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ArquitecturaViva 212 Marzo 2019

DOSSIER CONSUMO CERO Bjarke Ingels / BIG Francisco Mangado Sumo Arquitectes

Álvaro Siza De Oporto a Oriente

Arquitectura Viva 212 Marzo 2019

Actualidad / News

Director Editor Luis Fernández-Galiano Director adjunto Deputy Editor José Yuste Redacción Layout/Editorial Cuca Flores Maite Báguena Raquel Vázquez Pablo Canga Clara Molero Antonio Plaza Teresa Pastor Elena Pellegero Sandra Borge Coordinación Coordination Laura Mulas Gina Cariño Producción Production Laura González Jesús Pascual Administración Administration Francisco Soler Suscripciones Subscriptions Lola González Distribución Distribution Mar Rodríguez Publicidad Advertising Cecilia Rodríguez Editor Publisher Arquitectura Viva SL Aniceto Marinas, 32 E-28008 Madrid Tel: (+34) 915 487 317 Fax: (+34) 915 488 191 [email protected] Precio Price 16 euros © Arquitectura Viva

Esta revista recibió una ayuda a la edición del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte en 2018

Depósito legal: M. 17.043/1988 ISSN: 0214-1256 Distribución en quioscos: Logintegral Impresión: Artes Gráficas Palermo, S.L. Cubierta: Álvaro Siza & Carlos Castanheira, Pabellçón de arte (Corea del Sur) Saya Park Art Pavilion (South Korea). © Fernando Guerra. Traducciones: E. Prieto (Foster), L. Mulas, G. Cariño (inglés).

3 Luis Fernández-Galiano Más allá Beyond 5 Focho: Años alejandrinos 1993-2006 Entre rascacielos From NewYork to Hong Kong Próximo Londres DS+R and Heatherwick Más Malévich Málaga and Madrid

Álvaro Siza & Carlos Castanheira 16 Pabellón de arte y capilla Saya Park Art Pavilion and Chapel 26 Museo Nacional de Diseño China Design Museum 34 Mausoleo Chia Ching Chia Ching Mausoleum

Arte y cultura / Art and Culture Norman Foster 41 Una partitura musical An Essential Chronicle of Architecture Rafael Moneo 42 Una historia cinematográfica A Register and a Self-Portrait Luis Fernández-Galiano 44 Espectáculo e incertidumbre A Representation of Our Time

Libros / Books 49 La orden del dodecaedro Franco’s Engineers Desde la sombra a la luz Promontorio’s Guilty Pleasures Descifrando Nueva York A Manifesto from ODA Al ritmo de la ciudad Lynch on Civic-Oriented Architecture Arte y arquitectura Monograph on Per Kirkeby

Dossier: Consumo Cero / Zero Energy 56 Bjarke Ingels / BIG Planta de Tratamiento Amager en Copenhague Amager Resource Center in Copenhagen 64 Francisco Mangado Nueva sede de Norvento en Lugo Norvento Headquarters in Lugo 70 Sumo arquitectes Centro Cívico Villa Urania en Barcelona Vil-la Urània Civic Center in Barcelona 76 Productos / Products 80 Eduardo Prieto Paradigmas sostenibles Shades of Environmental Architecture

El módulo lunar del Apolo 12 sobre el satélite, 1969 The lunar module of Apollo 12 ©NASA

Beyond

2 Mes-mes 200? ArquitecturaViva 7?

Medio siglo después del primer alunizaje, el espacio nos convoca de nuevo. Tras la excitación de la carrera espacial iniciada con los Sputniks de la Unión Soviética en 1957 y el Explorer de Estados Unidos el año siguiente, y que tuvo por hitos el vuelo al espacio exterior de Yuri Gagarin en 1961 y el paseo lunar de Neil Armstrong en 1969, la exploración del cosmos perdió su carácter de pugna tecnológica entre las dos superpotencias de la Guerra Fría, que en 1975 participaron en la misión conjunta Apolo-Soyuz. Esta etapa dejó imágenes memorables de nuestro planeta como la ‘Earthrise’ del Apolo 8 en 1968 o la ‘Blue Marble’ del Apolo 17 en 1972, pero también fotografías icónicas de la Luna como las de las huellas humanas en el polvo lunar en la misión histórica del Apolo 11, o el módulo lunar del Apolo 12 sobrevolando el satélite antes de posarse en el Océano de las Tormentas, instantáneas de hace 50 años que todavía hoy nos conmueven. La carrera espacial fue una de las manifestaciones de la Guerra Fría, y el componente militar de la investigación se exacerbó durante los años ochenta, con la Strategic Defense Initiative de la administración Reagan, apodada ‘Star Wars’, pero el colapso de la Unión Soviética en 1991 desplazaría la atención hacia otros asuntos. Estos días, sin embargo, el interés por el espacio se aviva con un cúmulo de noticias estimulantes u ominosas. Por un lado, China ha alcanzado por primera vez la cara oculta de la Luna con la nave Chang’e 4, la sonda Voyager 2 entró en el espacio interestelar como hace seis años lo había hecho la Voyager 1, y otra sonda de la NASA, New Horizons, llegó a encontrarse con Ultima Thule, el objeto más distante del sistema solar jamás explorado; por otro, el Pentágono propone satélites armados con láser para destruir misiles, un plan de coste colosal y dudosa viabilidad que hace temer el retorno de la Guerra de las Galaxias. La aventura espacial, donde también participan la Unión Europea, Japón, India, Brasil o Israel, es sobre todo un extraordinario desafío de los pasajeros de la Nave Espacial Tierra. En el pasado, los habitáculos lunares o marcianos pertenecían al género de la ciencia ficción, pero cuando ahora vemos las propuestas de Norman Foster para construir asentamientos con robots de impresión 3D —por encargo de la Agencia Espacial Europea en el Polo Sur lunar, y de la NASA, que también ha convocado el 3D Habitat Challenge, en Marte—, o de BIG para levantar en Dubai el conjunto de cúpulas de la Mars Science City —en el marco del proyecto Mars 2117 de los Emiratos Árabes Unidos, que espera construir en el plazo de un siglo la primera colonia estable en el Planeta Rojo— sabemos que dibujan un horizonte verosímil, porque muestran el empeño humano en superar los límites, siguiendo la consigna de Buzz Lightyear: ‘Hasta el infinito, y más allá.’ Luis Fernández-Galiano

La sonda Chang’e 4, 2019 The far side of the Moon ©CNSA

Más allá

Half a century after the first moon landing, space is making the news again. After the excitement of the space race that began with the Sputniks of the Soviet Union in 1957 and the Explorer of the United States a year later, and which had as milestones Yuri Gagarin’s journey into outer space in 1961 and Neil Armstrong’s walk on the Moon in 1969, the exploration of the cosmos stopped being a technological competition between the two Cold War superpowers, which participated in the Apollo-Soyuz joint mission in 1975. This period left memorable images of our planet like the ‘Earthrise’ of Apollo 8 in 1968 or the ‘Blue Marble’ of Apollo 17 in 1972, but also iconic photographs of the Moon like those of footprints on lunar dust in the Apollo 11 mission, or the module of Apollo 12 overflying the Moon before landing on the Ocean of Storms, 50-year-old snapshots that still move us. The space race was one of the expressions of the Cold War, and the military component of research was taken to an extreme during the 1980s, with Reagan’s Strategic Defense Initiative, nicknamed ‘Star Wars,’ but the collapse of the Soviet Union in 1991 would divert the attention to other issues. These days, however, interest in space is rekindled with a host of stimulating or ominous news. On one hand, China has reached the far side of the Moon with Chang’e 4, the Voyager 2 probe entered interstellar space just like Voyager 1 did six years ago, and another NASA space probe, New Horizons, encountered Ultima Thule, the farthest object ever explored in the Solar System; on the other, the Pentagon proposes using satellites fit out with laser beams to destroy missiles, a plan of questionable feasiblity and astronomical price that makes us fear the return of the Star Wars. The space adventure, where the European Union, Japan, India, Brazil, or Israel also participate, is above all an extraordinary challenge of the passengers of Spaceship Earth. In the past, lunar habitation modules belonged to the realm of sciencefiction, but today, when we see the proposals of Norman Foster to build dwellings using robotoperated 3D printers – working with ESA in the lunar South Pole, and with NASA, which also organized the 3D Habitat Challenge, in Mars – or those of BIG to raise the domes of Mars Science City outside Dubai – as part of the Mars 2117 project of the United Arab Emirates, which plan to complete within one century the first inhabitable settlement on the Red Planet – we know they portray a plausible future, because they show humankind’s determination to exceed all boundaries, following Buzz Lightyear’s line: ‘To infinity and beyond.’

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Historietas Cartoon

Años alejandrinos 1993-2006 DESMINTIENDO LA idea de que vivimos en una época poco propicia para la crítica y apuntando al futuro que tiene la disciplina, Luis Fernández-Galiano acaba de publicar Años alejandrinos. Se trata de dos volúmenes que recogen en dos idiomas una selección de las páginas semanales que el arquitecto y escritor publicó para El País entre 1993 y 2006, y cuyos títulos —’La edad del espectáculo’ y ‘Tiempo de incertidumbre’— aluden al periodo de esplendor y de convulsión vivido por tanto por la arquitectura como por la sociedad en los siete últimos años del siglo XX y los primeros siete del XXI.

El carácter singular de los afanes de Fernández-Galiano —cuya sensibilidad y cuyo lenguaje han permitido acercar la arquitectura al público general durante tantos años— fue destacado por Norman Foster en la presentación del libro el 19 de febrero en Ivorypress. Acompañó al autor y a Foster otro pritzker, Rafael Moneo, que hizo una concienzuda presentación de lo que significaron estos artículos para los arquitectos de aquellos ‘años alejandrinos’, destacando la mirada panorámica del autor como observador de su tiempo, y también la calidad de una escritura manejada con maestría.

Por su parte, el autor prefirió centrarse en el orden arquitectónico con que se han compuesto los dos volúmenes, desde la modulación de sus contenidos hasta la malla geométrica que ordena cada página, relacionando los textos con las imágenes, más numerosas ahora que en la publicación original en el diario: elementos que sugieren la idea, apuntada por Foster, de estar ante una verdadera «partitura musical». Y en lo que toca al enigmático título, lo explicó tanto por la métrica del verso alejandrino, como por el carácter crepuscular de nuestro tiempo, que para él evoca la época helenística.

Gestos pragmáticos AV Monograph on BIG

© Miguel Fernández-Galiano

El segundo número que AV Monografías dedica a BIG captura, a la manera de una instantánea, el momento frenético que vive un estudio con oficinas en Copenhague, Londres, Nueva York y pronto Barcelona. Un estudio que ha sabido combinar la libertad de los gestos formales y lúdicos que empatizan con todo tipo de clientes y públicos, y el análisis riguroso de los condicionantes económicos y medioambientales de los proyectos. Introducido con una conversación entre Bjarke Ingels y Luis FernándezGaliano, el número da cuenta de 35 propuestas desarrolladas desde 2013, entre ellas la Lego House, las torres de Miami, el Centro Amager, la Ciudad de Marte o los últimos encargos para Google.

INVALIDATING THE idea that the times we are living are unconducive to criticism, and heralding the discipline’s future, Luis Fernández-Galiano has published Alexandrine Years. The twovolume bilingual book compiles a good part of the weekly pages that the architect and writer prepared for the newspaper El País from 1993 to 2006, and whose titles – ‘The Age of Spectacle’ and ‘Time of Uncertainty’ – refer to the splendor and convulsion experienced by architecture and society during the last seven years of the 20th century and the seven first of the 21st.

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The unique character of the interests of Fernández-Galiano – whose sensitivity and language have brought architecture to general audiences for years – were highlighted by Norman Foster at the book launch held on 19 February at Ivorypress. The author and Foster were accompanied up front by another Pritzker laureate, Rafael Moneo, who made a thorough presentation of what the articles meant for the architects of those ‘Alexandrine years,’ and praised the author’s sharpness as a witness of his times, as well as his masterful writing.

The author in turn chose to focus on the architectural order that composes the tomes, from the modulation of contents to the geometric mesh that organizes each page, associating the texts with the images, greater in number here than in the original newspaper layout. All these elements suggest the idea, mentioned by Foster, that the book is a “musical score.” As for the enigmatic title, Fernández-Galiano explained it both from the angle of Alexandrine verse meter and from that of the crepuscular nature of our time, which evokes for him the Hellenistic period.

THE SECOND monograph that AV Monographs devotes to BIG is like a screen shot of the busy moment that the practice working from offices in Copenhagen, London, New York, and soon also Barcelona is undergoing. The firm is known for formal and ludic gestures that empathize with all kinds of clients and audiences, and has managed to combine that with rigorous analysis of economic and environmental conditions. Opening with a conversation between Bjarke Ingels and Luis Fernández-Galiano, the issue presents 35 designs drawn up since 2013, among them Lego House, Miami towers, the Amager energy plant, Mars Science City, and new Google commissions.

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Entre rascacielos From New York to Hong Kong

H&deM in Hong Kong

Acosado por la trama maciza de rascacielos de Hong Kong, el Tai Kwun Art Centre de Herzog & de Meuron es modesto por su tamaño. Pero no por su ambición conceptual y su originalidad, que, más allá del talento de sus autores, tiene que ver con un hecho raro en China: poner freno a la voracidad inmobiliaria para conservar un edificio histórico. En este caso, la pieza protegida es una antigua comisaría y prisión levantada por los británicos a mediados del siglo XIX, cuyo volumen dotado de arquerías coloniales los suizos han sabido combinar con una ampliación revestida de piezas metálicas.

Finanzas de altura

A New Rival for the Empire State Cuando cayó el gigante Lehman Brothers, pocos en Nueva York podían imaginar que la llegada de la mayor crisis financiera del último siglo iba a coincidir con un boom en la construcción de rascacielos parangonable incluso al que, en las décadas de 1920 y 1930, erigió las cumbres más celebradas de la metrópolis, los edificios Chrysler y Empire State. Pero tal fue lo que ocurrió: entre 2008 y 2018, mientras los mercados se derrumbaban y las clases modestas sufrían los efectos de la crisis, una gavilla de superesbeltas torres residenciales crecieron para cambiar el perfil de las zonas más exclusivas de Nueva York, dando refugio a capitales provenientes de todo el mundo, desde China hasta Rusia, pasando por los países del Golfo. Ninguna de estas torres, sin embargo, consiguió rebasar la altura del mítico Empire State (381 metros), cuya primacía en la silueta de la ciudad (vigilado desde el otro extremo de Manhattan por el One World Trade Center, de 541 metros) se ve ahora amenazada por la Tower Fifth, el proyecto que el magnate inmobiliario Harry B. Macklowe y la consultora Gensler han presentado, para su aprobación, a las autoridades municipales. De construirse muy cerca de la catedral de San Patricio, este nuevo rascacielos residencial de 474 metros de altura sería el segundo más alto tanto de Nueva York como de todo el hemisferio occidental.

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WHEN THE giant financial services firm Lehman Brothers Holdings filed for bankruptcy in 2008, few in New York imagined that the worst financial crisis of the century would coincide with a skyscraper construction boom comparable even to the one that in the 1920s and 1930s gave rise to the most celebrated pinnacles of the metropolis, the Chrysler and the Empire State Building. But that is exactly what happened: in the period between 2008 and 2018, while markets collapsed right and left and the modest classes suffered the effects, a bunch of superslender towers rose to change the silhouette of Manhattan’s most expensive zones, creating a haven for capital coming in from all over the world, from China to Russia through the countries of the Gulf. None of these towers, however, managed to overtake the mythical Empire State Building in height (381 meters), whose primacy in the city skyline (seen from One World Trade Center, standing 541 meters, at the south end of the island) is now threatened by Tower Fifth, a project that real estate magnate Harry B. Macklowe and the consulting firm Gensler have together submitted to the municipal authorities for approval. This new residential highrise will, if erected, soar very close to St. Patrick’s Cathedral on Fifth Avenue, and its height of 474 meters will make it the second tallest building in New York City and even the entire western hemisphere.

