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How to Master a Song - 7 Step Formula for Getting a Master that Rocks

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How to Master a Song - 7 Step Formula for Getting a Master that Rocks

Cómo Masterizar Una Canción Fórmula De 7 Pasos Para Conseguir Una Buena Masterización

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How to Master a Song - 7 Step Formula for Getting a Master that Rocks

Introducción La masterización se ha convertido en algo misterioso que solo pudiese ser realizado por un experto en la materia que lo haya estado haciendo durante los últimos 43 años. Aunque esa experiencia puede ser de ayuda, creo que el tema se ha ido un poco de las manos. Estoy aquí para decirte que puedes aprender el arte de la masterización tú mismo y aunque sean necesarios muchos años para convertirse en verdadero experto, la regla del 80/20 dice que se puede llegar al 80% del conocimiento en un 20% de tiempo. El otro 20% requerirá el 80% del tiempo. Afortunadamente, la regla del 80/20 también quiere decir que el 80% de la gente probablemente no serán capaces de ver la diferencia! A dónde voy? No dejes que nadie te diga lo que puedes o no puedes hacer. Tú puedes aprender cualquier cosa que quieras, y ser bueno en ello con un poco de esfuerzo y compromiso. No solo eso, sino que la música ha llegado a un punto donde el terreno de juego se ha nivelado en cuanto a que ya no se necesita una discográfica grande para realizar un buen trabajo. Mi objetivo es que la música con la que estés trabajando, tenga las mejores opciones para igualarse con la música “comercial” que hay afuera. Lo que me gusta de la masterización es la INFLUENCIA que tiene. Podemos tomar una canción que suena más bien regular y llevarle a un mayor nivel.

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Y aunque no podamos hacer milagros, sin ninguna duda podemos hacer que los oídos de la gente lo crean. He escrito este libro como una introducción a la masterización, algo con lo que se pueda empezar. O, si ya tienes algo de experiencia con la masterización tal vez esto te ayude a estructurar tu sistema o simplemente darte nuevas ideas. Lo bueno es que nunca se para de aprender y siempre hay un nuevo nivel donde nos podemos ir superando. Pero debemos PRACTICAR lo que aprendemos. La mejor definición que he escuchado sobre el aprendizaje es “el aprendizaje es el cambio de actitud”. El aprendizaje NO es acumular conocimiento. Por lo que te animo a que pruebes estas ideas y principios, los pongas en práctica y que veas lo que funcione para ti. Y si no funciona la primera vez no te rindas y digas que no funciona - síguelo probando hasta que OIGAS los resultados. A medida que lo vayas haciendo, tus másters irán mejorando y los llevarás a otro nivel. Sin problema, escríbeme un email con tus ideas y comentarios. Me gustaría saber tus opiniones. Me puedes escribir a esta dirección: [email protected]

Muy bien, empecemos! – Rob Williams

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Contenidos Parte 1:!

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Qué es la masterización?!

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Los 5 Propósitos De La Masterización!

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Parte 2:!

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La Fórmula De 7 Pasos!

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Paso 1: ‘Preparar’!

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Paso 2: ‘Arreglar’!

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Paso 3: ‘Realzar’!

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Paso 4: ‘Comprimir’!

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Paso 5: ‘Clipar’!

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Paso 6: ‘Limitar’!

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Paso 7: ‘Referenciar’!

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Repaso A La Fórmula De Los 7 Pasos!

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Algunos Consejos Finales...!

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Parte 1: Qué es la masterización? Una vez un hombre sabio dijo, “Un juego que no entiendes no lo puedes ganar” Imagina jugar un deporte que no conozcas las reglas. Sería un poco difícil! El entendimiento es el primer paso, no importa cuántas habilidades tenga la persona, si no conoce las reglas no puede ganar el partido. Por lo que quiero darte una introducción de lo que es la masterización y qué es exactamente lo que queremos conseguir. No te preocupes, no voy a ser muy técnico y usar demasiado el lenguaje técnico para que yo suene inteligente, existen muchos libros como referencia si quieres ser más concreto (y morirte de aburrimiento).

