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• Blanca Terrés Riqué

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Please please me Una de las grandes fortalezas de los Beatles era que para 1962, el año en que sacaron su primer disco, ya eran artistas acostumbrados a tocar en público, bien versados en soul norteamericano, gospel, rythm & blues y rock'n'roll. La mayor parte de lo que sabían lo habían aprendido del modo más difícil. Sabían cómo se construían las canciones porque, al no poder acceder a las partituras, habían tenido de descifrar las letras y sacar los cambios de acordes escuchando los discos una y otra vez. Habiendo tocado rock'n'roll para sus adolescentes adorables en las sesiones a la hora del almuerzo en el Cavern, y también para alemanes borrachos en Hamburgo, también sabían cómo excitar, calmar y seducir al público. John y Paul habían estado juntos durante cinco años; George había estado con ellos casi el mismo tiempo. Ringo era un miembro reciente, ya que había ingresado como reemplazo de Pete Best en batería, aunque se conocían desde 1959 y su antiguo puesto con Rory Storm and the Hurricanes significaba que habían tocado en los mismos lugares. En esa época, el material de los Beatles era el típico de los grupos beat del momento: las canciones de rock más conocidas de los artistas de rock'n'roll más conocidos. Al tope de la lista estaba Elvis Presley. Ellos cubrían casi 30 de las canciones que Elvis había grabado, así como también temas de Chuck Berry, Buddy Holly, Carl Perkins, Gene Vincent, Fats Domino, Jerry Lee Lewis, Larry Williams, Ray Charles, the Coasters, Arthur Alexander, Little Richard y los Everly Brothers. Estudiar la música de estos artistas enseñó a John y Paul lo básico de la composición. Cuando ellos se reunían en lo de Paul a escribir su propio material, era cosa de re-ensamblar los acordes y las palabras que les eran familiares para hacer algo que fuera distintivamente de ellos. Así es como un riff de bajo de un tema de Chuck Berry se incorporó a "I saw her standing there", y explica cómo file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Analisis%20-%20Please%20Please%20Me%20Songs.htm (1 of 12) [10/05/2004 09:45:58 p.m.]

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el sonido de la voz de Roy Orbison se convirtió en la inspiración detrás de "Please please me", el primer simple N° 1 de los Beatles. A veces sus canciones trataban sobre incidentes tomados de sus propias vidas pero a menudo las letras, como los acordes, eran "tomados prestados" de lo que había pasado anteriormente. En esta etapa, las palabras eran importantes para crear sonidos e impresiones, más que para transmitir un mensaje. La mayor parte de su álbum debut fue grabado en una sola sesión el 11 de febrero de 1963. Se lanzó el 22 de marzo de 1963 y alcanzó el tope de los ránkings británicos. En EE.UU. se tituló "Introducing The Beatles" y editado por el poco conocido sello Vee Jay. La versión norteamericana no incluyó "Please please me" ni "Ask me Why", y no alcanzó a integrar los charts.

I saw her standing there (La vi parada ahí)

La idea original del productor George Martin había sido grabar un show de los Beatles en el Cavern Club en Liverpool, pero eventualmente se decidió que el grupo tocara sus temas en estudio como si estuvieran haciéndolo en vivo y cortar el álbum en un día. Esto se hizo el 11 de febrero de 1963, cuando en una sesión de 15 horas los Beatles grabaron 10 pistas nuevas que fueron agregadas a los dos lados de sus primeros dos discos simples, y los lanzaron como "Please please me". "I saw her standing there" era el tema perfecto con el cual abrir el primer álbum de los Beatles porque situaba a la banda en un contexto de frenético salón de baile, lleno de adoradoras adolescentes. Decidieron mantener la introducción de "1-2-3-4!" ya que agregaba el feeling de "grupo beat de Liverpool" capturado en medio de su actuación en vivo. Originalmente titulado "Seventeen, I saw her standing there", la canción cuenta la simple historia de un chico que ve a una chica bailando en el baile local y, luego de pensar que "su look estaba más allá de cualquier comparación", se decide no bailar con otra a partir de ese día. Hay una mezcla maravillosa de juvenil arrogancia e inseguridad mientras se desarrolla la historia, ya que no hay pistas de que el chico haya considerado la posibilidad de rechazo, y en esa inolvidable rima típica de grupo beat, se nos dice que "as he crossed the room", his heart "went boom" (mientras cruzaba la pista, el corazón le hacía boom). Paul comenzó a componer este tema una noche en 1961 mientras iba manejando a su casa en Allerton, Liverpool. Le gustó la idea de escribir sobre un chica de 17 años porque era consciente de la necesidad de tener canciones con las que el público del grupo (mayormente femenino y adolescente) se identificara. "No pensé mucho mientras me lo cantaba para mí mismo", dijo cuatro años más tarde." Originalmente las primeras dos líneas eran 'She was just seventeen, never been a beauty queen' [Tenía file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Analisis%20-%20Please%20Please%20Me%20Songs.htm (2 of 12) [10/05/2004 09:45:58 p.m.]

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nomás 17, nunca había sido una reina de belleza]. En ese momento me sonaba como una rima buena, pero cuando se la toqué a John al día siguiente, me di cuenta de que no servía y John coincidió. Entonces los dos nos sentamos y tratamos de que se nos ocurriera otra cosa que rimara con "seventeen" y que significara algo." Al rato, a John se le ocurrió 'You know what I mean' [vos me entendés], que como Paul reconoció, puede ser visto tanto como un relleno como una indirecta de tipo sexual. También era una frase muy liverpuliana que evitaba los americanismos que viciaban la mayoría de los rock'n'rolls de ese tiempo. Los dos chicos completaron la melodía en sus guitarras acústicas y escribieron la letra en un libro de ejercicios del Liverpool Institute. Paul explicó más tarde en una entrevista para la revista Beat Instrumental que el riff del bajo fue tomado de la canción de Chuck Berry "I'm talking about you" (1961): "Toqué exactamente las mismas notas que él y encajaban perfecto en nuestro tema", confesó. "Incluso ahora, cuando cuento esto casi nadie me cree. Por lo tanto, sostengo que un riff de bajo no tiene por qué ser original". En diciembre de 1961, Paul empezó a salir con Iris Caldwell, la hermana del cantante beat Rory Storm (también de Liverpool), en cuya banda 'the Hurricanes' tocaba Ringo Starr como baterista (Ringo ingresó en los Beatles en agosto de 1962). Iris tenía sólo 17 años en la época en que Paul la vio bailando el twisten el Tower Ballroom the New Brighton (a 25 minutos de Liverpool). Ella era una avezada bailarina y Paul aparentemente estaba impresionado por sus piernas, que lucían medias red, y el hecho de que ella ya estaba trabajando profesionalmente en el show business. Paul comenzó a frecuentar la casa de los Caldwell situada en 54 Broad Green Road, Liverpool 15, que se conocía entre los grupos beat de Liverpool como Hurricaneville (Villa Huracán, ya que el nombre del grupo, traducido, sería: 'Rory Tormenta y los Huracanes'). Se hizo amigo de la madre de Iris, Violet, y cada dos por tres caía con John para sentarse a escribir canciones. "Paul y yo salimos un par de años", comentó Iris. "Nunca fue demasiado serio. Nunca pretendimos que hubiera fidelidad entre nosotros. Yo salía con un montón de gente. Yo trabajaba en diferentes teatros lejos de Liverpool en esa época pero cuando regresaba salía con él. Nunca hubo promesas de nada ni declaraciones de amor". Según Iris, la intención de Paul era darle a su hermano Rory Storm el tema "I saw her standing there" para que la tocara su grupo. "Paul pensó que iba a ser un buen tema para él pero no se manejó de esa forma. Brian Epstein no quiso que lo tuviera Rory". Ciertamente, para 1962 "I saw her standing there" era parte del show de los Beatles, una de los primeros temas Lennon-McCartney en colarse entre los de Buddy Holly y Little Richard. La primera versión cover que se hiciera de este tema fue del cantante de rock'n'roll británico Duffy Power en file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Analisis%20-%20Please%20Please%20Me%20Songs.htm (3 of 12) [10/05/2004 09:45:58 p.m.]

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1963. En EE.UU. estuvo del otro lado del simple "I want to hold your hand", que se lanzó en enero de 1964 y fue el primero en alcanzar el número 1. Fue también uno de los cinco temas que tocaron en el famoso Show de Ed Sullivan el 9 de febrero de 1964, que fue visto por 70 millones de personas, la mayor audiencia para un programa de TV jamás lograda para ese entonces. En noviembre de 1974, John tocó este tema junto con Elton John en el Madison Square Garden.

Misery (Desdicha)

[N.T.: Cuando en castellano decimos "miseria", pensamos inmediatamente en 'pobreza'. Esta no es la idea del tema, sino que toma la acepción de desdicha, infelicidad, aflicción.] Para enero de 1963, con "Love Me Do" como un hit en el Top 20 británico en el bolsillo, la confianza en sí mismos de Lennon y McCartney como dupla compositiva había crecido, pero cuando se hicieron los planes para grabar su primer LP se encontraron bajo la presión de tener que escribir nuevos temas para el álbum. Aunque no todos los temas iban a ser composiciones propias (habían ya elegido material de compositores estadounidenses para completar casi la mitad del disco) estaban decididos a estampar su propia impronta en la grabación y no convertirse en otro grupete británico que viviera haciendo covers. Para esa época, esta era una movida osada. Tradicionalmente las bandas británicas no grababan sus propios temas sino que, copiando el sonido estadounidense, cubrían temas que parecían prometedores en los EE.UU. antes de que fueran editados en Gran Bretaña. Cliff Richard, la estrella pop "top" del Reino Unido cuando los Beatles empezaron a grabar, había roto el molde en parte grabando canciones de Ian Samwell, un ex -miembro de su banda, pero nadie en el Reino Unido había tenido éxito grabando rock'n'roll genuinamente británico. Fue contra este trasfondo que Paul y John comenzaron a agrupar sus cinco canciones propias para su álbum debut "Please please me". Fue en el backstage de un recital que dieron el 26 de enero de 1963 en el King's Hall en Glebe Street (Stoke-onTrent) donde ellos comenzaron a escribir "Misery", con John como contribuyente principal. Así como Paul era irreprimiblemente positivo y optimista con respecto a bailar con la chica de "I saw her standing there", John arrancó su carrera como artista discográfico quejándose de una chica que lo había dejado y por eso se había quedado solo. "El mundo me trata mal" es la portentosa primera frase de la canción. "Allan Clarke y Graham Nach de los Hollies ayudaron en ese tema", recuerda Tony Bramwell, entonces empleado de Brian Epstein. "John y Paul estaban desesperados por terminarla y se quedaron trabados en una de las frases, así que Allan y Graham comenzaron a tirar sugerencias. Los chicos la querían finalizar para dársela a Helen file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Analisis%20-%20Please%20Please%20Me%20Songs.htm (4 of 12) [10/05/2004 09:45:58 p.m.]

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Shapiro". En días hicieron la cinta y se la mandaron a Norrie Paramor del sello Columbia (perteneciente a EMI) para que la considerara para Shapiro, que según sabían iba a grabar en Nashville dentro de poco. En verdad, Paul le dijo a Alan Smith, el editor de New Musical Express, que era una canción para hacerle un cover. "La llamamos 'Misery' pero no es tan lenta como suena. Se va moviendo a un paso bastante estable y creemos que Helen Shapiro va a hacer un muy buen trabajo de ella." Con nada más que 16 años de edad, Helen había estado pegándola con hits en el Top 10 británico desde comienzos de 1961, y los Beatles estaban por debutar en el circuito de teatros como uno de los 7 grupos soporte que acompañaban a Helen en su tour de 14 fechas en febrero. Sería sólo en los últimos shows, cuando "Please please me" causaba ya sensación, que los Beatles subieron de categoría aunque eso significó sólo cerrar la primera mitad del espectáculo. Las "giras en paquete" todavía formaban parte de la escena del entretenimiento británico en esos días, y eran una especie de resabio de los espectáculos de variedades en los cuales un cantante seguía a un mago y el mago a un malabarista. Para esta gira, los Beatles tuvieron la oportunidad de hacer cuatro temas y eran un número "sandwich" entre actuaciones de cómicos. "Me llevaba bárbaro con ellos", recuerda Helen. "Y John era como un hermano para mí, muy protector. El y Paul de veras me ofrecieron 'Misery' primero a mí, a través de Norrie, pero yo no lo supe hasta que me los encontré el primer día de la gira [el 2 de febrero en Bradford, Yorkshire]. Aparentemente él la había rechazado sin que siquiera yo la hubiera escuchado." La oferta fue aceptada por otro artista de la misma gira, Kenny Lynch, un cantante negro británico, cuyo mayor éxito había sido un cover de los Drifters ("Up the Roof") que había llegado al Top 10. "Misery" no fue un hit para él pero le dio la distinción de haber sido el primer no-beatle en grabar un tema de Lennon-McCartney.

Ask Me Why (Preguntame por qué)

Probablemente escrita en 1962 con John como autor principal, "Ask me Why" era una canción romántica "peso liviano" estrenada en el Cavern Club ese año, y mostrada por el programa "Teenager's Turn" de la BBC Radio el 11 de junio de 1962. Fue uno de los cuatro temas que llevaron a su primera sesión de grabación el 6 de junio de 1962 a los estudios de EMI en Abbey Road, pero George Martin no pensó que tuviera la fuerza suficiente como ser su disco simple debut. Re-grabada en febrero de 1963, fue lanzada en Gran Bretaña como lado B de "Please please me".

Please please me (Por favor, compláceme) file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Analisis%20-%20Please%20Please%20Me%20Songs.htm (5 of 12) [10/05/2004 09:45:58 p.m.]

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"Please please me" era una de esas cancioncitas pop que suenan completamente inocentes pero con un poderoso mensaje entre líneas. Algunos críticos la han visto como un ruego por la igualdad de placer sexual. Robert Christau, editor de la revista neoyorquina "Village Voice", ha ido más allá diciendo que la canción trataba veladamente de sexo oral. Iris Caldwell recuerda a Paul yendo un día a su casa y leyéndole la letra de un tema recién terminado. "El solía agarrar la guitarra de mi hermano y tocar, pero esa noche ni siquiera se molestó. Leyó la letra y listo. Para mí, no tenía sentido y era completamente horrible". Los orígenes de la canción fueron ciertamente inocuos, ya que el coro fue sugerido por una canción de Bing Crosby de 1932 titulada "Please", compuesta por Leo Robin y Ralph Rainger y comienza jugando con los homófonos "pleas" (plegarias, ruegos) y "please" (por favor): "Oh please, lend your little ear to my pleas. Lend a ray of cheer to my pleas. Tell me that you love me too". (Oh, por favor, prestá oidos a mis plegarias. Prestá un rayo de aliento a mis ruegos. Decime que me amás también). Más tarde, John recordaba que su madre, Julia, solía cantársela cuando él era chiquito, y a él siempre le había fascinado el uso dual del sonido "please". Cuando John escribió esta canción, en su cuarto (que daba a la calle de la casa ubicada en el 251 de Menlove Avenue en Liverpool) ("Recuerdo el día y el bordado rosa de la cama"), él imaginó a Roy Orbison cantándola porque justamente había estado escuchando su exitoso single "Only the lonely". Es fácil imaginar a Orbison cantando una versión ralentada de "Please please me". Con su complexión pálida y fofa y sus anteojos oscuros, Orbison puede haber parecido una rara estrella del pop, pero era un cantante brillante en estilo soul y componía sus propios temas. Era alguien con quien John en particular podía identificarse porque sus canciones exploraban sentimientos oscuros de pérdida y soledad. A los meses de ser lanzado "Please please me" como single y habiendo alcanzado el N° 2 en los charts británicos, los Beatles fueron elegidos como grupo soporte de Orbison en una gira de tres semanas por Gran Bretaña. "Nunca hablamos sobre composición de temas en esa gira", recordó Orbison años después. "Lo que ellos estaban interesados en saber en ese momento era qué pensaba yo de cómo les iría en EE.UU. Les dije que hicieran que la gente supiera que ellos eran británicos y que salieran en algún lugar tipo el Ed Sullivan Show. Si hacían eso, les dije que podrían ser tan grandes en EE.UU. como lo eran en el Reino Unido. Dije eso en un artículo del New Musical Express publicado durante la gira. Creí que era importante que hicieran que la gente supiera que eran británicos porque en EE.UU. no se sabía mucho más de Gran Bretaña que el escándalo Profumo y el misil Blue Streak". Sus palabras exactas, grabadas en mayo de 1963, fueron: "Los Beatles podrían ser tranquilamente tops en EE.UU. Estos chicos tienen file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Analisis%20-%20Please%20Please%20Me%20Songs.htm (6 of 12) [10/05/2004 09:45:58 p.m.]

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suficiente originalidad como para arrasar con nuestros charts con el mismo efecto que lo han hecho aquí, pero se va a necesitar un manejo cuidadoso. Tienen algo que es completamente nuevo aún para nosotros los norteamericanos y aunque ha habido un influjo de grupos exitosos allá creo honestamente que podrían llegar a la cima de los rankings... Es un cambio ver nuevas estrellas que no sean versiones aguadas de Elvis Presley. Este parece ser un sonido que han hecho famoso ellos mismos y realmente pienso que es lo más grande que hay. Aunque ustedes lo conocen como 'música del Merseyside' estoy seguro de que va a ser aclamado como el nuevo sonido británico en los EE.UU." Orbison no descubrió que John había escrito "Please please me" como una emulación a su estilo hasta que el productor George Martin se lo mencionó en junio de 1987 en un festejo en Abbey Road por el 20° aniversario del lanzamiento de Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. "Me dijo que sonaba tanto como yo que tenían que cambiarlo un poquito", comentó Orbison. "Fue algo bueno de averiguar". En marzo de 1963 John había revelado que ellos habían querido poner a "Please please me" como lado B de su segundo simple hasta que George Martin se quejó de esta similitud. "El pensaba que el arreglo era melindroso, así que tratamos de simplificarlo", dijo John. "En las semanas siguientes [a la sesión de Love Me Do] nos dedicamos a ella una y otra vez. Le cambiamos un poco el tempo. Le alteramos ligeramente la letra y tuvimos la idea de incluir la armónica como habíamos hecho con 'Love Me Do'. Para cuando la grabamos estábamos tan contentos con cómo había quedado que no veíamos la hora de lanzarla". El gusto de los Beatles por Orbison iba a sobrevivir a los años '60. John describió su último single "Starting Over" como un "Elvis Orbison" y en 1988 George Harrison se unión a Orbison, Bob Dylan, Tom Petty y Jeff Lynne para grabar el álbum "Travelling Wilburys", aclamado por la crítica.

Love Me Do (Amame)

En Gran Bretaña, 'Love Me Do' fue el primer éxito de los Beatles y, como la imagen del grupo, era todo muy raro para una generación que había pasado los últimos dos o tres años escuchando un pop bastante insípido tocado por hombres de pelo corto y grandes sonrisas forzadas. Una de las primeras canciones escritas por Paul, la letra de "Love Me Do" era más básica imposible: la mayoría de las palabras consistían en una sola sílaba y "love" repitiéndose 21 veces. "Te amo por siempre así que por favor amame" era todo el mensaje. Lo que lo desviaba de las canciones románticas adolescentes de la época era ese toque gospelblues al cantar, que era potenciado por la armónica y el cierre que sonaba levemente como un lamento, que armonizaba. (El gusto de file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Analisis%20-%20Please%20Please%20Me%20Songs.htm (7 of 12) [10/05/2004 09:45:58 p.m.]

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John por el gospel se confirmó cuando él colocó en la lista de sus preferencias musicales al "R&B y gospel" en la revista New Musical Express del 15 de febrero de 1963). Durante 1962, la estrella norteamericana Bruce Channel había gozado de un hit británico con "Hey Baby" en el cual aparecía un solo de armónica del músico de sesión de Nashville, Delbert McClinton. John estaba impresionado por eso y cuando conoció a McClinton en junio del '62 en el Tower Ballroom de New Brighton, donde los Beatles estaban tocando como soportes para Channel, le preguntó cómo la tocaba. "John estaba muy interesado en la armónica y, cuando seguimos tocando un par de fechas con los Beatles, él y yo andábamos mucho juntos", dice McClinton. "Quería que le mostrara lo que pudiera. Quería saber cómo tocar. Antes de que se terminara la gira él ya tenía su armónica lista en el bolsillo". Sólo tres meses después los Beatles grabaron "Love Me Do", en el cual John incluyó un distintivo break de armónica. John continuó tocando armónica en los dos singles siguientes, "Please please me" y "From Me To You", y en otros seis temas incluyendo "Little Child" (With The Beatles) y "I Should Have Known Better" (A Hard Day's Night). La última vez que la utilizó en un disco fue en "I'm a loser" (Beatles for Sale), grabada en agosto de 1964. Para esa época se había convertido, según él, en un truquito de los Beatles. "Love Me Do" estaba incluido en el primer EP (extended play, un disco de cuatro canciones) que contenía en su tapa notas escritas por Tony Barrow, un periodista de Lancashire que trabajaba en ese entonces como agente de prensa de los Beatles. Los comentarios de Barrow sobre los cuatro temas ""From Me To You", "Thank you, Girl", "Please, please me" y "Love Me Do") eran llamativamente premonitorios: "Los cuatro temas de este EP han sido seleccionados del Cancionero de Lennon y McCartney. Si esa descripción suena un tanto pomposa tal vez permítanme sugerirles conservar esta tapa diez años, exhumarla de su colección en algún momento de 1973 y escribirme una carta muy descortés si la gente del pop de los setenta no están hablando al menos de dos de estos títulos como los 'primeros ejemplos de los standards beats modernos sacados del Cancionero de Lennon y McCartney'" En 1967, cuando se creía que cada tema de los Beatles estaba empapada de significado y habían sido elevadas a la categoría de "voceros de una generación", Paul le comentó a Alan Aldridge en una entrevista para el Observer: "'Love Me Do' fue nuestra canción más filosófica... para que sea simple y verdadera, significa que es increíblemente sencilla".

PS. I love you (PD. Te amo)

Escrita en 1961, "PS. I love you" fue otra de las primeras canciones de file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Analisis%20-%20Please%20Please%20Me%20Songs.htm (8 of 12) [10/05/2004 09:45:58 p.m.]

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Paul que los Beatles consideraron para grabar como su primer single. En Gran Bretaña fue el lado B de "Love Me Do", mientras que en EE.UU., casi dos años después, fue un simple por ella misma y llegó al Top 10. Se había convertido en una especie de rutina para los grupos beat británicos ir a tocar en night clubs alemanes donde había gran demanda de la nueva música norteamericana pero con pocos músicos que la pudieran ejecutar. En abril de 1961, los Beatles (John, Paul, George, Pete Best y Stuart Sutcliffe) comenzaron una agotadora residencia de 13 semanas en el Top Ten Club de Hamburgo, Alemania, tocando más de cinco horas por noche, siete días a la semana. Fue la mejor práctica que pudieron haber tenido. El ver tocar continuamente a otros artistas también les enseñó cómo se construían las canciones y la presión de entretener al público les enseñó qué funcionaba y qué no. La noviecita de Paul en ese momento era Dorothy "Dot" Rhone, una encantadora adolescente liverpuliana que trabajaba en una farmacia y vivía con sus padres. Era una chica tímida pero dulce con quien Paul había salido durante un tiempo y que era una visita regular en su casa en Liverpool. "Ella estaba muy enamorada de Paul", recuerda su amiga Sandra Hedges. "El a su vez la resguardaba celosamente llevándola con el grupo mientras tocaban". Dot se hizo amiga de Cynthia Powell, la novia de John de la escuela de arte, y durante el feriado de Semana Santa las dos chicas decidieron ir a visitar a sus novios en Alemania. Cynthia se quedó con Astrid Kirchner, la novia de Stuart Sutcliffe, y Dot con Paul en una casa-barco. Después de que Dot regresó a Liverpool, Paul le escribió una canción en la cual le declaraba su amor y le recordaba que volvería a casa pronto. Escrita en forma de carta, "PS. I love you" fue la precursora de otras canciones tipo carta de Paul: "Paperback Writer" y "When I'm 64". La relación de Paul con Dot se retomó cuando él volvió de Hamburgo pero terminó en el verano de 1962 justo cuando los Beatles empezaron a grabar. En esa época, ella estaba compartiendo departamento con Cynthia Powell en 93 Garmoyle Road, Liverpool, cerca de Penny Lane. Paul llegó tarde una noche y le dio la noticia a Dot. Cynthia recuerda cómo Dot rompió en llanto. "Pobrecita, Dot... indefensa", escribió Cynthia en su libro 'A Twist of Lennon' "No era capaz de matar una mosca pero estaba tan herida que ni siquiera podía decirme qué le había pasado por sus convulsiones y ataques de llanto incontrolable. Cuando la vi así, no hizo falta que me dijera nada. Sólo una cosa podría hacerle eso: que Paul la dejara... El era demasiado joven para sentar cabeza. Quería desesperadamente ser libre y supongo que él dejó a Dot de una manera muy suave, dadas las circunstancias".

Do you want to know a secret? (¿Querés saber file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Analisis%20-%20Please%20Please%20Me%20Songs.htm (9 of 12) [10/05/2004 09:45:58 p.m.]

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un secreto?)

Más o menos para la misma época en que Paul terminó con Dot Rhone, Cynthia descubrió que estaba embarazada. El 23 de agosto de 1962 hicieron lo convencional casándose en el Registro Civil de Mount Pleasant, Liverpool. El padrino de esta pequeña celebración a la que asistieron Paul, George y un puñado de parientes y amigos, fue el representante Brian Epstein, que ofreció a los recién casados la intimidad de un departamento en planta baja que él alquilaba en 36 Faulkner Street para comenzar su vida de casados. Esta no era la residencia principal de Epstein sino un lugar en el centro que él mantenía para sus discretas relaciones homosexuales. Cynthia recuerda su estupefacción ante el inesperado regalo de bodas ya que no habían pensado demasiado a dónde iba a ir a vivir y no había tiempo en la apretada agenda de los Beatles para una luna de miel. "Fue el primer departamento que tuve que no tuviera que compartir con otros 14 estudiantes de arte", admitió más tarde John. Fue mientras vivía aquí que John escribió "Do you want to know a secret?". El secreto en cuestión era que se había dado cuenta de que estaba realmente enamorado. Como con "Please please me", tuvo su génesis en una canción su madre le solía cantar, que a su vez había sacado de la película de Disney "Blancanieves y los siete enanitos" de 1937. En una de las primeras escenas del film, Blancanieves está trabajando como ayudante en la cocina y, parada al lado del aljibe del castillo, comienza a cantar a las palomas: "Do you want to know a secret? Do you promise not to tell? We're standing by a Wishing Well" ('¿Quieren conocer un secreto? ¿Prometen no decirlo? Estamos paradas junto al pozo de los deseos') ("I'm wishing", letra y música de Larry Morey y Frank Churchill). En una entrevista con la revista Musician, George Harrison revelaría más adelante que la inspiración musical para esta canción venía de "I really love you", un hit de 1961 del grupo The Stereos. John hizo un demo de "Do you want to know a secret?" con guitarra acústica mientras estaba sentado en un cuarto de baño (hecho evidente a juzgar por el sonido del botón del baño al final del tema). Se le ofreció el tema a otro de los artistas de Epstein, Billy J. Kramer, quien llevó consigo la canción a Alemania como parte de su repertorio. El nombre real de Kramer era Billy Ashton, y fue el tercer artista en firmar contrato con Epstein siguiendo a Gerry and the Pacemakers (Gerry y los Marcapasos). Epstein luego adquirió a los Fourmost, los Big Three, Tommy Quickly y Cilla Black, todos ellos de Liverpool. Kramer volvió de Alemania convencido de que "Do you want to know a secret?" no era un tema que moviera a las masas pero a EMI le gustó lo suficiente como para ofrecerle un contrato de grabación luego de escuchar una cinta de prueba. Llegó al número 2 file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Analisis%20-%20Please%20Please%20Me%20Songs.htm (10 of 12) [10/05/2004 09:45:58 p.m.]

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en Gran Bretaña en el verano de 1963 - la primera vez que un tema de Lennon-McCartney ejecutado por otro artista alcanzara el Hit Parade. Aunque John lo había escrito con su propia voz en mente, cuando los Beatles lo grabaron el tema le fue ofrecido a George. "Pensé que sería un buen medio para él porque sólo tenía tres notas y él no era el mejor cantante del mundo", dijo John.

There's a place (Hay un lugar)

Así como "Misery" indicaba los sentimientos de aislamiento y rechazo que se convertirían en una gran preocupación en la obra de John, "There's a place" nos introduce en lo que iba a convertirse en un tema recurrente: el encontrar comodidad en sus pensamientos, sueños y recuerdos. En "There's a place", John maneja el pesar de su vida refugiándose en la seguridad de sus pensamientos internos y, en una manera más sofisticada, esto es lo que caracterizaría canciones más tardías como "Strawberry Fields Forever", "Girl", "In my Life", "Rain", "I'm Only sleeping", "Tomorrow Never Knows" y tantas otras. "La cosa típica de Lennon", comentaría sobre 'There's a place'. "Está todo en tu mente". "Era una combinación de introversión y extroversión", dice Thelma McGough, quien como Thelma Pickles salía con John cuando ambos estaban en la escuela de arte de Liverpool. "El parecía muy extrovertido pero era pura cáscara. En realidad era muy profundo pero lo mantenía bien escondido hasta que estabas solo con él". Musicalmente John admitió que "There's a place" era su intento de hacer algo "Motown, algo negro", refiriéndose al nuevo sonido que emergía de Detroit en el sello independiente de Berry Gordy. Los éxitos Motown eran mayormente escritos por compositores "en serie" y ejecutados por grupos entrenados en la misma escuela de la compañía grabadora - era música bailable llevada por creativas líneas de bajo, salpicadas por un poco de gospel, tambores y armonías vocales. Entre los grupos favoritos de los Beatles se encontraban Barrett Strong, the Miracles (con Smokey Robinson), las Marvelettes, Marvin Gaye y el "pequeño" Stevie Wonder. De hecho los Beatles iban a jugar un rol crucial en popularizar el sello Motown, inicialmente grabando temas Motown como "Please Mr Postman", "You've really got a hold on me" y "Money", y luego mencionando los nombres de artistas de la grabadora en entrevistas. Al explicar el éxito de su sello a la revista Record World en 1964, Berry Gordy señaló: "Ayudó que los Beatles grabaran varias canciones nuestras. Los conocí y descubrí que eran grandes admiradores de Motown y habían estado estudiando esta música, y continuaron hasta convertirse en unos de los más grandes compositores de la historia. Estábamos absolutamente deleitados". file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Analisis%20-%20Please%20Please%20Me%20Songs.htm (11 of 12) [10/05/2004 09:45:58 p.m.]

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With the Beatles Los Beatles tuvieron cinco años para preparar su primer álbum y cinco meses para el segundo. Luego de años de encontrarse en casa de Paul, con horas de tiempo libre en sus manos, ahora estaban obligados a escribir en sus habitaciones de hotel, en micros y en camarines: en cualquier lugar en donde pudieran tener un momento de paz. Esas presiones puede hacer que algunos compositores se "congelen", pero en cambio resultaron ser un estímulo positivo para John y Paul que, a medida que pasaba el tiempo, desarrollaron la habilidad de componer hits a pedido. John y Paul parecían tener un sentido innato para saber lo que quería escuchar el público. En la creencia de que era importante que cada chica del público sentirse que le estaban cantando personalmente a ella, muchas de sus canciones tenían la palabra "you" (vos) en su título, por ejemplo "From me to you", "Thank you, girl" y "I'll get you". Sin embargo, si en los primeros días ellos podían componer para una audiencia que podían ver y para gente que conocían casi por su nombre, todo cambió una vez que alcanzaron el éxito. De pronto, la policía tenía que idear formas ingeniosas de camuflarlos para entrar y salir de los lugares donde tocaban, y se estaban haciendo famosos en países que nunca habían visitado. Sin embargo, en el pico de la beatlemanía, perseguidos por multitudes de fans gritando y dando alaridos, aún se las arreglaban para componer un éxito atrás del otro. "I want to hold your hand", por ejemplo, fue escrito teniendo en mente el mercado estadounidense, y los propulsó al tope de los charts de Billboard, convirtiéndolos en los primeros artistas británicos en realmente conquistar los EE.UU. En verdad, sus constantes viajes internacionales y el mudarse a Londres fue beneficioso para sus composiciones ya que los expuso a una mayor variedad de influencias. Cada uno que encontraban parecía querer mostrarles algo nuevo. A través de su relación con la actriz Jane Asher, file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Analisis%20-%20With%20The%20Beatles%20Songs.htm (1 of 13) [10/05/2004 09:49:39 p.m.]

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Paul se familiarizó con los musicales, el teatro y la música clásica. Mientras tanto, John estaba en su departamento de Kensington escuchando discos importados de artistas negros como los Miracles, las Shirelles y las Marvelettes. With the Beatles, su segundo álbum, fue una grabación más cuidada que la del primero, y sus sesiones se llevaron a cabo dentro de un período de tres meses. Llegó al N° 1 en Gran Bretaña a poco de ser lanzado en noviembre de 1963 y se convirtió en el primer álbum pop en pasar la venta del millón de copias. Una versión de With The Beatles, titulada Meet The Beatles, fue lanzada en los EE.UU. en enero de 1964 y también llegó al N° 1.

From me to you (De mí para vos)

"From me to you", el tercer single de los Beatles, fue escrito el 28 de febrero de 1963 mientras viajaban en micro desde York a Shrewsbury en la gira con Helen Shapiro. Helen no recuerda verlos escribirla, pero sí tocarla cuando llegaron a Shrewsbury a la tarde mientras se preparaban para su recital de la noche en el Granada Cinema. "Me pidieron de ir a escuchar dos temas nuevos que tenían. Paul se sentó al piano y John se paró junto a mí y cantaron "From me to you" y "Thank you, girl". Dijeron que más o menos sabían cuál era su preferida pero no habían decidido totalmente, así que querían que les dijera cuál sería mejor como para el lado A. Pasó que les dije que me gustaba más 'From me to you' y dijeron 'Buenísimo! Ésa es la que nosotros pensábamos'". Los Beatles tocaron en el Odeon Cinema en Southport, Lancashire al día siguiente, que fue lo más cerca que llegaron con la gira a Liverpool. Allí tuvieron oportunidad de tocar su nuevo tema al padre de Paul para obtener su opinión. Sabían que las letras eran lo suficientemente simples pero estaban preocupados de que la música fuera un poco complicada y que "no pegara con las fans". Fue el padre de Paul el que los convenció de que era una "linda tonadita". El título fue sugerido por la columna del semanario pop New Musical Express, "From You to Us". Paul y John estaban leyendo el número del 22 de febrero, que publicaba las fechas de su gira en la tapa y notas sobre Cliff Richard, Billy Fury y Elvis Presley adentro. Empezaron a "hablar de una de las cartas en la columna", como John reveló en mayo del '63, cuando le preguntaron sobre los orígenes del tema. Sólo había dos cartas y es dífícil adivinar cuál puede haber provocado el comentario. Una carta se quejaba de la "risa maníaca" en dos discos de baile limbo editados recientemente, y la otra se regocijaba de que a Cliff Richards le estaba yendo mejor en el ránking que a Elvis Presley. Quizás fue esta última carta la que desencadenó la propia ambición de los Beatles. Aparentemente Paul y John comenzaron el tema intercalando frases, siendo uno de los pocos file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Analisis%20-%20With%20The%20Beatles%20Songs.htm (2 of 13) [10/05/2004 09:49:39 p.m.]

