quieres creer que aquí me tratan como si estuviera loco? Solamente porque

C A R TA S C I N É FA L A S POR

Joaquín Reyes

les recordé que deseaba rodar desnudo de cintura para abajo; que se abstuvieran de ofrecerme para comer nada que no fuese verde, rojo, naranja o marrón; que evitaran citarme antes de las dos de la tarde; que no pronunciaran en mi presencia las palabras “tocino”, “bollo”, “sinfonier”, “papada” y “voluminoso”. Creía que todas esas sencillas advertencias estaban reflejadas en el contrato que, maldita la hora, rubriqué. Pero no, ¡ni rastro de ellas! Lo sé a ciencia cierta; me quemé los ojos leyéndolo de cabo a rabo. Ojalá una personita que yo

me sé hubiera hecho su trabajo. Pero claro, es mucho pedir (me estoy refiriendo a ti, Joseph, gusano, alimaña… perdóname, estoy muy alterado). Me hacen el vacío, Joseph. El otro día me cagué encima, como un caballo. Lo notó Val Kilmer, y no desaprovechó la ocasión de avergonzarme delante de todo el mundo, el asqueroso. Yo hice como que no me afectaba y me fui con la plasta, dignamente, a mi roulot. Allí rompí a llorar mientras me limpiaba el culo. Fue todo muy embarazoso. Menos mal que tengo a Nelson, él es mi consuelo. A pesar de su pequeña estatura (apenas levanta 54 centímetros del suelo) es un gran apoyo para mí; me escucha, me entiende, me masajea las pantorrillas… Supliqué que su personaje y el mío fueran vestidos de la misma manera y al menos en eso me han hecho caso. Menos mal. Si aún te queda algo de vergüenza torera, Joseph, sácame de aquí. Un abrazo, Marlon. • NOVIE M BRE 2 0 1 7 • 35

FESTIVALES

1

2

3

4

5

DONOSTIA

El placer de hacer cine SIN COMPLEJOS: EL FESTIVAL DE SAN SEBASTIÁN CELEBRA EL GESTO CREATIVO DE COGER UNA CÁMARA, FILMAR Y FILMAR POR

Daniel de Partearroyo

LAS PELÍCULAS SOBRE CINE suelen tener un efecto similar a la serotonina sobre el metabolismo de los espectadores. Su visión del arte cinematográfico nos reconforta, estimula el crecimiento de la cinefilia y levanta el ánimo para seguir pasando horas ante imágenes en movimiento. Por eso mismo, a veces suelen caer en la autocomplacencia de, literalmente, estarse mirando el propio ombligo. No es el caso de las dos mejores películas que compitieron en la 65ª edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián: en ellas, el acto cinematográfico es mucho menos una reafirmación del propio ego que la creación de una comunidad de afectos. Así lo plasma James Franco en la triunfadora The Disaster Artist [2], Concha de Oro digna de aplauso para una comedia destinada al gran público donde el actor y cineasta emplea el estrafalario rodaje de The Room, posiblemente la

película más torpe de todos los tiempos, como marco para una historia de amistad que, ante todo, realza el insondable poder de unión del cine. Lo mismo ocurre con Le lion est mort ce soir [5], feliz regreso de Nobuhiro Suwa con el legendario Jean-Pierre Léaud de protagonista, donde el cine como juego infantil tiene incluso el poder de exorcizar cuentas pendientes con fantasmas del pasado. Todo en ella es tan hermoso y emocionante que echamos de menos premio para Léaud, aunque la tensa interpretación física del rumano Bogdan Dumitrache en Pororoca [3] admite poca protesta. Igual que el doble premio de dirección (Anahí Bernerí) y actriz (Sofía Gala) para Alanis [1], el retrato de una prostituta de Buenos Aires que lucha por vivir según sus propias normas. Justo lo que hace la irreverente jueza de Ni juge, ni soumise [4]: un canto al libre albedrío, sea este correcto o no.

PALMARÉS Concha de Oro: The Disaster Artist, de James Franco. Premio Especial del Jurado: Handia, de Aitor Arregi y Jon Garaño. Mención Especial del Jurado: Ni juge, ni soumise, de Yves Hinant y Jean Libon. Concha de Plata a la mejor dirección: Anahí Bernerí (Alanis). Concha de Plata a la mejor actriz: Sofía Gala Castiglione (Alanis). Concha de Plata al mejor actor: Bogdan Dumitrache (Pororoca). Mejor guion: Diego Lerman y Maria Meira (Una especie de familia). Mejor fotografía: Florian Ballhaus (The Captain). Premio Zabaltegi-Tabakalera: Braguino, de Clément Cogitor. Premio Nuevos Directores: Le semeur, de Marine Francen. 36 • N OV I EM BR E 2 0 1 7 •

1

2

3

GIJÓN

Éxtasis de renovación EL FESTIVAL ASTURIANO VUELVE A APOSTAR POR EL ATREVIMIENTO POR D. D. P.

El Festival Internacional de Cine de Gijón afronta una nueva etapa con su 55ª edición (del 17 al 25 de noviembre), donde la diversidad del cine actual se verá reflejada en una selección de películas destacadas entre lo más puntero del cine independiente, los relatos juveniles, la narración experimental o la animación más vanguardista. Así es como compartirán espacio propuestas de autores tan distantes como Paul Vecchiali (Les sept déserteurs ou La guerre en vrac) y Bruno Dumont (Jeannette, l’enfance de Jeanne d’Arc [3]) con

LA CABINA

nuevas promesas del cine francés (Pour le réconfort, debut en la dirección del actor Vincent Macaigne) y español (lo último de Pablo Hernando o Luis López Carrasco; focos de Clara Simón y Elisa Cepedal) y la recuperación del gran telefilme perdido de Godard: Grandeza y decadencia de un pequeño comercio de cine [2]. La austriaca Valie Export [1] protagonizará una retro con sus trabajos más destacados desde los años 60: películas performáticas, liberación del cuerpo y cuestionamiento de roles femeninos.

Media distancia El único festival del mundo dedicado a los mediometrajes cumple 10 años en Valencia. Esta décima edición contará con 24 títulos en la competición oficial, entre los que se encuentra el Tokyo Project de Richard Shepard, director de varios episodios de Girls que cuenta con Elisabeth Moss y Ebon Moss-Bachrach como protagonistas en la ciudad nipona. También se verá Body, de Léonor Serraille, ganadora de la Cámara de Oro este año en Cannes con su primer largo. Más info: lacabina.es • NOVIE M BRE 20 1 7 • 37

FESTIVALES

SITGES

Pesadillas y alucinaciones FENÓMENOS EXTRAÑOS OTEADOS EN LA MUY ESPECIAL EDICIÓN NÚMERO 50 DEL FESTIVAL DE CINE FANTÁSTICO POR

John Tones

‘BRAWL IN CELL BLOCK 99’ [2] Rotunda y con espíritu grindhouse, esta traducción de la propuesta de Bone Tomahawk al ambiente carcelario reafirma a S. Craig Zahler como uno de los mejores dialoguistas y estetas de la violencia de hoy. Vince Vaughn, imponente como antihéroe sin remisión, es el núcleo de una película que es también orgullosa sucesión de portadas pulp. Inmerecidamente ausente del palmarés, es la ganadora (in)moral del año. ‘BRIGSBY BEAR’ [3]

Todos los años cae alguna comedia independiente, de temática lindante con el fantástico, en la programación. Quizás la más paradigmática de esta edición sea la notable My Friend Dahmer, pero nos quedamos con esta otra, una extraña mezcla de Unbreakable Kimmy Schmidt y la primera temporada de Channel Zero. Aquí, un hombre que ha pasado toda la vida en un búnker consumiendo falsos programas educativos infantiles se topa con el mundo real y la necesidad de rodar una película. ‘THELMA’ [4]

El galardón a mejor película se lo llevó la mediana epopeya europeísta de refugiados superpoderosos Jupiter’s Moon. Thelma fue un Premio Especial del Jurado que sonó más a triunfo auténtico, menos de cara a la galería. Esta versión fría y dramática de Carrie con el fanatismo religioso (aún más) su-

2

38 • N OV I EM BR E 2 0 1 7 •

1

bido de tono es un hervidero de traumas y estética reposada, que sabe juguetear con inteligencia con los códigos que Crudo proponía en términos mucho más exaltados. ‘LAISSEZ BRONZER LES CADAVRES’

Un auténtico festival sonoro y visual que lleva un paso más allá las propuestas previas de Hélène Cattet y Bruno Forzani –el giallo a pleno sol Amer y el delirio policiaco El extraño color de las lágrimas de tu cuerpo–. El robo de un cargamento de oro toma tintes de spaghetti western tardío, más elementos de Grupo salvaje y de fumetti a lo Diabolik. Enrevesada y cautivadora, desplegó las imágenes más hipnóticas de esta edición. ‘EL SACRIFICIO DE UN CIERVO SAGRADO’ [5]

El esperadísimo regreso de Yorgos Lanthimos, de nuevo con un reparto norteamericano tras la estupenda Langosta, no tiene un

3

humor tan frontal como aquella. Es más, abraza en parte los códigos del thriller, pero sin abandonar nunca los aires de escalofriante extrañeza que el director griego lleva proponiendo desde los tiempos de Canino. Se confirma el talento de Barry Keoghan para los matices oscuros en sus interpretaciones y Lanthimos asienta definitivamente su trono como creador capaz de combinar perfectamente lo desasosegante y lo comercial. ‘NOVEMBER’ [1]

A estas alturas, es complicado encontrar películas que planteen un universo fantástico propio y con un lenguaje personal. November lo consigue con una mezcla única de leyendas del norte de Europa, una buena dosis de crítica a la cancerígena influencia del cristianismo en la destrucción de las creencias locales y un romanticismo oscuro y sin adulterar. El resultado no es exactamente La bruja de este año, sino una reflexión acerca del alcance atávico del folclore.

4

5

“LA COMEDIA ROMÁNTICA MÁS AUTÉNTICA EN AÑOS” Ethan Anderton, /Film

NOVIEMBRE

DE JUDD APATOW PRODUCTOR DE LA BODA DE MI MEJOR AMIGA

DE

NOE SVTIREE NMOBE NRE CINES

(THE BIG SICK) UNA HISTORIA REAL INESPERADA.

IMPRESO EN SANGRE La cosa recibe el tratamiento de gala de Printed In Blood (colaboran casi un centenar de artistas), un colectivo de cinéfilos locos por el cine de género. En su página se cruzan Alien, Regreso al futuro, Halloween o Depredador en una marea de carteles, pins y juguetes pensados para volver loco a cualquier fan… y a muchos otros que nunca lo fueron.

El monstruo que pudiste ser UN LIBRO HOMENAJEA A ‘LA COSA’, EL CLÁSICO OCHENTERO SOBRE UN ALIENÍGENA QUE DESPIERTA DE MUY MALAS PULGAS EN LA ANTÁRTIDA PRINTED IN BLOOD es uno de esos proyectos

surgidos a la sombra del séptimo arte y dedicados a reinterpretar los parámetros artísticos del mismo. Lo más interesante de este impulso multiartístico es su inclinación a versionar (en carteles y demás merchandising de calidad) clásicos de la ciencia-ficción y el terror. Su proyecto más ambicioso hasta la fecha es un libro sobre la legendaria La cosa, la obra maestra de John Carpenter que se estrenó en 1982 y se convirtió en una obra de culto cuando apareció en VHS. En sus páginas, artistas de todo el mundo reinterpretan el universo de la película, la mejor monster movie de la historia, con profusión de sangre, perros de nieve y un bicho que surge del lugar más inesperado, en un volumen editado a todo lujo y que puede comprarse –por ejemplo– en su web por 40 euros. printedinblood.com  

Toni García

M R A H C KE RE D ©

40 • N OVI E MB R E 20 1 7 •

LA VENTANA INDISCRETA

A LB E RT WAT SO N . K AO S .

Taschen publica esta edición coleccionista limitada a un total de 1.200 copias numeradas y firmadas por Albert Watson. Tapa dura en un estuche forrado con imitación de piel de chimpancé, 37, 2 x 50 cm, 408 páginas. 1250 euros.

Un verdadero maestro LAS INSTANTÁNEAS DE ALBERT WATSON EN UNA EDICIÓN COLECCIONISTA CIEGO DE UN OJO, el escocés Albert Watson trabajaba como profesor de primaria en EE UU cuando empezó a hacer fotografías como hobby. Poco después, comenzó a recibir encargos de publicaciones como Mademoiselle, GQ o Harper´s Bazaar, para quien fotografió a Alfred Hitchcock en compañía de un coqueto ganso. Clint Eastwood, Johhny Deep, Sean Penn, Sean Connery, Uma Thurman o Jack Nicholson [en la foto, pasando un poco de frío] fueron otras de las estrellas del séptimo arte que se dejaron seducir por la cámara de Watson y cuyos retratos recoge ahora Taschen en esta edición coleccionista. A. G. B.

• N OVI EM BRE 201 7 • 41

ESTRENOS POSIBLEMENTE LAS MEJORES CRÍTICAS DEL MUNDO

Joaquin Phoenix te reta a un duelo de martillos, Thor.

EN REALIDAD, NUNCA ESTUVISTE AQUÍ

Lynne Ramsay deja claro que su pulso tiembla igual con la violencia implícita y la explícita: nada

E S TR ENO 2 4 DE NOV I EMB R E [You Were Never Really Here] RU, EE UU / 2017 / 85 min. / Caramel Dir.: Lynne Ramsay Rep.: Joaquin Phoenix, Ekaterina Samsonov, Judith Roberts

UN MAPA DE CICATRICES, extendido sobre el lienzo anatómico de tu cuerpo, equivale al más personal de los diarios posibles que se pueden llevar sobre nuestras vivencias. Y, si la experiencia es la memoria más la herida que nos deja (eso creo que decía Calvino), la topografía de tejido fibrilar que mostramos al exterior bien puede reflejar los desgarros que se nos van acumulando por dentro. El cine de Lynne Ramsay está especializado justo en eso. Cortes físicos y roturas emocionales se ordenan hasta formar un retrato (incompleto) de sus personajes atormentados, aislados en burbujas solipsistas de difícil acceso a no ser que estallen al chocar contra el punzante mundo externo. La infancia perdida en Glasgow del pequeño protagonista de Ratcatcher (1999), el indescriptible trauma personal que engullía Samantha Morton en la soberbia Morvern Callar (2002) o la crisis de sentimiento maternal de Tilda Swinton en Tenemos que hablar de Kevin (2011) apuntaban la transformación del poder expresivo de un cuerpo en ebullición que Joaquin Phoenix termina de coronar en En realidad, nunca estuviste aquí. El actor se entrega a un recital de torsiones, convulsiones, ahogos y autolaceraciones que, unidos a la nitidez con la que la cámara de Ramsay ausculta las cicatrices de su torso de veterano de guerra, ofrecen una percepción carnal de su torturada psique mucho más elocuente que cualquier flashback narrativo. La escocesa suele tomar como base textos literarios porque es una cineasta que sabe perfectamente cómo traducir la pulpa del medio escrito al audiovisual utilizando sus herramientas propias. Las adaptaciones de Ramsay siempre son libres y personales; su visión de esta novela corta de Jonathan Ames se despoja de la mayor parte de la carga argumental (quédate con lo esencial: 42 • N OV I EM BR E 2 0 1 7 •

Phoenix es Joe, un justiciero a sueldo que se pone a desarticular a martillazos una red de tráfico sexual) para centrarse en ese bigardo tambaleante que llena prácticamente cada plano. Normal que Cannes premiara tanto la actuación de Phoenix como el guion de Ramsay, aunque la Palma de Oro no habría estado mal. La línea argumental tiene trayectoria recta y corta, como la bala de un disparo a bocajarro: igual que tantos antihéroes noir, Joe será traicionado y tomará las riendas de una venganza personal con paso de caballero andante. Ahí la densidad de referencias temáticas y tonales es constante (de una fragmentación del clímax de Taxi Driver a una escena subacuática reminiscente de La noche del cazador, el modelo de todo cuento siniestro), pero asimiladas y reformuladas. Aunque el arma de Joe sea un martillo, no vemos su uso como Park Chan-wook o NWR querrían. La directora une los golpes a la violencia implícita en cada corte de plano (repite con Joe Bini al montaje) y deja estáticas las imágenes más explícitas mientras la acción se desborda entre las cesuras como las consecuencias de nuestros actos: más deprisa de lo deseado. El potentísimo score de Jonny Greenwood acompaña a un Joe cada vez más demacrado que, a cambio de ver arrebatada su última oportunidad de redención, obtiene la máxima aspiración para un personaje de Ramsay: vivir un día hermoso. DANIEL DE PARTEARROYO VEREDICTO Lynne Ramsay y Joaquin Phoenix golpean los resortes más oscuros para sacar un thriller bruto, inteligente y con estilo visual a martillazo limpio.

LA VENGANZA NO ES MÍA 52 %

TA XI DRIVER

43 %

EL FUEGO DE LA VENGANZA OLDBOY

5%

Anya Taylor-Joy, granjera busca bruja. “¿Joaquin Phoenix? ¿Es de DC?”.

THOR: RAGNAROK

Las expectativas se cumplen (casi del todo): esta es la mejor película del Chris Hemsworth con martillo ES TR EN O 2 7 DE OC T UB R E EE UU / 2017 / 130 min. / Disney / Dir.: Taika Waititi Rep.: Chris Hemsworth, Mark Ruffalo, Tom Hiddleston, Mark Ruffalo, Cate Blanchett, Anthony Hopkins

DE ENTRE TODAS LAS RAZONES por las que daba rabia ver a Thor convertido en vagón de cola del Universo Marvel, la más incordiante era la cantidad de oportunidades desaprovechadas que ofrecían sus cómics. Aunque tan irregulares como es habitual en el formato, las aventuras dibujadas del hijo de Odín han rebosado de hallazgos, sobre todo cuando las escribió y dibujó Walt Simonson: cuatro años de tebeos en los que convivieron la erudición y el fino cachondeo, las ranas de Central Park y los versos escáldicos, y que ni un Kenneth Branagh más perdido que el barco del arroz ni un Alan Taylor maniatado hicieron justicia (el segundo, al menos, lo intentó). Pero hete aquí que surgió el milagro, y el milagro se llamó Guardianes de la galaxia. Merced a dicho portento, el caudillo Kevin Feige coligió que la solución para rentabilizar a Chris Hemsworth y a su martillo podía estar en el humor autoparódico, combinado con el conocimiento y el disfrute de las viñetas originales. Así pues, la elección de Taika Waititi como director de Thor: Ragnarok parecía ideal: en sus obras anteriores (especialmente, Lo que hacemos en las sombras) este cineasta demostró que podía hilar gags mientras dispensaba guiños para connoisseurs sin patinar y, lo más importante, sin espantar a los no iniciados. Ahora, quienes se pregunten si ese enfoque ha sobrevivido a la trituradora industrial de Marvel tienen una respuesta: Waititi sale bien librado… casi siempre. Para empezar, Thor: Ragnarok se beneficia de un riguroso ayuno de CGI. Si bien la película no destierra los píxeles, sí los raciona lo suficiente como para que su reparto no muestre esa carita de lástima que se les queda a los actores cuando pasan muchas horas frente a una pantalla verde. Debido a ello, algunos rostros

de la franquicia aparecen más desinhibidos que nunca. Hablamos de los habituales Hemsworth, Tom Hiddleston y Mark Ruffalo, así como de un Jeff Goldblum de boatiné, pero, sobre todo, de un Anthony Hopkins que se marca en breves minutos un ‘para lo que me queda en el convento’ de manual. Y aquí llegamos a lo que duele: mientras ofrece caramelos a algunos de sus protagonistas (el viacrucis de Ruffalo entre máscaras de Hulk es maravilloso) y dispensa collejas hilarantes (Natalie Portman también recibe, bien sûr), la cinta deja que los talentos de Cate Blanchett y de Karl Urban se le escapen de entre los dedos. Porque, si bien la australiana solo tiene que poner morritos y musitar “Oh, darling…” para arrasar, su paisano habría necesitado tiempo y buenos diálogos, cosas ambas de las que carece. Algunas comedias irritan por pasarse de listas. Otras, como esta, por no ser tan listas como deberían. Thor: Ragnarok es la mejor entrega de su serial, pero uno ignora si no llegó a ser una gran película (a secas) debido a sus firmantes o a esa presencia ominosa que anida en ciertas salas de montaje. Sospechamos que se trata de lo segundo. Aun así, nos quedan su uso del color, sus desacomplejados platós de plastiquillo y su forma de cachondearse de los tópicos del estudio, de la presión de los fans y de las trampas de la fama. Eso ya es algo. YAGO GARCÍA VEREDICTO Thor y Taika Waititi rozan las puertas del Valhalla, pero no llegan a

cruzarlas. ¿Habrá más oportunidades para una Marvel ‘de autor’?

RISOTADAS VIKINGAS GUARDIANES DE LA GALAXIA LO QUE HACEMOS EN L AS SOMBR AS RICK Y MORT Y

50% 30% 20%

• NOVIE M BRE 20 1 7 • 43

LA GRAN ENFERMEDAD DEL AMOR ESTRENO 3 DE NOVIEMBRE [The Big Sick] / 2017 / 119 min. / Caramel / Dir.: Michael Showalter Rep.: Kumail Nanjiani, Zoe Kazan, Holly Hunter, Ray Romano, Linda Emond, Vella Lovell

Si el amor no es fácil, ¿por qué iba a serlo la comedia romántica? Pero, qué duda cabe, así ha sido desde que Shakespeare inmortalizó el género entre ruido y pocas nueces: un amor que fluctuaba en tres actos perfectamente estructurados, su nudo, desarrollo y desenlace de enamoramiento, pérdida y perdices. Los tiempos ya no son los mismos y, aunque casi siempre es para mal, este caso puede suponer una excepción. La gran enfermedad del amor y otras comedias románticas del siglo XXI –muchas de ellas protagonizadas por Zoe Kazan– abrazan y reflejan ese mundo cada vez más complejo en el que vivimos, incluido, por supuesto, el universo sentimental. Siguiendo la estela de Woody Allen o Aziz Ansari (Master of None), el pakistaní Kumail Nanjiani hace humor de sus orígenes, de su religión y hasta de sus cuitas amorosas, pues todo lo que cuenta aquí

ocurrió en realidad. En La gran enfermedad del amor es un conductor de Uber que sueña con triunfar haciendo stand-up comedy –¿hay algo más millennial?– mientras se enamora de una chica absolutamente WASP (Zoe Kazan), poniendo patas arriba los planes de sus padres para casarlo por conveniencia. En ese estado de cosas, la novia WASP cae enferma y se la somete a un coma inducido, lo que incluye en la ecuación a los padres de ella: profesores universitarios, progres, liberales y lo suficientemente cabreados con el tipo que ha dejado a su hija para que surja la comedia. Al son de Vampire Weekend y siendo irresistiblemente encantadora, La gran enfermedad del amor prescinde de cualquier estructura clásica –la pareja lo deja en el primer acto, él se enamora de ella fuera de campo–, bordea los límites del drama –lleven kleenex encima– y no aporta ninguna de las tranquilizadoras certezas de la comedia romántica tradicional. Porque, para qué seguir negándolo, el amor es de todo menos fácil. ANDREA G. BERMEJO

VEREDICTO La comedia romántica se hace realista. Nanjiani sigue la estela de Woody Allen pero con Vampire Weekend en vez de estándares de jazz.

LA BATALLA DE LOS SEXOS ESTRENO 3 DE NOVIEMBRE

[Battle of the Sexes] EE UU / 2017 121 min. / Fox / Dir.: J. Dayton, V. Faris Rep.: Emma Stone, Steve Carell

Hace solo unos meses, John McEnroe aseguró que si Serena Williams (¡ganadora de 23 Grand Slam!) jugara contra hombres, sería la número 700 del mundo. En 1973, otro extenista, Bobby Riggs, retó a sus 55 años a Billie Jean King, ganadora de cinco títulos de Wimbledon y defensora acérrima de los derechos de la mujer, convencido de que podría con cualquier fémina con raqueta. La batalla de los sexos protagonizada por King y Riggs llega ahora a la gran pantalla aterradoramente vigente. Quitemos las redes, apartemos las pelotas y podríamos estar presenciando la campaña electoral norteamericana

y los “Si Hillary no puede satisfacer a su marido, ¿cómo pretende satisfacer a EE UU?” de Donald Trump. Emma Stone, escondiendo su desparpajo natural tras las gafas de una heroína en zapatillas, que lucha por su libertad como tenista pero también como mujer, nos regala su mejor inerpretación hasta el momento. Steve Carell es el contrapunto cómico, un bufón apellidado Riggs qu e odio, incluso cuando, jugando al tenis vestido de pastorcita, se ríe del ‘sexo débil’. En 1973, King, estandarte del feminismo, se impusó a Riggs y acalló a los carcas de la ATP (“Las mujeres no saben lidiar con la presión”). Ahora, en la era de los McEnroe y los Trump, Dayton y Faris reivindican aquel mensaje con una comedia tan certera como un ace. JANIRE ZURBANO

VEREDICTO Reivindicación de la mujer a raquetazos, con una Stone de Oscar.

44 • N OV I EM BR E 2 0 1 7 •

“Lo desconocido nos pone cachondos”

EL AUTOR ESTRENO 17 DE NOVIEMBRE

España / 2017 / 117 min. / Filmax Dir.: Manuel Martín Cuenca Rep.: Javier Gutiérrez, Antonio de la Torre

Inteligente, atrevida y rara. Un poco como su director, que vuelve a desprenderse de la zona de confort de su anterior filme (Caníbal) para adentrarse en los resbaladizos territorios de lo tragicómico, tan enraizado en su propio oficio de creador artístico. Porque en El autor, tan manipulador y pelele resulta el protagonista Álvaro (portentoso Javier Gutiérrez) como los secundarios María León y Antonio de la Torre, en sus improbables papeles de escritora de éxito y profesor de literatura, respectivamente. Pero no está ahí el meollo de lo último de Martín Cuenca, sino en las (metafóricamente hablando) caníbales relaciones de proximi-

dad que el vapuleado aprendiz de escritor va desarrollando con su nuevo vecindario: la joven pareja de inmigrantes a la que espía (de nuevo el patio interior como espacio para la expresividad dramática y estética, para el juego de sombras chinescas de Pau Esteve Birba), el abuelo solitario y facha, y la portera, sobre todo, la portera, encarnada por una Adelfa Calvo que en sus apariciones reparte sopas con honda a tantas secuencias sublimadas (por el efecto cómico de su austeridad) de exóticos cineastas asiáticos y latinoamericanos. Bien es cierto que la ambición narrativa y los resbaladizos registros restan fuelle dramático al conjunto, pero lo que prevalece es el retrato de un perdedor que mira de tú a tú a victoriosos como los de Match Point o El juego de Hollywood. SERGIO FERNÁNDEZ PINILLA

VEREDICTO “En la casa” de Martín Cuenca reinan el ingenio y la mala baba.

THE SQUARE ESTRENO 10 DE NOVIEMBRE Suecia / 2017 / 142 min. / Avalon / Dir.: Ruben Östlund Rep.: Claes Bang, Elisabeth Moss, Dominic West, Terry Notary, Christopher Læssø, Marina Schiptjenko

A lo largo de la última década y especialmente gracias a la que sigue siendo su mejor película, Fuerza mayor (2014), el sueco Ruben Östlund se ha confirmado como uno de los más afilados observadores del comportamiento social humano, las miserias y prejuicios ocultos de la progresía y, sobre todo, las contradicciones que anidan en la idea misma de masculinidad. También The Square incide en todo eso, mientras acompaña al comisario de un museo de arte moderno de Estocolmo en su ineludible descenso al infierno. Para ello se estructura menos a la manera de una narración al uso que como una sucesión de viñetas. Algunas de ellas son excelentes, en particular las que lanzan pullas al mundo petulante e impostado de los museos. Cierto que pocos ámbitos se prestan tanto al escarnio facilón como el arte contemporáneo, pero a decir verdad la película fi-

ja su mirada asesina también sobre asuntos como las desigualdades endémicas en el seno de la sociedad occidental y cómo nuestro deseo de hacer lo correcto se ve aplastado por nuestra cobarde tendencia a esconder la cabeza entre la horda. En el proceso, Östlund vuelve a exhibir maneras similares a las de Michael Haneke, aunque Haneke probablemente no haya contado un chiste en su vida y él, en cambio, vuelve a mostrarse como un preciso suministrador del tipo de humor que provoca risas nerviosas. Lamentar que una película incluya demasiadas ideas puede resultar chocante, pero es que The Square dura 140 minutos y no todas las que acumula son igual de buenas; Östlund es más efectivo poniendo el ojo crítico sobre nosotros que sobre sí mismo. Antes de que ganara la Palma de Oro muchos dieron por hecho que la película perdería parte de su metraje de cara a su estreno comercial, y es una pena que eso no haya acabado sucediendo. El cine actual no va sobrado de obras maestras. NANDO SALVÁ

VEREDICTO Abarca más de lo que aprieta, pero su sátira es casi siempre hilarante. Especialmente, la que se refiere al petulante mundo del arte contemporáneo.