SET AMID the tight mass of skyscrapers of Hong Kong, Herzog & de Meuron’s new Tai Kwun Art and Heritage Centre may be modest in size, but certainly not in conceptual aspiration nor in originality. Beyond the talent of its architects, this signals something rare in China: putting a brake on the voracity of real estate speculation in order to preserve a historical building. In this case the object of heritage conservation is a former main police station, central magistracy, and prison erected by the British after they took control of the territory in the mid-19th century, a volume with colonial arcades that the Swiss partnership has masterfully combined with an extension clad in metallic pieces.

© Iwan Baan

Excepción patrimonial

Próximo Londres DS+R and Heatherwick Acero y vidrio

Heatherwick’s Olympia

Pirámide musical

DS+R’s London Concert Hall Londres, que siempre ha sido una de las capitales musicales de Europa, no quiere quedarse a la zaga de las grandes auditorios, filarmonías y óperas con que se han dotado otras metrópolis europeas y asiáticas. Así lo sugiere la decisión de construir, mediante donaciones privadas, un centro que acogerá a la reputada y local London Symphony Orchestra, y cuyo diseño se ha confiado a Diller Scofidio + Renfro. La propuesta del estudio neoyorquino se ha impuesto en un concurso internacional a las de otros especialistas como Gehry, Foster, Piano o Snøhetta, y cuenta con una sala de 2.000 asientos, un gran espacio comercial de cuatro plantas, un restaurante y, situado en la cubierta, un espacio para jazz y música popular con espléndidas vistas a la Catedral de San Pablo. El presupuesto del edificio, 328 millones de euros, con ser extraordinario, no llega al de auditorios señeros como los de París (390) y Hamburgo (450).

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LONDON HAS always been one of Europe’s foremost music capitals, so will not willingly fall behind other great cities – European and Asian alike – in the creation of grand auditoriums, theaters, and opera houses. This is the message conveyed by its decision to build – through private donations – a brand new home for the reputed London Symphony Orchestra, following a design entrusted to Diller Scofidio + Renfro. The New York studio carried the day in an international competition against renowned auditorium specialists like Frank Gehry, Norman Foster, Renzo Piano, and Snøhetta, and the result is a complex that besides a performance hall seating 2,000 includes a large, four-level shopping center, a restaurant, and a rooftop space for jazz and pop music gigs that offers splendid views of St. Paul’s Cathedral. The budget is 328 million euros, which is extraordinary yet falls short of those for the recent concert halls of Paris (390 million), Hamburg (450 million), and others.

Entre el acervo de grandes edificios victorianos con que cuenta Londres, uno de los más antiguos, aunque no uno de los más conocidos, es el Olympia Center. Fue construido por el especialista Andrew Handyside en 1886 tomando como modelo el Crystal Palace, y, tras la destrucción del mítico edificio de Paxton en 1936, su cubierta de 16.000 metros cuadrados sobre un vestíbulo de 137 metros de longitud y 76 de ancho se ha venido considerando la mayor del Reino Unido con estructura de hierro y vidrio. Con todo, este gran inmueble patrimonial que cobija tres grandes salas de exposiciones ha sufrido una franca decadencia en las últimas décadas, de ahí la decisión de reconvertirlo radicalmente para dar pie a una dotación de usos mixtos en la que tendrán cabida hoteles, restaurantes, salones de actos y oficinas, así como nuevos espacios públicos. La reconversión, cuyo presupuesto ronda los ochocientos millones de euros, y cuya finalización se prevé para 2023, se ha encomendado a Heatherwick, uno de los estudios más pujantes en el panorama británico hoy, que, tras intervenir con éxito en King’s Cross (véase Arquitectura Viva 201), intentará compatibilizar la puesta en valor del edificio histórico con la construcción de los pabellones que albergarán los nuevos usos.

AMONG THE great Victorian buildings of London, the Olympia events center in the west part of the English capital is one of the oldest, yet not among the most widely known of. The specialist Andrew Handyside built this exhibition venue in 1886, taking the Crystal Palace as model, and since the 1936 destruction of Joseph Paxton’s mythical work, its 16,000-square-meter roof over a foyer 137 meters long and 76 meters wide has been considered the largest iron-and-glass structure in the entire United Kingdom. Notwithstanding, this great iconic piece of architectural heritage that contains spacious exhibition halls has quite been left to rot in the past decades, hence the decision to carry out a complete, radical overhaul and turn it into a mixed-use complex featuring hotels, restaurants, cinemas, offices, studios, and spaces for coworking, besides a series of new public spaces. With a budget in the area of 800 million euros, and with completion planned for the year 2023, the reconversion has been assigned to Thomas Heatherwick, whose firm is one of the strongest in the current British architectural scene, and who in the wake of his successful intervention in the King’s Cross neighborhood (see Arquitectura Viva 201), will try to upgrade the historical building while creating pavilions for new uses.

Más Malévich Málaga and Madrid Codas suprematistas Ballester at Ivorypress

Figura, ritmo, color

Kazimir Malévich in Málaga La obra de Malévich, uno de los tres padres de la abstracción junto con Kandinsky y Mondrian, no ha dejado de fascinar a los artistas y de inquietar al público desde que en 1915 presentara en San Petersburgo Cuadrado blanco sobre fondo negro. Tanto la fascinación como la inquietud perseveran, y ahora el Museo Hermitage de Málaga expone la mayor retrospectiva dedicada hasta la fecha a Malévich en España, que incluye dieciséis obras nunca vistas en nuestro país y se centra en la primera etapa del artista ruso. Con esta muestra, Málaga, que además del Hermitage cuenta con el Picasso y otros museos franquicia como el Pompidou, afianza el papel que ya ocupa en el circuito cultural del Mediterráneo.

THE WORK of Kazimir Severinovich Malevich – a father of abstraction, alongside Wassily Kandinsky and Piet Mondrian – has fascinated artists and unsettled the public since 1915, when he presented his first Black Square. The fascination and unsettlement continue, and the Hermitage of Málaga now hosts the largest Malevich retrospective ever to show in Spain to date. It features sixteen works never previously seen in our country, and concentrates on the Russian avant-garde artist’s first phase. With this exhibition the southern Spanish city of Málaga – which besides the Hermitage branch boasts a Pompidou, also a franchise, plus a Picasso Museum – strengthens the niche it has already established for itself within the cultural circuit of the Mediterranean.

Aunque su obra se asocie, en principio, a ese naturalismo mágico y atmosférico que define tantos de sus cuadros y fotografías, el madrileño José Manuel Ballester es un artista fascinado por la abstracción, en particular por Malévich, a quien recientemente ha rendido homenaje en una muestra presentada en la galería Ivorypress. ‘Variaciones a partir de Malévich’ parte de una de las composiciones suprematistas del ruso, para proponer una investigación formal hecha de codas y fugas, y que tiene por materiales básicos los once elementos abstractos que componen la obra original. El objetivo de este singular ejercicio de condición casi musical —que podría haber sido ensayado por el propio Malévich— es sacar a la luz la complejidad escondida en la abstracción del cuadro, y de paso poner de manifiesto el potencial combinatorio y mimético que en sí misma posee cualquier obra de arte.

De Chagall a Malévich Exhibition in Madrid

El ‘año Malévich’ en España se completa con ‘De Chagall a Malévich: el arte en revolución’, la exposición a cargo de la Fundación Mapfre que recoge 90 obras y 24 publicaciones de 29 autores para delinear la rica y compleja obra de los artistas que, trascendiendo el impresionismo, introdujeron a Rusia en la modernidad más radical. La muestra podrá visitarse en Madrid hasta el 5 de mayo.

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ALTHOUGH in theory his work is associated with that magical and atmospherical naturalism that characterizes a large number of his paintings and photographs, the Madrid-born artist José Manuel Ballester is fascinated by abstraction, in particular by Kazimir Malevich, to whom he recently paid tribute in an exhibition presented at the gallery Ivorypress. ‘Variaciones a partir de Malévich’ uses one of the Russian’s suprematist compositions to compose a formal exploration made of codas and fugues, the basic materials of which are the eleven geometric, non-representational elements that make up the original piece. The objective of this unique, almost musical exercise of variations – which could well have been created by Malevich himself – is to bring out into the open all the complexity that is hidden in the painting and in Malevich’s oeuvre as a whole, and along the way to invite the viewer to consider the combinatory and mimetic potential that is inherent in any work of art.

C OMPLETING ‘Malevich Year’ in Spain is ‘From Chagall to Malevich: Art in Revolution,’ an exhibition on view at the Mapfre Foundation, curated by Jean-Louis Pratt, that through 90 major pieces and 24 publications by 29 authors presents the rich and complex work of those artists who, breaking with established models, trancending impressionism, together put Russia at the heart of modernity at its most radical. The show will remain visitable at the Madrid venue until 5 May.

Casa del mes Arquitectura G, House in La Floresta (Barcelona) A MEDIO camino entre Barcelona y Sant Cugat, La Floresta es un barrio residencial de baja densidad enclavado en la sierra de Collserola. Situada en una parcela con gran desnivel, la vivienda sustituye una pequeña edificación autoconstruida por los padres de los clientes en los años 1960, y derribada a causa de graves patologías. La casa se organiza en dos niveles: una planta baja totalmente abierta que alberga los espacios públicos y de relación, y una superior con tres dormitorios. Por otro lado, se busca potenciar la continuidad interior-exterior y la conexión con el bosque circundante a través de grandes ventanales. Además, la planta superior rota respecto a la baja, dando lugar a una serie de lucernarios y pequeñas terrazas. Por su parte, la estructura está compuesta por paneles de abeto laminado que definen el aspecto interior de la vivienda. Estos paneles se emplean como muros de carga o como forjados, apoyados sobre un emparrillado de vigas también de abeto laminado. Hacia el exterior, los muros se revisten con aislamiento térmico y una chapa minionda de acero galvanizado como acabado final.

© Fotos José Hevia

HALFWAY between Barcelona and Sant Cugat, La Floresta is a low-density residential neighborhood in the Collserola mountain range. Located on a plot with a deep slope, the house replaces a small dwelling that was self-built by the client’s parents in the 1960s and eventually demolished because of severe defects. The house is organized in two levels: a completely open ground floor that contains the shared living spaces and an upper floor with three bedrooms. The design seeks to achieve a free-flowing indoors-outdoors interaction and to engage with the surrounding forest through large windows. The upper story breaks with the lines of the ground floor to create a series of skylights and small terraces. The structure is built with laminated fir wood panels that become the characteristic feature of the house’s interior spaces. These panels function as loadbearing walls or as slabs, resting on a grid of beams that are also made of laminated fir wood. The exterior walls are clad with thermal insulation and finished with miniwave galvanized steel.

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De Oporto a Oriente Álvaro Siza & Carlos Castanheira

Pabellón de arte y capilla en el Parque Saya Saya Park Art Pavilion and Chapel (South Korea). Arquitectos Architects: Álvaro Siza, Carlos Castanheira (socios partners); Rita Ferreira, Diana Vasconcelos, Luíza Felizardo, Nuno Rodrigues, Filipa Guedes (equipo team). Consultores Consultants: HDP – Paulo Fidalgo (estructura structure). Fotos Photos: Duccio Malagamba. Museo Nacional de Diseño China Design Museum, Hangzhou (China). Arquitectos Architects: Álvaro Siza, Carlos Castanheira (socios partners); Pedro Carvalho (arquitecto responsable principal in charge); Adalberto Dias, Carolina Leite, Catarina Rodrigues, Diana Vasconcelos, Elisabete Queirós, Francesca Tiri, Germano Vieira, Joana Soeiro, João Figueiredo, Jorge Santos, Nuno Campos, Pedro Afonso, Rita Ferreira, Sara Pinto, Susana Oliveira (equipo team). Colaboradores Collaborators: Liu Ke, Zhao Yaunpeng, Jiang Weihua (arquitecto local local architect); Shentu Taunbing, Chen Yongbing (estructura structure); Zhu Weiping, Yu Xiaofen ( hidráulica hydraulical); Jin Guogang, Wang Yonghong ( electricidad electrical); Chen Chunji, Teng Liang ( instalaciones HVAC); Sun Mingliang, Sin Minjun (domótica intelligent design). Consultores Consultants: GET – Raul Bessa (instalaciones HVAC); HDP – Paulo Fidalgo (estructura structure). Superficie Area: 16.000 m². Fotos Photos: Duccio Malagamba. Mausoleo Chia Ching Chia Ching Mausoleum, New Taipei City (Taiwan). Arquitectos Architects: Álvaro Siza, Carlos Castanheira (socios partners); Francesca Tiri, Luís Trigueiros Reis, João Figueiredo, Erica Musci, Pedro Afonso (equipo team). Colaboradores Collaborators: WZWX Architecture Group; Stephen Wang, Chiou-Huei Lin, Wen-Wei Cheng, Jianfei Cheng (arquitecto local local architect). Consultores Consultants: Quanovation Construction Consultant (estructura structures). Constructor Contractor: Ju-Gang Construction. Superficie Area: 375 m². Fotos Photos: Fernando Guerra / FG+SG (p. 34); Duccio Malagamba.

HACE AÑOS que el campo de acción de Álvaro Siza (Matosinhos, 1933) ha desbordado las fronteras de su Portugal natal, para enfrentar las ideas del maestro portugués a diferentes contextos como Europa, América y, en los últimos años, Asia. Es en esta estapa en la que su estrecha relación con el también portugués Carlos Castanheira (Lisboa, 1957) toma mayor relevancia. Juntos han colaborado intensamente en proyectos como el Pabellón Anyang, el Museo Mímesis, la sede del grupo Shihlien, y también en el diseño de los tres edificios presentados en estas páginas: un conjunto de pabellones escultóricos en Corea del Sur, un museo de arte en China y un mausoleo en Taiwán.

FOR YEARS the field of action of Álvaro Siza (Matosinhos, 1933) has extended beyond the boundaries of his native Portugal, transferring the master’s ideas to a variety of contexts in Europe, America, and recently also Asia. It is in this latest stage that his close association with his compatriot Carlos Castanheira (Lisbon, 1957) has taken on full importance. They have collaborated intensely in projects like the Anyang Pavilion, the Mimesis Museum, the administration building for Shihlien Chemical, and the design for three works presented in these pages: a set of sculptural pavilions in South Korea, an art museum in China, and a mausoleum in Taiwan.

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Álvaro Siza & Carlos Castanheira

Pabellón de arte y capilla Art Pavilion and Chapel in Saya Park (South Korea)

Enclavado en los densos bosques de la provincia de Gyeongsang, este refinado conjunto de construcciones de carácter escultórico explora la estrecha relación entre arquitectura y paisaje. Nestled in the dense woodlands of Gyeongsang Province, this refined complex of sculpture-like constructions explores the close relationship between architecture and landscape.

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El pabellón de arte, la construcción de mayor tamaño del conjunto, consta de dos cuerpos en forma de horquilla, unidos por un túnel, que se apoyan en la colina para proyectarse sobre el horizonte del bosque. The largest of the complex’s three buildings is the art pavilion, which presents two fork-shaped volumes connected by a tunnel that sit on the hill, projecting themselves over the wooded horizon.

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ArquitecturaViva 212 2019 19

El camino del bosque se abre paso entre los altos muros de hormigón que marcan el acceso al pabellón, y enlaza con un recorrido, primero exterior y después interior, que culmina en un mirador con vistas al bosque.