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temas de los Beatles que construyeron juntos desde cero. El gancho de la canción era el uso del "uuuuuhhh" agudo, inspirado en la grabación de "Twist and Shout" de los Isley Brothers. Cuando Kenny Lynch los escuchó cantando esto en el micro, les dijo "No pueden hacer eso. Suenan como un ramillete de hadas", a lo que respondieron "Está bien, a los chicos les va a gustar". En abril de 1963 John comentó: "Estábamos jorobando con la guitarra durante un buen rato. Después empezó a salir una buena melodía, y comenzamos a trabajarla más. Antes de que se terminara el viaje ya habíamos completado la letra, todo. Estábamos tan contentos". Un año después, nuevamente hablando sobre cómo había sido escrita la canción, John dijo: "Paul y yo tiramos algunas ideas y se nos ocurrió lo que pensamos era una melodía adecuada. La letra no era tan difícil, especialmente porque habíamos decidido no hacer nada que fuera complicado. Supongo que es la razón para que siempre metiéramos "you" y "me" en los títulos de las canciones. Es la clase de cosa que hace que el público se identifique con la canción. Creemos que esto es muy importante. A los fans les gusta sentir que son parte de lo que hacen los artistas." De escribirla a grabarla tardaron cinco días aunque, como John recuerda, "Casi no la grabamos porque pensamos que era muy blusera al principio, pero la concluimos y George Martin la había mejorado con la armónica, estaba bien". En abril de 1963 "From me to you" se convirtió en el segundo éxito en llegar al N° 1 pero, editado por el sello Vee Jay en EE.UU. , ni siquiera entró en el Top 40

Thank You, Girl (Gracias, Nena)

Aunque John y Paul compusieron más de 100 canciones juntos entre el verano de 1957 y el verano de 1962, sólo una en diez llegó a un disco. Ahora que ellos eran estrellas, no podían darse el lujo de ponerse a jorobar, ya que desde ese momento todo lo que escribieran debía ser potencialmente un hit. Entre 1963 y 1965 lanzaron al menos tres singles por año y dos álbumes, una producción increíble para un grupo que estaba, además, constantemente en gira, filmando películas, en contacto permanente con la prensa y componiendo la mayor parte de su nuevo material. Para la época en que los Beatles ingresaron en la industria, la música pop era bastante trillada y anticuada, y se basaba en, digamos, una fórmula. Los lados B de los simples solían ser canciones de descarte, muchas veces compuesta por el productor bajo un seudónimo para poder cobrar las regalías, y los álbumes contenían uno o dos hits recientes y después les metían un montón de “material de relleno”. Los Beatles cambiaron este panorama por completo. De pronto, cada tema contaba. Cada uno de sus simples tenía un lado B tan bueno como el lado A y cada álbum estaba rebosante de file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Analisis%20-%20With%20The%20Beatles%20Songs.htm (3 of 13) [10/05/2004 09:49:39 p.m.]

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potenciales singles. Raramente sus singles aparecían en los discos. “Thank You, Girl”, originalmente titulado “Thank You Little Girl”, fue escrito siguiendo a “Please please me”, con “From Me To You” compuesto como su lado B. Al final, fue “From Me To You” el que obviamente sonó como single, así que “dieron vuelta” el disco. En aquélla época, John parecía estar bastante orgulloso de este tema, pero en 1971 la minimizó como “una cancioncita estúpida que sacamos” y, en 1980, como “uno de nuestros esfuerzos por escribir un single que no funcionó”.

She loves you (Ella te ama)

Aunque los Beatles ya habían alcanzado al número 1 en Gran Bretaña dos veces en 1963, fue con “She Loves You” que ellos llegaron al “toppermost of the poppermost” (lo más top de lo más top), como ellos solían llamarlo en broma. Sus ventas superaron cualquier cosa que hubieran hecho antes y llegó a ser el single mejor vendido de la década en el país, entrando en el Top 20 en agosto de 1963 y manteniéndose hasta febrero del ’64. (En EE.UU. fue un hit pero sólo después de “I want to hold your hand”). No era un simple triunfo comercial. En sólo dos minutos de vinilo, los Beatles destilaban la esencia de todo lo que los hacía frescos y excitantes. Estaba el beat que llevaban, la fina armonización, los femeninos “uuuuuhhhhh” que habían andado tan bien desde “From Me To You” así como también el explosivo entusiasmo de su ritmo. Y encima de esto, el distintivo “yeah yeah yeah”, muletilla que se convirtió en un regalo para los redactores de titulares. La rápida expansión de la beatlemanía de ser un fenómeno regional a nacional puede ser atribuido a su aparición en el programa televisivo “Sunday Night at the London Palladium”, un show en vivo transmitido desde el corazón de Londres el 13 de octubre de 1963. Fue visto por 15 millones de personas en todo el país, el teatro fue copado por cientos de fans enloquecidos y muchos de los que congestionaron las calles linderas al teatro se vieron al día siguiente en la primera plana de los diarios de Fleet Street [N.T.: la calle londinense en la que se encuentran la mayoría de las sedes de los diarios]. Los Beatles no sólo habían transformado la música popular sino que se habían convertido en un fenómeno de la Gran Bretaña de post-guerra. De pronto encontraron sus fotos en todos los diarios nacionales, no sólo en Melody Maker, New Musical Express y Boyfriend. El single que estaba en el centro de esta tormenta era “She Loves You”. La canción fue escrita por John y Paul en Newcastle luego de tocar en el Majestic Ballroom el 26 de junio de 1963. Ese día (cosa rara) tuvieron un día libre antes de continuar su gira a Leeds el 28, y Paul recuerda estar con John en el Turk’s Hotel, sentados en camas separadas, tocando file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Analisis%20-%20With%20The%20Beatles%20Songs.htm (4 of 13) [10/05/2004 09:49:39 p.m.]

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sus guitarras acústicas. Sus primeros tres singles habían sido declaraciones de amor con la palabra “me” en el título. Esta vez, fue la idea de Paul cambiar el enfoque, sacándose ellos del medio y refiriéndose a terceros: “ella” y “vos”. A primera vista, esta es una canción que trata de reconciliación. El que habla se ofrece a emparchar una relación rota haciendo de “mensajero” (“she told me what to say” – “me dijo lo que tenía que decir”) y dando consejos (“apologize to her” – “pedile perdón”). Sin embargo, el crítico de rock norteamericano Dave Marsh detectó “matices más oscuros” en el texto. En “The Heart of Rock’n’Roll” él escribe: “Lo que canta Lennon se trata de una advertencia a su amigo: ‘Mejor que aprecies la amistad de esta mujer, porque si no lo hacés vos, lo haré yo’”. La canción se mantiene ambigua porque si esto se dice como un consejo confidencial a un amigo, o entre dientes a un rival, depende en gran parte en cómo interpreta cada uno el tono de voz. El coro del “yeah yeah yeah” resultó ser una frase perfecta para mostrar el optimismo de la época. No obstante, si el padre de Paul se hubiera salido con la suya, las cosas hubieran sido diferentes. Al escuchar el tema por primera vez, el sugirió cambiarlo a “yes yes yes” – el llamado “inglés de la Reina” (Queen’s English), tal vez, pero no justamente rock’n’roll... Los Beatles no fueron el primer grupo en usar el “yeah yeah”. Frecuentemente se utilizaba como un agregado en el skiffle de los años ’50, y también lo usó Elvis Presley en “Good Luck Charm” (1962) y “All Shook Up” (1957). El sexto acorde que termina el tema era inusual en la música pop, aunque la Glenn Miller Orchestra la había usado a menudo en sus grabaciones en los años ’40. “George Martin se rió cuando la tocamos así para que la escuchara la primera vez”, dijo Paul. “Pensó que estábamos jorobando. Pero sin eso no funcionaba así que lo mantuvimos y eventualmente George [Martin] se convenció”.

I’ll get You (Te conseguiré)

“I’ll Get You” fue escrita por John y Paul juntos luego de “From Me To You” y se grabó como lado B para “She Loves You”, un tema que escribieron unos días después pero que pensaron que era mejor. Las letras, reflexivas más que animadas, parecen deberse más a John que a Paul y hay una llamativa similitud entre los comienzos de ésta (“Imagine I’m in love with you / It’s easy ‘cause I know”) y los comienzos de “Imagine”, su simple de 1971 (“Imagine there’s no heaven / It’s easy if you can”). “I’ll get you” es una de las primeras canciones en formular la creencia de John en la visualización creativa – la idea de que imaginando cambios que uno quiere ver, los estamos produciendo en la realidad. Lanzado como un simple en EE.UU. durante 1963 y nuevamente en 1964, nunca llegó a posicionarse en file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Analisis%20-%20With%20The%20Beatles%20Songs.htm (5 of 13) [10/05/2004 09:49:39 p.m.]

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los ránkings.

It won't be long (No falta mucho)

With The Beatles fue lanzado en noviembre de 1963 y la beatlemanía arrasaba con Gran Bretaña. La tapa de Robert Freeman con retratos en blanco y negro, en donde cada rostro estaba en sombras, marcó un momento definitorio en la iconografía beatle. Mientras el álbum debut había sido grabado en un día, las sesiones de With The Beatles se extendieron durante tres meses, permitiendo que la "crudeza" de una sesión de música beat diera paso a los comienzos de la música pop más elaborada. "Eso fue cuando descubrimos los dos canales" comentó John. "Cuando lo descubrí, grababa todo en dos canales. Desde ese momento no le dejé grabar nada [a George Martin] en un canal. Cuando él decía 'Por favor, este nomás', yo le contestaba 'No'". "It won't be long" era el tema que abría el álbum, escrito por John como un potencial single seguidor de "She Loves You", pero descartado porque, según John, "nunca llegó a serlo". Compuesto como una canción romántica, esta podría ser la historia de la temprana vida de John. Solo y rechazado, se sienta en casa esperando que la chica que lo ha dejado vuelva y lo haga feliz. Como en tantos temas posteriores, contrasta la vida libre que él imagina que los demás llevan con su propia angustia, creyendo que una vez que se haya reunido con su amada todos sus problemas se resolverán. Thelma McGough, que empezó a salir con John un mes antes de que su madre muriera en julio del '58, cree que sus canciones de rechazo no estaban basadas en romances rotos sino en el hecho de que su padre lo había abandonado cuando era chico y luego su madre lo había dejado para que su hermana lo cuidara. "Perdí a mi madre dos veces", solía decir. "Una cuando tenía cinco años, y otra a los 17". "El rechazo y la traición eran su experiencia de vida", dice Thelma. "Cuando lo conocí, la primera conversación como la gente que mantuve con él fue sobre este tema porque mi padre había hecho exactamente lo mismo conmigo y sentíamos que teníamos algo en común. Fue eso lo que ayudó a que nos acercáramos. También, hay que acordarse de que a su madre la atropelló un auto y, aunque él parecía controlar la situación, estaba muy dolido. Los dos nos sentimos muy abandonados. Había una gran diferencia entre John y Paul, aunque ambos perdieron a sus madres de adolescentes. Paul tenía una familia que era como un tejido, con una 'red' de primos y tías. Su padre era absolutamente maravilloso. La vida de John era muy aislada. El vivía con Mimi que lo cuidaba extremadamente bien pero no tenían una relación afectiva estrecha. No había nada tangible".

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All I've got to do (Todo lo que tengo que hacer)

La mitad de las 14 canciones de "With The Beatles" fueron escritas por John y Paul y la mayoría las compusieron exclusivamente para el álbum. "All I've got to do", sin embargo, la escribió John en 1961. El tema era, según él, un intento de "hacer algo tipo Smokey Robinson de nuevo". En 1980, mientras estaba en el estudio grabando las voces para "Woman", Yoko comentó que John sonaba como un beatle. "En realidad se supone que soy Smokey Robinson en este momento, mi querida", respondió John. "porque los Beatles estábamos siempre suponiendo que éramos Smokey Robinson". William "Smokey" Robinson era, en 1963, el líder de 23 años de los Miracles, una banda de Detroit, y un cantante de voz dulce que también sabía componer, arreglar y producir canciones. Bob Dylan una vez se refirió a él como su poeta vivo favorito. Los Beatles también hicieron un cover de su tema "You've really got a hold on me" (que había sido un hit del Top 10 estadounidense de los Miracles en febrero del '63) en este mismo disco. "Cuando ellos lo grabaron, fue una de las cosas más halagador que me hayan sucedido jamás", dijo Smokey. "Lo escuchaba una y otra vez, no para criticarlo sino para disfrutarlo".

All my Loving (Todo mi cariño)

El 18 de abril de 1963 la actriz Jane Asher se encontraba entre el público del Royal Albert Hall de Londres para ver a los Beatles y otros números que se presentaban en un show que saldría en la BBC Radio. Aunque sólo tenía 17 años, la actriz era ya muy exitosa y había aparecido en varias obras, películas y programas de televisión, además de ser una invitada regular de Juke Box Jury (Jurado del Juke Box), un programa de la BBC en donde se armaba un jurado de estrellas que juzgaban los temas pop del momento. Al Royal Albert Hall la había enviado la revista de la BBC “Radio Times” como “la adolescente más conocida de Gran Bretaña” para recoger sus impresiones del espectáculo. El artículo de marras, diseñado para mostrar el efecto que los Beatles tenían sobre la juventud, fue publicado en mayo de 1963, y al principio aparecía una fotografía de Jane luciendo seria y pensativa, y más adelante otra, contrastando fingiendo un ataque de histeria. Su comentario sobre los Beatles fue “Ahora puedo gritar por éstos”. Poco sabía ella que terminaría siendo la novia más famosa de Paul McCartney e inspiraría algunas de sus más celebradas canciones de amor. Ella conoció al grupo luego del show al regresar al Hotel Royal Court en el barrio londinense de Chelsea, y no pasó mucho tiempo hasta que ella y Paul se pusieran a conversar. A poco de esto comenzaron a salir y, antes de fines de 1963, Paul se había mudado a una habitación en la casa de los Asher en Wimpole street. Fue un file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Analisis%20-%20With%20The%20Beatles%20Songs.htm (7 of 13) [10/05/2004 09:49:39 p.m.]

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cambio significativo para Paul porque, dentro del año de haber dejado su casa municipal en Allerton, él estaba viviendo en uno de los barrios más caros del West End londinense con una familia que tenía una cantidad de conexiones sociales de importancia. El padre de Jane era asesor médico y la madre era profesora en la Guildhall School of Music. Tenían un estudio lleno de pinturas y poblado de revistas especializadas, en donde los temas iban de música pop y teatro a nuevos descubrimientos en psicología. Todo ayudó a ampliar los horizontes de Paul, lo cual afectaría positivamente sus composiciones. Paul concibió “All my Loving” como un poema un día mientras se afeitaba. No fue hasta que terminó su día de trabajo que él le puso música a las palabras que tenía en mente. “Fue la primera canción que escribí en la que tuve la letra antes que la música”, dijo. Como tantas canciones de los Beatles ahora que estaban casi permanentemente en gira, era sobre estar separados, pero mientras John hubiera estado lleno de dudas, Paul confía en que las cosas van a funcionar. John, que a menudo escatimaba sus elogios hacia las canciones de Paul, la llamó “un trabajo de puta madre”.

Little Child (Chiquita)

Como la letra de “Little Child” se refiere a un chico “triste y solo” que quiere que una chiquita se juegue por él, la idea inicial probablemente haya venido de John. Cuando se le preguntó por “Little Child” en 1980, todo lo que John dijo fue que había sido otro esfuerzo en escribir un tema para otra persona, “probablemente para Ringo”. Los Beatles estaban entrando en un período en el cual se les comenzaba a pedir que compusieran temas para otros artistas. En abril de 1963, John se había ido de vacaciones a España con Brian Epstein, quien aprovechó la oportunidad para tratar de persuadirlo de que escribiera material original para los otros artistas que él representaba. Los Beatles cumplieron, componiendo “I’ll be on my way” y “Bad to me” para Billy J. Kramer and the Dakotas, “Tip of my Tongue” para Tommy Quickly, “Love of a Loved” para Cilla Black y “Hello Little Girl” para los Fourmost. Paul ha admitido que “los noquearon” en la creencia de que era el trabajo de un equipo compositivo justamente seguir componiendo canciones, reservándose las mejores para ellos y dando las demás a otros.

Don’t bother me (No me molestes)

“Don’t bother me” fue la primera canción de George Harrison en ser grabada por los Beatles y de hecho la primera composición lírica que se le ocurrió. La escribió en agosto de 1963 mientras estaba en el Hotel Palace Court de Bournemouth. Los Beatles estaban tocando seis file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Analisis%20-%20With%20The%20Beatles%20Songs.htm (8 of 13) [10/05/2004 09:49:39 p.m.]

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noches en el Gaumont Cinema de esa localidad balnearia, y fue en esa semana que el fotógrafo Robert Freeman realizó la producción de las famosas fotos para la tapa del álbum. “Compuse el tema como ejercicio para ver si podía escribir una canción”, dijo George. “Estaba en cama, enfermo. Quizás fue por eso que me salió titularla ‘No me molestes”. Bill Harry, fundador del periódico musical de Liverpool “Merseybeat”, sugirió que quizás el título tuviera otro origen. Aparentemente Harry solía jorobar a George cada vez que lo veía para averiguar si había compuesto algo desde su primera composición instrumental “Cry for a Shadow”, que fue incluida en el disco de Tony Sheridan en 1962. “Una noche cuando George estaba por salir, pensó que podía arremeter contra mí y comenzó a escribir un tema al que llamó ‘No me molestes’”.

Hold me Tight (Estrechame fuertemente)

Una versión de “Hold me tight” había sido grabada para el primer álbum de los Beatles pero no la usaron, y antes de volver a la vieja cinta hicieron un nuevo corte para With The Beatles. Escrita por Paul, que la consideraba una “canción de trabajo”, el único comentario de John sobre ella fue “nunca me interesó sea como fuere”. Musicalmente estaba influenciada por el trabajo de las Shirelles, el grupo vocal de New Jersey que en 1961 se había convertido en el primer grupo femenino en ser la sensación de los charts norteamericanos. Los Beatles eran grandes y consistentes defensores de las bandas y cantantes femeninas, y citaban a artistas como las Chiffons, Mary Wells, las Ronettes, las Donays y las Crystals como influencia en sus armonías vocales. Aún antes de llegar a Londres, ya incluían canciones de las Shirelles en su show y en su álbum debut también incluyeron dos de ellas: “Baby it’s you” y “Boys”. Las Shirelles (Shirley Owens, Micki Harris, Doris Coley y Beverly Lee) tuvieron siete hits en el Top 20 de EE.UU. y tres en Gran Bretaña, pero 1963 resultó ser su último año de gloria en los charts. Irónicamente, fueron desplazadas por la llamada “invasión británica”... encabezada por los Beatles.

I wanna be your man (Quiero ser tu hombre)

Aunque Ringo no tenía una gran voz para cantar, en cada show cantaba un tema que se adaptara a su limitado registro vocal, y esta tradición se continuaba en los discos, con una lastimosa entrega de Ringo encastrada casi como un pequeño alivio. Fue teniendo a Ringo en mente que Paul comenzó a escribir “I wanna be your man”, un tema muy básico de cuatro acordes cuya letra no iba mucho más allá de las cinco palabras del título, pero la abandonó luego de tener dificultades en encontrarle la vuelta a la media octava. Poco después, file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Analisis%20-%20With%20The%20Beatles%20Songs.htm (9 of 13) [10/05/2004 09:49:39 p.m.]

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en septiembre de 1963, Paul vio a Andrew Oldham caminando por Jermyn street mientras iba con John en un taxi luego de asistir a un almuerzo en el Variety Club. Le pidió al taxista que se detuviera para recoger a Oldham, así podía hablar con él. Los Beatles habían conocido a Oldham desde su arribo a Londres dado que Brian Epstein lo había contratado como publicista del grupo por un breve período. En abril de 1963, le habían pasado el dato a Oldham de que un grupo, los Rolling Stones, estaban tocando en el Station Hotel en Richmond. Al poco tiempo él se convirtió en su representante. Oldham era un buscavidas que creó la imagen de los Stones de “chicos malos” haciendo que posaran en actitudes poco amigables, dando signos de conducta antisocial y sugiriendo titulares controvertidos a los diarios y revistas. Cinco meses luego de tomar a los Stones, Oldham estaba ansioso de encontrarles buen material para sus singles. Mick Jagger y Keith Richards todavía no componían y su primer simple, que había vendido 100.000 copias, había sido un cover de “Come On”, una canción de Chuck Berry. El compartió su preocupación con los dos beatles que habían visto tocar a los Stones dos veces en clubes de Londres, y Paul inmediatamente mencionó el inconcluso “I wanna be your man”. El taxi se desvió rápidamente hacia “Studio 51” en Great Newport Street, un club cuyo dueño era el músico de jazz Ken Colyer, donde los Stones estaban ensayando. Fue allí donde la canción se les tocó a los Rolling Stones, y Brian Jones, su entonces líder indiscutible, dijo que le gustaba pero le preocupaba que no pudieran utilizarla porque no estaba terminada y Decca los estaba presionando para que sacaran un simple. John y Paul lo conversaron un momento y entonces John dijo: “Miren, si les gusta la parte principal del tema se lo terminamos ahora mismo”. Se fueron a otra habitación y al rato salieron con la canción ya concluida. “I wanna be your man” llegó al N° 12 en Gran Bretaña y ayudó a que los Rolling Stones se convirtieran en un número importante. A la prensa le gustaba mostrar a los Beatles y a los Stones como enemigos acérrimos pero en realidad siempre fueron íntimos amigos, de hecho unos se aparecían en las sesiones de los otros y socializaban en los clubes. John más tarde comentó que, para los Beatles, “I wanna be your man” era una canción “para tirar”, y por eso la cedieron antes de grabarla ellos mismos (cosa que hicieron al día siguiente con Ringo como vocalista). “No les íbamos a dar nada genial, ¿no?”, dijo John.

Not a second time (No por segunda vez)

Paul dijo que la inspiración musical detrás de "Not a second time" fue Smokey Robinson and the Miracles, mientras que los principales honores de componerla se los llevaba John. Fue otro ejemplo de John file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Analisis%20-%20With%20The%20Beatles%20Songs.htm (10 of 13) [10/05/2004 09:49:39 p.m.]

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dejando que sus sentimientos (en este caso, el de ser herido) se mitiguen gracias a su trabajo. Luego de haber sido abandonado y de haber llorado, la respuesta del autor es cerrar sus emociones porque no puede enfrentar la posibilidad de que lo hieran nuevamente. Esta fue una de las primeras canciones de los Beatles en ser objeto de análisis crítico de parte de un diario de prestigio. William Mann, entonces crítico musical de The Times (Londres), comparó parte de ella con la "Canción de la Tierra" de Gustav Mahler. John dijo más adelante que esta crítica fue responsable de "iniciar toda la cosa intelectual alrededor de los Beatles". "El interés armónico es típico de sus canciones rápidas también", escribió Mann, "y uno tiene la impresión de que ellos piensan simultáneamente en la armonía y la melodía de tan firmes que son las séptimas mayores y novenas construidas en sus temas, y los cambios de tono subdominante bemol son tan naturales como la cadencia eólica al final de 'Not a Second Time'..." El comentario de John fue "No tenía de qué cuernos se trataba todo eso". Otra vez dijo que pensaba que eso de 'la cadencia eólica" sonaba como el nombre de pájaros exóticos.

I want to hold your hand (Quiero tomar tu mano) Había un

piano en un cuarto de trabajo en el sótano de la casa de los Asher en Wimpole street en donde John y Paul solían trabajar. Fue ahí donde se les ocurrió “I want to hold your hand”, la canción que los consagró en EE.UU. cuando alcanzó el N° 1 en enero de 1964.Fue un logro digno de señalar porque ningún artista pop británico había realmente sacudido a los EE.UU. En 1956 Lonnie Donegan, el “Rey del Skiffle” había alcanzado el Top 10 con “Rock Island Line” pero sólo después de cuatro meses de estar en gira. Cliff Richard había estado también en gira, había filmado películas y aparecido en el Show de Ed Sullivan pero solamente tuvo un hit menor con “Living Doll”. Los únicos discos británicos en llegar al tope de los charts estadounidenses fueron “Auf Wiedersehen” de Vera Lynn en 1952, “Stranger on the Shore” de Acker Bilk en 1961, y “Telstar” de los Tornadoes en 1962. Luego de decepcionantes ventas con los sellos Vee Jay y Swan, los Beatles estaban ahora con Capitol y Brian Epstein les había prometido que el primer single que sacaran estaría diseñado con un sonido “norteamericano” en mente. Según John, “I want to hold your hand” comenzó a existir cuando, luego de ocurrísele una frase de apertura, Paul tocó un acorde en el piano: “Me di vuelta y le dije: ‘Ahí está! Hacelo de nuevo!’ En esos días, solíamos escribir así – el uno metiéndose en lo del otro”. Gordon Waller, amigo del colegio de Peter (el hermano más grande de Jane Asher) (que después formaron el dúo file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Analisis%20-%20With%20The%20Beatles%20Songs.htm (11 of 13) [10/05/2004 09:49:39 p.m.]

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Peter and Gordon), también recuerda estar en la casa ese día. “Por lo que me acuerdo John estaba en un órgano a pedal al cual todos íbamos a hacer nuestros ‘ruidos’ y nos llamaron para hacernos escuchar la canción que recién habían compuesto. No estaba totalmente lista pero la estructura y el coro estaban ahí”. Los Beatles estaban, por supuesto, jugando para su mercado, las adolescentes para las cuales el tomarse las manos y ser besadas era lo más en expresión física. “I want to hold your hand” no era ciertamente un indicativo de su propia reticencia sexual. Robert Freeman, el fotógrafo que tomó la foto para la tapa de With The Beatles, vivía en un departamento justo abajo del de John en 13 Emperor’s Gate en Kensington, y trató de educarlo en jazz y música experimental mientras John lo llevaba para el lado del rock’n’roll. “John estaba intrigado por un álbum contemporáneo de música experimental”, recuerda Freeman. “Había un tema en el cual una frase musical se repetía, como si el disco estuviera rayado. El efecto fue usado en ‘I want to hold your hand’ según yo le sugerí: ‘that my love, I can’t hide, I can’t hide, I can’t hide’”. Los Beatles se enteraron de que “I want to hold your hand” había trepado al N° 1 en EE.UU. cuando estaban tocando en París y eso disparó los planes para su primera visita a Norteamérica. Fue porque sabían que a Cliff Richard no había podido tener demasiado éxito en los ránkings en EE.UU., a pesar de haber hecho giras, que estaban decididos a hacer apariciones recién cuando supieran positivamente que podían hacer saltar las taquillas.

This Boy (Este muchacho)

“This Boy” fue escrito por John en un cuarto de hotel como un ejercicio de armonía a tres voces y fue inspirado (como tantos otros temas) en Smokey Robinson y los Miracles. Según George, “la media octava era John queriendo hacer de Smokey”. La letra, a decir de John, no importaba. Todo lo que interesaba era “el sonido y la armonía”. La armonía era parte integral del trabajo de los Beatles, y la influencia en particular de los Everly Brothers es evidente en esta canción. Se habían familiarizado con la armonización a tres voces de cantar “To Know Him is to Love Him” de Phil Spector, un hit de 1959 de los Teddy Bears. Decir que la letra no importaba no era lo mismo que decir que no tenían sentido. John se retrataba aquí como un perdedor esperando que su amada volviera.

I call your name (Te llamo)

John admitió haber escrito “I call your name” cuando no había “ni Beatles ni grupo”. Como los Quarry Men, su primer banda, se formó muy poco después de la adquisición de su primera guitarra en marzo de 1957, la

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debe haber escrito o bien cuando estaba aprendiendo a tocar o quizás antes cuando él solamente sabía tocar el banjo. Los Quarry Men fueron inicialmente un grupo de skiffle formado por amigos del Quarry Bank High School for Boys. Rod Davies, que tocaba el banjo con ellos, no recuerda que John compusiera en esos días: “Lo que hacíamos era escuchar los últimos simples cuando los pasaban por la radio y tratábamos de copiar la letra. El tema era que si no las entendías o no eras lo suficiente rápido para copiarlas, te quedabas trabado. Entonces lo que John hacía era agregar sus propias palabras a las melodías para completarlas. Nadie parecía darse cuenta porque total nadie sabía la letra verdadera. Había una canción llamada “Streamline Train” que John re-escribió como “Long Black Train”. También le puso nuevas letras al hit de Del Vikings “Come Go With Me” y yo ni me di cuenta hasta que escuché la versión original años después”. Si la canción fue escrita hacía tanto como John creía, es interesante que ya en sus épocas de secundaria estuviera escribiendo sobre la desesperanza. La frase “I never weep at night, I call your name” (Nunca lloro de noche, te llamo) es muy similar a “In the middle of the night, in the middle of the night I call your name” (en la mitad de la noche te llamo) de “OhYoko”, un tema suyo de 1971 (del disco “Imagine”). John agregó el break instrumental de blue beat jamaiquino en 1964. El blue beat y el ska, traídos al Reino Unido por los inmigrantes de las Indias Occidentales, se puso de moda entre los mods británicos, y el sello grabador Blue Beat, fundado por Ziggy Jackson en 1961, había lanzado 213 simples en los tres años anteriores. Dos semanas después de la grabación de “I call your name”, el New Musical Express se preguntaba si el ska y el blue beat no iban a ser el nuevo punto sobre el cual se iba a hablar en la música pop. Con los Beatles dando vueltas, no había chance de que eso sucediera.

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A hard day's night “A hard day’s night” marcó un rompimiento ya que fue el primero de sus álbumes en el cual todos los temas eran propios. Personalmente, fue también un tour de force para John, siendo el mayor contribuyente: de 13 temas que tiene el disco, 10 son suyos. Siendo el miembro fundador de los Quarry Men, John era tácitamente el líder por aquellos días. Aunque Paul era musicalmente más avezado que John (tocó la guitarra y el piano antes que John) todavía mantenían una relación principiante-alumno avanzado que comenzó cuando se conocieron en 1957. John reconoció luego que éste fue el período de su mayor liderazgo en los Beatles y que sólo fue cuando él comenzó a ponerse “tímido e inhibido” que Paul lo quitó de ese lugar. Según John, la mayoría de los singles del grupo hasta ese momento, o los había escrito él o era él el vocalista principal. La única razón por la cual Paul y no él fue primera voz en “A Hard Day’s Night” era porque John no llegaba a las notas altas. Siete de los temas fueron escritos para el film “A Hard Day’s Night” aunque una de ellas, “I’ll cry instead” fue dejada de lado a favor de “Can’t Buy me Love”, un single que Paul había escrito bajo presión. Los Beatles todavía escribían canciones a pedido pero ponían más de ellos mismos en sus temas. Por ejemplo, “If I fell” era una de las canciones más reveladoras de la psiquis atormentada de John. Igualmente, “And I love her” era una de las canciones más personales de Paul –una declaración de su amor por Jane Asher. Para esa época, poca gente sabía cómo o por qué las canciones habían sido escritas. Sólo después de la ruptura de la banda se conocería la autoría de cada tema individual y los detalles que los rodeaban, por ejemplo la decadencia del matrimonio de John y Cynthia. Al principio, el film “A Hard Day’s Night” fue concebido pura y exclusivamente para vender el disco con la banda sonora pero, como con todo lo que los Beatles tocaban en 1964, la película tuvo un éxito de taquilla espectacular, file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Analisis%20-%20A%20Hard%20Day's%20Night%20Songs.htm (1 of 9) [10/05/2004 09:37:50 p.m.]

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recuperando sus costos de producción y superándolos 30 veces. La idea era recrear el delirio de la Beatlemanía, mostrando el ascenso a la fama del grupo en una especie de documental blanco y negro. Poco menos que un vehículo para su talento musical, se les dieron papeles simples y un elenco de artistas que pudieran cubrir sus debilidades actorales. “Estaba con los Beatles en París cuando tocaron ahí en enero de 1964,” dice el guionista Alun Owen. “También estuve cerca de ellos informalmente en muchas otras ocasiones. El sinsentido más grande que se haya escrito sobre el film es que fue improvisado. Nada que ver. En esa época ellos tenían 22 o 23 años. Nunca habían actuado. Si te fijás en el libreto, ninguna frase es más larga que seis palabras, porque no hubieran podido con más de eso. Las únicas improvisaciones las hizo John”. A los Beatles les complació el resultado final. Aunque sabían que sólo mostraba un lado de sus personalidades y no era tan realista como podría haber sido, reconocieron que “A Hard Day’s Night” evitó los clichés típicos de la mayoría de las películas pop. El álbum fue lanzado en Gran Bretaña en julio de 1964 y un mes antes en EE.UU., llegando al N° 1 en ambos países. La versión norteamericana era sustancialmente diferente, ya que contenía solamente las 7 canciones de la película y “I’ll cry instead”. Se llegó a las doce canciones dado que se incluyeron varias versiones orquestrales de temas de Lennon y McCartney.

A hard day’s night (Anochecer de un día difícil)

A principios de los sesenta, era habitual para las estrellas del pop filmar una película luego de tener una seguidilla de hits, tal como Elvis Presley había hecho en los ’50. “The Young Ones” (1961) y “Summer Holiday” (1962) constituyeron grandes éxitos de taquilla en el Reino Unido para Cliff Richard, y otros artistas británicos un poco menos importantes que Richard, como Adam Faith, Tommy Steele, Billy Fury y Terry Dene también habían llegado a la pantalla grande. Los Beatles quisieron hacer algo desde un ángulo distinto y tuvieron la suerte de conocer al director Dick Lester, cuyos rápidos cortes unido a su imaginativo manejo de cámaras capturó la locura y frescura del pop. Las negociaciones por el film habían comenzado en octubre de 1963 y, en noviembre, el guionista liverpuliano Alun Owen, que, dado su origen, tenía un oído especial para la forma de hablar de los Beatles, acompañó al grupo a Dublin y Belfast para observarlos mientras trabajaban y captar el sabor de la beatlemanía. Sin haber visto el libreto, los Beatles tuvieron que componer siete temas para la película. Dos de ellos fueron compuestos en París durante enero de 1964, cuatro al mes siguiente en Miami en solamente dos horas, y la canción del título se escribió en Londres. “Todos los temas, excepto ‘A hard file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Analisis%20-%20A%20Hard%20Day's%20Night%20Songs.htm (2 of 9) [10/05/2004 09:37:50 p.m.]

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day’s night’, se compusieron independientemente de lo que yo estaba escribiendo”, dicen Owen. “Paul y John las compusieron y se fueron adaptando al libreto a medida que salían las cosas. Ninguna tenía ninguna relación con la trama. Eran temas sueltos”. Los Beatles no tenían un título para el film, luego de rechazar “On the move”, “Let’s Go” y “Beatlemania”. La última canción que se escribió fue “A hard day’s night” y eventualmente se convirtió en título del film y del álbum. La frase se le atribuye a Ringo Starr que en 1964 dijo: “Yo vine con la frase ‘A hard day’s night’. Se me ocurrió nomás. Fuimos a hacer un trabajo y estuvimos todo el día, y resulta que seguimos trabajando también toda la noche. Yo aparecí, pensando que era de día todavía, y dije ‘fue un día difícil...’ miré alrededor, vi que era oscuro y agregué ‘una noche... de un día difícil’”. Si Ringo inventó la frase, debe de haber sido en 1963 y no en el set de filmación como se suele decir, ya que John la incluyó en su libro “In his own write” ese año. Como sea, a Dick Lester le gustó como título ya que sintetizaba el ritmo frenético de la película así como también el humor de los Beatles, así que un día mientras llevaba a John en su auto de regreso a casa, le comentó que pensaba usarlo. A la mañana siguiente John vino con una canción que fuera con ese título. La periodista del ‘Evening Standard’ Maureen Cleave, que había sido una de las primeras periodistas en escribir sobre los Beatles, recuerda a John entrando en el estudio el 16 de abril de 1964 con las letras escritas al dorso de una tarjeta para su hijo Julian, que recién había cumplido un año. Inicialmente la canción decía: “But when I get home to you, I find my tiredness is through, and I feel alright”. Cleave le dijo que el verso “my tiredness is through” le parecía un tanto flojo. John tomó una lapicera, lo tachó y escribió: “I find the things that you do, they make me feel alright”. Maureen recuerda que “la canción parecía materializarse como por arte de magia. Era así: John le tarareaba algo a los demás, entonces todos acercaban la cabeza, tarareaban juntos y tres horas después tenías un disco”. Aunque Paul no había escrito la letra, mientras promocionaban la película en EE.UU. se le pidió que explicara cómo surgió: “Parecía un poco ridículo escribir una canción cuyo título fuera ‘A hard day’s night’ porque la frase sonaba humorística en esa época, pero la idea surgió a partir de decir que había sido la noche de un día duro y que habíamos estado trabajando todo el día y al volver con tu chica todo está bien. Y así se convirtió en un tema de ésos”. “A hard day’s night” se pasaba durante los títulos al principio y al final de la película. Era el primer corte del disco de la banda sonora y llegó al N° 1 en Gran Bretaña y EE.UU. El actor cómico Peter Sellers, una vez miembro de los Goons (el elenco de comedia de radio preferido de John) grabó “A hard day’s night” recitándolo como si fuera Laurence Olivier haciendo un monólogo de Shakespeare, y se posicionó en el Top 20 británico en file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Analisis%20-%20A%20Hard%20Day's%20Night%20Songs.htm (3 of 9) [10/05/2004 09:37:50 p.m.]

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diciembre de 1965.

I should have known better (Debería haberlo sabido mejor)

Lanzado como el lado B de “A hard day’s night” en EE.UU., “I should have known better” fue la primera canción del film ejecutada en una secuencia donde los Beatles y el “abuelo” de Paul (interpretado por Wilfred Brambell) están en un tren y son expulsados al vagón del correo. Comienzan a jugar a las cartas y, varias tomas después, aparecen con guitarras, armónica y batería. “Parecía el lugar natural en donde hacer el primer tema”, dijo Alun Owen. Aunque bastante de la filmación fue efectuado en trenes que iban desde Londres hasta la parte occidental del país, “I should have known better” fue en realidad filmado en un set en los Twickenham Film Studios. Sorpresivamente para una canción de John, ésta es muy optimista: él la ama, ella lo ama y todo va bien.