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La Definición del Mastering (o Masterización) Después de buscar en la red una buena definición de lo que realmente es la masterización, me sorprendí mucho que no hubiese una realmente buena, o por lo menos una que la definiese completamente y en un sentido actual. Por lo que le di muchas vueltas y esto es lo que llegué,

“La Masterización es el proceso de finalizar una canción o álbum realzándolo sonoramente y prepararlo finalmente para un lanzamiento” La manera en la que la música se hace y se publica está en constante cambio. Hubo un momento en que la masterización era el proceso de transferir la grabación de audio en en máster de cera (para ser honesto, fue bastante antes de mis tiempos como ingeniero). Ahora puede ser tan simple como un par de plugins en el bus principal de la mezcla. La parte importante a recordar es que el enlace final de la cadena. Es el último grupo de procedimientos antes que un track esté listo para publicarse al mundo y por eso es qué es tan importante. No va a cambiar la canción, cómo de bien o mal se grabó y tocó, o si el líder cantante podía cantar o no, pero sí puede realzar todos esos elementos. Dicho de manera simple, una buena masterización no hará que una mala grabación sea buena, pero una mala masterización si puede arruinar una buena grabación.

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Déjame ser un poco más específico, he desglosado el propósito de la masterización en 5 áreas clave...

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Los 5 Propósitos De La Masterización 1. La última revisión La masterización es la última oportunidad que tenemos para asegurarnos que la canción o álbum está justamente como la queremos, -o justamente como el cliente / artista lo quiere. Si estás haciendo tu propia masterización, es bueno traer unos oídos objetivos para que lo escuchen, alguien que no haya escuchado la canción un millón de veces. Es increíble cómo perdemos la perspectiva después de escuchar algo una y otra vez. A veces puede ser algo realmente obvio. Por lo que es bueno que alguien con algo de trayectoria musical lo escuche y que nos dé sus primeras impresiones. Un pequeño consejo, simplemente algo que me he dado cuenta cuando compartimos ese momento; No preguntes a alguien “Qué crees que está mal aquí”? Te prepara para el fallo ya que BUSCARÁN, algo que esté mal, y normalmente saldrán con las cosas mas aleatorias que son completamente irrelevantes - ya que no querrán parecer estúpidos y o estar dándose cuenta de algo. Por lo que en ves, simplemente pregunta “esta es la canción, dale una escucha y dime lo que piensas”. También ten en cuenta que NADIE es realmente objetivo, por lo que toma todos los comentarios con cierto cuidado.

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2. Consistencia La consistencia es muy importante ya que hay tal variedad de reproductores en los que la canción puede ser reproducida que tenemos que asegurarnos que va a sonar tan consistente a la visión del artista como sea posible. Digamos por ejemplo que la línea de bajo en una canción es realmente importante. Si alguien escucha esa canción en portátil será capaz de escuchar esa línea de bajo? Seguramente no. Esto es lo que debemos tomar en consideración. Por supuesto podemos tomar estas consideraciones hasta un límite ya que es mucho mejor si estos elementos han sido considerados en las fases de grabación y mezcla, pero finalmente es una tarea de la masterización hacer que una canción suene tan bien como sea posible. La consistencia también se aplica en cuanto a consistencia en los niveles - está muy bajo en algunas partes y muy alto en otras por lo que la gente estará cambiando el volumen? También se necesita consistencia en cuanto a la gama de frecuencias para que no estalle las puertas del coche de alguien. Antes que ir a una explicación complejo con esto, simplemente compara tus canciones con otras canciones que ya se hayan publicado. Te darás cuenta tiene una rango de frecuencias parecido. También puedes ver mirar a esto visualmente con analizador de espectro, pero masteriza (toma decisiones) con tus oídos, no con tos ojos.

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3. Realce Esto aplica a cualquier cosa que se pueda hacer a la canción para que suene mejor realzando algo que ya exista, sacándole lo mejor que tenga. Podría ser cualquier cosa desde extender el estéreo para que la canción suene más grande, podría ser llevar la canción por medio de una consola analógica para que tenga esas cualidades, o podría ser comprimirlo para que suene más equilibrado en su conjunto. Muchos artistas / discográficas quieren que su grabación suene tan alto como sea posible porque piensas que este le dará una ventaja respecto al resto. Si crees que más alto es mejor, entonces es mejor. Realmente no hay reglas. Todo acaba siendo lo que tú o el artista quiera... pero ten en mente que son los FANS los que van a APROBAR la grabación por lo que hay que tener muy cuenta esa opinión.

