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• Emilio David Salcedo Silvera

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Gama Ford Focus RS consumo medio combinado de 8 l/100km. Emisiones de CO2 de 175 g/km.

TOMA UNO

Almodóvar, pura transición En 1980, un ordenanza de Telefónica que, en sus ratos libres, rodaba cortos transgresores en Super 8 cambió para siempre la historia del cine español. Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón, su ópera prima, fue –lluvia dorada mediante– el pistoletazo de salida de una trayectoria de incomparable reconocimiento y proyección internacional. ¿Qué he hecho yo para merecer esto!, Tacones lejanos [en la foto: Marisa Paredes, Victoria Abril, Miguel Bosé, Bibiana Fernández y Miriam Díaz-Aroca con el director], La flor de mi secreto, Volver o su película número veinte, Julieta, son testimonio de lo vivo que ha estado siempre el cine de Pedro Almodóvar, de cómo ha cambiado desde aquel documento de la Movida, durante aquella primeraTransición democrática, cuando España pensaba que sólo iba a vivir una.

¿TU PROGR AMA DOBLE HITCHCOCK /TRUFFAUT ?

DIRECTOR

Carlos Marañón

MÁL

A

Andrea G. Bermejo

JEFE DE SECCIÓN

HONOR

Daniel de Partearroyo

ÉR

DE

[email protected] ‘LA SOMBRA DE UNA DUDA’/‘LA PIEL SUAVE’

Z C A PREMI BA

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GUTI

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REDACTORA JEFE

[email protected] ‘LA VENTANA INDISCRETA’/ ‘LA NOCHE AMERICANA’

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5 R A ZO N E S PA R A A M A R EL C I N E

[email protected] ‘FRENESÍ’/’BESOS ROBADOS’

DIRECTORA DE ARTE

Carmen Martín Arcos [email protected] ‘VÉRTIGO’ / ‘LOS CUATROCIENTOS GOLPES’ COLABORADORES

Pedro Moral (cinemania.es), Irene Crespo, Yago García, Rubén Romero Santos, Pepe Colubi, Rubén Lardín, Mariló García, Luis J. Menéndez, Manuel Piñón, Javier Ocaña, Sergio Fernández Pinilla, Toni Vall, Javier Cortijo, Joaquín Reyes, Noelia Rubio (traductora), Diana Arrastia, Luis Landeira, Fernando Díaz, Paula Arantzazu Ruiz, Nando Salvá, Gloria Scola, Jane Crowther, James Mottram, Carlos Boyero, Manuel Jabois, Paco Cabezas, Luis E. Parés, Carlos Gómez Iniesta ILUSTRACIÓN

Paco Alcázar, Enrique Cordero, Coco Dávez FOTOGRAFÍA

Julie Turcas (edición gráfica), Lara Jade, Juan Lafita, Adolfo Callejo, Stephen Freiheit, Austin Hargrave, Xavier Torres-Bacchetta, Nico, Quim Vives DIRECTORA DE PUBLICIDAD

Teresa Orellana

[email protected] DELEGACIÓN BARCELONA

Jordi Rodríguez

[email protected] DISTRIBUCIÓN Y MÁRKETING

María Beca Pemán

[email protected] PUBLICIDAD ONLINE

Miryam Rodríguez

mrodriguez @cinemania.es

FELIZ CUMPLEAÑOS, BERTA. “Esta es la historia de un español que quiere vivir y a vivir empieza”, rezaban los versos de Machado al comienzo de Nueve cartas a Berta. En 1966, Basilio Martín Patino debutó con este graduado salmantino que le escribía cartas a la chica que había conocido en Inglaterra. Un jovencísimo Emilio Gutiérrez Caba, Dustin Hoffman a su manera, vagaba por una España en blanco y negro, esa España que bostezaba y a la que el Nuevo Cine Español pegó con películas como esta una buena sacudida.ANDREA G. BERMEJO

CINEMANÍA MAGAZINE S.L. General Castaños, 15 1ª planta. 28004 Madrid. Tel. 911788554 PRESIDENTE

José María Irisarri EDITOR

Pedro Ruiz de Marcos DIRECTOR DE OPERACIONES

Juan Serra Castillejo I M P R ES I Ó N

El mejor Antonioni

Cine y fútbol para pensar

LA OBRA DEL MAESTRO italiano, hasta el 6 de Abril en el Cine Estudio. Títulos imprescindibles de la Europa de posguerra como La noche o El eclipse, aunque no así para François Truffaut: ‘‘Me aburre su solemnidad y su preocupante falta de humor”. CARMEN MARTÍN

EL FESTIVAL DEL ATHLETIC. Osvaldo Ardiles (uno de los mitos de Evasión o victoria) visita el Thinking Football Festival 2016 (419 abril), certamen de cine y fútbol de contenido social que organiza con tino la Fundación Athletic de Bilbao.CARLOS MARAÑÓN

Gore cañí pre- Espléndido Apichatpong Transición ‘LA SEMANA DEL ASESINO’. El filme más cafre de Eloy de la Iglesia sale en Blu-ray. Urge admirar sus transgresiones criminales (¡Vicente Parra, caníbal!) y sexuales (el subtexto gay) filmadas en 1973, cuando el Caudillo aún coleaba. YAGO GARCÍA

‘CEMETERY OF SPLENDOUR’. El 8 de abril comienza el goteo por varios cines de España de, con seguridad, una de las películas más hermosas (y terapéuticas) del año. Más balsámica que deletrear Apichatpong Weerasethakul sin dudar. DANIEL DE PARTEARROYO

Rivadeneyra S.A. Torneros, 16 Polígono Industrial Los Ángeles 28906 Getafe-Madrid DEPÓSITO LEGAL M-30.322-1995 ISSN 1135-5840 Esta publicación es miembro de la Asociación de Revistas de Información.

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PENDIENTE DE CALIFICACIÓN POR EDADES

TOD A L E Y END A T IEN E U N COMI M ENZO

8 DE ABRIL EN CINES

SUMARIO

12 / Cuestionario Pop: Belén Rueda 50 HITCHCOCK / TRUFFAUT TAXI DRIVER

Protagoniza su primera comedia en La noche que mi madre mató a mi padre, la última película de Inés París.

14 / Bryan Cranston De Breaking Bad a Trumbo. Su primer protagonista en cine es un guionista en la lista negra del Hollywood de los 40.

18/ Los 10 viajes

por Italia

Aprovechamos el estreno de Cegados por el sol para recorrer los rincones más espectaculares de nuestro país vecino.

70 VICTOR FRANKENSTEIN

84/ Pedro

76 LAS CRÓNICAS DE BLANCANIEVES

Estrena Julieta, su película número veinte, y nosotros lo celebramos con una entrevista y un repaso a sus dos décadas de profundo amor al arte.

Almodóvar

104/ El cine a lo

‘Juego de tronos’

80 LILY JAMES

¿Impaciente ante el estreno de la sexta temporada? Puedes hacer tiempo con estas películas para fans de los Siete Reinos, sus intrigas y sus batallas.

GUÍA DE ES TRENOS A B RIL 2016 EN CARTEL

15 DE ABRIL

BATMAN V SUPERMAN

PÁG. 38

EL HÉROE DE BERLÍN

PÁG. 41

O LOS TRES O NINGUNO

PÁG. 44

EL SECRETO DE UNA OBSESIÓN

PÁG. 42

EL PREGÓN

PÁG. 44

MI AMOR

PÁG. 42

NUESTRA HERMANA PEQUEÑA

PÁG. 45

VICTOR FRANKENSTEIN

PÁG. 43

EL CAMINO MÁS LARGO

PÁG. 46

THE LADY IN THE VAN

PÁG. 45

CANTINFLAS

PÁG. 47

REDENCIÓN: LOS CASOS DEL DEPARTAMENTO Q

PÁG. 49

1 DE ABRIL ALTAMIRA

PÁG. 40

ORGULLO + PREJUICIO + ZOMBIS

PÁG. 41

KIKI, EL AMOR SE HACE

PÁG. 42

22 DE ABRIL

HITCHCOCK/TRUFFAUT

PÁG. 43

TRUMBO

PÁG. 40

MADAME MARGUERITE

PÁG. 46

CEGADOS POR EL SOL

PÁG. 44

HERMANÍSIMAS

[CM 246]

LOS RECUERDOS

PÁG. 46

EL INFIERNO VERDE

PÁG. 48

ROMANCE EN TOKIO

PÁG. 46

LA PASIÓN DE PORT TALBOT

PÁG. 49

LOS MILAGROS DEL CIELO

PÁG. 48

BIENVENIDOS A GRECIA

PÁG. 48

8 DE ABRIL

EL LIBRO DE LA SELVA

TORO

JULIETA

PÁG. 39

EL NOVATO

PÁG. 40

EL JUEZ

PÁG. 41

29 DE ABRIL

EFRAÍN

PÁG. 41

EL CASO FRITZ BAUER

PÁG. 48

LOBOS SUCIOS

PÁG. 46

MAÑANA

PÁG. 48

OBJETIVO: LONDRES

PÁG. 47

DEMOLICIÓN

PÁG. 48

EL MISTERIO DE GOD’S POCKET

PÁG. 48

CAPITÁN AMÉRICA: CIVIL WAR

GENERACIÓN Z

LAS CRÓNICAS DE BLANCANIEVES: EL CAZADOR…

LA NOCHE QUE MI MADRE MATÓ A MI PADRE

MADRID ABOVE THE MOON

LA PUNTA DEL ICEBERG

LA INVITACIÓN

QUATRETONDETA EL NIÑO Y LA BESTIA MONSIEUR CHOCOLAT LEE TODAS LAS CRÍTICAS EN CINEMANIA.ES

DIRECTOR’S CUT

La hora de Alfred Hitchcock Películas para pasar el rato, decían. Tuvo que llegar un chaval que había dirigido 3 pequeños filmes en Francia a renombrar como Monsieur Hitchcock al hombre al que todo el mundo llamaba simplemente ‘Hitch’. François Truffaut venía de estrenar Jules y Jim, se había carteado con el director de Recuerda, La ventana indiscreta, Con la muerte en los talones y Psicosis, le había presentado sus respetos desde las páginas de Cahiers du Cinéma y le había solicitado una entrevista para escribir un libro. En aquel otoño de 1962, Hitchcock, que le recibió en sus oficinas de los estudios Universal mientras preparaba Los pájaros, era un hombre de éxito. Sucedía que su éxito en Hollywood se medía únicamente en términos de taquilla: para ser exactos, lo que hubiese recaudado su última película. Como Psicosis había sido un bombazo, Hitchcock estaba contento. Pero él quería más. Por eso le habían emocionado tanto las cartas que Truffaut le había enviado. Había llegado a las lágrimas. Mucho más que una persona, que un cineasta, que un autor, Hitchcock es una idea, un concepto. Luz en las sombras. Truffaut encontró en él exactamente lo que buscaba: un hombre que creyese que el cine era él. Él y cualquier otro director que controlase el proceso creativo de una película hasta sus últimas consecuencias. “El cine pertenece a los directores. Nos pertenece a usted y a mí”, le dijo mientras se fumaba un puro. No era el triunfo entre el público el que marcaba la diferencia, ni siquiera la belleza o el estilo en abstracto. Era la intención. Y, otra cosa quizá no, pero el cine de Alfred Hitchcock es todo intenciones.

venganza desde el principio y se olvidó del primer mandamiento de su ídolo. Mantén el suspense sobre todas las cosas.

CARLOS MARAÑÓN DIRECTOR DE CINEMANÍA

2

KILL HITCH. Además de publicar El

cine según Hitchcock, el libro sobre aquellos encuentros (y algunos más que completaron el repaso a su filmografía hasta 1966 y que han desembocado en el gozoso documental Hitchcock/Truffaut), y de cartearse con el maestro durante toda su vida, mientras él mismo se iba convirtiendo a su vez en un maestro, Truffaut fue más allá todavía: en 1968 dirigió La novia vestía de negro, un homenaje a Hitchcock desde la rubia languidez de Jeanne Moreau, una novia que venga a su marido asesinado el día de su boda. Para la venganza de esta dama de luto contrató a Bernard Herrmann en la banda sonora y adaptó una novela de Cornell Woolrich, autor del relato de La ventana indiscreta y de capítulos televisivos de Hitchcock. Pese al gesto supremo de respeto de un cineasta a otro (pese a la falta de alma de la película) y de que Tarantino le birlase la novia y la libreta con la lista donde tacha a sus víctimas para Kill Bill, el director francés, el autor que mejor conocía al genio, hizo algo en el filme que Hitchcock jamás habría hecho: manejó bien sus códigos, excepto el más importante. Truffaut explicó los motivos de la

LA INDUSTRIA DE LOS SUEÑOS

8 • AB RI L 2 0 1 6 •

3

PEDRO Y JULIETA. “Mis influencias

han sido Andy Warhol y Lola Flores”. Almodóvar, otro de esos genios absolutamente reconocibles en cualquier lugar del mundo. Un cineasta cuyo estilo va más allá de fronteras, de etiquetas e incluso de sus propias películas, a las que ya trasciende una manera de entender el cine que ha logrado que su apellido sea un adjetivo que ya no hace falta poner en cursiva. Lo almodovariano, como lo hitchcockiano, sólo se define en sí mismo, nada podría sustituirlo. Hitchcock también es una influencia reconocida por el cineasta español, que estrena Julieta y que ha plasmado esa admiración estética en varios momentos a lo largo de su carrera: Laberinto de pasiones, Kika, Volver, La piel que habito, incluso muchas de sus heroínas podrían ser musas de Hitchcock. En pantalla sus mujeres competirían en neurotismo, pero ellas elegirían siempre el trato que Almodóvar dispensa a sus chicas. Tratemos al Señor Almodóvar, al que todos llaman Pedro, con el cariño que él dedica a sus personajes femeninos. Cuidémosle con el respeto con que François Truffaut honró a Monsieur Hitchcock. P. D. Hay una bonita nómina de películas de Hitchcock que no dirigió el maestro, entre homenajes, copias y casualidades. No le hizo falta: su espíritu arrasa con todo. Mi favorita es El premio (Mark Robson, 1963). Como Charada, remite al número uno de la lista CINEMANÍA: la fórmula fetén de humor, acción y estilo. ¿Cuál es? El suspense nunca falla.

POR

Paco Alcázar

ILUSTRACIÓN: COCO DÁVEZ

1

FRANÇOIS TRUFFAUT PRESENTA.

¡¡LA COMEDIA SORPRESA DEL AÑO EN FRANCIA!! “EXCELENTE” “TIERNA Y DIVERTIDA” “CONMOVEDORA” “INTELIGENTE” FOTOGRAMAS

PARIS MATCH

LE PARISIENE

L’EXPRESS

“EN LA LÍNEA DE LA FAMILIA BÉLIER” VARIETY

8 EN CINES

DE ABRIL

PREMIO NUEVOS DIRECTORES 2015

UN FILM DE

RUDI ROSENBERG

Volviendo a aquellos maravillosos años

REPHAËL GHRENASSIA JOSHUA RACCAH GÉRALDINE MARTINEAU J O H A N N A L I N D S T E DT G U I L L A U M E C LO U D R O U SS E L MAX BOUBLIL CO

O

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CO

GUIÓN Y DIÁLOGOS D RUD RU U I ROSENBE BEERRGG COCONN EYYTAN TAA CH CHICICH CHHE

GABRRIEL NAHUUM ISSMAËL AË MANDILE ARTHUR GRÉGOIRE ILÉÉANA AANNNAA COOURB U EY YILING LUO PA PAULI ULILILNE NE LLEBBLO LOONND SSAM LON AMMUEL JAMI ZÉLIEE PO POUYA UYANN YANNNNEE CHAR ARLES MADAR IDRIISS ABD ABDELM ELMMOULA OUL ULA DURU DURU URUPTT JEENI RAD AADDU CHA HAARL RRLELEL S PICA ICAVAI VAISS DIM VAI DIMITR TRI LAAZA TRI AZARE REFEFF LOU OUISE SE AN A RIEER AND PAOLA DUBOISS ÉMILIE DIEVAL PAUL AAUUL SAAULN U IER SIXT UL IXTINEE DU D PO PONNT THIHIBBBAU AU A LT CHABROL EDDHY DUPONT FOTOGRA GRAF AAFÍFÍA NI NICO C AS LOIOR MONTAJE JULIEIEE LELENA COL NAA DIREC IREC E TORR DE AART RT R E SÉ SÉBAS B TIEEN MEUNNIIEEERR MÚSIC ÚSICAA OR ORIGINAL JO JONAT NATHAN HAN AN MO MORAL RALII PRODU RAL R CTO CT EJECCUTIVO CTOR CCUUTIVO TIVO I O ÉR ÉRICICC ZA ZAOUA ZAO UAL ALLI 1ER ASISTENTE ASISSTENTE T DEE DIRIREC IRE IRECC RE IÓN ÓNN NA NATAL TALIEIE EN TAL ENG NNGGELS ELSTEI TE N TEI CASTING AMÉLIE LAG AAGR G ANGE VESTUARIO ÉLÉ ISISE BOUQU BOOUUQU Q ET REE REEEEEM KUZA U YLI Y JEJEFE E DDEE SSONIDO ARNAUD LAVALEIX MEZCLAS VINCENTT AARRNAR N DID MONTAJE DE SONIDO FRÉDÉRICC LEL LLOOOUUUËTËT PPRODU OODU DUUCIDA CIDA POR MATHIAS RUB RUBININ ÉRI ÉRRIIC JUHERIAN UNA COPROD PRODUCCIÓ CCIÓNN RÉ RÉCIF CIFILM CIF ILMSS CINE ILM CINE NEFRA NEFRA FR NCE D8 FFILM IILILM ILMS LMMS MAR MARSS FIILMMS CON LALA PARTICIP PARTICIP ICIP ICIPACIÓN CIPIPIPAC ACCIÓN DEE CA ACIÓN CANNAL NAL+ CICINÉ NÉ+ D8 D8 CON EL APOYO DE LA RÉGION ÎLE--DEEE--FRA F NC NCE CE EN ASOCIACIÓN CON SOFITTVC VCINE VCI NEE 2 CINÉMA INÉMAAGE GE 9 MANON 5 VENTA NTASS INTE INTER ERNACIONALES INDIE SA SALES LES CO COMPA MPANY MPA NYY WWW.KKARM RM MAF AFFILMS. ILMS LMS.ES M E

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films ms

BEN-HUR

Cuatro caballos de potencia JACK HUSTON (‘BOARDWALK EMPIRE’) RELEVA A CHARLTON HESTON EN ESTE ‘REMAKE’ ¡ARRANCA LA CUADRIGA! La percha de Charlton Heston, contra la de Jack Huston (Boardwalk Empire). Los

decorados ciclópeos del Hollywood de 1959 contra el colosalismo pixelado. Y la labor de William Wyler frente a la de Timur Bekmambetov (Abraham Lincoln: Cazador de vampiros). Tras inspirar el péplum más oscarizado de la historia, la novela publicada por Lew Wallace en 1880 vuelve a la pantalla con Morgan Freeman como el jeque Ilderim (espónsor del héroe en cierta carrera de carros), Toby Kebbell como el pérfido Mesala y (¡sorpresa!) un mayor protagonismo de ese Jesucristo (Rodrigo Santoro) al que sí veremos la cara esta vez. ¿Mantendrá el remake los guiños gays infiltrados por el guionista Gore Vidal? El 12 de agosto lo sabremos. POR Y. G.

CUESTIONARIO P O P

B E L É N R U E DA

“La fama y el éxito sólo acrecientan lo que ya eres’’

¿Cómo es Isabel, tu personaje en La noche que mi madre mató a mi padre? Isabel es la anfitriona de una cena, una actriz a la que le cuesta encontrar trabajo y que se ocupa a la vez de su marido, su ex, su hija pequeña y su hijo adolescente. El personaje lo escribió Inés para mí. Es una mujer totalmente desmadrada. Actriz que hace de actriz, un clásico. ¿Con cuál te quedas? Con Gloria Swanson en El crepúsculo de los Dioses. ¿Te ha hecho descubrir cosas sobre tu profesión? Con cada personaje, con cada proyecto, se aprenden cosas nuevas sobre tu profesión y sobre ti misma. En esta película se plantea una pregunta clara: “¿Hasta dónde somos capaces de llegar para no quedar fuera del circuito?”. ¿Qué es lo más alucinante que has hecho tú para conseguir un papel? Viajar hasta Los Ángeles para hacer una prueba con un productor que no conocía, un guión del que sólo sabía el título y el director, y volverme por donde había venido. ¿Es justo el tópico de que los actores sois gente con mucho ego, extravagantes? La fama y el éxito sólo acrecientan lo que ya eres. ¿El actor se hace o nace? (Se) nace, pero, como no 12 • A B RIL 20 1 6 •

© XAVIER TORRES BACCHETTA

‘LA NOCHE QUE MI MADRE MATÓ A MI PADRE’ ES SU DEBUT EN LA COMEDIA

trabaje continuamente y con pasión, no se hace. Ha sido tu primera comedia. ¿Es más fácil hacer reír o dar miedo? Me encanta que Inés París y los productores me hayan ofrecido esta comedia desternillante. Se ha hecho esperar. Con toda la humildad del mundo, porque es un dios como actor, es lo mismo con Luis Tosar. Algún director tiene que destaparle la vena cómica que tiene. ¿A quién le debes más: al director de casting Luis San Narciso, a Amenábar o a Emilio Aragón en Médico de familia? Es imposible elegir. Son mi meollo, mi tobogán, gente que apostó por mí con confianza. ¿A ti qué te pareció el final de Los Serrano? Tan extraño como a todo el mundo, pero una manera

original de terminar una serie donde no había otra forma de reunirnos a todos otra vez. El orfanato, El mal ajeno, Los ojos de Julia te convirtieron en musa del terror… ¿Cuál es la película que te da más miedo? El resplandor, de Kubrick. Si fueses actriz porno, ¿qué nombre te pondrías? CJ Parker (por Pamela Anderson en Los vigilantes de la playa). ¿Cómo y para qué fue tu primer casting? Mi primer casting en cine fue para Mar adentro. No estaba nerviosa porque nunca pensé que podría pasarlo. Cuando me llamaron para la segunda prueba, en la que estaban Amenábar y Javier Bardem, casi me da un infarto. ¿Quién era tu héroe de niña? Neil Armstrong. ¿Otros proyectos a la vista? La embajada y Órbita 9.

¿Con quién te confunden por la calle? Me encantaría que me confudieran con Cate Blanchett. Recomiéndanos un libro. Revolutionary Road y Carol, de Patricia Highsmith. ¿Cuál es la mejor serie de TV? Los Soprano. ¿Cuál es la película que más veces has visto? Un tranvía llamado deseo. ¿La última que has visto y recomendarías? Spotlight me parece inmensa. El mejor regalo que te han hecho. Un viaje. Una fobia. El maltrato Una adicción. NY. Un defecto. Soy demasiado impulsiva. Una virtud. Mi gente dice que genero buena energía. Una afición. Esquiar, me da paz. Las palabras que más dices. Gracias. No doy por sentado nada de lo que la vida me ha dado. POR Andrea

G. Bermejo

‘LA NOCHE QUE MI MADRE MATÓ A MI PADRE’ ESTRENO 29 DE ABRIL

P R OTA G O N I S TA

“Ninguna carrera de éxito se construye sin suerte” ES UNO DE LOS ACTORES MÁS RESPETADOS DEL MOMENTO, PERO ESTÁ CONVENCIDO DE QUE LLEGÓ HASTA AQUÍ POR CHIRIPA. BRYAN CRANSTON ESTRENA ‘TRUMBO’, SU PRIMER PROTAGONISTA TRAS ‘BREAKING BAD’, Y LA PELÍCULA QUE LE LLEVÓ A LAS PUERTAS DEL OSCAR • Texto I R E N E C R E S P O • Fotografía A U S T I N H A R G R A V E / A U G U S T •

“DE ‘MR. CHIPS’ A ‘SCARFACE”, así resumía Vince Gilligan el viaje del pusilánime Walter White hasta convertirse en el temible Heisenberg en Breaking Bad. El tipo más vil, listo y sin escrúpulos jamás visto en la televisión, a cuyo lado Tony Soprano era un santo glotón, tenía, además, un superpoder: mentir como un bellaco. Mentir, sobre todo, a la audiencia. Hasta el último minuto simpatizamos con Heisenberg, incluso cuando mataba. ¿Por qué? Por culpa de su actor: Bryan Cranston. Nos creímos todo lo que nos contaba con esa mirada limpia y ese suave tono de voz, los mismos que usa en persona para hipnotizarte mientras convierte respuestas sencillas en interesantes historias. A Cranston le gusta hablar y le gusta observar. Es un actor de raza y paso seguro. De pequeño, en su familia le llamaban ‘Sneaky Pete’ (Escurridizo Pete). “Siempre buscaba los atajos”, dice riendo. Sin embargo, cuando se decidió por la interpretación, cogió el camino largo. Pasó por la academia de policía, y mientras leía Hedda Gabler, de Ibsen, decidió que debía ser actor, que “debía encontrar algo que amara y ser bueno en ello”, en lugar de “encontrar algo en lo que era bueno y después ver si le gustaba”. Pero tampoco eso era suficiente. “Si sólo eres bueno, no triunfas. Si tienes paciencia, perseverancia y talento, tampoco alcanzarás el éxito”, dice convencido. Pesaba sobre su espalda el ejemplo de su padre, actor y guionista fracasado, que les abandonó durante 10 años en busca de un triunfo que nunca llegó. “Creo firmemente que ninguna carrera se construye sin una buena dosis de suerte”. Después de lograr la estabilidad económica, pero no la realización personal, como actor de anuncios, Cranston cree que consiguió su papel en Malcolm in the Middle por suerte. Llegó a la audición en el momento adecuado, e hizo de su personaje un tipo anodino capaz de aguantar hasta un puñado de avispas en el culo. Literalmente.

POLAROIDS ‘Malcolm in the Middle’ “Cuando acabó la serie lo único que me ofrecían eran papeles de padres graciosos. No los cogí”. ‘Last Chance’ Es la única película que ha escrito y dirigido hasta ahora. La protagonizó con su mujer, Robin Dearden, e invirtió tanto dinero en ella que, al acabar, aceptó un pequeño papel en Expediente X para recuperarse. De ahí salió Breaking Bad. No más ‘Breaking Bad’ “Al equipo lo veo todo el rato. Pero ya no echo de menos la serie, ni el personaje. Y es así porque tuvimos un buen final. Si Vince quiere que salga en Better Call Saul, lo haré, pero está lejos”.

14 • AB RI L 2 0 1 6 •

También cree que tuvo suerte para conseguir el papel de Walter White, “el que probablemente sea la primera línea de mi obituario”, bromea, pero sólo un poco. Porque sabe que esta serie, en la que acabó involucrado como productor, director y casi showrunner, le cambió la vida. “Aún le tengo que lavar el coche a Vince todas las semanas”, se ríe. Conoció a Gilligan haciendo un papel en Expediente X, y, cuando este escribió Breaking Bad, se acordó de la honestidad de Cranston. El actor lo llama “suerte”. Pero suena a talento. Como fuere, Breaking Bad –cuyas iniciales lleva tatuadas en un dedo– le ha permitido llegar al lugar en el que siempre quiso estar: “No tener que hacer películas por dinero”. “No juzgo a quien lo hace, pero por suerte no lo necesito”, explica. “Tampoco quiero dar la impresión de que sólo hago arte y ensayo, si me llaman para Star Wars, correré a hacerla. Hice Godzilla, y después una obra política en Broadway. Me gusta tener a la gente preguntándose qué voy a hacer después”. Por eso se decidió por Dalton Trumbo, guionista vetado durante la caza de brujas, en Trumbo, como su primer protagonista tras la serie. Lo más alejado de Walter y Heisenberg que encontró. “Era un workaholic, ambicioso y persuasivo”, dice Cranston. Con principios claros y muy directo. Un poco como el siguiente papel que retomará después del teatro: el presidente Lyndon B. Johnson en All the Way. Pero también tiene en proyecto comedias (Get a Job, Why Him?), dramas (Wakefield, In Dubious Battle…). Quiere seguir expandiéndose y diversificándose. Si la fama le deja. Agradecido de haber llegado más lejos del lugar que quería (“No era el típico que repetía discursos de agradecimiento en la ducha. Sólo quería vivir de la interpretación”), se siente algo atrapado. Aún se está acostumbrando a su largo minuto de fama. Ya no puede observar sin ser visto. Pero sabe que le escuchan siempre que habla.

‘Trumbo’ “Lo que cuenta Trumbo aún resuena hoy. Por eso es importante el mensaje. Mira las escuchas de la NSA [Agencia de Seguridad Nacional] sobre la población. Lo importante es quedarse con el mensaje de la película. Como le dice Trumbo a John Wayne: ‘Todos tenemos el derecho a estar equivocados”. ‘Sneaky Pete’ Al recoger el Globo de oro por Breaking Bad se lo dedicó a los “Sneaky Petes’ del mundo”. A la mañana siguiente, un estudio le pedía convertir ese personaje en una serie. Amazon ha comprado la idea final que Cranston está desarrollando con Giovanni Ribisi como protagonista.

D I A R I O

FOTOS: QUIM VIVES

DE R O DA J E

UN PUZLE DE 265 PIEZAS “El rodaje duró nueve semanas. Fueron muy intensas porque es una película muy caleidoscópica. En guión tenía 266 secuencias y rodamos 265. Es como un puzle”, cuenta Oriol Paulo (El cuerpo) sobre su segunda película.

¿Cómo se declara Mario Casas? EL ACTOR DICE SER INOCENTE AUNQUE TODO APUNTA A SU CULPABILIDAD. EN ‘CONTRATIEMPO’, EL NUEVO THRILLER DE ORIOL PAULO (‘EL CUERPO’), COMPARTE AUDIENCIA CON JOSÉ CORONADO Y BÁRBARA LENNIE LA IDEA “Contratiempo es un tributo a las novelas que me gustaban de crío, a Agatha Christie, Conan Doyle… También se inspira en John Dickson Carr, un autor del que lo he leído todo y que es el rey de los misterios imposibles y los cuartos cerrados. De este concepto surge la idea, pero aquí el trabajo ha sido llevarlo a lo emocional y a lo judicial”. EL GUIÓN “Es la historia de Adrián Doria (Mario Casas), un empresario joven que lo ha conseguido todo muy rápido en la vida. Cuando se le acusa de asesinato todas las pruebas le incriminan a pesar de que él se declara inocente. Contrata a una abogada implacable (Ana Wagener) que jamás ha perdido un caso y está a punto de jubilarse. De Bárbara Lennie prefiero no contar mucho, pero su personaje se llama Laura porque la película a nivel formal es un homenaje al clásico de Otto Preminger. Con Xavi Jiménez, el director de fotografía, he trabajado a nivel estético inspirándome en Perdida y Zodiac, de Fincher”. CASTING “Hay algo de Mario [Casas] que conecta con el personaje 16 • AB RI L 2 0 1 6 •

al que interpreta, un tipo que ha llegado arriba muy deprisa. Además, es un actor que me encanta. Lo de Bárbara [Lennie] era una necesidad vital desde que vi Dictado. Pero, además, encajaba genial con su personaje, una fotógrafa muy visceral y de espíritu libre. Una mujer cañón. Con José [Coronado] repito porque en El cuerpo tuve muy buena relación con él y me apetecía verlo en un personaje así”. LOCALIZACIONES “Rodamos en varias localizaciones. A diferencia de El cuerpo, Contratiempo sí que necesitaba ubicarla en un entorno urbano que explicase el personaje de Mario. Elegí Barcelona porque es mi ciudad y la conozco muy bien. En Vizcaya entra la parte rural que también tiene la película, y en Tarrasa pasamos a los platós. En el Vall de Núria rodamos en un hotel que recuerda mucho al de El resplandor y al que, además, sólo se accede por un tren cremallera”. POR

Andrea G. Bermejo

‘CONTRATIEMPO’

ESTRENO DICIEMBRE 2016

LA LISTA DE

10 viajes por Italia EN ‘CEGADOS POR EL SOL’ LA ROCKERA TILDA SWINTON DESCANSA EN LA ISLA DE PANTELARIA. SICILIA, ROMA, LA TOSCANA O TURÍN. CUALQUIER EXCUSA ES BUENA PARA RODAR EN EL PAÍS ‘PIÙ BELLO DEL MONDO’ POR

Andrea G. Bermejo

1 • LA ESCAPADA (Dino Risi, 1962)

2 • SÓLO TÚ

3 • UN TRABAJO EN ITALIA

(Norman Jewison, 1994)

(Peter Collinson, 1969)

4 • DESPUÉS DE MAYO (Olivier Assayas, 2012)

De Roma a la Toscana, a toda mecha por la antigua Via Aurelia reconvertida en la Strada Statale 1, un Ferragosto como cualquier otro, Trintignant y Vittorio Gassman se subieron al volante de aquella trepidante road movie escrita por Ettore Scola y Ruggero Maccari.

Marisa Tomei dejaba plantado a su prometido en aras de Robert Downey Jr. por una cuestión semántica. Roma, La Toscana y Positano eran las siguientes paradas de un viaje en el que el destino se revelaba como un sitio al que llegar. Y poco más.

Bajo las arcadas de la calle Vittorio Emanuele de turno, de cabeza al metro y sorteando peatones junto al río Po, las carreras de Michael Caine por Turín son la mejor demostración de que las road movies urbanitas no tienen nada que envidiarle a las carreteras.

Hasta el viaje por el norte de Italia de los amigos de Gilles –alter ego de Assayas en este recuerdo autobiográfico del post-Mayo del 68– era parte de la lucha comunista. Desde luego, Los trajes nuevos del presidente Mao no era la mejor lectura para los ratos muertos en furgoneta.

5 • ¿QUÉ OCURRIÓ ENTRE MI PADRE Y TU MADRE? (Billy Wilder, 1972)

6 • DOS SEMANAS EN OTRA CIUDAD (Vincente Minnelli, 1962)

7 • COPIA CERTIFICADA

8 • GÉNOVA

Gino Paoli ponía banda sonora a la película más latina de Jack Lemmon, en la que interpretaba a un hijo en busca del cadáver de su aventurero padre en Ischia, destino isleño ideal tanto para enamorarse como para enterrar a la familia.

Del psiquiátrico a Roma. Kirk Douglas era una estrella en declive con el alta recién dada que llegaba a la ciudad eterna para rodar en Cinecittà y evitar a la ex mujer que le había vuelto loco. Adaptación de la novela homónima de Irwin Shaw.

(Abbas Kiarostami, 2010)

(Michael Winterbottom, 2008)

Primer destino internacional de Kiarostami fuera de Irán, la otra cara de Te querré siempre mostraba a una Juliette Binoche llorosa recorriendo el sur de La Toscana con el a veces romántico y otras veces esquivo cantante de ópera inglés William Shimell.

Michael Winterbottom supo reconocer en los oscuros vicoli, el caótico puerto y el laberíntico centro histórico de Génova con sus vírgenes en hornacinas el escenario tétrico que necesitaba para contar esta historia de fantasmas protagonizada por Colin Firth.

9 • CEGADOS POR EL SOL (Luca Guadagnino, 2016) “Rodé en Pantelaria no porque fuese siciliano sino por una cuestión de instinto”, cuenta el director de Yo soy el amor sobre las localizaciones de su nueva película protagonizada por Tilda Swinton, Matthias Schoenaerts, Dakota Johnson y Ralph Fiennes. “Los deseos de los personajes de estos cuatro actores requerían de la presencia de otro protagonista como Pantelaria, un lugar que con sus contrastes y su violencia estuviese a la altura de la historia”. ‘CEGADOS POR EL SOL’ EST REN O 2 2 D E ABRIL

18 • ABR I L 2 0 1 6 •

10 • TE QUERRÉ SIEMPRE (Roberto Rossellini, 1954) “Todas las películas han envejecido de pronto diez años”, dijo Jacques Rivette al ver la revolucionaria propuesta de Roberto Rossellini. Ni los críticos italianos, ni George Sanders, ni siquiera la mujer del director Ingrid Bergman entendieron en su día el filme sin el que difícilmente hubiese existido la Nouvelle Vague. En Te querré siempre, Bergman y Sanders recorrían las carreteras del sur de Italia –Pompeya incluida– en una declaración de intenciones del neorrealista: la decadencia de aquel paisaje era un bello reflejo de la de su propio matrimonio.

PRI M E R A PL A N A

Caballero sin espada (1939).

