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Vida  y  obra  de  Luis  Angel  Rengifo     Orlando  Martinez  Vesga     Conferencia  para  Almaguer     Diciembre  2  de  2011     Quiero  agradecer  a  la  directora  del  Banco  de  la  República,  Sandra  Rua,  y  a  la   administración  municipal  de  Almaguer,  especialmente  al  señor  alcalde  Milton  Fabian   Hurtado  y  a  Samaida  Gómez,  porque  ellos  hicieron  posible  que  tengamos  este  espacio,   esta  noche,  para  recordar  y  pensar  los  aportes  que  hizo  el  maestro  Luis  Angel  Rengifo   a  la  historia  del  arte  colombiano  y  por  supuesto  a  la  memoria  de  nuestro  país.  Hoy   aquí,  además  quiero  invitarlos  a  pensar  sobre  lo  que  significa  este  gran  artista   colombiano  para  Almaguer,  su  lugar  de  origen.  Digo  recordar  su  obra  porque  el  arte,   de  alguna  manera  funciona  como  un  registro  de  la  memoria  de  su  creador  y  de  su   contexto,  del  lugar  donde  ocurre  el  milagro  de  la  creación,  pero  también  de  los  lugares   que  afectan  al  creador.  Y  digo  pensar  porque  las  buenas  obras  de  arte,  y  el  maestro   Rengifo  nos  legó  muchas  buenas  obras  de  arte,  ahora  lo  vamos  a  ver,  cada  vez  que  las   vemos  se  renuevan,  no  se  gastan,  nos  permiten  cada  vez  que  estamos  frente  a  ellas   volver  a  pensar,  a  recrear  la  memoria,  el  gusto,  los  sentimientos.     En  1964,  Eugenio  Barney  Cabrera,  historiador  del  arte  caucano,  fundamental  para  la   historia  del  arte  colombiano,  escribió  la  presentación  de  una  exposición  de  grabados   del  maestro  Rengifo  que  tuvo  lugar  en  la  Biblioteca  Luis  Angel  Arango,  en  la  ciudad  de   Bogotá.    La  primera  frase  de  ese  texto  dice:    “Cuando  de  grabado  se  habla  en   Colombia  es  necesario  mencionar  los  nombres  de  Alberto  Urdaneta  en  las   últimas  décadas  del  siglo  pasado  y  de  Luis  Angel  Rengifo  en  el  presente”.    Y  yo  he   querido  empezar  esta  conferencia  con  esta  cita  de  Barney  Cabrera  porque  la   comparación  que  hizo,  hace  casi  50  años,  no  ha  perdido  vigencia.    En  su  momento   pudo  sonar  pretencioso  comparar  la  producción  gráfica  de  Rengifo  que  apenas  se   estaba  consolidando,  desde  la  década  de  1950,  con  el  aporte  que  le  hizo  Urdaneta  al   grabado  en  Colombia  como  director  de  ese  gran  proyecto  editorial,  fundamental  para   nuestro  país,  del  papel  periódico  ilustrado,  el  primer  gran  proyecto  editorial  de   Colombia  que  privilegiaba  la  presentación  de  imágenes  grabadas  en  sus  páginas.    Hoy   les  puedo  asegurar  que  apenas  se  le  hizo  justicia  a  Rengifo  al  compararlo  con  un   grande  de  la  segunda  mitad  del  siglo  XIX,  pues  lo  que  Barney  Cabrera  no  podía  saber   en  ese  momento  es  que  sería  Rengifo  el  que  le  daría  a  la  obra  gráfica  en  Colombia,  ese   carácter  contestatario  y  crítico  que  siempre  han  tenido  los  medios  gráficos  en  la   historia  de  la  cultura,  esa  cualidad  especial  para  crear  imágenes  punzantes  que   quedan  marcadas  en  la  memoria  de  la  gente.     Luis  Angel  Rengifo  Muñoz  nació  aquí,  en  Almaguer,  en  el  año  1908.    Sus  primeros  años   los  vivió  en  esta  hermosa  población,  rodeado  del  paisaje  de  montaña  y  de  la  historia   que  ostenta  esta  tierra.  Su  lugar  de  procedencia  es  importante  porque  nos  da  pistas   para  ver  en  su  obra  su  gusto  por  el  paisaje,  su  interés  por  la  religión,  su  atracción  por  

los  valores  históricos  de  Colombia,  por  estudiar  el  arte  precolombino  y  también  por   indagar  en  la  recreación  de  la  memoria  del  proceso  de  independencia.    Crecer  en  un   lugar  como  este  es  fundamental  para  la  experiencia  del  artista.    Muchos  artistas   importantes  de  nuestro  país  nacieron  en  provincia:    Edgar  Negret,  en  Popayán,   Eduardo  Ramirez  Villamizar,  en  Pamplona,  norte  de  Santander,  Beatríz  González,  en   Bucaramanga,    Esa  experiencia  de  la  vida  de  la  provincia,  apartada  del  centro  y  de  las   ciudades  grandes  es  propicia  para  la  creación.  Nos  demuestra  que  la  creación  no  le   pertenece  al  centro,  que  la  sensibilidad  también  se  forma  en  el  campo,  que  los   sentimientos  no  tienen  distingo  de  clase  ni  de  educación.     Luis  Ángel  Rengifo  es  grande  en  la  historia  del  Arte  Colombiano  por  dos  razones   principales.  La  primera  por  supuesto  es  por  su  obra  –amplia  y  rica-­‐:  cientos  de   grabados,  dibujos,  pinturas  de  caballete  y  pinturas  murales.    La  segunda  es  por  su   labor  como  profesor  de  grabado,  en  la  Escuela  de  Bellas  Artes  de  la  Universidad   Nacional  de  Colombia,  en  Bogotá.  Las  dos  razones  se  encuentran  además  relacionadas,   tejidas,  pues  solo  podían  ser  posibles  en  un  artista  que  estuvo  interesado  toda  su  vida   en  la  exploración  técnica  y  temática.  Sin  duda  el  éxito  del  maestro,  -­‐profesor-­‐  al  frente   de  la  cátedra  de  grabado  en  la  universidad  nacional  debió  estar  directamente   relacionada  con  su  espíritu  investigativo,  -­‐de  maestro  creador-­‐  que  además  le   permitió  incursionar  en  diversas  técnicas  gráficas  y  dar  riqueza  a  su  propia   producción  plástica.       La  obra  de  Luis  Angel  Rengifo  es  muy  extensa  y  mal  haría  yo  en  intentar  resumir  su   producción  en  esta  presentación.    Por  eso  he  preferido  seleccionar  algunos  trabajos   puntuales  que  nos  permitan  dar  una  mirada  a  distintos  momentos  de  su  producción   plástica  y  distintas  facetas  que  nos  den  la  oportunidad  de  indagar  en  sus  gustos,  sus   temas,  los  problemas  que  se  propuso  tratar  por  medio  de  su  obra  gráfica  y  pictórica…   y  además,  para  poder  sostener  mis  premisas  sobre  el  valor  que  he  dicho  que  tiene  su   trabajo  para  el  arte  colombiano,  he  decidido  hacer  énfasis  en  la  presentación  de  dos   grupos  de  obras  que  considero  fundamentales  en  su  producción:    la  serie  de  grabados   sobre  la  violencia,  de  la  cual  voy  a  comentar  7  piezas  y  5  piezas  más  (también   grabados)  escogidas  de  las  muchas  imágenes  en  las  que  el  artista  recreo  las   costumbres  de  la  gente,  o  abordó  asuntos  de  carácter  social.    La  razón  para  escoger   estos  dos  grupos  de  piezas  claro  que  tiene  que  ver  con  mi  propio  gusto  como  grabador   y  dibujante,  pero  además  se  basa  en  el  hecho  de  que  es  en  estos  dos  campos  de  su   producción,  en  las  que  siento,  como  historiador,  que  su  aporte  llegó  a  los  mejores   niveles.  En  estas  obras  Rengifo  nos  deja  constancia  de  su  formación,  entre  México  y   Colombia  y  también  de  su  consciencia  sobre  la  época  que  le  tocó  vivir.     Lo  bueno  de  estudiar  la  obra  de  un  gran  artista  es  que  lo  va  llevando  a  uno  por  un   laberinto  de  referencias  y  personas  grandes  también.    Y  la  obra  de  Rengifo  no  es  la   excepción…  cómo  no  recordar  a  Goya,  el  pintor  español  que  nos  dejó  un  legado  de   grabados  que  expresan  toda  la  fuerza  de  la  creación  y  los  misterios  del  espíritu…  o  a   Picasso,  quien  en  el  siglo  XX  puso  en  la  pintura  el  luto  y  el  dolor  de  la  guerra…  o  el   muralismo  mexicano  y  toda  esa  carga  social  y  política  que  se  tradujo  en  discursos   visuales,  a  los  cuales  Rengifo  tuvo  acceso  mientras  se  formo  en  México  a  finales  de  la  