4. Flujo Del Disco Es muy importante que las canciones funcionen en el contexto del disco. Queremos que el disco fluya y suene como una actuación. Piensa en ello como cuando vas a un concierto en vivo. El formato básico es un par de canciones fuertes, unas baladas en el medio y acabar con canciones con energía. Si hay un bis, normalmente se tocará una canción suave para acabar el concierto. Aunque realmente no hay reglas, podemos pensar en cómo fluya el disco de la misma manera que un concierto en vivo. Las pausas entre canciones también se determinan en esta fase de la producción. Podremos notar que algunos discos fluyen de manera seguida de una canción a otra - especialmente discos en vivo.

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Aunque muchos discos normalmente tienen una pausa de unos dos segundos entre canción y canción. Aún así, no es solo un problema de decidir si queremos poner un espacio o no,. Los espacios entre canciones también dependen cuanto espacio requiere cada FINAL de la canción previa. Todo esto se define en una preferencia personal y necesitamos escuchar las canciones en CONTEXTO para ver lo que funciona. Es un fenómeno extraño. Si escuchamos las pausas en si mismas parecerán muy largas, pero si las escuchamos en el contexto del disco suelen sonar demasiado cortas, por lo que es algo que debemos tener en cuenta.

5. Formato Final El formato final pertenece a todo aquello desde nombrar las canciones, poner fade-ins y fade-outs, y guardarlo en el formato requerido. Nos deberemos asegurar que cada canción empiece y acabe sin problemas (técnicos), de una manera fluida. Poniendo un pequeño fade-in al principio y un fade-out al final haremos que suene con más fluidez. No ESCUCHAREMOS el fade, simplemente colocaremos el fade para evitar el silbido al principio de la grabación - cuando lo escuchemos a volúmenes altos notaremos que hay ruido justo antes que la música empiece y justo después que acabe. Esto es de lo que estamos hablando. Un pequeño consejo a tener en mente. Muchos reproductores de CD duelen cortar los primeros milisegundos de una canción, por lo que deberemos poner un pequeño espacio justo al principio. Yo generalmente pongo entre 100ms - 500ms, y si importas algunas canciones comerciales en tu software notarás ese detalle.

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Ek formato final es normalmente un CD, el cual tiene un formato de 44.1kHz 16bit. Aunque con el uso de más y más copias digitales hoy en día, el ingeniero de masterización podría preparar también un máster MP3. A esta etapa también le pertenece poner en la información el título de las canciones, códigos ISTC (se usan para que den información exclusiva en la red).

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Algunos consejos para tener en mente: “Masterizar Sin La Referencia De Unos Monitores Profesionales Es Como Pintar En La Oscuridad” Qué quiere decir esto? A menos que seas un artista increíble con mucha experiencia, no es probable llegar a hacer la Mona-Lisa pintando en la oscuridad. Así mismo, todos los profesionales confían en unos monitores que les sirvan de referencia para saber exactamente qué está pasando. No se necesitan los mejores monitores que existan, pero sí se necesita algo que nos permita escuchar el rango completo de frecuencias para tomar buenas decisiones - de otra manera estaríamos simplemente intuyendo.

Si Tienes Unos Altavoces, NO Uses Audífonos Como Tu Referencia Principal! Si realmente no tienes unos monitores como referencia, busca unos altavoces! Los audífonos hacen que sea realmente difícil juzgar el sonido. De hecho, hace unos años cuando estudié ingeniería del audio, en el primer proyecto pequeño que nos asignaron nos dijeron de usar únicamente audífonos. Cuando el profesor preguntó que habíamos aprendido con una sonrisa, alguien exclamó “No se puede mezclar con audífonos”! ©2012 Rob Williams - ProSoundFormula.com, All Rights Reserved

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“Esa es vuestra primera lección” respondió. Prácticamente cualquier altavoz será mejor que unos audífonos. Los audífonos pueden ser una buena referencia, pero no como la fuente principal como referencia. Así que solo ten eso en mente.

Escucha A Diferentes Volúmenes Y Desde Diferentes Puntos De Escucha Nuestros oídos escuchan las frecuencias de manera diferente a niveles diferentes (si quieres investigar más sobre esto, busca en Google “Curvas Isofónicas de Fletcher-Munson”), por lo que es importante tomar referencia a diferentes niveles. Es mejor que la mayoría del tiempo, y especialmente cuando estamos haciendo ajustes, escuchar a volúmenes bajos porque al trabajar por un tiempo determinado tendremos fatiga en el oído lo que provoca distorsión y cambios en la manera que escuchamos. También asegúrate que escuchas desde varias posiciones de escucha. Un buen truco es caminar fuera de la sala y escuchar desde la sala de al lado. Es increíble cuán obvio algunas cosas se escucharán.