Corrupción, la mierda que se pega ¿ES EL LADO OSCURO DE LA SOCIEDAD O SU MÁS FIEL REFLEJO? EL CINE TIENE LA RESPUESTA DESDE HACE TIEMPO POR

¿ES LA CORRUPCIÓN SÓLO el inevitable lado oscuro de una sociedad o su más fiel reflejo? ¿Muestra la carencia de una conciencia social en individuos concretos, o confirma la imposibilidad del ser humano para mantener en las alturas lo que ha predicado a ras de calle? Observando periódicos y telediarios, el tema parece insuperable en España. “A un hombre que ha sido ministro de Hacienda, que ha manejado fondos públicos, es fácil formarle un expediente que acabe con él en la cárcel”, escribió Edgar Neville en El marqués de Salamanca (1948). Cualquiera puede cometer un error, pero ese no es siempre el problema. Como dijo John F. Kennedy: “Un error no es grave, si lo corriges”. Palabras a las que se podrían aplicar sus contrarias, estas de Lyndon B. Johnson: “Todos te darán ideas para salir de los líos sin daños. Y esas ideas podrían resumirse en una: niega siempre la responsabilidad”. No, no y no. “Están intentando hundirme”, clamaba el gobernador protagonista de El político (Robert Ros20 • AB RI L 2 0 1 6 •

Javier Ocaña

sen, 1949), el relato de ascensión al poder de un tipo honesto en sus inicios. “¿Sabe qué? La mierda es una cosa curiosa, se pega a todo el mundo”. Incluso a los honrados. O incluso a los de imagen impoluta durante toda una vida a los que, ya en el retiro, les salen ratas del armario. Como en Power (Sidney Lumet, 1986), que parece adelantar algún acontecimiento en la Cataluña de nuestros días. En ella, un veteranísimo político decide dar un paso a un lado, supuestamente, por enfermedad. Y en Washington comienzan a elucubrar sobre dos cosas: sobre el origen de unos excesos lujosos, y sobre la influencia de su personalísima esposa. La excusa del político de ficción, como la del real, no tiene precio: “Esas cosas son de mi mujer, las compró con el dinero que heredó”. Otro mandatario en principio impoluto es el de City Hall (Harold Becker, 1995), alcalde de Nueva York, carismático y prestigioso, que presenta una variante de la corrupción que deriva en lo criminal y en la que se mues-

tra algo esencial: como en Spotlight, antes de echar la llave a un asunto, siempre se puede abrir una puerta más, un culpable más arriba. Mientras, del otro lado, el del poder, aparte de la negación, siempre hay otra posible actitud ante las acusaciones de corrupción, sea del tipo que sea. Montar La cortina de humo (Barry Levinson, 1997), por ejemplo: una guerra para tapar un escándalo sexual. Y a pesar de todo, también hay héroes cinematográficos. El más legendario, el de Caballero sin espada (Frank Capra, 1939), supuesta marioneta que votará en el sentido que le impongan las directrices de partido. Pero no habían caído en la cuenta de que era James Stewart, un tipo con la mejor solución: el filibusterismo parlamentario, la libertad de expresión en su forma más dramática, el mejor modo de enfrentarse al poder. Hablar y resistir, hasta vencer. “El hombre se concibe en pecado y nace en corrupción”, decían en El político. Salvo que seas James Stewart.

ESTRENO EN CINES 1 DE ABRIL

LA FÓRMULA

Criados en la línea de fuego ‘OBJETIVO: LONDRES’, CON GERARD BUTLER EN MODO BERSERKER, CONFIRMA A LA PRODUCTORA MILLENNIUM COMO HEREDERA DE LA ACCIÓN BURRA DE CANNON FILMS POR

Daniel de Partearroyo

“¿ERA ESO NECESARIO?”, pregunta el Presidente de EE UU Benjamin Asher (Aaron Eckhart) a su jefe de seguridad Mike Banning (Gerard Butler) después de que este mate a un terrorista mientras su hermano escuchaba la ejecución por teléfono. “No”, contesta él. Negación lapidaria que se convierte en reafirmación de un acto y, por extensión, de toda una estirpe de cine de acción bravucón y autocombustible, con más heridas de bala que palabras esdrújulas, donde patadas y explosiones son el principal elemento expresivo. La extinta Cannon Films transformó los videoclubs de los años 80 en auténticos viveros de este

tipo de producciones que disparaban sus llamativas carátulas primero y no admitían preguntas después. Treinta años más tarde, la avispada productora Millennium Films de Avi Lerner (antiguo soldado israelí y empleado de Cannon) es lo más parecido a una heredera. Así lo prueba su rapidez facturando Objetivo: Londres, desprejuiciada secuela de la exitosa Objetivo: La Casa Blanca (2013) donde Banning –penúltima incorporación gruñona y monosilábica al panel honorífico de bigardos de acción por encima del bien, el mal y los ritmos cardíacos saludables que tanto contribuyó a ampliar la Cannon– detenía con sus manitas

quebrantahuesos un ataque norcoreano. En su nueva aventura, este guardaespaldas más emparentado con Jack Bauer en subidón de bebidas energéticas que con Kevin Costner tiene ante sí la tarea de sacar vivo al Presidente de una trampa magnicida montada en Londres por un resentido capo del terrorismo internacional. Por el camino caerán varios jefes de Estado y esbirros al peso. Una fórmula probada que, ante hipotéticas preguntas inconvenientes –“¿Son necesarias películas como las de Millennium?”–, responde a tiro limpio. ‘OBJ ETIVO: LONDRES’ ESTRENO 8 DE ABRIL

DE AQUELL A S C ANNON...

DELTA FORCE (1986)

Menahem Golan dirigió uno de los versículos más pirotécnicos del Nuevo Evangelio del cine de acción según la Cannon, con Chuck Norris y Lee Marvin al frente de un implacable escuadrón de élite que no deja terrorista con cabeza.

EL GUERRERO AMERICANO (1985)

Con su cutis californiano, Michael Dudikoff fue un soldado estadounidense convertido en ninja tras un curso intensivo en Filipinas. Repitió en dos secuelas más de una saga que no se privó de nada: ni de ninjas mutantes, ni de puños láser.

MASTERS DEL UNIVERSO (1987)

Ni todo el poder de Greyskull logró que este intento de transformar los muñecos de Mattel en una nueva Star Wars remontara vuelo. Fue uno de los descalabros más sonados de Cannon y pieza fundamental en su desaparición.

. . . E S TA S M I L L E N N I U M

LOS MERCENARIOS (2010)

¿Un superequipo de mercenarios con más munición que escrúpulos y un chascarrillo siempre listo en la recámara? Barney Ross (Sylvester Stallone) tiene su propia Delta Force con litros de testosterona crianza 80s en una saga que parece el sueño febril de un empacho Cannon. 22 • AB RI L 2 0 1 6 •

NINJA (2009)

Poca broma con el británico Scott Adkins, transmutado en ninja norteamericano (arquetipo ya clásico, parece). Tanto aquí como en la secuela Ninja: Shadow of a Tear (2013) hay algunas de las peleas mejor coreografiadas del cine reciente, cortesía de Isaac Florentine.

CONAN EL BÁRBARO (2011)

Millennium también tiene tropiezos, y es que la fantasía de espada y brujería (vaya salpimentada con ci-fi o no) es terreno peliagudo. El reinicio hiborio con Jason Momoa como Conan fue tal fiasco que la compañía no se interesa por más ni aunque vuelva Schwarzenegger.

CASTING

Charlotte Riley

© LARA JADE

LA MUJER DE TOM HARDY ES UNA AGENTE DEL MI6 EN ‘OBJETIVO: LONDRES’ ¿QUIÉN ERES? Mi primer papel fue como Capitán Garfio en una función escolar de Peter Pan. Si me llegan a decir entonces que iba a codearme con Colin Firth y Kristin Scott Thomas y que me iba a casar con Tom Hardy, puede que no me lo hubiese creído. ¿QUÉ QUIERES? Vivir en el presente. Ahora que he conseguido desembarazarme de los vestidos de época (Una familia con clase, Cumbres borrascosas…), me ha tocado cambiar los corsés por trajes futuristas en Al filo del mañana, junto a Tom Cruise y Emily Blunt. ¿TU ÚLTIMA VEZ? Soy una agente del MI6 y la única aliada de Gerard Butler en Objetivo: Londres, la película de Babak Najafi en la que el actor no puede fiarse de nadie… excepto de mí.

ZOOM

V ER A NO A ZU L LUC A GUAA DAGNIN O V U EL ELVE VE A T R A BA JA R CO N TI TILD LDAA S WINTO N EN ‘C EG ADOS POR EL SOL’,UNA S O L’ UN A NUE N UE VA REFLE X IÓN IÓ N SOBRE S O B RE EL DE SEO JUNTO A M AT THIA S SCHOEN AERT S , DA KOTA JOHNSON Y R A LPH FIENNE S • Tex Texto to A N D R E A G . B E R M E J O •

LA PISCINA. No la de Ozon pero, de alguna manera, sí la de

Jacques Deray con Alain Delon en bañador. El corazón de Cegados por el sol, cuarto filme (sin contar su prolífica carrera como documentalista y cortometrajista) de Luca Guadagnino, es una piscina. Una piscina en Pantelaria, isla siciliana de vacaciones de lujo y (ups) refugiados, que reúne a su alrededor a cuatro personajes que, a su vez, orbitan en torno a Marianne Lane, una estrella del rock afónica interpretada por Tilda Swinton. En la cuarta colaboración de Guadagnino y Swinton, pareja creativa y cool desde The Protagonists (1999), la actriz interpreta a una especie de David Bowie (“nos inspiramos más bien en Chrissie 24 • SEPTIEMBRE 20 1 5 •

Hynde”, recuerda Guadagnino) que ve cómo sus silenciosas vacaciones en pareja (con Matthias Schoenaerts) se ven interrumpidas con la llegada de un ex novio (Ralph Fiennes) y su jovencísima hija (Dakota Johnson). “Los lugares son un gran precedente en la investigación de la condición humana. Cuando piensas en alguien no piensas en él simplemente sino en él dentro de su espacio”, cuenta Guadagnino, que ya en Yo soy el amor (2009) presentó a Tilda Swinton inmersa en una casa cargada de significado. Esta piscina, verdaderamente, terminará por contar mucho más sobre los personajes de lo que ellos querrían. ‘ C EG A D O S P O R E L SO L’

EST REN O 22 DE AB RI L

1. M AT TH I A S SC HOE N A E R T S

2 . TI LDA S W I NTON

3. DA KOTA JOH N SON

4. R A LPH FI E N N E S

“Lo descubrí en Bullheadd y desde entonces me encanta. Matthias puede transmitir una grandísima maa fragilidad y al mismo tiemmpo muchísimo poder. Ess un hombre que no tienee miedo a sus debilidades”. s””.

“Descubrí a Tilda en Caraara ar rara ravaggio (Derek Jarman, 1986). No conseguía aparpaartar los ojos de ella. En 1999 9999 trabajamos juntos por pr pririimera vez en The Protagogoonists”, cuenta Guadagnino inno tres películas después.

“La elegí después de Ci Cinincuenta sombras de Grey, y, me la recomendó la monontadora. Al conocerla comom mprendí que Dakota era sasabia e inteligentísima. Laa compenetración con ell resto del grupo fue total”. all””.

“Siempre me ha gustado Fiennes, sobre todo desde La lista de Schindler. Estaba buscando al personaje de Harry cuando vi El gran Hotel Budapest y entendí que poseía esa comicidad”.

EL EXTRAÑO CASO DE...

Cantinflas MARIO MORENO FUE UN MAESTRO DEL HUMOR ABSURDO Y PROTAGONIZÓ MÁS DE 40 LARGOMETRAJES, PERO TUVO UNA VIDA PRIVADA LLENA DE SOMBRAS

LIMPIABOTAS, CARTERO, TAXISTA, boxeador, torero, soldado… Podemos decir que Fortino Mario Alfonso Moreno Reyes (Ciudad de México, 1911) hizo un poco de todo antes de dedicarse a la interpretación. Su carrera artística arrancó en el circo, donde se puso el seudónimo de ‘Cantinflas’. Tras curtirse en antros y teatros, en 1930 ya era el cómico más famoso de México. El salto al cine fue natural: debutó en la película No te engañes corazón (1936) y se consagró con Ahí está el detalle (1940). A base de retruécanos y chascarrillos, el llamado “Charlot mexicano” se autoerigió en paladín de los marginados y conquistó América del Sur. Propios y extraños usaban ya el verbo “cantinflear”, que hoy la RAE define como “hablar o actuar de forma disparatada e incongruente y sin decir nada con sustancia”. Desde que se hizo famoso, en las elecciones mexicanas cientos de personas ‘votaban’ a Cantinflas. Y, aunque nunca se presentó como candidato, tenía línea directa con presidentes, diplomáticos y dignatarios de varios países. Unos contactos que sólo utilizó para multiplicar su patrimonio personal. 26 • AB RI L 2 0 1 6 •

Gracias a su relación con las altas esferas, entró en Hollywood por la puerta grande en una época en que lo latino aún no estaba de moda. Su primer filme gringo fue La vuelta al mundo en 80 días (1956), que se llevó un Globo de Oro y recaudó 42 millones de dólares. Convertido en el actor mejor pagado del mundo, Cantinflas trató de repetir el éxito, pero Pepe (1960) fue un desastre en taquilla, muy a pesar de los cameos de estrellas como Frank Sinatra, Zsa Zsa Gabor o Gary Cooper. El público anglosajón no lograba digerir su intraducible humor, y Cantinflas tuvo que conformarse con sus éxitos en el mercado latino: El portero, El bolero de Raquel, El padrecito, y así hasta su retirada del cine con El barrendero, en 1982.

SINIESTRO Y MEZQUINO CON SUS COLEGAS, EL PÚBLICO LO ADORABA En el plano sentimental, su única esposa fue la bailarina rusa Valentina Ivanova, pero tuvo numerosas amantes. Al parecer, su hijo Mario Arturo es fruto de relaciones con una turista estadounidense; Moreno compró el bebé a cambio de 10.000 dólares y tuvo que afrontar un gran escándalo, pues la madre se suicidó poco después de entregarlo. Cantinflas siempre dio limosnas, y su personaje pronunciaba frases lapidarias como “algo malo debe tener el trabajo, o los ricos ya lo habrían acaparado”. Pero

este perfil solidario se contradecía con su apoyo a políticos como Gustavo Díaz Ordaz, el presidente que ordenó la matanza de estudiantes de 1968. Por otro lado, quienes lo conocieron aseguran que Moreno era un hombre intratable. Según afirma la escritora Guadalupe Loaeza, “era siniestro, desagradable y mezquino. Sus colegas no lo querían”. No se puede decir lo mismo del público: cuando el actor murió en 1993, más de 250.000 personas desfilaron ante su ataúd en Ciudad de México para despedirlo. Aún hoy, el mundo prefiere olvidar a aquel millonario altivo que atendía por Mario Moreno y quedarse con el Cantinflas de las películas, pobre como una rata pero dotado de un contagioso gracejo. POR:

Luis Landeira

Óscar Jaenada y Cantinflas. Encuentra las 7 diferencias.

Jaenada, el correcto cantinfleo LE PEDIMOS A UN COMPAÑERO MEXICANO, PERIODISTA DE CINE, QUE “PLATIQUE” CON EL ACTOR QUE DA VIDA A MARIO MORENO POR:

Carlos Gómez Iniesta

Me cité una mañana nublada con Óscar Jaenada en los Estudios Churubusco de la ciudad de México, pieza fundamental del cine nacional que, sin embargo, ahora están en continuo desuso. No deja de ser curioso que en estos sets, el mismo Cantinflas filmara varias de sus cintas y que aquí se estuviera reinterpretando su historia –de hecho, este lugar aparece en la escena donde se atrinchera junto con un puñado de celebridades del añorado Cine de Oro para defender su nuevo sindicato–. Óscar estaba tranquilo, contento, entregado. Yo era uno de los primeros periodistas que platicaba con él sobre el protagónico que ya llevaba un lustro rondándolo. También ronda-

ban los primeros juicios sobre él, y quizá le caí bien por ser vehículo para ejercer su derecho de réplica ante prensa y colegas: “He leído a unos actores mexicanos criticando mi actuación como mexicano. Yo les preguntaría a ellos si se están limitando a trabajar sólo en México, lo cual me daría muchísima lástima, porque de años y años nuestra vida va unida a la maleta […] Lo entiendo, pero lo achaco a su cultura cinematográfica, porque el cine está plagado de ejemplos de otros personajes interpretados con otras nacionalidades que se ejecutan con maestría. De aquí hay dos: yo recuerdo a Gael haciendo del Che o a Demián Bichir haciendo de Fidel, que me han dejado con la boca

abierta”. Tratamos el tema un rato más, y sobre las situaciones similares que vivió cuando interpretó a Camarón. Después, del recuerdo de ver a sus padres frente a la televisión riendo con las películas del mimo, el cómo le costó adoptar su fisonomía, el aumentar unos seis kilos, dejar caer los hombros como le aconsejó un famoso imitador y del coach de acento para lograr el correcto cantinfleo. La película dividió a críticos y público, acusada de ser una versión dulcificada de Mario Moreno. Pero muy pocos se atrevieron a criticar el trabajo del español, simplemente lo mejor de la cinta. Aun así, el carácter de Óscar se fue acidificando con el tour de promoción (con justa razón en algunos casos). La Academia Mexicana de Cinematografía le dio una nominación como mejor actor, pero era un secreto a voces que no se iban a atrever a reconocerlo por la osadía de que un extranjero tocara a un ídolo nacional. Sin embargo, sí ganó en los Premios Platino a lo mejor del cine iberoamericano, ya con un jurado compuesto de diferentes nacionalidades… Ahí estuvo el detalle. ‘CANTINFL AS’ ESTRENO 15 DE ABRIL • ABRIL 2016 • 27

E L FE N Ó M E N O

El terror de las chicas KARYN KUSAMA TRIUNFÓ EN SITGES CON ‘LA INVITACIÓN’, UNA PIEZA DE TENSIÓN CLAUSTROFÓBICA QUE LA RATIFICA AL FRENTE DE UNA NUEVA GENERACIÓN DE MUJERES CINEASTAS QUE QUIEREN OÍRTE CHILLAR POR

Daniel de Partearroyo

En un panorama donde la presencia de más mujeres en las sillas de dirección se reclama con vigor constante, el terror va por delante –una vez más– como demuestra la carrera de Karyn Kusama. Quien conociera a su mentor John Sayles trabajando de niñera ha luchado por el reconocimiento de su talento en la industria, pero sólo el cine de género le abre los brazos. En La invitación, su primer largo desde Jennifer’s Body (2009), una cena de amigos se enturbia hasta lo indecible cuando los anfitriones revelan la finalidad de la velada. ‘LA INVITACIÓN’ E S T R E N O 8 DE A B R IL

LAS DIRECTOR AS DE TUS PESADILLAS

ANA LILY AMIRPOUR (Una chica vuelve a casa..., 2014)

JENNIFER KENT (Babadook, 2014)

HERMANAS SOSKA (American Mary, 2012)

LEIGH JANIAK (Honeymoon, 2014)

La fulgurante cineasta de origen británico, formación californiana y ascendencia iraní causó sensación con su debut vampírico farsí. El romance caníbal The Bad Batch que prepara con Jim Carrey y Keanu Reeves (definición: “Mad Max + Dirty Dancing”) es lo más esperado de 2016.

Otra ópera prima que rompió moldes recientemente con su fusión de drama psicológico, ansiedad maternal y horror escalofriante. La australiana todavía debe definir su próximo proyecto, pero The Nightingale, un relato de venganza ambientado en el siglo XIX, tiene todas las cartas.

Las gemelas Jen y Sylvia Soska llevan años siendo el (bicéfalo) secreto a gritos del terror independiente con sus trabajos ricos en exploit, mutilaciones y modificaciones corporales. De ahí que su elección para dirigir un remake de Rabia, de Cronenberg, sea una cuestión de lógica.

Después de llevarse a Rose Leslie (Juego de tronos) y Harry Treadaway (Penny Dreadful) a una cabaña para pasar la luna de miel más desagradable del mundo, Janiak ha logrado la dirección del remake de Jóvenes y brujas gracias a la propuesta feminista que hizo al estudio. Veremos.

28 • AB RI L 2 0 1 6 •

U N A D E L A S N U ES T R A S

SIDSE BABETT KNUDSEN

Una mujer, un voto DOMINÓ AL EJECUTIVO, CONVENCIÓ AL LEGISLATIVO Y AHORA SEDUCE AL PODER JUDICIAL CON LA SONRISA MÁS CREÍBLE DEL CINE EUROPEO EN LA PELÍCULA FRANCESA ‘EL JUEZ’. DINAMARCA SE LE QUEDÓ PEQUEÑA, LA MUSA DE ‘BORGEN’ HA VUELTO

© STEPHEN FREIHEIT

LA SITUACIÓN POLÍTICA EN ESPAÑA sigue bloqueada, peor que

las tomas falsas de Borgen. Y, mientras tanto, la carismática protagonista de esa serie danesa que debería proyectarse en nuestro parlamento acaba de arrasar en los comicios del cine francés con un premio César por su actuación de reparto en El juez (L’hermine, el armiño, capa de los jueces en Francia). “Es mi primer trabajo en francés [lo habla a la perfección] y mi papel más luminoso”: Sidse Babett Knudsen (Copenhague, 1968) ha pasado de ser la primera ministra Birgitte Nyborg (“la serie iba por delante de la realidad, a la primera ministra Thorning-Schmidt le costó más que a mí convencer a los daneses de que era real”) a convertirse en la musa de un juez (Fabrice Luchini, Copa Volpi al mejor actor en Venecia).

Actriz de explosión tardía (la vimos en Mifune y Después de la boda), triunfadora más allá de los 40 (“no me siento un ejemplo de nada”), el éxito de la serie cambió su vida: viene de rodar Inferno y El holograma del rey con Tom Hanks y aporta “inspiración y aire fresco” al hombre que juzga un caso de homicidio de un bebé en este filme de Christian Vincent (La cocinera del presidente), mejor guión en la Mostra. Knudsen sigue empeñada en aportar credibilidad, algo que fue base de su trabajo en Borgen, donde aprendió a no ser política fuera del papel. ¿Habrá 4T de aquella serie? “No, a veces es mejor que las cosas acaben cuando tienen que acabar”.POR Carlos Marañón ‘EL JUEZ’

ESTRENO 8 DE ABRIL

• ABRIL 2016 • 29

N U E VA S PRO M E S A S

El amor del ‘prota’ se hace la sueca (y lo es).

Lo ‘teen’ empieza en los Pirineos ‘EL NOVATO’ VIENE DEL PAÍS VECINO, Y SUS PROTAGONISTAS SON TRECEAÑEROS, PERO NO ES UN DRAMA SOCIAL SOBRE LA CRISIS DE LA ENSEÑANZA: LA CINTA DE RUDI ROSENBERG SUPONE EL RETORNO DEL CINE ADOLESCENTE A LA FRANCESA

EN PLENO CENTRO DE PARÍS, junto a los Jardines de Luxemburgo, el Lycée Montaigne tiene la fama de ser uno de los institutos más ilustres de la capital gala. Pero a Benoît (Réphaël Ghrenassia), eso de transitar por las mismas aulas que Jean-Paul Sartre y Roland Barthes le importa más bien poco: en todo caso, el protagonista de El novato se preguntaría si el filósofo y el crítico cultural recibieron muchas collejas en el patio. Aunque Benoît las pase canutas en su nuevo insti, al que ha ido a parar tras la mudanza de rigor, el filme sobre sus aventuras no ha recibido muchos pescozones. Más bien todo lo contrario: El novato obtuvo casi medio millón de espectadores en el país galo. Y

el director Rudi Rosenberg, actor con década y pico de carrera que firma aquí su primer largo, se llevó gracias a ella el premio KutxaNuev@s Director@s en San Sebastián 2015. Cuando le preguntan por su película (en la que también firma el guión), Rosenberg explica que hay un poco de él en cada uno de los críos de su filme. Y eso incluye al chaval

interpretado por Joshua Raccah: uno de esos prepúberes capaces de convertir cualquier situación en un festival de la vergüenza ajena. Estudiando El novato, la crítica la ha comparado con una cierta ley no escrita del cine francés, según la cual (salvo excepciones: ver despiece) los adolescentes sólo tienen cabida en una película si esta es un drama social y/o aspira a denunciar las tachas del sistema educativo. En cambio, Rudi Rosenberg aspira a “hacer reír y pensar a la vez” sin esquivar las amarguras: “Todos mis personajes son discapacitados, cada uno a su manera”, afirma. POR

Yago García

‘EL NOVATO’ ESTRENO 8 DE ABRIL

‘ L’A D O L E S C E N C E F R A N Ç A I S E ’

LA PIEL DURA (1976)

Casi veinte años después de Los cuatrocientos golpes, François Truffaut vuelve a entornos escolares para narrar historias agridulces de profes y chavales en un cole de pueblo. Uno de los filmes más entrañables de su autor. 30 • AB RI L 2 0 1 6 •

LA FIESTA (1980)

¿Reconoces a la chica de la foto? Pues es nada menos que Sophie Marceau: con catorce añitos, la actriz ascendió al estrellato gracias a esta comedia teen, extremadamente ochentera, que tuvo secuela en 1982.

THE FRENCH KISSERS (2009)

En sus cómics, como Manual del pajillero, Riad Sattouf ha repartido estopa a granel hacia la pubertad y sus tópicos. Su debut como director resulta igual de implacable y ácido que aquellas viñetas, y también igual de divertido.

L A MIRADA

REPO MAN RUBÉN LARDÍN ES CRÍTICO DE CINE

PARA YA, TÍO LO DE IÑÁRRITU debe de estar avergonzando a medio México, pero el fenómeno también resulta interesante porque habla de otras cosas: del colosalismo como arte opresor, de la épica empresarial y de la urgencia de poesía que quiere atribuirse alguien sin más urgencia que la de clase. De El renacido se dice que está vacía, pero es peor: está llena de nada. Se trata de una peli blanco nuclear que, en lugar de Iñárritu, podría haber hecho Apple. Lujo para las masas. Alto diseño a tu alcance, pero carísimo a largo plazo, porque el cable lo tiene corto. Cine programado para la obsolescencia, que es el momento en el que nos damos cuenta de que grandeza y grandilocuencia eran términos contradictorios y que la poesía es un dios oculto, otra cosa, algo que a señores como este no les cabe en la cabeza. El renacido, que se funda en una extrañeza de cámara para abrumar a escolapios, es la mejor película que va a hacer nunca Iñárritu y por tanto una de las peores que vamos a ver nunca, porque este señor con el jersey sobre los hombros es su propia víctima, alguien que cuanto mejor lo hace, peor lo está haciendo. Y no porque se trate de uno de esos directores sin voz, sino por todo lo contrario, porque tiene firma y aplomo y un discurso de telenovela que hace usufructo de lo que en su barrio llaman desfavorecidos, que son aquellas personas a las que otras personas utilizan para sentirse mejores, más personas. La caridad católica de toda la vida: los indios ya se lo saben y se descojonan, para qué indignarse. Lo de Iñárritu es, de tan minúsculo, una pena muy grande.

Vincent Cassel y Emmanuelle Bercot.

Intoxicados de amor ¿LO IMPORTANTE ES AMAR? MAÏWENN RADIOGRAFÍA UNA PAREJA EMOCIONALMENTE INESTABLE EN ‘MI AMOR’, MERECIDO PREMIO DE ACTUACIÓN FEMENINA EN CANNES “SANTOS QUE YO TE PINTE demonios se

tienen que volver”. Si hay una película capaz de compartir universo emocional y espiral autodestructiva con un disco de Los Planetas, esa es Mi amor. Al cuarto largometraje de Maïwenn como directora, el primero donde no aparece delante de la cámara, le encajan muy bien versos como “Todo lo que yo tengo/ todo yo te lo daba/pero si acabas conmigo/vas a ser desgraciada” o “Puedes buscar por tierra/ puedes buscar por aire/que como yo te he querido/no va a quererte nadie”. Es decir, la secuencia de pasión desgarradora, entrega total, sufrimiento por amor y antidepresivos donde giran los tirabuzones de una relación de pareja entendida como montaña rusa y dolorosa adicción. El amor tóxico que embriaga y ahoga. Así lo vive Tony, protagonista encarnada por la fiera Emmanuelle Bercot –coguionista del filme y premiada en Cannes por su interpretación, ex aequo con la Rooney Mara de Carol–, incapaz de romper lazos de manera definitiva con Georgio (Vincent Cassel), padre de su hijo y pareja durante diez años de alegrías compar-

tidas, comportamientos abusivos, euforia, llanto, nirvanas de conexión y hecatombes de incomprensión. Durante un periodo de forzosa rehabiliMaïwenn tación tras un accon Louis cidente de esquí, Garrel. Tony aprovecha para rememorar las distintas etapas de la tormentosa relación con Georgio, sus luces y tinieblas. Mi amor –el título español ha optado por un calambur, “amo(r)”, equivalente al doble sentido original de Mon roi (“Mi rey”) como apelativo cariñoso y marcador de sometimiento– mira hacia el delicado asunto de las relaciones tóxicas, el abuso y la adicción sin buscar veredictos complacientes y metiendo el dedo en la llaga de una mujer fuerte e independiente que no puede evitar doblegarse ante los evidentes encantos de un carismático embaucador, quien carga con su propia afección moderna: el choque entre el capricho adolescente y la responsabilidad adulta. Un rey sin reino. POR

Daniel de Partearroyo

‘MI AMOR’ ESTRENO 15 DE ABRIL • ABRIL 2016 • 31

E L ICO N O

Alex Jennings y Maggie Smith, a escape libre.

Quince años de párking gratuito HISTORIA REAL ‘HABEMUS’: MAGGIE SMITH ES LA MENDIGA MOTORIZADA Y MUSICAL DE ‘THE LADY IN THE VAN’

La historia de un escritor (preferiblemente de éxito) que confraterniza con una persona sin techo (a ser posible, con algún talento oculto) es tan tentadora como riesgosa. Ahí queda el batacazo de Robert Downey Jr. y Jamie Foxx con El solista (2009), sin ir más lejos. Pero, en el caso de The Lady in the Van, los elementos de la ecuación revisten un doble interés: en la historia real, el escritor fue Alan Bennett, un señor que no reveló su condición de superviviente del cáncer hasta veinte años después de superar la enfermedad, y que salió del armario con los 70 ya cumplidos porque “no veía la razón para hacerlo antes”. Y que, pese a tanta timidez, es

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una institución del periodismo y del teatro británicos. En cuanto a Mary Shepherd (la señora vagabunda que aparcó su furgo durante 15 años frente a la casa del escritor), es una Maggie Smith muy dispuesta a cambiar sus ropajes eduardianos de Downton Abbey por los harapos de esa homeless que pudo haber sido una famosa concertista de piano, y a la cual la actriz ya interpretó en el teatro. Gracias a su trabajo en esta película, Smith se llevó un BAFTA y un Globo de Oro en 2015. POR

Yago García

‘THE L ADY IN THE VAN’

ESTRENO 15 DE ABRIL

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APIRIK

4/5/11/12/18/19 ABRIL

www.thinkingfootballfilmfestival.com

EL HÉROE

Retrato olímpico LA HISTORIA DEL ATLETA JESSE OWENS, EN ‘EL HÉROE DE BERLÍN’

Después de sufrir a los nazis en El libro negro, su personaje más recordado con permiso de la bruja roja de Juego de tronos, a Carice van Houten le han quedado ganas de interpretar a Leni Riefenstahl, cineasta fetiche de Hitler, en el nuevo largo de Stephen Hopkins (que llevaba unos años dirigiendo series tras Perdidos en el espacio y Bajo sospecha). Van Houten, secundaria de lujo junto a Jason SuAlle A Ale l x Jenn ennn nning inng ngs y M Maaggi Maggi g ie gg deikis, Hurt Smi S Sm m miith th aWilliam th, eesc es scape ape lliib ap bre re. y Jeremy Irons, retrata la hazaña olímpica (y antirracista) de Owens (Stephan James) en la Olimpiada de Berlín 1936, en pleno auge nazi. POR

Carlos Marañón

‘EL HÉROE DE BERLÍN’ ESTRENO 15 DE ABRIL

COREY FELDMAN ESCRIBÍA UNA CARTA A SU, POR LO MENOS EN ESE MOMENTO, GUÍA ESPIRITUAL.

Los Ángeles, 11 de mayo de 1986 Querido Hangla Mangla: Ahora mismo, lo que necesito es descubrir la luz (la luz que hay en las cosas pequeñas, como tú dices) y también un Alka-Seltzer. Ayer, sin ir mas lejos, monté una fiesta en mi mansión, así entre semana, sin ningún motivo. Le dije a mi asistente personal: “Montarme fiestaca”. (Como puedes comprobar, ni siquiera me molesté en conjugar el verbo, me dirigí a él como si fuera un salvaje). El caso es que por la tarde tenía organizada una de aúpa (mi asistente es una persona muy válida) con jamelgas, bebida, quicos gordos, altramuces… ¡Dios mío! Había hasta una rondalla tocando en mi piscina (me refiero dentro, en el agua). Bueno, ¿pues crees que todo eso me hizo feliz? ¿Que me sentí realizado? La respuesta es: SÍ, JODER. Pero sólo un rato, un rato

C A R TA S C I N É FA L A S POR

Joaquín Reyes

largo, puede ser, lo reconozco, pero ahora me encuentro vacío. Se lo he dicho a la chica rubia con la que me he despertado y también a la mulata, a las dos, les he dicho “me encuentro vacío” y ellas me han respondido “come algo”. Y en verdad tenía hambre y me he tomado para desayunar (a las 6 de la tarde) un chocolate con porras. Y después me ha venido a la mente el siguiente ripio: “Yo quiero casarme con la churrera, para estar todo el día churro dentro, churro fuera”.

Y me he sentido bien por un momento pero luego, al rato, otra vez el maldito vacío espiritual. Y de eso me gustaría hablarte, querido Hangla Mangla: la fama, el reconocimiento, el dinero a mansalva, el relativismo, la promiscuidad, la estética de lo inmediato… todo eso no da la puta felicidad. Necesito tu ayuda y esta carta es un grito de auxilio. Me gustaría cambiar todo esto por la auténtica felicidad: la del hombre sencillo y anónimo, con su trabajo de verdad, con su mujer, con sus hijos, con su hipoteca… Aunque sé que eso es inalcanzable para mí, pero… ¡Cómo me gustaría, aunque fuera por un día, ir por la calle sin que nadie me conociera! Me conformaría sólo con eso. Pero mi vida es esta; la vida del lujo y el 3 éxito. En fin. Un abrazo. Corey P.D.: El martes iré a tu consulta/guarida a que me alinees los chacras.

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E L C I N E Q U E V I E N E

Isabelle Huppert en L’avenir, de Mia HansenLøve; Oso de Plata a la mejor dirección.

BERLINALE

Lo mejor de Berlín está por llegar LA FRANCESA MIA HANSEN-LØVE SE CONSAGRÓ COMO CINEASTA INDISPENSABLE EN UNA EDICIÓN DEL FESTIVAL ALEMÁN EN LA QUE EL JURADO ACABÓ RIGIÉNDOSE POR CRITERIOS MÁS HUMANITARIOS QUE CINEMATOGRÁFICOS POR

Nando Salvá

FUOCAMMARE (Gianfranco Rosi)

A LULLABY TO THE SORROWFUL

Retrata, sin tapujos pero sin ensañamiento, el drama devastador de miles de personas que se juegan la vida, y a menudo la pierden, intentando entrar por el mar en Europa; y demuestra cómo, al otro lado de la playa, nos hacemos los suecos. Oso de Oro.

MYSTERY (Lav Diaz)

Obra literalmente monumental, que a lo largo de ocho horas acumula planos larguísimos y bellísimos en blanco y negro para meditar sobre el dolor vinculado a la historia de Filipinas. No espere usted verla próximamente en el cine de su barrio.

MIDNIGHT SPECIAL (Jeff Nichols)

Un niño sobrenaturalmente capaz de lanzar chorros de luz azul por los ojos huye de gente muy enfadada junto a su padre, en dirección a un destino que no podemos revelar –no, no es el oculista–. ¿Qué pasaría si mezclamos a John Carpenter con Spielberg? Esto.

CHI-RAQ (Spike Lee)

L’AVENIR (Mia Hansen-Løve)

Para condenar la violencia que los negros se infligen entre sí, e inspirándose en Lisístrata, mezcla rapeos shakespearianos, números musicales multicolor y diatribas políticas sutiles como la chistorra. O sea: es un lío, pero uno francamente divertido y muy sexy.

Una mujer madura, cuyo mundo se derrumba, medita sobre la pérdida de ideales, la ruptura marital, la muerte de una madre y en general esa cosa llamada vida. Confirma a la francesa Hansen-Løve como autora esencial del cine europeo.

PALMARÉS 66 EDICIÓN

Oso de Oro: Fuocoammare (Gianfranco Rosi). Gran Premio del Jurado: Death in Sarajevo (Danis Tanovic). Premio Alfred Bauer: A Lullaby to the Sorrowful Mystery (Lav Diaz). Mejor dirección: Mia Hansen-Løve por L’avenir. Mejor interpretación femenina: Trine Dyrholm por La comuna. Mejor interpretación masculina: Majd Mastoura por Hedi. Mejor guión: Tomasz Wasilewski por United States of Love. Mejor fotografía: Mark Lee Ping Bing por Crosscurrent. Mejor ópera prima: Hedi (Mohamed Ben Attia). 34 • AB RI L 2 0 1 6 •

Cyrill Dion, codirector con Mélanie Laurent de Mañana, premio César al mejor documental.

Que vienen los franceses DEL 7 AL 10 DE ABRIL, LA NUEVA EDICIÓN DEL FESTIVAL TU CITA CON EL CINE FRANCÉS DE UNIFRANCE ADELANTA EN LOS CINES IDEAL DE MADRID LAS PRODUCCIONES GALAS DEL AÑO CON SUS ESTRELLAS Y AUTORES NUEVE PREESTRENOS con las películas más destacadas de la última hornada de la cinematografía gala conforman la programación de la tercera edición del festival Tu cita con el cine francés organizado por Unifrance, organismo de promoción internacional del cine del país vecino. Del 7 al 11 de abril, en los cines Ideal de Madrid podrás encontrarte con los directores y protagonistas de los títulos franceses del año, como la

comedia judicial El juez, con presencia del director Christian Vincent; el documental Mañana sobre la crisis medioambiental que Mélanie Laurent ha dirigido con Cyrill Dion, que se pasará por la sala; Monsieur Chocolat, drama de época con Omar Sy; o Belles familles, una dramedia familiar con Mathieu Amalric, Marine Vacth y Karin Viard dirigida por Jean-Paul Rappeneau, quien también nos visitará. POR Daniel de Partearroyo OSCAR 2016

ALI G INDAHOUSE

La resaca de los Oscar

Sin permiso, Sacha Baron Cohen sacó a su rapero blanquito para avivar el debate racial. Olivia Wilde, cara de circunstancias.