década  de  1940.  Precisamente,  para  comenzar  el  recorrido  por  algunos  aspectos  de  la   obra  del  maestro  Rengifo  quiero  referirme  primero  a  su  etapa  de  formación  en   México,  porque  creo  que  es  a  partir  de  esta  experiencia  que  se  reafirman  sus  intereses   temáticos  y  se  consolidan  sus  búsquedas  plásticas.  En  el  arte  mexicano  de  la  primera   mitad  del  siglo  XX  podemos  encontrar  referencias  valiosas  para  ver  también  la  obra   de  Rengifo:    especialmente  el  interés  por  desarrollar  una  temática  de  corte  social  y  por   buscar  los  medios  de  que  el  arte  llegue  al  pueblo.  En  obras  como  “limosna”,  Rengifo   nos  deja  testimonio  de  su  sensibilidad  hacia  las  necesidades  de  su  gente…  de  su   mirada  atenta  a  su  entorno  y  su  consciencia  de  las  dificultades.  Además,  este   personaje  es  muy  cercano  a  las  figuras  de  Diego  Rivera,  el  gran  muralista  mexicano  y   esta  cercanía  no  se  refiere  solo  a  la  apariencia  física  de  la  mujer  sino  a  esa  intención   que  se  mantiene  en  la  obra  de  los  dos  artistas  de  rendir  un  homenaje  a  su  propia   gente.  Rengifo  también  hizo  murales  pero  creo  que  su  intención  de  hacer  popular  su   trabajo,  de  hacerlo  llegar  al  público,  la  podemos  encontrar  decididamente  en  su   elección  de  la  gráfica,  de  las  técnicas  de  grabado  como  el  vehículo  de  su  producción   plástica.  Este  también  había  sido  uno  los  intereses  de  los  artistas  mexicanos   contemporáneos  a  Rengifo  que  heredaron  la  tradición  del  gran  grabador  mexicano   José  Guadalupe  posada:    las  técnicas  gráficas,  el  interés  en  lo  popular,  los  temas   relacionados  con  la  violencia,  la  muerte,  los  campesinos,  es  justo  lo  que  vamos  a   encontrar  más  adelante  en  esta  presentación.     Desde  el  comienzo  de  su  obra  podemos  identificar  dos  vías  distintas  en  la  solución   formal  de  los  temas  que  escoge  el  maestro  Rengifo.    Uno,  como  hemos  visto  en  la  obra   anterior,  en  el  que  la  realidad  se  retrata  como  un  episodio,  y  sentimos  incluso  el   estudio  a  partir  de  los  referentes  de  la  naturaleza.    El  otro,  como  lo  vemos  ahora,  en   este  grabado  del  año  1965,  en  el  cual  la  figura  se  estiliza  y  se  simplifica.  La  síntesis  de   la  imagen,  es  decir  el  hecho  de  tomar  partido  por  unos  rasgos  precisos  de  la  figura,   acentuando  algunas  líneas  y  eliminando  los  detalles  que  distraen  la  atención,  hacen   que  la  imagen  se  vuelva  mucho  más  expresiva,  más  fuerte,  que  su  carácter  se  acentúe.     Rengifo  conoce  estas  dos  maneras  de  resolver  sus  temas  y  los  mantiene  a  lo  largo  de   toda  su  producción.    Incluso  es  preciso  decir  que  ese  interés  en  la  síntesis  también   puede  haber  sido  aprendido  del  muralismo  mexicano,  si  bien  en  Rengifo  tiene   desarrollos  peculiares  que  estudiaremos  más  adelante.           Entre  los  estudios  de  la  realidad  ocupa  un  lugar  destacado  el  paisaje…  un  tema  que  me   es  especialmente  querido.    Descubrir  en  la  obra  de  Rengifo  el  paisaje  fue  una  de  las   primeras  sorpresas  que  me  llevé  cuando  empecé  a  preparar  esta  conferencia  y  es  que   yo  que  he  hecho  paisaje  muchas  veces  no  era  consciente  de  que  este  también  fue  uno   de  los  intereses  constantes  del  maestro.  Y    es  apenas  lógico  que  sea  de  esa  manera…   pues  de  entrada  este  lugar,  Almaguer,  en  esencia  es  paisaje…  cuando  uno  ha  vivido  en   la  provincia  y  ha  tenido  la  experiencia  de  experimentar  el  olor  del  campo  en  la   mañana  y  las  variaciones  de  la  luz  en  los  distintos  momentos  del  día,  y  el  color  de  la   tierra  y  el  sabor  de  las  frutas  que  produce  suelo  que  uno  ha  recorrido  y  ha  sentido…   les  aseguro  que  el  paisaje  tiene  un  sentido  distinto…  hacerlo,  pintarlo  tiene  el  sentido   de  ser  un  homenaje,  de  recrear  los  recuerdos.    El  paisaje  no  se  pinta  o  se  dibuja…  se   habita…  pues  cuando  el  pintor  o  el  grabador  construye  el  paisaje  lo  que  hace  es  dar  

forma  a  su  sentimiento,  a  lo  que  le  produce  el  territorio,  rendirle  homenaje  a  la  gente..   al  campo,  a  la  cosecha,  a  la  naturaleza     Rengifo  hizo  paisaje  en  muchas  técnicas  distintas…  luego  vamos  a  ver  que  lo   encontramos  en  el  grabado…  como  el  escenario  donde  ocurre  la  masacre…  o  en  los   murales  y  los  dibujos…  como  el  símbolo  de  un  lugar…  yo  he  escogido  para  referirme  al   paisaje  dos  acuarelas…  porque  la  técnica  misma  nos  dice  mucho  del  pintor  diestro  que   fue  el  maestro…  la  técnica  de  la  acuarela  es  implacable…  se  hace  sobre  papel  y   usualmente  solo  tienen  éxito  en  ella  quienes  han  dedicado  una  vida  a  estudiarla  y  a   practicar  el  oficio…  se  requiere  ser  un  gran  dibujante  para  ser  buen  acuarelista…  es   una  técnica  inmediata…  honesta,  limpia,  directa.    Ideal  para  expresar  los   sentimientos…  porque  con  la  acuarela  no  se  puede  decir  mentiras…  no  se  puede   borrar  ni  corregir…  y  justo  esta  primera  acuarela  que  quiero  mostrarles  es  eso…  una   declaración  de  sentimientos  del  autor  a  su  esposa…  la  obra  está  dedicada  la  señora   Carmen  Tulia  con  la  frase  “con  todo  mi  amor”…  que  bello  es  el  color  de  esta  obra,   pintada  en  Bogotá  en  el  año  1971…  paisaje  pero  al  tiempo  homenaje  a  la  belleza…   ofrenda  de  flores  para  el  ser  querido…  es  estremecedor  fisgar  en  la  memoria  de  una   obra  y  descubrir  que  el  artista  consignó  en  ella  todo  el  afecto  que  sintió  por  su  ser   amado.    