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Parte 2: La Fórmula De 7 Pasos Tanto si lo reconocen como si no, todos los profesionales tienen un método para hacer algo, su “fórmula exitosa” si así se le quiere llamar. Es ese sistema que ellos usan el cual les da resultados consistentes una y otra vez. Aunque claro, cada canción es diferente por lo que tienen varias “fórmulas” Y métodos DIFERENTES que usan. De la misma manera, este método no esta hecho para que sea una solución rígida que sirva para todo, si no simplemente un método probado y buen punto de inicio para conseguir un máster sólido con prácticamente cualquier estilo musical. Una vez más, pruébalo y experimenta qué funciona para TI, y entonces decide por ti mismo con qué te quieres quedar y qué quieres desechar (no te preocupes, todavía podremos ser amigos).

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Paso 1: ‘Preparar’ Lo primero que necesitas hacer es el trabajo preparatorio, así como el chef debe preparar todos los ingredientes, nosotros debemos prepararnos para el delicioso pato que vamos a preparar.

Vuelca Tu Sesión Multi-Pistas A Un Archivo Estéreo Aunque estos días la masterización se haga de muchas maneras, para hacerlo de manera simple es mejor exportar / volcar tu multi-pista a un formato estéreo no comprimido como el “.wav” o “.aiff”. Debemos asegurarnos que esté en la máxima resolución posible, a mí me gusta masterizar a 96kHz y 24bit ya que parece que “aguanta” mejor el procesamiento. Cada vez que usamos un plugin, el ordenador tiene que recalcular la onda sonora otra vez y las inexactitudes de esos cálculos constantes es los que nos pueden llevar a cosas como ruido, distorsión y otros artefactos no deseados. Cuando usamos una resolución más alta, el archivo contiene más información por lo que es procesado por el ordenador puede ser más preciso. La parte importante a recordar es usar la resolución más alta que se pueda. Una gran limitación puede ser el procesador de tu ordenador, cuando trabaja a 96kHz tendrá que DOBLAR que si fuese a 48kHz, por lo que especialmente con sesiones grandes no suele ser práctico grabar o mezclar a resoluciones tan altas.

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No obstante, puedes convertir tu mezcla a 96kHz y 24bit para la masterización, no será tan obvio pero ayuda. Por supuesto, si no puedes o no quieres hacer eso, no hay nada malo con trabajar a 44.1kHz o 48kHz. Aún así mantente en los 24 bit y solo sálvalo a 16 bit para el máster FINAL.

Trae 2 - 3 Canciones Como Referencia Tomar modelos de másters es una de las maneras más efectivas de ir de donde estás a donde quieres ir. Busca dos o tres canciones que sean parecidas tanto en composición (la instrumentación y la manera como es tocada) e intensidad (cuánto de melosa o agresiva sea la canción). Deberemos llevar estas canciones a la sesión para que podamos comprarlas directamente y tomarlas como referencia durante todo el proceso. La razón para esto es que nuestros oídos pueden engañarnos fácilmente ya que es fácil que se acostumbren a escuchar algo de una determinada manera y ADAPTARSE a ello. Seguramente has tenido la experiencia en la que has pasado un buen tiempo trabajando con algo hasta llegar al punto donde crees que suena muy bien - y luego lo comparas con una de tus canciones favoritas y nos parece lamentable. Sin duda eso me ha pasado a mí más de una vez.

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Paso 2: ‘Arreglar’ Confucio dice: “No se puede pulir un desperdicio” ...Ok quizás no fuese Confucio, pero fue de hecho fue un hombre sabio. Si no te suena este dicho, todo lo que quiere decir es que; “no importa cuánto intentes arreglar y “pulir” una mezcla / grabación / canción que ya suene mal - Seguirás estando MAL!” Seguirá siendo un desperdicio. Aunque... Supongo que un desperdicio brillante se ve mejor que uno opaco. A donde quiero ir es que no hay mucho que hacer con una canción con una calidad mínima, “Basura que entra, Basura que sale” Aún así, uno tiene que trabajar con lo que le llegue y sacarle lo máximo que pueda. Idealmente, si fuese posible lo mejor es ir hacia atrás a la fase de mezcla y arreglar esos problemas ya que tendremos un mayor control para manipular instrumentos individuales. Si eso no es posible, entonces veamos en lo que deberíamos fijarnos y qué podemos hacer... Alguno de los problemas en los que nos fijaremos será; • Excesivo ruido, especialmente al principio y final y en espacios silenciosos. •