If I Fell (Si me enamorara)

La logística de meter los temas dentro de la trama previamente escrita y la decisión de no darle a ninguno de los Beatles el protagonismo de una historia romántica hizo que John tuviera que cantarle esta canción a Ringo. “Estamos en el estudio de televisión y se supone que Ringo está un poco malhumorado”, Paul explicó en 1964, “y John lo empieza a cargar y le canta la canción como si le estuviera cantando a él. Nos tentamos de la risa mientras lo hacíamos”. “If I fell” es una de las canciones de John más hermosas y una de las más expresivas. Es sobre una relación ilícita. El le pide a la mujer en cuestión una seguridad de que si él deja a su esposa por ella, que ella lo amará más de lo que jamás lo hayan amado antes. Es la historia de alguien que está ansioso por evitar la confrontación. Sabe que si deja su matrimonio causará dolor así que sólo quiere hacerlo si obtiene una garantía de compromiso de parte de su amante. John dijo que la canción era “semi-autobiográfica” y se sabe que le era infiel a su esposa Cynthia, aunque para esa época ella estaba abstraida de lo que estaba sucediendo. “Por supuesto que soy un cobarde”, dijo en 1968 al hablar de su primer matrimonio. “No iba a largar todo y dejar a Cynthia para quedarme solo”. John vio a esta canción como a su primera balada “como la gente” y una precursora de “In my life”, su tema sobre crecer, que usaría la misma secuencia de acordes.

And I love her (Y la amo)

El afecto de Paul por el rock’n’roll no significaba de ninguna manera file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Analisis%20-%20A%20Hard%20Day's%20Night%20Songs.htm (4 of 9) [10/05/2004 09:37:50 p.m.]

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que él ignorara o minimizara lo que lo había precedido. Le encantaba la música de las big bands de los años ’20 y ’30 que ponía su padre, la canciones de music hall victorianas que sus parientes cantaban alrededor del piano y las melodías de los programas de los ’40 y los ’50. Aún en los días de Hamburgo y del Cavern Club en Liverpool, Paul había cantado “Till there was you”, una canción del musical de Broadway “The music man” (1957), más tarde popularizada por Peggy Lee, e incluida en “With The Beatles”. Desde estas primeras performances Paul debe haberse dado cuenta de que las baladas enriquecían el espectáculo de los Beatles, y compuso “And I Love Her” como un primer intento para llenar ese espacio. John dijo que fue el primer “Yesterday” de Paul. La idea inicial era escribir una canción con un título que comenzara a mitad de oración. Paul escribió después los versos y le pidió ayuda a John para la media octava. A Paul no se le escapó que casi una década después Perry Como grabó una canción titulada “And I love you so”. La grabación de este tema comenzó en febrero de 1964 y fue la primera canción de los Beatles en presentar solamente instrumentos acústicos (Ringo tocaba los bongós). En el film, se los muestra grabando el tema para un programa de televisión. Sólo un mes antes de la grabación, Jane Asher comentó al escritor norteamericano Michael Braun : “El problema [con Paul] es que él quiere la adulación de las fans y la mía también. Es tan egocéntrico. Es su mayor defecto. No ve que mis sentimientos hacia él son reales y los de las fans son fantasía”. Paul dijo que no compuso la canción para nadie en particular pero es difícil creer que en sus primeras épocas con Jane Asher él estuviera escribiendo canciones tan tiernas a una chica imaginaria.

I’m happy just to dance with you (Soy feliz sólo por bailar con vos)

John compuso “I’m happy just to dance with you” para que George la cantara en la película “para darle un poco de la acción”, y fue filmada en vivo en el Scala Theatre en Charlotte street, Londres. Como el miembro más joven de los Beatles, en ese momento estaba a la sombra de Paul y John. Cuando comenzó a componer sus propios temas, comenzó a sentir resentimiento porque no se consideraban más de ellas para incluir en los discos. John también se sintió herido en 1980 cuando George publicó su biografía “I Me Mine” y no hizo mención a su influencia en su manera de componer.

Can't buy me love (No puede comprarme amor)

En enero de 1964, los Beatles fueron a París para 18 días de recitales en el teatro Olympia. Se quedaron en el hotel cinco estrellas George V, file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Analisis%20-%20A%20Hard%20Day's%20Night%20Songs.htm (5 of 9) [10/05/2004 09:37:50 p.m.]

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ahí nomás de los Champs Elysées, y se colocó un gran piano en una de sus suites para que pudieran continuar componiendo. Fue ahí donde John y Paul escribieron "One and one is two" para Billy J. Kramer y Paul compuso "Can't buy me love". Con un nuevo single que había que sacar en marzo, y las novedades de que "I want to hold your hand" se había disparado a la cima de los ránkings en EE.UU., no había tiempo que perder. George Martin, que se había acercado a los Pathé Marconi Studios en París para grabar la canción recién salida del horno, sugirió comenzarla con el estribillo. Aunque se usó "She loves you", "I wanna be your man", "Don't bother me" y "All my loving" en "A hard day's night", "Can't buy me love" fue la única canción previamente grabada en incluirse en el disco de la banda sonora. Esto se debió a que fue metida en el film a último momento para reemplazar "I'll cry instead", que a Richard Lester n ole pareció apropiada para la escena en cuestión. "Can't buy me love" se utilizó en la película mientras la banda huía por las escaleras de incendio en la parte de atrás de un teatro (precisamente del Odeon Theatre en Hammersmith, Londres) y jugueteaban a campo abierto (en parte, Isleworth). Fue la primera experiencia de libertad del grupo en el film después de haber estado encerrados durante días en autos, trenes, camarines y hoteles. El guionista Alun Owen recuerda: "My dirección de escena en ese momento fue muy simple. Decía: 'los chicos llegan al escape de incendio. Corretean y se comportan en forma tonta.'" En 1966, periodistas norteamericanos le preguntaron a Paul si "Can't buy me love" era una canción sobre prostitución. El respondió que todas las canciones quedaban a libre interpretación de la gente, pero que esa sugerencia iba demasiado lejos.

Any time at all (En cualquier momento)

Estando ya escritas las canciones para el fin, ahora continuaba la carrera por componer temas que completaran el segundo lado del álbum de la banda sonora. En esa época John era el compositor más prolífico: compuso 5 de las 7 canciones de la película, y compondría todos menos un tema del lado B del disco. Esto no lo logró sin dificultades. "Any time at all", admitió más tarde, fue una re-creación de "It won't be long" usando la misma progresión de acordes de do a la menor y vuelta y, cuando hubo que grabarla, se empleó el mismo estilo vocal "gritado". En enero de 1964 John habló sobre algunos de los cambios en sus técnicas de composición: "Si encontraba un nuevo acorde, solía componer un tema a partir de él. Pensé que si había un millón de acordes, nunca se me iban a terminar. A veces los acordes llegaron a ser una obsesión y comenzamos a poner algunos que eran innecesarios. Decidimos luego mantener la simpleza de las canciones y es la mejor forma. Nos puede haber sonado bien pero los acordes file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Analisis%20-%20A%20Hard%20Day's%20Night%20Songs.htm (6 of 9) [10/05/2004 09:37:51 p.m.]

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extra no va a hacer que a la gente le guste más. Esa es la manera en que lo mantuvimos". Hubo sólo otras tres ocasiones en que él comentó que otras canciones de los Beatles fueran recicladas. Dijo que "Yes it is" era una reescritura de "This Boy", "Paperback writer" era hija de "Day Tripper" y "Get Back" era una "recreación hirviente" de "Lady Madonna".

I'll cry instead (En cambio, lloraré)

"I'll cry instead" era originalmente el tema que sería utilizado para la secuencia de las escaleras de incendios en "A hard day's night" pero después se la descartó a favor de la ya lanzada "Can't buy me love". Sin embargo, cuando se hizo un re-master del film para su lanzamiento en video en 1986, la canción fue puesta de vuelta en la película mientras se pasa un collage de imágenes que preceden los títulos de apertura. John había escrito sobre "llorar" en muchas de sus canciones hasta el momento, pero "I'll cry instead" marcó una diferencia dado que él decía que lloraría ahora antes que vengarse, pero una vez que terminara de llorar volvería para buscar venganza. Él imaginaba volver y romper los corazones de las chicas por el mundo, como si causando que se enamoraran de él para luego desdeñarlas pudiera castigar a todos los que alguna vez lo habían rechazado a él. Más tarde admitiría que a veces había sido violento y en "Getting Better" pudo escribir sobre su crueldad hacia las mujeres como algo ya superado. Esta también fue la primera canción en la cual John admitió tener una propensión a buscar camorra a causa de su resentimiento o rencor, un indicativo de que estaba ingresando en un período de profundo autoexamen que continuaría hasta su primer álbum solista luego de la ruptura de los Beatles.

Things we said today (Cosas que dijimos hoy)

En mayo de 1964, una vez completada la filmación de "A hard day's night" y luego de cumplir con algunos compromisos de actuaciones en Inglaterra y Escocia, los Beatles y sus compañeras se tomaron unas vacaciones. John y George hicieron un viaje alrededor del mundo con paradas en Holanda, la Polinesia, Hawaii y Canadá, mientras Paul y Ringo fueron a Francia y Portugal antes de despegar hacia las Islas Vírgenes. Cuando estaba en el Caribe, Paul alquiló un yate llamado "Happy Days" y fue mientras estaba abordo con Ringo, Maureen y Jane que escribió "Things we said today" con su guitarra acústica. Esta canción era un reflejo de su relación con Jane visto que él sabía, por la naturaleza del trabajo de ella, que los momentos que estuvieran juntos serían escasos. Cuando ellos estaban separados, según Paul, se aliviaría con el recuerdo de las cosas que habían dicho ese día. file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Analisis%20-%20A%20Hard%20Day's%20Night%20Songs.htm (7 of 9) [10/05/2004 09:37:51 p.m.]

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When I get home (Cuando llegue a casa)

En la época en las que "When I get home" fue escrita, se le preguntó a John que canción hubiera querido escribir y dijo que su primera opción sería "Can I get a witness" de Marvin Gaye. "Después hay otras cosas de Tamla Motown que nos gustan. Es difícil escribir buenos temas de 12 compases, porque se ha hecho tanto con ellos ya. Prefiero componer un tema con acordes por todos lados". Un tema inusualmente optimista para John, la letra revelaba sus pensamientos sobre lo que iba a decirle y hacerle a su "chica" cuando llegara a casa. Levemente cercana al tema de "A hard day's night" ("... and when I get home to you...") muestra que todavía pensaba en el hogar como el lugar donde el amor verdadero lo estaría esperando. A pesar de su imagen como el "canchero" del grupo, John no era más que un tipo casero que quería acurrucarse frente a la tele con una provisión de libros y revistas. Encaja con esta idea el hecho de que haya pasado las últimas décadas de su vida como un amo de casa, feliz de estar confinado en las habitaciones de su departamento en el edificio Dakota de Nueva York.

You can't do that (No podés hacer eso)

Tanto en Gran Bretaña como en EE.UU. "You can't do that" fue el lado B de "Can't buy me love". En esta canción, en lugar de llorar, John intenta amenazando. Le dice a su chica que si la agarra hablando con otro la va a dejar inmediatamente. Sabe qué es sentirse rechazado y tratado con desdén, y está decidido a que no le suceda otra vez. La influencia musical, a decir de John, fue Nelson Picket, el ex -cantante de gospel de Alabama que en ese momento sólo había lanzado tres singles bajo su propio nombre en EE.UU., y solamente uno de los cuales había logrado ser un éxito menor. No obstante, recién en 1965, cuando firmó contrato con Atlantic Records, Picket se hizo famoso como uno de los grandes cantantes de soul de los '60 con hits como "Mustang Sally", "634-5789" y "In the midnight hour". Fue a sugerencia del guitarrista Duane Allman que Picket grabó "Hey Jude" en 1969 y se las arregló para hacer de ella un hit al mismo tiempo que la original de los Beatles estaba en los charts. En la grabación de "You can't do that" John tocó la primera guitarra con su recientemente adquirida Rickenbacker mientras George tocaba una guitarra de 12 cuerdas por primera vez en un disco de los Beatles. "Me embola tocar la guitarra rítmica todo el tiempo", confesó John a Melody Maker. "Me gusta buscar algo interesante para tocar. El mejor ejemplo es lo que hice en 'You can't do that'. No había en realidad un primer guitarrista y un guitarrista rítmico en ésa porque... la rítmica es tan 'flaca' para los discos". file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Analisis%20-%20A%20Hard%20Day's%20Night%20Songs.htm (8 of 9) [10/05/2004 09:37:51 p.m.]

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I'll be back (Volveré)

John encontró los acordes para "I'll be back" mientras tocaba un tema de Del Shannon, probablemente "Runaway" (Fugitiva), que los Beatles había tocado en sus primeros shows, y que comienza en un acorde menor y tiene una línea de bajo descendente. Shannon tuvo hits en 1961 y 1962 con "Runaway", "Hats off to Larry", "So long baby" y "Hey little girl". En 1963, luego de su éxito "Little Town Flirt", tocó el 18 de abril en el Royal Albert Hall de Londres con los Beatles y se ofreció a exponer su trabajo en los EE.UU. haciendo un cover de alguna de sus canciones en un single. Los Beatles estuvieron de acuerdo y cuando Shannon regresó a su país hizo una versión de "From me to you" que, aunque sólo alcanzó el puesto 77 en los charts, fue la primera composición Lennon-McCartney en figurar en el ránking norteamericano.

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Beatles for sale La tapa de Beatles for Sale mostraba la otra cara de la beatlemanía: el cansancio, el abatimiento y la soledad de la vida ahí en la cima. John, Paul, George y Ringo lucían exhaustos y desgastados en las fotos de tapa de Robert Freeman, y, faltándoles un poco la chispa para componer, sólo pudieron presentar ocho temas de ellos de los catorce que contenía el álbum. Covers de sus héroes del rock'n'roll de los comienzos hicieron el resto. Las canciones que ellos pudieron escribir mostraron signos de haber sido compuestas bajo presión. Aunque "Eight Days a Week" es una canción de amor, el título en realidad salió de un comentario de Ringo que se refería a las demandas sobrehumanas que exigía el ser un beatle. Los temas de John eran lo más oscuro que había escrito hasta el momento, con "I'm a Loser" como primer exponente de su estilo confesional de componer. Para llegar a "I'll follow the sun", Paul había revisado sus viejos cuadernos de escuela hasta encontrar un tema que no tocaba desde sus días en el Cavern. La nueva influencia (y más significativa) del disco fue Bob Dylan, que tanto John como Paul habían escuchado y conocido por primera vez en 1964. En los primeros días, los Beatles se habían concentrado principalmente en mejorar la parte musical de los temas -la construcción de acordes, arreglos y cómo sonaban. Dylan fue el primer artista en afectarlos especialmente como letristas. Inicialmente, Paul era el gran fan de Dylan, pero John enseguida se le puso a la par. Les llamaba la atención Dylan porque sus letras eran tan importantes como sus melodías. Al escribir lo que sentía en vez de seguir las convenciones, el estilo de expresión intenso y personal de Dylan contrastaba terriblemente con las anodinas letras de pop de la file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Analisis%20-%20For%20Sale%20Songs.htm (1 of 10) [10/05/2004 09:39:28 p.m.]

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época. Sus letras eran "a medida" más que "de confección". El cambio hacia un estilo narrativo que Dylan inició entusiasmó particularmente a John, ya que él había estado escribiendo poemas y cuentos durante años, más que nada para entretener a sus amigos. Algunas de éstas fueron publicadas en el libro "In His Own Write" de 1964 cuando se lo comenzó a llamar "el beatle literario" y a compararlo con Lewis Carroll, Edward Lear y el James Joyce de "Finnegan's Wake". Dylan, y más tarde el periodista británico Kenneth Allsop, le hicieron ver que no necesariamente tenía que haber una gran brecha entre sus expresiones literarias y sus composiciones líricas. John interpretó esto como "en vez de proyectarme en una situación, trataría de expresar lo que siento sobre mí mismo (como lo he hecho) en mi libro". Beatles for Sale llevó dos meses y medio de grabación y fue lanzado en diciembre de1964, alcanzando el N° 1 en Gran Bretaña. El equivalente estadounidense "Beatles '65" también alcanzó la cima de los charts y vendió un millón de copias la primera semana.

I feel fine (Me siento bien)

Los Beatles completaron el disco "A Hard Day's Night" en junio de 1964 y para mediados de agosto estaban de vuelta en el estudio para comenzar a trabajar en "Beatles for Sale". El 19 de agosto se fueron de Gran Bretaña para realizar la gira norteamericana y regresaron un mes después para retomar su trabajo de donde habían dejado. "A Hard Day's Night" había sido el primer disco en contener únicamente canciones de LennonMcCartney pero, con tan poco tiempo entre un proyecto y otro, fue imposible que compusieran todos los temas para "Beatles for Sale". El 6 de octubre, mientras grababan "Eight Days a Week", John estaba sacando el riff de guitarra que sería la base de "I Feel Fine", una canción que grabaron sólo doce días después. "En realidad escribí 'I Feel Fine' alrededor del riff de guitarra que suena en el fondo", comentó John en diciembre del '64. "Traté de que todas las canciones del álbum tuvieran ese mismo efecto, pero no fue posible". "Les dije que escribiría un tema especialmente para este riff y me contestaron 'Sí, andá y escribilo', sabiendo que casi habíamos terminado el álbum. Bueno, una mañana cuando fui al estudio le dije a Ringo 'Compuse un tema pero es piojoso', pero lo probamos, completo con el riff, y sonaba como un Lado A, así que decidimos lanzarlo así como estaba". Aparte del riff, lo distintivo de "I Feel Fine" es el sonido de feedback que se desplaza en los acordes de la file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Analisis%20-%20For%20Sale%20Songs.htm (2 of 10) [10/05/2004 09:39:28 p.m.]

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apertura del tema. Fue uno de esos descubrimientos que hacían en estudio y que decidieron usar en una canción porque les gustó. Esto marcó un sutil cambio en su enfoque de las grabaciones. Cuando empezaron a dominar lo básico de la grabación, comenzaron a animar a George Martin a que los llevara más allá, encontrando frescas formas de inspiración en ruidos previamente eliminados por tratarse de equivocaciones (cintas dadas vuelta, errores electrónicos, diálogos entre ellos). El feedback se convertiría en una parte familiar de la grabación (y utilizado por artistas como Jimmy Hendrix y los Who), pero John estuvo siempre orgulloso de que los Beatles fueran los primeros en sacarlo en vinilo. "I Feel Fine", la canción más optimista de John, fue N° 1 tanto en Gran Bretaña como en EE.UU.

She's a Woman (Es una mujer)

"She's a Woman" fue escrita en el estudio el 8 de octubre de 1964 por Paul, que hacía también el gritito agudo emulando a Little Richard. Algunas frases y la media octava fueron agregadas por John. "Necesitábamos un número de puro rock y alaridos para el show en vivo. Era bueno tener algo así a mano por si te trababas o había un momento medio aburrido, o para el cierre", comenta Paul. La canción elogia a la mujer de Paul por estar dedicada a él sin egoismos. Lo que fue un poco desafortunado fue encontrar una rima para "present" diciendo que ella era "no peasant" (= no era ninguna campesina)! "She's a woman" fue también la primera canción beatle en contener una velada alusión a la droga. John confesaría más tarde que se enorgulleció de haber insertado la frase "turns me on when I get lonely" (me da vuelta cuando estoy solo) y que se les hubiera pasado a los censores. Cuando usaron la frase "turn you on" tres años más tarde en "A day in the life", les fue prohibido pasarla por la radio: para ese entonces, las autoridades estaban sobre aviso de la creciente cultura de la droga y su terminología. Fue nomás cinco semanas antes de grabar "She's a woman" que los Beatles probaron la marihuana por primera vez. Hasta ese momento, su única experiencia con la droga había sido los preludines y el drinamyl e inhaladores con benzedrina. Fueron introducidos a la marihuana en compañía de Bob Dylan, el día que lo conocieron, en su suite del Delmonico Hotel en Nueva York. Los Beatles solían tomar vino barato entre horas, pero Dylan quería fumarse un porro y asumió que los Beatles ya andaban en la droga porque, por error, pensó que en "I want to file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Analisis%20-%20For%20Sale%20Songs.htm (3 of 10) [10/05/2004 09:39:28 p.m.]

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hold your hand" ellos cantaban "I get high" (me elevo) en vez de "I can't hide" (no lo puedo ocultar). Al principio, los Beatles mostraron un poco de aprehensión en unírsele, pero después bajaron la intensidad de las luces, prendieron velas y sahumerios y colocaron unas toallas húmedas debajo de las puertas. En las horas siguientes, los músicos estuvieron "sin patas de la risa", como dijo después George. Paul pensó que de pronto había sido bendecido con una sorprendente clarividencia y le pidió al road manager Mal Evans que tomara nota. "She's a Woman" fue lanzado como lado B de "I Feel Fine" en Gran Bretaña y EE.UU. "Al principio no fue muy bien recibido", dijo Paul en 1965. "Mucha gente pensó que yo estaba cantando en un tono demasiado alto y que me había salido mal. Sonaba como si estuviera chillando, pero fue a propósito. No era por error".

Eight Days a Week (Ocho días a la semana)

John siempre dijo que "Eight days a week" fue escrito por Paul como un potencial tema que daría título al film de los Beatles que seguiría a "A Hard Day's Night". El director Richard Lester negó esto, señalando que "Eight days a week" se grabó en octubre de 1964, mientras la filmación de "Help!" no comenzó hasta fines de febrero de 1965. Es improbable que estuvieran pensando en la música de la película con tanta anticipación. "El film siempre se iba a llamar 'Help!' pero hubo un problema de derechos de autor ya que alguien había registrado ese título", dice Lester. "Así que originalmente lo llamamos 'Beatles II' y después 'Eight arms to hold you', pero pensar en escribir una canción titulada 'Ocho brazos para abrazarte' hizo que todos extendieran sus brazos al aire y dijeran que era imposible. Fue por eso que dijimos, bah, nos jugamos, total las leyes de registro de marcas y demás eran bastante vagas. Decidimos agregarle el signo de exclamación porque el otro título que sí estaba registrado no lo tenía". La frase "Eight days a week" fue un aporte de Ringo cuando se estaba quejando por la cantidad de trabajo que tenía la banda, que había aumentado considerablemente durante 1964. Paul lo escuchó y decidió incorporarlo en una canción, tal como John había incorporado "A hard day's night" en una historia corta y luego en un tema. A "Eight days a week", el primer tema en ser grabado con una introducción en la cual las voces van apareciendo gradualmente (en lugar de ir desapareciendo al final), se lo consideró para sacarlo como simple hasta que John apareció con "I Feel Fine". file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Analisis%20-%20For%20Sale%20Songs.htm (4 of 10) [10/05/2004 09:39:28 p.m.]

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En EE.UU. fue lanzado siguiendo a "I Feel Fine" y llegó a ser N° 1.

I'm a loser (Soy un perdedor)

Dos hechos que sucedieron en 1964 iban a tener un profundo efecto sobre la composición de John. El primero fue escuchar la música de Bob Dylan en París, cuando Paul adquirió "The Freewheelin' Bob Dylan" de un entrevistador en una radio local. Paul había escuchado la música de Dylan por sus amigos estudiantes en Liverpool, pero era la primera vez que John la escuchaba. Después de oir "Freewheelin'...", el segundo disco de Dylan, fueron a comprar su álbum debut "Bob Dylan" y, según John, "por el resto de nuestras tres semanas no paramos de ponerlo. Nos pusimos de la cabeza por Dylan". El segundo hecho que afectó a John en gran forma fue conocer al periodista Kenneth Allsop, escritor del Daily Mail y entrevistador regular de "Tonight", la revista de BBC Television. La primera vez que John se encontró con él fue el 23 de marzo, cuando fue entrevistado durante cuatro minutos en "Tonight" por el lanzamiento de su libro "In his own write", y luego en un Almuerzo Literario de Foyles en el Dorchester Hotel en la zona de Park Lane en Londres. Allsop, un hombre elegante y escabroso de Yorkshire, tenía 44 años de edad en ese momento y estaba por convertirse en una de las caras más famosas de la televisión británica. Había estado en el periodismo desde 1938, con una corta interrupción durante la guerra, período en el que sirvió en la Real Fuerza Aérea. Fue en la "sala verde", la suite de hospitalidad de los estudios de la BBC en Lime Grove el 23 de marzo que Allsop le habló por primera vez a John sobre sus composiciones, alentándolo a no esconder sus sentimientos reales detrás de las banalidades típicas de la canción pop. Para Allsop era obvio, luego de leer "In his own write", que John tenía mucho más para dar de estar preparado para abrirse y dejar salir a sus sentimientos más profundos. Años después, John dijo a su confidente Elliot Mintz que esta reunión marcó un hito significativo en su manera de escribir. "Me dijo que estaba muy nervioso ese día y, a causa de esto, estaba muy conversador y se puso a charlar con Allsop", dice Mintz. "Allsop le dijo, en esencia, que no estaba terriblemente enamorado de las canciones de los Beatles porque todas tendían a ser 'ella te ama', 'él la ama', 'ellos la aman' y 'yo la amo'. Le sugirió a John tratar de escribir algo más autobiográfico, basado en su experiencia personal más que en esas imágenes abstractas. Eso file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Analisis%20-%20For%20Sale%20Songs.htm (5 of 10) [10/05/2004 09:39:28 p.m.]

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le pegó". Aunque se grabó cinco meses después, "I'm a loser" fue el primer fruto de este encuentro con Allsop. No sería correcto decir que fue un cambio de dirección total, porque desde el principio John había escrito temas en los que se expuso como solitario, triste y abandonado, pero en "I'm a loser" él mostró un poco más de su propio ser verdadero. El la superficie, esta es otra canción sobre haber perdido a una chica pero los versos, que anuncia que bajo su máscara él "tiene el ceño fruncido", sugieren que se considera como un perdedor en más de un sentido. No es sólo un perdedor en el amor: siente que es un perdedor en la vida. Todo esto sería inútil especulación si no fuera por el hecho de que "I'm a loser" puede verse ahora como una etapa primitiva de John en su tortuoso viaje hacia la franca auto-revelación en su composición. En aquel momento, John enseguida atribuyó el efecto a Bob Dylan: "Cualquiera que sea uno de los mejores en su campo (como lo es Dylan) puede influenciar a la gente. No me sorprendería si de alguna manera nosotros lo influenciamos a él", comentó. En mayo del '73, Kenneth Allsop fue a presentar su noticiero "24 horas" y más tarde fue encontrado muerto en su casa. La causa de su deceso fue una sobredosis de calmantes, pero al no hallarse una nota quedó abierta la inquietud de si se trató o no de un suicidio. "Hard Travellin'" el racconto de la vida del vagabundo americano de Allsop que fue publicado por primera vez en 1967, ya se ha convertido en un clásico en su tipo y todavía sigue publicándose.

No reply (Sin respuesta)

"No reply" fue una típica canción de John de traición y celos: otra historia de una chica que se va con otro tipo. Se basó, según dijo una vez, no en su propia experiencia sino en "Silhouettes", un gran éxito de los Rays de 1957 editado por el sello independiente Cameo (de Filadelfia). Compuesta por Bob Crewe y Frank Slaye, que escribían hits para Freddy Cannon, "Silhouettes" le dio un toque distinto a la típica historia de amor y engaño: el chico descubre que es traicionado cuando ve las siluetas a través de las cortinas de la casa de su amada. En la versión de John, el chico comienza a tener sospechas cuando la chica no contesta a la puerta y, cuando él la llama por teléfono, sus padres le dicen que no está. Como en "Silhouettes", él vuelve a su casa y, mirando desde las sombras, la ve irse "con otro hombre". Desde "Please please me", las composiciones de los Beatles habían sido editadas por Northern Songs, una compañía establecida por John, Paul, Brian Epstein y el editor file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Analisis%20-%20For%20Sale%20Songs.htm (6 of 10) [10/05/2004 09:39:28 p.m.]

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musical Dick James, que era amigo de George Martin. James tenía experiencia como cantante y compositor antes de dedicarse a ser editor, y cuando escuchó "No reply", le dijo a John: "Esta es la primera canción completa que escribís, la primera canción que se resuelve sola. Es una historia completa".

I don't want to spoil the party (No quiero arruinar la fiesta)

Los Beatles visitaron brevemente los EE.UU. en febrero de 1964 y tocaron en Washington DC y Nueva York para promocionar "I want to hold your hand". No fue hasta agosto de 1964 que ellos regresaron para su primera gira completa de un mes de duración que los llevaría a 20 ciudades estadounidenses más 3 canadienses. Tocaban doce temas por show, y eran precedidos por cuatro bandas soporte de EE.UU.: The Bill Black Combo, The Exciters, Jackie DeShannon y The Righteous Brothers. John y Paul tenían que componer en sus habitaciones de hotel y cuando viajaban entre un recital y otro. "I don't want to spoil the party" fue uno de los temas que John compuso durante la gira y fue la segunda canción que los Beatles grabaron a su arribo de vuelta a Londres. Es un tema sobre una cita que lo deja plantado y también otro atisbo al ceño fruncido debajo de la máscara. La crisis que John describe no es tanto la pérdida de la chica, la cual puede superar después de un par de tragos, sino su inhabilidad de hacer de cuenta que está feliz. El sabe que si muestra sus verdaderos sentimientos, hará que otros no la pasen bien. John dijo que "I don't want to spoil the party" era una canción profundamente personal y que probablemente se haya inspirado en su creciente terror a tener que ser un beatle siempre feliz y alocado cuando estaba en compañía de políticos, dignatarios de las ciudades que visitaba y de los ejecutivos de las grabadoras y demás. Las frecuentes fotografías que se tomaron durante este viaje muestran a John invariablemente o forzando una sonrisa falsa o mirando como si estuviera en otra parte.

I'll follow the sun (Seguiré al sol)

Como ya se ha explicado, el contraste entre las visiones de la vida que tenían John y Paul no podría ser mayor. Mientras John casi siempre se veía como víctima, Paul se sentía responsable de la vida. En "If I fell", John demandaba una garantía de que el amor duraría. En "I'll follow the sun" Paul acepta que esa promesa no es posible. Sabe que una tormenta puede amenazar file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Analisis%20-%20For%20Sale%20Songs.htm (7 of 10) [10/05/2004 09:39:28 p.m.]

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su relación y por eso hace planes de seguir al sol. Un tema egoísta en cierta forma porque no considera cómo la chica abandonada encontrará su propio sol, era sin embargo una reflexión acertada de la vida romántica que Paul hizo en sus primeras épocas. Pulida a propósito para usar cuando los Beatles estaban presionados a hacer material nuevo, la canción fue escrita originalmente en 1959. Hubo una gran ola de interés en Buddy Holly, luego de su muerte en febrero de ese año, que le dio cuatro hit singles en Gran Bretaña antes de que terminara el año. En "I'll follow the sun", es fácil detectar el efecto que tuvo en el joven Paul McCartney. Holly fue una influencia decisiva en los Beatles porque, a diferencia de Elvis, él escribía todas sus canciones y tenía una banda permanente y completamente identificable. A John, que era corto de vista, lo animó el hecho de que un cantante con anteojos podía llegar a ser una estrella de rock'n'roll, y recordemos que el nombre "Beatles" (escarabajos) se inspiró en su grupo: Buddy Holly and the Crickets (Buddy Holly y los Grillos). "Beatles for Sale" incluyó además un tema de Chuck Berry ("Rock'n'Roll music"), uno de Leiber & Stoller ("Kansas City"), uno de Little Richard ("Hey hey hey"), uno de Buddy Holly ("Words of love") y dos de Carl Perkins ("Honey don't" y "Everybody's trying to be my baby"), todos ellos grabados a las apuradas al final de las sesiones. "Hay uno o dos temas de nuestros comienzos que vale la pena grabar", explicó Paul a la revista "Merseybeat" en aquel momento. "Cada tanto recordamos uno de esos buenos temitas que escribimos en los primeros días, y uno de ellos, 'I'll follow the sun', estará en el LP". En los '70, La compañía de Paul MPL Communications compró el catálogo de temas de Buddy Holly y desde entonces ha sido responsable de organizar el Día Anual de Buddy Holly.

Baby's in black (Mi nena está de negro)

Una canción simple con una historia simple. El chico ama a una chica, la chica ama a otro chico, el otro chico no ama a la chica. La chica se siente triste y se viste de negro. Para 1964, Lennon y McCartney raramente se solían sentar juntos a escribir una canción del principio al final como antes. Aún así algunas canciones tenían aportes ocasionales, por ejemplo si había un tema inconcluso el otro le daba una media octava para terminarlo, o mejoraba las letras de los versos que no "cerraban". El componer codo a codo (como en las primeras épocas, o en los años de Liverpool) se estaba terminando. "Era file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Analisis%20-%20For%20Sale%20Songs.htm (8 of 10) [10/05/2004 09:39:28 p.m.]

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ridículo estar ahí sentado esperando que viniera el otro a ayudarte a terminar un tema", explicó Paul en aquel momento." Si estabas solo, la terminabas solo y listo. Si me quedo varado en una media octava de un tema nuevo, lo dejo ahí sabiendo que cuando lo vea a John me lo va a terminar. El va a tener un nuevo enfoque del tema y esa canción en particular se terminará mitad y mitad, Lennon y McCartney". "Baby's in black" es un genuino esfuerzo conjunto, el primero después de "I want to hold your hand" casi un año antes, con John y Paul escribiéndolo juntos en la misma habitación. Fue la primera canción en grabarse para Beatles for Sale.

Every little thing (Cada cosita)

"Every little thing" la escribió Paul para Jane Asher con más o menos el mismo tema que "Things we said today". Muy de esa época, habla de un tipo afortunado cuya novia lo quiere tanto que hace cualquier cosa por él. Es otra canción que no iría tan bien en los '90 dado que las necesidades de la chica ni se tienen en cuenta, asumiéndose que ella las cubre simplemente por el hecho de servir a su hombre. Irónicamente, fueron precisamente las actitudes expresadas en esta canción las que Jane Asher desafió más tarde cuando le dijo a Paul que necesitaba darle más espacio a su carrera de actriz. No era suficiente para ella ser la novia de una de las más deseadas estrellas del pop del mundo; ella quería dejar su propia marca en el mundo de las artes. Aunque esta canción era típica de Paul, John recuerda que él debe haber "tirado algo ahí" también.

What you're doing (Lo que estás haciendo)

Aunque "What you're doing" cuenta la historia simple y directa de un chico a quien su chica hace falsas promesa, la letra contiene algunas rimas inventivas como "doing" y "blue an", "running" y "fun in". La parte más memorable del arreglo eran los Beatles gritando la primera parte de cada verso, con Paul completando los versos. Tim Riley, autor de un libro sobre la música de los Beatles llamado "Tell me why", elogió al tema por su ingenuidad pop, diciendo que el agregado del piano por el solo de guitarra y el fade-out (desaparición gradual de las voces) al final sugerían un amor al detalle que más tarde desarrollarían más completamente: "La concepción de los Beatles por lo que el estudio les permitía hacer en alterar texturas y cambiar colores musicales está emergiendo como un rasgo estilístico, no como un simple artilugio". "What you're file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Analisis%20-%20For%20Sale%20Songs.htm (9 of 10) [10/05/2004 09:39:28 p.m.]

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doing" fue otra canción escrita por Paul específicamente para Beatles for Sale con colaboraciones de John. La grabación fue bastante extensa: comenzó en septiembre de 1964 y se retomó a finales de octubre, momento en que fue re-hecha completamente.

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Help! La segunda película de los Beatles fue rodada entre febrero y mayo de 1965 en una cantidad de lugares incluyendo la isla de New Providence en las Bahamas, los alpes austríacos, y Cliveden House y los Twickenham Film Studios en Londres. Luego de las elogiosas críticas por su actuación en "A hard day's night", se le dio a Ringo el rol protagónico en "Help!". Su papel era el de el heredero de un anillo mágico detrás del cual estaban los miembros de un culto satánico que trataban por todos los medios de conseguirlo. Como sucedió con el primer film, todos los temas, aparte del que da título a la película, fueron escritos sin tener previo conocimiento del libreto e insertados en la trama en algún lugarcito en donde hubiera una excusa para que los chicos empezaran a tocar. Más adelante, los Beatles expresaron su insatisfacción con "Help!" diciendo que no habían sido más que extras en su propia película. No obstante, marcó el comienzo de su época más fértil en cuanto a la composición. John escribió el tema que dio título a la película, utilizando la palabra "socorro" para explorar su propia ansiedad: constituiría una de sus temas preferidos. "Yesterday", de Paul, que fue incluido en el lado B del álbum (es decir, no apareció en la película), resultó ser el tema de los Beatles del que más covers se hicieron, y el primero en pasar a la categoría de clásico. Habían descubierto la marihuana en el otoño de 1964 y para la época de Help!" la fumaban regularmente. John lo recuerda como su "período marihuanero" y describía cómo tuvieron que tirar reels enteros de película porque sólo mostraban a los Beatles en medio de incontrolables ataques de risa. El disco "Help!" fue lanzado en agosto de 1965 y llegó al tope de los charts en EE.UU. y el Reino Unido. Como con "A hard day's night", la versión norteamericana incluyó solamente los temas de la película más unos pocos temas file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Analisis%20-%20Help%20Songs.htm (1 of 9) [10/05/2004 09:40:13 p.m.]