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The forest path makes its way between tall concrete walls that mark the access into the pavilion, and connects with the visitor route, first outdoors and later inside, culminating in a balcony with panoramic views.

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Los espacios interiores muestran la rugosidad de las marcas del encofrado entablillado del hormigón; por su parte, los huecos recortados en los muros monolíticos proporcionan una iluminación natural de carácter dramático.

The interior spaces of the art pavilion proudly show the traces of the concrete formwork boards, while the openings that have been cut into the monolithic walls provide dramatic natural lighting.

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La capilla, encastrada en la ladera de la colina, se abre hacia el este y permite la entrada de luz natural a través de un pequeño lucernario, para dar lugar a un espacio dedicado a la meditación y la introspección espiritual.

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Embedded into the hillside, the chapel opens up towards the east and allows natural illumination through a small skylight, resulting in an ideal space for meditation and spiritual introspection.

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Álvaro Siza & Carlos Castanheira

Museo de Diseño China Design Museum in Hangzhou

Concebido para albergar una colección de 7.000 piezas originales de la Bauhaus recientemente adquiridas, el museo completa el campus de la Academia de Artes China. Intended as home for a recently acquired collection of 7,000 original pieces from the Bauhaus, this new museum completes the campus of the Chinese Academy of Art.

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El museo, ubicado en la intersección de dos ejes de comunicación sobre una parcela triangular en el extremo sureste del nuevo campus, está formado por tres bloques entrelazados que se organizan en torno a un gran patio central.

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Located at the crossing of two roads, on a triangular plot at the southeastern edge of the new campus, the museum is formed by three interconnected blocks organized around a large central courtyard.

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Mientras que la planta baja alberga las exposiciones temporales y un auditorio, los niveles superiores del volumen orientado hacia el este alojan la colección Bauhaus y los del orientado al sur, talleres para jóvenes artistas y administración.

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At ground level are temporary exhibition halls and an auditorium, while the upper levels of the volume to the east present the Bauhaus collection. Those of the south block contain workshops and administrative offices.

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estructura de acero acabado exterior de placas de arenisca roja tipo Agra, e= 50 mm carpinteria de madera y vidrio triple laminado con cámara intermedia aislamiento térmico, e= 75 mm muro de hormigón panelado interior de madera, e= 30 mm perfil auxiliar tipo L 40x40x5 mm

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stainless steel structure exterior cladding of red sandstone Agra type t= 50 mm wooden window frame with triple-laminated glass with camera in between thermal insulation t= 75 mm reinforced concrete wall interior cladding of timber panels, t= 30 mm L steel profile 40x40x5

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La imagen exterior del museo queda definida por una envolvente rugosa de arenisca roja de Agra, importada de la India, en claro contraste con las fachadas interiores que se revisten con piezas lisas de mármol blanco.

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The museum’s exterior image is characterized by a rough skin of red Agra sandstone, imported from India, in stark contrast with the interior facades, which are clad in pieces of smooth white marble.

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Álvaro Siza & Carlos Castanheira

Mausoleo Chia Ching Chia Ching Mausoleum in Taipei (Taiwan)

Construido sobre la ladera de una montaña que domina el mar de la China Oriental, este mausoleo forma parte de un cementerio privado perteneciente al distrito de Jinhsan, en Nuevo Taipei. Located on a mountainside overlooking the East China Sea, this mausoleum forms part of Chin Pao San, a private cemetery that belongs to the Jinshan District of New Taipei City.

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A través de un camino que da cuenta del terreno escarpado, los visitantes acceden al mausoleo, un espacio ceremonial bajo una cubierta resuelta con vigas de gran canto que se apoyan sobre elegantes columnas cilíndricas. A gentle path that negotiates the steep terrain of the cemetery leads visitors to the mausoleum, a ceremonial space beneath a roof with thick beams held up by a series of elegant cylindrical columns.

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El edificio se organiza alrededor de la tumba que, protegida por una cubierta construida enteramente con hormigón armado, se sitúa en el centro bajo una cúpula rebajada y rodeada por cuatro bancos curvos de mármol blanco.

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Topped with a roof canopy of reinforced concrete, the mausoleum is organized around a centrally positioned tomb, which is below a low dome and surrounded by four curved benches of white marble.

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Una partitura musical An Essential Chronicle of Architecture

© Miguel Fernández-Galiano

Norman Foster

‘Años alejandrinos’ se presentó el 19 de febrero con la participación de Norman Foster y Rafael Moneo junto a su autor, Luis Fernández-Galiano. ‘Alexandrine Years’ was launched on 19 February with Norman Foster and Rafael Moneo accompanying its author, Luis Fernández-Galiano.

La transcripción de la intervención de Foster se ilustra con un dibujo suyo sobre el empeño del libro en atraer tanto a arquitectos como al público general. The transcription of Foster’s presentation is illustrated with a drawing of his on the book’s effort to attract both architects and a lay audience.

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ES UN gran honor decir algunas palabras sobre dos libros extraordinarios y dos extraordinarias personas, Luis Fernández-Galiano y Rafael Moneo, a los que conozco desde siempre: a Rafael, antes de que lo hiciera personalmente —creo que fue en Harvard—, y a Luis por otro camino. Personas respetadas y arquitectos de genio, ambos han sido estimulantes para mí: Rafael, a través de sus obras y carrera docente, y Luis, además de lo académico, mediante sus escritos, sus críticas. Ambos, recientemente, también de una manera personal: Luis, como comisario en la Fundación, y Rafael que, de un modo tan generoso, sufre la presencia de los graduados de todo el mundo que hacen talleres y le visitan en su estudio. A través de los dos libros que se presentan esta noche descubrí que, entre 1993 y 2006, Luis había escrito para El País una columna semanal de arquitectura. Aquel fue en verdad un periodo extraordinario: los últimos siete años del siglo XX y los siete priIT’S A GREAT privilege to say a few words about two extraordinary books and two extraordinary individuals, Luis and Rafael, whom I feel I’ve known forever: Rafael before I actually met him – I remember it was at Harvard – and Luis in a different way. Hugely respected figures and architects of extraordinary power and genius, both have been inspirational for me, Rafael through his built works and teaching, and Luis – also overlapping in the academic world – through his writings, his critiques. And both of them, more recently, also in a more personal way: Luis who curated the works and rooms in the Foundation, and Rafael who so generously hosts and suffers the inconvenience of graduates from all over the world who do workshops and visit his studio. Through the books I discovered that Luis between 1993 and 2006 wrote a weekly architecture column in El País. That was really an extraordinary period: the last seven years of the last century and the first

meros del XXI. Como señala el propio Luis en la introducción, el primer volumen da cuenta del optimismo que siguió a la caída del Muro de Berlín en 1989 y precedió a la caída de las Torres Gemelas. Los ensayos conforman una extraordinaria crónica en la que el contexto político, económico y social se ve a la luz de la arquitectura. El periodo cubierto coincide también con los años dorados de la economía española, de manera que el libro funciona como una máquina que nos lleva hacia atrás a la vez que nos hace avanzar. Lo que encuentro más singular en estos dos libros es la combinación del ojo extraordinariamente perceptivo

seven years of this century. He notes in the introduction to the first volume that it covers the optimism that followed the fall of the Berlin Wall in 1989 and heralded the fear that would follow the collapse of the Twin Towers. The essays come together as an extraordinary chronicle where architecture becomes a vehicle for examining the political, economic, and social context. Coincidentally you have the golden years of the Spanish economy. So it’s almost a time machine that transports us back and moves us forward. What I find so special about the books is the combination of Luis’s extraordinarily perceptive eye and

de Luis y su manera incisiva e igualmente perceptiva de transmitir a través de la palabra escrita lo que el ojo ve. Pero el libro tiene también otros valores: al pasar sus páginas, resulta casi como una partitura musical porque el formato regular y el equilibrio entre la palabra impresa y las fotografías en blanco y negro —en ocasiones, también viñetas a línea y fotografías a color— resultan admirables. Tengo una hija que está estudiando historia de la arquitectura en Harvard y, cuando recibí los dos libros, enseguida le hablé de ellos por teléfono. Hay una palabra que en inglés usan los reseñistas, page-turner, para referirse a los libros que enganchan. Le confesé a mi hija que no podía dejar el libro de Luis y ella me respondió que estaba en un curso sobre edificios emblemáticos. Le dije: «Entonces, Paola, estos dos volúmenes te serán esenciales.» No creo que lo sean solo para Paola: son esenciales para mí, para todos nosotros, y es un honor para mí el poder presentarlos. his incisive, equally perceptive way of transmitting that down into the written word. But the book for me exists at even another level. As I turn the pages, as an abstraction it’s almost like a musical score because the format is a regular format and the balance between the written word and the black-and white photographs, and occasionally the black-and-white cartoon and color photographs, is extraordinary. I have a daughter who is studying the history of architecture at Harvard University and when I got the two books, I got a phone call from her and told her about them. There’s a word they use when reviewing books: page-turner. I told her I couldn’t put the book down. She said, “You know, I’m doing a course on landmark buildings.” And I said: “Well, Paola, these books are absolutely essential reading.” It’s not just Paola. I think for me, for all of us, it’s essential reading, and it’s such an honor, such a privilege, to present them.

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Una historia cinematográfica © Miguel Fernández-Galiano

A Register and a Self-Portrait

Rafael Moneo

Ivorypress provided the venue for a dialogue about the books, which offer in Spanish and English a selection of texts first published in the newspaper ‘El País.’

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volver a revivir experiencias que hoy son ya tan solo memoria. Hay que valorar el esfuerzo hecho al pasar de la simple imagen publicada en el periódico a una cuidadosa selección de dibujos y fotografías que dan al libro un valor documental que los artículos no tenían. Sin duda, el autor ha querido reforzar sus palabras con las imágenes. Entiendo que en algunos momentos este trabajo ha llegado a suponer para Luis una valiosa labor de autocrítica. El servicio a una historia que paradójicamente acaba por darnos el retrato de su autor. Una historia que acaba siendo el autorretrato de Luis Fernández-Galiano, algo necesario si se quiere saber bajo qué clave interpretar los hechos relatados. Formación e información a un tiempo, los artículos mantienen siempre vivos los intereses del autor que hacen continuamente acto de presencia en ellos. Él lo sabe y de ahí que cite a Borges cuando en el epílogo de su libro El hacedor escribe: «De cuantos libros he entregado a la imprenta, ninguno, creo, es tan personal como esta colectiva y desordenada silva de varia lección… Un hombre se propone la tarea de dibujar el mundo. A lo largo de los años puebla un espacio con imágenes de provincias, de reinos, de montañas, de bahías, de naves, de islas, de peces, de habitaciones, de instrumentos, de astros, de caballos y de personas. Pero antes de morir descubre que ese paciente laberinto de líneas traza la imagen de su cara». Dicho todo esto me gustaría decir algo a propósito de cómo leerlo. Naturalmente cabe la lectura discontinua, artículo tras artículo, sin obligarse a la secuencialidad que acompaña a los libros. Cabe elegir un asunto específico o la obra de un arquitecto concreto. Los índices están preparados de modo que se pude escoger el artículo que se busca o considerar lo que ha sido la labor de un arquitecto a lo largo de los catorce años que cubren estos libros. La discontinuidad, por tanto, está ga-

rantizada. Pero quisiera plantear la alternativa opuesta: una lectura en continuidad. Y aunque es obvio que no tiene sentido conseguirla leyendo un artículo tras de otro —no se trata de libros que induzcan a la lectura continua— sí que lo tiene el proponer una lectura de ritmo rápido —cuasi cinematográfico— que permita ver la historia realmente como historia, como desarrollo en el tiempo de acontecimientos, edificios y arquitectos que uno bien recuerda. Entonces se dota, en mi opinión, de la dimensión adecuada al libro. El resultado de esa lectura continua que propongo ha dado lugar, en mi caso, —lo he leído rápida y velozmente un par de veces— a curiosos descubrimientos y a situar mejor determinadas obras. Animo por tanto a que el lector lo haga. Pero naturalmente ello no es óbice para la lectura más convencional que asimila estos dos tomos a los «manuales de uso» que para ayuda de quienes han de utilizarlos acompañan a todo tipo de máquinas y que conoce bien quien debe manejar un coche recién comprado. Debo terminar. Quisiera agradecer a Luis Fernández-Galiano lo mucho que por la arquitectura hizo al familiarizar con ella a los lectores de El País. No muchos periódicos, ni europeos ni americanos, ofrecían una crítica de arquitectura tan viva y tan conectada con la realidad política, económica y social como aquella que cubrió Luis Fernández-Galiano en los catorce años que califica como del espectáculo y de la incertidumbre. Sus artículos en El País contribuyeron a elevar el nivel de conocimiento arquitectónico de sus lectores. Hay que felicitar por ello muy sinceramente a Luis FernándezGaliano, y felicitarnos todos, porque estos dos tomos nos permitan acceder a unos artículos que mantienen vivo el interés que tuvieron cuando se publicaron. El texto redactado por Rafael Moneo sirvió de base para su intervención en la presentación de Ivorypress.

A S WE KNOW , these two volumes are a compilation of essays by Luis Fernández-Galiano from the years that he wrote on architecture for the newspaper El País. First of all I would like to say that the mere mechanism of putting the texts in order and in a framework signifies an important transition: we have gone from a specific literary genre, the article – in which Luis FernándezGaliano is a master – to the telling of history, an altogether different literary genre. Indeed a substantial transformation. But what kind of history? That is the immediate question we must ask ourselves. It is not a chronicle, nor is it strictly a narrative with a clear end that the author wishes to reach from the angle of a given ideology. It is a history/register that records what

© Miguel Fernández-Galiano

Ivorypress fue el marco del diálogo sobre los libros, que ofrecen en español e inglés textos aparecidos originalmente en el diario ‘El País’.