La  composición  es  frontal  y  estable…  la  pincelada  segura,  el  control  y  el   equilibrio  de  la  imagen  es  magistral  y  además  no  es  una  imagen  estática  o  aburrida…   en  cambio  es  rica  en  color  y  en  formas…  nos  demuestra  que  de  un  tema  simple  un   maestro  puede  lograr  un  resultado  profundo  y  conmovedor…  la  libertad  de  la  escala   que  superpone  el  motivo  floral  en  un  primer  plano  contrasta  con  la  profundidad  de  la   imagen  lograda  mediante  la  transparencia  limpia  de  los  colores  en  el  horizonte       La  segunda  imagen  de  paisaje  que  quiero  comentar,  también  es  acuarela…  es  más   respetuosa  con  las  escalas  de  la  naturaleza  representada…  el  elemento  que  destaca  en   este  caso  es  un  tronco  de  árbol,  muchas  veces  este  fue  un  tema  de  los  dibujos  y  las   pinturas  del  maestro,  cuyo  tamaño  se  nos  sugiere  gigante  pues  el  encuadre  del  motivo   deja  por  fuera  buena  parte  de  las  ramas.    También  aquí  el  color  es  brillante  y   transparente…  lo  que  le  da  a  la  obra  un  carácter  limpio  y  profundo…  la  mancha  es   cortante  en  algunos  lugares  y  en  otros  se  integran  los  colores  con  lo  cual  se  consigue   una  riqueza  técnica  notable.    En  los  dos  casos  sentimos  que  las  formas  de  la  naturaleza   están  bien  dibujadas  y  que  se  consigue  la  magia  necesaria  para  sugerir  la  atmósfera   del  paisaje  pero  además  lo  que  está  de  por  medio  es  la  libertad…  la  libertad  que  solo   se  logra  con  la  experiencia,  fruto  de  la  constancia  y  el  trabajo.       Podría  seguir  e  incluso  dedicar  buena  parte  de  esta  charla  al  asunto  del  paisaje,  pero   aquí  lo  que  he  planteado  es  la  necesidad  de  hacer  un  recorrido  por  distintas  facetas   del  trabajo  del  artista…  de  todas  maneras  luego  veremos  que  el  paisaje  también  hace   parte  de  la  propuesta  gráfica  de  Rengifo  sobre  la  violencia,  e  incluso  en  ese  momento   podremos  hacer  otras  lecturas  de  este  aspecto  de  su  obra.    Para  seguir  quiero   referirme  ahora  al  tema  del  retrato…  y  de  paso  es  el  momento  para  decir  que  las  obras   que  estoy  comentando  se  refieren    a  los  géneros  de  la  pintura…  es  decir  esos  campos   temáticos  que  tienen  una  larga  tradición  en  la  historia  del  arte  desde  el  renacimiento:   el  retrato,  el  paisaje,  la  representación  de  objetos,  los  cuadros  de  costumbres…  

Rengifo  por  supuesto  no  se  inventó  estos  géneros  pero  sí  los  pensó  desde  su  propia   experiencia  como  creador…  y  me  refiero  a  que  cuando  pintó  el  paisaje  lo  hizo  con  los   referentes  locales…  del  tema  y  también  de  la  luz  brillante  de  nuestro  país…  o  cuando   abordó  el  genero  del  retrato,  se  interesó  en  personajes  que  seguramente  conoció…   nos  dejó  testimonio,  registro  de  su  identidad  o  reconstruyó  la  identidad  de  algunos   personajes  de  nuestra  historia…  ambos  casos  son  otra  vez  exigentes,  para  cualquier   artista…  y  quiero  explicar  un  poco  por  qué  antes  comentar  el  retrato  que  he   escogido…  el  retrato  muchas  veces  se  hace  por  encargo..  y  eso  supone  un   compromiso…  que  el  artista  ceda  y  se  ponga  un  poco  en  las  manos  del  cliente…  que   siempre  se  quiere  ver  mejorado…  hacer  un  retrato  es  una  lucha  con  uno  mismo   técnicamente  hablando  porque  la  conquista  del  parecido  es  un  reto…y  además  una   obligación…  (solo  hay  retrato  cuando  está  presente  la  identidad)…  pero  además  los   artistas  siempre  luchamos  con  la  consecución  de  una  obra…  que  no  necesariamente   está  para  nosotros  subordinada  a  la  identidad…  en  cambio  buscamos  una  esencia…  la   presencia  más  que  el  parecido…  el  espíritu  más  que  la  apariencia.     Como  les  decía,  algunas  de    estas  imágenes  se  refieren  a  temas  históricos.    Rengifo   recreo  algunos  retratos  de  personajes  de  nuestra  historia  y  también  estudió  por   medio  de  la  copia  algunas  escenas  bíblicas.  Esta  clase  de  pintura  es  un  poco  difícil  de   ver  y  de  juzgar..  pues  no  tenemos  referentes  que  nos  sirvan  de  puntos  de   comparación.    Antes  mencioné  que  el  retrato  es  un  género  de  la  pintura  en  el  cual  la   identidad  del  retratado  es  fundamental  para  valorar  la  obra.  Cuando  se  trata  de   recreaciones,  es  decir  cuando  el  retratado  es  un  personaje  histórico  del  cual  no   tenemos  registros  entonces  se  deben  considerar  otros  aspectos  tales  como  el  carácter   del  personaje,  (el  que  haya  logrado  infundirle  el  pintor),  las  cualidades  plásticas  de  la   pintura  (es  decir  el  manejo  de  la  luz,  el  color,  el  dibujo,  la  composición)…  incluso   cuando  es  inventado  –y  tal  vez  más  en  este  caso-­‐  el  retrato  es  un  ejercicio  exigente  que   se  relaciona  con  el  reto  de  hacer  surgir    sobre  la  superficie  del  cuadro  una  presencia   que  trascienda  la  apariencia,  de  hacer  sentir  que  podemos  hablar  con  el  retratado…  o   cuando  menos  escuchar  los  susurros  de  su  corazón.       De  otra  parte,  la  segunda  de  estas  imágenes  es  la  dedicada  al  retrato  de  la  reverenda   madre  Hildegardis  Frey….  fundadora  de  la  escuela  normal  superior  Santa  Clara,  …  he   escogido  este  retrato  porque  es  un  magnífico  ejemplo  del  dominio  que  el  maestro   Rengifo  tenía  de  este  género  y  también  porque  ustedes  lo  tienen  aquí  en  Almaguer  y   pueden  tener  la  experiencia  de  contemplar  en  él  la  técnica  pictórica  del  maestro.   Siempre  la  obra  original  tiene  más  que  decirnos  que  la  reproducción  y  por  eso  aquí   cabe  una  invitación  para  que  cada  vez  que  puedan  acudan  a  contemplar  los  murales   de  la  casa  cural,  los  cuadros  del  colegio  y  los  que  son  propiedad  de  la  alcaldía   municipal…  siempre  en  ellos  encontraran  el  valor  de  ver  la  fuente  primaria,  el   verdadero  legado  del  artista,  aquello  que  solo  se  puede  decir  con  la  pintura  misma  y   que  aunque  yo  haya  estado  pensado  estos  meses  como  contárselo  solo  frente  a  las   obras  mismas  se  puede  sentir…  el  sentido  ultimo  del  arte  es  el  sinsentido  de   contemplar  con  paciencia  la  imagen  y  permitir  que  nuestro  espíritu  sienta  que  nuestra   sensibilidad  entra  en  comunión  con  la  obra.      