‘SPOTLIGHT’ TRIUNFÓ EN LA GRAN NOCHE DE ‘MAD MAX’ Y ‘EL RENACIDO’, PERO LOS TITULARES FUERON OTROS

PALMARÉS

¡SED TESTIGOS! “TRÁTALO CON CARIÑO” Cual chiquillo en la mañana de Reyes, Leo disfrutó el grabado de su nombre en la estatuilla casi tanto como ganarla.

¿No aplaudieron los más estirados a Jenny Beavan (Mad Max) o se viralizó un vídeo con corte interesado?

Película: Spotlight. Dirección: Alejandro G. Iñárritu. Actriz: Brie Larson. Actor: Leonardo DiCarpio. Actriz de reparto: Alicia Vikander. Actor de reparto: Mark Rylance. Guión original: Spotlight. Guión adaptado: La gran apuesta. Consulta el resto del palmarés y la cobertura integral de la gala en cinemania.es • ABRIL 2016 • 35

LA VENTANA INDISCRETA

Jar Jar Binks, villano odioso PARODIAS ÁCIDAS (Y CINÉFILAS) QUE DAN MUCHA RISA: ASÍ SON LAS ‘TOMAS FALSAS’ DEL DIBUJANTE JOSÉ FONOLLOSA POR Mariló García UNA PARODIA EN FORMA DE CÓMIC de esas películas fácilmente identificables, o como explica José Fonollosa a CINEMANÍA: “Sabes que el lector tiene claro el referente sobre el que vas a construir tu chiste”. Una viñeta muestra, junto a otros villanos, a Jar Jar Binks, ¿tanta manía le tienes? “¡No es manía! Pero es que el personaje es un total despropósito. Si fuese un fan fatal de Star Wars sí que lo odiaría a muerte. La saga es un referente cultural del siglo pasado, más aun en el círculo friki en el que me muevo. Pero en el fondo son bromas con un cariño… retorcido. Espero que Jar Jar esté

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bien, pero que no vuelva a asomar su hocico nunca más”. Más Star Wars: ese Chewbacca tras salir del veterinario. “Su relación con Han Solo está en un punto medio entre colegas de profesión, amigos y mascotahumano. Lo mejor es que pude dibujar a un montón de secundarios que sólo los muy fans conocen”. El guiño a Toy Story da yuyu… “La peli habla del fin de la infancia, quizás por eso se nos cae la baba con ella a los que vamos peinando canas. ¿Hay algo menos inocente que las redes sociales? Como absoluto adicto a ellas te digo yo que no”.

TO M A S FA LS AS Planeta Cómic, 72 págs., 9 , 9 5 e u ro s.

POSIBLEMENTE L A S MEJORES CRÍTIC A S DEL MUNDO

Cuando has quedado para una pelea enorme y llegas el primero.

BATMAN V SUPERMAN El caballero oscuro y el hombre de acero construyen el universo DC a puñetazo limpio. Así les sale, claro EN C ARTE L

[Batman v Superman: Dawn of Justice] EE UU 2016 / 151 min. / Warner / Dir.: Zack Snyder Rep.: H. Cavill, B. Affleck, G. Gadot, J. Eisenberg HAROLD BLOOM dedicó su ensayo La an-

siedad de la influencia a a cómo lidian los poetas intentando diferenciar su obra de lo que escribieron otros antes. Con Batman v Superman podríamos hablar de otro fenómeno: la ansiedad del anticipo. La necesidad de la película de convertirse en ese pilar sobre el que se asentarán las futuras entregas del universo cinematográfico de los superhéroes de DC Comics. Menos dispersión y más consistencia serían lo recomendable para una obra tan catedralicia, aunque impensables cuando el mismo título de lo que debía de ser secuela de El hombre de acero (2013) ya tiene forma de checklist de conceptos de acuerdo a reglas SEO. Lo mismo puede aplicarse al berenjenal montado por el director Zack Snyder a los mandos de la franquicia superheroica. No hay duda de su entusiasmo por el material original, pero tanto fervor le lleva constantemente a una plasmación superficial y atolondrada de esas viñetas que tanto adora –ya le ocurrió en Watchmen (2009)–, despojándolas de peso y significado más allá de la cita. En su segunda película de Superman, Snyder demuestra que a él lo que le gusta es hablar de Batman; el justiciero oscuro, sin poderes y con mala hostia, que parece cosa más seria en el imaginario popular. Con él em38 • AB RI L 2 0 1 6 •

pieza y termina la historia, dejando claras las preferencias apuntadas al convertir al último hijo de Krypton en una fábrica de daños colaterales sin remordimientos. Entre medias, caen referencias visuales y diálogos de El regreso del caballero oscuro, de Frank Miller, y otros momentos clave en la historia tebeística de Batman y Superman, pero que atropellados como se muestran, sin elaboración ni reflexión, saben igual de descafeinados que la lucha entre los dos superhéroes más famosos de todos los tiempos. Pose para la foto (remedo de splash page molona), y a otra cosa. La tabla de salvación de Batman v Superman es contar con Ben Affleck como caballero oscuro gruñón, temerario y fascista en lo que, esencialmente, es una aventura de Batman; Jesse Eisenberg bien podría ser Joker disfrazado de Luthor. Affleck lo clava en los ratos de leve atrevimiento detectivesco y en los de Batman ciclado; vence y convence. La Wonder Woman de Gal Gadot promete en su breve (y, milagro, lúdica; la única sonrisa del filme) intervención. Lástima que su mayor secuencia consista en ver teasers de los próximos estrenos DC. Penúltima constatación de que Batman v Superman es poco película y mucho meta volante de una franquicia que entre tanto espectáculo pirotécnico de demolición debería dedicar más tiempo a sus cimientos. DANIEL DE PARTEARROYO

   

“Yo soy un peligro político y tú una broma”. La cita de Frank Miller que falta en la película es la que mejor la define.

VEREDICTO

ZACK SNYDER

“Quería un Batman más mayor, no decrépito. Y Ben era perfecto” ¿Cómo fue la búsqueda de Batman? En primer lugar, hay que entender que esta película es una realidad opuesta a las de Chris Nolan, es otro universo, así que no podíamos contratar a Christian Bale aunque hubiéramos querido porque no existía en nuestro mundo. Quizá para otro papel. Christian podría haber interpretado a Alfred con maquillaje, ¿no? Por supuesto. En el universo de Nolan, Superman no podría haber existido. Y por eso hicimos un relanzamiento, para permitir a estos dos personajes existir juntos. ¿Y qué viste en Ben Affleck? Quería un Batman más mayor, no decrépito, pero cansado del mundo y con experiencia. Y Ben tenía todo eso. Él es una absoluta estrella de cine ahora mismo. Tiene dignidad. Le hemos puesto canas. Y le hemos dado un aspecto duro. ¿Fue difícil encontrar a Wonder Woman? Vimos a muchas actrices, pero Gal [Gadot] es fuerte, guapa, amable y feroz al mismo tiempo. Esa combinación era perfecta.I. C.

Nathalie Poza y Emma Suárez.

JULIETA Pedro Almodóvar vuelve al drama femenino con su película más contenida y literaria E STR E N O 8 D E AB RI L España / 2016 / 96 min. / Warner/ Dir.: Pedro Almodóvar Rep.: Emma Suárez, Adriana Ugarte, Rossy de Palma, Daniel Grao, Darío Grandinetti

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lículas. Como forma de sufrimiento al que exprimir cinematográficamente, esa cosa que te deja maltrecho durante un tiempo o para siempre, está infrautilizada. Algo que desde luego no pasa en la música y si no que se lo digan a Chavela Vargas, que cuando en Julieta, la nueva película de Pedro Almodóvar, canta aquello de “por Dios que si te vas, se va a acabar mi amor, pedazo de mi vida”, no lo puede decir mejor. Pero, si un cineasta ha explorado las posibilidades de esta temática, qué duda cabe de que ha sido Almodóvar. Lo sabe Marisa Paredes, que en La flor de mi secreto lloraba por las esquinas de una casa en la que su marido cada vez paraba menos, y también Carmen Maura en Mujeres al borde de un ataque de nervios, aunque su personaje de aquella se tomase el repudio amoroso con gazpacho y mejor humor. Pero, por afinar un poco más, era también una forma de abandono, arrasando como un tranvía, lo que a Cecilia Roth se le venía encima al perder a su único hijo. Pues si hay un abandono peor que el resto, uno más incomprensible y doloroso, este debe de ser sin duda el de un hijo que abandona a su madre. O una hija. Y que se eche a un lado el mal de amores.

O SOBRE MI MAD RE TOD

SE HABLA POCO del abandono en las pe-

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AMOR DE MADRE Pero empecemos por el principio, por el rostro torturado de una Emma Suárez soberbiamente rota. Julieta, su personaje, es incapaz de superar algo que le sucedió en el pasado y ni siquiera la vida que se abre paso ni los hombres buenos –siempre hay hombres buenos que aman y salvan a las mujeres en las películas de Almodóvar, y Darío Grandinetti suele interpretarlos– consiguen que olvide para siempre. Un encuentro fortuito hace que se desmorone su coartada y que Julieta recuerde su vida. No la vida que cuelga de las paredes de su casa, ese autorretrato con arrugas de Lucian Freud y esa pintura más real que la realidad misma con firma de Antonio López. Esa realidad, al fin y al cabo, es la vida que

Julieta se inventa frente a aquella que le ha tocado vivir, la historia que sólo ha elegido a medias, inválida como cualquiera de nosotros ante el caprichoso destino. El relato de Almodóvar, el más literario hasta la fecha, el más contenido y sutil, el más munroniano, habla de esa otra vida y, por tanto, qué cosas, de todos nosotros. Y, quizás por ello, lo hace sin giros de guión alocados, sin cambios de género, sin retruécanos ni hipérboles. Bimba Bosé aparte, en Julieta hasta Rossy de Palma está comedida. Como ese arranque en tren que mezcla tragedia griega con Antonioni y que le cambia la vida a la joven protagonista interpretada por Adriana Ugarte, también espléndida aunque su encarnación y la de Emma Suárez parezcan de personajes diferentes. O sus lecciones en el colegio Estudio justo antes de vivir su propia Odisea, la que la llevará al mar, al amor, a la muerte, a la pérdida, episodios de su vida que pretenden explicar al espectador su dolor del presente. Y si algo se le puede reprochar a la película número veinte de Pedro Almodóvar cuando aborda el drama del abandono es, por una vez, lo mismo que se le puede echar en cara a la vida: todo lo que a veces tiene de inexplicable. Para eso sirve la literatura, claro. Para que intentemos comprender lo que nos ha ocurrido contándonos historias. ANDREA G. BERMEJO

   

VEREDICTO Emma Suárez y Adriana Ugarte sostienen este drama convincentemente pero cada una por su lado. • ABRIL 2 0 1 6 • 39

ALTAMIRA ESTRENO 1 DE ABRIL

España, Francia / 2016 / 111 min. / Fox / Dir.: Hugh Hudson Rep.: Antonio Banderas, Rupert Everett, Allegra Allen CON BANDERAS LUCHANDO por acabar de financiar 33 días, la película de Carlos Saura sobre el Guernica en la que él interpretará a su paisano Pablo Ruiz Picasso, se estrena Altamira, superproducción española que desempolva la emocionante y trascendental historia del descubrimiento de las Cuevas de Altamira y el reconocimiento de las mismas, veinte años después, como el primer lugar del mundo en el que se identificó la existencia del arte rupestre. Drama histórico y familiar, en la película se cuenta có-

TRUMBO ESTRENO 22 DE ABRIL

EE UU / 2015 / 124 min. / eOne Dir.: Jay Roach Reparto: Bryan Cranston, Helen Mirren, Diane Lane TRAMPANTOJOS para cinéfilos pop,

el furor por las intrahistorias del cine ha traspasado los límites del cuchicheo, los libros de anécdotas y los making of para llenar una nueva estantería adosada a la del género biopic, con películas amables, inofensivas y de corto recorrido. Perfectos placebos que nos hacen sentir expertos en cine clásico de andar por casa mediante un juego de identificación de personajes y situaciones que nos arrastran a concluir: “Estas sí eran películas y no las de ahora”. 40 • AB RI L 2 0 1 6 •

mo los artífices del hallazgo, el arqueólogo amateur Marcelino Sanz de Sautuola –bisabuelo de Emilio Botín, por cierto– y su hija María, tuvieron que soportar todo el escarnio infligido desde las trincheras de la fe y de la razón. De ambientación y localizaciones preciosistas y específicamente cántabras, la película juega también las bazas de la universalidad, al estar rodada en inglés, y del exotismo, gracias a su reparto internacional. Al protagonismo de un convincente, maduro y metódico Antonio Banderas se opone un irreconocible y pelado Rupert Everett, como el monseñor que intenta ganarse la confianza de su devota esposa, interpretada a su vez por la iraní Golshifteh Farahani (Exodus, La piedra de la paciencia). Les dirige el mítico Hugh Hudson, quien deja a un lado rasgos de autoría y se pone al servicio de una producción que tinta de melodrama y épica (destacan los VFX que ponen las pinturas en movimiento a partir de la imaginación de la niña), la intrahistoria de un descubrimiento artístico que, según Picasso, convirtió en decadente a todo lo demás. SERGIO F. PINILLA

   

VEREDICTO

Banderas saca lustre al descubridor de los tesoros de Altamira.

Cultura de solapas. Barniz de intelectualidad. Sucedía con Mi semana con Marilyn, con Hitchcock, con Al encuentro de Mr. Banks. Y algo hay en ¡Ave, César!, pareja de programa doble para este ameno Trumbo que también se eleva por encima de la media. De haberse rodado en estudios contiguos, algún avezado productor habría propuesto el cambiazo de los Coen con el realizador de comedias Jay Roach (Austin Powers, Los padres de ella) que no parecía a priori la mejor elección para huir del tópico a la hora de saldar deudas con la Caza de brujas. Sin embargo, todo funciona gracias a Cranston, pilar de la película, con esa credibilidad que nos ganó en Breaking Bad. Salvada por su ubicuo protagonista, la función respira también por el calado del oprobio político que se denuncia. Ayuda, curiosamente, el ligero tono de comedia que quita hierro y desprovee de pretenciosidad una película que nos hará correr a ver Johnny cogió su fusil, pero sin muchas trampas. CARLOS MARAÑÓN

   

VEREDICTO Bryan Cranston hace creíble un trampantojo de la Caza de brujas.

EL NOVATO ESTRENO 8 DE ABRIL

[Le nouveau] Francia / 2015 / 81 min. Karma / Dir.: Rudi Rosenberg Rep.: Réphaël Grenassia, Joshua Raccah TRAS AQUEL ATENTADO contra

la memoria de René Goscinny titulado El pequeño Nicolás, las palabras “comedia francesa con niños” le dan sudores fríos a quien suscribe. Calcúlese, pues, su actitud antes de ver este mediano éxito en el país vecino, cuyo reclamo principal es el retrato ‘fresco’ y ‘sin complejos’ de un grupo de prepúberes. Afortunadamente, los temores resultaron infundados: si bien El novato pretende resultar dulce, también aspira a evitar en el empalago y,

ANTONIO BANDERAS

“Hollywood se ha convertido en una marca” ¿Qué te enseñó el personaje de Sautuola? El calvario que tienen que pasar las personas que son creativas, constantes y meticulosas con su trabajo, frente a los que no les dejan. También cómo educar a una hija en un espacio de libertad e independencia. Tú, que eres nazareno y artista, ¿eliges fe o razón? Soy nazareno, pero no de pegarme latigazos en la espalda. La Semana Santa andaluza es un gran teatro, una ópera en la que participan más de 70.000 actores. Y es una forma de relacionarse con lo trascendente sin intermediarios. ¿Volverás a rodar en Hollywood? Hollywood es una brand, una marca. Si te llamas Robert De Niro y haces una película en Japón es una película de Hollywood, lo mismo que si eres Cameron Diaz y ruedas en Sidney.S.F. P.

en muchas ocasiones, lo consigue. El director Rudi Rosenberg tiene presente, menos mal, que la preadolescencia suele ser una etapa marcada por la higiene cuestionable, la torpeza social y las crueldades de una cadena alimentaria en cuya cúspide encontramos aquí a Eythan Chiche, el treceañero con la risa más insoportable a este lado del Loira. De este modo, los titubeos del prota Réphaël Grenassia (un pez fuera del agua que se debate entre la lealtad a los amigos y el deseo de no quedar como un loser) resultan verosímiles, como también lo son los de su desastrosa pandilla. Lástima que, tras sus hallazgos, y pese a ese naturalismo que se empeña en ganar terreno frente a la bufonada, el filme no se resista a la tentación de atar cabos, y darles respiros a sus personajes. Eso sí: al pensar en lo que un estudio de Hollywood hubiese hecho con una historia así, dan ganas de perdonar hasta las canciones de David Guetta.YAGO GARCÍA VEREDICTO Una French Pie con mucha azúcar, pero (por suerte) sin sacarina.

   

ORGULLO +PREJUICIO +ZOMBIES ESTRENO 1 DE ABRIL

[Pride and Prejudice and Zombies] EE UU / 2016 / 107 min. / Tri Pictures Dir.: Burr Steers Rep.: Lily James EN ‘ORGULLO Y PREJUICIO’, Jane

Austen sentó las bases de la comedia romántica sin saberlo. La historia de amor entre Elizabeth Bennet y Mr. Darcy probablemente será de las más copiadas, descarada o tímidamente, en el cine. El problema ha sido que, en muchos casos, cuando se han trasladado esos pilares a la pantalla, no siempre se ha entendido bien lo que de verdad quería contar la escritora inglesa de los buenos modales. Austen se estaba riendo de su sociedad encorsetada que no tenía más preocupaciones que

encontrar un buen matrimonio, dejando en esa conversación y acuerdo casi comercial a la mujer como elemento pasivo. Orgullo + prejuicio + zombis se ríe ahora del cine de acción que ha dejado siempre a la mujer en una posición débil. No sólo hay una heroína, sino seis: las cinco hermanas Bennet y Lady Catherine. El test de Bechdel, pasado con nota. Novela original y película, basada en el híbrido homónimo creado por Seth GrahameSmith, se encuentran en ese alegato feminista. Las armas de las mujeres de Austen eran sus palabras. Liz Bennet las tiraba a la cara sin pensar en la corrección política. En el filme, a sus palabras les suma artes marciales y armas. Lily James declama tan bien como corta cabezas a no muertos. Ella, Sam Riley como un Mr. Darcy más oscuro aún, y Matt Smith como Mr. Collins, roban la película, aunque todo el reparto consigue lo propuesto: no reírse ante la casi absurda situación.IRENE CRESPO VEREDICTO El test Bechdel pasado con nota e ironía. Austen ultrafeminista.

   

EL JUEZ ESTRENO 8 DE ABRIL [L’He r m i n e ] Francia / 2015 / 98

min. / Surtsey / Dir.: Christian Vincent Rep.: Fabrice Luchini, Sidse Babbett Knudsen, Eva Lallier ADEMÁS DE la luz interior de Sidse Babett Knudsen, opuesta a la mala sombra proverbial del juez que interpreta Fabrice Luchini, hay un ligero rastro de la serie danesa Borgen en la nueva película del director y guionista Christian Vincent, que viene de encerrase en el Elíseo con la arrasadora cómica Catherine Frot en La cocinera del presidente. Seducido por esas intimidades del poder, regresa el cineasta, aquí sin los excesos del humor, a la vida privada del alto

funcionario público, un poco a la wilderiana y otoñal manera. Juzgamos el momento vital, solitario y desastrado, del presidente de un tribunal con jurado ante el caso de homicidio de un bebé. El asunto principal se sustancia con naturalidad desbordante, media sonrisa irónica y ese punto de repulsión-atracción controlada a la que nos acostumbra el genial Luchini, experto en sapos humanos que acaban atrapándonos con la lengua. El otro juicio (el criminal) nos permite poner en su contexto el relato personal del magistrado, cuyo vínculo personal con un miembro del jurado rompe el equilibrio: no parece nada serio, quizá por eso resulta evocador. Una relación tan sutil que corona la historia casi perfecta que ha escrito Vincent. El juez va incluso más allá, al atreverse con otra lúcida transparencia. Ese “Y la vida continúa” en el que nada culmina, excepto las sentencias de un juez que ni siquiera tiene en su mano los veredictos. Y menos aún el de su vida íntima.C. M. VEREDICTO La bruma de Luchini y la sonrisa de Babett Knudsen: justicia poética.

   

EFRAÍN ESTRENO 8 DE ABRIL

[Lamb] Et., Fr., Alem., Nor., Qa. 2015 / 94 min. / Betta / Dir.: Y. Zeleke Rep.: Rediat Amare, Kidist Siyum EL CINE ETÍOPE comienza a aflorar

en los circuitos festivaleros a los que tanto les cuesta ponerse las gafas para buscar grandes películas en el continente africano. Por esa miopía, de momento los cineastas llegan por la pasarela de las coproducciones, ya sea con Angelina Jolie de madrina (Difret, 2014) o con capital francés, caso de Efraín, primer filme etíope seleccionado en la historia del Festival de Cannes (compitió en la paralela Un certain regard). A la espera del surgimiento de una figura verdaderamente revolucionaria en la región (ojo a Hermon

Hailay, que su debut Price of Love es uno de los títulos más aclamados de la temporada), tenemos estas obras de exotismo amable y retrato social con regusto crítico para concienciación de patios de butacas occidentales. Efraín, amoldada sin ambages a la fórmula de descubrimiento del mundo a través de los ojos de un niño, sigue al joven titular y su cordero Chuni, a quien todos menos él ven como futura carne a la brasa, cuando la sequía y la muerte de su madre les obligan a vivir con sus tíos en una zona rural, cuyos abrumadores paisajes fotografía con gusto la canadiense Josée Deshaies. Con el retrato familiar, Yared Zeleke plasma la brecha generacional que palpita en su país, donde una efervescente población juvenil ya cuestiona el enquiste de tradiciones perpetuadoras de desigualdad. De ahí la importancia narrativa de la prima rebelde de Efraín interpretada por Kidist Siyum, estrella natural de un cine aún sin industria. DANIEL DE PARTEARROYO

   

EL HÉROE DE BERLÍN ESTRENO 15 DE ABRIL [Race] Fr., Alem., Can. / 2016 / 134

min. / DeAPlaneta / Dir.: Stephen Hopkins Rep.: Stephan James, Jason Sudeikis, Carice van Houten ESTRENADA por capítulos en la

televisión única de entonces, a mediados de los 80 llegó a España el correcto telefilme The Jesse Owens Story, dramón centrado en la superación personal de este mito estadounidense cuya leyenda cuenta que batió a todo un imperio (el III Reich). La corrección continúa en El héroe de Berlín, título español que sustituye al doble juego de Race (carrera y raza) del original, más adecuado al meollo del filme, y añade a una estampa

VEREDICTO

Apu, Ahmed, saludad a Efraín. Viene de Etiopía y tiene un cordero.

algo rutinaria los efectos digitales para llenar los estadios tan de moda en el cine deportivo actual. La novedad, sin embargo, al margen de los sorprendentes secundarios para colorear el bajo coste (curioso Jason Sudeikis, Jeremy Irons, William Hart), estriba en la ampliación del foco desde el concreto intríngulis del héroe al marco sociopolítico general en el que logró sus cuatro medallas olímpicas. En ese sentido, el breve personaje de Leni Riefenstahl (Carice van Houten) es culminante para entender este reenfoque por el que la cámara de la directora favorita del Führerse convierte en coprotagonista de un filme concienzudo al contarnos que el racismo no era una exclusiva de la Alemania nazi. Stephen Hopkins, realizador fronterizo entre cine y televisión, confirma el aroma a telefilme en una película cuyo sentido final parece el de reclamar para Jesse Owens el reconocimiento oficial que jamás tuvo tras dejar con un palmo de narices al mismísimo Hitler.C. M. VEREDICTO La batalla olímpica de Owens contra el racismo. La guerra continúa.

   

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EL SECRETO DE UNA OBSESIÓN ESTRENO 15 DE ABRIL

[Secret in Their Eyes] EE UU / 2015 / 111 min. / Vercine Dir.: Billy Ray Rep.: C. Ejiofor, Nicole Kidman, Julia Roberts ANTE LA NOTICIA del remake norteamericano de El secreto de sus ojos, el clásico instantáneo de Campanella (clásico de cara al futuro y también hacia el pasado, pues bebe de los referentes del cine negro, con su potente especificidad argentina) la única duda que se le antojaba a este cronista es si la rutinaria pericia de la maquinaria hollywoodiense sería capaz de adaptar un pequeño chispazo de distin-

KIKI, EL AMOR SE HACE ESTRENO 1 DE ABRIL

España / 2016 / 90 min./ Vértigo Dir.: Paco León Reparto: Natalia de Molina, Álex García, Candela Peña ¿SEXO Y CINE ESPAÑOL? Sólo había una manera de sacar adelante tamaño reto sin caer en los risibles resultados del pasado: encargárselo a Paco León. A pesar de que su portentoso debut como director (Carmina o revienta), después de años convenciéndonos de que era el menos espabilado del barrio, caía sin reparo y orgullosamente en lo soez, alguien debió de vislumbrar que detrás de aquel homenaje a lo ordinario había un cineasta con gusto. KIKI, el amor

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ción de aquel filme, como ejemplo de lo difícil que resulta llegar hasta el corazón del original. El resto, una vez pagados los derechos, podía replicarse robóticamente; pero el destello del fútbol como pista que descubre al asesino en la película era complicado de reinventar en EE UU. Tampoco le ayuda la desaparición del personaje de Francella, ni la pérdida del sabor de la Argentina en tránsito de la dictadura a la incipiente democracia, ni, en fin, echarle pasión a una narración que va precisamente sobre eso, sobre la necesidad de una pasión (de una excusa, dirían otros, para seguir viviendo). El secreto de una obsesión va al bulto y falla en todos esos detalles que acaban convirtiendo la película de Billy Ray en una rareza que se recordará por su estrambótico reparto. Chiwetel Ejiofor, en su esforzadísima buena línea de los últimos tiempos, rendido a los encantos de una Nicole Kidman cuyas operaciones actúan como un imán: no se puede apartar los ojos de su (más)cara. Tampoco olvidaremos a Julia Roberts, en la que es la caracterización más absurda de su carrera. ¿Es por todo ello una mala película? Pues tampoco. Es una película inane, la historia de una venganza sin pasión alguna que ofrecer al espectador. CARLOS MARAÑÓN

El secreto de sus ojos (2009) de Juan José Campanella (coescrita por Eduardo Sacheri, autor de La pregunta de sus ojos) llegó hasta Hollywood y ganó el Oscar de habla no inglesa. Allí sedujo a Mark Johnson, uno de los productores de Breaking Bad, para hacer un remake con algunos cambios en el camino de Buenos Aires a Los Ángeles. Béisbol por fútbol (Racing de Avellaneda mutó en los Dodgers), funcionarios de justicia convertidos en agentes del FBI, trama de terroristas islámicos y desaparición del personaje de Francella, el más carismático del filme original.C. M.

   

VEREDICTO

Adaptación sin alma (y sin fútbol) de El secreto de sus ojos. La pasión no iba incluida en los derechos.

se hace es la prueba definitiva de que efectivamente lo hay. La tercera película de Paco León, remake de la australiana The Little Death –sexo y cine australiano tampoco es que prometa mucho, la verdad– utiliza las siempre morbosas filias sexuales para construir una trama de románticas historias independientes que apenas se cruzan. Todos y cada uno de los actores actúan de manera sobresaliente, como cabría esperar. Desde Alexandra Jiménez –la chica sordomuda que sufre elifilia, atracción obsesiva por determinados tejidos– hasta Candela Peña –a la que le ponen las lágrimas del marido–, pasando por la paliza del pobre Álex García por las extrañas querencias de su novia, Natalia de Molina. Pero, sobre todo, sorprende la elegancia con la que Paco León narra sus historias, la fotografía cálida, la comicidad, la cuidada estética de la película. Verla, nunca mejor dicho, es un placer.ANDREA G. BERMEJO VEREDICTO Todo lo que podía salir mal con Paco León sale bien. Y muy bien.

   

Obsesiones y ojos

MI AMOR ESTRENO 15 DE ABRIL

[Mon roi] Francia / 2015 / 128 min. Golem Dir.: Maïwenn Rep.: Emmanuelle Bercot, Vincent Cassel, Louis Garrel LLUEVE CON FUERZA, el agua cae

a chorros por la cara de Emmanuelle Bercot mientras lanza un alarido en plena calle a un coche que se aleja conducido con furia por Vincent Cassel, padre de su hijo. Mi amor no apuesta en ningún momento por la sutileza, pero aun así ese recurso a un cliché tan desprestigiado como el reflejo meteorológico exterior de las tormentas emocionales internas choca con la naturalidad que enarbola Maïwenn durante el resto de su cuarto largo como directora.

La compenetración es evidente entre la cineasta y Bercot, actriz premiada en Cannes y coautora del guión. Ya trabajaron juntas en la deficiente Polisse (2011) y, como si ampliaran el cuerpo de una de las parejas allí esbozadas, han convertido Mi amor en una radiografía bien iluminada de las relaciones tóxicas, aquellas cuya embriaguez inicial nubla todas las banderas rojas de lo que es un caldo de cultivo para la anulación personal y los abusos cotidianos. Lo que carece la película de finura, lo gana en radio de alcance gracias a los matices improvisados en rodaje por sus actores. Tony, la firme abogada encarnada por Bercot es fuerte, independiente y decidida, el opuesto radical al estereotipo que iguala mujer maltratada a necia desvalida y aún anida en demasiadas mentes ajenas a un problema global. Igual que Cassel compone un personaje poliédrico, narcisista e indudablemente inestable, pero tan carismático que esclarece el cautiverio de su sierva. DANIEL DE PARTEARROYO

   

VEREDICTO

Dos fieras actorales en medio de un choque de trenes sentimentales.

HITCHCOCK/TRUFFAUT ESTRENO 1 DE ABRIL

EE UU / 2015 / 80 min. / A Contracorriente Sherlock / Dir.: Kent Jones Rep.: David Fincher, Martin Scorsese, Wes Anderson “QUERIDO SR. TRUFFAUT, su carta me ha hecho llorar”. En 1962, el director de Los cuatrocientos golpes había escrito a Alfred Hitchcock proponiéndole una entrevista para que “la gente entendiese de una vez por todas que él era el mejor director del mundo”. A vuelta de correo, el maestro del suspense respondió emocionado. Aquel fue el punto de partida de El cine según Hitchcock (1966), uno de los mejores libros sobre cine –¿el mejor?– de la historia. Cincuenta años después, Kent Jones (Mi viaje a Italia), redondea la perfección del documento de la mejor manera posible: con imágenes. Primero, aprovechando

VICTOR FRANKENSTEIN ESTRENO 15 DE ABRIL

EE UU / 2015 / 109 min. / Fox / Dir.: Paul McGuigan Rep.: D. Radcliffe, James McAvoy UN MONO DE FERIA Y DE CIRCO recibe cada noche una indecible somanta de palos pero se revela íntimamente contra su infortunio refugiándose en los libros, que siempre le aconsejan bien. Es el fantástico inicio de esta nueva versión del clásico de Mary Shelley que casi desde que el cine es cine vaga lustroso e imponente por nuestro imaginario. Es el Doctor Frankenstein en persona quien le rescata, le succiona la joroba con una especie de lavativa –una escena fantástica- y le convierte en su acólito Igor. Paul McGuigan ha pergeñado un relato mucho más clásico y atractivo de

el material de archivo que se conserva de aquellos ocho días que Alfred Hitchcock y François Truffaut pasaron hablando de cine de nueve a seis, “hasta en las comidas”. El fotográfico –fotografías, contactos y negativos de Philippe Halsman– y sobre todo el sonoro, las grabaciones de la entrevista, por supuesto más sugerentes que si aquel encuentro se hubiese registrado en movimiento. Las lecciones de cine de Hitchcock, carraspeadas en su irremplazable acento británico y apostilladas por el otro maestro de la sala, encuentran en Hitchcock/Truffaut nuevas notas a pie de página, según cineastas como Fincher, Wes Anderson, Scorsese, Assayas o Bogdanovich repasan las enseñanzas del genio a través de sus películas. Parece que el libro de Truffaut consiguió convencer al mundo de que Hitchcock era el mejor director. Para los que queden por convencer, este documental.A. G. B. VEREDICTO La versión de El cine según Hitchcock con las mejores notas a pie de página.

   

lo que sus imágenes pantagruélicas se empeñan en afirmar a cada nuevo plano. Esto, el texto limpio de Shelley, sigue siendo lo mejor aunque haya quien tenga tantas ganas alambicarlo. Son las típicas y ya cargantes triquiñuelas visuales a lo Guy Ritchie las que van cincelando el metraje cansinamente. Hay un problema no baladí que emponzoña el visionado: un reparto tirando a flojo. A un Radcliffe que, ¿cómo decirlo?, ha crecido francamente mal –perdón por la escasa profundidad crítica– se le añaden unos secundarios poco más que ceros a la izquierda. Poco se añade a lo que ya sabemos de la historia pero el director consigue inyectarle cierta personalidad más allá de lo consabido y lo mostrenco. Nos habla de ese ser eternamente desplazado que lucha por huir de su pasado, seducir a su amor secreto y lograr enderezar no sólo su castigado cuerpo sino también su alma. Y de su compañero de fatigas: el científico que desea darle nueva vida al cadáver descompuesto, al zurcido de carne que yace inmóvil sobre la camilla. Los primeros seres que regresan de la muerte son animales bastante repugnantes, pero paciencia porque al final...TONI VALL VEREDICTO El relato de Mary Shelley pasado de revoluciones pero con la esencia reconocible.

   

CEGADOS POR EL SOL ESTRENO 22 DE ABRIL

[A Bigger Splash] Italia / 2015 / 120 min. / Avalon / Dir.: Luca Guadagnino Rep.: Ralph Fiennes, Tilda Swinton EN 2009, LUCA GUADAGNINO y Tilda Swinton erigieron un monumento cinematográfico titulado Yo soy el amor. La actriz puso su fascinante personalidad al servicio de la poética de Guadagnino para contar la historia de una mujer casada que se enamoraba perdidamente del amigo de su hijo mayor. El deseo era el corazón temático de aquella película y lo es, nuevamente, en Cegados por el sol. No es la única seña de identidad que repite Guadagnino. Si en

O LOS TRES O NINGUNO EN CARTEL

[Nous trois ou rien] Francia / 2015 / 102 min. / Caramel / Dir.: Kheiron Rep.: Kheiron, Leïla Bekhti, Gérard Darmon “NO ESTÁ BASADA en una historia

real, es una historia real”, reza el tráiler de O los tres o ninguno, primera película del conocido cómico francés Kheiron. Y al parecer lo es, una historia real. Sin ir más lejos, la suya, la de sus padres, inmigrantes que huyeron de Irán con el propio director en brazos cuando era un bebé. Es precisamente esa primera parte de O los tres o ninguno lo mejor de la ópera prima de Kheiron. Contado en tono cómico, pero sin ocultar los sinsentidos 44 • AB RI L 2 0 1 6 •

Yo soy el amor lograba inmiscuirse en un mundo por lo general inaccesible, como el de las potentadas familias italianas, aquí repite la hazaña colocando en el centro de su película a una estrella del rock. Tilda Swinton, que, con sombra de ojos amarilla, es lo más parecido que tiene el cine a eso mismo, consigue que Marianne Lane, la ultrafamosa cantante a la que interpreta, nunca caiga en el cliché. Su personaje se recupera de una afonía en una agreste isla siciliana y disfruta junto a su novio (testosterónico Schoenaerts) de la paz del lugar. Hasta que en sus idílicas vacaciones irrumpe un viejo amigo (genial elección de Fiennes) y su jovencísima hija ( Johnson). Estos personajes pululan alrededor de la piscina de Marianne como el personaje de Tilda Swinton tomaba sopa rusa en la mansión de Yo soy el amor. Los lugares, continentes de nosotros mismos, vuelven a jugar un papel esencial en el cine de Guadagnino, como también lo hacen otros aspectos recurrentes en su filmografía: la cocina, la música pisando diálogos o el leitmotiv del deseo, que aquí se enreda en aspiraciones sentimentales poco sutiles que, todo apuntaba a ello, no podían acabar nada bien. Y no, no lo hacen. ANDREA G. BERMEJO

“Me pregunto qué es lo que queremos verdaderamente” ‘Cegados por el sol’ es un remake de ‘La piscina’ (Jacques Deray, 1968) pero comparte con tu filmografía un profundo interés por temas como el deseo. La piscina, el filme original ,comparte una serie de elementos con mi cine, sobre todo el tema del deseo, algo sobre lo que me gusta profundizar y que estará en mi próxima película, Suspiria. ¿Qué es lo que te interesa del deseo? Yo siempre me pregunto qué es lo que queremos verdaderamente, detrás de la fachada que todo el mundo ve. Qué hay detrás de lo que expresamos, lo que sacamos de manera indirecta de las cosas. Esta es tu cuarta colaboración con a Tilda Swinton. Tú, que tienes la suerte de conocerla de cerca. ¿Cómo la definirías? Tilda es bella de una manera absolutamente especial, una mujer culta y humanista, política, única e independiente.A.G.B.