COMO SABEN, estos dos tomos son el resultado de recoger los artículos de Luis Fernández-Galiano durante los años que escribió sobre arquitectura en El País. Y lo primero que me gustaría decir es que este simple mecanismo de haber ordenado y encuadrado los artículos ha supuesto un importante cambio: hemos pasado de un género literario concreto, el artículo —en el que Luis FernándezGaliano es un maestro— a la historia, otro género literario completamente diverso. Desde luego, una sustancial transformación. Pero ¿qué clase de historia? Esta es la pregunta que debemos hacernos inmediatamente después. No es una crónica, no es estrictamente una narración que tiene una clara meta que quiere alcanzar el autor desde una determinada ideología. Es una historia/registro que documenta lo que el autor ve. Una historia que algo tiene de cámara cinematográfica dispuesta a captar el momento, esa actualidad de cuya captura y transformación en documento se sienten tan orgullosos quienes trabajan en la prensa diaria. Una actualidad, por otra parte, con un amplio horizonte, con un dilatado punto de vista que al tiempo que nos ilustra acerca de lo que es un edificio lo sitúa en un contexto en el que cuenta la política, la economía, el mundo de las ideas, la vida entera, en una palabra. Pocas cosas mejores que la arquitectura, en cuanto que arte público, para reflejar todo lo que hay alrededor. Difícil pensar en otra persona para cumplir dicho cometido con más conocimiento y capacidad de comunicación que Luis FernándezGaliano. Hablar de capacidad de comunicación nos llevaría a analizar lo bien construidos que están los textos y, dicho sea de paso, a subrayar el conciso valor que tienen los epígrafes. La publicación de estos tomos convierte en documento lo que fue puro servicio a la información y ayuda a la interpretación de los hechos. Los artículos han sido revisitados y publicados con imágenes que completan las que se publicaron en su día y que nos hacen

the author sees. A history which is something like a film camera shooting the moment, that currentness which those who work in the daily press are so proud to capture and transform on print. A currentness, on the other hand, of broad horizons, with an expanded viewpoint that, while enlightening us on what a building is, puts it in a context where everything fits in a word: politics, economics, the world of ideas, life as a whole. Few things beat architecture, as a public art, in reflecting everything that surrounds us, and to fulfill that task we would be hard-pressed to find someone with as much knowledge and capacity for communication as Luis Fernández-Galiano. His power of communication comes to the fore when we analyze how well the texts

are constructed, and along the way, when we note the succinct strength of the headings. The publication of these volumes turns what was pure service to information into a documentary, and helps interpret the events. The essays have been revisited and now come with images to complement those that originally illustrated the articles published, making us relive experiences that today are just memories. We must applaud the effort of stepping up from the single image published in the newspaper to a careful selection of drawings and photographs that give the book the value of a documentary which the press pieces did not have. Without a doubt, the author wanted to reinforce his words with pictures. I am sure that this endeavor sometimes made Luis engage in worthy self-criticism. The service to history achieved by the book ultimately gives us a portrait of its author. It is a history that in the final analysis is a self-portrait of Luis Fernández-Galiano, which is necessary for readers to kmow if they are to grasp in what key the events are narrated. Formative and informative at the same time, the articles keep the author’s interests fresh through continued presence. Aware of this, he quotes from Jorge Luis Borges’s epilogue to The Maker: “Of all the books I have sent to press, none, I think, is as personal as this motley, disorganized anthology… A man sets out to draw the world. As the years go by, he peoples a space with images of provinces, kingdoms, mountains, bays, ships, islands, fishes, rooms, instruments, stars, horses, and individuals. A short time before he dies, he discovers that the patient labyrinth of lines traces the lineaments of his own face.” That said, I would like to put in a word on how to read the book. Naturally it can be read haphazardly, with no pressure to follow the sequence of the publication. One could choose a particular subject or the work of a certain architect. The indexes are

organized in such a way that readers can locate the article they are looking for, or survey a given architect’s oeuvre in the course of the fourteen years that the volumes cover. But let me recommend the opposite as an alternative: linear reading. Obviously it makes no sense to read one article after another, as these books do not invite uninterrupted perusal. What I do propose is fast-paced, quasi-cinematographic reading, which would make one see history truly as history, as development – through time – of events, buildings, and architects well remembered. In this way the book, in my opinion, takes on its rightful dimensions. The result of this flowing kind of reading has given rise in my case – I have read it swiftly twice – to interesting discoveries, and equipped me to place certain works better. I heartily encourage the reader to go for it. But of course this does not preclude the conventional perusal that takes the two volumes in the manner of the ‘user manuals’ that come with gadgets and machines, something very familiar to anyone who has recently bought a new car. As a closing note, I would like to thank Luis Fernández-Galiano for all that he has done to familiarize El País readers with architecture. Neither here in Europe nor in America do many newspapers offer architectural criticism in such tight connection to political, economic, and social realities as what Luis Fernández-Galiano provided during the fourteen years that he describes as spectacular and uncertain. His articles did much to raise the level of architectural knowledge of newspaper readers. So, sincerest kudos to Luis Fernández-Galiano, and let us be glad to have these two books giving us access to articles that revive the currency they had at the time they were published. This text prepared by Rafael Moneo served as crux for his address at the Ivorypress presentation.

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Espectáculo e incertidumbre A Pixeled Representation of Our Time

La colección de textos se ilustra con más de 2.500 imágenes, y por ellos desfilan casi 2.000 protagonistas del tránsito entre los siglos XX y XXI . The collection of texts is illustrated with over 2,500 images, and 2,000 protagonists of the years straddling two centuries parade through them.

La edad del espectáculo 512 páginas; 50 euros. Tiempo de incertidumbre 512 páginas; 50 euros. Arquitectura Viva, Madrid, 2018

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ESTOS DOS VOLÚMENES recogen textos publicados en El País entre 1993 y 2006, diario donde me ocupé durante 14 años de una página semanal de arquitectura. Agrupados bajo el título genérico Años alejandrinos, que evoca a la vez su extensión cronológica y su carácter de crónica, los volúmenes procuran registrar las vicisitudes de la arquitectura en un periodo que se sitúa como charnela entre los siglos XX y XXI. Autores y obras se presentan en el contexto político, económico y social que les sirve de marco, y cuyas mudanzas reflejan o resisten con sus ideas y sus formas. Inevitablemente, este retrato pixelado de la arquitectura es también un relato fragmentado de los avatares experimentados por España y el mundo durante un tiempo de tránsito. Por un azar singular, los años de esta crónica coinciden casi exactamente con los ‘catorce magníficos’ de crecimiento sostenido de la economía española, usando una denominación que se hace eco de los ‘treinta gloriosos’ europeos, entre el final de la II Guerra Mundial en 1945 y la primera crisis del petróleo en 1973-1974. Los catorce españoles se sitúan entre la crisis postolímpica de 1993 y la inmobiliaria de 2007-2008: la gráfica del PIB tiene su punto más bajo en el primer trimestre de 1993, y se recupera desde entonces hasta la cima del primer trimestre de 2000, manteniéndose con oscilaciones, y experimentando un declive significativo en 2007 que conduciría a la sima de los dos años siguientes. Menciono estos pormenores porque la temperatura social no es ajena a los gráficos económicos, que colorean opiniones y actitudes, afectando a una actividad de desarrollo largo como es la arquitectura, condicionada en su trayecto por la sístole y diástole del ciclo inmobiliario, por los vaivenes de la política y por las transformaciones del clima cultural. En el ámbito más amplio de la historia general, la última década del siglo XX está iluminada por el optimismo que suscitó la caída del Muro de Berlín en 1989, y los presumibles

dividendos de la paz que ofrecería el final de la Guerra Fría. Vista en este marco, la breve crisis que sigue al annus mirabilis español de 1992 es en el fondo anecdótica, ya que se inscribe en un contexto internacional favorable, y parece razonable denominar el periodo cubierto en el primer volumen, que se extiende de 1993 a 1999, como La edad del espectáculo, abreviando así el espíritu consumista y amable de una etapa de prosperidad y anemia crítica que tuvo en el Guggenheim bilbaíno su mejor expresión. El derribo de las Torres Gemelas en 2001 fue un punto de inflexión político y psicológico que no afectó dramáticamente a la economía, cuya trayectoria seguiría siendo expansiva hasta la crisis de las hipotecas subprime en 2007 y el colapso de Lehman Brothers en 2008. Pero tanto la conciencia de la fragilidad ante el terror como la percepción más aguda del cambio climático crearon una atmósfera de pesimismo ante el futuro que he querido señalar titulando Tiempo de incertidumbre el segundo volumen de estas crónicas, donde se recoge una selección de artículos publicados en el mismo diario entre 2000 y 2006, añadiendo siete años a los siete primeros, y dejando que la cesura entre ambos sea el corte en el tiempo que en su día alimentó los temores del llamado efecto Y2K. Los artículos se fueron publicando en su día en sucesivos anuarios de la revista AV, más generosamente ilustra-

dos que en El País, y en dos idiomas desde 1995. Esa es la versión ahora reproducida, añadiendo la traducción de los dos primeros años y con unos pocos textos someramente editados para evitar en lo posible las reiteraciones, pero conservando los tiempos verbales y las circunstancias específicas de la redacción original. Ya en la revista se ordenaron cronológicamente por meses —con un añadido de estaciones para poder publicar algún otro artículo de interés—, y esa estructura se mantiene aquí. A los dieciséis artículos anuales se suman una apertura sobre un asunto que se considera relevante, y una coda con un balance del ejercicio, textos estos últimos que en prácticamente todos los casos se redactaron para el Anuario El País. Mi primer artículo en El País apareció en la sección de opinión el 31 de diciembre de 1980, pero no colaboraría regularmente en el diario hasta 1986, con una sucesión de artículos que se ocuparían desde el entonces recién terminado Banco de Hong Kong y Shanghái hasta las realizaciones de la España festiva del 92, cubriendo una etapa que celebró los centenarios de Mies y Le Corbusier, y que asistió al tránsito del posmoderno a la deconstrucción. A finales de 1992, el entonces director Joaquín Estefanía nos encargó a Vicente Verdú y a mí la creación de una página de arquitectura, que se publicaría en la sección de cultura durante el año 1993, y dentro del suplemento

THESE TWO bilingual volumes present texts published in El País from 1993 to 2006, where I was in charge of a weekly architecture page for fourteen years. Grouped under the generic title Alexandrine Years, in reference to both their chronological length and their character as a chronicle, the volumes try to record the vicissitudes of architecture over a period that was a hinge between the 20th and 21st centuries. Architects and works are presented in their political, economic, and social contexts, the mutations of which are reflected by their ideas and their forms. Inevitably, this pixeled portrait of architecture is also a fragmented account of the transformations experienced by Spain and the world during a time of transition. By what is an extraordinary coincidence, the years covered by this chronicle are almost exactly the ‘magnificent fourteen’ of sustained growth of the Spanish economy, to use a term that echoes Europe’s ‘glorious thirty’ between the end of World War II in 1945 and the first oil crisis in 1973-1974. Spain’s own fourteen took place between the post-Olympic slump of 1993 and the real estate crisis of 2007-2008. The country’s GDP chart shows its lowest point in the first quarter of 1993, and a subsequent recovery until a peak is reached in the first quarter of 2000; this is maintained with some fluctuations until a significant drop in 2007 that led to the abyss of the following two years. I mention these details because social temperature is not independent of economic graphs, which influence opinions and attitudes, affecting even an activity that develops over a long time, such as architecture, which is conditioned in its course by the ups and downs of the real estate cycle, by the swayings of political alterations, and by the transformations of the cultural climate. In the broader field of general history, the final decade of the 20th century is brightly lit by the optimism that the fall of the Berlin Wall generated, and the expected dividends of

© Miguel Fernández-Galiano

Luis Fernández-Galiano

peace promised by the end of the Cold War. Seen in this context, the brief crisis that followed Spain’s annus mirabilis, 1992, is at heart anecdotal, inscribed as it is within a favorable international context, and in retrospect it seems reasonable to call The Age of Spectacle the period from 1993 to 1999 – covered by the first volume –, thereby abbreviating the consumerist and amiable spirit of a time of prosperity and critical anemia which had in Bilbao’s Guggenheim the best expression. The demolition of the World Trade Center Twin Towers in 2001 was a political and psychological turning point that did not dramatically affect the economy, which would continue to expand up to the subprime mortgage crisis of 2007 and the collapse of Lehman Brothers in 2008. But both the awareness of our fragility in the face of terror and the sharpened perception of climate change created an atmosphere of pessimism about the future that I have tried to highlight giving the title Time

of Uncertainty to the second volume of these chronicles, which presents a selection of articles published in the same newspaper from 2000 to 2006, adding seven years to the first seven, and placing the hinge between both periods in the exact moment which raised the groundless fears of the socalled Y2K bug. The articles were reprinted in successive yearbooks of the magazine AV Monographs, more generously illustrated than in El País, and in two languages from 1995 on. These are the versions reproduced here, adding recent translations of the first two years, and with a few texts slightly edited to remove repetitions but preserving tenses and the specific circumstances surrounding the original writings. Already in the magazine the essays were arranged chronologically by months – with seasons added in order to put in some other pieces of interest – and that structure is preserved here. The sixteen articles of each year are preceded by an opening

about some particularly relevant matter, and followed by an appraisal of the period in question, a text which in almost all cases was written specially for Anuario El País. My first article in El País appeared in the opinion section on 31 December 1980, but my regular collaboration with the newspaper began in 1986 with a succession of articles that would feature works ranging from the recently completed Hong Kong and Shanghai Bank to the constructions carried out for Spain’s festive year of 1992, covering a period that celebrated the centenaries of Mies and Le Corbusier and saw the transition from postmodernism to deconstruction. At the end of 1992, the then director, Joaquín Estefanía, assigned Vicente Verdú and me to together create an architecture page, which in 1993 was published within the culture section, and from the following year in the arts and books Saturday supplement. During the first year we took fortnightly turns writing the articles but afterwards our

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de artes y libros desde el año siguiente. Durante el primer año alternábamos quincenalmente los artículos, pero en años sucesivos nuestras colaboraciones se fueron espaciando, y me correspondió la tarea de coordinar la página semanal incorporando a otros autores, entre los cuales muchos destacados críticos internacionales. Mis propios textos se ofrecen ahora como testimonio de quien procuró ser observador atento y ecuánime, pero que sin duda vertió en ellos el sesgo de su biografía y su mirada, procurando reconciliar la narración informativa con el juicio crítico. Y ello desde el primer artículo, publicado el 8 de enero de 1993 con el título ‘El declive de la rosa’, donde las torres inclinadas de KIO se comentaban en el contexto de las intrigas económicas urdidas en torno suyo, y se usaban como metáfora construida del agotamiento político del proyecto socialista. Ese empeño en enredar la actualidad de la arquitectura

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con los acontecimientos del mundo me brindó, entre otras muchas cosas, el raro privilegio de cubrir eventos históricos como el 11 de septiembre, sobre el que escribí en los días siguientes media docena de artículos: ‘Los pilares del cielo’, ‘El parque de cristal’, ‘I am a New Yorker’, ‘Manhattan mañana’, ‘Yamasaki redux’, ‘Espíritus y espectros’ o ‘Tristes torres’, varios de los cuales se incorporan a esta selección. Muchos de los artículos se beneficiaban de mis viajes para participar en conferencias o jurados, y así ocurrió en el que sería el último, ‘El tigre celta’. El texto, que exploraba las luces y sombras de la súbita prosperidad irlandesa, tenía su origen en una estancia en Dublín, en noviembre de 2006, para participar en el jurado de los premios de la asociación de arquitectos y para impartir una prestigiosa conferencia anual que se celebraba en el singular marco del Auditorio Edmund Burke, dentro del campus neoclásico del

Trinity College. El día anterior había visitado el estudio de Francis Bacon, cuyo caos abyecto y fascinante utilicé para cerrar literariamente el artículo, y me pareció apropiado que mi trayectoria en El País se clausurase bajo el aura de Burke, que los arquitectos conocen por su ensayo sobre lo sublime, pero que tantos admiran por su demolición intelectual del totalitarismo jacobino, y que para mí es también el que fuese editor durante tres décadas del Annual Register, un compendio de lo sucedido en el mundo, algo semejante a lo que los anuarios de AV procuran hacer en nuestro campo desde hace más de veinticinco años. El esfuerzo modular de estas publicaciones, que en lo gráfico están sostenidas por una malla de hierro, y en lo literario por un empeño en el ritmo que ocasionalmente se colorea con una cierta debilidad por la aliteración y el oxímoron, las hace quizá tan arquitectónicas por sí mismas como por los

asuntos que recogen. El título general y los dos parciales son heptasilábicos para resonar con la naturaleza alejandrina de los ‘catorce magníficos’, pero los 256 artículos en dos volúmenes de 512 páginas, compuestos cada uno con 32 pliegos de 16 páginas, hablan más bien de una ironía pitagórica con las potencias de dos. Releyendo años después los artículos que ahora se ofrecen, me atrevo a pensar que componen una crónica vigorosa de ese tiempo, y que muestran un arrojo crítico que quizá no he sabido hallar en textos posteriores. Rafael Moneo los calificó generosamente de «pequeñas obras maestras», describiéndolos como «bien construidos, brillantes en la elección de las metáforas, informados, sutiles…», y asegurando que «quienquiera que estudie en el futuro lo que ha sido la historia de la arquitectura en estos últimos veinte años deberá acudir a esta rica cantera de escritos». Ojalá los lectores del libro lleguen a una conclusión pareja.