Con  respecto  al  retrato  de  la  hermana  me  atrajo  el  hecho  de  que  en  él  se  contemplan   detrás  de  la  religiosa  dos  escenas  que  sirven  como  anclajes  contextuales  de  la  obra.     Realizado  en  Bogotá,  en  el  año  1951,  se  trata  de  un  regalo  al  colegio  (convento?).  De   acuerdo  con  la  inscripción  que  se  encuentra  al  dorso  de  la  pintura  se  registran  varios   miembros  de  la  familia  Rengifo  como  los  donantes  del  cuadro,  incluyendo  al  propio   maestro  y  a  su  esposa.    En  el  fondo  a  la  izquierda  se  aprecia  un  cuadro  que  representa   una  panorámica  de  Almaguer  y  a  la  derecha  una  ventana  abierta  deja  contemplar  un   aspecto  de  un  patio  del  colegio.  Sobre  el  alfeizar  de  la  ventana  una  rosa  completa  la   escena  en  homenaje  a  la  religiosa.    No  queda  ninguna  duda  que  se  trata  de  un  regalo,   de  un  tributo  a  una  vida  de  servicio  a  la  comunidad,  de  un  reconocimiento  merecido   hecho  legado  para  la  memoria  del  colegio  y  del  municipio.         Este  retrato  me  llama  la  atención  en  particular  porque  en  el  podemos  apreciar  lo   perceptivo  que  era  el  maestro  con  respecto  a  la  historia.    Aquí  está  la  consciencia  de   construir  una  imagen  icónica  para  la  memoria  de  Almaguer,  que  funciona  además   como  un  tributo  al  personaje  retratado…  y  que  ha  sido  ejecutado  dentro  de  la   tradición  misma  del  género  del  retrato  que  se  ha  desarrollado  desde  el  renacimiento   según  la  cual  en  el  fondo  del  personaje  retratado  se  incluyen  escenas  que  permiten   completar  la  lectura    de  la  obra.    Rengifo  conoce  la  historia  del  arte  y  la  apropia  para   resolver  un  tema  local  que  también  es  de  su  conocimiento.    El  carácter  fuerte  de  la   figura  se  sobrepone  a  las  referencias  locales  del  fondo  y  sin  embargo  la  atención  no  se   dispersa.    Se  trata  de  un  juego  con  el  equilibrio…  el  reto  de  compensar  la  presencia  de   la  religiosa  sobre  su  contexto  local.     Ahora,  para  ir  entrando  en  materia  con  respecto  a  lo  que  quiero  desarrollar  esta  noche   sobre  la  obra  gráfica  de  Rengifo,  quiero  referirme  a  dos  obras  que  son  muy  especiales   en  la  historia  de  este  artista…  y  también  para  la  historia  del  arte  colombiano…  la   primera  se  llama  “hambre”.  Es  un  monotipo,  creado  en  1958,  con  el  cual  Rengifo  ganó   el  primer  premio  en  grabado  en  el  salón  nacional  de  artistas.    El  salón  nacional  de   artistas  es  una  exposición  de  artistas  colombianos  que  se  hace  en  el  país  desde  el  año   1940.    Más  o  menos  cada  2  años.    El  de  1958  fue  la  versión  número  11  de  este  evento.     Tal  vez,  en  los  últimos  años  esta  exposición  ha  tomado  un  enfoque  más  hacia  el  arte   joven  pero  desde  sus  inicios  y  hasta  la  década  de  1990  fue  el  certamen  fundamental   para  ver  a  los  artistas  consagrados  de  nuestro  país…  casi  podemos  decir  que  es  la   exposición  que  recoge  la  memoria  del  desarrollo  del  arte  moderno  en  Colombia.    Para   nuestro  caso,  es  importante  que  Rengifo  haya  ganado  el  premio  de  1958  en  grabado…   pero  además  es  importante  el  hecho  de  que  fuera  justo  ese  el  año  en  que  dicho  premio   se  entregó  por  primera  vez,  en  esta  categoría,  pues  desde  que  había  comenzado  el   salón  se  entregaban  premios  en  pintura  y  en  escultura  pero  no  en  grabado  o  en  dibujo,   ya  que  las  artes  gráficas  se  consideraban  artes  menores…  el  hecho  de  que  Rengifo   ganara  el  primer  premio  de  grabado  que  se  entregó  a  un  artista  colombiano  es   importante  porque  nos  sugiere  su  lugar  en  las  historia  de  las  artes  gráficas  en   Colombia,  nos  reafirma  que  fue  él  quien  revitalizó  estas  técnicas  y  dedicó  su  vida  a  su   divulgación  y  su  exploración  personal.    

El  premio  es  por  supuesto  un  reconocimiento  merecido.      El  monotipo  es  una  técnica   espontánea…  el  artista  trabaja  sobre  una  superficie  plana,  que  puede  ser  un  vidrio  o   una  lámina  de  metal…  se  puede  decir  que  pinta  sobre  ella  para  crear  la  imagen  con   una  materia  grasa…  y  después  simplemente  pone  sobre  lo  que  ha  pintado  una  hoja  de   papel  y  la  frota  para  hacer  traspasar  la  imagen,  para  copiarla  sobre  el  papel…  Es  un   procedimiento  fresco  y  expresivo  acorde  con  las  búsquedas  de  Rengifo.    Estas  son   precisamente  las  virtudes  de  esta  obra  que  hoy  se  encuentra  en  la  colección  del  museo   nacional  de  Colombia,  en  Bogotá.  En  un  primer  plano  una  perra  busca  entre  la  basura   algo  para  comer…  el  animal  se  estira  para  pararse  en  el  borde  de  una  caneca  y  mete  el   hocico    en  busca  de  alimento,  las  tetas  prominentes  acentúan  el  esfuerzo  y  el  contraste   que  produce  la  contraluz  hace  más  dramática  la  escena…  al  fondo  unos  edificios   completan  la  referencia  urbana…  se  trata  de  una  lectura  de  la  ciudad…  es  el  hambre  de   una  perra  pero  puede  ser  el  hambre  también  de  un  mendigo…  el  título  de  la  estampa   escrito  con  lápiz  en  la  parte  inferior    “hambre”  no  permite  divagar  sobre  el  sentido  de   la  obra…  Rengifo  ha  construido  una  imagen  cruda  en  la  que  se  acentúa  cada  rasgo,   cada  componente  para  enfatizar  la  idea  crítica  que  hay  detrás…  más  adelante  veremos   que  el  artista  se  vale  de  este  juego  de  acentuar  lo  desagradable  para  tener  efectos  más   contundentes  con  lo  que  quiere  decir…  especialmente  porque  estos  son  temas  que  no   se  deben  disfrazar,  que  no  se  pueden  decir  de  manera  bonita…  Rengifo  hace  grotesco   lo  feo…  lo  hace  insoportablemente  desagradable  y  con  ello  raya  el  límite  del  mal  gusto   para  mover  el  piso  del  observador,  para  hacerlo  naufragar  en  un  mar  de   incertidumbres.       La  segunda  obra  se  llama  “el  1  de  mayo”.    