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PIET MONDRIAN. UN SUEÑO DE ABSTRACCIÓN Y NEOPLASTICISMO. ANÁLISIS CRÍTICO DE LA ARQUITECTURA Y EL ARTE IV.

Piet Mondrian.

Pintor vanguardista Neerlandés, miembro de De Stijl y fundador del neoplasticismo, junto con Theo van Doesburg. Gran pintor de edad Contemporánea, inicio sus pinturas con figuración se consideraba muy sensible con respecto a los sentimientos de allí provienen todas sus obras las cuales vendrían con el tiempo, algunas famosas y otras no tanto, igualmente le dejaron la enseñanza para un futuro convertirse en el gran artista q se presentara a continuación.

Biografía. Hacia 1901 Mondrian se interesó por la Teosofía y contactó con algunos grupos que practicaban esta doctrina pseudorreligiosa, de marcado carácter esotérico y basada en la búsqueda de las leyes absolutas y verdades eternas que mueven el mundo y al hombre. En 1909 ingresó en la Sociedad Teosófica holandesa. El deseo de Mondrian era superar a través del arte los valores individuales y contingentes de la realidad en favor de la representación de lo universal. Su defensa y práctica del pensamiento teosófico se aprecia en su obra, por ejemplo, en el desarrollo de un lenguaje abstracto que encarnara los principios universales y sintetizar así la representación de la realidad objetiva. Mondrian realizó su primer viaje a París en mayo de 1911. Contactó con la vanguardia parisina, se adhirió a la Sociedad de Artistas Independientes y también iba al Museo del Louvre para copiar a los maestros antiguos. Fue entonces cuando su lenguaje pictórico viró hacia un cubismo moderado; éste fue el primer paso hacia un vocabulario que progresivamente se hizo más abstracto. Mondrian redujo sus paisajes y se concentró en la consideración de los árboles, en el crecimiento vertical del entramado de las copas y las ramas. En 1914 se fechan sus primeros ejemplos teóricos y pictóricos de su particular síntesis abstracta de la naturaleza mediante líneas horizontales y verticales negras y combinaciones de los tres colores puros (rojo, azul y amarillo). Mondrian es una de las figuras eminentes del arte del siglo XX, Y El Neoplasticismo es una de las formas que toma la abstracción en las primeras décadas del siglo XX (1918). Se Trata de una concepción analítica y esencialista de la pintura, una búsqueda de un arte que ha de trascender la realidad externa –material- Reduciéndola a formas geométricas y colores puros –es decir, lo espiritual-. Mondrian a lo largo de su carrera aprovecha la lección del cubismo, incorporándola a su búsqueda universalizadora, y abre un camino que después seguirían movimientos centrados en la investigación analítica de la forma a través de abstracción geométrica. En 1915 conoció al pintor Théo Van Doesburg en Ámsterdam. Su similar concepción del arte – deseaban buscar la forma más pura para representar la Naturaleza– les animó a trabajar juntos. Fundaron la revista De Stijlen 1917 y a través de ella difundieron sus presupuestos teóricos. Fue así como dieron origen a una nueva corriente artística: el Neoplasticismo. Mondrian regresó a París en 1919, una vez acabada la guerra. A partir de ese momento convirtió el Neoplasticismo en un estilo no sólo pictórico, sino también en vocabulario

adecuado para el diseño de objetos, muebles y casas. Su propio estudio era el mayor ejemplo del Neoplasticismo aplicado a la decoración y disposición interna de las viviendas. Mondrian contó siempre con pocos recursos económicos, de modo que hasta muy tarde no pudo dedicarse exclusivamente a su pintura. Para poder vivir trabajó como copista de cuadros o repetía los propios de su primera época, aquellos de flores y paisajes y de estilo naturalista, ya que se vendían con mayor facilidad. Así, en los años 60: op-art, etc. También En los 70 el lema del arte minimalista, “Less Is More”, parece asumir los planteamientos del Neoplasticismo de Mondrian. El Neoplasticismo es un movimiento abstracto, que parte de la relación con la naturaleza que se da en el arte europeo desde la década de 1880 (postimpresionismo). Este anhelo de abstracción en el arte, como sabemos, había asumido dos direcciones, según ponga el acento en: Contenido: emocional, entendido como exploración de las posibilidades expresivas de la pintura. Forma: Geometrismo, entendido como reflexión sobre las posibilidades del lenguaje pictórico. Técnica: Oleo. En 1931 se integró en el grupo Abstraction-Création, fundado por Van Doesburg, Hans Arp, Jean Hélion y Vantorgerloo y con ellos expuso en los años siguientes. En la primavera de 1939 la amenaza del estallido de la guerra aumentaba y Mondrian logró un visado para ir a Londres, donde permaneció hasta el otoño de 1940, esto se debio a que los nazis de ideas totalitaria, denominaba de aberrante y degenerado todo aquello que no representara sus ideales; momento en el que viajó a Estados Unidos. Desde los años veinte desarrolló una gran pasión por la música jazz, que creció con el tiempo, y por el baile de Josephine Baker. En Nueva York cayó fascinado por la música y el baile boggiewoogie, al que consideraba, como al Neoplasticismo, expresione s de la nueva vida y cultura modernas. En 1941 se inscribió en la asociación The American Abstracts Artists y logró, ya al final de su vida, gran reconocimiento por parte de las más prestigiosas instituciones artísticas norteamericanas.