collaborations became less frequent, and it fell upon me to coordinate the weekly page, for which I occasionally brought in other authors. My own texts are presented now as a testimony of someone who tried to be an alert and impartial observer, but who undoubtedly tinged them with the slant of his own biography and worldview, seeking always to reconcile informative narrative with critical judgment. However, politics and economics were present from the very first piece, published on 8 January 1993 with the title ‘The Decline of the Rose,’ where the leaning KIO towers were discussed in the context of the economic intrigues plotted around them, and were used as a built metaphor of the political exhaustion of the socialist project. This extraordinary opportunity to relate architectural news and world affairs gave me, among other things, the rare privilege of covering historical

events like the 9/11 attacks, on whose context I wrote several essays in the immediate aftermath – ‘The Pillars of the Sky,’ ‘The Glass Park,’ ‘I am a New Yorker,’ ‘Manhattan Tomorrow,’ ‘Yamasaki redux,’ ‘Spirits and Specters,’ or ‘Tragic Towers,’ some of which come in this selection. Many of the articles benefited from the trips I made to participate in conferences or juries, and this was the case of what would be the last piece, ‘The Celtic Tiger.’ The text, which explored the lights and shadows of Ireland’s sudden prosperity, had its origins in a Dublin sojourn in November 2006 to sit on the jury of the awards of the country’s architectural association and deliver a prestigious annual lecture held in the singular venue of the Edmund Burke Theatre, within the neoclassical campus of Trinity College. The day before, I had visited Francis Bacon’s studio in the Dublin City Gallery, whose fascinat-

ingly abject chaos I used to give a literary conclusion to the article, and it seemed to me appropriate that my journey in El País should end under the aura of Burke, an author architects mainly know for his essay on the sublime but who many admire for his intellectual demolition of Jacobin totalitarianism, and who for me is also the one who for three decades was editor of the Annual Register, a record of current world events, something similar to what our own AV yearbooks have been trying to do in the field of architecture for over twenty-five years now. The modular effort behind these publications, graphically sustained by an iron grid and stylistically by an insistence on rhythm which is sometimes colored by a weakness for alliteration and oxymoron, makes them perhaps as architectural in themselves as in the themes that they present. The general title and the two

partial headings all bear seven syllables in Spanish, resonating with the aforementioned Alexandrine nature of the ‘magnificent fourteen,’ but the 256 essays in two volumes of 512 pages, each composed of 32 sheets of 16 pages, speak more of a certain Pythagorean irony with the powers of two. Reading the articles again many years later, I would venture to say that they construct a vigorous chronicle of those times, and that they show a boldness I may not have been able to maintain in later texts. Rafael Moneo generously called them “small masterworks,” describing the essays as “well constructed, brilliant in their choice of metaphors, informed, subtle…” and saying that “whoever in the future studies what has been the history of architecture these past twenty years will have to go through this wealth of writings.” I hope readers of this compilation will think likewise.

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Libros Books ArquitecturaViva 176 HOMEGRAFTS

15 e

ArquitecturaViva 182 16 e INDUSTRIAL HERITAGE

ArquitecturaViva 177 ART FACTORIES

15 e

ArquitecturaViva 183 16 e MATERIAL ABSTRACTION

ArquitecturaViva 178 ENERGY MATTERS

15 e

ArquitecturaViva 179 15 e NEW YORK HEIGHTS

ArquitecturaViva 180 TIMELESS CHINA

ArquitecturaViva 184 OPEN AIR

16 e

ArquitecturaViva 185 FOR CHILDREN

ArquitecturaViva 186 16 e CONTINUITY INVENTION

16 e

15 e

ArquitecturaViva 181 LIGHT CULTURE

16 e

ArquitecturaViva 187 16 e SPANISH SOLUTIONS

La Orden del Dodecaedro Franco’s Engineers

ArquitecturaViva 188 16 e CHANGE OF CLIMATE

ArquitecturaViva 189 ANTHROPOCENE

16 e

ArquitecturaViva 194 MINOR SURGERY

16 e

ArquitecturaViva 195 MEMORIALS

ArquitecturaViva 200 DOSCIENTOS

16 e

ArquitecturaViva 201 16 e 50 DE ÁFRICA Y ASIA

ArquitecturaViva 207 MÁS CIUDAD

ArquitecturaViva 206 16 e HOGARES ANIMALES

16 e

16 e

ArquitecturaViva 190 16 e HISTORY PATTERNS

ArquitecturaViva 196 SENIOR HOUSING

16 e

ArquitecturaViva 191 16 e THE PRADO COMPETITION

ArquitecturaViva 192 16 e SPACES OF THE SPIRIT

16 e

ArquitecturaViva 197 16 e ON THE WATERFRONT

ArquitecturaViva 198 HANDMADE

ArquitecturaViva 202 16 e VIVIENDA REHABILITADA

ArquitecturaViva 203 SILICON VALLEY

16 e

ArquitecturaViva 204 16 e CULTURA EN EL GOLFO

ArquitecturaViva 205 AMÉRICA IMPORTA

ArquitecturaViva 208 SEDES SINGULARES

ArquitecturaViva 209 BAJO TIERRA

16 e

ArquitecturaViva 210 CHINA MATERIAL

ArquitecturaViva 211 16 e BARCLAY & CROUSSE

16 e

16 e

ArquitecturaViva 193 SOUNDSCAPES

16 e

ArquitecturaViva 199 16 e YOUNG CATALONIA

16 e

Arquitectura Viva S.L. Calle Aniceto Marinas, 32 E-28008 Madrid, España Tel: (+34) 915 487 317 Fax: (+34) 915 488 191 [email protected] www.ArquitecturaViva.com

Los ingenieros construyeron el régimen de Franco. Frente a la convención que juzga el franquismo ajeno a la técnica o la ciencia, el joven historiador Lino Camprubí muestra hasta qué punto la ideología nacionalcatólica se enredó inextricablemente con la industrialización y la investigación científica. Tanto los ingenieros militares, civiles y agrónomos como los arquitectos transformaron el territorio y las ciudades españolas en un proceso de modernización continuada que desdibuja los límites entre el periodo autárquico y el posterior al Plan de Estabilización de 1959, en muchos casos extendiendo proyectos e ideas de la Dictadura de Primo de Rivera o la Segunda República, y prolongándose sin suturas en la Transición y en la España democrática. El libro, publicado originalmente en MIT Press, explora estos asuntos con el rigor documental y la elegancia expositiva de la mejor tradición anglosajona, como corresponde a la trayectoria de su autor en la universidad de Cornell, la de California en Los Ángeles, donde se doctoró, y la de Chicago, donde fue profesor invitado. Nieto y discípulo del filósofo Gustavo Bueno, Camprubí se formó inicialmente en la Universidad de Sevilla, y desde 2014 es investigador en el Instituto Max Planck de Historia de la Ciencia en Berlín, unas credenciales intelectuales que otorgan soporte a su radical revisión historiográfica del régimen franquista.

Formado por capítulos que pueden leerse independientemente, el libro ofrece una historia política del periodo, que se extiende desde los estrechos vínculos entre el Opus Dei y el Consejo Superior de Investigaciones Científicas (CSIC), con el protagonismo inevitable de Miguel Fisac, hasta la hibridación genética del arroz del Guadalquivir, la oceanografía militar en el estrecho de Gibraltar, la promoción de la energía nuclear o las prospecciones geofísicas de los fosfatos del Sahara. Especial atención se presta al Instituto Técnico de la Construcción y del Cemento (ITCC), dirigido por el ingeniero de estructuras Eduardo Torroja, que fue durante los años cincuenta el centro mejor financiado del CSIC, y al que se dedican dos capítulos. Su edificio, apodado Costillares por su estructura exterior, quiso ser un emblema de las posibilidades que ofrecía la construcción científica e industrializada, y tenía como icono un colosal dodecaedro que servía de silo para el carbón de las calderas. Parodiando la simbología masónica, Torroja creó la Negra Orden del Dodecaedro Blanco para defender ‘los más elevados ideales constructivos’ frente al ‘malvado icosaedro’, y Camprubí encuentra en esta anécdota jovial —donde los ingenieros reiteran la convicción de Platón y Kepler sobre el dodecaedro como la forma más cercana a la perfección entre los sólidos regulares— un símbolo del empeño de los técnicos por colocarse «en el centro del Nuevo Estado… para cambiar la faz de España». Aunque se echen de menos episodios tan significativos como los vinculados a las dos empresas del Instituto Nacional de Industria (INI) fundadas por el ingeniero militar José Ortiz Echagüe, el fabricante de automóviles SEAT y la aeronáutica CASA —que por cierto dieron lugar a singulares experiencias arquitectónicas—, el volumen transforma la percepción rutinaria del franquismo, iluminando su dimensión técnica, subrayando las continuidades frente a las rupturas, e invitando a reconsiderar el papel de los expertos y el conocimiento en las sociedades contemporáneas. La Orden del Dodecaedro, a lo que parece, sobrevivió a Torroja, y sigue gobernando nuestro destino colectivo. Luis Fernández-Galiano

ENGINEERS BUILT Franco’s regime. Contradicting the convention that sees Francoism distanced from technology and science, the young historian Lino Camprubí shows to what extent National Catholicism was tied to industrialization and scientific investigation. Military, civil, and agricultural engineers as well as architects transformed Spain’s territories and cities in a process of sustained modernization that had begun before Franco and seamlessly continued thereafter. Originally published by MIT Press, this work explores these matters with the documental rigor and narrative elegance of Anglo-Saxon tradition, as is to be expected given the author’s passage through Cornell, UCLA, and the University of Chicago. Grandson of the philosopher Gustavo Bueno, Camprubí first attended the University of Seville, and since 2014 has been a researcher at the Max Planck Institute for the History of Science in Berlin; credentials which lend support to his revision of the Franco regime. Presenting chapters that can be read independently, the book gives a political history of the period, from the close ties between Opus Dei and the Spanish National Research Council (CSIC) – with the inevitable prominence of Miguel Fisac – to the rice hybridization in the Guadalquivir, the military oceanography of the Strait of Gibraltar, the development of nuclear

energy, or the geophysical search for phosphates in the Sahara. Special attention goes to the Technical Institute for Construction and Cement (ITCC) – directed by the engineer Eduardo Torroja –, which in the 1950s was the CSIC’s best financed center. Its building sought to be an emblem of the potential of scientific and industrialized construction, and had for an icon a huge dodecahedron that served as a silo for the coal of the boilers. Parodying masonic symbology, Torroja created the Black Order of the White Dodecahedron to defend ‘the most lofty constructional ideals’ against ‘the evil icosahedron,’ and Camprubí finds in this playful anecdote a symbol of the determination of engineers to be “at the center of the New State… to change the face of Spain.” Although certain significant episodes are missed, the volume changes the usual perception of Francoism, emphasizing its scientific and technical dimension, highlighting continuities over ruptures, and calling for a new look at the role that experts and knowledge play in contemporary societies. The Order of the Dodecahedron probably outlived Torroja, and continues to govern our collective destiny. Lino Camprubí Los ingenieros de Franco Crítica, Barcelona, 2017 320 páginas; 20,80 euros

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Arquitectos Architects

Desde la sombra a la luz

Promontorio’s Guilty Pleasures El optimismo del filósofo y matemático Gottfried Leibniz al afirmar que «vivimos en el mejor de los mundos posibles» resuena en las páginas de este libro, que recoge una colección de arquitecturas destinadas al placer, el descanso y el ocio desarrolladas por el estudio portugués Promontorio. Hoteles escultóricos en Qatar, villas de ensueño en Croacia, habitaciones entre viñas en Portugal… el catálogo de proyectos seleccionados rezuma armonía, calidez y confort. Sin embargo, como expone Luís Tavares Pereira en el artículo que abre la monografía, desde que Voltaire satirizó la visión positiva del pensador alemán a través del personaje de Cándido, el optimismo está mal visto por la crítica. Quizá por ello, los autores —sintiendo una especie de THE OPTIMISM of Gottfried Leibniz’s “we live in the best of possible worlds” fills this book that offers a selection of architectures devoted to pleasure, rest, and leisure developed by the Portuguese firm Promontorio. Sculptural hotels in Qatar, dream houses in Croatia, accommodations amid vineyards in Portugal... the catalog of projects oozes harmony, well-being, and comfort. Nevertheless, as Luís Tavares Pereira writes in the article with which the monograph begins, optimism has been frowned upon ever since Voltaire satirized the German thinker through the character Candide. Maybe this is why the architects, feeling some guilty pleasure, present their works with the sober elegance of an illustrated encyclopedia. The serif font, abuse of italics, and matte paper result in a re-

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placer culpable— presentan sus obras con la elegancia sobria de una enciclopedia ilustrada. La tipografía con serifa, el abuso de la cursiva o el acabado mate del papel conforman una estética contenida que matiza las extravagancias de los programas publicados. Esta ambivalencia en el diseño editorial caracteriza también la práctica de un equipo, fundado en 1990 por cinco socios, que se ha adaptado con naturalidad a las leyes del mercado sin renunciar por ello a la calidad, y que ha crecido hasta formar una empresa global. El libro supone, por tanto, un valioso esfuerzo de recapitulación pero también una importante contribución a la disciplina, ya que reivindica la necesidad de reaccionar ante la banalización de los edificios dedicados al ocio generada por la explosión de la industria del turismo. A través de la locución latina ex umbra in solem, que acompaña la ilustración de la portada, Promontorio declara su intención de alejarse de una época oscura, provocada por la homogeneización de la cultura, y propone una arquitectura auténtica que tenga valor en sí misma sin caer en modas o caricaturas del patrimonio, así como un diseño consciente que celebre la alegría de vivir y que recupere el esplendor perdido de éste, el mejor de los mundos posibles. Maite Báguena

Arquitectos Architects

Descifrando Nueva York A Manifesto from ODA

Paulo Martins Barata Promontorio, Architecture of Leisure A+A Books, Lisboa, 2018 408 páginas; 44 euros

Unboxing New York, el sugerente título de este libro editado por Actar y ODA, hace referencia a un fenómeno viral de internet que cuenta con millones de seguidores: el unboxing, una tendencia que consiste en grabaciones de usuarios anónimos mientras desenvuelven paquetes y desvelan su contenido. Como si de un de ‘unboxing urbano’ se tratara, los autores buscan desvelar el ‘contenido’ de la ciudad de Nueva York mediante una publicación que es a la vez un ejercicio intelectual, un manual pedagógico y un acto de diseño. Un ejercicio intelectual porque no se trata de una biografía, ni de una mera recopilación de la obra de ODA, si no que estamos ante un volumen que trasciende los límites de la mo-

strained aesthetic that gives nuance to the extravagances of the programs featured. Such ambivalence in the book’s design also describes the team’s practice, set up in 1990 by five partners, which has managed to adapt to market laws without sacrificing quality, and grown into a global company. The book is a recapitulation but also contributes to the field by calling for the need to fight the banalization of leisure-serving buildings that the tourism boom generates. Through the phrase ex umbra in solem, which appears on the cover, the firm states its intention to stay clear of cultural homogenization, and upholds authentic architecture, valuable in itself, avoiding heritage fashions or caricatures, and reviving the splendor of joie de vivre, the best of possible worlds.