Esta  fecha  que  tradicionalmente  convoca  en   muchos  países  del  mundo,  incluido  el  nuestro,  jornadas  de  celebración  pero  al  tiempo   de  protesta,  de  hacer  memoria  sobre  luchas  de  los  trabajadores,  es  el  punto  de  partida   para  crear  una  imagen  en  la  que  se  presentan  con  una  perspectiva  acentuada,  las   marchas  de  trabajadores  que  sostienen  pancartas  exigiendo  justicia  social.    Existen   dos  versiones  de  la  obra…  la  que  estamos  viendo  es  una  xilografía,  o  sea  un  grabado   en  madera,  les  estoy  mostrando  la  misma  plancha  invertida  para  que  traten  de   hacerse  una  idea  de  cómo  se  vería  la  imagen  estampada  pues  no  conozco  copias  de   esta  obra,  sobre  papel…  (la  plancha  original  se  conserva  actualmente  en  el  museo   nacional  de  Colombia),  el  grabado  tiene  la  particularidad  que  cuando  la  matriz  de  la   imagen  se  estampa  la  composición  se  invierte,  tal  como  le  ocurre  a  nuestro  propia   imagen  cuando  nos  miramos  al  espejo.  Los  grabadores  experimentados  conocen  esta   peculiaridad  de  la  técnica  y  la  mayoría  de  las  veces  corrigen  el  sentido  de  los  textos   para  que  no  queden  al  revés  una  vez  estampados.    Sin  embargo,  a  pesar  de  que   Rengifo  ya  era  este  momento  un  grabador  diestro  pasó  por  alto  que  el  punto  de  vista   desde  la  parte  posterior  de  la  pancarta  que  sostienen  los  personajes  del  primer  plano   ya  implicaba  ver  el  texto  en  sentido  inverso  y  al  hacer  el  dibujo  al  revés  como  solemos   hacerlo  los  grabadores  el  resultado  fue  que  apareció  un  error  en  la  disposición  del   mensaje  escrito  de  la  pancarta,  pues  parece  como  si  hubiera  sido  pensada  para  leerla   desde  atrás  y  no  este  el  frente  a  donde  avanzan  los  dos  hombres  que  la  sostienen.     Este  problema  es  significativo  porque  se  trata  de  un  mensaje  político,  de  protesta  que   debe  ser  claro  y  no  caer  en  trampas  visuales  que  distraigan  la  intención  de  la  obra.    

Tanto  es  así  que  existe  otra  versión  de  la  misma  obra  en  la  que  el  maestro  ha  hecho  los   ajustes  necesarios  en  el  dibujo  para  que  el  mensaje  sea  directo  y  diáfano.  El  nombre,  el   texto  y  la  composición  son  similares.  La  técnica  aunque  es  cercana  varía  pues  esta  vez   se  trata  de  un  grabado  en  linóleo,  un  material  de  caucho  que  se  talla  usando  gubias   como  en  el  caso  de  la  madera.    Quisiera  llamar  la  atención  de  ustedes  sobre  esta   imagen  para  pensar  cuan  parecida  resulta  esta  realidad  a  la  que  hemos  vivido  hace   apenas  unos  días  mientras  ocurrían  en  el  país  marchas  de  protesta  contra  la  ley  de   educación  superior.  De  manera  sorprendente    la  situación  social  que  registra  y   denuncia  esta  imagen  sigue  ocurriendo  en  Colombia…  como  siguen  ocurriendo  las   injusticias  producto  del  conflicto  armado  que  vamos  a  ver  ahora  en  los  grabado  de  la   serie  dedicada  a  la  violencia.    En  este  caso  hay  que  destacar  la  visión  de  Rengifo  para   construir  una  imagen  que  no  pierde  validez,  como  un  símbolo  perenne  que  se  basa  en   una  realidad  inmediata  pero  que  se  ha  sintetizado  plásticamente  para  hacerla  más   efectiva  y  a  la  vez  vigente  en  el  tiempo.    Y  además  es  preciso  resaltar  la  consciencia   meticulosa  del  artista  que  depura  la  imagen  hasta  lograr  con  precisión  lo  que  se   propone.         Una  de  las  dificultades  con  las  que  uno  se  encuentra  cuando  estudia  la  obra  de  Luis   Ángel  Rengifo  es  la  variedad  de  su  trabajo…  que  raya  incluso  a  veces  en  la  dispersión…   la  obra  es  dispersa  y  eso  logra  también  distraer  al  que  la  estudia,  por  eso  he  intentado   ordenar  un  poco  mis  ideas  abordando  las  imágenes  que  escogí  para  esta  presentación   de  acuerdo  a  los  temas  y  tratando  de  leer  en  ellas  ciertas  relaciones  pues  finalmente  lo   que  sí  es  cierto  es  que  la  producción  de  un  artista  es  un  tejido,  un  entrecruzamiento  de   intereses,  exploraciones  técnicas,  motivaciones,  amores  y  odios  que  se  suceden  y  a   veces  también  se  superponen  para  armar  un  entramado  complejo.  Claro  que  la   selección  que  he  hecho  no  agota  las  lecturas  del  trabajo  del  maestro…  más  bien  lo  que   he  buscado  es  abrir  algunas  ventanas  para  que  podamos  aproximarnos  a  él…  al   conocimiento  mismo  de  la  vida  del  artista  que  siempre  es  importante  para  acercarse   también  a  su  producción.     Voy  a  referirme  ahora,  antes  de  entrar  en  los  grabados  sobre  la  violencia,  a  tres  obras   dedicadas  al  tema  de  la  música.    Un  tema  muy  especial  en  la  producción  de  este   artista,  al  que  volvería  en  momentos  distintos.    Justamente  aquí,  en  Almaguer,  se   escogió  una  de  estas  imágenes  para  rendirle  un  homenaje  a  Rengifo  con  un  mural  en   el  nuevo  palacio  municipal.    “El  flautista”  es  uno  de  esos  íconos  que  supo  crear  el   maestro,  imágenes  que  representan  como  en  este  caso  al  músico  pero  que  trascienden   la  anécdota  y  nos  recuerdan  no  a  un  músico  en  particular  sino  a  todos  los  músicos  de   un  pueblo…  tal  como  les  comentaba  antes  con  la  imagen  de  la  protesta  del  1ro  de   mayo.  En  este  caso  se  trata  de  una  construcción  inteligente  del  tema  que  casi  logra   traducir  en  ritmo  las  formas  plásticas.    Rengifo  sacrifica  la  construcción  anatómica  de   la  figura  para  que  ella  misma  se  transforme  en  sonido…  los  miembros  se  estiran,  y  se   hacen  más  delgados,  y  se  integran  con  el  paisaje  en  una  simbiosis  inquietante  y  otra   vez  se  siente  aquí,  como  les  he  dicho  antes  con  relación  a  otras  imágenes  que  el  artista   hace  un  alarde  de  libertad  en  el  manejo  de  las  escalas:    la  figura  crece  y  se  transforma   en  un  gigante  que  llena  el  paisaje,  mientras  las  formas  de  las  piernas  se  articulan  como   montañas  y  los  ritmos  del  claroscuro  del  cielo  nos  susurran  la  música.  