   

VEREDICTO

Tiene todo lo que te fascinó de Yo soy el amor, además de Matthias Schoenaerts. Pero…

de las dictaduras a las que fue (¡y está!) sometida Irán, el filme se asemeja, con su carácter simpático, a rompetaquillas recientes como Dios mío, ¿pero qué te hemos hecho? si bien es cierto que, en este caso, Kheiron aprieta las tuercas en la crítica política y social. Y aunque esto funciona para la primera parte de la película, contextualización de la huida de sus padres desde la vieja Persia hacia el eterno paradigma de la democracia y la libertad, Francia, no lo hace tanto desde que estos se afincan allí. La equiparación que pretende hacer Kheiron entre la condición de sus padres como exiliados políticos y su reciclaje francés como rehabilitadores sociales, si bien es loable, rompe la película en dos. ¿No hubiese sido mucho más interesante conocer más detalles de la vida de los padres antes de huir de Irán? Las emocionantes fotografías personales que el director utiliza a modo de créditos parecen indicar que sí. A. G. B.

   

LUCA GUADAGNINO

VEREDICTO ¿Alguien sabe cómo ha sentado esta película en Irán?

EL PREGÓN EN CARTEL

España / 2016 / 86 min. / DeAPlaneta Dir.: Dani de la Orden Rep.: Berto Romero, Andreu Buenafuente DE LOS BALCONES de la comedia española han salido monumentos de la vergüenza ajena, con alcaldes flotando entre realidad y ficción, gags de explicaciones debidas y mucho caloret. Pero, como el clímax que promete el título acaba por convertirse en un macguffin, la primera incursión de Berto y Buenafuente como dúo cómico en el cine bascula hacia otro de los grandes temas de nuestra cultura. La oposición campo-ciudad, en lo que sería la parodia del beatus ille de Fray Luis. Oda a la vida

retirada, ¡y un cuerno! En la prudencia del gancho de B&B reside parte del tirón de una bufonada que cae simpática por sustentar esa apelación al estereotipo: todos tenemos un pueblo del que nos avergonzamos y un actor que nos hace gracia. Va de vergüenzas, y más propias que ajenas. Así, en una suerte de posthumor rebajado, se consigue perfeccionar el efecto “chistes de cuñados”, en los que acabas riéndote aunque no quieras, en la mezcla de algunas ideas brillantes con gags de teleserie media, secundarios vistosos y algunas astracanadas para desahogar en ausencia de mili. Berto, que había sufrido un extraño parón en Ocho apellidos catalanes tras destacar en todos sus trabajos en el cine, sostiene la dupla con un Buenafuente discreto pero correcto, y aguanta lo que le echen. Incluso una de nuestras vergüenzas nacionales: la cabra y el campanario, el título que más se habría acercado al destino íntimo de esta divertida comedia cabestra.CARLOS MARAÑÓN VEREDICTO La vergüenza ajena sale al balcón y nos hace reír de nuestros cuñados.

   

En todo caso, el foco no es ella sino el impacto que su presencia tuvo en Bennett. Es decir: pese a un pasado lleno de traumas y tragedia, la pobre señora existe sólo para que el escritor se conozca a sí mismo y, de paso, para hacernos reír con su actitud avinagrada y su inoportunidad a la hora de hacer de vientre. La idea, claro, es demostrar que los escritores a veces explotan al prójimo para inspirarse. Con ese fin, como un Charlie Kaufman de estar por casa, Alan Bennett, interpretado por el británico Alex Jennings, se nos presenta bifurcado en dos yoes que mantienen un diálogo interior. Por el mismo precio, pues, se nos ofrecen dos personajes aburridos. Si, pese a todo, The Lady in the Van funciona como pasatiempo razonablemente eficaz es gracias al trabajo actoral de la veterana actriz Maggie Smith, que recorre todos los contornos del arquetipo de la vieja gruñona sin recurrir ni un sólo instante a la caricatura. NANDO SALVÁ VEREDICTO Maggie Smith, vieja gruñona sin caer ni un instante en la caricatura.

THE LADY IN THE VAN ESTRENO 15 DE ABRIL

RU / 2015 / 104 min. / Sony / Dir.: Nicholas Hytner Rep.: Maggie Smith, Alex Jennings, Jim Boradbent DURANTE 15 AÑOS, el escritor Alan Bennett tuvo a una anciana vagabunda y su ajada furgoneta aparcadas frente a su casa. La obra teatral que escribió sobre el asunto fue un rotundo éxito a pesar de que, a juzgar por esta adaptación, la convivencia dio poco de sí. El director Nicholas Hytner trata de convertir las idiosincrasias de la mujer en una historia, pero la narración avanza tan poco como la furgo. Todo cuanto las revelaciones sobre su biografía aportan es sentimentalismo.

   

NUESTRA HERMANA PEQUEÑA EN CARTEL [Umimachi Diary] Japón / 2015 / 128

min. / Golem / Dir.: Hirokazu Koreeda Rep.: Haruka Ayase, Masami Nagasawa LOS DRAMAS familiares de Mikio Naruse fueron definidos en una ocasión como ríos de superficie tranquila y turbulentas corrientes en las profundidades. La evolución del cine de Hirokazu Koreeda cada vez acerca más al autor de las intencionales After Life (1998) y Nadie sabe (2004) al mismo grácil estado de calma, donde no hay necesidad de narraciones complejas ni imágenes llamativas para introducirse en la realidad concreta de personajes con vivencias, dudas y pesares muy humanos.

Nuestra hermana pequeña es la adaptación de un manga de Akimi Yoshida sobre la vida cotidiana de tres hermanas veinteañeras que, tras la muerte de su padre, deciden adoptar a la hija adolescente que este tuvo en un matrimonio posterior. La casa de campo donde viven las chicas, en la costera Kamakura, se convierte en una hermandad femenina de personalidades más complementarias que contrapuestas; aunque demasiado esquemáticas en origen, son interpretadas por un reparto perfecto que habita espacios y diálogos con tanta naturalidad como ingiere los platos de comida que presiden sus ratos en común. Porque, en este drama de conflictos extinguidos en el acto, cámara mecida por la brisa e iluminación sin sombras, donde el recuerdo, el perdón, el paso del tiempo y la evolución de expectativas apuntalan el relato, son primordiales los alimentos y su consumo dándonos compañía. La mejor rebanada de la vida. DANIEL DE PARTEARROYO

   

VEREDICTO Recuento de vida apacible; el drama es verlo con el estómago vacío. • ABRIL 20 1 6 • 45

LOBOS SUCIOS ESTRENO 8 DE ABRIL

LOS RECUERDOS

EL CAMINO MÁS LARGO

ESTRENO 22 DE ABRIL

EN CARTEL

MADAME MARGUERITE ESTRENO 1 DE ABRIL

España / 2016 / 115 min. / Syldavia Dir.: Simón Casal

[Les Souvenirs] Francia 2014 / 92 min. / Filmax / Dir.: Jean-Paul Rouve

España / 2015 / 85 min. / Eagle Rock Dir.: Alexis Morante

Fr., Rep. Ch., Bel. / 2015 / 129 min. / A Contracorriente / Dir.: Xavier Giannoli

LO PEOR DE MUCHAS películas mediocres no es sólo su calidad, sino la cantidad de ideas interesantes que dejan caer. Véase, para probarlo, el caso de este thriller ambientado en la posguerra. Desde los hechos registrados (la explotación alemana de las minas de tungsteno gallegas, el maquis antifranqusita) hasta sus ideas más outré (la conexión meigas - nazismo esotérico), Lobos sucios contiene muchos elementos dignos de mejor causa, así como una puesta en escena a veces muy apañada. Pena que dichas virtudes se pierdan entre diálogos expositivos, tópicos maniqueos (sí: la figura del guardia civil sádico era obligatoria) y otras lacras que la sitúan a mucha distancia tanto de Del Toro y El laberinto del fauno como de Gutiérrez Aragón y su tenebrosa El corazón del bosque.YAGO GARCÍA VEREDICTO Podría haber sido original y telúrica. Podría.

LAS PELÍCULAS intergeneraciona-

LE GUSTEN O NO A UNO

sus canciones, hay algo innegable acerca de Enrique Bunbury: el ex vocalista de Héroes del Silencio es una de las pocas, poquísimas estrellas auténticas del rock que ha dado España. Y ahí reside el interés de este documental, que registra su primera gira estadounidense: en lugar de envolver a su protagonista en mística, y salvo en los inevitables momentos a pie de escenario, Alexis Morante ofrece un relato con el pulso de lo cotidiano. A veces divertido (el encuentro jamonero con José Andrés, el chef de Hannibal) y a veces desmitificador (ese recorrido por una sala casi vacía hará temblar de espanto a más de un músico), El camino más largo resulta una curiosa combinación de campechanía zaragozana y aspiraciones bigger than life. Como el propio Bunbury. Y. G. VEREDICTO Del Pilar a Los Ángeles: un rockumentary sin paños calientes.

XAVIER GIANNOLI se inspira en

   

les son al género lo que los debates sobre política en cenas familiares: un terreno pantanoso. Porque ¿es o no posible un filme sobre todos sus miembros por igual y sin excesos? A esta pregunta intenta responder Jean-Paul Rouve adaptando el libro de David Foenkinos, retrato de tres generaciones en sus distintas etapas vitales –juventud, madurez, ocaso– que sigue a la abuela en fuga de la sobreprotección familiar; un marco mínimo que demuestra que las historias sencillas son las que mejor funcionan, aunque en Los recuerdos, por desgracia, pronto aparecen los aires de grandeza. La versión de Que reste-t-il de nos amours?, el clásico de Charles Trenet de la banda sonora, sirve para ejemplificar la sensación agridulce de la película: buen material, pobre ejecución.PAULA ARANTZAZU RUIZ VEREDICTO Melancolía y ternura, compañeros de viaje al corazón de la familia.

   

llido Poulain, es de ficción, y protagoniza la película francesa más influyente del milenio; la otra, Nothomb, es autoficción, pues tal es el género que practica, y se ha convertido en una de las más exitosas novelistas en francés. En Romance en Tokio, ambas Amélies se encuentran en la capital nipona pues, a la hora de trasladar a la gran pantalla la novela Ni de Eva ni de Adán, el realizador recurre a la reconocible ‘estética Poulain’: omnipresentes melodías de caja de música; voz en off; ESTRENO 22 DE ABRIL Bel., Fr., Can./ 2016 / 100 min. coloristas escenarios; fantasiosos Abordar / Dir.: Stefan Liberski sketches extradiegéticos; un humor blanquísimo y optimista (en este caso, basado en las diferenCASUALIDADES DE LA VIDA: dos de las mejores exportaciones de cias culturales entre Oriente y Occidente); y, sobre todo y por la cultura francófona del siglo encima de todo, una femme enXXI comparten el mismo nombre de pila: Amélie. Una, de ape- cantadora.

ROMANCE EN TOKIO

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Precisamente es Pauline Etienne, con su peinado a lo garçonne, sus jerséis marineros y sus rubores en la mejilla (o sea, la quintaesencia de la francesa que, paradójicamente, inmortalizara la estadounidense Jean Seberg), lo más destacable de un filme que funciona bien como comedia romántica pero que, desgraciadamente, llega demasiado tarde en términos estéticos: la Amélie de JeanPierre Jeunet tuvo tal éxito en el imaginario popular, fue tan influyente en el cine y la publicidad de la época, que remedar su estilo quince años más tarde es recrearse en la repetición innecesaria de lo ya visto y disfrutado.RUBÉN ROMERO VEREDICTO Cuando Amélie (Poulain) se encontró con Amélie (Nothomb).

   

Florence Foster Jenkins –una soprano que usó su fortuna para comprarse una carrera pese a que su voz sonaba como una bisagra oxidada– para ofrecer un muestrario de comportamientos ilusos, desesperados, hipócritas y miserables. Como su protagonista, el filme nunca encuentra el tono correcto. Primero, porque esboza diversas subtramas que jamás se materializan; segundo –sobre todo— porque, pese a hacer gestos de dotar a su antiheroína con un trasfondo, en realidad se limita a usarla para hacer humor bufo a su costa. Sólo al final se toma la humanidad de Marguerite relativamente en serio, pero con ello no deja de banalizar al personaje, en tanto que lo rodea de explicaciones médicas que sabotean la relevancia que su figura podría tener como desafío a los dictados del buen gusto.NANDO SALVÁ VEREDICTO Con una mano acaricia a su heroína, y con la otra la apuñala.

  

Chocolate belga, acero japonés Nació en Bélgica en 1966, pero Amélie Nothomb pasó su primera infancia en Japón. Mediante obras a veces autobiográficas (y, dicen, de veracidad cuestionable) como Estupor y temblores y Metafísica de los tubos, se ha convertido en una autora muy popular. Basada en Ni de Eva ni de Adán (2007), Romance en Tokio es la tercera adaptación al cine de una de sus novelas.

OBJETIVO: LONDRES ESTRENO 8 DE ABRIL

EE UU / 2016 / 99 min. / eOne Dir.: B. Najafi Rep.: G. Butler, A. Eckhart LA BROCHA GORDA bien entendi-

da puede ser una de las bellas artes. Nadie lo sabe mejor que los consumidores adeptos al cine de acción directo a streaming y los seguidores de la pulposa Banshee: bajo cada brochetazo puede haber gemas visuales de cinética del espacio y cuerpos en tensión. Es decir, puro cine. De ambos mundos viene el iraní Babak Najafi, cuyas soluciones formales para la segunda temporada de dicha serie merecían más atención que doce true detectives, pero por desgracia se nota poco en su paso por esta secuela de Objetivo: La Casa Blanca donde Gerard Butler y Aaron Eckhart juegan al pilla-pilla con terroristas por las calles de Londres. Hasta que llega la gema, el destello del plano secuencia de un asalto que bien merece haber asistido al trasiego de grandes actores (Morgan Freeman cual croma) mientras Butler gruñe. DANIEL DE PARTEARROYO

  

VEREDICTO Lo que Jack Bauer entendería por unas vacaciones en Londres.

CANTINFLAS Al fin aterriza el filme por el que Óscar Jaenada ganó un merecido premio Platino, el destello de un biopic sobre el mito mexicano algo previsible pero interesante ESTRENO 15 DE ABRIL

y cortinillas-ojo de buey, el director Sebastián del Amo, apoyado en los vuelcos musicales de Roque Baños para apuntalar la construcción del mito (vestimenta, apodo, Chaplin…), y pasando de puntillas sobre aspectos ‘controvertidos’ como su puño de hierro sindicalista o sus devaneos de macho picaflor. Mucho tono sepia y poco tecnicolor en un filme desangelado que caería estrepitosamente en el ‘síndrome Manolete’ si no fuera por Óscar Jaenada, que es a Cantinflas lo que Pedro Casablanc a B. Su impresionante metamorfosis en el cuerpo, el alma y el pícaro chafarderismo de su personaje es, de lejos, lo mejor (o lo único) de una fotonovela que a menudo nos hace recordar lo que Landa soltaba a Bódalo en El crack 2: “No me cantinflee”. JAVIER CORTIJO

Mx. / 2014 / 102 min. / A Contracorriente / Dir.: Sebastián Del Amo / Rep.: Óscar Jaenada, Michael Imperioli, Ilse Salas, Luis Gerardo Méndez, Ximena González Rubio, Ana Layevska ACLARACIÓN PARA MILLENNIALS despistados: aunque Mario Moreno ‘Cantinflas’ hacía humor, vestía raro y hablaba sin que se le entendiese, no era ningún youtuber sino, posiblemente, el cómico más célebre de “México, España y el resto de Latinoamérica”, como asegura sin rubor el guión de este biopic de complicado embarazo y tardío parto. El punto de partida es previsible pero interesante: glosar su intensa peripecia alternando la gestación hollywoodiense de La vuelta al mundo en 80 días con viñetas de los orígenes del héroe, tan rudimentarios como la salazón de teatrillo y star system de celofán que consigue, a base de primeros planos, panorámicas

  

VEREDICTO Superficial, tibia y “pelada”. Eso sí, Jaenada, de Óscar (bueno, casi).

GUÍA DE CRÍTICAS MARZO

Carlos Marañón

Javier Ocaña

LA PRINCESA KAGUYA TRIBUNAL LA HABITACIÓN MUSTANG

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EL RECUERDO DE MARNIE JANIS ¡AVE, CÉSAR!

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Nando Salvá

Toni Vall

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PRIMAVERA EN NORMANDÍA DEADPOOL

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EL AMOR ES MÁS FUERTE... TENEMOS QUE HABLAR CIEN AÑOS DE PERDÓN

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AGENTE CONTRAINTELIGENTE 13 MINUTOS PARA MATAR A HITLER LUCES DE PARÍS HERMANÍSIMAS NUNCA ES TARDE

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Irene Crespo Manuel Piñón

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Edu Galán

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Andrea G. Bermejo

Daniel de Partearroyo

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OTROS ESTRENOS POR YAGO GARCÍA

EL MISTERIO DE GOD’S POCKET ESTRENO 8 DE ABRIL

[God’s Pocket] EE UU / 2014 / 87 min. La Aventura / Dir: J. Slattery MENTIRAS ENREDADAS. Dos se-

manas antes de su muerte, Philip Seymour Hoffman estrenó esta comedia criminal en la que aparece junto a John Turturro, Richard Jenkins y Christina Hendricks.

EL INFIERNO VERDE ESTRENO 1 DE ABRIL

[The Green Inferno] EE UU / 2013 100 min. / La Aventura Dir: Eli Roth A MANDÍBULA BATIENTE. Tras tres

años de espera, llega a España el filme en el que Eli Roth homenajea al clásico gore Holocausto caníbal. Los comensales son una tribu antropófaga, y el menú, unos ecologistas perroflautas.

EL CASO FRITZ BAUER ESTRENO 29 DE ABRIL

LOS MILAGROS DEL CIELO ESTRENO 22 DE ABRIL

[Miracles From Heaven] EE UU / 2016 / 109 min. / Sony / Dir.: Patricia Riggen A LA SALUD POR LA FE. Si bien en España lo hemos conocido tangencialmente (mediante hits como La última cima o Encontrarás dra-

MAÑANA ESTRENO 29 DE ABRIL

gones), las películas de inspiración religiosa o ‘faith based films’ son un gran negocio en EE UU, obteniendo éxitos de público y, a veces, de crítica. Con varios rostros conocidos en su reparto (Jennifer Garner, Queen Latifah) e inspirado en un caso real, este filme ha sido un ejemplo muy rentable de esa piadosa tendencia, narrando la curación de una niña aquejada de un trastorno digestivo.

DEMOLICIÓN ESTRENO 29 DE ABRIL

BIENVENIDOS A GRECIA ESTRENO 22 DE ABRIL

[Der staadt gegen...] Alemania / 2015 105 min. / Caramel / Dir: L. Kraume

[Demain] Francia / 2015 / 118 min. Karma / Dir: M. Laurent, C. Dion

[Demolition] EE UU / 2015 / 100 min. Flins & Pinículas / Dir: J.-M. Vallée

[Highway to...] Alem. / 2016 / 89 min. Emon / Dir: Aron Lehmann

LA CAZA DEL NAZI. Tras pasar la

SALVAR EL CLIMA. La actriz Mélanie Laurent (Malditos bastardos) y el escritor Cyril Dion firman este documental sobre las posibles soluciones al cambio climático. Mañana obtuvo un gran éxito en Francia y ganó un César.

JUNTANDO LOS PEDAZOS. El director de Dallas Buyers Club ficha a Jake Gyllenhaal y Naomi Watts para un híbrido de drama emocional y thriller tras la muerte de su esposa, un ejecutivo descubre siniestros secretos en su empresa.

EN CASA DEL POBRE. Ojo al popu-

II Guerra Mundial en el exilio, el jurista alemán Fritz Bauer luchó contra la impunidad de los secuaces de Hitler y llevó a juicio al criminal Adolf Eichmann. Este biopic cuenta su historia. 48 • AB RI L 2 0 16 •

rrí: una comedia alemana, elaborada sobre modelo francés (Bienvenidos al Norte, claro) sobre la crisis económica griega y el merkelazo. Habrá que ver si hace gracia por la parte del Peloponeso.

CORTO DEL MES

CARA DE CABALLO Marc Martínez Jordán firma un trabajo que se sale del realismo para jugar en el límite de los sueños y lo cotidiano

REDENCIÓN: LOS CASOS DEL DEPARTAMENTO Q ESTRENO 15 DE ABRIL

LA PASIÓN DE PORT TALBOT ESTRENO 1 DE ABRIL

Dm., Alem., Sue., Nor. / 2016 / 95 min. Vértigo / Dir: H. P. Molland

Reino Unido / 2012 / 115 min. / Paycom Dir: Dave McKean

MISTERIO NÓRDICO. Con sus intri-

DISTOPÍA BÍBLICA. Michael Sheen adapta el happening (de tres días de duración) que dirigió en 2011 en su pueblo natal de Gales: un experimento entre el auto sacramental y la ciencia-ficción arty.

gas milenaristas (de Millennium, claro), la saga literaria creada por Jussi Adler-Olsen recibe su tercera adaptación al cine tras Misericordia y Profanación.

ENTRE EL MUNDO DE AQUÍ Y EL MUNDO DE ALLÍ sólo hay un hilo conductor: la imaginación, la inventiva, la libertad narrativa. Y Marc Martínez Jordán, graduado en la ESCAC de Barcelona en 2012, posee todo ello. En la línea de los cortos de Chema García Ibarra, aunando un exquisito onirismo con una tronchante cotidianidad, acercamientos surrealistas con escenarios de andar por casa, constante voz en off y grabación en blanco y negro, Martínez Jordán ha compuesto Cara de caballo, rodado con unos 20 euros de presupuesto, protagonizado por su abuela y por él mismo. Un corto que acumula triunfos: 156 selecciones en distintos festivales, y 52 galardones, muchos de ellos internacionales. Cara de caballo emplea como eje una imagen sencilla, pero poderosa e impactante: la de un chaval de seis años, supuestamente aquejado de gigantismo, que usa una cabeza de caballo como disfraz para moverse por una vida complicada junto a su abuela. Como un El hombre elefante de Lynch nacido en cualquier pueblo español, el corto tiene además la virtud de estar abierto a todo tipo de metáforas, entre ellas la de una generación a la que le cuesta madurar, saltar desde el juego socarrón a la vida real. Y juega con el espectador, haciéndole reír para destrozarlo un segundo después con un giro en el relato, marcado por un magnífico tempo en el montaje de cada plano. El camino hacia la desolación puede estar empedrado por unas cuantas carcajadas.JAVIER OCAÑA • ABRIL 2016 • 49

ESPECIAL

ALFRED

HITCHCOCK 1922-1976

EL SUMO SACERDOTE DEL CINE SEGÚN TRUFFAUT EL DIRECTOR FRANCÉS DIJO EN 1983: “PARA FINALES DEL SIGLO XX HABRÁ LOS MISMOS LIBROS SOBRE HITCHCOCK QUE SOBRE MARCEL PROUST”. ÉL FUE EL PRIMERO EN REIVINDICAR AL GENIO EN ‘EL CINE S EG Ú N H I TC HCOC K’, CONVE RTIDO AHORA EN EL DO CUMEN TAL ‘HITCHCOCK/TRUFFAUT’ • Te x t o PA U L A A R A N T Z A Z U R U I Z•

“TODO COMENZÓ CON UNA CAÍDA AL AGUA”. Son las palabras, sencillas y al mismo tiempo tan misteriosas, muy probablemente del gusto de Alfred Hitchcock, con las que François Truffaut comienza el que es el mejor libro sobre cine que se ha escrito jamás, El cine según Hitchcock. Truffaut, en efecto, cayó al agua junto a Claude Chabrol –con quien había ido a entrevistar al genio del suspense– tras pisar sin darse cuenta la superficie helada de un estanque que estaba cerca del plató donde en 1955 Hitchcock rodaba Atrapa a un ladrón en los estudios Saint-Maurice de Joinville. Tras verlos de esa guisa, mojados de pies a cabeza, Hitchcock les emplazó a realizar la entrevista más tarde. “Cada vez que veo un par de cubitos en un vaso de whisky pienso en ustedes”, les soltó un año después al reencontrarse en una rueda de prensa en París. No sabemos si el 13 de agosto de 1962, el día en que Alfred Hitchcock cumplía 63 años y el día en que Truffaut aterrizó en Los Ángeles para entrevistarlo, el director de Psicosis recordó la anécdota del lago al ver a su colega, pero sí que de ese encuentro entre maestro y alumno aventajado, padre teórico y émulo entusiasta, nacería un compendio que cambiaría la historia del cine para siempre. Durante esa semana en la que tuvo lugar la serie de conversaciones, Hitchcock recogería a las ocho de la mañana a Truffaut y a la traductora Helen Scott para conducirles hasta las oficinas de Universal City, donde el director británico estaba ultimando el rodaje de Los pájaros, y responder hasta las seis de la tarde las 500 preguntas en las que Truffaut repasaba al detalle la filmografía de Hitchcock. Película a película. El proyecto finalmente apareció publicado en 1966 bajo el título de El cine según Hitchcock. 50 • S E PT I EM BR E 2 0 1 5 •

El Hitchbook “convirtió a Francia en el hogar de la crítica de cine más audaz”, “legitimó el formato de la entrevista como herramienta crítica”, y “al dejar espacio para que Hitchcock explicara las presiones que sufrió trabajando en las majors”, tal y como señala el crítico David Bordwell a propósito del libro, “Truffaut enseñó a una nueva generación de jóvenes directores que podían dejar su huella personal dentro de la industria”. En otras palabras, la política de los autores de Cahiers du Cinéma y el cine francés tomaron EE UU de manera irreversible . Truffaut, que en principio tenía pensado dedicarse al libro sólo unos meses, acabó convirtiéndolo en un proyecto vital. Ambos cineastas se escribieron con frecuencia y volvieron a verse en sucesivas ocasiones hasta la muerte de Hitchcock. Tras el deceso, el galo publicó en 1983 la edición definitiva de la obra a la que añadió un epílogo con comentarios críticos además de relatar sus últimos encuentros con el genio. “Tu carta me hizo llorar”, respondió ‘Hitch’ a Truffaut el verano de 1962 tras recibir la misiva en la que el francés le proponía la serie de entrevistas. Cuesta imaginar al intimidante Hitchcock conmovido hasta las lágrimas pero sólo el director de Los cuatrocientos golpes supo llegar hasta lo más íntimo del demiurgo. Su amistad fue una relación de respeto y veneración -Truffaut llegó a decir que “si el cine fuera una religión, Hitchcock sería el sumo sacerdote”-; y su encuentro, la suma de dos maneras de entender el cine distintas, imposible de concebir la segunda sin la primera. ‘HITCHCOCK/ TRUFFAUT’ ESTRENO 1 DE ABRIL

HAN VOTADO PARA ELABORAR LA LISTA: RUBÉN ROMERO SANTOS, YAGO GARCÍA, MANUEL PIÑÓN, NANDO SALVÁ, CARMEN MARTÍN, IRENE CRESPO, CARLOS MARAÑÓN, PEDRO MORAL MARTÍN, MARILÓ GARCÍA, PAULA ARANTZAZU RUIZ, JAVIER OCAÑA, DANIEL DE PARTEARROYO Y ANDREA G. BERMEJO

30.

TO PA Z , 1 9 6 9 Un agente secreto francés se deja liar por la CIA para espiar a unos cubanos mientras su propia agencia tiene topos de la KGB dentro. Momento ‘Hitch’: Cada diálogo está planteado como un tenso juego de apariencias y engaños. Obsesión secreta: Ante la injusta mala fama de la película, reivindicamos lo atrevido de su casting europeo, ¡Truffaut fille (Claude Jade) incluida! D. D. P

29. P E R O . . . ¿ Q U I É N M ATÓ A H A R RY ? , 1 9 5 5 La muerte ¿accidental? de un paseante vertebra la última comedia de Hitchcock. Fue uno de sus mayores fracasos de taquilla. Momento ‘Hitch’: El gag del armario: un uso del montaje y la música hilarante e inquietante. Obsesión secreta: Las intervenciones de la debutante Shirley MacLaine (viuda muy consolable) son puro humor. Y. G .

28. E N V I A D O ESPECIAL, 1940 Su segunda peli americana, de espías, colocaba a un corresponsal americano en los preámbulos de la Segunda Guerra Mundial. Momento ‘Hitch’: El editor del Morning Globe gritando “¡Lo que necesito es un reportero!”. Obsesión secreta: El rodaje terminó cinco días antes de que bombardeasen Londres. ¡La vieja filia de ‘Hitch’ con las bombas! A . G . B

LOS SILENCIOSOS OCHO

27.

S A B OTA J E , 1 9 4 2 Un obrero es falsamente acusado de saboteador, descubre una red de conspiradores y pelea encaramado a la Estatua de la Libertad. Momento ‘Hitch’: Tiroteo en una sala de cine; los disparos reales se confunden con los de la película que se está proyectando. Obsesión secreta: Universal impuso el casting, más acertado con la rubia Priscilla Lane que el prota Robert Cummings. D. D. P

RUBÉN ROMERO SANTOS

NO SE SABE CON SEGURIDAD CUÁNTAS PELÍCULAS RODÓ ALFRED HITCHCOCK, PORQUE CADA AÑO APARECEN NUEVOS TRABAJOS DE ESTE ESTAJANOVISTA DEL CINE. ESTAS SON, A DÍA DE HOY, LAS PELÍCULAS CLÁSICAS QUE SE CONSERVAN DE SU PERIODO SILENTE El jardín de la alegría (1925).

CHAMPAGNE (1928)

La historia de dos coristas, cuyas piernas son analizadas al milímetro en una escena inicial por los prismáticos de un asistente al espectáculo, al más puro estilo La ventana indiscreta. Una de las protagonistas malcasará para acabar siendo asesinada en África por su marido.

Una heredera de lo más casquivana saca de quicio a su padre por su vida desenfrenada en esta comedia alocada. A destacar su plano a través de una copa de champán y, cómo no, un sueño de enfermizo erotismo made in Hitchcock en el que la protagonista es forzada por el malo, al más puro estilo Marnie.

EL ENEMIGO DE LAS RUBIAS (1927)

The Lodger, en su título original, está considerada como la primera película de suspense del maestro del género, con la complicidad de Jack el Destripador (otro genio en lo suyo). Él mismo afirmaría: “Fue la primera vez que puse en práctica mi estilo”. El protagonista es un psicópata que actúa los martes y las prefiere rubias. Los estudiosos dicen que se nota hasta qué punto imita al Murnau de El último, cuyo trabajo había admirado en un viaje a Alemania en 1924. La escena del protagonista Ivor Novello intentando entrar en el lavabo para acabar con una mujer resultará familiar a los fans de Psicosis y del universo Bates.

DOWNHILL (1927)

Tras el éxito de The Lodger, Hitchcock repite con el actor Ivor 52 • AB RI L 2 0 1 6 •

LA ESPOSA DEL GRANJERO (1928)

Novello, cuya homosexualidad le servirá de excusa para desatar, por primera vez en todo su esplendor, la desaforada misoginia hitchcockiana. El filme es una sucesión de encuentros del infortunado Ivor con mujeres a cada cual más arpía. Para expresar la náusea del protagonista, tintará los negativos de verde, proceso que repetirá años más tarde con la hoy celebradísima Vértigo.

EL RING (1927)

Un melodramón lacrimógeno con la manida metáfora de un boxeador que lucha por él pero también por el amor de su chica, a la que también corteja un púgil más

grandullón. Curioso: fue el único guión que ‘Hitch’ firmaría en solitario en toda su trayectoria, tal vez porque sus dificultades para escribir diálogos se evidenciarían al pasar al sonoro.

DUDOSA VIRTUD (1928)

El primer fiasco de su carrera. Alfred demuestra una ambición desmedida al intentar adaptar sin palabras el texto del sarcástico Noël Coward. Aun así, nos deja para el recuerdo la primera gran escena de su carrera con una escalera como protagonista, anticipando ese gran plano de la llave de Encadenados, y el primer chantaje en el argumento.

Toda una rareza, puede ser el filme menos retorcido y más bienintencionado de la carrera del perverso Hitchcock. Una bucólica historia de amor de un granjero algo patán enamorado de quien no le corresponde (entre otras cosas, porque se insinúa que es lesbiana), pero que finalmente encontrará la felicidad con quien debe. Con un humor mucho más oscuro, ‘Hitch’ regresará a la campiña con Pero… ¿quién mató a Harry?

THE MANXMAN (1929)

Su última obra silente es otro triángulo amoroso, por entonces muy en boga, que hizo mucho dinero pero que el autor detestaba. La hija del terrateniente se enamora del amigo abogado de su novio pescador, al que cree muerto… pero no.

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EL JARDÍN DE LA ALEGRÍA (1925)

26. C O R T I NA R A S G A DA , 1 9 6 6 POR

PAC O C A B E Z A S ( ‘ P E N N Y D R E A D F U L’ )

Mi escena favorita de Hitchcock es de una de sus películas menos reconocidas: Cortina rasgada. En la peli, Paul Newman interpreta a un profesor de Física que tiene que robar una fórmula en la RDA. En general, es correcta, pero la escena a la que me refiero es escalofriante. Paul es descubierto por un espía alemán en una cabaña y no tiene más remedio que asesinarlo con la ayuda de una campesina. La escena dura seis minutos, seis tortuosos y lentos minutos sin una nota de música. Lo mejor que puedo hacer es describíroslos: al principio, el espía alemán no se toma a Paul en serio y, aunque este trata de estrangularlo, se resiste. La campesina corre a por la pistola, pero, como podrían oír los disparos prefiere agarrar un cuchillo. El espía, entre forcejeos, bromea con la chica: “No te vayas a cor-

tar”, hasta que ésta le clava el cuchillo y, cuando lo hace, la hoja se rompe, quedando clavada en su clavícula. Pese a todo esto, el espía no cae, así que la campesina agarra una pala y comienza a golpearle en las rodillas hasta que cae al suelo, sangrando, pero vivo. El espía corre hasta la ventana. Paul la cierra (y, recordad: ni una sola nota de música). Ahora, el espía está estrangulando a Paul, los dos caen al suelo, la chica ve el horno… Abre las espitas del gas y comienza a arrastrar al espía hasta el horno abierto, cuando por fin colocan su cabeza dentro. Hitchcock termina la escena con un plano cenital de Paul y la campesina sosteniendo la cabeza mientras este se va asfixiando. Magistral. Dejad lo que estéis haciendo ahora mismo y ved esta escena: es puro cine.

Hitchcock según Truffaut: “Hay varias cosas muy hermosas en la escena del asesinato: los planos detalle recogiendo la mano de Gromek que golpea contra la chaqueta de Paul Newman de manera amenazadora, los golpes que da la granjera con la pala en las piernas de Gromek y también los dedos de este, que golpean en el aire antes de quedarse inmóviles”. • ABRIL 2016 • 53

25.

E L P R O C E S O PA R A D I N E , 1 9 4 7 Mitad melodrama, mitad juicio a calzón quitado, entre los pelucones de los letrados y las continuas intromisiones del productor Selznick acartonaron esta atracción fatal. Momento ‘Hitch’: Cualquier escena del juez Charles Laughton, alter ego hitchcockiano fetén, menos siniestro pero tan sinuoso como en Posada Jamaica. Obsesión secreta: Greta Garbo renunció (“no más asesinas ni mamás”) y Hitchcock se empeñó en la hierática Alida Valli, aunque no era rubia. C . M . Hitchcock según Truffaut: “Gregory Peck no es realmente un actor hitchcockiano, es hueco y, sobre todo, no posee ninguna mirada”.

Y HITCHCOCK EMPEZÓ A HABLAR DE ‘CHANTAJE’ A ‘NÚMERO DIECISIETE’, SU PASO AL CINE SONORO L U I S E . PA R É S

Cuando, en 1929, Hitchcock se enfrenta a Chantaje ha dirigido dieciséis películas, por lo que se podría decir que no era ningún novato. Estamos hablando de una época en la que se aprendía a hacer cine rodando. Sin embargo, Chantaje trae dos novedades: la primera es un asesinato con cuchillo, lo que sería un motivo visual recurrente en su cine. La segunda, y más importante, es que usa por prime-

54 • AB RI L 2 0 1 6 •

ra vez el sonido. Hay [arriba] una fotografía muy bonita de Hitchcock en el rodaje de Chantaje con unos cascos puestos. A partir de ahí, el director (habitualmente concebido como un gran creador de imágenes) será, sobre todo, un maestro del sonido. Sus siguientes películas, realizadas para la British International Pictures, serán adaptaciones de obras teatrales en las que experimenta con el

sonido y con el punto de vista, situando al espectador como un testigo subjetivo de la escena: Elstree llama (1930), Juno and the Paycock (1930), Asesinato (1930), Mary (1931), Lo mejor es lo malo conocido (1931), Juego sucio (1931) y Número diecisiete (1932). Después vendría su fichaje por la Gaumont British Picture y la primera versión de El hombre que sabía demasiado. Es decir, empezaría el Hitchcock que todos reconocemos. Sin embargo, las claves ya estaban antes: equívocos que separan matrimonios (Lo mejor es lo malo conocido) o escaleras que se suben y se bajan (Número diecisiete)… Pero, sobre todo, el trabajo con el sonido y con el punto de vista, los dos grandes hallazgos del gran Hitchcock hollywoodiense.

LO SENSACIONAL PREVIO A LO SUBLIME

24. ATO R M E N TA DA , 1949 El Hitchcock más atípico es un melodrama en plano secuencia ambientado en la Australia del siglo XIX. Momento ‘Hitch’: Michael Wilding pone su chaqueta tras un cristal para que la alcoholizada Ingrid Bergman vea su reflejo. Obsesión secreta: El escándalo mediático de la relación de Bergman con Rossellini hirió de muerte a la película. D . D . P

23.