‘UNBOXING NEW YORK,’ the suggestive title of this book alludes to a viral Internet phenomenon with millions of followers. In ‘unboxing’ videos anonymous users record how they unpack products and show the contents. In the manner of an ‘urban unboxing,’ here the authors try to unveil New York’s ‘contents’ by means of a publication that is at once an intellectual exercise, a didactic manual, and a design act. An intellectual exercise because it is neither a biography nor a compilation of the work of ODA. The volume goes beyond the boundaries of a monograph and blurs the frontier between theory and construction. It upholds architecture as an act of optimism and desire, pondering on issues such as density, light, and pro-

nografía para desdibujar la frontera entre la teoría y construcción. En él se defiende la arquitectura como un acto de optimismo y de deseo, se reflexiona acerca de cuestiones propias de la arquitectura como la densidad, la luz o la proporción y se abunda en conceptos más pragmáticos como el mercado, la normativa o el marketing. Un manual pedagógico por su condición de hoja de ruta necesaria para trabajar como arquitecto en Nueva York. Una suerte de piedra Rosetta que ayuda a descifrar las claves de un paisaje urbano en continua evolución. Todo ello, a través un lenguaje eficaz y de marcado carácter divulgativo que vertebra los cincuenta textos organizados en cinco capítulos (Living, Zoning, Developing, Marketing y Building). Por último, un acto de diseño por su decidida voluntad formal: desde el cuidado formato de la edición, pasando por la expresividad y abundancia de la documentación gráfica, hasta el extraordinario ensayo fotográfico (obra del madrileño Miguel de Guzmán) en el que se retratan tanto los proyectos de ODA como su contexto urbano. No sabemos si este volumen supondrá el unboxing definitivo de Nueva York, pero sí que nos encontramos ante la publicación de un manual que es a la vez teórico, práctico y plástico. Pablo Canga

Al ritmo de la ciudad

Lynch On Civic Architecture

ODA New York, Maeve Roughton Unboxing New York Actar Publishers, Nueva York, 2018 314 páginas; 37 euros

Esmerado y sustancioso. Así puede describirse el discurso de Civic Ground, donde Patrick Lynch valora el posible papel de la arquitectura en la definición de una ‘base cívica’ esencial para articular la vida urbana. A través de distintos autores, y con un conocimiento exhaustivo de la historia del pensamiento filosófico, Lynch cuestiona el entendimiento del edificio como una escultura autónoma, y desde esta perspectiva, plantea una interrelación estrecha entre el proyecto y su contexto mediante lo que denomina ‘espacialidad rítmica’. Esta noción, que no se reduce al trazado geométrico, se orienta a la materialización de los patrones vitales, culturales y simbólicos subyacentes en la ciudad para establecer una continuidad que permita estructurar sus relaciones y encuen-

portion, and analyzing more pragmatic aspects such as real estate, regulations, and marketing. A didactic manual because it is a roadmap to working as an architect in the city of New York, a sort of Rosetta stone that helps to interpret an everevolving urban landscape. All this in an effective and clear language that organizes fifty texts into five chapters (‘Living,’ ‘Zoning,’ ‘Developing,’ ‘Marketing,’ and ‘Building’). Finally, a design act because of its formal purpose: the edition’s meticulous format, abundant graphic documentation, and an extraordinary photographic essay by Miguel de Guzmán. Who knows if this publication is the ultimate ‘unboxing’ of New York, but it is definitely a theoretical, practical, and aesthetic guide.

THIS BOOK looks at architecture’s role in defining a ‘civic ground’ for urban life. Through different authors, and with vast knowledge of the history of philosophical thought, Patrick Lynch questions the view of buildings as autonomous sculptures, proposing communication between projects and sites through ‘rhythmic spatiality.’ This involves materializing the city’s underlying vital, cultural, and symbolic patterns, to maintain a continuity that enables relationships and encounters to take place. So the book analyzes examples of architecture of a civic nature, in a narrative that connects decorum and classical treatises to works by Serra, Chillida, Moneo, or Siza, and even to the Gaza setttlements and the Calais Jungle. An adaptation of his dissertation,

tros. Así, el libro desgrana con aplomo diferentes ejemplos de esta ‘cualidad cívica’ arquitectónica, en un vasto relato que enhebra el decorum y la tratadística clásica con obras históricas y trabajos de Serra, Chillida, Moneo o Siza, e incluso con los asentamientos de Gaza y ‘la Jungla’ de Calais. El texto, una adaptación de su tesis doctoral, arrastra fragmentos de abrumadora densidad intelectual, así como una profusión de referencias especializadas, pero con todo, logra dibujar un atlas sugerente de las motivaciones tras la refinada producción del estudio que Lynch dirige desde 1997. Y si bien el cierre del libro con sus edificaciones en la londinense Victoria Street se justifica por su condición dual de académico y constructor, suscita también ciertas dudas sobre la pertinencia de añadir a la prolija lista analizada más casos contemporáneos de otros profesionales. Como el autor expone con coherencia, su argumento no es nuevo, pero sí necesario para enfrentar el desapego provocado por los modernos espacios que habitamos. Con su crítica al formalismo, ajena al fervoroso culto actual a la imagen, algunos aventurarán que el inglés avanza por terrenos movedizos; sin embargo, en el fértil campo de labor de lo urbano, el volumen tenaz y minucioso de Lynch demuestra que ya ha hallado suelo firme. Antonio Plaza

Arte y arquitectura

Monograph on Per Kirkeby

Patrick Lynch Civic Ground: Rhythmic… Artifice, Londres, 2017 207 páginas; 28 euros

Las contaminaciones entre el arte y la arquitectura son tan viejas como las dos disciplinas. En un templo griego, en una terma romana o en una catedral gótica, los edificios resultaban inconcebibles sin sus ornamentos, del mismo modo en que las pinturas, los bajorrelieves y las esculturas encontraban su acomodo natural en los edificios. Las vanguardias modernas acabaron con estas relaciones de convivencia, aunque tal cosa no supusiera que el arte se separara de la arquitectura, sino todo lo contrario: las fachadas se libraron de los ornamentos a costa de que la composición arquitectónica se acercara a la composición artística. Tanto en el mundo clásico como en el moderno, siempre ha habido artistas frecuentadores de la arquitectura, bien porque sus capacidades se quieren universales, bien porque la arquitectura

Lynch’s text contains extracts of an overwhelming intellectual density, as well as a profusion of specialized references, yet manages to throw light on the background of the work that Lynch’s practice has produced. That the book ends with his Victoria Street projects can be explained by his being both an academic and a builder, but perhaps more contemporary examples by other professionals could have been included. As the author consistently states, his point is not new, but helps in battling the detachment of modern spaces. Critical of formalism, distanced from the current worship of image, he might be seen by some to be walking on shaky ground. But in the fertile field of things urban, Lynch’s book shows that he has already found firm ground.

CONTAMINATION between art and architecture is as old as both. A Greek temple, a Roman bath, and a Gothic cathedral are unconceivable without ornaments, while paintings, bas-reliefs, and sculptures find their natural place in buildings. Modern avantgardes did away with the coexistence. Not that art broke away from architecture. Facades got rid of ornaments, but architectural composition entered the realm of artistic composition. There have always been artists approaching architecture, whether because they see their talents as being universal or because in their eyes, architecture has a kinship with their artistic concerns. One was Per Kirkeby, the Danish artist who died last year, author of a not very extensive, but certainly exceptional architectural work.

resulta afín sus preocupaciones artísticas. Este último fue el caso de Per Kirkeby, creador danés fallecido el pasado año y autor de una no muy larga pero sí muy singular obra arquitectónica. Nacido en una familia de clase media, Kirkeby se formó como científico, y fue precisamente el admirable orden que encontró en la geología a través de sus estudios y de sus repetidos viajes a Groelandia los que incendiaron su pasión por el arte. Una pasión que materializó en dibujos, collages y fotografías de helada belleza, donde representó los farallones y las quebradas típicas de los paisajes nórdicos, y que fueron la semilla de sus primeras indagaciones arquitectónicas, alimentadas también por el legado clásico y el popular. El resultado fue una serie de piezas inconfundibles —desde esculturas sin peana hasta edificios, pasando por folies—, definidas siempre por la tensión entre la gravedad y el vacío, y que evocan una arquitectura esencial, por despojada y libre de usos, cuya estética Kirkeby hizo depender de un solo material: el ladrillo. Con una estructura convincente, textos rigurosos y una extraordinaria documentación gráfica procedente del archivo de Kirkeby, este libro presenta el rico imaginario creativo de un artista que llegó a pensar y a construir como un arquitecto. Eduardo Prieto Thomas Bo Jensen Per Kirkeby / Architecture Edition Blondal, Copenhague, 2019 312 páginas; 60 euros Born into a middle-class family, Kirkeby studied science but the admirable order he found in geology through studies and trips to Greenland ignited his passion for art; a passion materialized in drawings, collages, and photos of frozen beauty where he depicted the headlands and gorges of Nordic landscapes, and which were the seed of his first architectural inquiries. The result was a series of unmistakable pieces, from sculptures sans pedestals to folies and buildings, always expressing a tension between gravity and void and evoking an essential architecture – stripped and free of uses – whose aesthetic relied on a single material: brick. This book presents a rich creative imagery of an artist who came to think and build like an architect.

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Received Recibidos Received

Iñaki Ábalos Textos críticos Ed. Asimétricas, Madrid, 2018 128 páginas; 15 euros

María Teresa Muñoz Escritos sobre invisibilidad Abada Editores, Madrid, 2018 120 páginas; 12 euros

Christina Cogdell Towards a Living Architecture? U. Minessota P., Minneapolis, 2018 286 páginas; 35 dólares

Phillip Thurtle Biology in the Grid U. Minessota P., Minneapolis, 2018 264 páginas; 28 dólares

Julian Raxworthy Overgrown The MIT Press, Cambridge, 2018 362 páginas; 30 dólares

Edward Eigen On Accident The MIT Press, Cambridge, 2018 224 páginas; 27 dólares

Philip Wilkinson La arquitectura fantasma Blume, Barcelona, 2018 356 páginas; 25 euros

Isabel C. García-Toraño (ed.) Dibujos de Arquitectura... F. Arquia, Barcelona, 2018 484 y 296 pág. (2 vols.), 45 euros

Es raro el perfil del arquitecto que construye con talento y que, con el mismo talento con el que construye, escribe para reflexionar sobre la época y la disciplina. Es el caso de Iñaki Ábalos, cuya labor crítica se ha recogido en un libro que compila once presentaciones, cinco artículos, siete prólogos y seis ensayos escritos desde 1989 para ser publicados en distintos medios, pero también como textos de ocasión en el contexto de una intensa labor docente desarrollada en la ETSAM, la Harvard GSD y otras universidades de prestigio. El lector disfrutará con los rasgos que son característicos de la escritura crítica de Ábalos: la curiosidad fructífera por otras disciplinas, el olfato para detectar los cambios del Zeitgeist, la agudeza para establecer paralelismos insospechados y la generosidad con el trabajo de los compañeros.

Por su propia naturaleza plástica, la arquitectura es un arte eminentemente visual. Más aún en Occidente, merced al influjo, todavía vivo, del modelo ocularcentrista introducido durante el Renacimiento al calor del descubrimiento de la perspectiva. Este breve pero intenso libro María Teresa Muñoz indaga en la condición visual de la arquitectura desde el punto negro de la perspectiva, desde una suerte de inconsciente óptico, partiendo de una pregunta fundamental: ¿cuáles son las características de la arquitectura que, en lugar de mostrarse, se oculta al ojo? ¿Cuántos modos de ocultación arquitectónica son posibles? La respuesta pasa por el examen de seis ejemplos, desde los subterráneos modernos hasta una fachada de Hawksmoor, pasando por los experimentos de mimetismo de György Kepes o los dibujos de Saul Steinberg, entre otros.

La idea de que los edificios son como organismos y que la arquitectura tiene ‘vida’ es muy vieja: estuvo presente en los tratados clásicos, encontró un campo abonado en el Expresionismo neorromántico de principios del siglo XX, y volvió a pegar con fuerza en las década de 1960, obsesionada con la biología. Ahora, el tema ha vuelto a ponerse sobre el tapete, y con fuerza, por influjo de las técnicas de diseño y fabricación digital, que han auspiciado la ‘biomímesis’ y el llamado generative design. Con tino y desenvoltura, este libro indaga en este último fenómeno, analizando un gavilla muy amplia de ejemplos, evaluando su impacto y haciendo una necesaria exégesis del presuntuoso vocabulario empleado en el nuevo campo. La conclusión es que el diseño biológico no es tan científico ni tan sostenible como se quiere presentar.

Las tesis de partida de este denso libro es que la biología tiene una dimensión estética. La tesis derivada consiste en afirmar que nuestra visión de la vida sobre la Tierra está influida por esa dimensión estética, en particular, por la idea de cuadrícula o rejilla que utilizaron con profusión los científicos del siglo XIX y XX. Para demostrar ambas tesis, el profesor Phillip Thurthe ensaya una aproximación amplia, que va desde la ciencia hasta el política y la publicidad, pasando por el arte, y aborda cinco aspectos en sendos capítulos: la forma orgánica, la configuración de las cuadrículas, el problema del orden, el uso de la modulación y las variaciones, y, finalmente, la descripción de entes inasibles como los líquidos. Es una lástima que, pese a la buena escritura, la pobreza de ilustraciones dificulte en ocasiones la comprensión del texto.

Pese a que en España sea muy difícil formarse en la disciplina, el paisajismo no ha dejado de ganar importancia en las escuelas de diseño occidentales, sobre todo en los Estados Unidos, donde el ‘arquitecto del paisaje’ puede llegar a competir de tú a tú con el arquitecto a secas. Overgrown: Practices between Landscape Architecure and Gardening es una denuncia del exceso de ‘arquitecturización’ que está experimentado el diseño del paisaje, y propone la vuelta de la disciplina a (nunca mejor dicho) sus raíces: la jardinería. Para el autor, paisajista en ejercicio, la jardinería es un arte que, en cuanto atañe a las plantas y sus metamorfosis en el tiempo, tiene una esencia menos tectónica que ‘virídica’ (de viridi, verde en latín): una tesis que se desarrolla a través de un estudio de casos y se sintetiza en un manifiesto final.

En esta colección de ensayos, el profesor de Harvard Edward Eigen aborda el paisaje desde una perspectiva histórica, explorando temas de la naturaleza que, por su condición heterodoxa, misteriosa o mágica, apenas se han abordado hasta ahora: los bosques sumergidos, las islas perdidas, los cielos inflamados, las costas inexploradas. Estos temas se sacan a la luz y se explican en su contexto a través de la amplia nómina de autores estudiados, desde astrónomos como Camille Flammarion hasta paisajistas y arquitectos como Frederick L. Olmsted y William W. Slack, pasando por filósofos como Foucault o médicos como Claude Perrault. En resumen: un ameno y por momentos sorprendente viaje a la historia de la naturaleza que se beneficia de la parte más aprovechable de los estudios culturales típicos hoy en los Estados Unidos.

El autor de este libro concebido para ser hojeado, Philip Wilkinson, pertenece a esa clase de escritores profesionales anglosajones de bestsellers que son capaces de abordar cualquier tema: una biografía de Gandhi, una historia de las religiones, un atlas de pesca, un ensayo sobre los gladiadores o, si se tercia, como es el caso que nos ocupa, una libro sobre la ‘arquitectura fantasma’. Que nadie espere, por tanto, encontrarse con un volumen académico que aporte algo nuevo o trate los temas con profundidad. Con todo, este libro, que presenta cincuenta proyectos nunca construidos (Sforzinda, el Cenotafio de Newton, el Panóptico, la Walking City, la Cité Radieuse, la Cúpula sobre Manhattan...) no dejará de resultar atractivo al público general por la adecuada selección de ejemplos, la claridad de los textos y la calidad de las imágenes publicadas.