  Estos  rasgos,  o  por  lo  menos  unos  muy  cercanos  se  encuentran  en  estas  otras  dos   imágenes,  “la  danza”,  y  “bum  bum  dum”…  en  las  que  otra  vez  se  celebra  la  fiesta…  un   ritual  de  regocijo  entre  los  hombres.    Refiriéndose  a  esta  clase  de  composiciones,  la   reconocida  crítica  del  arte  colombiano,  Marta  Traba,  comentó  lo  siguiente,  “…son  una   crónica  inteligente  y  sensible  que…(      )…  fijan  un  ambiente  geográfico  y  un  clima   místico  popular”…esa  clase  de  obras  que  hay  que  “ver  una  y  otra  vez  para  que  las   planchas  nos  libren  del  todo  sus  secretos”     A  veces,  una  obra  destaca  en  la  producción  de  un  artista,  como  que  uno  siente  que  si   ese  artista  hubiera  hecho  solo  esa  obra  aun  seguiría  siendo  célebre  para  la  historia.     En  el  caso  de  Rengifo  esa  obra  es  sin  duda  la  serie  de  grabados  sobre  la  violencia.    Los   trece  grabados  que  conforman  la  carpeta  son  estremecedores.    Debieron  serlo  en  su   momento,  cuando  se  mostraron  por  primera  vez,  en  1964  y  lo  siguen  siendo  hoy  día   porque  la  situación  de  nuestro  país  sigue  siendo  bien  representada  por  ellos.    Es   doloroso  pero  tenemos  que  reconocerlo,  Rengifo  como  un  profeta  creo  una  serie  de   imágenes  que  durante  cinco  décadas  siguen  reflejando  nuestras  condiciones  sociales:   desigualdades,  injusticias,  atrocidades,  muerte  sin  más.    Pero  además  de  crear  esta   serie  de  imágenes  su  aporte  fue  el  de  tener  el  valor  de  crear  una  obra  fundante.  Estoy   seguro  que  a  cualquier  artista  colombiano  le  hubiera  dolido  hacerlo.  Y  cuando  digo   que  su  trabajo  es  fundante  quiero  decir  que  su  valor  es  el  de  haber  abierto  un  camino,   un  tema,  una  posición  política  desde  el  arte.    El  de  haber  despertado  la  consciencia  de   los  creadores  que  vinieron  después.     La  serie  de  13  grabados  sobre  la  violencia,  muestra  aspectos  diversos  de  ese   fenómeno  doloroso  que  ha  envuelto  al  país  desde  la  década  de  1950.    Pero  debemos   verlas  con  cuidado  porque  incluso  en  este  grupo  de  obras  que  uno  pensaría  que   deberían  conservar  una  unidad  frente  al  tratamiento  técnico  y  el  enfoque  del  tema,   Rengifo  ha  hecho  variaciones  que  nos  pueden  dificultar  su  apreciación.    En  primer   lugar  se  pueden  identificar  dos  clases  de  imágenes:  unas  que  son  descriptivas,  crudas   y  definitivamente,  violentas…  en  las  que  veremos  mutilaciones,  torturas  y  dolor,  …y   otras  en  las  que  la  violencia  se  simboliza  mediante  un  ser  monstruoso  que  devora   cuerpos  o  los  aplasta  con  sus  garras.    En  otras  palabras  algunos  de  los  grabados  de   esta  serie  representan  escenas  de  violencia  mientras  otros  evocan  el  tema  de  manera   simbólica  –es  posible  que  tengan  referentes  visuales  y  narrativos  de  las  noticias  de  la   época  y  también  la  posición  personal  y  subjetiva  del  autor-­‐  lo  cual  se  traduce  en  que   frente  a  algunos  de  estos  grabados  sintamos  realidades  crudas,  acaso  cotidianas,   mientras  que  otros  nos  sumergen  en  un  sueño…  o  tal  vez  mejor  una  pesadilla  perversa   de  monstruos  que  someten  la  condición  humana.    Nosotros  hoy,  por  la  relación  que   hemos  tenido  con  esta  clase  de  situaciones  que  se  presentan  en  los  periódicos  y  en  la   televisión  a  diario,  nos  hemos  vuelto  un  tanto  insensibles  a  ellas…  y  sin  embargo  justo   sobre  este  punto  quiero  llamar  la  atención  pues  me  parece  que  incluso  hoy  después  de   ese  proceso  de  desensibilización  al  que  hemos  sido  sometidos  por  los  medios  estos   grabados  siguen  siendo  imágenes  fuertes,  contundentes  sobre  una  realidad  que  se  ha   hecho  cotidiana  para  los  colombianos,  pero  que,  estos  grabados  nos  lo  recuerdan,  es   una  condición  injusta,  cruel,  inaceptable.  

  En  segundo  lugar,  también  la  técnica  y  las  soluciones  formales  de  las  distintas  escenas   que  componen  la  serie  presentan  variaciones.    En  algunos  casos  las  figuras  se   construyen  con  líneas  duras  que  modelan  los  contornos  y  acentúan  el  carácter   expresivo  y  explícito  de  las  imágenes.    Otras  veces  el  artista  nos  presenta  una   atmósfera  en  medio  de  la  cual  apenas  reconocemos  las  figuras  e  intuimos  lo  que  pasa.     En  general  los  grabados  son  oscuros  y  los  contrastes  marcados.    Las  planchas  se   mordieron  profundamente  y  esto  produce  tratamientos  menos  controlados,  texturas   inesperadas,  caprichosas,  accidentes  que  le  dan  a  las  imágenes  un  carácter  ambiguo,  a   veces  excesivo  e  incluso  obsesivo  propicio  para  tratar  un  tema  incomprensible,   desmedido  y  apabullante.       La  primera  imagen  de  esta  serie  que  quiero  comentarles  se  titula  “las  víctimas”.    Las   víctimas  de  la  violencia  son  los  que  pierden  la  vida  pero  también  los  que  quedan  solos   porque  pierden  a  sus  seres  queridos.    Esta  imagen  los  presenta  juntos,  en  un  primer   plano  cuerpos  femeninos  mutilados,  apenas  una  cabeza,  en  la  esquina  inferior  derecha   y  un  cuerpo  masacrado  en  la  contraparte.    En  la  parte  superior,  rompiendo  el   horizonte  de  la  escena,  un  niño  sentado  dirige  su  atención  a  un  arma.  La  acción   violenta  ya  ha  tenido  lugar  y  lo  que  Rengifo  nos  presenta  es  el  despojo,  lo  que  queda,   un  paisaje  con  un  cielo  nublado,  construido  con  tramas  de  líneas  ordenadas  y  en  la   tierra  tres  cuerpos  –la  vida  y  la  muerte  al  tiempo-­‐  que  se  sumergen  en  el  silencio   insoportable  del  testimonio,  modulados  con  líneas  desordenadas  de  distintas   intensidades  que  acentúan  el  sentido  caótico  de  la  escena.  En  la  misma  línea  de  este   grabado  encontramos  la  imagen  número  6  de  la  serie,  titulada  “corte  de  cabezas”.    En   este  caso  podemos  reconocer  5  cabezas  dispuestas  en  posiciones  distintas.    El   horizonte  se  ha  elevado  y  la  escena  es  oscura.    La  escala  de  las  cabezas,  por  su  lugar  en   la  composición  es  extraña  pues  llenan  completamente  el  cuadro.  Rengifo  se  ha  tomado   la  libertad  de  construir  una  imagen  ambigua  con  elementos  que  podemos  reconocer   dispuestos  de  manera  caprichosa  para  que  parezcan  cabezas  de  gigantes  que  llenan   un  paisaje  lodoso  en  el  que  parece  que  estos  despojos  se  sumergen.  