NUESTRA VIDA EN LA BORGOÑA ESTRENO 27 DE OCTUBRE

[Ce qui nous lie ] Francia / 2017 / 113 min. / Avalon / Dir.: Cédric Klapisch Rep.: Pio Marmaï, Ana Girardot

La principal característica que une a los personajes del cine de Cédric Klapisch es el proceso de autodescubrimiento que viven en pantalla. Basta con echar un vistazo a la trilogía que comenzó con Una casa de locos, en la que el estudiante de erasmus francés terminaba por ser un padre de familia en Nueva York, o Ni a favor ni en contra (sino todo lo contrario), donde una cámara de informativos se convertía en atracadora. El protagonista de su nuevo filme es además un hijo pródigo, parábola retratada en pantalla hasta la saciedad. Al enterarse de la inminente muerte de su padre, Jean regresa a un hogar que abandonó

10 años antes, huyendo de la presión paternal. Allí lo esperan sus hermanos, Juliette y Jérémie, y el negocio familiar: un viñedo. Klapisch moldea una película amable sobre las dinámicas familiares, abrazando intencionadamente todos los clichés del género: el padre autoritario, la huida del primogénito, el reencuentro, la consabida herencia, la simbiosis entre pasado y presente en ese hijo (ahora también padre) que se reconcilia con su yo adolescente... Sin embargo, ni el acertado elenco ni el empaque visual casi documental de la cosecha de las uvas y la producción del vino consiguen hacer de esta película y su previsible guion un filme que perdure en tu memoria. Es decir, hacer del hijo pródigo de Nuestra vida en la Borgoña el de Big Fish o La boda de Rachel. J. Z.

VEREDICTO Un drama familiar amable, pero condenado al olvido al salir del cine.

MEDIDAS EXTREMAS ESTRENO 17 DE NOVIEMBRE

[Ei∂urinn] / 2016 / 103 min. A Contracorriente / Dir.: Baltasar Kormákur Rep.: B. Kormákur, H. Hilmar

El estallido violento de un padre dispuesto a salvar o vengar a una hija (siempre a una hija, qué cosas) tiene una larga tradición en el cine. Charles Bronson, por ejemplo, le debió a dicho arquetipo una entrega de Yo soy la justicia, y Liam Neeson, nada menos que Venganza. Ahora le toca abordarla al actor y director Baltasar Kormákur, encarnando a un cirujano dispuesto a tirar de denuncias falsas, de posta lobera o de lo que haga falta para librarse de ese yerno surgido del infierno que le está corrompiendo a la niña. Aunque, tras unos minutos de Medidas extremas, queda claro que la niña en cuestión se basta ella solita para corromperse.

Como prueba su filmografía, Kormákur trabaja mucho mejor en su Islandia nativa (Reykiavik-Rotterdam, Las marismas) que fuera de ella (Contraband, 2 Guns). Por ello, uno se queda tranquilo al ver que el paisaje de esta cinta es tan árido como las relaciones entre sus personajes, y tan glacial como su desarrollo. Su protagonista no tiene una serie muy concreta de habilidades, más allá de las usadas en el quirófano, y el guion se guarda muy mucho de justificar sus actos pasado el sofoco inicial. Sumando a esto detalles que provocarán algún patatús que otro (¡música trap en islandés!) Medidas extremas no hará historia del thriller, pero sí queda como un nuevo vistazo de su autor al lado oscuro de un país que insiste, a veces, en autoproclamarse como un pináculo de la civilización. YAGO GARCÍA

VEREDICTO La última película de este mundo que querrías ir a ver con tu suegro.

• NOVIE M BRE 20 1 7 • 45

MICHEL FR ANCO

LAS HIJAS DE ABRIL EN CARTEL México / 2016 / 103 min. / Surtsey / Dir.: Michel Franco Rep.: Emma Suárez, Ana Valeria Becerril, Enrique Arrizon

Asentado en un cierto cine del dolor, que es a la vez despojado y reflejo de despojos humanos; señalado en fluorescente por Cannes y miembro de una terna de mexicanos (junto a Carlos Reygadas y Amat Escalante) que han puesto patas arriba el cine de autor desde Latinoamérica (aunque con vocación universal festivalera), Michel Franco regresa a su país tras su paso por las afueras del cine indie norteamericano con Chronic, una vez vista su eclosión con Después de Lucía, santo y seña de su forma de entender el cine. Posicionado contra el impacto sentimental de las historias, cargado de razón en el manejo redentor de su cámara y siempre rayano a una provo-

cación tramposa (algo que le granjea cierta oposición cinéfila) de perfil bajo, Franco construye un extraordinario personaje para Emma Suárez (en su momento de gracia plena interpretativa: nunca ha estado más convincente que estos dos últimos años de cine) gracias al limbo moral en el que se atreve a mantenerla todo el tiempo. Sorteando lo evidente, llevándose a la soleada Puerto Vallarta el contraste de sol y oscuridades íntimas, este director consigue lo aparentemente imposible: ahogar emociones para meter intensidad al terremoto interior que viven dos hermanas y su madre ante la llegada de un bebé que cincela esa saga de mujeres sin refugio. Una niña que desenmascara el egoísmo y llora por su supervivencia entre el desconcierto. CARLOS MARAÑÓN

[Sando-me no satsujin] Japón / 2017 124 min. / Golem / Dir.: H. Koreeda Rep.: Masaharu Fukuyama, Koji Yakusho

La mentira de la justicia. La paradoja, asumida por todo abogado, de que lo último que importa en un juicio es si el acusado dice la verdad tuvo que causar estragos en la mente recta y cumplidora de un japonés como Hirokazu Koreeda. De ahí, tal vez, que le dedicase su película número 12 a un proceso judicial. El tercer asesinato, thriller circunstancial, es la historia de un abogado defensor (Masaharu Fukuyama) que, buscando estrategias mentirosas para liberar a su cliente, un asesino reincidente que mató a palos a su jefe en plena calle (Kôji Yakusho), descubre sin querer la verdad del caso. Es decir, cuanto más se empeña el

borda un contundente personaje en el limbo moral de Michel Franco.

acusado en demostrar su culpabilidad más inocente es ante los ojos del abogado. Esta vuelta de tuerca no es la única seña de identidad en El tercer asesinato del maestro japonés. Con menos presencia que en otros títulos, la familia sigue jugando un papel primordial –abogado y cliente comparten relaciones complicadas con sus hijas, la sombra de la mala paternidad sobrevuela el caso…–, así como los imponentes paisajes nipones –en este caso, la recóndita región de Hokkaidō– y las delicias gastronómicas que la secretaria obsequia a los letrados. Es cierto, el conjunto no es tan suculento como títulos recientes de Koreeda (Nuestra hermana pequeña o Después de la tormenta), pero cumple los estándares de la mejor cocina japonesa. ANDREA G. BERMEJO

VEREDICTO Tiento al thriller de Koreeda y a la recóndita región de Hokkaidō.

46 • N OV I EM BR E 2 0 1 7 •

El éxito internacional de Después de Lucía vino seguido de su salto a EE UU con Chronic, y entonces todo el mundo empezó a preguntarle al director mexicano Michel Franco si se quedaría en México o tiraría para Hollywood. “Y, definitivamente, donde prefiero hacer más cine es en mi país –aunque eso no quiere decir que no filme en EE UU, donde tengo otros proyectos con Tim Roth–”, explicaba el pasado mayo en el Festival de Cannes. Por eso decidió situar su siguiente filme, Las hijas de Abril en México, en concreto en Puerto Vallarta donde viven Valeria, embarazada, y su hermana Clara, aunque quiso mantener un personaje extranjero: la madre, Abril. “Iba a ser una conocida actriz americana, pero luego pensé que quería que hablara español. ¿Y quién es la mejor actriz en español? Emma Suárez, sin duda”. I. C.

VEREDICTO Tres mujeres y un biberón despojado. Emma Suárez

LA LIBRERÍA

EL TERCER ASESINATO ESTRENO 27 DE OCTUBRE

“¿Quién es la mejor actriz que hable español? Emma Suárez”

ESTRENO 10 DE NOVIEMBRE

[The Bookshop] España, RU / 2017 A Contracorriente / Dir.: I. Coixet Rep.: E. Mortimer, P. Clarkson, Bill Nighy

Cimentada en un modelo de cine transfronterizo, la trayectoria de Isabel Coixet como cineasta es algo escurridiza y tal vez sean los personajes femeninos portentosos el denominador común que une películas tan distintas como Mi vida sin mí (2003), Mi otro yo (2013) y Nadie quiere la noche (2015). A esa nómina de mujeres repletas de coraje se suma Florence Green, la protagonista de La librería –el salto a la gran pantalla de la novela con la que Penelope Fitzgerald se quedó a las puertas del Booker en 1978– y personaje que encuentra en el cuerpo delicado y aparentemente vulnerable de Emily Mortimer la mejor encarnación

posible. Green es educada, solícita e intachable, pero, o más bien por ello, está decidida a sacar adelante su sueño de tener una librería en el pueblo donde vive, a pesar de la oposición frontal de su némesis, Violet Gamar (finísima Patricia Clarkson), una aristócrata que se ha encaprichado del local donde Green ha abierto su negocio. Un David contra Goliat en toda regla pero trasladado a un decorado repleto de estampados preppy, cubiertas de Penguin Books y modales de instituto británico. Hay en La librería, de hecho, giros que recuerdan al estilo Wes Anderson (sobre todo en el cruce de misivas entre Green y el personaje que interpreta Bill Nighy, Edmund Brundish) y aunque son recursos eficaces y estimables, señalan el indefinido estilo del cine de la catalana. PAULA ARANTZAZU RUIZ

VEREDICTO Libros cuquis, tazas de té y una mujer contra el sistema.

SPOOR (EL RASTRO) ESTRENO 10 DE NOVIEMBRE

[Pokot] Polonia / 2015 / 128 min. Festival / Dir.: Agnieszka Holland Rep.: A. Mandat-Grabka, W. Zborowski

La intensísima, en forma y fondo, carrera de Agnieszka Holland ha oscilado entre los dos extremos de esa combinación entre sentido común y locura (eso que la lengua catalana tan bien designa como el seny i la rauxa) que define al ser humano. Ninguneada tantas veces, por sexismo y por elegir un estilo donde prima lo narrativo sobre lo conceptual, siempre más atenta al Oscar que a la Palma de Oro, Holland ha sido una mujer volcada en su profesión desde los 70, represaliada en Polonia en los 80, internacionalmente reconocida a partir de los 90 y pionera dirigiendo series de calidad (The

Wire, The Killing, Treme, House of Cards) ya en el siglo XXI; una cineasta que hoy sigue empeñada en ampliar sus horizontes. Holocausto, religión e intimidad del creador son los escenarios predilectos de una directora que nunca perdió el contacto con su tierra, igual que nunca dijo no a enfrentarse a proyectos en cualquier parte del mundo. Ahora tira de ecologismo (y del zodíaco) para zurrarle a la carcundia de su país. Para ello elige a una mujer valiente (gran Agnieszka Mandat-Grabka), que se enfrenta a todo y a todos en un thriller de aire nórdico pero marcado por los iconos polacos. Holland la convierte en su álter ego y lleva al extremo el subgénero del crimen rural para dejarnos helados con un pinturero paralelismo hacia su cine: al final gana la rauxa. C. M.

VEREDICTO Holland agita un thriller de aires nórdicos para zurrarle a la caverna polaca.

LOS NADIE ESTRENO 17 DE NOVIEMBRE

Colombia / 2016 / 84 min. / El Sur Dir.: Juan Sebastián Mesa Rep.: Esteban Alcaraz, Maria Camila Castrillón

En un momento íntimo de Los nadie, una adolescente de pelo decolorado lee el poema de Martha Medeiros Muere lentamente – “... Muere lentamente quien no cambia de vida cuando está / Insatisfecho con su trabajo o su amor, / Quien no arriesga lo seguro por lo incierto / Para ir detrás de un sueño…”–, en lo que a todas luces es una declaración de intenciones de su director, Juan Sebastián Mesa. Los nadie se autoproclama película punk, pero más bien parece una nueva variación del espíritu de Kerouac, que invitaba, precisamente, a apropiarse de los medios de producción creativa y salir a la carre-

VEREDICTO Más allá de Narcos: Los nadie muestra el alma punk de Colombia.

EL SISTEMA SOLAR

DEEP ESTRENO 3 DE NOVIEMBRE

España / 2017 / 92 min. / TriPictures Dir.: Julio Soto Gurpide Rep.: Animación

Con el distintivo de “Especialmente recomendada para la infancia” se estrena esta animación 3D que tiene como protagonista a un pequeño pulpo que, con aletas en forma de orejas, recuerda vagamente a Dumbo. Ambientada en las profundidades abisales, en un futuro catastrófico en el que los humanos han abandonado la Tierra y las aguas de los océanos han cubierto las ciudades, la película cuenta la odisea de Deep (el pulpito) y sus amigos (un pez-linterna, una gamba y una morena que, como Gollum, tiene doble personalidad) a la hora de regresar a casa y rescatar a todos los habitantes de una fosa marina, que han quedado atrapa-

dos tras la última trastada de Deep. Dirigida con mucha solvencia por el animador Julio Soto Gúrpide (ex DreamWorks) la película tiene el nítido propósito de entretener a los más pequeños y compadrear con los mayores a través de guiños o referencias a títulos universales como Titanic, West Side Story, Buscando a Nemo o Moby Dick. Es una explosión de luz de color en la que las aventuras se suceden vertiginosamente, al discotequero ritmo del “que no decaiga”, sin lugar apenas para esas transiciones (tan caras a Disney y Pixar) que permiten al espectador encariñarse con los personajes. Pero esto es hablar de un guion que, pese a sus hallazgos (el arca espacial, el mensaje ecológico de respeto a los océanos), no trasluce el esmero que contiene el resto de la propuesta. SERGIO FERNÁNDEZ PINILLA

VEREDICTO Aventuras submarinas para los peques y los clubbers con hijos.

tera. Eso mismo hace Mesa, que, tomando como punto de partida Medellín, filma el viaje sin destino de cinco amigos con el objetivo de enseñarnos las contradicciones de una metrópoli marcada por la violencia y que al tiempo rezuma pasión y diversidad. La urgencia con la que fue rodada es uno de los puntos fuertes de un trabajo que consigue extraer de sus protagonistas unas interpretaciones vívidas y honestas. Sus anhelos, filmados en un blanco y negro de alto contraste, aparecen en pantalla de manera frontal, mientras que el violento contexto está retratado de forma indirecta, como si al situarlo fuera de plano Mesa tratara de que esa pulsión de muerte –narcotráfico, sicarios, guerrilla– de una vez por todas no forme parte de su generación. Ni de las venideras. P. A. R.

El sistema solar viene a integrarse dentro de una caudalosa tradición de retratos de familias disfuncionales cuyo punto de ebullición suele coincidir con las fiestas navideñas. “Los planetas son la única preocu- Los meteoritos que impactan en la reunión de los Del Solar tienen la pación que gira alrededor de más forma del frágil estado psicológico de un investigador”, cantaron en de la hija cantante (Gisela Ponce su momento La Buena Vida. Así le gustaría vivir a Puli, el benjamín de León) y la aparición del patriarca ( Javier Valdés) acompañado por de la familia Del Solar. Desearía su joven novia (Adriana Ugarte), poder estar solo pendiente de los astros, los cuerpos celestes y las in- que antes fue pareja de su hijo (César Ritter). No se puede negar sondables maravillas que ofrece el universo más allá de las trifulcas de que el cóctel sea interesante, pero ni se acerca a catedrales del enredo su mayores. Pero la fuerza de gravedad de la desintegración familiar navideño-familiar como Un cuento de Navidad (2008), de Arnaud es más potente y, como esto no es un relato de Salinger sino la adap- Desplechin. En lo que a la puesta en escena se refiere, Caravedo e tación de una exitosa obra teatral Higashionna dejan todo el espacio de Mariana de Althaus, el menor inteligente y perspicaz está atrapa- a sus intérpretes, aunque en ningún do a la merced de los exabruptos momento hay riesgo de eclipse. que se lanzan los adultos. DANIEL DE PARTEARROYO ESTRENO 3 DE NOVIEMBRE

Perú / 2017 / 95 min. / Filmax Dir.: B. Caravedo, C. Higashionna Rep.: A. Ugarte, G. Ponde de León, C. Ritter

VEREDICTO Esperpento dramático-familiar para descorchar la temporada navideña. • NOVIE M BRE 20 1 7 • 47

THE MEYEROWITZ STORIES EN NETFLIX

EE UU / 2017 / 110 min. / Netflix / Dir.: Noah Baumbach Rep.: Ben Stiller, Adam Sandler, Emma Thompson, Dustin Hoffman, Adam Driver, Grace Van Patten

Embriagado de amor (o, mejor, Punch-Drunk Love) cumple estos días 15 años. Una alegre coincidencia con el estreno de The Meyerowitz Stories (en EE UU en salas y Netflix, en España solo en Netflix) para recordarnos que el registro de Adam Sandler va mucho más allá de ese infantilismo cómico que le ha dado el éxito pero también ha divido ardientemente a su audiencia entre fans y haters. Para los fans de aquel Embriagado de amor (también incluimos aquí Hazme reír) y que aborrecen sus Happy Gilmore, The Meyerowitz Stories es una nueva oportunidad de ver las capacidades de Sandler cuando cuenta con una buena historia y dispone de un director que sepa por dónde llevarlo. También cuando tiene a su lado un reparto que se mueve en ese ritmo perfecto de diálogos naturales aunque altamente ensayados tan característico ya de Noah Baumbach.

Tiene sentido que sea un papel perfecto para Sandler, porque Baumbach, un miniaturista de personajes, lo escribió para él y le buscó un antagonista y hermano ficticio ideal, Ben Stiller. La relación herida y recriminatoria de estos dos hermanos es el motor de la película (cada vez más woodyallenizada, pero también más Baumbach) que solo se entiende por la presencia de un padre que ha volcado todas sus ambiciones de escultor frustrado (Dustin Hoffman) en esos dos hijos, olvidándose por completo de su hija. Si, en dos de sus últimas películas más celebradas, Baumbach se había adentrado en el universo femenino, aquí (sin Greta Gerwig a su lado) vuelve al lado masculino de la vida para indagar no solo en las relaciones, a menudo nada sinceras, entre los hombres, sino también en sus relaciones insatisfactorias y egoístas con el éxito. Por eso las mujeres de la historia, las más cuerdas, desde los márgenes son también las más interesantes. IRENE CRESPO VEREDICTO El mejor Adam Sandler en un mundo woodyallenesco, pero a la vez

tremendamente Baumbach.

THE CRUCIFIXION

MUSA ESTRENO 10 DE NOVIEMBRE

España / 2017 / 107 min. / Filmax Dir.: Jaume Balagueró Rep.: Elliot Cowan, Franka Potente, Ana Ularu

Musa es una continuación apócrifa de Los sin nombre, Darkness, Frágiles y Mientras duermes. Jaume Balagueró parece estar aprisionado entre las paredes de sus propias películas, todas ellas parecen ser la misma, con elementos sugestivos sin duda, narradas con buen pulso y oficio solvente, con motivos argumentales nuevos, claro, pero ancladas siempre en el mismo propósito fílmico: una exploración y explicación de los variados orígenes del mal, del terror, de la maldición... Lo que en la saga [REC] es siempre una hábil puesta en escena y ejercicio maduro sobre el género, en sus

‘otras’ películas –repito, siempre dentro de un estándar de calidad innegable– cuesta hallar calado más allá del esqueleto. El peso del pasado, lo oculto detrás de una foto, un edificio abandonado, etc. es siempre en Balagueró un universo de inagotable creatividad, de retruécanos serpenteantes que interactúan y colisionan para alumbrar sus historias sobre seres supuestamente normales de repente desprotegidos por culpa de extraños sucesos. En Musa las imágenes y los actores transmiten un ‘no sé qué’ repetitivo y formulario, un enésimo retorno a territorios ya conocidos, a soluciones visuales y argumentales que el director domina a la perfección pero que no le inyectan al conjunto personalidad auténtica ni diferenciada. TONI VALL

VEREDICTO Solvencia visual y narrativa pero retorno a territorios ya explorados.

48 • N OV I EM BR E 2 0 1 7 •

ESTRENO 3 DE NOVIEMBRE

RU / 2017 / 90 min. / DeAPlaneta Dir.: X. Gens Rep.: Sophie Cookson, Corneliu Ulici, Brittany Ashworth

La cosa empieza bien: un oscuro caso de exorcismo lleva a una pizpireta y atea periodista estadounidense a mezclarse con unos rumanos a los que apenas roza la civilización, rodeados de gitanos y verdes praderas, explotando ese terror por la Europa del Este a lo Hostel (con la diferencia de que aquí la muchacha tiene una bañera de tamaño olímpico). El filme sigue mejor: la muchacha acaba por encontrarse con más curas que en una película de Fellini, entre ellos un Corneliu Ulici que interpreta a un sacerdote hipster que lo mismo te vale para un exorcismo que para un anuncio de Ikea y con el que, huelga decirlo, la protagonista (y todas las mujeres

del mundo) tendrá sueños pecaminosos. Esta es la mejor parte, en la que Gens demuestra conocer bien los resortes del susto en pantalla. No falta uno solo de los elementos del canon acuñado por William Friedkin: insectos, puertas batientes, espumarajos, mujeres levitadoras, niños cabronazos… Hasta el punto que uno tiene la impresión de que está ante algo grande pero… El filme acaba fatal: sorprendentemente, cuando tiene que llegar al meollo del asunto, el exorcismo de la protagonista, el director se lo ventila en un par de minutos, para pasmo del espectador. Surgen entonces las preguntas: ¿ha sido Gens poseído por las prisas? ¿El demonio del presupuesto no les dio para más? ¿Acaso el mismísimo Satán ha sido incapaz de resistirse a los encantos del curilla guapo? RUBÉN ROMERO SANTOS

VEREDICTO Exorcismo interruptus. ¿Ha sido Xavier Gens poseído por las prisas?

SAURA(S) ESTRENO 3 DE NOVIEMBRE

España / 2017 / 85 min. / Cada Films Dir.: Félix Viscarret Rep.: Documental.

Más allá del cineasta, en busca de la persona, nos topamos de bruces con el verdadero meollo del artista. El golpe podría ser morrocotudo si su cine no nos lo hubiese anticipado. El maestro Carlos Saura, inasequible a la cámara, nos deja entrar en ese pedacito de su intimidad que deja entre “Es el pasado que retorna, y es lo que más miedo me da” y “No nos metamos en metafísicas”. Nos queda el hombre que persigue la soledad sin hacer rehenes, desde su estudio, el maestro a la antigua usanza, 24/7, que vive por y para su trabajo, no sabe/ quiere expresar sus sentimientos (“como esa generación de españoles”, un mantra que ha hecho

fortuna como tópico) y huye de otras complicaciones. El navarro Félix Viscarret busca dar un original rodeo para tratar de conocerle mejor, en un valiente y extraño intento de trabajar contra la voluntad del propio Saura, pero con su aquiescencia. Un poco a la manera del propio Saura con sus musicales modernos (desde Sevillanas), Viscarret pone su obra de fondo (en grandes pantallas que son un bello acierto formal) y la comparte con sus hijos, su otro mapa personal en la vida. Tras la evidente comodidad de los encuentros quedan las sombras de la fina línea que separa el genio del egoísmo: apenas hay reproches, y por eso su ausencia incomoda, los hace más llamativos. El esfuerzo de Viscarret es encomiable, pero la clave de Saura sigue estando en sus películas. C. M.

VEREDICTO La compleja y esforzada búsqueda de un retrato íntimo del maestro Saura.

HACIA LA LUZ ESTRENO 17 DE NOVIEMBRE [Hikari] Japón / 2017 / 101 min.

BTeam / Dir.: Naomi Kawase Rep.: Masatoshi Nagase, Ayame Misaki

No todos los huecos han de contener palabras. Esa es la queja del señor Nakamori, una de las personas ciegas que atienden a la película audiocomentada con la que arranca Hacia la luz, momento con el que, de alguna manera, Naomi Kawase vuelve al documental que tan buenos instantes nos ha brindado, siendo sin duda estas secuencias, espontáneas y llenas de verdad, lo mejor de su décima película de ficción. Hacia la luz es la historia de amor entre Masaya (Masatoshi Nagase), un fotógrafo que se está quedando ciego, y Misako (Ayame Misaki), la audiodescriptora

España / 2017 / 109 min. / Universal Dir.: S. G. Sánchez Rep.: Anya Taylor Joy, George MacKay, Charlie Heaton

¿Qué fue antes, Alejandro Amenábar o el cine de terror español y su consiguiente subgénero ‘historias de fantasmas’? 16 años después de que Los otros dejara constancia del potencial de un nuevo cine patrio que jugaba a través de lo irreal con nuestros miedos más primarios, y 10 más tarde de la incursión de Juan Antonio Bayona y su El orfanato en esta ‘nueva ola’, Sergio G. Sánchez (guionista fetiche de ‘Jota’) quiere entrar a formar parte del selecto grupo de ‘cineastas hollywoodizados’ tan alabados por crítica y público. Su debut tras las cámaras también es un thriller fantasmal rodado

en inglés en España, aunque esta vez los protagonistas son cuatro hermanos huérfanos, confinados en una granja. Pese al buen hacer de su reparto de jóvenes estrellas que comienza a despuntar en la Meca del cine (la mayoría proveniente del género de terror), y ese aura entre fantasmagórica y realista que acentúa por momentos la tensión (los espejos son el mejor aliado del miedo en gran pantalla), Sánchez olvida la esencia de su película, esa misma que nos hizo empatizar con las fábulas de Bayona y Amenábar: el temor a la pérdida de los seres queridos. Todo porque intenta abarcar tantos géneros (terror, drama, amor, thriller), giros de guion y subtramas, que termina siendo asfixiada por esa ambición. JANIRE ZURBANO

VEREDICTO Bebe de ‘Los otros’ y ‘El orfanato’, pero termina asfixiada por su ambición.

ANDREA G. BERMEJO

VEREDICTO Interesa al documentar la audiodescripción; pierde en la historia de amor.

EL SECRETO DE MARROWBONE ESTRENO 27 DE OCTUBRE

que pone voz a las películas que está dejando de ver. Y, si bien Kawase se luce recreando tal oficio que es, sin duda, una reflexión sobre el propio misterio del cine –¿cómo traducir las abstracciones de dicho arte?, ¿cómo respetar la imaginación de las personas ciegas sin privarles de una concreta descripción de lo que se ve en pantalla?, ¿cuánta información viene ya en la película y cuánta ponemos al verla?…–, la historia de amor que vehicula estas cuestiones –algo formulaica e indignante por la sumisión de ella– se ve aquejada de cierta impostura y afectación impropia de la sensibilidad de la japonesa. Quizás le hubiese convenido vaciar los huecos de palabras y que los rellenásemos con imaginación.

ORO ESTRENO 10 DE NOVIEMBRE

España / 2017 / 103 min. / Sony / Dir.: Agustín Díaz Yanes Rep.: Raúl Arévalo, Óscar Jaenada, Bárbara Lennie

No es fácil adaptar al cine las historias de Pérez-Reverte. Bajo sus relatos de aventuras presentes y pasadas late una peculiar pulsión por la historia: personal, porosa, con un interés por reflejar el contexto en todos los detalles de sus narraciones muy celebrado por sus lectores... en ese trasfondo estriba el escollo. Certeramente plasmada, la asfixia de los protagonistas en la selva, en América, y su angustia ante lo desconocido, concuerda bien con el reflejo de las relaciones de poder que se establecen en un grupo desabrido y multirregional interpretado con solvencia coral. La presentación de Díaz Yanes (11 años después de su Alatriste)

funciona; abandonados a su suerte, la larga docena patibularia de personajes de Oro, bien dotados por una contundente descarga revertiana inicial, tienen una difícil evolución narrativa: repiten el gesto, y la peripecia se hace por momentos rutinaria. Eso añade opresión a la atmósfera del filme, es cierto, pero esa inmersión, en lugar de trasladarse al espectador, se ahoga en su propia inercia, atrapada en una sucesión de episodios (nacionales) en las Indias. Así, esta pequeña historia de codicia en pos del eco de El tesoro de Sierra Madre no levanta el vuelo hasta hacer plausible la encrucijada de la historia en que se movían estos peones de un imperio de pobres cimientos, malos gobernantes y futuro incierto que la realidad confirma y Pérez-Reverte no se cansa de denunciar. C. M.