Lejos de ser un género auxiliar, el dibujo arquitectónico gozó por sí mismo de gran prestigio académico y profesional, toda vez que se consideraba, como se explica en el prólogo de este libro, «la única puerta de entrada a la perfección de las artes industriales en los países avanzados». De ahí la importancia del acervo de dibujos custodiado en la BNE, que se ha ido registrando en catálogos razonados del que este Dibujos de Arquitectura y Ornamentación de la Biblioteca Nacional de España. Siglo XIX, publicado en dos tomos, es el tercero. Se trata de una compilación en la que la reproducción en formato grande o mediano del dibujo se acompaña por un cuidado texto que da razón de él, así como de la necesaria ficha técnica. El volumen está ligado a las exposiciones que sobre este fondo se presentaron en la BNE en 1991, 2009 y 2017.

RARE IS the architect who builds with talent, and who with that talent also writes to reflect on the times and the discipline. Iñaki Ábalos is one, and his critical work has now gone into a book that compiles 11 introductions, 5 articles, 7 forewords, and 6 essays written since 1989 for publication in different media, but also texts produced in the context of an intense teaching career that has seen him at the Madrid School of Architecture, Harvard’s GSD, and other prestigious institutions. The reader will appreciate the author’s curiosity for other fields, radar for Zeitgeist changes, instinct for unsuspected parallelisms, and generosity in regarding the work of colleagues.

ARCHITECTURE is by nature an eminently visual art. More so in the West, thanks to the ocularcentrist model established in the Renaissance, with the discovery of perspective. This short but intense publication looks into the visual character of architecture from the angle of perspective, from a kind of optical unconscious, beginning with a fundamental question: what are the features of architecture that, instead of showing themselves to the eye, hide? How many ways of architectural concealment are possible? The answer is given through examination of six examples, from modern undergrounds to a Hawksmoor facade, passing through Kepes’s mimicry experiments and Steinberg’s drawings.

THE IDEA that buildings are like organisms and that architecture has ‘life’ is very old: it was present in classical treatises, found fertile soil in the neo-romantic Expressionism of the early 20th century, and returned with energy in the 1960s, obsessed with biology. The theme is back on the agenda, again with vigor, owing to the new techniques of digital design and production, which enable ‘biomimetics’ and ‘generative design.’ Cogdell digs into the phenomenon by analyzing a wide range of examples, evaluating its impact, and giving a necessary explanation of the vocabulary used in the new field. Conclusion: biological design is neither as scientific nor as sustainable as it presents itself to be.

THE STARTING thesis of the book is that

ALTHOUGH in Spain it is very difficult to get training in the discipline, landscaping is on the rise in design schools of the West, especially in the United States, where the ‘landscape architect’ can be on an equal standing with the architect tout court. This publication denounces the excessive ‘architecturization’ of landscape design, proposing for the discipline a return to its roots (pun intended): gardening. For the author, a practicing landscape architect, gardening is an art which concerns plants and their metamorphosis over time, so is in essence less tectonic than ‘viridic’ (from viridi, Latin for green): a thesis he develops through a study of cases and synthesizes in a final manifesto.

IN THIS collection of essays, a Harvard professor examines landscape from a historical angle, exploring themes of nature that, being heterodox, mysterious, or magical, have hardly been tackled up to now: sunken forests, unclassifiable islands, inflammable skies, and other phenomena. These themes are brought to light and explained through a variety of authors, from astronomers like Camille Flammario to landscape architects like Frederick L. Olmsted, with philosophers like Foucault along the way. A highly readable and at times surprising journey through the history of nature that benefits from the most useful part of the cultural studies now so widespread in the US.

THE AUTHOR of this book, thought out to be leafed through, belongs to that Anglo-Saxon class of professional writers of bestsellers who are able to tackle any theme whatsoever, whether a biography of Gandhi, a history of religions, an atlas of fishing, an essay on gladiators, or a book about ‘phantom architecture.’ No one should therefore expect an academic work offering something new or delving deep into a topic. Notwithstanding, presenting 50 never-built projects (Sforzinda, Newton’s Cenotaphy, the the Panopticon, the Walking City, the Cité Radieuse, the Dome over Manhattan...), it is attractive to the general public, and clearly written texts and high-quality images help.

FAR FROM being an auxiliary genre, architectural drawing was prestigious in its own right, as much in academe as in the profession. As explained in the foreword to this book, it was seen as the only way to attain the perfection of the industrialized arts in advanced countries. Hence the importance of the treasure of drawings in the custody of the National Library of Spain (BNE). The drawings have been registered in catalogs and this is the third one. Large and mediumsized reproductions of the images are accompanied by carefully written texts and the necessary data. The series is linked to the BNE exhibitions that were presented at the library in 1991, 2009, and 2017.

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the science of biology has an aesthetic dimension. The thesis derived from this is that our view of life on Earth is influenced by that aesthetic dimension, in particular by the idea of grids that scientists of the 19th and 20th centuries used profusely. To prove it, Phillip Thurthe uses a broad approach, touching on everything from politics to art to advertising, and tackles five aspects in as many chapters: organic form, envisioning grids, the problem of order, use of modulation and variations, and describing elusive states of matter like liquid. A pity that, despite the good writing, lack of illustrations sometimes makes the text difficult to understand.

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Verde o tecnocrática Zero-Emissions Architecture

Dossier Consumo Cero

Stefano Boeri Architetti, Il Bosco Verticale © AP/Luca Bruno

RESULTA NATURAL vincular el término ‘sostenible’ con la imagen de lo verde, aunque esta no sea en absoluto una relación inevitable. En cuanto atañe a los vínculos que los edificios establecen con el medioambiente (y evoca a mayores la idea del planeta como una reserva vulnerable que debemos cuidar), lo sostenible suele ilustrarse con construcciones que pueden ser verdes en un sentido metafórico, como aquellas que no derrochan los recursos de su entorno y saben establecer con él una relación de continuidad. Pero los arquitectos, quizá por encontrar explorar un nuevo estilo o bien para comunicar con el público, suelen hacer de lo ‘verde’ una referencia menos metafórica que literal, de suerte que los edificios acaban colonizados de vegetación, como si fueran una especie de estructuras geológicas sobre las que el tiempo hubiera ido depositando plantas para configurar un nuevo paisaje natural. Este sería el caso de los edificios groseramente verdes como los de Kean Yeang y de los sutilmente verdes como IT SEEMS NATURAL to associate the term ‘sustainable’ with the image of greenery, although the connection is not at all inevitable. With regard to the links that buildings establish with the environment (evoking the idea of the planet as a vulnerable reserve to take care of), sustainability is often illustrated with constructions that can be green in a metaphorical sense, such as those that do not waste the resources of their environments and that strike a relationship of continuity with them. But architects, whether to explore a new style or to engage with the public, tend to refer to ‘greenness’ less metaphorically than literally, in such a way that buildings end up colonized by vegetation, like geological structures that time has deposited plants on in order to create a new natural landscape. This is the case of coarsely green buildings like Kean Young’s, and also of the subtly green ones like Stefano Boeri’s Bosco Verticale outside Milan.

el Bosco Verticale de Stefano Boeri a las afueras de Milán. En la arquitectura ‘sostenible’, la imagen de lo verde —cara organicista de la misma moneda ecológica— a veces se opone a la cruz tecnocrática, aunque lo más habitual es que ambas convivan. Así, ‘lo verde’ acaba denotando también la arquitectura que, a través de todo tipo de mecanismos —desde paneles termosolares y fotovoltaicos hasta calderas de cogeneración—, es capaz de no emitir CO2 y de producir más energía de la que

consume; todo ello, claro, de acuerdo a un cómputo que no suele incluir la energía gastada o los gases emitidos en la fabricación, transporte, puesta en servicio y ulterior reciclaje de los materiales y aparatos que componen el presunto edificio ‘verde’. Por estas razones, tanto en su versión organicista de los edificiosplanta como en la tecnocrática de los edificios-máquina, lo sostenible corre el peligro de convertirse en un rasgo diferencial de estilo más o menos explícito, y que se incardina en esa ar-

Baumschlager Eberle, Oficinas en Lustenau, Austria

In ‘sustainable’ architecture, the image of green – the organicist head of the same ecological coin – is sometimes opposed to the technocratic tail, although they usually exist side by side. So it is that ‘green’ ends up denoting architecture that – through mechanisms of all kinds, from solar thermal or photovoltaic panels to cogeneration boilers – is able to not emit carbon dioxide as well as to produce more energy than it consumes; all this

in accordance with a calculation that tends not to include the energy used or the gases released in the manufacture, transport, placing in service, and subsequent recycling of the materials and devices that make up the supposedly ‘green’ building. Thus, both in its organicist version of plant-buildings and in the technocratic one of machine-buildings, sustainability risks becoming a distinguishing feature – more or less ex-

quitectura con etiqueta y especializada que compite por obtener certificados medioambientales. Así las cosas, tal vez resulten más relevantes aquellos proyectos en los que la sostenibilidad no es sólo una imagen de marca, sino una exigencia a la que se da respuesta —como se le supo dar en los mejores edificios de la historia— atendiendo a la energía, pero también a la materia y la forma, e incluso a la ciudad. Un ejemplo paradigmático de esta sostenibilidad escueta, que no hace alarde de su compromiso pero que resulta eficaz, sería el de las oficinas de Baumschlager Eberle en el Tirol austriaco, en las que la sabia combinación de la inercia térmica con la ventilación natural hace que los sistemas mecánicos de producción de energía resulten innecesarios. Parecido es el caso, cada uno a su manera, de los tres edificios que se presentan en detalle a continuación: el Centro Amager de tratamiento de residuos proyectado por BIG; la sede de Norvento de Francisco Mangado; y el centro cívico en Barcelona de Sumo arquitectes. plicit in style – and of becoming part of that specialized, labeled architecture that competes for environmental certificates. Perhaps we should be paying more attention to projects where sustainability is not just a brand image, but a requirement to be met – as in history’s finest buildings – by addressing energy, yes, but also matter and form, and even the city. A paradigmatic example of this straightforward sustainability that is efficient in its commitment to the environment without showing off would be Baumschlager Eberle’s office in Austria’s Tyrol region, where the wise combination of thermal inertia and natural ventilation make mechanical systems of energy production unnecessary. Similar, each in its own way, are the three buildings presented in detail in the following pages: the wastetreatment Amager Resource Center by BIG, the Norvento headquarters by Francisco Mangado, and a civic center in Barcelona by Sumo arquitectes.

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Erigida en uno de los edificios más altos de Copenhague, la planta se encuentra en una antigua zona portuaria e industrial de Copenhague, que en los últimos años ha sido objeto de un plan intensivo de reconversión urbana.

Bjarke Ingels / BIG

Energía lúdica Waste Treatment Plant (Denmark)

Erected as one of Copenhagen’s tallest buildings, the new energy plant is located in an old port and industrial area of Copenhagen which has undergone intensive urban reconversion in the past years.

El Centro Amager propone un modelo inédito en el que se combina el tratamiento de los residuos con el ocio urbano ligado a una pista artificial donde se puede esquiar todo el año. The Amager Resource Center sets a new model in which treatment of wastes is combined with urban leisure amenities linked to an artificial ski slope that stays open throughout the year.

Obra Work: Planta de Tratamiento Amager, Copenhague Amager Resource Center, Copenhagen (Denmark). Arquitectos Architects: BIG / Bjarke Ingels, David Zahle, Jakob Lange (socios responsables partners in charge); Claus Hermansen, Jesper Boye Andersen (jefe de proyecto project leader); Nanna Gyldholm Møller (arquitecto de proyecto project architect). Colaboradores Collaborators: Realities United (anillo de humo smoke ring generator); Moe & Brødsgaard (estructura y energía structure and energy); Dr. Lüchinger+Mayer (fachada facade); Rambøll (maquinaria machines and traffic); Topotek 1/Man Made Land (paisajismo landscape); BIG IDEAS. Fotos Photos: Aldo Amoretti, Alexander Piruli (p. 58).

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Christianborg Parliament (1928) 106 m

City Hall (1905) 105.5 m

Amagerforbrænding WTE Plant (2015) 100 m

St. Nikolaj Church (1829) 90 m

Vor Frelser Church (1752) 89 m

Helligåndskirken Church (1409) 89 m

Carlsberg HQ CPH (1961) 88 m

Radisson SAS Scandinavia Hotel (1973) 86 m

CPH Control Tower (2004) 79 m

Rigshospitalet Hospital (1970) 70 m

Rosenborg Castle (1624) 50 m

Rundetårn Observatory (1643) 42 m

100 m

50 m

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El centro, que sustituye una antigua incineradora como parte de la iniciativa municipal para alcanzar una metrópolis libre de carbono en 2025, cuenta con las instalaciones más eficientes de producción de energía con biomasa.

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1. PROGRAM Without sacrificing efficiency, we were able to organize the volumetric organization of the machinery from tallest to shortest.

2. FUN FACTORY? We propose a new brand of Waste-to-Energy plant, one that is economically, environmentally, and socially profitable.

3. DON’T WASTE IT, USE IT By tracing the silhouette of the machinery from the tallest part of the plant to the shortest...

4. PUBLIC CONNECTION ...and from here back down to the ground we create an efficient envelope for the powerplant that also serves as a 400 linear meters (1312 feet) of ski terrain.

5. FACADE The building is gently wrapped with a continuous facade made out of stacked aluminum bricks.

6. GREEN WALLS The facade bricks function as planters creating an appearance of a green facade; a green mountain with a white mountain top from afar.

7. ISABERG MOUNTAIN SLOPE

8. ALPINE SKIING IN COPENHAGEN

The most popular ski destination for Copenhagers.

Now it is possible to ski all year round.

9. SLOPE ACCESS A giant elevator will take the visitors straight to the roof and from here a black and blue and a green skislope will lead you back to the foot of the elevator.

10. TAKE A WALK IN THE PARK The roof is not only going to function as a ski slope, but like a real mountain with a green forest area, hike trail, and a climbing wall.

11. SMOKE RINGS We propose a simple modification to the smokestack which will allow it to puff smoke rings whenever 1 ton of fossil CO² is released.

12. UNTRADITIONAL LEARNING And rather than having a traditional visitor center, at ARC people will come on their own for skiing or hiking, and will become curious to find out what happens inside the mountain.

Replacing an old incineration plant as part of a municipal plan to achieve a carbon-neutral metropolis by 2025, the facility boasts the most efficient installations for producing energy with biomass.

1 ton

3 kg

266 liters

4 hours

5 hours

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La sección inclinada, que resulta de optimizar la organización por alturas de la maquinaria, se materializa en una rampa a lo largo de la cual los ciudadanos pueden bajar desde el punto más alto esquiando o caminando.

The sloping section, a result of optimizing the organization of the energy plant’s machinery by height, is materialized in a ramp along which people can descend from the highest point, either walking or on skis.

WASTE SORTING PLANT

Light shelves bring daylight deep into interior spaces Rooftop rainwater collection cisterns used for stormwater management and irrigation Shallow floor plates are ideal for daylighting of office spaces

Stack effect allows for natural ventilation of atrium space

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La fachada está formada por un apilamiento de jardineras rectangulares de aluminio que recrean la imagen de una ladera cubierta de vegetación; gracias a su disposición ajedrezada, dejan pasar la luz al espacio interior.

The facade presents a stack of rectangular aluminum window boxes that recreate the picture of a vegetation-patched slope. Because of their checkered arrangement, they let daylight into the interior spaces.