¿QUÉ HACÍA HITCHCOCK ANTES DE FILMAR SUS CLÁSICOS? MUY BUENAS PELÍCULAS A REDESCUBRIR

PÁ N I C O E N L A E S C E NA , 1 9 5 0 Hitchcock vuelve a Gran Bretaña para entregar uno de sus thrillers más originales… y de los que más mosquearon al público. Momento ‘Hitch’: El director hace historia con trampa: nace el flashback poco fiable. Obsesión secreta: Marlene Dietrich era rubia, pero nadie osaría soltarle aquello de “los actores son ganado”. Y. G .

J AV I E R O C A Ñ A

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22. M AT R I M O N I O O R I G I NA L , 1 9 4 1 Sí, una de las screwball comedies más divertidas es del director de Psicosis. Momento ‘Hitch’: No faltan metáforas sexuales visuales, dobles sentidos y humor cartoon entre esta pareja que descubre la anulación legal de su matrimonio. Obsesión secreta: Carole Lombard se vengó del perfeccionismo de Hitchcock obligándole a repetir su cameo decenas de tomas. D . D . P

21.

20.

19.

NÁU F R AG O S , 1 9 4 4 El perverso británico nos hace contemplar un duelo psicológico entre el mundo libre y los nazis, y hace que nos pongamos del lado nazi. Momento ‘Hitch’: Un linchamiento que demuestra que hasta las víctimas tienen un lado bestial. Obsesión secreta: Hitchcock ideó aquí el más claustrofóbico de los espacios –aunque estuviera al aire libre– de su carrera: un bote salvavidas. N . S .

YO CONFIESO, 1953 El final de la obra de teatro Nos deux consciences es más oscuro: el sacerdote (inocente) muere. Hitchcock no se entendió con el neurótico Montgomery Clift. Momento ‘Hitch’: “¿Dónde está mi Alma? Me hacía llorar el verla trabajar tan duro” (diálogo dedicado a su mujer). Obsesión secreta: Anne Baxter, más rubia. El falso culpable con trasfondo religioso (Hitchcock y su educación jesuita). M . G .

FA L S O C U L PA B L E , 1 9 5 6 Manny Balestrero (Henry Fonda) era un hombre inocente falsamente acusado. Momento ‘Hitch’: ¡Esos créditos! El Hitchcock más bailable. Obsesión secreta: El maestro se anticipaba a sí mismo (Alfred Hitchcock presenta…) al hablar a cámara para advertirnos de que todo lo que íbamos a ver era absolutamente real. A . G . B

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Son el germen de su excelencia posterior, una especie de ensayos empíricos de lo que vendría después, ya en EE UU, y la demostración de que una obra sensacional aún se puede mejorar, convirtiéndola en extraordinaria. Las películas sensacionales son las que Hitchcock compuso para la productora británica Gaumont entre 1934 y 1938, con permiso de Posada Jamaica (1939), producida por Erich Pommer: Valses de Viena, El hombre que sabía demasiado [1], 39 escalones [2], El agente secreto [4], La mujer solitaria [3], Inocencia y juventud, y Alarma en el expreso. Las extraordinarias, la sublimación de su estilo, las de su época en Hollywood. Salvo Valses de Viena, el único relato de época de esta etapa, y una anomalía en su cine, todas las demás comparten esencias temáticas, narrativas y formales. Tramas en las que el espionaje internacional ejerce de motor de las acciones, pero que, como su mítico macguffin, poco importan y apenas se desarrollan. Articulación de la figura del falso culpable (39 escalones, Inocencia y juventud) que, perseguido por la ley, debe acabar resolviendo el misterio para librarse del yugo. Negrísimo humor inglés, aun dentro de intrigas criminales. Toques de alta comedia burguesa. Subtrama romántica que se inicia con un choque y que deriva en el amor. Y el tren como escenario ideal para el clímax. Y, lo mejor, sus detalles de puesta en escena y narración: la modulación del concepto de suspense con la bomba de La mujer solitaria; la música como crescendo dramático en El hombre que sabía demasiado, que incluso mejoraría en su versión de 1956; los pájaros antes de Los pájaros como anticipo de la muerte en Inocencia y juventud; y el soberbio travelling con grúa en una fiesta, de nuevo en Inocencia y juventud, desde las alturas hasta el primerísimo plano de los ojos del batería, previo paso por todo el salón de baile, anticipando el de la llave de Encadenados.

ESPECIAL

ALFRED

HITCHCOCK

LA TRAMA

EL ÚLTIMO MACGUFFIN CUARENTA AÑOS HAN PA SADO DESDE QUE BARBAR A HARRIS NOS GUIÑÓ EL OJO EN LO ALTO DE UNA ESC ALER A . CUARENTA AÑOS DESDE EL ÚLTIMO PL ANO DE HITCHCOCK • Texto R U B É N R O M E R O S A N T O S •

LA TRAMA

LA HISTORIA DE ‘LA TRAMA’ es la de dos parejas a las que el destino une inesperadamente. Una la forman un actor fracasado y una caprichosa vidente con furor uterino. La otra, un adinerado y manipulador joyero y su despampanante mujer. Como si de una versión en traje de cóctel se tratara, la historia de la última película de Hitchcock (y del brindis final) también se explica con dos fiestas. 29 DE ABRIL DE 1974: GALA DE LA SOCIEDAD FÍLMICA DEL LINCOLN CENTER, NUEVA YORK

Aquella noche, la Sociedad Fílmica otorgó a Alfred Hitchcock su premio honorífico ante sus grandes amigos. Allí estaban François Truffaut, Joan Fontaine o su amadísima Grace Kelly, ya entonces Princesa de Mónaco. En el momento de recibir el premio, ‘Hitch’ no defraudó: “Dicen que, cuando un hombre se ahoga, toda su vida pasa ante sus ojos. En verdad soy afortunado de estar viviendo esa misma experiencia sin mojarme los pies”. Los allí congregados aplaudieron a rabiar, se congratularon de que el ingenio del maestro permaneciera intacto pero, en el fondo, pocos de los presentes contaban con que dicho maestro volviera a rodar. Sí, todos sabían que, ese mismo día, el embrión de un filme titulado Deceit (“Engaño”) anidaba en su bolsillo. Sin embargo, su estado físico, tras años de abuso de Barbara Harris y Bruce Dern.

la comida y la bebida, era deplorable: colitis, cálculos renales, gripe… Su doctor hasta le había prohibido viajar, salvo por sus habituales vacaciones en Hawái. Pero Hitchcock iba a demostrar ser más duro de pelar que lo que creía su galeno… A fin de cuentas, ‘Hitch’, el ególatra, al que habían dado por muerto tras los fracasos en taquilla de Cortina rasgada y Topaz, había resucitado después del éxito de Frenesí: los halagos de Universal Pictures obraron el milagro de ponerle de nuevo en marcha. Llamó a Ernest Lehman, su guionista en aquella travesura genial titulada Con la muerte en los talones, y se pusieron manos a la obra con la adaptación de una novelita de Victor Canning. Sin embargo, el tiempo había jugado, como casi siempre, en contra de ambos y las relaciones fueron más que tensas. En una carta a Michael Balcon, el director dice del guionista: “Lo encuentro muy nervioso e irritable”. Incluso le acusó, maliciosamente, de haberle causado el ataque al corazón que le llevaría al hospital en septiembre de 1974. A principios de 1975, sin embargo, ya estaba de vuelta al trabajo con un marcapasos y su correspondiente cicatriz, que se convertirían en su juguete favorito. Así lo recuerda Truffaut: “No estoy siendo indiscreto por58 • AB RI L 2 0 1 6 •

William Devane y Karen Black.

que, de todos los amigos y periodistas que vieron a Hitchcock desde 1975, raro fue aquel al que no le mostró su dispositivo médico, desabotonándose la camisa para mostrar el aparato rectangular bajo su pecho”. El número estelar del dúo cómico ‘Hitch y su marcapasos’ llegaba cuando, en plató, una vez por semana, se quitaba la camiseta ante el equipo y llamaba por teléfono al hospital, para la rutinaria comprobación de que su órgano latía con normalidad. En el casting, Hitchcock demostró, de nuevo, ser un viejo zorro. El primer nombre que se puso sobre la mesa fue Al Pacino: ‘Hitch’ lo descartó por su elevado caché. Todavía no había superado los 750.000 que tuvo que aflojar por Paul Newman y Julie Andrews por una película como Cortina rasgada, que detestaba. Luego hablaron de Jack Nicholson, pero, según el director, “estaba demasiado ocupado volando sobre el nido de un cuco”. Finalmente, el consenso llegó con Bruce Dern, un viejo conocido: “Supongo que fui la opción número 16. Había tenido un papelito en Marnie, la ladrona y había salido regularmente en Alfred Hichcock presenta…, su serie de televisión. Además, no le iba a pedir 100.000 dólares”. Como pareja de Dern, eligió a Barbara Harris, según dicen, por lo mucho que se parecía a Alma, su esposa, de joven. Para ella serían los chistes más soeces y procaces (“¿Rendirás hoy?” “¿De qué me sirves si estás siempre cansado?”…). Aunque, según Karen Black, ella era su preferida: “Era un tipo muy vital y supongo que esa fue la razón por la que me besó con lengua en un momento del rodaje”. En el papel de malo, el elegido fue Roy Thinnes: tras hacerle unas observaciones sobre su personaje, ‘Hitch’, que no estaba para bromas, lo despidió sin darle una sola explicación y lo sustituyo por William Devane, ese clon de José María Aznar. Lo cierto es que los cuatro (cinco si contamos al defenestrado Thinnes), pertene-

Una peluca ‘rubia Hitchcock’.

cían ya al nuevo Hollywood. No eran intérpretes de la escuela clásica, sino fervientes devotos del ‘método’: Hitchcock tuvo la vista suficiente para comprender el signo de los tiempos, el reemplazo generacional, pero no la paciencia para soportarlos. Como comentó en las entrevistas de la época: “Las actrices vienen a quejarse de la dirección. Yo les respondo que yo no dirijo: ellas tienen un guión escrito con lo que tienen que hacer… Mi único trabajo es decirles cuándo no lo están siguiendo”. Karen Black, por ejemplo, se dejó los lagrimales en la escena en la que se supone que van a asesinar a Barbara Harris. “Le pedía repetir a ‘Hitch’ para estar perfecta en la toma. A pesar de su fama de perfeccionista, él no decía nada. Cuando me vi en pantalla entendí por qué: sólo había rodado mi voz y mis pies. Mi interpretación y mis lágrimas quedaban totalmente fuera de plano”. Todos los actores tenían un caché bajo, detalle importante pues, si el cineasta pasaba por ser más inglés que Winnie the Pooh, se comportaba como el más legendariamente tacaño de los escoceses. Esa, por ejemplo, fue la razón por la que se rompió su amistad con Bernard Herrmann, compositor al que acusaba de cobrar mucho y repetirse demasiado (“¡¿Acaso quieres que escriba canciones pop?!”, bramó Herrmann en el set de Cortina rasgada). Para echar más sal en la herida, fichó como músico a uno de sus alumnos aventajados, un tal John Williams, que acababa de asombrar al mundo con la partitura de Tiburón. Aparentemente, filmar La trama fue miel sobre hojuelas. Producción tuvo que esmerarse en construir un cementerio de lápidas con nombres falsos, so pena de ser denunciados por los deudos. A ‘Hitch’ le hizo tanta gracia que organizó la visita al rodaje en un cementerio… con los nombres de los periodistas convocados gra-

bados sobre las lápidas. En la práctica, La trama fue el infierno en la Tierra para el director: debido a la artritis apenas sí se podía mantener en pie, y hubo que construir una silla especial que le permitiera moverse por el plató. Según Bruce Dern: “Estaba tan gordo que se quedaba encajado en la silla cada vez que se incorporaba y me tenía que pedir ayuda para liberarlo”. LA GRAN PREMIÈRE: 21 DE MARZO, LOS ÁNGELES

Universal organizó una fiesta a la altura del prestigio del director. Las crónicas hablan de más de mil invitados, con una orquesta interpretando la Marcha fúnebre para una marioneta de Gounod (y de su show de televisión). James Stewart fue el encargado de hacerle los honores a su amigo. En el momento de los agradecimientos, los invitados no daban crédito: tal vez previendo la respuesta de la taquilla, Alfred Hitchcock estaba completamente borracho. La película, que puede leerse como una cita tras otra de ‘Hitch’, en la que los personajes viven en la calle Bates, son perseguidos como en Con la muerte en los talones o llevan pelucas tipo “rubias de Hithchcock”, agradó a la crítica, pero no al público. En la rueda de prensa de presentación (que todo estudiante de cine y cinéfilo puede y debería ver en YouTube y que, por cierto, ejem, duró hora y media sin censuras), un periodista le preguntó: “Cuando uno se despierta por la mañana siendo Alfred Hitchcock, ¿cómo se siente?”. La respuesta fue típicamente ‘Hitch’: “Si la última película ha sido un éxito, muy bien, pero si no lo ha sido, uno se siente tristísimo”. Hitchcock no volvería a dirigir. No tendría más éxitos. Nunca más volvería a ser feliz. • ABRIL 2016 • 59

EL PÚBLICO Y OTRAS LECCIONES CINCO CLAVES DE ‘EL CINE SEGÚN HITCHCOCK’ PA U L A A R A N T Z A Z U R U I Z

“HITCHCOCK ES DE LOS POCOS C I N E A S TA S C U YA AU T O R Í A P U E D E VERSE EN LA PA N TA L L A N A DA MÁS COMENZAR SUS PELÍCULAS”, escribió Truffaut en la introducción de su célebre obra. Pero, ¿cuáles son las señas de Hitchcock de las que el francés hace gala en El cine según…? Para comenzar, su respeto total por el público. Para el británico el público era el elemento más importante del cine y por ello defendía una narración clara, sin trampas narrativas, aunque no exenta de giros en la trama. Otra de las claves de Hitchcock que ayudan a comprender el medio cinematográfico es su rechazo de la verosimilitud: “Seamos lógicos: si se quiere analizarlo todo y construirlo todo en términos de plausibilidad y de verosimilitud, ningún guión de ficción resistiría este análisis y sólo se podría hacer una cosa: documentales”. Y diría en el libro de Truffaut: “Algunos filmes son trozos de vida, los míos son trozos de pastel”. Enemigo del virtuosismo, no hay que olvidar la importancia que Hitchcock le otorgó primero al gesto del actor y a la imagen –“debemos recurrir al diálogo sólo cuando sea estrictamente necesario”–, como también a la construcción narrativa del suspense, mostrando siempre al principio o a mitad de la acción, y no al final de la resolución dramática, la causa que perturba la existencia de los personajes.

17. EL HOMBRE QUE SABÍA DEMASIADO, 1956 Si a Hitchcock le hubieran encargado dirigir una película de 007 protagonizada por Mr. Bean, el resultado habría sido similar a este filme. Momento ‘Hitch’: El virtuoso crescendo en el Albert Hall, diseñado a imagen del asesinato de Lincoln. Obsesión secreta: ¿Hay mayor fetiche que una rubia? Una rubia –Doris Day– que canta Que Sera Sera. N . S .

16.

CR I M E N PER F E C TO, 1 9 5 4 Una premisa purísima –un hombre intenta matar a su mujer y le sale mal–, orquestada con total nitidez y rodada en rutilante 3D. Momento ‘Hitch’: Grace Kelly alarga su mano hacia la cámara en señal de impotencia y horror. Obsesión secreta: Incluye la llamada telefónica más crucial de un filmografía llena de ellas. Fue rodada usando un teléfono del tamaño de una lavadora. N . S .

15.

13. M A R N I E , L A L A D R O NA , 1 9 6 4 “Es una película muy difícil de clasificar”, decía el propio Hithcock. “Lo llamaría un misterio sexual, pero es más que eso”. Momento ‘Hitch’: Bolso amarillo y peluca negra. La presentación de Marnie. Obsesión secreta: ‘Tippi’ Hedren. La rubia que desató su frustración y furia. “Su lado oscuro era terrible”, confesó ella. I. C.

12.

LA SOMBRA D E U NA D U DA , 1 9 4 3 Inspirándose en Earle Leonard Nelson, asesino pionero, el cineasta explora el lado oscuro de la idílica Suburbia. Momento ‘Hitch’: Joseph Cotten dando mucho miedo: “Mujeres horribles, gordas, avariciosas…”. Obsesión secreta: El maestro solía hablar de una bomba bajo la mesa para distinguir la sorpresa del suspense. Esta película es la encarnación perfecta de esa bomba. N . S .

14.

R E C U E R DA … 1945 Basada en La casa del doctor Edwardes, de Francis Beeding. La secuencia del sueño ideada por Dalí fue cortada: rodada del revés, Ingrid Bergman se convertía en una estatua de yeso. Momento ‘Hitch’: Las alas que persiguen a Gregory Peck en el sueño daliniano. Obsesión secreta: El único falso culpable de su filme que cree serlo (el amnésico Gregory Peck). La psicoterapia, algo que le fascinaba, como medio para descubrir la verdad. El primer filme que trata la culpabilidad como algo que imposibilita el amor. M . G .

R E B E CA , 1 9 4 0 Su primera producción made in Hollywood y la única que consiguió el Oscar. Con Laurence Olivier, Joan Fontaine y George Sanders. Momento ‘Hitch’: Un ama de llaves con una vela y una verdadera obsesión con su antigua jefa, una tal Rebeca de Winter. Manderley peligra. Obsesión secreta: ¿Será el único caso de prenda de vestir bautizada por una película? A . G . B

11.

AT R A PA A U N L A D R Ó N , 1 9 5 5 Grace Kelly, su rubia más dorada, que le abandonaría después de esta película por un príncipe de esa misma Costa Azul, en su vestido más dorado. El favorito de la diseñadora Edith Head, que lo pasó peor vistiendo a Cary Grant. Momento ‘Hitch’: Un coche. Una carretera con curvas. La Costa Azul. Obsesión secreta: El actor francés Charles Vanel. Capricho del director a quien tuvo que acabar doblando. I . C .

M I S T E R I O S S I N R E S O LV E R LO S P R OY EC TO S I N AC A B A D O S O N U N C A F I L M A D O S D E H I TC H CO C K D A N I E L D E PA R T E A R R OYO

Igual que la historia oficial del cine tiene marcadas a fuego varias obras maestras de Alfred Hitchcock, esa otra historia paralela de las películas invisibles que nunca llegaron a realizarse contiene su buena dosis de títulos: proyectos, algunos más firmes que otros, incluso abandonados tras filmar unas pocas escenas (Number 13, 1922, su auténtica ópera prima), que de existir habrían

cambiado la visión de una filmografía entera. Hasta en dos ocasiones intentó el director colaborar con el escritor británico de thrillers Dennis Wheatley (para muchos, inspiración directa de Ian Fleming para James Bond). Tampoco desarrolló su proyecto sobre el hundimiento del Titanic o una versión moderna de Hamlet. Más duelen las cancelaciones de Flamingo Feather (1956;

James Stewart, Grace Kelly y campos de concentración para comunistas en Sudáfrica), No Bail for the Judge (1959; con Audrey Hepburn como prostituta huyendo de un violador), The Blind Man (1960; J. Stewart es un pianista ciego que recibe un transplante de ojos de un muerto) o R.R.R.R. (1965; un hotel utilizado como tapadera para crímenes). Pero ninguna pérdida re-

suena tanto en la conciencia cinéfila como Kaleidoscope (1967), un thriller sexual con efervescencia visual sesentera y punteado por tres asesinatos explícitos (en una catarata, un buque de guerra y una refinería de petróleo) que ponía al psicópata como héroe de la historia. La idea acabó reciclada en Frenesí (1972); estupenda, pero mucho menos fascinante que lo invisible. • ABRIL 2016 • 61

10.

SOSPECHA, 1941 Un seductor ludópata (Cary Grant), una heredera (Joan Fontaine, oscarizada) y paranoia a raudales. El estudio obligó a cambiar el final: nadie quería ver a un Cary asesino. Momento ‘Hitch’: El vaso de leche, sutilmente iluminado y quizás envenenado. Obsesión secreta: Tras ver Rebeca y esta película, queda claro que Hitchcock gozaba martirizando a Fontaine. Y. G .

9.

LA SOGA, 1948 El primer filme en color de Hitchcock, diez planos secuencia para convencernos de que no hay que ir por ahí creyéndonos superiores a los demás. Momento ‘Hitch’: La criada a punto de abrir el arcón. Obsesión secreta: Un perfecto ejemplo de ese suspense al más puro estilo Hitchcock. Probablemente, la única vez en tu vida que te creerás más listo que James Stewart. A . G . B .

8.

FRENESÍ, 1972 Michael Caine rechazó el papel de sospechoso al que John Finch añadió ambigüedad y bigotillo ralo: un sádico asesina a mujeres voluptuosas alrededor del Covent Garden en esta joya de reconocimiento tardío. Momento ‘Hitch’: El visceral (e hilarante) menú de la cena en casa del comisario. Obsesión secreta: Vengarse de las corbatas, que dieron muy mala vida a la papada del maestro. C. M.

7.

ENCADENADOS, 1946 Un trío amoroso con ecos de Casablanca al sol de Brasil, enriquecido por el uranio, los nazis y el suspense para estallar como una bomba nuclear del cine de espías. Momento ‘Hitch’: El beso ‘encadenado’ contra la prohibición de besarse más de 3 segundos en pantalla, su genialidad anti-Hays. Obsesión secreta: El vino (Hitchcock tenía bodega y adoraba el borgoña), ese gran falso culpable. C. M.

‘A L F R E D H I T C H C O C K P R E S E N TA . . .’ SIR ALFRED NO SÓLO REVOLUCIONÓ EL CINE, SINO TAMBIÉN LA TELEVISIÓN CON UNA INOLVIDABLE SERIE. EN ELLA, HACÍA DE ANFITRIÓN PRESENTANDO CADA SEMANA EL CAPÍTULO DE TURNO EN DIFERENTES IDIOMAS, CONVIRTIÉNDOSE EN UN ICONO RECONOCIBLE A ESCALA PLANETARIA. UNA PEQUEÑA ANTOLOGÍA DE OBRAS MAESTRAS TELEVISIVAS RUBÉN ROMERO SANTOS

UNA MILLA PARA LLEGAR (T2; E24) El gran terror de ‘Hitch’ hecho episodio de televisión: un señor teme ser perseguido por la policía… y con razón. No en vano lleva el cadáver de su mujer en el maletero. Dirigida por el mismísimo Alfred: el avezado espectador verá planos que después repetirá al milímetro en Psicosis.

LA ÚLTIMA FUGA (T2; E18) EL HOMBRE DEL SUR (T5; E15) Además de a Hitchcock, la serie sirvió para dar fama mundial a los relatos de Roald Dahl, como este: un jovencísimo Steve McQueen se deja engatusar por Peter Lorre en un macabro juego de amputación de falanges. Rodríguez y Tarantino demostraron ser fans del mismo en Four Rooms.

BUSCANDO LA MUERTE (T1;

CORDERO PARA LA CENA (T3; E28)

E19)

De nuevo ‘Hitch’, de nuevo Dahl. Almodóvar plagiaría buena parte del capítulo, que firma el genio del suspense, en ¿Qué he hecho yo para merecer esto!, cambiando la pata de cordero homicida por un hueso de jamón: Spain is different.

Dos ancianos anticipan la muerte de sus vecinos. Casi con toda seguridad, la idea original del argumento de Destino final proviene de este episodio.

62 • AB RI L 2 0 1 6 •

Para escapar de la cárcel, un preso pacta con el enterrador que introduzca su cuerpo en un ataúd con el próximo fiambre que salga de prisión. ¿Os suena? Buried, de Rodrigo Cortés, no habría sido posible sin ella.

6. E X T R A Ñ O S E N U N T R E N , 1 9 5 1 POR

M ANUEL JABOIS

Cuando Patricia Highsmith se propuso ejecutar el asesinato perfecto no contaba con Alfred Hitchock. Y si lo hizo, no fue para ponerle en bandeja su famosa, sencilla y tortuosa historia. Porque las dos versiones consiguen igualarse, si bien los cambios en el cine del genio del suspense empeoran un poco el original. En relación a la gran hazaña, Hitchock mantiene el pulso firme: funciona la casualidad, que hace que dos personas se encuentren en un tren con resultados desastrosos, y sobre todo aparece como tiene que hacerlo el asunto más inquietante de la trama: la impunidad. ¿Es posible el crimen sin culpa? ¿También para el público? ¿Es posible el asesinato perfecto? Sí, siempre que el asesino no tenga ningún motivo. En eso pensaban la mente retorcida de Highsmith y la cabeza enrevesada de Hitchock cuando se le ocurrió llevarlo a la pantalla. La idea original es inquietante: tu vida no está a salvo ni siquiera sentado en un estúpido vagón del

tren. Como decía Javier Marías en Corazón tan blanco, no se puede escuchar, ni siquiera por casualidad: en cuanto uno escucha algo está perdido. Por eso Guy y Bruno, los protagonistas de Extraños en un tren, se ven arrastrados sin querer, y, cuando se quieren dar cuenta de lo que ocurre, el crimen ya es lo de menos. Es la dependencia psicológica, la ansiedad y el terror, lo que mueve la película. La vida insípida y rutinaria que de pronto se empieza a convertir en un muro imposible de superar. Siempre he pensado que Guy merecía una tregua que ni la autora ni Hitchock le dan. Ella, de hecho, escribe estas líneas autobiógraficas antes de morir que resumen bien la guerra que sus personajes libraban contra ellos mismos: “Brindo por todos los demonios, por las lujurias, pasiones, avaricias, envidias, amores, odios, extraños deseos, enemigos reales e irreales, por el ejército de recuerdos contra el que lucho: que nunca me den descanso”. • ABRIL 2016 • 63

5.

L O S PÁ JA R O S , 1 9 6 3 Aunque carezca de melodías, esta tercera adaptación de Daphne Du Maurier es muy musical: el director y Bernard Herrmann acudieron a Oskar Sala y a su trautonium (un añejo sintetizador) para obtener los aleteos y graznidos que forman la BSO. Momento ‘Hitch’: El ataque volador que acaba en el incendio de la gasolinera. Obsesión secreta: El sadismo y la misoginia de Hitchcock llegaron a su cénit en el tratamiento a la actriz ‘Tippi’ Hedren. Y. G. Hitchcock según Truffaut: “Los efectos especiales de Los pájaros tienen la calidad poética del cine experimental que practican el checo Jiří Trnka con marionetas, o el canadiense Norman McLaren con sus pequeños filmes dibujados directamente sobre película”.

4.

PSICOSIS, 1960 El miedo moderno nació aquí. Y también la explosión del concepto “Spoiler” (terror de los periodistas cinematográficos) con la promoción de un filme (“No llegue tarde al cine y no cuente a nadie el final”) rodado en blanco y negro por falta de presupuesto, que asestó un golpe a la conciencia colectiva norteamericana. Nadie se había atrevido a tanto hasta entonces. Momento ‘Hitch’: Discusiones sobre la autoría del triángulo Hitchcock-Bass-Herrmann aparte, la escena de la ducha, magistral de arriba (chorro de agua) abajo (sangre que corre por el sumidero) es la cumbre de su cine. Obsesión secreta: El busto de Janet Leigh. Desde que la cámara entra por esa ventana en Phoenix hasta el motel, el sujetador comparte protagonismo con las dudas morales del personaje. C. M.

3.

L A V E N TA NA I N D I S C R E TA , 1 9 5 4 Sólo James Stewart pudo ser Jeff, el fotógrafo de viajes cuyo mundo se reduce a sus vecinos mientras se recupera de un accidente. “Su personaje está en el límite, no debería estar haciendo lo que está haciendo”, como decía Scorsese. “Pero es nuestro héroe”. Y nos gusta, a pesar de su “viaje perverso”. Porque nosotros tampoco deberíamos estar ahí, en esa sala de cine, pagando por ver la vida de otros. Momento ‘Hitch’: Jeff y Stella (Thelma Ritter) vigilan a Lisa (Grace Kelly) desde el otro lado de la calle. Ella busca pruebas del asesinato de la señora Thorwald, cuando el señor Thorwald aparece de nuevo. Por esto le llamaban “El maestro del suspense”. Obsesión secreta: El montaje. Hitchcock definía La ventana indiscreta como su “película más cinematográfica”, porque “estaba contada sólo visualmente”. I. C. Hitchcock según Truffaut: “Cuando vi la película por primera vez, era periodista y escribí que era un filme muy amargo, muy pesimista e incluso muy maligno. Ahora ya no me parece nada maligno hasta encuentro en él cierta bondad en la mirada”. 66 • AB RI L 2 0 1 6 •

2. V É R T I G O , 1 9 5 8 POR

C A R L O S B OY E R O

No firmaba los guiones. Aparentemente, su única meta era entretener, asustar y conmover al espectador y creía que su misión había triunfado o fracasado en función de los resultados de taquilla. De ellos dependía su alegría o su depresión. No de que le concedieran premios y honores, de que la intelectualidad señalara su obra como uno de los templos más ilustres del arte, aunque su ego no desdeñara que Truffaut y la gente de Cahiers descubrieran la genialidad, la coherencia y el universo propio que atesoraba el brillante titiritero. Él lo sabía mejor que nadie. Pero se conformaba con que el gran público le reconociera como el maestro del suspense y que acudieran en masa a ver sus películas. Además de su sabiduría sobre el lenguaje de las imágenes, de ser probablemente el más extraordinario inventor de formas visuales que ha dado el cine, este hombre sabía muchas cosas de la condición humana, de la culpa, de traumas invencibles, del pavor, del erotismo, de la perversión, del amor. Amores raros, por supuesto, en situación límite, obsesivos, carnales, sadomasoquistas, desesperados. Ahí está Vértigo, con la que Poe se hubiera identificado, la sórdida historia de un engaño, pero ante todo un monumento trágico al amor perdido, a la

seducción que provoca el enigma, a la necrofilia más perturbadora, a la desolación conviviendo con el vértigo físico y existencial, a la enfermiza necesidad de encontrar un doble de la suicida que amaste y la que no pudiste salvar. La apariencia de Vértigo sería la de una investigación policiaca. Sólo la apariencia. Hitchcock se lanza sin paracaídas al romanticismo más febril y complejo desarrollando una intriga que podría ser prosaica y convencional. La hipnosis que siente ese detective que intenta recuperarse mentalmente de su terror a las alturas hacia esa mujer tan guapa como misteriosa y presuntamente identificada con la trágica historia de una antepasada, es compartida por el espectador mediante lo que describe una cámara excepcional, capaz de registrar las sensaciones más intensas. Y cómo no entender la inconsolable tristeza de ese hombre que se mueve en plan sonámbulo por San Francisco hasta que cree descubrir en una mujer vulgar huellas de la difunta diosa que le enloqueció de amor pero no pudo comprender. Puedes haber visto cien veces Vértigo. Te sigue removiendo. Las imágenes con las que está construido este poema se instalan a perpetuidad en la retina.

Hitchcock según Truffaut: “No se ve todos los días una actriz americana tan carnal como Kim Novak en Vértigo. Cuando la volvemos a encontrar en la calle como Judy, con su cabellera rojiza, resulta muy animal por el maquillaje. Y quizás también porque bajo su jersey no llevaba sujetador”. • ABRIL 2016 • 67

CON LA MUERTE EN LOS TALONES, 1959 Cuando se ponía, se ponía. Hitchcock venía de cargar las tintas (y de no comerse un colín en taquilla) con Vértigo, buscaba hacer algo “divertido, ligero, libre del simbolismo” de sus anteriores filmes. Y le salió su película más redonda. O su caja de bombas más cuadrada. Es perfecta porque lo tiene todo, incluidos títulos de crédito de Saul Bass (primeros con tipografía en movimiento) y música de Bernard Herrmann: falso culpable, rubia, espías, macguffin, suspense y humor. Mucho humor. Parte de la culpa la tuvo el guionista Ernest Lehman, que juró hacer “la película que acabaría con todas las películas de Hitchcock” y trabajó codo con codo con el director para modelar a Roger Thornhill, alias ‘Por última vez, yo no soy George Kaplan’, el auténtico Mad(ison) Man, un Don Draper original y sin remordimientos, el único norteamericano que vencería a James Bond en cualquiera de sus artes. La figura de Cary Grant se alzó como un coloso capaz de enfrentarse a un avión, gracias en parte al traje mejor lucido de la

historia del cine en una trama llena de trampas que, sin tenor argumental ni sentido político, celebra visualmente el cine por el mero hecho de ser cine y encumbra al director por ser sencillamente el único que manda aquí. Momento ‘Hitch’: La persecución por el Monte Rushmore, idea personal del genio, que tuvo el destello de lucidez de no titular la película El hombre en la nariz de Lincoln, como pensaba. Preocupado por que no pareciese que un inglés se mofaba de uno de los símbolos de la democracia de EE UU, se inventó lo de North by Northwest que, efectivamente, como el resto de la película, no significa absolutamente nada. Ni falta que le hace. Obsesión secreta: Chulo hasta el final, Hitchcock corona su obra maestra con una secuencia que hasta el limpiabotas de Freud interpretaría como un símbolo fálico. Ese tren entrando en un túnel mientras Grant y Eva Marie Saint se acurrucan es la cumbre de su proverbial descaro magistralmente reprimido, la última broma del juego cinematográfico más talentoso (y divertido) jamás rodado. C. M.

Hitchcock según Truffaut: “El aspecto seductor de la escena del avión reside en su misma gratuidad. Es una escena vacía de toda verosimilitud y de toda significación; el cine, practicado de esta manera, se convierte realmente en un arte abstracto, como la música”. • ABRIL 2016 • 69

FUSIÓN DE MONSTRUOS VISITA MOS EL RODA JE DE ' VIC TOR FR ANKENS TEIN' PA R A COMPROBAR CÓMO JA ME S MC AVOY Y DA NIEL R A DCLIFFE ME ZC L A N EN L A BOR ATORIO ACCIÓN , C A M A R A DERÍA Y TERROR PA R A RE ANIM AR UN CL Á SICO DE L A LITER ATUR A GÓTIC A • Texto J A N E C R O W T H E R •

12 DE MARZO DE 2014, ESTUDIOS SHEPPERTON.

Una mujer yace, inmóvil, sobre el serrín del suelo de una gran carpa de circo victoriano. Dos hombres se inclinan sobre ella, discutiendo apresuradamente cómo traerla de vuelta. Los espectadores, con bonetes y sombreros de copa, se inclinan hacia delante, en ascuas. Suspendidas en el aire, varias motas de polvo. "¡Dame tu reloj de pulsera!", pide uno de los hombres, con joroba y los mechones de pelo cayéndole sobre la cara. El otro, vestido con elegancia, duda un momento y accede. Agarra el reloj, titubea y se le cae al suelo. "¡Mierda! ¡Lo siento!", dice con acento escocés antes de retirarse para volver a repetir la escena. Cuando el director, Paul McGuigan, grita "¡Corten!", Daniel Radcliffe y James McAvoy se acercan, riéndose y charlando. La química entre ambos resulta evidente incluso desde el extremo opuesto de la gigantesca carpa. Aunque el rodaje de sesenta días está a punto de terminar, esta es una escena clave: asistimos al primer encuentro entre el caballero y científico Victor Frankenstein (McAvoy) y el jorobado con conocimientos médicos Igor (Radcliffe); el arranque de una relación inspirada en la obra de Mary Shelley. Que Igor y Victor conecten de forma creíble desde el minuto uno es vital en un filme que McGuigan describe como "una historia de dos colegas a la victoriana".

James McAvoy y Daniel Radcliffe toman posiciones ante un aspersor de fluidos.

McGuigan no es nuevo en esto de readaptar a una pareja literaria clásica para el público actual: hablamos del artífice del Sherlock de la BBC. "Antes de empezar con Sherlock, todo el mundo nos decía que trasladarlo al mundo actual era una idea horrible", dice encogiéndose de hombros durante un descanso del rodaje. "Así que le dimos a la gente elementos familiares. El apartamento, Baker Street, los sillones, la chimenea...". Los dos proyectos también son parecidos en cuanto a la dinámica de las relaciones entre sus protagonistas: Frankenstein es un gilipollas, inteligente pero sin habilidades sociales, e Igor, su compinche emocionalmente operativo. "Las similitudes son obvias", admite el director. "El papel de Daniel está muy cerca del de Martin Freeman". A McGuigan le encantó el guión desenfadado de Max Landis. Sabía que la elección de los actores principales era tan importante como dar con el tono apropiado entre el terror gótico y la aventura de camaradas. Conocía a Radcliffe (su padre fue agente de McGuigan en la época de The Acid House) y le gustaban su energía y la empatía que aportaba al papel. A McAvoy le consideraba "una máquina". ¿Y los dos juntos? "Cuando ves esos dos nombres te despierta el interés, ¿no? James es el ritmo de la película. Y Daniel, el corazón".