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instrumentales de George Martin y una orquesta.

Yes, it is (Sí, lo es)

John una vez habló de haber escrito canciones puramente para el "mercado de carne" y aún es difícil saber a qué temas se refería. "Yes, it is", sin embargo, es uno de los temas de los cuales se sentía particularmente avergonzado en años posteriores, ridiculizando el verso "for red is the colour that will make me blue". John confesó que no fue más que un intento de reescribir "This boy" dado que tenía los mismos acordes, armonías y juegos de palabras. La letra es una advertencia a una chica de no ponerse ropa roja porque ése es el color que la "baby" del cantante siempre llevaba. El veredicto final de John sobre el tema fue que "no funcionó". Fue lanzada como lado B de "Ticket to ride" en abril de 1965 tanto en Gran Bretaña como en EE.UU.

I'm Down (Estoy abatido)

El lado B del single "Help!" es un intento desvergonzado de Paul por componer una canción del estilo de Little Richard con la cual reemplazar a "Long Tall Sally" en sus presentaciones. "Pasamos un montón de tiempo tratando de escribir algo espectacular -algo como 'Long Tall Sally'. Es muy difícil. 'I saw her standing there' fue lo que más nos aproximamos. Todavía estamos tratando de componer un tema tipo Little Richard. Lo compararía con la pintura abstracta. La gente piensa en 'Long Tall Sally' y cree que es tan fácil componer algo así, pero es lo más difícil que hayamos intentado. Componer un tema de tres acordes y piola no es sencillo", comentó Paul. Little Richard, que tuvo su primer hit británico con "Rip it up" en 1956, conoció por primera vez a los Beatles cuando compartían cartel en el Tower Ballroom, New Brighton, el 12 de octubre de 1962, una semana después del lanzamiento de "Love me do". Era un gran momento para el grupo, que solía tocar "Rip it up", "Good Golly Miss Molly", "Tutti Frutti" y "Lucille" entre tantos números de Little Richard en sus shows. "Los conocí en Liverpool antes de que el mundo supiera de ellos", dice Little Richard. "Paul especialmente estaba muy copado con mi música y la había estado tocando desde sus épocas de colegio. Estaba impresionado con mis gritos y mientras yo estaba en el escenario en Liverpool y más tarde en Hamburgo [en el Star Club al mes siguiente] solía quedarse al costado mirándome cantar. Mi estilo es muy dinámico, lleno de alegría, de diversión y de vida. No hay nada de muerto en él. Nunca hay un momento aburrido. Te mantiene en puntas de pie, moviéndote y creo que es lo que todos obtienen de mi música. La file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Analisis%20-%20Help%20Songs.htm (2 of 9) [10/05/2004 09:40:13 p.m.]

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gente sabe que si canta un tema mío, encienden la casa". Justamente, los Beatles utilizaron "I'm down" para cerrar su show durante sus giras de 1965 y 1966. La última canción que tocaron en vivo, no obstante, en Candlestick Park en San Francisoc el 29 de agosto de 1966 fue... "Long Tall Sally", de Little Richard.

Help! (¡Socorro!)

Cuando se embarcó en su carrera solista en los '70, John se referiría a "Help!" como una de sus canciones de los Beatles favorita. Le agradaba, decía, porque era "real". Solamente se lamentaba porque, por razones comerciales, la habían cambiado de ser un tema lento y dylanesco a una alegre melodía beatle. "Help!" fue escrita con Paul en su casa de Weybridge, Kenwood en abril de 1965. La letra reflejaba la insatisfacción de John consigo mismo. Estaba comiendo y bebiendo en demasía, había aumentado de peso y se sentía superado por el hecho de que fueran superconocidos mundialmente. La canción, según admitió más tarde, era realmente un grito de pedido de auxilio, a pesar de ser escrito "a pedido" para su segunda película. "Necesitaba la ayuda", comentó. "La canción era sobre mí". Poniéndose él mismo y a sus sentimientos en el centro de una canción no era una nueva partida sino la culminación de todo lo que había trabajado antes. La única diferencia era que ahora él parecía estar admitiendo que la fama, la riqueza y el éxito sólo habían aumentado su ansiedad. En el pináculo del estrellato pop, John había comenzado a mirar hacia atrás con nostalgia a lo que ahora veía como aquellos días relativamente poco complicados en Menlove Avenue. La idealización de su infancia y adolescencia era un tema que estaba creciendo en significación en sus composiciones. Maureen Cleave, la periodista londinense que ya había ayudado con la letra de "A hard day's night", sintió que John debería comenzar a utilizar palabras de más de una sílaba. "Help!" fue el primer intento serio de hacerlo, ya que incorporó por ejemplo "self-assured", "appreciate", "independence" e "insecure" dentro del tema. En el film "Help!", nuevamente dirigido por Richard Lester, el tema fue usado mientras aparecían los títulos de apertura, mientras se proyectaban fotos de los Beatles en blanco y negro sobre una pantalla en la que aparecía el templo de un culto religioso. Lanzado como single, "Help!" alcanzó en N° 1 en Gran Bretaña y EE.UU. en el verano de 1965.

The night before (La noche anterior)

Como con "A hard day's night", las canciones de "Help!" no tenían nada que ver con la trama. "Creo que los temas fueron escritos file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Analisis%20-%20Help%20Songs.htm (3 of 9) [10/05/2004 09:40:13 p.m.]

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antes de que se completara el libreto", confirma Dick Lester. "Me dieron un demo de cerca de 9 canciones y elegí 6 de manera bastante arbitraria, pensando que con ésas podía hacer algo. Fue tan casual como eso que yo las metiera en el film en lugares donde pensaba que podía hacer algo con ellas". Compuesta como una canción de lamento por un amor perdido, Paul fue filmado cantanto "The night before" mientras estaba rodeado por tropas y tanques de guerra en Salisbury Plain. El tema fue grabado en febrero de 1965 y la filmación se realizó tres meses después.

You've got to hide your love away (Tenés que esconder tu amor)

La música de Bob Dylan (siendo la acústica "Another Side of Bob Dylan" su álbum más reciente) dirigió a John hacia un estilo de composición más intenso y personal. Comenzó a escribir temas en los cuales su estado mental se convirtió en el punto de partida inmediato. En los primeros versos de"You've got to hide your love away", la imagen de John parado de cara hacia la pared con su cabeza entre las manos era probablemente una descripción perfecta de cómo se sentía cuando estaba componiendo. El tema es sobre una relación que no prosperó y los sentimientos escondidos de John por la chica que ha perdido. Tony Bramwell sugiere que fue escrita por Brian Epstein, advirtiéndole de mantener sus relaciones homosexuales (que en esa época eran ilegales en Gran Bretaña) ocultas de la opinión pública. También se rumoreó que se refería a un affair que John estaba teniendo. Escrita por John en Kenwood, fue utilizada en el film en la escena en la cual la actriz británica Eleanor Brom visitaba al grupo en su casa para tratar de recuperar el anillo mágico. Pete Shotton, el amigo de la infancia de John, estaba con ellos en Kenwood y recuerda que en la versión original él cantaba que se sentía "two feet tall" (de dos pies de alto). Sin embargo cuando se la cantó a Paul, por error cantó "two feet small", cosa que a Paul le gustó más y así quedó. Shotton fue a la grabación el 18 de febrero de 1965 y agregó algunos "heys" al coro.

I need you (Te necesito)

Una típica canción de amor, "I need you" fue escrita por George para su novia Pattie Boyd, y fue una de sus dos canciones de los Beatles sobre las que no hizo comentarios en su libro de 1980 "I Me Mine" (la otra fue "You like me too much"). También fue el único tema de George que apareció en el film "Help!" (en la secuencia de Salisbury Plain) y la primera en la que se usó un pedal wah-wah para distorsionar el sonido de la guitarra. Algunos libros de los file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Analisis%20-%20Help%20Songs.htm (4 of 9) [10/05/2004 09:40:13 p.m.]

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Beatles han dicho que George la escribió en las Bahamas mientras estuvo separado de Pattie, pero esto no puede ser verdad dado que la grabación comenzó el 15 de febrero de 1965 y las escenas en las Bahamas fueron rodadas recién a la semana siguiente.

Another girl (Otra chica)

Paul escribió "Another girl" y se usó en la escena filmada en la isla Balmoral en las Bahamas. En este tema Paul habla sobre estar bajo la presión de comprometerse a largo plazo con su novia pero cómo él no lo va a hacer, más que nada porque ya se consiguió otra chica. John una vez dijo que los temas de los Beatles eran como firmas; aún cuando no quisieran delatarse ellos traicionaba sus posturas más fundamentales: "Siempre era aparente, si mirabas bajo la superficie, qué se estaba diciendo. Resentimiento o amor u odio, es aparente en todo nuestro trabajo".

You're going to lose that girl (Vas a perder a esa chica)

Los Beatles cantaron "You're going to lose that girl" en una escena de "Help!" en la cual aparecen en un estudio de grabación, filmada exactamente en los estudios Twickenham. El tema es interrumpido cuando la banda que persigue a Ringo corta, desde la habitación de abajo, un círculo alrededor de su batería. Escrita principalmente por John, se trata de una advertencia a un hombre no identificado de que si él no comienza a tratar bien a su chica él (John) la va a avanzar, desarrollando un tema que ya había bosquejado en "She loves you".

Ticket to ride (Boleto para pasear)

A "Ticket to ride" la escribió John como un single y fue descripta por él como "uno de los primeros discos de heavy metal que se hayan hecho". Aunque habían sido superados en el tema del heavy metal por "You really got me" de los Kinks (que había estado en los primeros puestos de los ránkings británicos el verano anterior), éste fue el primer tema de los Beatles en contener un insistente riff con sonido metálico con una base pesada de batería. Utilizada en "Help!" durante las escenas en la nieve en Austria, fue lanzada como single en abril de 1965 y ya había llegado al tope de los charts en Gran Bretaña y EE.UU. para la época en que salió. Algunos de los fans de los Beatles pensaban que el grupo estaba cantando sobre un boleto de tren del British Rail (Ferrocarriles Británicos) a Ryde, una ciudad en la Isla de Wight, pero la canción en realidad hablaba de una chica "tomándose el buque" de la vida de John. A Don Short, un file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Analisis%20-%20Help%20Songs.htm (5 of 9) [10/05/2004 09:40:13 p.m.]

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periodista de espectáculos que viajó muchísimo con los Beatles en los sesenta, John le dijo que la frase tenía un doble sentido. "Las chicas que 'trabajaban' en Hamburgo tenían que tener buena salud y las autoridades médicas les daban entonces una libreta sanitaria confirmándolo. Estuve conlos Beatles cuando volvieron a Hamburgo en junio de 1966 y fue ahí cuando John me dijo que había acuñado la frase 'ticket to ride' para describir estas libretas. Por ahí estaba bromeando (siempre tenías que estar alerta con John en ese sentido) pero lo recuerdo tal cual diciéndome eso". [N.T.: "ride" podría traducirse como pasear, andar en bicicleta o montar, de ahí el doble sentido al que hace mención Don Short].

Tell me what you see (Decime lo que ves)

"Tell me what you see" fue otra canción de Paul en la que le pide a su chica que le dé su corazón porque él es digno de confianza e iluminará su vida. Si ella no le cree, le sugiera que lo mire a los ojos y le diga lo que ve. El corte fue grabado antes de la filmación de "Help!" y le fue ofrecido a Dick Lester para la banda sonora, pero él lo rechazó. Obviamente, no le gustó mucho lo que escuchó. Tim Riley, es su libro sobre la música de los Beatles, apunta que es uno de los temas más flojos de los Beatles, y deja entrever que fue una especie de borrador para "I'm looking through you", un tema en conjunto mucho más fuerte.

You like me too much (Te gusto demasiado)

"You like me too much" fu escrita y grabada por George para la banda sonora, y grabada antes de que comenzara el rodaje de "Help!". Eventualmente fue relegada al lado B del álbum. George eligió no comentar "You like me too much" en su extensa y completa reseña de sus composiciones (en su autobiografía "I Me Mine"), presumiblemente porque no había demasiado para decir. Una historia de amor estándar, la canción describe cómo aunque lo haya dejado plantado su novia, todo va a salir bien al final simplementa porque ella a él lo ama demasiado. Si la hubiera escrito John, sin dudas él la hubiera descartado como una de sus canciones "para tirar".

It's only love (Es sólo amor)

John escribió "It's only love" como un tema acompasado, lleno de clichés en lo que a rimas e imágenes se refiere, por lo cual no es gran sorpresa que se piense que esta canción esté completamente fuera de carácter. En la letra, describe cómo su chica ilumina la noche y aún así sufre por sentir mariposas en la panza. El problema file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Analisis%20-%20Help%20Songs.htm (6 of 9) [10/05/2004 09:40:13 p.m.]

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verdadero es que está enamorado. Fue una de las pocas canciones de los Beatles que John realmente odiaba: "Siempre me dio vergüenza a causa de la letra abominable que tenía", admitió en 1969. Todos los temas de los que John se arrepentía de haber escrito los desechaba fundamentándose en la letra más que en las melodías, porque sentía que había hecho un lugar común o una perogrullada en lugar de expresar un sentimiento verdadero. En este caso, las fallas de la canción pueden haber sido como resultado de la presión de tener que producir un set de temas para completar el segundo lado del álbum, o simplemente que John se encontraba en un punto bajo. George Martin y su orquesta grabaron la composición como un tema instrumental utilizando el título original que le había puesto John: "That's a nice hat".

I've just seen a face (Acabo de ver un rostro)

"I've just seen a face" era una melodía que Paul había estado tocando en piano durante ya un cierto tiempo. Lo tocaba en reuniones familiares en Liverpool y a su tía Gin le gustaba tanto que lo habían rebautizado como "el tema de la tía Gin". La orquesta de George Martin grabó también una versión instrumental de él. La tía Gin era la hermana más chica de Jim, el padre de Paul. La mencionaría más adelante en su tema "Let'em in", grabado por Paul con Wings.

Yesterday (Ayer)

Paul se despertó una mañana estando en su dormitorio en el piso más alto de la casa de los Asher en Wimpole street ya con la tonada de "Yesterday" en la cabeza. Había un piano al lado de la cama y fue derecho a él, y comenzó a tocarla. "Estaba todo justo ahí, completita, no lo podía creer", dijo Paul. Aunque a esa altura no tenía aún letra, Paul tenía miedo de que inconscientemente estuviera plagiando a alguien, y que lo que parecía un flash de inspiración no fuera otra cosa que un recuerdo dormido que le estuviera volviendo a la mente. "Estuve como un mes dando vueltas preguntándole a gente en el negocio de la música a ver si la habían oido antes. Era como entregarle algo que había encontrado a la policía: si nadie lo reclamaba en un par de semanas, entonces era mío", comentó Paul. Luego él le puso el título provisorio de "Scramble eggs" (huevos revueltos) y comenzó a cantar "Scrambled eggs, Oh you've got such lovely legs" (huevos revueltos, oh, tenés unas piernas tan hermosas), simplemente para tener una idea de las voces. Esta era una práctica común y a veces daba lugar a versos interesantes que se mantenían en la versión final. Dick Lester file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Analisis%20-%20Help%20Songs.htm (7 of 9) [10/05/2004 09:40:13 p.m.]

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recuerda: "Estábamos rodando 'Help!' en estudio durante más o menos cuatro semanas. En algún momento durante ese período había un piano en uno de los escenarios y él tocaba este 'Scrambled eggs' todo el tiempo. Llegó un punto en que le dije 'Si seguís tocando esa maldita canción, voy a hacer sacar el piano del escenario. O la terminás, o largala!'" Paul debe haber concebido la melodía a principios del '65, pero no fue hasta junio cuando él se tomó unas breves vacaciones en Portugal en la villa delguitarrista de los Shadows, Bruce Welch, que concluyó la letra. Después se le ocurrió la idea de usar un título de una sola palabra: "Yesterday". "Yo estaba haciendo la valija para irme y Paul me preguntó si tenía una guitarra", recuerda Welch. "Aparentemente había estado trabajando en la letra mientras conducía hasta Albufeira desde el aeropuerto de Lisboa. Tomó prestada mi guitarra y empezó a tocar el tema que todos conocemos como 'Yesterday'". Dos días después de regresar de Portugal, Paul la grabó en Abbey Road. La canción sorprendió a los fans del pop en esa época ya que mostraba un cuarteto de cuerdas con Paul como el único beatle en la sesión. En EE.UU. fue single y alcanzó el número 1 pero en Gran Bretaña nunca se lanzó ni como lado A ni como lado B durante toda la carrera del grupo. Rápidamente se convirtió en un clásico del pop y todo el mundo lo versionó, desde Frank Sinatra hasta Marianne Faithful. Hoy en día, más de 30 años después, sigue siendo una de las canciones más pasadas en la radio en todo el mundo. Aunque John ha dicho que no hubiera deseado haberla compuesto él, sí admitió que era una canción "hermosa" con una "buena" letra pero argumentaba que la letra nunca se resolvía. Sin embargo, otros han sentido que su fuerza yace en su vaguedad. Todo lo que el oyente necesita saber es que es sobre alguien que quiere volver atrás el reloj para regresar a un momento anterior a que sucediera un hecho trágico. Su aplicación es universal. Ha habido especulación de que en el caso de Paul la tragedia se refería a la muerte de su madre, y el pesar a su imposibilidad de expresar su angustia en aquel momento. Iris Caldwell recuerda un incidente interesante en conexión con esta canción. Ella había roto con Paul en marzo del '63 luego de una pelea tonta por los perros de ella (a Paul no le gustaban mucho los perros en esa época) y, cuando llamó más tarde para hablar con Iris, su madre le dijo a Paul que su hija no quería hablar con él porque él no tenía sentimientos. Dos años y medio más tarde, el domingo 1° de agosto de 1965, Paul tenía que cantar "Yesterday" en "Blackpool Night Out", un show de TV en vivo. Esa semana llamó a la Sra. Caldwell y le dijo: "¿Vio que usted dijo que yo no tenía sentimientos? Bueno, mire la tele el sábado y file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Analisis%20-%20Help%20Songs.htm (8 of 9) [10/05/2004 09:40:13 p.m.]

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después dígame que no tengo sentimientos".

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Revolver Revolver marcó un desarrollo significativo en el sonido beatle, como también el fin de una era. Luego de este álbum, toda su música sería esculpida en estudio, con poca idea de cómo se podían reproducir en vivo. Bajo la influencia del movimiento hippie en EE.UU. y el ambiente artístico avantgarde británico, ellos también comenzaron a escribir para un público diferente. Los encuentros con dicho ambiente underground, junto con el efecto de las drogas psicodélicas, alterarían sus percepciones tanto de ellos mismos como de su música. En una entrevista de marzo de 1966 a la revista teenager Rave, Paul habló con entusiasmo sobre la incursión y el interés de George en la música india y sus propias exploraciones del teatro, la pintura, la cinematografía y la música electrónica. "Nos hemos interesado en cosas que ni se nos ocurrían antes. Yo mismo tengo miles, millones de nuevas ideas". Revolver era un álbum que explotaba de nuevas ideas. Aunque la variedad se ha convertido desde entonces en la materia prima del rock'n'roll, en ese momento Revolver desafiaba todas las convenciones del pop. No sólo introducía estilos musicales que iban desde un cantito de niños a una melange psicodélica de turbulentos "rulos" sonoros de cintas pasadas para atrás, también presentaba una extraña mezcla de temas en sus letras: impuestos, budismo tibetano, doctores que quebrantaban la ley, solteronas solitarias, dormir, submarinos y brillos de sol. Así y todo, a pesar de su experimentación, Revolver no era inaccesible. "Eleanor Rigby", "For No One" y "Here, There and Everywhere" son tres de las canciones más populares que Paul haya escrito, "Taxman" y "I Want to Tell You" eran las mejores composiciones de George hasta ese momento, el ensoñador "I'm Only Sleeping" de John y "She Said She Said" capturaban perfectamente la onda de la época. Lanzado durante lo que resultó ser su última gira, ninguno de los 14 temas se iba a file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Análisis%20-%20Revolver%20Songs.htm (1 of 16) [10/05/2004 09:46:41 p.m.]

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tocar en vivo. Habían entrado en una nueva fase de ser recording artists (artistas que grababan) más que performers (representadores), y estaban felices de poder ahora concentrarse en el arte de hacer discos a diferencia de tener que "comprimir" el componer en una apretada agenda de giras y apariciones en cine, radio y TV. Revolver fue lanzado en agosto de 1966 y causó sensación tanto en Gran Bretaña como en EE.UU. Esta fue la última vez en que las ediciones británica y estadounidense de los discos difirieran. Tres de los temas compuestos por John ("I'm Only Sleeping", "And Your Bird Can Sing" y "Doctor Robert") ya habían aparecido en EE.UU. en el álbum "Yesterday and Today".

Paperback Writer (Escritor de Paperbacks*)

El primer simple de los Beatles en apartarse del tema "amor" ("Nowhere Man" había sido la primera canción), "Paperback Writer" contaba la historia de un novelista rogándole a una editorial que publicara su libro de mil páginas. Paul la escribió en forma de carta, y fue rarísimo en esa época escuchar un tema pop sobre ese tema. El disc-jockey británico Jimmy Savile, que había trabajado para Radio Luxemburgo y también en el programa "Top of the Pops" de la BBC Television, dice haber estado presente en el backstage después de un show en el momento en que Paul concibió la idea de la canción por primera vez. John había sido el principal compositor en los últimos cinco singles de los Beatles así que estaba tácitamente acordado que ahora era el turno de Paul. Savile recordó escuchar a John preguntarle a Paul qué iba a hacer porque faltaban pocos días para grabar. "Paul le dijo que una de sus tías le había preguntado si alguna vez iba a escribir algo que no fuera sobre amor. Con ese pensamiento obviamente todavía en mente, caminó por la habitación y se dio cuenta de que Ringo estaba leyendo un libro. Lo miró y anunció que iba a escribir una canción sobre un libro", recuerda Savile. Paul ha comentado que siempre le gustó el sonido de las palabras "paperback writer" y decidió construir una historia alrededor de ellas. El estilo epistolar del tema se le ocurrió mientras manejaba hacia Weybridge para ir a componer con John: "En cuanto llegué le dije que quería que la escribiéramos como si fuera una carta", dijo Paul. Tony Bramwell recuerda que la inspiración para gran parte de la letra salió de una carta verdadera escrita a Paul por un aspirante a novelista. Los "paperbacks" son novelas de tapa blanda y papel económico que causaron una revolución durante la postguerra dado que hacían que los libros fuesen accesibles a gente que de otra manera no hubiera podido adquirirlos. Por lo tanto, la *traducción al castellano no sería "novelista" a secas (como se tradujo en los viejos LPs) porque no se file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Análisis%20-%20Revolver%20Songs.htm (2 of 16) [10/05/2004 09:46:41 p.m.]

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trata de un "novelista" común, sino de un escritor que quiere que su obra se publique en paperback -un libro esencialmente barato. El poeta Royston Ellis (el primer autor con obras publicadas que los Beatles conocieron en 1960 cuando tocaron música para acompañar la lectura de sus poemas) está convencido de que Paul sacó la frase "paperback writer" de sus conversaciones con ellos. "Aunque yo escribía libros de poesía en ese entonces, si me hubieran preguntado qué me hubiera gustado ser yo hubiera contestado 'un escritor de paperbacks', porque eso es lo que tenías que ser si querías acceder a un mercado masivo", comentó Ellis, que luego fue escritor de libros de viajes. "Mi ambición era ser un escritor que vendiera sus libros e hiciera plata de eso. Era mi equivalente a su ambición de hacer un simple que vendiera millones de copias". Como con muchas de las canciones de los Beatles, la letra estaba más llevada por el sonido de las palabras que por la lógica. Tomada literalmente, se trata de un escritor de paperbacks que ha escrito una novela basada en otra novela, que es también sobre un escritor de paperbacks. El "man named Lear" (hombre llamado Lear) es probablemente una referencia a Edward Lear, el pintor victoriano que (aunque nunca escribió una novela) escribió poemas y canciones disparatados [N.T.: "nonsense" en el original: sin sentido, con juegos de palabras, rozando con el absurdo] que John adoraba. El diario británico Daily Mail se menciona porque era el diario que siempre compraba John y a menudo andaba dando vueltas por la casa de Weybridge cuando estaban componiendo. Más adelante se utilizarían como inspiración historias basadas en artículos de ese diario para dos canciones de Sgt. Pepper. La innovación musical más importante en "Paperback Writer" fue el sonido del bajo amplificado. En ese momento Paul tocaba el Rickenbacker y, gracias a algunas innovaciones efectuadas por el ingeniero Ken Townsend, el bajo se convierte en el instrumento más prominente, poniéndolo a tiro con las recientes grabaciones estadounidenses de Otis Redding y Wilson Picket. "Paperback Writer" fue un simple que llegó al N° 1 en muchos países incluyendo Gran Bretaña, EE.UU. Alemania y Australia.

Rain (Lluvia)

En "There's a Place" (del primer álbum) John había opinado que lo que importa es el estado mental, no los hechos de "ahí afuera". En "Rain" retoma el tema aunque para esa época las drogas psicodélicas habían influenciado su pensamiento. En un nivel, era una simple canción sobre "la gente que se queja porque no les gusta el tiempo", según John. Pero en otro nivel era un tema que contenía un mensaje sobre la ecesidad de desarrolla un estado mental en el cual trascendamos lo malo y lo bueno. De la misma manera que debemos ser indiferentes al file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Análisis%20-%20Revolver%20Songs.htm (3 of 16) [10/05/2004 09:46:41 p.m.]

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tiempo, siente que hay una necesidad de que la gente se surja por sobre sus circunstancias o su situación. El uso de las frases "I can show you" (Yo puedo mostrarte) y "Can you hear me?" (¿Podés escucharme?) indicaban que John estaba comenzando a tomar su rol de vocero seriamente. "Rain" (lanzado como cara B del simple cuyo lado A era "Paperback Writer") fue el primer tema de los Beatles en sugerir nuevos estados trascendentales de conciencia, no sólo en su letra sino también en su música. La vocalización como un lamento arrastrado hacia afuera, los instrumentos rallentados y la cinta que pasa al revés al final del tema era una muestra de lo que estaba por venir. Lo de pasar cintas al revés fue un tema controvertido en la industria del rock durante los setenta y los ochenta cuando varios artistas fueron acusados de esconder mensajes en sus grabaciones. Los Beatles, que fueron los primeros en hacerlo, lo introdujeron implemente para producir una nueva gama de sonidos y agregarle color extra a su paleta musical. George Martin comentó que a él se le ocurrió la idea experimentando él mismo después de que los Beatles se habían ido del estudio y al día siguiente les pasó los efectos que había inventado. John, que escribió "Rain" en Kenwood, siempre reclamó que fue él quien descubrió el proceso mientras trataba de arreglar una cinta en un grabador casero mientras estaba fumado. Estaba tan desorientado que metió la cinta doblada en el grabador, y al sentir una especie de cántico árabe que llegaba de sus auriculares, supo que había encontrado un sonido que reflejaba exactamente su conciencia afectada por la droga.

Taxman (Recaudador de Impuestos)

"Taxman" fue escrita por George Harrison luego de que se encontró en el grupo afectado por el "impuestazo", que significaba tener que pagar 19 chelines y 3 peniques (96 peniques) por cada libra en concepto de impuestos. Hasta 1966, el programa de giras de los Beatles había sido tan enloquecedor que no habían tenido ni tiempo para sentarse y examinar sus cuentas. Cuando tuvieron tiempo para eso, resultó que no tenían tanta plata como imaginaban. "Estábamos en realidad dando la mayor parte para los impuestos. Era típico, y todavía lo es. ¿Por qué tiene que ser así? ¿Nos castigan por algo que olvidamos hacer?". John dijo en otra oportunidad que él puso mano en la composición de "Taxman" y él estaba amargado porque George había omitido mencionar esto en el relato que incluyó en su autobiografía "I Me Mine". John dijo que George lo llamó mientras la estaba escribiendo: "Le tiré un par de líneas para ayudar a que saliera el tema, porque eso era lo que él me estaba pidiendo. No quería hacerla, pero como yo a George lo quería... Medio me tuve que morder la lengua y dije OK". file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Análisis%20-%20Revolver%20Songs.htm (4 of 16) [10/05/2004 09:46:41 p.m.]

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Ciertamente la versión editada es una mejora del borrador original de George, en el cual "some get bread" se lo rimaba con "before you're dead", y no había nada de humor sarcástico. Tampoco el coro de fondo mencionaba los nombres del Primer Ministro Británico Harold Wilson ni el del líder de la oposición, Edward Heath. Eso vino después, cuando la canción fue grabada, dándoles la distinción de ser las primeras personas vivas en ser mencionadas en un tema de los Beatles. Aunque los Beatles nunca habían conocido a Heath en persona, sí se habían encontrado con Wilson (que era del Norte de Inglaterra, como ellos) en varias oportunidades, y cada uno de ellos había recibido su MBE (Miembros del Imperio Británico) por hallarse en la lista honorífica aprobada por Wilson luego de haber llevado al Partido Laborista a la victoria en 1964. Los Beatles, cuatro jóvenes emprendedores con acento regional que provenían mayormente de un ambiente de clase media-baja, era el tipo de gente que Wilson quería alentar en su visión de una nueva Gran Bretaña sin diferencia de clases.

Eleanor Rigby

Como en muchas de sus canciones, la melodía y el primer verso de Eleanor Rigby se le ocurrieron a Paul mientras estaba sentado al piano. Igualmente, en un principio la señora de la limpieza de la iglesia de ficción de la que habla el tema se iba a llamar Daisy Hawkins en vez de Eleanor Rigby. Paul comenzó imaginando a Daisy como una jovencita pero enseguida se dio cuenta de que quienes se encargaban de la limpieza de las iglesias luego de las bodas eran casi siempre mayores. Si era mayor, él consideraba que ella posiblemente no se habría perdido sólo el casamiento después del cual tendría que limpiar, sino que tal vez se hubiera perdido el suyo propio. Quizás ella fuera una solterona entrada en años cuya soledad se hacía más difícil de soportar por su mismo trabajo, el de tener que limpiar la basura que quedaba luego de un festejo familiar. "No pude pensar en nada más así que ahí lo dejé", señaló Paul. Paul jugó con la canción un buen tiempo pero no estaba demasiado convencido del nombre de Miss Daisy Hawkins: pensó que no sonaba lo suficientemente "real". El cantante de folk Donovan recuerda a Paul tocando una versión del tema mientras la protagonista se llamaba Ola Na Tungee: "Todavía no le habían llegado [de la inspiración] las palabras justas". Paul siempre pensó que finalmente se le ocurrió el nombre de Eleanor por haber trabajado con la actriz Eleanor Bron en la película "Help!". No obstante, el compositor Lionel Bart está persuadido de que lo sacó de una lápida en el cementerio que se encuentra cerca de Winbledon Common, por donde ambos estaban caminando un día. "El nombre de la lápida era file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Análisis%20-%20Revolver%20Songs.htm (5 of 16) [10/05/2004 09:46:41 p.m.]

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Eleanor Bygraves", dice Bart, "y Paul pensó que podía quedar bien en la canción. El volvió a mi oficina y comenzó a tocarla en mi clavicordio". Paul se encontró con el nombre Rigby en enero de 1966 mientras estaba en Bristol visitando a Jane Asher que hacía de Barbara Cahoun en la obra de John Dighton "Los Días más Felices de Tu Vida". El Theatre Toyal, en donde se halla el Bristol Old vic, se ubica en 35 King Street y mientras Paul esperaba a que Jane finalizara, él pasó por delante de un negocio llamado "Rigby & Evens Ltd. Wine & Spirit Shippers", que en ese entonces se encontraba en el lado opuesto de la calle en el número 22. Esto le dio el apellido que estaba buscando. El tema fue finalmente completado en Kenwood cuando John, George, Ringo y Pete Shotton se agolparon en la sala atraidos por la música que Paul estaba tocando. Todos contribuyeron con ideas para hacer que la historia se fuera "deslizando". Alguien sugirió meter un hombre hurgando en los tachos de basura con quien Eleanor podría tener un romance, pero se decidió que complicaría la historia. Paul ya había agregado un personaje llamado Padre McCartney. Ringo sugirió que él podría estar zurciendo sus medias, una idea que a Paul le agradó. George propuso el verso que hablaba de "la gente sola" (the lonely people). Pete Shotton sugirió que se cambiara lo de Father McCartney porque todo el mundo pensaría que era una referencia al padre de Paul. Una versión cuenta que sacaron el apellido McKenzie luego de dar un vistazo a la guía telefónica. Otra versión más creíble dice que un antiguo presentador/maestro de ceremonias de los primeros años de los Beatles en Liverpool, allá por el '58-'59, Tom McKenzie habría sido el inspirador del nombre. Ellos solían pedirle consejos y a veces por ese motivo lo llamaban "padre". Paul se quedó trabado al final y fue Shotton quien sugirió que acercara a los dos solitarios en el verso final, cuando el Padre McKenzie oficia el funeral de Eleanor Rigby al lado de su tumba. En ese momento la idea fue minimizada por John que pensó que Shotton no había captado a dónde quería llegar Paul con su historia pero Paul, que hasta ese momento no había expresado su opinión, usó la escena para finalizar la canción y más tarde reconoció la colaboración que había recibido. Extraordinariamente, en algún momento en los ochenta la tumba de una Eleanor Rigby fue descubierta en el camposanto de la Parroquia de St. Peter en Woolton, Liverpool, a metros del lugar donde John y Paul se habían conocido en 1957. Es claro que Paul no obtuvo su idea directamente de esa lápida, pero es posible que la haya visto de adolescente y que el sonido agradable del nombre haya permanecido latente en su subconsciente hasta que salió por la canción... En ese momento dijo: "Yo estaba buscando un nombre que sonara natural. Eleanor Rigby sonaba natural". Otra coincidencia más fue que la firma de Rigby & Evens Ltd., cuyo cartel inspiró a Paul en Bristol en 1966, era propiedad de un file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Análisis%20-%20Revolver%20Songs.htm (6 of 16) [10/05/2004 09:46:41 p.m.]

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liverpuliano, Frank Rigby, whe estableció su compañía en Dale Street, Liverpool en el siglo XIX. "Eleanor Rigby" alcanzó lo más alto del hit parade británico, pero sólo al número 11 en los EE.UU.

Love You To [*]

Aunque en "Norwegian Wood" George había tocado el sitar, había surgido como algo casual luego de hecho el tema, no antes. "Love You To" fue la primera canción escrita por George específicamente para este instrumento ya que, para esa época, ya lo estaba estudiando seriamente. También colabora en este tema Anil Bhagwat tocando un instrumento indio llamado tabla. En su biografía "I Me Mine", George recuerda que había utilizado tabla y sitar en la pista básica, sobregrabando las voces y las guitarras posteriormente. Sin embargo, Mark Lewisohn, autor de "The Complete Beatles Recording Sessions", tuvo acceso a las cintas originales y descubrió que el sitar no aparecía hasta la tercera toma y la tabla no se agregó hasta la sexta. El título provisorio con el que se trabajó el tema fue "Granny Smith" (tal como se llama una variedad de manzanas), simplemente porque a George no se le ocurrió nada mejor. [*] Como las palabras "love you to" no aparecen en la canción, el título eventual descoloca: quizás "love me while you can" (ámame mientras puedas) hubiera sido más apropiado dado que sintetiza lo que dice la canción.

Here, There and Everywhere (Aquí, allá y en todas partes)

Con las cosas comenzando a acomodarse nuevamente en su romance con Jane Asher, Paul escribió lo que se considera como su mejor canción de amor. Tanto John como Paul han declarado que ésta es una de sus canciones de los Beatles preferida. Eventualmente Paul la volvió a grabar para su film "Give my Regards to Broad Street" en 1984. Paul compuso "Here, There and Everywhere" en junio de 1966 mientras estaba sentado a la vera de la pileta de natación de John. Había escuchado hacía poco el álbum "Pet Sounds", recientemente lanzado por los Beach Boys, el cual lo había impresionado dada su complejidad musical y sus creativos arreglos vocales. Le había llamado la atención el tenue brillo de "God Only Knows", y quería escribir algo que capturase el mismo estilo.

Yellow Submarine (Submarino Amarillo)

La idea de escribir una canción infantil sobre submarinos de distintos colores vino a la cabeza de Paul una noche mientras estaba acostado en su cama. Esta idea se convertiría en "Yellow Submarine", la historia de un chico que escucha las anécdotas de un viejo marinero sobre sus file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Análisis%20-%20Revolver%20Songs.htm (7 of 16) [10/05/2004 09:46:41 p.m.]