Rooftop water cistern

Facade module integrated with vertical truss (areas with long structural spans)

Facade module integrated with insulation and framing into floor slabs (conditioned spaces)

Integrated irrigation and drainage system

Pista de esquí artificial Artificial ski slope Red de seguridad Safety net

Barrera acolchada Cushioned barrier Césped artificial blanco White astroturf Red de seguridad Safety net barrier

Cubierta desmontable para acceso de grúa y mantenimiento de máquinas Removable roof construction for crane access and machine maintenance

Módulo de fachada prefabricado con aislamiento Prefabricated facade module with insulation Construcción primaria: muros de hormigón y ventanas contra impactos Primary construction: concrete walls with punch windows

Sala de calderas Boiler hall

Conexión entre zona de máquinas y administración por puente de cristal ventilado Ventilated glass bridge connection between administration and plant machine rooms

Unidad de mantenimiento de fachada suspendida en raíl perimetral en cubierta Building maintenance unit suspended from roof perimeter rail

Los huecos en la fachada llenan de luz el espacio del atrio Light shelves bring daylight into the atrium space

Sala de turbinas Turbine hall

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Francisco Mangado

Ingenio ambiental Norvento Headquarters in Lugo (Spain)

El edificio responde a la doble naturaleza del solar en que está ubicado: por un lado, se abre en forma de mano hacia el área de bosque al oeste de la parcela; por otro se cierra hacia el polígono industrial colindante.

The building’s design addresses the double nature of the site: it opens up like a spreadout hand towards the woods on the west, while closing up to the neighboring industrial complex.

La nueva sede de Norvento, grupo dedicado a energías renovables y eficiencia energética, está basada en la idea de lograr la máxima calidad energética y de respetar el medioambiente. The new headquarters of Norvento, a group that specializes in renewable and efficient energy sources, aims to maximize power quality and respect for the environment.

Obra Work: Nueva sede de Norvento Norvento Headquarters in Lugo (Spain). Arquitectos Architects: Francisco Mangado (socio partner); Sergio Helguera, José M. Gastaldo, Luis Alves, Eduardo Javier Ruiz, Ángel Martínez, Paula Juango (arquitectura architecture); Francisco Mangado (dirección de obra site management). Consultores Consultants: IDI Ingenieros (estructuras structures); Norvento Enerxia S.L. (instalaciones, iluminación mechanical engineering, lighting); Ramón Fernández (arquitecto técnico quantity surveyor). Constructor Contactor: Constructora San José; Jofebar Ibérica (carpintería de aluminio aluminum window frame). Superficie Area: 4.020 m². Presupuesto Budget: 8.100.000 €. Fotos Photos: Juan Rodríguez.

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1. vestíbulo principal main hall 2. módulo corporativo corporate module 3. módulo de dirección management module 4. módulo de energía energy module 5. módulo de ingeniería engineering module 6. módulo de tecnología technology module 7. nave tecnológica technological wing 8. aseos restrooms 9. almacén de sistema system warehouse 10. comedor dining hall 11. cocina kitchen 12. terraza terrace 13. archivo principal main archive 14. sala de racks rack space 15. sala de cursos course room 16. limpieza cleaning room 17. vestuarios locker room

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La acción combinada de diferentes fuentes de energía, tales como la aerogeneración, la producción solar y el biodiésel, se suman a la reducción del consumo, con el fin de optimizar la eficiencia del edificio. In combination with substantial reduction in consumption, the simultaneous action of different energy sources – such as wind power, solar power, and biodiesel – is instrumental in optimizing the building’s efficiency.

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canalón de chapa fabricado in situ, e= 2mm revestimiento exterior de piezas modulares de eucalipto blanco falso techo de cartón yeso cubierto con veloglas y pintura al temple dintel HEB 220 marco de madera maciza

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de haya tratada con aceite natural, e= 4 cm muro de bloque de hormigón gris perfil perimetral en L de 160x120x10 mm carpintería perimetral de aluminio anodizado vidrio laminado 3+3 con carpintería de aluminio

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correa metálica 120x80x6 mm chapa ondulada prelacada, e= 0,7 mm, anclada a perfiles omega IPE 240 difusor lineal lacado en blanco, 29x45 mm doble acristalamiento 5+5+10+6

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sheet metal gutter fabricated on site, t= 2 mm exterior cladding of white eucalyptus pieces plasterboard suspended ceiling covered with glass fibers and painted HEB 220 lintel frame of solid beechwood

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block with natural oil surface finish, t= 4 cm gray concrete block wall L-shaped perimeter profile 160x120x10 mm anodized aluminum perimeter carpentry Laminated galss 3+3 mm with aluminum frame metal rafter

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El proyecto emplea pocos materiales, sencillos y locales, como la madera de eucalipto blanco en la fachada; y sus interiores organizados en secciones programáticas destacan por su luz y su apertura a la naturaleza del entorno.

120x80x6 mm color-coated undulating sheet, t= 0.7 mm, anchored to omega steel profiles IPE 240 lacquered in white linear diffuser, 29x45 mm double glazing 5+5+10+6 mm

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The building uses simple and locally sourced materials like the eucalyptus wood of the facade, and in the interiors, organized by program departments, light and contact with nature play key roles.

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Sumo arquitectes

Límite eficiente Civic Center in Barcelona (Spain)

La villa rehabilitada se convierte en el centro neurálgico del conjunto; por su parte, el edificio de seis plantas, orientado al sureste, cuenta con una galería que climatiza de forma pasiva el espacio interior y las circulaciones.

The renovated villa is the nerve center of the complex; as for the sixstory building, which faces southeast, it features a gallery that serves to passively climatize the interior spaces and circulation elements.

El edificio, que cuenta con la certificación LEED Platinum, fomenta la asociación y participación, y recupera el último vestigio de la ciudad jardín del barrio de Farró: la Villa Urània. A LEED Platinum building, the new civic center fosters cooperation and participation and revives Villa Urània, the last existing vestige of the garden city of the Farró neighborhood.

Obra Work: Centro Cívico Villa Urania Civic Center Vil·la Urània, Barcelona. Arquitectos Architects: SUMO Arquitectes SLP + Y.Olmo (Jordi Pagès, Marc Camallonga, Pasqual Bendicho + Yolanda Olmo). Consultores Consultants: Manuel Arguijo y Asociados SL (estructura structure); AIA Instal·lacions Arquitectòniques (instalaciones mechanical engineering); Q estudi (presupuesto budget); Dekra (eficiencia energética energy efficiency); Manel Colominas (paisajismo landscape); Viading (dirección de ejecución execution). Constructor Contractor: UTE Vil·la Urània. Dragados + Sorigué. Presupuesto Budget: 6.886.423 € PEC. Superficie Area: 3.242 m². Fotos Photos: Aitor Estévez.

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Gracias a unos sensores térmicos, la fachada del nuevo edificio, puede cambiar su configuración en función de la época del año, y está construida con materiales de bajo impacto ambiental, renovables y de origen reciclado.

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The facade of the new building, which thanks to thermal sensors can be reconfigured in accordance with the time of year, is made of materials of low environmental impact, recycled and renewable.

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Productos Products

Con su diseño modular y compacto, el nuevo inversor solar de ABB ofrece una capacidad de almacenamiento de energía de hasta 12 kWh, que permite incrementar la autonomía eléctrica de las hogares.

Certificado y con una garantía de doce años, el panel AXIpower 330P72 de Axitec Energy es un módulo fotovoltaico compuesto por 72 células policristalinas de alto rendimiento y con una tolerancia positiva de 0/+5W.

Jinko Solar realiza un control de calidad en cada una de las dieciséis etapas productivas, que da como resultado una gama diversa de productos certificados, desde módulos hasta obleas, pasando por células fotovoltaicas.

Gracias a su sección transversal cilíndrica que hace que la luz incidente se refleje en ángulos variados antes de ser absorbida en las células, los paneles LG Neon 2 Cello Technology son uno de los más potentes del mercado.

With its modular and compact design, the new solar inverter of the company ABB has the capacity to store as much as 12 kWh of energy, increasing the home’s dependence on electricity substantially.

Certified and coming with a 12-year warranty, Axitec Energy’s AXIpower 330P72 panel is a photovoltaic module composed of 72 polycrystalline cells that are high-performance, with a positive tolerance of 0/+5W.

The quality control procedures carried out by Jinko Solar in each of 16 manufacturing stages results in a broad and diverse range of certified products, from ingots and wafers to photovoltaic cells.

Owing to its cylindrical transversal section, which makes light be reflected in different angles before absorption into the cells, the LG Neon 2 Cello Technology panels are among the most potent in the market.

Abb [email protected] www.new.abb.com

Axitec Energy [email protected] www.axitecsolar.com

Jinko Solar [email protected] www.jinkosolar.com

LG Electronics Tlf: +34 912 112 200 www.lg.com

Dotados con la tecnología híbrida HIT, compuesta por obleas de silicio monocristalino y capas ultrafinas de silicio amorfo, los paneles fotovoltaicos de Panasonic alcanzan un muy elevado coeficiente de eficiencia del 19,4 %.

Schneider Electric ha lanzado al mercado PowerLogic ION9000, uno de los medidores de calidad de energía más exactos, con una precisión de clase 0.1s, y con aplicaciones en ahorro energético como en ciberseguridad.

El módulo de 60 células monocristalinas (265-305W) de Sun Tech Power alcanza una eficiencia de conversión de 18,6%, resiste una carga de viento de 3.800 Pa, su potencia lineal es de 25 años y está garantizado durante 12.

Diseño y tecnología se dan la mano en SmartFlower, el primer sistema fotovoltaico ‘todo en uno’ del mundo. De fácil instalación, con sus 18 m2 de paneles solares móviles, es capaz de generar hasta 6.200 kWh al año.

Equipped with the hybrid HIT Technology and made up of monocrystalline silicon wafers, the photovoltaic panels provided by Panasonic Corporation boast a very high efficiency coefficient: 19.4%.

PowerLogic ION9000 has been launched onto the market by Schneider Electric, one of the most highprecision power quality meters available, certified 0.1s and applicable in energy saving and cybersecurity.

Sun Tech Power’s modules of 60 monocrystalline cells (265-305W) have a conversion efficiency of 18.6%, withstand a 3,800 Pa wind load, and are covered by 12-year product and 25-year performance warranties.

Design and technology join hands in SmartFlower, the first all-in-one photovoltaic system in the world. Easy to install, with its 18 m2 of mobile solar panels it can generate as much as 6,200 kWh per year.

Panasonic [email protected] www.eu-solar.panasonic.net

Schneider Electric Tlf: +34 934 843 100 www.schneider-electric.es

Sun Tech Power [email protected] www.sp.suntech-power.com

SmartFlower [email protected] www.smartflowersolar.com

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Paradigmas sostenibles Shades of Environmental Architecture

Eduardo Prieto LA ENERGÍA se ha convertido en uno de los grandes temas de la arquitectura. No sólo porque las legislaciones y normativas sean cada vez más exigentes en lo que toca a los estándares de confort y a la reducción del consumo, sino porque el trato con la energía ha dejado de ser una cuestión de especialistas para convertirse en una exigencia casi moral que atañe tanto a los arquitectos como a todos los ciudadanos. Acelerado en las dos últimas décadas, este proceso ha coincidido con el del nacimiento y auge de un término que los economistas, los sociólogos, los políticos y los tecnócratas invocan como si se tratara casi de una palabra mágica: ‘sostenibilidad’. Se habla de ‘desarrollo sostenible’, de ‘sociedad sostenible’, incluso de ‘cultura sostenible’; y por supuesto se habla ‘ también de ‘arquitectura sostenible’, una expresión que esconde diversos matices, algunos de ellos turbios. Aplicado a un edificio o a una ciudad, ‘sostenible’ es un adjetivo que tiende a englobar la terminología que, ENERGY HAS become one of the big themes of architecture. Not only because laws, directives, and regulations are increasingly demanding in what concerns standards of comfort and reducing consumption, but also because energy has gone from being a matter exclusive to specialists, to taking on a near-moral dimension involving architects and in fact all citizens. Accelerated in the past two decades, this process has coincided with the birth and the heyday (and in the medium term perhaps also the decline and eventual fall) of a term that economists, sociologists, politicians, and technocrats have developed the habit of invoking as if it were some magic word: ‘sustainability.’ We speak of ‘sustainable development,’ ‘sustainable society,’ even ‘sustainable culture’ and whatnots, and of course also of ‘sustainable architecture,’ an expression that conceals several nuances, some of them rather dubious. Applied to a building or a city, ‘sustainable’ is an adjective that tends

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desde mediados del siglo XX, los arquitectos han empleado para describir la relación de las construcciones con el medioambiente. Abarca, para empezar, el vocablo ‘ecológico’, popularizado en la década de 1970 con ocasión de la paranoia producida en Occidente por la primera gran crisis energética. También comprende ‘bioclimático’, término inventado por Victor Olgyay en 1951 para describir la arquitectura que se relaciona adecuadamente con su entorno a través de la orientación, la construcción y el tipo, y que sabe aprender de las soluciones vernáculas. Y, si viajamos más atrás, también engloba calificativos como ‘higiénico’ o ‘solar’, que fue-

ron los preferidos de los adalides del Movimiento Moderno. El paradigma de la sostenibilidad incorpora los anteriores paradigmas (higiénico-solar, bioclimático, ecológico), a la vez que añade matices de calado, que están relacionados con la posibilidad de cuantificar de manera rigurosa la cantidad de energía que consume y gasta un edificio, así como la que queda embebida en sus materiales durante la construcción, la que fluye por él en cuanto espacio metabólico y la que se gasta en mantenimiento a lo largo de su vida útil. Se trata de una ampliación necesaria y potencialmente beneficiosa, pero que, por su condición cuantitativa o

Les Mées (2016) © Andreas Gursky

to encapsulate the terminology that architects have since the mid-20th century used to describe the relationship between constructions and their respective environments. For a start, the word ‘ecological’ was popularized in the 1970s by the paranoia that the first major oil crisis caused in the West. Another is ‘bioclimatic,’ a term invented by the Hungarian architect and city planner Victor Olgyay in 1951 for architecture that adequately addresses its environment through orientation, construction, and type, and which has the wisdom to learn from vernacular solutions and methods. And if we were to go farther back in

time, the glossary also encompasses words like ‘hygienic’ or ‘solar,’ which several of the champions of the Modern Movement preferred to say. So the paradigm of sustainability incorporates previous paradigms (hygienic-solar, bioclimatic, ecological) while adding important nuances connected to our now being able to rigorously quantify the energy that any particular building consumes, and also the energy that gets embedded in its materials during construction, that which flows through it as a metabolical space, and that which is expended in its maintenance in the entire course of its useful life.

casi podríamos decir que ‘contable’, presenta riesgos intrínsecos, en la medida en que pueda hacer del proyecto una especie de cálculo determinista, y en la medida también en que pueda convertirse en una excusa para explotar, sin más, nichos de mercado inéditos. Una excusa, en fin, para hacer negocio con las certificaciones, sellos y marcas emitidos por entidades presuntamente independientes que, como no suelen dar cuenta de aspectos tan esenciales como el tipo, la forma o el modelo urbano, no pueden garantizar a la postre ni la sostenibilidad real de los edificios ni mucho menos aún su calidad funcional o estética. El peligro, por tanto, es que el calificativo ‘sostenible’, y sus equivalentes aún más pretenciosos y mercadotécnicos como ‘consumo cero’ o ‘cero emisiones’, puedan llegar a convertirse en una coartada para justificar arquitecturas que no tienen valor más allá de las prestigiosas y caras certificaciones medioambientales que llegan a ostentar. This all points to a big increase in countability, which is necessary and potentially beneficial, but which, precisely because it is essentially quantitative, presents intrinsic risks, in the sense that it can turn a project into a kind of deterministic calculation, and also become an excuse to exploit and profit from new market niches. An excuse, that is, to make business out of certifications, seals, and stamps issued by supposedly independent entities but which, because they do not explore aspects as essential as type, form, or the city, ultimately are no guarantee of a building’s true sustainability, let alone functional or aesthetic quality. Hence the danger lies in the fact that the label ‘sustainable’ and its even more highfalutin equivalents such as ‘zero consumption’ are liable to become mere alibis to justify architectural works that in truth have no value beyond the prestigious and expensive environmental certifications that they obtain and flaunt.

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