Los  gestos  de  los   rostros  que    se  debaten  entre  el  dolor  y  el  terror  y  el  tratamiento  expresivo  de  los   tramados  de  líneas  y  del  manejo  del  claroscuro  hacen  saltar  la  atención  entre  los   distintos  elementos  de  la  composición.       Este  es  un  buen  momento  para  explicar  lo  que  es  el  grabado  y  como  esta  técnica   resulta,  por  su  propia  naturaleza,  adecuada  para  resolver  el  tema  de  la  violencia.    El     grabado  al  aguafuerte  se  hace  sobre  láminas  de  cobre  o  de  zinc,  este  último  fue  el  que   Rengifo  escogió  para  su  trabajo.    La  superficie  del  metal  se  pule  muy  bien  y  luego  se   aplica  una  capa  fina  de  cera  que  cubre  toda  la  superficie  de  manera  regular.    Una  vez   seca  la  cera  el  artista  dibuja  con  una  punta  metálica,  y  al  dibujar  levanta  con  cada  línea   que  hace  la  cera  de  la  superficie,  es  decir,  al  rayar  va  descubriendo  la  superficie  de  la   lámina.    Terminado  el  dibujo  se  protege  la  parte  posterior  de  la  plancha  y  se  sumerge   en  una  solución  de  ácido  nítrico.    Justo  de  aquí  viene  el  nombre  de  la  técnica  pues  en  el   siglo  XVII,  cuando  tomó  auge  este  procedimiento,  se  le  llamaba  a  este  ácido   “aguafuerte”,  precisamente  por  su  capacidad  de  corroer  los  metales.  Es  una  técnica   indirecta  de  dibujo  porque  es  el  ácido  el  que  muerde  las  líneas  que  el  artista  ha  

trazado.    Después  de  mordida,  a  la  lámina  se  le  retira  la  cera  y  se  le  aplica  tinta…  la   tinta  se  deposita  en  las  líneas  y  el  exceso  se  limpia  frotando  la  superficie.    Finalmente   la  plancha  se  estampa  sobre  un  papel  con  la  ayuda  de  una  prensa  de  grabado.         He  dicho  que  esta  técnica  es  apropiada  para  el  tema  de  la  violencia  porque  su  propia   naturaleza  es  violenta  también…  la  reacción  que  produce  el  ácido  nítrico  sobre  el  zinc   es  una  intervención  agresiva  que  hiere  el  metal  y  libera  vapores  tóxicos.    La  materia  se   transforma  y  los  residuos  que  se  producen  de  esa  reacción  pueden  hacer  mucho  daño.     Aunque  a  simple  vista  el  resultado  del  grabado  se  parece  a  un  dibujo  hecho  con  tinta…   la  verdad  es  que  su  proceso  de  elaboración  implica  un  paso  intermedio  que  ocurre  en   la  soledad  del  taller,  propicio  para  la  reflexión,  un  tiempo  necesariamente  más  largo   que  el  que  toma  realizar  un  dibujo  directamente  sobre  el  papel.  En  este  proceso  tiene   lugar  la  lucha  del  artista  con  la  materia…  y  la  búsqueda  de  la  imagen,  que  siempre   tienen  implícito  también  algo  de  incertidumbre  pues  los  procesos  de  mordido  de  la   plancha  y  también  los  de  entintado  y  estampación  no  están  exentos  de  accidentes  que   transforman  los  resultados.     Ahora  me  quiero  referir  a  otras  dos  imágenes  de  esta  carpeta  de  grabados  cuya   concepción  simbólica  refuerza  la  intención  del  artista  de  crear  una  serie  de  imágenes   basadas  en  un  concepto  (en  este  caso  el  de  la  violencia)  más  que  en  contar  una   historia  mediante  los  episodios  que  hacen  parte  de  la  serie.    La  imagen  que  estamos   viendo  se  titula  “la  violencia  es  un  monstruo  #  1”,  aquí,  un  ser  de  dos  cabezas  y  cuatro   patas  aplasta  los  cuerpos  de  las  personas.    El  horizonte  bajo  proyecta  las  cabezas  y  los   cuellos  del  monstruo  que  llenan  la  parte  superior  de  la  plancha,  lo  que  lo  hace  parecer   más  grande.  Las  formas  grotescas  tienen  más  énfasis  por  el  tratamiento  un  tanto   descuidado  de  la  técnica.  En  la  plancha  de  zinc  se  puede  comprobar  que  las  mordidas   fueron  prolongadas  y  con  un  ácido  bastante  fuerte  lo  cual  produce  una  clase  de  línea   azarosa.  Las  formas  del  monstruo  son  caprichosas:  los  ojos  saltones,  las  patas   terminan  en  garras  que  aplastan  los  cuerpos  en  la  parte  inferior.  Otra  de  estas   personificaciones  de  la  violencia  se  presenta  como  un  gran  insecto  que  devora  la   cabeza  de  un  personaje  que  sostiene  con  sus  propias  garras.    En  el  fondo  oscuro   apenas  se  distinguen  los  rasgos  grotescos  de  este  animal  fantástico  que  devora   hombres  y  se  nos  presenta  como  una  metáfora  mediante  la  cual  el  autor  expresa  su   posición  frente  a  la  situación  nacional.     Justo  ese  tratamiento  metafórico  se  acentúa  en  las  imágenes  que  les  voy  a  presentar   ahora.  La  primera  se  titula  “En  los  bosques”,  y  es  un  ambiente  en  penumbra  en  el  cual   apenas  podemos  ver  unas  masas  pesadas  al  fondo,  -­‐troncos  de  árboles-­‐,  de  la  parte   izquierda  unas  ramas  se  proyectan  hacia  el  centro  de  la  composición  y  en  la  parte   central  inferior,  en  un  segundo  plano  algunas  luces  puntuales  nos  revelan  la  presencia   de  un  cuerpo  que  yace  entre  la  maleza,  más  bien  un  cadáver,  un  despojo  de  la  muerte.     Con  este  paisaje  nocturno  Rengifo  explora  una  aproximación  distinta  al  tema  que  lo   ocupa,  el  sentido  en  este  caso  es  figurado  y  sin  embargo  sigue  siendo  contundente   como  parte  de  la  serie.    También  en  “Felinos  políticos”  el  sentido  es  figurado.  Dos   figuras  felinas  se  ocultan  en  la  oscuridad  amenazantes,  al  acecho.  Las  formas  de  los   rostros  antropomorfos  son  grotescos,  casi  como  caricaturas…  la  caricatura  ha  servido  

a  muchos  artistas  en  épocas  distintas  como  un  recurso  que  compensa  con  el  humor  la   carga  de  ironía  y  de  crítica  especialmente  sobre  temas  sociales.    En  este  caso  Rengifo   se  vale  de  la  personificación  para  hacer  una  referencia  la  clase  política  que  también   está  implicada  en  la  situación  de  violencia  que  padece  el  país.    A  medida  que  vemos  las   imágenes  de  la  serie  podemos  darnos  cuentas  cómo  el  artista  ha  planeado  cada  pieza   como  un  parte  fundamental  del  tema  (problema)  que  ha  escogido.  Sus  distintas   miradas  enriquecen  ese  panorama  incierto  en  el  que  entraba  el  país,  condición  de   violencia  que  se  mantiene  hasta  el  presente,  pues  nuestros  políticos  siguen  haciendo   parte  del  problema,  los  bandos  distintos  siguen  torturando  y  masacrando  al  pueblo  y   en  fin  la  violencia  se  nos  antoja  un  monstruo  indomable,  que  sabemos  que  sigue   estando  allí,  a  veces  oculto,  a  veces  explícito,  que  sigue  extendiendo  sus  tentáculos   sobre  Colombia.     