Radcliffe no estaba buscando una película de época ("No tenía pensado maquillarme como un payaso y llevar una peluca absurda", bromea mientras menea la melena despeinada), pero le gustó la idea de una historia centrada en dos amigos. "Que el motor sean las relaciones entre los personajes es lo que mueve a los actores, lo que hace que se interesen. Porque es cuando más se disfruta. Pero el interés crece todavía más con alguien como James, tan generoso y valiente". McAvoy había leído el libro de pequeño y no le había gustado demasiado. "Lo que me gustó de esta historia es que no trata de la crisis existencial de un monstruo, sino de la relación entre dos personas", comenta entre mordisco y mordisco a una manzana. "Se entiende perfectamente por qué Victor es como es". Así que ninguno de los dos se lo pensó antes de firmar... MÁS GOLPES DA LA VIDA

McAvoy y Radcliffe se cayeron bien cuando se conocieron en el backstage de una de las funciones del Macbeth de McAvoy en Broadway. ¿Pero tendrían química en pantalla? McGuigan les reunió en Nueva York para probar la dinámica entre ambos y darles espacio para, literalmente, destrozar las escenas. "Me gusta explotar el as-

pecto físico de los personajes en las películas que hago, pero no es nada raro encontrar actores que no están nada cómodos con eso", explica McAvoy. "Dan ha cuidado mucho ese aspecto. No sólo ha estado a mi altura, sino que me ha superado". Esa potencia física se trasladó al rodaje: en la primera escena de los dos actores juntos, Frankenstein sujeta a Igor y le lanza contra una pared, haciéndole expulsar fluidos corporales. "Ese primer día marcó el tono para lo demás, era casi como un combate de lucha libre. Es fantástico trabajar con alguien que se encuentra cómodo usando su cuerpo. ¡Alguien capaz de llevarse unos cuantos puñetazos!". Radcliffe coincide. "James y yo tenemos mucha confianza y sabemos que no vamos a hacernos daño". ¿Y los fluidos? "Acabé con ellos hasta en la boca", dice McAvoy con una sonrisa. "No era más que té y agua, no daba la sensación de ser algo repugnante". Radcliffe asiente con entusiasmo. "No estaba en el guión. Acabamos así por no usar ningún arma. ¿Si solo tengo mis dos manos, ¿cómo lo haría? Pues así. Imagina a los productores de Fox viendo esa escena por primera vez...". Este no es el único momento asqueroso de la película. McGuigan exigió hacer efectos especiales en cámara siempre que fuera posible ("No digo que no haya

E ST E N O E S M I M O N S T RU O ( D E F R A N K E N S T E I N ) FR ANKENS TEIN CONQUER S THE WORLD (Ishiro Honda, 1965) Iba a pelear contra Godzilla, pero Toho dio marcha atrás y esta versión XXL del monstruo se conformó con Baragon. 72 • A BRIL 20 1 6 •

C ARNE PAR A FR ANKENS TEIN (Paul Morrissey, 1973) Con Andy Warhol por ahí, no podía salir una criatura demasiado normal. ¡Que tenga cerebro beato es el colmo!

BL ACKENS TEIN (William A. Levey, 1973) Clásico blaxploitation de coste bajo (y póster eterno) que hizo con Mary Shelley lo mismo que Blacula con Bram Stoker: dinero fácil.

VICTOR FRANKENSTEIN

Parece Moriarty, pero Andrew Scott es Tupin.

Jessica Brown Findlay sale de Downton Abbey para caer en manos de Igor (Radcliffe).

efectos digitales, pero sólo para añadir elementos, no es una película de pantalla verde"), así que los actores se vieron las caras entre sí y contra autómatas peludos. "¿Cómo de asquerosa se pone la cosa en el laboratorio? Bastante", asiente Radcliffe. "Es una película sobre ciencia, cuerpos, músculos y miembros que van cosidos a otros miembros. Así que esos elementos tienen que aparecer. Llegué a sostener en mis manos el corazón de un buey. ¡Los corazones de buey son enormes!". No trabajaban únicamente con animales muertos. Dos leones, dos cebras, un camello y varios monos llenan las jaulas del circo que visitamos en plató. La búsqueda de realismo también implicó unos decorados opulentos diseñados por Eve Stewart (Los miserables). La ornamentada pero apestosa estación de Crossness Pumping hace de laboratorio de Victor ("hermoso pero lleno de trastos", define McAvoy). Además, se construyó un intrincado castillo en los Estudios Longcross para la secuencia clave del monstruo de Victor. La criatura es otro logro de efectos físicos ("un tipo de casi dos metros disfrazado con todo tipo de prótesis", según Radcliffe), no digitales. "Hemos hecho un monstruo de la vieja escuela", dice McGuigan. "Me encanta la película de James Whale, no hay forma de superar ese

monstruo. Así que nos fijamos en él, pero hicimos nuestra propia versión". El equipo tampoco dudó a la hora de tirar la novela por la ventana. El guión de Landis crea una nueva historia jugando con referencias culturales y el texto original de Shelley. "Ha recogido todas las ideas buenas del libro y de sus adaptaciones al cine", comenta McGuigan. "Hay humo, oscuridad, naturaleza gótica, pero también aventura... Puede haber comedia Courtney (Resse), enJai terror. Adeveces creo que la gente se el el pecho palomo esta tomaentrega. las películas demasiado en serio y pierde el sentido de la diversión". A McAvoy y Radcliffe no hizo falta convencerles de la necesidad de algo de diversión. "Siempre busco el lado gracioso de las cosas, incluso cuando no es apropiado", dice Radcliffe. McAvoy asiente y admite que juntos intentaron añadir dosis de humor a través de la improvisación. Y confiesa que hubo bromas privadas. "El departamento de diseño hizo un dibujo del monstruo perfecto, muy detallista. Y quizás le añadimos una polla de regalo. Una polla extra". 'FRANKQUICIA'

Un presupuesto alto y mucha convicción no convierten a una historia de terror clásica modernizada en éxito seguro. Drácula, la leyenda jamás contada y Yo, Frankens-

tein son ejemplos recientes a los que no les ha ido nada bien. ¿Por qué esta sí va a conectar? "Hay dos preguntas que me hacen muy a menudo", dice McAvoy. "Una: '¿Por qué necesitábamos otra película de Frankenstein?'. Esa implica que todo el mundo conoce la historia. Y la opuesta: '¿Pero la gente sabe quién es Frankenstein? ¿Los chavales sabrán de qué hablamos?'. Lo mires como lo mires, para nosotros es bueno que hayan oído hablar de Frankenstein y también que no sepan quién es" Interviene Radcliffe: "Esta película juega con la historia; es una versión tan nueva que la gente que entre esperando lo mismo de siempre se sorprenderá...". El final deja la puerta abierta a secuelas. ¿Les apetecería volver a juntarse? En este mundo de franquicias, nadie firma sin tener en mente la posibilidad de más si el público responde... "No sé qué pasaría [en una secuela]", McAvoy se encoge de hombros. "¿Otro monstruo? Ya lo hemos hecho". Mira a Radcliffe, que niega con la cabeza. "No pasaría eso. [Imita a su personaje de Igor]. '¡No lo hagas de nuevo, Victor! ¿Por qué pasar de nuevo por eso? ¡Ya nos fue fatal la primera vez!'. Aunque ya vamos por la cuarta de Parque Jurásico y ese parque es un puto desastre...". ‘ VICTOR FRANKENSTEIN' ESTRENO 15 DE ABRIL

IGUAL QUE ‘VICTOR FRANKENSTEIN’, ESTAS PELÍCULAS REIMAGINARON A SU MANERA LA HISTORIA DEL MODERNO PROMETEO DE MARY SHELLEY  D . D . P . THE ROCK Y HORROR PIC TURE SHOW (Jim Sharman, 1975) La apolínea creación del Dr. Frank-NFurter pasaba por ser lo más cuerdo de la transexual Transilvania.

FR ANKENWEENIE (Tim Burton, 1984) Tim Burton fue expulsado de Disney por este corto canino que, 28 años después, rehizo en stop-motion. ¡Toma reanimación de cuerpos!

MAY (Lucky McKee, 2002) "Si no encuentras amigos, hazte uno". La incomprendida May (Angela Bettis) cambiaba habilidades sociales por una gran detreza con el patchwork. • ABRIL 2016 • 73

VOCES(DE LUJO) EN LA JUNGLA CON ‘EL LIBRO DE LA SELVA’, JON FAVREAU SE LA JUEGA DIGITALIZANDO UNA DE LAS PELÍCULAS ANIMADAS MÁS QUERIDAS DE LA HISTORIA. CLARO QUE, SI SE TIENE UN REPARTO COMO ESTE, HACER HABLAR A LOS ANIMALES DE RUDYARD KIPLING PARECE HASTA FÁCIL •

Te x t o YA G O G A R C Í A

M OW G L I

BALOO

B AG H E E R A

SHERE KHAN

(Neel Sethi) Neoyorquino de sangrre india, Sethi es a sus dieez años el actor más joven de El libro de la selva. C Co-mo niño criado por lobo os, tendrá por madre a la te-mible Raksha (Lupitaa Nyong’o) y como menttor al macho alfa Akela (Giancarlo Esposito)..

(Bill Murray) Viejo, sabio y con una pachorra a prueba de bombas: el maestro oso parece un papel hecho a la medida de Murray. Por lo pronto, ya le hemos oído cantar (en el tráiler) The Bare Necessities, ese himno sobre la ley del mínimo esfuerzo.

(Ben Kingsley) Dado que nació con el nombre de Krishna Banjji, no y que su familia viene dee Gujarat, Sir Ben se plan-G teó darle un acento indio te o a la voz de la pantera neegr gra. “Jon [Favreau] y yo lo l p pensamos, y concluímoss en que el personaje es m más británico”, comentaa.

(Idris Elba) Menuda pelea de gatos: mientras que, en 1967, el tigre comeniños tuvo la voz de George Sanders, ahora es Elba quien le presta su garganta en el nuevo filme de Disney... mientras Benedict Cumberbatch hace lo propio en Jungle Book: Origins, de Andy Serkis.

KAA

DIRECTOR

(Scarlett Johansson) Con sus curvas ondulantes y esa forma tan sensual de arrastrar las eses, este culebrón con la voz de ‘ScarJo’ se ha convertido en uno de los iconos de El libro de la selva. Kipling, quien escribió mucho sobre los poderes hipnóticos de Kaa, estaría orgulloso.

(Jon Favreau) Tras salir escaldado de Marvel con Iron Man 2, y darse un respiro low cost en Chef (2014), Favreau vuelve al mundo blockbuster para un filme que, asegura, “toma viejos mitos para contarlos de una forma nueva”. ‘ E L L I B R O D E L A S E LVA’ ES TRENO 15 DE ABRIL

REINAS DE HIELO CHARLIZE THERON, EMILY BLUNT Y JESSIC A CHA STAIN SE SUMAN A CHRIS HEMSWORTH EN 'EL C A ZADOR Y L A REINA DEL HIELO', L A GÉLIDA HISTORIA FANTÁ STIC A QUE TE HAR Á ENTR AR EN C ALOR • Texto JA M E S M OT T R A M•

HACE TIEMPO QUE nuestros móviles han dejado de tener cobertura cuando llegamos a Stockwood, en Gloucestershire, al suroeste de Inglaterra. Un cartel, cerca de nuestro destino, indica el camino con las palabras: "El bosque secreto". Apropiado, pensamos, dado que nos dirigimos al rodaje de Las crónicas de Blancanieves: El cazador y la reina del hielo, especie de secuela del cuento de hadas de 2012 Blancanieves y la leyenda del cazador. Subido a la cresta de una montaña sobre el plató vemos al mismísimo cazador del título, Chris Hemsworth, caracterizado tal y como le recordamos de la primera película y tan musculoso como Thor. En esta secuencia en particular, una especialista pelirroja, suspendida de unos cables, brinca ante él y hace un giro con patada final de cara a la cámara. Con un hacha en la mano, Hemsworth se saca la otra de detrás de la espalda y la gira en la mano dispuesto a lanzarla fuera de cámara. Sólo que no le sale como esperaba. Al girar el hacha, se le cae en el suelo cubierto de hojas. "¡Joder!", dice lamentándose. En este punto, la auténtica pelirroja de la película, Jessica Chastain, se incorpora y ocupa el lugar de su doble. El arma que blande tampoco está nada mal: dos cuchillos con forma de cuer76 • A BRIL 20 1 6 •

CAROL

EL CAZADOR Y LA REINA DEL HIELO

Chris Hemsworth. A la derecha, Freya (Emily Blunt) y Ravenna (Charlize Theron).

no. Con ellos en la mano, ensaya su salto-patada delante de Hemsworth. Chastain, una de las nuevas estrellas de Las crónicas de Blancanieves, lleva ya cinco semanas entrenando en técnicas de lucha, dos en Nueva York y otra en Reino Unido. Pero lo primero que llama la atención es su aspecto: trenzas (¡"Tengo pelo de madre de dragones!") y una cicatriz en la cara (idea suya). "¡Me encantan las cicatrices!", dice. "Las imperfecciones son hermosas". Las crónicas de Blancanieves: El cazador y la reina del hielo es un spin-off de su predecesora. Esta vez, los protagonistas son el personaje de Hemsworth y de Chastain. Si hacéis memoria recordaréis que Eric el cazador estaba casado (con una guerrera valiente y altruista llamada Sara) hasta que, supuestamente, ella fue asesinada. En Blancanieves y la leyenda del cazador, su muerte lanza a su marido a una espiral suicida de ebriedad. ¿Pero... y si nunca llegó a estar muerta? A Chastain le interesó la idea de interpretar a un personaje que, en la cinta original, no era más que un fantasma. "Cuando era pequeña quería ser Sorsha, el personaje de Willow. Así que pensé: '¡Esta es mi oportunidad!". La idea de recuperar a Sara surgió por primera vez en un encuentro entre Hemsworth y Joe Roth, el productor de las dos películas de Blancanieves además de Maléfica y la Alicia en el país de las maravillas de Tim Burton. No tardó en salir el tema de las secuelas. "Estába78 • A B RIL 20 1 6 •

mos bromeando: '¡Sí, claro, podríamos ir a rescatar a Cenicienta o Rapunzel!", ríe Hemsworth. "Entonces, empezamos a pensarlo más seriamente: ¿cuál podría ser la historia? Mucha gente me había comentado el momento, en la primera película, en el que mi personaje está en una iglesia y habla de su pasado y de su mujer". Cedric Nicolas-Troyan, un director de efectos especiales que había dirigido la segunda unidad en Blancanieves y la leyenda del cazador, había firmado hacía un tiempo para dirigir la secuela de Blancanieves. "Era otro guión, otro proyecto, pero no salió adelante", dice. Entonces apareció Frank Darabont (Cadena perpetua) para ponerse a los mandos. Cuando dejó el proyecto, volvió a entrar el francés. "Me llamaron, literalmente. Ring, ring, ring. Y Joe me dijo: 'Oye Cedric, Frank va a dejarlo y quiero que dirijas la película'. Y así fue". Aunque suena fácil, los guionistas Craig Mazin (autor de secuelas para Resacón en Las Vegas y Scary Movie) y Evan Spiliotopoulos (Hércules) tuvieron que sudar lo suyo para conseguir hilar una historia coherente. ¿Por qué? Porque la mala de la primera película, la malvada Reina Ravenna, había acabado rota en un millón de pedazos dorados. Y luego estaba la otra pequeña cuestión de la Blancanieves de Kristen Stewart. Tal vez fuera la más hermosa de todas pero, en la vida real, aquella fue la película con la que más sufrió su reputación, después de que su aventura con el di-

rector, Rupert Sanders, saliera a la luz pública. Fue una relación clandestina que provocó importantes dolores de cabeza al estudio: Stewart terminó su relación con su novio y ex compañero en Crepúsculo Robert Pattinson y Sanders se separó de su mujer, la actriz Liberty Ross. Sin embargo, nada de eso afectó a la taquilla de la película (360 millones de euros) aunque en Universal alguno debe de llevar desde entonces pensando: "¿Y si...?". Se decidió que volver a empezar de cero, sin Stewart ni Sanders, era lo más cabal. Así, Sara sustituye a Blancanieves en el corazón de Eric. DEL ANTE Y DETR Á S

El resultado es una historia envolvente que transcurre antes y después de su predecesora. "En realidad es una precusecuela, algo un poco raro", ríe Theron al teléfono desde Budapest, donde está rodando el thriller de la Guerra Fría The Coldest City. La historia promete bucear en el pasado del cazador, mostrando cómo conoció a Sara, pero también en el árbol genealógico de Ravenna. Sí, la perra vuelve. Si dejamos a un lado Mad Max: Furia en la carretera (después de todo, no aparecía en ninguna de las anteriores) y Prometheus, esto de las sagas es nuevo para Theron. "Me encanta este personaje. Me encanta haberla creado y volver a encontrarme con ella", dice. "Seguramente nunca me divertiré tanto interpretando a otro personaje. Es una pasada". Emily Blunt interpreta a Freya, la

Freya (Blunt) y sus cazadores (Chastain y Hemsworth).

hermana de Ravenna. Con la habilidad de congelar a cualquier enemigo, Freya es la Reina de Hielo definitiva. Con el corazón roto y viviendo un exilio invernal autoimpuesto, se propone entrenar una legión de cazadores mortales, entre ellos Eric y Sara. "Como cualquier relación fraternal, es complicada", dice Blunt al teléfono desde Nueva York. "Creo que, en cierta forma, es muy realista. Si no lleváramos estos vestidos tan locos, lo que hay ahí es fundamentalmente una relación muy conflictiva y compuesta de muchos elementos diferentes, desde amor a sufrimiento. Tienen un nexo muy fuerte, pero no es puro". Theron da su propia versión de la rivalidad entre hermanas. "Bueno, si en vez de personas fuéramos lobeznos me comería toda la comida. Y la habría echado a patadas de la guarida unas cuantas veces. Ravenna manipula a su hermana, abusa de su poder para conseguir lo que quiere". Dos villanas por el precio de una. "¡Doble ración de problemas para Chris Hemsworth!", ríe Blunt. "Es lo que va a marcar la diferencia con la primera película". Para resucitar a su hermana, Freya necesita el poderoso Espejo Mágico, perdido en acción. Freya emprende la búsqueda del espejo a la vez que el cazador, siguiendo órdenes del Rey William de Sam Claflin, que repite en el papel. Por mucho que el cazador aparezca mencionado en el título, a Hemsworth las protagonistas femeninas le superan

tres a uno. "¡Está rodeado de un montón de vaginas en esta película!", bromea Theron echando mano de la maldad de su personaje. En un año en el que hemos visto a Theron en Mad Max, a Chastain en La cumbre escarlata y Marte, y a Blunt Courtney (Resse), enelJaiSicario, parece pecho palomo de que podemos decir sin esta temorentrega. a equivocarnos que se han unido para dar el golpe femenino definitivo. "Si hubiera tenido que protagonizarla en solitario me lo habría pensado mucho más", admite Hemsworth. "Pero como las tres dijeron que sí, entonces no había duda". En cuanto al actor, está en modo héroe total. "Me recuerda a Mel Gibson en Arma letal", dice Chastain dando forma a las sensaciones positivas que se respiran en plató. RODA JE HEROICO

Si falta un elemento, está claro que es Kristen Stewart. Aunque Blancanieves aparece mencionada (Nicolas-Troyan hace referencia a "otra historia paralela que está ocurriendo" con el personaje) no habrá cameo. "Me lo pasé muy bien con Kristen y por eso la he echado de menos", comenta Theron. "Pero sigue viva dentro de la historia. Hablamos mucho de ella y es una de las fuerzas conductoras de lo que ocurre". A solo seis días de terminar el rodaje, ha sido un largo viaje en el que reparto y equipo han pasado semanas en Shepperton rodando la batalla climática en tres platós diferentes. Aunque Bradshaw no

quiere hablar de presupuesto, sí admite que es "significativamente más bajo" que los 170 millones de dólares de su antecesora. "Creo que hemos conseguido que sea igual de espectacular", asegura. "Nadie va a salir decepcionado". A la vista del impresionante vestuario diseñado por Colleen Atwood y del suntuoso diseño de producción de Dominic Watkins, estamos tentados de darle la razón. Queda por ver cómo reaccionará el público (en particular los fans de Crepúsculo) a la historia sin Blancanieves/Stewart. "Sé que la primera tenía unos personajes femeninos geniales", dice Chastain, "pero ahora está mi personaje, Emily, Charlize, Alex y Sheridan... Somos completamente diferentes". Su mente rebobina a un momento anterior. "Recuerdo una escena en la que Charlize estaba justo delante de mí, interpretando a la Reina. ¡Es una cabrona peligrosa!". Hemsworth, uno de los protagonistas de la franquicia altamente masculina de Los Vengadores, se muestra de acuerdo. "Creo que la balanza está muy desequilibrada del lado de los hombres: siete u ocho superhéroes masculinos y una mujer. Aquí es al revés. Es emocionante formar parte de algo así. Creo que, a este nivel, no lo hemos visto antes". ¿Tres mujeres maravilla disparando hielo, pateando culos y lanzando hechizos? Hemsworth sonríe: "¿Por qué demonios no?". ‘L AS CRÓNICAS DE BL ANCANIEVES: EL CAZADOR. . . ' ESTRENO 8 DE ABRIL • ABRIL 2016 • 79

‘O RGULLO + PRE JUICIO + ZOMBIS’ LE AÑADE A L A CRÍTIC A SOCIAL DE L A NOVEL A ORIGINAL DE JA NE AUS TEN UN ENTORNO APOC ALÍPTICO Y CONVIERTE A SUS YA ICÓNIC A S MUJERE S EN HEROÍNA S ULTR AFEMINIS TA S • Texto I R E N E C R E S P O •

“ES UNA VERDAD MUNDIALMENTE reconocida

que un hombre soltero, poseedor de una gran fortuna, necesita una esposa”, escribió Jane Austen al principio de su novela más popular, Orgullo y prejuicio. Y era una verdad mundialmente reconocida, y consecuencia de la anterior, que una mujer soltera, poseedora de nada, necesitaba un esposo para sobrevivir. Como les ocurría a sus protagonistas, las hermanas Bennet, iconos feministas en un mundo encorsetado. Al escritor Seth Grahame-Smith le entraba la risa al pensar en esa “gente esnob preocupada con quién casarse mientras Londres ardía” y de repente se

dio cuenta de que el escenario de vida alegre en la campiña inglesa que Austen criticaba, sería aún más ridículo e irónico lleno de zombies. Así nació Orgullo + prejuicio + zombis, con un reto fundamental: “Quería que cuando la gente lo leyera no supieran dónde acababan los pasajes de Jane Austen y dónde empezaban los míos”, explica el autor, quien tras el éxito de la novela entró en racha: ha firmado el guión de Beetlejuice 2, The Lego Batman Movie y trabaja en The Flash. “Es una verdad universalmente reconocida que un zombie que tiene cerebro necesita más cerebros”, empezó él su versión en mitad del apocalipsis no-muerto

CAROL

ORGULLO + PREJUICIO + ZOMBIS

que asola la isla británica desde hace casi cien años. Tan extendida está la plaga que la sociedad aristocrática, antes de preocuparse por con quién casarse, debe formarse en artes marciales y técnicas matazombis. “Los más ricos se van a aprender a Japón, los menos ricos, a China”, explica el escritor, que le añadía así una nueva capa a la diferencia tan marcada de clases en la época. Las hermanas Bennet, por supuesto, estaban en el segundo grupo. Seth Grahame-Smith estudió el estilo y los ritmos de la literatura de Austen, el idioma y expresiones de la época, y el resultado fue un bestseller instantáneo, que cayó bien incluso entre los fans de la escritora inglesa. “Yo sé que nunca estaré en un panel con Jonathan Franzen. Pero, en el mundo de Jane Austen, me han aceptado casi todos. Al principio, me daba un poco de miedo, pero sus fans adoran el humor que tiene la propia Austen. Me agradecen poder leerlo desde otro punto de vista”, explica. Una de las primeras fans declaradas de la novela fue la actriz Natalie Portman, quien compró los derechos para la adaptación al cine con intención de interpretar a la protagonista, Elizabeth Bennet, el mismo año de la publicación, en 2009. Hoy, en 2016, por fin se estrena, con Portman ya sólo como productora. “Sé que siete años parecen mucho tiempo, pero es lo normal en Hollywood”, responde el escritor. “Y yo siempre digo que la Biblia tardó mil años en adaptarse”, se ríe. Orgullo + prejuicio + zombis pasó por las manos de David O. Russell (que iba a dirigir a Portman) y de Craig Gillespie, has-

ta que llegó a las de Burr Steers. El director y guionista de éxitos adolescentes y románticos como 17 otra vez y Cómo perder a un chico en 10 días lo vio claro: había que volver a Austen. “¿Por dónde vamos: Bridget Jones 19? Todo lo que Austen hizo aún funciona hoy. Es una fórmula que no falla. Todas las comedias románticas de hoy beben de ella”, suelta con su experiencia en el género. En Orgullo + prejuicio + zombis, como en la novela original está el amor, la crítica social, la presión sobre las mujeres para ser perfectas y encontrar un buen marido, y la rebeldía de las hermanas Bennet contra ello, sobre todo la de Liz, interpretada en el filme por Lily James (Cenicienta). También está el señor Darcy (Sam Riley), claro, el galán por definición, igual de arrogante y misterioso, aunque aquí de lo que presume es de abrigo de cuero y rapidez cortando cabezas a zombies. “Es un James Bond punk”, dice Steers. Pero, a pesar de todo, al final son las hermanas Bennet las que salvarán a los hombres en apuros. “Somos ninja girls”, dice Bella Heathcote (Sombras tenebrosas), la dulce Jane Bennet. “Spice Girls con espadas”, según Lily James, que entrenó durante semanas con sus compañeras para resultar creíbles matando zombis mientras declamaban los diálogos de Jane Austen. “La gente intenta darme crédito por la novela, por haber escrito un personaje femenino heroico, un icono, pero siempre digo lo mismo: yo no lo hice, lo hizo Jane Austen, yo sólo le puse una espada en la mano”, confiesa Grahame-Smith. ‘ORGUL LO + PREJ UICIO + ZOMBIS' ESTRENO 1 DE ABRIL

Bella Heathcote y Douglas Booth.

PA L A B RA D E JA NE AU S T E N

Lili James, feminista a punta de espada.

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Seth Grahame-Smith reescribe el clásico de Jane Austen poblándolo de zombies hambientos de cerebros humanos. La novela fue editada por Umbriel en 2009. 384 páginas. Cuesta 16 euros.

Lily James (RE)ANIMA UN CLÁSICO VICTORIANO EN ‘ORGULLO + PREJUICIO + ZOMBIS’

© MATT HOLYOAK / CAMERA PRESS / CONTACTO

¿QUIÉN ERES? Tengo 26 años, mi padre

y mi abuela fueron actores antes que yo y casi siempre me has visto con corsé, tanto en las últimas temporadas de Downton Abbey como en la versión de carne y hueso de Cenicienta (2015). ¿QUÉ QUIERES? Dejar bien claro que, sí, pisé la cabeza de un extra en Orgullo + prejuicio + zombis, pero que cuando lo hice estaba convencida de que era un muñeco y no un compañero. Para compensar mi metedura de pata le pagaron cien libras más. ¿TU ÚLTIMA VEZ? Este año estrenaré también The Kaiser’s Last Kiss junto a Jai Courtney y la cadena de BBC acaba de emitir la miniserie Guerra y paz, adaptación de la novela de Tolstoi. Ahora mismo estoy trabajando con Kevin Spacey y Jon Hamm en Baby Driver, la nueva película de Edgar Wright (Bienvenidos al fin del mundo).M A N U E L P I Ñ Ó N

J U L I E TA

HABLAMOS CON EL DIRECTOR SOBRE ‘JULIETA’, EL PODER DEL ARTE Y LA NUEVA TRANSICIÓN ESPAÑOLA

• Texto A N D R E A G . B E R M E J O • Fotografía N I C O •

EN EL TELEFONILLO DEL NÚMERO 24 de la calle Francisco Navacerrada hay un letrero que dice: “Llamar fuerte”. El Deseo, productora y guarida de Pedro Almodóvar desde 1985, sobresale alojado en un edificio moderno y resultón entre el ladrillo y el pladur del barrio de Guindalera. Al fondo, azulejos brillantes de Las Ventas. Enfrente, una tienda de persianas de las de toda la vida. Por si hubiese alguna duda, una foto en blanco y negro del director con su hermano y productor, Agustín Almodóvar, corona la entrada dando la bienvenida. Todo es moderno aunque ya sea antiguo. También los carteles que decoran las paredes de la recepción: Todo sobre mi madre, Los amantes pasajeros, Átame, Hable con ella y Tacones lejanos. Demasiada carrera para los cuarenta minutos de entrevista que me han prometido. “No, no –responde Pedro Almodóvar amable, simpático, muy cercano–. Si te quedas con ganas de preguntar algo me lo preguntas. No quiero que te vayas de aquí frustrada”. Al parecer, no sólo en sus películas se preocupa por las mujeres. ¿Podría ser Julieta una novela de Amanda Gris en La flor de mi secreto? Sí, pero una de esas que escribe cuando su estilo está más contaminado por la realidad. No sería una novela rosa, desde luego. Sería de esas novelas que no quería publicarle su editora. Esa que le decía: “La realidad debería estar prohibida”. ¿Qué es lo que te interesa de la literatura femenina? Soy un buen lector de literatura de mujeres pero no es que vaya buscándola. Lo que ocurre es que hay mujeres que me han marcado mucho en la literatura. Los relatos femeninos cuando hablan de vosotras mismas, relatos de mujeres escritos sobre mujeres… hay algo a lo que el escritor no consigue llegar. Hay maravillosos escritores que han hecho retratos femeninos icónicos, pero hay un punto en el que sí que existe la diferencia de género, detalles. A mí me interesan esos detalles que la naturaleza nos tiene vedados por una cuestión de género. De los tres relatos de Escapada, de Alice Munro [Silencio, 84 • AB RI L 2 0 1 6 •

Pronto y Destino], ¿cuál te dio pie a escribir el guión de Julieta? Por un lado, en Destino había un elemento visual. Las escenas del tren no son idénticas a las del cuento pero me fascinaban de un modo muy especial y, de hecho, es lo que más permanece en la película. Y después Silencio tenía la idea de que una hija abandone a su madre sin ninguna explicación. En el caso de Munro es mucho más radical y mucho más cruel porque no hay la menor comunicación. Además, la estructura familiar canadiense es casi lo opuesto a la española. Vamos, yo pensando en mí, que soy manchego [cambia la voz, más gutural, con cierto orgullo], no es que no te independices de tus padres, es que no te independizas de tus abuelos. Yo recuerdo a los míos tomando decisiones que les competían a mis padres, y mi madre ya nos había tenido a los cuatro hijos, pero esa autoridad seguía manteniéndose. Esa autoridad pero también ese amor, interés e implicación en la vida del otro para bien. Aquí no rompemos lazos con la familia. Hay casos de rupturas y abandonos pero son excepcionales. En Silencio, Juliet es una periodista de televisión. Y sin embargo, en la película tú la conviertes en una maestra, en una estudiosa de la filología. ¿Por qué? En la película, Julieta es una mujer que enseña literatura clásica. Es una joven de los 80, libre, muy independiente, por eso toma las decisiones que toma. Pero también es una mujer personal, original, con gustos propios. A mí, el mero hecho de que ella explique La Odisea me encanta. Porque es una idea que luego revierte en sí misma, la idea del mar como camino para la aventura y lo desconocido. Es su propia odisea, su propia aventura. Además, es una mujer laica que enseña los inicios de la cultura. Para mí está muy lejos de no ser una mujer espiritual, y que justamente su hija acabe teniendo una enorme necesidad de espiritualidad me parece una enorme injusticia. Es cierto que la vida es así de cruel. A los padres más liberales les salen los hijos más conservadores y al revés. Casi por oposición. El colegio en el que Julieta enseña es el Estudio, vinculado a la Institución Libre de Enseñanza.

P E D R O A L M O D ÓVA R

Hago un homenaje al colegio Estudio y a su historia, que es deslumbrante dentro de nuestra intelectualidad. Pero sobre todo quería homenajear a Fernando Higueras, su arquitecto. Cuando construyó el colegio en los 60… ¿60 o 70? [se levanta y le pregunta a Lola García –su mano derecha en El Deseo– el año exacto] pensaron que no se iba a poblar, del horror que provocó. En ese momento fue un escándalo. Él era un visionario, un hombre muy extravagante al que en su momento no se entendió. Localicé montones de rincones que me apasionaban y no pude hacer tantos planos como me hubiese gustado. Hay que homenajear a esas figuras… A mí me sirve de estímulo. Estos detalles son importantes para mí aunque el público no repare en ellos. Por ejemplo, la casa de Julieta pasa de un decorado blanco en los años malos a convivir con tres pósters que tienen mucho significado en sí mismos: un autorretrato de Lucian Freud, un espectáculo de Bob Wilson y un cuadro de Antonio López. Antonio es la austeridad, de hecho hay muchos de sus cuadros, de los que más me gustan, que no son decorativos, son obras maestras pero es difícil equilibrar un decorado con ellos por la austeridad total. Esas terrazas feas, madrileñas, de barrio, que a mí me apasionan. También quería impregnarme de esa austeridad de Antonio López. Quería que esta película fuera muy contenida. Sí que lo es… Yo creo que de las mías es la más contenida. Pero volviendo a los tres artistas, que son tres artistas con los que yo tengo vinculación… tienen una función dentro de la película, a mí eso me sirve como base a la hora de escribir, de rodar. El arte en tu cine se entiende no sólo como elemento decorativo, sino casi

Tacones lejanos (1991).

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“DEBERÍA MONTAR UN CINE. PONER CLÁSICOS E INVITAR A LA GENTE A QUE VAYA” D AV I D S E R R A N O

como un nutriente del alma humana. Sí. Otro ejemplo es ese hombre sentado que va acompañando a Julieta, que es una escultura de Miquel Navarro, no del personaje de Inma Cuesta, claro. El arte a mí no sólo me da ideas sino que llena mi vida. Me da un enorme placer ,pero además me llena como una relación personal. No quiero decir que el arte te sal-

Volver (2006).

ve, pero desde luego hace tu vida mucho más grata y te hace también olvidarte de la muerte, incluso el arte más austero, e incluso el que habla de la violencia o de la parte más truculenta del ser humano. Francis Bacon, la maravilla de su propia obra, que tenga un significado tan tremebundo… a mí me eleva el espíritu. Me ocurre lo mismo con las películas que se supone que son depresivas. Yo, si es una buena película, salgo con mejor ánimo. Comprendo que cada espectador busca algo distinto pero a mí esas películas negras y duras me estimulan. Yo, como narrador, me he nutrido de obras de arte de otros, por supuesto. Y muchas veces me han dado la clave de mis guiones. Es verdad que, para encontrar estos momentos, tienes que tener paciencia. Yo lo que no podría es trabajar para un estudio o una productora que me dijese: “Tienes que entregar el guión dentro de cuatro meses”. En cuatro meses yo les escribiría 800 páginas, pero el poso y la sedimentación sólo se logran con el tiempo y esperando. Y, en esa espera que yo siempre me doy, de pronto llega una canción con un significado distinto, lees un libro… Sí, el arte en muchas ocasiones ha venido para completar, darle forma, fuerza y sentido a la historia que yo estaba escribiendo. ¿Crees que esa función del arte ya no tiene sentido entre la gente joven? Todo tiene que ver con el tiempo, con el modo en el que se consumen las cosas. Con el modo en el que las ves, las disfrutas y las haces tuyas. Ahora hay una especie de saturación por el acceso que tenemos a casi todo. Esto hace que no tengas una larga historia de amor con algo, ya sea una película, una canción, un pintor, un programa… sino escarceos fulminantes pero que terminan en el momento en el que lo estás viviendo y pasas corriendo

Los amantes pasajeros (2013).