Distorsión o acoples digitales

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•

Retumbes de frecuencias graves

•

Eses o platillos agresivos

• Una mezcla de elementos opacos y brillantes - por ejemplo, las voces pueden ser demasiado brillantes y la música que acompaña muy opaca, por lo que no podremos la música más ya que afectará todavía más a la voz. • Sobre Comprimido - No podremos deshacer la compresión, por lo que es mejor dejar la compresión final para la fase de masterización. Va más allá de este libro ir por todos los “caminos” de estos problemas, - principalmente porque es mucho más fácil ESCUCHARLO y mostrártelo que hablar sobre ello. Pero solo ten presente estos factores para que los puedas localizar cuando ocurran, y si es posible volver a la mezcla y arreglarlo.

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Paso 3: ‘Realzar’ Realzar es CUALQUIER cosa que haga que la canción suene mejor. Ya que esto es tan subjetivo y dependiente del estilo de música no podemos evitar decir: ‘ESTO son cosas que DEBEMOS hacer todo el tiempo!’ Por lo que voy a darte algunos ejemplo comunes de procedimientos que se usan y así los puedas probar tú mismo y ver si te funcionan. Algunos plugins que puedes probar son; • EQ - A menudo subirle un poco en las frecuencias más agudas con un shelving EQ puede sonar bien. • Emulador de válvula - Añade un poco de consistencia al área de bajas frecuencias. • Emulador de cinta - Añade una saturación sutil que le hace sonar más ‘análogo’. • Compresor - Puede ‘cohesionar’ la canción y hacer que suene más consistente. • Estimulador de Bajo - Es bueno para hacer que el bajo se destaque más en varios sistemas de audio, especialmente en altavoces más pequeños. • Ensanchador de Estéreo - Si la canción suena demasiado mono o si quieres hacer que suene más grande de lo normal. • Excitador - Añadiendo armónicos, hace que la canción suene más brillante.

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Y ahora un pequeño consejo, MENOS ES MÁS! Cuando estamos procesando la canción en su totalidad no es bueno que seamos radicales en nuestras decisiones. No existe una única solución mágica, el único plugin que transforme la canción como dice el proverbio de una rana a un príncipe. Es la suma PEQUEÑAS mejoras lo que hace que tenga un GRAN impacto y cree la diferencia. Por lo que centrémonos simplemente en hacer pequeñas mejoras. Si estamos haciendo grandes ajustes, será una señal que estamos ‘puliendo un desperdicio’, por lo que será mejor volver a la mezcla o incluso regrabar lo necesario para arreglarlo. Una cosa más, no TENEMOS que usa CADA plugin que tengamos... Sé que es muy tentador... De verdad, simplemente porque estemos añadiendo algo no quiere decir que lo estemos mejorando. Pregúntate a ti mismo; ‘Qué le falta a la canción?’ Quizá suene un poco delgada - por lo que podríamos intentar mejorarla con potenciador de bajos. O tal ves suene un poco opaca - intentemos un excitador o un shelving EQ en las frecuencias agudas. Y sigue comparando con las referencias, esto te dirá si sigues por el buen camino o no.

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Paso 4: ‘Comprimir’ Comprimir una canción nos permite que la canción suene más fuerte. De hecho, no estamos haciendo que la canción suene más fuerte, si no simplemente haciendo los PICOS más suaves (esas partes que sobresalen en la onda sonora del editor). Cuando hacemos que los picos no ‘salten’ tanto, podemos subir el nivel de la canción en su CONJUNTO sin que clipee. Por lo que estamos haciendo que sea más alto el nivel PROMEDIO, y eso crea la sensación de mayor volumen en nuestros oídos. Hay muchos tipo de compresores los cuales tienes sus ventajas y desventajas, pero yo comentaré los dos tipos principales con los que te encontrarás, el compresor estándar y el compresor multibanda. Un compresor estándar procesará toda la canción como una única unidad. Digamos que el bombo está sobresaliendo en nuestra canción, si usamos el compresor para reducir esos picos, cada vez que el bombo provocará que el compresor reduzca el nivel de TODA la canción en ese punto. Esto tiene sus pros y sus contras. De un lado, ya que se procesa toda la canción, suena como que todo está funcionando junto. Por otro lado, si la compresión es demasiado obvia, se podría crear un sonido de ‘bombeo y respiración’ en la totalidad de la canción cada vez que percibe un sonido fuerte como el bombo.