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aventuras en la "tierra de los submarinos" y decide salir a navegar y verlo él mismo. Entre 1962 y 1965, los Beatles había obedecido la tácita regla para escribir singles pop: el tema tenía que ser el amor; la duración del tema tenía que ser de 2 minutos, y debía ser fácilmente reproducible en vivo. Ahora, gradualmente, ellos se divertían al ver cómo podían romperse muchas de estas normas pero al mismo tiempo mantenerse la inmediatez y la emoción de la música que entraba en los charts. "Paperback Writer" fue su primer single que no hablara de amor; "Eleanor Rigby" y "Rain" eran las primeras canciones que entraron en la tabla de los discos más vendidos pero no se los podía tocar en vivo. "Yellow Submarine" fue su primer "singalong", es decir, el tipo de canciones que se cantan en grupo, como las canciones "de fogón" nuestras (más tarde vendrían, por ejemplo, "All You Need is Love" y "Hey Jude". En la carrera solista de John, un claro ejemplo sería "Give Peace a Chance"). Paul escogió solamente palabras cortas porque quería que fuera una canción fácil de recordar y cantar por los niños. Mientras la componía, fue de visita a lo de Donovan en su departamento de Maida Vale. "Estábamos en esa onda de visitarnos en la casa de uno u otro", recuerda Donovan. "Yo estaba esperando el lanzamiento de mi disco 'Sunshine Superman' así que nos mostramos nuestros nuevos temas el uno al otro. Una de las canciones que Paul tocó era sobre un submarino amarillo pero dijo que le faltaban uno o dos versos. Me preguntó si quería hacer una contribución. Me fui de la habitación por un rato y volví con 'sky of blue and sea of green in our yellow submarine'. No era una cosa del otro mundo pero a Paul le gustó lo suficiente como para usarlo en la grabación". Fue lanzado del otro lado del simple de "Eleanor Rigby" en agosto de 1966, el mismo mes en que salió Revolver, e inmediatamente empezó a correr el rumor de que el submarino amarillo era una velada alusión a las drogas. En Nueva York, las cápsulas de Nembutal comenzaron a conocerse como "submarinos amarillos". Paul negó las acusaciones y dijo que el único submarino de que él tuviera noticia que se podía comer era un postre que había probado en Grecia cuando estaba de vacaciones. Había que meterlos al agua y se los conocía como "submarinos". "Sabía que 'Yellow Submarine' podría tener otras connotaciones, pero fuera de broma se trataba de una canción infantil", comentó Paul.

She Said, She Said (Ella dijo, ella dijo)

Cuando los Beatles visitaron Los Angeles en agosto de 1965, alquilaron una casa en Benedict Canyon 2850 por una semana mientras cumplían con sus fechas de recitales programados en Portland, San Diego, el Hollywood Bowl y San Francisco. Los cuatro Beatles dieron una fiesta ahí una tarde: Neil Aspinall, Robert McGuinn y David Crosby de los file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Análisis%20-%20Revolver%20Songs.htm (8 of 16) [10/05/2004 09:46:41 p.m.]

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Byrds, el actor Peter Fonda y el corresponsal de espectáculos del Daily Mirror Don Short estaban entre los invitados. "Habían mandado a Neil Aspinall a acompañarme abajo hasta la sala de pool", recuerda Short, "porque yo era el único periodista en el lugar. Su trabajo era desviar mi atención del hecho de que todos los demás estaban tomando ácido". Arriba, fuera de la vista de Short, todo el mundo (excepto Paul) estaba "viajando" en LSD. Fue la primera vez que John y George deliberadamente tomaron droga, y estaban ansiosos de tener una buena experiencia luego de las visiones infernales de su primer "viaje", que habían "emprendido" sin saberlo. Fonda ya había "viajado" muchas veces y se puso en el rol de "guía". Recuerdo estar sentado con George, que me estaba diciendo que creía que se estaba muriendo", comenta Fonda. "Le dije que no había nada que temer y que todo lo que tenía que hacer era relajarse. Le dije que yo sabía lo que era estar como muerto porque a los diez años accidentalmente me disparé en el estómago y mi corazón paró de latir tres veces mientras estaba en la mesa de operaciones debido a que había perdido mucha sangre. John justo pasó y me escuchó decir 'sé lo que es estar muerto'. Me miró y me dijo 'Me hacés sentir como si nunca hubiera nacido. Quién puso toda esa mierda en tu cabeza?'" Roger McGuinn sintió que la idea había hecho enojar a John porque se estaba sintiendo inseguro. "Estábamos todos en el ácido y John no lo podía soportar. John dijo 'Saquen a este tipo de acá'. Era mórbido y bizarro. Recién habíamos terminado de ver 'Cat Ballou' con Jane Fonda y John no quería saber nada con los Fonda. Tenía la película en la mano y la agitaba contra Peter y lo que dijo después se agregó a su bronca", señaló McGuinn. En verdad, el primer demo del tema era, lejos, mucho más agresivo que el definitivo: "I said, who put all that crap in your head. You know what it's like to be dead, And it's making me feel like my trousers are torn" ["Dije, quién te puso toda esa mierda en la cabeza. Sabés lo que es estar muerto, y me está haciendo sentir como si mis pantalones estuvieran desgarrados"], pero John tuvo la impresión de que la canción no llevaba a ningún lado y la abandonó. Aunque había salido de una experiencia real, no significaba nada, según él. Era un sonido, nomás. Pero días después la retomó y trató de encontrarle una media octava. "Escribí lo primero que se me ocurrió y fue 'When I was a boy' en un ritmo diferente. Pero era real, porque me había sucedido en serio", dijo John. "She Said, She Said" se ensambló en dos etapas, pero Fonda no tiene duda de sus orígenes. Cuando escuché Revolver por primera vez supe exactamente de dónde había venido la canción, aunque John nunca me lo reconoció ni yo nunca lo mencioné a nadie".

Good Day Sunshine (Buen Día, Brillo de Sol) file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Análisis%20-%20Revolver%20Songs.htm (9 of 16) [10/05/2004 09:46:41 p.m.]

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"Good Day Sunshine" fue escrita por Paul en la casa de John en un día particularmente soleado. Paul admitió en 1984 que fue influenciado por "The Lovin' Spoonful", la banda neoyorquina que la había pegado con dos hits: "Do you believe in magic?" y "You didn't have to be so nice". "The Lovin' Spoonful" se distinguían por sus tonadas líricas, de estilo folk del miembro fundador John Sebastian, que, como solista, apareció en una actuación memorable en la película de Woodstock. El tema específico que inspiró a Paul ese día fue "Daydream", el primer hit británico de los Spoonful, que estuvo en el Top 20 mientras los Beatles grababan Revolver en mayo del '66. Como "Good Day Sunshine", "Daydream" comienza con un ritmo de guitarra entrecortado antes de lanzarse a una historia de dicha provocada por el amor y elevada por el clima benévolo: "Soplo al día y salgo a caminar en el sol, y caigo con mi cara sobre el pasto recién cortado". Sebastian señaló: "Una de las cosas maravillosas que tenían los Beatles era que eran tan originales que cuando le copiaban una idea a alguien nunca se te ocurría que podrían haberlo hecho. Yo pensaba que había uno o dos temas de ellos que eran Spoonfuloides pero no fue hasta que Paul lo mencionó en una entrevista de Playboy que me di cuenta de que específicamente habíamos inspirado 'Good Day Sunshine'". La propia "Daydream" fue inspirada por el ritmo de Tamla, de canciones tales como "Where did our love go?" y "Baby Love" que los Lovin' Spoonful oyeron en EE.UU. mientras estaban de gira con las Supremes. Sebastian recuerda: "Dije, nosotros tenemos que tener una melodía tipo 'Baby Love'. Escribí el tema mientras trataba de aproximarme a la onda de 'Baby Love' en una guitarra. A veces cuando se intenta copiar algo te termina saliendo una cosa distinta, más tuya". Los Lovin' Spoonful debieron su fundación al encuentro entre Sebastian y su compañero guitarrista Zal Yanovsky que tuvo lugar en la casa de (Mama) Cass Elliot* a donde ambos habían sido invitados por separado para ver el debut de los Beatles en el Ed Sullivan Show en febrero de 1964. "Ver a los Beatles esa noche cristalizó la idea de ambos de querer ser parte de una unidad autocontenida que compusiera su propia música", señaló Sebastian. "Eventualmente los conocí en abril de 1966. John, Paul y George vinieron a vernos al Marquee Club en el Soho londinense y fue esa noche que George tuvo su primer encuentro 'oficial' con Eric Clapton. Lamentablemente nunca tocamos juntos porque todos estábamos tan ocupados en esos días. Nos encontramos en otras oportunidades pero siempre parecía que estábamos juntos esperando que pasara algo más". "Cuando tocaron en el Shea Stadium de Nueva York en agosto de 1966 fui detrás de escena y estuvimos jorobando y riéndonos con John, que estaba empezando a parecerse a mí. Los otros beatles lo cargaban con me copiaba. Siempre hubiera deseado haber podido pasar más tiempo con file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Análisis%20-%20Revolver%20Songs.htm (10 of 16) [10/05/2004 09:46:41 p.m.]

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ellos". [N.T.: De The Mamas and The Papas.]

And your bird can sing (Y tu pájaro puede cantar)

Es difícil entender cómo John pudo considerar este tema como "un horror" (1971) y un "vómito" (1980), aún cuando al principio la letra pueda parecer un tanto impenetrable. Pero John siempre supo cómo hacer jueguitos. El sospechaba que hasta algunas de las letras de Dylan eran basura disfrazadas de poesía y clamaba que él podía hacer lo mismo. En esa época, con su hablar de pájaros verdes, posesiones preciadas y siete maravillas se asumía que con "And your Bird Can Sing" John estaba probablemente en algo: que había tenido una visión de otra dimensión que la mayoría de la gente no podía desentrañar. Mientras en 1964 él hubiera podido hacer una canción de amor a medida para llenar los espacios vacíos de un LP, para 1966 y bajo presión él era capaz de venir con una perfecta obra, a medida, de psicodelia sin sentido. Un poderoso ritmo detrás de un riff de guitarra magnético –todos, incluso la voz lider van pegados a él–, la letra es profunda y cargada de simpatia al mismo tiempo. Las imágenes sensoriales de "Nowhere man" tienen aquí más incisión, más elaboración, y más "diversión". La voz de Lennon se sobregraba en ambos canales, y el grave contrapunto con la primera guitarra crea una textura de constante movimiento hermosamente controlado. En los versos, Lennon corta el sujeto de la canción y lo clasifica según su tamaño; es una canción originalmente hecha de "relleno", un poco sombreada, aunque no lejos del tema de Dylan "Positively 4th street" (1965). Las armonías vocales que se unen a la voz lider de Lennon en cada línea del título agregan una luz trémula a sus planos; la línea del título está cantada un poco en broma, y la tensión de la voz de Lennon en la palabra "me", implica rechazo. Él está disgustado por la falta de conexión humana, a la manera de George en "I want to tell you", pero él se retira de la mofa en el estribillo (en tono menor): When your prize possessions Start to weigh you down Look in my direction I’ll be ‘round file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Análisis%20-%20Revolver%20Songs.htm (11 of 16) [10/05/2004 09:46:41 p.m.]

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I’ll be ‘round Como en "Nowhere man," la compasión de Lennon nunca está lejos de su enojo. El sujeto de la canción posee todo lo que necesita, pero no "agarra" (es decir, entiende) a Lennon; ella ve las siete maravillas, pero no puede "ver" (o sentir empatía con) él; finalmente, ella puede oír cada sonido que hay, pero no puede oír (o comunicar) a John. El segundo verso une el punto de vista con el color en código de su pájaro (para John el verde es envidia; como en "You can do that"); el tercer verso usa el sentido de oír, "y su pájaro puede cantar" en los primeros versos la línea del texto sigue sobre las posesiones ("me decís que vos tienes todo lo que querés), pero el último alude a oír ("me decís que vos has oído cada sonido que hay"). El primer verso se anticipa a la región de percepción del último verso y toma las asociaciones legítimas yendo aún más allá: "su pájaro puede cantar" se cambia a "su pájaro puede girar," significa que por escuchar la música él puede bailar, la imagen de libertad favorita de Lennon. El solo de la guitarra es pura ironía fluorescente. En una canción sobre la alegría, esta fluidez sería celebratoria; pero en el contexto de la arrogancia de "nariz parada" de Lennon, sin embargo tiene un aire de orgullosa supremacía; algo así como el equivalente sónico al ataque vocal de Lennon en los versos. La calma hipnótica de la textura le debe algo a los Byrds (a quienes John admiraba), pero los Byrds nunca grabaron una canción de tan agrio talante (ellos realmente se parecían al tema de Dylan "Positively 4th street" en su intención original). El acorde sin resolver (en subdominante) del final deja toda la tensión flotando en el aire, mientras Paul tartamudea en el bajo.

For No One (Para Nadie)

Con su melodía encantadora y su sección de cuernos, esta es una de las canciones más hermosas de Paul. "For No One" fue escrita en un chalet alquilado en el ski resort de Klosters, Suiza, donde Paul y Jane Asher pasaron unas breves vacaciones en marzo de 1966. Él después volvió a trabajar en Revolver y ellas comenzó los ensayos para su papel como la pequeña Ellen Terry en 'Sixty Thousand Nights' en el Royal Theatre de Bristol. A través de una serie de pantallazos de su vida juntos, la canción captura el darse cuenta de que el amor de su compañera ha desaparecido. En una entrevista anterior, Paul dijo que era todo sobre su propia experiencia de vivir con una mujer cuando él estaba por dejar la casa. Luego fue menos específico, diciendo que estaba pensando sólo en el carácter de una típica chica que trabajaba fuera de casa.

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I´m only sleeping (solo estoy durmiendo) El primer borrador de la letra de "I'm only sleeping" fue garabateado al reverso de una carta fechada el 25 de marzo de 1966 que le envió el Correo Británico para recordarle que les debía 12 libras con 3 chelines por una cuenta pendiente de radiofonía. Es obvio al leer esta letra que estaba escribiendo sobre el placer de quedarse en la cama más que cualquier estado de ensoñación inducido por las drogas que la grabación final, con sus sonidos de guitarra que vienen del fondo hacia adelante, sugieren. John adoraba su cama. Cuando no estaba durmiendo, al menos estaba tirado sobre ella, o sentado sobre almohadas escribiendo o mirando tele. "I'm only sleeping" es una celebración de la cama y su valor con un lugar de contemplación. También fue como un paso previo a "Watching the Wheels" del álbum Double Fantasy. Sin embargo, la verdad es que John estaba perdiendo la "manija" de los Beatles, perdiendo demasiado tiempo ya sea en la cama o haraganeando por Kenwood. Ahora era Paul el que empuñaba el látigo y se aseguraba de que todos aparecieran en las sesiones de grabación. También fue en marzo del '66 cuando apareció en el Evening Standard aquella famosa entrevista de Maureen Cleave en donde John declaraba que "Nosotros somos más populares que Jesús ahora. No sé qué va a ir primero, si el rock'n'roll o el cristianismo". En la entrevista, Cleave apuntó: "Puede dormir casi indefinidamente, es probablemente la persona más fiaca de Inglaterra. 'Vago físicamente' dijo él - 'No me importa escribir o leer o mirar o hablar, pero el sexo es la única cosa física a la que le presto atención.'"

Doctor Robert

En sus visitas a los EE.UU. los Beatles se enteraron de un doctor neoyorquino muy chic que daba misteriosas inyecciones de "vitaminas". "Escuchábamos que la gente decía 'Podés obtener cualquier cosa de él, las pastillas o remedios que quieras", comentó Paul. "Era un gran despelote. El tema era un chiste sobre este tipo que curaba a todo el mundo de cualquier cosa con todas esas pastillas y tranquilizantes. Él parecía mantener a Nueva York 'volada'". Dr. Robert fue casi seguro el Dr. Robert Freymann, un médico alemán de 60 años con su consultorio en la calle East 78th. (El Dr. Charles Roberts citado en algunos libros de los Beatles no existió. Fue solamente un alias utilizado por el biógrafo de la actriz Edie Sedgwick, Jean Stein, que trabajaba para Warhol, para ocultar la identidad de otro "speed doctor" -"doctor velocidad"). Conocido como Dr. Robert o el Gran Padre Blanco (the Great White Father) por su pelo blanco, Freymann estaba siempre conectado con la escena artística de la ciudad. El había file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Análisis%20-%20Revolver%20Songs.htm (13 of 16) [10/05/2004 09:46:41 p.m.]

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ayudado, entre otros, a Theolonius Monk y a Charlie Parker (cuya partida de defunción él firmó en 1955), y tenía su fama por ser generoso con las anfetaminas. "Tengo una clientela distinguida, de todas las esferas de la vida", se agrandó una vez. "Podría decirte en diez minutos probablemente cien nombres famosos que vienen aquí". John Lennon, que escribió 'Dr. Robert', era uno de esos nombres famosos. Inicialmente recetados como antidepresivos, las anfetaminas pronto se convirtieron en una droga "recreacional" para los neoyorquinos top. Un ex-paciente del Dr. Robert Freymann, citado en el New York Times en 1973, señaló: "Si querías tener una gran noche te ibas a lo de Max (el Dr. Max Jacobson), luego a lo de Freymann y después a lo de Bishop (Dr. John Bishop). Era otra forma de ir de bares". El director de cine Joel Schumacher, que frecuentaba "speed doctors" en los sesenta, está de acuerdo: "Pensábamos en ellas como inyecciones de vitaminas pero después nos volvíamos 'locos por la velocidad'" Administrar anfetaminas no era ilegal aunque las regulaciones advirtieran contra la prescripción de "cantidades excesivas" o de recetarlas cuando no fuera necesario. Dr. Robert perdió su matrícula para la práctica de la medicina por seis meses en 1968 y en 1975 fue expulsado de la Sociedad Médica del Estado de Nueva York por mala praxis. Cuando del New York Times le pidieron en marzo de 1973 que defendiera su accionar, él alegó: "los adictos mataron una buena droga". Murió en 1987.

Got to get you into my life (Tengo que Meterte en Mi Vida)

"Got to get you into my life" fue escrita por Paul, que ya tenía la idea de utilizar bronces para emular el sonido Motown. John creía que la frase de Paul "another kind of mind" (otra clase de mente) aludía a la reciente experiencia de Paul con el LSD. Paul debe haber sido el último beatle en experimentar con la droga, pero fue el primero en hablar de ello. Su revelación a un periodista de la revista Life provocó titulares que dieron la vuelta al mundo. Más tarde reveló que ya había "viajado" en ácido cuatro veces. El 19 de junio de 1967 fue confrontado por un periodista de la televisión británica que le preguntó si no hubiera sido mejor mantener su consumo de drogas en privado. "Me hicieron esa pregunta y la decisión pasaba por mentir o decir la verdad.", comentó Paul. "Yo decidí decir la verdad pero... si me hubiera salido con la mía, no le hubiera dicho a nadie porque no estoy tratando de 'predicar la palabra'... Lo mantendría como algo personal si él también lo hace. Pero él quiso diseminarlo, así que la responsabilidad por hacerlo público es suya, no mía."

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I want to tell you (Quiero decirte)

"I want to tell you" es un tema escrita por George sobre las frustraciones de tener cosas que decir y no poder articularlas. "Se trata de la avalancha de pensamientos que son tan difíciles de escribir o decir o transmitir", dijo más adelante, agregando que si tuviera que componer la canción de nuevo enmendaría la sección del puente que dice "But if I seem to act unkind, it's only me, it's not my mind. That's confusing things" (pero si parece que actúo rudamente, sólo soy yo, no mi mente. Eso es confundir las cosas), para que quedara claro que su mente era responsable de la confusión. "La mente es lo que lo que brinca diciéndonos de hacer esto y aquello. Lo que necesitamos es perder la mente [N.T..: perder la razón, el juicio]", explicó George. Apropiadamente para una canción que trataba sobre no saber qué decir, "I Want to Tell You" fue grabada bajo el disparatado título de "Laxton's Superb", el nombre de una manzana inglesa, en principio sugerido por el ingeniero Geoff Emerick. Después se la conoció como "I Don't Know", luego de que George Martin le preguntara a George cómo iba a titular a este tema, y la respuesta de George fuera precisamente ésa!

Tomorrow Never Knows (El Mañana Nunca Sabe)

Como "Tomorrow Never Knows" es la última pista del álbum, y el hito más claro de lo que se venía, a menudo se supone que fue el último tema grabado. De hecho fue la primera pista realizada para Revolver. Ciertamente el tema más loco, extravagante y experimental que apareció bajo el nombre de los Beatles en aquel momento, esta fue un intento de John de capturar algo de la experiencia con LSD en palabras y sonidos. Las palabras fueron tomadas prestadas, adaptadas y adornadas del libro de Timothy Leary "The Psychedelic Experience" (1964), que era a su vez una reinterpretación poética del antiguo "Libro de los Muertos" tibetano. A John le había mandado este libro Barry Miles, que tenía una librería llamada Indica Books en Southampton Row y era una figura influyente en la escena underground británica en los Sesenta. Tenía un arreglo con los Beatles de enviarles libros, revistas y diarios significativos para mantenerlos actualizados. Leary, conocido como el Gran Sacerdote del LSD, había pasado siete meses en los Himalayas estudiando budismo tibetano con el Lama Govinda. "The Psychedelic Experience" fue un resultado directo de este período de estudio. Leary señaló: "Le formulaba preguntas a Lama Govinda y luego trataba de traducir lo que él decía para que fuera útil a la gente. "El Libro de los Muertos" significa en file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Análisis%20-%20Revolver%20Songs.htm (15 of 16) [10/05/2004 09:46:41 p.m.]

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realidad "El libro de los que están muriendo" pero es tu ego más que tu cuerpo el que muere. El libro es un clásico. Es la biblia del budismo tibetano. El concepto de budismo es el de vacío y alcanzar el vacío que es lo que John capturó en la canción". El título con el que se trabajó la canción fue en efecto "El Vacío" (The Void), tomado de la frase de Leary "Más allá de la incansable y fluyente electricidad de la Vida está la realidad suprema - el vacío". Su eventual título era un "Ringoismo" que John arrebató porque le agregaba algo de levedad ilusoria a lo que de otra manera hubiera sonado como un viaje desolado a la nada. El verdadero sonido de la pieza, que consiste en 16 "rulos" de cinta hechos por cada uno de los Beatles haciendo aparecer (y desaparecer) gradualmente las voces, salió de la experimentación casera de Paul con su grabador. George Martin comenta: "Él tenía un Grundig chiquito. Descubrió que moviendo el cabezal de borrado y poniendo una sección de cinta podía saturarla con un solo ruido. Daba vueltas y vueltas y eventualmente la cinta no podía absorber más, y él la trajo y la pusimos". Para la parte vocal, John quería que sonara como un coro de monjes tibetanos canturreando en la cima de la montaña. "Dijo que quería escuchar las palabras pero no quería escucharse él", dice George Martin. El resultado, que suena como si John estuviera cantando al final de un largo túnel, fue logrado alimentando su voz con un parlante Leslie.

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Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band Este fructífero período que produjo tanto los singles "Penny Lane" y "Strawberry Fields Forever" como el disco de Sgt. Pepper, fue momento en que los Beatles estaban dedicados exclusivamente al estudio de grabación. Algo sin precedentes hasta el momento, les llevó un total de 105 horas el grabar ambos lados del single y luego cinco meses más para completar el álbum. Sgt. Pepper

fue el hijo mental de Paul, que concibió el disco como un show puesto en escena por una banda de bronces eduardiana de ficción transportada a través del tiempo a la era psicodélica, y tocando por supuesto los electrónicamente equipados Beatles. Lanzado en junio de 1967, Sgt. Pepper fue el álbum de lo que luego se conocería como el "Summer of Love" (Verano del Amor), una breve temporada cuando la onda hippie que irradiaba desde San Francisco parecía invadir el resto del mundo occidental. Para cualquiera que fuera joven en ese momento, la música automáticamente evoca el paisaje de vinchas, pantalones floreados y blusas de bambula, el sonido de cascabeles y el olor a marihuana camuflado detrás del aroma de los sahumerios. A pesar de esto, había sólo cuatro temas en Sgt. Pepper ("Lucy in the Sky with Diamonds", "She´s leaving home", "Within you Without you" y "A day in the life") que hacían referencia específica a la situación social causada por la cambiante cultura joven. El resto de las canciones eran sólo canciones muy típicas del pop británico, que iban desde temas domésticos como la "buena vecindad" y estar bien con sus semejantes ("With a little help from my friends") y automejora ("Getting better") pasando por la vida rural ("Good morning, good morning") y la decoración de interiores ("Fixing a file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Análisis%20-%20Sgt%20Pepper%20Songs.htm (1 of 20) [10/05/2004 09:48:07 p.m.]

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hole") hasta el entretenimiento victoriano ("For the benefit of Mr Kite"). El lenguaje de las canciones era muchas veces deliberadamente pasado de moda (por ejemplo "guaranteed to raise a smile", "may I inquire discreetly", "meeting a man from the motor trade", "a splendid time is guaranteed for all", "indicate precisely what you mean to say") como si verdaderamente se tratase de una producción eduardiana puesta en escena por el buen Sargento Pepper y sus hombres de la banda local de Corazones Solitarios. El espíritu de 1967 dio forma al disco de otras maneras significativas. Alentaba la creencia en que los límites de la imaginación eran culturalmente impuestas y por lo tanto había que desafiarlas. Cualquier cosa que pareciera artísticamente posible debía intentarse, incluyendo el frenético clímax orquestral de "A day in the life" y una nota alta muy particular que sólo el oido canino puede captar en el galimatías de sonidos. Casi todas las convenciones de la realización de un álbum fueron dadas vuelta. Sgt. Pepper fue uno de los primeros discos en tener una doble tapa tipo libro, en contener las letras impresas, la bolsa interior que contenía el disco en sí decorada, un regalo gratis y una fotografía de la tapa completamente elaborada. También fue uno de los primeros discos en presentarse como un concepto total más que una simple colección de canciones. "Básicamente Sgt. Pepper era el álbum de McCartney, no de Lennon", dice Barry Miles, el contacto principal de la banda en la escena underground de Londres en esa época. "La gente comete el error de pensar que debe haber sido de Lennon porque estaba tan fumado, tan entripado y demás. En verdad, estaba tomando tanta droga y tratando de librarse de su ego que el álbum fue mucho más idea de McCartney que de él". Sgt. Pepper fue un tremendo éxito comercial y de crítica, alcanzando el N° 1 en los charts de Gran Bretaña y EE.UU. Casi treinta años más tarde, todavía es considerado por las encuestas de críticos como el mejor álbum de rock'n'roll jamás realizado.

Penny Lane

Aunque Penny Lane es una calle de Liverpool, también es el nombre que se le da al área que rodea a su intersección con Smithdown Road. Ninguno de los lugares mencionados en "Penny Lane" existe en la calle propiamente dicha. En verdad a nadie que no haya crecido en esta zona de Liverpool esta área le resulta, como el músico y crítico de arte George Melly dijo, "un aburrido centro de compras suburbano". Pero para Paul y John, que habían pasado sus primeros años en el barrio, era un símbolo de la gloriosa inocencia infantil cuando todo parecía amigable y el sol brillaba por siempre en file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Análisis%20-%20Sgt%20Pepper%20Songs.htm (2 of 20) [10/05/2004 09:48:07 p.m.]

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un claro cielo celeste. John había sido el primero en referirse a Penny Lane en una canción cuando había intentado incorporarla a "In my life", pero fue Paul quieneventualmente recogió el tema y lo hizo funcionar. Creó la escena de una calle de Liverpool que podría haber sido sacada de un cuento para niños con una enfermera bella, un barbero bonachón, un banquero excéntrico, un patriótico bombero y algunos transeúntes amigables. Él admitió: "Es parte verdad, y parte nostalgia". Había una barbería en Penny Lane, la del Sr. Bioletti, quien aseguraba haberle cortado el pelo a John, Paul y George cuando niños; había dos bancos, un cuartel de bomberos en Allerton Road y, en el medio de la rotonda, un refugio. El banquero sin piloto y el bombero con un retrato de la reina en su bolsillo nunca existieron en realidad: fueron adornos de Paul. "Escribí que el barbero tenía fotos de cada cabeza que había tenido el placer de conocer. En realidad tenía fotos de diferentes cortes de pelo. Pero toda la gente que viene y va para y dice 'hello'", comentó Paul. "Finger pie" es una referencia sexual liverpuliana incluida en la canción para divertir a los lugareños. "Era una bromita para los chicos de Liverpool que gustan de un poco de humor chancho. Durante los meses que siguieron [a la salida del tema], las camareras que servían en los negocios de papas fritas locales tuvieron que bancarse los pedidos de 'fish and finger pie'". El poeta liverpuliano Rober McGough, que estaba en el grupo Scaffold con el hermano de Paul (Mike) en los '60, cree que "Penny Lane" y "Strawberry Fields Forever" fueron significativas porque fue la primera vez que un lugar que no fuera Memphis, y que un camino que no fuera la Ruta 66 o la Autopista 61 hayan sido homenajeadas por el rock: "Los Beatles estaban empezando a escribir temas sobre su lugar de origen. Empezaron a acercarse a cosas como las cancioncitas que solíamos cantar en las calles y viejas canciones que nuestros padres recordaban de los días de los music halls. Liverpool no tenía una mitología hasta que ellos se la crearon". Hoy, Penny Lane se ha convertido en un importante punto de atracción en cualquier tour de los Beatles por Liverpool y aún el éxito de la canción ha hecho que muchas de sus cosas hayan cambiado. Todos los carteles originales de las calles fueron robados y por eso los que quedan están atornillados fuertemente y muy alto. La barbería se convirtió en una peluquería unisex con una foto de los Beatles en la vidriera. El refugio en la rotonda fue renovado y reabierto como el "Sgt. Pepper Bistro". El Penny Lane Wine Bar (Vinería de Penny Lane) tiene la letra de la canción pintada en sus ventanas. Tanto "Strawberry Fields Forever" y "Penny Lane" fueron escritas para el nuevo álbum, pero Capitol Records en EE.UU. estaba presionando file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Análisis%20-%20Sgt%20Pepper%20Songs.htm (3 of 20) [10/05/2004 09:48:07 p.m.]

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para que sacaran un single, de manera que fue lanzado como un single de doble lado A. En EE.UU. llegó a la cima del ránking pero en Gran Bretaña quedó en el N° 2 luego del hit de Engerbert Humperkinck, "Please Release Me".

Strawberry Fields Forever (Strawberry Fields por siempre)

En el otoño de 1966, John fue a España luego de aceptar el rol de Gripweed en el film de Dick Lester "How I won the war" (Cómo gané la guerra). Mientras descansaba en la playa de Almería, comenzó a trabajar en "Strawberry Fields Forever", una canción que imaginó como un blues recitado lentamente. Lo completó en la enorme casa que estaba alquilando en las cercanías de Santa Isabel. Empezaba como una vista nostálgica del orfanato del Ejército de Salvación en Woolton en donde él, Pete Shotton y Ivan Vaugham solían jugar entre los árboles y concluía, como tantos temas de John, como una rumiación sobre los estados de consciencia. Strawberry Field (John agregó la "s") era un gran edificio victoriano con amplios terrenos arbolados en Beaconsfield Road, a cinco minutos a pie de la casa de John enMenlove Avenue. Desde 1936 había sido un hogar para niños en donde se celebraba una especie de kermese anual a donde la tía Mimi lo llevaba regularmente. La grandeza gótica del edificio y el misterio de su arboleda fascinaban a John. El reconoció que era un lugar en donde podía estar solo y dejar correr libremente a su imaginación. Enseguida descubrió que había un camino más directo para ir desde su jardín hasta el terreno y se convirtió en uno de sus lugares de escape. A raíz de esas románticas asociaciones, Strawberry Field se convirtió en un símbolo de su deseo de estar solo, de su sentimiento de que estaba de alguna manera aislado de sus contemporáneos. Si "Straberry Fields Forever" es una canción sobre John viendo al mundo de una manera diferente de todos los que lo rodeaban, el significado es más claro en la versión primitiva de la letra, en donde escribió que nadie está en su longitud de onda, sino "o más arriba o más abajo". Para la época en que lo grabó, oscureció deliberadamente este significado quizás por miedo a ser tildado de pretencioso -por cantar que nadie estaba "en su árbol", por estar o demasiado alto o demasiado bajo.

Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (La Banda del Club de Corazones Solitarios del Sgto. Pepper)

Uno de los problemas del éxito era que la gente había comenzado a file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Análisis%20-%20Sgt%20Pepper%20Songs.htm (4 of 20) [10/05/2004 09:48:07 p.m.]

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esperar mucho de los Beatles. Con el fin de desviar esa presión, Paul tuvo la idea de ponerse en la piel del Sgto. Pepper y sus músicos, una nueva identidad que le daría a la banda algo de la tan necesitada libertad creativa. Como Beatles se habían cohibido pero como la Banda del Club de Corazones Solitarios no tendrían que vérselas con las expectativas de la gente. Los alias, sin embargo, nunca se sostuvieron más allá de los temas de apertura y cierre y el enganche que llevaba a "With a little help from my friends", en donde Ringo es presentado como Billy Shears. El plan igualmente ayudó porque daba la impresión de que Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band era un "álbum de concepto". George Martin admite: "Los temas, si los escuchás, no tienen ninguna conexión. Paul dijo '¿Por qué no hacemos que la banda sea y Ringo porque le da un lindo comienzo a la cosa?' No era en realidad un álbum de concepto. Era simplemente una cuestión de tratar de que yo hiciera algo coherente por medio de la introducción de enganches tan a menudo como fuera posible". Más adelante, a Martin se le ocurrió la idea del reprise, lo cual ayudó a darle el toque final y "envolver como para regalo" el disco entero. El Sgt. Pepper y su banda lograron la supuestamente imposible proeza de ser a la vez quintaesencialmente ingleses (es posible imaginarlos tocando en la campiña eduardiana en verano) y muy "Costa Oeste 1967" (es igualmente posible imaginarse su nombre escrito en un afiche psicodélico del Avalon Ballroom de San Francisco. La intención de Paul era jugar a dos puntas, escribiendo letras pasadas de moda y diciéndolas con una satírica intensidad psicodélica, utilizando un título que pegara con la onda de finales de la década del '60 de ponerle nombres largos y surrealistas a las bandas: Jefferson Airplane, Quicksilver Messenger Service, Incredible String Band, Big Brother and the Holding Company... "Son en parte una banda de bronces, pero también una banda de rock porque tienen esa cosa de San Francisco", comentó Paul. El origen del nombre es controvertido. Se ha dicho que el creador del nombre (como una deformación en broma de "salt'n'pepper" - sal y pimienta) fue el ex asistente de giras de los Beatles, Mal Evans. Otros sugieren que el nombre derivó de la popular gaseosa estadounidense "Dr. Pepper".

With a little help from my friends (Con una ayudita de mis amigos)

El periodista Hunter Davies consiguió una visión única sobre los métodos de composición de letras de los Beatles mientras trabajaba en su biografía autorizada. En la tarde del 29 de marzo de 1967, Davies fue a lo de Paul y estuvo presente mientras él y John file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Análisis%20-%20Sgt%20Pepper%20Songs.htm (5 of 20) [10/05/2004 09:48:07 p.m.]

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componían "With a little help from my friends". Fue una de las primeras veces en que un periodista era testigo del proceso de creación de un tema Lennon-McCartney. Davies acota: "Querían hacer una canción 'estilo Ringo'. Sabía que tendría que ser para chicos, uno de esos temas para cantar a coro. Ellos pensaban que le faltaba eso al álbum hasta ese momento. Los grabé tratando de encontrar las rimas adecuadas y en algún lado tengo la lista de las que finalmente no usaron". Al principio de la tarde, todos lo que tenían los compositores era el estribillo y un poco de la melodía. Durante las primeras dos horas, machacaron con las guitarras sin llegar muy lejos ninguno de los dos. Fue John quien eventualmente sugirió empezar cada verso con una pregunta. El verso "Do you believe in love at first sight?" (¿Creés en el amor a primera vista?" no tenía suficientes sílabas así que se convirtió en "a love at first sight". La respuesta de John a esta pregunta era "Yes, I'm certain that it happens all the time" (Sí, estoy seguro de que sucede todo el tiempo). A esto le seguía "Are you afraid when you turn out the light?" (¿Tenés miedo cuando apagás la luz?), que fue reescrita como "What do you see when you turn out the light? (¿Qué ves cuando apagás la luz?). Entonces entró Cynthia Lennon y sugirió "I'm just fine", pero John no le dio importancia porque según él ese "just" era o bien un relleno o bien una palabra sin contenido. En lugar de eso intentó con "I know it's mine" (sé que es mío), y eventualmente la finalizó como un más sustancial "I can't tell you, but I know it's mine" (no te puedo decir, pero sé que es mío). Luego de un par de horas de estar jugando con las palabras, sus mentes comenzaron a divagar. Empezaron a jorobar y a cantar "Can't buy me love" y a tocar "Tequila" (un hit del '58 de los Champs) en el piano. "Cuando se trababan, retrocedían y tocaban un rock'n'roll", recuerda Davies. "A veces se ponían a cantar un tema de Engelbert Humperdinck y a jorobar y después volvían al trabajo que estaban haciendo". Había programada una sesión de grabación para las 7 en punto y lo llamaron a Ringo para decirle que su canción estaba lista, aunque en realidad la letra no estaba todavía del todo terminada. Se completaron las letras en el estudio, en donde se grabaron diez tomas del tema esa noche. La canción todavía no tenía título así que se la llamó "Badfinger Boogie", lo cual se cambió más adelante por el más apto "With a little help from my friends".