HISTORIA Y DESARROLLO DEL D STIJL.

“De Stijl”, que en holandés significa estilo, fue una revista dedicada a las artes plásticas fundada por Piet Mondrian y Theo van Doesburg que surgió en 1917 y duró hasta 1931. El nombre de Stijl también suele aplicársele al artista y arquitectos que alguna vez contribuyeron con él. Esta revista iba a reunir un número de artistas que compartían ciertas ideas y actitudes, que a la vez, iban a constituir en un foro donde se iba a discutir el camino que el arte moderno iba a seguir e iba a servir, a su vez, como órgano difusor de este nuevo arte. Esta revista que promocionaba el neoplasticismo, fue una de las más influyentes de su tiempo ya que tenía la finalidad de lograr un estilo válido, que sustituyera lo individual por lo universal. En ella, todos los artistas que colaboraban y que abogaban por un progreso radical de las artes, publicaron en la revista críticas, teorías y manifiestos. El movimiento de Stijl era considerando como una variante del arte abstracto, que era característico de la modernidad. Este nuevo arte no pretendía ser reproductivo ni ilustrativo, tal como la había sido el arte tradicional, éste quería ser comprensible a partir de sí mismo, sin referencias al mundo de los objetos ni a la reproducción figurativa.

Su racionalismo formal estaba basado en un amplio programa artístico, que a partir de los elementos fundamentales de las artes plásticas, pretendía configurar un nuevo mundo ideal. Para Stijl el arte era un catalizador que debía lograr un estado de armonía ideal, por esto el ideal de Stijl siempre estuvo orientado hacia la realización de obras en todas las artes. Los ideales estéticos, el lenguaje formal y las intenciones de los artistas que conformaban el Stijl, estaban contenidos en el tratado fundamental de Mondrian, titulado “el nuevo modo de concebir la forma en la pintura” (el cual se publicó en el primer número de la revista). En este trabajo Mondrian define el nuevo arte no como un nuevo estilo de escuela particular, sino como algo de mayor alcance y significación, como la forma de expresión adecuada al mundo ideal. La esencia del Stijl puede describirse a través de su intención universalista, el nuevo arte era necesariamente abstracto, expresaba la belleza pura, y por ello debía utilizarse exclusivamente formas puras. Uno de los ejemplos más ilustrativos se aprecian en la obra de Mondrian, donde combinaba su configuración abstracta a través del equilibrio, utilizando los colores primarios, la escala de grises y las líneas rectas, las cuales forman rectángulos que equilibran las apreciaciones entre espacio y tiempo, reposo y movimiento en las relaciones que guardan las superficies entre sí. Es aquí donde el ideal de la armonía absoluta se concretiza. Los ideales de Stijl abarcaron prácticamente todo, ellos pretendieron configurar la totalidad del mundo en el que se desarrolla la vida del ser humano. Sus artistas trabajaron como arquitectos, decoradores de muebles, artistas gráficos y escenógrafos, los cuales produjeron una gran cantidad de obras.