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Aunque en algunos estilos, como en la música trance, esto se hace a propósito para hacer que la grabación ‘bombee’ al ritmo de la canción. Todo es muy subjetivo, usa tus oídos y si suena bien, está bien! El otro tipo de compresor es un compresor multibanda. Lo que nos permite hacer es comprimir diferente rangos de frecuencia de manera separada por lo que tendremos más control. Usando el mismo ejemplo al que hice referencia antes, a lo mejor queremos comprimir el low end (frecuencias bajas) de manera agresiva para que suene gordo, duro y consistente, pero comprimir el rango medio de frecuencias, donde están las voces, mucho menos para que la compresión suene menos obvia en la canción. Como regla general, la compresión suena más obvia en el rango medio de frecuencias (ya que ahí es donde nuestros oídos son más sensitivos, y las voces están ahí lo que hace que sea el área donde la gente se centra más), por lo que no es bueno

pasarnos ahí.

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Por lo que la pregunta es; ‘Debería usar un compresor multibanda?’ Mi consejo es que lo pruebes. Yo siempre pruebo un compresor multibanda y muchas veces lo acabo usando porque siento que hace que la canción suene más clara y consistente en su conjunto. Recuerda, no haya nada malo en PROBAR algo. Así es como se sabe si algo funciona o no. Por lo que pruébalo y hazte la pregunta ‘Suena MEJOR o no?’ Para ver como yo uso el compresor multibanda, mira el vídeo ‘Cómo masterizar una canción’ si todavía no lo has hecho.

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Paso 5: ‘Clipar’ Alguna vez habrás comparado tus canciones a algún disco exageradamente alto de volumen y preguntarte; ‘Cómo demonios hacen eso?!’ Bueno, clipar es uno de los ‘secretos’ que los pros usan para conseguir alguno de los tracks más altos. Si te gusta que esté ALTO, el clipeo será tu amigo - más concretamente, el ‘clipeo suave’. (Aguanta ahí, explicaré eso pronto) Normalmente el clipeo está asociado a algo negativo. Siempre tratamos de EVITAR el clipeo. Existe un diferencia, puedes conseguir clipeo con BUEN sonido y clipeo con MAL sonido. En el clipeo de mal sonido se oye un click chillón. El audio digital perdona mucho menos que el audio analógico ya que cada sonido que escuchamos es una serie de ‘0’ y ‘1’ que podría verse algo así: 0011101010011011010101101101 Cómo se ve el clipeo digital? 0000000000000000000000000000 En otras palabras, no tiene un valor, una vez que la señal va más allá de 0 estamos en tierra de nadie, no sabe cómo nombrarlo por lo que es una fila de números que no suenan nada bien. Esto se suele conocer como clipeo ‘fuerte’ o ‘clipeo digital’. Para dejarlo claro, la regla sería esta: El clipeo fuerte debe ser EVITADO en TODAS las fases de la grabación, mezcla y masterización.

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OK, entonces dónde se coloca el clipeo en la masterización y qué sería un BUEN clipeo?? Qué bueno que preguntaste! Primero déjame poner un pequeño aviso aquí. ‘TODO sonido es SUBJETIVO y no estoy diciendo que el clipeo sea bueno o malo. Como regla general. el clipeo suave funciona mejor en estilos agresivo como el rock o metal. No puedo imaginarme que se quiera clipar una canción acústica melosa o una pieza clásica’ una vez dicho eso, los pros tienden a usar convertidores MUY caros para clipar suavemente los tracks lo que hace que disimulen mucho mejor los efectos secundarios. He dicho que esos convertidores son MUY caros? En vez de intentar explicarte esto con mil palabras, déjame darte esta imagen... http://www.gmarts.org

Por cierto, los convertidores son lo que convierten una señal de analógico a digital (AD) y vive versa (DA). Muchos de los grandes estudios de masterización usan equipos externos analógicos por lo que usan convertidores AD y DA de gran calidad para asegurar que la señal se mantenga a la mayor calidad cuando vaya entre el ordenador y los equipos externos. Por lo que estos convertidores caros a menudo tienen ajustes que les permite aguantar y disfrazar el clipeo y lo hacen de una manera que nos es muy perceptible. Ahora imagino que debes estar pensando: ‘Eso está muy bien Rob, has estado dos páginas explicándome sobre algo que de todas maneras no puedo tener!’ Espera un segundo.