Lucy in the sky with diamonds (Lucy en el Cielo con Diamantes)

Una tarde a principios de 1967, Julian Lennon volvió a casa del jardín de infantes con un dibujito que según él mostraba a su file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Análisis%20-%20Sgt%20Pepper%20Songs.htm (6 of 20) [10/05/2004 09:48:07 p.m.]

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compañerita de 4 años Lucy O'Donnell. Al explicar su obra, Julian la describió como Lucy - "en el cielo con diamantes". La frase le pegó a la mente de John y disparó un río de asociaciones que llevaron a la composición de la onírica "Lucy in the sky with diamonds", uno de los tres temas de Sgt. Pepper que recibió especial atención de la prensa bajo la sospecha de "tratarse de la droga". Aunque es improbable que John hubiera escrito una pieza tan fantasiosa sin haber nunca experimentado con alucinógenos, este tema estaba igualmente afectado por su amor al surrealismo, juegos de palabras y las obras de Lewis Carroll. La sugerencia de que la canción era una descripción de un viaje lisérgico se sustanciaba en que las iniciales del título deletreaban L-S-D. De todas maneras John negó esto con vehemencia, contando en gran detalle durante las entrevistas que se le hacían sobre las drogas que sí había tomado. Siempre insistió en que el título surgió de lo que Julian había dicho sobre su dibujito. El mismo Julian recuerda "No sé por qué lo llamé así o por qué sobresalió ése de entre todos mis otros dibujitos pero obviamente sentía afecto por Lucy en esa época. Solía mostrarle a mi papá todo lo que construía o dibujaba en la escuela y éste inspiró la idea para una canción sobre Lucy en el cielo con diamantes." Lucy O'Donnell (actualmente, en el año 2000, tiene 37 años y trabaja de maestra para chicos con necesidades especiales) vivía cerca de la familia Lennon en Weybridge, y ella y Julian eran alumnos en Heath House, un jardín de infantes de dos señoras mayores instalado en un edificio eduardiano. "Me acuerdo de Julian en la escuela", dice Lucy, que no descubrió que había sido inmortalizada en una canción de los Beatles hasta los 13 años. "Lo recuerdo muy bien. Tengo muy presente su cara... nos sentábamos juntos en los típicos bancos a la vieja usanza. El edificio era enorme y había grandes cortinados para dividir las aulas. Julian y yo éramos una pareja de pequeños demonios según me dijeron". John sostenía que las imágenes alucinatorias en el tema fueron inspiradas por el capítulo "Lana y Agua" del libro "Through the looking glass" (A través del espejo) de Lewis Carroll, en donde Alicia es llevada por un río en un bote a remo por la reina, que de pronto se convierte en una oveja. "Las Aventuras de Alicia en el País de las Maravillas" y "A través del espejo" eran dos de los libros preferidos de John cuando pequeño. El decía que fue en parte a través de la lectura de dichas obras que se dio cuenta de que las imágenes en su propia mente no eran signos de locura. "Para mí el surrealismo es la realidad", expresó. "La visión psicodélica es la realidad para mí, y siempre lo fue". Por razones similares, John se sentía atraído por The Goon Show, el programa radial de comedia británico en el que participaban Spike file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Análisis%20-%20Sgt%20Pepper%20Songs.htm (7 of 20) [10/05/2004 09:48:07 p.m.]

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Milligan, Harry Secombe y Peter Sellers que salió al aire por la BBC entre junio de 1952 y enero de 1960. Los libretos de The Goon Show, principalmente escritos por Milligan, satirizaba a las figuras del establishment, atacaba el exceso de formalidad de post-guerra y popularizaba una forma de humor surreal y absurda. La celebrada "locura linda" de los Beatles se debió mucho a los Goons, como también la poesía y las letras de John. Incluso una vez John le dijo a Spike Milligan que "Lucy in the sky with diamonds" y varias otras canciones habían sido en parte inspiradas en su amor por los diálogos de The Goon Show. "Solíamos hablar sobre 'corbatas de plastilina' en The Goon Show y esto se arrastró a 'Lucy in the sky with diamonds' como 'porteros de plastilina con corbatas de espejo'", dijo Milligan que, como amigo de George Martin, estuvo presente en algunas de las sesiones de Sgt. Pepper. "Conocía a Lennon bastante bien. Solía hablar mucho sobre las comedias. Era un fanático de The Goon Show. Todo terminó cuando se casó con Yoko Ono. Todo terminó. Nunca más volvió a preguntar por mí".

Getting Better (Mejorando)

Gran parte de Sgt. Pepper fue escrito "sobre el pucho" mientras se estaba grabando el disco, con John y Paul atrapando ideas de cualquier cosa que pasara a su alrededor. Hunter Davies estaba con Paul en una de esas ocasiones, cuando estaba trabado por la frase que luego fuera la base de "Getting Better". "Estaba caminando por Primrose Hill con Paul y su perra Martha. Era un día lindo, de sol... la primera mañana primaveral que habíamos tenido ese año. Pensando en el tiempo Paul dijo 'Está mejorando'. Lo que en realidad quiso decir es que estábamos en primavera pero se puso a reir y, cuando le pregunté de qué se reía, me dijo que eso le hizo recordar algo", recuerda Davies. La frase llevó la mente de Paul al pasado al recordar al baterista Jimmy Nicol, que fue brevemente un beatle en junio de 1964 cuando tuvo que sustituir a Ringo, que estaba enfermo, durante una gira. Nicol era un músico experimentado que había trabajado con los Spotnicks y con los Blue Flames de Georgie Fame, pero tuvo que aprender a ser un beatle de un día para el otro. Lo llamó George Martin el 3 de junio, conoció a John, Paul y George esa tarde y estuvo sobre el escenario con ellos en Copenhagen la noche siguietne! Una semana después en Adelaida, luego de tocar cinco fechas nomás, Nicol recibió su paga, junto con un "regalo de despedida por jubilación", un reloj de oro. "Luego de cada recital, John y Paul se acercaban a Jimmy y le preguntaban cómo iba todo," recuerda Davies. "Todo lo que Jimmy decía era 'está mejorando'. Ese era el único comentario que le file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Análisis%20-%20Sgt%20Pepper%20Songs.htm (8 of 20) [10/05/2004 09:48:07 p.m.]

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podían sacar. Terminó siendo una frase para jorobar y cada vez que los chicos pensaban en Jimmy les venía a la mente su 'está mejorando'". Después del paseo por Primrose Hill, Paul condujo de vuelta a su casa en St. John's Wood y cantó la frase una y otra vez, mientras sacaba una melodía en la guitarra. "Esa noche apareció John y Paul le sugirió escribir una canción titulada 'está mejorando'. A veces escribían canciones enteras individualmente, pero la mayoría de las veces uno de ellos tenía la mitad del tema y el otro venía y la completaba. . Eso es lo que pasó con ésta. Paul tocó lo que se le había ocurrido para que John lo escuchara, y la concluyeron juntos", comenta Hunter Davies. "Getting Better" resultó ser un ejemplo interesante de cómo se frenaban mutuamente en sus excesos cuando trabajaban juntos. El optimismo del estribillo de Paul, según el cual todo mejora gracias al amor, tiene su contrapeso en la confesión de John de que era un estudiante rebelde, un joven malhumorado y un golpeador. Cuando Paul canta que las cosas mejoran todo el tiempo, John replica que "no podrían empeorar más". Cuando se le preguntó sobre la canción años después, John admitió que se refería a sus tendencias agresivas. "Sinceramente creo en el amor y la paz. Soy un hombre violento que ha aprendido a no serlo y está arrepentido de su violencia".

Fixing a hole (Reparando un agujero)

El contador de Paul le aconsejó invertir sus ganancias en bienes raíces. En junio de 1966, sin haberla visto, compró una casa semi abandonada en una granja llamada High Park en las cercanías de Campbeltown en la costa occidental de Escocia, con 400 acres de zona de pasturas alrededor. La casa no había sido habitada durante cinco años y estaba en malas condiciones, sufriendo los embates de la lluvia y los vientos marinos. Las paredes marrones estaban oscurecidas por la humedad, el amoblamiento consistía en cajones de papas y ni siquiera había baño. Cuando Paul finalmente la visitó con Jane Asher encontró en ella una liberación de las presiones de Londres. La granja estaba emplazada en un lugar demasiado remoto aún para que la más fanática de sus admiradoras lo molestara, y pocos lugareños sabían quién erael dueño. "Fixing a hole" fue otra de las canciones de Sgt. Pepper acusadas de hacer referencia a la droga. La gente no podía creer que Paul hablara de reparar agujeros en el sentido del bricolage nomás... era demasiado simple. Se suponían que estaba "enmendando un agujero" en su brazo - en otras palabras, una picada de heroína (en inglés: heroin fix). Pero en realidad el tema se trataba de renovaciones y arreglar un agujero en file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Análisis%20-%20Sgt%20Pepper%20Songs.htm (9 of 20) [10/05/2004 09:48:07 p.m.]

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el techo por donde se filtra la lluvia. Paul se había encargado de hacer eso recientemente en su nueva propiedad en Escocia en las condiciones más primitivas, un trabajo que tuvo el efecto de reenfocar su pensamiento y hacerlo reevaluar sus prioridades inmediatas. Esta practicidad que acababa de descubrir no significó que Paul no arreglara su casa "in a colourful way" (de forma colorida), según recuerda Alistair Taylor, el asistente de Brian Epstein, que justamente acompañó a Paul y Jane Asher en su primera visita a High Park. "La pintura marrón hacía que la casa pareciera el interior de un Aero bar", escribió en su libro "My Life with the Beatles". "Paul decidió que se había cansado de ese tono así que fue a Campbeltown y compró montones de paquetes de lapiceras de colores. Los tres nos pasamos las siguientes horas garabateando con todos esos colores, desparramándolos por toda la pared y tratando de aplacar la penumbra". En 1967, en una entrevista con el artista Alan Aldridge, Paul fue indagado con respecto a las asociaciones con las drogas: "Si sos un drogón que se sienta en una habitación y arregla un agujero, eso es lo que va a significar para vos, pero cuando yo lo escribí quise decir cuando hay una grieta, o le falta color a un cuarto y ahí voy y lo pinto".

She's leaving home (Ella se va de casa)

En febrero de 1967, Paul dio con un artículo periodístico que informaba sobre una chica de 17 años, estudiante del nivel A (A level) que faltaba de su casa desde hacía una semana. Se citaba a su atribulado padre diciendo "No imagino por qué se puede haber ido. Ella tiene de todo acá". El tema de fugarse de la casa era repetitivo entre los adolescentes en 1967. Como parte de la creación de una sociedad alternativa, el gurú de la contracultura Timothy Leary urgió a sus seguidores de salirse de lo tradicional, de abandonar la educación y el típico empleo. Como resultado de ello, una "manada" de adolescentes se dirigieron a San Francisco, centro del Flower Power (el "poder de la flor"), lo cual llevó al FBI a anunciar un récord de 90.000 fugas juveniles ese año. Teniendo únicamente los hechos presentados por el diario como guía, Paul creó una canción atrapante de una chica que sigilosamente deja su claustrofóbico y respetable hogar en busca de diversión y romance en los "swinging Sixties". Lo que él no sabía en ese momento era cuán exacta era su especulación. Tampoco tenía idea de que él había conocido a la chica en cuestión hacía tres años. La chica a la que se refería el diario era Melanie Coe, hija de John y Elsie Coe, residentes en Stamford Hill, al norte de Londres. Las únicas diferencias entre su historia y la que se cuenta en la canción son file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Análisis%20-%20Sgt%20Pepper%20Songs.htm (10 of 20) [10/05/2004 09:48:07 p.m.]

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que en vez de encontrarse con un hombre "del negocio automotor" ("a man from the motor trade", una referencia a Terry Doran, un viejo amigo de Paul de Liverpool), ella conoció a un hombre del negocio del juego, específicamente de un casino, y que ella se fue durante la tarde mientras sus padres estaban trabajando y no en la mañana mientras dormían. "Lo sorprendente del tema es la cantidad de cosas de mi vida en las que el tema le 'pega'" -dice Melanie- "En la canción los padres dicen 'le dimos todo lo que la plata pueda comprar', lo cual era verdad en mi caso. Yo tenía dos anillos de diamantes, un tapado de armiño, vestidos de seda pura y cashmere hechos a medida y hasta mi propio auto... Después estaba el verso 'luego de vivir sola durante tantos años', lo cual me sacudió porque yo era hija única y siempre me sentí sola," continúa Melanie. "Nunca hubo comunicación entre yo y ninguno de mis padres. Era una batalla constante. Me fui porque ya no los podía enfrentar más. Escuché la canción cuando salió y pensé que se trataba de un caso parecido al mío pero jamás soñé que hubiera sido sobre mí. Me acuerdo de estar pensando en que yo no me había ido con un tipo del negocio automotor, así que no podía tratarse de mí! Tendría veintitantos años cuando mi mamá dijo que había visto a Paul en la televisión diciendo que la canción se había basado en una historia sacada del diario. Ahí es cuando le empecé a decir a mis amigos que era sobre mí". El caso de Melanie era un buen ejemplo de cómo la cultura alternativa de los sesenta causó un choque de valores entre las distintas generaciones y expandió la brecha entre ellas. Melanie ansiaba una libertad de la que había oido hablar pero que no hallaba en su casa. Su padre era un ejecutivo de un relativo buen pasar, y su madre era peluquera, pero su matrimonio era seco y frágil. La familia no era religiosa: para ellos lo más importante en la vida era el respeto, la pulcritud y el dinero. "A mí mamá no le gustaba ninguno de mis amigos," recuerda Melanie. "No me dejaba invitar a nadie a casa. No le gustaba que yo saliera. Yo quería actuar, pero no me dejaba ir a clases de teatro. Ella quería que fuera dentista. No le agradaba mi manera de vestirme. No quería que hiciera nada que yo quisiera hacer. Mi padre era débil y se dejaba llevar por lo que decía mi mamá, incluso cuando estaba en desacuerdo con ella". Fue a través de la música que Melanie encontró consuelo. A los 13 años de edad empezó a ir a los boliches del West End londinense y, cuando empezó el legendario programa de TV "Ready Steady Go!" (Preparados, listos, ya) a comienzos del '63, entró como bailarina estable del programa. Sus padres a menudo la buscaban por los boliches y se la llevaban a la rastra de vuelta a casa. Si regresaba muy tarde, le pegaban. "Cuando salía, yo podía ser yo. De hecho, en file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Análisis%20-%20Sgt%20Pepper%20Songs.htm (11 of 20) [10/05/2004 09:48:07 p.m.]

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los boliches se me alentaba a que fuera yo misma y a pasarla bien. Bailar era mi pasión. Me volvía loca por la música del momento y no veía la hora de que saliera el próximo single. Cuando la canción dice 'algo se le había negado', ese algo era yo misma. No se me permitía ser yo. Yo buscaba entusiasmo y afecto. Mi madre no era para nada afectuosa... jamás me dio un beso". El viernes 4 de octubre de 1963, Melanie ganó un juego de mímica en "Ready Steady Go". Por coincidencia, resultó ser la primera vez que los Beatles estaban en el programa y su premio le fue entregado por Paul McCartney. Cada uno de los Beatles le dio un mensaje firmado. "Pasé días en el estudio ensayando así que estuve cerca de los Beatles todo ese tiempo. Paul no era particularmente conversador y John parecía distante pero sí estuve un buen rato charlando con George y Ringo". La "huida" de Melanie de su casa la llevó a los brazos de David, un croupier que había conocido en un boliche. Alquilaron un departamento en Sussex Gardens cerca de la estación Paddington y una tarde mientras paseaban vieron la foto de ella en el diario. "Inmediatamente me fui al departamento y me puse anteojos oscuros y un sombrero. De ahí en más viví aterrorizada de que me encontraran. De hecho me descubrieron a los diez días porque me parece que se me escapó decir dónde trabajaba mi novio. Hablaron con su jefe y él me persuadió de llamarlos. Cuando vinieron a verme, me metieron en el asiento de atrás del auto y me llevaron de vuelta a casa". Para poder finalmente escaparse de sus padres, Melanie se casó a los 18. El matrimonio no duró mucho más de un año y a la edad de 21 se había mudado a EE.UU. para vivir en un ashram y trató de abrirse camino como actriz. Melanie vive ahora en las afueras de Londres con dos hijos pequeños y su pareja, comprando y vendiendo joyas del Hollywood de los años '50. "Si tuviera que vivir mi vida nuevamente, no elegiría hacerlo de la misma forma. Lo que hice fue muy peligroso pero tuve suerte. Supongo que es lindo quedar inmortalizada en una canción pero más lindo hubiera sido quedar inmortalizada por hacer otra cosa que escaparse de la casa".

Being for the benefit of Mr Kite (Siendo a beneficio del Sr. Kite)

En enero y febrero de 1967, los Beatles fueron a Knole Park cerca de Sevenoaks en Kent para rodar un film que acompañase "Strawberry Fields Forever". "Había un negocio de antigüedades cerca del hotel donde estábamos parando en Sevenoaks " comenta Tony Bramwell, ex -empleado de Apple. "John y yo nos metimos a mirar y John vio este afiche de circo victoriano enmarcado, y lo file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Análisis%20-%20Sgt%20Pepper%20Songs.htm (12 of 20) [10/05/2004 09:48:07 p.m.]

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compró". Impreso en 1843, el póster anunciaba con orgullo que el Circo Real de Pablo Fanque estaría presentando "la noche más grandiosa de la temporada" en Town Meadows, Rochdale, al norte de Inglaterra. La producción sería "a beneficio del Sr. Kite" y presentaría a "Mr J. Henderson, el celebrado lanzador de saltos mortales" (sic) que mostraría sus "extraordinarias piruetas en el trampolín y saltos y volteretas sobre hombres y caballos, a través de aros, sobre cuerdas y finalmente a través de un tonel de fuego verdadero. En esta rama de la profesión Mr H desafía al mundo". Se decía que los Sres. Kite y Henderson aseguraban al público que "la producción de esta noche será una de las más espléndidas que se hayan hecho en esta ciudad, habiéndonos llevado algunos días de preparación". Inspirado por el lenguaje tan finamente elaborado y los evocativos nombres de los artistas, John comenzó a componer una canción basándose en el afiche. Para ese entonces ya estaba colgando de la pared de su sala de música y Pete Shotton puede recordarlo echándole una ojeada al texto del póster mientras sacaba una melodía en su piano. A fin de encontrar una rima con "don't be late", John "mudó" los hechos de Rochdale a Bishopsgate, y para rimar con "will all be there" cambió el circo a una feria estilo kermese (fair). En el afiche era Mr Henderson el que se ofrecía a desafiar al mundo, no Mr Kite; los Henderson no eran "ex -artistas de la Feria de Pablo Fanques" - de todas formas, era Kite quien era "ex del Circo Wells". Además, el caballo original se llamaba Zanthus, no Henry. Pablo Fanque, Mr Kite y los Henderson no eran más que nombres llamativos para John, pero los registros muestran que hace 150 años eran estrellas en el mundo del circo. Mr Kite era William Kite, un artista circense polifacético hijo de James Kite, dueño de circo. En 1810 formó el Kite's Pavilion Circus y 30 años después se unió al Circo Wells. Se cree que trabajó en el Circo de Pablo Fanques entre 1843 y 1845. Pablo Fanques era un artista multitalentoso, que se convirtió en el primer dueño de circo de raza negra en Gran Bretaña. Su nombre verdadero era William Darby, y había nacido en Norwich en 1796 en la familia de John y Mary Darby. Se comenzó a llamar a sí mismo Pablo Fanque en la década de 1830. Los Henderson eran John (equilibrista, ecuyère, trampolinista y clown) y su esposa Agnes, que era la hija del dueño del circo, Henry Hengler. Los Henderson viajaron por toda Europa y Rusia durante los años 1840 y 1850. Los "saltos mortales" que Mr Henderson llevaba a cabo "en piso duro" (on solid ground) eran piruetas aéreas, las "cuerdas" eran sostenidas por dos personas y un "trampolín" en esos días era una especie de trampolín de madera más que una lona del tipo expándex. En aquella época, John veía a "Being for the benefit of Mr file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Análisis%20-%20Sgt%20Pepper%20Songs.htm (13 of 20) [10/05/2004 09:48:07 p.m.]

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Kite!" como una canción de desecho, y le comentó a Hunter Davies "No estaba orgulloso de ella. No era un trabajo propiamente dicho. Simplemente me dejé llevar porque necesitábamos un tema para Sgt. Pepper en ese momento." En 1980, había revisado completamente su opinión: le dijo a David Sheff, el entrevistador de Playboy: "Es tan cósmicamente hermosa... Esta canción es pura, como un cuadro, una acuarela pura..."

Within you, without you (Dentro de vos, fuera de vos)

George comenzó a interesarse por el pensamiento oriental a partir de su descubrimiento del sitar en 1965 y, habiendo estudiado el instrumento bajo la guía de Ravi Shankar, realizó su primer exposición explícita de su recientemente descubierta filosofía en "Within you, Without you". Escrita como el recuerdo de una conversación, la canción pone de manifiesto que el individualismo occidental (la idea de que cada uno de nosotros tiene su propio ego) está basada en una ilusión que incita a la separación y a la división. A fin de acercarnos y liberarnos del "espacio que existe entre todos nosotros", necesitamos abandonar esa ilusión de ego y darnos cuenta de que somos esencialmente "todos uno". Aunque la visión expresada en "Within you, without you" fue tomada de las enseñanzas hindúes, también tocó una cuerda entre aquellos que experimentaban con ácido en ese momento. A través de una destrucción del ego inducida químicamente, los "viajeros lisérgicos" a menudo sentían como si hubieran sido absorbidos en una gran "consciencia cósmica" que los contenía. George empezó a componer la canción una noche luego de una cena en casa de Klaus Voormann, un artista y músico alemán que habían conocido en Hamburgo y que les había diseñado la tapa de Revolver. Por aquellos días Voormann estaba viviendo en Londres, se había casado con la ex -actriz de la telenovela Coronation Street Christine Hargreaves, y tocaba el bajo en la banda Manfred Mann. También presente en la cena estaban Tony King y Pattie Harrison. King había conocido a los Beatles desde su primer arribo a Londres allá por el '63 y más adelante trabajaría para Apple en Londres. "Klaus tenía un harmonio a pedal y George se metió en una habitación contigua y comenzó a tocar algo en él", recuerda King. "Hacía unos ruidos extraños tipo gruñidos, terribles, y para el final de la tarde había sacado algo y estaba ya cantándonos pedacitos del tema. Es interesante que la eventual grabación de 'Within you, without you' tenía el mismo tipo de gruñido que había escuchado yo en el harmonio porque John una vez me dijo que el instrumento con el file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Análisis%20-%20Sgt%20Pepper%20Songs.htm (14 of 20) [10/05/2004 09:48:07 p.m.]

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que componés una canción le determina el tono. Un tema originalmente compuesto en piano suena totalmente distinto de uno trabajado en guitarra." El recuerdo de King de esa noche es el de un típico encuentro de onda de los Sesenta fumando porros y con un montón de ideas cósmicas flotando por ahí. "Estábamos todos prendidos a la idea de la pared de la ilusión y del amor que fluía entre nosotros pero ninguno de nosotros sabía bien de qué estábamos hablando. Todos desarrollamos esas voces copadas. Era un poco ridículo en realidad. Era como si hubiéramos sido sabios de pronto. Nos sentimos como si hubiésemos vislumbrado fugaz y rápidamente el significado del universo". "La primera vez que lo vi a George en 1963, él era Mr Diversión, Mr Salgamos-Toda-La-Noche. De pronto un día descubrió el LSD y la religión hindú y se puso muy serio. Las cosas fueron de alegres fines de semana, cuando nos sentábamos a reirnos comiendo bife y tartas de riñón, a estos fines de semana serios en donde todos vagaban por ahí con pacífica felicidad y hablaban sobre el significado del universo. Nunca fue en realidad mi onda pero todos nos vimos envueltos en eso porque éramos jóvenes, fácilmente influenciables y rodeados de gente famosa. Recuerdo cuando los artistas holandeses Simon y Marijke, que más adelante pintaron el frente del negocio de Apple, estaban en lo de George, me harté de todo y me fui al pub. Justo cuando estaba caminando por la calle de George, Simon y Marijke pasaron como flotando en metros de chiffon y dijeron con esos acentos modernosos 'Ooh, A dónde vas, man?" Les dije que me iba a tomar una Guiness. Entonces me dijeron 'Oh, decí algo hermoso para mí... ¿lo harías?'" En una entrevista con International Times en 1967, George dijo: "Somos todos uno. El darse cuenta de la reciprocidad del amor humano es tan copado. Es una buena vibración que te hace sentir bien. Estas vibraciones que te llegan por el yoga, los cánticos cósmicos y cosas como ésas, quiero decir, es tan espectacular. Te saca de cualquier lugar. No tiene nada que ver con pastillas. Está ahí, en tu propia cabeza, el darte cuenta. Es tan copado. Te mete directamente en el avión astral". Ninguno de los otros beatles estaban presentes cuando se grabó "Within you, without you". George y Neil Aspinall tocaron tambores mientras algunos músicos de sesión tocaban una variedad de instrumentos que incluían dilruba, tabla, violín y cello. George Martin recuerda: "No fue difícil organizar a los músicos de sesión indios. Lo difícil, sin embargo, fue escribir una partitura como para que los músicos ingleses pudieran tocar a la par de los indios. El que tocaba el dilruba, por ejemplo, hacía todo tipo de sonidos y golpeteos así que yo de hecho tuve que registrar eso para cuerdas y hacer que los file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Análisis%20-%20Sgt%20Pepper%20Songs.htm (15 of 20) [10/05/2004 09:48:07 p.m.]

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músicos lo siguieran". "Las risas al final de la pista eran de George Harrison. Pensó que sería una buena idea terminar el tema con ellas", agregó Martin.

When I'm Sixty-four (Cuando tenga 64 años)

Paul dijo que la melodía de "When I'm 64" la compuso al piano cuando vivía en Forthlin Road, Liverpool, "cuando tenía más o menos 15 años". Esto la ubica en 1957 o 1958, poco antes de unirse a John y los Quarry Men. Para 1960, Paul estaba tocando una versión de ese tema en sus actuaciones. En esa época pensaba en ella como una "melodía de cabaret", escrita con respeto por la música de los años '20 y '30 que su padre había tocado de joven. En medio de la psicodelia, lo que había estado de moda en la época de juventud de Jim McCartney se estaba reavivando y por eso tuvo sentido para Paul el desempolvar esta vieja canción suya de la adolescencia. El pasticho "twenties" titulado "Winchester Cathedral" había sido un hit en el Reino Unido en septiembre de 1966 para The New Vaudeville Band, y "Bonnie & Clyde", la película que comenzó una locura por la ropa de los '30, salió en 1967. Aunque Paul escribiera la canción teniendo en mente a su padre, fue mera coincidencia que él tuviera 64 años al momento de salir el tema a la venta. "Mi papá debería tener algo de 56 cuando la escribí. La edad en que uno se jubila en Gran Bretaña es 65 años, así que debo haber pensado que 64 era un buen preludio. Pero probablemente 64 funcionara bien como número". Esta canción está escrita en formato de carta por un joven socialmente inepto que parece estar tratando de convencer a una mujer a quien apenas conoce mediante promesas de una devota relación a largo plazo. El tono oficial / formal de la carta ("mandame unas líneas, expresando tu punto de vista") pinta un cuadro convincente de este jovenzuelo que quiere tener todo por escrito antes de firmar sobre la línea de puntos. "Era una especie de pasticho", dice George Martin. "Fue un envío de la cosa antigua. El texto es levemente humorístico. Era también algo de la música de su padre que salía por haber sido su padre músico en los años '20. Paul siempre había tenido ese respeto latente por la vieja musiquita de sus raíces". John decía que él jamás hubiera soñado escribir nada como "When I'm Sixty Four". George Martin continúa: "John era despectivo respecto de un montón de cosas, pero era partidario del estilo cooperativo. Tendían a ser rivales. No eran jamás como Rodgers y Hart. Eran más como Gilbert y Sullivan. Uno hacía algo y el otro decía, 'ah, sí, yo lo puedo hacer mejor', iba y lo hacía mejor todavía. Pero a la vez pensaba 'puta que estuvo bien lo que hizo él, ojalá pudiera hacerlo yo'". file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Análisis%20-%20Sgt%20Pepper%20Songs.htm (16 of 20) [10/05/2004 09:48:07 p.m.]

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Lovely Rita (Adorable Rita)

Una amiga estadounidense estaba visitando a Paul y le llamó la atención una policía de tráfico femenina (algo relativamente nuevo en Gran Bretaña por ese entonces), y comentó: "Veo que ustedes tienen chicas parquimetreras (meter maids) por acá en estos días". A Paul le gustó esta aliteración y comenzó a experimentar con la frase en el piano en casa de su padre. "Pensé que era genial. Tenía que ser 'Rita meter maid' y después 'lovely Rita meter maid'. Al principio pensé que sería una canción de odio, pero después pensé que sería mejor amarla". De aquí salió la idea de una canción sobre un tímido oficinista al que le hacen una boleta por una infracción de tránsito y trata de seducir a la agente con la intención de zafar de la multa. "Estaba imaginando el tipo de persona que sería como para enamorarme de una oficial de tránsito", señaló Paul. Algunos años después, una agente de tránsito llamada Meta Davies, destacada en el barrio de St. John's Wood en Londres, dijo haber inspirado la canción. No que había sido seducida por un beatle sino que, en 1967, ella le había hecho una multa a un tal P. McCartney, quien le había aparentemente preguntado acerca de su inusual nombre. "Su auto estaba estacionado en un lugar en donde la ficha del parquímetro se había vencido", dice Meta. "Tuve que hacerle la boleta que para ese entonces costaba 10 chelines. Recién la había dejado en el parabrisas cuando aparece Paul y la saca. La mira y ve mi firma (yo firmaba con mi nombre completo porque había otra M. Davies en la misma Unidad). Mientras se aleja, se detiene, se da vuelta y me pregunta: ¿De veras te llamás Meta?' Le dije que sí. Charlamos unos minutos y dijo 'ése sería un buen nombre para una canción. ¿Te importaría si lo uso?' Fue eso y listo. Se dio media vuelta y se fue". Puede ser que Paul ya hubiese escrito "Lovely Rita" y la estuviera lisonjeando un poco, aunque Meta le llevaba 22 años y era madre de una adolescente. "Nunca fui fanática de los Beatles", admite. "pero no podés evitar escuchar su música. Mi propia hija solía esperar afuera de los estudios Abbey Road para verlos".

Good morning, Good morning (Buen día, buen día)

Paul dominaba Sgt. Pepper principalmente porque John se había puesto bastante vago como compositor, nunca aventurándose fuera de su casa si podía evitarlo y tomando inspiración de cosas que tuviera al alcance de la mano como la televisión, los diarios, un dibujo del hijo o un póster en la pared. Cualquier cosa que estuviera dentro de la casa. De esto resultó que "Good morning, good file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Análisis%20-%20Sgt%20Pepper%20Songs.htm (17 of 20) [10/05/2004 09:48:07 p.m.]

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morning" fuera una canción sobre no tener nada que decir - "un poco de basura", como el mismo John la describió más tarde. Un tema sobre su vida de indolencia, era la consecuencia de un matrimonio frío, demasiadas drogas y días que se medían de comida a comida y en banales programas de televisión del tipo "Meet the Wife". De ese período, Cynthia recuerda: "Cuando estaba en casa pasaba largos ratos tirado en la cama con un anotador. Cuando se levantaba se sentaba al piano o iba de una habitación a otra escuchando música, chusmeando la tele y leyendo diarios. Básicamente se había abstraido de todo lo que estaba sucediendo. Estaba reflexionando sobre las cosas. Todo aquello en lo que él estaba metido, fuera de la casa, era bastante poderoso". Al tiempo en que se encontraba en este estado mental, sonidos inconexos y lonjas de conversaciones le disparaban ideas. Fue una propaganda televisiva de Kellogg's Corn Flakes la que le dio el título y el estribillo de "Good morning, good morning". El comercial en blanco y negro no mostraba más que zucaritas en un bols. El jingle de cuatro estrofas decía: "Good morning, good morning, the best to you each morning, sunshine breakfast, Kellogg's Corn Flakes, Crisp and full of fun" (Buen día, buen día, lo mejor para vos cada mañana, un desayuno como un rayo de sol, Zucaritas de Kellogg's, crocantes y llenas de diversión). Esto hubiera sonado muy mundano si George Martin no hubiera sazonado la pista de fondo con sonidos incorporados y no le hubiera agregado sonidos de animales al final del tema.

A day in the life (Un día en la vida)

Para "She said, she said" John había combinado dos de sus temas inconclusos pero aquí, por primera vez, unió una canción inconclusa de su autoría junto a una de Paul para crear "A day in the life", el tema que muchos consideran el más brillante del álbum. La parte de John de la versión terminada se basó en su interminable lectura de los periódicos. La referenicia a los 4.000 baches en Blackburn, Lancashire, salió de la columna del Daily Mail titulada "Far and Near" (Lejos y Cerca) publicada el 17 de enero de 1967. En ella se reportaba que un estudio de la Municipalidad de la Ciudad de Blackburn sobre baches en la ruta había revelado el espantoso hecho de que había un ventiseisavo (1/26) de bache en la calle por cada habitante de Blackburn. Cuando John se quedó varado en el final del verso "Now they know how many holes it takes to fill" (necesitando algo que rimara con "small"), Terry Doran, su amigo de la industria automotriz, le sugirió el Albert Hall. La película sobre el ejército inglés ganando la guerra a la que hace referencia la letra file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Análisis%20-%20Sgt%20Pepper%20Songs.htm (18 of 20) [10/05/2004 09:48:07 p.m.]

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de este tema era "How I won the war", en la que el mismo John había actuado. Aunque había sido objeto de varios artículos y notas periodísticas, no se estrenó hasta octubre de 1967. El hombre que "se voló la tapa de los sesos en un auto" era Tara Browne, un amigo irlandés de los Beatles y un miembro de la society inglesa, que encontró su muerte en un accidente automovilístico el 18 de diciembre de 1966. El informe del forense se expidió en enero de 1967. John señaló a Hunter Davies: "No copié el accidente. Tara no se voló los sesos. Pero estaba en mi mente mientras escribía ese verso". Los detalles del accidente en el tema (no haberse dado cuenta del semáforo y la gente amontonándose alrededor de la escena) eran, de igual manera, parte de la ficción. En la vida real, Tara Browne estaba manejando calle abajo en Redliffe Gardens en Earl Court temprano en la mañana, cuando un Volkswagen le salió al cruce de una calle lateral. En el intento de esquivarlo, su Lotus Elan se estrelló contra una camioneta estacionada y se lo consideró muerto al llegar al hospital local. La autopsia reveló que su deceso fue el resultado de "laceraciones cerebrales por fracturas en el cráneo". La persona que lo acompañaba, la modelo Suki Potier, escapó con moretones y en estado de shock. Tara Brown, tataranieto del industrial cervecero Edward Cecil Guinness e hijo de Lord Oranmore and Browne, era parte de la nueva joven aristocracia que adoraba codearse con las estrellas del pop. Aunqeu tenía sólo 21 años al fallecer, hubiera heredado una fortuna de £1.000.000 a los 25 años y se lo describía en su partida de defunción como un hombre "económicamente independiente", poseedor de su propia casa en Eaton Row, en el barrio londinense de Belgravia. Luego de ir al colegio en Eton, Browne se casó y tuvo dos hijos antes de separarse de su esposa y unirse a Suki Potier. Solía frecuentar los locales nocturnos de Londres, como por ejemplo el Sibylla's y el Bag o'Nails y había trabado amistad particularmente con Paul y Mike McCartney y el rolling stone Brian Jones. Para su cumple de 21 hizo que los Lovin' Spoonful volaran a la casa de sus ancestros en el condado de Wicklow, Irlanda. Mick Jagger, Mike McCartney, Brian Jones y John Paul Getty estuvieron entre sus invitados. La parte de Paul en la versión terminada, un trozo fresco y brillante que trataba sobre salir de la cama y salir para la escuela, fue deslizada entre el segundo verso y el tercero de la parte de John. "Era otra canción completamente distinta pero resultó encajar", comentó Paul. "Me hacía acordar a cómo era ir corriendo por la calle para agarrar el colectivo, fumarme unas pitadas y entrar en clase. Era un pensamiento sobre mis días escolares. Me fumaba un Woodbine (un cigarrillo británico barato, sin filtro) y alguien hablaba y yo me file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Análisis%20-%20Sgt%20Pepper%20Songs.htm (19 of 20) [10/05/2004 09:48:07 p.m.]

