RENACIMIENTO La música del Renacimiento o música renacentista es la música escrita d los años 1400 y 1600, aproximadamen
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RENACIMIENTO La música del Renacimiento o música renacentista es la música escrita d los años 1400 y 1600, aproximadamente. Las características estilísticas que definen la música renacentista son su textura polifónica, que sigue las leyes del contrapunto, y estar regida por el sistema modal heredado del canto gregoriano. Entre sus formas musicales más difundidas se encuentran la misa y el motete en el género religioso, el madrigal, el villancico y la chanson en el género profano, y las danzas, el ricercare y la canzona en la música instrumental. Entre los compositores más destacados de este periodo se hallan J. Desprez, Palestrina, Orlando di Lasso y Tomás Luis de Victoria. Características generales Estilo La música renacentista se caracteriza por una suave sonoridad que deriva de la aceptación de la tercera como intervalo armónico consonante (uniéndose en esta categoría a quintas y octavas, ya admitidas en la Edad Media) y del progresivo aumento del número de voces, todas de igual importancia y regidas por las reglas del contrapunto: independencia de las voces, preparación y resolución de las disonancias, uso de terceras y sextas paralelas, exclusión de las quintas y octavas paralelas, etc. El sistema melódico utilizado siguió siendo el de los ocho modos gregorianos; las características modales (opuestas a las tonales) de la música del Renacimiento comenzaron a agotarse hacia el final del período con el uso creciente de intervalos de quinta como movimiento entre fundamentales, característica definitoria de la tonalidad. Música religiosa Durante este período la música religiosa tuvo una creciente difusión, debida a la exitosa novedad de la impresión musical, que permitió la expansión de un estilo internacional común en toda Europa (e incluso en las colonias españolas en América). Las formas litúrgicas más importantes durante el Renacimiento fueron la misa y el motete. La misa cubría el ciclo del ordinario (Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus-Benedictus y Agnus Dei) y se le solía dotar de unidad al basarse en material preexistente. Para ello se seguían dos procedimientos de composición principales: • Misa de cantus firmus: el autor toma una melodía preexistente, bien procedente del canto llano o bien de alguna canción profana, o incluso popular, y la sitúa en una de las voces, habitualmente la llamada Tenor. Las otras voces son creadas ex novo, completando una textura generalmente a cuatro voces, y son llamadas Cantus o Superius, Contratenor Altus (luego Altus) y Contratenor Bassus (luego Bassus). De estas denominaciones proceden los nombres actuales de las voces según sus tesituras. La misa de cantus firmus es típica del siglo XV El motete renacentista era una pieza polifónica de texto sacro y en latín. Deudor en un principio del motete medieval, del cual procedía, pronto asumió una continua textura imitativa de voces de igual importancia (en número cada
vez mayor: cuatro en el siglo XV, cinco o seis a finales del XVI), con frases musicales imbricadas y nuevos motivos para cada frase textual. En el motete el autor generalmente creaba material puramente original, sin tomar préstamos ajenos como en la misa. Géneros sagrados importantes, ya en lengua vernácula, fueron el villancico religioso español, el madrigal espiritual, la lauda italiana y el coral luterano. Contexto social El ascenso de la burguesía como clase social, las ideas del Humanismo (incluyendo la revalorización de las artes como puro disfrute personal) y el invento de la imprenta produjeron una extraordinaria y nueva difusión de la música culta. Esta pasó de ser un privilegio sólo al alcance de la nobleza y el alto clero, y ejecutada exclusivamente por profesionales, a ocupar también un lugar en el ocio de las clases medias, que consumían la amplia literatura musical profana publicada en toda Europa para uso casero de aficionados: canciones polifónicas en Francia, libros de vihuela y villancicos en España, madrigales en Italia e Inglaterra... Tocar un instrumento musical pasó de ser tarea propia de menesterosos a refinado pasatiempo de las clases altas, recomendado incluso por Maquiavelo en El Príncipe. ESCUELAS Escuela Franco Flamenca Fue la escuela musical más importante del renacimiento, por cantidad de compositores y calidad de sus obras. Esta escuela tuvo 5 etapas en las cuales sus características compositivas fueron modificándose como así sus compositores. Escuela romana Conjunto de compositores de la capilla principal en Roma, representantes importantes como Giovanni, Perluigi, Da Palestrina. La escuela romana llevaron adelanta las exigencias del concilio de Trento, la iglesia trato de terminar con la música profana, los músicos solicitaron que no que siguiera la música profana pero con reglas. Música Veneciana Se desarrolla en Venecia un estilo propio, la policoralidad (la escritura coral en dos coros al mismo tiempo), el estilo concertante. Esta escuela era menos severa que la romana y más accesible en la experimentación, incorpora instrumentos e incrementa el sentido armónico. Compositores destacados eran: Willaerd Adrián, Andrea Gabrieli España Movimiento polifónico importante, tanto música profana como religiosa época de Isabel de Castilla. La música polifónica esta representada por los villancicos que también aparece con texto sacro.