Elena Anaya y Pedro Almodóvar en el rodaje de La piel que habito.

a otra cosa. Y al pasar a esa otra cosa empiezas a no registrar nada. Creo. Por un lado, a mí me fascina la riqueza que hay ahora mismo si uno quiere documentarse, disfrutar de las disciplinas que le interesan. Es mucho más sencillo que antes. Pero esa inmediatez se ha convertido en el máximo valor. Si se hace una película lo más importante es verla cuanto antes, así que, si es pirata, se ve. Y da igual la luz, la fotografía, el tamaño en el que la ves… El placer y la entidad de lo que ves decrece y se precariza de un modo enorme. A mí me da mucha rabia. No sé, voy a poner un cine, voy a poner clásicos y voy a invitar a la gente a que vaya. Porque yo estoy seguro de que los jóvenes, si les interesa la imagen y las historias, en cuanto empiecen a ver cine en las pantallas adecuadas van a flipar. ¿Y las series? Yo llegué a escribir el piloto de una serie en los años 80, la tengo ahí guardada… Lola [García] es la guardiana de todo. El punto de partida era Blade Runner, ahora como me descuide… va a salir ya la segunda parte. No, la historia era la cotidianeidad de los replicantes. Mi idea era que el terror, la fantasía y la ciencia-ficción que había visto hasta los años 80 era la realidad del futuro. En 2050 la vecina

era una endemoniada con el pelo siempre de punta, una chica tenía una historia de amor con un poltergeist... Todas eran mujeres menos el demonio que era pareja de la endemoniada, claro. Pero ella le decía a la vecina: “Pero chica, si somos una pareja como cualquier otra”. A lo mejor lo retomo, pero es que uno tiene la sensación de no tener tiempo. ¿Eres espectador de series? No soy muy seriéfilo, la verdad. Cuando me gusta una sí que la veo hasta el final. Por ejemplo, Breaking Bad para mí es la gran serie. Para mí es el Shakespeare de las series de los últimos seis años. Homeland, a pesar de las variaciones de calidad, pero a mí me encantan las historias de espías. Me gustan las series americanas, digo americanas porque las españolas no las conozco, cuando crean grandes personajes para actores. Claire Danes y Mandy Patinkin son maravillosos. Mira, ahora que te estoy diciendo todo esto, voy a ir a registrar la serie mañana. Luego se lo digo a Lola. A ti que te gustan tanto los personajes. Eso sí que es una diferencia con respecto al cine. Yo de Julieta sé muchísimo de los personajes, cosas que no están en la película. En una serie puedes ir desarrollando a los personajes, se parece más a una no-

vela, puedes volcar toda esa información que tienes sobre los personajes. Tú fuiste una figura fundamental de la Transición. ¿Qué te parece esto que se comenta ahora tanto de que España está pasando por una segunda Transición? Más vale que nos pongamos a transitar, es decir, a movernos en una dirección que nos parezca la mejor para el país. Es una transición muy distinta de la primera, yo la viví intensamente porque me tocó joven y participativo, con veintitantos años. Esta no tiene nada que ver con la primera, no tiene nada que ver de dónde veníamos entonces y de dónde venimos ahora. Antes veníamos del horror de una dictadura y sin tener la menor seguridad nadie de que aquello no fuera irreversible y que no ocurriera lo que ocurrió, un golpe de estado. Teníamos mucho miedo y mucho valor, todo el pueblo español. No sólo Carrillo y Fraga tuvieron que olvidar, no. El pueblo entero tuvo que olvidar, todos tuvimos que asumir de un modo orgánico aquella ley de amnistía. La transición de ahora es muy distinta pero absolutamente necesaria, tan necesaria como la de entonces. Estamos en la ebullición de ese momento que ahora mismo no me aventuro a decir cómo va a terminar. No • ABRIL 2016 • 87

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lo sabemos nadie, y tampoco los políticos. Pero es absolutamente necesario si queremos revitalizar una democracia exhausta y anoréxica. Es una democracia muy imperfecta. Hay que repensar un montón de elementos clave y para eso hace falta tiempo. Hay que empezar, de momento, por tener un gobierno. Yo lo que quiero es un gobierno multicolor, estable, y en el que las personas traten de ponerse de acuerdo en lo común y en lo prioritario. Es un momento clave para nuestra historia, y, si no llevamos a cabo esa transición, vamos a perder un montón de años. Eso va a ocurrir tarde o temprano, ya debería haber ocurrido, vamos con retraso. Pero quiero ser optimista. Estoy pendiente. Pendiente, pendiente. Como todo el país. ¿Qué piensas del actual panorama cinematográfico en España? Vivimos en un país en el que el cine se ha maltratado siempre. Ningún ministro de cultura, quitando a Carmen Alborch, ha tenido nunca pajolera idea de qué iba el asunto. Incluido, por supuesto, este gobierno, su enorme pereza, casi psicótica. La nueva ley del cine que han hecho favorece a las películas de las televisiones, en especial Antena 3 y Telecinco. A mí eso me parece peligrosísimo. Hablemos, por ejemplo, de Carlos Vermut, mi debutante favorito de esta década. Carlos es una persona con un enorme talento pero lo va a tener muy difícil. Después de hacer una película galardonada en San Sebastián, de vivir solo ha tenido que volverse a vivir con sus padres. Esa es la realidad del cine español. El cine personalísimo lo tiene crudo si las cosas siguen como hasta ahora. A mí me parece una realidad atroz y nadie quiere hablar de ello. Esto influye en la educación cinematográfica de la gente. Totalmente. Mi formación, además de ir a la filmoteca casi diariamente eran los ciclos de cine clásico de la televisión. Todo el noir americano, el neorrealismo, el expresionismo alemán… lo daba la televisión. A mí me estremece que un chico de 25 años no sepa quién es Billy Wilder. Eso me parece muy grave, también si hablamos de hedonismo por el propio placer del chico o chica. ¡Lo que se está perdiendo! Ya te digo que yo debo montar un cine. Cada vez me tienta más. Necesito un poco de tiempo. 88 • AB RI L 2 0 1 6 •

JULIETA Y JULIETA A la derecha, Julieta de joven (Adriana Ugarte). Debajo, Julieta en la madurez (Emma Suárez) y con Michelle Jenner.

TODO SOBRE MI HIJA EM M A S UÁ R E Z Y A DR I A N A U G A RT E S O N J U L I E TA , EL P ER S O N A J E Q U E I M AG I N Ó A L I C E M U N R O Y CO N EL Q U E P ED R O A L M O D ÓVA R V U ELV E A L D R A M A P R OTAG O N I Z A D O P O R M UJ ER E S UNA MUJER JOVEN LEE EN UN TREN. El libro es sobre la tragedia griega. Afuera, anochece. Por delante, tiene toda su vida. Nosotros también. Julieta, la última película de Pedro Almodóvar, regreso al drama femenino del manchego, arranca sobre esas vías de tren que ya recorrieron películas como Todo sobre mi madre o Hable con ella para

contarnos la historia de Julieta, el amor y el abandono que marcan su vida desde esa primera escena. El amor pero, sobre todo, el abandono. Quizás el más doloroso que pueda existir. El de una hija a su madre. El de Antía a Julieta. “Para mí el reto consistía en mantener el misterio en la hija que abandona a la madre –explica Almo-

dóvar–. Yo creo que eso está dentro de nuestra naturaleza. Un hijo, independientemente de la relación que tenga con su madre, guarda una parte íntima en secreto. Ese secreto a veces nos convierte en absolutos desconocidos para nuestros padres y esa parte me interesaba mucho”. Ese misterio, inspirado en varios relatos de la Premio Nobel Alice Munro, vertebra la vigésima película de Pedro Almodóvar. En el presente, Julieta (Emma Suárez) intenta olvidar con la ayuda de un hombre bueno (Darío Grandinetti). No lo consigue. Sus recuerdos, protagonizados por una Julieta joven (Adriana Ugarte) van desvelando el misterio.

“De los actores sólo había pensado que para la mujer que cuida a Xoan (Daniel Grao) quería a Rossy de Palma. También tenía claro que ese papel pequeño de madre de Julieta sería para Susi Sánchez”, recuerda Almodóvar sobre un reparto –Michelle Jenner, Pilar Castro, Inma Cuesta…– con el que, a excepción de Grandinetti o Rossy de Palma, nunca había trabajado. “Lo que sí tenía claro desde el principio es que Julieta iba a estar dividida en dos actrices, la Julieta joven y la Julieta madura. No me gustan los efectos de maquillaje, los odio”, explica. Emma Suárez y Adriana Ugarte fueron las actrices elegidas. “Sus pruebas de casting fueron perfectas”.

Una y otra actriz llevan el peso de la película. Adriana Ugarte, desde ese tren nocturno que la lleva al colegio Estudio, a enseñar literatura clásica. De La Odisea a Galicia donde le espera el amor, su aventura con mar al fondo, su destino. Emma Suárez paseando su dolor por un Madrid que nada tiene que ver con el de la Movida madrileña. Un Madrid doloroso según Julieta intenta huir del vacío que ha dejado su hija. Según se recuerda a sí misma. Según nos recuerda a nosotros su vida. A veces no hace falta mucho más que una mujer leyendo a solas en un tren. POR

A. G. B.

‘J U L I E TA’

EST REN O 8 DE AB RI L

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C A NCIONE S , E SPEC TÁC ULOS , C UA DROS , PELÍC UL A S … EL CINE DE PEDRO A L MODÓVA R E S UN PERPE TUO HOMENA JE AL ARTE Y A L A CULTUR A . TE INVITA MOS A RECORRER SU FIL MOGR A FÍA COMO SI FUE SE UN MUSEO • Texto A N D R E A G . B E R M E J O •

C A R N E TR ÉMU L A 19 9 7 Las piernas eran una constante en esta película en la que Javier Bardem perdía las suyas. Las de la Dánae recibiendo la lluvia de oro, de Tiziano, pero sobre todo, las que plasmó Buñuel en Ensayo de un crimen. “A Buñuel le atraían mucho los pies, especialmente los de mujer. Los pies y toda su parafernalia: medias, zapatos, zapaterías, etc. Las piernas también le gustaban bastante, y las medias. Para Buñuel la mujer empezaba por los pies”, contaba Almodóvar sobre esta libre adaptación de una novela de Ruth Rendell que, como Ensayo de un crimen, hablaba de “la muerte, el destino y la culpa”.

A L M O D ÓVA R , P U RO A RT E

LA PIEL QUE HABITO 2011 Escapada, de Alice Munro, y no el memoir de la poeta Janet Frame, era el libro que leía la reclusa Elena Anaya tumbada como una Venus de Urbino tras los arreglos del frío Ledgard. Tiziano no era el único artista que colgaba de las paredes de aquella casa toledana. Además de su Venus recreándose con el amor y la música, Pérez Villalta (Dionisos encuentra a Ariadna en Naxos) y la arácnida presencia de la artista Louise Bourgeois combinaban sin desentonar con los diseños de vestuario atigrados (para Roberto Álamo) y color piel (Anaya) de Jean Paul Gaultier.

TODO SOB R E MI M A DR E 19 9 9 “Siempre he depdendido de la bondad de los desconocidos”, decía la lunática Blanche DuBois en Un tranvía llamado deseo. La obra más famosa de Tennessee Williams era el punto de partida de la película con la que Almodóvar ganó el Oscar en 2000, aunque el título –Todo sobre mi madre–, se lo debiese al original de Eva al desnudo (Joseph L. Manckiewicz, 1950) y el verdadero homenaje fuese a una artista desconocida para el gran común de los mortales, una mujer que se fue por aquella época y a la que Almodóvar dedicó la película: su madre. • ABRIL 2016 • 91

L A M A L A EDUC ACIÓN 2 0 0 4 “La mala educación no es una comedia, aunque haya humor, ni un musical infantil, aunque haya niños que canten. Es un film noir”, contaba Almodóvar sobre su película “más íntima, pero no exactamente autobiográfica” en la que Gael García Bernal era una divina femme fatale. Razón de más para ese cine como refugio de asesinos en el que proyectaban La bestia humana (Jean Renoir, 1938) y Thérèse Raquin (Marcel Carné, 1953).

H A B LE CON ELL A

2 0 02

“Cuando vi Cafe Müller, de Pina Bausch, me quedé tieso por la propia emoción que me produjo el espectáculo”, contaba Almodóvar sobre la pieza ante la que Darío Grandinetti se emocionaba en Hable con ella y que le sirvió para cerrar la escritura del guión. Ni el Cucurrucucú paloma de Caetano Veloso ni la película muda El amante menguante han podido competir con la única grabación de Cafe Müller que existe.

J U LIETA 2 016 Las paredes de la casa de Julieta pasan del vacío a la vida. “El autorre-

trato de Lucian Freud por un lado es un homenaje al pintor y por otro te da información del personaje. También hay un homenaje a mi paisano Antonio López, el gran artista español vivo y el gran maestro. Cada vez que abre la boca tenemos que estar oyéndole muy bien, porque destila más sabiduría que nadie. Y también hay un homenaje a un espectáculo de Bob Wilson que se llama The Old Woman. A Bob Wilson lo conozco pero sobre todo mi amigo es Baryshnikov”. Pero hay más: Marguerite Duras, el colegio Estudio…

L A FLOR DE MI S ECR ETO 19 9 5

La escritora Amanda Gris –al fondo en la publicidad de FNAC– era la mejor versión de Leo (Marisa Paredes), “ese personaje de Williams –decía Almodóvar– mujer fuerte y cargada de razón que pasa a ser un personaje de Cocteau, una mujer abandonada incluso cuando tiene delante a su objeto de deseo”. Chavela Vargas, cómo no, ponía melodía a este amor no correspondido tan desgarrador.

TACON ES LE JA NOS 19 9 1 En el filme a lo Douglas Sirk que sirvió a Vicente Molina Foix para acuñar el término “almodrama” sonaba igual Luz Casal que Miles Davis. Giorgio Armani vistió a Marisa Paredes, la madre, y Chanel a Victoria Abril, la hija, incluido ese mítico traje de chaqueta rosa. Lo de la moda y Almodóvar venía de lejos. Francis Montesinos diseñó vestuario en Matador, Amaya Arzuaga se encargó del de Carne trémula y la firma Max Mara se ocupó de La flor de mi secreto.

A L M O D ÓVA R , P U RO A RT E

LOS A B R A ZOS ROTOS 2 0 0 9 Lluís Homar y Penélope Cruz querían ser aquella pareja pompeyana calcinada en el momento de un abrazo que Ingrid Bergman y George Sanders no habían sido capaces de ser en Te querré siempre, la película de Rossellini que veían en una pequeña televisión en lo que duraba su amor. Ascensor para el cadalso, El amante (Marguerite Duras), Pierre Cardin, la manzana de Enzo Mari o la taza de Fornasetti adornaban todo lo demás.

VOLV ER 2 0 0 6 Penélope Cruz “encarnaba a una maruja inspirada en la Sophia Loren de los inicios, la que vendía pescado en Nápoles con el peinado de Claudia Cardinale y muchas cosas de Anna Magnani en Bellísima, de Luchino Visconti”, decía Almodóvar de su musa en Volver, historia de fantasmas con el aspecto sucio y viejo del neorrealismo italiano. Eso sí, entre Almagro y Vallecas, y con Estrella Morente cantando el tango de Carlos Gardel.

LOS A M A NTES PA SA J EROS 19 9 1 Javier Mariscal diseñó el cartel de la comedia de altos vuelos –como el pajarito de los Eames– en la que los azafatos Raúl Arévalo, Carlos Areces y Javier Cámara cantaban a las Pointer Sisters (I’m So Excited). Se unía el diseñador a una larga tradición de cartelistas que han puesto cara a las películas de Almodóvar: Juan Gatti, Óscar Mariné, Ceesepe y el también director de cine Iván Zulueta.

KIK A 19 9 3 Primera colaboración de Jean Paul Gaultier con Pedro Almodóvar. Suyo es el estrambótico traje con el que viste Andrea (Victoria Abril). Versace, en cambio, vistió a Verónica Forqué. Los collages orginales que se ven en la película son de Dis Berlin. “Kika es lo más cerca que he estado del fracaso”, decía Almodóvar sobre su filme más vapuleado por público y crítica. Eso sí, gustó a Guillermo Cabrera Infante y a los hermanos Coen. Qué cosas. • ABRIL 2016 • 93

Natalia de Molina y Álex García.

KIKI, EL AMOR SE HACE

SE XO PA R A TODOS LOS G US TOS “A mí no me despelotes que para lo que me pagáis…”, le dijo Candela Peña a Paco León poco antes de aceptar el papel que había escrito para ella en KIKI, el amor se hace. La ocurrencia de la actriz de Ayer no termina nunca o Una pistola en cada mano no era baladí. Aunque no tuviese guión, más allá del tratamiento que escribió el propio Paco León junto a Fernando Pérez, el título de su tercera película como director no engañaba a nadie: ni el kiki ni lo de hacer el amor. Por si quedase alguna duda, un subtítulo lo redondeaba todo un poco más: “Una comedia erótico festiva”. “El director de la peli original es actor también, fíjate qué casualidad, así que había una mano fina de dirección de actores que fue lo que más me atrajo”, cuenta Paco León de The Little Death (Josh Lawson, 2014), la película australiana de la que KIKI, el amor se hace es un remake pero que, según Álex García, es más sosa: “Me gusta mucho la nuestra. Es que esta peli, hecha por latinos y salida de la mente de Paco León, crece mucho. Aquí somos más de piel, tenemos más desfachatez”. “Cambié bastante la estructura, que no me gustaba. Decidí no mezclar las historias –explica Paco León– y diversificar la procedencia sociocultural de las parejas, que en The Little Death era demasiado homogéna”. No como en KIKI, el amor se hace, una película “más cercana a la realidad”. Cinco historias de cinco parejas que casi se pueden dividir por barrios de Madrid. Y, claro, por filias sexuales. Excepto la pareja que forman el propio Paco León y Ana Katz (en plena crisis sexual), el resto de los personajes integran un interesante abanico de parafilias sexuales. Por ejemplo, la elifilia, atracción obsesiva por determinados tejidos que excitan al personaje de Alexandra Jiménez, una chica sordomuda que vive con su iguana y tiene algunos problemillas para encontrar pareja.

PACO LEÓN (‘CARMINA O REVIENTA’) ESCENIFICA ALGUNAS DE LAS PARAFILIAS MÁS REBUSCADAS EN ‘KIKI, EL AMOR SE HACE’, REMAKE DEL FILME AUSTRALIANO ‘THE LITTLE DEATH’ • Texto A N D R E A G . B E R M E J O •

C ADA OVE J A CO N S U PARE J A D e ar r i b a a abajo, las parejas que protagonizan las hist or i as ( si n cruzar) de KIKI, el amor se hace: Ana Katz y Pac o León; L uis Bermejo y Mari Paz Sayago; Candela Peñ a y Lu is Callejo; Alexandra J iménez… y su iguana.

O la somnofilia que sufre el personaje de Luis Bermejo, un cirujano que sólo obtiene placer durante el acto sexual cuando su mujer (Mari Paz Sayago) está dormida. Algo parecido le sucede a la ferianta a la que da vida Candela Peña, que de pronto descubre que le pone ver a su marido llorar, lo que en términos médicos se conoce como dacrifilia. Para rizar el rizo, el personaje de Natalia de Molina sufre harpaxofilia, excitación al ser robada. Imagina a qué vienen las magulladuras de Álex García, su pareja (en la foto de la izda.). “El casting lo hice yo escribiendo y me ayudó mucho a visualizar los personajes y a los actores a la hora de crear sus personajes”, cuenta Paco León sobre ese método tan particular de hacer cine que ya demostró en su sorprendente debut, Carmina o revienta, y en la secuela Carmina y amén. “Rodábamos sin guión, con un tratamiento, improvisando mucho pero en cuanto tocaba repetir una toma no sé cómo volvíamos a decir exactamente lo que Paco nos había pedido”, recuerda Álex García. “Paco es un gran director de actores, claramente porque él es actor y se pone en la piel de todos, sacando lo mejor de cada uno”, añade Natalia de Molina, reciente ganadora de su segundo Goya por Techo y comida. Con ellos dos arranca la película en una escena un tanto tórrida, “la gran despedida del rodaje, por todo lo alto”, bromea la actriz. “Esa fue la última escena así que Natalia y yo teníamos confianza. Paco logró que no hubiese pudor en ningún momento, ni siquiera en una escena como esa, de sexo. Nos ponía música, nos puso reguetón”, indica Álex García. Una vergüenza que tampoco sufrió su compañera de reparto. “Natalia me decía en el rodaje que no soportaba las películas en las que los personajes se tapan después de follar”, recuerda Paco León. Y yo le contestaba: “Pues si a ti no te importa, a mí menos”. ‘KIKI, EL AMOR SE HACE’ ESTRENO 1 DE ABRIL • ABRIL 2016 • 95

LA GA •

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TORITO G UA PO ‘ TORO’, PROTAGONIZ ADA POR M A RIO C A S A S , LUIS TOS A R Y JOSÉ S ACRIS TÁ N , IN AUGUR A L A 19 EDICIÓN DEL FE STIVAL DE MÁL AGA . PERO L A E SPER A DA SEGUNDA PELÍCUL A DE KIKE M A ÍL LO (‘ E VA’) E S SÓLO UNA DE L A S APUE S TA S DE CINE E SPA ÑOL QUE VEREMOS DEL PRÓX IMO 2 2 DE A B RIL AL 1 DE M AYO • Texto A N D R E A G . B E R M E J O •

1. TORO K I K E M A Í L L O, 2 0 1 6

Mario Casas es ‘Toro’, un ex matón que se ha cansado de los bajos fondos marbellíes. Luis Tosar es López, su hermano, el único que le queda después de que el mayor de la familia muriese mientras los tres atracaban un restaurante chino. José Sacristán es Romano, el crepuscular capo malagueño que poco o nada tiene que envidiar a sus homólogos sicilianos o neoyorquinos. Su hobby es vestir vírgenes. Su arma secreta, un puñal bajo la manga a lo Travis Bickle. Su pecado: su echadora de cartas personal –¡como Pujol!– le advierte de que alguien que le ve como un padre le va a matar.

Con este complejo edípico arranca la segunda película de Kike Maíllo, a años luz de la primera, Eva, una historia amarga de colores cálidos en la que Daniel Brühl y Alberto Ammann jugaban a ser dioses con la inteligencia artificial. Toro, en cambio, tiene más del pasado de España que del futuro. Esa mafia que suena tan familiar –¿red clientelar, lo llaman?–, esos rascacielos en primera línea de playa, luces de neón en los tejados y estampitas de la Vírgen por las esquinas. Para rematar este thriller folclórico escrito por Fernando Navarro (Anacleto) y Rafael Cobos (La isla mínima), la música la pone otro grande: Joe Crepúsculo. ESTRENO 2 2 ABR I L

2. RU MBOS MANUEL A MORENO

Como Piedras, pero, en vez de tacones, vehículos. Pilar López de Ayala, Carmen Machi, Ernesto Alterio, Karra Elejalde y Miki Esparbé serán algunos de los pasajeros en esta película de historias cruzadas escrita y dirigida por Manuela Moreno, que el año pasado debutó en el Festival de Málaga con su ópera prima Cómo sobrevivir a una despedida. ESTRENO 17 J U N I O

3. CERCA DE T U CA SA

4. KÓBLIC

EDUA RD CORTÉS

SEBASTIÁN BORENSZTEIN

Eduard Cortés (The Pelayos) vuelve al Festival de Málaga con un musical que denuncia el drama de la crisis de la vivienda que ha vivido España en los últimos años. Lluís Homar, Adriana Ozores, Manuel Morón y Oriol Vila acompañarán a Silvia Pérez Cruz como protagonista de esta historia. ¿Estaremos ante la Björk española?

Esta coproducción hispano-argentina protagonizada por Ricardo Darín, Óscar Martínez e Inma Cuesta narra la historia en clave de thriller de Tomás Kóblic, un capitán refugiado en un pueblo de la Pampa tras negarse a pilotar uno de los llamados “vuelos a la muerte” tan habituales durante la dictadura. Dirige Sebastián Borensztein (Sin memoria).

I N É S PA R Í S

6. EL R E Y T U ERTO

7. N U ESTROS A M A N TES

8. L A PRÓX I M A PIEL

MARC CREHUET

M I G U E L Á N G E L L A M ATA

I SA KI L ACU ES TA , I SA C A M PO

Tras su exitoso paso por las tablas, Marc Crehuet adapta su propia obra teatral El Rei Borni a la pantalla. Miki Esparbé es Ignasi, un hombre que ha perdido un ojo durante una manifestación por culpa de una bala de goma antidisturbios. Alain Hernández, Betsy Túrnez, Ruth Llopis y Xesc Cabot completan el reparto.

El director de Tensión sexual no resuelta se pone romántico en Nuestros amantes. Irene (Michelle Jenner) aborda a Carlos (Eduardo Noriega) en una cafetería para proponerle un juego: atreverse a soñar pero con una condición, no enamorarse. ¿Alguien dijo “manic pixie dream girl”?

Isaki Lacuesta (Murieron por encima de sus posibilidades) dirige este thriller invernal junto a Isa Campo. El guión de los directores junto a Fran Araujo cuenta la historia de un adolescente desaparecido que vuelve a la vida familiar cuando todos lo daban por muerto. Pero… ¿es realmente él, o es un impostor?

ESTRENO 20 MAYO

98 • A B RIL 20 1 6 •

ESTRENO 10 J U N I O

5. L A NOCHE QU E MI M A DR E M ATÓ A MI PA DR E

Inés París firma con Fernando Colomo esta comedia negra sobre una actriz en su madurez, capaz de hacer cualquier cosa por conseguir un papel. Belén Rueda protagoniza su primera comedia arropada por Eduard Fernández, Fele Martínez y María Pujalte. ESTRENO 2 9 A BRIL

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ESTI V • F

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9. L A PU N TA DEL ICEBERG DAV I D C Á N OVA S

En 2011, la obra de Antonio Tabares La punta del iceberg ganó el premio Tirso de Molina. Cuatro años después, José Amaro Carrillo, Alberto García Martín y David Cánovas –también director– adaptan este drama con tintes de thriller a la gran pantalla. Maribel Verdú, Carmelo Gómez, Fernando Cayo, Bárbara Goenaga, Álex García, Ginés García Millán y Nieves Medina son algunos de los intérpretes que conforman el reparto coral

DE M Á

AL

ICIÓ

del primer largometraje de David Cánovas, producido por Gerardo Herrero. La punta del iceberg narra las vicisitudes de una gran multinacional cuando tres de sus empleados se suicidan. Maribel Verdú interpreta a Sofía Cuevas, un alto cargo de la compañía que tiene que redactar un informe interno que la obliga a investigar los abusos de poder, las mentiras encubiertas y el mal ambiente laboral que se esconden detrás de esos suicidios. ESTRENO 2 9 ABR I L

HONORES

EMILIO GUTIÉRREZ CABA EL AC TO R E S U N O D E LO S P R E M I A D O S CO N LO S Q U E M Á L AG A H O M EN A J E A U N A Ñ O M Á S A L C I N E E S PA Ñ O L

10. ZOE ANDER DUQUE

El documentalista Ander Duque da el salto a la ficción con Zoe, la amarga historia de una madre que intenta sobrevivir a la crisis junto a su hija. Situada en un lugar indeterminado del sur de España, y enmarcada en 48 horas, Rosalinda Galán es la única actriz profesional de un elenco de personajes reales que se interpretan a sí mismos.

11. EL FUTURO YA NO ES LO QUE ERA PEDRO BARBERO

Dani Rovira es Kar-El, un adivino que descrifra el futuro de los telespectadores de una cadena local pero que, en el fondo, quiere ser actor. Carmen Maura, Carolina Bang, Eduardo Velasco y José Corbacho completan el reparto de la nueva película de Pedro Barbero (Tuno negro).

Prestó su jovencísimo rostro a clásicos de nuestro cine como La caza o Nueve cartas a Berta. Cincuenta años después y tras una sólida carrera, el Festival de Málaga premia a Emilio Gutiérrez Caba con la Biznaga Ciudad del Paraíso. No es el único. Los directores Santi Amodeo (¿Quién mató a Bambi?) y Gracia Querejeta (Felices 140), la montadora Teresa Font y la actriz Paz Vega recibirán sus respectivos homenajes.

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N O S TO M A M O S E N S E R I E L A T E L E V I S I Ó N COORDINACIÓN: MARILÓ GARCÍ A

HEARTBEAT CIRUJANA TODOTERRENO.

Alex Panettiere, interpretada por Melissa George (The Good Wife), es una especialista en transplantes de corazón que se desvive por los pacientes al tiempo que intenta poner orden en su vida personal. Para fans de Anatomía de Grey, homenajea otras series médicas. ES T R E N O COS M O 1 7 DE A B R I L

ESTRENOS THE AMERICANS 4T (DUAL)

JUSTIFIED 6T (FIN DE LA SERIE)

MENTES CRIMINALES:

FOX LIFE 29 MARZO

CALLE 13 6 ABRIL

SIN FRONTERAS ESTRENO

DOCTOR WHO 1-8T

SHADES OF BLUE ESTRENO

AXN 13 ABRIL

NETFLIX 31 MARZO

CALLE 13 7 ABRIL

THE ROYALS 2T (DUAL)

THE RANCH ESTRENO (DUAL)

FEAR THE WALKING DEAD 2T

CANAL+ SERIES XTRA 13 ABRIL

NETFLIX 1 ABRIL

AMC 10 ABRIL

UNBREAKABLE KIMMY SCHMIDT 2T

BANSHEE 4T (ÚLTIMA)

OUTLANDER 2T (DUAL)

(DUAL) NETFLIX 15 ABRIL

CANAL+ SERIES 2 ABRIL

CANAL+SERIES 10 ABRIL

RIZZOLI & ISLES 6T

THE STORY OF GOD

EMPIRE 2T (NUEVOS EPISODIOS)

(ÚLTIMO EPISODIO) CALLE 13

WITH MORGAN FREEMAN ESTRENO

FOX LIFE 10 ABRIL

19 ABRIL

NATIONAL GEOGRAPHIC

THE MYSTERIES OF LAURA 2T

MOTIVE 3T

3 ABRIL

(ÚLTIMO EPISODIO) COSMO 10 ABRIL

COSMO 23 ABRIL

THE WALKING DEAD 6T

HOUSE OF LIES 5T

JUEGO DE TRONOS 6T

(ÚLTIMO EPISODIO) FOX 4 ABRIL

CANAL+ SERIES 11 ABRIL

CANAL+ SERIES 24/25 ABRIL

22/11/63 ESTRENO

THE GIRLFRIEND EXPERIENCE

VEEP 5T

FOX 6 ABRIL

ESTRENO

CANAL+ SERIES 24/25 ABRIL

ARCHER 7T

CANAL+SERIES XTRA

SILICON VALLEY 3T

CANAL+ SERIES 6 ABRIL

11 ABRIL

CANAL+ SERIES 24/25 ABRIL

100 • AB RIL 2 0 1 6 •

ESTRENOS EE UU / REINO UNIDO THE PATH ESTRENO HULU 30 MARZO RUSH HOUR ESTRENO CBS 31 MARZO CALL THE MIDWIFE 5T BBC 3 ABRIL AMERICAN CRIME STORY 1T (ÚLTIMO EPISODIO) FX 5 ABRIL WALHBURGERS 5T (ÚLTIMO EPISODIO) A&E 6 ABRIL GAME OF SILENCE ESTRENO NBC 7 ABRIL THE ODD COUPLE 2T CBS 7 ABRIL HUNTERS ESTRENO SYFY 11 ABRIL ORPHAN BLACK 4T BBC AMERICA 14 ABRIL VINYL 1T (ÚLTIMO EPISODIO) HBO 17 ABRIL 12 MONOS 2T SYFY 18 ABRIL CRAZY EX-GIRLFRIEND 1T (ÚLTIMO EPISODIO) THE CW 18 ABRIL CONTAINMENT ESTRENO THE CW 19 ABRIL SCREAM 2T MTV 20 ABRIL DEADBEAT 3T HULU 20 ABRIL BROAD CITY 3T (ÚLTIMO EPISODIO) 20 ABRIL TURN 3T AMC 25 ABRIL LEGENDS OF TOMORROW 1T (ÚLTIMO EPISODIO) 28 ABRIL

FREE SPOILERS MARILÓ GARCÍA ‘ M EG A FA N ’ D E TO N Y SO P R A N O

22/11/63 Michael Cudlitz, Greg Nicotero, y Josh McDermitt.

TH E WALKI N G DEAD

Los que van a morir os saludan EL FUTURO DE LA SERIE, SEGÚN EL CREADOR DE LOS ZOMBIES GREG NICOTERO Y LOS ACTORES MICHAEL CUDLITZ (ABRAHAM) Y JOSH MCDERMITT (EUGENE) CON LA VIDA EN UN HILO: tal vez, cuando

leas estas líneas, Abraham y Eugene, ambos o alguno de los dos, estén fiambres. O no, porque The Walking Dead, la serie, se ha distanciado de los cómics en muchas ocasiones. Si ahora pudiesen viajar al pasado, ¿qué habrían cambiado? “Si supiera que la cura era mentira me hubiera volado los sesos”, comenta a CINEMANÍA Michael Cudlitz. La cura que se inventó Eugene: “Volvería a mentir”, confirma Josh McDermitt. “Eso sí, lo haría sin que provocase la muerte de otras personas”. Hablando de muertes, ¿cómo les gustaría decir adiós en la serie? “Siempre creí que Eugene moriría cuando descubriesen que mentía, pero no fue así, así que quiero una muerte memorable”, dice McDermitt. Según Cudlitz “todos en la vida real queremos una muerte espectacular” y resume la suya en la ficción con la siguiente imagen: “Que me muerda un zombie en el culo justo cuando rescato a un bebé y lo paso por encima del muro”. En una violenta ficción en la que “todos los que contratan saben que van a morir”, según McDermitt, hay algo que no echará de me-

nos: las pesadillas. “El primer día de rodaje me tocó matar zombies con una ametralladora. Repetí tantas veces la escena que tuve pesadillas. Ya me he acostumbrado, pero era extraño salir de casa de madrugada sin ver a ningún vecino y regresar de noche con la calle desierta y la sensación real de vivir en un apocalipsis”. Greg Nicotero, director y creador de los efectos especiales, cree que ahora “el grupo está reconstruyendo la sociedad, mira hacia delante con la esperanza de un futuro, no sólo del día siguiente”. En ese futuro, ¿podría Rick morir o enfrentarse a su hijo, ahora con parche en el ojo al estilo Gobernador? “Siempre existe la posibilidad, pero Rick es nuestro héroe. No creo que su hijo sea una amenaza, al contrario. Cuando Carl está en la cama y le aprieta la mano a su padre… eso es lo más cercano a un final feliz que hemos tenido”. ¿Habrá más secuelas? “Se podría hacer una serie en Europa, en Asia. No hemos verificado si el virus es sólo en EE UU. O una serie relacionada con un hospital, intentando buscar la cura”. Esta vez, una cura de verdad, claro.POR Mariló García

Me extraña que no exista una serie sobre Mientras escribo, la autobiografía de Stephen King y seguramente su libro más espeluznante. En los últimos años han proliferado adaptaciones de sus obras para televisión: Pierce Brosnan protagonizó la miniserie Un saco de huesos y Haven, de Syfy, se inspiró en Colorado Kid, aunque luego se desmarcase de la historia, algo que ocurrió también con la sonada versión de La cúpula. King, fan de series como Hijos de la anarquía (donde se reservó un siniestro cameo), nunca había ocultado su deseo de colaborar con J. J. Abrams. Míticas eran sus columnas The Pop of King en Entertainment Weekly sobre Perdidos, a cuya isla, cómo no, también habían llegado sus libros. A puntito estuvieron de coincidir en la adaptación de la colosal La torre oscura –que finalmente estará protagonizada por Idris Elba y Matthew McConaughey–, pero ha sido finalmente la miniserie 22/11/63 la que los ha unido, con una de esas premisas que tanto gustan a Abrams: ¿se puede cambiar el destino? En este thriller ci-fi, que estrena Fox el 6 de abril, un profesor (interpretado por James Franco) intentará evitar el asesinato de JFK. Viajes en el tiempo, el look años 60 y la posibilidad, en la mente del espectador, de imaginarse diferentes finales son ganchos irresistibles. Además, es fácil empatizar con el protagonista, que aprovechará tan insólita situación para alterar alguna que otra cosita personal. Por haber hay hasta villano: el propio destino, capaz de ‘enfadarse’ si le meten mano. Cuidado.

EL REPORTA JE

EL MINISTERIO DEL TIEMPO

ACCIÓN , RISA S Y PA R A DOJA S (TEM P OR A LES) HACER HISTORIA (ALTERNATIVA) ES MÁS DIFÍCIL DE LO QUE PARECE. HABLAMOS CON DIRECTORES Y GUIONISTAS DE LA NUEVA TEMPORADA ‘MINISTÉRICA’: COBEAGA Y SAN JOSÉ, RUIZ CALDERA Y COMPAÑÍA, ATRAPADOS EN EL TIEMPO POR Mariló García

YA NADIE ASOCIA LOS LUNES con el estreno de un episodio de CSI: Las Vegas. ¿Os acordáis? Ahora los lunes son de El Ministerio del Tiempo, siempre innovando en tramas, personajes y también, cómo no, en sus originales hashtags en Twitter (el de #CuarentenaMdT dedicado a la gripe española fue un puntazo). En abril tendremos otra tanda de episodios que volverán a aunar el elemento histórico con el entretenimiento para alegría de los ministéricos. LOS ÚLTIMOS DE FILIPINAS

El director de la serie, Marc Vigil, se encarga de Tiempo de valientes, doble episodio ambientado en 1899 (28 de marzo y 4 de abril). “Pedro Alonso hace un papelón como yo no le había visto antes”, admite Vigil, que adelanta otros nombres como los de Alberto Jiménez, Juanjo Ballesta y Aitor Merino. “La historia es brutal, necesitábamos contarla en 140 minutos, con mucha acción, no nos hemos quedado en algo anecdótico de un personaje”. Vigil apunta como referente el clásico Senderos 102 • AB RI L 2 0 1 6 •

de gloria. “Sólo recordaba una película de los años 50 de Tony Leblanc… Ha sido un reto, imagínate recrear Filipinas en Madrid en pleno noviembre”. Además, según el director, se cerrará la trama de Hugo Silva y Rodolfo Sancho. VELÁZQUEZ Y LA VAMPIRA DEL RAVAL

Los directores Jorge Dorado y Abigail Schaaff se encargan de los episodios 17 y 18, que se emitirán el 11 y el 18 de abril. En Óleo sobre tiempo viajamos a 1734, con Velázquez y el incendio del Alcázar de Madrid. “Parece una película de atracos, como el filme El tren, de John Frankenheimer, con Burt Lancaster”, comenta Dorado, que ya se encargó del divertido episodio sobre Napoleón. Fernando Conde, ex miembro de Martes y Trece y actor de teatro, interpretará a Felipe V. La trama de Separadas por el tiempo, ambientada en 1912, 1932 y 2016, se centra en la ‘Vampira del Raval’. “Es una asesina muy conocida en Barcelona, algo así como la versión femenina de Jack el Destripador”, explica Schaaff. “Robaba ni-

Página izquierda: Julián (Rodolfo Sancho) tira de smartphone junto a Alonso (Nacho Fresneda) y Amelia Folch (Aura Garrido). Arriba: Velázquez (Julián Villagrán) viaja a 1734. El imperio español se desmorona en las guerras coloniales del XIX. Nuestros héroes conocen a Cristóbal Colón. Y, ¿se despedirá Amelia de Pacino (Hugo Silva)?