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sumergía en un sueño". Las referencias a fumarse una pitada, sueños y "encenderse" significó la prohibición del tema en varios países. Hasta había algunos que estaban convencidos de que los baches en Blackburn, al igual que los agujeros que Paul tenía que arreglar en "Fixing a hole", se referían a las marcas de los heroinómanos. En 1968 Paul admitió que "A Day in the Life" era lo que él llamaba "una canción para encenderse", "para prenderse". "Era la única canción en el disco escrita deliberadamente como una provocación. Pero lo que queríamos hacer era más bien hacerte dar un vuelco hacia la verdad más que hacia la marihuana", comentó Paul. George Martin señaló: "La parte del 'woke up, got out of bed' [me levanté, salí de la cama] era sí una referencia a la marihuana pero 'Fixing a Hole' no aludía a la heroína ni 'Lucy in the Sky with Diamonds' era sobre LSD. En aquella época yo tenía una tremenda sospecha de que 'went upstairs and had a smoke' [me fui arriba y fumé unas pitadas] era una alusión a la droga. Ellos siempre desaparecían y se daban un poco pero jamás lo hicieron enfrente de mí. Solían bajar al buffet y Mal Evans campaneaba".

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Magical Mystery Tour / Yellow Submarine Con Sgt. Pepper atrás, los Beatles inmediatamente se dedicaron a grabar bandas de sonido para dos proyectos cinematográficos bien diferentes: Yellow Submarine y Magical Mistery Tour. Yellow Submarine, un proyecto de largometraje de dibujos animados, no fue iniciado por el grupo pero eso no significó que les despertara un gran interés en cómo se iba

desarrollando. A los Beatles les agradó verse convertidos en personajes de dibujitos animados y se pusieron a pensar guiones a la vez que compusieron cuatro canciones originales para el film. Al guión lo escribió un equipo de libretistas, uno de los cuales era ni más ni menos que Erich Segal, autor del best- ler Love Story. Una fantasía psicodélica, la trama de Yellow Submarine se desarrolla en un alegre reino llamado Pepperland que es tomado por los villanos Blue Meanies. Los Fab Four van a rescatarlo desde Liverpool en un submarino amarillo, y finalmente reducen a los Blue Meanies gracias al poder combinado del Amor y la Música. Magical Mistery Tour fue un film para televisión de 50-minutos, pionero en su tipo. Comenzó como un proyecto de Paul pero pronto todos los Beatles se prendieron con la idea y se involucraron totalmente con cada aspecto de su producción. Financiaron, dirigieron, realizaron el casting y los libretos para la película, además de aparecer en ella como actores. Incluido el single "All you need is love"/"Baby you're a rich man", los temas de este período son la colección más loca y psicodélica que los Beatles hayan aunado, aunque no hayan sido publicadas todas juntas en un disco. Magical Mistery Tour fue lanzado en Gran Bretaña como un doble EP (Extended Play, disco de 2 temas por file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Analisis%20-%20Magical%20Mystery%20Tour%20Songs.htm (1 of 16) [10/05/2004 09:41:45 p.m.]

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cada lado) en diciembre de 1967 y como disco simple en EE.UU. en noviembre de ese año. La banda sonora de Yellow Submarine, que incluida un lado orquestral a cargo de George Martin, no se lanzó hasta enero de 1968, muy poquito después que The Beatles (Album Blanco). Si los Beatles hubieran deseado sacar un disco al toque luego de Sgt. Pepper en el llamado Summer of Love (Verano del Amor), este ecléctico ramillete de canciones hubiera constituido una apropiada fanfarria final para 1967 -antes de las más sobrias reflexiones del año siguiente. 1968 marcó un nuevo período en el estilo compositivo de los Beatles, cuando una limpieza, pulido y vuelta a los orígenes estaba a la orden del día. Magical Mistery Tour, que se vio por primera vez en la TV británica el 26 de diciembre de 1967 fue un fracaso según la crítica, y por lo tanto recibió una exposición limitada en los EE.UU. La música tuvo más éxito: el EP británico alcanzó el N° 2 en los charts de discos simples y el disco llegó al N° 1 en EE.UU. La película Yellow Submarine fue estrenada en julio de 1968 y fue un éxito comercial en los EE.UU. aunque nunca se le dio completa importancia en el Reino Unido. El álbum, que incluia otros artistas invitados, alcanzó el N° 3 en Gran Bretaña y el N° 2 en Estados Unidos.

All you need is love (Todo lo que necesitás es amor)

A principios de 1967 los Beatles fueron contactados por la BBC para invitarlos a tomar parte en lo que sería la primera transmisión global de televisión: un programa de 125 minutos de duración que se vería en 26 países con contribuciones de canales de Europa, Norteamérica, América Central, Africa septentrional, Japón y Australia. Esta conexión televisiva internacional para "Our World" fue un pionero de eventos tales como el "Live Aid" de 1985, en donde el poder de la música estaba directamente enlazada con lo último en tecnología satelital. Para marcar la ocasión, se les pidió a los Beatles que compusieran una canción simple que fuera comprendida por los televidentes de todas las nacionalidades. Comenzaron a componer a fines de mayo, con John y Paul trabajando en trabajos separados, hasta que el "All you need is love" de John emergió como la opción obvia. La canción no sólo tenía una letra sencilla y una melodía sin complicaciones sino que capturaba perfectamente las aspiraciones de la juventud internacional en el verano de 1967. En esta época la guerra de Vietnam alcanzaba su punto más álgido y la "generación del amor" manifestaba su oposición mediante protestas pacíficas. "Fue una canción que transmitía inspiración y ellos realmente querían darle un file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Analisis%20-%20Magical%20Mystery%20Tour%20Songs.htm (2 of 16) [10/05/2004 09:41:45 p.m.]

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mensaje al mundo", dijo Brian Epstein. "Lo lindo es que no puede ser malinterpretada. Es un mensaje muy claro que dice que el amor lo es todo". En su llamado al amor internacional, "All you need is love" extendió el mensaje que John había tratado de llevar a través de "The Word" en 1965 a una audiencia mundial. Él estaba fascinado por el poder de los slogans para unir a la gente y estaba decidido a escribir algo por su cuenta, algo sin tiempo, eterno, como "We shall overcome" ("Lo superaremos"), una canción gremial popularizada en los sesenta por el cantante folk Pete Seeger*. John una vez dijo "Me gustan los slogans. Me copan las propagandas, me encanta la tele". Cuando le preguntaron en 1971 si los temas del tipo "Give Peace a Chance" y "Power to the People" eran propagandísticos, contestó: "Seguro. Igual que 'All you need is love'. Soy un artista revolucionario. Mi arte está dedicado al cambio". Lo que los televidentes vieron en "Our World" el 25 de junio de 1967 fue en realidad una recreación de una sesión de grabación de los Beatles: las pistas rítmicas habían sido grabadas el 14 de junio y la parte en vivo fue agregada y mezclada instantáneamente para la transmisión. Se creó un clima de fiesta en el Estudio Uno de los Estudios Abbey Road y para ello se invitó a celebridades de la talla de Mick Jagger, Marianne Faithful, Eric Clapton y Keith Moon, que estaban sentados alrededor de ellos sosteniendo globos, agitar pancartas y unirse a los Beatles en los estribillos. George Martin ayudó a acentuar el mensaje de unidad internacional abriendo el tema con los primeros compases de "La Marsellesa", el himno nacional francés, y cerrándolo con salpicaduras de "In The Mood" de Glenn Miller (de la época dorada del swing), Bach y 'Greensleeves'. El simple fue editado el 7 de julio y se tornó la música de fondo, "La" canción del "verano del amor", un canto a la paz, la hermandad, el amor y el entendimiento. "Nos dijeron que seríamos vistos mientras grabábamos el tema por el mundo entero, así que teníamos un mensaje para el mundo: Amor. Necesitamos más amor en el mundo", sintetizó Paul. [* Pete Seeger ha tocado con el músico argentino León Gieco.]

Baby, you're a rich man (Nene, sos un hombre rico)

Como sucedió con "A Day in the Life", dos canciones inconclusas fueron "cosidas" juntas para crear "Baby you're a rich man", que abre con una sección de John, originalmente titulada "One of the Beautiful People" y luego se desliza hasta el estribillo de Paul sobre el hombre rico. "The beautiful people" era un término empleado para denominar a una generación de hippies que, con su pelo largo, file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Analisis%20-%20Magical%20Mystery%20Tour%20Songs.htm (3 of 16) [10/05/2004 09:41:45 p.m.]

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su doparse y su amor libre, creaban una alternativa a la sociedad "normal". Utilizaban la palabra "beautiful" (hermoso) libremente en sus conversaciones para describir cualquier cosa que ellos aprobaran. "En el fondo de mi mente, en algún lugar... hay algo que me dice que todo es hermoso" declaró Paul en un rapto volado durante una entrevista para "International Times" en enero de 1967. "En vez de pensar cosas como un contreras diciendo 'No, no me gusta ese programa de televisión' o 'No, no me gusta el teatro', sé que en realidad es todo genial y que absolutamente todo es bárbaro y no puede haber nada malo si yo lo puedo pensar como fantástico". En 1967, se consideraba a San Francisco como la ciudad de la 'beautiful people' o 'gente linda' porque era ahí donde la prensa le prestó atención al movimiento hippy y donde se llevarona cabo los primeros "happenings" psicodélicos y "reuniones tribales" masivas al aire libre. Aunque los Beatles habían tocado en San Francisco en 1964, 1965 y 1966, ellos nunca recorrieron ni exploraron esa ciudad hasta el año 1967. Paul fue el primero en visitarla el 4 de abril, cuando se apareció en un ensayo de los Jefferson Airplane y participó de una zapada con ellos tocando la guitarra. El siguiente fue George el 7 de agosto, cuando descendió en Haight Ashbury, el barrio de San Francisco que vio nacer los periódicos under, los pósters psicodélicos, las comunidades, clínicas libres y legiones de gente exótica y extravagante por las calles. "Sos nuestro líder, George", le gritó un hippy cuando comenzó a dar un paseo desde la esquina de Haight y Masonic con Pattie, Neil Aspinall y Derek Taylor a su lado. "Vos sabés a dónde está!" George fue tomado desprevenido por la adoración de los que le enchufaban flores y poemas y pósters y drogas. "Son ustedes los que deberían estar guiándose a ustedes mismos", les espetó a estos espontáneos seguidores. "No tendrían que estar pensando en seguir líderes, ni a mí ni a ningún otro." Cuando llegó a un parque, George se sentó en el pasto, escuchó cantar a otra gente y se puso a cantar "Baby you're a rich man". El hombre rico de la parte que compuso Paul es ni más ni menos que el manager Brian Epstein, y en una versión demo del tema se puede escuchar a John que lo bardea cantando "Baby you're a rich fag Jew" (nene, sos un rico marica judío). "El punto era", dijo John, "dejá de quejarte... Sos rico y todos nosotros somos ricos".

Hello, Goodbye (Hola, adiós)

Alistair Taylor, que trabajó para Brian Epstein, recuerdo haberle preguntado a Paul una vez cómo escribió sus temas, y que Paul lo llevó a su comedor para darle una demostración de cómo lo hacía file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Analisis%20-%20Magical%20Mystery%20Tour%20Songs.htm (4 of 16) [10/05/2004 09:41:45 p.m.]

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en un harmonio tallado a mano. Le dijo a Taylor que le dijera exactamente lo contrario de lo que él cantaba mientras iba tocando las teclas del harmonio. Y así fue: blanco y negro, sí y no, pará y seguí, hola y adiós. "No recuerdo ni ahí la melodía", comentó más tarde Taylor. "Pensá que las melodías alrededor de los Beatles son tan comunes como los bichos en verano. Algunos llegan a ser mariposas brillantes y otros se consumen y mueren. Me pregunto si Paul realmente inventó esa canción a medida que la íbamos improvisando o si ya estaba correteando por su cabeza de antes. Como sea, al poco tiempo se apareció en la oficina con una cinta de demo de su último single: 'Hello, Goodbye'". La última parte del disco, en donde los Beatles repiten el verso "Hela, hey, aloha" salió espontáneamente en el estudio (como es sabido, "aloha" es una forma afectuosa de saludo en Hawaii). Si "Hello, Goodbye" no era más que un juego de palabras volcado a música, en el clima místico de 1967 se esperaba que Paul le diera una interpretación más profunda. En una entrevista de Disc, galantemente trató de aventurar una explicación: "la respuesta a todo es sencilla. Es una canción acerca del todo y la nada. Si tenés el negro, tenés que tener el blanco. Eso es lo sorprendente de la vida". "Hello, Goodbye" fue lanzada como simple en noviembre de 1967 y llegó al tope de los charts tanto en Gran Bretaña como en EE.UU. El corito final de "Aloha" fue utilizado en la película "Magical Mistery Tour".

Only a Northern Song (Sólo una canción norteña / Sólo una canción de Northern Songs)

Originalmente grabada en febrero de 1967 como la contribución de George a Sgt. Pepper, "Only a Northern Song" recién vio la luz en Yellow Submarine. La canción era una observación irónica y socarrona sobre los arreglos comerciales de los Beatles. Sus canciones siempre habían sido publicadas por Northern Songs Ltd., el 30% de cuyas acciones pertenecían a John y Paul, con una participación de Ringo y George de tan sólo el 1,6% cada uno. Esto significaba que John y Paul, además de ser los compositores principales de la banda, se beneficiaban doblemente como accionistas mayoritarios en la compañía editora. En lo que a Northern Songs respecta, George era meramente un compositor contratado. En "Only a Northern Song" George se quejaba de que no importaba realmente qué escribiera él porque la parva de dinero que entrara iba a ir a parar a los bolsillos de otra gente. Subyacente a esto estaba su sensación, que sólo expresó una vez que el grupo se separó, de que sus canciones no eran juzgadas por su mérito file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Analisis%20-%20Magical%20Mystery%20Tour%20Songs.htm (5 of 16) [10/05/2004 09:41:45 p.m.]

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sino que en efecto se le ofrecía simplemente un lugarcito en la vidriera para su trabajo. "Al principio era bárbaro [tener una canción en cada álbum], era como, Guau! Yo también soy parte de esto!", comentó George. "Pero después de un tiempo comencé a sentirme resentido, especialmente cuando tenía buenos temas para ofrecer. A veces tenía temas que eran mejores que algunos de los de ellos, y teníamos que grabar por ahi ocho temas de ellos hasta que se pusieran a escuchar uno mío". No sorprende que George, que en 1964 declaró "Lo único que quiero es seguridad. Plata para no hacer nada con ella, plata para tener en caso de que tenga ganas de hacer algo", al fin se convirtiera en el beatle menos interesado en la resurrección de los Beatles.

All together now (Ahora todos juntos)

"All together now" fue escrita en el estudio en mayo de 1967 con Paul como mayor contribuyente. Se buscaba que fuera un "singalong" (canción tipo 'de fogón') como "Yellow Submarine" y John estaba enloquecido de alegría al saber tiempo después que las hinchadas de fútbol en Inglaterra la usaban para vitorear a sus equipos. Este tema fue el acercamiento máximo que los Beatles tuvieron a la composición de una canción infantil, probablemente como un eco de alguna cancioncilla recordada de su infancia, de esas que se cantan al saltar la soga o uno de esos juegos de niños. La folklorista Iona Opie, editora de The Oxford Dictionary of Nursery Rhymes (el Diccionario de Canciones Infantiles de Oxford) cree que, como los versos suenan tan familiares, deben venir de algún lugar de la memoria colectiva: "No puedo distinguir ninguna influencia particular en 'All together now'. Hay tantas rimas con el abecedario y los números como 'One two three four, Mary at the cottage door" que se le acercan bastante. La canción parece surgir de un subconsciente universal". Paul Horn recuerda que se estaba cantando la canción en algún momento durante su estadía en la India, pero en lugar de cantar "H, I, J, I love you", decían "H, I, J, Jai Guru Dev" en honor al maestro espiritual del Maharishi.

It's all too much (Es todo demasiado)

George era el beatle que más a menudo hablaba en términos espirituales al referirse a su experiencia con el LSD. "It's all too much", grabado en mayo de 1967, fue escrito según George "de una manera pueril a partir de revelaciones que aparecieron durante y luego de algunas experiencias con LSD y que fueron luego confirmadas por la meditación". A través de imágenes de soles plateados y tiempo que corre como un arroyo, la canción intentaba file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Analisis%20-%20Magical%20Mystery%20Tour%20Songs.htm (6 of 16) [10/05/2004 09:41:45 p.m.]

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articular la ilusión sobrecogedora de alguien cuya identidad estaba siendo tragada por una fuerza benigna. Tres meses luego de esta grabación, George conoció al Maharishi Mahesh Yogi y comenzó a ver sus viajes con LSD como un cartel indicador más que como un destino. "El LSD no es la respuesta verdadera", dijo en septiembre de 1967. "No te da nada. Te permite ver un montón de posibilidades que quizás nunca hubieras notado antes pero no es la respuesta. Te puede ayudar a ir de A a B, pero cuando llegás a B ves C, y te das cuenta de que para ir realmente alto tenés que ir derecho. Hay maneras especiales de llegar alto sin drogas -con el yoga, la meditación y todas esas cosas".

Magical Mistery Tour (Excursión Mágica y Misteriosa)

En el vuelo de regreso a Londres el 11 de abril de 1967, luego de visitar a Jane Asher por su cumple de 21, Paul comenzó a trabajar en la idea de que los Beatles realizaran un especial para televisión. El grupo sentía que había superado la etapa del formato de "saltos-ybrincos" que los había tornado tan famosos en la pantalla grande, y ahora Paul estaba fascinado con el proceso de hacer él mismo un film, trabajando con una cámara de 8mm y componiendo bandas de sonido electrónicas. Impulsado por la onda experimental de la época, Paul vislumbró la realización de una película sin libreto preescrito en el cual los personajes y locaciones sí fueran elegidos de antemano, pero donde la historia se desarrollara espontáneamente durante el rodaje. Su plan era poner a los Beatles al lado de una variada colección de actores y personajes coloridos en un extraño periplo por la campiña inglesa. Como Hunter Davies informó en el Sunday Times el día previo a la emisión de Magical Mistery Tour en televisión: "[Ellos decidieron que la película] fuera Mágica para poder plasmar cualquier idea que se les ocurriera, y Misteriosa ya que ninguno, ni ellos ni los actores, sabrían qué sucedería en la próxima escena... 'La cosa entera va a ser un misterio para todos', le dijo Paul al resto del grupo, "incluso para nosotros'." Había dos fuentes principales de inspiración detrás de Magical Mistery Tour. La primera era la costumbre de clase trabajadora británica de la "excursión misteriosa", el viaje en micro organizado donde sólo el chofer sabe el camino. La segunda fue la idea del novelista estadounidense Ken Kesey de ir manejando a través de los EE.UU. en un micro cuya carrocería estuviera pintada de manera psicodélica. En la parte delantera del bus de Kesey diría "Furthur" [N. T.: un juego de palabras entre: "further" = más adelante; tour = excusión; y "future" = futuro] y en la parte trasera, "Precaución: file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Analisis%20-%20Magical%20Mystery%20Tour%20Songs.htm (7 of 16) [10/05/2004 09:41:45 p.m.]

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Carga Extraña". La idea de Kesey era llenar un micro con "freaks", "locos lindos" y extravagantes de la contracultura, poner música, mezclar LSD en las bebidas y salir a ver qué pasaba. Su chofer era Neal Cassady, el model para Dean Moriarty en "On the road" de Jack Kerouac; la historia de sus aventuras fue relatada en el libro de Tom Wolfe "The Electric Kool-Aid Acid Test". Los Beatles tenían conocimiento de las actividades de Kesey y más tarde, cuando fundaron el sello grabador Apple, Kesey visitó las oficinas de Savile Row para conversar sobre sus planes de grabar un disco recitado. El 25 de abril Paul llegó a los Estudios Abbey Road con nada más que el título de la canción, el primer verso y una vaga idea de la melodía. Dijo que quería que su nueva canción fuera como la canción que acompaña a los avances del programa de televisión, dejando ver un poquito de lo que éste tenía guardado para ellos. Lo mandaron a Mal Evans a buscar algún afiche de las ya mencionadas "excursiones misteriosas" y, aunque hizo un recorrido por varias estaciones, volvió con las manos vacías. Una vez que la pista de fondo estuvo grabada, Paul le pidió a todos que gritaran las palabras conectadas con las excursiones misteriosas, y Mal tomó nota. Aunque se les cruzaron "invitation", "reservation", "trip of a lifetime" y "satisfaction guaranteed", no era suficiente por lo cual la pista vocal fue llenada con palabras sin sentido hasta que Paul llegó un par de días después con la letra completada. Se usó la pista sobre una secuencia de apertura hecha de escenas del film con una sección adicional hablada que decía: "Cuando una persona compra un pasaje para una excursión mágica y misteriosa, sabe qué esperar. Le garantizamos el viaje de su vida, y eso es precisamente lo que obtiene - la increíble excursión mágica y misteriosa".

The fool on the hill (El tonto en la colina)

Paul comenzó a trabajar en "The fool on the hill" en marzo de 1967 mientras estaba componiendo "With a little help from my friends", aunque no se grabó hasta septiembre. Hunter Davies observó a Paul cantando y tocando "una canción muy lenta, hermosa, sobre un hombre bobalicón sentado en la colina", mientras John escuchaba mirando como ido a través de la ventana en Cavendish Avenue. "Paul la cantó varias veces, tarareando con 'la-las' las palabras en las que todavía no había pensado para la letra. Cuando al final terminó, John dijo que mejor que escribiera la letra o se la iba a olvidar. Paul dijo que estaba bien, que no se las iba a olvidar", comentó Davies. La canción trataba de un idiota erudito: una persona que todos consideran estúpida pero cuya taradez es en realidad una indicación de su sabiduría. Una experiencia que, se file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Analisis%20-%20Magical%20Mystery%20Tour%20Songs.htm (8 of 16) [10/05/2004 09:41:45 p.m.]

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dice, contribuyó a la imagen de Paul del tonto parado en la colina es narrada por Alistair Taylor en su libro "Yesterday". Taylor recuerda una mañana temprano en la cual salieron a caminar por Primrose Hill con Paul y su perra Martha y vieron el amanecer antes de darse cuenta de que Martha se había perdido: "Nos dimos vuelta y ahí estaba el tipo parado detrás de nosotros. Era un tipo de mediana edad, vestido de forma muy respetable con su piloto de lluvia con cinturón. Y qué hay con eso, podés pensar, pero la cosa es que se apareció detrás de nosotros en el medio de la nada ahí, en la cima de la colina, en un silencio total". Tanto Paul como Taylor estaban seguros de que el tipo no había estado ahí segundos antes porque habían estado buscando a la perra en esa zona. Parecía haber aparecido de milagro. Los tres hombres intercambiaron saludos, el hombre hizo un comentario sobre la magnífica vista y se fue. Cuando miraron a su alrededor, se había desvanecido en el aire. "No había signos del hombre. Simplemente desapareció de la cima del cerro como si se lo hubiera llevado el aire! Nadie podría haber corrido tan rápidamente hacia los árboles más próximos para cubrirse con ellos en el tiempo que nos llevó darnos vuelta, y nadie podría haber corrido hasta el otro lado de la cima tampoco". Lo que agregó misterio a esta escena fue que inmediatamente antes de la aparición del hombre Paul y Taylor, inspirados por la hermosa vista de Londres y la salida del sol, habían estado reflexionando sobre la existencia de Dios. "Paul y yo teníamos la misma extraña sensación de que algo especial había ocurrido. Nos sentamos bastante conmovidos en el asiento y Paul dijo '¿Qué carajo pensás de eso? Fue raro. Estaba aquí, ¿no? ¿Le hablamos, no?'" "De vuelta en Cavendish, pasamos el resto de la mañana conversando acerca de lo que habíamos visto, oido y sentido", continúa Taylor. "Suena como si se tratara de alguna fantasía lisérgica de algún drogón decir que tuvimos una experiencia religiosa en Primrose Hill justo antes de la hora pico, pero ninguno de nosotros había tomado nada de eso. Scotch y Coca Cola era lo único que habíamos tocado en toda la noche. Los dos sentimos que habíamos atravesado alguna experiencia místico-religiosa, pero aún así no nos importaba mencionar el uno al otro qué ni a quién habíamos visto en la cima de aquel cerro durante unos breves segundos". En "Magical Mistery Tour" la canción fue utilizada en una secuencia en la cual Paul se halla en una colina contemplando Niza.

Flying (Volando)

Los Beatles habían grabado previamente dos instrumentales: "Cry for a Shadow" en Alemania en 1961 (cuando tocaron junto a Tony file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Analisis%20-%20Magical%20Mystery%20Tour%20Songs.htm (9 of 16) [10/05/2004 09:41:45 p.m.]

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Sheridan como los Beat Brothers) y el inédito "12 Bar Original" en 1965. "Flying fue el único instrumental en publicarse en un disco de los Beatles. Surgido como música incidental para el film "Magical Mistery Tour", "Flying" emergió de una zapada en estudio. Originalmente titulado "Aerial Tour Instrumental" (Instrumental de la Excursión Aérea), fue registrado como una composición grupal de los cuatro y presentaba una pista rítmica básica con melotrón adicional, un órgano hacia atrás y cánticos vocales. Las escenas de nubes sobre las cuales "Flying" se escuchó en la película fueron originalmente rodadas (pero nunca utilizadas para ese film) por Stanley Kubrick para "2001 Odisea del Espacio". Nota: "12 Bar Original" fue finalmente publicado en "Anthology".

Blue Jay Way

"Blue Jay Way" fue escrita por George en agosto de 1967 durante su visita a California con Pattie,Neil Aspinall y Alex Mardas. Al llegar a Los Angeles el 1° de agosto, fueron llevados a una cabaña con pileta alquilada en Blue Jay Way, una calle alta en las colinas de Hollywood sobre Sunset Boulevard. Pertenecía a Robert Fitzpatrick, un abogado del negocio de la música que estaba de vacaciones en Hawaii. Derek Taylor, ex agente de prensa de los Beatles y ahora publicista trabajando en Los Angeles, estaba por visitarlos en su primera noche en la ciudad, pero se perdió en las angostas calles camino a la cabaña, y se demoró. Había un pequeño órgano Hammond en un rincón de la habitación y George hizo tiempo mientras llegaba Taylor componiendo una canción sobre estar varado en una casa en Blue Jay Way mientras sus amigos estaban perdidos en la niebla. "Blue Jay Way" es una calle notoria por ser difícil de encontrar: se puede estar geográficamente, pero aislado por una hondonada. "Para la hora en que llegamos ahí la canción estaba virtualmente intacta", dice Derek Taylor. "Por supuesto, en el momento me sentí muy mal. Ahí estaban esas dos personas afectadas por el jetlag, y nosotros que habíamos llegado como dos horas más tarde. Pero ahí había una canción, que resultó formar parte de Magical Mistery Tour (el film) a través de un prisma de cerca de ocho imágenes, con George con una campera rojiza sentado y tocando el piano en el piso". A Taylor le divertía lo que la gente pensaba del tema. Un crítico pensaba que el verso en el cual George urge a su invitado que no se tarde [not to "be long"] era en realidad un consejo a la juventud de que no pertenecieran [not to "belong"], en el sentido de que no formaran parte de la sociedad. Otro aclamado musicólogo sostenía que, cuando George dijo que sus amigos habían "perdido su camino", en realidad quería decir que file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Analisis%20-%20Magical%20Mystery%20Tour%20Songs.htm (10 of 16) [10/05/2004 09:41:45 p.m.]

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una generación entera había perdido la dirección. "Es una cancioncita simple", rió Taylor.

Your mother should know (Tu madre debe de conocerlo)

"Your mother should know" de Paul podría haber sido compuesta tan temprano como en mayo de 1967, cuando tanto John como Paul estaban trabajando en canciones para el especial de televisión "Our World". Como en "When I'm Sixty-Four", la canción era una mirada hacia atrás a la música que a su padre le agradaba cantar cuando era joven en la Jim Mac's Jazz Band. Jim McCartney formó su propia banda de ragtime en 1919 y tocó en shows por Liverpool, presentando números como "Birth of the Blues" y "Stairway to Paradise". Un día, Paul sorprendió a su papá grabando una de sus composiciones con el título "Walking in the Park with Eloise" (Caminando por el Parque con Eloísa), bajo el alias de The Country Hams. "Your mother should know", no obstante, encontró su camino hacia la película "Magical Mistery Tour" en la escena en donde los cuatro Beatles, vestidos con smókings blancos, descienden una escalera y bailarines salen a su encuentro. Estrictamente hablando, cualquier hit que su madre hubiera conocido hubiera sido un éxito antes de que ella naciera en 1909, en los días en que los hits no se determinaban por las ventas de discos sino por las ventas de partituras.

I am the walrus (Yo soy la morsa)

La naturaleza irregular y dislocada de "I am the walrus" le debe mucho al hecho que que es una amalgama de al menos tres ideas de canciones en las que John estaba trabajando, ninguna de las cuales significaba demasiado por sí sola. La primera, inspirada en una distante sirena policial que escuchó estando en su casa de Weybridge, comenzaba con las palabras "Mis-ter---ci-ty--- policeman" y se desarrollaba al rito de la sirena. La segunda era una melodía pastoral sobre John en su jardín de Weybridge. La tercera era una canción sin sentido sobre estar sentado en un pochoclo. John le dijo a Hunter Davies, que estaba todavía recabando información para la biografía oficial de los Beatles para esa época: "No sé cómo va a terminar. Quizás terminen siendo diferentes partes de la misma canción". Según Pete Shotton, el catalizador final fue una carta que recibió de un pupilo de la Quarry Bank School que mencionó que un maestro estaba haciendo analizar las canciones de los Beatles a sus alumnos. La carta del estudiante del Quarry Bank School fue enviada a John por Stephen Bayley, quien recibió una file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Analisis%20-%20Magical%20Mystery%20Tour%20Songs.htm (11 of 16) [10/05/2004 09:41:45 p.m.]

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respuesta de fecha 1° de septiembre de 1967 (que fue luego vendida en una subasta en 1992 en Christie's de Londres). Esto divirtió a John, que decidió confundir a ese tipo de gente con una canción llena de las más pistas más incoherentes para dejarlos perplejos. Le pidió a Shotton que le hiciera acordar de alguna cancioncita tonta de ésas que se cantan cantan en el jardín de infantes con las que los chicos ingleses se deleitaran en ese momento. John tomó nota: "Yellow matter custard, green slop pie, all mixed together with a dead dog's eye. Slap it on a butty, ten foot thick, then wash it all down with a cup of cold sick" ["flan amarillo, tarta de barro verde, todo mezcladito con un ojo de perro muerto. Aplastalo en un culito, diez pies de grosor, después enjuagalo con una taza de vómito frío"]. John siguió inventando algunas imágenes absurdas como "semolina pilchards, elementary penguins" [sardinas de vitina, pingüinos elementales] y palabras sin sentido como "texpert, crabalocker" antes de agregar algunos versos que había escrito durante un viaje lisérgico. Entonces las hiló junto con los tres temas inconclusos que ya le había mostrado a Hunter Davies. "Dejá que los boludos se rompan los cuernos descifrándola" parece que le dijo a Pete Shotton una vez que hubo finalizado. Cuando Playboy le pidió, 13 años después, que explicara a "walrus", él señaló que pensó que Dylan zafó del asesinato a veces y que decidió que "Yo puedo componer escribir esas porquerías también". Aparentemente, la única parte seria de la letra es el verso de apertura con su visión de la unidad detrás de las cosas. El "pingüino elemental" que canturreaba Hare Krishna era John cargando a Allen Ginsberg quien, en esa época, solía cantar el mantra Hare Krishna en actos públicos. La morsa en sí salió del poema de Lewis Carroll "The Walrus and the Carpenter" (La Morsa y el Carpintero). La grabación de "I am the walrus" se inició el 5 de septiembre. Se desarrolló con interrupciones dado que George Martin estaba tratando de encontrar un equivalente musical al fluir de imágenes y juegos de palabras en las letras utilizando violines, cellos, cuernos, clarinete y un coro de 16 voces además de los propios Beatles. El 29 de septiembre, hasta algunos versos de Shakespeare (del Acto IV, Escena VI de "El Rey Lear") fueron superpuestos al tema, tomados de una transmisión de la BBC. Las voces de estos dos hombres que conversan aparecen y se desvanecen y vuelven a resurgir. Se trata de Gloucester y Edgar, que en sus parlamentos dicen: - Now good Sir, what are you? - A most poor man, made tame to Fortune's blows who, by the art of known, and feeling sorrows, Am pregnant to good pity. (- Ahora, buen Señor, ¿quién sois vos? file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Analisis%20-%20Magical%20Mystery%20Tour%20Songs.htm (12 of 16) [10/05/2004 09:41:45 p.m.]

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- Un muy pobre hombre, a quien han domado los soplidos de la Fortuna, y quien por el arte de las aflicciones conocidas y sentidas, está empapado de compasión.). La música tapa los parlamentos, y al rato vuelve a escucharse a Edgar y Oswald discutiendo: Oswald: If ever thou wilt thrive, bury my body, and give the letters whichthou find'st about me to Edmund Earl of Gloucester: seek him out upon the English party. Oh, untimely death, death [dies] Edgar: I know thee well. A serviceable villain, as duteous to the vices ofthe mistress, as badness would desire. Gloucester: What, is he dead? Edgar: Sit you down, father: rest you. (Oswald: Si quieres prosperar, sepulta mi cuerpo, y entrega las cartas que encuentres sobre mí a Edmund, conde de Gloucester: búscalo en el campamento inglés. ¡Oh, prematura muerte... muerte! [muere] Edgar: Os conozco bien. Un servil villano, tan obsequioso de los vicios de su querida como la propia maldad lo pudiera desear. Gloucester: ¿Cómo? ¿Está muerto? Edgar: Vos sentáos, padre: descansad.) Podría decirse que en este tema los Beatles llegaron al pináculo de la creatividad. Combinaron surrealismo, juegos de palabras (muchas veces solamente fonéticos), y tal vez un homenaje a la literatura a través de citas o referencias a William Shakespeare, Lewis Carroll y Edgar Alan Poe.

Lady Madonna

"Lady Madonna" fue el primer single en mostrar que la manera de ir adelante para los Beatles ahora residía en volver atrás con el rock'n'roll básico. Luego de Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band y Magical Mistery Tour, se asumía que la progresión musical significaría mayor complejidad, pero nuevamente Los Beatles desafiaron las expectativas. La melodía fue tomada de "Bad Penny Blues", un hit del trompetista Humphrey Lyttelton de 1956 en Gran Bretaña, que había sido producido por George Martin. "Le preguntamos a George cómo habían obtenido el sonido de 'Bad Penny Blues'", confesó Ringo, "y él nos dijo que habían utilizado pinceladas y piano y entonces decidimos que necesitábamos hacer un off-beat, así que incluimos un off-beat". A Lyttelton no le molestó en lo más mínimo, total él había sacado el riff de Dan Burley de todas formas... "No podés registrar un ritmo como si fuera una marca, y el ritmo era todo lo que habían tomado prestado", dijo. file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Analisis%20-%20Magical%20Mystery%20Tour%20Songs.htm (13 of 16) [10/05/2004 09:41:45 p.m.]

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"Me sentí muy halagado. Aunque a ninguno de los Beatles le importaba el jazz tradicional, todos conocían y les gustaba 'Bad Penny Blues' porque era una cosa blusera, tipo skiffle más que un ejercicio tradicional". Paul intentó en esta canción hacer una celebración, un homenaje a la maternidad. "¿Cómo hacen?", preguntó durante una entrevista de Musician en 1986. "El bebé en tu pecho -¿de dónde sacan el tiempo para alimentarlos? ¿De dónde sacan la plata? ¿Cómo hacés estas cosas que hacen las mujeres?" El cantante estadounidense Richie Havens recuerda haber estado con Paul en un club de Greenwich Village mirando tocar a Jimi Hendrix cuando una chica se dirigió a él y le preguntó si "Lady Madonna" había sido escrita sobre los Estados Unidos de América. "No", contestó Paul. "Estaba mirando una revista africana y vi una mujer africana con un bebé. Debajo de la foto rezaba 'Mountain Madonna'. Pero dije, 'oh, no - Lady Madonna', y escribí la canción". Lanzada como disco simple en marzo de 1968, "Lady Madonna" subió al N° 1 en Gran Bretaña pero sólo hasta el N° 4 en los EE.UU.