VEREDICTO La atmósfera ‘revertiana’ de ‘la Conquista’, de la codicia a la asfixia.

• NOVIE M BRE 20 1 7 • 49

YO-KAI WATCH: LA PELÍCULA

LOS HERMOSOS

JERICÓ, EL INFINITO

DÍAS DE ARANJUEZ

VUELO DE LOS DÍA S

LOS DEMÁS DÍAS

ESTRENO 10 DE NOVIEMBRE

ESTRENO 27 DE OCTUBRE

ESTRENO 27 DE OCTUBRE

ESTRENO 17 DE NOVIEMBRE

Mitología, slapstick, costumbrismo de provincias y una sátira sobre las flaquezas humanas que, si bien fina, no excluye el ‘caca, culo, pedo, pis’ del mejor humor nipón. Está claro que Yokai Watch ha hecho méritos para hacerse de querer entre los mil y un descendientes de Pokémon, y esta primera película de la franquicia (en su país de origen ya van por la cuarta) luce esas virtudes para su bien. La animación del filme no es nada del otro mundo, y su trama resulta tópica en muchos momentos, pero el viaje en el tiempo del protagonista conlleva momentos deliciosos, tanto en la caracterización (ese ancestro macarra con vocación de superhéroe) como en sus guiños al manga clásico o en esa llegada de la TV al Japón rural de los 50. Los jóvenes espectadores de la serie disfrutarán de la película, y sus padres no la sufrirán. YAGO GARCÍA

Hace mucho tiempo, una escalofriante cantidad de años, que Wim Wenders abandonó la primera línea del cine contemporáneo para acomodarse en un plácido cuarto plano donde combina su trabajo institucional de presidente de la Academia de Cine Europeo con dirigir coproducciones insulsas, documentales pintorescos y simulacros de experimentación como esta adaptación de una pieza teatral de Peter Handke. La pátina del austriaco solo lleva a añorar con más duelo aquellas lustrosas colaboraciones en El miedo del portero ante el penalti o Cielo sobre Berlín. En este drama dialogado la cámara no para quieta, los intérpretes no respiran y ni un Nick Cave ex machina cantando Into My Arms al piano alivia el tedio. Lo mismo creía que los juegos teatrales de Alain Resnais eran fáciles de hacer. DANIEL DE PARTEARROYO

¿Hay algo detrás de una foto de postal? Pues depende de quién escriba el mensaje que la acompaña al dorso. Catalina Mesa pone su cámara, luminosa, elegante e incluso aceptablemente promocional, a retratar el pintoresco y colorido barroquismo de Jericó, un pueblo con encanto colombiano, una imagen de bella estampa que completa aprovechando para darle voz a un grupo de mujeres locales no menos atractivas por su humano encanto. El paisaje, completado por el paisanaje, acaba resultando algo empalagoso mientras suena el “Me voy p’al pueblo, hoy es mi día”, pero la conversación de estas damas elocuentes que abren sus casas y sus historias mínimas para que entre la luz, va meciendo la mirada del espectador ajeno. Lo hace suavemente, hasta convertirnos en cómplices de una forma de ver el mundo que se nos está olvidando de cuidar. CARLOS MARAÑÓN

“Nuestro trabajo consiste en aumentar la salud. ¿Sabes lo que eso significa? Mejorar la calidad de vida, no solo retrasar la muerte”, decía Robin Williams en Patch Adams. En eso consiste la labor de Pablo Iglesias, médico de cuidados paliativos, al que Agulló conoció cuando trató a su suegra durante sus últimos días de vida. El director le ‘devuelve’ ahora el favor a modo de documental íntimo (aunque nunca intrusivo) y asfixiante, que reivindica una profesión a menudo infravalorada, a la vez que nos obliga a mirar a la muerte a los ojos. Todos, médicos, enfermeros, enfermos, allegados y espectadores, experimentamos el dolor (“Lo que quiero es vivir, no luchar”), la resignación, el enfado, la valentía, el miedo, la impotencia y el duelo en la que, paradójicamente, resulta ser una reveladora y demoledora oda a la vida. JANIRE ZURBANO

VEREDICTO Flaquezas y virtudes convertidas en monstruos de bolsillo.

VEREDICTO Dos personajes buscan autor, un director no recuerda su talento.

VEREDICTO Película de postal pintoresca con remite de mujeres luminosas.

VEREDICTO Nunca el cine reivindicó tanto la vida a través de la muerte.

[Yôkai Watch: Tanjô no himitsuda nyan] Jp. / 2014 / 97 min. / Selecta Visión Dir.: S. Takahashi, S. Ushiro

[Les beaux jours d’Aranjuez] Francia 2016 / 97 min. / Paco Poch Dir.: Wim Wenders Rep.: Sophie Semin, Reda Kateb

AMERICAN ASSASSIN ESTRENO 3 DE NOVIEMBRE

EE UU / 2017 / 111 min. / eOne / Dir.: Michael Cuesta Rep.: Dylan O’Brien, Michael Keaton, Taylor Kitsch, Sanaa Lathan, Scott Adkins, Shiva Negar

50 • N OV I EM BR E 2 0 1 7 •

Colombia / 2017 / 77 min. Compacto Dir.: Catalina Mesa Rep.: Documental

En 2008, Venganza (Taken), cambió por siempre jamás el cine de justicieros. Lo internacionalizó y, sobre todo, cambió su lugar de producción, pasando el cetro de la acción viril de EE UU a la Francia de EuropaCorps. Desde entonces, los estadounidenses van como locos buscando una respuesta. Tal vez la hayan encontrado con este American Assasin, en la que Dylan O’Brien (Teen Wolf ) es algo así como un Liam Neeson hasta arriba de bótox, un asesino con cara de ángel. Como se pueden imaginar, aquí hay poquitas concesiones al lirismo: desde la primera escena, en la que unos integristas ametrallan una playa ¡ibicenca! (gran error: sabemos que no es Ibiza porque no está Pocholo), es una fiesta de la testosterona descontrolada. El guion,

España / 2017 / 90 min. / Súper 8 Dir.: Carlos Agulló Rep.: Documental

débil tirando a pírrico, es una especie de Homeland (serie en la que ha trabajado el director) para dummies: espionaje, contraespionaje y más localizaciones que en la cuenta de un instagrammer, con especial protagonismo de una ciudad de Roma que (y a John Wick nos remitimos) se está dejando el presupuesto municipal en incentivar rodajes en los que zumbados yanquis la destrozan. Con todo, el filme se aguanta por la maldad de viñeta de un Taylor Kitsch como agente rebotado y la causticidad innata de Michael Keaton como profe del matarile. Que en una película de acción lo mejor sean las interpretaciones igual es un error. O igual es una genialidad. La taquilla (y el Bluray) nos sacarán de dudas. RUBÉN ROMERO SANTOS

VEREDICTO Diplomacia a tiro limpio. Y a ratos también un Homeland para dummies.

BLADE RUNNER 2049 EN CARTEL

EE UU / 2017 / 164 min. / Sony / Dir.: Denis Villeneuve Rep.: Ryan Gosling, Harrison Ford, Ana de Armas, Jared Leto, Sylivia Hoeks

Además de ser un señor muy espabilado y con gran sentido estético, Denis Villeneuve ama la ciencia-ficción, en general, y Blade Runner, en particular. Algo patente, no ya en cada secuencia, sino en cada plano de Blade Runner 2049. Se aprecia, para bien, en esos ambientes observados primorosamente por un Roger Deakins con el catálogo Pantone en la mano. Se aprecia también, quién lo hubiera dicho, en el flashback emocional de Harrison Ford recuperando a Rick Deckard, ese personaje al que tanto detestó. Y se nota, por último, en esas ambiciones que aspiran a lo monumental. A alzarse más allá de Orión, como mandan los cánones. Pero que, a la hora de la verdad, acaban arrastrándola a la Tierra, porque se les ven las ganas, no ya de apabullar, sino de cosechar alabanzas.

Algo va mal cuando los momentos catárticos de este filme resultan menos eficaces que los de un original cuyo elenco estaba formado (a posta) por clichés del noir, desde el detective alcoholizado a la femme fatale y el criminal de atractivo satánico. Y la banda sonora delata esto con ironía poética: cuando quiere apabullar, Hans Zimmer y sus subgraves se las bastan y sobran ellos solos… pero, cuando quiere emocionar, acaba recurriendo a samples de los viejos temas de Vangelis, clavados al anzuelo como cebos para nostálgicos. Si en su momento Blade Runner fue alabada como un ‘anti-Star Wars’, ofreciendo introspección y mal rollo frente a la épica de George Lucas, su secuela arroja una ironía sangrante, y también muy adecuada a los tiempos que corren: resulta tan lujosa, artificial e innecesaria como El despertar de la Fuerza. Y. G. VEREDICTO Técnicamente ideal, pero suspende el test de empatía.

GUÍA DE CRÍTICAS NOVIEMBRE

Carlos Marañón

LA SUERTE DE LOS LOGAN

★★★★

Javier Ocaña

LUMIÉRE! COMIENZA LA AVENTURA MADRE! UNA MUJER FANTÁSTICA ABRIR PUERTAS Y VENTANAS

A WAR LA CORDILLERA

KINGSMAN: EL CÍRCULO DE ORO LA LLAMADA

★★★★ ★★★★ ★★★★ ★★★★ ★★★ ★★ ★★★

MORIR

★★★ ★★★

Nando Salvá

Toni Vall

★★★★ ★★★ ★★★★ ★★★ ★★★ ★★★★ ★★ ★★

★★★

Irene Crespo

★★ ★★ ★★★

★★★★

★★★ ★★★★ ★★★

★★★ ★★★★ ★★★

★★★ ★★★

TOC TOC ANNABELLE: CREATION

★★★

★★★ ★★★ ★★

★★ ★ ★

★★★★ ★★★

Daniel de Partearroyo

Total media

★★★★ ★★★★★ ★★★★

★★★★ ★★★★ ★★★ ★★★ ★★★ ★★★ ★★★ ★★★ ★★★ ★★★ ★★★ ★★★ ★★★ ★★★ ★★ ★★ ★★

★★★★

EL CASTILLO DE CRISTAL

CANCIÓN DE NUEVA YORK

★★

★★★★

★★ ★★

EL JARDÍN DE JEANNETTE

Andrea G. Bermejo

★★★★ ★★★

★★★

Edu Galán

★★★

HANDIA

LA REINA VICTORIA Y ABDUL

Janire Zurbano

★★ ★★

★★★ ★★

★★★ ★★ ★★

★★★★ ★★★ ★★★ ★★★ ★★★★

★★★

• NOVIE M BRE 20 1 7 • 51

T I ER R A F I R M E E STR E N O 2 4 D E N OVIE M B R E

España / 2017 / 113 min. / Avalon / Dir: Carlos Marques-Marcet

Tres años después de su aclamada 10.000 KM, Carlos Marques-Marcet vuelve a fijarse en las inquietudes del treintañero urbanita con puntillo bohemio, cambiando los vídeochats por un barco en los canales de Londres como vehículo para la incertidumbre sentimental y existencial. Una pareja de chicas (Natalia Tena y Oona Chaplin) recurre al mejor amigo de una de ellas para llevar a cabo su deseo de ser madres. Pero uno de los vértices del triángulo tiene sus dudas acerca del plan…

JUPITER´S MOON

EL JOVEN KARL MARX

LA CHANA

PASAJE DE VIDA

E STR E N O 1 7 D E N OV IEM BRE

ES TREN O 16 DE NOV IEMB RE

ESTRENO 1 0 DE N OV IEMB RE

ESTRENO 1 0 DE NOVIEM B R E

Mundruczó (White God) se ha llevado el gran premio en Sitges (y ha aspirado a la Palma de Oro) con la historia de un ‘sin papeles’ que adquiere superpoderes tras recibir un disparo de un policía.

El director de I Am Not Your Negro narra el nacimiento de la amistad entre Friedrich Engels y el autor de El capital. A la historia también se asoma Jenny, esposa del segundo y víctima de su celo revolucionario.

Tras haber sido aclamada como sucesora de Carmen Amaya, la bailaora Antonia Santiago tuvo que dejar los escenarios por culpa de su marido. Este documental registra su regreso al arte.

Miguel Ángel Solá y Chino Darín comparten personaje en este thriller: maduro y en coma con el rostro del primero, joven y militante durante los años de la dictadura argentina, si es el segundo.

Hun, Alem. / 2017 / 123 min. Wanda / Dir: K. Mundruczó

52 • N OV I EM BR E 2 0 1 7 •

Alem., Fr., Bel. / 2017 / 118 min. Pirámide / Dir: Raoul Peck

Isl., Esp., EE UU / 2017 / 81 min. Noon / Dir.: Lucia Stojevic

Argentina / 2015 / 112 min. Con Un Pack / Dir.: Diego Corsini

CO RTO D E L ME S POR YAGO GARCÍA

E N E L P RÓX I M O NÚME RO

E S T RE N O S 2 4 D E N OVIEMB RE: SAW LEGACY 6 DÍAS EL FIEL LA HIGUERA DE LOS BASTARDOS CORTAR LLUEVEN VACAS INDESTRUCTIBLE

U N A M UJ ER EN EL E SPACIO I NTER IO R

FELIZ DÍA DE TU MUERTE ES TREN O 10 DE NOV IEMB RE

EE UU / 2017 / 96 min. / Universal Dir.: Christopher Landon

Scott Lobdell (un nombre conocido, y detestado, por muchos lectores de cómics) firma el guion de este slasher, que ha desbancado a Blade Runner 2049 del número 1 de taquilla en EE UU.

THE FRANKENSTEIN COMPLEX

CON LOS BRAZOS ABIERTOS

E S TR E N O 3 D E N OV IEM B RE

ES TREN O 17 DE NOV IEMB RE

¿Cómo se crea un monstruo de cine? Directores ( John Landis, Joe Dante) y artesanos ilustres (Greg Nicotero, Rick Baker) explican la historia de las criaturas más famosas de la pantalla.

Christian Clavier y el director de Dios mío, ¿pero qué te hemos hecho? forman de nuevo un tándem letal en esta comedia sobre un escritor progre en cuyo jardín se instala una familia gitana.

Francia / 2015 / 107 min. CineBinario / Dir.: G. Penso, A. Poncet

Fr., Bel. / 2017 / 92 min. / Alfa Dir.: Philippe de Chauveron

En la línea de su largo ‘El futuro’, Luis López Carrasco regresa en ‘Aliens’ a la época de la Movida con la radicalidad de las formas por bandera ESTA ES LA HISTORIA de una alienígena en un extraño planeta llamado Madrid de los primeros años 80. En compañía de otros extraterrestres, experimentó la existencia de la juventud desde un espíritu sin freno. Se llama Tesa Arranz, formó parte del mítico grupo Zombies, liderado por el cantante y compositor Bernardo Bonezzi, jugó con las drogas y fue una artista de la vida, de la pintura, de la poesía. Una figura a la que el director Luis López Carrasco se ha acercado desde los márgenes de la narrativa convencional, fiel a su experimentación y a su vanguardia, la que le llevó a reflexionar sobre la misma época, en materia política y musical, en El futuro, su largo del año 2013. Es Aliens, estrenado en el Festival de Locarno, y que ya ha pasado por Montreal y el Lincoln Center del Festival de Nueva York, un corto rodado en VHS-C y Vídeo 8 que juega con las texturas, el sonido y la representación. Una experiencia audiovisual. A través del discurso poético adolescente de esta apasionante mujer, el acompañamiento de sus dibujos y cuadros, y con la base de un recitado aparentemente distanciado sobre aquella época, publicado en la revista El Estado Mental, Aliens incluye no pocas incendiarias y desmitificadoras opiniones sobre sus compañeros de generación (Fabio McNamara, Pedro Almodóvar, Alaska, Paloma Chamorro, Carlos Berlanga...). Pero lo esencial es siempre la complejidad del personaje, unida a la muy particular forma de narrar de López Carrasco, miembro del colectivo Los Hijos, que acaba componiendo un corto que, como ya ocurría en El futuro, estalla con una canción. “Atravesaré el mundo / y volando llegaré / hasta el espacio exterior”, cantaban Zombies en Groenlandia. Como Tesa en su personalísimo espacio interior. JAVIER OCAÑA • NOVIEM BRE 2 0 1 7 • 53

54 • N OVI E MB R E 20 1 7 •

U NO DE LOS PROY ECTOS M Á S A N U NCI A DOS Y R ET R A SA DOS DE DC LL EGA POR FI N A L A PA N TA LL A DESPU ÉS DE M Ú LT I PL ES CON T R AT I EM POS. WON DER WOM A N Y BAT M A N SON M A M Á Y PA PÁ DE ESTA FA M I LI A DE V IGI L A N T ES A LGO DISF U NCIONA L • Texto I R E N E C R E S P O •

En el sentido de las agujas del reloj: el Batman de Ben Affleck reparte su tiempo entre las poses épicas y aleccionar a Flash (Ezra Miller) para que no haga tanto el payaso; el Aquaman cachas y melenudo de Jason Momoa tendrá su propio filme dirigido por James Wan (Expediente Warren); Cyborg (Ray Fisher), ilustre desconocido.

BATMAN ESTÁ TRISTE. ¿Qué tendrá Batman? Liga de la Justicia arranca meses después del final de Batman v Superman: El amanecer de la justicia, y el Caballero Oscuro sigue aún apenado y lleno de culpa por [SPOILER] la muerte (o, al menos, desaparición) de quien fuera su enemigo, pero debía haber sido su compañero: Superman. “La muerte de Superman impacta a Batman de una forma muy fuerte. Creo que empieza a recuperar su fe en la humanidad”, explicó la productora Deborah Snyder durante el rodaje en 2016 de Liga de la Justicia, una de las películas más ansiadas y atrasadas de la historia de DC. “Batman siente que el peligro está cerca o incluso ya está aquí, y decide pe-

dirle ayuda a Diana (Wonder Woman) para encontrar al resto de metahumanos. Así que, básicamente, esta historia va de encontrarlos y juntarlos a todos, lo que resulta muy divertido por ver cómo se van encajando las distintas personalidades de la Liga”. Todo el mundo lo tenía claro. Mucho antes incluso de que los Vengadores llegaran (y triunfaran), estaba cantado que juntar a los distintos superhéroes de DC sería una gran idea, no solo divertida sino, y sobre todo, económicamente beneficiosa por las potenciales franquicias que se podían poner en marcha (spin-offs de cada uno de los personajes, como están ahora previstos en un calendario algo tambaleante).

“ BATMAN ES MI PAPÁ; WONDER WOMAN, MI MAMÁ; CYBORG, MI PRIMO; Y AQUAMAN ES EL TÍO ALCOHÓLICO QUE NOS TR AE CERVEZ A S” — EZRA MILLER

En teoría, el último hijo de Krypton estiró la pata al final de Batman v Superman. Pero, si en los cómics es fácil resucitar, en el cine no digamos… 56 • N OVI E MB R E 20 1 7 •

M O S TA C H O Por ahora, el meme por excelencia de Liga de la Justicia se centra en el bigote que Cavill lució tras el rodaje, y que tuvo que ser borrado en los reshoots. La cuenta del barbero CGI podría ascender a varios millones de dólares.

Entre dimes y diretes (finalmente, Affleck renunció a dirigir su cinta en solitario), el Caballero Oscuro tiene que aprender a organizar un equipo.

R E N O VA D O “Vamos a ver el nacimiento de un nuevo Batman”, ha comentado Ben Affleck. “El sacrificio de Superman le ha inspirado para pasar de ser un vigilante solitario a un líder”. Al menos, el presupuesto no será un problema.

El pupas. La percha de los golpes. El rezagado del grupo. Cualquiera diría que al Velocista Escarlata le iba a tocar ir en el útimo lugar… pero así es: su película va de mano en mano sin que nadie se la quede. Y de la fecha de estreno en 2018, mejor no hablar. A S P I R A N T E En esta encarnación de la Liga, Flash es el recién llegado, y también el alivio cómico. Miller lo describe así: “Es un friki altruista y entrañable, como un chaval de 13 años muy fan de Metallica al que de repente le ofrecen tocar la batería con el grupo. ¡Pero él ni siquiera tiene baquetas!”.

Por eso la idea de una película sobre la Liga de la Justicia arrancó ya hace una década, allá por 2007, cuando aún eran los tiempos del reinado del Batman de Nolan y Iron Man acababa de llegar. Aún los cines no estaban solo dominados por superhéroes de cómic, pero ya se preveía que iban a estarlo y una película que reuniera a Batman, Superman, Wonder Woman, Flash, Aquaman y más tenía que ser un bombazo. Sin embargo, la idea de llevar a la Liga a la gran pantalla fue casi tan gafe como el proyecto de una película para Wonder Woman. En los años que estuvo rondando la idea hasta que de verdad se empezó a ejecutar, estuvieron a punto de dirigirla George Miller (Mad Max) y Jason Reitman (Up in the Air), que la rechazó. Armie Hammer casi fue Batman; D. J. Cotrona, Superman; y Adam Brody, Flash (OC era entonces la serie de moda, entendedlo). Hubo que esperar a 2013, con desastre de Green Lantern entre medias, para poner en marcha los ambiciosos planes con el director Zack Snyder detrás de todo el plan maestro.

¡ A L I G E R A , B AT M A N !

Primero dirigió El hombre de acero con un Henry Cavill muy convincente dentro del traje rojiazul. Después, siguió con Batman v Superman, vistiendo de murciélago a un controvertido Ben Affleck. Esta última película, el amuse-bouche definitivo antes de la gran explosión de franquicias, debía gustar. Y gustó. Al menos si se miran los números de taquilla, porque si se leen las críticas… “Entiendo que la gente dijera que Batman v Superman era demasiado oscura, o estaba lejos del tono habitual de Batman, y creo que son críticas justas”, reconoció Affleck en su momento. Snyder también lo admitió y

su respuesta inmediata fue llamar a Joss Whedon para que aligerara el guion original de Chris Terrio. “¿Cuál es la gran diferencia entre Batman v Superman y esta? El tono. Creo que Liga de la Justicia es más divertida, tiene más humor, es algo más frívola”, nos confirmaba Ben Affleck justo antes de la presentación en la pasada Comic-Con de San Diego. ¿Y quién aporta ese humor? “Todos”, coreaba el quinteto protagonista. Affleck como Batman, Gal Gadot como Wonder Woman, Ezra Miller como Flash, Ray Fisher como Cyborg y Jason Momoa como Aquaman. “Cada uno aporta algo distinto a la historia, y tenemos nuestro propio espacio en la trama, pero luego encajamos bien”, añade Gadot, la que más tranquila respira ante la presión de una película esperada durante años: ella misma vivió ese proceso de expectativas altas y respuesta efusiva cuando presentó Wonder Woman.

L A FA MILIA UNIDA

“Diana y Bruce Wayne son un poco los líderes del grupo, los que intentan juntarlos, y acaban siendo como los padres de todos –se ríe Affleck–, y entre los dos se establece una tensión con una dinámica muy interesante”, dice el actor, que después de este rodaje también confirmó que no dirigiría The Batman, el filme en solitario de su personaje. “Eso es, ahí les tienes: Batman es mi papá y Wonder Woman es mi mamá”, suelta Ezra Miller, obviamente quien más humor introducirá en la película. “Y los dos son muy majos hasta que hago algo mal. Cyborg es como mi primo. Ah, y Aquaman es el tío alcohólico, el que nos trae las cervezas”, bromea. Por su parte, Cyborg será quien aporte la información sobre las tres Cajas Madre, según declara Ray Fisher. El actor • N OVI EM BRE 201 7 • 57

LA MUJER QUE SALVÓ EL GÉNERO

Cinco meses después del estreno, Gal Gadot aún sigue “abrumada” por el éxito y el recibimiento de Wonder Woman. No son solo los números de taquilla, es estar en la Comic–Con “y ver niñas vestidas como Diana”. “Y las cosas que me dicen esas niñas, pero también niños. Creo que la película y el personaje han traspasado las barreras de género”, dice emocionada. Minutos después, se la verá llorando ante las lágrimas de una cría. Si, en Batman v Superman, Gadot les robó el protagonismo a los hombres, en Wonder Woman definió un personaje “con el que la gente puede identificarse”, el más esperado de Liga de la Justicia. “Ahora es una mujer más formada, que entiende las complejidades de la humanidad, pero siempre está llena de compasión y amor por todo el mundo”, explica. El perfecto contrapunto a la oscuridad de Batman. I. C.

El equipo al completo, en una imagen inspirada en los dibujos del artista Alex Ross.

Tras décadas forcejeando y lanzando bodrios, la industria se enfrenta a la verdad: una superheroína puede ponerle rostro a un taquillazo de cine. Ouch…

M E N T O R A Tras el megaéxito de Wonder Woman, algunos rumores aseguraron que Liga de la Justicia iba a ser una nueva ocasión de lucimiento para la princesa amazona. Pero Gadot lo desmiente: “Diana se ocupa de apoyar al resto de

miembros y hacer que crean en sí mismos, pero no es la protagonista”, explica la actriz. “Yo solo estuve una semana para los reshoots”. ¿Y qué hay de su relación con Batman? “Digamos que son los compañeros perfectos”.

Tras debutar en esta película, el soberano cachas de Atlantis estrenará filme propio en diciembre de 2018. Dirige James Wan (Expediente Warren).

A L M A R G E N Según Momoa, Aquaman y él tienen algo en común: ambos son mestizos. “Yo me identifico con él: me crié en Iowa, donde todos los demás eran blancos, y en Hawái me trataban como un forastero por no haber crecido allí”.

Pregunta triste, pero obligatoria: ¿quién es este tío? Pues un ilustre secundario de los cómics, creado por George Perez y Marv Wolfman en 1980.

D E D I B U J O S Pese a haberle tocado el papel menos agradecido, Fisher tenía un valioso apoyo para prepararlo: “Me crié viendo las series de animación de DC, y mi favorita era Teen Titans, donde aparecía Cyborg”, explica.

UNO FUE EL DIRECTOR ESTRELLA DE MARVEL (HASTA QUE SE HARTÓ) Y EL OTRO HA SIDO EL HOMBRE FUERTE DE DC HASTA QUE UNA TRAGEDIA FAMILIAR LE OBLIGÓ A RETIRARSE. ESTOS SON LOS DIRECTORES DE ‘LIGA DE LA JUSTICIA’ • Texto Y A G O G A R C Í A •

J OS H

Z ACK

W H EDO N

SN Y D ER

E L ÁG I L E S T I L I S TA

EL FA JADOR IMPLACABLE

TRAS DEJAR MARVEL con cajas bastante destempladas y sonar para dirigir la película de Batgirl, Joss Whedon ha acabado haciéndose cargo de Liga de la Justicia tras la retirada de Zack Snyder. Con él llegaron unos reshoots que podrían haber costado más de 25 millones de dólares. LE VIENE DE FAMILIA Nacido en Nueva York (1963), hijo y nieto de guionistas de TV. Se hinchó a leer cómics y a recibir collejas durante sus años mozos antes de debutar escribiendo para series como Roseanne. Ejerció de script doctor en infinidad de películas: Waterworld, Twister, Toy Story, Rápida y mortal… UNA CHICA DEL MONTÓN Para muchos espectadores, decir “Whedon” es decir “Buffy, cazavampiros”. Tras la película homónima (1992) cuyo guion fue alterado hasta lo irreconocible, Joss pasó seis años (19972003) como showrunner de la serie. MILLONES Y CONFLICTOS Con Los Vengadores (2012), Whedon se consagró como director de cine, forrando de billetes a Marvel. En Vengadores: La era de Ultrón (2015) se enemistó con el estudio por un motivo clásico: él quería diálogos, y Kevin Feige quería acción. “LA GENTE FELIZ CREA HISTORIAS ABURRIDAS” Le encantan los planos secuencia (llenos de gente hablando, dándose tortazos o ambas cosas) y los diálogos intrincados, repletos de la jerga que sus fans apodan “Buffyspeak”. Y matar a sus creaciones más entrañables, también. Su forma de abordar los personajes femeninos tiene tantos fans como detractores, máxime después de que Kai Cole (su esposa durante 11 años) se divorciara de él tachándolo de adúltero contumaz. 60 • N OVI E MB R E 20 1 7 •

TRAS PONER LOS CIMIENTOS del Universo Cinematográfico DC con El hombre de acero (2013) y Batman v Superman: El amanecer de la justicia (2016), Zack Snyder abandonó el estudio por la muerte de su hija Autumn en marzo de este año. Él mismo escogió a Whedon como sucesor. IBA PARA DIBUJANTE Zack vino al mundo en Wisconsin (1966) y en una familia de clase alta sin relación con la farándula. Estudió historia del arte e hizo sus pinitos con los pinceles y el lápiz antes de trabajar como director de fotografía en spots publicitarios. Por si hiciera falta preguntarlo, le encantan los cómics. ¿SON ZOMBIES? NO, ¡ES ESPARTA! Con Amanecer de los muertos (2004), Snyder cosechó su primer triunfo. Pero fueron sus 300 espartanos cachas (2007, adaptados del cómic de Frank Miller) quienes le llevaron al estrellato. Con Watchmen (2009) volvió a abordar un tebeo clásico, con resultados desiguales en taquilla y crítica. ¿ALGUIEN DIJO “MARTHA”? Snyder ha firmado la película de Superman más recaudadora de la historia (sin ajustar a inflación): El hombre de acero. Batman v Superman debutó a lo grande, pero, tras su primer fin de semana, sufrió una drástica cuesta abajo en los rankings. DESPACIO-DEPRISA-DESPACIO... ¿Su estilo? Fácil de describir: cambios en la velocidad de la imagen, paleta oscurísima en la fotografía y pasión por los momentazos épicos. Cuando adapta cómics, usa las páginas del original casi como storyboards, recreándolas con minuciosidad. Algunos le reprochan su escaso sentido del humor, y otros adoran la intensidad que imprime a sus imágenes.