Compositores: Juan de Encino, Cristóbal de Morales, Francisco Guerrero y el importante Tomas Luís de victoria. Inglaterra Luego de la muerte de Dunstable (1453) se aisló de las pautas que se cultivaban en el resto de las escuelas renacentistas, existiendo el predominio de sonoridades amplias hasta 60S cantores. En la música profana se componen inspirados en Italia, encontramos anthems, carols, songs y ayres. Compositores: Jon Doblan, Tomas Morley, William Byrrol, John Farmer.
Barroco 1600-1750 Características: 1750, arte ampuloso y recargado - Música: dificultad melódica, mucha disonancia, confusiones armónicas. - hombre sensible a sus pasiones y fantasías - el hombre no imita la naturaleza, produce con razón y sentimiento Se refleja: simbología numérica, bajo continuo, armonía Toma del renacimiento simbolismo sonoro y lo reconstruye Inventa pocos instrumentos y perfeccionan algunos Pone la música textos dramáticos y toma como modelo la antigua melodía: la voz solista sigue el ritmo del lenguaje hablado palabras importantes caen en el compás fuerte el texto condiciona la tonalidad ( menor dolor, mayor alegre) el bajo es independiente de la voz el cantante tiene expresión gestual Oratorio: Handel “el mesias” Canción. Sencilla, estrofica y silábica con acordes de bajo continuo. Contenido: miseria, guerra, enfermedad, amor. Música para organo e instrumento de tecla: clavicordio, clave (música profana), órgano (música sacra). Italia “la sonata virtuosistica” (Scarlati), Frescobaldi, gran intrumentista Francia “la suite” (Couperin). Inglaterra “la variación” Alemania “estile mixto” Clases sociales: Rey y aristocracia Clero
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Burguesía Campesinado
La tres cuarta parte era analfabeta, no había nada de música popular. En la corte, iglesias, escuelas, era donde había música. El Oratorio (del lat. oratorium = casa de oración, del lat. orare = orar) es una forma de la música clásica europea, que consta comúnmente de coros, arias y recitativos. El oratorio es presentado por solistas, coro y orquesta. Comúnmente, el oratorio tiene una trama derivada de la religión cristiana, pero desde el siglo XIX, también se han escrito oratorios de contenido no religioso. La trama de un oratorio comúnmente consiste en partes que describen las acciones de la trama y partes que comentan lo ocurrido. El término deriva del latín "oratorium" y significa "casa de oración". Eso indica que los comienzos de la forma se encuentran en contemplaciones religiosas, pero no litúrgicas. A diferencia del castellano, en otros idiomas hay términos diferentes para el oratorio musical y el oratorio como casa de oración. Esta se denomina en inglés "oratory", en francés "oratoire", mientras que la forma musical se denomina "oratorio" en ambos idiomas.