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Ahora que sabemos QUÉ hacen ellos, podemos intentar imitarlo usando algún plugin. Yo he usado el clipador T-Racks con bastante éxito varias veces, y aunque seguramente nunca iguale algo que cuesta cientos de veces más, sin duda hace su trabajo y nos da un sonido que puede convencer al 95% de la gente (los ‘seguidores’).

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Paso 6: ‘Limitar’ Limitar es la fase final y debería ser siempre el ÚLTIMO procedimiento que se aplique. Un limitador comprime el sonido sin que que permita que pase de cierto nivel. Yo ajusto el mío a ‘-0.1’ (justo debajo de cero). Incluso si no haces NADA más, usa un limitador para llevar tu canción a un buen nivel sin que clipe. Un limitador ES un compresor con una ratio del infinito. Por lo que con un compresor, por ejemplo puedes ajustar el ratio a 4:1. Lo que está haciendo es para cada 4 partes de sonido que pasa de cierto nivel (el umbral o threshold), permite que pase 1 parte proporcional. Con un limitador ‘brick wall’ limiter, no importa cuanto subas el nivel que nunca pasará del umbral que le marques. Todo lo que quiere decir esto es que que podemos usar un limitador para conseguir el mayor nivel de nuestro track sin que haya clipeo digital. Por supuesto, como todo, hay un límite al cual podemos forzarlo antes que suene muy obvio que está comprimido. Generalmente, yo suelo llevarlo a 2 dBs de reducción de ganancia si he usado un clipador, si no lo he usado entre 2dBs y 4 dBs. Los limitadores que yo uso en este momento son los Waves L2 o L3. Realmente me gustan porque son muy transparentes y no hacen que el track suene claramente comprimido mientras no lo fuerces a más de 4 - 6 dBs de GR (Reducción de ganancia). Hay muchos limitadores buenos por lo que debes experimentar con los que tengas y ver cual suena mejor para ti.

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Paso 7: ‘Referenciar’ Una ventaja de los estudios profesionales de masterización es que tienen salas llenas con una variedad diversa de altavoces, sistemas de audio y monitores de referencia para que puedan escuchar al instante y comparar como suena en diferentes fuentes. Aunque no sea tan práctico, podemos hacer lo mismo simplemente copiando nuestros tracks en un CD o en un reproductor MP3 y escucharlos en todos lados, desde reproductores estéreo portátiles, el coche, el ordenador, auriculares, PA, equipo HiFi con subwoofer, altavoces de PC, iPod etc. Compáralo con dos o tres de los tracks de referencia que usaste para comparar en tu sesión de mastering. Busca diferencias que se vayan repitiendo - Por ejemplo, solo porque no puedas escuchar el bajo en tu portátil no quiere decir que tengas que subir el bajo. Compáralo con tus referencias y fíjate cómo se escucha el bajo en esos tracks. Si notas que se destaca más en todos tus tracks de referencia entonces deberías valorarlo en tu máster. Ten presente que lo que puedas hacer en la masterización tendrá sus límites ya que si en la mezcla el bajo no estaba lo suficientemente alto, o en las frecuencias adecuadas, no será posible hacerle demasiado. Recuerda, la masterización es el arte del COMPROMISO; estaremos trabajando el CONJUNTO del track y haciendo que sea lo mejor que sea posible; no estaremos haciendo que cada instrumenta sea lo mejor posible - eso pertenece a la etapa de mezcla.

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Repaso A La Fórmula De Los 7 Pasos 1. Preparar ✓

Volcar la mezcla a un archivo estéreo

✓

Traer 2 - 3 tracks de referencia

2. Arreglar ✓

Revisar problemas

✓ Ir atrás y arreglarlos en la mezcla si es posible, si no, arreglar lo que se pueda.

3. Realzar ✓

Qué puede hacer que la canción suene mejor?

✓

Puede ayudar que sea más denso?

✓

Sonará mejor con ensanchador de estéreo?

✓

Y un poco de EQ en el rango de frecuencias altas?

4. Comprimir ✓

Necesita compresión?

✓ Los compresores multibanda nos permiten comprimir los diferentes rangos de frecuencia de manera separada por lo que nos dan un mayor control.

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5. Clipar ✓ Si lo que buscamos es volumen, el clipeo suave será nuestro amigo ✓ Normalmente está se usará para tracks más agresivos, si es una canción melosa, mejor no tocarlo! ✓ Si no eres el hijo de Donald Trump, considera probar un plugin como el clipador suave de T-Racks para conseguir un efecto parecido a lo que usan los pros.