LA LIGA DE LA JUSTICIA

“Bruce, apúrate, que aquí hace frío”: J. K. Simmons, un comisario Gordon aún más bigotudo que el de Gary Oldman, enciende la Batseñal.

se refiere a los cachivaches que funcionarán como el macguffin de la película: ellas son el objetivo de los malvados parademonios, dirigidos por Darkseid (el malo más malo del Universo DC, para entendernos) desde el planeta Apokolips. En la Tierra, su comandante es Steppenwolf, interpretado por Ciarán Hinds, uno de los nuevos actores en la franquicia a la que también se han unido J.K. Simmons como el nuevo comisario Gordon, o Willem Dafoe como Nuidis Vulko, el mentor de Aquaman.

NUEVO DIRECTOR

A pesar del buen rollo del equipo, la producción aún encajó un varapalo más en pleno montaje, cuando Zack Snyder tuvo que abandonar tras el suicidio de su hija. Joss Whedon, quien ya había escrito algunas escenas extra a petición de

Snyder, entró al rescate de la postproducción y se encargó, además, de rodar nuevo material. “Después de una crisis así fue muy bonito ver a artistas apoyándose en tiempos duros. Es una de las cosas más bellas que puedes hacer, y si lo piensas es el tema de nuestra película de alguna forma: en tiempos de crisis, de problemas, tienes que apoyarte en los demás, tienes que confiar en ellos, en sus talentos y capacidades”, explica Miller, serio por una vez. “Y, al final, eso es lo que hay que llevarse de la película, más allá de un buen rato de diversión”, añade Fisher. “Si las historias de superhéroes, como la mitología, nos sirven para hablar de nuestros problemas, Liga de la Justicia representa el momento que vivimos ahora: tenemos que unirnos para ser más fuertes contra la gente que abusa del poder”. ‘L IG A DE L A J USTICIA’

EST REN O 17 DE N OVI EM B RE

2. AMAZONAS TRIUNFANTES

PREDICCIONES ¿DISPARATADAS? SOBRE EL PORVENIR DEL UNIVERSO DC

1. ADIÓS, ‘BATFLECK’, ADIÓS

En julio, sonaron las alarmas: tras haber puesto la dirección de The Batman en manos de Matt Reeves, y con sus propios tormentos personales a cuestas, Ben Affleck pensaba colgar la capa. El actor desmintió el rumor en la Comic-Con de San Diego, pero sus palabras (“Estaré ahí si Warner me llama”) aún nos dan vértigo. ¿Qué ocurriría si el estudio perdiese al intérprete de su personaje insignia?

Si Batman se queda en barbecho, la solución es obvia: Wonder Woman. Con 821 millones de dólares recaudados, buenas críticas y un fandom desatadísimo esperando la secuela (2019), Diana aspira a personaje estrella del Universo DC, si no lo es ya. Contando además con proyectos a medio confirmar como Batgirl y Gotham City Sirens (la unión de Catwoman, Hiedra Venenosa y la Harley Quinn de Margot Robbie), ¿será femenino el futuro del estudio? 3. EL PSICÓPATA DE ACERO

Esto es un rumor muy objetable, pero allá va: a partir de ciertos elementos del tráiler (esos ojos rojos…) y de la tendencia de los

fans a irse por peteneras, se dice que ‘Supes’ reaparecerá en funciones de supervillano. ¿Será esto cierto? Y, de serlo, ¿cuáles serán sus consecuencias para la trama? 4. FLASH NOS REVOLUCIONA

La película del Velocista Escarlata se retrasa cual carrito del helado, pero podría llegar con un boom ultrasónico. Porque su título (revelado en julio) será Flashpoint… y, en los cómics, esa historia supuso un reboot total del Universo DC. Además, filmes de difícil clasificación, como ese Joker producido por Scorsese y ambientado en los 80 han creado la sospecha de que el estudio piensa hacer tabla rasa y empezar de cero con una nueva tanda de películas.   Y . G . • N OVI EM BRE 201 7 • 61

SIN MENOSPRECIAR A ZACK SNYDER, ESTO ES UN HECHO: EL UNIVERSO DC YA HA HECHO HISTORIA AUDIOVISUAL… Y HA SIDO EN FORMA DE DIBUJOS ANIMADOS, CON SERIES Y LARGOMETRAJES QUE SON LEYENDA • Texto Y A G O G A R C Í A •

Es bien sabido que, cuando una de sus obras llega a la pantalla, el guionista Alan Moore se niega a aparecer en los créditos como autor del original. “Hollywood es una mamá pájaro que nos alimenta con gusanos, y yo estoy harto de gusanos”, dice. Pero, en 2004, el creador de Watchmen hizo una excepción: su nombre figuró en Para el hombre que lo tiene todo, un capítulo de la serie Justice League Unlimited. Esa rara indulgencia es un argumento para quienes sostienen que el mejor universo DC audiovisual no es de carne y hueso, sino de tinta. En 1992, aprovechando el estreno de Batman vuelve, el dibujante Bruce Timm y el guionista Paul Dini estrenaron Batman, una serie de animación que recreaba al Caballero Oscuro con una calidad inédita en los superhéroes televisivos. Más allá de su estética art déco o de su estupendo reparto de voces (con Mark Hamill, el Luke de Star Wars, como estentóreo Joker), su punto fuerte estaba en unos guiones que no solo recogían el canon del personaje, sino que lo ampliaban. Sin ir más lejos, Harley Quinn (Margot Robbie en Escuadrón Suicida) nació

en sus capítulos. Gracias al éxito de este ‘Bats’ animado, ganador de un Emmy en 1993, Timm y Dini expandieron su trabajo en largometrajes directos a vídeo, primero, y después en otras series como Superman (1996). Pero fue en La Liga de la Justicia (2001-2004) y Justice League Unlimited (2004-2006, foto) donde la iniciativa llegó a su cumbre. Con estas dos series, dibujante y guionista podían echar mano de un surtido infinito de personajes e historias, sin necesidad de estrellas para darles rostro a los primeros ni de CGI para que las segundas quedasen bien en pantalla. Solo necesitaban imaginación. A partir de 2006, la producción animada de DC comenzó a menguar, centrándose en las adaptaciones de cómics célebres (All Star Superman, 2011). Y, en 2016, sufrió su mayor revés cuando Batman: La broma asesina resultó un fiasco. Para añadir sal a la herida, dicho largo suponía el regreso de Bruce Timm al estudio y estaba basado en una legendaria historieta… con guion de Alan Moore. En esta ocasión, el escritor no permitió que se usara su nombre.

Desde que Christopher Nolan se despidiera de DC con El caballero oscuro: La leyenda renace, las capas que han mantenido el universo heroico de Warner a flote han sido las de sus estrellas de la pequeña pantalla. Aunque The CW –guarida de Arrow (Batman nolaniano de la TV), The Flash (a Ezra Miller le va a costar sangre, sudor y carreras vencer a Grant Gustin), Supergirl (la primita rubia de Superman voló a la pantalla antes que Diana Prince) o la próxima Black Lightning– es dueña y señora en este campo de batalla seriéfilo, le han salido contrincantes nada desdeñables como Gotham (Fox). En un combate supercuerpo a supercuerpo, ¿qué Liga se impondría, la televisiva o la cinematográfica? JANIRE ZURBANO nemos en 62 • N OVI E MB R E 20 1 7 •

WON DER STYLE FU ERZA. SEGU R IDA D. TEM PER A M ENTO. WON DER WOM A N SE H A CON V ERTIDO EN PU R A INSPIR ACIÓN, NO SOLO COMO H EROÍNA SINO COMO ICONO DE ESTILO

• Por I N M A C U L A D A M A R I S C A L & P I L U C A V A L V E R D E •

un superhéroe genera admiración por encarnar nuestras esperanzas y escapar de lo banal. Y, en el caso de Wonder Woman, también nos enseña que lo importante no es tanto lo que llevas como la forma en la que lo llevas, desde los peplos griegos de Themyscira a los vestidazos fin-de-siècle, culminando en el look con el que se pasea por el Louvre. Una mujer maravilla, en todos los aspectos.

EN EL IMAGINARIO COLECTIVO

Shopping

DOS LOOKS

Pensando en Wonder Woman, no podemos pasar por alto su look estrella (nunca mejor dicho), que la acompaña, con variaciones, desde su debut en 1941. Dado que no pensamos luchar contra supervillanos (por ahora), podremos permitirnos tacones de metacrilato, botas infinitas, vestidos mini y chaquetas que evocan los orígenes clásicos de nuestra heroína. Y, por supuesto, la riñonera que tanto nos recuerda a esos cinturones protectores de los superhéroes. Vestido de Courrèges (farfetch.com), botas high knee rojas de Balenciaga (mytheresa.com), brazalete de Alighieri (Alighieri.com), twill de seda de Dior (dior.com), pendientes estrella de T. Mugler (netaporter.com), botas high knee negras de Juan Carlos Pajares (jcpajares.com), riñonera de The Lunch Bag (smartluxury.es).

• N OVI EM BRE 201 7 • 63

Colección Mugler afirma que cuando hace moda piensa en el futuro. Sus fuentes de inspiración son muy diversas, desde las películas de Fellini y los musicales hasta los cómics y películas de superhéroes. Los diseños de Mugler subliman el cuerpo de la mujer, marcan la cintura y resaltan las caderas, dan poder y fuerza. Sus originales corsés se inspiran en las heroínas, en las amazonas de la mitología griega. La fusión entre el cuerpo y el traje, al igual que sucede con los superhéroes, forma parte del espíritu Mugler que marcó las décadas de los 80 y 90. La actriz Naomi Watts afirma que nunca se había sentido tan mujer como cuando llevó un diseño de Thierry Mugler en la Gala MET de 1992.

EL DISEÑADOR FR ANCÉS THIERRY MUGLER

64 • N OVI E MB R E 20 1 7 •

Arte EN 2008,

el MET organizó la exposición Superheroes: Fashion and Fantasy, que exploraba la influencia de los superhéroes en el mundo de la moda. Este año, el Musée Maillol de París reúne en la exposición Pop Art Icons That Matter grandes obras del arte pop que forman parte de la colección del Whitney Museum of American Art de Nueva York. Hasta el 21 de enero de 2018.

Life style HOTEL GARIBALDI BLU

Si vas a viajar a Florencia y te gustan los superhéroes, estás de suerte. El Hotel Garibaldi Blu, situado en la plaza de Santa Maria Novella, es un palacio donde frescos del siglo XIX conviven con figuras a tamaño real de los superhéroes de Marvel y DC.

Libros

‘WONDER WOMAN: EL FEMINISMO COMO S U P E R P O D E R ’ de Elisa McCausland (Errata Naturae) analiza la evolución de Wonder Woman y su relación con la lucha social de las mujeres. La pintura en el cómic de Luis Gasca (Cátedra) explora cómo la pintura de los grandes maestros ha influido en los dibujantes de cómics.

• N OVI EM BRE 201 7 • 65

66 • N OVI E MB R E 20 1 7 •

T H E S Q UA R E

T R A S EL ÉX I TO DE ‘F U ER ZA M AYOR’, EL DI R ECTOR SU ECO RU BEN ÖST LU N D I NSIST E EN H A BL A R DE R ESPONSA BI L I DA D SOCI A L Y COR R ECCIÓN POL Í T ICA EN ‘T H E SQUA R E’. A RT E , PER IODISMO, U N MONO Y U N CON DÓN, LOS I NGR EDI EN T ES DE L A COM EDI A CON L A QU E GA NÓ CA N N E S • Texto I R E N E C R E S P O •

• N OVI EM BRE 201 7 • 67

T H E S Q UA R E

“L A PL A Z A E S un santuario

de confianza y solidaridad. Dentro de ella, todos compartimos los mismos derechos y obligaciones”. Esta es la inscripción que se lee alrededor de una línea de luz que forma un cuadrado, un espacio cerrado en otro espacio más grande al aire libre. The Square (La Plaza) fue para el director Ruben Östlund primero una idea y una creación artística, y después, la película que acabó ganando la Palma de Oro en el Festival de Cannes cuyo jurado presidía Pedro Almodóvar, que la premió por su inteligencia para hablar de “la dictadura de lo políticamente correcto” y hacerlo con “una imaginación increíble”. “Es muy, muy divertida”, dijo el cineasta manchego. Desde el humor oscuro, inteligente e incómodo, el director sueco vuelve en The Square sobre los temas que estaban en sus anteriores películas. “Sí, el conflicto entre nuestro instinto y nuestro intelecto está aquí”, reconocía en Cannes días antes de recoger la Palma. “Una de las cosas que me gusta sobre tratar el mismo tema es que hay muchas películas que dicen que el comportamiento se basa en las personalidades de los personajes; el cine americano tradicionalmente busca justificaciones en el pasado, en la infancia, pero yo creo que los comportamientos se basan en las circunstancias, puedes hacer muchas cosas distintas según el escenario que tengas delante. En Fuerza mayor, por ejemplo, ¿dónde está el padre sentado en la mesa? Si se hubiera sentado en otro sitio, ¿quizá habría cambiado su reacción?”.

Elisabeth Moss y Claes Bang.

YO Y M IS C I RC U N STA NC I A S

The Square se le ocurrió al director sueco mientras hacía Play (2011), su película inspirada en hechos reales sobre unos jóvenes que robaban a otros en centros comerciales a la vista de todos. “Leía los archivos de esos casos que pasaron en la ciudad en la que vivo y en muy pocas ocasiones los adultos intervenían para intentar ayudar a los niños o los niños pedían ayuda”, relata Östlund. Entonces acudió a su progenitor, quien le explicó que en los años 50, sus padres le colocaban un cartel con la dirección de su casa y le mandaban solo a las calles de Estocolmo a jugar. Sabía que si le pasaba algo un adulto le ayudaría. “Ahora o criamos a nuestros hijos como adultos o los sobreprotegemos. Y, a partir de todo esto, desarrollamos la idea de un lugar simbólico en el que se nos recuerda nuestro papel en la sociedad, nuestro papel en esos lugares públicos, para provocar preguntas sobre confianza y responsabilidad en un nivel social pero también individual”. Junto a su amigo, el productor Kalle Boman, crearon The Square primero en el museo de Värnamo (Suecia). “Y ahora hay tres The Square más, entre Suecia y Noruega”, explica. “La primera cumple dos años ahora y ha generado un pequeño movimiento a su alrededor: la gente se pide matrimonio dentro, se manifiesta ahí”. De sus investigaciones para The Square y de todos los viajes que hizo por museos de arte contemporáneo (“Todos son iguales”, se ríe), llegó la película protagonizada por Christian, un director artístico de un museo contemporáneo en el que van a exponer, precisamente, The Square, “un tipo un poco The Square en el Palacio capullo”, si le preguntas a quien lo inReal de Estocolmo. terpreta, el actor danés Claes Bang.

68 • N OVI E MB R E 20 1 7 •

“Porque tiene todas esas teorías elevadas defendiendo The Square y luego hace algo estúpido”, admite, aunque jamás lo juzgó mientras lo interpretó. “Nunca hablamos sobre por qué hacíamos esto o lo otro. La película puede parecer muy extrema y surrealista en su conjunto, pero si analizas situación a situación, seguro que te ves reflejado en más de una”, continúa. “A Ruben le interesaban esas situaciones, no un análisis psicológico, ético o moral… Hace tomas muy largas y muchas… Te agota, con 20 o 25 tomas, acabas dejando que todo fluya y las situaciones toman el control. Dejas de actuar, simplemente estás ahí”.

U N C ON D ÓN Y U N MONO

“Prácticamente el 100% es improvisado”, confirma también Elisabeth Moss. La actriz de moda, de Mad Men a The Handmaid’s Tale, interpreta a una periodista que acaba en la cama con Christian mientras un mono ronda por su apartamento. “El guion te daba una idea, estaba la historia que ha quedado literal, había descripciones de escenas, pero ya está… Por ejemplo, en la escena del condón, esa escena de sexo nada sexy, según el guion sabíamos que él va a su apartamento, hay un mono, él quiere el condón, ella quiere el condón, ponía el tiempo exacto que tarda en ponérselo –aunque creo que lo alargó al final un poco–, y que luchan por el condón, pero el diálogo estaba improvisado. Ruben te da un marco de trabajo y a partir de ahí sale todo”. “El lujo de rodar escenas largas es increíble”, cuenta Östlund, que consigue la verdad a través del agotamiento y la liberación total de sus actores. “Generalmente, ruedo una escena al día y podemos llegar a hacer 60 tomas. Hubo escenas que tardamos en completar cuatro días”. Como una de las más incómodas de The Square y de las más comentadas. La más extrema en cuanto a improvisación, en la que el actor Terry Notary (asesor de la última saga de El planeta de los simios), interpretando a un artista de performance interrumpe una cena de gala en el museo haciendo el mono. “Nadie sabía qué hacíamos ese día, ahí estábamos 300 personas sentadas que solo sabíamos que vendría un tipo haciendo de mono, que buscaría al macho alfa de la cena y luego fornicaría”, recuerda Bang aún en shock. Pero nadie sabía que esas palabras serían literales en los movimientos de Notary: molestando a cada uno de ellos, revolviéndoles el pelo, empujándoles. Cuatro días de escenas larguísimas tan incómodas como la final que ha acabado en pantalla, a la que miras entre risas y sorpresa. “Ese es el objetivo de Ruben. Su humor es despiadado, pero muy inteligente. Es brutal y te ríes cubriéndote la cara, avergonzada porque te gusta, porque te ves reconocida”, dice Moss. “Es bueno reírse de todo, y mejor aún reírse de la corrección política como lo hace él. Lo grande del arte es que puedes preguntar cosas y no tener que responderlas, puedes pedir a la gente que las responda y se las pregunte a otros, puedes explorar cosas sin hacer daño a nadie, con la intención de arrojar luz sobre algo”. Puedes meterles en una plaza o una sala de cine... y a pensar. ‘ T H E S Q U A R E ’ ESTR EN O 10 DE N OV IEM BR E

Ru ben

Ö s t l u nd U N T I PO M U Y SE R IO. O NO. Ruben Östlund ganó en Cannes con ayuda de un mono para criticar el mundo del arte, también haciendo autocrítica de su labor como autor. ¿Es The Square una parodia del arte contemporáneo? Hay diferentes artes contemporáneos, alguno es bueno, alguno no. En mi investigación viajé por muchos museos, todos tienen lo mismo, pero ya nada provoca, nada me planteaba preguntas. Como artista es importante ser crítico contigo mismo, preguntarte si de verdad estás tratando algo interesante. ¿Cuánto te reconoces en el personajes de Christian?

Digamos que hay bastante de mí en él. También tengo dos hijas adolescentes, son atletas… ¿Por qué el humor como vía narrativa? En la escuela de cine, cuando querías ser un director importante te imponías un tema también importante y quizá excluías el humor. En ese sentido, el cine de autor puede acabar siendo muy convencional a veces. Involuntariamente para mí, esta es una película divertida. Cuando empecé con The Square y vi de qué iba a hablar, pensé que lo mejor era hacerlo de manera divertida y retorcer las situaciones.

I.C .

• N OVI EM BRE 201 7 • 69

E L S E C R E TO D E M A R ROW B O N E

s é l g in SERGIO S. SÁ NC H EZ E SCR I BE Y DI R IGE SU ÓPER A PR I M A ‘EL SECR ETO DE M A R ROW BON E’ E N I NGL É S. ‘L A L I BR ER Í A’ Y ‘M USA’ TA M BI É N A PU E STA N POR PON ER EL AC E N TO A NGLO SA JÓN A N U E ST R A C A RT EL ER A • Texto A N D R E A G . B E R M E J O Y J A N I R E Z U R B A N O •

70 • N OVI E MB R E 20 1 7 •

George

MacKay H E R M A NO ‘FA N TA ST IC’ DE M A R ROW B ON E ¿Qué fue lo que más te atrajo del filme? Es una historia hecha para verla varias veces. Me fascina cómo Sergio utiliza la ficción para entender el mundo, equilibrando fantasía y realidad. Hoy en día estamos tan acostumbrados a conseguir todo rápido que hemos perdido la capacidad de ser pacientes y es importante que haya películas como esta que exijan tiempo de comprensión. ¿Cómo preparaste el personaje de Jack? Me gustó su complejidad, sus capas, poder interpretarlo como una especie de doble actuación e ir desvelando al personaje. Tuvimos dos semanas de ensayo e hicimos muchísima improvisación para crear el vínculo familiar entre los protagonistas. También me encerré un día en el cuarto de Jack, pero empecé a oír ruidos extraños y salí pitando. ¿Qué tal fue el rodaje en Asturias? ¡Fue fantástico! Incluso pudimos celebrar San Juan con los vecinos. Todos estábamos lejos de casa e hicimos piña. Un día rodamos una escena en una cueva que había en la playa y, al terminarla, se formó una cadena de trabajo, desde el final de la cueva hasta lo más alto del desfiladero. Todos, equipo y elenco, empezamos a pasarnos cajas y cámaras muertos de risa. Es un buen ejemplo de la familia que se formó. J . Z .

E L S E C R E TO D E M A R ROW B O N E

“ES COMO UNA MUÑECA RUSA que va destapándose hasta llegar al centro de la historia”. Así define Sergio S. Sánchez, guionista de El orfanato (por la que se alzó con el Goya) y Lo imposible, su debut tras las cámaras. Si bien el colaborador habitual de Juan Antonio Bayona había dirigido varios cortos previamente, El secreto de Marrowbone es su primer largometraje, una “fábula” en la que cuatro hermanos, temerosos de ser separados después de la muerte de su madre, se encierran en una granja que oculta un terrible secreto tras sus paredes. A pesar de que la producción, en inglés, está ambientada en los EE UU rurales de finales de los años 60, Sánchez decidió rodar el proyecto en su Asturias natal. Ahora, tras su paso por los festivales de Toronto y San Sebastián, el filme llega a la taquilla española, apadrinado por ‘Jota’ en su papel de productor ejecutivo y capitaneado por un

elenco de nuevas estrellas del celuloide que ya han empezado a hacerse un hueco en la Meca del cine. Ya vimos a George MacKay, el primogénito de esta atípica familia, como uno de los hijos de Viggo Mortensen en Captain Fantastic. Charlie Heaton (Stranger Things) se ha dejado el cassette de música ochentera en Hawkins para dar vida al hermano rebelde. El toque femenino lo pone Anya Taylor-Joy; la musa de M. Night Shyamalan en Múltiple se mete en la piel de la novia de MacKay antes de liderar, junto a Heaton, a una nueva generación de superhéroes en Los Nuevos Mutantes. Los acompañan Mia Goth (La cura del bienestar), Matthew Stagg y Kyle Soller. “Es un thriller que combina suspense, terror, drama, una historia de amor y fantasía. Pero lo que más pesa es la emoción”, asegura Sánchez, y ese es un idioma universal. J . Z . ‘EL SECRETO DE MARROWBONE’

EST REN O 27 DE O C T U B RE

Char lie

Heaton ‘ ST R A NGE R B OY ’ ¿Cómo entraste a formar parte del proyecto? Quería trabajar con Sergio y con Bayona, su creatividad es tan única... Naomi Watts, con la que coincidí en Shut In, me animó a participar. ¿Qué fue lo que más te atrajo de Billy, tu personaje? Se siente como un pájaro enjaulado y solo. Quería mostrar su rabia, pero también su vulnerabilidad. Además, el rodaje suponía un reto, fue agotador. Recuerdo una toma en la que tenía que caer por una chimenea con un arnés y quedarme colgando boca abajo. Tenía las manos llenas de ampollas. Sergio ha contado que quisiste pasar un fin de semana en la casa del filme. Tuve esa idea antes de ver la casa encantada [ríe]. Pensé que si pasaba un fin de semana allí, sin electricidad, me metería más en el papel. Al final solo pude echarme siestas en la cama de Billy. ¿Estás preparado para el regreso de Stranger Things y tu debut en el universo X-Men con Los Nuevos Mutantes? Stranger Things es una locura, la segunda entrega va a ser más oscura. En cuanto a Los Nuevos Mutantes, se trata de un universo inmenso, con unos fans entregados. Hay presión, pero Josh Boone viene del cine indie y a veces sentía que rodaba una película pequeña. Es muy innovadora, un filme de terror. J . Z . 72 • N OVI E MB R E 20 1 7 •

Anya

Taylo r-Joy M U TA N T E E NA MOR A DA

Eddie Redmayne (Newt) y Katherine Waterston (Tina) rodeados de animales fantásticos.

¿Cómo te llegó la propuesta para este filme? Mis dos últimos años han sido película tras película tras película, y cuando me llegó el guion de El secreto de Marrowbone, pensé: ‘Dios, me va a dar algo’. Pero una vez lo leí, supe que era un proyecto muy especial. Debido a mi ascendencia hispana me emocionaba participar en una producción española y poder rodar aquí. Además, Sergio es una de las personas más puras que conozco. Es como un niño, le sorprende todo. Creamos una gran familia. Tu personaje, Allie, vive un intenso romance con Jack. Todos mis compañeros son como mis hermanos. George [MacKey] también, solo que lo tengo que besar [ríe]. Hubo escenas que no están en el montaje final en las que también tenía que besar a Charlie [Heaton] y ese fue el día más raro de mi vida. Somos uña y carne. Nos mirábamos como: ‘¿Qué está pasando?’. Acabas de rodar Los Nuevos Mutantes. ¿Sientes vértigo? ¡Es aterrador! Pero si antes solo me gustaban los cómics porque le gustaban a mi hermano y quería hacerme la guay [ríe]. Los Nuevos Mutantes es un desafío que va a cambiarme la vida. En el rodaje, solía decirle a Charlie: ‘¿Recuerdas el año pasado cuando Stranger Things aún no se había estrenado y estábamos en Asturias?’. ¿Qué nos puedes decir de Glass, la secuela de Múltiple? Nadie hace lo que Night, es brillante. Ayer estaba en una mesa con Samuel L. Jackson y Bruce Willis. ¿Qué pintaba yo allí? J . Z .