ños, los mataba y vendía su sangre, sus huesos y la manteca de la grasa a los ricos porque se creía que con ellos se curaba la tuberculosis. Es uno de esos hechos históricos que nos han dado mucho juego”. CRISTOBAL COLÓN SE METE EN LÍOS

Javier Ruiz Caldera (Anacleto, agente secreto) dirige Tiempo de lo oculto, con guión de Borja Cobeaga y Diego San José. “Colón se mete en un lío gordo. Un presentador de programas de lo oculto, al estilo de Iker Jiménez, viajará 4 a su época”, adelanta el director. “Es un episodio de comedia, lógicamente, pero no dejamos de lado el misterio, la fantasía y el romance”. ¿Y qué tiene El MdT que no tengan las demás series? “He comprobado in situ que se acerca más a una película que una serie, y… tengo debilidad por los viajes en el tiempo”. Ruiz Caldera confiesa, además, que aceptó el encargo sin pensarlo (“Me encanta la serie, era una oferta que no podía rechazar”), que le ha divertido “hacer época” (“No conocía el mundo de los detalles históricos que no se pueden pasar por alto”) y que, después de 15 años de amistad, le hacía ilusión coincidir con los dos guionistas, con los que prepara el salto al cine de Superlópez: “Ha sido la tele en donde se ha consumado la relación y eso sí es especial”. Cobeaga afirma que Javier Olivares, creador de la serie, les puso como ejemplo el episodio de Napoleón. “De manera natural nos sale comedia, pero tiene bastante de thriller que nunca habíamos hecho”. ¿Su escena favorita? “El Ministerio tiene que fingir que es un Ministerio de Obras Públicas tremendamente casposo”. Fan de la serie desde el episodio del

Guernica (“Cuando comparten piso en la Movida, ahí es donde vi que cualquier cosa puede pasar, podrían ir al Oeste si se lo proponen”), Cobeaga cree que que su episodio aporta “cotidianidad” a una serie libre e inventiva: “Es más cómico, aunque muy fiel al espíritu. A Alonso, mi personaje favorito, le hemos metido en una trama de comedia romántica, de enredo, que está menos desarrollada y nos apetecía mezclar”. ¿Y qué piensa del fenómeno ministérico? “Me sorprendió encontrar un vídeo de un fan comentando un episodio que duraba más que el propio episodio”, recuerda. “En cuestión de plan- 6 teamiento, El MdT es diferente a muchos niveles a otras series. Contradice eso que se dice de que hay que darle al espectador lo que quiere”. Diego San José destaca el lado histórico del asunto: “Colón iba al Monasterio de la Rábida con su hijo y a nosotros nos sobraba el hijo. Pero fue así y no puedes cambiarlo”. Aunque sí inventaron a Lombardi: “El profesor parapsicólogo, loco y defenestrado porque descubre una puerta del tiempo. Sabes que tiene razón, pero nadie se la da”. Su escena favorita del episodio nada tiene que ver con la comedia: “Los momentos divertidos no me interesan porque controlo la técnica. Me quedo con una conversación intrascendente en una peluquería, le tengo mucho cariño”. Destaca que les hayan tratado con respeto (“Que tu jefe te sepa hablar con criterio y argumentos no es normal, se nota que los productores aquí son guionistas”) y que la serie se haga con pasión: “Se colocan del lado de un público de lo fantástico. Ojalá se abra una puerta para hacer ficciones en las que no se tenga miedo, en las que no se piense en contentar a todo el mundo”. • ABRIL 2016 • 103

EL FENÓMENO

J U EGO DE TRONOS

L A F I L M OT EC A D E LOS SIETE REINOS EL SÉPTIMO A RTE H A DE JA DO SU HUELL A EN L A S AG A DE LOS S TA RK , LOS L A NNIS TER Y COMPA ÑÍA . TE OFREC EMOS UN A COLECCIÓN MEDIE VA L-FA NTÁ S TIC A DE PELÍC UL A S CON C A B A LLEROS S A NGUIN A RIOS , DONC ELL A S DE MOR A L DUDOS A , ENGENDROS DEL M Á S A LL Á Y DR AGONE S (DE LOS GR A NDE S) PA R A C ELEB R A R EL E S TRENO DE L A SE X TA TEMP OR A DA POR

Yago García

1. LOS SEÑORES DEL ACERO (1985) Las princesas (como Jennifer Jason Leigh) tienen la enagua fácil y los guerreros (como Rutger Hauer) son de esos que no quisieras encontrarte de noche en un callejón. La higiene resulta propia del palo de un gallinero, y los señores feudales hacen estragos. ¿Estamos en Poniente? No: estamos en la Baja Edad Media tal y como la imaginó Paul Verhoeven. ¿Por qué deberías verla? Con su primera producción estadounidense (rodada, eso sí, entre Ávila, Cuenca y Cáceres), el futuro director de RoboCop y Showgirls le dio rienda suelta a su amor por la hipérbole, el sexo y la violencia paródica consiguiendo así un desparrame que haría las delicias de Tyrion Lannister.

TODO SOBRE LA 6T DE ‘JUEGO DE TRONOS’

En la madrugada del 24 al 25 de abril, Movistar+ emitirá el debut de la sexta temporada de la serie, a la vez que HBO en EE UU. En mayo, nosotros te ofreceremos un especial analizando a fondo las novedades de Poniente.

104 • AB RI L 2 0 1 6 •

2. EL EJÉRCITO DE L A S TINIEBL A S (1992)

3. EL DR AGÓN DEL L AGO DE FUEGO (1981)

Tras la enérgica moción de censura sufrida por Jon Nieve, hará falta un nuevo Lord Comandante en el Muro. Así pues, nosotros proponemos a Ash (Bruce Campbell). ¿Por qué deberías verla? Nuestro ferretero matazombies sabe lo suyo de exterminar aberraciones, y las cosas del Medievo no le resultan nada ajenas. Lo de la castidad, en cambio...

Con su humor negro y sus adelantos técnicos, esta película Disney fue muy incomprendida en los 80. Hoy, sin embargo, tiene muchos adeptos entre el fandom de la fantasía. ¿Por qué deberías verla? Seguro que Daenerys Targaryen aplaude a rabiar cada vez que el lagarto del título (llamado nada menos que Vermithrax Pejorative) devora a un personaje.

4 . BL ACK DEATH (2010) La muerte de Eddard supuso el clímax de la primera temporada, dejó boquiabiertos a muchos fans... y consagró la fama de Sean Bean como eterno difunto. Pero, ¿y si el patriarca de los Stark hubiera salvado el cuello? ¿Por qué deberías verla? Esta película nos permite imaginar al señor de Invernalia en la Guardia de la Noche, poniendo a Bean como piadoso cruzado dispuesto a cristianizar salvajes a espadazos. Y en compañía, además, del monje Eddie Redmayne (La chica danesa).

8. EL ÚLTIMO VALLE (1971) En Poniente, como en la Europa del siglo XVII, ver a un grupo de señores con armadura cabalgando hacia tu pueblo son malas noticias. Y si el capitán de esos señores es Michael Caine, ni te contamos. ¿Por qué deberías verla? Seguro que Roose Bolton, Gregor Clegane y otros lobos de dos patas disfrutan de lo lindo con esta película.

9. EL SÉPTIMO SELLO (1957)

Pese a su fama de indescifrable, la película más medieval de Ingmar Bergman resulta crucial para una filmoteca tronista. ¿Por qué deberías verla? Retando a la Muerte a una partida de ajedrez, el caballero Max von Sydow protagoniza una historia filosófica, terrorífica... y también repleta de humor negro.

5. LOS VIKINGOS (1958)

Einar (Kirk Douglas) es tuerto, mientras que a Erik (Tony Curtis) le falta la mano derecha. De modo que, si conociesen a Theon Greyjoy, podrían formar un trío de saqueadores marinos con un pedazo de menos. O con varios. Mejor no entramos en detalles... ¿Por qué deberías verla? Toda ella drakkars, batallas navales e invocaciones al Dios Ahogado (¿o era a Odín?), y con Orson Welles poniendo su voz en off, esta película es obligatoria para cualquier hijo del hierro que se precie de serlo.

6. ENRIQUE V (1989) Gran lector de historia medieval, George R. R. Martin debe pasárselo pipa con esta película. Aspirando al trono de Laurence Olivier, Kenneth Branagh se jugó el todo por el todo en una adaptación magistral y multipremiada, que hacía presagiar una carrera brillante. ¿Por qué deberías verla? Como Kenneth habría de comprobar dolorosamente, en el juego del cine shakespeariano, o ganas, o te quedas para dirigir Thor.

7. EXCALIBUR (1981) Más allá de los tejemanejes feudales, están los dioses y los viejos mitos: la locura artúrica de John Boorman nos da un cursillo acelerado sobre el tema. Y con música de Wagner, además. ¿Por qué deberías verla? Por su psicodélica manera de abordar una leyenda clásica. Y también porque Melisandre (Carice van Houten) no tiene nada que hacer frente a la viperina, incestuosa y prodigiosa Morgana de Helen Mirren.

10. EL SEÑOR DE L A GUERR A (1965)

El normando Crisagón (Charlton Heston) trata de imponer el cristianismo y el feudalismo... pero acaba perdiendo el oremus por una britana fermosa y pagana. ¿Por qué deberías verla? Los Lannister pensaban que conquistar el Norte sería pan comido, y se llevaron el mismo chasco que Charlton. • ABRIL 2016 • 105

CINE EN C A SA M Ó N TAT E T U P R O P I A P E L Í C U L A COORDINACIÓN: LUIS J. MENÉNDEZ

STAR WARS: EL DESPERTAR DE LA FUERZA Película ++++ Extras ++++ 20 DE ABRIL

LUKE, SÉ FUERTE NO NOS HARÁN SUFRIR MÁS DE LA CUENTA. A MEDIADOS DE MES SE PUBLICAN TRES EDICIONES DEL FENÓMENO CINEMATOGRÁFICO DEL AÑO: EL ‘EPISODIO VII’

Tras un poco de suspense, finalmente se respetan los plazos habituales del formato. Cuatro meses después de su estreno en cines, aquí están estas tres ediciones de la que es ya la tercera película más taquillera de la historia, superada tan sólo por Titanic (por poco) y Avatar. El lanzamiento tendrá lugar en dvd, Blu-ray sencillo y en caja metálica. La edición 3D terminará cayendo, pero por el momento nos toca esperar sin fecha definida.

Es también la primera vez que Disney produce una entrega de Star Wars, hasta hoy franquicia histórica de Fox. Y lo cierto es que no hay queja en esta primera tanda de ediciones en Blu-ray, ambas con dos discos –uno de ellos íntegramente destinado a los extras–. La edición en caja metálica también incluye un tercer disco en dvd. La principal baza de los extras es un detallado making of titulado Los secretos de El despertar de la fuerza: Un viaje cinemato-

EE UU. 2015. Director.: J.J. Abrams.Rep.: D. Ridley, M. Hamill, C. Fisher. Distr.: Disney.

gráfico: 80 minutos de entrevistas con el equipo técnico y artístico y abundante material tras las cámaras. Ademas, estas ediciones también incluyen cuatro minutos de escenas eliminadas y cuarenta minutos más –divididos en siete piezas– en los que hay desde lecturas previas del guión a los detalles de la construcción de BB-8 o un repaso a la saga por John Williams.

-SE ESPECULÓ CON UNA VERSIÓN EXTENDIDA PERO SÓLO SE INCLUYEN ESCENAS ELIMINADAS.

LANZAMIENTOS ABRIL 3 corazones (CAMEO. 20/4) +++ Adiós muchachos (A CONTRACORRIENTE. 19/4)

++++

Apología / Antología (CAMEO. 20/4) ++++ Bloodsucking Bastards (A CONTRAC. 19/4) ++ Bone Tomahawk (LA AVENTURA AV. 20/4) +++ Braquo 1ª T. (EMON. 20/4) +++ Capa caída (TEMA.19/4) ++ Carlitos y Snoopy. La película (FOX. 15/4) +++ Conexión Marsella (A CONTRAC. 19/4) +++ De chica en chica (CAMEO. 6/4) ++ Dope (SONY. 13/4) +++ El cadáver de Anna Fritz (SPLENDOR. 19/4) +++ El castillo de Cagliostro (SELECTA VISIÓN. 13/4) +++ El cuento de los cuentos (CAMEO. 6/4) +++

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El desafío (SONY. 20/4) +++ El gran museo (CAMEO. 20/4) +++ El puente de los espías (FOX. 6/4) ++++ En el corazón del mar (WARNER. 8/4) ++ Feliz Navidad, Mr. Lawrence (A CONTRACORRIENTE. 19/4)

++++

Game Over (CAMEO. 6/4) +++ Happy Valley 1ª T. (EMON. 20/4) ++++ Isla bonita (COMBA. 19/4) +++ La adopción (CAMEO. 20/4) +++ Life (VÉRTIGO. 8/4) ++ Lo que queda en el desván (CAMEO. 6/4) +++ Los tres reyes malos (SONY. 6/4) +++ Oslo, 31 de agosto (ABORDAR. 19/4) +++ Palmeras en la nieve (WARNER. 15/4) +++

Paranoia Agent (SELECTA VISIÓN. 13/4) ++++ Perfect Blue (SELECTA VISIÓN. 13/4) +++++ Rams (El valle de los carneros) (KARMA. 19/4)

++++

Reencontrando el amor (FOX. 20/4) ++ Star Wars: El despertar de la fuerza (DISNEY. 20/4)

++++

Steve Jobs (UNIVERSAL. 27/4) ++++ Sucedió una noche (SONY. 6/4) +++++ Techo y comida (A CONTRAC. 19/4) +++ The Diary of a Teenage Girl (SONY. 6/4) ++++ Tres colores: Azul, blanco, rojo (CAMEO. 20/4)

++++

Turbokid (A CONTRACORRIENTE. 19/4) +++ Un buen matrimonio (EMON. 20/4) ++

NOVEDADES

RANKING TOP 5 REDACCIÓN WARS: EL DESPERTAR DE LA 1 STAR FUERZA COLORES DE KRZYSZTOF 2 TRES KIESLOWSKI 3 PERFECT BLUE 4 EL PUENTE DE LOS ESPÍAS 5 STEVE JOBS Disney

Cameo

A AMBOS LADOS DEL TELÓN DE ACERO EDICIÓN DE UN DISCO EN DVD Y BLU-RAY PARA EL THRILLER CON EL QUE STEVEN SPIELBERG NOS INTRODUCE EN EL BERLÍN DE LOS ESPÍAS Y LA GUERRA FRÍA

Selecta Visión Fox

Universal

TOP 5 VENTAS

1 SPECTRE 2 MARTE (THE MARTIAN) 3 TRUMAN MASS. ESTRICTAMENTE CRIMINAL 4 BLACK MAX: FURIA EN LA CARRETERA 5 MAD Fox

Fox

Warner

Warner

Warner

1 TRUMAN 2 UNA PASTELERÍA EN TOKIO 3 EL CLAN 4 SICARIO 5 JANIS Filmax

Caramel

El Deseo eOne

Avalon

1 MARTE (THE MARTIAN) 2 TRUMAN 3 EL ÚLTIMO CAZADOR DE BRUJAS 4 SPECTRE 5 HOTEL TRANSILVANIA 2 Fox

Filmax

eOne

MGM

EL PUENTE DE LOS ESPÍAS Película ++++ Extras ++

6 DE ABRIL EE UU. 2015. Dir.: Steven Spielberg. Rep.: Tom Hanks, Mark Rylance, Amy Ryan. Distr.: Fox.

SPIELBERG está de vuelta. Tres años ha necesitado (el tiempo transcurrido desde el estreno de su anterior largo, Lincoln) con un thriller peculiar ambientado en la Guerra Fría, protagonizado por su actor fetiche, Tom Hanks, y basado en hechos reales. Hanks da vida a un mediador, hombre de profunda moral y convicciones, que lucha a su manera por evitar el estallido de una nueva guerra mundial entre la poten-

cia a la que representa, EE UU, y la hoy extinta URSS. Este tema obsesiona a Spielberg, tal y como se demuestra en el principal contenido extra de la edición sencilla (y única) que publicará Fox: Un episodio de la Guerra Fría (17 min.). En esta pieza se cuenta la historia familiar del cineasta, con los actores y el equipo técnico haciendo un repaso histórico del contexto en el que se desenvuelve el filme. En esa misma línea, Ber-

lín 1961: Reconstruyendo el muro (11 min.) se centra en la representación en la cinta de la famosa barrera que separaba Berlín Este y Oeste. Intercambio de espías: recordando el último acto (5 min.) profundiza en la escena final, con visita de Angela Merkel al estudio incluida, mientras que U-2 el avión espía (9 min.) analiza el papel del planeador en el filme.

-EL GUIÓN LO FIRMAN ETHAN Y JOEL COEN JUNTO A M. CHARMAN.

Sony

1 AHORA O NUNCA 2 EL FRANCOTIRADOR 3 TOMORROWLAND 4 JURASSIC WORLD 5 A CAMBIO DE NADA Zeta

SEGUNDAS PARTES...

Warner

DISCRETA EDICIÓN DOMÉSTICA PARA LA CINTA MÁS TAQUILLERA DE 2015 EN ESPAÑA

Emon

LA TIBIA ACOGIDA por parte

Universal

The Spanish Ratpack

VENTA

1 SPECTRE 2 MARTE (THE MARTIAN) 3 TRUMAN 4 EL BECARIO 5 HOTEL TRANSILVANIA 2 MGM Fox

Filmax

Warner Sony

de la crítica, que no del público –ha sido la película más vista en España durante 2015 con 31,5 millones de euros recaudados–, parece haber condicionado el paso a vídeo de Ocho apellidos catalanes: a diferencia de lo que ocurrió con la primera entrega, Universal opta por no comercializar edición especial. Los extras, presentes tanto en la versión dvd como en Bluray, suman aproximadamente

25 minutos que se reparten un making of de 15 minutos –sin demasiadas imágenes inéditas, compuesto esencialmente por declaraciones a cámara y escenas extraídas del filme– y 10 minutos de featurettes, cortadas por el mismo patrón. Ni siquiera se recupera la escena eliminada del montaje final con los cameos de Antonio Resines y Carolina Ferre.

-INICIALMENTE SU TÍTULO IBA A SER ‘9 APELLIDOS VASCOS’.

YA DISPONIBLE

OCHO APELLIDOS CATALANES Película ++ Extras ++ EE UU. 2015. Dir.: Emilio Martínez-Lázaro. Rep.: Dani Rovira, Clara Lago, Karra Elejalde, Carmen Machi, Berto Romero, Belén Cuesta. Distr.: Universal. • ABRIL 2016 • 107

NOVEDADES LA GUERRA ENTRE EL NARCO Y EL FBI. Lo que

en manos de otros se habría convertido en una cinta de acción de persecución y tentetieso, Denis Villeneuve lo conduce por el angustioso terreno del thriller, difuminando los roles entre ‘buenos’ y ‘malos’, los métodos policiales y las consecuencias de estos . Algo que no es novedad para el director de Prisioneros, Enemy o Incendies. Ediciones sencillas para dvd y BD con 50 minutos de extras que se reparten cuatro reportajes dedicados al diseño visual del filme, el análisis de los personajes, la notable banda sonora que firma Jóhann Jóhannsson y los orígenes de la película.

SICARIO Película ++++ Extras +++

30 DE MARZO EE UU. 2015. Dir.: Denis Villeneuve. Rep.: Emily Blunt, Benicio Del Toro, Josh Brolin, Victor Garber, Jon Bernthal, Daniel Kaluuya, Jeffrey Donovan. Distr.: eOne.

EL BECARIO

EL DESAFÍO

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EL CUENTO DE LOS CUENTOS

Arg. 2012. D.: Gabriel Nesci

EE UU. 2015. D.: Travis Cluff

EE UU. 2015. D.: R. Zemeckis

Dvd y BD, con making y escenas eliminadas con comentario.

Sólo en dvd, comedia agradable con Alta fidelidad en el retrovisor.

Combo para esta agradable comedia sobre el mundo laboral.

YA DISPONIBLE

YA DISPONIBLE

YA DISPONIBLE

UN OTOÑO SIN BERLÍN

DÍAS DE VINILO

Esp. 2015. D.: Lara Izagirre

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PALMERAS EN LA NIEVE

LIFE

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EN EL CORAZÓN DEL MAR

Ita. 2015. D.: M. Garrone

Esp. 2015. D.: F. G. Molina

RU. 2015 D.: Anton Corbijn

EE UU. 2015 D.: Ron Howard

La historia de Man on Wire ficcionada. Cuenta con edición 3D.

Ejercicio de barroquismo que adapta un libro de G. Basile.

Edición combo y digibook para esta suerte de superproducción.

Recreación de la relación entre un fotógrafo y James Dean.

La historia real en que se inspiró Moby Dick. Combo y 3D.

20 DE ABRIL

16 DE ABRIL

15 DE ABRIL

8 DE ABRIL

8 DE ABRIL

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AUTOR GOZOSA SINGULARIDAD, minimalista tragi-

comedia que, entre otros galardones, ha sido premiada con la Espiga de Oro en la última edición del Festival de Valladolid y Un certain regard en Cannes. Un logro que, a priori, podría parecer misión imposible para una cinta sobre dos cabreros, hermanos para más señas, que han mantenido una guerra de silencio durante los últimos cuarenta años y a los que una súbita epidemia que amenaza con dejarles sin ganado va a poner contra las cuerdas. Los contenidos adicionales de esta edición para dvd y BD se solventan con una entrevista al director, Grímur Hákonarson.

RAMS

(EL VALLE DE LOS CARNEROS) Película ++++ Extras ++

19 DE ABRIL Isl. 2015. Dir.: Grímur Hákonarson. Rep.: Sigurður Sigurjónsson, Theodór Júlíusson, Charlotte Bøving. Distr.: Karma.

LEJOS DE LOS HOMBRES

NIEBLA (HAEMOO)

3 CORAZONES

LA ADOPCIÓN

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OSLO, 31 DE AGOSTO

LA SEMANA DEL ASESINO

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LACOMBE LUCIEN POLICÍA EN ISRAEL ++++

Fra. 2014. D.: D. Oelhoffen

CoS. 2014. D.: Shim Sung-bo

Fra. 1974. D.: Louis Malle

Isr. 2011. D.: Nadav Lapid

Fra. 2014. D.: Benoît Jacquot

Esp. 2015 D.: D. Féjerman

Nor. 2011. D.: Joachim Trier

Esp. 1972. D.: E. de la Iglesia

Con audiocomentario del director y escenas eliminadas.

Incluye featurette y reportaje sobre los personajes en dvd y BD.

Master restaurado, nuevo tránsfer y reportaje de 35 minutos.

Sólo V.O. subtitulada en español. Exclusivamente en dvd.

Triángulo amoroso hacia el desastre. En dvd y BD, sin extras.

Conflictos de una pareja que desea adoptar. Dvd, sin extras.

El drama de las drogas en la Europa privilegiada. Sólo dvd.

Por primera vez en vídeo, con metraje inédito censurado en su día.

YA DISPONIBLE

YA DISPONIBLE

YA DISPONIBLE

YA DISPONIBLE

20 DE ABRIL

20 DE ABRIL

19 DE ABRIL

YA DISPONIBLE

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ILUSTRACIÓN: COCO DÁVEZ

NOTICIAS

1080 LINEAS LUIS J. MENÉNDEZ

LA CRIPTA DE PARAMOUNT HACE MÁS O MENOS una década que el dvd se encontraba en nuestro país en su momento de mayor popularidad. El modelo que la industria había planteado hasta entonces, centrado en el alquiler, se sustituyó por otro en el que el grueso de los ingresos pasó a depender de la venta directa; si bien el alquiler siguió funcionando bastante bien durante un tiempo y hasta surgió un fenómeno inédito hasta entonces, el de los videoclubs dedicados al cine de autor. La diferencia entre ese pasado reciente y el momento actual, tras el desplome de las ventas físicas y la aparición del VOD, no se percibe tanto en el tratamiento que reciben las novedades como por las constantes y sobresalientes reediciones de clásicos que tenían lugar entonces: en 2006, por ejemplo, packs de coleccionista de Alien, Bond, Depredador, Superman... Al mismo tiempo, el fondo de catálogo ha ido dejando de interesar progresivamente a las grandes productoras, aunque parte de ese hueco lo ocupan mediante licencias los Divisa, Emon, JRB, Resen, Llamentol... Pero la mayor señal del cambio de paradigma la acaba de plasmar Paramount y su canal de YouTube en EE UU, The Paramount Vault. Se trata de una plataforma en la que se pueden ver totalmente gratis alrededor de un centenar de títulos clásicos que van desde El padrino hasta Duelo de titanes, La invasión de los ladrones de cuerpos o incluso alguno más reciente como Gladiator. El canal está geolocalizado, lo que quiere decir que el servicio no está (aún) disponible para España, pero la jugada de Paramount sirve para intuir los movimientos de los grandes estudios para con su catálogo de películas. La duda, la de siempre: ¿es ese modelo sostenible?

VIDEUVEDÉ

TRES COLORES: AZUL, BLANCO, ROJO EN EL VIGÉSIMO ANIVERSARIO DE LA MUERTE DE KIESLOWSKI SE PUBLICA POR PRIMERA VEZ EN BD SU OBRA MÁS EMBLEMÁTICA EL 20 DE ABRIL Cameo le rinde un merecido homenaje a Krzysztof Kieslowski recuperando en Blu-ray (también dvd, pero sin extras) su obra cumbre, la trilogía Azul / Blanco / Rojo, con másteres restaurados en alta definición, libreto escrito por Fernando Lara y 206 minutos de contenidos adicionales, la mayor parte de ellos inéditos. La reedición se lleva a cabo sólo en pack.

Meru Subtitulado Odisea en el Himalaya, el documental de Jimmy Chin, Elizabeth Chai Vasarhelyi vuelve sobre el alpinismo, fuente inagotable de metáforas vitales. Universal edita en dvd y BD con 20 minutos de extras.

Apología/ Antología

Satoshi Kon

Siempre atentos a los territorios periféricos en el terreno de la producción audiovisual, Cameo presenta la “primera revisión antológica del video-arte español”. Cinco discos en formato dvd y un libro.

Ediciones restauradas y remasterizadas en dvd y (por vez primera) Blu ray para dos de los títulos capitales del llorado Satoshi Kon: Perfect Blue (1998) y su incursión en el terreno de la TV, la serie Paranoia Agent (2004).

POR • ENRIQUE CORDERO •

• ABRIL 2016 • 109

EL CINE DE...

Luis Bermejo “SI PUDIERA, VERÍA TODAS LAS PELÍCULAS EN PANTALLA GRANDE: ¡HAY QUE IR AL CINE!” EL 1 DE ABRIL, ESTRENA ‘KIKI, EL AMOR SE HACE’, LA NUEVA PELÍCULA DE PACO LEÓN COMO DIRECTOR TEXTO:

Diana Arrastia

FOTO:

Adolfo Callejo

“SIEMPRE ME FIJABA EN ELLOS, tenían algo específico nuestro. Me han hecho soñar más con la posibilidad de ser actor que los actores americanos”, se confiesa Luis Bermejo (Madrid, 1969). Y con ese ‘ellos’ se refiere a intérpretes de la talla de José Luis López Vázquez, Pepe Sacristán, José Bódalo, Alberto Closas, José Sazatornil, Analía Gadé, Terele Pávez o Pepe Isbert. “Actores y actrices que son historia viva del cine y del teatro español. Los más reconocibles y nombrados, y también los que no”. “Es que los actores españoles son muy buenos”, apuntilla. Por eso títulos, como Atraco a las tres, La escopeta nacional o Viridiana no pueden faltar en su filmoteca. Ni tampoco los documentales El desencanto y La silla de Fernando, que frecuenta con reverencias continuas. “También me gusta mucho la comedia española de los 70, esas películas como Vente a Alemania, Pepe, sobre todo porque me gusta ver a los actores. A veces, se trata de películas en las que los guiones son más débiles, pero en las que los intérpretes hacen verdaderas obras de arte”, explica el actor. HOMBRE DE VIDEOCLUB

Una pantalla de televisión y un reproductor de Blu-ray satisfacen sus necesidades tecnológicas. “Eso sí, yo soy hombre de videoclub. Voy, hablo con el tipo, veo las novedades… Si consumo algo de internet, normalmente lo que no encuentro en el videoclub, es a través de Filmin. ¡Pero no me pidas mucho más a nivel tecnológico! Ahora me han regalado un pendrive con no sé cuántas películas, muchas de ellas descatalogadas, y no sé ni dónde se enchufa…”, se lamenta. A la hora de prepararse para una velada de cine, se le antoja “un café, un bollito de chocolate y tan a gusto. No soy de palomitas…”. Y una buena compañía, eso sí. “Puedo verme unos cuantos capítulos seguidos de House of Cards, Los Soprano o En terapia y que me den las dos o las tres de la madrugada, pero, si puedo, me gusta ver cine en compañía. Es el momento perfecto”. A veces, hasta consigue dejar de analizar el trabajo de los actores. “Me gusta olvidarme de que estoy viendo cine, estar tan implicado emocionalmente que pueda llegar a pensar que eso es real. Me pasó con la película chilena El Club, los actores eran buenísimos”. De vez en cuando, si el tiempo se lo permite, cae alguna que otra maratón. “Me encanta hacerme sesiones. Por ejemplo, me voy al videoclub y me cojo unas cuantas de Mastroianni. O de Cassavetes, ¡me encantan Rostros y Sombras! Recuerdo estar de gira en Barcelona con Urtain y verme casi todas las de Bergman, desde El rostro hasta El séptimo sello”. Pero, para Luis Bermejo, lo mejor sobre todas las cosas es acudir a la sala de cine. “Si pudiera, vería todas las películas en pantalla grande. ¡Hay que ir al cine! Somos gregarios. Lo de verlo en casa está bien, pero acompañado de gente, de amigos y amigas, no solo. Me gusta compartir. Además, el cine es un lugar perfecto para enamorarse”. Y ahí lo deja. • ABRIL 2016 • 111

cinemania.es facebook.com/REVISTACINEMANIA twitter.com/cinemania_es

Escribe a [email protected] o envía una carta a CINEMANÍA, General Castaños 15, 1ª planta 28004 Madrid. ALMODÓVAR Y SU ‘JULIETA’: ‘‘LA REALIDAD DEBERÍA ESTAR PROHIBIDA’’ • PACO LEÓN • BRYAN CRANSTON

RACHEL RAC C HEL WE WEISZ WEIS • LAS LA S MEJORES JORES SERIES S DEL DE L AÑO • CAREY C CAR AREY EY MULLIGAN M • LORCA EN EL CINE

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L A N U E VA G E N E R A C I Ó N H A N , L E I A Y L U K E N O V U E LV E N S O L O S : D E S C U B R E L A S C L AV E S D E ‘ E L D E S P E R TA R D E L A F U E R Z A’ , E L C O M I E N Z O DE OTRA TRILOGÍA QUE HARÁ HISTORIA

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BB-8 No es el droide que estabas buscando, pero... ¿A que te gusta?

P R E S E N TA

EL DOCUMENTAL HITCHCOCK / TRUFFAUT • LA LISTA DEFINITIVA DE SUS 30 MEJORES FILMES • 40 AÑOS DE ‘LA TRAMA’, SU ÚLTIMA PELÍCULA • DE SU ETAPA MUDA A LA TELEVISIÓN

SP IEL B ERG CO NTR A ATACA TO M H A N K S A L OT R O L A D O D E L T E LÓ N D E AC E R O ‘EL PUENTE DE LOS ESPÍAS’

DICIEMBRE 2015. Nº 243. 3€ “Es completamente real, estaba en el plató’’

SUSCRIPCIONES Y NÚMEROS ATRASADOS : 902044644

L A P O R TA DA

L A POLÉMICA

MÉNAGE À TROIS Aunque el universo DC se levanta sobre la lucha entre Batman y Superman, nosotros destacamos a Wonder Woman, la primera encarnación en cine de la mayor superheroína. Hubo votos de asombro entre los 2.159 ‘me gusta’ de la portada en Facebook, aunque muchos comentarios fueron por otro lado. “Batman parece que se ha comido toda la fábrica de donuts” (Norita Ruiz, Fb); “Le pese a quien le pese, este Batman es más acorde al de los cómics” (Edu García, Fb); “El traje de Batman como mínimo lleva doble airbag” (Jose Olivares, Fb). HITCHCOCK

¿Cuál es tu favorita de la filmografía del cineasta de la oronda figura? ¿Eres más de Vértigo o de Con la muerte en los talones? ¿La etapa británica o el star system de Hollywood? ¿El elegante Cary Grant o el espigado Jimmy Stewart? ¿La cerebral Ingrid Bergman o la estilosa Grace Kelly? Usa el hashtag #HITCHMANÍA para contarnos qué película de Hitchcock despierta tu voyeurismo sin remedio.

C L A R K K E N T S I N G A FA S ¿Eres de los listillos que siempre cuestionan la eficacia de la identidad secreta de Superman por reducirse a un cambio de peinado y unas gafas sin graduación? Pues Henry Cavill, el hombre de acero en persona, demostró en su instagram que ni gafas necesita para pasar desapercibido en medio de Times Square, incluso con una camiseta del superhéroe. Corre a decírselo a tu cuñado.

112 • AB RI L 2 0 1 6 •

Olivia Wilde: ¿demasiado vieja para Leo DiCaprio en ‘El lobo de Wall Street’? “¿Tienen la misma edad [Jordan] Belfort y [Nadine] Caridi, Leonardo tiene más de 40 pero Olivia tiene 32 y ella es la que está vieja para el papel?” (Alejandra Vázquez, Fb). “Quizás el problema es que da aspecto de mujer sofisticada y madura, tal vez no encajaba con el papel de mujer conejita florero que era lo que buscaban” (Adrián Sja, Fb). “Pues DiCaprio no aparenta los 24 o 26 años que tenía Jordan Belfort en esa época.” (Silvia Sartorio Coral, Fb). “Margot Robbie está genial en el papel. Yo tampoco hubiera elegido a Wilde” (Venus De Tilo, Fb).

‘Indiana Jones 5’ se estrenará en 2019

Daisy Ridley responde al odio La actriz de Star Wars: El despertar de la Fuerza ha publicado una carta abierta dirigida a todos los trogloditas que critican su físico echándole en cara sus pocas curvas. “Las ‘mujeres de verdad’ son de todas las formas y tamaños (...). Yo soy una mujer tan ‘de verdad’ como cualquier otra”, dice Ridley. “No pediré perdón por mi aspecto, por lo que digo ni por cómo vivo mi vida”.

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MI VIDA EN PELÍCULAS GOYO JIMÉNEZ

“De pequeño quería ser Yul Brynner… pero con barba” APROVECHAMOS QUE EL HUMORISTA DA RÉPLICA A BERTO ROMERO Y ANDREU BUENAFUENTE EN ‘EL PREGÓN’ PARA INTERROGARLE POR SUS FILIAS Y FOBIAS CINEMATOGRÁFICAS. DE ‘GIGANTE’, CON JAMES DEAN, A ‘BREAKING BAD’ POR Andrea G. Bermejo

“Déjame pensar… Fuji, Kodak... ¡Ah, vale! Tres lanceros bengalíes, de Henry Hathaway”. LA QUE TE ENCANTA (A TU PESAR)

“Scott Pilgrim contra el mundo. Me fascinó, pero no puedo decirlo muy alto porque soy un señor”.

EL ACTOR AL QUE QUERÍAS PARECERTE DE PEQUEÑO

“Yul Brynner (Los diez mandamientos, Los siete magníficos…) pero con barba”. LA SERIE QUE TE ENGANCHÓ

“Breaking Bad, como a todo espectador de televisión al que le quede algo de corazón y mente”.

LA PELI QUE MÁS TE HACE REÍR

“Dudo entre El gran salto, de los hermanos Coen, y Ser o no ser, de Ernst Lubitsch”.

EL ARTE DEL TRÁILER

EL CLÁSICO CON EL QUE TE QUEDAS DORMIDO

“A mí de niño me hubiese encantado ver en el colegio Erik el vikingo, de Terry Jones”.

“Déjame que piense… Sí, Gigante. Por mucho James Dean que salga, me parece soporífera”.

¿Hasta dónde pueden llegar los tráilers de una película? No hay debate: la industria ha decidido que los necesita para cebar a un público más inocente que intuitivo, por eso la mecánica no ha evolucionado gran cosa en estos cien años. De los vetustos adjetivos épicos en blanco y negro a los montajes hiperventilados o los teasers efímeros, cada géne114 • AB RI L 2 0 1 6 •

La habitación.

ro ha desarrollado su propio tipo de avance (de ahí la maravillosa comicidad de los recuts). Y que existan numerosas joyas (por citar una, El resplandor de Kubrick) no evita que muchas comedias o dramas actuales se puedan destripar en dos minutos, lo cual, admitámoslo, no dice nada bueno sobre ellas. He llegado a cerrar los ojos y taparme los oídos durante un tráiler, bien por odio debido a

¡Olvídate de mí! Con Jim Carrey y Kate Winslet. Soberbio guión del genio Charlie Kaufman”.

LA QUE DEBERÍAN PONER EN LOS COLEGIOS

PEPE COLUBI ILUSTRE IGNORANTE

LA QUE TE HACE LLORAR

la sobreexposición o porque la película anunciada me importa tanto que no quiero que esas imágenes me contaminen. El último que he esquivado como si fuera a quemarme los ojos fue el de La habitación de Lenny Abrahamson. Tenía un pálpito especial, y por eso evité a conciencia cualquier anticipo escrito o filmado antes de verla en su viernes de estreno. No puedo haberme alegrado más.

He tenido todo tipo de experiencias cinéfilas, pero La habitación me provocó una reacción incómoda, extraña y radicalmente nueva; es una película perfecta que no me atrevo a recomendar alegremente, no sé si me explico. Tuve la inmensa suerte, eso sí, muy trabajada, de llegar al cine sabiendo poco más de lo que indica el título. A los pocos días, por mera curiosidad, busqué su avance en internet y me quedé petrificado al comprobar que arranca después de un giro fundamental. De haberlo visto antes me habría adelantado una parte imprescindible de su historia. Me puse tan nervioso que ahora temo, con carácter retroactivo, que mi yo del futuro viaje al pasado y vea ese maldito tráiler antes que La habitación.

ILUSTRACIÓN: COCO DÁVEZ

LA PRIMERA PELÍCULA QUE RECUERDAS

EN CINES 15 DE ABRIL

SOUNDTRACK ON SONY CLASSICAL PENDIENTE DE CALIFICACIÓN POR EDADES