6. Limitar ✓ Si no haces NADA más, un limitador es muy bueno para llevar tu canción a un nivel de volumen bueno sin clipeo digital. ✓ Un limitador SIEMPRE será el ÚLTIMO paso en la cadena. No pongas nada después del limitador. ✓ Limita a -0.1 (Alguna gente dice que -0.3 es mejor. Personalmente no creo que haya una diferencia, pero eso que de tu lado para decidir)

7. Referenciar ✓

Escucha tu tracks en tantos equipos como sea posible

✓ Compáralo a tus tracks de referencia y busca diferencias que se repitan ✓ Haz los ajustes y repite el proceso tantas veces como sea necesario

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Algunos Consejos Finales... El Volumen No Lo Es Todo La ‘guerra del volumen’ que existe ahora mismo es interesante ya que ya no se puede ir a ningún lugar más que a peor. Existe siempre un compromiso con hacer el track más alto que siempre no beneficia a la música. Esta claro que algunos géneros como el grunge suenan bien todo alto, sucio y con distorsión, pero otros no tanto. Es un hecho que nuestros oídos perciben entre dos tracks como que suena mejor el que tiene mayor volumen. Y ya que los singles MP3 y listas de reproducción aleatorias parecen que se están convirtiendo en la norma, se está convirtiendo en algo más importante que nuestra track tenga unos niveles idóneos en comparación al resto. En el caso de un álbum esto es insignificante ya que la gente simplemente sube el volumen general y no existe una diferencia. Paradójicamente, se ha demostrado que un mayor volumen en el máster no es necesariamente mejor cuando hablamos de llevarlo a la TV y radio ya que los emisores usan compresores para nivelar el nivel del canal. Esto comprime TODAVÍA MÁS la música por lo que en esencia, la música que no haya sido masterizada muy alta no se verá tan afectada y sonará mejor. Las compañías discográficas muchas veces envían diferentes másters a las emisoras de radio por este motivo. Al final, tu debes ser el que decida que es lo que funciona mejor para tu música. Pero como una guía general, yo elegiría la CALIDAD primero. Primero haz que suene muy bien y después preocúpate de si realmente quieres llevarlo a un determinado volumen.

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Si Tu Track Tiene Un Mayor Volumen Que Una Grabación Comercial Lo Suficientemente Alta... TEN CUIDADO! Especialmente cuando empecé, a veces dejaba mi máster donando MÁS ALTO que una grabación comercial. Pensaba que había algo malo en ello? Claro que no! (las personas tendemos a pensar mucho así) Yo pensé... ‘Soy un genio, he creado un máster que es superior a los otros!’ Debemos aprender de estos errores y tenerlo en mente... Cuanto vayamos a un volumen más alto, más difícil será mantener la calidad, por lo que si tu máster suena más alto que la última grabación de Greenday, seguramente está fallando en algo! Ya que las frecuencias bajas abarcan mucho espacio, seguramente quiere decir que estarás recortando mucho del low end (rango de frecuencias bajas), o que tu máster suena demasiado agresivo (el rango que va de 1kHz - 8 kHz).

Tus Oídos Se ‘Cansan’, Por Lo Que Toma Descansos Regularmente –No, el café no soluciona esto. Es muy tentador no parar hasta que escuchemos los resultados que estamos buscando, pero después de una hora o dos, entramos en una espiral hacia abajo. Un pequeño consejo: Toma descansos REGULARMENTE, descansa ANTES que te canses.

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Algo que yo hago es poner una alarma para una hora, y entonces tomar unos minutos de descanso. Parece algo sin importancia, pero cambiará la manera en la que trabajas y tener resultados MUCHO más rápidos. Es increíble con cuanta más claridad se escucha algo cuando vuelves, todo parece tener sentido.

Consideraciones Finales Voy a dar por hecho que sientes pasión por la música. No creo que mucha gente se meta en sonido para usar botones, tocar faders y ver medidores VU brillantes. Eso es lo que trato de tener siempre en mente, TODO tiene que ver con MÚSICA. Es fácil distraerse por toda la parte técnica que es complicada, pero finalmente la gente solo quiere escuchar una buena canción. Creo que lo mejor de aprender sobre esto es que puedas hacer que una canción suene LO MEJOR que se pueda. Por lo que sigue trabajando en ello y finalmente llegarás a hacer que las canciones suenen como quieres.

Espero que haya conseguido ayudarte en algo para que lleves tus canciones al siguiente nivel. Te deseo todo lo mejor y hablamos pronto! -Rob Williams

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