• N OVI EM BRE 201 7 • 73

LA LIBRERÍA

LA LIBRERÍA A LA VUELTA DE LA ESQUINA E M I LY MORT I M ER E S U NA I DE A L I STA L I BR ER A E N E STA FÁ BU L A DE I SA BEL COI X ET. U NA M Á S DE SUS PEL ÍC U L A S RODA DA S E N I NGL É S “ADORABA LOS LIBROS IGUAL QUE odiaba a sus congéneres”, dice la voz en off de La librería sobre uno de sus personajes, Mr. Brundish, un adorable ermitaño interpretado por Bill Nighy. Este hombre que vive rodeado de libros y que lleva años sin salir de casa resume a la perfección la librofilia del último proyecto de Isabel Coixet inspirado en la novela de Penelope Fitzgerald. En ella, la idealista e inocente viuda Florence Green decide abandonar Londres para hacer realidad su sueño de abrir una pequeña librería en la costa británica. Pero, como enseguida comprende, los habitantes del pueblo (y los humanos en general) son mucho peores que la literatura que pretende venderles. “Florence representa muchos mundos que me interesan como cineasta. Es una mujer con una visión que no todo el pueblo comparte. Su orgullo desmedido radica en su creencia de que este es un pueblo que desea una librería tanto como ella cree que la desea”, explica Isabel Coixet, nuestra cineasta más internacional y prolífica, a la par que insaciable lectora. La librería es su película número 13 sin contar cortometrajes, documentales o campañas publicitarias. Una carrera que incluye más títulos rodados en inglés que en castellano y que despegó con su segundo filme, la coproducción hispano estadounidense Cosas que nunca te dije. A juz74 • N OVI E MB R E 20 1 7 •

gar por lo que vino después, Coixet entendió enseguida que rodar en inglés y con actores anglosajones suponía una alternativa a la precaria industria del cine español. En Mi vida sin mí (2005) trabajó con Sarah Polley y Mark Ruffalo y en La vida secreta de las palabras (2005), con Tim Robbins y Julie Christie. Después vinieron Elegy (2008), Mapa de los sonidos de Tokio (2009), Mi otro yo (2013), Aprendiendo a conducir (2014) y Nadie quiere la noche. La librería, evolución natural de este cine pensado en inglés, se sirve de espacios y actores británicos para contar una historia universal. Protagonizada por Emily Mortimer (The Newsroom), Patricia Clarkson (Rumores y mentiras) y Bill Nighy (Una cuestión de tiempo), cuenta las visicitudes de una joven empeñada en abrir su soñada librería en un pueblo. También, de la resistencia de sus habitantes. Casi como una metáfora de la relación de los lectores actuales con la literatura. “En el texto original hay una referencia constante al poder del mar, la mención de humedad o moho en una casa –explica Coixet–. Esto se traduce casi a la perfección en el estado de las mentes de nuestros personajes. Me encanta el desafío de mostrar a Florence como una bocanada de aire fresco frente a las ideas enmohecidas de su pueblo”. Lo que decíamos. Una metáfora sobre el estado del público y la cultura. A . G . B . ‘LA LIBRERÍA’ ESTRENO 10 DE NOVIEMBRE

MUSA

L A I NSPI R ACIÓN SE V E NGA BA L AGU ERÓ (‘M I E N T R A S DU ER M E S’) A DA P TA E N I NGL É S L A NOV EL A ‘L A DA M A N Ú M ERO T R EC E’, DE JO SÉ C A R LO S SOMOZ A “LA MUSA NO CREA NADA POR ELLA MISMA; es una Sibila sensata que se convierte dócilmente en la sierva de un amo”, decía Simone de Beauvoir. Y quizás por ello, siglos de tradición machista aplicada a un mito en el que el creador era hombre y la mujer, mera fuente de inspiración, las musas se han vuelto malas. Así son, qué duda cabe, las que protagonizan la nueva película de Jaume Balagueró y también las de La dama número trece, novela de José Carlos Somoza en la que se inspira Musa. “La primera vez que leí la novela quedé profundamente impresionado. Me deslumbró la personalidad de aquel relato tan especial, su forma original de combinar la belleza con el horror”, recuerda Jaume Balagueró sobre este cuento de terror en el que un profesor universitario (Elliot Cowan) sueña recurrentemente con el asesinato de una mujer que, de manera repentina, aparece muerta en realidad. Junto a Rachel (Ana Ularu), una joven que dice compartir sus sueños, descubrirá la existencia de un mundo oculto dominado por las siete damas responsables del cruento asesinato, las musas.

“Esta es una historia de intriga e investigación, pero no de crímenes y ambiente policial. Aquí todo acontece en un universo erudito, de viejas universidades, bibliotecas centenarias y laberínticas. Nuestros personajes no son inspectores de policía ni detectives, sino estudiantes y profesores de literatura y filología”, explica Balagueró sobre su tercera película en inglés. Antes vinieron Darkness (2002), protagonizada por Anna Paquin, Lena Olin y Giancarlo Giannini, y Frágiles (2005), con Calista Flockhart, Elena Anaya y Richard Roxburgh. Junto a sus películas en castellano (la saga [REC] y Mientras duermes), sirven de prólogo para esta nueva coproducción en la que participan, además de España, Irlanda, Bélgica y Francia, que cuenta con un reparto internacional – Manuela Vellés, Leonor Watling, Franka Potente, Christopher Lloyd– y que, además, adapta un libro inspirado en la mejor tradición de novela negra francesa “sofisticada, fascinante y espeluznante”, según Balagueró. Desde luego, un cocktail de lo más universal. A . G . B . ‘MUS A’

EST REN O 10 DE N OVI EM B RE

En el sentido de las agujas del reloj: el profesor Samuel Solomon (Elliot Cowan), la musa Leonor Watling y el viejo ‘Doc’ (Christopher Lloyd).

• N OVI EM BRE 201 7 • 75

LA GRAN ENFERMEDAD DEL AMOR

Duerme

mi

K U M A I L NA N J I A N I (‘SI L ICON VA L L EY ’) Y ZOE K A Z A N PROTAG ON I Z A N L A N U EVA PRODUCCIÓN DE J U DD A PATOW, L A COM E DI A ROM Á N T IC A M Á S ‘C U T E’ DE L A T E M POR A DA • Texto A N D R E A G . B E R M E J O •

76 • N OVI E MB R E 20 1 7 •

LOS PADRES. ¿Algún día se escribirán tesis sobre su presencia en las ficciones de treintañeros? Hay una generación de adultos que escribe sus películas contando con ellos y, seamos justos, también con sus tuppers. Estaban los papás cortagrifos de Hannah en Girls y los sufridos inmigrantes de Dev en Master of None, progenitores a años luz de los pasotas de Woody Allen debajo de la montaña rusa y que traslucen lo importantes que son para ellos (nosotros) en la vida real. Por estar, están hasta en La gran enfermedad del amor, convirtiendo lo que hubiese sido una comedia romántica al uso en una comedia romántica con padres.

duerme

amor Kumail Nanjiani (Silicon Valley) era monologuista en Chicago cuando una chica del público llamada Emily Gordon le interrumpió sin venir a cuento en plena actuación. Después de eso, empezaron a verse y se acabaron enamorando. Salieron juntos un tiempo hasta que la familia de Nanjiani, musulmana conservadora y partidiaria de los matrimonios de conveniencia, se interpuso en la relación. Para más inri, Emily cayó enferma y tuvieron que someterla a un coma inducido. Fue cinco años después cuando Judd Apatow le pidió a Nanjiani algunas ideas para producirle una película. Una de las que

presentó fue su historia con Emily, con la que después del coma terminaría casándose. “Me pareció increíble. Nunca había visto a nadie enamorarse de una persona en coma. No solo era una historia auténtica sino también sincera, y además se desarrollaba en el mundo de los monologuistas”, cuenta Judd Apatow, cuya fascinación por la stand-up comedy se remonta a sus propios pinitos como monologuista a los 17 años. En 2012, Nanjiani empezó a escribir su propia historia. Como había hecho con todos sus monólogos, le pidió a su mujer que fuese leyéndolo según escribía el guion. Sus notas eran tan • N OVI EM BR E 201 7 • 77

LA GRAN ENFERMEDAD DEL AMOR

En el sentido de las agujas del reloj: Ray Romano, Zoe Kazan y Holly Hunter, familia unida; los cómicos Bo Burnham y Aidy Bryant; Zoe Kazan con mamá Hunter.

buenas –aunque era terapeuta había colaborado en The Huffington Post, The New York Times o GQ– que Nanjiani le propuso escribir su historia juntos. Tardaron tres años en entregar una versión definitiva que aglutinase todos los temas que querían tratar. “Había muchas formas de abordar la película porque la historia tiene distintos ángulos –explica Gordon–. Hay un monologuista intentando salir adelante; un hombre con una novia enferma; un chico de familia musulmana que vive en EE UU…”. Zoe Kazan (Ruby Sparks, Amigos de más…) interpreta a Emily, muy en consonancia con la estela que ha ido dejando de musa de comedia indie a lo largo de su filmografía. “Me entusiasmó el guion. Me impresionó el tono tan justo que habían conseguido Kumail y Emily: es emocional, divertido y aterrador”, cuenta la actriz con la que Kumail y la Emily real convivieron durante un par de semanas para que entendiese a la perfección el personaje. Monologuista buscando su lugar en la comedia, Kumail es conductor de Uber mientras sueña con concursar en el Festival de Toronto, al parecer, la meca del stand-up. Mientras participa en un open mic con sus amigos –interpretados por verdaderos monologuistas: Aidy Bryant, Bo Burnham y Kurt Braunohler– intenta averiguar cómo convertir sus pequeños dramas diarios en material para hacer comedia. Es después de uno de estos micrófonos abiertos cuando recibe una llamada de una amiga de Emily informándole que está ingresada en un hospital y a punto de ser sometida a un coma inducido. Por mucho que ya no estén juntos y que no tengan pensado estarlo, a Kumail no le queda más remedio que llamar a los padres 78 • N OVI E MB R E 20 1 7 •

de Emily y convivir con ellos los siguientes días en el hospital. Para sorpresa de todos, no solo se crea un vínculo entre los tres sino que, a través de sus suegros, Kumail se va dando cuenta de que la enferma a la que velan es la mujer de su vida. “Antes de que Emily enfermara no había pensado en el matrimonio –recuerda él–. Pero cuando vi a Emily en coma, me dije: ‘Si sale de esta, me caso con ella”. Lo que decíamos, somos una generación que tiene muy en cuenta a sus padres. Por eso, seguramente, son tan entrañables los actores que interpretan a los de Emily en La gran enfermedad del amor, tanto Holly Hunter (El piano) como Ray Romano (Todo el mundo quiere a Raymond), amigo de Apatow desde 1992 cuando ambos participaban en el Young Comedians Special de MTV. “Me atraen las historias de personas que asumen las consecuencias de sus actos –explica Hunter–. De eso trata esta película, de un hombre que conoce a alguien que no tiene nada que ver con él pero su vida cambia a partir de ese encuentro. Y está dispuesto a cambiar para poder vivir una vida auténtica”. Efectivamente, Kumail está dispuesto a plantar a sus padres en su misión de casarle con una pakistaní. Está dispuesto a averiguar quién es él más allá de la religión y la cultura en la que ha sido educado. E incluso a introducir todo esto en los monólogos que, con suerte, le llevarán al Festival de Toronto. “En esencia quería que esta película hablara de gente que intenta conectar y de las cosas que se interponen en su camino para conseguirlo: diferencias generacionales, religión, cultura…”. Y los padres, claro.

‘ L A G R A N E N F E R M E D A D D E L A M O R ’ E STR E N O 3 D E NOVIEMB RE

A micro abierto H A B L A MOS CON KUMAIL NANJ IANI SO B R E E L A RT E DE HAC E R RE ÍR Y LA D I V E R S IDA D E N HOLLYWOOD ¿Cómo ha sido escribir junto a tu mujer vuestra historia de amor? Fue interesante compartir ambas perspectivas sobre lo que pasó, pero también fue duro interpretar una etapa tan dramática de mi vida. A pesar de tratarse de una comedia, el filme emplea un tono trágico. Ese siempre fue el gran desafío. Decidimos combinar comedia y drama porque no queríamos olvidar el componente trágico de la trama. Antes Jesse Eisenberg, se hacían más películas Kristen Stewart y así, divertidas Allen: un trío he-pero serias. cho a medida. Ahora los géneros están mucho más marcados. Has incluido tus comienzos en la stand-up comedy. ¿Qué opinas sobre su representación en el cine? Muchas veces la stand-

up comedy no funciona en una película porque el espectador ve al publico riéndose a carcajadas en la pantalla y piensa: “No es tan gracioso”. Nosotros lo mostramos sin tratar de decir a la gente: “¡Oye, esto es divertido!”. El filme también refleja los estereotipos raciales. ¿Sigue siendo difícil hacerse un hueco en Hollywood proviniendo de una minoría etnica? Hace 10 años, solo me ofrecían papeles estereotipados del sur de Asia. Poco a poco esto está cambiando, aunque sigan dando la mayoría de roles protagonistas a hombres blancos. ¡El primer filme protagonizado por una superheroína ha llegado en 2017! JANIRE ZURBANO

5 COMEDIAS DE REFERENCIA PARA KUMAIL NANJIANI

CUANDO HARRY ENCONTRÓ A SALLY Rob Reiner, 1989

“Como pasa en La gran enfermedad del amor, Reiner plasmó en su filme la perspectiva de ambos personajes, sin centrarse únicamente en la chica o el chico”.

CUATRO BODAS Y UN FUNERAL Mike Newell, 1994

“La he visto unas 50 veces, incluso el día en el que me casé con Emily. Empecé a hacer stand-up comedy por el discurso del padrino de Hugh Grant en el filme”.

ANNIE HALL Woody Allen, 1977

“Me encanta Annie Hall. Esta comedia romántica supuso una vuelta de tuerca al género, algo que nosotros también buscamos, si bien no rompemos la realidad como Allen”.

TOOTSIE Sydney Pollack, 1982

“Intentamos hacer una comedia como Tootsie o Al filo de la noticia, que combinara drama y diversión. En la película de Pollack, si pasaba algo serio, a continuación venía alguna broma”.

ZOMBIES PARTY Edgar Wright, 2004

“Es una de mis comedias favoritas de todos los tiempos y, como nuestra película, trata sobre un chico que tiene que hacer frente a una situación que lo supera para recuperar a la chica”. J. Z. • N OVI EM BR E 201 7 • 79

ESCRIBIR POR PELOTAS MANUEL MARTÍN CUENCA

EL DIRECTOR DE ‘CANÍBAL’ PASA DE LA SOLEMNIDAD A LA SÁTIRA EN ESTA ADAPTACIÓN DE ‘EL MÓVIL’, DE CERCAS, SOBRE UN HOMBRE EMPEÑADO EN ESCRIBIR LA GRAN NOVELA ESPAÑOLA • Texto A N D R E A G . B E R M E J O • Foto J U L I O V E R G N E •

LA SOLEMNIDAD DE ‘CANÍBAL’, la película que acababa de estrenar, le hacía gracia. Por eso, cuando Manuel Martín Cuenca leyó por casualidad El móvil, primera novela de Cercas que, de alguna manera, ironizaba sobre esa necesidad de trascendencia que conlleva el arte, supo que aquel sería su siguiente proyecto. El autor, protagonizada por Javier Gutiérrez, era la ocasión perfecta para satirizar eso que “desde fuera, para la gente que no se dedica al arte, puede parecer tan ridículo”. También sobre esa convención llamada talento que, según el director de La flaqueza del bolchevique (2003), Malas temporadas (2005) y La mitad de Óscar (2010) depende casi siempre de lo que digan los demás. Pero entonces, ¿nunca sabes cuándo has hecho algo bueno? Yo creo que no. Tienes que tener una gran seguridad en ti mismo, una gran determinación. Al final, ¿el talento qué es? El talento es que te digan que tienes talento. Pero, ¿ni siquiera con perspectiva o tiempo uno puede saber si lo que ha hecho es bueno? Con perspectiva, sí; pero cuando estás en la faena, no. Y con perspectiva ocurre lo mismo. Tú imagínate que haces una película pero nadie te selecciona en un festival. Tú quieres hacer siempre una gran película, pero la diferencia la marca que alguien diga que has hecho una gran película o que no lo diga. Lo que a mí me interesaba contar en El autor es que el proceso de un necio que quiere trascender es igual que el del genio que quiere trascender. El genio descubre la fórmula y el necio, no. Y se queda en tonto. Hay una novela en la que yo creo que Cercas se inspira,

Bouvard y Pécuchet, de Flaubert, que va de dos idiotas que quieren ser sabios. A Flaubert lo pusieron a parir. Es una novela magnífica pero muy moderna, no hay casi narrativa. Es una especie de precedente del Ulises, de Joyce. ¡Y lo pusieron a parir! Flaubert ya era un escritor consagrado, pero imagínate que esa es tu primera novela y nunca la publicas. Probablemente, nunca seas un buen escritor. Entonces, ¿qué es el talento? El talento es lo que dicen los demás que tienes o no. ¿Esto es algo que has pensado siempre y que viste materializado en la novela de Javier Cercas? Yo siempre he pensado que todo es muy relativo, la verdad. En la novela de Cercas encontré una historia que contaba esto con humor. Hay muchas películas sobre el proceso artístico, pero creo que tomarse demasiado en serio lo que uno hace acaba siendo pedante y cargante. Paradójicamente, cada vez hay más gente creativa y menos público que recoja esas obras de arte. Es una paradoja, sí. Cada vez menos gente va al cine pero hay más gente que está dispuesta a coger una cámara y grabar una película. Y algunas de estas películas con muy interesantes, se acaban conociendo, van a festivales, pero, ¿y las 99 que no son una gran película? Solo nos acordamos de Apple, pero no de las miles de empresas que se fundaron en un garaje y fracasaron. A mí siempre me ha interesado mirar las cosas desde el otro lado, no desde el que te enseñan. Dicho esto, si tú sigues queriendo escribir un libro aunque no tengas talento ni éxito, y lo haces como • NOVIE M BRE 20 1 7 • 81

Caníbal.

el personaje de El autor, me parece que eres un valiente. Y ese es el verdadero éxito, ¿no? Hacerlo. Sí. De hecho, Álvaro, el personaje de El autor, lo consigue al final de la película. Es la primera película con final feliz que hago. El protagonista es un capullo, se queda más solo que la una, pero está feliz porque ha conseguido escribir. ¿No te daba miedo que tu protagonista cayese mal al espectador? Claro. Y también tenía miedo a no saber hacerlo bien. A meter la pata al explorar un tono diferente. Estábamos rodando y el equipo no entendía qué película hacíamos. No sabían si era un drama, una comedia o qué era. Los actores confiaban, pero ni yo mismo sabía decirles qué género era. Yo les decía: “Vamos a ver”. La certeza de los géneros me aburre. A mí lo que me gusta es intentar explorar. Yo Caníbal ya la he hecho, y la anterior, también. Yo trato de evolucionar con las películas. Esa exploración, ¿sucede sobre todo en el rodaje? No, viene desde el principio. Hay una voluntad. Yo hago mucha autocrítica. Cuando termino una película, cojo distancia y hago balance. No tanto de lo que dice la crítica, aunque evidentemente me afecta, sino de lo que dice el público. Hay un momento cuando haces una película en el que ya no la ves, que vas por pura intuición. Pero luego llega otro momento en el que vuelves a verla a través de los ojos de los demás. Y eso para mí sucede cuando enseño diferentes montajes a gente de la que me fío: directores, escritores… Después de la promoción de la película, que es el proceso que más odio, yo me autojuzgo y decido hacia dónde quiero tirar en la siguiente. ¿Por qué odias la promoción? No me aporta nada. En el mejor de los casos es puro narcisismo si te va bien, o frustración, si te va mal. Repetir siempre más o menos lo mismo. Estar en una especie de pelotón esperando a ver si dicen “vivo” o “muerto”. Es un proceso vaciante. Yo haría películas sin que nadie supiera quién soy. Lo que me gusta a mí es rodar. Pero a ti la crítica te ha tratado muy bien. Una crítica positiva puede ser tan negativa como una mala. Porque te lo puedes creer. Hay una cierta impostura en todo esto en la que mantener un equilibrio es muy difícil. ¿Y cómo consigues el equilibrio con los productores para hacer películas tan libres? Yo he tenido suerte. Tuve un momento muy complicado en mi carrera. Todo cineasta en este país pende de un hilo siempre, no sabes nunca si vas a hacer la siguiente película. Yo ahora estoy ya 82 • N OV I EM BR E 2 0 1 7 •

con el siguiente proyecto y estoy ahí intentando financiarlo. La decisión mía fue empezar a producir, a tirar del carro. Desde entonces, solo se han hecho las películas en las que yo era productor o coproductor. He tenido suerte de encontrar aliados en el camino, pero creo que las películas se han hecho por mi empeño. No ha sido fácil. Yo estuve moviendo Caníbal cuatro años. En medio de Caníbal y El autor, se me han caído proyectos. Dicho todo esto, soy un suertudo. Hago películas y las películas que me gustan. Cruzo los dedos para hacer alguna comercial. Mis películas han tenido prestigio pero poco público. Javier Gutiérrez es un actor que no le tiene miedo a nada, ¿no? Es un grandísimo actor. Yo lo vi hace muchísimos años en una obra de Juan Mayorga, con Animalario. Hacía de juez y estaba soberbio. Recuerdo que salí de aquella función pensando que algún día trabajaría con él. Cuando leí la novela y se la pasé a Alejandro [Hernández, coguionista], se le encendieron todas las alertas. Le daba miedo, pero fue decirle que estaba pensando en Javier Gutiérrez para que enseguida viese la película. No solo porque sea un grandísimo actor, sino porque pertenece a esa gran tradición del cine español. El canon que se ha establecido en los último 20 o 30 años es de actores guapos, pero hay toda una tradición en el cine español del hombre de a pie de calle: Sacristán, López Vázquez… y que ahora representan Javier Gutiérrez o Antonio de la Torre. Es verdad que es un canon machista, porque las mujeres se elijen siempre guapas. Es una pena, porque es un canon, el de los hombres, muy rico. Hablando de valientes, hay una secuencia en El autor en la que Javier Gutiérrez se despelota y hace algo muy sorprendente. Yo tenía muy claro esa secuencia. Y también era otra manera de huir de ese canon, de sacar a dos personas normales desnudas. Cuando llegamos a rodar esa escena el equipo tenía dudas. Decían: “Pero no vamos a rodar la escena como dice el guion, ¿no?”. Y yo: “Claro que sí: ‘Viene y pone los huevos encima de la mesa”. Todo el mundo, tragando saliva. En Caníbal, la confesión también estaba al límite del ridículo. Sí, estaba al borde. Y en El autor también hay un montón de momentos que están al límite. De acabar de rodar las escenas y que Javier me mirase… y yo decirle: “Tira p’alante”. El montador me llamó un día y me dijo: “Manolo, estás al límite”. Parece que lo que más disfrutas es la dirección de actores.

La mitad de Óscar.

Javier Gutiérrez, el autor.

No. Creo que es lo que más llama la atención, pero no es lo que más disfruto. Me lo paso muy bien con los actores y les estoy tremendamente agradecido. Se juegan mucho y eso les hace muy generosos. Hay un momento en el que se fían de ti y se lanzan a la aventura. Son increíbles, son artistas. Son capaces de tirarse por la ventana si eso mejora al personaje. Por ejemplo, en La flaqueza del bolchevique, que fue un infierno absoluto, recuerdo que los actores estaban allí conmigo. En esa película yo comprendí que hacer cine es como escribir poesía con una taladradora al lado. Tienes que escribir el poema, buscar la sensibilidad de la escena, la emoción, llevar a los actores a eso… Y el tío de la taladradora no para. Sabiendo eso, les estoy muy agradecido a los actores, pero disfruto igual con la planificación, con el montaje… ¿Qué pasó en el rodaje de La flaqueza del bolchevique? Uf, eso fue hace mucho tiempo. Está ya superado. Se paró el rodaje, hay planos rodados en diciembre y contraplanos rodados cinco meses después. Cuando la vi pegada en Zabaltegi, en el Festival de San Sebastián, y funcionó, dije: “Me ha pasado la cuchilla por aquí”. Me acuerdo de una crítica que decía: “Un pequeño milagro”. Y yo pensé: “No sabes cuánto”. Eso es el cine, rodajes desastrosos y películas maravillosas. Eso es la fe. Eso es la intuición, el esfuerzo y el trabajo, pero es la fe. Cuando haces una toma más tratando de conseguir eso en lo que crees. Si no crees, tiras la toalla y te vas a casa. Háblame de The Miramar Murders, el documental sobre Pablo Ibar, condenado a muerte en EE UU por triple asesinato. No te puedo contar mucho porque tenemos un contrato de confidencialidad. Es una historia en la que llevamos dos años trabajando, rodando lo que está ocurriendo aquí y en Florida. ¿Angustia el documental, acostumbrado a la ficción? Es horroroso. Primero, porque no puedes controlar lo que pasa.

Javier Gutiérrez y Antonio de la Torre en El autor.

Te puedes pasar horas y días sin rodar nada interesante. Por otro lado, el montaje es agotador. Además, estás tratando con gente real que sufre, pero estás contando una historia y estás creando una ficción. Hay personajes pero no son actores que luego desconecten al terminar de rodar. En The Miramar Murders hay un señor que está en la cárcel y una mujer que está luchando por que su marido salga. El documental te coloca en tu sitio como director, te hace humilde. Te das cuenta de que no eres nadie, de que la realidad no te obedece. Es la escuela de la humildad. Hubiese hecho más documentales si en España fuese viable. ‘EL AUTOR’

ESTRENO 17 DE NOVIEMBRE

• NOVIE M BRE 20 1 7 • 83

ORO

BR I LL O Y M U G R E E N LA C ONQUISTA ESPA ÑOL A

DE L A POM PA F R A NQU I STA A L A SOF I ST IC A DA M I R A DA DE ICÍ A R BOL L A Í N E N ‘TA M BI É N L A L LU V I A’. ‘ORO’ E S EL Ú LT I MO AC ERC A M I E N TO A L A AVA R ICI A DE LO S E SPA ÑOL E S E N A M ÉR IC A • Texto J A V I E R O C A Ñ A •

84 • N OV I EM BR E 2 0 1 7 •

En el sentido de las agujas del reloj: También la lluvia (Icíar Bollaín), Aguirre, la cólera de Dios (Werner Herzog), La carabela de la ilusión (Benito Perojo), Cristobal Colón, de oficio… descubridor (Mariano Ozores), El Dorado (Carlos Saura) y Cabeza de vaca (Nicolás Echevarría).

LA POMPA DE LA CONQUISTA y de sus fastos, y la circunstancia de sus estragos externos e internos. España y sus sucesivas sociedades desde la llegada de Colón a las Indias en el año 1492 se han movido en esa compleja dicotomía: la de tener que decidirse entre haber sido pioneros en el descubrimiento del Nuevo Mundo y quizá también en el de haber formado parte de una potencia destructora de las culturas originarias. Entre el acto civilizador y los excesos colonizadores, así se ha ido reflejando también por parte del cine español, que ha ido evolucionando desde la pompa heroica del cine de la dictadura franquista hasta la circunstancia de un hiperrealismo cada vez más decadente y salvaje, que encuentra en el estreno de Oro, de Agustín Díaz Yanes, su última muestra. Basada en un relato de Arturo Pérez-Reverte, con guion del propio escritor y de Díaz Yanes, Oro retrata no tanto a unos conquistadores como a un grupo salvaje descendiente de los westerns de Sam Peckinpah. Un puñado de desheredados en busca de fama y fortuna, con una inmensa facilidad para el arte de la guerra y una alarmante aptitud para la codicia y la luju-

ria. La esquina gangrenada y, sin embargo, más auténtica de un imperio, el español, en combate con el Nuevo Mundo pero, sobre todo, consigo mismo, dispuesto al barro, la sangre y la demencia, en pos de un mito, el de El Dorado, que brillaba por su inexistencia. Una película en la línea desmitificadora del último cine español respecto de su Historia, con mayúscula, a la que ya representó el año pasado otra gran producción: 1898: Los últimos de Filipinas, de Salvador Calvo. Sin embargo, no siempre fue así. A principios de los años 50, aún sin una película española de postín sobre el Descubrimiento, los gerifaltes del franquismo andaban preocupados porque fuera, desde el extranjero, empezaban a surgir visiones peligrosas para la perspectiva única de la dictadura y del recuerdo de la conquista. De modo que tras el estreno de la británica Christopher Columbus (David McDonald, 1949), con Fredric March como protagonista, había que contestar con majestuoso estilo. La respuesta fue Alba de América ( Juan de Orduña, 1951), primera película oficial sobre el Descubrimiento, fruto de un concurso nacional que había ganado la poderosa Cifesa, • NOVIE M BRE 20 1 7 • 85

ORO

De izq. a dcha.: Raúl Arévalo disparando sobre el hombro de Jose Coronado; Bárbara Lennie en Oro (Agustín Díaz Yanes).

productora afín al Régimen. Incluso tuvo que aceptar la imposición de un grupo asesores históricos oficiales, que no iban a permitir el menor desliz, nada que se desviara de una celebración del mito histórico español. La película, cuya idea partía del mismísimo Carrero Blanco, estaba destinada a ser un éxito en todos los sentidos, pero no lo fue. Calificada como “de cartón piedra” por el entonces recientemente nombrado Director General de Cine, José María García Escudero, no se le otorgó la categoría de Interés Nacional, en beneficio de la mucho más crítica y realista Surcos, de Nieves Conde, lo que levantó una gran polémica entre las más altas instancias, que acabó con la dimisión forzada de Escudero y el consiguiente cambio en la calificación. El Régimen puso las cosas en su sitio pero eso no cambiaba la calidad de la película, que fue un fracaso en España y tuvo una escasísima repercusión internacional. En esta misma línea pomposa sobre la conquista ya se habían estrenado antes La nao capitana (Florián Rey, 1947), y Villa Rica del Espíritu Santo (Benito Perojo, 1945), esta última con la particularidad de ser una producción argentina, perteneciente a la etapa en aquel país de Perojo, con cinco películas, y escrita por un guionista uruguayo. Sin embargo, ambientada entre Sevilla y una ciudad colonial del siglo XVI, y rebautizada como La carabela de la ilusión para su estreno en España, no pasaba de ser un folletín romántico con apuntes musicales donde, eso sí, se mostraba a colonos inmigrantes a los que se asignaban una serie de indios a su servicio, con la obligación de adoctrinarlos en la religión cristiana. De todos modos, al final lo esencial era, como siempre, el hallazgo de piedras preciosas en el lugar, y la película no tuvo buenas críticas ni allí ni aquí.