La arquitectura como tema se trató desde el primer número de la revista en la cual Oud expuso en un artículo ideas sobre un proyecto, que era el diseño de una avenida a lo largo de la playa, proyecto que nunca se realizó. Para Stijl en esta primera etapa de su desarrollo, la obra del arquitecto Frank Lloyd Wright ejerció una función de modelo y fuente de inspiración, ya que para el cuarto número de la revista se presentaron plantas y alzados de una de sus casas (villa Robbie de Chicago), la cual, vino acompañada de un análisis de Oud. De esta forma nos damos cuenta de cómo un edificio del lenguaje formal de Wright que servía a los propósitos del Stijl se haya convertido en un prototipo para su arquitectura en aquel entonces. Como la primera obra arquitectónica asociada a este movimiento tenemos la villa Henny creada por Robert van´t Hoff quien había conocido a Wright en una visita a Estados Unidos antes de la guerra. A parte de esta casa de van´t Hoff pionera en hormigón armado y varias otras obras wrightianas trabajadas por Wills, hubo relativamente poca actividad arquitectónica en esta primera fase del Stijl. El análisis de la casa Henny le permitió a Vilmos Huszár formular los nuevos principios arquitectónicos. El distinguió en la construcción arquitectónica distintas clases de elementos integrantes: es decir, los arquitectónicos (muros, ventanas, funciones) los elementos pictóricos (color, línea y formas bidimensionales) y los escultóricos (espacio y plasticidad) que era de aquí de dónde venían los criterios para la elección de los materiales. Recordemos que según el ideal intelectual y racional del nuevo arte, debía evitarse el uso de materiales naturales (el ladrillo, la paja y la madera) utilizando en su lugar un material artificial, el hormigón armado. Este es un claro ejemplo de cómo se aplicaban las ideas fundamentales del arte desarrollado en un principio con respecto a la pintura. - La arquitectura debe ser considerada como una unidad plástica constituida por todas las artes, por la industria y la técnica que den origen a la aparición de un nuevo equilibrio. - Las leyes del espacio y sus variaciones infinitas pueden conjugarse en una unidad equilibrada. - Las leyes del color en el espacio y en el tiempo producen una unidad nueva. - Las relaciones entre el espacio y el tiempo a través del color producen una nueva dimensión. - Las interrelaciones entre la dimensión, proporción, espacio, tiempo y materiales deben ser válidas para formar una unidad.

- Eliminando los elementos de limitación se eliminan los caracteres opuestos entre el interior y el exterior. - Se le da al color en la arquitectura el lugar que le corresponde legítimamente, la pintura separada de la construcción arquitectónica no tiene razón de existir. - La edad de la construcción está en su final.

ELEMENTOS PICTORICOS Y CARACTERÍSTICAS DE SUS OBRAS. Características: La coloración debe estar en los colores primarios de rojo, de azul y de amarillo o los non colors del negro, del gris y del blanco. Las superficies deben los planos o los prismas rectangulares. El equilibrio estético debe ser alcanzado y esto se hace con el uso de la oposición. Los elementos compositivos deben ser líneas rectas o áreas rectangulares. La simetría debe ser evitada. El balance y el ritmo son realzados por relaciones de la proporción y de la localización. Evasiva de líneas horizontales para no propiciar el dinamismo. El arte de Mondrian siempre estaba íntimamente relacionado a sus estudios espirituales y filosóficos.

RED TREE

Estudio de una figura.

El árbol gris.

Autorretrato.

Árbol floreciendo.

Composición de árboles lll.

Tablero lll.

Composición num. 6.

Composición num. 9 Fachada azul.

Pastilla con líneas grises.

Composición en color A.

Composición del tablero de damas, colores oscuros.

Composición en rojo, azul y amarillo.

Composición con rojo y gris.

New York, New York.

Composición ll, con líneas negras.

Composición vertical con azul y blanco.

Broadway Boogie-Woogie.

Autoretrato.

Victoria Boogie-Woogie, sin terminar. La importancia y validez de su arte en nuestros dias. A través de la historia de la cultura, el arte ha demostrado que belleza universal no surge del carácter particular de la forma, sino del ritmo dinámico de sus relaciones inherentes, o en una composición de las relaciones mutuas de las formas. El arte ha probado que se trata de determinar las relaciones. Ha revelado que las formas existen sólo a efectos de la creación de relaciones, que las formas crean relaciones y que ellas crean formas. En esta dualidad de formas y sus relaciones, ninguna de las dos es más importante que la otra. El único problema del arte es alcanzar el equilibrio entre lo subjetivo y lo objetivo. Pero es de suma importancia que este problema se resuelva en el terreno del arte plástico –es decir, técnicamente– y no en el campo del pensamiento. La obra de arte debe ser producida, construid. Debe crearse una representación de formas y relaciones de la

manera más objetiva posible. Tal obra nunca podrá ser vacía, porque la oposición de sus elementos constructivos y su ejecución despiertan emoción. Su estilo (Neoplasticista) es muy conocido y hasta parodiado, el cual podemos encontrar en la moda, la música y la arquitectura.