CLASICISMO Se le denomina Clasicismo por ser la época comprendida entre 3 grandes maestros Vieneses: Hayden, Mozart, Beethoven. Haydn es el más viejo de los 3; y vive todo el tránsito desde el fin del Barroco, componiendo Estilos Galante y Sentimental. Mozart conocerá a haydn en la corte de Mannheim. Beethoven debe el estilo de Hayden Y Mozart , quien avanza y abre las puertas del Romanticismo. El concepto de la época surge después de la muerte de Beethoven( B) que posse: * la perfección de la forma, * contenido humanista y * un ideal de belleza. Siendo que une a la música con el resto de las artes. S XVIII época de Ilustración con nuevo concepto de Dignidad, Libertad y Felicidad del Hombre. Con hechos trascendentales como: Declaración de los Derechos Humanos 1776 EEUU Revolución Francesa Abolición de la Esclavitud Cobra auge la cultura burguesa, en las casa privadas, salones, y cafés, con anhelo por lo sencillo y natural, en contra del Barroco, prefiriendo a H” libre y sin manipular. Durante el Clasicismo coexisten 2 Estilos el Galante y el Sentimental: E. Galante:surge en oposición al estilo elaborado del Barroco siendo gracioso, y comprensible, dirigiéndose a los aficionados. Con melodismo cantable, gracil ornamentación, ágil acompañamiento, y formas transparentes, siendo la escuela de composición de Mozart , Bach.
E: Sentimental: emparentado con Beethoven. Busca la emoción del oyente, empleando elementos como: Disonancias, Alternancias de Modos M y m, Acordes interrumpidos. Se centró en la Esc. De Mannheim, siendo grupos de músicos profesionales de orquesta. Con papel fundamental en la evolución de la sinfonía y tb. Producción de Música de cámara y de ópera. Música sacra Música sacra católica de la Fe Cristiana con visión optimista de la época con luminosidad y fervor de la música sacra. La Misa es el género principal, música Sacra Polifónica, hay 2 tipos: Misa Brevis: para Domingo ordinario con todas las partes o sólo con Kyrie, Gloria, Credo .Especialidad alemana. Misa Solemnis: para ocasiones determinadas siempre con todas las partes. Solemnis se refiere a la duración, carácter, amplia distribución. Música Instrumental S XVIII de nuevas estructuras y generos musicales. El acompañamiento pasa a segundo plano y predomina la voz superior sobre un acompañamiento homofónico con elementos rítmicos, nuevos en la mano izquierda. Con el nuevo estilo se reemplaza el clave por el Piano, con expresión y pulsación de contrastes y vivacidad, principal instrumento del Clasicismo. Organo pierde importancia. La Música de Cámara toma su nombre del lugar de interpretación, de los salones de la Corte, que se separa de la Sinfónica. Música de Camara con Piano: trío con piano para: violín, violoncello y piano. Violoncello se separa del Bajo Contínuo. Cuarteto con Piano: 2 violines, viola, violoncello, Música de Cámara para cuerdas. Música de Cámara interpretada por aficionados, pero aumenta la dificultad y es concebida por profesionales, siendo interpretada en salas de Concierto. Sinfonía Clasica: es interpretada por orquestas burguesas, formadas por aficionados y profesionales. Orquesta de la época: con 30 músicos, conjunto de cuerdas, con contrabajo, 2 oboes, flautas, 2 trompetas, Fagotes, clarinetes, timbales. Concierto para solista: para violín y piano. Clasicismo en España e Hispanoamérica La actividad musical en España del S XVIII con 3 focos fundamentales: La corte y las capillas de nobleza, que realizan música de cámara, religiosa, tb. Teatro musical, centro de ópera Italiana y géneros españoles: “Zarzuela”, y “Tonadillas”, compositores: Antonio Ríos de Hita, EL Sainetero Ramán de la Cruz con obras como: “ las labradoras de Murcia o los Tonadilleros de Blas laserna”, Luis Misón. 2 Figuras imp. del Clasicismo Español: *Monje Jerónimo Antonio Soler *El violoncelista Italiano Luigi Bocherinni. Música para teclado: Sebastian de Albero Para oboe los Hermanos Juan José En Argentina con Blas Parera autor del Himno Nacional Argentino.