The inner light (La luz interior)

El 29 de septiembre de 1967 John y George fueron invitados de David Frost en su programa nocturno en vivo de televisión, "The Frost Report". El tema de esta emisión en particular era la Meditación Trascendental e incluia una entrevista con el Maharishi Mahesh Yogi, grabada el mismo día en el Aeropuerto de Londres, pero más temprano. Entre el público invitado presente en el estudio en Wembley, al norte de Londres, se encontraba el erudito en sánscrito Juan Mascaró, profesor en la Universidad de Oxford. Al mes siguiente, Mascaró le escribió a George adjuntando una copia de "Lamps of Fire" (Lámparas de Fuego), una colección de sabiduría espiritual de diferentes extracciones y tradiciones que él había editado. También hizo la sugerencia de que quizás George quisiera expresar en música los versos del Tao Te Ching, en particular del poema titulado "The Inner Light". En su prefacio a "Lamps of Fire", cuya primera edición data de 1958, Mascaró escribió: "Los pasajes de este libro son lámparas de fuego. Algunas brillan más y otras, menos, pero todas convergen en la vasta lámpara que San Juan de la Cruz llamara 'la lámpara del ser de Dios'". "The Inner Light" fue la primera canción de George en aparecer en un single cuando apareció como lado B de "Lady Madonna".

Hey Jude

Cuando John y Yoko comenzaron a vivir juntos, obviamente empezó el trámite de divorcio entre John y Cynthia. Se llegó en primera file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Analisis%20-%20Magical%20Mystery%20Tour%20Songs.htm (14 of 16) [10/05/2004 09:41:45 p.m.]

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instancia a un acuerdo ad-interim por el cual se les permitía permanecer a Cynthia y Julian en Kenwood mientras John y Yoko fijaron residencia en un departamento en Montagu Square, en el centro de Londres. Paul siempre había disfrutado de una relación estrecha con Julian, el hijito de John, que en ese entonces tenía 5 años. Con el fin de mostrarle a él y a su madre su apoyo durante la ruptura matrimonial de Cynthia y John, fue desde su casa en St. John's Wood hasta Weybridge llevando una única rosa roja. Paul a menudo utilizaba el tiempo que le llevaba manejar de un punto a otro para ir pensando canciones nuevas y, ese día, con el incierto futuro de Julian en su mente, comenzó a cantar "Hey, Julian" y a improvisar la letra que trasmitiera sentimientos de confort y reafirmación. En algún punto durante la hora de viaje, "Hey Julian" pasó a ser "Hey Jules, don't make it bad. Take a sad song and make it better" [Che, Jules, no lo hagas mal. Tomá una canción triste y mejorala]. Sólo fue después, cuando se tuvo que pulir la letra, que cambió Jules a Jude, pensando en que Jude sonaba como un nombre más fuerte que Jules. Como sucede con tantos temas de Paul, fue la música la que llevó la letra, con el sonido tomando precedencia por sobre el sentido. Un verso en particular ("The movement you need is on your shoulder") {el movimiento que necesitás está sobre sus hombros] parece ser sólo un elemento de relleno. Cuando Paul tocó el tema para que John lo conociera el 26 de julio de 1968, le señaló que a este verso habia que reemplazarlo, diciendo que sabía que sonaba como si estuviera cantando sobre su loro. Pero John le dijo: "Es probablemente el mejor verso del tema. Dejalo. Yo sé lo que quiere decir". Julian Lennon creció sabiendo la historia detrás de "Hey Jude" pero no fue hasta 1987 que supo los detalles sobre la composición de primera mano, de boca de Paul, con quien se cruzó al estar hospedados en el mismo hotel en Nueva York. "Fue la primera vez en años en que nos sentamos a conversar. Me dijo que había estado pensando sobre mi situación hace todos esos años, sobre lo que yo estaba atravesando y la que se me vendría en el futuro. Paul y yo solíamos estar bastante juntos -más de lo que estábamos papá y yo. Tal vez a Paul le gustaban más los chicos por esa época. Teníamos una gran amistad y parecía haber muchos más fotos mías con Paul jugando juntos a esa edad que fotos mías y de papá". Hace bastante poco que Julian comenzó a hacer preguntas sobre su pasado. Paul tenía razón en anticipar que él atravesaría momentos difíciles durante su crecimiento. "Nunca quise saber realmente la verdad sobre cómo era papá y cómo era él conmigo", admite Julian. "No quería conocer la verdad y por eso mantenía mi boca cerrada. Se decían cosas muy negativas sobre mí, file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Analisis%20-%20Magical%20Mystery%20Tour%20Songs.htm (15 of 16) [10/05/2004 09:41:45 p.m.]

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como cuando dijo que yo había salido de una botella de whisky un sábado a la noche. Cosas como ésas. Es jodido de manejar. Uno piensa, ¿dónde está el amor en eso? Era algo muy dañino psicológicamente, y por años me afectó. Yo me preguntaba cómo podía decir semejante cosa de su propio hijo, carajo!" Julian no estudió las letras de "Hey Jude" por un tiempo pero le cuesta evadirse de la canción, sea que la escuche en un restaurant o que la pongan en la radio mientras va manejando en su ciudad de adopción, Los Angeles: "Me sorprende donde sea que la escuche. Es muy raro pensar que alguien escribió una canción sobre vos. Todavía me conmueve." Hay otra versión, quizás más malintencionada pero no del todo incoherente, que sugiere que el tema podría referirse a la droga. Según quienes sostienen esta idea, sería una incitación a que "anytime you feel the pain" [cada vez que sientas dolor], te prives de ese dolor ("refrain") y te liberes del peso: "don't carry the world upon your shoulders" [no cargues el mundo sobre tus hombros] mediante "algo" que no está nombrado expresamente en la canción, pero que leyendo entre líneas podría ser algún tipo de sustancia: "the minute you let it under your skin then you begin to make it better" [en el momento en que la dejes entrar bajo tu piel comenzarás a sentirte mejor], "you have found her, now go and get her" [la encontraste, ahora andá y buscala], "so let it out and let it in" [así que dejala salir y dejala entrar // ¿tal vez se refiera a la aguja; o al humo de la marihuana, o a la oleada del ácido?]. Hasta deja entrever que es algo que se comparte: "you're waiting for someone to perform with" [estás esperando a alguien con quien realizarlo]. Todo concuerda. No es tan desatinado. "Hey Jude" fue el single de los Beatles más exitoso de toda su historia. Llegó a la cima de todos los charts del mundo y, antes de fines de 1968 ya había vendido más de 5 millones de copias.

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The Beatles (white album) The Beatles, o el Album Blanco como se lo conoce comúnmente, sorprendió a la gente por ser desparejo y simple. Pareciera que el grupo hubiera decidido producir el opuesto exacto de Sgt. Pepper. ¿Un título largo para el disco? Llamémoslo The Beatles. ¿Tapa multicolor? Usemos blanco puro. ¿Mezclas y doblajes piolas? Utilicemos guitarras acústicas en muchos de los temas. ¿Letras profundas? cantemos sobre cowboys, cerditos, chocolates y hacerlo en la ruta. El ingrediente más significativo de este álbum fue la influencia del gurú indio, el Maharishi Mahesh Yogi. Pattie Harrison había concurrido a una charla del Maharishi en febrero de 1967, y fue ella quien alentó a George y los otros beatles a asistir a otras charlas similares en el en el Hilton Hotel de Park Lane, Londres en agosto del '67. Como resultado de esta reunión, todos comenzaron un curso de diez días de Meditación Trascendental en el University College de Bangor, en Gales. Fue mientras estaban en este curso, el domingo 27 de agosto de 1967, que se enteraron de que Brian Epstein había sido hallado muerto en su departamento del barrio londinense de Belgravia*, novedades que precipitaron su regreso a Londres. La pérdida de Epstein, que había manejado su carrera desde comienzos del '62 y se había convertido en algo así como una figura paterna para ellos, puede haber hecho que los Beatles estuvieran aún más abiertos a la guía del Maharishi, a quien visitaron en la India en febrero de 1968. [N.T.: el mismo barrio en donde está la Embajada Argentina] El viaje a la India no sólo trajo un período de calma a sus ajetreadas vidas (ya que por primera vez en mucho tiempo tenían la oportunidad de parar y reflexionar) sino que los acercó como amigos de años que ahora sí podían ponerse a jorobar con sus guitarras acústicas. Paul Horn, un flautista estadounidense que estaba ahí al file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Analisis%20-%20White%20Album%20Songs.htm (1 of 3) [10/05/2004 09:48:51 p.m.]

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mismo tiempo que ellos, cree que la meditación fue un gran estímulo para los Beatles: "Se puede conocer más de uno mismo a niveles más profundos cuando se medita. Fíjense cuán prolíficos fueron en relativamente poco tiempo. Estaban en los Himalayas lejos de las presiones y del teléfono. Cuando uno se involucra mucho con la vida, se suprime la creatividad. Cuando se está dispuesto a estar tranquilo, comienza a venir". Cuando volvieron de la India, dijeron que habían vuelto con 30 canciones que usarían en el siguiente álbum. Hubo efectivamente 30 temas en The Beatles pero no todas ellas fueron escritas en la India, y algunas de las canciones escritas en la India (como "Sour Milk Sea" y "Circles", de George) jamás fueron grabadas por los Beatles. Probablemente es exacto decir que aproximadamente la mitad del álbum fue escrito o comenzado mientras estaban afuera. Esto significó que, justamente por no tener acceso a guitarras eléctricas o teclados, muchos de estos temas tuvieran una base acústica. John se referiría más tarde al Album Blanco como el primer álbum no-autoconsciente luego del gran período autoconsciente que había comenzado con Rubber Soul y había llegado hasta Magical Mystery Tour y Yellow Submarine. The Beatles fue lanzado como un álbum doble en noviembre de 1968 y llegó al N° 1 en ambos lados del Atlántico.

Disco I

Disco II

Back in the USSR

Birthday

Dear Prudence

Yer blues

Glass onion

Mother nature's son

Ob-la-di, Ob-la-da

Everybody's get something to hide except me and my monkey

Wild honey pie

Sexy Sadie

The continuing story of Bungalow Bill

Helter Skelter

While my guitar gently weeps

Long, long, long

Happiness is a warm gun

Revolution I

Martha my dear

Honey pie

I'm so tired

Savoy truffle

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Blackbird

Cry baby cry

Piggies

Revolution 9

Rocky Raccoon

Good night

Don't pass me by Why don't we do it in the road? I will Julia

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Let it be Comprometidos a realizar una última película para United Artists, pero sin ganas de meterse en otra carrera alocada por hacerla, Los Beatles cumplieron con su contrato con "Let It Be", un documental de 80 minutos a color en el cual se mostraba al grupo ensayando en los estudios de filmación Twickenham, grabando en los Estudios Apple y tocando en vivo en el techo de las oficinas de Apple en Londres. Estos tres tramos fueron rodados en enero de 1969, aunque la película no fue estrenada hasta mayo de 1970, momento en el cual se lanzaron como parte del "paquete" un libro y el álbum del mismo nombre. No se podía conseguir el disco solamente hasta noviembre de 1970. El plan original había sido realizar un álbum llamado "Get Back" y filmar el proceso de grabación para un documental para televisión. También estaba la posibilidad de tocar en vivo para el programa y se barajaron una cantidad de lugares: The Roundhouse en Londres, la Catedral de Liverpool y un anfiteatro romano en Túnez. La película y el disco que finalmente emergieron trajeron aparejadas ciertas concesiones. En lugar de ser un documento de cómo el grupo se creó, "Let It Be" resultó ser un álbum de cómo el grupo se desmoronó. A fin de que el álbum viera la luz, Paul asumió el control, presionando y "pinchando" cuando era necesario, mientras John y George se enfurruñaban y abiertamente mostraban su resentimiento. Las grescas alrededor del álbum contribuyeron a la ruptura final del grupo. El norteamericano Allen Klein, que en ese momento actuaba como su representante, estaba descontento con la calidad de las cintas que había editado el ingeniero Glyn Johns, así que trajo a su compatriota Phil Spector para fortalecer la producción. Cuando Paul escuchó lo que le había hecho Spector a "The Long and Winding Road", pidió que se la volviera a su forma file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Analisis%20-%20Let%20It%20Be%20Songs.htm (1 of 6) [10/05/2004 09:41:04 p.m.]

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original. Luego de que su pedido fuera ignorado, Paul anunció su partida de los Beatles. El álbum "Let It Be" era deshilvanado, incoherente. Por haber sido el último disco editado generalmente se piensa que fue el último álbum que grabaron. El hecho sorprendente es que después de todas las peleas y altercados que caracterizaron a "Let It Be" los Beatles siguieron un poco más y grabaron "Abbey Road", un álbum que George Martin todavía cuenta entre sus favoritos. Para la época en que "Let It Be" fue lanzado, los Beatles habían dejado de existir. Paul ya había sacado su primer álbum solista, aunque no fue hasta diciembre de 1970 que su unión fue oficialmente disuelta luego del juicio que les entabló Paul a los demás. "Let It Be" alcanzó el tope de los charts británicos y estadounidenses luego de su edición en mayo de 1970. Los 4 millones de pedidos por anticipado en los EE.UU. fue la mayor que tuviera un disco en toda la historia.

Two of us (Dos de nosotros)

Cantada en el documental "Let It Be" por John y Paul (ambos tocaban también guitarras acústicas) "Two of Us" parece tratarse de sus años de adolescencia en Liverpool: quemando fósforos, levantando pestillos y yendo a casa para tocar más música juntos. Pero, para esta época, los "dos de nosotros" no eran Paul y John sino Paul y Linda. Una de las cosas que Paul encontraba más atractivas en su nueva novia era su visión informal de la vida. A medida que su vida se volvía cada vez más y más restringida por horarios y obligaciones contractuales, lo deleitaba estar con alguien que parecía ser tranquila, relajada, alguien con quien poder olvidar que era un beatle. A poco de conocerse en Londres durante el otoño de 1968, Linda le enseñó a Paul las delicias de "perderse" completamente. Ella lo llevaba en su auto lejos de la ciudad, sin rumbo fijo, con la única intención de terminar a millas de cualquier lado. Para un beatle, a quien constantemente le decían dónde y cuándo lo necesitaban, y de que le organizaran la vida con precisión militar, esto era un respiro, un retorno a la libertad. "Cuando era chica me encantaba perderme", explica Linda. "Le decía a papá: Perdámonos. Pero parecía que nunca uno podía perderse de veras. Todos los carteles de última te llevaban de vuelta a Nueva York o donde estuviéramos! Así que cuando me mudé a Inglaterra para estar con Paul, poníamos a Martha en la parte de atrás del auto y salíamos de Londres. Tan pronto estábamos a campo abierto yo decía 'Perdámonos' y seguíamos manejando sin fijarnos en los carteles. De ahí el verso 'dos de nosotros yendo a ninguna parte'. Paul escribió 'Two of us' en uno de esas salidas. Es sobre nosotros. file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Analisis%20-%20Let%20It%20Be%20Songs.htm (2 of 6) [10/05/2004 09:41:04 p.m.]

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Llegábamos a un bosque en algún lugar y parábamos el auto. Yo me iba a caminar mientras Paul se quedaba sentado en el coche escribiendo. También menciona las postales porque solíamos mandarnos un montón de tarjetas el uno al otro."

Dig a pony (Me gusta ese pony)

"Dig a Pony" podría traducirse como "Me gusta este pony o este caballito", aunque la grabadora argentina, en su momento, se ve que nunca había oído hablar del sentido lunfardo de la palabra "Dig" o sea "Gustar o Comprender", porque lo tradujo literalmente como "Cava un Pony", uno se lo imagina literalmente a Lennon, su autor, con una pala, sacando prolijamente pedazos de entraña del desafortunado equino. El tema fue hecho principalmente en el estudio y, bueno, hay que admitir que la letra era otro de los rompecabezas lingüísticos de Lennon. El estribillo estaba tomado de otro tema de John escrito para Yoko "All I Want Is You" y fue este el título tentativo del tema durante algún tiempo.

Across the Universe (a través del universo)

La canción más vieja de Let It Be, después de “One After 909” era “Across the Universe”, tema que Lennon había escrito en 1967 y que los Beatles habían grabado originalmente el 4 de febrero de 1968 para donarla a un álbum de caridad para la Preservación de la Vida Silvestre. La inspiración del tema le llegó a John muy temprano por la mañana. Se despertó a las 7 con las palabras “pools of sorrow, waves of joy” (charcos de tristeza, olas de alegría) dándole vueltas en la cabeza. No pudo volver a dormir y entonces se puso a escribir el tema. En el tema hay evidencias de la influencia de Maharishi en la frase del estribillo “Jai Guru Deva Om” que alude al maestro espiritiual del propio Maharish, Guru Deva. Para la versión que figura en Let It Be, Phil Spector redujo la velocidad del tema y le agregó una orquesta.

I, Me, Mine (Yo, A mí, Mío)

A medida que George Harrison se sumergía más y más en las filosofías orientales, trataba de reconciliar su status de estrella de rock con las demandas de la religión de que pusiera su ego a un lado para adquirir iluminación. El tema "I, Me, Mine" (Yo, A mí, Mío) hablaba justamente de eso, de la sensación de posesión, sobre las cosas y/o las personas, que nos impide ser absorbidos por la conciencia universal. La melodía casi de vals del tema fue influenciada por la música de una banda australiana que George vio file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Analisis%20-%20Let%20It%20Be%20Songs.htm (3 of 6) [10/05/2004 09:41:04 p.m.]

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desfilando en una transmisión televisiva.

Dig it (Enterrálo)

"Dig It" le daba crédito autoral a los cuatro Beatles y era, básicamente, la repetición de unas cuantas frases inconexas, claramente improvisadas en el estudio. Lennon, su principal instigador, menciona al guitarrista B.B.King, a la Cía, a la BBC y a Matt Busby, por entonces importante directivo del club de fútbol Manchester United, que en esos años tenía una gran hegemonía en el fútbol inglés, lo cual no impidió que Estudiantes de la Plata los derrotase en octubre de 1968 para conquistar la copa mundial interclubes. Bueno, volviendo a "Dig It", el tema es corto pero fue extractado de una zapada mucho más larga realizada en el estudio de grabación.

Let it be (Dejálo ser)

El tema que daba título al álbum era obra de Paul McCartney y parecía haber sido grabado ex profeso como un epitafio para los Beatles sobre todo considerando que fue, a la vez, el último simple del grupo, pero, en realidad, había registrado en enero de 1969. Paul lo había escrito un día que se sintió especialmente mal con el proceso de lenta desintegración de los Beatles. Dice que un día tuvo un sueño en el que se le apareció su madre, Mary, que había fallecido cuando Paul tenía 14 años, y que en ese sueño lo reconfortó con palabras sabias y le dio fuerzas para seguir adelante.

Maggie May

"Maggie May" fue el único tema no compuesto por los Beatles en el álbum Let It Be. Se trataba de una canción tradicional de marineros acerca de una prostituta de Liverpool, una verdadera leyenda local que hasta mereció que se hiciera una comedia musical en su honor. En la ciudad natal de los Beatles también existe un club con el nombre de Maggie May, regenteado por Allan Williams, el que fuera el primer manager del grupo. Como puede apreciarse en la versión de Let It Be, "Maggie May" fue uno de los tantos temas ensayados en enero del 69 que quedaron a medio terminar.

I’ve got a feeling (Tengo un sentimiento)

Como ocurrió varias veces en la carrera musical de los Beatles, “I’ve got a feeling” fue un tema armado en a base a dos canciones sin terminar: la que le da el título, de Paul McCartney, y “Everybody’s had a Hard Year” (todo el mundo tuvo un año duro), de John file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Analisis%20-%20Let%20It%20Be%20Songs.htm (4 of 6) [10/05/2004 09:41:04 p.m.]

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Lennon. La parte de John fue hecha a fines del 68, un año que sin duda fue duro para Lennon, ya que en esos meses se divorció, Yoko tuvo un aborto espontáneo del bebé que esperaban, fue arrestado por posesión de marihuana y su fortuna personal disminuyó considerablemente.

One After 909 (Uno después del 909)

“One After 909” bien podía ser el tema más viejo de Lennon y McCartney que los Beatles grabaron oficialmente. Integraba ese catálogo de “más de 100 canciones” que John y Paul decían haber escrito antes de “Love Me Do”. Estadísticas aparte, “One After 909” había sido grabado por primera vez en marzo de 1963 en la misma sesión que produjo “From Me To You” pero a George Martin no pareció gustarle demasiado. (esta versión se la puede oír en Anthology I). “One After 909” fue el intento de John, allá por 1957, de escribir una canción relacionada con el ferrocarril, tema que era común en la música skiffle de la época.

The Long and Winding Road (El largo y serpenteante camino)

Al igual que “Yesterday”, la canción “The Long and Winding Road” (el largo y serpenteante camino) evoca un sentimiento de pérdida sin describir ninguna situación en particular. Las imágenes del viento y la lluvia sugieren estar a la intemperie en climas poco amistosos pero hay una sensación de esperanza, porque en última instancia el camino conduce a la puerta de esa persona amada. Todas estas imágenes, en realidad, provienen de las experiencias de Paul McCartney en High Park, su granja de Escocia y el largo y serpenteante camino es, sin duda, los 42,25 kilómetros de curvas y cuestas que bordean la costa de Kintyre hasta Campbelltown, la ciudad más cercana a la granja de Paul. La orquesta que puso Phil Spector fue una de las cosas que sacaron de quicio a McCartney, porque nadie lo consultó al respecto. El hubiese preferido dejar el tema como una balada íntima, tocada solo con piano y batería, como estaba en la grabación original; aunque en las versiones que realizó en vivo posteriormente, utilizó el arreglo del disco.

For You Blue (Triste por ti)

“For You Blue” (Triste por ti) era un intento de George de hacer un tema con el genuino espíritu del blue, en este caso en honor a su esposa Patti Boyd Harrison. De los cuatro Beatles, Harrison siempre aparentó ser el más inquieto en cuanto a tratar de desarrollar sus file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Analisis%20-%20Let%20It%20Be%20Songs.htm (5 of 6) [10/05/2004 09:41:04 p.m.]

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habilidades musicales y fue uno de los pioneros en la introducción de instrumentos orientales, como el sitar hindú en grabaciones de música pop. En “For You Blue” hay una guitarra slide de acero, tocada por Lennon. La guitarra slide ha sido una constante en innumerables grabaciones de blues y el bluesman Elmore James, nombrado en esta canción por George, fue uno de sus grandes cultores.

Get Back (Volvé)

Paul McCartney comenzó este tema como una sátira a los fundamentalistas que sentían que los inmigrantes del Commonwealth británico radicados en Inglaterra deberían ser repatriados a sus países de origen en lugar de copar los empleos de los ingleses, el típico sentimiento reaccionario que se encarna en ciertos grupos sociales en épocas de crisis económicas o sociales. El tema evolucionó, sin embargo, y para la época en que fue grabado se había transformado en una canción acerca de un personaje llamado Jojo, de Tucson, Arizona, que tiene algunos conflictos con su identidad sexual. El tema se beneficia con una gran parte de piano a cargo de Billy Preston.

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Abbey Road Después de las fallidas sesiones de enero de 1969 en los estudios de filmación de Twickenham, el proyecto del álbum "Get Back" quedó archivado. Por un tiempo, los Beatles se dedicaron a sus vidas personales. El 12 de marzo del 69 Paul McCartney desposaba a Linda Eastman en el registro civil de Marylebone, en el centro de Londres y el 20 de ese mismo mes John Lennon hizo lo propio con Yoko Ono, en el consulado británico del peñón de Gibraltar. Los Lennon se van de luna de miel a Paris y luego siguen hacia Holanda, donde se pasan una semana en la cama de su cuarto del Ámsterdam Hilton, promocionando la paz en el mundo, un evento que tuvo gran cobertura periodística. Mientras tanto, el simple con el tema "Get Back" llegaba al primer puesto del ranking inglés en abril del 69, conteniendo en su lado B una balada blusera de John dedicada a su flamante esposa Yoko y titulada "Don’t let me down" (No me decepciones). En ambos temas acompañaba a los Beatles el tecladista Billy Preston. No sería el único nuevo simple del grupo ese año, ya que dos meses más tarde saldría The Ballad of John and Yoko describiendo las correrías de la famosa pareja en la época de su reciente casamiento. En este tema tocan solamente dos Beatles: John canta y toca guitarras eléctrica y acústica, mientras que Paul aporta bajo, batería, piano y maracas y hace segunda voz. La cara dos del simple era un tema de George Harrison llamado "Old Brown Shoe" (Viejo Zapato Marrón) grabado entre el 16 y el 18 de abril de 1969. La letra, una vez más, tenía que ver en la visión espiritual de George de que debíamos liberarnos de las realidades del mundo material, a las cuales veía como ilusorias. De esas cosas superfluas debíamos despojarnos como quien se saca "un viejo zapato marrón". A mediados de 1969, los Beatles parecían desencantados file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Analisis%20-%20Abbey%20Road%20Songs.htm (1 of 7) [10/05/2004 09:38:40 p.m.]

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con ellos mismos, desgastados de una relación grupal que parecía no estimular ya a ninguno de sus miembros. Pero cuando parecía que todo terminaría allí, se produjo un pequeño milagro. George Martin recuerda que un día Paul McCartney lo fue a visitar para pedirle que produjese un álbum de los Beatles como en los viejos días. La idea era regenerar el espíritu de camaradería que solía surgir cuando los cinco estaban juntos en el estudio. Martin accedió a colaborar si es que los cuatro estaban de acuerdo a cooperar. Así fue como los Beatles regresaron al emblemático estudio de Abbey Road que tan decisivo había sido en su carrera y no es casualidad que álbum resultante llevase ese nombre como título. Tal vez concientes de que esta vez sí sería la última, John, Paul, George y Ringo depusieron por un tiempo sus diferencias y se dedicaron a hacer un álbum enchufado, coherente y lleno de buenos temas.

Come together (Vengan juntos )

El título significa "vengan juntos" o "acaben juntos", (el significado es ambiguo), un tema escrito por John que empezó su vida como una canción de campaña para el profesor Timothy Leary, filósofo de la contracultura y apólogo del LSD, quien en 1969 deseaba postularse como gobernador de California para competir contra Ronald Reagan. Leary y su esposa eran amigos de los Lennon e incluso participaron en el coro que acompañó la grabación de "Give Peace A Chance", el simple debut del grupo de Lennon Plastic Ono Band, grabado en el hotel Queen Elizabeth de Montreal, donde John y Yoko realizaban otra movida por la paz mundial desde la cama de su cuarto en el piso 19. El slogan de Leary era "Come together, join the party" (Venganse juntos, súmense al partido, o a la fiesta, porque el término "party" también es ambiguo en inglés), de modo que John tomó su guitarra y empezó a construir el estribillo del tema y a construir más tarde las imágenes semi-surrealistas que adornan las estrofas. La campaña de Leary quedó en la nada cuando el candidato fue detenido por posesión de marihuana, pero "Come Together" se tranformó en el tema de apertura de Abbey Road.

Maxwell’s silver hammer (El martillo de plata de Maxwell)

Esta canción parecería una truculenta historia de un asesino serial sino estuviese tamizada con el típico humor McCartney. Es el cuento de un estudiante de medicina llamado Maxwell Edison que primero elimina a su novia, luego a una conferencista y, por último, al juez de su caso. Hay evidencia del conocimiento de Paul del mundo del file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Analisis%20-%20Abbey%20Road%20Songs.htm (2 of 7) [10/05/2004 09:38:40 p.m.]

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avant-garde en una parte de la letra que menciona la "patafísica", una palabra inventada por el dramaturgo francés pionero del teatro del absurdo, Alfred Jarry, el mismo que escribió "Ubu Rey".

Oh darling (Oh cariño)

Otro tema de Paul, "Oh Darling", fue inspirado por las baladas de los últimos años 50, como las de Jackie Wilson. McCartney quería que su voz sonase cruda en este tema, de modo que lo estuvo cantando una y otra vez durante una semana, antes de grabarlo. "Quería que sonase como si lo hubiera estado cantando sobre el escenario durante toda la semana", declaró luego Paul.

Octopuss's garden (El jardín del pulpo)

La segunda y última canción escrita por Ringo para los Beatles fue "Octopuss’s Garden", (El jardín del pulpo), inspirada por unas vacaciones que el baterista pasó con su familia en Cerdeña, en 1968. Después que Ringo rechazó la oferta de un plato de pulpo para el almuerzo, el capitán del velero donde estaba le empezó a contar todo lo que sabía sobre la vida de los pulpos. Según Ringo, el capitán le contó que los pulpos paseaban por el lecho marino, juntando piedras y objetos brillantes para construir jardines. A partir de ese relato fue tomando forma la letra de la canción.

I want you (she’s so heavy) (Te quiero a vos, ella es tan pesada)

Este tema fue compuesto por John como una canción de amor para Yoko Ono. Lennon admitía la influencia que su esposa había tenido en su nuevo estilo de composición, sobre todo en la intención de simplificar las palabras. Decía que quería llegar a componer una canción perfecta utilizando sólo una palabra, como había hecho su mujer en 1964 con el poema que solo contenía la palabra "Water".

Here comes the sun (Aquí llega el sol)

Este canción es de la autoría de George Harrison, quien la compuso una mañana de principios de la primavera en 1969, un día en que se sentía demasiado desgastado por las rencillas empresariales de los Beatles, como para ir a la oficina de Apple y optó, en cambio, por visitar a su amigo Eric Clapton. Así, en el jardín de la casa de Eric, bañado por el sol, le surgió la letra y la melodía.

Because (Porque) file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Analisis%20-%20Abbey%20Road%20Songs.htm (3 of 7) [10/05/2004 09:38:40 p.m.]

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John Lennon estaba acostado descansando en el sofa de su casa cuando Yoko Ono tocó el primer movimiento de la Sonata Claro de Luna de Beethoven en el piano de cola. Esa fue la inspiración para el tema "Because" (Porque). John quiso reproducir la secuencia de acordes originales del tema, pero al revés, es decir tocados en orden inverso. Este tema cuenta con algunas de las más elaboradas armonías vocales logradas por el grupo, las cuales se lograron sobregrabando las armonías de John, Paul y George tres veces, para que terminasen sonando como una armonía vocal de nueve partes.

You never give me your money" (Nunca me das tu dinero)

Este tema, originalmente compuesto por Paul, anunciaba el comienzo del famoso medley de temas que ocupaba buena parte del lado dos de Abbey Road en el antiguo disco de vinilo. McCartney fue el encargado de recopilar las canciones -muchas de ellas fragmentos de tema en realidad- y buscar la manera de unirlas. El título de este tema alude a los líos que los Beatles tenían con sus cuentas, y al hecho de que recibían liquidaciones diciendo cuánta plata entraba en sus arcas y cuánta salía pero, según declaró Harrison en esa época "eran puros papeles, nunca veíamos libras, chelines o peniques.

Sun king (El rey sol)

Lennon dijo que la idea del tema "Sun King" se le ocurrió en un sueño, pero es posible que también haya tenido que ver una asociación inconciente con el rey Louis XIV de Francia (apodado justamente El Rey Sol), cuya biografía había sido escrita por ese entonces por Nancy Mitford. Las palabras finales, en varios idiomas latinos, eran las típicas que a los turistas anglosajones se les quedan pegadas cuando van a pasar una vacación al Mediterráneo. En cuanto a la melodía etérea, Harrison sugirió que fue inspirada en el entonces reciente hit de Fleetwood Mac "Albatross", compuesto por el guitarrista Peter Green.

Mean Mr. mustard (El malvado señor mostaza) Como benía siendo su costumbre desde varios años atrás, John seguía extrayendo parte de la inspiración para sus canciones de cosas que veía en televisión o que leía en los diarios, como la historia de un avaro que guardaba su dinero en cualquier parte con tal de evitar gastarlo y que le sirvió de modelo para "Mean Mr. Mustard" (el Malvado Señor Mostaza). El tema había sido escrito en file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Analisis%20-%20Abbey%20Road%20Songs.htm (4 of 7) [10/05/2004 09:38:40 p.m.]

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la India y en la versión original el tal Mr. Mustard tenía una hermana llamada Shirley pero John le cambió el nombre a Pam cuando se dio cuenta que le iba a facilitar la unión con el tema siguiente.

Polythene Pam" (Pam de polietileno)

Era la canción que seguía a "Mean Mr mustard", y que homenajeaba en parte a una temprana fan de los Beatles llamada Pat Hodgett que en los días del Cavern solía seguirlos a todas partes y que tenía el hábito de comer pedacitos de polietileno. Se dice también que había otra chica llamada Stephanie que amaba también el polietileno pero para vestirse y envolverse con este material en circunstancias eróticas.

She came in through the bathroom window (Ella entró por la ventana del baño)

Una canción de de Paul, que estaba basada también en un hecho real. Las "Apple Scruffs" eran unas chicas que hacían guardia a las puertas de las casas de los Beatles durante días con la sola esperanza de verlos o hablar unas palabras con ellos. Parece ser que un día, sea por aburrimiento, por una apuesta o por simple locura del momento, una de ellas irrumpió en la casa de McCartney subiéndose a una escalera que daba a la ventana del baño de Paul e ingresando así a la casa. Una vez adentro, abrió la puerta para que entrasen sus amigas. Las chicas, se llevaron algunas cosas y también algunas fotografías y negativos. Como Paul era amigo de las fans, logró recuperar algunos de sus objetos personales. La frase "and so I quit the Police department" (entonces renuncié al departamento de Policía) fue inspirada por un agente de Nueva York al que le habían encomendado custodiar a Paul. McCartney vio su credencial y notó que se llamaba Eugene Quits, que traducido significa: Eugenio Renuncia. Era un nombre demasiado bueno como para dejarlo escapar y así fue que ingresó en la canción.

Golden slumbers (Sueños dorados)

Estando en la casa de su padre Jim, Paul se puso a tocar el piano y al pasar las páginas de un libro de canciones que pertenecía a su hermanastra Ruth, encontró la canción de cuna tradicional "Golden Slumbers" (Sueños Dorados). Como Paul no leía música, decidió ponerle su propia melodía a la letra tradicional que pertenecía al escritor y dramaturgo Thomas Dekker, un contemporáneo de Shakespeare. La canción fue publicada por primera vez en la obra The Pleasant Comedy of Old Fortunatus en el año 1600. Y a pesar file:///D|/02%20Ciberespacio/Beatles/Analisis%20-%20Abbey%20Road%20Songs.htm (5 of 7) [10/05/2004 09:38:40 p.m.]

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de que "Carry That Weight" (Carga ese peso) parece ser simplemente otro tema del medley de Abbey Road, fue pensado como parte de "Golden Slumbers", como para integrar un simple (por eso lo agregamos aquí) . La letra expresaba el temor de Paul de que los Beatles tenían los días contados, entre los líos financieros y los problemas personales entre los cuatro, y lo que significaba cargar el peso de ser un Beatle.

The end (El fin)

Este tema tenía un nombre sin duda apropiado porque iba a ser la canción que ponía final a la carrera discográfica del grupo que le puso su sello a toda una época. El tema contiene el único solo de batería grabado por Ringo en toda su carrera con el grupo y deriva en una breve zapada colectiva, algo también inédito en los Beatles. Por último llega la conmovedora frase final "y al final, el amor que te llevás es igual al que brindaste", concebida por McCartney a la manera de las coplas rimadas que terminaban las obras teatrales de Shakespeare, a la manera de epílogo de los hechos relatados.

Her majesty (Su majestad)

Había una pequeña coda en Abbey Road, "Her Majesty" (Su Majestad), un tema que había sido escrito por Paul en Escocia y pensado para unir "Mean Mr. Mustard" con "Polythene Pam". Al escuchar como quedaba la unión, sin embargo, McCartney pidió que lo retirasen. El ingeniero de grabación, entonces, sacó el segmento de tema de ese lugar y lo puso al final de la cinta para que no fuese destruido, algo que era práctica común en ese entonces. Se ve que en algún momento alguien dejó correr la cinta hasta el final y "Her Majesty" hizo su aparición como un temprano "tema secreto", esa costumbre que se hizo tan famosa en los 90. Obviamente al grupo le gustó y quedó en el álbum.

Something (Algo)

En los comentarios de este álbum, dejamos para el final este tema, por considerarlo tal vez la obra más grande del disco, a este tema compuesto por George. Es indudable que para cuando los Beatles grababan Abbey Road, George Harrison estaba alcanzando su pico como autor. Esto resultó obvio aún para Lennon y McCartney, quienes estuvieron de acuerdo en que el exquisito "Something" se transformase en el lado A del siguiente simple de los Beatles, además de ocupar su lugar en el nuevo álbum. Tanta aceptación tuvo el tema de George que es, al día de hoy, el tema de

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los Beatles que más versiones tiene por parte de otros artistas, después de "Yesterday". Hasta Frank Sinatra hizo la suya, aunque siempre pensó que la canción era de Lennon-McCartney.

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