Para  cerrar  el  recorrido  por  la  carpeta  de  los  grabados  dedicados  a  la  violencia  voy  a   referirme  a  la  imagen  que  dentro  del  grupo  sobresale  por  su  poder  de  concentrar  el   dolor  y  la  injusticia,  la  muerte  y  el  luto,  lo  expresivo  y  lo  simbólico:    “Piel  al  sol”.     Cualquier  comentario  se  queda  corto  frente  a  este  grabado.    Aquí  el  cuerpo  femenino,   mejor  la  piel  de  una  mujer  se  estira  sobre  el  suelo  como  el  cuero  de  un  animal  que   después  de  sacrificado  y  desollado  se  extiende  y  se  adhiere  a  una  pared  de  cal  para   secarlo.  La  imagen  del  cuero  del  animal  es  fuerte  y  no  lo  es  menos  la  de  esta  mujer  en   el  grabado  de  Rengifo  pues  su  presencia  resulta  un  despojo,  un  testimonio  de  la   agresión,  de  la  tortura,  de  la  violencia  a  la  que  se  somete  el  cuerpo.    Una  imagen  como   esta  remite  a  la  anécdota  del  cuerpo  extendido  pero  además  concentra  una  esencia   como  símbolo  de  una  condición.  El  paisaje  aquí  es  paradójicamente  más  rico  también,   el  horizonte  se  ha  tornado  una  leve  diagonal,  anclada  al  borde  superior  por  los  troncos   en  penumbra  que  se  cortan  en  el  borde  de  la  plancha…  el  fondo  oscuro  del  primer   plano  hace  resaltar  la  piel  de  la  mujer  que  se  nos  presenta  como  un  mapa  …  el  mapa   de  Colombia  que  sostiene  una  cabeza  doblegada,  casi  dispuesta  o  resignada.    El   tratamiento  de  la  línea  es  seguro  y  eso  le  da  un  carácter  más  limpio  a  la  obra,  la  hace   un  ícono  diáfano  de  lo  que  significa  la  violencia,  o  mejor  construye  otra  vez  una   contradicción  pues  que  claridad  puede  haber  en  la  oscuridad  de  semejante  escena,  en   su  carácter  macabro,  desmedido,  inconcebible  e  inaceptable.       ¿De  dónde  salieron  estas  imágenes?,  ¿qué  fue  aquello  que  detonó  en  la  sensibilidad  del   artista  el  compromiso  para  crear  este  testimonio  desgarrador?...  si  buscamos  en  la   historia  del  arte  las  razones  que  han  llevado  a  los  artistas  de  épocas  distintas  a   producir  su  obra  veremos  que  las  razones  de  Rengifo  fueron  básicamente  las  mismas:   El  hecho  de  ser  testigo  de  escenas  aterradoras  y  de  tener  noticia  permanente  de  ellas,   la  intención  de  dejar    un  testimonio  visual  de  un  momento  histórico,  que  no  es  igual  al   que  deja  el  periodismo  o  al  que  queda  en  la  historia…  pues  el  arte  tiene  la  virtud  de   guardar  en  su  esencia  una  carga  de  verdad  –hecha  imagen-­‐  que  no  tiene  nombre  …   que  no  se  puede  nombrar  y  por  lo  tanto  no  se  puede  censurar  …que  está  implícita  en   la  misma  naturaleza  codificada  de  la  imagen.  Los  grabados  de  Rengifo  tienen  el  gran   valor  de  haber  sido  hechos  en  un  momento  crucial  de  la  historia  de  Colombia…  que   nos  duele  recordar,  pero  que  esta  allí…  no  son  un  mero  registro  de  un  hecho  concreto  ,   -­‐aunque  pudieron  haber  nacido  de  la  experiencia-­‐…  en  cambio  como  una  suerte  de  

resumen  del  sentimiento  de  indefensión  y  tragedia  de  un  momento  histórico   determinado  han  sobrevivido  al  olvido  …están  presentes  para  recordarnos  la  posición   de  un  hombre  que  tuvo  el  valor  de  representar  lo  que  no  se  debe  representar…  que   logró  dejar  un  grito  silencioso  sobre  la  plancha  de  grabado…  grito  que  una  vez   estampado  se  nos  presenta  como  una  evidencia,  como  una  crítica,  como  una  queja,   como  una  advertencia…  como  un  recuerdo.     Cómo  no  valorar  a  los  maestros  que  formó  Rengifo  en  el  campo  del  grabado,  algunos   de  ellos  maestros  de  mis  maestros  en  la  universidad  nacional  de  Colombia.  Cómo  no   entender  con  esta  experiencia  que  el  arte  es  ese  lugar  común  para  encontrarse  y   compartir,  para  propiciar  la  generosidad  de  poner  en  común  el  conocimiento,  una   clase  especial  de  conocimiento  que  no  se  puede  transmitir…  solo  compartir,  las   técnicas  del  grabado  pertenecen  a  esa  clase  especial  de  conocimiento  que  se  aprende   por  una  suerte  de  acompañamiento,  más  que  por  la  intensión  explicita  de  enseñar  y   aprender  los  procedimientos  …por  la  amistad  y  la  camaradería  de  explorar  maestro  y   discípulo  en  el  campo  de  lo  que  no  se  ha  hecho  todavía,  más  que  por  la  trasmisión   perenne  de  lo  que  ya  se  sabe  de  antemano.     Finalmente  quiero  contarles  algo  sobre  la  misma  experiencia  de  preparar  esta   conferencia…  el  trabajo  comenzó  hace  al  menos  unos  8  meses…  la  conferencia  se   debía  presentar  en  la  semana  cultural  del  municipio  de  Almaguer  el  pasado  mes  de   agosto.    Por  ese  tiempo  me  ocurrieron  dos  cosas  que  me  hicieron  pensar  sobre  la   conveniencia  del  encargo  que  había  aceptado.    La  primera  fue  que  la  misma   institución  que  me  había  contratado  me  pidió  que  no  viniera,  pues  decían  que  no  era   seguro.  La  segunda  fue  que  perdí  todo  el  material  que  había  escrito  hasta  el  momento   por  culpa  de  un  accidente  de  carácter  informático.    En  otras  palabras  lo  que  les  he   presentado  hoy  es  lo  que  terminé  de  escribir  la  semana  pasada…  y  les  aseguro  que  mi   pensamiento  sobre  Rengifo  ha  cambiado  y  sigue  cambiando.    Su  obra  está  viva,  como   las  grandes  obras  de  los  grandes  artistas  de  la  historia.  Tal  como  empecé  diciendo  al   ver  sus  imágenes,  ellas  se  renuevan  cada  vez  y  activan  el  pensamiento,  la  reflexión,  ese   dolor  que    está  encarnado  en  su  esencia.    Es  gratificante  trabajar  sobre  la  obra  de  un   artista  prolífico…  grande…  cuyo  trabajo  trasciende  el  tiempo  y  se  proyecta  poderoso   al  futuro…  es  escalofriante  tener  la  oportunidad  de  compartir  este  espacio  con   ustedes,  los  herederos  de  Rengifo…  para  pedirles  que  vuelvan  cada  vez  que  puedan  a   verlo…  porque  su  trabajo  siempre  será  generoso  con  ustedes…  más  que  con  cualquier   otro  colombiano,  con  ustedes  que  han  tenido  como  Rengifo  la  suerte  de  vivir  en  este   lugar  maravilloso,  sus  imágenes  les  dará  algo  en  qué  pensar…  qué  recordar…  qué   sentir…  con  solo  ver  el  color  y  la  línea  y  la  sombra  y  la  luz…  justo  eso  es  la  obra  de   Rengifo…  una  obra  de  luz…  una  obra  que  ilumina  el  sendero  a  la  imaginación  y  la   sensibilidad…  y  también  a  veces  para  el  dolor.     Popayán,  noviembre  de  2011