BA J O EL I N FLUJ O D E L A CÓ L ER A D E DI OS • Texto J A V I E R O C A Ñ A •

86 • N OV I EM BR E 2 0 1 7 •

Tras La araucana ( Julio Coll, 1971), sobre la conquista de Chile emprendida por Pedro de Valdivia a mediados del siglo XVI, ya en los años 80, y por tanto en democracia, llegó el monumental delirio de Mariano Ozores en Cristóbal Colón, de oficio... descubridor (1982), con Andrés Pajares como el navegante, y la curiosidad, y cierto atrevimiento, de ver a Torquemada, interpretado por Quique Camoiras, como un sosias de Adolf Hitler, brazo en alto y actitud fascista.

EL DORADO COMO UNA DROGA

Carlos Saura abordó en 1988 El Dorado, la odisea por el río Marañón y sus tierras aledañas, en 1560, de un grupo de soldados españoles al mando de don Pedro de Ursúa, y en el que también se encontraba el personaje más fascinante y terrible de la conquista, Lope de Aguirre, o Aguirre el Loco, al que ya se había acercado el alemán Werner Herzog en 1972 [ver despiece]. En la película más cara del cine español hasta esa fecha, Saura mostró el mito de El Dorado casi como una droga que lleva a la locura y a la sinrazón. La persecución de un fantasma mítico, y falso, alimentado por los propios indios, que provocó el descubrimiento de zonas particularmente inaccesibles que, de otro modo, se hubieran tardado años en palpar, pero nunca el ansiado oro. Al igual que la historia de Aguirre y sus hombres, la película fue considerada un fiasco en su momento, sin embargo, con el paso de los años, esa aureola se ha revitalizado un tanto y sus cifras –medio millón de espectadores en España– confirman que se quedó por debajo de las expectativas pero que en modo alguno es una película olvidable. Con los fastos del quinto centenario arribó la segunda película oficial del Descubrimiento:

La producción ajena al cine español en torno a la conquista de las Indias está marcada por una figura emblemática, la de Klaus Kinski encarnando a Lope de Aguirre en la película de Werner Herzog Aguirre, la cólera de Dios (1972): el relato so-

bre el loco delirante que soñó con conformar un imperio aparte del español en la selva amazónica, recreado por un megalómano cinematográfico fascinante e interpretada por un demente. Quizá en esa conjunción se halle el secreto

RUIZ CALDERA + ARIAS

Alba de América (Juan de Orduña).

1492: La conquista del paraíso (1992), coproducción hispanofrancesa dirigida por Ridley Scott, que se aproximó a la figura de Colón, al que encarna Gérard Depardieu, casi desde un punto de vista hagiográfico, pero incluyendo no pocas críticas a la actitud de la corte española. “Ellos no son salvajes, y tampoco lo seremos nosotros”, clama el descubridor, que pide respeto a las creencias de los nativos mientras advierte de que se castigarán los excesos. “Si hay que convertir a los nativos a nuestras costumbres, será por la persuasión y no por la fuerza” es una de las frases señeras de la película, pero el relato acaba dividiéndose claramente en dos. Una primera mitad, asentada en la gloria. Y una segunda mitad donde reina la miseria, comandada además por las intrigas palaciegas y de poder. Se huelen las riquezas, y la inicial arenga del navegante genovés, “¡yo estuve en la Santa María, yo estuve en la Pinta!”, va dando paso a la vulnerabilidad de los conquistadores en tierra desconocida, a las nuevas enfermedades, a los peligros naturales, a la ambición desmesurada. Entre los últimos acercamientos del cine español a la conquista, y antes del desembarco de los brutales personajes de Pérez-Reverte y Díaz Yanes, destacan dos títulos. Cabeza de vaca

de una obra imperecedera sobre un tema, el del encuentro con el Nuevo Mundo por parte de los españoles, que poco a poco encontró voz propia en los países donde se desarrolló, con películas locales como la venezolana Jericó (1991) [foto], y las

mexicanas Nuevo Mundo (1978), La otra conquista (1998) y La carga (2016), e igualmente de otros países, como las británicas La caza real del sol (sobre Pizarro) y Cristóbal Colón: el descubrimiento (la alternativa al 1492 de Scott), o la película de

(Nicolás Echevarría, 1991), película mexicana con una pequeña parte de producción española, y con Juan Diego de protagonista, de excelente ambientación y buenas críticas en su presentación en el Festival de Berlín. Y También la lluvia (Icíar Bollaín, 2010), que establecía interesantes, y novedosos, paralelismos entre la conquista de América de los siglos XV y XVI y el imperialismo económico contemporáneo, el de la productora de una película, con su actitud respecto de los extras, y el de una multinacional que recoge el negocio del agua tras una privatización. El agua es el nuevo oro, y Bollaín y su guionista, Paul Laverty, hablaron sin tapujos del expolio español y de la necesaria toma de conciencia que se ha ido imponiendo sobre la visión grandilocuente y uniforme de décadas pasadas. Sobre la imagen acartonada de aquella Alba de América del franquismo, se ha pegado como el cieno una nueva perspectiva cinematográfica que ha sabido ver la importancia histórica de aquellos conquistadores, pero también el lado oscuro de una España imperial donde, como en Oro, habitan la codicia, la violencia y la mugre. ‘ORO’

EST REN O 10 D E NOVIE MBRE

animación de DreamWorks La ruta hacia El Dorado. Y asunto distinto es el de la piratería en el Caribe Español, en la llamada Ruta de las Indias, convertida en lugar para bucaneros y corsarios, a veces actuando por

cuenta de sus reyes, que se llevaban una parte del botín. Figuras y hechos representados en películas de aventuras como El capitán Blood, El cisne negro, El corsario negro y la saga Piratas del Caribe [foto].

• NOVIE M BRE 20 1 7 • 87

SOPA DE

EST R ELL A S ¿ E R E S P R O D U C TO R ? ¿Q U I E R E S DA R L A C A M PA N A DA ? R E Ú N E E N T U F I L M E A TO D O S LO S AC TO R E S Y AC T R I C E S C É L E B R E S Q U E T E P E R M I TA E L TA LO N A R I O, Y E S P E R A A Q U E L A P R E N S A Y E L P Ú B L I CO H AG A N E L R E S TO • Texto Y A G O G A R C Í A •

A L C O M PÁ S D E L C H AC AC H Á . . . Asesinato en el Orient Express (1974)

“Puestos a tratar con la aristocracia –debió de decirse el director Sidney Lumet– hagámoslo hasta el final”. Si Lord Mountbatten (el último virrey británico de India) había mediado entre Agatha Christie y los productores de Asesinato en el Orient Express para obtener el permiso de la novelista, Lumet reunió en su tren homicida a una corte cuyos miembros disfrutaron saltándose los estereotipos. El Poirot de Albert Finney (a años luz de Sábado noche, domingo mañana), una felina Lauren Bacall, Sean Connery luciendo bigotón y el viscoso Michael York fueron algunos pasajeros de un viaje cuya estación término fueron los Oscar, con cinco nominaciones y una victoria: la de esa Ingrid Bergman que, tres décadas después, se resarcía de todo aquello de Rossellini, el adulterio y el ostracismo.

¡ PA S O, Q U E VA M O S A R D I E N D O !

El coloso en llamas (1974)

Tenía que salir una película de catástrofes, ¿verdad? Paul Newman, William Holden, O. J. Simpson, Jennifer Jones y Faye Dunaway lucieron uno de los vestuarios más horteras de la historia en esta ración de rascacielos a la brasa. Mención especial para Fred Astaire (que, anciano ya, se marcó un bailecito) y para ese Steve McQueen cuyo uniforme de bombero sobrevive al paso de cualquier moda.

C Ó M I C O S A C A PA Z O S

El mundo está loco, loco, loco, loco (1963)

Milton Berle, Sid Caesar, Don Knotts, Jim Backus, Jack Benny, la atronadora Ethel Merman… Tal vez estos nombres no nos suenen en España, pero en EE UU fueron y son instituciones de la comedia. Por eso Stanley Kramer, dispuesto a sonreír por una vez, los puso a la caza del tesoro en este filme con aspiraciones a ser el más gracioso de todos los tiempos, en el que también participan Mickey Rooney y Spencer Tracy. De entre su alud de cameos, destacamos cuatro: Peter Falk como taxista parlanchín, un Jerry Lewis en la cumbre de sus poderes, los Tres Chiflados al completo y ese Buster Keaton de 67 años y agilidad apabullante. • N OVI EM BRE 201 7 • 89

R E P A R T O S

C O R A L E S

SOCIOS Y SABUESOS

Un cadáver a los postres (1976)

David Niven pensaba que aquello era un bodrio. Peter Sellers le gastaba bromas pesadas a Alec Guinness. Katharine Hepburn se negó a participar (su rol fue para Elsa Lanchester) mientras que Maggie Smith prefería jugar al Scrabble con James Coco. ¿Cómo rematar la locura de esta parodia policíaca? Pues invitando a Truman Capote para que pusiera en marcha la intriga.

ARROBA S DE HORMONA S

A BOMBA ZO LIMPIO

¿ AMOR U ODIO?

Tras petarlo con Los mercenarios (2010), Sylvester Stallone sube la dosis de clembuterol. Le acompañan Schwarzenegger, Dolph Lundgren, Chuck Norris y un Van Damme desquiciadísimo.

Superproducción bélica con reparto de lujo: Dirk Bogarde, Sean Connery, Michael Caine, Gene Hackman y Ryan O’Neal, entre otros, reviven la desastrosa invasión aliada de Holanda en 1944.

Una de dos: o la visión de Emma Thompson, Colin Firth, Alan Rickman, Hugh Grant y compañía te conmueve, o (como Peter Capaldi en In the Loop) usas el título del filme para insultar a la gente.

Los mercenarios 2 (2012)

Un puente lejano (1977)

Love Actually (2003)

CORTE POR LO SANO

N O H AY A B S O L U C I Ó N

SECRETO IBÉRICO

Para adaptar relatos de Raymond Carver, Robert Altman reúne un censo del cine indie (y no tan indie) de los 90: Robert Downey Jr., Chris Penn, Julianne Moore, Andie McDowell…

Adaptar el cómic de Frank Miller requería rostros de cemento y anatomías sinuosas. Mickey Rourke, Jessica Alba, Bruce Willis, Clive Owen y el resto del reparto del filme las proveyeron con gusto.

Paco Rabal, José Sacristán, Fernán Gómez y Ana Belén, juntos y revueltos en una adaptación de Camilo José Cela en la que el propio hace un cameo. Las superproducciones corales a la española son así.

Vidas cruzadas (1993)

90 • N OVI E MB R E 20 1 7 •

Sin City (2005)

La colmena (1982)

R E P A R T O S

C O R A L E S

ELEM EN TA L, QU ER I DO BR A NAGH R E S U C I TA D O PA R A H O L LY W O O D G R AC I A S A ‘ C E N I C I E N TA’, E L D I R EC TO R Y AC TO R D E B E L FA S T P O N E OT R A V E Z E N M A R C H A E L E X P R E S O D E AG AT H A C H R I S T I E CO N U N N U E VO R E PA R TO D E L UJ O

P O I R O T V U E LV E

Asesinato en el Orient Express (2017)

Presentando su versión (¿o remake?) de Asesinato en el Orient Express, Kenneth Branagh se lo toma bien cuando le repiten cierta famosa frase de Orson Welles. Al autor de Enrique V (y de Thor, que hay que decirlo todo) le hace gracia eso de que el cine es el mayor y más hermoso tren eléctrico del mundo. “Puede ser excitante, glamuroso, romántico, letal… Es un espacio claustrofóbico en el que la gente es puesta a prueba, los nervios se tensan y surgen el drama y el conflicto, que son básicos en toda buena historia”, explica el cineasta nacido en Belfast. Por lo pronto, Branagh ha aprovechado el crédito financiero de Cenicienta (2015). Aunque no pudo darse un garbeo por el recorrido original del Orient Express (llevarse una producción entera desde París a Estambul, pasando por Vene-

cia, habría sido un tanto excesivo), sí que contó con una auténtica locomotora en su plató de Surrey. Y, a bordo de los vagones, una lista de nombres que da pie a suposiciones maliciosas sobre cuántas cifras (a la larga… o a la baja) habrán figurado en los cheques correspondientes. Bien es verdad que Judi Dench sigue siendo una institución, que Penélope Cruz tiene más que ganado su lugar en Hollywood y que Daisy Ridley (que estrena Star Wars: Los últimos Jedi en diciembre) es un valor en alza. Pero, ¿qué hay de esa Michelle Pfeiffer sin un papel a su altura desde hace una década larga? Y, sobre todo, ¿cómo afectará a la taquilla del filme la presencia de Johnny Depp? Escándalos matrimoniales aparte, el actor de Ed Wood lleva muchos años encabezando las listas de intérpretes menos rentables de Hollywood. Tenerle aquí como Ratchett, uno de los personajes más importantes de

la novela de Agatha Christie, podría hacer que más de un inversor se llevase las manos a la cabeza. Basta con haber visto la película de Sidney Lumet (p. 88) para tener una idea de cómo va a desarrollarse Asesinato en el Orient Express: las adaptaciones, es lo que tienen. Pero a Branagh se le ve con la moral alta: no solo dirige la película, sino que investiga el caso interpretando a Hércules Poirot. Y, además, está dispuesto a lucir el bigote del detective belga (ese al que Christie describió como “Un hombrecillo detestable, bombástico, cansino y egocéntrico”) en más películas. “Judi Dench se lo pasó tan bien que me propuso hacer otra película de Poirot con el mismo reparto”, señala Branagh. “Para la próxima, me dijo que ella estaba dispuesta a ponerse el bigote”. ‘ASESINATO EN EL ORIENT EXPRESS’ EST REN O 24 DE N OVI EM B RE

• N OVI EM BRE 201 7 • 91

LA PRINCESA PROMETIDA

CU ÉN TA M E U N C U E N TO E SGR I M A + LUC H A + TORT U R A S + V E N E NO S + A MOR V ER DA DERO + ODIO + V E NGA NZ A S + GIGA N T E S + C A Z A DOR E S + HOM BR E S M A LO S + HOM BR E S BU E NO S = ¿L A PEL ÍC U L A M Á S CI TA BL E DE L A H I STOR I A DEL CI N E? • Texto R U B É N R O M E R O S A N T O S •

“El amor verdadero es lo mejor del mundo, después de los caramelos para la tos”, aunque

también hay quien sostiene que “el amor verdadero es lo mejor que existe, salvo quizá los bocadillos de cordero”. De esas disquisiciones, que pueden leerse en las páginas de la novela La princesa prometida, hablaban un joven director llamado Rob Reiner y un productor llamado Andy Scheinman. Su conversación llegó a los oídos de otra clienta del local, que se acercó a Reiner, dejándole impresionado: “Me contó que había conseguido mantener con vida a unos montañeros atrapados por una avalancha narrándoles la novela y repitiendo pasajes que se sabía de memoria”. A Reiner, como a casi todos los implicados en su producción, la obra también le era muy familiar.

LA FAMILIA GOLDMAN

William Goldman, buen escritor y mejor guionista, ya había ganado un Oscar por Dos hombres y un destino (después ganaría el segundo, por Todos los hombres del presidente). A finales de los 60, iba con sus hijas en el coche cuando, para darles conversación en los años previos al Candy Crush, se le ocurrió pre-

guntarles de qué tenía que ir su próxima novela: “Una de ellas me dijo que tenía que ir de una princesa, y otra de una novia. Así surgió La princesa prometida”. Era 1973 y, a pesar de su éxito comercial entre los jóvenes, Goldman no consiguió que la adaptasen. Se habla de François Truffaut, se habla de Norman Jewison, pero la novela parece maldita.

LA FAMILIA REINER

En uno de sus intentos, Goldman le envió la novela a Carl Reiner, director, actor y autor de prestigio. Carl sabía que su hijo Rob era fan de la obra de Goldman, así que se la prestó para su lectura: “No sé qué quería hacer con la novela y ni siquiera si llegó a leerla […] Para mí, fue una de esas ocasiones en las que piensas que el escritor está en tu cabeza […] Me enamoré de ella, era lo mejor que había leído nunca. Pasó el tiempo y empecé a rodar, y después de dos películas pensé en que se adaptan novelas al cine, y en qué me gustaría a mí adaptar y me acordé de La princesa prometida”. También era una manera de ajustar cuentas con un padre con el que, como buen judío neoyorquino y neurótico, tenía una relación de • N OVI EM BRE 201 7 • 93

LA PRINCESA PROMETIDA

amor y odio: él sería capaz de encontrar oro en lo que su padre había considerado paja. Por entonces, Rob Reiner había firmado dos películas: la madre de todos los mockumentaries, This Is Spinal Tap, y una comedia romántica para adolescentes como Juegos de amor en la universidad. Reiner cuenta en el making of que eso fue lo que convenció a Goldman: “Había rodado primero una sátira y después una historia de amor. La princesa prometida era la mezcla de ambas”.

LA GRAN FAMILIA

Hasta entonces, Reiner solía trabajar con gente a la que conocía por su faceta como actor o por su entorno familiar. Pero el nuevo proyecto era distinto. Necesitaba a una pareja protagonista tan perfecta que fuera capaz de representar ese momento en el que se nos dice que Westley y Buttercup se dan el beso más puro de la historia. “También necesitaba a un gigante, y no tenía muchos amigos que encajaran en el papel. La película era como un cuento clásico inglés, así que tenían que tener acento inglés…”. Reiner se fijó en Cary Elwes, protagonista de Lady Jane (Trevor Nunn, 1986) al das después por Homeland, también quiso aportar su párrafo a este cuento familiar: “Mi padre había muerto en 1972. Leí el guion y supe que quería ser Íñigo porque mi cabeza pensaba que, si daba muerte al Hombre de los Seis Dedos, recuperaría a mi padre. Que estaría vivo en mi imaginación”. La guinda la pondría un carismático luchador de wrestling, André el Gigante: si bien se consideró a Arnold Schwarzenegger para Frezzik, Goldman se enamoró de André –y de toda la humanidad que albergaban sus dos metros y 24 centímetros de altura y sus 240 kilos de peso– en un espectáculo en el Madison Square Garden.

CENAS EN FAMILIA

Si algún cuento puede competir en perfección con La princesa prometida, ese es As You Wish: Inconceivable Tales from the Making of The Princess Bride, las memorias de rodaje de Cary Elwes. Más que trabajar, director y actores están flotando en un pequeño inque fueron a conocer a Alemania, donde rodaba. Atravesaron Europa tras el desastre de Chernóbil, lo que para los yanquis era algo así como el Pantano de Fuego y los Acantilados de la Locura, todo en uno. Al llegar, el director encontró un chico tan atractivo como gracioso que, pese a su tez pálida, era capaz de imitar ¡a Bill Cosby! Faltaba “la mujer más guapa del mundo”, o sea, Buttercup. No había manera de dar con ella. Una joven Robin Wright, actriz del culebrón Santa Bárbara, fue la solución, de nuevo, por cuestiones de parentesco: “Aunque sea estadounidense, tiene un padrastro inglés”. Ella, modesta, cree que fue una sonrisa del destino: “Mi teoría es que estaban hartos de hacer castings. Creo que iban por las 500 chicas […] Tuve suerte. Estaban agotados”. En el filme, Buttercup no se casaría con el malvado Humperdinck, pero la desalmada televisión la obligó a mantener relaciones con su serie un año más. Los secundarios fueron más sencillos. Mandy ‘Me llamo Íñigo Montoya’ Patinkin, actor de Broadway famoso déca94 • N OVI E MB R E 20 1 7 •

LA PRINCESA PROMETIDA

terludio de felicidad. Sin embargo, si se lee entre líneas, Reiner acabó un poco harto de las manías e inseguridades de Patinkin y de Wallace Shawn, que interpreta al derrotado Vizzini en la Batalla de Ingenios. Acostumbrado a la velocidad televisiva, a Reiner le exasperaba la meticulosidad de dos actores que provenían del teatro. André era el alma de la fiesta, que lo mismo asustaba que asombraba a sus compañeros de reparto, como recuerda Robin Wright: “La primera vez que fui a cenar con él pidió cuatro o cinco entrantes. No bromeo. Tres o cuatro cócteles, un par de panecillos y entonces dijo que ya estaba listo para los segundos. Y para el postre. Era un saco sin fondo. Podía beberse una caja de vino y ni siquiera cogía el puntito”. Andy Scheinman, el productor, afirma que Robin no exagera, y que un día se presentó en el plató con retraso y confesó: “Anoche me bebí tres botellas de coñac y doce botellas de vino […] Estoy un poco mareado”. El gran reto técnico fue, por supuesto, “el duelo de espadas más grande jamás filmado”. Patinkin y Elwes tenían que batirse con ambas manos y, además, Bob Anderson, el gran maestro que des-

A la derecha, de arriba abajo: Rob Reiner con el Milagroso Max (Billy Crystal); con Cary Elwes y Mandy Patinkin; lucha de espadas: “¡Me llamo Íñigo Montoya!”; con André el gigante. Aquí: Buttercup (Robin Wright) y su Westley; Humperdinck (Chris Sarandon) y Vizzini (Wallace Shawn).

en un clásico, lo cual tiene su lógica: el rebobinado era clave para memorizar los diálogos de la película más citable de la historia. Se hizo tan popular que hasta Juan Pablo II, según la versión del cuento de Cary Elwes, le comentó que era fan en una recepción papal, e incluso los matones de John Gotti, el gran capo de la mafia neoyorquina, abordaron a Reiner con el mítico “Me llamo Íñigo Montoya” a la salida de un restaurante… Si ya entonces no era un cuento de niños, hoy La princesa prometida se ha convertido en algo mucho más serio: Hadley Freeman, por ejemplo, lo considera un icono feminista en uno de sus ensayos de Time of My Life (editado en español por Blackie Books), y parece complicado que películas como Shrek o Los increíbles pudieran haberse realizado sin su persistencia en la memoria de toda una generación que, todavía hoy, no la ha olvidado, convirtiéndola en carne de gif. Parece que, como el Pirata Roberts, La princesa prometida seguirá robándonos el corazón por siempre jamás. pués trabajaría en Alatriste, les obligó a aprenderse los movimientos del rival. La princesa prometida pasó a la historia de los grandes hitos del VHS, esas películas defenestradas en taquilla y rescatadas por el vídeo doméstico, como Blade Runner y La matanza de Texas. No fue tal debacle en los cines como la primera (costó 16 millones de dólares y recaudó 30), ni tuvo problemas de censura como la segunda. Pero la taquilla habló y no estaba por “el amor verdadero” y sí por “el amor farolero”, el de pensar que todas las mujeres del mundo estaban locatis por Michael Douglas, como en Atracción fatal, el gran taquillazo de 1987. En parte porque, según Reiner, Fox no sabía qué hacer con aquel cuento infantil para adultos: “No eran capaces de distribuir un tráiler. No pusieron ni una página de publicidad. Fue descorazonador”. Para Scheinman: “El título sonaba blando, sobre todo si no sabes de qué va. Y nadie lo sabía. […] Los universitarios pensaban que era una película para niños”. Pero ocurrió lo “¡inconcebible!” y el VHS la convirtió • N OVI EM BRE 201 7 • 95

Enganchados hasta el último episodio

‘EL JOVEN SHELDON’ ¿Recuedas al hijito de Shailene Woodley en Big Little Lies? El joven Iain Armitage regresa a la pequeña pantalla en la piel de Sheldon Cooper. Sí, el engreído y metódico científico de Big Bang, pero sin las muelas del juicio ni Penny a la que atormentar. El cocreador de Big Bang, Chuck Lorre, se une a Steven Molaro para firmar esta precuela ambientada en 1989 en Texas, donde el pequeño Cooper, un niño prodigio de nueve años, se prepara para empezar el instituto. Lo acompañan Zoe

Perry como Mary, la devota madre de familia; Lance Barber como George, el padre alcohólico; Raegan Revord en la piel de Missy, su hermana gemela; Montana Jordan como Geroge, su hermano mayor; y Jim Parsons (el Sheldon adulto) como narrador y productor de la serie. ¿Se disfrazará el joven protagonista de Flash? ¿Qué tal se le dará eso de relacionarse con sus compañeros de pupitre? Este nerd con pajarita promete mucho “Piedra, papel, tijera, lagarto, Spock”. POR Janire Zurbano

E S T R E N O MOVISTAR SERIES 3/11

EL FENÓMENO

Dory, Elliott, Drew y Portia: millennials, hipsters y ‘criminales’ en apuros.

‘S E ARCH PART Y’

SE HA TUITEADO UN CRIMEN DE DETECTIVES NOVATOS A ‘ASESINOS’ PARANOICOS. LA REVELACIÓN SERIÉFILA PROTAGONIZADA POR ALIA SHAWKAT Y SU ‘PANDILLA SCOOBY’ REGRESA CON UNA SEGUNDA ENTREGA MÁS ‘HITCHCOCKIANA’ POR

Janire Zurbano

A reina muerta, reina puesta. Alia Shawkat, eterna Maeby Fünke de Arrested Development y amiguísima de Aubrey Plaza, se erigía el año pasado como la nueva Lena Dunham de la tele gracias a la sitcom noir Search Party, una aproximación satírica y detectivesca a esa generación millennial de Girls: igual de perdida, más narcisista y con la imperiosa necesidad de compartir todo en redes. En la primera entrega, Dory, una “Colombo hipster de Brooklyn” (palabras de Shawkat) se embarcaba junto a su ‘pandilla Scooby’ (John Reynolds, Meredith Hagner y John Early) en una alocada pesquisa para dar con una joven desaparecida a la que conocieron en la universidad. Toda una odisea para terminar descubriendo, en un brillante giro final, que no había misterio que resolver.

La segunda temporada arranca ahora con un cadáver (¿recordáis a Keith?) en el armario. “Parece un tutorial de YouTube de ‘Cómo enterrar un cuerpo”, afirma la actriz sobre la nueva tanda de episodios. Los protagonistas han pasado de ser los aprendices de detective a unos ‘malos’ de la película, que, entre brunch y brunch, deben deshacerse de un muerto y evitar que los pillen. “Aunque esconderán las evidencias, no pararán de dudar: ‘Espera, ¿qué hay de las huellas? ¿Y esto otro?’ La primera temporada era como las novelas de Nancy Drew y la segunda será más hitchcockiana, llena de paranoia y miedo”, asegura la intérprete. Tendrán que alejarse de ventanas indiscretas. O móviles indiscretos.

ESTRENO T2 T N T 26/11

ESTR ENOS DEL MES ARROW 6T SYFY 20/10 THE WALKING DEAD 8T FOX 23/10 THE GIFTED: LOS ELEGIDOS FOX 23/10 SCANDAL 7T (DUAL) FOX LIFE 24/10 LOCH NESS CALLE 13 24/10 LA ZONA MOVISTAR SERIES 27/10 STRANGER THINGS 2T NETFLIX 27/10 CHICAGO JUSTICE CALLE 13 1/11 EL JOVEN SHELDON MOVISTAR SERIES 3/11 ALIAS GRACE NETFLIX 3/11

THE MINDY PROJECT COSMO (MARATÓN) 4/11 SMILF MOVISTAR SERIES 5/11 PROFESOR T. COSMO 6/11 SHAMELESS 8T MOVISTAR SERIES 6/11 MAJOR CRIMES 6T TNT 9/11 LEY Y ORDEN TRUE CRIME: EL CASO MENENDEZ CALLE 13 9/11 BUENA CONDUCTA 2T TNT 14/11 CHANCE 2T CALLE 13 14/11 FUTURE MAN HBO 15/11 MACGYVER 2T FOX 15/11

MUDBOUND NETFLIX 17/11 BLACK-ISH 4T TNT 17/11 MOM 6T TNT 17/11 GODLESS NETFLIX 22/11 BARBRA NETFLIX 22/11 MARVEL’S RUNAWAYS HBO 22/11 NOLA DARLING NETFLIX 23/11 SEARCH PARTY 2T TNT 26/11 GET SHORTY HBO 27/11

• NOVIE M BRE 20 1 7 • 97

REPORTAJE

¿Qué será de Will, Mike, Dustin y Lucas sin Eleven?

S T R A NGER T HI NGS 2

CHICOS EXTRAÑOS, MENTES PRODIGIOSAS LOS ‘GOONIES’ DE HAWKINS, INDIANA, VUELVEN CON UNA SEGUNDA TEMPORADA. AMPLÍAN LA TROPA, JUEGAN A MÁQUINAS RECREATIVAS… Y LLUEVEN DEMOGORGONS POR Rubén Romero Santos

QUERIDOS MILLENNIALS, YA SOIS AGUA PASADA.

Fue bonito mientras duró, pero la inexorable ley del tiempo os ha atropellado. Al menos, eso es lo que se desprende al hablar con Noah Schnapp (Will), Gaten Matarazzo (Dustin) y Caleb McLaughlin (Lucas), o sea, la mitad de la cuchipandi postmillennial de Stranger Things. Nacidos después de 2001, da miedo entrevistarlos porque es como si todos hubieran visitado el multiverso que solo pisó Will, y se hubieran traído de vuelta una locuacidad y capacidad de raciocinio aristotélicas. Noah es algo así como un mini Chris Evans, con el pelo peinado a raya y engominado. Es el arquetipo del protagonista de anuncio de refresco azucarado: siempre positivo, feliz, sonriente. Lo cual contrasta con lo poco que se ha filtrado de una nueva entrega en la que él y sus problemas heredados de su temporadita en el multiverso serán el eje principal. “Tengo un montón de escenas muy emotivas. Winona 98 • N OV I EM BR E 2 0 1 7 •

[Ryder] me ha ayudado mucho. Se sentó conmigo, me dio consejos… Ella fue una niña actriz, y sabe cómo van estas cosas”. Traduciendo, que a la pobre Joyce (Winona Ryder) le toca otra vez ‘de sufrir’ como una folclórica… “Esta temporada vamos a saber más de cada personaje, y es mucho más oscura y terrorífica”. Lo cual pone en un brete a Gaten, el payasete del grupo. “Mi actitud ya no puede ser despreocupada y optimista: ha pasado algo muy traumático”. Uno tiene la sensación de que, de ser así, es probable que Gaten deslumbre. El niño-actor arrastra una tristeza infinita, la de convivir toda su vida con el síndrome de displasia cleidocraneal, esa extraña enfermedad genética por la cual no tiene clavículas ni dientes… A través de su dentadura postiza, susurra su alegría por el protagonismo de Will: “En la primera temporada no venía ni a las ruedas de prensa. Y, sin embargo, la serie es sobre él y su familia.

De izq. a dcha. de arriba abajo: Joyce (Winona Ryder), lidiando con el estrés postmultiverso de Will (Noah Schnapp); así celebran los cazademogorgons de Hawkins un Halloween ochentero; Jonathan (Charlie Heaton) y Nancy (Natalia Dyer), dos adolescentes en apuros; y el agente Jim Hopper (David Harbour), con las manos en una viscosa masa.

Tendría que llamarse La desaparición de Will Byers en vez de Stranger Things”. Gaten es el responsable del trío, como si la seriedad descansase sobre sus hombros enfermos. Habla de la escuela, pero también de las diferencias entre televisión y teatro: “Los Duffer (los creadores de la serie) no habían escrito demasiado de Dustin hasta que yo hice el casting. Se suponía que tenía sobrepeso, y que era silencioso, tímido y con gafas. Cuando me conocieron, lo cambiaron. Es un ejemplo de que siempre nos escuchan. Piensan en nosotros no solo como actores, sino también como gente que puede mejorar la serie. En las obras de teatro que he hecho hasta ahora, nadie habla con los niños, pasan de nosotros, pero ellos no”. L A N U E VA C H I C A ‘ G O O N I E ’ Los Duffer, por cierto, viven obsesionados con que nada se desvele de la nueva temporada: los chicos hablan de guiones que cambian a última hora, de títulos de capítulos confusos y, por supuesto, hay orden estricta de no hablar de Eleven… El secretismo sobre la nueva temporada alcanza hasta la vida familiar, según Caleb: “En esta segunda temporada las normas de privacidad han sido muy estrictas. Mis padres sabían algo de la primera temporada, pero en la segunda, como se pasan todo el día reservándome vuelos, están menos enterados”. Caleb es algo así como el vacilón del grupo. Se sienta del revés en la silla, presume de lo mucho que liga y de que gracias a

la serie “puedo llevar unos trajes muy chulos a las fiestas de la industria”. Aun así, sabemos que, en la nueva temporada, la cuchipandi se amplía. Hay una chica llamada Max (Sadie Sink), que tiene un hermano con muy malas pulgas llamado Billy (Dacre Montgomery). Llueve sobre mojado: si Eleven Fist, denueva día y ya había causado disputas entre los muchachos, Iron la chica de noche. volverá a romperles el corazón. “Viene de San Diego y va a cambiar nuestra vida completamente”, cuenta Gaten. A los tres les encantan todas esas referencias cinematográficas que los Duffer les han hecho ver y que conforman la memoria sentimental de los 80: Los Goonies, E.T., el extraterrestre, Cuenta conmigo, Exploradores, Gremlins… Claro que, por aquel entonces, ver a personajes afroamericanos como Caleb en una pantalla era la excepción. ¿Lo sigue siendo todavía hoy? “Mucha gente me dice que no ven a gente de color en la televisión y que mi personaje es una motivación. Es triste, pero, por otra parte, me alegra que las cosas estén cambiando porque cuando yo era pequeño no había ni eso. En Stranger Things, por ejemplo, el profe Clarke también tiene una novia asiática. Llevará su tiempo, pero lo conseguiremos”. Y ya que nos hemos puesto tan seriotes, turno para preguntarle al bromista Caleb qué es lo que de verdad le asusta más que un Demogorgon: “La gente a la que no le preocupa la vida de los demás. Esos son los verdaderos monstruos”. ESTRENO 2T NETFLIX 27/10

• NOVIE M BRE 20 1 7 • 99

REPORTAJE

PEQUEÑAS HEROÍNAS EN SERIE ESTAS NIÑAS DE ACCIÓN SACAN FUERZAS DE PUBERTAD PARA REINAR EN TELEVISIÓN POR Janire Zurbano

No existe Demogorgon que se atreva a robar un gofre a la telépata Eleven.

MILLIE BOBBY BROWN / ELEVEN & SADIE SINK / MAX Stranger Things

Su parecido razonable, aunque solo sea por la cabeza rapada, con Imperator Furiosa (Mad Max) o Negasonic Teenage Warhead (Deadpool) debería habernos puesto sobre aviso: Eleven es una máquina de acción con poderes telequinéticos que tan pronto hace sal-

tar por los aires una furgoneta como roba gofres en algún supermercado. Admitámoslo, de nos ser por ella, Mike, Dustin y Lucas no sobrevivirían ni a un resfriado. Tanto es así que, tras la desaparición de la pequeña, se han visto obligados a reclutar a Max, una nueva e intrépida jovencita. ¿Conseguirá Sadie Sink robar una pizca de protagonismo a Millie Bobby Brown en el segundo asalto contra el Otro Lado?

EN EL CINE Herederas de Hit-Girl

MAISIE WILLIAMS es ARYA Juego de tronos

BELLA RAMSEY es LYANNA Juego de tronos

Esta pequeñaja con una isla a su cargo, y capaz de desafiar a Stannis Baratheon, es la dirigente íntegra que todo país sueña con tener.

Antes de convertirse en la antiheroína más sexy de DC, Selina era la mejor aliada teen de James Gordon y Bruce Wayne.

SOPHIE Inspector Gadget

INGER NILSSON es PIPPI Pippi Calzaslargas

SAKURA Sakura, cazadora de cartas

Reza por no estar en la lista de futuras víctimas de esta joven asesina, o comprobarás lo corta que es la esperanza de vida en Poniente.

El mejor gadget del inspector tiene astucia, coletas e inventó el iPad con su libro electrónico antes que Steve Jobs. ¡Bendita sobrina!

100 • N OV I EM BR E 2 0 1 7 •

La traviesa pelirroja con las trenzas más tiesas de la TV sirvió de inspiración para la hacker gótica Lisbeth Salander (Millennium).

CAMREN BICONDOVA es SELINA/CATWOMAN Gotham

Ni Son Goku, ni Ash Ketchum. La heroína manga es Sakura Kinomoto. La cazadora de cartas clow volverá con una secuela en 2018.

Desde que una Chloë Grace Moretz con peluca morada y puntería de francotirador aterrizara en la gran pantalla con Kick-Ass (comiéndose con patatas a Aaron Taylor-Johnson y Nicolas Cage), el cine se ha postrado ante las pequeñas grandes heroínas de acción. 2017 da buena fe: el futuro mutante está en buenas garras con Laura (Logan), la causa ecológica ha encontrado a su mejor aliada en Mija (Okja). No hay Pennywise que pueda con Beverly (It), ni Woody Harrelson que se resista a Nova (La guerra del planeta de los simios). ¿Y qué nos decís de la pequeña Diana Prince (Wonder Woman) imitando a sus admiradas amazonas?

SUPERHÉROES EN LA EDAD DEL PAVO ESTAS SERIES LLEGAN CARGADAS DE PODERES, HORMONAS Y MÁS HEROÍNAS DE ACCIÓN POR Janire Zurbano

REBELDES CON CAUSA Runaways

¿Qué haces si descubres que tus padres forman parte de una organización criminal llamada El Orgullo? Los protagonistas marvelitas de Runaways, como buenos adolescentes, deciden desobedecer a sus progenitores y escapar de casa para convertirse en superhéroes. Y las heroínas son mayoría: Nico Minoru (Lyrica Okano) es gótica, bruja y la líder; la extraterrestre Karolina Dean (Virginia Gardner) manipula la energía solar; Gert Yorkes (Ariela Barer) crea un vínculo mental con el dinosaurio Compasión; y la benjamina Molly Hernandez (Allegra Acosta) tiene el gen mutante. ESTRENO HBO 22/11

ATRAPADNOS SI PODÉIS The Gifted

La nueva serie situada en el universo X-Men tras la aclamada Legión, y cuyo piloto está dirigido nada más y nada menos que por Bryan Singer (director de cuatro de las películas de la saga mutante), se centra en la historia de dos padres que, tras descubrir que sus hijos tienen poderes extraordinarios, deben huir de un grupo gubernamental que pretende acabar con ellos. La familia Strucker acabará colaborando con una red

clandestina de mutantes en un universo en el que los X-Men parecen haber desaparecido. Pero que no cunda el pánico porque, a falta de Pícara o Jean Grey, la ficción televisiva ha recuperado a algunas de las superheroínas más queridas de los cómics de Marvel como Polaris (Emma Dumont), hija de Magneto en los tebeos de la Patrulla X, o Blink (Jamie Chung), una mutante con habilidades para teletransportarse a la que ya vimos en X-Men: Días del futuro pasado. EMISIÓN FOX

• NOVIE M BRE 20 1 7 • 101

ENTREVISTAS

‘L A ZONA’

EL L Í M I T E DE L A E XCEL E NCI A ¿ U N A S E R I E Q U E U N E A A N D R É I TA R KO V S K I Y J O H N N Y C A S H ? TO D O E S P O S I B L E E N E S TA FA N TÁ S T I C A Y T E N E B R O S A F I C C I Ó N C R E A D A P O R LO S H E R M A N O S S Á N C H E Z- C A B E Z U D O C O N U N E D U A R D F E R N Á N D E Z S E N C I L L A M E N T E E S P E C TA C U L A R POR

Rubén Romero Santos

UN ACCIDENTE NUCLEAR. Corrupción física y moral. Un policía milagroso y deprimido. Estos son los mimbres con los que Jorge y Alberto Sánchez-Cabezudo han construido su esperado regreso a la pequeña pantalla. Tras Crematorio, considerada unánimemente como una de las mejores series de la historia de la televisión española, los hermanos firman un proyecto largamente gestado, desde “aquellos años de cine estudio”, en los que admiraban el existencialismo de Tarkosvki. “De las cosas que

LAS COSAS DE LO S S Á NC H E Z C A BE Z U DO

se te graban en el disco duro es Stalker, la vimos bastante jovencitos. Y te quedas con la idea de cómo hacer cienciaficción muy elegante y muy sencilla. Ver cruzar a un tipo por un bosque y generar esa sensación. La inquietud está en lo que cuentas alrededor”, nos cuenta Jorge. Pesa, y mucho, la atmósfera y, más si cabe, los silencios, en una de las series mejor rodadas de la historia de nuestro país: “En mi vida he rodado tantos planos sin diálogos –comenta Jorge–. De personajes escuchando o mirando. Cre-

En La zona, como buena serie autoral, hay espacio para las obsesiones recurrentes de sus creadores, de las que disfrutamos en su película La noche de los girasoles. A saber: el choque entre el campo y la ciudad (con un Luis Za-

hera en modo robaplanos) o los científicos incapaces de manejarse entre otros seres humanos (Alexandra Jiménez y Tamar Novas). “El personaje de Alexandra está basado en una cooperante que nos contó que tenía una

Pág. anterior: Alexandra Jiménez y Tamar Novas, científicos con el alma perdida. Esta página, de izq. a dcha., de arriba abajo: Eduard Fernández y Manolo Solo, policías enfrentados a un misterio nuclear; Alba Galocha, traficante de resíduos; Álvaro Cervantes, novato en el cuerpo; Emma Suárez es una mujer que sólo quiere olvidar.

matorio era mucho más discursiva”. El rey absoluto de La zona es Eduard Fernández y su dolor poliédrico (por la pérdida, por la adicción, por el mobbing…), sobre el que se sustenta la práctica totalidad de la trama. Para Alberto: “Eduard es el ritmo base. Para nosotros es Johnny Cash cantando God’s Gonna Cut You Down”. Para Jorge: “Más que en Crematorio, los personajes vomitan. Hay un malestar existencial que llega hasta lo físico. Eduard lleva la náusea consigo. Nosotros vemos a Eduard algo así como un Deckard de Blade Runner, un Harrison Ford patrio”. Una exploración del dolor que el actor se toma con naturalidad: “Uno va teniendo una edad y ha tocado todos los palos. La edad juega a mi favor y tengo experiencia en el dolor; si no personal, por gente cercana”. Los años, claro está, también tienen sus desventajas: “Ha sido agotador. Nunca me he cansado tanto en mi vida. Son muchas horas. Voy a tener que dedicarme a otra cosa… pero no sé hacer nada más”. Especialmente por la cuestión física, de las carreras que Fernández se pega detrás de los malos: “Yo, de mi clase, era el que más corría. Si me toca correr, corro… pero no durante mucho tiempo”. En su resistencia, mucho nos tememos, tiene que ver su afición al cigarrillo. El otro gran inconveniente ha sido la cantidad de horas de rodaje nocturno. De hecho, como nos comenta Jorge, dos capítulos enteros han sido rodados de noche. Otro, “muy amenabariano” (ejem), tiene lugar en un pueblo de Pravia deshabitado por necesidades del guion: “Fue una especie de fiesta del pueblo. La dirección artística fue espectacular. Pusieron musgo en el filo de las calles… Pero ese día llovió… y fue un dramón. Se limpiaron nuestros coches llenos de polvo…”. E S T R E N O MOVISTAR+ 27/10

jefa que se había vuelto adicta al drama. Era incapaz de ir de boda o de celebración”, nos cuenta Alberto, que se deshace en detalles sobre la cantidad de información que han recopilado, de accidentes como el de Fukushima, Chernóbil…

Como en La noche de los girasoles, tal vez el tema más importante de La zona, muy de actualidad a nuestro pesar, es el muro, la frontera, ubicuo en toda la ficción televisiva actual en series como Trepalium, Fortitude, The Aliens, Westworld e incluso

Juego de tronos. Dice Jorge: “Crear es juntar ideas. Y al final hay mucha gente escribiendo que junta las mismas ideas”. Y apunta Alberto: “También tiene algo de western. La frontera como concepto marca mucho porque parece inamovible pero ofre-

ce un montón de poros y fisuras. Es un lugar donde plantearse la frontera física y moral”. En lo que al audiovisual español respecta, podemos asegurarles que La zona sobrepasa con creces la frontera de la llamada ‘televisión de calidad’. R. R. S.

A NÁ L I S I S

ESA SENSACIÓN (DE ‘VERGÜENZA’) JAVIER GUT I ÉR REZ Y MALEN A ALT ER I O P ROTAG O N I Z A N UN A D E L A S P R I M E R A S A P UE STA S P O R LA PRO DUCCIÓN PROP I A DE MOVI S TAR+. H AB L AMOS CO N SUS C R E A D O R E S F E R N Á N D E Z A R M E RO Y C AV E S TA NY POR

Andrea G. Bermejo

“ME HE DESPERTADO MUERTO DE VERGÜENZA”, dice

Juan Cavestany (Esa sensación) cuando le entrevistamos en el Festival de San Sebastián. Vergüenza, su último proyecto en competición dentro de la sección paralela Zabaltegi, se ha proyectado íntegra –sus 10 episodios de 25 minutos cada uno– en Tabakalera la noche anterior a esta conversación. “Es una película por episodios en la que hay una exposición de un personaje muy extremo que se va volviendo más oscuro según avanza la serie”, sigue sobre esta comedia protagonizada por Javier Gutiérrez y Malena Alterio que codirige con Álvaro Fernández Armero. “La idea de Vergüenza surgió hace 10 años intentando recopilar situaciones horribles que hubiésemos vivido nosotros o gente a la que conocemos –explica el director de Nada en la nevera o Todo es mentira–. Hicimos un piloto casero y gustaba mucho a las televisiones, pero no encontraba su lugar en la parrilla”. Terminó encontrándolo en Movistar+. “En este tiempo Vergüenza ha cambiado mucho. Cuando se nos ocurrió estábamos muy contagiados del humor de Larry David o de Ricky Gervais –explica Fernández Armero–, pero ahora es un compendio de muchas más cosas que evidencian lo que hemos cambiado nosotros mismos”. ¿Humor incómodo? “Es verdad que esa etiqueta es casi un tópico ya, se ha convertido en algo mainstream –añade Caves-

104 • N OV I EM BR E 2 0 1 7 •

tany–. Nos tenemos que inventar otra. Por ejemplo, nos parece que Vergüenza es más una comedia romántica medio distorsionada”. Efectivamente, el retrato de este personaje vergonzoso –el típico vecino al que rehuyes en el ascensor, el yerno indeseado, el amigo que tarda en sacar la cartera para pagar– va evolucionando del humor más básico y soez al inquietante drama de una crisis de pareja descomunal. “Javier Gutiérrez es coautor de esta serie. Es un tipo esencialmente arriesgado, que no tiene miedo a nada”, explica Cavestany del actor que, en este tiempo, se ha convertido en una de las presencias más habituales del cine español. Su participación en Vergüenza ha sido crucial para construir este personaje absolutamente desafortunado y odioso. Vito Sanz, Miguel Rellán, Ana Adams o Lola Casamayor acompañan a este personaje y a su pareja –interpretada por Malena Alterio– en su bochornosa decadencia hasta convertirse en mártires de la vergüenza ajena. “Nos esforzamos mucho en desarrollar esa pareja, en crear un mundo en casa, que no fuese solo una colección de momentos chungos”, explican los directores contentos con la libertad creativa que les ha dado la plataforma, comparada con sus proyectos en cine. Aunque el pudor de enseñar sus vergüenzas al público sea el mismo. E M I S I Ó N M OV I S TA R +

E NTR E VI STA

¿Por qué tu personaje tiene un nombre masculino? Fue una idea original de Brian Fuller. Muchos de los personajes femeninos de Brian tienen nombres masculinos. En mi caso, se me puso porque mi padre se llama así, y a mí personalmente me encanta, primero porque me parece muy innovador y también porque dice mucho de la fluidez de géneros de la serie. Tu personaje se ha educado bajo la disciplina vulcaniana. Me gusta mucho esa lucha interna de Michael Burnham, desde el punto de vista de la historia. Es muy evocador y provocativo. Es cierto que en el personaje de Spock se daba una tensión similar, era mitad humano y mitad vulcaniano, pero en el caso de Burnham es humana al 100% aunque ha sido educada en una cultura completamente ajena. Por lo que Burnham digamos que lucha contra el trauma del choque cultural, porque para ella la asimilación de los valores vulcanos ha sido traumática. Sobre todo si se tiene en cuenta que sus padres murieron asesinados. Así que esa crisis de identidad determina por completo las decisiones que toma como primer oficial: ha de actuar como vulcaniana o ha de mostrar emociones más humanas. Burnham, sin

‘S TAR T REK’

“DISCOVERY SE ATREVE A EXPLORAR LUGARES QUE NADIE HA PISADO ANTES” SO N EQ UA M A RT I N - G R E E N E N SU PAP EL D E M I C HA E L B UR N HA M (‘STA R T R E K : D I SCOV E RY ’ ) RO M P E M O L D E S E N L A FR A N Q UI C I A C R E A DA P O R G E N E RO D D E N BE R RY POR

Paula Arantzazu Ruiz

embargo, tampoco es un personaje tan binario, es mucho más complejo. ¿Es Star Trek: Discovery una historia de redención? Star Trek: Discovery cuenta muchas cosas. Es un relato sobre el fracaso, sobre los triunfos, los miedos, el amor, la culpa, la

redención… Hay muchas cosas que están en el corazón de la serie y que acaban ligando con el espíritu optimista de la propuesta de Roddenberry. Los creadores de Discovery han sido capaces de explorar estos temas de manera simultánea y creo que han podido hacerlo gracias al formato serial de las nuevas plataformas digitales. Es una de las grandes virtudes de esta nueva iteración: poder ahondar en estos aspectos más oscuros sin perder un ápice de la esencia original. ¿Nos encontramos ante una iteración distópica de Star Trek? Sin lugar a dudas es más dura y mucho más cruda que las anteriores iteraciones de la saga. Y creo que Discovery se atreve muy valientemente a explorar lugares que nadie ha pisado antes. ¿Qué significa ser la primera gran protagonista afroamericana de Star Trek? Que me hayan escogido como protagonista ayuda a frenar esa agresividad y esa obsesión de ciertos sectores con minusvalorar a la gente. El mensaje de Star Trek es muy necesario ahora mismo, porque nos dice que podemos estar juntos, y que podemos encontrar soluciones para hacer de donde vivimos un lugar mejor. EMISIÓN NETFLIX

• NOVIE M BRE 20 1 7 • 105

CINE EN C A SA

M Ó N TAT E T U P R O P I A P E L Í C U L A

Coordinación

LUIS J. MENÉNDEZ

SPIDER-MAN: HOMECOMING Película HHHH Extras HHHHH 22 DE NOVIEMBRE

LA ARAÑA VUELVE A VER LA LUZ EL TREPAMUROS RENACE DE SUS CENIZAS (AQUELLAS A LAS QUE ANDREW GARFIELD HABÍA REDUCIDO AL PERSONAJE) CON EL FICHAJE DE TOM HOLLAND

Tras la etapa protagonizada por Andrew Garfield, innecesariamente orientada a una oscuridad que a Spider-Man le sienta como a un santo dos pistolas, la serie vuelve a resetearse con una nueva versión de los orígenes del personaje. Tom Holland aporta una vitalidad juvenil que ‘Spidey’ nunca debió perder en la gran pantalla, y en líneas generales todo encaja en el tono de aventura adolescente con toques de comedia que tuvo en origen el personaje creado por Stan Lee y Steve Ditko. El resultado de todo ello son unos números cercanos al sobresaliente en taquilla –la novena película más vista de 2017 en España y la

EE UU / 2017 / Disney / Director: Jon Watts Reparto: Tom Holland, Robert Downey Jr.

cuarta en EE UU– y uno de los mejores despliegues en el terreno del vídeo doméstico en lo que va de año, con siete ediciones diferentes, y formatos para todos los gustos: dvd, Blu-ray, 3D y UHD. Además, y a riesgo de equivocarnos, esta es la primera vez en nuestro país que los aficionados van a poder elegir entre tres ediciones diferentes para UHD: sencilla, en caja metálica y edición para coleccionistas. Esta última, en realidad, contiene cinco discos con todos los formatos que ahora mismo existen en físico y una espectacular estatuilla del Trepamuros. H EL PRECIO DE LA EDICIÓN COLECCIONISTA RONDA LOS 260 €

L A N Z A M I E N T O S N OV I E M B R E 50 primaveras (CAMEO. 22/11) HHH Abracadabra (SONY. 29/11) HHHH Alguien está vigilándote (CAMEO. 22/11) HHH Baby Driver (SONY. 1/11) HHHH Better Call Saul 3ªT. (SONY. 29/11) HHHH Cars 3 (DISNEY. 15/11) HHH El cartero y Pablo Neruda (A CONTRACORRIENTE. 21/11)

HHHH

El hombre elefante (DIVISA. 23/11) HHHHH El invierno (CAMEO. 22/11) HHH En la Vía Láctea (CAMEO. 22/11) HHH Estados Unidos del Amor (CAMEO. 8/11) HHHH From Business to Being (CAMEO. 8/11) HHH Hannibal 1ªT. (EMON. 15/11) HHHH Júlia ist (CAMEO. 8/11) HHHH La madre (CAMEO. 22/11) HHH

106 • N OV I EM BR E 2 0 1 7 •

La guerra del planeta de los simios (FOX. 13/11)

Regreso a Howard’s End

HHHH

(A CONTRACORRIENTE. 21/11)

La promesa (CAMEO. 8/11) HHH Le fils de Joseph (CAMEO. 8/11) HHH Llega de noche (CAMEO. 22/11) HHH Los cuentos de Hoffmann (A CONTRACORRIENTE.

Sieranevada (CAMEO. 8/11) HHHHH Spider-Man: Homecoming (SONY. 22/11) HHHH Testigo (A CONTRACORRIENTE. 21/11) HHH The Churchmen (CAMEO. 8/11) HHHH The Last Kingdom 1ªT. (UNIVERSAL. 1/11) HHHH Todo sobre el asado (A CONTRACORRIENTE. 21/11)

21/11)

HHHH

Maudie, el color de la vida (KARMA. 21/11) HHH Munich (PARAMOUNT. 1/11) HHHHH Narcos 2ªT. (EMON. 22/11) HHHH No sé decir adiós (SUPER 8. 21/11) HHHH Pack Hana & Alice (MEDIATRES. 8/11) HHH París puede esperar (DIVISA.2/11) HHH Poesía sin fin (CAMEO. 8/11) HHHH Porto (AVALON. 22/11) HHHHH Ran (DIVISA. 23/11) HHHHH

HHHH

HHH Transformers: El último caballero (PARAMOUNT. 29/11)

HH

Un minuto de gloria (CAMEO. 8/11) HHH Una noche fuera de control (SONY. 22/11) HH Verano 1993 (AVALON. 22/11) HHHHH Westworld 1ªT. (WARNER. 7/11) HHHH Your Name (SELECTA VISION. 8/11) HHHH

N OV E DA D E S

RANKING TOP 5 REDACCIÓN

1 SPIDER-MAN: HOMECOMING - ED. Avalon

PIRATAS DEL CARIBE: LA VENGANZA DE SALAZAR

Paramount

Película HHH Extras HHHH

COLECCIONISTA Sony

2 VERANO 1993 3 MUNICH

4 WESTWORLD 1ªT. Warner

5 PORTO Avalon

TOP 5 VENTAS 1 WONDER WOMAN Warner

2 PIRATAS DEL CARIBE: LA VENGANZA DE SALAZAR Disney

3 LA BELLA Y LA BESTIA

Disney

4 ALIEN: COVENANT Fox

5 LA MOMIA Universal

1 Z, LA CIUDAD PERDIDA eOne

2 CAMINA CONMIGO Karma

YA DISPONIBLE

EE UU / 2017 / Disney Dir.: Joachim Rønning, Espen Sandberg

ESPAÑOLES CONTRA LA PIRATERÍA LA QUINTA ENTREGA DE ‘PIRATAS DEL CARIBE’ SE RECORDARÁ POR LA APARICIÓN DE JAVIER BARDEM EN EL PAPEL DEL CAPITÁN SALAZAR, UN NO-MUERTO DE PATA NEGRA

El mero hecho de que la saga Piratas del Caribe haya llegado a la quinta entrega debe calificarse de éxito absoluto. Que, además, lo haga mostrando agotamiento en las formas pero un vigor absoluto en la cuenta de resultados es razón más que suficiente para sacar pecho. Además, La venganza de Salazar tiene razones más que de sobra para generar interés en nuestro país: en esta

ocasión la némesis de Jack Sparrow es un Javier Bardem de presencia imponente en su papel de fantasmagórico militar obsesionado por la caza del filibustero. A más de uno, el personaje de Bardem hasta le habrá servido para hacer chanza con la situación de nuestro país... Aunque, para crisis, la que vivió Disney hace meses, cuando antes del estreno del filme unos

piratas (cibernéticos, en esta ocasión) secuestraron la cinta y pidieron un sustancioso rescate por ella. Lástima que esa historia no se haya reflejado en unos extras por otra parte sustanciosos, con un making of de 45 minutos y otros tantos dedicados a entrevistas, tomas falsas, escenas eliminadas y varias featurettes.

ción que se pone al volante para darle cobertura a una banda criminal. Y, como en dicha película, la música puntúa cada plano con una incendiaria selección en la que encontramos desde The Damned o Jon Spencer Blues

Explosion a Boards of Canada o Martha Reeves & The Vandellas. Eso se traduce en una edición especial para Blu-ray que incluye banda sonora.

H EDICIÓN SENCILLA EN DVD Y BLU-RAY, Y DOS EDICIONES DIFERENTES PARA 3D

3 PERSONAL SHOPPER eOne

4 EL CASO SLOANE eOne

5 LADY MACBETH BTeam

1 EL BEBÉ JEFAZO Fox

2 FAST & FURIOUS 8 Universal

3 LIFE (VIDA) Sony

4 EL BAR (Sony)

5 MAÑANA EMPIEZA TODO A Contracorriente

1 TROLLS Fox

3 ¡CANTA! Universal

3 ALIADOS Paramount

4 CINCUENTA SOMBRAS

MÁS OSCURAS Disney

5 BELLEZA OCULTA Warner

ROCK FM

‘BABY DRIVER’ TE ACOMPAÑA COMO UNA BUENA EMISORA DE RADIO EN UN LARGO TRAYECTO POR LA AUTOPISTA. VELOCIDAD, ROMANTICISMO Y ROCK’N’ROLL. ¿PARA QUÉ QUIERES MÁS?

Lo nuevo de Edgar Wright (Scott Pilgrim contra el mundo, Arma fatal, Zombies Party) es un Drive desprovisto de la pátina sesuda. Como en la cinta de Winding Refn, el protagonista es un superdotado de la conduc-

H CUATRO EDICIONES DIFERENTES PARA BLU-RAY ADEMÁS DE DVD Y UHD

BABY DRIVER Película HHHH

Extras HHH

1 DE NOVIEMBRE

RU / 2017 / Sony Director: Edgar Wright Reparto: Ansel Elgort, Lily James, Jamie Foxx, Jon Hamm, Kevin Spacey, Eiza González, Jon Bernthal, Ben VanderMey, Thurman Sewell, Allison King, Lance Palmer, Keith Hudson, Patrick R. Walker • NOVIE M BRE 20 1 7 • 107

N OV E DA D E S

ASÍ ES LA VIDA ‘VERANO 1993’ ES LA EMOCIONANTE HISTORIA DE UNA NIÑA HUÉRFANA Y SU NUEVA FAMILIA VERANO 1993 Película HHHHH Extras HHHH 22 DE NOVIEMBRE

España / 2017 / Avalon Dir.: Carla Simón Rep.: Laia Artigas, Bruna Cusí, David Verdaguer, Paula Robles, Paula Blanco

NO SÉ DECIR ADIÓS

PREVENGE

No vamos a descubrir a estas alturas la que ha sido señalada como una de las cintas más importantes facturadas en nuestro país en mucho tiempo, amén del título seleccionado para representarnos en la próxima edición de los Oscar. Además, Avalon ha echado el resto en los contenidos adicionales (92 minutos en total) con dos cortos de Carla Simón: Las pequeñas cosas y Llacunes. H MEJOR ÓPERA PRIMA EN BERLÍN Y BIZNAGA DE ORO EN MÁLAGA

HHH

HHH

España / 2017 Dir.: Lino Escalera

RU / 2016 Dir.: Alice Lowe

25 DE NOVIEMBRE

YA DISPONIBLE

Soberbio trío interpretativo para este drama familiar. Solo dvd.

Comedia negra sobre una gestante asesina en serie. Solo dvd.

MARAVILLOSA FAMILIA DE TOKIO

FREE FIRE

ESTADOS UNIDOS DEL AMOR

HHH

HHH

Comedia que pretende homenajear a Yasujiro Ozu.Dvd y BD.

Un Ocean’s Eleven macarra y de bajo presupuesto. Dvd y BD.

Japón / 2016 Dir.: Yôji Yamada

RU / 2016 Dir.: Ben Wheatley

YA DISPONIBLE

YA DISPONIBLE

SIERANEVADA

POESÍA SIN FIN

BRIMSTONE

HHHHH

HHHH

HHH

Polonia / 2016 Dir.: T. Wasilewski

Rumanía / 2016 Dir.: Cristi Puiu

Chile. / 2016 Dir.: A. Jodorowsky

Holanda / 2016 Dir.: M. Koolhoven

8 DE NOVIEMBRE

8 DE NOVIEMBRE

8 DE NOVIEMBRE

YA DISPONIBLE

HHHH

La vida en la Polonia postcomunista vista por cuatro mujeres.

A su paso por Cannes, levantó pasiones encontradas. Solo dvd.

Nuevo proyecto autobiográfico. Dvd y BD, 60 minutos de extras.

Western con aires de thriller sexual rodado en Holanda. Dvd y BD.

CL ÁSICOS / REEDICIONES

MUNICH Película HHHH Extras HHHH YA DISPONIBLE

EE UU / 2006 / Paramount Dir.: Steven Spielberg Rep.: Eric Bana, Daniel Craig, Ciarán Hinds

“Por fin en Blu-ray” reza la promoción de Paramount a propósito de la reedición en ese formato (más de una década después de su estreno en cines) de la que posiblemente haya sido la mejor incursión de Spielberg en el terreno del thriller. Una ausencia inexplicable hasta hoy en el mercado español, teniendo en cuenta que en zona 1 esta misma edición ya vio la luz hace algo más de dos años. Los contenidos adicionales (alrededor de 80 minutos) son los mismos de una edición especial de dos discos en dvd que nunca llegamos a catar en España. H ’MUNICH’ ESTÁ BASADA EN HECHOS REALES

EL FANTASMA DE LA LIBERTAD

FLIC STORY

TESS

SHOWGIRLS

HHHH

HHHH

HHHH

Francia / 1974 Dir.: Luis Buñuel

Francia / 1975 Dir.: Jacques Deray

RU / 1979 Dir.: R. Polanski

YA DISPONIBLE

YA DISPONIBLE

YA DISPONIBLE

Incluye entrevista a Jean-Claude Carrière. Dvd y BD.

Thriller con Alain Delon basado en la autobiografía de un policía.

108 • N OV I EM BR E 2 0 1 7 •

El Polanski más ortodoxo con Kinski en todo su esplendor.

EL OSO

VALMONT

EL AMANTE

LOS CHICOS DEL CORO

H

HHHH

HHH

HHH

HHHH

EE UU / 1995 Dir.: P. Verhoeven

Francia / 1988 Dir.: J.J. Annaud

RU / 1989 Francia / 1992 Dir.: Milos Forman Dir.: J.J. Annaud

Francia / 2004 Dir.: C. Barratier

YA DISPONIBLE

YA DISPONIBLE

YA DISPONIBLE

YA DISPONIBLE

Se llevó siete Razzie, incluyendo peor película, director y actriz.

En su momento, un hito. Nueva restauración en 4k. Dvd y BD.

Forman en busca de repetir el éxito de Amadeus. Dvd y BD, sin extras.

Drama erótico que adapta a Marguerite Duras. Dvd y BD. YA DISPONIBLE

Emocionante cinta sobre la infancia y la educación.Dvd y BD.

Nueva ruta Madrid – Recife (Brasil) A partir del 20 de Diciembre 2017.

www.aireuropa.com

QUIZÁ EN AQUELLA EXPERIENCIA cinematográfica de niño se halle

el origen de los gustos actuales como espectador del guionista y director de cine Agustín Díaz Yanes (Madrid, 1950).“Toda mi generación es obligatoriamente muy cinéfila. Había multitud de cines, los precios eran muy baratos, las películas pasaban de estreno a reestreno. Tanto mi madre como mis tías y mi abuelo nos llevaban mucho al cine a mí y a mis hermanos. Recuerdo una tarde de Navidades en Zaragoza, siempre las pasábamos allí e íbamos al cine prácticamente todos los días, en que yo tendría 13 o 14 años y vi con mi hermano Más oscuro que el ámbar. ¡No la he olvidado! Por cierto, llevo buscándola varios años y es imposible encontrarla. ¡Vale 450€ una copia mala, pirata! No me preguntes por qué, porque tampoco era El padrino”, bromea. También en Navidades, Díaz Yanes practica una tradición que tiene que ver, precisamente, con la trilogía de Coppola. “Siempre me veo El día más largo y las tres de El padrino, ¡seguidas! Llevo haciéndolo unos 20 años. El padrino, sobre todo las dos primeras, tiene algo enigmático. Estás haciendo zapping, aparece y te quedas viéndola”, asegura. Retomando la cinefilia del director, “el cine que más me gusta, quitando el clásico, como John Ford, Hitchcock, los italianos… es el western, ahora casi inexistente, y el noir, pero es un noir muy raro el que se hace ahora. Estoy un poco desconcertado con el cine actual, la verdad, así que me he pasado más

EL CINE DE...

AG U S T Í N D Í A Z YA N E S

“Soy un friki de las películas absurdas y de la serie B” EL 10 DE NOVIEMBRE ESTRENA SU NUEVA PELÍCULA, ‘ORO’, BASADA EN UN RELATO INÉDITO DE ARTURO PÉREZREVERTE SOBRE LA CONQUISTA ESPAÑOLA DE AMÉRICA. ACTUALMENTE, SE ENCUENTRA INMERSO EN LA ESCRITURA DE UN NUEVO GUION • Texto D I A N A A R R A S T I A • Fotografía T H O M A S C A N E T •

110 • N OV I EM BR E 2 0 1 7 •

a las series, que también empiezan a desconcertarme… Hubo un momento fantástico con El ala oeste de la Casa Blanca o Los Soprano, y ahora veo algunas que son muy buenas y otras que abandono a la segunda. También soy un gran friki de las películas absurdas, de la serie B y de las rarezas de Hollywood”. Se justifica así su gusto por el thriller Más oscuro que el ámbar, ahora confirmado, el origen de todo. Eso sí, cuando ve cine en casa por placer, Díaz Yanes no mira planos. “Si es por trabajo, por el guion que estoy escribiendo o la película que voy a hacer, entonces veo la película solo. Si no, con mi mujer y siempre por la noche”. Entre la oferta de Movistar+ y las cintas que adquiere, el director está servido. “Compro cine antiguo que vi pero que no tenía, voy cogiendo todo lo que sale de Jean-Pierre Melville, o algunos westerns que me faltaban, aunque cada vez compro menos por el espacio”. Así, el universo cinematográfico del director se reparte entre una balda atiborrada de galardones –el más reciente, el Premio Granada Noir–, una estantería de pasillo colmada de dvds y Blu-rays –“cada dos o tres años, quito películas que no veo y las voy regalando”–, un puñado de libros de cine –“me gustan los de fotografías de actores y actrices, o algunas biografías como las de John Ford, Eastwood o Polanski; el libro de tesis cinematográfica me aburre hasta la saciedad”– y algunas cajas de cartón. “Hace 10 años, reformamos la casa, así que tuvimos

DÍAZ YANES, CONQUI S TADOR D E C I N E

Que Agustín Díaz Yanes sabe hacer séptimo arte con la obra de Arturo Pérez-Reverte es un hecho. Una década después de llevar a la gran pantalla al valeroso Alatriste de Viggo Mortensen, el director de Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto o Sin noticias de Dios ha elegido la adaptación de un relato inédito del excorresponsal de guerra, Oro, para volver a ponerse tras las cámaras (el últi-

que sacarlo todo y meterlo en cajas. A la hora de hacer el trabajo inverso, cuando abría una caja y veía todo lo que había dentro, no sabía donde meterlo, así que la volvía a cerrar. Algunas cajas guardan hasta premios no recogidos de otros…”, anuncia misterioso. Y hasta aquí puede leer. De ese encierro voluntario escaparon algunos elementos, como el cartel de su película Solo quiero caminar, que luce en la pared. “Este lo hizo mi hijo [ Javier Díaz Garrido]”. También han corrido buena suerte la claqueta de Oro, su última película; una mítica silla de director que reza ‘Agustín Díaz Yanes’ en la espalda o la espada que Viggo Mortensen utilizó en Alatriste y que el actor quiso regalar a su director y buen amigo. “Esta la hicieron especial para Viggo y la diseñó el gran [maestro de esgrima] Bob Anderson. Alatriste fue su última película. ¡Con él aprendimos todos! Era un genio. Ellos dos son de lo mejor que me ha pasado en mi vida profesional”, celebra Díaz Yanes.

Retrospectiva. El cartel de su película Solo quiero caminar, diseñado por su hijo. La espada que Viggo Mortensen utilizó para su personaje Alatriste y que posteriormente regaló al director. Algunas unidades de la enorme filmoteca de películas y series que posee Díaz Yanes y una balda que reúne sus premios cinematográficos; entre ellos, los Goya a mejor dirección novel y mejor guion original que ganó en 1996 por su ópera prima Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto.

mo filme que había dirigido y escrito fue Solo quiero caminar, estrenado en 2008). Díaz Yanes traslada a Raúl Arévalo y Bárbara Lennie al siglo XVI para que lideren una expedición por la selva amazónica en busca de una ciudad hecha de oro. Los acompañan, entre otros, Óscar Jaenada, Jose Coronado y Juan José Ballesta. La conquista de América nunca tuvo tanta estrella patria. JANIRE ZURBANO ‘ORO’

ESTRENO 10 DE NOVIEMBRE

cinemania.es facebook.com/REVISTACINEMANIA twitter.com/cinemania_es

Escribe a [email protected] o envía una carta a CINEMANÍA, General Castaños 13, 2º izquierda, 28004 Madrid. EL GUARDIÁN INVISIBLE • SERIEMANÍA: ‘IRON FIST’ • CRUDO • LA RISA DE LOS DUPLASS

258

MARZO

2017

GHOST IN THE SHELL

‘‘ES

LA

Emma

VER-

WATSON &

Dan STEVENS

SIÓN

NACE UNA ILUSIÓN

WES-

Scarlett JOHANSSON DE VIUDA NEGRA A CÍBORG BLANCO

NUEVA

LA BELLA Y LA BESTIA

TERN

DE

El clásico

DRÁCULA

‘LU-

COPPOLA MORDIÓ A WINONA RYDER

CUANDO NA

DE

KONG: LA ISLA CALAVERA

PA-

APOCALIPSIS GORILA & LAS NOVIAS

PEL”.

DE KING KONG

MAR ZO 2017 Nº 258. 3€

PORTADA_LOGAN.indd 1

HUGH JACKMAN SE DESPIDE CON LA VERSIÓN MÁS OSCURA Y FEROZ DE NUESTRO MUTANTE FAVORITO

21/2/17 12:23

SUSCRIPCIONES Y NÚMEROS ATRASADOS : 902044644

ESTE MES EN INSTAGRAM

L A P O R TA DA L A P O R TA DA

1

3

2

4

[1] Elsa Pataky (@ elsapatakyconfidential) salió de la premiere de Thor: Ragnarok entusiasmada con Chris Hemsworth: “Lo divertido que eres y lo orgullosa que estoy de ti, my love”. [2] Algo que tiene James Gunn (@ jamesgunn) y tú no: su jeta en un muñeco Funko Pop. [3] Un sueño: Kyle MacLachlan (@kyle_maclachlan) con Monica Bellucci en París. Pero, ¿quién es el soñador? [4] Puede que la niña de fuego Bárbara Lennie (@barbaralennie), on fire durante el rodaje de la nueva película de Asghar Farhadi.

SOLO ES UN TÍTULO Ron Howard confirmó que el nuevo spin-off de Star Wars, centrado en la juventud de Han Solo, se titulará Solo: Una historia de Star Wars. Y el cachondeo en internet fue inmediato. Además de la proliferación de memes y montajes, en nuestras redes sociales se propusieron estos títulos alternativos: Más vale Han Solo que mal acompañado (Daniel Bringa, Fb), A solas con Solo (José Antonio Jurado Valiña, Fb), Yo, yo mismo y Chewie (Ivy Mei, Fb), Desmadre en Corellia (Argentea Dalvelo, Fb). ¿Qué pensarán Lord & Miller de todo esto?

IN MEMORIAM

ANNE WIAZEMSKY Los ojos más profundos del cine francés se cerraron el 5 de octubre en París. Nacida en Berlín, criada en Venezuela, de ascendencia aristócrata rusa, nieta de Mauriac, pareja de Godard... Anne Wiazemsky navegó entre su fascinante y afligida presencia en pantalla (Al azar de Baltasar, La chinoise, Teorema, L’enfant secret), una escritura candorosa en sus libros (Toutes ces belles promesses, Un año ajetreado) y ese precioso guion que escribió con Claire Denis: US Go Home. Bajo los adoquines de mayo del 68 estaba ella.

LA PORTADA

SIN RÉPLICA “Un sistema de células encadenadas en el interior de células encadenadas en el interior de células encadenadas en el interior de un único vástago”. Este mareante fragmento del poema de Pálido fuego, una de las novelas más poliédricas de Vladímir Nabokov, es la base del nuevo test de empatía que debe pasar regularmente Ryan Gosling en Blade Runner 2049. En nuestra portada del mes pasado os sometíamos a una prueba más sencilla. Tan solo había que mirar fijamente al actor a la cara, con su nueva cazadora dispuesta a tomar el relevo icónico de la de Drive, y responder a dos simples preguntas: ¿Eres cazador o replicante? ¿Has visto cosas que no creeríamos? “Wooow, justo la portada que quería tener, ¡Mil gracias!” (Javier Martín Curto, Fb); “He visto cosas que no creeríais... Gran portada, CINEMANÍA” (@Luis_Lannister); “Creo que siempre seré una replicante. Empathy Test ON” (@Butnot_mj); “Harrison Ford habría quedado muy bien en la portada también” (Sonia Deckard, Fb); “Parece que con el ojo derecho es cazador y con el ojo izquierdo es replicante” (Eduardo Camacho Sig-Tú).

¿QUÉ SABES TÚ DE… ‘STRANGER THINGS’?

POR

A) UNA PANDILLA ALUCINANTE B) CUENTA CONMIGO C) OJOS DE FUEGO D) TIBURÓN

Yago García

4

1

La influencia de Stephen King en Stranger Things va más allá del argumento: los créditos de la serie usan una tipografía que fue habitual en las cubiertas de las novelas del escritor… y también en una famosa colección de libros juveniles. ¿Cuál?

A) LOS HOLLISTER B) ELIGE TU PROPIA AVENTURA C) LOS FAMOSOS CINCO D) PESADILLAS

5

Sabemos que The Smiths son el grupo favorito de Will (Noah Schnapp) y su hermano, pero ¿qué banda, también nativa de Manchester, grabó Elegia, el tema instrumental que suena durante el presunto funeral del chiquillo? A) JOY DIVISION B) ULTRAVOX C) THE STONE ROSES D) NEW ORDER

3

Durante septiembre, Netflix nos puso los dientes largos publicando una serie de pósters de Stranger Things que homenajeaban los de películas de los 70 y los 80. Solo uno de estos filmes no se llevó dicho tributo, ¿sabrías decirnos cuál?

CON LAS TINIEBLAS DE HALLOWEEN, LA SERIE DE LOS HERMANOS DUFFER VUELVE A NETFLIX. ENTRENA TU MENTE CON ESTE QUIZ, Y NO PODRÁ CONTIGO NI EL DEMOGORGON

2

¿Han desaparecido tus gofres? ¡Eleven anda cerca! Y, si la encuentras, tal vez puedas preguntarle por la conexión entre el Otro Lado y la Costa del Sol, porque la conoce de primera mano. ¿Recuerdas en qué municipio de Málaga nació la actriz Millie Bobby Brown?

A) ESTEPONA C) TORREMOLINOS

B) MARBELLA D) ALHAURÍN DE LA TORRE

6

7

A) SIETE DESEOS B) LA PIEL FRÍA C) VERÓNICA D) THE MAUS

A) MAINE B) OREGÓN C) INDIANA D) RHODE ISLAND

“¡Justicia para Barb!”, clamaron los fans cuando este entrañable (y efímero) personaje desapareció de nuestro mundo. ¿Recuerdas qué película (de terror, claro) protagonizó hace poco su intérprete, Shannon Purser?

• SI HAS ACERTADO UNA O NINGUNA:

¿Una serie rompedora? ¡Y un jamón! A tu modo de ver, Stranger Things es un timo con el que los hermanos Duffer alimentan a un monstruo peor que el Demogorgon: la nostalgia ochentera. Respetable opinión, pero haznos caso y no se lo digas a esa niña de pelo corto… Podrías pagarlo caro.

Sus amenos bosques, su rumoroso río, sus secretos sórdidos, su centro de experimentos con cobayas humanas… Está claro que Hawkins es el pueblecito siniestro de nuestras pesadillas, pero ¿sabrías decir en qué estado de EE UU se encuentra?

• ENTRE DOS Y SIETE ACIERTOS:

Desde luego, no es original. Y sus creadores podrían mirar en otros lugares que no fuesen los libros de Stephen King y los clásicos juveniles y de terror de los 80. Pero, además de ser divertida, Stranger Things tiene otro atractivo: es una mina para los buscadores de guiños y referencias pop.

Dungeons & Dragons, el pasatiempo favorito de los jóvenes protas de la serie, despertó un auténtico pánico moral en EE UU durante los 80. ¿Recuerdas el título del telefilme, protagonizado por Tom Hanks, que estimuló en parte ese pavor?

A) TURMOIL IN THE TOYBOX B) JOE CONTRA EL VOLCÁN C) MONSTRUOS Y LABERINTOS D) DEVIL WORSHIP

8

Jim Hopper (David Harbour) le debe su nombre a un clásico del cine de acción dirigido por John McTiernan. ¿Recuerdas el título de ese filme, en el que Arnold Schwarzenegger exclamaba aquello de “To da choppa!”? A) DEPREDADOR B) LA JUNGLA DE CRISTAL C) COMMANDO D) TERMINATOR

• SI HAS CLAVADO LAS OCHO:

No funcionó con ese ciclotrón casero (tu madre aún se pregunta dónde ha ido a parar el microondas) ni poniéndole electrodos en la cabeza a tu sobrinita, pero tu plan para abrir un portal al Otro Lado sigue adelante. Esperemos que, si lo consigues, los monstruos primigenios te devoren a ti el primero. Por listo.

Solución: : 1 – b), 2 – b), 3 – a), 4 – c), 5 – d), 6 – a), 7 – c), 8 – a)

MI VIDA EN PELÍCULAS CAR LOS SOB ER A

“Mi forma de andar se parece a la de John Wayne” CELESTINO GASTRÓNOMO EN ‘FIRST DATES’, ESTE VETERANO PRESENTADOR ESTÁ ENAMORADO DEL CINE. LE PREGUNTAMOS POR SUS QUERENCIAS DE CELULOIDE (Y NO VALE EL COMODÍN DE LA LLAMADA) POR Yago García

“Río Rojo, de Howard Hawks, porque es una maravillosa historia de amor entre un padre y un hijo”. LA SERIE QUE MÁS TE HA ENGANCHADO

“Perdidos, por su capacidad de atraparte con misterios que no resuelven ni los guionistas”.

UNA PELÍCULA PARA VER EN PAREJA

“Tú y yo: romanticismo asegurado. Y sé de lo que hablo, lo vivo todas las noches en First Dates”. LA ACTRIZ QUE SIEMPRE TE FASCINÓ

“Audrey Hepburn. Era frágil y fuerte, sensible y dura a la vez, con un punto de ironía brutal”.

EL ACTOR AL QUE QUERÍAS PARECERTE DE PEQUEÑO

“John Wayne. Su forma de andar se parece a la mía. O mejor dicho, la mía se parece un poco a la de él”. UN MILLONARIO DE PELÍCULA

“Rock Hudson en Gigante. Un millonario honrado, luchador, que termina asumiendo sus errores”.

Charlie Is My Darling - Ireland 1965.

PEPE COLUBI ILUSTRE IGNORANTE

YO Y LOS STONES Qué mala prensa tiene la palabra “nostalgia”. Se define como una tristeza melancólica agazapada entre las sombras del recuerdo, pero yo la vivo como la recreación gozosa de una alegría que ha sido. Tengo un disco duro en mi memoria lleno de momentos dichosos, únicos e irrepetibles. A veces me río yo solo. Soy un disfrutón. O un flipao. Gavilán y paloma. Me funciona. 114 • N OV I EM BR E 2 0 1 7 •

En 1995 vi a los Rolling Stones desde un palco de El Molinón de Gijón. Ellos no me vieron porque yo estaba entre las 45.000 personas que asistían al concierto de la gira Voodoo Lounge. Hacia la mitad de la actuación, aproveché que tocaban I Go Wild para dirigirme al baño por el camino de moqueta roja que engalanaba las entrañas del estadio. Al lado del servicio había una solitaria barra,

vacía en ese momento. Sonreí a la camarera como diciéndole con la mirada “ahora vengo” y ella me devolvió la mueca amablemente. Me recuerdo pinturero y radiante; seguro que habría tocado el ala de mi sombrero de haberlo llevado. Quiso la casualidad que, justo al entrar al excusado, tan vacío como el bar, empezara a sonar allá en el mastodóntico escenario, la imbatible Miss You. Como la mic-

UNA PELÍCULA SOBRE LA TELEVISIÓN

“Network. La dictadura de las audiencias es implacable, aunque no hemos llegado al punto límite”. EL CLÁSICO CON EL QUE TE QUEDASTE DORMIDO

“¡Yo no me duermo con los clasicos! Pero, si tengo que elegir uno, 2001: Una odisea del espacio”.

ción podía con la devoción, revestí la situación de trascendencia: yo, a mis cosas, de espaldas a los Rolling Stones mientras ellos interpretaban, solo para mí, esa canción. Me lo tomé con calma para aprehender ese momentazo de plenitud y así revivirlo el resto de mis días por necesidad, por placer o porque sí. Con los años volví a verlos dos veces, y en ambas ocasiones tocaron Miss You. Cada una de ellas recordé lo feliz que había sido en aquel concierto de Gijón. Menudo juego de espejos eso de ser feliz dentro de otra felicidad. El baño me pillaba lejos, pero me gusta pensar que los Stones me la han dedicado cada una de esas veces. Lo dicho, a mí me vale.

ILUSTRACIÓN: COCO DÁVEZ

LA PRIMERA PELÍCULA QUE RECUERDAS

FESTIVAL EDIMBURGO 2017

GANADORA MEJOR PELÍCULA

HHHHH

“ C A U T I VA D O R A ” BBC.COM

HHHH THE GUARDIAN

HHHHH

HHHHH

“HERMOSA”

“ FA S C I N A N T E ”

HHHHH

HHHH

HEYUGUYS

“IMPRESCINDIBLE”

AT T I T U D E

EMPIRE

METRO

T I E R R A D E D I O S UNA PELÍCULA DE

FRANCIS LEE

24 NOVIEMBRE EN CINES BFI Y CREATIVE ENGLAND PRESENTAN EN ASOCIACIÓN CON MET FILM UNA PRODUCCIÓN DE SHUDDER FILMS E INFLAMMABLE FILMS UNA PELÍCULA DE FRANCIS LEE “GOD’S OWN COUNTRY” PROTAGONIZADO POR JOSH O’CONNOR ALEC SECAREANU CON GEMMA JONES Y IAN HART DIRECTOR DE FOTOGRAFÍA JOSHUA JAMES RICHARDS DISEÑO DE PRODUCCIÓN STEPHANE COLLONGE MONTAJE CHRIS WYATT SONIDO ANNA BERTMARK VESTUARIO SIAN JENKINS PELUQUERÍA BEAN ELLIS CASTING SHAHEEN BAIG Y LAYLA MERRICK-WOLF PRODUCTORES EJECUTIVOS DIARMID SCRIMSHAW ANNA DUFFIELD MARY BURKE CELINE HADDAD PAUL WEBSTER CAVAN ASH RICHARD HOMES PRODUCIDA POR MANON ARDISSON Y JACK TARLING ESCRITA Y DIRIGIDA POR FRANCIS LEE ©DALES PRODUCTIONS LTD / THE BRITISH FILM INSTITUTE 2017

K

/KARMAFILMSCINE

/KARMAFILMS

@KARMAFILMSCINE

films

WWW.KARMAFILMS.ES